Chamber ng nakatutuwang genre play play miniature. Wolfgang Amadeus Mozart

Dinisenyo para sa pagganap sa isang maliit na silid ng isang maliit na grupo ng mga gumaganap.

Ang katagang "silid musika" ay unang nakatagpo noong 1555 sa N. Vi-chen-ti-no. Sa mga siglo XVI-XVII, "ka-mer-noy" na-zy-wa-li secular na musika (in-cal-ny, mula noong ika-17 siglo din sa-st-ru-men-tal- nyu), tunog-chav-shuyu sa mga kondisyon sa bahay-mash-sila at dalawa; noong ika-17 ng ika-18 siglo sa karamihan ng mga bansa sa patyo ng Eu-ro-py na mu-zy-kan-ty no-si-li ang pangalang "ka-mer-mu-zy-kan- mabuti "(sa Russia, ito ang pangalan ng kakanyahan-st-in-va-lo sa XVIII - unang bahagi ng XIX na siglo; sa Av-st-ry at Alemanya bilang isang karangalan mga pangalan para sa mga in-stru-men-ta-list na napapanatiling-no-els-no-no). Noong ika-18 siglo, ang musika sa silid ng zvu-cha-la sa ve-li-kosvetsky sa-lo-nakh sa isang makitid na bilog ng zn-to-kov at lu-bi-te-lei, mula sa simula ng ika-19 na siglo rai-va-mayroong mga pampublikong personal na silid-konsiyerto, sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo sila ay naging isang bahagi ng buhay na musikal sa Europa. Gamit ang ras-about-st-ra-no-no-public-private-concert ka-mer-ny-us-pol-no-te-la-mi ay nagsimulang tumawag propesyonal na mu-zy-kan-mabuti, na gumaganap sa mga konsyerto sa paggamit ng musika ng kalahating walang-silid. Us-to-chi-ty-py ka-mer-no-go an-samb-la: du-et, trio, quar-tete, quin-tete, sext-stet, sep-tete, ok-tete, ngunit -no, de-qi-meth. Sa-cal-ny en-sambl, sa komposisyon ng ko-to-ro-go ay pumapasok ito sa at-close-zi-tel-ngunit mula 10 hanggang 20 ay kalahating-ni-te-lei, bilang kanan-vi -lo, na-zy-va-sya ka-mer-nym chor; sa-st-ru-ment-tal-ny-sambl, volume-e-di-nyayu-shih higit sa 12 ay-pol-no-te-lei, - ka-mer-nym o-ke-st- rum (gran-ni-tsy sa pagitan ng-zh-du ka-mer-nym at maliit na sym-phonic o-ke-st-rum hindi-op-re-de-len-ny).

Ang pinakapaunlad na in-st-ru-ment-tal-naya porma ng musika sa silid ay isang paikot na co-na-ta (noong ika-17 na ika-18 siglo - isang trio-co-na-ta, salt co-na-ta nang walang co-pro-f-de-ny o kasama ang co-pro-f-de-no bass-na may con-ti-nuo; mga klasikong larawan -cy - sa A. Ko-rel-li, I.S.Ba-ha). Sa ika-2 kalahati ng ika-18 siglo, si J. Haydn, K. Dit-ters-dor-fa, L. Bok-ke-ri-ni, V.A.Mo-tsar-ta sfor-mi-ro-va - mayroong mga genre ng klasikong co-na-ty (sol-noy at an-samb-le-voy), trio, quart-te-ta, quin-te-ta (one-no-time-no kasama ang ti-pi-za-qi-her at pol-ni-tel-s-sts), us-ta-no-saw-las op-re-de-len-naya ha-rak-te-rum mula-lo-ze-siya ka-zh-doy party at marahil-nos-mi inst-st-ru-men-ta, para sa ko-ro-go siya ay pre-na-zn-che-na (bago-let-go-ka-los gamitin-buong-ness ng isa at ang parehong co-chi-no-nia naiiba so-daang-va-mi inst-st-ru-men-mabuti). Para sa in-st-ru-ment-tal-no-go en-samb-la (bow-to-go quar-te-ta) sa ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo kaya-chi-nya-li L. van Beth-ho-ven, F. Shu-bert, F. Men-del-son, R. Shu-man at maraming iba pang com-zi-to-ry. Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ikaw-oo-yu-si-cs ng musika ng silid ay nilikha ng I. Brahms, E. Grieg, S. Frank, B. Sme-ta-na, A. Dvor-Jacques, noong siglo XX - K. De-bus-si, M. Ra-vel, P. Hin-de-mit, L. Janacek-, B. Bar-tok, atbp.

Sa Russia, ang kamernoe mu-zi-tsi-ro-va-ras-pro-stra-ni-el ay mula pa noong 1770s; unang in-st-ru-men-tal-nye en-samb-li na-pi-sal DS Bort-nyan-langit. Karagdagang pag-unlad ng musika sa silid ni A.A.Alyab-e-va, M.I.Glin-ki at dos-tig-la vy-so-chai-she -Mga antas ng sining sa malikhaing akda ng P.I. Chaikov-go at A.P. Bo-ro-di-na. Mahusay na pansin sa ude-la-li ka-mer-no-mu an-samb-lyu S.I. Ta-ne-ev, A.K. Gla-zun-nov, S.V. Rakh -man-ni-nov, N. Ya. Myas-kov-langit, D. D. Shos-ta-kovich, S. S. Pro-kof-ev. Sa proseso ng pag-unlad ng kasaysayan, ang estilo ng musika ng silid ay nagbago nang malaki, na lumapit sa sim-phoni-che-skim vir-tu-oz-no-concert-nym (sim-pho-ni-zation ng quar-te-mabuti sa Bet-ho-ve-na, Chay-kov-sko-go, quar-te-tov at quin-te-tov - sa Shu-man-na at Brahm-sa, mga tampok ng konsiyerto sa co-na-takh para sa biyolin at piano: Hindi. 9 "Krey-tse-ro kung paano "Bet-ho-ve-na, so-na-te Fran-ka, No. 3 Brahmsa, Hindi. 3 Gri-ha).

Sa kabilang banda, sa siglo ng XX, ang malawak na ro-ilang mga karera-pro-bansa-hindi-ni-get-chi-li sim-phonies at mga konsyerto para sa hindi-big-sho th-th-l-th-st-va in-st-ru-men-mabuti, na naging iba-ibang uri-ngunit-estilo-mi ka-mer-zh-dv: ka-mer-naya sim -phony (halimbawa, ang ika-14 symphony ng Shos-ta-ko-vi-cha), "musika para sa ..." (Music for strings, beat- at che-les-sts Bar-to-ka), konsiyerto-ti-ngunit, atbp. Ang isang espesyal na uri ng musika ng silid ay nasa-st-ru-ment-tal-ny-nia-ty-ry ( sa mga XIX-XX na siglo, hindi sila bihirang-sa-e-di-nya-Xia sa mga siklo). Kabilang sa mga ito ay: piano "mga kanta na walang mga salitang" Men-del-so-na, pies-si Shu-ma-na, wal-si, nok-tür-nes, pre-people at etu-dy F. Sho-p-na, ka-dimensional na mga kumbinasyon ng piano ng isang maliit na form A. N. Skrya-bin, Rakh-ma-ni-no-va, N. K Ang Met-no-ra, mga piraso ng piano ng Chai-kov-go, Pro-kape-e-va, maraming mga piraso para sa iba't ibang mga inst-ru-men ng domestic at foreign com-zi-to-kanal.

Mula noong pagtatapos ng ika-18 siglo, at lalo na sa ika-19 na siglo, isang kilalang lugar para sa musika ng silid ng za-nya-la at vo-kal-naya (mga genre ng kanta at ro-man-sa). Ipinakilala ng Kom-po-zi-to-ry-ro-man-ti-ki ang uri ng in-cal-noi min-nia-ty-ry, pati na rin ang mga pe-sen-ny cycle ("Pre- pulang stranded-ni-chi-ha "at" paraan ng taglamig "ni F. Shu-ber-ta," Pag-ibig sa loob nito "ni R. Shu-man, at iba pa). Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang I. Brahms ay nakatuon ng maraming pansin sa musika ng silid, sa malikhaing gawa ng X. Wol-fa ka-mery vo-kal -ny genres para-nya-kung ang-pamumulaklak sa-lo-zenie. Ang Shi-ro-ilang pag-unlad ng genre ng kanta-ni at ro-man-sa po-lu-chi-li sa Russia, masining na taas ng M.I. Glin-ka, P.I. Chaikovsky, A.P. Bo-ro-din, M.P. Mu-sorg -sky, N. A. Rim -sky-Kor-sa-kov, S V. Rakh-man-ni-nov, S. S. Pro-kof-ev, D. D. Shos-ta-kovich, G. V. Svir-dov.

