Mataas na mga artista ng Renaissance ang pinangalanan ang bansa ng trabaho. Pagpipinta ng Renaissance

Sa panahon ng Renaissance, maraming mga pagbabago at pagtuklas ang nagaganap. Ang mga bagong kontinente ay sinisiyasat, umuunlad ang kalakal, naimbento ang mga mahahalagang bagay, tulad ng papel, nautical compass, pulbura at marami pang iba. Ang mga pagbabago sa pagpipinta ay may kahalagahan din. Ang mga pagpipinta ng Renaissance ay nakakuha ng napakalawak na katanyagan.

Ang pangunahing mga istilo at trend sa mga gawa ng masters

Ang panahon ay isa sa pinaka mabunga sa kasaysayan ng sining. Ang mga obra maestra ng isang malaking bilang ng mga natitirang mga masters ay matatagpuan ngayon sa iba't ibang mga sentro ng sining. Sa Florence, ang mga nagpapanibago ay lumitaw sa unang kalahati ng ikalabinlimang siglo. Ang kanilang mga pagpipinta sa Renaissance ay minarkahan ang pagsisimula ng isang bagong panahon sa kasaysayan ng sining.

Sa oras na ito, ang agham at sining ay malapit na nauugnay. Pinagsikapan ng mga siyentista ng artista na makabisado ang pisikal na mundo. Sinubukan ng Painters na gumamit ng mas tumpak na mga ideya tungkol sa katawan ng tao. Maraming mga artista ang nagsikap para sa pagiging totoo. Nagsisimula ang istilo sa pagpipinta ni Leonardo da Vinci na "The Last Supper", na ipininta niya sa halos apat na taon.

Isa sa pinakatanyag na akda

Ito ay isinulat noong 1490 para sa refectory ng Santa Maria delle Grazie monastery sa Milan. Inilalarawan ng canvas ang huling pagkain ni Jesus kasama ang kanyang mga alagad bago siya ay dinakip at pinatay. Ang mga kapanahon na nagmamasid sa gawain ng artista sa panahong ito ay nabanggit kung paano niya maipinta mula umaga hanggang gabi, nang hindi tumitigil sa pagkain. At pagkatapos ay maaari niyang abandunahin ang kanyang pagpipinta sa loob ng maraming araw at hindi na ito narating.

Labis na nag-alala ang artist tungkol sa imahe mismo ni Kristo at ang nagtaksil kay Hudas. Nang sa wakas nakumpleto ang pagpipinta, tama itong kinilala bilang isang obra maestra. Ang Huling Hapunan ay isa sa pinakatanyag hanggang ngayon. Ang mga pagpaparami ng Renaissance ay palaging nasa mataas na demand, ngunit ang obra maestra na ito ay minarkahan ng hindi mabilang na mga kopya.

Isang kinikilalang obra maestra, o ang Misteryosong ngiti ng isang babae

Kabilang sa mga gawa na nilikha ni Leonardo noong labing anim na siglo, mayroong isang larawan na tinatawag na "Mona Lisa", o "La Gioconda". Sa modernong panahon, marahil ito ang pinakatanyag na pagpipinta sa buong mundo. Naging tanyag siya pangunahin dahil sa mailap na ngiti sa mukha ng babaeng nakalarawan sa canvas. Ano ang humantong sa misteryong ito? Kasanayang gawain ng master, ang kakayahang may husay na lilim ng mga sulok ng mata at bibig? Hindi matukoy ang eksaktong kalikasan ng ngiting ito.

Wala sa kumpetisyon at iba pang mga detalye ng larawang ito. Ito ay nagkakahalaga ng pagbibigay pansin sa mga kamay at mata ng babae: ng anong katumpakan ang tinatrato ng artist ang pinakamaliit na mga detalye ng canvas kapag sinusulat ito. Hindi gaanong kawili-wili ang dramatikong tanawin sa background ng pagpipinta, isang mundo kung saan ang lahat ay tila nasa isang estado ng pagkilos ng bagay.

Isa pang sikat na kinatawan ng pagpipinta

Walang gaanong tanyag na kinatawan ng Renaissance ay si Sandro Botticelli. Ito ay isang mahusay na pintor ng Italyano. Ang kanyang mga pagpipinta sa Renaissance ay napakapopular din sa isang malawak na hanay ng mga madla. Ang "Adoration of the Magi", "Madonna and Child Enthroned", "Annunciation" - ang mga gawaing ito ni Botticelli, na nakatuon sa mga relihiyosong tema, ay naging mahusay na nagawa ng artista.

Ang isa pang tanyag na gawain ng master ay "Madonna Magnificat". Naging tanyag siya sa mga taon ng buhay ni Sandro, na pinatunayan ng maraming mga pagpaparami. Ang mga nasabing canvases sa anyo ng isang bilog ay lubos na hinihiling sa Florence noong ikalabinlimang siglo.

Isang bagong pagliko sa gawa ng artista

Mula noong 1490 ay nagbago si Sandro ng kanyang istilo. Ito ay nagiging mas ascetic, ang kumbinasyon ng mga kulay ngayon ay higit na pinigilan, madalas na madilim na mga tono ang nanaig. Ang bagong diskarte ng tagalikha sa pagsusulat ng kanyang mga gawa ay perpektong makikita sa "The Crowning of Mary", "Lamentation of Christ" at iba pang mga canvases na naglalarawan sa Madonna at Bata.

Ang mga obra maestra na ipininta ni Sandro Botticelli noong panahong iyon, tulad ng larawan ni Dante, ay wala ng tanawin ng tanawin at panloob. Ang isa sa pantay na makabuluhang likha ng artista ay ang "Mystical Christmas". Ang pagpipinta ay pininturahan sa ilalim ng impluwensya ng kaguluhan na naganap sa pagtatapos ng 1500 sa Italya. Maraming mga kuwadro na gawa ng mga artista ng Renaissance ay hindi lamang nakakuha ng katanyagan, sila ay naging isang halimbawa para sa susunod na henerasyon ng mga pintor.

Isang artista na ang mga canvases ay napapalibutan ng isang halo ng paghanga

Si Rafael Santi da Urbino ay hindi lamang isang arkitekto. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ng Renaissance ay pumukaw ng paghanga sa kalinawan ng kanilang anyo, ang pagiging simple ng komposisyon at ang nakamit na biswal ng ideyal ng kadakilaan ng tao. Kasama sina Michelangelo at Leonardo da Vinci, siya ay isa sa tradisyunal na trinidad ng mga pinakadakilang master ng panahong ito.

Nabuhay siya ng medyo maikling buhay, 37 taong gulang lamang. Ngunit sa oras na ito lumikha siya ng isang malaking bilang ng kanyang mga obra maestra. Ang ilan sa kanyang mga gawa ay nasa Vatican Palace sa Roma. Hindi lahat ng mga manonood ay makakakita mismo ng mga kuwadro na gawa ng mga Renaissance artist. Ang mga larawan ng mga obra maestra na ito ay magagamit sa lahat (ang ilan sa mga ito ay ipinakita sa artikulong ito).

Ang pinakatanyag na mga gawa ni Raphael

Mula 1504 hanggang 1507 Gumawa si Raphael ng isang buong serye ng Madonnas. Ang mga kuwadro na gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang nakapagmamalaking kagandahan, karunungan at sa parehong oras isang uri ng naliwanagan na kalungkutan. Ang pinakatanyag sa kanyang mga kuwadro ay ang "The Sistine Madonna". Inilalarawan siya sa pag-i-hover sa kalangitan at maayos na pagbaba sa mga tao na may hawak na Baby sa kanyang mga bisig. Ang kilusang ito na nagawang maipakita ng artista nang mahusay.

Ang gawaing ito ay lubos na pinupuri ng maraming mga kilalang kritiko, at lahat sila ay napagkasunduan na talagang bihira ito at hindi karaniwan. Lahat ng mga kuwadro na gawa ng mga Renaissance artist ay may mahabang kasaysayan. Ngunit ito ay naging pinakapopular na salamat sa walang katapusang pamamasyal mula nang magsimula ito. Matapos dumaan sa maraming pagsubok, sa wakas ay nakuha ang nararapat na lugar nito kasama ng mga paglalahad ng Dresden Museum.

Mga kuwadro na Renaissance. Mga larawan ng mga sikat na kuwadro na gawa

At isa pang tanyag na pintor ng Italyano, iskultor, at isa ring arkitekto na may malaking impluwensya sa pag-unlad ng sining sa Kanluranin ay si Michelangelo di Simoni. Sa kabila ng katotohanang kilalang kilala siya bilang isang iskultor, mayroon ding mahusay na mga gawa ng kanyang pagpipinta. At ang pinakamahalaga sa mga ito ay ang kisame ng Sistine Chapel.

Ang gawaing ito ay natupad sa loob ng apat na taon. Saklaw ng puwang ang tungkol sa limang daang square square at naglalaman ng higit sa tatlong daang mga numero. Sa gitna mismo ay siyam na yugto mula sa Genesis, nahahati sa maraming mga pangkat. Paglikha ng mundo, paglikha ng tao at ang kanyang pagkahulog. Kabilang sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa sa kisame ay Ang Paglikha nina Adan at Adan at Eba.

Ang kanyang pantay na tanyag na trabaho ay "Ang Huling Paghuhukom". Isinagawa ito sa pader ng altar ng Sistine Chapel. Inilalarawan ng fresco ang ikalawang pagparito ni Hesukristo. Dito hindi pinapansin ni Michelangelo ang karaniwang mga artistikong kombensiyon sa pagsulat ni Hesus. Inilarawan siya ng isang napakalaking istraktura ng kalamnan, bata at walang balbas.

