Encyclopedia ng paaralan. Solusyon ng kulay

bahay / Diborsyo

Sa panahon ng Renaissance, ang pangunahing pokus ay ang paglutas ng mga problema sa compositional, pagbuo ng puwang at paglalagay ng mga figure dito. Ang kulay ay binigyan ng pangalawang kahalagahan. Siya ay, tulad nito, paunang natukoy at sumunod sa pagguhit. Halimbawa, sa "Adoration of the Christ Child" nina Mariotto Albertinelli at Fra Bartolomeo Fra Bartolomeo "Adoration of the Christ Child", Villa Borghese, Roma. ang paglalagay ng pangunahing mga spot ng kulay ng harapan ay pareho. Ang mga bahagyang pagkakaiba sa saturation ng kulay ay lilitaw lamang dahil sa paggamit ng halo-halong media ni Mariotto. Ginagawa ng Tempera na posible na gawing mas lokal at puspos ang ilaw na lugar. Ito ang dahilan kung bakit nakatayo ang dilaw na balabal ni Joseph. Si Fra Bartolomeo, na nagpinta ng mga langis, ay may mas nasunud at kumplikadong kulay.

Ang iconographic na kondisyon ng kulay ay napanatili din sa kasuotan ng mga character, halimbawa, si Maria. Sa lahat ng tatlong gawa, si Madonna ay nakasuot ng isang asul na balabal at isang pulang damit. Nagpasiya ang Filippino Lippi ng pangkulay ayon sa canon. Inilarawan ni Piero di Cosimo ang balabal na may mas malakas na reflexes ng berde at asul, na tumagos sa bawat isa sa paraang medyo mahirap maitaguyod ang pangunahing kulay nito. Nagdala si Albertinelli ng kaunting pagbabago sa kanyang trabaho. Binibigyan niya ng malulutas ang Maria na maforia sa dalawang kulay: asul at berde. Kaya, ang pangunahing pagkakaiba-iba ng kulay ay higit sa lahat dahil sa paggamit ng iba't ibang mga diskarte sa pagpipinta. Ginamit ang kulay bilang "pag-iilaw ng pagguhit. Para sa lahat ng kahalagahan nito, hindi nito malutas ang anuman sa larawan, pinapahusay lamang ang pagpapahayag ng pagguhit." Kulay ng Volkov sa pagpipinta - M: Art, 1984, pp. 194-195.

Ang kulay ng "Adoration of the Christ Child" ni Filippino Lippi ay batay sa isang kombinasyon ng berde at perlas-kulay-abo na tono. Ang ritmo ng kulay ay batay sa asul at pula na mga vertical na linya ng mga damit ng mga figure ng mga anghel, at ni Maria, na nagbibigay ng isang sonorous na "musikal" na tunog sa buong komposisyon. Isinalin ng artist ang mga ito sa berde - olibo ng oliba ng tanawin. Ang saturation nito ay unti-unting humina, papalapit sa abot-tanaw. Kaya sa ilalim na gilid ng trabaho ay madilim na berde, halos itim, ang kulay ng damo, kung saan ang dilaw na mga tangkay ay iginuhit ng isang manipis na brush. Ang mga bushes at puno ay ipininta sa parehong tono, na mukhang mga silhouette laban sa isang magaan na asul na background ng kalangitan o banayad na mga dalisdis. Hindi halos ginagamit ng Filippino ang kayamanan ng saklaw ng ocher, kaya minamahal ng kanyang mga kapanahon. Ginagamit niya ang kanyang mga malamig na lilim sa paglutas ng mga mukha at palad ng mga kamay, mga balabal ng napakapangit na mga anghel at sa pagmomodelo ng hubad na katawan ng isang sanggol. Nagpinta ng brown ocher ang buhok at ganap na transparent na mga pakpak. Sa solusyon ng parapet, ang Filippino Lippi ay nagdaragdag ng puti at naka-mute na dilaw sa ocher. Ngunit ang lahat ng mga kulay ay mababa sa berdeng lilim, na tinutukoy ang pangkalahatang kulay na solusyon.

Ito ay sa halip mahirap hatulan ang tungkol sa coloristic solution ng "Adoration of the Christ Child" ni Piero di Cosimo, dahil ngayon ang gawain ay hindi ipinakita sa permanenteng eksibisyon ng museo. Walang mga pagpaparami ng kulay ng tondo ng Hermitage na magpapahintulot sa amin na magsalita ng makulay na solusyon nito. Gayunpaman, may mga magagaling na pag-kopya ng "Adoration of the Christ Child", na nasa koleksyon ng Borghese Gallery, na kung saan ay isang analogue ng Hermitage, pininturahan lamang ang isang maliit at masama na nasira ng pagpapanumbalik ni Z. Borisov Borghese Gallery. Pambansang Gallery - M: Fine Art, 1971, p. 17. ... Sa batayan lamang ng materyal na ito ay maaaring isaalang-alang ang pangkulay ng akdang Hermitage. Ang Piero di Cosimo ay nagpapasya sa tondo sa maiinit na kulay. Ang magaan na lugar ay isang murang asul, halos maputi, malalim, na nagpapahiwatig ng imahe ng isang kalapati at nagsingit sa mga manggas ng balabal ni Maria. Ang hubad na figure ng Christ Child ay nagbibigay din ng impresyon ng isang malambot na ningning, ngunit mas mainit ang tono. Ang kaunti pa ay ang imahe ni Juan Bautista sa isang ocher hair shirt. Si Piero di Cosimo ay tumatagal ng interes sa hubad na katawan. Hindi sinasadya na ipinakita ng artist ang mga paa ng mga anghel na hubo't hubad, halos sa gitna ng hita, habang sina Lippi at Albertinelli ay "nagbihis" ng mga anghel sa mahabang damit, naiiwan lamang ang mga palad ng mga kamay at paa. Ang coloristic solution ay batay sa pangingibabaw ng tatlong pangunahing kulay: pula, asul at dilaw, na bumubuo ng batayan ng anumang palette ng artist. Inilahad ito sa dalisay nitong anyo ni Mariotto Albertinelli. Sa The Adoration of the Christ Child, si Piero di Cosimo ay hindi gumagamit ng berde sa dalisay nitong anyo, dahil ito ay isang hinalaw na asul at dilaw. Halimbawa, sa paglutas ng maforia ng pigura ni Maria, nangyayari ang isang halo ng asul at berde. Ito ay sa halip mahirap matukoy kung aling kulay ang kinuha bilang batayan o pinili para sa imahe ng mga reflexes. Ang kawalan ng katiyakan na ito marahil ay sumisimbolo sa duwalidad ng kakanyahan ni Maria, ang kanyang makalangit at makalupang mga prinsipyo. Ang mga damit ng mga anghel ay nalulutas ng bukas na mga lokal na lugar ng kraplak at asul. Ang kumbinasyon ng dalawang kulay na ito ay paulit-ulit sa kasuotan ng Madonna kasama ang pagdaragdag ng mga maiinit na lilim sa interpretasyon ng mga naiilaw na lugar ng mga kulungan. Marahil, sa gayong desisyon, nais ng artist na bigyang-diin ang banal na katangian ni Maria. Ipinakikilala ng Piero di Cosimo ang isang imahe ng isang pintuan sa pagitan ng mga figure, kung saan makikita ang isang azure firm. Hindi tulad ni Mariotto Albertinelli, tumanggi ang artist na gamitin sa pangkalahatan, scheme ng kulay ng mga lokal na lugar ng dilaw. Pinupuno niya ang gawain sa iba't ibang lilim ng ocher, gamit ang mga ito sa pagpapakahulugan ng mga hubad na katawan, ang unan kung saan natitira si Cristo, ang hair shirt ni Juan Bautista at ang tanawin ng background. Malulutas niya ang mga detalye ng interior sa mapula-pula-kayumanggi na tono, na umaabot sa itim sa ilang mga madilim na bahagi ng mga pader. Kumpara sa mga gawa ng Filippino Lippi at Mariotto Albertinelli, ang mga kuwadro na gawa ni Piero di Cosimo ang pinakamayaman sa mga lilim. Nakamit ito sa pamamagitan ng pamamaraan ng langis na ginagamit ng artist sa dalisay na anyo nito.

Ang pangkulay ng "Adoration of the Christ Child" ni Mariotto Albertinelli ay batay sa isang kumbinasyon ng tatlong pangunahing kulay. Ang pinaka masigasig na lugar ng buong gawain ay ang dilaw na balabal ni Joseph. Sinusubukan ng artist na balansehin ang kulay na ito gamit ang isang light stripe sa lupa, na malutas nang hindi gaanong lokal at puspos. Ang asul na damit ni Joseph ay mukhang magkakaiba sa tuktok. Sumasalamin ito sa loob ng balabal ni Maria at ang belo kung saan nakahiga ang sanggol. Ang asul ng foreground ay umuulit tulad ng isang echo, na nagiging mas malinaw sa imahe ng mga burol at kalangitan. Ang panlabas na bahagi ng madona ng Madonna ng isang neutral na madilim na bluish-green na kulay ay naaayon sa mga transparent na burol ng background na ipininta sa isang layer ng parehong tono. Dalawa pang mga accent na balanse sa bawat isa ay ang pulang panloob na kasuotan ni Joseph at ang iskarlata na damit ni Maria. Ipinakilala ni Mariotto Albertinelli ang isang maliit na lugar ng kraplak sa solusyon ng translucent drapery ng background figure na nakaupo sa mga hakbang, na matatagpuan sa pagitan ng Madonna at Joseph. Gayunpaman, sa kulay ng trabaho, ang namamayani ng kayumanggi at ocher ay kapansin-pansin. Ang arkitektura ay nasasakop ng isang makabuluhang lugar sa puwang ng gawain. Ito ay inilalarawan sa brown ocher monochrome. Ang dami ay nakamit sa pamamagitan ng pagtaas ng bilang ng mga layer sa mga anino at binabawasan ang mga ito sa transparency sa ilaw. Sa mga detalye ng mga hakbang at sa base ng mga haligi, ang pagpipinta ay napaka banayad na maaari mong makita ang madilim na linya ng pagguhit ng lapis. Ang mga figure sa background ay ipininta din sa brown ocher. Nakasulat nang mas makapal sa pagdaragdag ng puti at asul, mananatili silang transparency. Ang pagsasama-sama ng mga diskarte ng pagpipinta ng langis at tempera, si Albertinelli ay gumagamit ng dalawang paraan ng pag-render ng mga anino. Ang una ay ang tinatawag na "kulay na anino". Kasunod nila ay ginamit ni Michelangelo sa Sistine Chapel ng mga kuwadro na gawa ni Michelangelo sa Sistine Chapel sa Vatican ay nilikha sa pagitan ng 1508-1512. at sa nakamamanghang tondo "Banal na Pamilya" ni Michelangelo "Banal na Pamilya", ang tinaguriang Doni Medallion, 1504, Uffizi, Florence. ... Ang pamamaraang ito ay pinaka-malinaw na ipinakita sa interpretasyon ng mga fold ng dilaw na balabal ni Joseph, ang mga anino kung saan ay inilalarawan bilang kulay-ladrilyo. Ang itaas na bahagi ng kanyang balabal at belo ng sanggol ay natapos sa asul, na tinatampok ang halos pinkish-puti. Gumamit si Albertinelli ng isang katulad na pamamaraan sa triptych na "Announce", "Christmas" at "Introduksyon sa Templo". Mariotto Albertinelli "Pagbabalita", "Pasko" at "Panimula sa Templo", Uffizi, Florence. Ang pamamaraang ito ay nauugnay sa mga kakaiba ng pagpipinta ng tempera. Kasunod nito, ang pamamaraan ng "may kulay na mga anino" ay ilalapat ni Pontormo Jacopo Carucci, na tinawag na Pontormo "The Supper at Emmaus", 1525, Uffizi, Florence. at Andrea del Sarto Andrea del Sarto "Saint Michael, Saint John Gvalberto, Saint John the Baptist, Saint Bernard degli Uberti, Uffizi, Florence. - ng mga alagad ng Mariotto Albertinelli.

