Sa anong taon itinatag ang teatro. Ang kasaysayan ng paglitaw ng teatro sa Russia o kung paano lumitaw ang teatro

Nagsimula ang lahat sa isang primitive na lipunan, nang ang tao ay ganap na umaasa sa mga puwersa ng kalikasan na hindi niya naiintindihan. Ang pagbabago ng mga panahon, hindi inaasahang malamig na panahon, pagkabigo ng pananim, sunog, sakit - lahat ay naiugnay sa mga supernatural na puwersa na kailangang mapagtagumpayan. Isa sa mga pinakatiyak na paraan upang makamit ang tagumpay ay ang mahika o pangkukulam. Binubuo ito sa katotohanan na bago ang simula ng anumang gawain, isang eksena ang nilalaro na naglalarawan ng matagumpay na pagkumpleto ng prosesong ito. Ang mga kalahok sa mga pagtatanghal na ito ay gumamit ng kumplikadong pantomime, na sinasaliwan ng pag-awit, musika at pagsasayaw. At sa mga ritwal na pagkilos na ito, ang mga elemento ng modernong teatro ay nagsimula nang lumitaw ... Photo-1L

Sa Sinaunang Ehipto, nasa katapusan na ng ikatlong milenyo BC. taun-taon sa mga templo, ang mga eksena sa teatro ay itinanghal tungkol sa patron ng mga magsasaka at artisan - ang diyos na si Osiris.

Sa Greece, ang mga ritwal ng uri ng karnabal bilang parangal sa mga diyos sa kanayunan ay matagal nang laganap. Ang kulto ng diyos na si Dionysus ay may mahalagang papel sa pag-unlad ng teatro ng Greek. Ang mga pagtatanghal na ito ay binubuo ng tatlong trahedya at tatlong komedya. Ang mga sinehan ay itinayo sa open air at napakalaki ng sukat. Ang mga artista ay mga lalaki lamang na gumaganap din ng mga papel na babae. Magpapatawa raw ang mga comedy character kaya't ang mga maskarang isinusuot ng mga artista ay matangos ang ilong, nakausli na labi at mapungay na mata. Ang mga sikat na palabas sa teatro na tinatawag na mimes ay sikat din sa Greece. Ang mime ay isang maliit na eksena ng pang-araw-araw o satirical na kalikasan, kung saan parehong inilalarawan ang mga magnanakaw sa palengke at mythological hero. Ang mga ito ay ginanap hindi lamang ng mga lalaki, kundi pati na rin ng mga kababaihan, at sa mga palabas na ito sa teatro ay gumanap ang mga aktor nang walang maskara.

Ang teatro ng sinaunang Roma ay isang palabas na pangunahing idinisenyo para sa libangan ng publiko. At ang mga aktor ay itinuturing na mga tao ng pinakamababang uri, ngunit ang ilang mga aktor ay nakamit ang pangkalahatang paggalang.

Theater of the Renaissance, ang mga pagtatanghal na ito ay masayahin, puspos ng matalim na pangungutya at makatas na katatawanan. Ang mga pagtatanghal sa teatro ay itinanghal sa mga parisukat, sa mga sahig na gawa sa kahoy, kung saan palaging may malaking pulutong ng mga tao. Ang mga teatro ay nagsimulang tumutok sa malalaking industriyal at kultural na mga lungsod. Sa parehong panahon, ang teatro ay hinati ayon sa uri. Ang Opera, halimbawa, ay lumitaw sa pagliko ng ika-16-17 siglo, ballet mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, operetta mula sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo.

Ang isang tampok ng drama sa panahong ito ng teatro ay ang pagkakaroon ng isang mataas na kabayanihan na prinsipyo, ang paghahati ng mga konsepto sa mabuti at masama, isang malayang paglipat mula sa kahanga-hanga hanggang sa mababa, mula sa trahedya hanggang sa komiks.

Ang panahon ng Renaissance ay nagbigay ng lakas sa karagdagang pag-unlad ng teatro at ang pagtataya nito sa kung ano ang alam natin ngayon.

Ang teatro ay isang sikat at minamahal na anyo ng sining. Kapag bumili kami ng mga tiket sa teatro, inaasahan naming makita at marinig ang aming mga paboritong artista.
Ang teatro ay may napaka sinaunang kasaysayan. Maraming siglo na ang nakalilipas, ang ating mga ninuno ay nasiyahan sa kahanga-hangang sining sa parehong paraan. Sa primitive na lipunan, siyempre, ang mga tao ay hindi alam kung ano ang isang poster at walang ideya tungkol sa propesyon ng isang artista, ngunit sila ay direktang nakibahagi sa mga pagtatanghal sa teatro. Maging ang mga paganong ritwal noong mga panahong iyon ay likas sa isang pagtatanghal sa teatro, na isang paraan ng paglilingkod sa mga diyos. Ang bawat pari ay nagtataglay ng kaloob ng pagsasalita sa publiko at karisma.

Sa panahon ng unang panahon, ang teatro ay unti-unting nawawala ang ritwal na paggana nito at nakakakuha ng isang entertainment character. Sa sinaunang Greece, ang mga yugto mula sa buhay ng mga diyos ng Olympus, pati na rin ang mga pagsasamantala ng mga bayaning Griyego, ay ang batayan ng mga plot ng mga palabas sa teatro. Ang mga aktor at playwright sa Greece ay binigyan ng mataas na karangalan, ngunit sa Roma, sa kabaligtaran, ang mga aktor ay walang gaanong paggalang. Sa mga gusali ng teatro, ginanap ang mga labanan ng gladiator, mga laro sa sirko at madugong pagtatanghal, na halos ganap na pinalitan ang sining ng teatro.

Sa panahon ng Middle Ages, ipinagbabawal ang mga palabas sa teatro, dahil nakita ng Simbahang Kristiyano sa kanila ang mga labi ng mga paganong ritwal at ritwal. Ang mga aktor ay matinding inuusig ng Inquisition, ang panonood ng mga palabas sa teatro ay pinarurusahan ng ekskomunikasyon. Ang lahat ng mga sinehan ay sarado, kaya ang mga aktor ay nagkaisa sa mga itinerant na tropa at ipinakita ang kanilang sining sa maliliit na nayon.

Sa panahon ng Renaissance, humina ang impluwensya ng simbahan sa lahat ng larangan ng buhay ng tao, at nagsimula ang paglipat mula sa mga mithiin ng asetisismo tungo sa personal na kalayaan at humanismo. Ang agham at lahat ng larangan ng sining ay aktibong umuunlad. Ang teatro ay lalong mabilis na umunlad: ang mga bubong na gusali ng mga teatro ay lumitaw, ang teknolohiya ng entablado ay binuo, na may kaugnayan sa kung saan lumitaw ang mga bagong theatrical specialty: stage machinist, acoustician, illuminator at iba pa, lumitaw ang mga bagong genre ng theatrical art, lalo na, classical opera.

Ang pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang oryentasyon patungo sa isang maayos na kumbinasyon ng lahat ng mga bahagi ng pagganap. Naging posible ito salamat sa paglitaw ng propesyon ng direktor at ang paglipat ng sining ng pagganap sa isang bagong antas. Isang mahalagang papel dito ang ginampanan ng acting school ng K.S. Stanislavsky.

Ngayon ang teatro ay isang multi-genre. Ang mismong diskarte sa pagtatanghal ng teatro ay nagbago: naglalaman ito ng musika, mga pag-install, kumplikadong makinarya ng tanawin, projection. Kahit na ang isang suit ay maaaring maging isang art object.
Nagbago na rin ang musika sa teatro. Maraming mga produksyon ang naging mas parang mga musikal, bukod pa rito, na may mga interactive na elemento: ang madla ay madaling maimbitahan na makilahok sa kurso ng mga kaganapan, kumanta ng isang bagay o kahit na gumanap ng pangalawang papel.

Ang teatro ay patuloy na isang buhay na genre, patuloy nitong tinatanggap ang mga bagong elemento sa sarili nito - at ito ang garantiya na ito ay mabubuhay at uunlad.

Ang sining sa teatro ay nagmula noong sinaunang panahon sa mga totemic na sayaw, sa ritwal na pagkopya ng mga gawi ng hayop, sa pagganap ng mga ritwal sa paggamit ng mga espesyal na kasuotan, maskara, tattoo at body painting. Sa mga unang yugto ng pag-unlad ng teatro, ang playwright at ang gumaganap ay nagkakaisa sa isang tao.

Sa sinaunang mundo, umabot sa labinlimang libong manonood ang nagtipon para sa mga pagtatanghal. Ang mga pagtatanghal ay naglahad sa dibdib ng kalikasan, na tila nananatiling isang kaganapan ng buhay mismo. Nagbigay ito ng pagiging natural at kasiglahan sa sinaunang teatro.

Sa Middle Ages, ang teatro ay nabuo sa mga anyo na bumalik sa liturgical drama, na ginanap bilang bahagi ng isang serbisyo sa simbahan. Sa XIII-XIV siglo. Ang mga genre, na nakahiwalay sa serbisyo, ay bumangon - misteryo, himala, katutubong motibo at ideya ay tumagos sa mga pagtatanghal ng simbahan na ito. Ang mga katutubong anyo ng teatro ay isinasagawa kapwa sa pamamagitan ng amateur na pagkamalikhain at bilang mga pagtatanghal sa kalye ng mga gumagala na aktor. Noong ika-XV siglo. lumitaw ang pinaka-demokratikong genre ng teatro sa medyebal - isang komedya, na nakakatawang muling ginawa ang buhay at kaugalian ng mga kontemporaryo.

Sa Renaissance, ang mga katutubong anyo ng sining ng teatro ay puno ng humanismo (ang Italyano na komedya ng mga maskara), ang teatro ay may pilosopikal na karakter, naging isang paraan ng pagsusuri sa estado ng mundo (Shakespeare), isang instrumento ng panlipunang pakikibaka (Lope de Vega).

Ang teatro ng klasisismo (ika-17 siglo) ay ang aktwal na sining ng panahon nito, na binuo batay sa normative aesthetics (Boileau) at rationalist philosophy (Descartes). Ito ay batay sa mahusay na trahedya (Racine, Corneille) at mahusay na comedic (Molière) na dramaturhiya, na nagpapatunay ng mga huwarang bayani, nanunuya sa mga bisyo. Ang mga aktor ay naglalaman ng mga unibersal na katangian ng tao ng mga karakter, na nagpapabaya sa kanilang mga tiyak na makasaysayang at pambansang katangian. Ang teatro ng klasisismo ay nasa sentro ng artistikong interes ng korte, at ang mga pangangailangan ng publiko.

Noong siglo XVIII. Ang mga ideyang pang-edukasyon ay tumagos sa teatro (Diderot, Lessing), ito ay nagiging isang paraan ng panlipunang pakikibaka ng ikatlong estate laban sa pyudalismo. Sinisikap ng mga aktor na ipahayag ang posisyon sa lipunan ng karakter.

Sa unang kalahati ng siglo XIX. lumaganap ang romantikong teatro. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng mas mataas na emosyonalidad, liriko, mapanghimagsik na kalunos-lunos, pagiging tiyak sa paglalarawan ng mga karakter.

Sa 30s ng XIX na siglo. nagiging kritikal na realismo ang nangingibabaw na direksyon sa teatro. Ang direksyon na ito ay bubuo batay sa drama ng Gogol, Ostrovsky, at kalaunan Chekhov, Ibsen, Shaw. Ang teatro ay nagiging malalim na pambansa at demokrasya, ang masa, tanyag na mga anyo nito ay umuunlad. Ang mga sinehan na idinisenyo para sa mga karaniwang tao ay lumitaw: "tabloid" (Paris), "maliit" (New York), mga suburban na sinehan (Vienna).

Russian stage art noong ika-19 na siglo - teatro ng realismo, talamak na mga problema sa lipunan, kritikal na saloobin sa katotohanan, naabot ang satirical exposure nito, typification ng buhay, sikolohikal na pagsusuri ng personalidad.

Sa unang ikatlong bahagi ng ikadalawampu siglo, naganap ang Dakilang Reporma sa teatro: isang direktor ang dumating sa teatro. Ito ang pananakop ng ikadalawampu siglo. Ang mga direktor na K. Stanislavsky, V. Meyerhold, M. Reinhardt, A. Appia, G. Craig, L. Kurbas ay lumikha ng mga bagong siyentipikong teorya ng sining ng pagganap. Sa modernong panahon, ang ensemble ay naging pangunahing prinsipyo ng pagganap. Ang direktor ang namamahala sa grupong ito (troupe), binibigyang kahulugan ang intensyon ng manunulat ng dula, isinalin ang dula sa isang pagtatanghal at inayos ang buong kurso nito.