Ang Kahalagahan ng Relihiyon, o ang Art ng Renaissance

Ang Renaissance Italian painting ay naging batayan sa pagbuo ng Western art. Marami sa mga tanyag na gawa ng henerasyong ito ng mga tagalikha ay may malaking epekto sa mga artista na nagpapatuloy hanggang ngayon. Ang mga dakilang kinatawan ng sining ng panahong iyon ay nakatuon sa kanilang pansin sa mga tema ng relihiyon, na madalas na nagtatrabaho sa pagkakasunud-sunod ng mga mayayamang patron, kasama na ang Papa mismo.

Ang relihiyon ay literal na tumagos sa pang-araw-araw na buhay ng mga tao ng panahong ito, na malalim na naka-embed sa isip ng mga artista. Halos lahat ng mga relihiyosong kuwadro ay nasa mga museo at art repository, ngunit ang mga kopya ng mga pagpipinta na Renaissance na nauugnay hindi lamang sa paksang ito ay matatagpuan sa maraming mga institusyon at kahit mga ordinaryong bahay. Ang mga tao ay walang katapusang hangaan ang mga gawa ng mga sikat na panginoon ng panahong iyon.

Ang Italya ay isang bansa na palaging sikat sa mga artista nito. Ang magagaling na masters na dating nanirahan sa Italya ay niluwalhati ang sining sa buong mundo. Masasabi nating sigurado na kung hindi dahil sa mga Italyanong artista, iskultor at arkitekto, ang mundo ngayon ay mukhang ganap na magkakaiba. Ang pinakamahalaga sa sining ng Italyano, siyempre, ay isinasaalang-alang. Ang Italya sa panahon ng Renaissance o Renaissance ay umabot sa isang walang uliran na pagtaas at pamumulaklak. Ang mga may talento na artista, iskultor, imbentor, totoong henyo na lumitaw sa mga panahong iyon ay kilala pa rin sa bawat mag-aaral. Ang kanilang sining, pagkamalikhain, ideya, pag-unlad ay itinuturing na klasiko ngayon, ang core kung saan itinatayo ang sining at kultura ng mundo.

Ang isa sa mga pinakatanyag na henyo ng Italian Renaissance ay, syempre, ang galing Leonardo da Vinci (1452-1519). Napakatalino ni Da Vinci na nakamit niya ang malaking tagumpay sa maraming larangan ng aktibidad, kasama na ang visual arts at agham. Ang isa pang sikat na artista na kinikilalang master ay Sandro Botticelli (1445-1510). Ang mga kuwadro na gawa ni Botticelli ay isang tunay na regalo sa sangkatauhan. Ngayon ang pinakapal nito ay nasa pinakatanyag na museo sa buong mundo at tunay na hindi mabibili ng salapi. Hindi gaanong sikat kaysa sa Leonardo da Vinci at Botticelli ay Raphael Santi (1483-1520), na nabuhay ng 38 taon, at sa panahong ito ay nagawang lumikha ng isang buong layer ng nakamamanghang pagpipinta, na naging isa sa pinakamaliwanag na halimbawa ng Maagang Renaissance. Ang isa pang mahusay na henyo ng Italian Renaissance ay walang alinlangan Michelangelo Buonarotti (1475-1564). Bilang karagdagan sa pagpipinta, si Michelangelo ay nakikibahagi sa iskultura, arkitektura at tula, at nakamit ang mahusay na mga resulta sa mga ganitong uri ng sining. Ang estatwa ni Michelangelo na tinawag na "David" ay itinuturing na isang hindi maunahan na obra maestra, isang halimbawa ng pinakamataas na nakamit ng sining ng iskultura.

Bilang karagdagan sa mga artist na nabanggit sa itaas, ang pinakadakilang mga artista ng Renaissance Italy ay ang mga masters tulad nina Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi at iba pa ... Lahat sila ay pangunahing mga halimbawa ng kasiya-siyang paaralan ng pagpipinta ng Venetian. Ang paaralan ng Florentine ng pagpipinta ng Italyano ay may kasamang mga artista tulad ng: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lhio, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Firaelandom del Sarto.

Upang mailista ang lahat ng mga artist na nagtrabaho sa panahon ng Renaissance, pati na rin sa huli na Renaissance, at mga siglo na ang lumipas, na naging kilala sa buong mundo at niluwalhati ang sining ng pagpipinta, binuo nila ang mga pangunahing prinsipyo at batas na pinagbabatayan ng lahat ng uri at genre ng magagaling na sining, marahil ay kakailanganin mong magsulat ng maraming dami, ngunit ang listahang ito ay sapat upang maunawaan na ang mga Mahusay na Italyano na artista ay ang talagang sining na alam natin, na gusto natin at pahalagahan natin magpakailanman!

Mga kuwadro na gawa ng magagaling na Italyano na artista

Andrea Mantegna - Fresco sa Chamber degli Sposi

Giorgione - Tatlong Pilosopo

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - Ang Magnanimity ng Scipio

Paolo Veronese - Labanan ng Lepanto

Sandro Botticelli (Marso 1, 1445 - Mayo 17, 1510) - isang malalim na taong relihiyoso, nagtrabaho sa lahat ng pangunahing mga simbahan sa Florence at sa Sistine Chapel ng Vatican, gayunpaman, sa kasaysayan ng sining nanatili siyang pangunahin bilang may-akda ng malalaking format mga kuwadro na patula sa mga paksang inspirasyon ng klasikal na unang panahon, - "Spring" at "The Birth of Venus". ...

Sa loob ng mahabang panahon, si Botticelli ay nasa anino ng mga higanteng Renaissance na nagtrabaho matapos siya, hanggang sa siya ay muling natagpuan ng British Pre-Raphaelites sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, na igalang ang marupok na linearity at tagsibol ng pagiging bago ng kanyang mga hinog na pintura bilang ang pinakamataas na punto sa pag-unlad ng mundo art.

Ipinanganak sa pamilya ng isang mayamang naninirahan sa lungsod na si Mariano di Vanni Filipepi. Nakatanggap ng magandang edukasyon. Pinag-aralan niya ang pagpipinta kasama ang monghe na si Filippo Lhio at pinagtibay mula sa kanya ang pagkahilig sa paglalarawan ng mga nakakaantig na mga motibo na nakikilala ang mga kuwadro ng kasaysayan ni Lhio. Pagkatapos ay nagtrabaho siya para sa sikat na iskultor na si Verrocchio. Noong 1470 ay inayos niya ang sarili niyang pagawaan ..

Kinuha niya ang kahusayan at katumpakan ng mga linya mula sa kanyang pangalawang kapatid, na isang alahas. Para sa ilang oras siya ay nag-aral kasama si Leonardo da Vinci sa pagawaan ng Verrocchio. Ang orihinal na tampok ng sariling talento ng Botticelli ay ang kanyang pagkahilig patungo sa kamangha-manghang. Isa siya sa mga unang nagpakilala ng sinaunang alamat at alegorya sa sining ng kanyang panahon, at sa espesyal na pagmamahal ay nagtrabaho siya sa mga paksa ng mitolohiko. Lalo na kamangha-mangha ang kanyang Venus, na lumangoy na hubad sa dagat sa isang shell, at ang mga diyos ng hangin ay pinapaliguan siya ng isang ulan ng mga rosas, at hinihimok ang shell sa baybayin.

Ang pinakamahusay na paglikha ng Botticelli ay itinuturing na frescoes na sinimulan niya noong 1474 sa Sistema Chapel ng Vatican. Nakumpleto ang maraming mga kuwadro na kinomisyon ng Medici. Sa partikular, pininturahan niya ang banner ni Giuliano Medici, kapatid ni Lorenzo the Magnificent. Noong 1470s at 1480s, ang paglilitrato ay naging isang independiyenteng genre sa gawa ni Botticelli (Man with a Medal, c. 1474; Young Man, 1480s). Naging tanyag si Botticelli sa kanyang masarap na panlasa at kagaya ng mga gawa bilang "Anunsyo" (1489-1490), "Inabandunang" (1495-1500), atbp. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, tila nag-iwan si Botticelli ng pagpipinta ..

Si Sandro Botticelli ay inilibing sa libingan ng pamilya sa simbahan ng Onisanti sa Florence. Ayon sa kalooban, inilibing siya malapit sa libingan ni Simonetta Vespucci, na nagbigay inspirasyon sa pinakamagagandang mga imahe ng master.

Leonardo di ser Piero da Vinci (Abril 15, 1452, ang nayon ng Anchiano, malapit sa bayan ng Vinci, malapit sa Florence - Mayo 2, 1519, - ang dakilang Italyano na pintor (pintor, iskultor, arkitekto) at siyentista (anatomista, naturalista), imbentor, manunulat, isa ng pinakamalaking kinatawan ng sining ng Mataas na Renaissance, isang malinaw na halimbawa ng "unibersal na tao".