Ang isa pang paraan ay ang "makapal" ng kulay sa mga anino. Ang diskarteng ito ay ginagamit pangunahin sa pagpipinta ng langis. Ganito ang kahulugan ng damit ni Maria. Transparent, na parang ang mga receding slope ay ipininta sa watercolor, ang kulay ay unti-unting nagiging saturated. Masarap na mga paglilipat mula sa madilim na berde na may pagdaragdag ng ocher sa pamamagitan ng mga magaan na may mga asul na lilim hanggang sa asul na ilaw, kaya't malinaw na ang lupa ay lumiwanag. Ang isang katulad na pamamaraan ay paulit-ulit sa pagsulat ng firmament. Ang birtud ng artist sa paglalarawan ng mga hubad na bahagi ng katawan ay dapat pansinin. Isinalin ni Mariotto Albertinelli ang masarap, balat na tulad ng porselana na may kulay rosas na reflexes mula sa isang pulang damit sa kanyang mga braso at mukha sa iba't ibang paraan. Ang figure ng isang hubad na sanggol ay nalulutas sa isang mas mainit na saklaw batay sa mga gradasyon ng ocher. Ang balat ni Joseph ay ang dilim, kasama ang pagdaragdag ng umber sa mga anino. Ang mga numero ay matatagpuan sa madilim na kayumanggi, halos itim na ibabaw ng mundo.

Ipadala ang iyong mabuting gawain sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, mag-aaral na nagtapos, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na nagpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Plano sa trabaho

Panimula

1. Ang malikhaing landas ng P. Cezanne

2. Makabagong ideya sa mga gawa ni P. Cezanne

3. Kaugnayan sa kasalukuyan

Konklusyon

Bibliograpiya

aplikasyon

Panimula

Ang paksa ng aking pagsubok ay "Ang makabagong ideya ng pagpipinta ni P. Cezanne."

Kaugnayan ng napiling paksa na si Paul Cezanne ay isa sa mga pinaka makabuluhan at may talento sa mga artista sa kasaysayan ng sining. Ang kababalaghan ng impluwensya ng sining ng Cézanne, ang "propeta ng modernong sining", sa mga masters ng ikadalawampu siglo ay maihahambing sa scale lamang ng parehong kabuuang impluwensya ng impressionism bilang isang kabuuan bilang isang kalakaran. Si Paul Cezanne ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pagbuo ng pagpipinta. Ang kanyang posisyon sa buhay ay tinanggihan ang mga layunin sa lipunan at pampulitika at naglalayong sa panloob na estado, ang kamalayan ng panginoon.

Ang papel ni Cezanne bilang "ama" ng bagong sining ay nararapat na pinahahalagahan ng mga susunod na henerasyon ng mga artista. Ang mga nasabing self-sapat na artista na may sariling mga simulain sa teoretikal sa pagpipinta, tulad ng P. Seurat at P. Signac, ay iginuhit sa Cezanne

Layunin: Alamin kung ano ang pagbabago ng pagpipinta ni P. Cezanne.

Mga gawain sa trabaho:

Kilalanin ang malikhaing landas ng artist;

Ipakita ang pagbabago ng pagpipinta ni P. Cezanne;

Alamin ang kahalagahan ng kanyang pagpipinta para sa kasalukuyan.

1. Malikhaing hayaan ni P. Cezanne

Si Paul Cezanne ay ipinanganak sa Aix-en-Provence noong Enero 19, 1839. Siya ay nag-iisang anak na lalaki ng isang namumuno na ama at lumaki sa tahimik, makulimlim na Aix-en-Provence, ang dating kabisera ng probinsya ng timog Pransya, 15 milya sa lupain mula sa Marseille.

Bilang isang bata, si Cezanne ay may kaunting pag-unawa sa mabuting pagpipinta, ngunit sa maraming iba pang mga respeto na natanggap niya ang isang mahusay na edukasyon. Pagkatapos makapagtapos ng high school, pumasok siya sa St Joseph School, at pagkatapos ay nag-aral sa College of Bourbon mula 13 hanggang 19 taong gulang. Ang kanyang pag-aaral ay ganap na naaayon sa tradisyon at mga kinakailangan sa lipunan at relihiyon ng oras. Nag-aral nang mabuti si Cezanne, kung hindi marunong, at nakatanggap ng maraming mga parangal sa matematika, Latin at Greek.

Mula sa isang maagang edad, si Cézanne ay iginuhit sa sining, ngunit sa unang sulyap ay walang binibigkas na mga talento. Ang pagguhit ay isang sapilitang paksa sa parehong St Joseph School at Bourbon College, at sa edad na 15 nagsimula siyang dumalo sa isang libreng akademikong pagguhit. Gayunpaman, ang taunang gantimpala para sa pagguhit sa Cézanne College ay hindi natanggap - noong 1857 ay iginawad ito sa pinakamatalik na kaibigan ng batang si Paul - Emile Zola. Ang pagkakaibigan na ito ay tumagal ng halos isang buhay.

Sa pagtatapos ng 1858, na naipasa ang mga pagsusulit sa kanyang bachelor sa kanyang pangalawang pagtatangka, pinasok ni Cézanne ang paaralan ng batas sa University of Aix. Ginawa niya ito sa pagpilit ng kanyang ama. Kinompromiso ni Louis-Auguste sa pamamagitan ng pagpapahintulot sa kanyang anak na magbigay ng kasangkapan sa isang pagawaan sa Jas-de-Bouffant. Ngayon si Cezanne, sa mga oras na walang pag-aaral sa mga batas, ay nakikibahagi sa pagpipinta sa kanyang studio at sa akademya, kung saan ang kanyang guro ay ang pangkaraniwang lokal na artista na si Joseph Gibert.

Noong tagsibol ng 1861, sa wakas ay sumuko si Louis-Auguste sa mga kahilingan ng kanyang asawa at anak na lalaki, na pinapayagan si Paul na mag-iwan ng ligal na pag-aaral at pumunta sa Paris upang mag-aral ng pagpipinta. Noong Abril, nagpunta si Cezanne sa kabisera.

Matapos mabuhay sa Paris sa loob ng limang buwan, gayunpaman bumalik si Aizanne sa Aix. "Akala ko," sumulat siya sa isang kaibigan, "na sa pag-alis sa Aix, aalisin ko ang inip na nag-aalangan sa akin. Sa katunayan, pinalitan ko lang ang aking tahanan, at ang pagkabalisa ay nanatili sa akin."

Gayunpaman hindi siya nagtagumpay na malampasan ang kanyang pagkamuhi sa mundo ng negosyo, at nagpatala ulit siya sa lokal na akademikong pagguhit.

Noong Nobyembre 1862, ilang sandali matapos ang pagbabalik ni Zola sa Paris, sinundan siya ni Cezanne nang may katamtaman na paraan, ngunit sapat upang maipinta siya nang hindi nababahala tungkol sa kanyang pang-araw-araw na tinapay.

Agad na dumating siya, bumalik siya sa Atelier Suisse at, sa pagpilit ng kanyang ama, ay gumawa ng isang pagtatangka upang makapasok sa Ecole de Beauzard. Ang ilang mga gawa na ipinakita ni Cézanne para sa kumpetisyon, kabilang ang isang larawan ng kanyang ama at isang self-portrait, na ginawa ng mga tagasuri ng wasto na suriin ang kanyang pagpipinta bilang "exuberant". Tumanggi siyang pagpasok, ngunit hindi ito pinanghihinaan ng loob ng batang artista. Sa oras na ito nawala ang kanyang hilig at interes sa akademikong pagpipinta at ipinagpatuloy ang kanyang pag-aaral sa Atelier Suisse.

Ang maagang yugto ng pagkamalikhain ay hindi nagdala ng batang artista alinman sa kasiyahan o pagkilala. Si Cezanne, na sumunod sa isang ligaw na imahinasyon, ay nagsimulang magpinta ng mga larawan, ang mga paksa na kung saan ay ang pagnanasa, pagkamamintal, pagkamatay.

Sinusubukang makamit ang katanyagan, ang Cezanne bawat taon ay nagpakita ng mga kuwadro sa Salon - isang eksibisyon ng kontemporaryong sining. At bawat taon, nang walang pagbubukod, ang gawain ni Cezanne ay tinanggihan.

Sa pamamagitan ng pagpuna at hinamak ng publiko, hinimok ni Cezanne ang kanyang pagkabigo sa masipag. Unti-unti, ang natatanging istilo ng indibidwal na iyon ay nagsimulang mabuo, na kung saan ay malinaw na ipapakita ang sarili sa mga magagandang tanawin at pa rin ang buhay ng kanyang mature na panahon.

Ang katakutan at konsultasyon ay lumitaw sa paraang Cézanne. Tulad ng pag-taming ng kanyang pag-uugali, ang artist, na umaabot sa kapanahunan, ay nagsimulang pamamaraan at tumpak na isulat ang mga detalye ng kanyang mga kuwadro na gawa. Sa tanawin na "Railway Cut" (Appendix, Fig. 1), ang una na naglalarawan sa Mount Saint-Victoire malapit sa Aix, maingat niyang binabalanse ang bahay sa kaliwa at ang matigas, mabibigat na hugis ng bundok sa kanan.