Sa pagsisimula ng ika-17 siglo, ang Vienna ay naging isa sa mga pinakamalaking sentro ng musikal sa Europa. Ang pakikipag-ugnay sa Italyano, Czech, Polish, Aleman, at pagkatapos ay nagbigay ng isang espesyal na lasa ang mga kultura ng Russia sa musika ng Austrian at gumaganap ng bow art. Ang paglitaw ng Vienna Classical School sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo ay naging pangunahin sa kalakaran sa sining ng Europa sa pangkalahatan. Ang mga katutubong tradisyon ay nakatanggap ng sapat na saklaw para sa kanilang pag-unlad. Ang globo ng musika ay isang pagganap ng teatro na may musika at mga sayaw, mga prusisyon - mga karnabal, serenades sa mga kalye, magagandang palabas sa korte sa mga parisukat at sinehan. Ang mga opera sa paaralan ay nakakakuha ng napakalaking katanyagan, mga monasteryo at katedral na nakikipagkumpitensya sa pagtatanghal ng mga misteryo at mga operasyong pang-relihiyon. Ang nasabing kamangha-mangha, malawak na pamamahagi ng musika sa iba't ibang strata ng lipunan ay hindi nakatanggap ng isang pag-unlad sa anumang ibang bansa.

Sa mga stringed na instrumento, ang violin at viola ang pinakapopular. Ang pinakaunang mga sentro ng edukasyon sa propesyonal na musika sa Austria ay mga unibersidad, mga kapilya ng korte at simbahan. Ang isa sa mga pinakamahusay na kapilya sa Europa ay ang Habsburg Court Chapel sa Vienna (ang musikang Italyano na si Antonio Salieri ay isa sa mga pinuno ng kapilya na ito). Ang mga chapels ay lumitaw din sa ibang mga lungsod. Ang mga pangalan ng Leopold at Wolfgang Amadeus Mozart ay nauugnay sa Salzburg Chapel.

Ang mga pangunahing genre sa musika ng Austrian instrumental noong ika-17 siglo ay ang instrumental na suite, concerto grosso, ang genre ng trio sonata.

Johann Heinrich Schmelzer (1623 - 1680) - Austrian violinist at kompositor. Ang kanyang pangalan ay nauugnay sa paglitaw ng isang bagong uri ng violinist - solo virtuoso. Isa siya sa unang nagpaunlad ng tradisyong Italyano ng trio sonata sa Austria. Ang pinakahalagang gawa ni Schmelzer ay isang koleksyon ng anim na sonatas, kung saan gumagamit siya ng dobleng tala at kumplikadong pamamaraan ng polyphonic.

Heinrich Bieber (1644 - 1704) - Austinyanong biyolinista at kompositor, mag-aaral at tagasunod ng Schmelzer. Ang pinakadakilang master ng sining ng violin noong ika-17 siglo. Kabilang sa maraming mga gawa, ang pinakamahalaga ay isang ikot ng 15 violin sonatas (kabilang ang mga programa), kung saan ginagamit ang scordatura, dobleng tala at iba pang mga diskarte ng virtuoso violin technique. Ang Bieber ay nagbibigay ng pugay sa mga onomatopoeic effects na gayahin ang pag-awit ng isang nightingale, cuckoo, manok, pugo, pati na rin ang pag-iyak ng isang palaka, manok, at pusa. Ang Passacaglia para sa Solo Violin ay isang encyclopedia ng pamamaraan ng biyolin mula ika-17 siglo.

Karl Dittersdorf (1739 - 1799)- isa sa mga natitirang Austrian violinists at kompositor ng ika-18 siglo. Ang antas ng kanyang pagganap sa sining ay hindi pangkaraniwang mataas. Lumikha siya ng labing-apat na violin concertos, labindalawang divertissement para sa dalawang mga violin at cello, maraming symphony, silid at musika ng opera. Kasama ni J. Haydn, siya ang naging tagalikha ng klasikal na quartet genre na may solo violin.

Ang kulturang musikal ng Vienna ay lumikha ng mga paunang kinakailangan para sa paglitaw ng klasikal na istilo sa mga gawa nina J. Haydn at W. A. \u200b\u200bMozart.

Joseph Haydn (1732 - 1809) - isa sa mga kompositor na kung saan ang trabaho ay tunog ng biyolin sa isang bagong paraan. Ang violin ay isa sa mga paboritong instrumento ni Haydn. Sinulat ni Haydn ang musika sa isang iba't ibang mga genre at form, ngunit ang pangunahing kahalagahan ni Haydn ay namamalagi sa pagbuo ng instrumental na musika (symphonic at kamara). Siya ay nagmamay-ari ng isang malaking bilang ng mga gawa, kasama ang siyam na violin concertos (apat na nakaligtas), labindalawang violin sonatas, anim na duets para sa violin at viola, higit sa walumpung string quartet, trios, divertissement at iba pang mga gawa sa silid. Sa kanyang symphonies, ang nangungunang papel ay nilalaro ng mga unang violin, na ipinagkatiwala sa halos lahat ng pampakay na materyal.

Ang kanyang maagang sonatas, quartet at mga konsyerto ay mga kapansin-pansin na halimbawa ng estilo at pamamaraan ng galantya. Ang mga elemento ng Rococo ay malinaw na naipakita sa mga minuets ni Haydn, na maaari ring mapansin sa Mozart.

Quartet.Si Haydn ay gumanap ng parehong papel sa genre ng quartet music tulad ng sa symphonic music, iyon ay, siya ay isa sa mga tagapagtatag ng ganitong genre. Si Haydn ay sumulat ng mga quartet sa buong kanyang karera, ngunit ang pinakamaganda sa kanila ay nag-date pabalik sa 80s at 90s.

Ang mga quartet ni Haydn ay lumaki sa paggawa ng musika sa bahay, kung saan ang paglalaro ng quartet ay napaka-pangkaraniwan. Gayunpaman, salamat sa lalim at ningning ng nilalaman ng musikal, pati na rin ang pagiging perpekto ng form, ang mga quartet ni Haydn ay lumampas sa makitid na mga hangganan ng buhay ng musikal sa bahay, at gumaganap ng isang mahalagang papel sa buhay ng konsiyerto.

Wala na silang mga panlabas na adornment ng tinatawag na istilo na "galante", pandekorasyon na kamangha-manghang musika ng salon. Pinagsasama nila ang pagiging simple ng mga katutubong sayaw at katutubong awit ng awit na may isang kapansin-pansin na kasanayan ng contrapuntal plexus ng mga tinig at pagpipino ng form. Ang nakasisilaw na kasiyahan, sigasig at katutubong katatawanan ng maraming quartet ay nagpukaw ng kahit na isang negatibong saloobin mula sa mga konserbatibong kritiko, na nakakita sa mga quartet ni Haydn "isang insulto sa

musika "," pagpapasensya sa sarili ". Ngunit hindi lamang masiglang sigasig ang katangian ng musika ng silid ni Haydn. Sa kanyang mga quartet, naiiba ang mga gradations ng mga pakiramdam at damdamin - mula sa magaan na lyrics hanggang sa pagdadalamhati, kahit na ang mga trahedyang emosyon.

Sa quartets, ang pagiging makabago ni Haydn ay kung minsan ay mas matapang kaysa sa mga symphonies. Sa kabila ng nangungunang kahalagahan ng unang biyolin bilang itaas na tinig, ang lahat ng apat na mga instrumento ay gumaganap ng isang halip independiyenteng papel sa pangkalahatang texture ng ensemble. Sa isang bilang ng mga gawa, sa panahon ng pangalawang pagpapatupad ng mga paksa at kanilang pag-unlad, ipinakilala ang lahat ng apat na mga instrumento, na gumaganap ng isang halip aktibong papel. Binibigyan nito ang textura ng quartet ng isang tiyak na polyphonicity sa isang batayang homophonic-harmonic, na ginagawang mobile mobile tela ng musikal. Sa kanyang quartets, kusang-loob din na gumagamit si Haydn ng mga espesyal na polyphonic form. Kaya, ang finals ng quartet ay minsan mga fugues. Ito ay malawak na pinaniniwalaan na ang Beethoven ay ang unang nagpakilala sa pakikibaka sa quartet genre sa kanyang huling opusyo. Ngunit, tila, ginawa ni Haydn bago ang Beethoven!

Sa ilan sa kanyang mga quartet, ang mga gitnang bahagi ay naayos muli, iyon ay, ang minuet ang pangalawa (at hindi ang ikatlong bahagi, tulad ng kaugalian), at ang mabagal na bahagi ay nasa ikatlong lugar, bago ang katapusan. Ang muling pagsasaayos ng mga gitnang bahagi ay dahil sa likas na katangian ng mga bahagi ng pagtatapos ng ikot at mga pagsasaalang-alang sa disenyo na nauugnay sa prinsipyo ng kaibahan na pinagbabatayan ng form ng siklo. Sa genre ng isang symphony, ang muling pagkakagawa ng dalawang gitnang bahagi ay unang gumanap sa Siyam na Symphony ng Beethoven.