Sa aming mga kapanahon, si Leonardo ay pangunahing kilala bilang isang artista. Bilang karagdagan, posible na ang da Vinci ay maaaring maging isang iskultor: ang mga mananaliksik mula sa Unibersidad ng Perugia - Giancarlo Gentilini at Carlo Sisi - inaangkin na ang terracotta head na natagpuan nila noong 1990 ay ang nag-iisang gawa sa iskultura ni Leonardo da Vinci na bumaba para sa atin. Gayunpaman, si da Vinci mismo sa iba't ibang panahon ng kanyang buhay ay isinasaalang-alang ang kanyang sarili lalo na isang inhinyero o siyentista. Hindi siya nagtalaga ng maraming oras sa masarap na sining at nagtrabaho nang mas mabagal. Samakatuwid, ang masining na pamana ni Leonardo ay hindi malaki sa dami, at ang bilang ng kanyang mga gawa ay nawala o malubhang napinsala. Gayunpaman, ang kanyang kontribusyon sa kulturang pansining sa mundo ay labis na mahalaga kahit na laban sa background ng cohort ng mga henyo na ibinigay ng Italian Renaissance. Salamat sa kanyang mga gawa, ang sining ng pagpipinta ay lumipat sa isang husay na bagong yugto sa pag-unlad nito. Ang mga pintor ng Renaissance na na nauna kay Leonardo ay matigas na inabandona ang marami sa mga kombensyon ng sining sa sining medyebal. Ito ay isang kilusan patungo sa pagiging totoo at marami na ang nakakamit sa pag-aaral ng pananaw, anatomya, mas malawak na kalayaan sa mga pagbuong pagbubuo. Ngunit sa mga tuntunin ng pagiging maganda, gumana sa pintura, ang mga artist ay pa rin maginoo at napipigilan. Ang linya sa larawan ay malinaw na nakabalangkas sa paksa, at ang imahe ay mukhang isang guhit na guhit. Ang pinaka-kundisyon ay ang tanawin, na gumaganap ng pangalawang papel. ...

Napagtanto at isinama ni Leonardo ang isang bagong pamamaraan sa pagpipinta. Ang kanyang linya ay may karapatang lumabo, sapagkat ito ang nakikita natin. Napagtanto niya ang kababalaghan ng ilaw na nagkalat sa hangin at ang hitsura ng sfumato - isang haze sa pagitan ng manonood at ng nakalarawan na bagay, na nagpapalambot ng mga pagkakaiba sa kulay at mga linya. Bilang isang resulta, ang pagiging totoo sa pagpipinta ay lumipat sa isang husay na bagong antas. ... Renaissance pagpipinta botticelli muling pagsilang

Raphael Santi (Marso 28, 1483 - Abril 6, 1520) - ang dakilang pintor ng Italyano, graphic artist at arkitekto, kinatawan ng paaralan ng Umbrian ..

Ang anak ng pintor na si Giovanni Santi ay sumailalim sa kanyang paunang masining na pagsasanay sa Urbino kasama ang kanyang ama na si Giovanni Santi, ngunit sa murang edad ay natagpuan niya ang kanyang sarili sa studio ng natitirang artist na si Pietro Perugino. Ito ang masining na wika at koleksyon ng imahe ng Perugino, na may gravitation patungo sa simetriko balanseng komposisyon, kalinawan ng spatial solution at lambot sa solusyon ng kulay at ilaw, na may pangunahing impluwensya sa istilo ng batang Raphael.

Kinakailangan din na itakda na ang malikhaing sulat-kamay ni Raphael ay nagsasama ng isang pagbubuo ng mga diskarte at mga nahanap ng iba pang mga panginoon. Sa una, si Raphael ay umasa sa karanasan ni Perugino, kalaunan naman - sa mga nahanap ni Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. ...

Ang mga maagang gawa (Madonna Conestabile 1502-1503) ay nilagyan ng biyaya, malambot na liriko. Niluwalhati niya ang makamundong pag-iral ng tao, ang pagkakasundo ng mga espiritwal at pisikal na puwersa sa mga kuwadro ng silid ng Vatican (1509-1517), na nakamit ang isang hindi nagkakamali na kahulugan ng proporsyon, ritmo, proporsyon, euphony ng kulay, pagkakaisa ng mga numero at kamangha-manghang mga background ng arkitektura ..

Sa Florence, nang makipag-ugnay sa mga nilikha nina Michelangelo at Leonardo, natutunan mula sa kanila ng Raphael ang tamang anatomikong paglalarawan ng katawan ng tao. Sa edad na 25, natagpuan ng artist ang kanyang sarili sa Roma, at mula sa sandaling iyon nagsimula ang panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng kanyang trabaho: nagsasagawa siya ng mga napakalaking mural sa Vatican Palace (1509-1511), kasama ang obra maestra ng master - ang Ang fresco "School of Athens", ay nagsusulat ng mga komposisyon ng dambana at mga kuwadro na gawa sa kuda, na nakikilala sa pagkakasundo ng disenyo at pagpapatupad, ay gumagana bilang isang arkitekto (sa ilang oras na pinangangasiwaan pa rin ni Raphael ang pagtatayo ng St. Peter's Cathedral). Sa isang walang sawang paghahanap para sa kanyang ideyal, nilagyan ng artist sa imaheng Madonna, nilikha niya ang kanyang pinaka perpektong nilikha - "The Sistine Madonna" (1513), isang simbolo ng pagiging ina at pagtanggi sa sarili. Ang mga pintura at mural ni Raphael ay kinilala ng kanyang mga kasabay, at di nagtagal ay naging sentral na pigura si Santi sa masining na buhay ng Roma. Maraming marangal na tao ng Italya ang nais na maiugnay sa artist, kasama ang isang matalik na kaibigan ni Raphael, si Cardinal Bibbien. Ang artista ay namatay sa edad na tatlumpu't pito mula sa kabiguan sa puso. Ang hindi natapos na mga kuwadro na gawa ng Villa Farnesina, ang Vatican Loggias at iba pang mga gawa ay nakumpleto ng mga mag-aaral ni Raphael alinsunod sa kanyang mga sketch at guhit ..

Isa sa pinakamalaking kinatawan ng sining ng Mataas na Renaissance, na ang mga kuwadro na gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng binibigyang diin na balanse at pagkakasundo ng kabuuan, ang pagiging maayos ng komposisyon, ang sinusukat na ritmo at ang maselan na paggamit ng mga posibilidad ng kulay. Hindi nagkakamali na karunungan ng linya at ang kakayahang ibuod at mai-highlight ang pangunahing bagay, ginawang isa si Raphael sa isang pinakahusay na master ng pagguhit sa lahat ng oras. Ang pamana ni Raphael ay nagsilbing isa sa mga haligi sa pagbuo ng akademikong akademiko ng Europa. Ang mga tagasunod ng klasismo - magkakapatid na Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov at marami pang ibang mga artista - ay pinuri ang pamana ni Raphael bilang pinaka perpektong hindi pangkaraniwang bagay sa art ng mundo ..

Titian Vecellio (1476/1477 o 1480s - 1576) - Italyano na pintor ng Renaissance. Ang pangalan ni Titian ay kapareho ng naturang mga Renaissance artist tulad nina Michelangelo, Leonardo da Vinci at Raphael. Nagpinta si Titian ng mga larawan sa mga paksang biblikal at mitolohiko, siya ay sumikat bilang isang pintor ng larawan. Nakatanggap siya ng mga order mula sa mga hari at papa, kardinal, dukes at prinsipe. Si Titian ay hindi kahit tatlumpung taong gulang nang siya ay kinilala bilang pinakamahusay na pintor ng Venice ..

Matapos ang kanyang lugar ng kapanganakan (Pieve di Cadore sa lalawigan ng Belluno), kung minsan ay tinatawag siyang da Cadore; kilala rin bilang Titian the Divine ..

Si Titian ay isinilang sa pamilya ni Gregorio Vecellio, isang estadista at pinuno ng militar. Sa edad na sampu, ipinadala siya kasama ang kanyang kapatid sa Venice upang mag-aral kasama ang tanyag na mosaicist na si Sebastian Zuccato. Makalipas ang ilang taon, pumasok siya sa pagawaan ng Giovanni Bellini bilang isang baguhan. Nag-aral siya kasama sina Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) at maraming iba pang mga artista na kalaunan ay sumikat.

Noong 1518 ipininta ni Titian ang pagpipinta na "The Ascension of Our Lady", noong 1515 - Si Salome na may ulo ni John the Baptist. Mula 1519 hanggang 1526 nagpinta siya ng maraming mga dambana, kasama na ang dambana ng pamilyang Pesaro ..

Mahaba ang buhay ni Titian. Hanggang sa mga huling araw, hindi siya tumigil sa pagtatrabaho. Pininturahan ni Titian ang kanyang huling pagpipinta, ang Lamentation of Christ, para sa kanyang sariling lapida. Ang artista ay namatay sa salot sa Venice noong Agosto 27, 1576, na nagkasakit ng impeksyon mula sa kanyang anak, na nag-aalaga sa kanya ..

Pinatawag ni Emperor Charles V si Titian sa kanya at pinalibutan siya ng karangalan at respeto at sinabi nang higit sa isang beses: "Maaari akong lumikha ng isang duke, ngunit saan ko kukunin ang pangalawang Titian?" Nang isang araw ay hinulog ng artist ang kanyang brush, itinaas ito ni Charles V at sinabi: "Ang paglilingkod kay Titian ay isang karangalan kahit para sa emperor." Parehong inanyayahan ng mga hari ng Espanya at Pransya si Titian sa kanilang lugar, upang manirahan sa korte, ngunit ang artista, na nakumpleto ang mga utos, ay palaging bumalik sa kanyang katutubong Venice. ...