Noong 1861, nang unang mag-aral si Cezanne sa Paris, ang pagpipinta ng Pransya ay kinakatawan ng tatlong malakas na tumutol na alon: neoclassicism, romantismo at pagiging totoo. Ang sitwasyong ito ay lalong kumplikado sa pamamagitan ng ang katunayan na ang sining ay nasa ilalim ng walang uliran na proteksyon ng burgesya.

Ang mga nakamamanghang likha ni Cézanne ay puno ng mga bahid: ang mga figure ay awkward at hindi nagagawi, ang puwang ay inilalarawan nang hindi tumpak. Napakaraming kwento at masyadong maliit na koneksyon upang mabuo.

Nang talunin ni Cézanne ang Tagamasid kay Cézanne na Seer, ipinakita niya ang isang kapansin-pansin na pagkagusto para sa mga tuwid na linya sa halip na Baroque curvature at para sa austere, halos arkitektura na matapos ang mga balangkas. Sa diwa na ito, isang kamangha-manghang serye ng mga larawan ng Uncle Dominic, na ipininta sa pagitan ng 1865 at 1867, ay ginawa.

Noong 1886 pinakasalan ni Cézanne si Marie-Hortense Ficke. Ang relasyon sa emosyonal ay pinapayagan ang kakaibang unyon na ito na mapanatili sa loob ng apatnapung taon. Tatlong taon pagkatapos ng kanilang pagkikita, isang anak na lalaki na nagngangalang Paul ay ipinanganak. Si Camille Pissarro ang nag-iisa kung kaninong si Cezanne, na mastering painting ng landscape, ay nakakita ng isang maaasahang mentor. Si Pissarro ay hindi lamang siyam na taong mas matanda at higit na nakaranas, ngunit maliwanag na nagmamay-ari ng mga katangian ng isang ipinanganak na guro at talagang hindi banayad, mapagbiyayang kritiko.

Unti-unti, binuo ni Cezanne ang kanyang sistema ng pantay na hugis-parihaba na mga stroke na bumababa nang pahilis sa buong canvas (karaniwang mula sa kanang itaas na sulok hanggang sa kaliwang kaliwa) at sumasakop sa buong canvas. Paminsan-minsan, binago niya ang direksyon ng pahid hindi lamang sa iba't ibang mga gawa, kundi pati na rin sa iba't ibang bahagi ng parehong pagpipinta, ngunit palagi niyang mahigpit na tinitiyak na sa loob ng bawat lugar ang mga stroke ay panatilihin ang parehong hugis at inilatag sa isang mahigpit na kahanay na direksyon. Ang haba ng mga brush na ito ay nagbibigay ng pagpipinta ni Cézanne sa isang pagkakatulad sa isang pinagtagpi o kahit na karpet na ibabaw at isang pakiramdam ng ritmo na kilusan na likas sa mga gawa tulad ng "The Castle in Medan" (Appendix, ill. 2).

Kasama si Pissarro, si Cezanne ay nagtrabaho nang paulit-ulit sa panahon ng 1872, 1873 at ang unang kalahati ng 1874. Ang pagnanais na mag-aral sa kanya ay hindi nabawasan, at ang kanyang kakayahang magtrabaho ay tila hindi masasaktan. Sa Pontoise at Auvers, nagtrabaho siya sa mga langis, watercolors, pastels, pininturahan at kahit na nakaukit. Kinopya ni Cezanne ang mga kuwadro na gawa ni Pissarro upang mas maintindihan ang mga teknikal at kulay na pamamaraan ng kanyang nakatatandang kasamahan.

Ang pagpipinta, na kung saan ay madalas na tinatawag na unang impresyon ng impresyonista ni Cézanne, - "Bahay ng Hanged Man" (Appendix Fig. 3) - ay ipininta sa Auvers noong 1872 at malinaw na ipinapakita ang pagsasama ng aktwal na mga diskarte ng kulay ng impressionist na may isang indibidwal na pag-unawa sa form at komposisyon na katangian ng artist.

Kinilala ni Pissarro ang pagkakakilanlan ng talento ni Cezanne. Sinabi niya na ang Cezanne ay may natatanging pangitain. Pinag-uusapan ang tungkol sa kanilang malikhaing ugnayan, naalala ni Pissarro: "Palagi kaming magkasama, ngunit protektado ng bawat isa ang tanging bagay na talagang mahalaga - ang kanyang sariling damdamin."

Ang reaksyon ng pagpuna sa gawain ni Cézanne noong 1874, sa katunayan, ay isa lamang halimbawa ng halos masalimuot na pagkapoot na humabol sa artist sa buong buhay niya at kahit na pagkatapos ng kanyang pagkamatay. Nakamit lamang ni Cezanne ang ilang tagumpay lamang sa Salon ng 1882. Ang artist na si Antoine Guilleme ay naging isang miyembro ng opisyal na hurado at nanalo ng karapatang ipakita ang gawain ng isa sa kanyang mga mag-aaral. Sa kapasidad na ito, ipinakita niya ang isang pagpipinta ni Cézanne, na kilala bilang. Ang gawaing ito mula nang nawala.

Ipinahayag ni Cézanne ang kanyang habambuhay na interes sa pigura ng tao sa pamamagitan ng paglikha ng mga larawan ng grupo. Ang ilan sa mga ito ay naglalarawan ng mga maliliit na grupo, tulad ng sa sikat na serye ng mga manlalaro ng kard; ang iba, lalo na ang mga bathers, ay higit pa sa isang dosenang mga numero. Sa huling yugto ng kanyang trabaho, ang artista ay dinala sa pamamagitan ng ideya ng pagsasama ng dalawang pinakamalaking genre ng pagpipinta, kabilang ang mga numero ng mga tao sa tanawin. Sa pinakadulo ng kanyang buhay, marunong na natanto ni Cezanne ang ideyang ito sa "Big Bathers".

Noong 1880 at 90s, si Cezanne ay tunay na sinakop sa mga tanawin ng Provence. Ganito ang interes na nilikha ni Cezanne ng 300 mga magagandang tanawin, kalahati nito ay nagawa sa pagitan ng 1883 at 1895.

Ang natural na ratio ng mga form ng mabigat, sunog na lupain ng Provence at ang transparency ng lokal na ilaw ay nagpapaalala kay Cezanne tungkol sa kanyang mga ideya tungkol sa Italya at Greece, at ang Provence ay nauugnay sa kanya sa mga bansang ito bilang isa sa "mahusay na mga klasikal na landscapes".

Sa kanyang buhay, ipininta ni Cezanne ang isang malaking bilang ng mga tanawin ng Provence. Ngunit may ilan sa kanila, na mas madalas siyang lumingon kaysa sa iba. Kabilang sa mga ito, ang pinaka-maalalahanin ay ang mga tanawin ng lungsod ng Gardana. Ang isa pang paboritong lugar para sa Cézanne ang painter ng landscape ay ang paligid ng Estaque. Sa mga unang bahagi ng 90s, ang interes ni Cézanne sa mga lupain ng Estaque ay kumupas, at ang artista ay nakatuon sa mga tanawin ng Mount Sainte-Victoire, na palaging nabighani sa kanya. Pininturahan niya ang Saint-Victoire nang higit sa 60 beses. Mula sa kalagitnaan ng 1980s, ang Sainte-Victoire ay naging solong pinakamahalagang tema ng mga lupain ng Cézanne at nanatili ito hanggang sa katapusan ng kanyang buhay.

Ang pokus sa istraktura ay nagpalayas sa kalooban mula sa mga tanawin ng Cezanne, at ito ay may malaking epekto sa mga artista na sumunod sa kanya.

2. Innovatorsining sa mga gawa ni P. Cezanne

Ang bantog na pintor ng Pranses na si Paul Cezanne ay ang payunir ng Post-Impressionism. Ang pagkakaroon ng nanirahan at nakipagtulungan sa mga pinakatanyag na masters ng Impressionist, na sa simula ng kanyang paglalakbay sa ilalim ng kanilang impluwensya, si Cezanne, sa paghahanap ng kanyang sariling istilo, ay lumampas sa kanyang mga kasamahan. Ang pagkakaroon ng natutunan ang sining ng paghahatid ng mga kamangha-manghang estado ng kalikasan, ang artista ay sumiksik sa paghahanap para sa formative pundasyon ng lahat ng bagay sa paligid niya at sinubukan upang malaman ang panloob na lohika ng mga bagay. Ang makabagong pamamaraan ng pintor ay hindi nagpapahintulot sa kanya na makakuha ng maayos na karapat-dapat na tagumpay at katanyagan sa kanyang buhay.

Ang lahat ng kanyang trabaho at buhay ay nasuri bilang kawalang-ingat at kabaliwan. Ngunit ito ay ang estado ng pag-iisip na nagtulak sa panginoon na lumikha ng isang ganap na bagong kurso sa pag-unlad ng pagpipinta - post-impressionism, at nakatulong din na tingnan ang mga umiiral na mga alon ng Fomism, Cubism at Symbolism.

Sa malaking interes din ang pamamaraan ng paglikha ng mga canvases, na nagbibigay-daan sa iyo upang lumikha ng pakiramdam ng isang bagay na pinagtagpi. Ang isang layer ng pintura ay inilapat sa canvas na may mga stroke na may pagsisimula ng ulo sa mga parihaba. At ang pamamaraan mismo ay ang aplikasyon ng kahit na, kahanay na mga stroke nang pahilis mula kanan hanggang kaliwa.

Ang kakayahan ni Cézanne na ilabas ang kakanyahan ng isang tanawin, habang pinapawi ang karamihan sa mga detalye nito, maraming sinabi tungkol sa artista at kanyang gawain. Ang pinakasimpleng at pinaka tumpak na paraan ay sasabihin na itinuro niya sa mundo ang isang bagong pangitain. Hindi tulad ng maraming mga kinatawan ng akademikong paaralan, hindi siya ay naakit ng kawastuhan ng photographic ng muling paggawa ng nakikitang mundo. Hindi siya nagsikap, tulad ng kanyang mga kapanahon ng Impressionist, upang makuha ang mga nakalilipas na estado ng kalikasan. Naniniwala si Cézanne sa pagkakaroon ng mga form at kulay ng mundo at ang katatagan ng relasyon sa pagitan nila.

