Pagpipinta ng Hapon. Contemporary Japanese painting

Ang pagpipinta ng monochrome sa Japan ay isa sa mga natatanging hindi pangkaraniwang bagay ng sining ng Oriental. Maraming mga gawa at pag-aaral ang nakatuon dito, ngunit ito ay madalas na napansin bilang isang napaka-kondisyon, at kung minsan kahit na pandekorasyon. Hindi ito ganoon.Ang espirituwal na mundo ng artist ng Hapon ay napaka-mayaman, at hindi siya nagmamalasakit tungkol sa aesthetic na bahagi tulad ng tungkol sa ispiritwal. Ang Art of the East ay isang synthesis ng panlabas at panloob, tahasang at implicit.

Sa post na ito nais kong bigyang pansin ang kasaysayan ng pagpipinta ng monochrome, ngunit ang kakanyahan nito. Ito ang tatalakayin.

screen na "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Ang nakikita natin sa mga kuwadro na monochrome ay ang resulta ng pakikisalamuha ng artista sa pine triad: papel, brush, tinta. Samakatuwid, upang maunawaan nang wasto ang gawain, dapat maunawaan ng isa ang artista mismo at ang kanyang saloobin.

"Landscape" Sesshu, 1398.

Papel para sa isang panginoon ng Hapon, hindi lamang isang improvised na materyal na sumailalim siya sa kanyang kapritso, ngunit sa halip ang kabaligtaran - ito ay isang "kapatid", at samakatuwid ang saloobin sa kanya ay nabuo nang naaayon. Ang papel ay isang bahagi ng nakapalibot na kalikasan, na palaging tinatrato ng mga Hapones sa pagtataksil at sinubukan na huwag magpasakup sa kanilang sarili, ngunit upang mapayapang magkakasamang kasama nito. Ang papel ay nakaraan ang isang puno na tumayo sa isang tiyak na lugar sa isang tiyak na oras, "nakakita" ng isang bagay sa paligid nito, at iniimbak nito ang lahat ng ito. Ito ay kung paano nadarama ng isang artista ng Hapon ang materyal. Kadalasan, ang mga masters, bago simulan ang trabaho, ay tumingin sa isang blangko na sheet sa loob ng mahabang panahon (pagninilay-nilay ito) at pagkatapos lamang ay nagsimulang magpinta. Kahit ngayon, ang mga kontemporaryong artista ng Hapon na nagsasanay ng Nihon-ga (tradisyonal na pagpipinta ng Japanese) ay pumili ng mabuti ng papel. Binibili nila ito upang mag-order mula sa mga galing sa papel. Para sa bawat artist ng isang tiyak na kapal, kahalumigmigan pagkamatagusin at pagkakayari (maraming mga artista ang nagtapos din ng isang kasunduan sa may-ari ng pabrika na huwag ibenta ang papel na ito sa ibang mga artista) - samakatuwid, ang bawat pagpipinta ay nakikita bilang isang bagay na natatangi at buhay.

"Pagbasa sa gulong kawayan" Syubun, 1446.

Pinag-uusapan ang kahalagahan ng materyal na ito, nagkakahalaga ng pagbanggit ng mga sikat na monumento ng panitikan ng Hapon bilang "Mga Tala sa Headboard" ni Sei Shonagon at "Genji Monogotari" ni Murasaki Shikibu: sa parehong "Mga Tala" at "Genji" maaari kang makahanap ng mga kuwento kapag ang mga courtier o mga mahilig makipagpalitan ng mga mensahe ... Ang papel kung saan isinulat ang mga mensahe na ito ay angkop na panahon, lilim, at ang paraan ng pagsulat ng teksto na nauugnay sa pagkakayari nito.

"Murasaki Shikibu at Ishiyama Shrine" ni Kyosen

Brush - ang pangalawang sangkap ay ang pagpapatuloy ng kamay ng master (muli, ito ay isang likas na materyal). Samakatuwid, ang mga brushes ay ginawa din upang mag-order, ngunit kadalasan ay sa pamamagitan mismo ng artist. Kinuha niya ang mga buhok ng kinakailangang haba, pinili ang laki ng brush at ang pinaka komportable na pagkakahawak. Sinusulat lamang ng master ang kanyang sariling brush at wala nang iba. (Mula sa personal na karanasan: Nasa master class ako ng Chinese artist na si Jiang Shilun, hiniling ang madla na ipakita kung ano ang magagawa ng kanyang mga mag-aaral na naroroon sa master class, at bawat isa sa kanila, kinuha ang brush ng master, sinabi na hindi ito gagana kung ano ang kanilang inaasahan , dahil ang brush ay hindi sa kanila, hindi sila ginagamit dito at hindi alam kung paano gamitin ito nang tama).

Sketch ng "Fuji" ng Katsushika Hokusai

Mascara ay ang pangatlong mahalagang elemento. Ang mascara ay maaaring magkakaiba-iba ng mga uri: pagkatapos ng pagpapatayo, maaari itong magbigay ng isang makintab o matte na epekto, maaari itong halo-halong pilak o ocher shade, kaya ang tamang pagpili ng mascara ay hindi rin mahalaga.

Yamamoto Baytsu, huli na ika-18 - ika-19 siglo.

Ang pangunahing paksa ng pagpipinta ng monochrome ay mga landscapes. Bakit walang kulay sa kanila?

Ang twin screen na "Pines", Hasegawa Tohaku

Una, ang artista ng Hapon ay hindi interesado sa bagay mismo, ngunit sa kakanyahan nito, isang tiyak na sangkap na karaniwan sa lahat ng mga buhay na bagay at humahantong sa pagkakaisa sa pagitan ng tao at kalikasan. Samakatuwid, ang imahe ay palaging isang pahiwatig, ito ay tinutukoy sa aming mga pandama, at hindi sa paningin. Ang Understatement ay isang pampasigla para sa diyalogo, na nangangahulugang koneksyon. Ang mga linya at mga spot ay mahalaga sa imahe - bumubuo sila ng masining na wika. Hindi ito kalayaan ng panginoon, na nag-iwan ng isang taba ng landas kung saan nais niya, ngunit sa ibang lugar, sa kabaligtaran, ay hindi ipininta ito - lahat ng nasa larawan ay may sariling kahulugan at kabuluhan, at hindi nagdadala ng isang random na karakter.