Ang Teatro (Griyego θέατρον - ang pangunahing kahulugan - isang lugar para sa mga panoorin, pagkatapos - isang panoorin, mula sa θεάομαι - I look, I see) ay isang kamangha-manghang anyo ng sining, na isang synthesis ng iba't ibang sining - panitikan, musika, koreograpia, vocals , fine arts at iba pa at may sariling pagtitiyak: ang pagmuni-muni ng katotohanan, mga salungatan, mga karakter, pati na rin ang kanilang interpretasyon at pagtatasa, ang pag-apruba ng ilang mga ideya dito ay nangyayari sa pamamagitan ng dramatikong aksyon, ang pangunahing tagapagdala kung saan ay ang aktor.

Kasama sa generic na konsepto ng "teatro" ang iba't ibang uri nito: drama theater, opera, ballet, puppet, pantomime theater, atbp.

Sa lahat ng oras ang teatro ay isang kolektibong sining; sa isang modernong teatro, bilang karagdagan sa mga aktor at isang direktor (konduktor, koreograpo), isang taga-disenyo ng entablado, kompositor, koreograpo, pati na rin ang mga props, taga-disenyo ng kasuutan, make-up artist, manggagawa sa entablado, at mga kagamitan sa pag-iilaw ay nakikilahok sa paglikha ng isang pagganap.

Ang pag-unlad ng teatro ay palaging hindi mapaghihiwalay mula sa pag-unlad ng lipunan at ang estado ng kultura sa kabuuan - ang kasaganaan o pagbaba nito, ang pamamayani ng ilang mga artistikong uso sa teatro at ang papel nito sa espirituwal na buhay ng bansa ay nauugnay sa ang mga katangian ng panlipunang pag-unlad.

TEATER (mula sa Griyego. Theatron - isang lugar para sa isang palabas, isang palabas), ang pangunahing uri ng sining ng pagtatanghal. Ang generic na konsepto ng teatro ay nahahati sa mga uri ng theatrical art: drama theater, opera, ballet, pantomime theater, atbp. Ang pinagmulan ng termino ay nauugnay sa sinaunang teatro ng sinaunang Griyego, kung saan eksaktong tinawag ang mga lugar sa auditorium (mula sa pandiwang Griyego na "teaomay" - tumingin ako). Gayunpaman, ngayon ang kahulugan ng terminong ito ay lubhang magkakaibang. Ginagamit din ito sa mga sumusunod na kaso:

1. Ang teatro ay isang gusali na espesyal na itinayo o inangkop para sa pagpapakita ng mga pagtatanghal ("Ang teatro ay puno na, ang mga kahon ay nagniningning" ni A.S. Pushkin).

2. Isang institusyon, isang negosyo na nakikibahagi sa pagpapakita ng mga pagtatanghal, pati na rin ang buong pangkat ng mga empleyado nito, na nagbibigay ng pagrenta ng mga palabas sa teatro (Mossovet Theater; mga paglilibot sa Taganka Theater, atbp.).

3. Isang set ng mga dramatikong o entablado na gawa na nakabalangkas ayon sa isang prinsipyo o iba pa (teatro ni Chekhov, teatro ng Renaissance, teatro ng Hapon, teatro ni Mark Zakharov, atbp.).

4. Sa isang hindi napapanahong kahulugan (napanatili lamang sa theatrical professional argo) - isang entablado, isang yugto ("Ang maharlikang kahirapan ay mabuti lamang sa teatro" ni AN Ostrovsky).

5. Sa isang makasagisag na kahulugan - ang lugar ng anumang patuloy na mga kaganapan (teatro ng mga operasyon ng militar, anatomical na teatro).

Tulad ng anumang iba pang uri ng sining (musika, pagpipinta, panitikan), ang teatro ay may sarili nitong mga espesyal na katangian. Ang sining na ito ay sintetiko: ang isang gawang teatro (pagganap) ay binubuo ng teksto ng dula, gawa ng isang direktor, aktor, artista at kompositor. Ang musika ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa opera at ballet.

Ang teatro ay isang kolektibong sining. Ang pagtatanghal ay resulta ng mga aktibidad ng maraming tao, hindi lamang ang mga lumalabas sa entablado, kundi pati na rin ang mga nananahi ng mga kasuotan, gumagawa ng mga props, naglalagay ng ilaw, at nakakatugon sa mga manonood. Ito ay hindi para sa wala na mayroong isang kahulugan ng "mga manggagawa sa teatro": ang isang pagtatanghal ay parehong pagkamalikhain at produksyon.

Nag-aalok ang teatro ng sarili nitong paraan ng pag-alam sa nakapaligid na mundo at, nang naaayon, sa sarili nitong hanay ng mga masining na paraan. Ang isang pagtatanghal ay parehong isang espesyal na aksyon na nilalaro sa espasyo ng entablado, at isang espesyal na makasagisag na pag-iisip na naiiba, halimbawa, mula sa musika.

Ang isang pagtatanghal sa teatro ay batay sa isang teksto, tulad ng isang dula para sa isang dramatikong pagtatanghal. Kahit na sa mga yugto ng produksyon kung saan ang salitang tulad nito ay wala, ang teksto ay minsan kailangan; sa partikular, ang ballet, at kung minsan ay pantomime, ay may libretto script. Ang proseso ng paggawa sa isang dula ay binubuo sa paglilipat ng isang dramatikong teksto sa entablado - ito ay isang uri ng "pagsasalin" mula sa isang wika patungo sa isa pa. Dahil dito, ang salitang pampanitikan ay nagiging isang yugto ng salita.

Ang unang bagay na nakikita ng manonood pagkatapos bumukas (o tumaas) ang kurtina ay ang espasyo sa entablado kung saan inilalagay ang tanawin. Ipinapahiwatig nila ang lugar ng pagkilos, makasaysayang oras, sumasalamin sa pambansang lasa. Sa tulong ng spatial constructions, kahit na ang mood ng mga karakter ay maiparating (halimbawa, sa isang episode ng pagdurusa ng bayani, ilubog ang eksena sa dilim o higpitan ang backdrop nito ng itim). Sa panahon ng pagkilos, sa tulong ng isang espesyal na pamamaraan, ang tanawin ay binago: ang araw ay naging gabi, taglamig - sa tag-araw, ang kalye - sa isang silid. Ang pamamaraan na ito ay binuo kasama ng siyentipikong pag-iisip ng sangkatauhan. Ang mga mekanismo ng pag-aangat, mga kalasag at mga hatch, na noong unang panahon ay manu-manong pinamamahalaan, ngayon ay itinataas at ibinababa ng mga elektroniko. Ang mga kandila at gas lamp ay pinalitan ng mga bombilya; madalas ding ginagamit ang mga laser.

Kahit noong unang panahon, dalawang uri ng entablado at awditoryum ang nabuo: entablado ng kahon at yugto ng amphitheater. Ang yugto ng kahon ay nagbibigay ng mga tier at isang parterre, at ang mga manonood ay pumapalibot sa entablado ng amphitheater mula sa tatlong panig. Ang parehong mga uri ay ginagamit sa mundo ngayon. Ang modernong teknolohiya ay nagpapahintulot sa iyo na baguhin ang theatrical space - upang ayusin ang isang plataporma sa gitna ng auditorium, upang ilagay ang manonood sa entablado, at ang pagtatanghal na gaganapin sa auditorium. Malaking kahalagahan ay palaging naka-attach sa gusali ng teatro. Ang mga teatro ay karaniwang itinatayo sa gitnang plaza ng lungsod; gusto ng mga arkitekto na maging maganda ang mga gusali at makaakit ng atensyon. Pagdating sa teatro, ang manonood ay tumalikod sa pang-araw-araw na buhay, na parang umaangat sa katotohanan. Samakatuwid, hindi nagkataon na ang isang hagdanan na pinalamutian ng mga salamin ay madalas na humahantong sa bulwagan.

Nakakatulong ang musika na pahusayin ang emosyonal na epekto ng isang dramatikong pagtatanghal. Minsan ito ay tunog hindi lamang sa panahon ng aksyon, kundi pati na rin sa panahon ng intermission - upang mapanatili ang interes ng publiko. Ang pangunahing tauhan sa dula ay ang aktor. Nakikita ng manonood sa kanyang harapan ang isang tao na, sa isang misteryosong paraan, ay naging isang masining na imahe - isang uri ng gawa ng sining. Siyempre, ang gawa ng sining ay hindi mismo ang tagapalabas, ngunit ang kanyang tungkulin. Siya ay nilikha ng isang aktor, na nilikha ng boses, nerbiyos at isang bagay na hindi mahahalata - espiritu, kaluluwa. Upang ang aksyon sa entablado ay mapagtanto bilang isang buo, ito ay kinakailangan upang ayusin ito nang may pag-iisip at tuloy-tuloy. Ang mga tungkuling ito sa modernong teatro ay ginagampanan ng direktor. Siyempre, marami ang nakasalalay sa talento ng mga aktor sa dula, ngunit gayunpaman sila ay nasa ilalim ng kalooban ng pinuno - ang direktor. Ang mga tao, tulad ng maraming siglo na ang nakalilipas, ay pumupunta sa teatro. Mula sa entablado, tumutunog ang teksto ng mga dula, na binago ng mga lakas at damdamin ng mga gumaganap. Ang mga artista ay nagsasagawa ng kanilang sariling diyalogo - at hindi lamang pasalita. Ito ay isang pag-uusap ng mga kilos, postura, sulyap at ekspresyon ng mukha. Ang imahinasyon ng isang artista bilang isang dekorador sa tulong ng kulay, liwanag, mga istrukturang arkitektura sa site ay gumagawa ng espasyo ng entablado na "nagsalita". At ang lahat ng ito ay pinagsama-sama sa mahigpit na balangkas ng intensyon ng direktor, na nagbibigay ng pagkakumpleto at integridad sa mga magkakaibang elemento.

Ang manonood ay sinasadya (at kung minsan ay hindi namamalayan, na parang labag sa kanyang kalooban) ay tinatasa ang paglalaro ng mga aktor at ang direksyon, ang pagsusulatan ng solusyon ng theatrical space sa pangkalahatang ideya. Ngunit ang pangunahing bagay ay siya, ang manonood, ay nagiging kasangkot sa sining, hindi katulad ng iba, na nilikha dito at ngayon. Sa pag-unawa sa kahulugan ng dula, naiintindihan niya ang kahulugan ng buhay. Ang kasaysayan ng teatro ay nagpapatuloy.

Mga uri at genre ng sining sa teatro

Ang VODEVIL ay isang uri ng komedya na may mga taludtod at sayaw. Nagmula sa France; mula sa simula ng XIX na siglo. nakatanggap ng pan-European distribution. Ang pinakamahusay na mga gawa ay may masiglang saya, isang napapanahong pagmuni-muni ng katotohanan.

Ang DRAMA ay isa sa mga nangungunang genre ng drama, mula noong Enlightenment, na naglalarawan sa mundo ng isang tunay na tao sa kanyang acutely conflictual, ngunit hindi walang pag-asa na relasyon sa lipunan o sa kanyang sarili. Noong XX siglo. ang drama ay kapansin-pansin sa seryosong nilalaman nito, sumasalamin sa iba't ibang aspeto ng buhay at lipunan ng tao, at ginalugad ang sikolohiya ng tao.

Ang KOMEDYA ay isang uri ng dula kung saan ang aksyon at mga tauhan ay binibigyang kahulugan sa anyo ng isang komiks. Tulad ng trahedya, ipinanganak ito sa Sinaunang Greece mula sa mga ritwal na sinamahan ng mga prusisyon bilang parangal sa diyos na si Dionysus. Ang komedya, matino na naggalugad ng kalikasan ng tao, ay kinutya ang mga bisyo at maling akala ng mga tao. Ang pinakamahusay na mga halimbawa ng genre na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang walang kompromiso na pagsusuri, talas at katapangan sa pangungutya sa mga bisyo ng lipunan. Ang iba't ibang bansa ay may kanya-kanyang bersyon ng komedya. Sikat ang "natutunan" na komedya ng mga Italian humanist at ang Spanish comedy nina Lope de Vega at Calderon, ang English comedy ng Renaissance, ang French classicist comedy of the Enlightenment, at ang Russian realistic comedy. Ayon sa prinsipyo ng pag-aayos ng aksyon, ang isang komedya ng mga character, posisyon, ideya ay nakikilala. Sa uri ng Plot, ang mga komedya ay maaaring maging pang-araw-araw at liriko, ayon sa likas na katangian ng komiks - nakakatawa, satirical.

