Konsert (musiqi forması). Musiqi janrı olaraq konsert Instrumental konsertin yaradıcısı kimdir

ev / Keçmiş

Dərsin məqsədləri:

Təhsil: A.Vivaldinin "Dörd Fəsil" konsertinin nümunəsində instrumental konsert janrının mənşəyi və inkişafı ilə tanış olmaq, müxtəlif konsert növləri haqqında fikirləri birləşdirmək, proqram musiqisi haqqında fikirləri genişləndirmək.
İnkişaf edir: Barok musiqisinin ən yaxşı nümunələrini təqdim etməyə davam edin.
Təhsil: Klassik musiqi algısına emosional həssaslığı aşılamaq, digər ölkələrdən olan bəstəkarların musiqi irsinə maraq və hörməti inkişaf etdirmək.

Avadanlıq: multimediya proyektoru, G.P. Sergeeva, ED Kritskaya 6-cı sinif üçün "Musiqi", bu dərslik üçün yaradıcı bir dəftər, 6-cı sinif üçün "Musiqi" dərsliyi üçün fono-xrestomatika, iş dəftəri, musiqi lüğətləri.

Dərs planı:

1. Təşkilati məqam.
2. Barokko dövrü - bəstəkarlar, janrlar, musiqi obrazları.
2.1. A. Vivaldinin yaradıcılığında konsert janrının inkişafı.
2.2. "Dörd Fəsil" baletinin yaranma tarixi.
2.3. Müasir ifaçılar və ifaçı qrupları.
3. Ev tapşırığı.

DƏRSLƏRDƏ

1. Təşkilati məqam

Müəllimin ifasında vokal melodiyası şəklində təbrik:

- Salam uşaqlar, salam! (Tonik üçlüyünün səslərində tədricən yuxarıdan yuxarıya doğru hərəkət).
Uşaqların cavabı:

- Salam müəllim, salam! " (Orijinal mahnının tam təkrarlanması).

2. Yeni materialın öyrənilməsi.

Musiqi bütün dünyaya ilham verir, ruhu qanadlarla təmin edir, xəyalın uçmasına kömək edir,
musiqi mövcud olan hər şeyə həyat və əyləncə verir ...
Onu gözəl və ülvi olan hər şeyin təcəssümü adlandırmaq olar.

Platon

Müəllim: 6 -cı sinifdə ilk musiqi dərsində musiqi müxtəlifliyi haqqında danışdıq: musiqi vokal və instrumental ola bilər. Bugünkü dərsimizin mövzusu "Instrumental Konsert" dir. Zəhmət olmasa instrumental musiqi janrlarını və mümkün sıralamaları adlandırın. (Uşaqlar simfoniya, konsert, vokal, sözsüz mahnılar, sonatalar, süitlər və ifaçılıq qrupları - solo musiqi, ansambl orkestri musiqisi adlandırırlar). Musiqi lüğətlərində "Konsert" sözünün mənasını tapın.

(Uşaqlar müəyyən bir sözü axtarır və tapılan tərifi ucadan oxuyur).

Tələbə: Konsert (bu. konsert lat. - konsert- yarışır) adlanır:

1. Musiqili əsərlərin kütləvi ifası.
2. Ən çox sonata dövrü şəklində yazılan orkestrin solisti üçün virtuoz xarakterli əsas musiqi janrı.
3. İki və ya daha çox hissənin müqayisəsinə əsaslanan polifonik vokal və ya vokal-instrumental musiqi. Konsert üç hissədən ibarətdir (sürətli - yavaş - sürətli).
Musiqi tarixində solo alət və orkestr üçün, solist olmayan bir orkestr üçün konsertlər var, 18 -ci əsrdə rus musiqisində mənəvi xor konserti janrı yarandı.

Müəllim: Dərslikdə (s. 108-110), qrafik seriyasında S. Botticelli'nin "Bahar" tablosunun və F. Goujonun relyeflərini nəzərdən keçirəcəyik. Bu sənət əsərlərini səsləndirmək üçün hansı sənət üslubunda musiqilərdən istifadə edərdiniz? Bugünkü dərsimizin mövzusu "Instrumental Konsert" dir. Kamera musiqisi janrının - instrumental konsertin yaranması və inkişafı ilə tanış olacaqsınız. 1600-1750-ci illərdə Avropa ölkələrinin mədəniyyətində və sənətində bədii üslubun adını xatırlayın; bəstəkarlarının əsərləri Barok dövrünə aiddir. (Uşaqlar bu sözü "Qərbi Avropanın Müqəddəs Musiqisinin Şəkilləri" mövzusundan təyin etməlidirlər, JS Bachın adını qoyun, dərslik səhifəsi 66). Bu sözün mənasını düzgün adlandırmısınız. Barok incəsənətin ən gözəl və zərif üslublarından biridir. Ehtimal ki, Portuqaliya ifadəsindən götürülmüşdür pleurabarocco- xülya formalı inci. Həqiqətən də, Barok rəsm, memarlıq, heykəltəraşlıq, ədəbiyyat, musiqidə dəyişən bədii dəyərlər silsiləsindəki bir incidir.