Ang mga form at kulay na ito ay para kay Cézanne ang wika ng pagpapahayag ng damdamin na gising sa kanya ng likas na katangian. At ang kahulugan ng pagpipinta, sa kanyang opinyon, ay upang maiparating ang mga damdaming ito. Ang mga kuwadro ay hindi, para sa kanya, mga impression ng kalikasan, komentaryo sa lipunan, ginawang kwento, o pandekorasyon na bagay na naayos sa canvas. Ang mga ito ay pagpapahayag ng mga damdamin na sanhi ng patuloy na mga form at kulay ng mundo.

Ang pananaw na ito ng pagpipinta ay nakikilala ang Cézanne mula sa karamihan sa kanyang mga kontemporaryo. Ang mga indibidwal na karanasan ay palaging naroroon sa gawain ng karamihan sa mga masters ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ngunit ang kanilang ekspresyon ay itinuturing lamang bilang isang partikular na nauugnay sa pangunahing gawain ng artistikong - moral, sosyal, pampulitika o ilan pa. Inilipat ni Cezanne ang diin sa pagpipinta mula sa paksa ng imahe hanggang sa kamalayan ng naglalarawan. Kaya, binuksan niya ang paraan na humantong sa siglo ng XX sa paglikha ng tinatawag na abstract art, na ganap na nakasalalay sa kamalayan ng may-akda.

Ilang mga kilalang mga artista ng ika-19 na siglo ay naatake nang marahas o nahulog sa pangkalahatang hindi pagkakaunawaan. Kabilang sa mga epit na itinalaga sa Cézanne ay parehong "baliw" at "anarchist".

Kung inalog ni Cezanne ang mga pundasyon ng sining ng kanyang oras, sanhi ito ng isang paraan upang makita, batay sa isang pangako sa mga prinsipyo ng post-Renaissance painting, na lubos niyang pinahahalagahan.

Ang pangunahing kabilang sa mga prinsipyong ito ay ang spatial one, na nalulutas ang problema ng kumakatawan sa three-dimensionality ng mundo sa loob ng balangkas ng two-dimensional na ibabaw ng canvas. Ang iba pa ay maunawaan ang pagpipinta bilang isang saradong istraktura, na itinayo alinsunod sa mga batas ng maharmonya at lohikal na proporsyonal ng mga bahagi nito. Tulad ng Giotto, Uchello, Piero della Francesco at Poussin, ang Cezanne ay isa sa mga pinakadakilang tagabuo ng pintor. Sa kahulugan na ito, siya ay nabuhay muli kaysa sa sirain ang mga tradisyon. Ang artista na si Paul Sérusier ay sumulat ng isang taon bago ang kamatayan ni Cézanne: "Inalis niya ang sining ng pagpipinta mula sa murang edad, na ibabalik ito sa integridad at kadalisayan ng mga klasikal na halimbawa."

Ang henyo at makasaysayang kabuluhan ni Cézanne ay ipinahayag sa kakayahang pagsamahin ang "kadalisayan at integridad ng mga klasikal na disenyo" sa mga tradisyon ng romantikong sining. Pinagsama niya ang dalawa sa pinakamalaki at tila hindi katugma na mga sistemang artistikong umiiral nang hiwalay sa Pranses sining mula pa noong ika-17 siglo.

Ang Klasralismo ay nagluluwalhati ng dahilan - ang pagiging romantiko ay nagtataas ng pakiramdam. Para sa klasiko, ang pangunahing prinsipyo ay istruktura; para sa romantismo - kulay. Si Cezanne ay pantay na umaasa sa pareho ng mga alituntuning ito: hindi lamang siya isang mahusay na master ng komposisyon, kundi pati na rin isang mahusay na colorist, maihahambing sa Titian, Rubens at Delacroix. Sa kanyang mature na trabaho, ang romantikong pag-igting ng damdamin ay pinagsama sa klasikal na kalinawan at kalubhaan. Ang pagkuha ng dalawang tradisyon bilang batayan, dinala sila ni Cezanne sa pangwakas na pagkakaisa at sa gayon ay nagtapos ng isang buong panahon. Ngunit sa parehong oras, binuksan niya ang bago: ang kanyang mga mature na gawa ay gumawa ng isang hindi maibabalik na epekto sa pagbuo ng artistikong pananaw sa modernong pagpipinta. Ang mga kasunod na henerasyon na walang kondisyon na kinikilala na si Cezanne, tulad ng Lumang Tipan na si Moises, ay nagbukas ng daan sa mundo ng bagong sining.

Si Paul Cezanne ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pagbuo ng pagpipinta. Ang kanyang posisyon sa buhay ay tinanggihan ang mga layunin sa lipunan at pampulitika at naglalayong sa panloob na estado, ang kamalayan ng panginoon. Sa kanyang pangunahing, si Paul Cezanne ay isang manlalaban. Ang kanyang pakikibaka ay binubuo ng takot na pinunan ang kaluluwa ng artist, ang pagnanais na makahanap ng isang pagpapahayag ng kanyang sariling kabuluhan.

Ang pagpipinta na "House of the Hanged Man" (1873, Musée d'Orsay, Paris) (tingnan ang Apendise. Fig. 3), sa kabila ng madilim na pangalan nito, ay isang maaraw na tanawin.Ang mahusay at hindi pangkaraniwang compositional konstruksyon ng canvas ay katulad sa isang collage at batay sa kumbinasyon magkakaibang plano.

Ipinakilala ng foreground ang manonood sa puwang ng larawan. Dito makikita natin ang isang hindi kapani-paniwalang mabuhangin na dalisdis, na may mga tuod ng kahoy sa ibabang kaliwang sulok, na inilalagay dito bilang isang "panimulang punto" para sa unti-unting paglipat ng lupain. Ang pangalawang plano ay nasasakop ng isang gusali na may madilim na bubong at isang malaswang burol, sa likod na nagbubukas ng isang hindi sinasabing "bahay ng nakabitin na lalaki", na parang nakausli mula sa burol at kumakatawan sa pangatlong plano ng larawan. Sa likod nito makikita mo ang bubong ng bahay na matatagpuan sa ibaba lamang - ang ika-apat na plano, sa likod kung saan ay inilalarawan ang mga gusali na may maliwanag na pulang pader ng ladrilyo.

Kasunod ng artist, ang paningin ng manonood mula sa ibabang kaliwang sulok ng canvas ay bumaba sa dalisdis ng burol, na paikot-ikot sa mga dingding ng mga gusali at hindi pantay na lupain at sa gayon inilalantad ang buong lalim ng puwang. At kung mas nakikita mo ang puwang na ito, mas kumplikado ito. Inilarawan ni Cezanne ang tanawin nang eksakto tulad ng nakita niya ito sa likas na katangian, nang hindi na muling ayusin ito gamit ang pananaw, kaya ang mga orange na bahay ay tila nakatayo mismo sa bubong ng isang kalapit na gusali, at ang kumakalat na mga puno sa itaas na kaliwang sulok ng komposisyon ay walang katotohanan na nakasalansan mismo sa itaas ng "bahay ng nakabitin na tao."

Ito ay tiyak na tulad ng compositional absurdities, hindi maiisip para sa klasikal na sining, na naging posible para sa artist na tunay na ilarawan ang mundo tulad ng kanyang nakita. Ang pagpipinta na "Bahay at Puno" (tingnan ang Apendise, may sakit na 4) sa compositional istraktura nito ay kahawig ng isang fragment ng nakaraang gawain: ang parehong hindi pa natapos na foreground, ang isang puting-bato na gusali ay lumalaki pa rin mula sa burol, na kung saan ang isang puno ng sanga ay flaunts. Ang pahirap na puno ng kahoy na kung saan, na parang tumatawid sa eroplano ng dingding, "gumagapang" kasama nito, tulad ng isang higanteng basag. Ang ganitong motibo ay nagbibigay ng kakaiba - kapana-panabik na mga dramatikong chord sa buong piraso, na lumilikha ng impresyon ng isang misteryo na pinapanatili ng bahay sa sarili nito, na parang nakatago sa likod ng puno ng kahoy at mga sanga ng isang puno.

Ang canvas na "Bahay ni Dr. Gachet sa mga Auvers" (Appendix, Fig. 5) ay nakikilala sa pamamagitan ng kahalili ng una, walang laman, at ang pangalawa - labis na napuno ng mga plano. Ito ay kung paano lumilikha si Cezanne ng isang maayos na komposisyon. Ang mga itinatanghal na mga bahay, na mahigpit na kinakalkula ng artista sa isa't isa, ay tila pinipiga sa kalye na ito ng lalawigan. Kung titingnan mo nang mabuti ang mga linya ng kanilang mga pader, nagiging malinaw na ang mga ito ay malayo mula sa kahit na. Hindi tinutugis ni Cezanne ang mga malinaw na linya, sa kabaligtaran, sinasadya niyang maalis ang mga ito, tulad ng sikat ng araw na nagliliwanag sa mga ibabaw nang hindi pantay, depende sa kanilang pagkakayari at kalapitan sa iba pang mga bagay.

Sinusulat lamang ni Paul Cezanne kung ano ang nakikita niya, nang hindi pinapalakas ang kanyang paligid, bilang dapat gawin ng isang "tama" na artista. Narito na ang gravitation ng pintor tungo sa simpleng mga monumento form na ipinapakita, na magiging isang natatanging tampok ng indibidwal na estilo ng master. Sa ilalim ng patronage ng Camille Pissarro, Cezanne, noong 1874, ay nakikilahok sa unang eksibisyon ng mga Impressionist. Sa sandaling muli, ang kanyang mga gawa ay kinutya, gayunpaman, ang kanyang gawain na "House of the Hanged Man" ay binili ng isang napakalaking kolektor, na nagbibigay ng pag-asa sa artist, na pinahirapan sa pamamagitan ng hindi pagkakaunawaan.

Sa akdang "Love Fight" (Appendix, Fig. 6), ang artista ay lumiliko sa tema ng mitolohiya, na nagpapahintulot sa isang libreng imahe ng pag-aayos sa puwang ng mga hubad na mga intertwined na katawan. Ang nagpapahayag na canvas ay nagbibigay ng impresyon ng isang pag-aaral dahil sa binibigyang diin ng kakulangan ng mga detalye ng kanilang mga sarili.

Ang isang buong serye ng mga pamamaraan ng compositional ay nagpapalubha sa bahagyang mapang-api na pakikibaka ng isang mapusok na pakikibaka ng mabangis na nakakapanghina ng mga mahilig: ang mga puno ay nagbabalot, binibigyang diin ng isang mababang abot-tanaw ang isang malaking kalangitan, na parang pinipilit ang mga bayani, kahit na ang mga ulap na ulap na may hindi pangkaraniwang matalas na balangkas na mga contour ay tila agresibo. Ang larawan ay binuo sa prinsipyo ng theatrical senaryo: ang mga bangin ng mga bangko na may mga puno na lumalaki sa kanila ay nagsisilbing backstage. Ang kakulangan ng lalim ng canvas ay binibigyang diin lamang ang epekto na ito.