Ang MELODRAMA ay isang dulang may matinding intriga, labis na emosyonalidad, matalim na pagsalungat ng mabuti at masama, moral at nakapagtuturo na ugali. Lumitaw ito sa pagtatapos ng ika-17 siglo. sa France, sa Russia - noong 20s. XIX na siglo.

Ang MIM ay isang genre ng komedya sa sinaunang katutubong teatro, maiikling improvisasyonal na mga eksenang may satirical at nakakaaliw na kalikasan.

Ang OPERA ay isang genre ng musikal at dramatikong sining, kung saan ang nilalaman ay kinakatawan sa pamamagitan ng musikal na drama, pangunahin sa pamamagitan ng vocal music. Ang panitikan na batayan ng opera ay ang libretto. Sa ganitong genre ng musika, ang tula at dramatikong sining, vocal at instrumental na musika, mga ekspresyon ng mukha, sayaw, pagpipinta, tanawin at mga kasuotan ay pinagsama sa iisang kabuuan.

Ang MYSTERY ay isang genre ng medieval Western European religious theater. Ang mga misteryo ay ipinakita sa mga parisukat ng lungsod. Ang mga relihiyosong eksena sa mga ito ay salit-salit sa mga interlude.

Ang MONODRAMA ay isang dramatikong obra na ginanap ng isang artista.

Ang MORALITE ay isang genre ng teatro sa Kanlurang Europa noong ika-15 hanggang ika-16 na siglo, isang nakapagpapatibay na alegorikal na drama, na ang mga tauhan ay nagpapakilala sa iba't ibang birtud at bisyo.

Ang MUSIC ay isang musikal at entablado na gawa, higit sa lahat ay may likas na komedya, na gumagamit ng mga paraan ng pop at pang-araw-araw na musika, dramatiko, koreograpiko at operatikong sining; nabuo ang genre sa Estados Unidos sa pagtatapos ng ika-19 na siglo.

PARODY - 1) isang genre sa teatro, sa entablado, isang mulat na imitasyon sa satirical, ironic at nakakatawa na mga layunin ng isang indibidwal na paraan, estilo, stereotypes ng pananalita at pag-uugali; 2) baluktot na pagkakahawig ng isang bagay.

Ang PASTORAL ay isang opera, pantomime o balete, na ang balangkas ay nauugnay sa isang ideyal na paglalarawan ng buhay ng pastol.

Ang SOTI ay isang comedy-satirical genre ng French theater noong ika-15-17 na siglo, isang uri ng komedya.

TRAGEDY (isinalin mula sa Griyego - "awit ng mga kambing") - isang uri ng drama, na puno ng kalunos-lunos na kalunos-lunos. Noong unang panahon, sinasalamin niya ang direktang buhay ng mga karakter ng mga trahedya na kaganapan, ang aksyon ay nanaig sa kuwento. Sa Renaissance, ang mga dula ay itinapon ang pagkakaisa ng aksyon na itinuturing na obligado; ang trahedya ay madalas na pinagsama sa komiks. Sa hinaharap, ang trahedya ay mahigpit na kinokontrol: muli ang pagkakaisa ng aksyon, lugar at oras ay nanaig; may demarcation ang komiks at ang trahedya. Sa modernong teatro, bihira ang puro trahedya. Ang batayan ng trahedya ay nabuo sa pamamagitan ng matinding mga salungatan sa lipunan, mga pangunahing problema sa buhay, mga personal na banggaan sa kapalaran at lipunan. Ang isang trahedya na banggaan ay karaniwang nareresolba sa pamamagitan ng pagkamatay ng bayani.

Ang TRAGICOMEDIA ay isang dramatikong gawa na may mga tampok ng parehong komedya at trahedya. Ito ay batay sa pakiramdam ng relativity ng umiiral na pamantayan ng buhay; ang playwright ay nakikita ang parehong phenomenon sa parehong komiks at trahedya coverage, katangian ng ika-20 siglo.

FARS - 1) isang uri ng medieval Western European folk theater ng pang-araw-araw na komedya ng isang satirical na kalikasan, na umiral noong XIV-XVI na siglo. Malapit sa German fastnachtspiel, Italian commedia dell'arte, atbp.; 2) sa teatro ng XIX-XX na siglo. isang comedy-vaudeville ng magaan na nilalaman na may purong panlabas na mga comic device.

Ang EXPERIENCE ay isang genre ng mga theatrical performance kung saan ang mga staged effect ay ginagamit para sa mga kamangha-manghang eksena. Nagmula ito sa Italya noong ika-17 siglo.

FLIAKI - katutubong theatrical performances sa Sinaunang Greece, lalo na laganap sa III-IV siglo. BC. sa mga kolonya ng Greece: maikling improvisational na biro-mga eksena mula sa pang-araw-araw na buhay tungkol sa masayang pakikipagsapalaran ng mga diyos at bayani.

2. Teatro ng Sinaunang Greece.

Ang paglitaw ng teatro sa sinaunang Greece.

Ang teatro ay isa sa mga pinakalumang sining. Ang mga pinagmulan nito ay nawala sa primitive na lipunan. Ang teatro ay lumitaw mula sa katutubong pangangaso at mga larong pang-agrikultura ng isang mahiwagang kalikasan. Naniniwala na ang imitasyon ng isang hayop, ang hitsura at gawi nito ay maaaring makaapekto sa resulta ng pangangaso, ang mga primitive na tao ay nag-ayos ng mga sayaw ng mga taong nakasuot ng balat ng hayop.

Sa pagdating ng agrikultura, ang mga pagdiriwang ay ipinagdiwang ang ani. Sa pagdiriwang bilang karangalan sa diyos ng winemaking na si Dionysus, ang mga winegrower sa mga balat ng kambing ay naglalarawan ng iba't ibang mga yugto mula sa buhay ni Dionysus, kumanta ng kapangyarihan ng puno ng ubas, na nagbibigay ng kagalakan.

Mula sa awit na ito ng mga taong nakabalat ng kambing, isang trahedya ang bumangon (ang tragos ay Griyego para sa "kambing").

Mula sa parehong mga pista opisyal na nakatuon kay Dionysus, lumitaw ang komedya (mula sa salitang komos - walang pigil na saya). Ang komedya, hindi tulad ng mga seryoso at malungkot na trahedya, ay pumukaw ng tawa.

Sa paglipas ng panahon, ang mga palabas sa teatro ng Greek ay nawalan ng ugnayan sa pagsamba sa diyos na si Dionysus, sinabi nila ang tungkol sa buhay ng iba pang mga diyos, bayani, pati na rin ang tungkol sa mga ordinaryong tao.

Ang aparato ng teatro sa sinaunang Greece.

Ang mga sinehan sa Sinaunang Greece ay itinayo sa bukas na hangin, sa mga dalisdis ng mga bundok at burol. Sila ay dinisenyo para sa ilang libo, o kahit ilang sampu-sampung libong mga manonood. Ang mga manonood ay nakaupo sa mga bench na bato na tumaas sa gilid, nakaharap sa isang malawak na bilog o parisukat na plataporma - ang orkestra.

teatro ng Greek. Sa gitna ay ang orkestra. Sa kanan at kaliwa nito ay may koro, sa gitna ay may estatwa ni Dionysus. Ang orkestra ay isinara ng sköne - isang sakop na silid para sa pagpapalit ng mga damit ng mga aktor. May tatlong artista sa harap ng skene. Pagguhit ng isang kontemporaryong artista batay sa mga paghuhukay ng Greek Theater. Sa gitna ay ang orkestra. Sa kanan at kaliwa nito ay may koro, sa gitna ay may estatwa ni Dionysus. Ang orkestra ay isinara ng sköne - isang sakop na silid para sa pagpapalit ng mga damit ng mga aktor. May tatlong artista sa harap ng skene. Pagguhit ng isang kontemporaryong artist batay sa data ng paghuhukay

Ang orkestra ay binubuo ng mga aktor at isang koro, na nakadamit alinsunod sa dula.

Sa likod ng orkestra, mayroong isang dressing room para sa mga aktor - ang eksena (kaya ang modernong pangalan - ang entablado). Sa loob nito, ang mga aktor ay nagsuot ng mga damit at malalaking matingkad na kulay na maskara. Sa una, ang mga maskara ay gawa sa kahoy, at pagkatapos ay sa canvas na pinapagbinhi ng plaster at natatakpan ng pintura. Pinahintulutan ng mga maskara ang lahat ng mga manonood, maging ang mga nakaupo sa napakalayo, na makita ang "ekspresyon ng mukha" na naaayon sa aksyon - nagdadalamhati, nagdurusa, mahigpit, masaya. Bilang karagdagan, ang malawak na bukas na bibig ng maskara ay lumikha ng isang bagay tulad ng isang sungay, na pinalakas ang boses ng aktor.

Nadagdagan ang tangkad ng aktor sa tulong ng tinatawag na koturns - sandals na napakakapal ng talampakan. Ang mga babaeng papel sa Greek theater ay ginampanan ng mga lalaki.

Mga Makatang Trahedya at Komiks sa Sinaunang Greece.

Ang mga kumpetisyon sa pagitan ng mga trahedya at komiks na makata ay ginanap sa Athens. Bawat isa sa kanila ay kailangang magsulat at magtanghal ng tatlong dula. Ang nagwagi ay ginawaran ng isang evergreen laurel wreath. Mga sikat na Greek na trahedya na makata noong ika-5 siglo BC e. - Aeschylus, Sophocles at Euripides. Ang isang kalahok sa mga digmaang Greco-Persian, si Aeschylus, sa trahedya na "The Persians", ay hinatulan ang despot ng Persia na si Xerxes para sa kalupitan at kusang-loob, pinuri ang katapangan ng mga Greeks sa pakikibaka para sa kalayaan ng kanilang tinubuang-bayan. Ang mga bayani ng marami sa mga trahedya ni Aeschylus ay mga diyos at demigod. Sa trahedya na "Chained Prometheus", ang bayani ng mito, ang titan Prometheus, ay inilalarawan bilang isang walang interes na kaibigan at benefactor ng sangkatauhan, isang matapang na manlalaban laban sa arbitrariness at karahasan, na nakapaloob sa imahe ni Zeus.

Sa mga trahedya ng Sophocles, hindi gaanong mga diyos ang kumikilos. Ang trahedya na "Antigone" ay naglalarawan ng isang matapang na babae na nagsalita laban sa hindi makatarungang desisyon ng tsar at hinatulan ng kamatayan para dito. Buong tapang na sinalubong ni Antigone ang hatol. Nang mamatay, nanalo siya ng isang tagumpay, dahil ang hari mismo ay nagsisi sa kalaunan at kinansela, kahit na huli, ang kanyang hatol. Ang trahedya ng Antigone ay isang marubdob na apela para sa sangkatauhan, para sa katapatan sa tungkulin, para sa katarungan.

Inilapit ni Euripides ang trahedya sa manonood, ginawa itong mas nauunawaan at may kaugnayan. Ang makata ay matapang na nagtataas ng mga isyu ng pag-aalala sa maraming mga kontemporaryo tungkol sa kawalan ng katarungan ng hindi pagkakapantay-pantay ng mga kababaihan. Inilalarawan niya ang mga tao sa lahat ng kanilang mga hilig, damdamin at adhikain, at ipinakita ang aktor ng Sinaunang Griyego. Sa kanyang mukha ay isang tragic mask. Sa legs-koturny. Ivory figurine, pininturahan ng mga pintura Sa kanyang mukha ay isang tragic mask. Sa legs-koturny. Isang ivory figurine na pininturahan ng mga kulay gaya ng mga ito sa buhay.

Ang pinakadakilang makata ng komiks ay si Aristophanes. Sa kanyang mga gawa, masama niyang inilantad ang mga pagkukulang ng kontemporaryong demokrasya ng Atenas, na inilantad sa katawa-tawang paraan ang marami sa mga pinuno nito. Si Aristophanes ay mahigpit na sumalungat sa mga digmaan sa pagitan ng mga Griyego, na kapaki-pakinabang lamang sa ilang mga may-ari ng alipin, niluwalhati ang mga tao ng mapayapang paggawa. Maraming komedya ni Aristophanes ang kinutya sa panlilinlang, kasakiman at kawalan ng katarungan ng mga diyos ng Olympian. Kaya, sa komedya na "Mga Ibon" ay inilalarawan niya si Zeus bilang isang magnanakaw at isang manlilinlang, si Poseidon bilang isang suhol, si Hercules bilang isang matakaw. Ang mga komedya ni Aristophanes ay nagtamasa ng karapat-dapat na tagumpay sa mga tao.