Pangalawa, ang kulay ay palaging nagdadala ng ilang uri ng pang-emosyonal na pangkulay at naiiba sa pamamagitan ng iba't ibang mga tao sa iba't ibang estado, samakatuwid, ang emosyonal na neutralidad ay pinapayagan ang manonood na mas sapat na pumasok sa isang dayalogo, iposisyon sa kanya ang pagdama, pagmuni-muni, pag-iisip.

Pangatlo, ito ay ang pakikipag-ugnay ng yin at Yang, ang anumang pagpipinta ng monochrome ay magkakasuwato sa mga tuntunin ng ratio ng tinta at hindi pinapansin na lugar ng papel dito.

Bakit hindi ginagamit ang puwang ng papel?

"Landscape" Syubun, kalagitnaan ng ika-15 siglo.

Una, ang walang laman na puwang ay nagbabad sa viewer sa imahe; pangalawa, ang imahe ay nilikha na para sa isang sandali na lumulutang ito sa ibabaw at malapit nang mawala - ito ay dahil sa pananaw sa mundo at pananaw sa mundo; pangatlo, sa mga lugar na walang tinta, ang texture at shade ng papel ay dumarating (hindi ito laging nakikita sa mga reproduksyon, ngunit sa katunayan ito ay palaging ang pakikipag-ugnayan ng dalawang materyales - papel at tinta).

Sesshu, 1446

Bakit tanawin?

"Pagmemensahe ng Ulan" ni Geiami, 1478

Ayon sa pananaw ng Japanese sa Japan, ang kalikasan ay mas perpekto kaysa sa tao, kaya dapat niyang malaman mula sa kanya, alagaan ito sa lahat ng paraan, at hindi sirain o magpasakop. Samakatuwid, sa maraming mga tanawin ay makikita mo ang mga maliliit na larawan ng mga tao, ngunit palaging sila ay hindi gaanong mahalaga, maliit na may kaugnayan sa mismong landscape, o mga imahe ng mga kubo na nakasulat sa nakapaligid na espasyo at hindi palaging nakikita - lahat ito ay mga simbolo ng pananaw sa mundo.

"Mga panahon: Taglagas at Taglamig" Sesshu. "Landscape" Sesshu, 1481

Sa konklusyon, nais kong sabihin na ang pagpipinta ng monochrome ng Hapon ay hindi chaotically sprayed tinta, hindi ito kapansin-pansin sa panloob na kaakuhan ng artista - ito ay isang buong sistema ng mga imahe at simbolo, ito ay isang imbakan ng pilosopikal na pag-iisip, at pinaka-mahalaga, isang paraan ng komunikasyon at pagkakaisa ng sarili at sa buong mundo.

Narito, sa palagay ko, ang mga sagot sa mga pangunahing katanungan na lumitaw sa manonood kapag nahaharap sa pagpipinta ng monochrome Hapon. Inaasahan kong tutulungan ka nila na maunawaan ito nang tama at makita ito kapag nakatagpo ka.

Ang klasikal na pagpipinta ng Hapon ay may mahaba at kagiliw-giliw na kasaysayan. Ang mga pinong sining ng Hapon ay kinakatawan sa iba't ibang mga estilo at genre, na ang bawat isa ay natatangi sa sarili nitong paraan. Ang mga sinaunang ipininta na mga figurine at geometric motifs na natagpuan sa tanso na mga dotaku na mga kampanilya at mga shards ng palayok ay nagsimula noong 300 AD.

Orientation ng Buddhist art

Sa bansang Hapon, ang sining ng pagpipinta sa dingding ay mahusay na binuo; noong ika-6 na siglo, ang mga imahe sa tema ng pilosopiya ng Budismo ay naging popular. Sa oras na iyon, ang mga malalaking templo ay itinayo sa bansa, at ang kanilang mga dingding ay saanman pinalamutian ng mga fresco na pininturahan batay sa mga alamat at alamat ng Buddhist. Mayroon pa ring mga sinaunang halimbawa ng pagpipinta sa dingding sa Horyuji Temple malapit sa lungsod ng Nara ng Hapon. Ang mga frescoes ni Horyuji ay naglalarawan ng mga eksena mula sa buhay ng Buddha at iba pang mga diyos. Ang estilo ng artistikong mga mural na ito ay napakalapit sa nakalarawan na konsepto na tanyag sa Tsina sa panahon ng Song Dynasty.

Ang estilo ng pagpipinta ng Tang Dynasty ay nakakuha ng partikular na katanyagan sa gitna ng panahon ng Nara. Ang mga fresco na natagpuan sa libingan ng Takamatsuzuka na petsa pabalik sa panahong ito at petsa pabalik sa paligid ng ika-7 siglo AD. Ang artistikong pamamaraan, na nabuo sa ilalim ng impluwensya ng Tang Dynasty, ay nabuo sa batayan ng genre ng pagpipinta ng kara-e. Ang genre na ito ay nanatiling popular hanggang sa lumitaw ang mga unang gawa sa istilong Yamato-e. Karamihan sa mga fresco at masterpieces ng pagpipinta ay kabilang sa brush ng hindi kilalang mga may-akda, ngayon marami sa mga gawa ng panahong iyon ay pinananatili sa Sesoin Treasury.

Ang lumalagong impluwensya ng mga bagong Buddhist na paaralan tulad ng Tendai naimpluwensyahan ang malawak na oryentasyong pang-relihiyon ng mga visual visual na Hapon noong ika-8 at ika-9 na siglo. Noong ika-10 siglo, na nakita ang isang espesyal na pag-unlad sa Japanese Buddhism, ang uri ng raigodzu, "maligayang pagdating mga pintura", ay lumitaw, na naglalarawan ng pagdating ng Buddha sa Western Paradise. Ang mga unang halimbawa ng raigodzu na nagmula sa 1053 ay makikita sa Bedo-in Temple, na napapanatili sa Uji City, Kyoto Prefecture.