Sa mga mahihirap na oras para sa Italya, nagsisimula ang isang maikling "ginintuang edad" ng Italian Renaissance - ang tinaguriang High Renaissance, ang pinakamataas na punto ng pag-usbong ng sining ng Italyano. Sa gayon, ang Mataas na Renaissance ay sumabay sa isang panahon ng mabangis na pakikibaka ng mga lungsod ng Italya para sa kalayaan. Ang sining ng panahong ito ay napuno ng humanismo, pananampalataya sa mga malikhaing kapangyarihan ng tao, sa kawalang-hanggan ng kanyang mga posibilidad, sa makatuwirang istraktura ng mundo, sa tagumpay ng pag-unlad. Sa sining, ang mga problema sa tungkuling sibiko, mataas na mga katangian ng moralidad, gawa, ang imahe ng isang maganda, maayos na binuo, malakas sa espiritu at katawan, isang bayani ng tao, na pinamamahalaang tumaas sa itaas ng antas ng pang-araw-araw na buhay, ay umuna. Ang paghahanap para sa isang perpektong humantong sa sining sa pagbubuo, paglalahat, sa pagsisiwalat ng mga pangkalahatang batas ng mga phenomena, sa pagkilala sa kanilang lohikal na ugnayan. Ang sining ng Mataas na Renaissance ay nag-iiwan ng mga detalye, hindi gaanong mahalagang mga detalye sa pangalan ng isang pangkalahatang imahe, sa pangalan ng pagsusumikap para sa isang maayos na pagbubuo ng magagandang panig ng buhay. Ito ay isa sa mga pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng Mataas na Renaissance at ng maaga.

Si Leonardo da Vinci (1452-1519) ang unang artista na nagpahayag ng pagkakaiba na ito. Ang unang guro ni Leonardo ay si Andrea Verrocchio. Ang pigura ng isang anghel sa pagpipinta ng guro na "Baptism" ay malinaw na ipinapakita ang pagkakaiba sa pang-unawa ng mundo ng artist ng nakaraang panahon at ng bagong panahon: walang pangharap na kabastusan ng Verrocchio, ang pinakamagandang chiaroscuro na pagmomodelo ng dami at ng pambihirang kabanalan ng imahe. ... Sa oras ng pag-iwan ng workshop ng Verrocchio, iniugnay ng mga mananaliksik ang "Madonna na may isang bulaklak" ("Madonna Benoit", tulad ng tawag sa mas maaga, sa pangalan ng mga may-ari). Sa panahong ito, si Leonardo, walang alinlangan, ay nasa ilalim ng impluwensya ng Botticelli nang ilang oras. Mula 80s ng siglong XV. ang dalawang hindi natapos na mga komposisyon ni Leonardo ay nakaligtas: Ang Pagsamba sa Magi at St. Jerome ". Marahil sa kalagitnaan ng 80s, si Madonna Litta ay nilikha sa sinaunang pamamaraan ng tempera, sa larawan kung saan ang uri ng babaeng kagandahan ni Leonardo ay nakitang ekspresyon: mabibigat na nakapikit na mga talukap ng mata at isang bahagyang napapansin na ngiti na nagbibigay sa mukha ng Madonna ng isang espesyal na kabanalan.

Pinagsasama ang mga prinsipyong pang-agham at malikhaing, nagtataglay ng parehong lohikal at masining na pag-iisip, si Leonardo sa buong buhay niya ay nakatuon sa siyentipikong pagsasaliksik kasama ang pinong sining; nagagambala, tila siya mabagal at nag-iwan ng ilang mga likhang sining. Sa korte ng Milanese, nagtrabaho si Leonardo bilang isang artista, siyentista, tekniko, imbentor, dalub-agbilang at anatomista. Ang unang mahusay na piraso na ginanap niya sa Milan ay "Madonna of the Rocks" (o "Madonna of the Grotto"). Ito ang kauna-unahang monumento ng mataas na Renaissance, kagiliw-giliw din dahil ganap nitong naipahayag ang mga kakaibang katangian ng pagpipinta ni Leonardo.

Ang pinakadakilang gawa ni Leonardo sa Milan, ang pinakamataas na nakamit ng kanyang sining, ay ang pagpipinta ng dingding ng refectory ng monasteryo ni Santa Maria della Grazie sa paksang "The Last Supper" (1495-1498). Nakilala ni Cristo ang kanyang mga alagad sa huling pagkakataon sa hapunan upang ipahayag sa kanila ang pagtataksil sa isa sa kanila. Para kay Leonardo, ang sining at agham ay hindi mapaghihiwalay. Nakatuon sa sining, gumawa siya ng siyentipikong pagsasaliksik, mga eksperimento, pagmamasid, dumaan siya sa pananaw sa larangan ng optika at pisika, sa pamamagitan ng mga problema sa proporsyon - sa anatomya at matematika, atbp. "Ang Huling Hapunan" nakumpleto ang isang buong yugto sa pang-agham na pagsasaliksik ng artista. Ito rin ay isang bagong yugto sa sining.

Humiwalay si Leonardo sa mga pag-aaral sa anatomy, geometry, fortification, land reclaim, linguistics, versification, music to work on the "Horse" - the equestrian monument to Francesco Sforza, alang-alang sa kung saan una siya sa lahat ay dumating sa Milan at kung saan sa ang unang bahagi ng 90 ay gumanap siya sa buong sukat sa luad. Ang monumento ay hindi nakalaan na maging katawanin sa tanso: noong 1499 sinalakay ng Pranses ang Milan at ang mga crossbowmen ng Gascon ay binaril ang monumentong pang-equestrian. Mula noong 1499, nagsimula ang taon ng paggala ni Leonardo: Mantua, Venice at, sa wakas, ang bayan ng artist - si Florence, kung saan ipininta niya ang karton na “St. Si Anna kasama si Maria na nakaluhod ", ayon sa kung saan lumilikha siya ng isang pagpipinta ng langis sa Milan (kung saan siya bumalik noong 1506)

Sa Florence, nagsimula si Leonardo ng isa pang pagpipinta: ang larawan ng asawa ng mangangalakal na si del Giocondo Mona Lisa, na naging isa sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa sa buong mundo.

Ang larawan ni Mona Lisa Gioconda ay isang mapagpasyang hakbang patungo sa pag-unlad ng Renaissance art

Sa kauna-unahang pagkakataon, ang genre ng portrait ay naging isang par na may mga komposisyon sa mga relihiyoso at mitolohikal na tema. Sa lahat ng hindi mapag-aalinlangananang pagkakatulad ng physiognomic, magkakaiba ang mga larawan ng Quattrocento, kung hindi panlabas, kung gayon panloob na pagpigil. Ang kamahalan ni Mona Lisa ay naiparating na sa pamamagitan ng paghahambing ng kanyang mariin na malalakas na pigura, na malakas na itinulak sa gilid ng canvas, na may tanawin na may mga bato at sapa na nakikita mula sa malayo, natutunaw, kumikibo, mailap at samakatuwid ay kamangha-mangha para sa lahat ng katotohanan ng ang motibo

Si Leonardo noong 1515 sa mungkahi ng haring Pranses na si Francis ay umalis ako papuntang Pransya nang walang hanggan.

Si Leonardo ay ang pinakadakilang artist ng kanyang panahon, isang henyo na nagbukas ng mga bagong abot-tanaw para sa sining. Naiwan niya ang ilang mga gawa, ngunit ang bawat isa sa kanila ay isang yugto sa kasaysayan ng kultura. Si Leonardo ay kilala rin bilang isang maraming nalalaman na siyentista. Ang kanyang mga natuklasang pang-agham, halimbawa, ang kanyang pagsasaliksik sa larangan ng paglipad na mga sasakyan, ay interesado sa ating edad ng mga astronautika. Ang libu-libong mga pahina ng mga manuskrito ni Leonardo, na sumasaklaw sa literal na lahat ng mga larangan ng kaalaman, ay nagpapatotoo sa pagiging pangkalahatan ng kanyang henyo.

Ang mga ideya ng napakalaking sining ng Renaissance, kung saan ang mga tradisyon ng sinaunang panahon at ang diwa ng Kristiyanismo ay nagsama, natagpuan ang kanilang pinakamalinaw na pagpapahayag sa gawain ni Raphael (1483-1520). Sa kanyang sining, ang dalawang pangunahing gawain ay natagpuan ang isang mature na solusyon: ang plastik na pagiging perpekto ng katawan ng tao, na nagpapahayag ng panloob na pagkakaisa ng isang komprehensibong binuo na pagkatao, kung saan sinundan ni Raphael ang unang panahon, at isang kumplikadong multi-figured na komposisyon na nagsasaad ng lahat ng pagkakaiba-iba ng mundo Pinayaman ni Raphael ang mga posibilidad na ito, na nakamit ang kamangha-manghang kalayaan sa paglalarawan ng espasyo at paggalaw ng tao sa loob nito, hindi nagkakamali na pagkakaisa sa pagitan ng kapaligiran at tao.

Wala sa mga masters ng Renaissance ang kumuha ng napakalalim at natural na ang pagan na kakanyahan ng unang panahon bilang Raphael; ito ay hindi nang walang dahilan na siya ay itinuturing na artist na pinaka-ganap na konektado ang mga sinaunang tradisyon sa Western European art ng bagong panahon.

Si Raphael Santi ay ipinanganak noong 1483 sa lungsod ng Urbino, isa sa mga sentro ng kulturang pansining sa Italya, sa korte ng Duke of Urbino, sa pamilya ng pintor at makata sa korte, na siyang unang guro ng hinaharap na panginoon

Ang maagang panahon ng trabaho ni Raphael ay perpektong nailalarawan sa pamamagitan ng isang maliit na pagpipinta sa anyo ng isang tondo na "Madonna Conestabile", na may pagiging simple at laconicism ng mahigpit na napiling mga detalye (para sa lahat ng pagkahiya-hiwalay ng komposisyon) at ang espesyal, likas sa lahat ng Ang mga gawa ni Raphael, banayad na lyricism at isang pakiramdam ng kapayapaan. Noong 1500, iniwan ni Raphael ang Urbino patungo sa Perugia upang mag-aral sa studio ng sikat na Umbrian artist na Perugino, sa ilalim ng impluwensya na Mary's Betrothal (1504) ay nakasulat. Isang pakiramdam ng ritmo, proporsyonalidad ng mga plastik na masa, mga agwat ng spatial, ang ratio ng mga numero at background, koordinasyon ng mga pangunahing tono (sa "Betrothal" ito ay ginintuang, pula at berde na kasama ng isang maputlang asul na background ng kalangitan) at lumikha ng pagkakaisa na naipakita na sa mga maagang gawa ni Raphael at nakikilala siya mula sa mga artista ng nakaraang panahon.