Ang kahulugan ng teatro ng Greek.

Ang teatro ay ang pinakamalaking kapangyarihan sa mga estado ng Greece. Ang lahat ng mga tao ay nakinig sa mga may-akda ng mga trahedya at komedya. Ang awit ng koro mula sa trahedya na "Antigone" - "Maraming himala sa mundo, ang tao ay higit na kahanga-hanga kaysa sa lahat ng mga ito" - ang naging paboritong kanta ng mga Athenian.

Ang teatro ay tinawag na "paaralan para sa mga matatanda". Itinataguyod niya ang pagmamahal sa tinubuang-bayan, paggalang sa trabaho, katapangan at iba pang magagandang katangian, napansin ang mga pagkukulang sa istruktura ng lipunan.

Ang teatro ng Greek ay may napakalaking impluwensya sa pag-unlad ng sining ng teatro ng mga tao ng modernong Europa. Ang teatro sa ating panahon ay hiniram hindi lamang ang terminolohiya ng teatro ng Greek, ngunit mayroon ding utang ang marami sa mga tampok at pamamaraan nito sa mga Greeks. Ang mga dula ng mga sinaunang manunulat ng dulang Griyego, na nilikha mahigit dalawang libong taon na ang nakalilipas, ay nakaimpluwensya sa gawain ng maraming mahuhusay na dramatikong manunulat ng modernong panahon. Sa ating bansa at ilang ibang bansa, ang mga dula ng Aeschylus, Sophocles at Euripides ay itinatanghal pa rin sa entablado. Sa pamamagitan ng isang espesyal na desisyon ng World Peace Council, ipinagdiriwang kamakailan ng lahat ng progresibong sangkatauhan ang anibersaryo ni Aristophanes. Ang mga kaisipan at damdamin ng mga tao sa malayong panahon, na ipinahayag sa mga trahedya at komedya ng mga Griyego, ay nakakaganyak sa amin.

3. Pagkamalikhain ng Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes.

Aeschylus

Si Aeschylus ang naging tunay na tagapagtatag ng trahedya. Siya ang may-akda ng higit sa pitumpung mga gawa, kung saan pito lamang ang nakaligtas: "Persians", "Beseeching", "Seven Against Thebes", "Chained Prometheus", "Agamemnon", "Hoephora", "Eumenides". Ang lahat ng mga dula ni Aeschylus ay puno ng isang malakas na relihiyosong damdamin, batay sa salungatan sa pagitan ng mga hilig at espirituwalidad ng tao.

Si Aeschylus ang nagtatag ng isang trahedya sibil sa kanyang ideolohikal na tunog, isang kontemporaryo at kalahok sa mga digmaang Greco-Persian, isang makata sa panahon ng pagbuo ng demokrasya sa Athens. Ang pangunahing motibo ng kanyang trabaho ay ang pagluwalhati ng civic courage at patriotism. Ang isa sa mga pinaka-kahanga-hangang bayani ng mga trahedya ng Aeschylus ay ang walang kapantay na God-fighter na si Prometheus, ang personipikasyon ng mga malikhaing pwersa ng mga Athenians. Ito ang imahe ng isang hindi sumusukong manlalaban para sa matataas na mithiin, para sa kaligayahan ng mga tao, ang sagisag ng katwiran na nagtagumpay sa kapangyarihan ng kalikasan, isang simbolo ng pakikibaka para sa pagpapalaya ng sangkatauhan mula sa paniniil, na nakapaloob sa imahe ng isang malupit at mapaghiganti Zeus, na ang alipin serbisyo Prometheus ginustong pahirapan.

Sophocles

Sumulat si Sophocles ng 125 drama, kung saan pitong trahedya ang nakaligtas: Antigone, Ajax, Oedipus the Tsar, Electra, atbp. Ayon kay Aristotle, ipinakita ni Sophocles ang mga ideal na tao, habang si Euripides - kung ano talaga ang mga ito. Si Euripides ay higit na isang komentarista kaysa isang kalahok sa mga kaganapan, na lubhang interesado sa sikolohiya ng babae. Ang pinakasikat sa 19 na nabubuhay na gawa ay ang Medea at Phaedra.

Ang isang tampok ng lahat ng mga sinaunang drama ay ang koro, na sinamahan ang buong aksyon sa pag-awit at sayawan. Nagdala si Aeschylus ng dalawang aktor sa halip na isa, binabawasan ang mga bahagi ng koro at nakatuon sa diyalogo, na isang mapagpasyang hakbang sa pagbabago ng trahedya mula sa puro gayahin ang mga liriko ng choral tungo sa tunay na drama. Dahil sa paglalaro ng dalawang aktor, mas lalong tumindi ang tensyon sa aksyon. Ang hitsura ng ikatlong aktor ay isang inobasyon ng Sophocles, na naging posible na magbalangkas ng iba't ibang linya ng pag-uugali sa parehong salungatan.

Euripides

Sa kanyang mga trahedya, sinasalamin ni Euripides ang krisis ng tradisyonal na ideolohiya ng polis at ang paghahanap ng mga bagong pundasyon ng pananaw sa mundo. Siya ay sensitibo sa mga nag-aalab na tanong ng buhay pampulitika at panlipunan, at ang kanyang teatro ay isang uri ng encyclopedia ng intelektwal na kilusan ng Greece noong ikalawang kalahati ng ika-5 siglo. BC e. Sa mga akda ni Euripides, iba't ibang suliraning panlipunan ang iniharap, ipinakita at tinalakay ang mga bagong ideya.

Tinawag ng sinaunang kritisismo si Euripides na "ang pilosopo sa entablado." Ang makata ay hindi, gayunpaman, isang tagasuporta ng isang tiyak na pilosopikal na doktrina, at ang kanyang mga pananaw ay hindi pare-pareho. Ang kanyang saloobin patungo sa demokrasya ng Atenas ay ambivalent. Niluwalhati niya ito bilang isang sistema ng kalayaan at pagkakapantay-pantay, kasabay nito ay natakot siya sa mahihirap na "karamihan" ng mga mamamayan, na sa mga sikat na asembliya ay nagpasya ng mga isyu sa ilalim ng impluwensya ng mga demagogue. Ang isang matibay na thread, sa pamamagitan ng lahat ng gawain ng Euripides, ay nagpapatakbo ng interes sa personalidad na may mga pansariling hangarin nito. Inilarawan ng mahusay na manunulat ng dula ang mga tao sa kanilang mga impulses at impulses, saya at pagdurusa. Sa lahat ng kanyang trabaho, pinilit ni Euripides ang madla na pag-isipan ang kanilang lugar sa lipunan, ang kanilang saloobin sa buhay.

Aristophanes

Ang pinakatanyag na may-akda ng komedya ay si Aristophanes, na alam kung paano idirekta ang kanyang satirical na "mga arrow" laban sa mga kontemporaryong pulitiko, manunulat at pilosopo. Ang kanyang pinaka-kapansin-pansin na mga gawa ay Wasps, Frogs, Clouds, Lysistrata. Ang mga bayani ng mga komedya ng Aristophanes ay hindi mga maalamat na personalidad, ngunit ang mga naninirahan sa Athens na kontemporaryo ni Aristophanes: mga mangangalakal, artisan, alipin. Sa mga komedya, walang paggalang sa mga diyos tulad ng sa mga trahedya. Pinagtatawanan pa nga sila minsan.

Si Aristophanes ay nagbigay ng isang matapang na panunuya sa pampulitika at kultural na estado ng Athens sa panahon na ang demokrasya ay nasa krisis. Sa kanyang mga komedya, iba't ibang saray ng lipunan ang kinakatawan: mga estadista at pinunong militar, makata at pilosopo, magsasaka at mandirigma, mga naninirahan sa kalunsuran at mga alipin. Nakamit ni Aristophanes ang matalim na comic effect, pinagsasama ang totoo at ang hindi kapani-paniwala at dinadala ang kinutya na ideya sa punto ng kahangalan. Si Aristophanes ay may kakayahang umangkop at buhay na buhay na wika, ngayon ay lumalapit sa karaniwan, kung minsan ay napaka-magaspang at primitive, ngayon ay parody-uplifted at mayaman sa hindi inaasahang comedic word formations.

Ang mga agham at panitikan ng Sinaunang Greece ay nilikha ng mga malayang tao na binigyan ng mala-tula at mitolohikong pananaw sa mundo. Sa lahat ng bagay na naunawaan ng Griyego, natuklasan niya ang pagkakaisa, maging ang uniberso o isang tao. Sa kanyang mitolohiyang pang-unawa, ang Griyego ay ginawang espiritwal ang lahat ng bagay na humipo sa kanyang kamalayan. Ang pagkakaisa at espirituwalidad ang tumutukoy sa organikong kalikasan at integridad ng kulturang Griyego at, una sa lahat, sining.

4. Teatro ng Sinaunang Roma.

Sa III - II siglo BC. e. ang teatro ay gumaganap ng isang mahalagang papel sa Roma, ang mga plot ng mga dula ay hiniram mula sa mga Greeks, ngunit ang mga karakter ay mula sa Romanong pinagmulan.

Ang teatro ng Roma ay bumangon nang ang sistema ng patriarchal clan ay nawasak. Hindi niya alam ang mga sosyal at bilog na sayaw na anyo ng teatro ng Greek at hindi umaasa sa inisyatiba ng populasyon ng lunsod. Ang teatro ng Romano ay agad na propesyonal.

Ang teatro ng Roma ay hindi nauugnay sa kulto ng diyos, tulad ng sa Greece, kaya wala itong parehong kahalagahan sa lipunan. Ang mga aktor ay hindi iginagalang, ngunit hinamak ang mga tao. Sila ay kinuha mula sa mga alipin at pinalaya at maaaring matalo dahil sa hindi magandang pagganap. Ang mga pagtatanghal ay itinanghal bilang parangal sa mga pampublikong pista opisyal, gayundin sa anumang iba pang oras sa inisyatiba ng sinuman sa mga marangal na mamamayan.

Sa mahabang panahon, walang permanenteng mga gusali ng teatro sa Roma.

Para sa mga pagtatanghal, itinayo ang mga espesyal na pansamantalang istrukturang kahoy, na nasira sa pagtatapos ng pagtatanghal. Ang entablado ay isang sahig na gawa sa kahoy na itinaas ang taas ng kalahating tao sa ibabaw ng lupa. Tatlong makitid na hagdanan ang humantong dito sa ilang mga hakbang - ang mga character na dumating (ayon sa balangkas) mula sa ibang lungsod ay umakyat sa kanila. Ang likod na dingding ng booth na may kurtina ay nagsilbing background. Naglagay ng mga bangko para sa mga manonood, ngunit kung minsan ay pinahihintulutan lamang na panoorin ang mga pagtatanghal habang nakatayo.Ito ay pinatugtog sa mahabang panahon, kasama ang mga komedya ng Plautus.

Gayunpaman, sa pag-unlad ng drama, ang pangangailangan na gumawa ng mga pagbabago sa pagganap ay lumago din. Ang pangangailangan na magtayo ng isang permanenteng gusali ng espesyal na teatro sa Roma ay tinalakay ng Senado. Gayunpaman, naniniwala ang Senado na ang teatro ay nagpapalayaw sa kabataan at mga tiwaling kababaihan - at noong 154 ay pinahinto ang pagtatayo ng teatro na bato, na nagsimula ilang taon na ang nakalilipas.

Ang unang permanenteng teatro ng bato ay itinayo noong mga 55 BC. commander Gnei Pompey the Great at pinaunlakan ang 17 libong manonood.

Ang Romanong teatro ay iba sa Griyego. Ang laki ng orkestra ay nabawasan ng kalahati, ito ay naging kalahating bilog. (sa Hellenistic theater, ang orkestra ay sumasakop sa tatlong quarter ng bilog).