Isang mahalagang pagpupulong para kay Cezanne ang naganap noong 1875, nang ipakilala siya ni Auguste Renoir sa avid collector na si Victor Choquet, na bumili ng isa sa mga pintura ng artist. Mula nang sandaling iyon, nagsimula ang kanilang mahabang pagkakaibigan. Noong 1877, ang pintor ay lumilikha ng "Portrait of a Seated Victor Choquet" (Appendix, Fig. 7), kung saan nakikita natin ang kaibigan ng artista na nakaupo sa isang nakamamanghang armchair ng panahon ng Louis XVI, sa isang nakakarelaks na kapaligiran sa bahay.

Sa mga dingding ay mga gawa ng sining mula sa koleksyon ng Choquet. Totoo, hindi sila kasama sa "frame" sa kabuuan, ngunit ibinibigay sa mga fragment o ipinapahiwatig lamang ng mga gilded frame. Hindi hinahangad ng artista na maingat na muling kopyahin ang setting ng silid o tumpak na ihatid ng larawan ang mga tampok ng bayani. Lumilikha siya ng isang pangkalahatang imahe ng kolektor bilang isang matulungin at maalalahanin na tao na magagawang intuitively na pinasasalamatan ang artistikong halaga ng isang gawa. Ang matangkad na figure ng Victor Choquet ay mukhang medyo nakakatawa sa isang lumang mababang upuan, ang itaas na gilid ng canvas ay pinutol ang kanyang kulay-abo na buhok, at ang mga binti ng modelo at mga binti ng upuan ay nakasulat na halos malapit sa ibabang gilid ng canvas. Lumilikha ito ng impresyon na ang kolektor ay cramped sa loob ng balangkas ng pagpipinta na itinalaga sa kanya.

Isa sa maraming mga larawan ng Hortense - "Madame Cezanne sa isang pulang upuan" (Appendix, Fig. 8), na, sa pamamagitan ng paraan, ay hindi pa naging opisyal na asawa ng artist, ay hindi pangkaraniwang epektibo sa mga tuntunin ng kulay. Ang pulang tapiserya ng upuan ay kaibahan sa berde-olibo at asul na kulay ng mga damit ni Hortense at ang mga dingding sa likuran niya, at perpektong pinasisigla din ang pigura ng pangunahing tauhang babae. Ang gawain ay gumagawa ng isang napakalaking impression dahil sa pinakamataas na kalapitan ng batang babae sa manonood. Ang tuktok na gilid ng linen ay pinutol ang bahagi ng kanyang buhok, at ang ilalim na gilid ay pinutol ang laylayan ng kanyang palda. Ang kasosyo sa buhay ni Cézanne ay tumitingin sa gilid, at ang kanyang mga bisig na may mga daliri na tumatawid ay nagtatayo ng isang sikolohikal na hadlang sa pagitan ng modelo at ng manonood.

Nakakakita kami ng isang napaka-pangkalahatang paglipat ng mga tampok ng lupain sa landscape na "Mountains in French Provence" (Appendix, ill. 9). Si Cezanne ay pinahihiwalay ng kaisipan ng mga bagay sa kanilang mga indibidwal na form ng nasasakupan, at pagkatapos ay nagtatayo mula sa kanila ng kanyang sariling katotohanan. Ang pamamaraan na ito ay magpapatuloy na isang katangian na katangian ng mga konstruktivista.

Ang pagkakaroon ng pumasa sa isang solidong landas ng malikhaing, hindi kailanman naging isang impressionista si Paul Cezanne. Ang kanyang kamangha-manghang sa paglipat ng impresyonistikong paglipat ng imahe ng kalikasan at ang light-air environment ay napalitan ng isang kamalayan sa pangangailangan ng pag-order ng ispekulatibong pag-order ng nakapaligid na katotohanan. Hindi sapat para makita ng artista at magparami; kailangan niyang makita at ihatid ang nakatagong istraktura ng mundo.

Ang lahat ng pa rin ng buhay ni Paul Cézanne ay nakikilala: kasama ang pinakasimpleng minimal na hanay ng mga bagay (ilang mga prutas, porselana na plorera, mga plato at tasa), na sadyang hindi tinatablan ng mga draper na may mga break at maraming mga fold na itinapon sa talahanayan ay nagbibigay ng pandekorasyon at natatanging pagpapahayag.

Ang pagpipinta na "Still Life with a Sugar Bowl" (Appendix, fig. 10) ay isa sa mga pinakatanyag na gawa ng Cézanne. Narito ang pintor ay nag-iwan ng magkakasunod na pananaw, hindi namin nakikita ang karaniwang pagkawala ng punto ng mga eroplano sa canvas.

Nakikita namin ang isang hugis-parihaba na tabletop na may isang puting drapery na casually itinapon sa ibabaw nito, na may linya na may mga porselana pinggan at prutas, mula sa dalawang punto ng view nang sabay-sabay: mula sa itaas at mula sa harap, na imposible para sa tradisyonal na sining, na, mula noong Renaissance, ay nagtrabaho sa tamang paglipat ng tatlong-dimensional sa eroplano ng dalawang-dimensional ng canvas. space.

Si Paul Cezanne ay nagtatayo ng kanyang buhay pa rin na taliwas sa pangunahing batas ng pagpipinta - pananaw. Dahil sa hindi tamang konstruksyon ng puwang at pagbaluktot ng pananaw, nagiging imposible upang matukoy ang distansya mula sa pader hanggang sa mesa, o sa kinatay na mga hita ng kahoy na nakikita sa background, tila, ang jardinieres. Gayundin, ang ugnayan sa pagitan ng kahanay at patayo na mga eroplano ng mga dingding, talahanayan, sahig at drawer ay nagiging implicit. Ang isang puwang na walang lalim at pananaw, na itinayo na may kamag-anak na pagsunod sa geometry, ay ginagawang buhay pa rin sa pagpipinta ng relihiyon, ang estilo kung saan nilikha at inaprubahan bago ang pananaw, at madalas na hindi pinansin.

Lumilikha si Cezanne ng kanyang sariling sistema ng coordinate, na kung saan ang bawat bagay ay nakakakuha ng kasapatan sa sarili at sa sarili nito ay maaaring maging isang "modelo" para sa artist. Ang "mababaw", sa unang sulyap, seksyon ng mga jardiniere binti ay ipinakilala sa isang kadahilanan: ito ang detalyeng ito, una, na "humahawak" sa buong komposisyon sa kanang itaas na sulok ng canvas at, pangalawa, ay nagsisilbing isang malakas na coloristic accent sa pangkalahatang malamig na kulay ng background ng itaas na bahagi ng larawan , ang mga brownish shade na magkakasabay na sumasalamin sa brown countertop at ang mainit na tono ng hinog na prutas. Ito ay hindi sinasadya na ang artista ay malayang nag-aayos ng mga bagay sa eroplano ng talahanayan, nang hindi pinagsama ang mga ito sa mga grupo - kung inaalisin natin sa mental ang anuman sa kanila, ang integridad ng komposisyon ay hindi lalabag sa anumang paraan.

Ang magkatulad na tampok ay katangian ng "Still Life with Apples and Oranges" (Appendix, Fig. 11), "Still Life with Draperies" (Appendix, Fig. 12) at "Still Life with Eggplants" (Appendix, Fig. 13). Sa unang trabaho, ang papel ng mga tela, na bumubuo ng puwang kasama ang kanilang mga nakalarawan na folds, lalo na halata. Ito ang maluho na tela na pumupuno sa buong ibabaw ng canvas. Gumagawa sila ng pananaw na hindi kinakailangan; sa kawalan ng isang pamilyar na sistema ng coordinate, nawawala ang puwang ng three-dimensionality. Ang magulong, sa unang tingin, isang tumpok ng mga kulungan ay nagtatago ng mga kasangkapan at lugar. Hindi malinaw sa lahat kung saan matatagpuan ang mga bagay. Salamat sa epekto na ito, ang impresyon ng binibigyang diin na dekorasyon, at kahit theatricality, ay nilikha, kahit na mas pinahusay ng interpretasyon ng eroplano ng espasyo.

Sa buhay na ito, ang panginoon ay gumagana nang lubos na malinaw na may kulay. Ang maliwanag na oriental na tela, na nakapagpapaalaala sa mga kakaibang draperies ng mga kuwadro na gawa ng mahusay na romantikong pagpipinta na Eugene Delacroix, na isang idolo para kay Cézanne, ay lumikha ng isang background para sa isang cascade na naka-cast na tablecloth at isang porselana na plorera na may dambana. Sa una, ang atensyon ng manonood ay iguguhit sa nakasisilaw, masalimuot na itinayo na lugar na ito, sa gayon, na nasisiyahan ang mahusay na paglipat ng tela, pagkatapos ay tumutok ang mga maliliwanag na prutas, na parang kumikinang sa isang puting background. Ito ang puting kulay na husay na nag-aayos ng buong komposisyon. Hindi niya hayaang mawala ang mata sa mga maligaya na kulay at gumala sa buong canvas, na nagpapakilala ng kalubhaan sa coloristic solution at "pagkolekta" ng komposisyon patungo sa gitna.

Sa tulong ng kulay, ang pagkakaisa ng komposisyon ay nakamit sa Still Life na may Talong. Salamat sa malamig na asul-lilac scale, ang canvas ay mukhang kamangha-manghang solid, habang ang pagkakaroon ng isang maliwanag na kaibahan sa anyo ng mga orange-pulang mansanas. Ang pangkalahatang tonality ng trabaho ay nagpapalabas ng bilang kung ang random na pag-aayos ng mga bagay sa isang buhay pa. Kung hindi ito para sa kulay, mga ceramic vases, isang plato at isang bote, na malapit sa bawat isa, ay mukhang isang nakakatawang pagbibiro ng mga random na bagay.