Bilang karagdagan, sa mga "Russian" quartet (ang mga quartet na ito ay nakatuon sa Russian Grand Duke Paul, pagkatapos ang tagapagmana sa trono) noong 1781 na si Haydn sa halip na minuet ay nagpapakilala sa scherzo at scherzando, na sa ilan sa mga ito ay ang pangalawang bahagi ng ikot. Ang pangkalahatang tinanggap na opinyon na ipinakilala ni Beethoven ang scherzo sa halip na minuet sa unang pagkakataon sa sonata-symphonic cycle ay totoo lamang na may kaugnayan sa symphonies at sonatas, ngunit hindi sa mga quartet.

Ang maraming quartet, trio at iba pang mga ensembles ni Haydn ay kumakatawan sa isang makabuluhan, mahalaga at mahalagang artistikong bahagi ng klasikal na pamana sa larangan ng musikang kamara.

Sa akda ni Haydn, nagaganap ang pagbuo ng klasikal na violin sonata at violin concerto.

Si Haydn ay pinamamahalaang upang synthesize ang mga propesyonal at katutubong tradisyon, ipinakilala ang mga intonasyon at ritmo sa kanyang musika.

Ang pagiging isa sa mga pinakadakilang kinatawan ng klasikal na paaralan ng Viennese, malawak na ginamit ni Haydn sa kanyang musika at organiko na binago ang katutubong folklore ng Austrian sa lahat ng kapunuan at pagkakaiba-iba nito, sa isang kumbinasyon ng iba't ibang mga pambansang elemento: South German, Hungarian, Slavic. Kabilang sa mga katutubong tema ng pinagmulan ng Slavic, ginamit ni Haydn ang malawak na mga tema ng katutubong katutubong Kroasia. Kadalasan lumingon siya sa totoong katutubong melodies, ngunit mas madalas na nilikha niya ang kanyang sariling mga melodies sa diwa ng mga katutubong awit at sayaw.

Ang katutubong alamat ng Austriano ay napakalalim na pumasok sa gawain ni Haydn na ito ay naging kanyang "pangalawang kalikasan." Maraming mga melodies na binubuo ng ating sarili

Si Haydn, naging sikat at umaawit kahit sa mga hindi nakakaalam ng pangalan ng kanilang tagalikha.

Sa instrumento ng musika ni Haydn (solo, kamara at symphonic), ang sonata-symphonic cycle ay nakatanggap ng isang kumpleto at perpektong klasikal na embodiment. Ang lahat ng apat na bahagi ng trabaho, pagsasama sa isang solong konsepto ng artistikong, nagpapahayag ng iba't ibang mga aspeto ng buhay. Karaniwan ang unang kilusan (sonata allegro) ay ang pinaka-dramatiko, mapilit; ang pangalawang bahagi (mabagal) ay madalas na ang globo ng mga lyrical na damdamin, kalmado na pagninilay; ang ikatlong kilusan (minuet) ay nagdadala sa kapaligiran ng sayaw at nag-uugnay sa ikot ng sonata-symphonic na may sayaw na suite ng ika-17 na ika-18 siglo; ang ikaapat na bahagi (pangwakas) ay naglalaman ng genre at pang-araw-araw na buhay at lalo na malapit sa katutubong awit at musikang sayaw. Ang musika ng mga gawa ni Haydn sa pangkalahatan (na may ilang mga pagbubukod) ay isang uri at pang-araw-araw na karakter, hindi lamang ang musika ng pangatlo at ikaapat na bahagi ng siklo, kundi pati na rin ang unang dalawa, ay napapuno ng sayaw at pagkakasulat. Ngunit sa parehong oras, ang bawat bahagi ay may pangunahing nangungunang dramatikong paggana at nakikilahok sa unti-unting pag-unlad, pagsisiwalat ng ideya ng buong gawain.

W.A. Mozart (1756 - 1791) ipinanganak sa pamilya ng sikat na musikero, violinist at kompositor na si Leopold Mozart. Ang talento ng musikal ng Mozart ay nagpakita ng sarili sa murang edad, nang siya ay mga tatlong taong gulang. Ang kanyang ama na si Leopold ay isa sa mga nangungunang tagapagturo ng musika sa Europa. Ang kanyang aklat na "Ang Karanasan ng isang Solid na Violin School" ay nai-publish noong 1756, ang taon ng kapanganakan ni Mozart, ay dumaan sa maraming mga edisyon at isinalin sa maraming wika, kasama ang Russian. Itinuro ng ama ni Wolfgang ang mga pangunahing kaalaman sa paglalaro ng harpsichord, violin at organ.

Ang unang impormasyon tungkol sa paglalaro ng Mozart sa biyolin ay nakakabalik sa edad na 4. Gumagana ang unang biyolin - 16 sonatas para sa byolin at clavier. Lumikha siya ng 6-7 na konsiyerto para sa biyolin, isang konsiyerto symphony para sa biyolin at viola, isang konsyerto para sa dalawang biyolin, dalawang konsiyerto na rondos, Adagio at Andante, 35 violin sonatas, dalawang duos para sa biyolin at viola, isang duet para sa dalawang mga violin, trios, quartets, divertissement at iba pang kamara ay gumagana.

Ang pagiging tunay ng konsiyerto ng Es-dur ay nagdududa pa. Ang huling solo na violin concert ay ang D-dur concert, na kilala bilang number 7. Nilikha niya ito para sa kaarawan ng kanyang kapatid at isinagawa ito sa kauna-unahang pagkakataon. Ito ang isa sa huling pagpapakita ng publiko sa Mozart bilang isang violinist. Hindi pangkaraniwan ang kasaysayan ng konsiyerto. Sa loob ng halos 130 taon, ang gawaing ito ay nanatiling hindi kilala. Noong 1835, isang kopya ng autographed ay ginawa para kay Bayo. Nawala ang orihinal, at tanging sa Berlin Library ay isa pang nahanap na kopya. Ang parehong mga kopya ay halos magkapareho, ang konsiyerto ay nai-publish at unang gumanap noong 1907 ng maraming performers.

Ang isang natatanging tampok ng gawa ni Mozart ay isang kamangha-manghang kumbinasyon ng mahigpit, malinaw na mga porma na may malalim na emosyonalidad. Ang pagiging natatangi ng kanyang akda ay nakasalalay sa katotohanan na hindi lamang siya sumulat sa lahat ng mga porma at genre na umiiral sa kanyang panahon, ngunit iniwan din ang mga gawa ng walang katapusang halaga sa bawat isa sa kanila. Ang musika ng Mozart ay inihayag ang maraming mga koneksyon sa iba't ibang mga pambansang kultura (lalo na ang Italyano), gayunpaman, kabilang ito sa pambansang lupa ng Viennese at nagdala ng selyo ng malikhaing pagkatao ng mahusay na tagagawa.

Ang Mozart ay isa sa mga pinakadakilang melodista. Pinagsasama ng melody nito ang mga tampok ng mga kanta ng Austrian at German folk na may melodiousness ng Italian cantilena. Sa kabila ng katotohanan na ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng mga tula at banayad na biyaya, madalas silang naglalaman ng mga melodies ng isang matapang na kalikasan, na may mahusay na dramatikong mga path at mga magkakaibang mga elemento.

Ang kahalagahan ng gawaing biyolin ng W.A.Mozart ay hindi maigpasan. Naimpluwensyahan nito ang mga kompositor hindi lamang ng paaralan ng Vienna, kundi pati na rin sa ibang mga bansa. Ang kanyang mga gawa ay nagsisilbing halimbawa ng pagpapakahulugan ng violin, isang halimbawa ng paggamit ng mga kakayahan sa pagpapahayag nito. Mula sa Mozart ay nagmula ang linya ng symphonization ng violin concerto, ang mabait na artistikong paggamit ng violin bilang isang instrumento ng konsiyerto.

Sa larangan ng instrumental na musika sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, si Mozart, na ginamit at nagbubuod ng pinakamahusay na mga nagawa hindi lamang ang mga Mannheim at Viennese masters ng mas nakatatandang henerasyon, kundi pati na rin ang karanasan ng malikhaing Haydn, naabot ang pinakamataas na taluktok. Ang parehong mahusay na kompositor ay nabibilang sa iba't ibang henerasyon, at natural na si Mozart, sa proseso ng pagbuo ng kanyang mga kasanayan, pinag-aralan mula sa mga gawa ng Haydn, na lubos niyang pinahahalagahan. Ngunit ang malikhaing ebolusyon ng Mozart ay naging mas mabilis kaysa sa ebolusyon ng Haydn, na ang pinakamahusay na mga gawa (London symphonies, ang huling quartets, oratorios) ay isinulat pagkatapos ng kamatayan ni Mozart. Gayunpaman, ang huling tatlong symphony ni Mozart (1788), pati na rin ang ilan sa kanyang mga naunang symphony at gawa ng kamara, ay kumakatawan sa isang mas makasaysayang yugto ng instrumentalismong Europeo kaysa sa mga huling likha ni Haydn.

Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) Ang susunod na pinakamahalagang yugto sa stylistic evolution ng silid-instrumental na ensemble ng mga oras ng Enlightenment ay nauugnay sa gawain ng Ludwig van Beethoven. Noong 1787, habang nasa Vienna, binisita niya ang Mozart at ginawa siyang humanga sa kanyang sining. Matapos ang kanyang pangwakas na paglipat sa Vienna, napabuti si Beethoven bilang isang kompositor kasama si I. Haydn. Ang mga konsiyerto ng batang Beethoven sa Vienna, Prague, Berlin, Dresden at Buda ay isang malaking tagumpay. Ang Beethoven ay nakakakuha ng malawak na pagkilala bilang isang tagapalabas at kompositor. Sa pagsisimula ng ika-18 siglo, siya ang may-akda ng maraming mga gawa para sa piano at iba't ibang mga kasangkapang instrumento ng silid.

Kinatawan ng Paaralang Klasikal ng Vienna. Ang kompositor ay sumulat sa lahat ng mga genre na umiiral sa kanyang oras, kasama na ang opera, ballet, musika para sa mga dramatikong performances, komposisyon ng koral. Ngunit ang pinakamahalaga sa kanyang pamana ay mga instrumento na gawa: piano, violin at cello sonatas, concertos para sa piano, violin, quartets, abot, symphonies

Si L. Beethoven, na sumusunod kay Haydn at Mozart, ay bumuo ng mga porma ng klasikal na musika, sa pagpapakahulugan ng pangunahing at pangalawang bahagi ay inilahad niya ang prinsipyo ng kaibahan bilang isang pagpapahayag ng pagkakaisa ng mga magkontra. Pag-aari ng Beethoven na byolin at viola. Isa sa pinakaunang mga komposisyon - mga pagkakaiba-iba ng violin sa temang "The Marriage of Figaro", nocturne para sa viola at piano. Ang konsyerto para sa byolin at orkestra ni L. Beethoven ay ang pinnacle ng violin concert sa kulturang musikal ng mundo. Para sa mga string at busog, lumikha si Beethoven ng isang triple concerto para sa biyolin, cello at piano na may orkestra, dalawang romansa para sa biyolin, sampung violin sonatas (ika-5 - "Spring", ika-9 - "Kreutzerov"), limang sonatas para sa cello at piano. mga pagkakaiba-iba para sa cello at piano (sa mga tema nina Handel at Mozart), labing-anim na quartet, isang koleksyon ng mga trio para sa violin, cello at piano. Hindi maaalala ng isang tao ang musikang symphonic ni L. Beethoven: siyam na symphonies, symphonic na umabot sa "Coriolanus" at "Egmont", na mahigpit na naipasok ang repertoire ng orchestral music.

Ang nakatulong at higit sa lahat, ang symphonic na gawain ng Ludwig van Beethoven ay may binibigkas na programmatic character. Ang pangunahing nilalaman ng bayani ng Beethoven ay maaaring ipahiwatig sa mga salita: "Sa pamamagitan ng pakikibaka hanggang sa tagumpay." Ang dialectical na pakikibaka sa pagitan ng mga salungatan sa buhay ay natagpuan sa Beethoven isang maliwanag na masining

embodiment, lalo na sa mga gawa ng form ng sonata - symphonies, abot, sonatas, quartets, atbp. Malawakang binuo ng Ludwig van Beethoven ang prinsipyo ng sonata, batay sa pagsalungat at pagbuo ng mga magkakaibang mga tema, pati na rin ang magkakasalungat na elemento sa loob ng mga indibidwal na tema. Kung ikukumpara sa mga gawa ng agarang mga nauna ng Beethoven sa awtomatikong paaralan ng Viennese - ang W.A.Mozart at J. Haydn - ang mga symphony at sonet ni Beethoven para sa kanilang malaking sukat ng konstruksyon, ang pangunahing materyal ng pampakay ay sumasailalim sa masidhing pinalawak na pag-unlad, ang koneksyon sa pagitan ng mga seksyon ng form ay lumalalim, ang mga kontradiksyon sa pagitan ng mga nagkakaibang mga yugto ay nagiging mas matindi. , mga tema. Ang Beethoven ay nagpatuloy mula sa orkestra ng orkestra na inaprubahan ni Haydn, at bahagyang pinalawak ito, ngunit sa parehong oras nakamit niya ang napakalaking kapangyarihan ng orkestra ng tunog, maliwanag na mga kaibahan. Binago ni Ludwig van Beethoven ang lumang minuet, na kung saan ay isang bahagi ng symphony at sonatas, sa isang scherzo, binibigyan ang "joke" na ito ng isang malawak na nagpapahayag na saklaw - mula sa malakas na sparkling fun (sa ika-3 symphony) sa pagpapahayag ng pagkabalisa at pagkabalisa (sa ika-5 symphony). Ang isang espesyal na tungkulin ay itinalaga sa finals sa symphonies at code (konklusyon) sa mga abot, symphony at sonatas; nilalayong ipahayag nila ang matagumpay na damdamin.

Ang gawain ni Beethoven ay isa sa mga taluktok sa kasaysayan ng sining ng mundo. Ang lahat ng kanyang buhay at trabaho ay nagsasalita tungkol sa pagkataong titanic ng tagabubuo, na pinagsama ang isang talino sa musika na may talino sa isang walang kabuluhan, mapaghimagsik na pag-uugali, na pinagkalooban ng isang walang katiyakang kalooban at ang kakayahang napakalawak na panloob na konsentrasyon. Ang mataas na ideolohiya, batay sa kamalayan ng tungkulin ng publiko, ay ang tanda ng Beethoven bilang isang musikero ng mamamayan. Isang kontemporaryo ng Rebolusyong Pranses, si Beethoven ay sumasalamin sa kanyang trabaho ang mahusay na tanyag na mga paggalaw sa panahong ito, ang pinaka-progresibong mga ideya. Natukoy ng rebolusyonaryong panahon ang nilalaman at makabagong direksyon ng musika ni Beethoven. Ang rebolusyonaryong kabayanihan ay naipakita sa isa sa mga pangunahing artistikong imahe ng Beethoven - isang nagpupumiglas, naghihirap at sa huli ay nagtagumpay na kabayanihan na pagkatao.

Ang isang tunay na nagbabago, isang matibay na manlalaban, isinama niya ang mga naka-bold na konsepto sa ideolohiya sa nakakagulat na simple, malinaw na musika, ma-access sa pag-unawa sa pinakamalawak na lupon ng mga tagapakinig. Ang mga epoch at henerasyon ay nagbabago, at ang walang kamatayang musika ni Beethoven ay nagpupukaw pa rin at nakalulugod sa mga puso ng mga tao.

MBU Gawin "Simferopol rehiyon ng mga bata ng paaralan"

sangay ng Kolchugino

Iulat

sa paksa ng: "Ang genre ng instrumental na musika sa mga gawa ng mga klasikal na kompositor "

Nakumpleto ng: accompanist

Firsova Natalia Alexandrovna

2015

Ang genre ng instrumental na musika sa mga gawa ng mga klasikal na kompositor

Ang musikal na musikal na musika ay palaging naging isang banayad na bagay, tumutugon at tumutugon sa lahat ng mga kababalaghan ng kontemporaryong panahon nito: mga rebolusyon (sosyal at kultura), pandaigdigang mga socio-pampulitika na kaganapan, pag-unlad sa siyensya at teknolohikal, ang paglitaw ng mga bagong uso at mga uso sa iba't ibang larangan ng sining. Ang siglo ng XXI ay walang pagbubukod. Sa yugtong ito, ang isa sa mga pangunahing uso sa modernong silid na nakatulong musika ay synthesis, sa malawak na kahulugan ng salita: isang synthesis ng sining, isang synthesis ng iba't ibang mga genre at direksyon ng musika - iyon ay, synthesis sa kahulugan ng diyalogo at kakayahang umangkop ng musikal

space.