Ang mga Etruscan at Romano, tulad ng lahat ng mga tao, ay may mga ritwal at kulto na kanta at laro, mayroon ding isang folk comedy theater, isang histrion theater na nagmumula sa Etruscans, ang folk theater ng athelana (mula sa lungsod ng Atella) na may permanenteng maskara ay malapit. sa Griyego mime.: tanga Bukkon, tanga Mack, simpleng Papp, tusong Dossen. Dahil ang pagtatanghal sa teatro ay hindi nauugnay sa kulto ng isang diyos, ngunit na-time na nag-tutugma sa mga pista opisyal, mga pagtatanghal sa sirko, mga labanan ng gladiatorial, mga tagumpay at libing ng mga estadista, pagtatalaga ng mga templo, ang teatro ng Roma ay isang inilapat na likas na katangian. Ang Republika ng Roma, at higit pa sa imperyo, ay isang estadong oligarkiya, kaya iba rin ang takbo ng pag-unlad ng buhay kultural, na nakaapekto rin sa teatro. Hindi siya makakapag-ugat nang malalim sa gayong mga kondisyon. Ang katayuan ng isang aktor ay iba kaysa sa Greece. Hindi tulad ng Griyego, hindi siya ganap na miyembro ng lipunan at ang kanyang propesyon ay hinamak.

Organisasyon ng teatro ng Roma nagkaroon ng sariling mga detalye. Ang koro ay hindi lumahok sa pagtatanghal, ang mga aktor ay hindi nagsusuot ng maskara. Ang problema ng Romanong dramaturhiya ay hindi umabot sa moral na taas ng sinaunang Griyego. Hanggang sa ating panahon, ang mga gawa lamang ng dalawang manunulat ng dula ay ganap na nakaligtas: sina Plautus at Terentius, mga komedyante, na ang isa ay nagmula sa mas mababang saray ng lipunan, at ang isa ay isang alipin, na pinalaya ng may-ari para sa kanyang talento. Ang mga plot ng kanilang mga komedya ay hinango mula sa mga dula ng neo-attic comedy, ang kanilang bida ay isang matalinong palihim na alipin. Ang trahedya na genre ay kinakatawan lamang ng mga gawa ni Seneca, isang Stoic na pilosopo na nagsulat ng mga dula sa mga paksang mitolohiya para sa isang makitid na bilog ng mga piling tao, at sila, sa mahigpit na pagsasalita, ay walang kinalaman sa teatro.

Sa pagkakatatag ng Imperyo ng Roma, naging laganap ang pantomime. Gayunpaman, ang dramang Romano ay may malaking impluwensya sa drama ng modernong panahon ng panahon ng klasisismo: Corneille, Racine (sa post-antique na Europa, ang wikang Griyego ay kilala ng iilan).

5. Organisasyon ng mga pagtatanghal sa teatro sa Sinaunang Greece at Sinaunang Roma.

Sa Roma, gayundin sa Greece, ang mga pagtatanghal sa teatro ay naganap nang hindi regular, at kasabay ng ilang mga pista opisyal. Hanggang sa kalagitnaan ng ika-1 siglo. BC. walang stone theater ang itinayo sa Roma. Ang mga pagtatanghal ay ginanap sa mga istrukturang kahoy, na binuwag pagkatapos ng kanilang pagkumpleto. Sa una, walang mga espesyal na lugar para sa mga manonood sa Roma, at sila ay nanonood ng "stage games" habang nakatayo o nakaupo sa dalisdis ng burol na katabi ng entablado.

Ang unang teatro ng bato sa Roma ay itinayo ni Pompey sa panahon ng kanyang pangalawang konsulado, noong 55 BC. Pagkatapos niya, iba pang mga teatro ng bato ang itinayo sa Roma.

Ang mga tampok ng gusali ng teatro ng Roma ay ang mga sumusunod: ang mga upuan para sa mga manonood ay isang eksaktong kalahating bilog; ang kalahating bilog na orkestra ay hindi inilaan para sa koro (ito ay wala na sa Romanong teatro), ngunit isang lugar para sa mga may pribilehiyong manonood; mababa at malalim ang eksena.

Ang mga pagtatanghal ng Romanong teatro ay kamangha-mangha at inilaan pangunahin para sa mga madlang plebeian. "Bread and circuses" ang slogan na ito ay napakapopular sa mga karaniwang tao sa Roma. Sa pinanggalingan ng teatro ng Roma ay mga taong mababa ang ranggo at mga malayang tao.

Ang mga awiting bayan ay isa sa mga pinagmumulan ng mga pagtatanghal sa teatro sa Roma. Kabilang dito ang mga fescenes - mapang-uyam, masasamang tula na itinapon sa paligid ng mga mummers ng mga taganayon sa panahon ng mga pagdiriwang ng ani. Marami ang dumating sa teatro mula sa Atellana, isang katutubong komedya ng mga maskara na nagmula sa mga tribo ng Oscan na nanirahan sa Italya malapit sa lungsod ng Atella.

Nagdala si Atellana ng mga itinatag na maskara sa teatro ng Roma, na nag-ugat sa mga sinaunang larong Etruscan Saturnine na ginanap bilang parangal sa sinaunang diyos ng Italya na si Saturn. Ang atellan ay may apat na maskara: Mack - isang tanga at matakaw, Bukk - isang hangal na mayabang, walang ginagawa na nagsasalita at simpleng tao, Papp - isang simple, hangal na matandang lalaki, at Dossen - isang pangit na charlatan scientist. Ang magandang kumpanyang ito ay nilibang ang mga tapat na tao sa mahabang panahon.

Ang pinaka sinaunang uri ng dramatikong aksyon ay dapat ding tawaging - mime... Sa una, ito ay isang krudo na improvisasyon, na ginanap sa mga pista opisyal ng Italya, lalo na sa pagdiriwang ng tagsibol na Floralius, at nang maglaon ang mime ay naging isang genre ng pampanitikan.

Maraming mga genre ng drama ang kilala sa Roma. Kahit na ang makata na si Gnei Nevy ay lumikha ng tinatawag na pretext tragedy, na ang mga karakter ay nagsusuot ng pretext - ang mga damit ng mga mahistrado ng Roma.

Ang komedya sa Roma ay may dalawang uri; togata comedy at palliata comedy. Ang una ay isang masayang-maingay na piraso batay sa lokal na materyal na Itelian. Ang mga karakter nito ay mga taong may karaniwang ranggo. Nakuha ng togata ang pangalan nito mula sa nangungunang damit na Romano - toga. Ang mga may-akda ng naturang mga komedya na sina Titinius, Afranius at Atta ay kilala lamang sa amin mula sa magkakahiwalay na natitirang mga fragment. Ang pangalan ng comedy palliat ay nauugnay sa isang maikling Greek cloak - pallium. Ang mga may-akda ng komedya na ito ay pangunahing bumaling sa malikhaing pamana ng mga Greek playwright, mga kinatawan ng neoattic comedy - Menander, Philemon at Diphilus. Ang mga Romanong komedyante ay madalas na pinagsama ang mga eksena mula sa iba't ibang mga dulang Griyego sa isang komedya.

Ang pinakatanyag na kinatawan ng pampakalma na komedya ay ang mga Romanong manunulat na sina Plautus at Terentius.

Si Plautus, kung kanino ang teatro sa mundo ay may utang na maraming artistikong pagtuklas (ang musika ay naging isang mahalagang bahagi ng aksyon, ito ay tumunog pareho sa liriko at masayang mga eksena), ay isang unibersal na tao: isinulat niya ang teksto, nilalaro sa mga pagtatanghal na siya mismo ang nagtanghal (" Mga Asno", " Palayok "," Mayabang na Mandirigma "," Amphitryon ", atbp.). Siya ay isang tunay na katutubong artista, tulad ng kanyang teatro.

Si Terence ay pinaka-interesado sa mga salungatan sa pamilya. Pinatalsik niya ang magaspang na komedya mula sa kanyang mga komedya, ginagawa silang sopistikado sa wika, sa mga anyo kung saan ipinahayag ang damdamin ng tao ("The Girl from Andos", "Brothers", "Mother-in-law"). Ito ay hindi nagkataon na sa Renaissance, ang karanasan ni Terence ay lubhang kapaki-pakinabang sa mga bagong masters ng drama at teatro.

Ang lumalagong krisis ay humantong sa katotohanan na ang sinaunang Romanong drama ay nahulog sa pagkabulok, o natanto sa mga anyo na hindi nauugnay sa teatro mismo. Kaya ang pinakadakilang trahedya na makata ng Roma, si Seneca, ay nagsusulat ng kanyang mga trahedya hindi para sa pagtatanghal, ngunit bilang "mga drama para sa pagbabasa." Ngunit ang atellana ay patuloy na umuunlad, ang bilang ng kanyang mga maskara ay nadagdagan. Ang kanyang mga produksyon ay madalas na humarap sa mga problemang pampulitika at panlipunan. Ang mga tradisyon ng atellan at mime, sa katunayan, ay hindi kailanman namatay sa mga tao, patuloy silang umiral sa Middle Ages at sa Renaissance.

Sa Roma, ang husay ng mga aktor ay umabot sa napakataas na antas. Ang trahedya na aktor na si Aesop at ang kanyang kontemporaryong komiks na aktor na si Roscius (1st century BC) ay nasiyahan sa pagmamahal at paggalang ng publiko.

Ang teatro ng sinaunang mundo ay naging mahalagang bahagi ng espirituwal na karanasan ng buong sangkatauhan, na naglatag ng malaking pundasyon para sa tinatawag nating modernong kultura ngayon.

6. Teatro ng Middle Ages. Relihiyoso at katutubong teatro

Ang kasaysayan ng medyebal na teatro ay isang kultural na cross-section ng isang buong panahon (ang Middle Ages - ang panahon ng pyudal system, V-XVII siglo), na maaaring magamit upang pag-aralan ang kamalayan ng isang medyebal na tao. Sa ganitong kamalayan, ang sentido komun at ang pinakakakaibang mga pamahiin, ang sigasig ng pananampalataya at pangungutya sa mga dogma ng simbahan, kusang pag-ibig sa buhay, isang pananabik para sa makalupa at mahigpit na asetisismo na itinanim ng simbahan ay magkasalungat na pinagsama. Kadalasan ang mga tao, makatotohanang mga prinsipyo ay sumasalungat sa idealistikong mga ideya sa relihiyon at ang "makalupang" ay nanaig sa "makalangit". At ang medyebal na teatro mismo ay ipinanganak sa malalim na mga layer ng katutubong kultura.

Kahit na sa pagtatapos ng unang bahagi ng Middle Ages, ang mga gala na libangan - mga histrion - ay lumitaw sa mga parisukat at kalye ng mga lungsod at sa maingay na mga tavern. Sa France tinawag silang juggler, sa England - mga minstrels, sa Russia - mga buffoon. Ang mahusay na histrion ay isang one-man theater. Siya ay isang salamangkero at akrobat, mananayaw at musikero, maaari siyang magpakita ng isang numero sa isang unggoy o isang oso, maglaro ng isang eksena sa komiks, maglakad ng gulong o magkwento ng isang kamangha-manghang kuwento. Sa mga kwento at pagtatanghal na ito ay nabuhay ang isang masayang diwa ng isang patas, isang libreng biro.

Ang mas walang pakundangan ay ang sining ng palaboy. Naghari rito ang patawa at pangungutya. Ang mga palaboy, o “mga wandering clerics,” ay mga seminarista na hindi nakapagtapos ng kanilang pag-aaral at mga pari na na-mowed down. Sa mga motibo ng mga himno ng simbahan, umawit sila ng mga papuri sa "Bacchus the All-Drinking", mga parodied na panalangin at mga serbisyo sa simbahan. Ang mga histrion at palaboy, na inuusig ng simbahan, ay nagkakaisa sa mga kapatiran, na umaakit ng iba't ibang uri ng mga tao sa kanilang sarili. Ganito, halimbawa, ang "Brotherhood of carefree guys" sa France, na pinamumunuan ng Prince of Fools. Ang mga "guys" ay naglaro ng mga nakakatawang "tanga" na mga aksyon (sotí), kung saan ang lahat at lahat ay kinukutya, at ang simbahan ay lumitaw sa pagkukunwari ni Inang Dureha.

Inusig ng simbahan ang mga histrion at palaboy, ngunit walang kapangyarihang sirain ang pagmamahal ng mga tao sa mga palabas sa teatro. Sa pagsisikap na gawing mas epektibo ang paglilingkod sa simbahan, ang liturhiya, ang mga klero ay nagsimulang gumamit ng mga anyong teatro sa kanilang sarili. Lumilitaw ang isang liturgical drama batay sa mga eksena mula sa Kasulatan. Ito ay nilalaro sa templo, at kalaunan sa balkonahe o bakuran ng simbahan. Sa XIII-XIV siglo. isang bagong genre ng medieval theatrical performance ang lilitaw - miracl ("miracle"). Ang mga pakana ng mga himala ay hiniram mula sa mga alamat tungkol sa mga santo at Birheng Maria. Isa sa pinakatanyag ay ang "Miracle of Théophile" ng makatang Pranses noong ika-13 siglo. Ryutbef.