Ang pagpapalit ng mga istilo

Sa kalagitnaan ng panahon ng Heian, ang istilo ng kara-e ng China ay pinalitan ng genre ng yamato-e, na sa loob ng mahabang panahon ay naging isa sa pinakatanyag at hinahangad na mga genre ng pagpipinta ng Hapon. Ang bagong estilo ng pagpipinta ay pangunahing inilalapat sa pagpipinta ng mga natitiklop na screen at mga sliding door. Sa paglipas ng panahon, lumipat ang yamato-e sa pahalang na mga scroll sa emakimono. Sinubukan ng mga artista na nagtatrabaho sa genre ng emaki sa kanilang mga gawa ang lahat ng emosyonalidad ng napiling balangkas. Ang Genji Monogatari scroll ay binubuo ng maraming mga episode na pinagsama, ang mga artista ng oras gamit ang mabilis na mga stroke at maliwanag, nagpapahayag ng mga kulay.

Ang E-maki ay isa sa pinakaluma at kilalang mga halimbawa ng otoko-e, ang uri ng mga larawan ng mga kalalakihan. Ang mga larawan ng mga kababaihan ay singled bilang isang hiwalay na genre onna-e. Sa pagitan ng mga genres na ito, sa katunayan, tulad ng sa pagitan ng mga kalalakihan at kababaihan, may mga makabuluhang pagkakaiba. Ang istilo ng onna-e ay may kulay na ipinakita sa disenyo ng Tale of Genji, kung saan kasama sa pangunahing mga tema ng mga guhit ang mga romantikong plot, mga eksena mula sa buhay ng korte. Ang istilo ng lalaki ng otoko-e ay pangunahin ng isang masining na paglalarawan ng mga labanan sa kasaysayan at iba pang mahahalagang kaganapan sa buhay ng emperyo.

Ang klasikal na Paaralang sining ng Hapon ay naging isang mayamang lupa para sa pag-unlad at pagtaguyod ng mga ideya ng modernong sining ng Hapon, kung saan ang impluwensya ng pop culture at anime ay malinaw na nasubaybayan. Ang isa sa mga pinakatanyag na artista ng Hapon sa ating panahon ay maaaring tawaging Takashi Murakami, na ang trabaho ay nakatuon upang ilarawan ang mga eksena mula sa buhay ng Hapon sa panahon ng post-war at ang konsepto ng pag-maximize ng pagsasanib ng pinong sining at ang pangunahing.

Kasama sa mga sikat na Japanese artist ng klasikal na paaralan ang sumusunod.

Tense Shubun

Nagtrabaho si Shubun sa simula ng ika-15 siglo, na nakatuon ng maraming oras upang pag-aralan ang mga gawa ng mga panginoon ng Tsino ng Song dinastiya, ang taong ito ay nasa pinagmulan ng genre ng sining ng Hapon. Ang Shubun ay itinuturing na tagapagtatag ng istilo ng sumi-e, pagpipinta ng tinta ng monochrome. Gumagawa siya ng maraming pagsisikap upang maipadama ang bagong genre, na ginagawang isa sa mga nangungunang direksyon ng pagpipinta ng Hapon. Ang mga mag-aaral ni Shubun ay kasama ang marami na kalaunan ay naging mga sikat na artista, kasama si Sesshu at ang nagtatag ng sikat na paaralan ng sining na si Kano Masanobu. Maraming mga landscapes ay naiugnay sa may akda ng Syubun, ngunit ang kanyang pinakatanyag na gawain ay ayon sa kaugalian na itinuturing na Pagbasa sa isang Bamboo Grove.

Ogata Korin (1658-1716)

Si Ogata Korin ay isa sa mga pinakadakilang artista sa kasaysayan ng pagpipinta ng Hapon, ang nagtatag at isa sa pinakamaliwanag na kinatawan ng istilo ng arte ng balat. Sa kanyang mga gawa, buong tapang na lumayo si Korin sa mga tradisyunal na stereotypes, na bumubuo ng kanyang sariling istilo, ang pangunahing katangian na kung saan ay maliit na mga porma at matingkad na impresyon ng balangkas. Kilala si Corinne para sa kanyang partikular na kasanayan sa paglalarawan ng kalikasan at nagtatrabaho sa mga abstract na komposisyon ng kulay. Ang "Plum Blossom Red and White" ay isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Ogata Korin, ang kanyang mga pintura na "Chrysanthemums", "Waves of Matsushima" at isang bilang ng iba ay kilala rin.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Si Tohaku ay ang nagtatag ng paaralan ng sining ng Hapon na Hasegawa. Ang maagang panahon ng gawain ni Tohaku ay nailalarawan sa impluwensya ng sikat na paaralan ng Japanese painting Kano, ngunit sa paglipas ng panahon ay nabuo ng artist ang kanyang sariling natatanging istilo. Sa maraming mga paraan, ang gawain ni Tohaku ay naiimpluwensyahan ng mga gawa ng kinikilalang master na si Sesshu, itinuring ni Hosegawa na siya mismo ang ikalimang kahalili ng dakilang master na ito. Ang pagpipinta ni Hasegawa Tohaku na "The Pines" ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo; ang kanyang mga gawa na "Maple", "Mga Pinatuyong Halaman at Mga Pangmumulaklak" at iba pa ay kilala rin.

Kano Eitoku (1543-1590)

Ang istilo ng paaralan ng Kano ay nangibabaw sa visual arts sa Japan sa loob ng halos apat na siglo, at si Kano Eitoku ay marahil isa sa mga pinakatanyag at kilalang kinatawan ng art school na ito. Si Eitoku ay tinatrato nang mabait ng mga awtoridad, ang pagtangkilik ng mga aristokrata at mayayamang patron ay hindi maaaring mag-ambag sa pagpapalakas ng kanyang paaralan at ang katanyagan ng mga gawa nito, walang alinlangan, isang napaka talino na artista. Ang screen ng slid ng walong panel na may slide, na ipininta ni Eitoku Kano, ay isang tunay na obra maestra at isang matingkad na halimbawa ng saklaw at kapangyarihan ng istilo ng Monoyama. Ang iba pang mga gawa ng master, tulad ng "Mga Ibon at Puno ng Apat na Panahon", "Chinese Lions", "Hermits at Fairy" at marami pang iba, ay mukhang hindi gaanong kawili-wili.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Ang Hokusai ay ang pinakadakilang master ng ukiyo-e (Japanese woodcut) na genre. Ang gawain ni Hokusai ay nakatanggap ng pagkilala sa buong mundo, ang kanyang katanyagan sa ibang mga bansa ay hindi maihahambing sa katanyagan ng karamihan sa mga artista sa Asya, ang kanyang akdang "The Great Wave off Kanagawa" ay naging isang bagay ng isang pagbisita card ng mga pinong sining ng Hapon sa pinangyarihan ng sining ng mundo. Sa kanyang malikhaing landas, ginamit ni Hokusai ng higit sa tatlumpung mga sagisag, pagkatapos ng animnapu't ang artista ay nakatuon sa kanyang sarili sa sining at ito ang oras na ito na isinasaalang-alang ang pinaka mabunga na panahon ng kanyang trabaho. Naimpluwensyahan ng gawain ni Hokusai ang gawain ng mga masters ng Western Impressionist at Post-Impressionist, kabilang ang gawain ng Renoir, Monet at van Gogh.