Dahil sa pagiging tiyak nito bilang isang genre ng musikal, nakakaakit, una sa lahat, sa panloob na mundo ng tagapakinig at kompositor, ito ang lugar na ito ng genre na nagawa upang mapaunlakan ang buong malawak na hanay ng mga konsepto ng pilosopikal at aesthetic ng parehong nakaraan at bago, at kamakailan-lamang na oras, na posible upang mapalalim koneksyon ng musikal na sining na may sikolohiya, para sa lahat ng pagiging kumplikado, pagkakaiba-iba at, sa ilang mga kaso, kalabuan, upang mahanap ang iyong tagapakinig, connoisseur, tagapalabas

Ang mga pinagmulan ng petsa ng musika sa silid pabalik sa Middle Ages. Ang salitang "Chamber Music" ay inaprubahan saXvi- XVII siglo, at sa kauna-unahang pagkakataon lumitaw ang term na ito noong 1635 sa koleksyon ng kompositor ng Italyano na si Joe Arrigoni. Ang pagkakaiba sa pagitan ng musika ng simbahan at kamara ay naipalabas sa mga tinig na genre sa gitna ng ika-16 na siglo. Ang pinakaunang mga kilalang halimbawa ng musika sa silid na "L" anticamusicaridottaallamoderna "Nicolo Vicentino (1555), sa Venice, inilathala ni G. Arrigoni ang boksing na" Concertidacamera. " Noong ika-17 siglo, ang pangalang "silid ng musika" ay pinalawak sa instrumental na musika. Sa una, ang musika at silid ng instrumento ng musika ay hindi naiiba sa estilo: ang mga pangkasalukuyan na pagkakaiba sa pagitan ng mga ito ay malinaw na lumitaw lamang noong ika-18 siglo.I.Ang Kvants ay sumulat noong 1752 na ang silid ng kamara hinihingi ang "higit na animation at kalayaan ng pag-iisip kaysa sa estilo ng simbahan." Ang pinakamataas na instrumento form ay ang cyclic sonata (sonatadacamera), na nabuo sa batayan ng sayaw suite. Ang pinaka-laganap sa ika-17 siglo ay ang trio sonata kasama ang mga varieties nito - simbahan at kamara sonatas, medyo mas mababa - solo sonata (walang kasama o may kasamang bassocontinuo) Mga klasikal na halimbawa ng trio sonatas at solos (kasama ang bassocontinuo) sonatas ay nilikha ni A. Corelli. Sa pagliko ng XVII-XVIII na siglo. ang uri ng concertogrosso ay lumitaw, sa una ay nahati rin sa mga klase ng simbahan at kamara. Si A. Corelli, halimbawa, ay nakakakuha ng malinaw na dibisyon na ito - ng 12 konsiyerto (op. 7) na nilikha niya, 6 ay nakasulat sa istilo ng simbahan, at 6 ang nasa istilo ng silid. Ang mga ito ay katulad sa nilalaman sa kanyang sariling sonatas dachiesa at dacamera. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. ang paghahati sa mga genre ng simbahan at kamara ay unti-unting nawawala ang kahulugan nito, ngunit ang pagkakaiba sa pagitan ng silid ng musika at konsiyerto (orkestra at koro) ay nagiging mas malinaw.

Sa kalagitnaan ng siglo XVIII. sa mga gawa ni J. Haydn, K. Dittersdorf, L. Boccherini, W. A. \u200b\u200bMozart, nabuo ang mga klasikal na uri ng instrumental na ensemble - sonata, trio, quartet, atbp.

Ang pagkakaroon ng masaganang nagpapahayag ng mga posibilidad, ang instrumental na ensemble (lalo na ang bow quartet) ay nakakaakit ng pansin ng halos lahat ng mga kompositor at naging isang uri ng "silid ng silid" ng symphonic genre. Samakatuwid, ang ensemble ay sumasalamin sa lahat ng pangunahing direksyon ng musikal na sining noong ika-17-ika-20 siglo. - mula sa pagka-klasiko (J. Haydn, L. Boccherini, W. A. \u200b\u200bMozart, L. van Beethoven) at pagiging romantiko (F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, atbp.) sa mga uso sa ultramodern abstractionist. Sa ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. ang mga natatanging halimbawa ng musika ng silid ng instrumental ay nilikha ng I. Brahms, A. Dvořák, B. Smetana, E. Grieg, S. Frank, noong siglo XX. - K. Debussy, M. Ravel, M. Reger, P. Hindemith, L. Janacek, B. Bartok, B. Britten at iba pa.

Ang mga kompositor ng Ruso ay gumawa ng malaking kontribusyon sa musika ng instrumental na silid. Sa Russia, ang pagkalat ng musika sa silid ay nagsimula noong 70s. XIX na siglo. Ang mga unang instrumental na ensembles ay isinulat ni D.S.Bortnyansky. Ang musika ng silid ay karagdagang binuo ng A.A. Alyabyev, M.I. Glinka at naabot ang pinakamataas na antas ng sining. antas sa mga gawa ng P. I. Tchaikovsky at A. P. Borodin: ang kanilang mga gawa sa kamara ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang binibigkas na nilalaman ng nasyonal, psychologism. Maraming pansin ang ibinigay sa silid ng silid ng A.K. Glazunov at S.V. Rachmaninov, at para sa S.I.Taneev ito ay naging pangunahing uri ng pagkamalikhain. Ang kamara ng instrumental na pamana ng mga kompositor ng Sobyet ay kapansin-pansing mayaman at magkakaibang: ang mga pangunahing linya nito ay lyric-dramatikong (N. Ya. Myaskovsky), trahedya (D. D. Shostakovich), lyric-epic (S. S. Prokofiev), A. I. Khachaturyan at lahi ng katutubong.

Ito ay nagkakahalaga ng pag-alaala na ang modernong silid ng instrumental na musika ay dumaan sa tatlong panahon ng pagbuo nito:

ang unang panahon mula 1450 hanggang 1650, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-unlad ng pamamaraan ng paglalaro ng mga violet at mga instrumento ng iba pang mga pamilya, ang unti-unting paghihiwalay ng puro instrumental na musika na may patuloy na namamayani ng libreng estilo. Kabilang sa mga nakaligtas na mga gawa sa panahong ito, na isinulat lalo na para sa mga instrumental na komposisyon nang walang tinig, ay ang mga pantasya at canzones ng Orlando Gibbons (1610), ang sonatas ni Giovanni Gabrieli (1615);

ang pangalawang panahon mula 1650 hanggang 1750 ay minarkahan ng pagkalat ng uri ng trio sonatas (kadalasan ay binubuo sila para sa dalawang mga violin at isang cello na may isang clavier na nagbigay ng isang maharmonya na batayan) at iba pang mga ensembles, parehong instrumental at may mga tinig, na palaging sinamahan ng tinatawag na digital bass (chord) keyboard ng keyboard. Kabilang sa mga masters ng trio ay mga sonatas sa panahong ito - ArcangeloCorelli, Henry Purcell, G. Handel;

Ang ikatlong panahon mula 1750 hanggang sa kasalukuyan, na pinangungunahan ng string quartet, na binubuo ng dalawang mga violin, viola at cello.

Ngayon, bilang isang panuntunan, ang musika-instrumental na musika ay ginampanan ng mga kamara ng ensembles sa sumusunod na kumbinasyon:

Solo instrumento (string o hangin) at piano;

Piano duet (dalawang pianos o piano apat na kamay);

String trio (violin, viola at cello); piano trio (violin, cello at piano);

String Quartet (dalawang violins, viola at cello);

Piano quartet (violin, viola, cello at piano);

String Quintet (string quartet kasama ang viola at o cello);

Piano quintet (piano plus string quartet) at iba pa.

Sa buong siglo XVIII. nagkaroon ng isang mabilis na pag-unladnakatutulong na pagganap ng kultura... Ang pag-unlad ng musikal na instrumento ng musika sa unang kalahati ng siglo ay nauugnay sa pagganap ng inimbitahan na mga dayuhang musikero na nagturo sa mga Russian aristocrats. Kaya, kumalat ang instrumentalism sa mga piling tao. Sa 80s - 90s. ang mga unang halimbawa ng musika ng instrumento ng silid ng Russia ay lumitaw: ang mga musikero ng Russia ay binuo ang mga genre ng solo sonata, mga pagkakaiba-iba, at ensemble sa silid. Ito ay nasa instrumental sphere na ipinamalas ang intelektwal na nilalaman ng musika .. Sa panahon ni Peter the Great, ang instrumental na musika sa Russia ay nagsisimula na mabuhay, ngunit nasa ilalim ng malakas na impluwensya ng Kanluranin.

Ang mga modernong genre ng musikal na instrumento ng musika ay sa wakas nabuo sa mga gawa ng mga klaseng Viennese - J. Haydn, W. A. \u200b\u200bMozart, L. van Beethoven. Ito ay isang sonata, trio, quartet, quintet, ensembles, kung saan ang isang malaking lugar ay ibinibigay sa mga instrumento ng string.

Hinihigop ng kamara ng musikal na musika ang mga naiibang mga tampok ng iba pang mga uri ng pagkamalikhain ng musika. Nasa L. van Beethoven sa maraming paraan symphonized ang kanyang quartets, ginawa silang mas ambisyoso pareho sa larangan ng form at nilalaman. At ang kanyang tanyag na "Kreutzer Sonata" para sa biyolin at piano ay isang tunay na symphonic na gawa sa emosyonal na intensidad nito, monumento ng mga imahe ng musikal. Sa mga gawa ng romantikong kompositor na F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, I. Brahms, ang lyrical na prinsipyo (lalo na sa genre ng mga miniature) ay hindi pangkaraniwang malakas ("Mga Kanta na walang Salita" ni F. Mendelssohn).