Sa buong buhay niya, hinahanap ni Raphael ang imaheng ito sa Madonna, ang kanyang maraming akdang pagbibigay kahulugan sa imahe ng Madonna ay nanalo sa kanya sa buong mundo. Ang merito ng artista, una sa lahat, ay naitatag niya ang lahat ng mga banayad na lilim ng damdamin sa ideya ng pagiging ina, upang pagsamahin ang lyricism at malalim na emosyonalidad sa napakalaking kadakilaan. Makikita ito sa lahat ng kanyang Madonnas, na nagsisimula sa walang imik na kabataan na Madonna Conestabil: sa Madonna sa Green, Madonna kasama ang Goldfinch, Madonna sa Upuan, at lalo na sa tuktok ng espiritu at kasanayan ni Raphael - sa Sistine Madonna.

Ang "The Sistine Madonna" ay isa sa pinaka perpektong akda ni Raphael at sa wika: ang pigura ni Maria kasama ang sanggol, na mahigpit na umuusbong laban sa kalangitan, ay pinag-isa ng isang karaniwang ritmo ng paggalaw kasama ang mga pigura ng St. Ang mga barbaro at Pope Sixtus II, na ang kilos ay nakatuon sa Madonna, pati na rin ang mga tingin ng dalawang anghel (mas katulad ng putti, na kung saan ay napaka katangian ng Renaissance), ay nasa ilalim ng komposisyon. Ang mga numero ay pinag-isa din ng isang karaniwang ginintuang kulay, na parang sumasalamin sa Banal na ningning. Ngunit ang pangunahing bagay ay ang uri ng mukha ng Madonna, na sumasalamin sa pagbubuo ng sinaunang ideyal ng kagandahan sa kabanalan ng Kristiyanong ideal, na kung saan ay napaka-katangian ng pananaw sa mundo ng Mataas na Renaissance.

Ang Sistine Madonna ay isang trabaho sa paglaon ni Raphael.

Sa simula ng siglong XVI. Naging pangunahing sentro ng kultura ng Italya ang Roma. Ang sining ng Mataas na Renaissance ay umabot sa rurok sa lungsod na ito, kung saan, sa pamamagitan ng kalooban ng mga nagtaguyod na papa na sina Julius II at Leo X, magkasabay na gumagana ang mga artista tulad nina Bramante, Michelangelo at Raphael.

Pininturahan ni Raphael ang unang dalawang saknong. Sa Stanza della Senyatura (silid ng mga lagda, mga selyo), nagsulat siya ng apat na frescoes-alegorya ng pangunahing mga larangan ng aktibidad na espiritwal ng tao: pilosopiya, tula, teolohiya at jurisprudence ("The School of Athens", "Parnassus", "Dispute" , "Sukatin, Karunungan at Lakas" Sa pangalawang silid, tinawag na "Stanza of Eliodorus", nagpinta si Raphael ng mga fresko sa makasaysayang at maalamat na paksa, na niluluwalhati ang mga papa: "Ang Pagpapatalsik kay Eliodorus"

Karaniwan para sa medyebal at unang bahagi ng sining ng Renaissance na naglalarawan ng mga sining at agham sa anyo ng mga indibidwal na pigura. Nalutas ni Raphael ang mga temang ito sa anyo ng mga multi-figure na komposisyon, kung minsan ay kumakatawan sa mga potensyal na tunay na pangkat, kawili-wili kapwa para sa kanilang pag-iisa at pagiging karaniwang.

Tinulungan din ng mga mag-aaral si Raphael sa pagpipinta ng mga loggias ng Vatican na magkadugtong sa mga silid ng Santo Papa, pininturahan ayon sa kanyang mga sketch at sa ilalim ng kanyang pangangasiwa na may mga motif ng mga antigong burloloy na iginuhit pangunahin mula sa bagong bukas na mga antigong grotto (samakatuwid ang pangalang "grotesques")

Gumaganap si Raphael ng mga gawa ng iba't ibang mga genre. Ang kanyang regalo bilang isang dekorador, pati na rin isang direktor, isang kwentista ay buong ipinakita sa isang serye ng walong mga karton na teyp para sa Sistine Chapel sa mga eksena mula sa buhay ng mga apostol na sina Peter at Paul ("The Miraculous Catch of Fish", halimbawa ). Ang mga kuwadro na ito noong siglo XVI-XVIII. nagsilbi bilang isang uri ng pamantayan para sa mga klasikista.

Si Raphael din ang pinakadakilang pintor ng larawan ng kanyang panahon. ("Pope Julius II", "Leo X", isang kaibigan ng artist, ang manunulat na Castiglione, ang magandang "Donna Velata", atbp.). At sa kanyang mga larawan, bilang isang patakaran, nangingibabaw ang panloob na balanse at pagkakasundo.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay, si Raphael ay puno ng karga ng iba't ibang mga gawa at utos. Mahirap pang isipin na ang lahat ng ito ay maaaring gampanan ng isang tao. Siya ang sentral na pigura sa artistikong buhay ng Roma, pagkamatay ni Bramante (1514) siya ay naging punong arkitekto ng Cathedral ng St. Si Peter, ay namamahala sa mga arkeolohikal na paghuhukay sa Roma at sa mga paligid nito at ang proteksyon ng mga sinaunang monumento.

Namatay si Raphael noong 1520; ang kanyang napaaga na kamatayan ay hindi inaasahan para sa kanyang mga kasabayan. Ang kanyang mga abo ay inilibing sa Pantheon.

Ang pangatlong pinakadakilang master ng High Renaissance na si Michelangelo, ay higit na nabuhay nina Leonardo at Raphael. Ang unang kalahati ng kanyang karera ay nahulog sa kasagsagan ng sining ng Mataas na Renaissance, at ang pangalawa - sa panahon ng Counter-Reformation at ang simula ng pagbuo ng baroque art. Sa napakatalino na kalawakan ng mga artista ng Mataas na Renaissance, nalampasan ni Michelangelo ang lahat sa kayamanan ng mga imahe, mga civic pathos, at pagiging sensitibo sa pagbabago ng kalagayan ng publiko. Samakatuwid ang malikhaing sagisag ng pagbagsak ng mga ideya ng Renaissance.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Noong 1488, sa Florence, sinimulan niyang maingat na pag-aralan ang sinaunang plastik. Ang kanyang kaluwagan na "The Battle of the Centaurs" sa mga tuntunin ng panloob na pagkakaisa ay isang gawain ng Mataas na Renaissance. Noong 1496 ay umalis ang batang artista patungo sa Roma, kung saan nilikha niya ang kanyang mga unang gawa na nagdala sa kanya ng katanyagan: "Bacchus" at "Pieta". Literal na nakunan ng mga imahe ng unang panahon. "Pieta" - bubukas ang isang bilang ng mga gawa ng master sa paksang ito at hinirang siya sa mga unang iskultor sa Italya.

Bumabalik sa Florence noong 1501, si Michelangelo, sa ngalan ng Signoria, ay nagsumikap na iukit ang pigura ni David mula sa isang marmol na bloke na pinahamak sa harap niya ng isang hindi pinalad na eskultor. Noong 1504 natapos ni Michelangelo ang sikat na estatwa, tinawag na "The Giant" ng mga Florentine, at inilagay nila sa harap ng Palazzo Vecchia, ang hall ng bayan. Ang pagbubukas ng bantayog ay naging isang tanyag na pagdiriwang. Ang imahe ni David ay nagbigay inspirasyon sa maraming mga artist ng Quattrocento. Ngunit ipinakita siya ni Michelangelo hindi bilang isang batang lalaki, tulad ng sa Donatello at Verrocchio, ngunit bilang mga kabataang lalaki na buong pamumulaklak, at hindi pagkatapos ng isang labanan, na may ulo ng isang higante sa kanyang paanan, ngunit bago ang labanan, sa sandali ng pinakamataas tensyon ng pwersa. Sa magandang imahe ni David, sa kanyang mahigpit na mukha, inihatid ng eskultor ang titanic na kapangyarihan ng pag-iibigan, hindi gumagalaw na kalooban, katapangan ng sibiko, ang walang hangganang kapangyarihan ng isang malayang tao.

Noong 1504 si Michelangelo (tulad ng nabanggit na may kaugnayan kay Leonardo) ay nagsimulang magtrabaho sa pagpipinta ng "Silid ng Limang Daang" sa Palazzo Signoria

Noong 1505, inanyayahan ni Papa Julius II si Michelangelo sa Roma upang magtayo ng isang libingan para sa kanyang sarili, ngunit pagkatapos ay tumanggi sa utos at nag-utos ng isang hindi gaanong marangyang pagpipinta ng kisame ng Sistine Chapel sa Vatican Palace.

Nag-iisa si Michelangelo na nagtrabaho sa pagpipinta ng kisame ng Sistine Chapel, mula 1508 hanggang 1512, na nagpinta ng isang lugar na halos 600 metro kuwadradong. m (48x13 m) sa taas na 18 m.