Ang bawat bansa ay may sariling mga bayani ng kontemporaryong sining, na ang mga pangalan ay kilalang-kilalang, na ang mga eksibisyon ay nagtitipon ng maraming tao ng mga humanga at mausisa, at ang mga gawa ay nakakalat sa mga pribadong koleksyon.

Sa artikulong ito, ipakikilala namin sa iyo ang ilan sa mga pinakasikat na artista sa Japan.

Keiko Tanabe

Ipinanganak sa Kyoto, Keiko, bilang isang bata, nanalo ng maraming mga kumpetisyon sa sining, ngunit hindi siya nagtapos sa larangan ng sining. Nagtrabaho siya sa international relations department ng Japanese self-government trade organization sa Tokyo, isang malaking law firm sa San Francisco, at isang pribadong consulting firm sa San Diego, at malawak na naglakbay. Tumigil siya sa kanyang trabaho noong 2003 at, nang malaman ang mga pangunahing kaalaman sa pagpipinta ng watercolor sa San Diego, inilaan niya ang kanyang sarili nang eksklusibo sa sining.

Ikenaga Yasunari

Ang artist ng Japanese na si Ikenaga Yasunari ay nagpinta ng mga larawan ng mga kontemporaryong kababaihan sa sinaunang tradisyon ng pagpipinta ng Hapon, gamit ang brush ng Menso, mineral pigment, carbon black, tinta at linen bilang isang base. Ang kanyang mga character ay mga kababaihan sa ating panahon, ngunit salamat sa estilo ng Nihonga, ang isang tao ay nakakakuha ng pakiramdam na sila ay dumating sa amin mula pa noong una.

Abe Toshiyuki

Si Abe Toshiyuki ay isang tunay na artista na perpektong pinagkadalubhasaan ang pamamaraan ng watercolor. Si Abe ay maaaring tawaging isang artista-pilosopo: siya talaga ay hindi nagpinta ng mga kilalang landmark, mas pinipili ang mga subjective na komposisyon na sumasalamin sa mga panloob na estado ng taong nanonood sa kanila.

Hiroko Sakai

Ang karera ni Hiroko Sakai bilang isang artista ay nagsimula noong unang bahagi ng 90s sa Fukuoka. Matapos makapagtapos mula sa Seinan Gakuin University at Nihon French School of Interior Design sa Disenyo at Visualization, itinatag niya ang Atelier Yume-Tsumugi Ltd. at matagumpay na pinamamahalaan ang studio na ito ng 5 taon. Marami sa kanyang mga gawa ang pinalamutian ang mga lobbies ng mga ospital, tanggapan ng mga malalaking korporasyon at ilang mga munisipal na gusali sa Japan. Matapos lumipat sa USA, si Hiroko ay nagsimulang magpinta ng mga langis.

Riusuke Fukahori

Ang three-dimensional na gawain ni Riusuki Fukahori ay tulad ng holograms. Ginagawa ang mga ito gamit ang pintura ng acrylic, inilalapat sa ilang mga layer, at isang transparent na likido ng dagta - lahat ito, hindi kasama ang tradisyonal na pamamaraan tulad ng pagguhit ng mga anino, pinapalambot ang mga gilid, pagkontrol ng transparency, pinapayagan si Riusuki na lumikha ng mga eskultura na sculptural at nagbibigay ng lalim at pagiging totoo sa gawain.

Natsuki Otani

Si Natsuki Otani ay isang mahuhusay na ilustrador ng Hapon na nakatira at nagtatrabaho sa England.

Makoto Muramatsu

Pinili ni Makoto Muramatsu ang isang win-win na tema bilang batayan para sa kanyang sining - iginuhit niya ang mga pusa. Ang kanyang mga larawan ay popular sa buong mundo, lalo na sa anyo ng mga puzzle.

Tetsuya Mishima

Karamihan sa mga kuwadro na gawa ng kontemporaryong artist ng Hapon na si Mishima ay gawa sa mga langis. Siya ay propesyonal na nakatuon sa pagpipinta mula pa noong 90s, mayroon siyang ilang mga solo na eksibisyon at isang malaking bilang ng mga sama-samang eksibisyon, kapwa Japanese at dayuhan.

Kumusta mahal kong mga mambabasa - mga naghahanap ng kaalaman at katotohanan!

Ang mga artista ng Hapon ay nakikilala sa kanilang natatanging istilo, na pinarangalan ng mga henerasyon ng mga artista. Ngayon ay pag-uusapan natin ang tungkol sa mga pinakatanyag na kinatawan ng pagpipinta ng Hapon at ang kanilang mga kuwadro, mula sa sinaunang panahon hanggang sa modernong panahon.

Well, sumakay tayo sa sining ng Land of the Rising Sun.

Ang pinagmulan ng sining

Ang sinaunang sining ng pagpipinta ng Hapon ay pangunahing nauugnay sa mga kakaiba ng pagsulat at samakatuwid ay itinayo sa mga pundasyon ng kaligrapya. Kasama sa mga unang halimbawa ang mga fragment ng mga kampanang tanso, pinggan, at mga gamit sa sambahayan na natagpuan sa panahon ng paghuhukay. Marami sa kanila ay pininturahan ng mga natural na tina, at iminumungkahi ng pananaliksik na ang mga produkto ay ginawa nang mas maaga kaysa sa 300 BC.

Ang isang bagong pag-ikot sa pagbuo ng sining ay nagsimula sa pagdating sa Japan. Sa emakimono - mga espesyal na scroll na gawa sa papel - mga larawan ng mga diyos ng pantheon ng Budismo, inilalapat ang mga eksena mula sa buhay ng Guro at kanyang mga tagasunod.