Sa gawain ng mga kompositor ng Russia, ang mga genre ng instrumental na musika ay binibigyang kahulugan sa isang napaka kakaiba at malalim na pambansang paraan. Mga Sangkap ng Russian folk sub-bosespolyphonyorganically at natural ay binago sa quartets ng A.P Borodin at A.K. Glazunov, sa trios at quartets ng P.I. Tchaikovsky. Ang P.I. Tchaikovsky ay lumikha ng medyo maliit na bilang ng mga komposisyon para sa mga instrumental na ensembles: tatlong string quartets (hindi binibilang ng isang maaga, nakasulat sa mga taon ng pag-aaral sa conservatory at hindi nakatanggap ng isang serial number), na nilikha ng may-akda sa loob ng isang limang taon (1871-1875) , piano trio at sextet ng string. Ang pangalawang kuwarts, na, sa pamamagitan ng paraan, ay isa sa mga paboritong gawa ng may-akda mismo, ay pinagsasama rin ang katutubong genre at personal na mga prinsipyo ng liriko.

Sa panahon ng 1900-1917 sa Russia, ang instrumental na musika ay nakakaakit ng malapit na pansin ng mga kompositor ng Russia. Masasabi natin na hindi pa niya sinakop ang tulad ng isang makabuluhang lugar sa kanilang trabaho. A. Glazunov, S. Taneyev, S. Rachmaninov, A. Scriabin, A. Lyadov, A. Arensky, S. Lyapunov, N. Medtner, na nagsisimula S. Prokofiev ay lumikha ng isang malaking bilang ng mga instrumental na gawa na humanga sa kanilang nilalaman, stylistic at pagkakaiba-iba ng genre. Una sa lahat, dapat itong pansinin ang pag-unlad ng genre ng konsiyerto, na kung saan ay nagsimula nang umuna sa ilang mga kompositor, "pinipiga" ang symphony (Piano Concertos ni S. Rachmaninov, S. Prokofiev). Hindi maraming mga konsiyerto ng biyolin sa oras na ito.

Ang listahan ng pagkakasunud-sunod ay bubukas sa isang konsiyerto ng AS Arensky (1901), na nagpapatuloy sa gawaing ito ang mga tradisyon ng PI Tchaikovsky; sinundan ito ng mga konsiyerto nina A. K. Glazunov (1904) at S. M. Lyapunov (1915). Ang impluwensya ni M. A. Balakirev at A. K. Glazunov ay naipakita sa gawain ng huli.

Ayon sa pagkakasunud-sunod, ang pagbuo ng Russian violin concerto ng panahong ito ay natapos ng Unang Konsyerto ng S. Prokofiev para sa Violin at Orchestra (1915-1917). Ang isang pangunahing gawain ng isang plano ng konsiyerto - Suite para sa Violin at Orchestra (1909) - ay isinulat ni S.I.Taneev. Sa tulad ng isang maliit na bilang ng mga nabanggit na komposisyon, mayroong mga tunay na obra maestra - ang Concerto ni A. Glazunov, ang Unang Concerto ni S. Prokofiev, na kasama sa gintong pondo ng mga klaseng violin ng mundo. Ang mga unang dekada ng ika-20 siglo ay ang heyday ng Russian sonata, gayunpaman, pangunahin para sa piano.

Ang isang pulutong ng mga sonatas para sa biyolin at piano ay isinulat din, bagaman sa mga ito ay walang mga pambihirang pangyayari tulad ng piano sonatas ni A. Scriabin o S. Prokofiev. Ang labis na karamihan ng violin sonatas sa panahong ito ay walang makabagong karakter, na pasulong na nagpapatuloy sa mga tradisyon ng mga klasiko ng Russia, bukod dito sa isang epigone-pang-akademikong kahulugan. Ganyan ang sonata ni C. A. Cui (1911), na hindi naging sanhi ng anumang tugon sa oras na iyon; ganyan ang mga sonatas ng "Belyaevites" - VI Malishevsky, AA Winkler, kung saan ang hiwalay na mga kaakit-akit na pahina ay hindi lumalabag sa pangkalahatang larawan ng kagalingan ng "akademiko" at stylistic pagiging maayos.

Ang mga ito ay nakakaramdam, ngunit maliit na orihinal na komposisyon, kung saan ang mga tema na neutral sa mga tuntunin ng nasyonalidad at estilo ay mananaig, kahit na ang mga intonasyon ng Russia ay dumulas din. Ang violin sonata ng AF Gedike ay naiiba sa kaakit-akit ng gawain ng mga Belyaevites sa pagsisimula ng "Bach". Ang malambing na kasiya-siyang sonata ni L. V. Nikolaev ay nagkamit ng malaking katanyagan sa mga violinist (na nakaligtas sa mga panahon ng Sobyet).

Kabilang sa mga gawa ng violin ng ganitong genre, ang dalawang sonatas ni G.V. Catoire, isang maselan at pino na artist, ay dapat na makilala lalo na. Ang mga ugat ng akda ni G. Catoire ay nasa musika ng P. Tchaikovsky, S. Taneyev, A. Glazunov sa isang kakaibang kumbinasyon sa mga nakagaganyak na elemento ng mga Impressionist at A. Scriabin. Grand sonata para sa biyolin at piano, op. 15 G. Catoire, na may nababagabag na tula na bahagi ko, na binanggit ng "Barcarole" at ang pinakahusay na finale (kamangha-manghang "up") ay dapat na masuri bilang isa sa mga taluktok sa pagbuo ng genre ng Russian violin sonata ng panahong iyon.

Ang sonata ni MF Gnesin ay may isang madilim na tono ng subjectivist, kung saan ang mga intonasyon ng mga katutubong katutubong kanta ay nakalagay sa isang balangkas ng mga natatanging harmosion ng chromatized. Isa sa mga pinakamahusay na Russian violin sonatas - Sonata op. 21 h-moll (1909-1910) ni N.K. Medtner. Ang mga maliliit na porma ay bumubuo ng maraming, ngunit sa kanila, sa mga tuntunin ng uri at pagkakaiba-iba ng pagkakaiba-iba, ang literatura ng biyolin ay makabuluhang mas mababa sa panitikan ng piano. Ang pangunahing lugar sa loob nito ay nasasakop ng mga dula sa liriko at genre - romansa, mga kaakit-akit, "pagmuni-muni", "mga pangarap", mazurkas at waltzes, kung minsan ay may ugnayan ng matalik na lyrics at salon.

Sa mga liriko at genre term, na may pagkahilig patungo sa romantikong melodies, ang mga dula ni A. Arensky "Presdelaier", 6 na sketch para sa biyolin at piano, A. T. Grechaninov "Lullaby", "Pagninilay", "Regrets" - op. 9, 1895, F. Akimenko "Lullaby", 1902, J. Vitola "Two Pieces", "Romance", Suite ni S. Barmotin "Prelude", "Little Poem", "Lullaby", "Scherzando", "Ecloga", "Mazurka", "Elegy", "Eastern Picture", "Little Waltz". Ang pinaka artistikong makabuluhang mga piraso ng violin ng maliliit na porma ay nabibilang sa A.K. Glazunov, ang mga ito ay "Meditation" at "Mazur-oberek", na inayos ng mismong may-akda at para sa biyolin at orkestra. Ang "pagmumuni-muni" ay naging isang piraso ng repertoire na ginanap sa mga konsyerto ng mga violinist.

Maraming mga piraso ng violin ang isinulat ni N. K. Medtner: 3 nocturnes (op. 16, 1907), 2 canzones (op. 43, 1924).

Karamihan sa mga pangunahing kompositor ng Russia noong unang bahagi ng ika-20 siglo ay nagbigay pugay sa silid ng ensemble ng silid, at para sa ilan, ang musika sa silid ay naging pangunahing anyo ng pagkamalikhain (S.I.Taneev). Kasabay nito, kinakailangang ituro na ito ay nasa larangan ng instrumental na pagkakatulad na ang mga tradisyon ng mga klasiko ng Russia noong ika-19 na siglo ay napatunayan lalo na at nagpatuloy, marahil, ang mga pagkahilig ng akademismo ay ipinakita ang kanilang mga sarili na may partikular na puwersa.