Ang tugatog ng medyebal na teatro - misteryo.

Ang genre na ito ay umunlad noong ika-15 siglo. Halos ang buong populasyon ng lungsod ay nakibahagi sa mga misteryo: ang ilan bilang mga aktor (hanggang 300 o higit pang mga tao), ang iba bilang mga manonood. Ang pagtatanghal ay na-time na kasabay ng perya, para sa isang solemne na okasyon at binuksan sa isang makulay na prusisyon ng mga taong-bayan sa lahat ng edad at klase. Ang mga pakana ay kinuha mula sa Bibliya at sa Ebanghelyo. Ang mga pagtatanghal ay nagpatuloy mula umaga hanggang gabi sa loob ng ilang araw. Ang mga gazebo ay itinayo sa isang kahoy na plataporma, na ang bawat isa ay may sariling mga kaganapan. Sa isang dulo ng dais ay isang marangyang pinalamutian na Paraiso, sa kabaligtaran - Impiyerno na may bukas na bibig ng isang dragon, mga instrumento ng pagpapahirap at isang malaking kaldero para sa mga makasalanan. Ang mga dekorasyon sa gitna ay sobrang laconic: ang inskripsiyon sa ibabaw ng tarangkahan na "Nazareth" o ang ginintuang trono ay sapat na upang markahan ang lungsod o palasyo. Ang mga propeta, pulubi, diyablo, pinangunahan ni Lucifer ay lumitaw sa entablado ... Sa paunang salita, inilalarawan nila ang makalangit na mga globo, kung saan nakaupo ang Diyos Ama na napapalibutan ng mga anghel at mga alegorya na pigura - Karunungan, Awa, Katarungan, atbp. Pagkatapos ay gumalaw ang aksyon. sa lupa at higit pa - sa Impiyerno, kung saan inihaw ni Satanas ang mga makasalanang kaluluwa. Ang matuwid ay lumabas na puti, ang mga makasalanan - sa itim, mga demonyo - sa pulang pampitis, pininturahan ng kakila-kilabot na "mga mukha".

Ang pinakakalunos-lunos na mga sandali sa mga pagtatanghal ay nauugnay sa nagdadalamhating Ina ng Diyos at sa pagdurusa ni Hesus. Ang mga misteryo ay mayroon ding sariling mga karakter sa komiks: mga jester, pulubi, demonyo, na kinatatakutan nila, ngunit madalas na naloloko. Ang kalunos-lunos at ang komiks ay nagsama nang hindi naghahalo sa isa't isa. Ang mga kaganapan ay nabuo nang may pinakamalapit na atensyon at interbensyon ng mas mataas at mas mababang pwersa. Ang langit, lupa at impiyerno ay bumubuo ng isang malaking mundo, at ang tao sa mundong ito ay parehong butil ng buhangin at sentro - kung tutuusin, ang mga puwersang mas makapangyarihan kaysa sa kanyang sarili ay nakipaglaban para sa kanyang kaluluwa. Ang pinakasikat ay ang mga misteryo ng Arnul Greban, gayundin ang isa sa mga bihirang gawa sa isang sekular na tema - "The Mystery of the Siege of Orleans", na muling nilikha ang mga kaganapan ng Hundred Years War (1337-1453) sa pagitan ng England at France at ang gawa ng Birhen ng Orleans - Jeanne d "Arc, na namuno sa pakikibaka ng mga Pranses sa mga mananakop na Ingles at pagkatapos ay ipinagkanulo ng hari ng Pransya, kung saan ibinalik niya ang trono. Bilang isang open-air action, tinutugunan sa isang malawak na madla, ang misteryo ay nagpahayag ng parehong katutubong, makalupang mga prinsipyo, at ang sistema ng mga ideya sa relihiyon at simbahan. Ang panloob na kontradiksyon ng genre na ito ay humantong sa pagbaba nito, at pagkatapos ay nagsilbing dahilan ng pagbabawal nito ng simbahan.

Ang moralidad ay isa pang sikat na genre. Sila ay uri ng branched off mula sa misteryo at naging independiyenteng mga dula ng isang edifying kalikasan. Ang mga talinghaga tungkol sa "Maingat at Hindi Makatwiran", tungkol sa "Matuwid at Tagapagpahayag" ay nilalaro, kung saan ang una ay kinuha ang Dahilan at Pananampalataya bilang kanyang mga kasama, ang pangalawa - Pagsuway at Pagwawalang-bahala. Sa mga talinghagang ito, ang pagdurusa at kaamuan ay ginagantimpalaan sa langit, at ang katigasan ng puso at kasakiman ay humahantong sa Impiyerno.

Naglaro kami ng moralidad sa entablado. Mayroong isang bagay tulad ng isang balkonahe, kung saan ipinakita nila ang mga buhay na larawan ng makalangit na mga globo - ang mga anghel at ang diyos ng mga hukbo. Ang mga alegorya na pigura, na nahahati sa dalawang kampo, ay lumitaw mula sa magkabilang panig, na bumubuo ng mga simetriko na grupo: Vera - na may isang krus sa kanyang mga kamay, Pag-asa - na may isang anchor, Avarice - na may isang pitaka ng ginto, Pleasure - na may isang orange, at si Blarney ay may isang buntot ng fox kung saan hinaplos niya si Stupidity.

Ang Moralite ay isang pagtatalo sa mga mukha na nilalaro sa entablado, isang salungatan na ipinahayag hindi sa pamamagitan ng aksyon, ngunit sa pamamagitan ng isang hindi pagkakaunawaan sa pagitan ng mga karakter. Minsan sa mga eksena kung saan pinag-uusapan ang mga kasalanan at bisyo, isang elemento ng komedya, pangungutya sa lipunan ang lumitaw, ang hininga ng karamihan at ang "malayang espiritu ng parisukat" (A. Pushkin) ay tumagos sa kanila.

Sa open-air theater, ito man ay misteryo, moralidad, sotí o pagganap ng mga kasaysayan, ang sigla ng isang medieval na tao, ang kanyang masayang kabastusan at pagkauhaw sa isang himala - paniniwala sa tagumpay ng kabutihan at katarungan - ay makikita.

At ito ay hindi nagkataon na sa XX siglo. ang interes sa medyebal na teatro ay lumalaki. Ang mga manunulat ng dula at mga direktor ay naaakit ng apela sa masa, ang malinaw na pagkakaiba sa pagitan ng mabuti at masama na likas sa popular na kamalayan, ang "unibersal" na saklaw ng mga kaganapan, isang ugali sa isang talinghaga, isang maliwanag na "poster" metapora. Ang mga tula ng katutubong palabas na ito ay ginamit ni V.E. Meyerhold sa pagtatanghal ng dula ni V.V. Mayakovsky "Mystery-Buff". Sa Germany ang play-parable ay inaprubahan ni B. Brecht. Sa pagliko ng 60-70s, sa panahon ng kilusang protesta ng mga mag-aaral, si L. Ronconi sa Italya ay nagtanghal ng L. Ariosto's Furious Roland sa plaza, at sa France A. Mnushkin ay nagtanghal ng mga pagtatanghal ng Great French Revolution (1789, 1791 "). Ang sinaunang teatro na tradisyon, kumbaga, ay kumukuha ng isang bagong buhay, na kumukonekta sa mga paghahanap ng mga modernong manggagawa sa teatro.

Mga genre ng medyebal na relihiyosong teatro

Noong siglo IX. ang unang genre ng medieval relihiyosong teatro ay ipinanganak - liturhikal na dula... Ang pagtatanghal na ito sa teatro ay bahagi ng banal na paglilingkod (liturhiya).

Ang mga dahilan para sa paglitaw ng genre na ito, malamang, ay nauugnay sa pagnanais ng mga pari na akitin ang maraming tao hangga't maaari sa relihiyon, upang gawing mas maliwanag ang pagsamba (sa Middle Ages, ang serbisyong Kristiyano sa Latin) para sa mga mga karaniwang tao na hindi marunong magbasa.

Ang liturgical drama ay isinilang sa landas ng simbahan - isang diyalogo na transposisyon ng teksto ng Ebanghelyo, na karaniwang nagtatapos sa pag-awit. Pagkatapos niya, nagpatuloy ang liturhiya gaya ng dati.

Ang unang liturgical drama ay ang eksena ng tatlong Mari na pumunta sa Holy Sepulcher. Ang dramang ito ay ipinalabas noong Pasko ng Pagkabuhay. Ang pakana nito ay binubuo sa katotohanan na si Maria (mga pari, na nagsuot ng mga scarves sa balikat sa kanilang mga ulo, na nagpapahiwatig ng mga damit ng kababaihan) ay pumunta sa libingan, kung saan ang katawan ng ipinako na Kristo ay dapat na magsinungaling, upang pahiran ito ng mira. Gayunpaman, sa libingan, nakipagkita sila sa isang anghel (isang batang pari na nakasuot ng puting damit). Sa eksenang ito, lumitaw na ang diyalogo at mga indibidwal na tugon (sa pagitan ng anghel at ni Maria), na nagpapahintulot sa amin na sabihin na ang aksyon na ito ay ang unang liturgical drama.

Ang mga pari mismo ay kasangkot sa pag-aayos ng produksyon ng liturgical drama. Ang mga pagtatanghal ay naganap sa templo.

Sa unang yugto ng pag-iral nito, ang liturgical drama ay malapit na kadugtong sa Misa, ang teksto nito ay ganap na kasabay ng teksto ng banal na serbisyo, kapwa sa nilalaman at istilo. Ang liturgical drama ay ginanap sa Latin at napuno ng isang solemne na kalooban, tulad ng Misa. Ang mga "actors" ay nakakatawang binigkas ang kanilang mga salita.

Unti-unti, nagiging hiwalay ang drama sa serbisyo. Lumilitaw ang dalawang independiyenteng siklo ng liturgical drama - ang Pasko (kabilang dito ang mga yugto: ang prusisyon ng mga pastol na naglalarawan sa kapanganakan ni Kristo, ang pagsamba sa mga Magi, ang eksena ng galit ni Haring Herodes, na nag-utos na patayin ang lahat ng mga sanggol sa Bethlehem) at Pasko ng Pagkabuhay (kabilang dito ang mga yugto na may kaugnayan sa muling pagkabuhay ni Kristo).

Sa paglipas ng panahon, ang liturgical drama ay umuunlad din mula sa static at symbolic hanggang sa efficacy. Ang mga elemento ng sambahayan ay nagsisimula nang ipasok dito.

Orihinal na nilikha upang gawing mas maliwanag ang pagsamba para sa mga parokyano, ang liturgical drama ay pinasimple ang mga ideya sa relihiyon, na, gayunpaman, ay puno ng isang malaking panganib sa relihiyon, dahil ito ay humantong sa paglapastangan nito.

Noong 1210, sa pamamagitan ng utos ni Pope Innocent III, ipinagbawal ang pagtatanghal ng liturgical drama sa loob ng mga gusali ng mga simbahan. Sa puntong ito, ang liturgical drama bilang isang genre ay hindi na umiral.

Gayunpaman, ang relihiyosong teatro ay hindi nawawala. Ang liturgical drama ay umalis sa simbahan sa balkonahe at naging isang semi-liturgical drama.

Mayroong higit pang makamundong motibo sa pagtatanghal na ito. Nawawala ang kanyang malakas na koneksyon sa serbisyo at sa kalendaryo ng simbahan, samakatuwid, ang pagpili ng araw para sa pagtatanghal ay nagiging mas libre. Isang semi-liturgical drama din ang nilalaro sa mga araw ng fair. Sa halip na Latin, ang mga pagtatanghal ay nagsimulang maganap sa mga katutubong wika.

Ang mga "banal" na tungkulin ay ginampanan pa rin ng mga klero. Ang pagtatanghal ay gumamit ng mga damit at kagamitan sa simbahan. Ang pagtatanghal ay sinamahan ng isang koro na umaawit ng mga himnong panrelihiyon sa Latin.

Napakalaking bahagi ng klero sa pag-aayos ng mga pagtatanghal ng semi-liturgical na drama (pagbibigay ng teritoryo para sa pagtatanghal (beranda), pagganap ng mga pangunahing tungkulin, pagpili ng repertoire, paghahanda ng "mga costume" at "props").

Gayunpaman, ang mga paksang panrelihiyon ay nagsisimula nang aktibong maiugnay sa mga sekular. Ang kultura ng teatro ay naglalayong ihiwalay ang sarili sa relihiyon, na, gayunpaman, ay hindi ganap na nangyari sa buong panahon ng medyebal.