Ang namamayani ng mga temang pangrelihiyon sa pagpipinta ay maaaring masubaybayan sa medyebal na Japan, ibig sabihin, mula ika-10 hanggang ika-15 siglo. Sa kasamaang palad, ang mga pangalan ng mga artista ng panahong iyon ay hindi nakaligtas hanggang ngayon.

Sa panahon ng ika-15 siglo, ang isang bagong panahon ay nagsisimula, na nailalarawan sa paglitaw ng mga artista na may nabuo na istilo ng indibidwal. Minarkahan nila ang vector para sa karagdagang pag-unlad ng pinong sining.

Malinaw na kinatawan ng nakaraan

Tense Shubun (unang bahagi ng ika-15 siglo)

Upang maging isang kilalang master, pinag-aralan ni Xiubun ang diskarte sa pagsulat ng mga artista ng Awit ng China at ang kanilang gawain. Kasunod nito, siya ay naging isa sa mga tagapagtatag ng pagpipinta sa Japan at tagalikha ng sumi-e.

Ang Sumi-e ay isang estilo ng sining batay sa pagpipinta ng tinta, na nangangahulugang isang kulay.

Marami ang ginawa ni Shubun upang matiyak na ang bagong istilo ay nag-ugat sa mga bilog ng sining.Ituro niya ang sining sa iba pang mga talento, kasama na ang hinaharap na mga sikat na pintor, tulad ng Sesshu.

Ang pinakapopular na pagpipinta ni Shubun ay tinatawag na Pagbasa sa Bamboo Grove.

"Pagbasa sa Bamboo Grove" ni Tense Shubun

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Siya ay naging tagapagtatag ng isang paaralan na pinangalanan sa kanyang sarili - Hasegawa. Sa una sinubukan niyang sundin ang mga canon ng Kano school, ngunit unti-unti ang kanyang indibidwal na "sulat-kamay" ay nagsimula na masubaybayan sa kanyang mga gawa. Si Tohaku ay ginagabayan ng mga graphic ni Sesshu.

Ang batayan ng mga gawa ay binubuo ng simple, laconic, ngunit makatotohanang mga lupang may mga hindi kumplikadong pangalan:

• "Pines";
• "Maple";
• "Mga Pino at Mga Pangmumulaklak na Halaman".

"Ang Pines", Hasegawa Tohaku

Mga kapatid na sina Ogata Korin (1658-1716) at Ogata Kenzan (1663-1743)

Ang mga kapatid ay mahusay na mga panday ng ika-18 siglo. Ang panganay - si Ogata Korin - buong-buo na nakatuon sa pagpipinta at itinatag ang genre ng rimp. Iniwasan niya ang mga larawan ng stereotypical, mas pinipili ang genre ng impressionista.

Ipininta ng Ogata Korin ang kalikasan sa pangkalahatan at mga bulaklak bilang ang ningning ng mga partikular na abstraction. Ang kanyang mga brushes ay kabilang sa mga kuwadro na gawa:

• "Plum pamumula ng pula at puti";
• "Mga Waves ng Matsushima";
• "Chrysanthemums".

"Mga Waves ng Matsushima" ni Ogata Korin

Ang nakababatang kapatid na lalaki na si Ogata Kenzan, ay maraming mga pseudonym. Kahit na siya ay nakikibahagi sa pagpipinta, mas sikat siya bilang isang kamangha-manghang keramista.

Si Ogata Kenzan ay bihasa sa maraming mga diskarte sa palayok. Siya ay nakilala sa pamamagitan ng isang hindi pamantayang pamamaraan, halimbawa, nilikha niya ang mga plato sa anyo ng isang parisukat.

Ang kanyang sariling pagpipinta ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng ningning - ito rin ang kanyang tampok. Gustung-gusto niyang mag-apply ng kaligrapya sa mga produkto tulad ng isang scroll o mga sipi mula sa tula. Minsan nagtutulungan sila sa kanilang kapatid.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Nagtrabaho siya sa istilo ng ukiyo-e - isang uri ng gawa sa kahoy, sa madaling salita, pag-ukit ng pagpipinta. Sa lahat ng oras ng pagkamalikhain, nagbago siya tungkol sa 30 mga pangalan. Ang pinakasikat na gawain - "The Great Wave off sa Kanagawa", salamat sa kung saan siya ay naging tanyag sa labas ng kanyang sariling bayan.

Ang Great Wave off Kanagawa ni Hokusai Katsushika

Nagsimulang magtrabaho si Hokusai lalo na pagkatapos ng 60 taon, na nagbunga ng magagandang resulta. Si Van Gogh, Monet, Renoir ay pamilyar sa kanyang gawain, at sa isang tiyak na lawak naimpluwensyahan nito ang mga gawa ng mga masters ng Europa.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Isa sa mga pinakadakilang artista noong ika-19 na siglo. Ipinanganak, nabuhay, nagtatrabaho sa Edo, nagpatuloy sa gawain ng Hokusai, ay inspirasyon ng kanyang mga gawa. Ang paraan ng paglarawan niya sa kalikasan ay halos kamangha-manghang bilang ang bilang ng kanilang mga sarili.

Ang Edo ay ang dating pangalan ng Tokyo.

Narito ang ilang mga figure tungkol sa kanyang trabaho, na kinakatawan ng isang ikot ng mga kuwadro na gawa:

• 5.5 libo - ang bilang ng lahat ng mga ukit;
• "100 Views ng Edo;
• "36 na pagtingin ng Fuji";
• "69 istasyon ng Kisokaido";
• "53 istasyon ng Tokaido".

Pagpipinta ni Ando Hiroshige

Ito ay kagiliw-giliw na ang natitirang Van Gogh ay nagsulat ng isang pares ng mga kopya ng kanyang mga kopya.

Ang pagiging moderno

Takashi Murakami

Pintura, iskultor, taga-disenyo ng fashion, nakakuha siya ng isang pangalan sa katapusan ng ika-20 siglo. Sa kanyang trabaho, sumunod siya sa mga uso sa fashion na may mga elemento ng mga klasiko, at nakakakuha ng inspirasyon mula sa mga cartoon at anime.

Pagpipinta ni Takashi Murakami

Ang mga gawa ni Takashi Murakami ay itinuturing na subkulturidad, ngunit sa parehong oras sila ay hindi mapaniniwalaan o kapani-paniwala. Halimbawa, noong 2008 ang isa sa kanyang mga gawa ay binili sa auction ng higit sa $ 15 milyon. Sa isang oras, ang tagalikha ng tagalikha ay nagtrabaho kasabay ng mga bahay ng fashion na sina Marc Jacobs at Louis Vuitton.