Ang isang paboritong lugar para sa Paul Cézanne na lumikha ng kanyang mga lupain ay ang Mount St. Victoria. Hinahangaan niya ang kanyang kamangha-manghang kagandahan kahit sa kanyang kabataan. Sa huling yugto ng kanyang malikhaing gawain, paulit-ulit na ipininta ng panginoon ang mga tanawin ng bundok na ito, na ipinagpapahayag ang kagandahan nito sa iba't ibang mga kondisyon ng atmospera at sa ilalim ng iba't ibang pag-iilaw.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay, ipinaglihi ni Cezanne ang isang malaking format na multi-figured na komposisyon ng mga hubad na bathers sa kandungan ng kalikasan. Matagal nang pinangarap ng artist ang pagpipinta ng canvas na ito, at mayroong maraming mga bersyon nito, nilikha sa iba't ibang oras. Dahil sa likas na pagiging mahiyain at kakulangan ng pondo, hindi ginamit ni Cézanne ang mga serbisyo ng mga modelo. Samakatuwid, upang lumikha ng aking sariling komposisyon ng maraming mga hubad na babaeng katawan, tinanong ko kahit isa sa aking mga kaibigan na kumuha ng mga litrato ng babaeng hubo't hubad. Marahil ito ay nagpapaliwanag ng isang tiyak na anggularidad ng lahat ng mga figure na nilikha ng artist nang hindi umaasa sa likas na katangian.

Sa itaas ng canvas na "Big Bathers" (Appendix, ill. 14), ang pintor ay nagtatrabaho nang husto at mahirap, maingat na iniisip ang pagsasaayos ng mga hubad na figure sa espasyo, masusing suriin ang ritmo ng mga linya ng katawan at mga nakabalangkas na braso, na, kasama ang mga baluktot na puno ng puno, ay bumubuo ng isang maayos na semicircle. Ang gawain ay dapat na maging isang obra maestra, isang uri ng apogee ng gawain ni Cezanne. Inaasahan ng artist na mahanap ang kanyang sarili sa pamamagitan ng pagkakatugma sa "pagiging bilog ng dibdib ng isang babae at balikat ng mga burol." Sa kasamaang palad, hindi namin alam kung ano ang nais ng artist na makita ang kanyang trabaho sa huli, dahil ang kamatayan ay nagambala sa kanyang gawain.

3. Kaugnayan sa kasalukuyan

Ang papel ni Cezanne bilang "ama" ng bagong sining ay nararapat na pinahahalagahan ng mga susunod na henerasyon ng mga artista. Sapat itong alalahanin ang epekto na mayroon siya sa pagbuo ng isang hindi mabilang na bilang ng mga masters at tulad ng artistikong direksyon bilang Symbolism, Fauvism, Cubism at Expressionism. Ang kabuluhan ni Cezanne ay hindi limitado sa impluwensya na ito. Humakbang siya sa mga limitasyon ng kanyang kontemporaryong at kasunod na mga eras, sa kanyang pagiging eksklusibo at pagkakumpleto, na nakatayo sa isang par kasama ng iba pang mga higante ng European painting.

Sa kasaysayan ng sining, ito ay ang pagiging mabunga ng mga pagtatangka ni Cézanne na lumikha ng isang bagong engrandeng istilo, at hindi ang Cézanne style mismo bilang isang artistikong canon, na naging tanyag sa kanya. Ito ang lahat ng higit na totoo dahil ang isang tao ay maaaring gumuhit ng iba't ibang mga konklusyon ng artistikong para sa sarili mula sa mga gawa ng Cezanne. Ang mga ito ay multidimensional, na sa sarili nitong katangian ng maraming mga natitirang gawa ng iba't ibang mga eras, ngunit ang multidimensionality sa panahon ng libreng artistikong paghahanap ay tumatagal sa isang espesyal na kahulugan. Ang bawat tao'y maaaring kumuha para sa kanilang sarili mula sa mga gawa ng Cezanne kung ano ang gusto nila, at hindi kung ano ang itinuro ng artonong kanon dati. Iyon ang dahilan kung bakit ang gawain ni Cézanne ay nananatiling isang uri ng "artistikong bodega" para sa mga kontemporaryong artista.

Ang gayong mga artista ay ganap na naiiba sa Cezanne bilang P. Gauguin at V. Van Gogh na itinuturing na posible upang malaman mula sa kanya ang pangitain ng kalikasan. Kinolekta ni Gauguin ang mga canvases ni Cézanne at sa isang punto sa kanyang akda ay sumulat sa hanay ng Cézanne. Naniniwala si Van Gogh na tumpak na ipinaalam ni Cezanne ang kakanyahan ng likas na Provence, na sa gayon nagturo sa kanya upang maunawaan ang pagiging tiyak at espiritu ng lugar.

Ang kaakit-akit na imahe ng Provence sa pamamagitan ng mga pagsisikap ni Cezanne ay nagiging kulto. Narito ang isinulat ni K. Clarke tungkol dito: "Paano pinaniniwalaan ng mga Lorrain at Poussin ang mga henerasyon ng mga artista na naniniwala lamang sa Campania posible na makahanap ng isang tanawin na karapat-dapat na pansin ng isang malubhang pintor ng landscape ... kaya ang mga imahe ng Provence na nilikha ni Cézanne sa loob ng tatlumpung taon ay naiimpluwensyahan ang mga painter sa landscape ng lahat. ang mundo. Naranasan ko ring makita ang kahulugan ng Japan sa paraan ng Cézanne, na may Fujiyama na nagbago sa Mount Sainte-Victoire. "

Kung naaalala natin ang mga Russian Cezanne artist, maaari nating sabihin na ang mga Crimean landscapes ng R. Falk, ang mga Italyanong tanawin ng P. Konchalovsky, ang mga tanawin ng A. Kuprin na malapit sa Moscow ay ipininta sa pamamagitan ng prisma ng Provence Cezanne. Ang isang artista na tulad ni D. Rivera ay nagpinta ng Spain din sa paraan ni Cezanne. Ang mga Fauves A. Matisse, A. Derain, K. Van Dongen, R. Dufy sa paunang yugto ng kanilang trabaho ay dinala ng pagbabago ng Cézanne, mula sa kanyang mga kamay ay nakatanggap sila ng kalayaan sa pagpapahayag, kalayaan ng interpretasyon ng katotohanan.

Ang posthumous retrospective exhibition ng mga gawa ni Cézanne noong 1907 ay may malaking impluwensya sa pagbuo ng P.Picasso at ang buong Cubism. , ang yugto ng Cubism nina Picasso at Braque. Sa gayon, ang pormal-analytical na pamamaraan ng pagkamalikhain, na pangunahing batay sa rasyonalismo ng Cartesian at nakaugat sa gawain ng Cezanne, ay binuo ng mga cubists, futurist, cubo-futurist, purists at konstruktivista ”(( I. Azizyan). A. Naniniwala si Barr na mula sa Seurat at Cézanne, sa pamamagitan ng Cubism, ay nag-uunat ng isang linya ng abstract art na may "malinaw na ipinahayag na mga tendensya ng geometric at istruktura." Ang direksyon na ito ay kinabibilangan ng K. Malevich, El Lissitzky, A. Rodchenko, L. Popova, R. Delone, P. Mondrian, F. Stehla, Theo van Doosburg at iba pa.

Ang National School of Monumental Art sa Central at Latin America ay nabuo din hindi nang walang impluwensya ng Cezanne. Ang nasabing mga artista tulad nina D. Rivera at D. Siqueiros ay naglakbay patungong Pransya para sa isang uri ng internship at masigasig na pinag-aralan kapwa ang gawain ng Cubists at kanilang pinagmulan - ang gawain ng Cézanne.

Kapansin-pansin lalo na ang impluwensya ng Cezanne sa tinaguriang mga artista ng Russian Cezanne - ang mga artista ng samahan ng "Jack of Diamonds". Siya ay naging isang idolo para kay P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, V. Rozhdestvensky, na, ayon kay J. Tugenhold, "nagsagawa ng isang pangunahing artistikong misyon, na nagdadala ng pagpipinta ng Russia sa malapit sa artistikong kultura. ". Ang impluwensya nina Cezanne at M. Larionov at N. Goncharova ay hindi nakatakas, kahit na nakita nila sa Pransya ang pagpipinta ng isang balakid sa pagpapahayag ng pambansang prinsipyo.

Konklusyon

"Ang sining ng Cezanne sa kabuuan ay nagpakita sa mundo ng isang pangwakas na larawan ng ikalabing siyam at naunang mga siglo. Ang pagpipinta ni Cezanne ay nagpapanatili ng mga katangian ng isang klasikal na pagpipinta: "pagkakapareho" sa totoong kalikasan, paghihiwalay mula sa mundo sa pamamagitan ng isang frame, spatial pathos, nakalarawan na retorika, konkreto ng isang motibo, isang plastik na balangkas. Ngunit ang spatial at coloristic na mga paghahanap sa mga nakaraang siglo - mula sa Renaissance hanggang Impressionism - ay pinilit na huminto sa harap ng katibayan ng Cezanne ng isang flat canvas, na naipon ang kanyang artistikong kosmos, nabawasan sa isang malinaw, sarado sa sarili, tulad ng isang uniberso, pormula. At dito maaari nating pag-usapan ang tungkol sa larawan ni Cezanne at bilang unang larawan ng pinakabagong pagpipinta. "Kawastuhan", na nabanggit sa itaas, ay nagbibigay-daan sa amin upang makita sa eroplano ng mga gawa ni Cézanne ang perpektong kalayaan, awtonomya ng mga form na ipinanganak sa yugtong iyon ng paggalaw ng sining, kapag ang halaga ng lugar, tono, saturation ng kulay ng plano, ang ritmo ng mga balangkas ng form sa wakas ay nakakakuha ng isang sapat na halaga sa sarili ... Ang tagagawa ng isang bagong plastik na wika, ang tagalikha ng bagong napakalaking mga imahe, ang repormador ng klasikal na tanawin, ang pinakamataas na panginoon ng watercolor - iyon lang siya, ngunit mayroon ding iba pa. Classic, romantiko, baroque master depende sa oras, tagapagmana ng isang tradisyon at imbentor ng isa pa, inapo at ninuno - kung paano tukuyin ang mga limitasyon ng pagkatao na ito.

Ang kahulugan ng gawain ni Cezanne na ibinigay ni Mikhail German ay tumpak na inaayos ang kanyang lugar sa pagitan ng mga nauna at tagasunod.

Ilang mga artista ang kailangang magtrabaho sa napakahirap na mga kondisyon ng hindi pagkakaunawaan at malungkot na kalungkutan tulad ni Paul Cézanne. Kahit na sa wakas nakamit ang pagkilala sa pinakadulo ng kanyang buhay, wala pa rin siyang kaligayahan na maiintindihan. Kinumpirma namin na ang karamihan sa kanyang "mga tagasunod", ang mga Cezanneist ng iba't ibang mga guhitan, mga abstractivist at iba pang mga epigone ay walang kinalaman sa artista na ito.