Misteryo

Isa pang genre na nauugnay sa relihiyosong teatro. Ang misteryo ay nagmula sa mga prusisyon bilang parangal sa mga pista opisyal sa simbahan.

Ang pangalan ay nagmula sa lat. ministerium - paglilingkod sa simbahan

Ang kasagsagan ng misteryo na teatro ay nahuhulog sa XV-XVI na siglo.

Ang mga pagtatanghal ay inorganisa ng mga town hall at munisipyo, hindi ng simbahan. Ang lahat ng mga naninirahan sa lungsod ay nakibahagi sa mga misteryo.

Ang mga misteryong pagtatanghal ay madalas na isinaayos sa mga araw ng patas.

Sa umaga ng pagbubukas ng araw ng perya, isang serbisyo ng panalangin sa simbahan ang ginanap, pagkatapos ay isang solemne na prusisyon ang inayos, kung saan nakibahagi ang buong lungsod. Pagkatapos niya ay direktang nilalaro ang misteryo.

Ang mga Misteryo ay nahahati sa tatlong mga siklo - Lumang Tipan (Lumang Tipan, mula sa paglikha ng mundo hanggang sa kapanganakan ni Kristo), Bagong Tipan (Bagong Tipan, kapanganakan, buhay, kamatayan, muling pagkabuhay at pag-akyat ni Kristo) at Apostoliko (mga buhay ng ang mga banal).

Ang mga kinatawan ng iba't ibang mga guild ng lungsod ay nakibahagi sa pag-aayos at paglalahad ng misteryo. Ang bawat workshop ay nakatanggap ng sarili nitong independiyenteng yugto sa aksyon.

Ang pagtatanghal ay tumagal ng isang buong araw, at kung minsan ay ilang araw.

nagkaroon tatlong uri ng organisasyong espasyo sa entablado at, nang naaayon, tatlong uri ng pagtatanghal ng mga misteryo.

Mobile (karaniwang pangunahin para sa England). Ang mga indibidwal na yugto ng mga misteryo ay ipinakita sa mga van na may mataas na platform na nakabukas sa lahat ng panig. Ang mga van na ito ay tinatawag na pedants. Matapos ipakita ang isang partikular na episode, lumipat ang van sa isang kalapit na parisukat, at isang bago ang nagmaneho sa lugar nito kasama ang mga aktor na gumaganap sa susunod na episode. At iba pa hanggang sa katapusan ng misteryo.

Annular. May isang plataporma sa plaza. Ang mga tambak para dito ay nakaayos sa paraang parang singsing. Mayroong ilang magkakahiwalay na seksyon sa platform, na naglalarawan ng iba't ibang lokasyon. Nakaposisyon ang manonood sa palibot ng entablado.

Gazebo. Ilang mga eksena ng aksyon ang sabay-sabay na inilalarawan sa plaza. Ito ay isang serye ng mga gazebos na matatagpuan sa isang solong platform sa isang tuwid na linya at nakaharap sa madla sa harap. Sa bawat gazebo, hiwalay na mga episode ang nilalaro, depende sa kung aling eksena ang inilalarawan ng gazebo na ito. Lumipat ang mga manonood mula sa isang gazebo patungo sa isa pa.

Ang ganitong organisasyon ng espasyo sa entablado ay nauugnay sa pinakamahalagang prinsipyo para sa medyebal na teatro - simultaneity (simultaneity). Ang prinsipyong ito ay nagpapahiwatig ng pagkakasabay ng paghahanap ng ilang mga lokasyon sa parisukat at, nang naaayon, ang pagkakasabay ng mga aksyon na nagaganap sa kanila. Ang simultaneity ay bumalik sa medieval na mga ideya ng oras.

Kapag nag-oorganisa ng mga pagtatanghal, ang makinarya ay aktibong ginamit, ang mga dekorasyon, lalo na ang mga naglalarawan sa langit o impiyerno, ay binigyan ng malaking pansin. Ang kamangha-manghang bahagi ay napakahalaga.

Sa mga misteryo, ang naturalismo (lalo na ang ipinakita sa pagtatanghal ng iba't ibang madugong mga eksena) at conventionality ay magkakasamang umiral.

Sa kabila ng katotohanan na ang misteryo ay inayos ng mga sekular na tao, ito ay isang uri ng serbisyo sa relihiyon, na nilikha ng buong lungsod.

Ang pakikilahok sa misteryo ay itinuturing na isang banal na gawain. Napakaraming tungkulin ang napakapopular sa mga naghahanap ng trabaho kung kaya't nag-ayos ang mga organizer ng isang auction kung saan ibinenta ang mga tungkuling ito.

Kasama sa Misteryo ang ganap na magkakaibang elemento. Sa kabila ng katotohanan na ang pangunahing nilalaman nito ay ilang yugto mula sa Bibliya, ang pang-araw-araw na elemento ay napakaaktibong tumagos sa misteryo. Bilang karagdagan, kung minsan ang misteryong pagganap ay diluted sa buong farcical na mga eksena, na halos isang hiwalay na pagganap sa anumang paraan na hindi konektado sa misteryo sa balangkas. Bilang karagdagan, ang mga yugto na may partisipasyon ng mga demonyo ay napakapopular. At madalas din sa mga misteryo ang gayong karakter ay lumitaw bilang isang jester.

Sa una, ang mga amateur ay kasangkot sa pag-aayos ng mga misteryo; nang maglaon, ang buong unyon ay nagsimulang malikha, ang responsibilidad kung saan ay itanghal ang misteryo. Bilang isang patakaran, tinawag silang mga kapatiran sa pamamagitan ng pagkakatulad sa iba pang mga kapatiran sa medieval.

Ang pinakasikat na organisasyong iyon ay ang Brotherhood of the Passion of the Lord sa France, na mula 1402 ay nakatanggap pa nga ng monopolyo sa organisasyon sa Paris hindi lamang sa mga misteryo, kundi pati na rin sa mga himala at "iba pang relihiyosong moral na mga paglalaro" (tulad ng sinabi ng patent na ibinigay ng hari sa mga miyembro ng kapatiran).

Himala

Ang pangalan ng genre na ito ay nagmula sa salitang Latin na miraculum (miracle).

Bumangon sa France noong ika-13 siglo.

Ang himala ay nagmumula sa mga himno bilang parangal sa mga santo at sa mga pagbasa ng kanilang buhay sa simbahan. Samakatuwid, ang mga kuwento tungkol sa mga himala na ginawa ng Birheng Maria at ng mga santo ay nagsilbing batayan para sa mga pakana.

Ang organisasyon ng mga himala sa France ay isinagawa ng mga espesyal na komunidad - puys. Ang kanilang pangalan ay nagmula sa salitang podium.

Moralidad

Isa pang genre na nauugnay sa relihiyosong teatro ng Middle Ages.

Lumilitaw sa mga siglo XV-XVI.

Ito ay isang alegorikong dula kung saan gumaganap ang mga alegorikal na tauhan. Ang bawat isa sa kanila ay personipikasyon ng ilang abstract na konsepto (kasalanan, kabutihan, kalidad, atbp.). Ang kakanyahan ng balangkas ay bumagsak sa kuwento kung paano nahaharap ang isang tao sa pagpili sa pagitan ng mabuti at masama.

Ang mga taong pumili ng kabutihan ay gagantimpalaan sa huli, at ang mga nagpakasasa sa bisyo ay pinarusahan. Kaya, ang bawat moralidad ay napuno ng didaktisismo.

Ang moralidad ay walang direktang koneksyon sa mga plot ng Bibliya, gayunpaman, ang moralizing nito ay nagpapahintulot sa amin na uriin ang genre na ito bilang isang relihiyosong teatro ng Middle Ages.

Ang entablado para sa moralidad ay ang entablado na itinayo sa parisukat.

Ang mga alegorya na karakter ay nagsusuot ng mga inskripsiyon sa kanilang mga dibdib, na nagpapaliwanag sa madla na nasa harap nila. Bilang karagdagan, ang bawat isa sa kanila ay may sariling likas na katangian, na kung saan siya ay palaging lumilitaw sa entablado at na simbolikong ipinaliwanag kung anong uri ng alegorya ito.

Ang kasaysayan ng teatro ng Russia ay nahahati sa maraming pangunahing yugto. Ang paunang, mapaglarong yugto ay lumilitaw sa lipunan ng tribo at nagtatapos sa ika-17 siglo, kung kailan, kasama ng isang bagong panahon ng kasaysayan ng Russia, ang isang bago, mas mature na yugto sa pag-unlad ng teatro ay nagsisimula, na nagtatapos sa pagtatatag ng isang permanenteng estado. propesyonal na teatro noong 1756.

Ang mga terminong "teatro" at "drama" ay pumasok sa diksyunaryo ng Russia noong ika-18 siglo lamang. Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ginamit ang terminong "komedya", at sa buong siglo - "masaya" (Amusement closet, Amusement chamber). Sa mga sikat na masa, ang terminong "teatro" ay nauna sa terminong "kahiya-hiya", ang terminong "drama" - "mga laro", "paglalaro". Sa Middle Ages ng Russia, ang mga kasingkahulugan na kahulugan ay laganap - "demonyo" o "satanic" na mga larong buffoonery. Ang lahat ng uri ng kuryusidad na dala ng mga dayuhan noong ika-16 - ika-17 siglo at mga paputok ay tinatawag ding saya. Ang mga aktibidad ng militar ng batang Tsar Peter I ay tinawag ding masaya. Ang terminong "laro" ay malapit sa terminong "laro" ("buffoonish games", "feasting games"). Sa ganitong kahulugan, ang kasal at ang pagbibihis ay tinawag na "mga laro", "mga laro". Ang "dula" ay may ganap na kakaibang kahulugan kaugnay ng mga instrumentong pangmusika: pagtugtog ng tamburin, pagsinghot, atbp. Ang mga terminong "dulaan" at "dulaan" na inilalapat sa oral na drama ay napanatili sa mga tao hanggang sa ika-19 - ika-20 siglo.

katutubong sining

Ang teatro ng Russia ay nagmula noong sinaunang panahon. Ang mga pinagmulan nito ay bumalik sa katutubong sining - mga seremonya, mga pista opisyal na nauugnay sa trabaho. Sa paglipas ng panahon, ang mga seremonya ay nawala ang kanilang mahiwagang kahulugan at naging mga laro-pagganap. Ang mga elemento ng teatro ay ipinanganak sa kanila - dramatikong aksyon, pagbibihis, pag-uusap. Sa hinaharap, ang pinakasimpleng mga laro ay naging mga katutubong drama; ang mga ito ay nilikha sa proseso ng sama-samang pagkamalikhain at iningatan sa alaala ng mga tao, na dumaraan mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon.

Sa proseso ng kanilang pag-unlad, ang mga laro ay naging differentiated, disintegrating sa magkakaugnay at sa parehong oras ay mas at mas malayo mula sa bawat isa iba't - sa mga drama, ritwal, laro. Pinagsama-sama lamang sila sa katotohanan na lahat sila ay sumasalamin sa katotohanan at gumamit ng magkatulad na pamamaraan ng pagpapahayag - diyalogo, kanta, sayaw, musika, masking, pagbibihis, pag-arte.

Ang mga laro ay nagtanim ng lasa para sa dramatikong pagkamalikhain.

Ang mga laro ay orihinal na direktang salamin ng organisasyon ng komunidad ng tribo: mayroon silang isang bilog na sayaw, choric character. Sa round dance games, organikong pinagsama ang choral at dramatic creativity. Ang mga kanta at diyalogo na masaganang kasama sa pagsasaya ay nakatulong upang makilala ang mga mapaglarong larawan. Mapaglaro din ang paggunita ng misa; sila ay na-time na nag-tutugma sa tagsibol at tinawag na "sirena". Noong ika-15 siglo, ang nilalaman ng konsepto ng "Rusalia" ay tinukoy bilang mga sumusunod: mga demonyo sa anyo ng tao. At ang Moscow "Azbukovnik" ng 1694 ay tinukoy na ang Rusalia bilang "buffoonish na mga laro".

Ang sining ng teatro ng mga mamamayan ng ating Inang Bayan ay nagmula sa mga ritwal at laro, mga aksyong ritwal. Sa ilalim ng pyudalismo, ang sining ng teatro ay nilinang, sa isang banda, ng "masang masa", at sa kabilang banda, ng pyudal na maharlika, at ang mga buffoon ay nagkakaiba rin nang naaayon.