Tycho Asima

Ang isang kasamahan ng nakaraang artista, lumilikha siya ng mga modernong surreal na pintura. Inilalarawan nila ang mga tanawin ng mga lungsod, kalye ng mga megacities at nilalang na parang mula sa ibang uniberso - mga multo, masasamang espiritu, dayuhan na mga batang babae. Sa background ng mga kuwadro na gawa, madalas mong makita ang malinis, kung minsan kahit nakakatakot na likas na katangian.

Ang kanyang mga kuwadro ay umaabot sa malalaking sukat at bihirang limitado sa papel ng media. Inilipat sila sa katad, plastik na materyales.

Noong 2006, bilang bahagi ng isang eksibisyon sa kapital ng Britanya, isang babae ang lumikha ng mga 20 arched na istruktura na sumasalamin sa kagandahan ng kanayunan at lungsod, araw at gabi. Ang isa sa kanila ay pinalamutian ang istasyon ng metro.

Hoy Arakawa

Ang binata ay hindi matatawag na simpleng artista sa klasikal na kahulugan ng salita - lumilikha siya ng mga pag-install na napakapopular sa sining ng ika-21 siglo. Ang mga tema ng kanyang mga eksibisyon ay tunay na Hapon at hawakan ang mga mahigpit na relasyon, pati na rin ang trabaho ng buong koponan.

Si Hey Arakawa ay madalas na nakikilahok sa iba't ibang mga biennials, halimbawa, sa Venice, ay ipinakita sa museo ng modernong sining sa kanyang sariling bayan, at nararapat na tumatanggap ng iba't ibang mga parangal.

Ikenaga Yasunari

Ang modernong pintor na si Ikenaga Yasunari ay pinamamahalaang pagsamahin ang dalawang tila hindi katugma na mga bagay: ang buhay ng mga batang babae ngayon sa porma ng larawan at ang tradisyunal na mga diskarte ng Japan mula sa dating panahon. Sa kanyang trabaho, ang pintor ay gumagamit ng mga espesyal na brushes, natural na mga pigment na pintura, tinta, at karbon. Sa halip na ang karaniwang lino - tela ng lino.

Pagpipinta ni Ikenaga Yasunari

Ang pamamaraan na ito ng kaibahan sa panahon na inilalarawan at ang hitsura ng mga bayani ay lumilikha ng impresyon na sila ay bumalik sa amin mula sa nakaraan.

Ang isang serye ng mga kuwadro na gawa tungkol sa pagiging kumplikado ng buhay ng isang buwaya, na kamakailan ay naging popular sa komunidad ng Internet, ay nilikha din ng Japanese cartoonist na si Keigo.

Konklusyon

Kaya, ang pagpipinta ng Hapon ay nagsimula sa paligid ng ika-3 siglo BC, at maraming nagbago mula noon. Ang mga unang imahe ay inilalapat sa mga keramika, kung gayon ang mga motif ng Buddhist ay nagsimulang mangibabaw sa sining, ngunit ang mga pangalan ng mga may-akda ay hindi nakaligtas hanggang sa araw na ito.

Sa panahon ng modernong panahon, ang mga masters ng brush ay nakakakuha ng higit at higit na pagkatao, lumikha ng iba't ibang direksyon, mga paaralan. Ang pinong sining ngayon ay hindi limitado sa tradisyonal na pagpipinta - mga pag-install, karikatura, artistikong eskultura, at mga espesyal na istruktura ay ginagamit.

Maraming salamat sa iyong pansin, mahal na mambabasa! Inaasahan naming natagpuan mo ang aming artikulo na kapaki-pakinabang, at ang mga kwento tungkol sa buhay at gawa ng pinakamaliwanag na mga kinatawan ng sining ay pinapayagan kang makilala ang mga ito nang mas mahusay.

Siyempre, mahirap sabihin sa isang artikulo tungkol sa lahat ng mga artista mula sa una hanggang sa kasalukuyan. Samakatuwid, ito ang unang hakbang patungo sa kaalaman ng pagpipinta ng Hapon.

At sumali sa amin - mag-subscribe sa blog - pag-aralan natin ang Budismo at ang kultura ng Silangan!

Kung sa tingin mo na ang lahat ng mga magagaling na artista ay nasa nakaraan, hindi mo naisip kung gaano ka mali. Sa artikulong ito, malalaman mo ang tungkol sa pinaka sikat at mahuhusay na artista sa ating panahon. At, maniwala ka sa akin, ang kanilang mga gawa ay malulubog sa iyong memorya ng mas malalim kaysa sa mga gawa ng maestro mula sa mga nakaraang eras.

Wojciech Babski

Si Wojciech Babski ay isang kontemporaryong pintor ng Poland. Natapos niya ang kanyang pag-aaral sa Silesian Polytechnic Institute, ngunit nakakonekta ang kanyang sarili sa. Kamakailan lamang siya ay gumuhit ng pangunahin kababaihan. Nakatuon sa pagpapahayag ng mga damdamin, naghahangad na makuha ang pinakamalaking posibleng epekto sa pamamagitan ng mga simpleng paraan.

Gustung-gusto ang kulay, ngunit madalas na gumagamit ng mga lilim ng itim at kulay-abo para sa pinakamahusay na karanasan. Hindi natatakot mag-eksperimento sa iba't ibang mga bagong pamamaraan. Kamakailan lamang, ito ay nakakakuha ng higit pa at higit na katanyagan sa ibang bansa, higit sa lahat sa UK, kung saan matagumpay itong ibinebenta ang mga gawa nito, na matatagpuan na sa maraming pribadong koleksyon. Bilang karagdagan sa sining, interesado siya sa kosmolohiya at pilosopiya. Nakikinig sa jazz. Siya ay kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Katowice.

Warren chang

Si Warren Chang ay isang kontemporaryong Amerikanong artista. Ipinanganak noong 1957 at lumaki sa Monterey, California, nagtapos siya ng cum laude mula sa Art Center College of Design sa Pasadena noong 1981, kung saan nakakuha siya ng isang Bachelor of Fine Arts sa larangan. Sa susunod na dalawang dekada, nagtrabaho siya bilang isang ilustrador para sa iba't ibang mga kumpanya sa California at New York bago simulan ang isang karera bilang isang propesyonal na artista noong 2009.