Inialay ni Michelangelo ang gitnang bahagi ng kisame sa mga eksena ng sagradong kasaysayan, simula sa paglikha ng mundo. Ang mga komposisyon na ito ay naka-frame ng isang kornisa, nakasulat, ngunit lumilikha ng ilusyon ng arkitektura, at pinaghiwalay, din ng mga nakamamanghang, tungkod. Ang mga nakamamanghang rektanggulo ay nagbibigay diin at nagpapayaman sa totoong arkitektura ng plafond. Sa ilalim ng napakagandang kornisa, pininturahan ni Michelangelo ang mga propeta at sibyls (ang bawat pigura ay halos tatlong metro), sa mga luneta (mga arko sa itaas ng mga bintana) inilalarawan niya ang mga yugto mula sa Bibliya at mga ninuno ni Kristo bilang mga ordinaryong tao na abala sa pang-araw-araw na gawain.

Sa siyam na gitnang komposisyon, naglalahad ang mga kaganapan sa mga unang araw ng paglikha, ang kwento nina Adan at Eba, ang pagbaha, at lahat ng mga eksenang ito, sa katunayan, ay isang himno sa tao na likas sa kanya. Di nagtagal matapos ang trabaho sa Sistine, namatay si Julius II at ang kanyang mga tagapagmana ay bumalik sa ideya ng isang lapida. Noong 1513-1516. Ginagawa ni Michelangelo ang pigura ni Moises at mga alipin (bihag) para sa lapida na ito. Ang imahe ni Moises ay isa sa pinakamalakas sa gawain ng isang may-edad na master. Inilagay niya sa kanya ang pangarap ng isang matalino, matapang na pinuno, puno ng mga puwersa ng titanic, ekspresyon, mga katangian na kalooban, kaya kinakailangan para sa pagsasama-sama ng kanyang tinubuang bayan. Ang mga numero ng mga alipin ay hindi kasama sa huling bersyon ng libingan.

Mula 1520 hanggang 1534 nagtrabaho si Michelangelo sa isa sa pinakamahalaga at pinaka-trahedya na gawa sa iskultura - sa Medici Tomb (Florentine Church of San Lorenzo), na nagpapahayag ng lahat ng mga karanasan na nahulog sa mismong master ng kanyang sarili, at ang kanyang bayan, at ang buong bansa bilang isang buo. Mula noong huling bahagi ng 1920s, ang Italya ay literal na napunit ng parehong panlabas at panloob na mga kaaway. Noong 1527 tinalo ng mga sundalo ang Roma, sinamsam ng mga Protestante ang mga dambana ng Katoliko ng walang hanggang lungsod. Pinatalsik ng burgesya ng Florentine ang Medici, na namuno muli mula 1510

Sa isang kalagayan ng pinakamahirap na pesimismo, sa isang estado ng pagtaas ng malalim na pagiging relihiyoso, si Michelangelo ay nagtatrabaho sa libingan ng Medici. Siya mismo ang nagtayo ng isang annex sa Florentine Church ng San Lorenzo, isang maliit ngunit napakataas na silid, na natatakpan ng isang simboryo, at pinalamutian ang dalawang pader ng sacristy (looban nito) ng mga lapida ng eskultura. Ang isang pader ay pinalamutian ng pigura ni Lorenzo, ang kabaligtaran ay Giuliano, at sa ilalim ng kanilang mga paa ay may mga sarcophagi na pinalamutian ng mga alegorikong eskulturang imahe - mga simbolo ng mabilis na agos ng oras: "Umaga" at "Gabi" - sa lapida ni Lorenzo , "Gabi, at" Araw "- sa lapida ni Giuliano ...

Ang parehong mga imahe - Lorenzo at Giuliano - ay walang pagkakahawig ng larawan, na naiiba mula sa tradisyunal na mga solusyon noong ika-15 siglo.

Si Paul III kaagad pagkatapos ng kanyang halalan ay nagsimulang mapilit na hiniling na tuparin ni Michelangelo ang planong ito, at noong 1534, na nagagambala sa gawain sa libingan, na natapos lamang niya noong 1545, umalis si Michelangelo patungo sa Roma, kung saan sinimulan niya ang kanyang pangalawang gawain sa Sistine Chapel - sa pagpipinta ng "The Last Judgment" (1535-1541), isang kamangha-manghang nilikha na nagsabi ng trahedya ng sangkatauhan. Ang mga tampok ng bagong masining na sistema ay ipinakita sa gawaing ito ni Michelangelo kahit na mas malinaw. Ang paglikha ng paghuhusga, ang parusang si Kristo ay inilalagay sa gitna ng komposisyon, at sa paligid niya sa isang umiikot na pabilog na galaw ay inilalarawan ang mga makasalanan na nahuhulog sa impiyerno, matuwid na umaakyat sa langit, mga patay na taong bumangon mula sa kanilang mga libingan para sa paghuhukom ng Diyos. Ang lahat ay puno ng takot, kawalan ng pag-asa, galit, pagkalito.

Pintor, iskultor, makata, si Michelangelo ay isa ring napakatalino na arkitekto. Isinasagawa niya ang hagdanan ng silid-aklatan ng Florentine ng Laurenziana, pinalamutian ang Capitol Square sa Roma, itinayo ang Pius Gate (Porta Pia), mula noong 1546 ay nagtatrabaho siya sa Cathedral ng St. Si Peter, sinimulan ni Bramante. Nagmamay-ari si Michelangelo ng pagguhit at pagguhit ng simboryo, na nakumpleto pagkamatay ng master at isa pa rin sa mga pangunahing nangingibabaw sa panorama ng lungsod.

Namatay si Michelangelo sa Roma sa edad na 89. Ang kanyang bangkay ay dinala sa Florence sa gabi at inilibing sa pinakamatandang simbahan sa kanyang bayan ng Santa Croce. Ang makasaysayang kahalagahan ng sining ni Michelangelo, ang epekto nito sa mga kapanahon at kasunod na mga panahon ay maaaring hindi ma-overestimated. Ang ilang mga dayuhang mananaliksik ay binibigyang kahulugan siya bilang ang unang artist at arkitekto ng Baroque. Ngunit higit sa lahat siya ay kagiliw-giliw bilang isang tagapagdala ng mahusay na makatotohanang tradisyon ng Renaissance.

Si George Barbarelli da Castelfranco, palayaw na Giorgione (1477-1510), ay isang direktang tagasunod ng kanyang guro at isang tipikal na artista ng Mataas na Renaissance. Siya ang una sa Venetian ground na bumaling sa mga tema ng panitikan, sa mga asignaturang mitolohiko. Ang tanawin, kalikasan at ang magandang hubad na katawan ng tao ay naging para sa kanya isang bagay ng sining at isang bagay ng pagsamba.

Nasa unang kilalang akdang "Madonna ng Castelfranco" (mga 1505), lumilitaw si Giorgione bilang isang ganap na nabuong artista; ang imahe ng Madonna ay puno ng tula, nakakaantig na pagkahilaw, na puno ng kalungkutan na iyon, na katangian ng lahat ng mga babaeng imahen ng Giorgione. Sa huling limang taon ng kanyang buhay, nilikha ng artista ang kanyang pinakamagaling na mga gawa na ginanap sa teknik ng langis, ang pangunahing sa paaralang Venetian sa oras na iyon. ... Sa pagpipinta ng 1506 na "The Thundertorm" ni Giorgione ay inilalarawan ang tao bilang bahagi ng kalikasan. Ang isang babaeng nag-aalaga ng isang bata, isang binata na may tauhan (na maaaring mapagkamalang mandirigma na may halberd) ay hindi pinagkaisa ng anumang aksyon, ngunit nagkakaisa sa maringal na tanawin na ito ng isang karaniwang kalagayan, isang karaniwang estado ng pag-iisip. Ang imahe ng "Sleeping Venus" (circa 1508-1510) ay puno ng kabanalan at tula. Ang kanyang katawan ay nakasulat nang mahina, malaya, kaaya-aya, hindi para sa wala na pinag-uusapan ng mga mananaliksik ang tungkol sa "pagiging musikal" ng mga ritmo ni Giorgione; hindi ito wala ng senswal na kagandahan. "Rural Concert" (1508-1510)

Si Titian Vecellio (1477? -1576) ang pinakadakilang pintor ng Venetian Renaissance. Lumikha siya ng mga gawa sa kapwa mitolohikal at Kristiyanong paksa, nagtrabaho sa genre ng larawan, pambihira ang kanyang pangkulay na talento, hindi maubos ang katalinuhan ng komposisyon, at pinayagan siya ng kanyang masayang mahabang buhay na iwan ang isang mayamang pamana na may malikhaing epekto sa mga inapo.

Nasa 1516 siya ay naging unang pintor ng republika, mula pa noong 20s - ang pinakatanyag na artista ng Venice

Noong 1520, inatasan siya ng Duke ng Ferrara ng isang serye ng mga kuwadro na kung saan lumilitaw si Titian bilang isang mang-aawit ng unang panahon na nakaramdam at, pinakamahalaga, upang isama ang diwa ng paganism (Bacchanalia, Feast of Venus, Bacchus at Ariadne).