Maliban sa A. Glazunov, ang lahat ng gawain ng mga kompositor ng bilog ng Belyaev ay labis na pang-akademiko. Ang lugar na ito ng musika ay nanatiling hindi nakuha ng mga bagong uso. Tatlong piraso para sa string quartet ni I.F. Stravinsky (1914) ay halos isang pagbubukod. Ang silid ng ensemble ng kamara ay nakakaakit ng maraming mga kompositor ng bilog na Belyaev. Ang silid panitikang kamara sa panahong ito ay nagpakita ng malakas na impluwensya ni P. Tchaikovsky. Kapansin-pansin ang mga ito sa A. S. Arensky sa 2 quartet at 2 piano trio. Lalo na tanyag ang Unang Piano Trio (1894), nakakaakit ng mga romantikong melon at mga pang-hiwaac.

Hanggang ngayon, ang isa sa mga pinaka-kalat na mga gawa, na malawakang ginagamit sa pagsasagawa ng kasanayan, ay nananatiling "Elegiac Trio" Hindi. 2 (d-moll) ni S. V. Rachmaninov, na nakatuon sa memorya ng P. I. Tchaikovsky (1893). Ibinigay ito ni Rachmaninov ng isang napaka malapit sa piano trio ni Tchaikovsky.Mga modernong silid na nakatutuwang musika sa ideolohikal at kahalagahan ng artistikong ito ay naging kaayon sa musikang symphonic; ang symphony, gayunpaman, madalas lumiliko na malapit sa mga genres ng kamara, tulad ng, halimbawa, ang ika-14 at ika-15 na symphony ni D. D. Shostakovich.

Ang instrumento ng musika sa silid ay inilaan para sa isang maliit na cast ng mga performer. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pansin sa panloob na mundo ng isang tao bilang isang tao, kaibahan sa pangkalahatang pagpapahayag ng mga adhikain ng maraming tao sa symphonic genre. Ang monumento ng symphony, ang mabisang mabisang birtud ng instrumental na concerto ay nasa prinsipyo atypical para sa musika ng silid. Sa halip, sa kabilang banda, ito ay nakikilala sa ekonomiya ng nagpapahayag na paraan sa mahusay na kalayaan ng mga indibidwal na partido at ang malikhaing aktibidad ng bawat miyembro ng ensemble. Sa una, ang musika sa silid ay inilaan para sa isang makitid na bilog ng mga tagapakinig at madalas na gumanap sa bahay, kalaunan sa maliit na mga espesyal na bulwagan ng konsiyerto.

Ang presyon ng silid ng silid ay pinapamahalaan ang nangingibabaw na pag-andar ng instrumento, isang tiyak na proporsyon ng kabanalan, dahil sa kung saan ang mga antas ng intrastyle na mga genres kung minsan ay nakakakuha lamang ng isang pag-order na orientation na may kaugnayan sa pangunahing mga parameter ng dami.

Ang kontemporaryong silid na nakatutuwang musika sa ideolohikal at artistikong kabuluhan ay naging lubos na maihahambing sa symphonic music; ang symphony ay madalas na lumiliko na malapit sa mga genre ng kamara, na malinaw na nakikita sa mga gawa ni M. Khalitova.

Sa musika ng Silangang Europa, at ngayon ang musika ng Crimean Tatar ay maiuugnay dito, pati na rin na may kaugnayan sa pagbuo ng mga pambansang komposisyon ng paaralan, ang pagbagay ng mga genres ng kamara sa isang pambansang batayan ay mas aktibong naipakita mula sa gitna ng huling siglo hanggang sa kasalukuyan. Samakatuwid, ang mga tradisyunal na genre ng musika sa silid ay napapanatili dito nang mas matagal, at, dahil dito, ang interes sa klasikal na silid ng ensemble, tulad ng, halimbawa, sa mga gawa ni M. Khalitova: ang konsiyerto na "Ashyk-name", ang konsiyerto para sa trumpeta at orkestra "Sa paanan ng Demerdzhi", "Epitaph para sa cello at orchestra ”at iba pa.

Ang Casio SA-46 digital synthesizer, sa kabila ng maliit na sukat nito at 32 na mga susi lamang, ay hindi lamang laruan, ngunit isang kumpletong instrumento sa musika para sa mga nagsisimula. Una, mayroon itong isang solidong 8-tala na polyphony at mahusay na tunog ng lahat ng 100 built-in na Mga Tinig at 50 Estilo. At pangalawa, ang mini keyboard ng modelong ito ay mahusay para sa mga daliri ng mga bata.

4690 kuskusin

Notebook Phoenix + "ritmo ng Jazz" para sa sheet ng musika, 16 l

Notebook para sa mga tala 16l. Ang RHYTHM JAZZ / A4 (205 * 280 mm), isang bloke ng isang kulay, offset 65 g, buong kulay. takip, offset papel 120 g. Pag-fasten - staple sa mahabang gilid /

27 kuskusin

Casio SA-47, Grey digital synthesizer

Ang Casio SA-47 digital synthesizer, sa kabila ng maliit na sukat nito at 32 na mga susi lamang, ay hindi lamang laruan, ngunit isang kumpletong instrumento sa musika para sa mga nagsisimula. Una, mayroon itong solidong 8-tala na polyphony at mahusay na tunog mula sa lahat ng 100 built-in na tono at 50 Estilo. At pangalawa, ang mini keyboard ng modelong ito ay mahusay para sa mga daliri ng mga bata.

Isang ugnay ng iyong paboritong tunog: Ang pindutan ng piano / organ switch ay nagbibigay sa iyo ng mabilis na pagpili ng tunog. Upang lumipat, pindutin lamang ang pindutan.

Ang isang malawak na repertoire ng 100 tone ay nag-aalok ng mahusay na kalidad.

Mga melodies para sa bawat panlasa: 100 pag-aaral ng melodies hayaan mong master ang iba't ibang mga estilo.

Malinaw at friendly na gumagamit: Ang LCD display ay nagbibigay ng mabilis na pag-access sa lahat ng mga function ng instrumento.

Piliin ang tamang ritmo. Ang mga pad ng drum ay isang mahusay na pagpapakilala sa mundo ng digital drumming. Limang mga pindutan, para sa isang solong drum o pagtambay, gawing madali upang i-play ang ritmo at pahintulutan kang mag solo nang may isang solong gripo.

Ang kakayahang i-off ang melody ay isang epektibong paraan upang ma-master ang kanang kamay. 10 komposisyon ang inaalok para sa pag-aaral.

4690 kuskusin

Casio SA-76, Orange digital synthesizer

Ang 44-key na Casio SA-76 digital synthesizer ay nag-aalok ng lahat ng mga nagsisimula ng isang natatanging karanasan sa musikal. 100 tone, 50 estilo, built-in na kanta para sa pag-aaral, ang pinakabagong processor ng tunog na may malubhang 8-tala na polyphony para sa mga tulad synthesizer, pati na rin ang isang LCD display na makakatulong upang maunawaan ang 2-line notasyon mula sa mga unang hakbang - lahat ito ay ginagawang instrumento ng isang mahusay na katulong para sa musikero ng baguhan.

Isang ugnay ng iyong paboritong tunog: Ang pindutan ng piano / organ switch ay nagbibigay sa iyo ng mabilis na pagpili ng tunog. Upang lumipat, pindutin lamang ang pindutan.

Ang isang malawak na repertoire ng 100 tone ay nag-aalok ng mahusay na kalidad.

Mga melodies para sa bawat panlasa: 100 pag-aaral ng melodies hayaan mong master ang iba't ibang mga estilo.

Malinaw at friendly na gumagamit: Ang LCD display ay nagbibigay ng mabilis na pag-access sa lahat ng mga function ng instrumento.

Ang kakayahang i-off ang melody ay isang epektibong paraan upang ma-master ang kanang kamay. 10 komposisyon ang inaalok para sa pag-aaral.

Mga nagsasalita: 2 x 0.8 W

Ang kapangyarihan adapter ay hindi kasama.

5890 kuskusin

Ang Ernie Ball Hybrid Slinky set ay ang perpektong kombinasyon ng mga Super Slinky at Regular Slinky strings. Ang mga kuwerdas na ito ay maaari ding magamit sa mga electro-acoustic gitara. Ang mga string ng Ernie Ball ay ginawa sa pinakamataas na kalidad na pamantayan at teknolohiya ng proseso ng paggawa upang matiyak ang kanilang lakas, pagiging maaasahan at tibay.

Si Ernie Ball Hybrid Slinky ay isang bakal na hex core na may pambalot na bakal na pambalot ng nikel. Ang mga string ay gawa sa espesyal na matigas na mataas na carbon na bakal, na nagbibigay ng isang maayos na balanseng tunog ng pagpaparami at ganap na pinakawalan ang iyong instrumento.