Ang kanyang makatotohanang mga kuwadro ay maaaring nahahati sa dalawang pangunahing kategorya: biograpical interior paintings at paintings na naglalarawan sa mga nagtatrabaho. Ang kanyang interes sa estilo ng pagpipinta na ito ay naka-ugat sa gawa ng artista ng ika-16 na siglo na si Jan Vermeer, at umaabot sa mga bagay, mga larawan sa sarili, mga larawan ng mga kapamilya, kaibigan, mag-aaral, studio, silid-aralan at interyor sa bahay. Ang kanyang layunin ay upang lumikha ng kalooban at damdamin sa kanyang makatotohanang mga pintura sa pamamagitan ng pagmamanipula ng ilaw at paggamit ng mga naka-mute na kulay.

Naging sikat si Chang matapos lumipat sa tradisyonal na visual arts. Sa nagdaang 12 taon, nakakuha siya ng maraming mga parangal at parangal, ang pinakatanyag kung saan ay ang Master Signature mula sa Oil Painters Association of America, ang pinakamalaking komunidad ng mga pintor ng langis sa Estados Unidos. Isang tao lamang sa 50 ang pinarangalan ng pagkakataong matanggap ang award na ito. Si Warren ay kasalukuyang nakatira sa Monterey at nagtatrabaho sa kanyang studio at nagtuturo (kilala bilang isang may talento na tagapagturo) sa San Francisco Academy of Arts.

Aurelio bruni

Si Aurelio Bruni ay isang artista ng Italyano. Ipinanganak sa Blair, 15 Oktubre 1955. Nakatanggap ng isang degree sa disenyo ng entablado mula sa Institute of Art sa Spoleto. Bilang isang artista, nagtuturo siya sa sarili, nang nakapag-iisa siya na "nagtayo ng isang bahay ng kaalaman" sa pundasyong inilatag sa paaralan. Sinimulan niya ang pagpipinta sa mga langis sa edad na 19. Siya ay kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Umbria.

Ang maagang pagpipinta ni Bruni ay nakaugat sa surrealism, ngunit sa paglipas ng panahon ay nagsisimula siyang tumuon sa kalapitan ng lyrical romanticism at symbolism, pinapahusay ang kumbinasyon na ito sa pino na pagiging sopistikado at kadalisayan ng kanyang mga character. Ang mga animated at walang buhay na mga bagay ay nakakakuha ng pantay na dangal at mukhang halos hindi makatotohanang, ngunit, sa parehong oras, hindi nila itago sa likod ng isang kurtina, ngunit pinapayagan kang makita ang kakanyahan ng iyong kaluluwa. Ang kagandahang-asal at pagiging sopistikado, pagkamalikhain at kalungkutan, pag-iisip at pagiging mabunga ay ang diwa ni Aurelio Bruni, pinapakain ng karilagan ng sining at pagkakasundo ng musika.

Alekasander Balos

Si Alkasandr Balos ay isang kontemporaryong Polish artist na dalubhasa sa pagpipinta ng langis. Ipinanganak noong 1970 sa Gliwice, Poland, ngunit mula noong 1989 ay nanirahan at nagtrabaho sa Estados Unidos, sa Shasta, California.

Bilang isang bata, pinag-aralan niya ang sining sa ilalim ng gabay ng kanyang amang si Jan, isang self-taught artist at sculptor, kaya mula sa isang murang edad, ang mga aktibidad sa artistikong nakatanggap ng buong suporta mula sa parehong mga magulang. Noong 1989, sa edad na labing walong taon, iniwan ni Balos ang Poland para sa Estados Unidos, kung saan hinikayat ng kanyang guro sa paaralan at part-time na artist na si Katie Gaggliardi na si Alkasandra ay pumunta sa paaralan ng sining. Tumanggap si Balos ng isang buong iskolar mula sa Unibersidad ng Milwaukee Wisconsin, kung saan pinag-aralan niya ang pagpipinta sa propesor ng pilosopo na si Harry Rosin.

Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral noong 1995 at kumita ng kanyang bachelor's degree, inilipat ni Balos sa Chicago upang mag-aral sa School of Fine Arts, na ang mga pamamaraan ay batay sa gawain ni Jacques-Louis David. Ang makasagisag na realismo at larawan ay binubuo ng karamihan sa gawaing Balos noong 90s at unang bahagi ng 2000. Ngayon ginagamit ni Balos ang pigura ng tao upang i-highlight ang mga kakaiba at upang ipakita ang mga bahid ng tao, habang hindi nag-aalok ng anumang mga solusyon.

Ang mga balangkas ng balangkas ng kanyang mga kuwadro na gawa ay inilaan upang maging malayang isinalin ng manonood, pagkatapos lamang ang mga canvases ay makakakuha ng kanilang tunay na temporal at subjective na kahulugan. Noong 2005, ang artista ay lumipat sa Northern California, mula noon, ang saklaw ng kanyang trabaho ay lumawak nang malaki at kasama na ngayon ang mga freer painting na pamamaraan, kabilang ang abstraction at iba't ibang estilo ng multimedia na makakatulong sa pagpapahayag ng mga ideya at ideals ng pagiging sa pamamagitan ng pagpipinta.

Alyssa monghe

Si Alyssa Monks ay isang kontemporaryong Amerikanong artista. Ipinanganak siya noong 1977 sa Ridgewood, New Jersey. Nagsimula siyang mag-interes sa pagpipinta noong bata pa siya. Nag-aral siya sa New School sa New York at Montclair State University, at nagtapos mula sa Boston College noong 1999 na may degree ng bachelor. Kasabay nito, nag-aral siya ng pagpipinta sa Lorenzo Medici Academy sa Florence.

Pagkatapos ay ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral sa master's degree program sa New York Academy of Art, sa Department of Figurative Art, nagtapos noong 2001. Nagtapos siya sa Fullerton College noong 2006. Sa loob ng isang oras siya ay nag-aral sa mga unibersidad at institusyong pang-edukasyon sa buong bansa, nagturo ng pagpipinta sa New York Academy of Art, pati na rin sa Montclair State University at Lyme Academy of Arts College.