Ang mayayaman na mga patrician ng Venetian ay kinomisyon si Titian para sa mga imahe ng dambana, at lumilikha siya ng malalaking mga icon: "The Ascension of Mary", "Madonna of Pesaro"

"Panimula kay Maria sa Templo" (mga 1538), "Venus" (mga 1538)

(pangkat ng larawan nina Papa Paul III kasama ang kanyang mga pamangkin na sina Ottavio at Alexander Farnese, 1545-1546)

Marami pa rin siyang sinusulat sa mga sinaunang paksa ("Venus at Adonis", "The Shepherd and the Nymph", "Diana and Actaeon", "Jupiter and Antiope"), ngunit lalong lumiliko sa mga tema ng Kristiyano, mga eksena ng pagkamartir, kung saan pagano kasayahan, sinaunang pagkakasundo ay napalitan ng isang malungkot na pag-uugali ("The Flagellation of Christ", "The Penitent Mary Magdalene", "St. Sebastian", "Lamentation"),

Ngunit sa pagtatapos ng siglo, at narito, ang mga tampok ng isang paparating na bagong panahon sa sining, isang bagong masining na direksyon, ay halata na. Makikita ito mula sa halimbawa ng gawa ng dalawa sa mga pinakadakilang artista ng ikalawang kalahati ng siglo na ito - Paolo Veronese at Jacopo Tintoretto.

Si Paolo Cagliari, palayaw na Veronese (siya ay nagmula kay Verona, 1528-1588), ay nakalaan na maging huling mang-aawit ng maligaya, masayang Venice ng ika-16 na siglo.

: "Pista sa Bahay ni Levi" "Kasal sa Cana ng Galilea" para sa refectory ng monasteryo ng San George Maggiore

Si Jacopo Robusti, kilala sa sining bilang Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" - dyer: ang tatay ng artista ay isang gintong pantunaw). Ang Himala ni San Marcos (1548)

("Ang Kaligtasan ni Arsinoe", 1555), "Panimula sa Templo" (1555),

Si Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro sa Piombino, Villa Rotonda sa Vicenza, ay nakumpleto pagkatapos ng kanyang kamatayan ng kanyang mga estudyante ayon sa kanyang disenyo, maraming mga gusali sa Vicenza). Ang resulta ng kanyang pag-aaral ng unang panahon ay ang librong "Roman Antiquities" (1554), "Four Books on Architecture" (1570-1581), ngunit ang unang panahon ay para sa kanya isang "buhay na organismo", ayon sa makatarungang pagmamasid ng mananaliksik.

Ang Dutch Renaissance sa pagpipinta ay nagsisimula sa "Ghent Altarpiece" ng magkakapatid na Hubert (namatay noong 1426) at Jan (mga 1390-1441) van Eyck, na natapos ni Jan van Eyck noong 1432. Pinagbuti ni Van Eyck ang pamamaraan ng langis: ginawang posible ang langis upang ihatid ang ningning, lalim, kayamanan ng layunin ng mundo na umaakit ng pansin ng mga Dutch artist, ang makulay na sonority.

Sa maraming Madonnas ni Jan van Eyck, ang pinakatanyag ay ang Madonna ng Chancellor Rollin (mga 1435)

("The Man with the Carnation"; "The Man in the Turban", 1433; larawan ng asawa ng artist na si Marguerite van Eyck, 1439

Malaki ang utang ng sining ng Olandes sa solusyon ng gayong mga problema kay Rogier van der Weyden (1400? -1464) "Pagbaba mula sa Krus" - isang tipikal na gawain ni Weyden.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. account para sa gawain ng master ng pambihirang talento Hugo van der Goes (circa 1435-1482) "Kamatayan ni Maria").

Si Hieronymus Bosch (1450-1516), ang tagalikha ng madilim na mistikal na mga pangitain, kung saan siya ay lumipas sa medyebal na alegasyon, "The Garden of Pleasure"

Ang pinnacle ng Dutch Renaissance ay, walang alinlangan, ang gawain ni Pieter Bruegel the Elder, na binansagang Peasant (1525 / 30-1569) ("Kitchen of the Skinny", "Kitchen of the Fat"). "Winter Landscape" mula sa Siklo ng "Seasons" (ibang pamagat - "Mga Mangangaso sa Niyebe", 1565), "The Battle of Carnival and Lent" (1559).

Albrecht Durer (1471-1528).

"Feast of the Rosary" (ibang pangalan - "Madonna of the Rosary", 1506), "The Horseman, Death and the Devil", 1513; "St. Jerome "at" Malungkot ",

Si Hans Holbein the Younger (1497-1543), "The Triumph of Death" ("Dance of Death") larawan ni Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renaissance Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (circa 1420-1481), Portrait of Charles VII

Si Jean Clouet (circa 1485 / 88-1541), anak ni François Clouet (circa 1516-1572) ang pinakamahalagang pintor ng Pransya noong ika-16 na siglo. larawan ni Elizabeth ng Austria, noong 1571, (larawan ni Henry II, Mary Stuart, atbp.)

Ang mga mamamayan ng Europa ay naghahangad na buhayin muli ang mga kayamanan at tradisyon na nawala dahil sa walang katapusang giyera ng pagkawasak. Ang mga digmaan ay kumuha ng mga tao mula sa balat ng lupa, at ang mga dakilang bagay na nilikha ng mga tao. Ang ideya ng muling buhay na mataas na sibilisasyon ng sinaunang mundo ay nagbigay ng pilosopiya, panitikan, musika, pagtaas ng natural na agham at, higit sa lahat, ang yumayabong na sining. Ang panahon ay humihingi ng malakas, edukadong mga tao na hindi natatakot sa anumang trabaho. Nasa gitna nila na posible ang paglitaw ng ilang mga henyo na tinawag na "titans ng Renaissance". Yung mga tinawag lang natin sa pangalan.

Pangunahing Italyano ang Renaissance. Samakatuwid, hindi nakakagulat na sa Italya na ang sining sa panahong ito ay umabot sa pinakamataas na pagtaas at yumayabong. Dito na mayroong dose-dosenang mga pangalan ng mga titans, henyo, mahusay at simpleng may talento na mga artista.

MUSIC LEONARDO.

Ang swerte naman ng tao! - maraming sasabihin tungkol sa kanya. Siya ay pinagkalooban ng bihirang kalusugan, gwapo, matangkad, asul ang mata. Sa kanyang kabataan, nagsuot siya ng mga blond curl, isang ipinagmamalaking artikulo na nagpapaalala sa St. George's Donatella. Nagtataglay siya ng hindi naririnig at lakas ng loob na lakas, panlalaki na husay. Kamangha-mangha siyang kumanta, sa harap ng madla gumawa siya ng mga himig at tula. Tumugtog siya ng anumang instrumentong pangmusika, bukod dito, siya mismo ang lumikha ng mga ito.

Para sa sining ni Leonardo da Vinci, ang mga kapanahon at inapo ay hindi kailanman natagpuan ang iba pang mga kahulugan kaysa sa "henyo", "banal", "dakila". Ang magkatulad na mga salita ay tumutukoy sa kanyang mga pang-agham na paghahayag: inimbento niya ang isang tangke, isang maghuhukay, isang helikopter, isang submarino, isang parasyut, isang awtomatikong sandata, isang diving helmet, isang elebeytor, nalutas ang mga pinaka-kumplikadong problema ng acoustics, botany, gamot, cosmography , lumikha ng isang proyekto ng isang bilog na teatro, naimbento ng isang siglo nang mas maaga kaysa kay Galileo, ang pendulo ng orasan, pininturahan ang kasalukuyang water skiing, binuo ang teorya ng mekanika.

Ang swerte naman ng tao! - maraming sasabihin tungkol sa kanya at magsisimulang matandaan ang kanyang minamahal na mga prinsipe at hari, na naghahanap ng mga kakilala sa kanya, mga salamin sa mata at piyesta opisyal na naimbento niya bilang isang artista, manunulat ng dula, artista, arkitekto, at masaya sa kanila tulad ng isang bata.

Gayunpaman, masaya ba ang hindi mapigilan na mahabang-atay na si Leonardo, kaninong araw-araw ay nagbigay sa mga tao at sa buong mundo ng pagbibigay at paliwanag? Nakita niya ang kahila-hilakbot na kapalaran ng kanyang mga nilikha: ang pagkasira ng Huling Hapunan, ang pagbaril ng bantayog kay Francesca Sforza, mababang kalakalan at ang karumal-dumal na pagnanakaw ng kanyang mga talaarawan at workbook. Labing-anim na mga kuwadro na lamang ang nakaligtas hanggang ngayon. Ilang mga iskultura. Ngunit maraming mga guhit, naka-code na mga guhit: tulad ng mga bayani ng modernong pantasya, binago niya ang isang detalye sa kanyang disenyo, na para bang hindi ito magagamit ng iba.

Nagtrabaho si Leonardo da Vinci sa iba't ibang uri at genre ng sining, ngunit ang pagpipinta ay nagdala sa kanya ng pinakadakilang katanyagan.

Isa sa mga pinakamaagang pinta ni Leonardo ay ang Madonna na may isang Flower o Madonna Benoit. Narito na ang artista ay kumikilos bilang isang tunay na nagpapabago. Tinatalo nito ang balangkas ng tradisyunal na balangkas at binibigyan ang imahe ng isang mas malawak, unibersal na kahulugan ng tao, na kung saan ay kagalakan at pag-ibig ng ina. Maraming mga tampok ng sining ng artista ang malinaw na ipinakita sa gawaing ito: isang malinaw na komposisyon ng mga numero at mga three-dimensional form, isang pagnanais para sa laconicism at pangkalahatan, sikolohikal na pagpapahayag.

Ang pagpapatuloy ng nagsimulang tema ay ang pagpipinta na "Madonna Litta", kung saan ang isa pang tampok ng gawa ng artist ay malinaw na ipinakita - ang dula sa mga kaibahan. Ang tema ay nagtapos sa pagpipinta na "Madonna sa grotto", kung saan ang mainam na solusyon sa komposisyon ay nabanggit, dahil kung saan ang nakalarawan na mga pigura ng Madonna, Kristo at mga anghel ay nagsasama sa tanawin sa isang solong kabuuan, na pinagkalooban ng kalmadong balanse at pagkakasundo .