Noong 957, nakilala ng Grand Duchess Olga ang teatro sa Constantinople. Ang mga fresco ng Kiev-Sophia Cathedral ng huling ikatlong bahagi ng ika-11 siglo ay naglalarawan ng mga pagtatanghal ng hippodrome. Noong 1068, unang nabanggit ang mga buffoon sa mga talaan.

Ang mga teatro ng tatlong uri ay kilala sa Kievan Rus: hukuman, simbahan, at mga katutubong teatro.

Buffooner

Ang pinakalumang "teatro" ay ang mga laro ng mga katutubong aktor - buffoons. Ang buffooner ay isang kumplikadong phenomenon. Ang mga buffoon ay itinuturing na isang uri ng magi, ngunit ito ay mali, dahil ang mga buffoon, na nakikilahok sa mga ritwal, ay hindi lamang nagpapataas ng kanilang relihiyoso at mahiwagang katangian, ngunit, sa kabaligtaran, ay nagdala ng isang sekular, sekular na nilalaman.

Kahit sino ay maaaring mandaya, iyon ay, kumanta, sumayaw, magbiro, umarte ng mga eksena, tumugtog ng mga instrumentong pangmusika at kumilos, iyon ay, maglarawan ng isang uri ng tao o nilalang. Ngunit ang isa lamang na ang sining ay namumukod sa antas ng sining ng masa kasama ang kasiningan nito ang naging at tinawag na skomorokh-craftsman.

Kaayon ng katutubong teatro, nabuo ang propesyonal na sining ng teatro, ang mga nagdadala nito sa Sinaunang Rus ay mga buffoon. Ang paglitaw ng isang papet na teatro sa Russia ay nauugnay sa buffooner. Ang unang salaysay ng impormasyon tungkol sa mga buffoon ay kasabay ng paglitaw sa mga dingding ng Kiev-Sophia Cathedral ng mga fresco na naglalarawan ng mga buffoon. Tinawag ng monghe-chronicler ang mga buffoon na tagapaglingkod ng mga demonyo, at ang pintor na nagpinta sa mga dingding ng katedral ay itinuturing na posible na isama ang kanilang imahe sa mga dekorasyon ng simbahan kasama ang mga icon. Ang mga buffoon ay nauugnay sa masa, at isa sa kanilang mga anyo ng sining ay "panunuya", iyon ay, pangungutya. Ang mga Skomorokh ay tinatawag na "mga manunuya", iyon ay, mga manlilibak. Ang masungit, pangungutya, pangungutya ay patuloy na maiuugnay sa mga buffoon.

Ang makamundong sining ng mga buffoon ay laban sa simbahan at ideolohiyang klerikal. Ang mga rekord ng mga chronicler ("The Tale of Bygone Years") ay nagpapatotoo sa pagkapoot ng klero sa sining ng mga buffoons. Idineklara ng mga turo ng simbahan noong ika-11-12 na siglo na kasalanan ang magdamit, kung saan ang mga buffoon ay pumupunta. Ang mga buffoon ay lalo nang labis na pinag-usig noong mga taon ng pamatok ng Tatar, nang ang simbahan ay nagsimulang mangaral ng isang asetikong paraan ng pamumuhay. Walang pag-uusig ang nakaalis sa kalokohan sa mga tao. Sa kabaligtaran, ito ay matagumpay na umunlad, at ang panunuya nito ay naging mas matalas.

Sa Sinaunang Rus, ang mga likhang sining na may kaugnayan sa sining ay kilala: mga pintor ng icon, mga alahas, mga tagapag-ukit ng kahoy at buto, mga eskriba ng libro. Ang mga Skomorokh ay kabilang sa kanila, bilang "tuso", "mga master" ng pag-awit, musika, sayaw, tula, drama. Ngunit sila ay itinuring lamang bilang mga amusers, amusers. Ang kanilang sining ay may kaugnayang ideolohikal sa masa ng mga tao, sa mga artisan na tao, kadalasang sumasalungat sa naghaharing masa. Dahil dito, ang kanilang kakayahan ay hindi lamang walang silbi, ngunit, mula sa pananaw ng mga pyudal na panginoon at klero, ay mapanganib at mapanganib sa ideolohiya. Ang mga kinatawan ng Simbahang Kristiyano ay naglagay ng mga buffoon sa tabi ng mga pantas at mangkukulam. Sa mga ritwal at laro, wala pa ring paghahati sa mga tagapalabas at mga manonood; kulang sila sa mga nabuong plot, transformation into an image. Lumilitaw ang mga ito sa isang katutubong drama na puno ng matinding panlipunang motibo. Ang paglitaw ng mga open-air na teatro ng oral na tradisyon ay nauugnay sa katutubong drama. Ang mga artista ng mga katutubong teatro na ito (buffoons) ay kinutya ang mga nasa kapangyarihan, ang mga klero, ang mayayaman, ay nakikiramay na nagpakita ng mga ordinaryong tao. Ang mga pagtatanghal ng katutubong teatro ay batay sa improvisasyon at kasama ang pantomime, musika, pag-awit, pagsayaw, mga pagtatanghal sa simbahan; gumamit ng maskara, make-up, costume, props ang mga performers.

Ang katangian ng pagganap ng mga buffoon sa simula ay hindi nangangailangan ng kanilang pagkakaisa sa malalaking grupo. Para sa pagtatanghal ng mga fairy tale, epiko, kanta, pagtugtog ng instrumento, sapat na ang isang performer. Ang mga Skomorokh ay umalis sa kanilang mga tahanan at gumala-gala sa lupain ng Russia upang maghanap ng trabaho, lumipat mula sa mga nayon patungo sa mga lungsod, kung saan naglilingkod sila hindi lamang sa kanayunan, kundi pati na rin sa mga taong-bayan, at kung minsan sa mga prinsipeng korte.

Ang mga buffoon ay naaakit din sa mga pagtatanghal ng katutubong korte, na dumami sa ilalim ng impluwensya ng kanilang kakilala sa Byzantium at sa buhay ng korte nito. Nang sa Moscow court ay inayos nila ang Amusing closet (1571) at ang Amusing chamber (1613), ang mga buffoon ay natagpuan ang kanilang mga sarili doon sa posisyon ng court jesters.

Ang mga pagtatanghal ng mga buffoon ay pinagsama ang iba't ibang uri ng sining: parehong dramatiko, at simbahan at "iba't-ibang".

Tinutulan ng Simbahang Kristiyano ang mga katutubong laro at ang sining ng mga buffoon na may ritwal na sining, na puspos ng mga elemento ng relihiyon at mystical.

Ang mga pagtatanghal ng mga buffoon ay hindi naging propesyonal na teatro. Walang mga kondisyon para sa kapanganakan ng mga tropa sa teatro - pagkatapos ng lahat, inuusig ng mga awtoridad ang mga buffoon. Inusig din ng simbahan ang mga buffoon, humingi ng tulong sa mga sekular na awtoridad. Laban sa mga buffoon, ang Charter of Charity sa Trinity-Sergius Monastery ng ika-15 siglo, ang Charter ng simula ng ika-16 na siglo ay ipinadala. Ang Simbahan ay patuloy na inilalagay ang mga buffoon sa isang par sa mga maydala ng paganong pananaw sa mundo (mga mangkukulam, mangkukulam). Gayunpaman, ang mga clownish na pagtatanghal ay patuloy na nabuhay, nabuo ang katutubong teatro.

Kasabay nito, ginawa ng simbahan ang lahat ng mga hakbang upang maitatag ang impluwensya nito. Ito ay natagpuang ekspresyon sa pagbuo ng liturgical drama. Ang ilang mga liturgical drama ay dumating sa amin kasama ang Kristiyanismo, ang iba pa - noong ika-15 siglo, kasama ang bagong pinagtibay na solemne charter ng "dakilang simbahan" ("Procession on the Osmeti", "Washing the Feet").

Sa kabila ng paggamit ng mga theatrical at entertainment form, ang Russian Church ay hindi lumikha ng sarili nitong teatro.

Noong ika-17 siglo, sinubukan ni Simeon ng Polotsk (1629-1680) na lumikha ng isang masining na pampanitikang drama batay sa liturgical na drama, ang pagtatangka na ito ay naging hiwalay at walang bunga.

Mga teatro noong ika-17 siglo

Noong ika-17 siglo, nabuo ang mga unang drama sa bibig, simple ang balangkas, na sumasalamin sa mga sikat na mood. Ang papet na komedya tungkol kay Petrushka (ang kanyang pangalan sa una ay Vanka-Ratatouille) ay nagkuwento tungkol sa mga pakikipagsapalaran ng isang matalinong masayang kapwa na hindi natatakot sa anumang bagay sa mundo. Ang isang tunay na teatro ay lumitaw noong ika-17 siglo - isang korte at teatro ng paaralan.

Teatro sa korte

Ang paglitaw ng teatro ng korte ay sinenyasan ng interes ng maharlika ng korte sa kulturang Kanluranin. Ang teatro na ito ay lumitaw sa Moscow sa ilalim ng Tsar Alexei Mikhailovich. Ang unang pagtatanghal ng dulang "Artaxerxes Action" (ang kasaysayan ng biblikal na Esther) ay naganap noong Oktubre 17, 1672. Sa una, ang teatro ng korte ay walang sariling lugar, ang mga tanawin at kasuotan ay inilipat mula sa lugar patungo sa lugar. Ang mga unang pagtatanghal ay itinanghal ni Paster Gregory mula sa German Quarter, ang mga aktor ay mga dayuhan din. Nang maglaon ay nagsimula silang sapilitang akitin at sanayin ang mga "kabataan" ng Russia. Ang kanilang mga suweldo ay binayaran nang hindi regular, ngunit hindi sila nagtipid sa mga set at costume. Ang mga pagtatanghal ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na karangyaan, kung minsan ay sinasabayan ng pagtugtog ng mga instrumentong pangmusika at pagsasayaw. Matapos ang pagkamatay ni Tsar Alexei Mikhailovich, ang teatro ng korte ay sarado, at ang mga pagtatanghal ay ipinagpatuloy lamang sa ilalim ni Peter I.

Teatro sa paaralan

Bilang karagdagan sa courtier, sa Russia noong ika-17 siglo mayroon ding isang teatro ng paaralan sa Slavic-Greek-Latin Academy, sa mga teolohikong seminaryo at mga paaralan sa Lvov, Tiflis, Kiev. Ang mga dula ay isinulat ng mga guro, at ang mga mag-aaral ay naglagay ng mga makasaysayang trahedya, mga alegorikal na drama na malapit sa mga milagro sa Europa, mga interlude - mga satirical na pang-araw-araw na eksena kung saan ang isang protesta laban sa kaayusan ng lipunan ay tumunog. Ang mga sideshow ng teatro ng paaralan ay naglatag ng pundasyon para sa genre ng komedya sa pambansang drama. Ang sikat na pigurang pampulitika, ang manunulat ng dulang si Simeon Polotsky ay tumayo sa pinagmulan ng teatro ng paaralan.

Ang paglitaw ng mga sinehan sa paaralan sa korte ay pinalawak ang globo ng espirituwal na buhay ng lipunang Ruso.

Teatro noong unang bahagi ng ika-18 siglo

Sa utos ni Peter I noong 1702, nilikha ang Public Theater, na idinisenyo para sa pangkalahatang publiko. Lalo na para sa kanya sa Red Square sa Moscow ay itinayo ang isang gusali - "Comedy Temple". Ang tropang Aleman ng I. Kh. Kunst ay nagbigay ng mga pagtatanghal doon. Kasama sa repertoire ang mga dayuhang dula, na hindi matagumpay sa publiko, at ang teatro ay tumigil na umiral noong 1706, nang huminto ang mga subsidyo ni Peter I.

Konklusyon

Ang isang bagong pahina sa kasaysayan ng sining ng pagtatanghal ng mga mamamayan ng ating Inang-bayan ay binuksan ng mga serf at amateur na mga sinehan. Ang mga serf troupe na umiral mula noong katapusan ng ika-18 siglo ay nagtanghal ng vaudeville, comic opera, at ballet. Ang mga pribadong negosyo ay bumangon batay sa mga serf theater sa maraming lungsod. Ang sining ng teatro ng Russia ay may kapaki-pakinabang na epekto sa pagbuo ng propesyonal na teatro ng mga tao ng ating Inang-bayan. Kasama sa mga tropa ng mga unang propesyonal na sinehan ang mga mahuhusay na amateurs - mga kinatawan ng mga demokratikong intelihente.

Ang teatro sa Russia noong ika-18 siglo ay nakakuha ng napakalawak na katanyagan, naging pag-aari ng malawak na masa, isa pang pangkalahatang naa-access na globo ng espirituwal na aktibidad ng mga tao.