Core: bakal

499 kuskusin

Ang serye ng Ernie Ball Reinforced Plain (RPS) ay isang reinforced na bersyon ng Slinky strings. Ang unang tatlong mga string ay may isang espesyal na paikot na tanso, na sinisiguro ang pag-twist ng pangkabit ng mga bola - pinipigilan nito ang mga ito mula sa ayaw, na, sa kasamaang palad, ay pangkaraniwan. Ang huling tatlong mga string ay magkatulad sa mga pag-aari sa mga string mula sa serye ng Nickel Wound. Ang Hybrid Slinky RPS Nickel Wound string ay ginawa mula sa mga espesyal na binuo na materyales, na ginagawang malakas ang mga ito upang labanan ang pagkasira, na kung saan ay ginagarantiyahan ang kanilang tibay. At ang lahat ng ito ay hindi nakasasama sa pirma na maliwanag at mayaman na tunog ng mga string ng Ernie Ball, na tumutulong sa mga musikero sa buong mundo na lumikha ng kanilang sariling natatanging malikhaing espasyo.

String Gauge: 9-11-16-26-36-46
Paikot-ikot: nikeladong tubog na bakal
Core: bakal

602 kuskusin

Mga Katutubong Mga instrumento Kompleto Audio 6 audio interface

Ang Mga Katutubong Instrumento Komplete Audio 6 ay naglalaman ng lahat ng kailangan mo upang i-record, maglaro at magsagawa ng musika. Sa medyo maliit, matatag na kaso ng metal, mayroong apat na analog I / O, digital I / O. Dalawang microphone input

Marahil ang lahat ay walang malasakit sa musika. Sinamahan nito ang sangkatauhan na hindi magkakahiwalay, imposibleng matukoy nang eksakto kung kailan natutunan ng isang tao na maramdaman ito. Malamang, nangyari ito nang ang aming ninuno, na nagsisikap na maipahayag ang kanyang damdamin, tumama sa sahig.Siguro pagkatapos, ang tao at musika ay inextricably na naka-link, ngayon maraming mga genre, estilo at direksyon nito. Ito ay alamat, espirituwal at, sa wakas, klasikal na instrumento - symphonic at musika ng silid. Halos lahat alam kung ano ang direksyon na ito, kung paano umiiral ang musika ng silid, ngunit kung ano ang mga pagkakaiba at tampok nito - kakaunti. Subukan nating malaman ito sa ibang pagkakataon sa artikulo.

Ang kasaysayan ng musika sa silid

Ang kasaysayan ng musika ng kamara mga petsa pabalik sa Middle Ages. Noong ika-16 siglo, ang musika ay nagsimulang lumampas sa mga simbahan ng simbahan. Ang ilang mga may-akda ay nagsimulang magsulat ng mga gawa na isinagawa sa labas ng mga pader ng simbahan para sa isang maliit na bilog ng mga connoisseurs. Dapat pansinin na sa una ay ang mga ito ay mga bahagi lamang ng boses, at lumitaw sa ibang bahagi ang instrumental na musika. Ngunit unang bagay muna.

Nakakatawa ang musika ng silid. Na ang pangalang ito ay nagmula sa Italyanong salitang camera ("silid"), marahil ay naaalala ng lahat. Hindi tulad ng musika sa teatro at teatro, ang musika sa silid ay orihinal na inilaan upang maisagawa sa loob ng isang maliit na grupo para sa isang makitid na bilog ng mga tagapakinig. Bilang isang patakaran, naganap ang pagganap sa bahay, at kalaunan sa mga maliliit na bulwagan ng konsiyerto. Naabot ng instrumento ng musika sa kamara ang pagiging sikat sa ika-18 na ika-19 na siglo, nang gaganapin ang mga katulad na konsyerto sa lahat ng mga silid ng mga mayayaman na bahay. Nang maglaon, ipinakilala rin ng mga aristokrata ang mga full-time na posisyon ng mga musikero.

Mga imahe ng musika sa silid

Sa una, ang musika ng silid ay inilaan upang maisagawa sa harap ng isang maliit na bilog ng mga tao na mga tagapamagitan at dalubhasa nito. At ang laki ng silid kung saan naganap ang konsiyerto ay pinapayagan ang mga performer at tagapakinig na malapit na makipag-ugnay sa bawat isa. Ang lahat ng ito ay lumikha ng isang natatanging kapaligiran ng pag-aari. Marahil na ang dahilan kung bakit ang nasabing sining ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mataas na kakayahan upang matuklasan ang mga liriko na damdamin at iba't ibang mga nuances ng mga karanasan sa tao.

Ang mga genre ng musika ng kamara ay idinisenyo nang tumpak hangga't maaari para sa paghahatid sa tulong ng laconic, ngunit sa parehong oras lubusang napatunayan na paraan. Hindi tulad ng kung saan ang mga bahagi ay ginampanan ng mga pangkat ng mga instrumento, sa naturang mga komposisyon ang sariling bahagi ay nakasulat para sa bawat instrumento, at lahat ng mga ito ay halos katumbas sa bawat isa.

Mga uri ng silid ng instrumental na silid

Sa pagbuo ng kasaysayan, umusbong din ang musika ng silid. Na ang gayong direksyon ay dapat magkaroon ng ilang mga kakaibang kaugnay sa mga gumaganap ay hindi nangangailangan ng patunay. Ang mga modernong instrumental na ensembles ay:

duets (dalawang performer);
trio (tatlong miyembro);
quartet (apat);
quintet (limang);
sextets (anim);
septets (pitong);
mga octets (walong)
mga nonet (siyam);
decimette (sampung).

Sa parehong oras, ang instrumental na komposisyon ay maaaring maging magkakaibang. Maaari itong isama ang parehong mga string at mga string lamang o mga hangin lamang ang maaaring isama sa isang pangkat. At maaaring may halo-halong mga silid na pinagsama-sama - ang piano lalo na madalas na kasama sa kanila. Sa pangkalahatan, ang kanilang komposisyon ay limitado sa isang bagay lamang - imahinasyon ng tagagawa, at ito ay madalas na walang limitasyong. Bilang karagdagan, mayroon ding mga orkestra ng silid - mga pangkat na hindi hihigit sa 25 musikero.

Mga instrumento ng musika sa kamara ng silid

Ang mga kontemporaryong genre ng musika sa silid ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga gawa ng mga mahusay na kompositor tulad ng W.A. Mozart, L. Beethoven, I. Haydn. Ang mga masters na ito ay lumikha ng mga gawa na hindi natagpuang sa mga tuntunin ng katumpakan ng nilalaman at kalaliman ng emosyonal. Ang Sonatas, duets, trios, quartet at quintets ay isang beses na binigyan ng parangal sa pinakatanyag na romantika noong ika-19 na siglo: F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Schubert, F. Chopin. Bilang karagdagan, ang genre ng mga instrumental na miniature (nocturnes, intermezzo) ay nakakuha ng napakalaking katanyagan sa panahong iyon.

Mayroon ding mga konsiyerto sa silid, suite, fugues, cantatas. Kahit na noong ika-18 siglo, ang mga genre ng musika sa silid ay magkakaibang. Bilang karagdagan, hinihigop nila ang mga naka-istilong tampok ng iba pang mga uso at estilo. Halimbawa, ang pagsisikap ni L. Beethoven na itulak ang mga hangganan ng tulad ng isang kababalaghan na ang musika ng silid ay malinaw na nasubaybayan na ang gawaing tulad ng Kreutzer Sonata ay hindi mas mababa sa mga symphonic na likha sa monumentalism at emosyonal na intensidad.

Mga genre ng musika sa Vocal kamara

Noong ika-19 na siglo, ang musika sa silid ng boses ay nagkamit ng katanyagan. Ang mga bagong genre ng awit ng sining at pag-iibigan na lumitaw ay binigyan ng parangal tulad ng R. Schumann, F. Schubert, I. Brahms. Ang mga kompositor ng Russia ay gumawa ng isang napakahalaga na kontribusyon sa koleksyon ng mundo ng mga gawaing musika sa kamara. Ang kamangha-manghang pag-ibig ng M.I. Glinka, P.I.Tchaikovsky, M.P. Mussorgsky, M.A.Rimsky-Korsakov ay hindi nag-iiwan ng sinuman na walang malasakit sa ngayon. Bilang karagdagan sa mga maliliit na piraso, mayroon ding isang genre ng opera sa silid. Ipinapahiwatig nito ang pagkakaroon ng isang maliit na bilang ng mga gumaganap at hindi nangangailangan ng isang malaking silid para sa paggawa.

Chamber music ngayon

Siyempre, ngayon walang praktikal na walang mga bahay kung saan, tulad ng mga nakaraang siglo, ang silid ay naglalaro ng play na napapalibutan ng isang limitadong bilog ng mga tao. Gayunpaman, salungat sa umiiral na mga stereotype, ang direksyon na ito ay nananatiling sikat. Ang mga bulwagan ng musika ng silid at silid sa buong mundo ay nagtitipon ng milyun-milyong mga tagahanga ng parehong mga gawa ng mga klasikal na kompositor at kontemporaryong may-akda. Ang mga pagdiriwang ay regular na gaganapin kung saan ang mga sikat at mga umuusbong na performer ay nagbabahagi ng kanilang sining.