Isa sa taas ng trabaho ni Leonardo ay ang fresco na "The Last Supper" sa refectory ng monasteryo ni Santa Maria Della Grazie. Ang gawaing ito ay humanga hindi lamang sa pangkalahatang komposisyon nito, kundi pati na rin sa kawastuhan nito. Si Leonardo ay hindi lamang naghahatid ng sikolohikal na estado ng mga apostol, ngunit ginagawa ito sa sandaling ito kapag umabot ito sa isang kritikal na punto, ay naging isang sikolohikal na pagsabog at hidwaan. Ang pagsabog na ito ay sanhi ng mga salita ni Cristo: "Isa sa inyo ang magtataksil sa akin." Sa gawaing ito, buong ginamit ni Leonardo ang pamamaraan ng kongkretong paghahambing ng mga numero, salamat kung saan lumilitaw ang bawat karakter bilang isang natatanging sariling katangian at personalidad.

Ang pangalawang tugatog ng gawain ni Leonard ay ang bantog na larawan ni Mona Lisa, o "La Gioconda". Ang gawaing ito ang naglagay ng pundasyon para sa genre ng sikolohikal na paglitrato sa European art. Kapag nilikha ito, ang dakilang master ay may katalinuhan na ginamit ang buong arsenal ng mga paraan ng masining na ekspresyon: matalim na mga pagkakaiba at malambot na kalahating tono, nag-freeze na kadaliang kumilos at pangkalahatang likido at pagkakaiba-iba, ang napakalupit na mga nuances ng sikolohikal at mga pagbabago. Ang buong henyo ni Leonardo ay nakasalalay sa nakakagulat na buhay na tingin ni Mona Lisa, ang kanyang misteryoso at nakaka-engganyang ngiti, mistiko na ulap na sumasaklaw sa tanawin. Ang gawaing ito ay isa sa mga pinaka-bihirang obra ng sining.

Ang bawat isa na nakakita ng "La Gioconda" na dinala mula sa Louvre sa Moscow ay naaalala ang mga minuto ng kanilang kumpletong pagkabingi malapit sa maliit na canvas na ito, ang pag-igting ng lahat na pinakamahusay sa sarili. Ang La Gioconda ay tila isang "Martian", isang kinatawan ng hindi kilalang - dapat ito ang hinaharap, hindi ang nakaraan ng tribo ng tao, ang sagisag ng pagkakaisa na ang mundo ay hindi pagod at hindi magsasawa mangarap.

Marami pang masasabi tungkol sa kanya. Nagtataka na hindi ito kathang-isip o pantasya. Halimbawa, maaari mong matandaan kung paano niya iminungkahi na ilipat ang Cathedral ng San Giovanni - ang gawaing ito ay humanga sa atin, mga residente ng ikadalawampung siglo.

Sinabi ni Leonardo: "Ang isang mabuting artista ay dapat maipinta ang dalawang pangunahing bagay: ang isang tao at isang representasyon ng kanyang kaluluwa. O sinabi tungkol sa "Columbine" mula sa St. Petersburg Hermitage? Tinawag ito ng ilang mananaliksik na "La Gioconda", hindi ang Louvre canvas.

Si Boy Nardo, iyon ang kanyang pangalan sa Vinci: ang ilehitimong anak ng isang notaryo ng panitikan, na isinasaalang-alang ang mga ibon at kabayo na pinakamahusay na mga nilalang sa Daigdig. Minamahal ng lahat at nag-iisa, baluktot na mga bakal na espada at iginuhit ang binitay. Nag-imbento ng tulay sa Bosphorus at isang mainam na lungsod, mas maganda kaysa sa Corbusier at Niemeyer. Kumakanta sa isang malambot na baritone at nakangiti kay Mona Lisa. Sa isa sa kanyang huling kuwaderno, ang taong masuwerteng ito ay nagsulat: "Para sa akin na natututo akong mabuhay, ngunit natututo akong mamatay." Gayunpaman, pagkatapos ay nagbuod siya: "Ang buhay na mahusay na nabuhay ay isang mahabang buhay."

Maaari ba kayong hindi sumasang-ayon kay Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Si Sandro Botticelli ay ipinanganak sa Florence noong 1445 sa pamilya ng isang leather tanner.

Ang kauna-unahang pagkakataong likas na gawa ng Botticelli ay itinuturing na "The Adoration of the Magi" (tungkol sa 1740), kung saan ang pangunahing pag-aari ng kanyang orihinal na pamamaraan - walang katuturan at banayad na tula - ay ganap na naipakita ang sarili. Nabigyan siya ng likas na kahulugan ng tula, ngunit isang malinaw na ugnayan ng malungkot na kalungkutan ang lumiwanag sa kanya nang literal sa lahat ng bagay. Kahit na si Saint Sebastian, pinahihirapan ng mga arrow ng mga nagpapahirap sa kanya, ay tumingin sa kanya ng may pag-iisip at hiwalay.

Noong huling bahagi ng 1470s, ang Botticelli ay naging malapit sa bilog ng aktwal na pinuno ng Florence, Lorenzo Medici, na binansagan ang Magnificent. Sa mga marangyang hardin ni Lorenzo ay nagtipon ng isang lipunan ng mga tao, marahil ang pinaka-naliwanagan at may talento sa Florence. Nagkaroon ng mga pilosopo, makata, musikero. Isang kapaligiran ng paghanga sa kagandahan ang naghari, at hindi lamang ang kagandahan ng sining ang pinahahalagahan, kundi pati na rin ang kagandahan ng buhay. Ang sinaunang tao ay isinasaalang-alang ang prototype ng perpektong sining at perpektong buhay, na kinilala, gayunpaman, sa pamamagitan ng prisma ng mga susunod na pilosopiko na layer. Nang walang pag-aalinlangan, sa ilalim ng impluwensya ng atmospera na ito ay nilikha ang unang malaking pagpipinta ni Botticelli "Primavera (Spring)". Ito ay isang parang panaginip, kaibig-ibig, kamangha-manghang magandang alegorya ng walang hanggang cycle, ang patuloy na pag-renew ng kalikasan. Ito ay natatagusan ng pinaka-kumplikado at kakatwa musikal na ritmo. Ang pigura ng Flora, pinalamutian ng mga bulaklak, ng mga biyaya sa pagsasayaw sa Hardin ng Eden ay kumakatawan sa mga imahe ng kagandahan na hindi pa nakikita sa oras na iyon at samakatuwid ay gumawa ng isang partikular na nakakaakit na impression. Ang batang si Botticelli ay agad na kumuha ng isang natitirang lugar sa mga masters ng kanyang panahon.

Ito ay ang mataas na reputasyon ng mga batang pintor na nagsiguro sa kanya ng isang order para sa mga fresko sa Bibliya para sa Vatican Sistine Chapel, na nilikha niya noong unang bahagi ng 1480s sa Roma. Sumulat siya ng Mga Eksena mula sa Buhay ni Moises, Ang Parusa ng Korea, Dathan at Aviron, na nagpapakita ng kamangha-manghang kasanayan sa pagbubuo. Ang klasikal na katahimikan ng mga sinaunang gusali, laban sa kung saan inilahad ni Botticelli ang pagkilos, mahigpit na naiiba sa dramatikong ritmo ng itinatanghal na mga tauhan at hilig; ang paggalaw ng mga katawan ng tao ay kumplikado, nakalilito, puspos ng paputok na lakas; ang impression ng alog pagkakasundo, defenselessness ng nakikitang mundo sa harap ng mabilis na presyon ng oras at kalooban ng tao ay nilikha. Ang mga fresco ng Sistine Chapel sa kauna-unahang pagkakataon ay nagpahayag ng matinding pagkabalisa na nanirahan sa kaluluwa ni Botticelli, na lumakas sa paglipas ng panahon. Ang parehong mga fresco ay sumasalamin sa kamangha-manghang talento ng Botticelli bilang isang pintor ng larawan: ang bawat isa sa maraming mga ipininta na mukha ay ganap na orihinal, natatangi at hindi malilimutan ...

Noong 1480s, na bumalik sa Florence, si Botticelli ay nagpatuloy na gumana nang walang pagod, ngunit ang pinayapaan na kalinawan ng "Mga Halimbawa" ay nasa likuran na. Sa kalagitnaan ng dekada isinulat niya ang kanyang tanyag na The Birth of Venus. Sinabi ng mga mananaliksik na sa paglaon ay gumagana ng master ang isang dati nang hindi gaanong moralismo, kadakilaan sa relihiyon.

Marahil ay mas makabuluhan kaysa sa kalaunan sa pagpipinta, ang mga guhit ni Botticelli noong dekada 90 - mga guhit para sa Banal na Komedya ni Dante. Nagpinta siya nang may halata at hindi nakakubli na kasiyahan; ang mga pangitain ng dakilang makata ay mapagmahal at maingat na naihatid ng pagiging perpekto ng mga proporsyon ng maraming mga numero, ang maalalahanin na samahan ng kalawakan, hindi maubusan ng pagiging mapagkukunan sa paghahanap para sa mga visual na katumbas ng tulang patula ...

Sa kabila ng lahat ng mga emosyonal na bagyo at krisis, ang Botticelli hanggang sa wakas (namatay siya noong 1510) ay nanatiling isang mahusay na artista, ang master ng kanyang sining. Ito ay malinaw na pinatunayan ng marangal na paglilok ng mukha sa "Portrait of a Young Man", ang nagpapahiwatig na katangian ng modelo, na hindi iniiwan ang duda tungkol sa kanyang mataas na dignidad sa tao, solidong pagguhit ng master at kanyang mabait na hitsura.