Ang isang mabigat na pagsisikap - ang paggawa ng buhay ni Cézanne - ay sadyang nakatuon sa pagtatanggol sa mahusay na makatotohanang tradisyon ng likhang-sining; ang "gawain" ng kanyang mga epigones ay naglalayong alisin ang pagiging totoo; ang mga epigones ay hindi umaasa sa mga pagsisikap ng artist, hindi sa kanyang mga nagawa; kumapit sila sa mga aspeto ng kanyang indibidwal na istilo na bunga ng mga paghihirap na lumitaw nang kusang sa proseso ng gawain ng artist.

Sa hindi pag-unawa sa ilan sa mga kumbensyon sa mga gawa ni Cézanne na nauugnay sa hindi kumpleto at hindi pagkakapantay-pantay ng kanyang mga paghahanap, sinubukan ng epigones na gawin silang banner ng kanilang snobbery, nagpunta sila sa pormalistikong pagkabulok.

Bibliograpiya

1. Dukhan I.N. - Merleau-Ponty at Cezanne: Patungo sa Pagbubuo ng Phenomenology ng Makikita. Makasaysayang at Pilosopikal na Taon, Moscow, 2011.

2. Lindsay D. Paul Cezanne. "Phoenix", Rostov sa Don, 1997.

3. Medkova E. Kuwento tungkol sa artist na "Heir and Inventor" Pahayagan "Art" №3, 2010.

4. Perrushot A "Ang Buhay ng Cézanne" at afterword ni K. Bohemian. - M .: "Pelangi", 1991.

5. Rzheznikov A. - Paul Cezanne Bahagi 1. Pahayagan na "Art", Hindi. 2 1940.

6. http://vlkrylov.ru/ Artist Vladimir Krylov - "Ang mga script ng script ay hindi sumunog o kung ano ang art", kabanata limang "Ang gawain ni P. Cezanne"

7.http: //www.bibliotekar.ru/ Henri Perrushot. Paul Cezanne

aplikasyon

Larawan 1. Paghuhukay ng riles

Larawan 2. "Castle sa Medan"

cezanne malikhaing nagpayunir artist

Larawan 3. "Bahay ng Hanged Man"

Larawan 4. "Bahay at Kahoy" (1873-1874, pribadong koleksyon)

Larawan 5. "Bahay ni Dr. Gachet sa Mga Taksi." 1874 Museum d "Orsay, Paris

Larawan 6. Ang Pag-ibig ng Pag-ibig (Ang Bacchanalia, 1875, Koleksyon ng W. A. \u200b\u200bHarriman, New York)

Larawan 7. Larawan ng isang Nakaupo na Victor Choquet (Gallery ng Fine Arts, Columbus) 1877

Larawan 8. Madame Cezanne sa Red Chair (1877, Museum of Fine Arts, Boston)

Larawan 9. "Mga Bundok sa Pransya Provence" (1878, National Museum of Wales, Cardiff).

Larawan 10. Buhay pa rin na may isang Sugar Bowl (circa 1888-1890, State Hermitage Museum, St. Petersburg)

Larawan 11. Buhay pa rin kasama ang mga mansanas at Oranges (1895, Musée d'Orsay, Paris)

Paglalarawan 12. "Buhay pa rin na may drapery" (1899, State Hermitage, St. Petersburg)

Larawan 13. Buhay pa rin na may Talong (1893-1894, Metropolitan Museum, New York)

Larawan 14. Mga Big Bathers (circa 1906, Art Museum, Philadelphia)

Nai-post sa Allbest.ru

Katulad na dokumento

Ang pinagmulan at taon ng pag-aaral ni Paul Cézanne, pakikipagkaibigan kay Emile Zola, ang paghahanap para sa kanyang sariling natatanging istilo ng pagpipinta. Impluwensya ng Camille Pissarro sa pagkamalikhain, pagtatasa ng pamana ng malikhaing artist. Pagninilay ng panloob na mundo ng Cezanne sa kanyang mga canvases.

idinagdag ang pagtatanghal 02/02/2012

Suriin ang kasaysayan ng impressionism bilang isang kilusang artistikong, ang impluwensya nito sa pagbuo ng pagpipinta. Pagtatasa ng pagkamalikhain ng mga sentral na figure sa direksyon na ito: Cezanne, Degas, Monet, Pissarro, Renoir, Sisley at Morisot. Mga paglalarawan ng mga prinsipyo ng optical na paghahalo ng mga pintura.

abstract, idinagdag 02/04/2012

Pag-aaral ng malikhaing pamana ng artist na si Andrei Rublev. Pagtatasa ng kontribusyon ng pintor ng icon na si Dionysius sa pagbuo ng pagpipinta ng Ruso. Pag-aaral sa kanyang masining na pamamaraan. Ang paglitaw ng paaralan ng Stroganov ng pagpipinta. Ang lugar ng sekular na pagpipinta sa pagpipinta ng Russia noong ika-16 na siglo.

idinagdag ang pagtatanghal 09/18/2014

Isang maikling talambuhay ni Josephine Wall, ang background ng kanyang pagbuo bilang isang artista, mga mapagkukunan ng malikhaing inspirasyon, ang imahe at paglalarawan ng kanyang pangunahing mga pintura. Ang kakanyahan ng pagpipinta "mula sa simula". Mga katangian ng pangunahing mga mundo ng mga kuwadro na gawa ni J. Wall.

abstract, idinagdag 06/18/2010

Maikling impormasyon tungkol sa buhay at gawain ng Théodore Gericault - pintor ng Pranses at pintor ng graphic, ang tagapagtatag ng romantismo sa pagpipinta ng Pransya. Paglalarawan at katangian ng mga plot ng kanyang pangunahing mga kuwadro na gawa. Ang imahe ng mga kabayo na galloping sa gawain ng artist.

idinagdag ang abstract sa 05/14/2013

Pagtatasa ng teorya ng pagpipinta mula sa mga siglo ng XIV-XX. Paggalugad ng malikhaing landas ng mga kilalang artista. Pagsasaalang-alang ng mga nakapirming assets at diskarte para sa paglutas ng mga itinalagang gawain ng malikhaing Ang kahalagahan ng pag-aaral ng mga gawa ng sining para sa pagpapalaki ng mga bata.

thesis, idinagdag 09/11/2014

Ang gawain ni Cezanne. Si Vincent Van Gogh ay isang klasikong post-impressionism. Pinturahin ang mga paghahanap kay Paul Gauguin. Tungkol sa artist at kanyang mga nilikha sa konteksto ng kanyang kontribusyon sa kultura ng mundo. Mula noong ika-20 siglo, si Cezanne ay naging pinuno ng isang bagong henerasyon.

abstract, idinagdag 05/21/2003

Ang buhay ni Angelo Bronzino - isang pintor ng Italyano, isang natatanging kinatawan ng Mannerism, pintor ng korte ng Duke of the Medici. Ang pagsasakatuparan ng malikhaing henyo ng artist sa pagpipinta ng Florentine Palace Palazzo Vecchio. Ang papel ng mga kuwadro na gawa ni Bronzino sa kasaysayan ng pagpipinta.

idinagdag ang abstract 05/05/2013

Mga katangian ng mga kakaibang katangian ng pag-unlad ng pagpipinta ng Russian battle. Ang pag-aaral ng buhay at gawain ng Russian battle painter V.V. Vereshchagin. Pagpipinta at memoir panitikan bilang isang makasaysayang mapagkukunan. Paghahambing ng mga kuwadro na gawa at mga alaala ng artist.

term paper, idinagdag 12/01/2014

"Musicality" ng pagpipinta sa mga gawa ng mga romantikong pintor. "Ang Huling Araw ng Pompeii" bilang isang katugma sa pagitan ng opera ni D. Pacini at ang pagpipinta ni K. Bryullov. Aktibidad sa musika at masining ng M.K. Čiurlionis. Nagpapakita ng musika sa mga kuwadro na gawa at mga kuwadro na gawa sa symphonies.

Makukulay (o tinted) ang pasaporte - isang dokumento na nagpapatunay na ang panlabas na kulay ng facades ng gusali ay naaprubahan alinsunod sa kasalukuyang sistema ng mga pamantayan.

Makukulay na pasaporte

Ang batas ng lungsod ng Moscow ng Hulyo 1, 1996 ay tinukoy ang ipinag-uutos na katangian ng kulay ng pasaporte ng Moscow Committee para sa Arkitektura at Konstruksyon kapag pininturahan ang mga facades ng mga gusali. Ang pangunahing layunin ng pasaporte ay upang ayusin ang mga kulay ng facades, detalye ng arkitektura, plinths, window frame, pintuan, bubong, bakod, atbp. buhay ng lungsod.

Kasaysayan

Sa Imperyo ng Russia, hanggang sa 1832, ang standardisasyon ng artistikong hitsura ng mga lungsod ay tinutukoy ng mga personal na kautusan ng imperyal at mga resolusyon sa mga ulat at ulat sa pinakamataas na pangalan, pati na rin sa mga utos ng Senado at gobyerno. Ang instrumento para sa pag-regulate ng lumalagong arkitektura at konstruksiyon na negosyo ay naging Charter ng konstruksyon 1832. Bilang karagdagan sa charter, ang normatibong base para sa pagbuo ng hitsura ng mga lungsod ay binubuo ng aktibong binuo, nakolekta sa mga album at ipinadala sa mga lalawigan " halimbawa"Mga guhit ng mga tanawin ng estado at pribadong mga gusali, na" nagsilbi bilang gabay hindi lamang sa pagtatayo ng mga bago, kundi pati na rin sa pagbabago ng mga lumang gusali, kung saan payagan ang kaginhawaan". Ang mga kulay ng mga facades at bubong ng mga gusali ay naitatag din. Ang mga unang pamantayang disenyo ay ginamit mula pa noong simula ng konstruksyon sa St.

Sa Moscow, ang mga unang pagtatangka sa kulay ng regulasyon ay isinasagawa noong ika-18 siglo ng Peter I, na, sa pamamagitan ng isang espesyal na utos, ay tinukoy kung anong mga kulay ang mga pader ng Ina See ay dapat lagyan ng kulay. Sa gayon, ang makasaysayang scheme ng kulay ng kapital ay nabuong pambatasan. Hanggang sa 1917, isang espesyal na dokumento ang naipasok para sa bawat gusali.