"Sa pamamagitan ng paggamit ng mga filter tulad ng baso, vinyl, tubig at singaw, pinapagulo ko ang katawan ng tao. Pinapayagan ka ng mga filter na ito na lumikha ng mga malalaking lugar ng disenyo ng abstract, na may mga isla ng kulay na nakikita sa pamamagitan ng mga ito - mga bahagi ng katawan ng tao.

Binago ng aking mga kuwadro ang modernong pananaw ng mga naitatag na, tradisyonal na mga poses at kilos ng mga babaeng naliligo. Marami silang masasabi sa isang matulungin na manonood tungkol sa mga tila bagay na maliwanag sa sarili tulad ng mga pakinabang ng paglangoy, sayawan, at iba pa. Ang aking mga character ay pinindot laban sa baso ng window stall ng shower, na gumagalaw sa kanilang sariling katawan, napagtanto na sa gayon ay naiimpluwensyahan nila ang kilalang lalaki na pagtingin sa isang hubad na babae. Ang mga makapal na layer ng pintura ay pinaghalo upang gayahin ang baso, singaw, tubig at laman mula sa malayo. Gayunpaman, malapit na, ang kamangha-manghang mga pisikal na katangian ng pintura ng langis ay naging maliwanag. Sa pamamagitan ng pag-eksperimento sa mga layer ng pintura at kulay, nahanap ko ang isang sandali kung saan ang mga abstract stroke ay naging iba pa.

Noong una kong sinimulan ang pagpipinta ng katawan ng tao, kaagad akong nabighani at nahuhumaling ako dito at naniniwala na kailangan kong gawing makatotohanang posible ang aking mga kuwadro. "Nag-aangkin" ako ng pagiging totoo hanggang sa nagsimula itong magbukas at magbunyag ng mga pagkakasalungatan sa sarili. Ngayon ginagalugin ko ang mga posibilidad at potensyal ng estilo ng pagpipinta, kung saan nakakatugon ang representasyon ng pagpipinta at abstraction - kung ang parehong mga estilo ay magkakasamang magkakasabay, gagawin ko. "

Antonio Finelli

Italyanong artista - " Oras na nagmamasid"- Ipinanganak si Antonio Finelli noong 23 Pebrero 1985. Siya ay kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Italya sa pagitan ng Roma at Campobasso. Ang kanyang mga gawa ay naipakita sa maraming mga gallery sa Italya at sa ibang bansa: Roma, Florence, Novara, Genoa, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, at maaari rin silang matagpuan sa mga pribado at pampublikong koleksyon.

Mga guhit ng lapis " Oras na nagmamasid"Pinapadala kami ni Antonio Finelli sa isang walang hanggang paglalakbay sa panloob na mundo ng pansamantalang tao at ang nauugnay na pagsusuri ng mundong ito, ang pangunahing elemento na kung saan ay ang pagpasa sa oras at ang mga bakas na ginagawa nito sa balat.

Nagpinta ang mga Finelli ng mga larawan ng mga taong may anumang edad, kasarian at nasyonalidad, na ang mga ekspresyon sa mukha ay nagpapatotoo sa pagpasa sa oras, umaasa din ang artist na makahanap ng katibayan ng kalupitan ng oras sa mga katawan ng kanyang mga character. Tinukoy ni Antonio ang kanyang mga gawa sa pamamagitan ng isang pangkalahatang pamagat: "Larawan sa sarili", dahil sa kanyang mga guhit ng lapis hindi lamang niya inilalarawan ang isang tao, ngunit pinapayagan ang manonood na pagnilayan ang tunay na mga resulta ng pagpasa ng oras sa loob ng isang tao.

Flaminia carloni

Si Flaminia Carloni ay isang 37 taong gulang na artista ng Italya, anak na babae ng isang diplomat. Mayroon siyang tatlong anak. Siya ay nanirahan sa Roma sa loob ng labing dalawang taon, sa Inglatera at Pransya sa loob ng tatlong taon. Nakatanggap ng isang degree sa kasaysayan ng sining mula sa BD School of Art. Pagkatapos ay nakatanggap siya ng diploma bilang isang tagapagpahiwatig ng mga gawa ng sining. Bago mahanap ang kanyang bokasyon at ganap na italaga ang sarili sa pagpipinta, nagtrabaho siya bilang isang mamamahayag, colorist, taga-disenyo, at artista.

Ang Flaminia ay nakabuo ng isang pagnanasa sa pagpipinta sa kanyang pagkabata. Ang kanyang pangunahing daluyan ay langis dahil mahal niya ang "coiffer la pate" at gumaganap din sa materyal. Nalaman niya ang isang katulad na pamamaraan sa mga gawa ng artist na si Pascal Torua. Ang Flaminia ay binigyang inspirasyon ng mga magagaling na pintor tulad ng Balthus, Hopper, at François Legrand, pati na rin ang iba't ibang mga kilusan ng artistikong: kalye ng kalye, realismo ng Tsina, surrealism at Renaissance realism. Ang kanyang paboritong artista ay Caravaggio. Ang kanyang pangarap ay upang matuklasan ang therapeutic na kapangyarihan ng sining.

Denis Chernov

Si Denis Chernov ay isang matalinong artista ng Ukrainiano, na ipinanganak noong 1978 sa Sambir, rehiyon ng Lviv, Ukraine. Matapos makapagtapos sa Kharkov Art School noong 1998, nanatili siya sa Kharkov, kung saan siya ay kasalukuyang nakatira at gumagana. Nag-aral din siya sa Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphics, nagtapos mula rito noong 2004.

Regular siyang nakikilahok sa mga eksibisyon ng sining, sa sandaling ito ay mayroong higit sa animnapu, kapwa sa Ukraine at sa ibang bansa. Karamihan sa mga gawa ni Denis Chernov ay pinananatili sa mga pribadong koleksyon sa Ukraine, Russia, Italy, England, Spain, Greece, France, USA, Canada at Japan. Ang ilan sa mga gawa ay ibinebenta sa Christie's.

Gumagawa si Denis sa isang malawak na hanay ng mga diskarte sa graphic at pagpipinta. Ang mga guhit ng lapis ay isa sa kanyang mga paboritong pamamaraan ng pagpipinta, ang listahan ng mga tema para sa kanyang mga guhit ng lapis ay magkakaibang din, nagsusulat siya ng mga tanawin, larawan, nudes, komposisyon ng genre, mga guhit ng libro, mga akdang pampanitikan at makasaysayang pagbuo at fantasies.