Ang kasanayan sa paglikha at paggamit ng mga coloristic na pasaporte ay muling nabuhay sa Russia sa ikalawang kalahati ng 1990s. Ang initiator ng kanilang pag-update ay Larisa Vladimirovna Zhuk, isang nagtapos ng Moscow Institute of Architecture () at Tatiana Alexandrovna Usatova, isang nagtapos ng Faculty of Chemistry, Lomonosov Moscow State University. L.V. Zhuk noong 1973-1997 nagtrabaho sa Kagawaran ng Urban Design ng Moscow City Architecture Committee, kabilang ang 1987-1997. - Pinuno ng departamento ng pagpipinta at pagtatapos ng mga facades ng mga gusali sa Moscow. Siya ang may-akda ng mga solusyon sa kulay para sa isang malaking bilang ng mga facades ng mga gusali sa lungsod - ang Musical Theatre na pinangalanang K. S. Stanislavsky at Vl. I. Nemirovich-Danchenko sa B. Dmitrovka, M. Rozovsky Theatre sa Nikitinskiye Vorota, isang kumplikadong mga gusali sa B. Yakimanka, B. Molchanovka, B. Ordynka, atbp Bilang paghahanda para sa ika-850 na anibersaryo ng Moscow, noong 1994-1995, Larisa Zhuk pinangasiwaan ang pagbuo ng scheme ng kulay para sa facades ng lahat ng mga gusali sa Boulevard Ring.

Computerization ng mga pasaporte

Bilang bahagi ng magkasanib na gawain ng Moscow Committee para sa Arkitektura, ang Institute of Electronic Control Machines (INEUM) at studio ng disenyo ng VIGRAF, isang prototype ng isang awtomatikong sistema ng suporta sa impormasyon para sa konsepto ng kulay ay nilikha at mga form ng mga blangkong passport ng kulay ay binuo na ginamit ang lahat ng mga kakayahan ng computer graphics at database organization. Mula 1997 hanggang 2012, ang mga solusyon sa arkitektura at kulay, mga solusyon batay sa mga aplikasyon sa State Unitary Enterprise "Pangunahing Arkitektura at Pagpaplano ng Pangangasiwa ng Moskomarkhitektura" ay inihanda sa studio ng mga coloristic ng arkitektura (City Colour Center) ng Mosproekt-3.

Ang sentro ng kulay ng lungsod ay isa sa ilang mga kolektibong Moscow na nagsimula na propesyonal na harapin ang mga problema ng kulay ng kapaligiran sa lunsod. Nilikha noong 1996 ng punong artista ng Moscow A. V. Efimov batay sa arkitektura ng koluristikong arkitektura Hindi. 10 ng State Unitary Enterprise na "Mosproekt-3" sa ilalim ng direksyon ng TS Semyonova. Ang pangunahing aktibidad ng City Colour Center ay ang pag-unlad ng mga seksyon ng arkitektura ng mga pasaporte " Solusyon ng kulay, materyales at teknolohiya sa trabaho», Pati na rin ang paggawa ng mga proyektong arkitektura para sa muling pagtatayo ng mga facades ng gusali.

Ang seksyon na teknolohikal ng mga pasaporte ng kulay ay binuo ng mga espesyalista-technologist Center "Enlakom" (superbisor T. A. Usatova) - dalubhasa at pang-agham na samahan sa larangan ng teknolohiya, disenyo at inspeksyon ng mga facades.

Mula 2008 hanggang unang bahagi ng 2013, ang City Colour Center ay isa sa mga nangungunang samahan para sa pagpapatupad ng programa ng target ng lungsod para sa komprehensibong pag-overhaul sa mga tuntunin ng coloristik ng mga facades ng mga itinayong gusali ng tirahan. Ang malakihang mga gawa ng City Colour Center ay may kasamang kumplikadong kulay na solusyon para sa pag-unlad ng mga singsing ng Hardin at Boulevard ng lungsod, ang konsepto ng mga coloristic na solusyon para sa maraming mga makasaysayang kalye at mga parisukat, pati na rin ang higit sa isang libong mga lokal na proyekto ng mga makukulay na solusyon para sa mga gusali at istraktura.

Upang mapagbuti ang pamamaraan para sa pagbuo ng arkitektura at artistikong hitsura ng lungsod, ang gobyerno ng metropolitan na naaprubahan noong 28.03.2012 isang bagong pasiya sa mga coloristic na solusyon ng mga facades ng mga gusali, istraktura, istruktura sa Moscow, na tinukoy ang pamamaraan para sa pagbuo ng standard at indibidwal na mga solusyon sa kulay. Kasabay nito, pinapayagan ng pasaporte ang tatlong mga pagpipilian para sa coloristic solution ng facades na may kaukulang kulay na pagmamarka ng RAL, mga sistema ng NCS, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagbabago sa saturation ng kulay nang hindi hihigit sa 5%.

Ang pagpapakilala ng mga coloristic na pasaporte ay pumasok sa kasanayan sa pagpaplano ng lunsod sa ibang mga lungsod ng Russian Federation.

Ang computerization ng pagpili at pag-aayos ng mga solusyon sa kulay sa pasaporte sa loob ng balangkas ng standardized na mga katalogo ng kulay ay magbubukas ng posibilidad ng paggamit ng tinting ng computer at awtomatikong pagbibigay teknolohiya upang piliin ang mga kinakailangang lilim sa yugto ng pag-order at paggawa ng mga pintura.

Mga Tala

Ang Batas ng Lungsod ng Moscow na may petsang Hulyo 1, 1996 Hindi. 22 "Sa pagpapanatili ng maayos na kondisyon at pinangalagaan ang mga facades ng mga gusali at istraktura sa teritoryo ng lungsod ng Moscow"
Dedushkin A. Batas ng gusali sa Ina Russia - // pamana ng Moscow. Isyu 4 (52), 2017 .-- S. 26-31
(hindi natukoy) .
Pirozhkova I. G. « Huwaran»Ang facades bilang isang normatibong mapagkukunan ng regulasyon sa pagpaplano ng lunsod sa Russian Empire - // Bulletin ng Tambov State University. Serye: Mga Humanidad. Tama. Isyu 3 (43), 2006 .-- S. 10-12
Zhuk Larisa Vladimirovna (hindi natukoy) ... Nai-archive noong Setyembre 17, 2012.
Ang resolusyon ng Pamahalaang Moscow ay may petsang 26.11.1996 No. 940 "Sa komprehensibong pagpapabuti ng Moscow: kulay, ilaw sa arkitektura, arkitektura ng tanawin"

Ang coloristic ay ang agham ng kulay, kabilang ang kaalaman tungkol sa likas na kulay, pangunahin, pinagsama at pantulong na kulay, pangunahing katangian ng kulay, kaibahan ng kulay, paghahalo ng kulay, kulay, pagkakaisa ng kulay, wika ng kulay at kultura ng kulay.

Kulay - ang pag-aari ng kulay upang maging sanhi ng isang tiyak na visual sensation alinsunod sa spectral na komposisyon ng nakalarawan o naglalabas na radiation. Ang kulay ng iba't ibang mga haba ng haba ay nakakaaliw sa iba't ibang mga sensasyon ng kulay; radiations mula 380 hanggang 470 nanometer ay lila at asul, mula 470 hanggang 500 nanometer - bughaw-berde, mula 590 hanggang 760 nanometer - pula. Gayunpaman, ang kulay ng kumplikadong radiation ay hindi natatanging tinutukoy ng kamangha-manghang komposisyon nito.

* Tint (kulay) - ang pangalan ng kulay (pula, asul ...);

* Intensity - ang antas ng konsentrasyon ng kulay (ang namamayani ng isa o ibang tono);

* Lalim - ang antas ng ningning o pag-mute ng tono ng kulay;

* Kadiliman - antas ng pagpapaputi (% ng pagkakaroon ng puti at murang kulay-abo na tono sa kulay);

* Pagdudugo -% ng pagkakaroon ng madilim na kulay-abo at itim na tono;

* Liwanag - isang katangian ng mga makinang na katawan, na katumbas ng ratio ng intensity ng ilaw sa anumang direksyon sa lugar ng projection ng maliwanag na ibabaw sa isang eroplano na patayo sa direksyon na ito;

* Paghahambing - ang ratio ng pagkakaiba sa pagitan ng ningning ng bagay at background sa kanilang kabuuan.

Sa labis na karamihan ng mga kaso, ang sensation ng kulay ay lumitaw bilang isang resulta ng pagkakalantad sa mata ng mga flux ng electromagnetic radiation mula sa saklaw ng haba ng haba kung saan ang radiation na ito ay napansin ng mata (nakikitang saklaw ng haba ng haba mula 380 hanggang 760 nanometer). Minsan ang isang kulay na sensasyon ay lumitaw nang walang epekto ng isang nagliliyab na pagkilos ng mata sa mata - sa presyon sa eyeball, epekto, elektrikal na pangangati, atbp, pati na rin sa pamamagitan ng kaakibat ng kaisipan sa iba pang mga sensasyon - tunog, init, atbp, at bilang isang resulta ng gawa ng imahinasyon. Ang iba't ibang mga sensasyon ng kulay ay sanhi ng mga bagay na may iba't ibang kulay, ang kanilang mga lugar na may iba't ibang mga ilaw, pati na rin ang mga ilaw na mapagkukunan at ang pag-iilaw na nilikha nila. Sa kasong ito, ang pang-unawa ng mga kulay ay maaaring magkakaiba (kahit na may parehong kamag-anak na parang multo na komposisyon ng mga flux ng radiation), depende sa kung ang radiation ay pumapasok sa mata mula sa mga ilaw na mapagkukunan o mula sa mga di-maliwanag na mga bagay. Sa wika ng tao, gayunpaman, ang parehong mga termino ay ginagamit upang sumangguni sa kulay ng dalawang magkakaibang uri ng mga bagay. Ang pangunahing bahagi ng mga bagay na nagdudulot ng mga sensasyon ng kulay ay mga di-makinang na mga katawan na sumasalamin o nagpapadala lamang ng ilaw na pinalabas ng mapagkukunan.

Ang kulay ay nagsisilbing isang paraan ng komunikasyon. Ang kulay ay nakakatulong upang ikalakal. Ang kulay ay ang puwersa na nagtutulak sa mga benta ng halos anumang produktong consumer.

Ang mga propesyonal sa disenyo, graphic artist at printer ay lubos na alam ng kulay na ang kulay ay isang pangunahing kadahilanan sa proseso ng pangangalakal dahil may mahalagang papel ito sa pagpapasya sa pagbili. Nagising siya sa bumibili ng isang buong string ng mga damdamin na umaakit sa kanya sa isang partikular na produkto.

Napili ang berde at ginto bilang kulay ng solusyon. Tulad ng mga ito ay palaging napapanahon at sumasalamin sa elemento ng modernong istilo

III. Teknikal na seksyon