Barok ustasının həyatın ilahi gözəlliyini ələ keçirməsi vacib idi. Barok bir bədii üslub olaraq ifadəçilik, əzəmət, dinamika ilə xarakterizə olunur. Barok sənəti insan emosional təcrübələrinin dramatik mahiyyətini vurğulayaraq tamaşaçıların və dinləyicilərin hisslərinə birbaşa təsir göstərməyə çalışırdı. Məhz Barokkonun ortaya çıxması ilə musiqi ilk dəfə insanın emosional təcrübə dünyasının dərin və çox yönlü təcəssümü üçün öz qabiliyyətlərini tam şəkildə nümayiş etdirdi. Musiqili və teatr janrları, ilk növbədə, opera ön plana çıxdı ki, bu da Barokko üçün xarakterik olan dramatik ifadəyə və müxtəlif sənət növlərinin birləşməsinə can atması ilə müəyyən edildi. Bu, dini musiqi sahəsində də özünü göstərdi, burada aparıcı janrlar mənəvi oratoriya, kantata və ehtiraslar idi. Eyni zamanda, musiqinin sözdən təcrid olunmasına - çoxsaylı instrumental janrların intensiv inkişafına meyl var idi. Barok mədəniyyəti vizual sənətdə (Rubens, Van Dyck, Velasquez, Ribera, Rembrandt), memarlıqda (Bernini, Puget, Kuazevox), musiqidə (A. Corelli, A. Vivaldi, JS Bach, G. F. Handel). Barokko dövrünün 1600-1750-ci illər olduğu düşünülür. Bu bir yarım əsr ərzində dəyişikliyə uğramış bu gün də mövcud olan belə musiqi formaları icad edildi.

Bugünkü dərsdə A.Vivaldi yaradıcılığının zirvəsi olan "Mövsümlər" konsert silsiləsi ilə tanış olacaqsınız. Antonio Vivaldi, italyan skripkaçı, bəstəkar və müəllimdir.

Vivaldinin yaradıcılıq irsi son dərəcə böyükdür. Təxminən 700 başlığı əhatə edir. Onların arasında 19 opera var. Amma yaradıcılığının əsas tarixi əhəmiyyəti solo instrumental konsertin yaradılması idi. Bu janrda 500 -ə yaxın əsər yazılmışdır. Bir çox konsertləri bir və ya daha çox skripka üçün, iki mandolin üçün iki konsert və qeyri -adi musiqi əsərləri üçün, məsələn, iki skripka və iki orqan üçün yazılmışdır. Bəstəkar simli alətlər üçün konsertlər yazarkən, bəstəkarlar üçün primitiv və maraqsız sayılan nəfəsli alətlər üçün musiqi bəstələyənlərdən biri oldu. Konsertində oboy, fransız buynuzu, fleyta, truba tam və ahəngdar səsləndi. İki truba üçün konsert A. Vivaldi xahişi ilə yazdı. Aydındır ki, ifaçılar truba üzərində gözəl və virtuoz musiqinin çalınacağını sübut etmək istəyirdilər. İndiyə qədər bu konsertin ifası ifaçının ən yüksək bacarığının sübutudur. Bəstəkar tərəfindən çoxlu musiqi basson üçün yazılmışdır - fason və orkestr üçün 30 -dan çox konsert. Vivaldi zərif, yumşaq tembri ilə nəfəs alətləri arasında fleytaya xüsusi üstünlük verirdi. Fleytaya verilmiş hissələrdə bütün fəzilətlərini göstərən tam səslə səslənir.

Concerto grosso (bütün ansamblın bir neçə alətlə müqayisəsi) A. Corellinin yaradıcılığında formalaşmışdır. A. Vivaldi, sələfi ilə müqayisədə irəliyə doğru bir addım atdı: musiqinin inkişaf miqyasına, dinamizminə və ifadə qabiliyyətinə görə əhəmiyyətli dərəcədə fərqlənən solo konsert janrını formalaşdırdı. Konsertlərin kompozisiyaları "yaxşı təşkil edilmiş kontrast" əsasında solo və orkestr parçaları arasında dəyişdi. Kontrast prinsipi konsertin üç hissədən ibarət formasını müəyyən etdi: 1 -ci hərəkət - sürətli və enerjili; 2 -ci - lirik, melodik, kiçik formalı; 3 -cü hərəkət - final, canlı və parlaq. Solo instrumental konsert, solistlə orkestr arasındakı rəqabətdə - tutti ilə solonun fasiləsiz dəyişməsində özünü göstərən əyləncə elementlərinin, bəzi teatrallığın xas olduğu geniş bir auditoriya üçün hazırlanmışdır. Konsertin, musiqinin mahiyyəti məhz bu idi.

"Dörd Fəsil" konsert dövrü A. Vivaldi yaradıcılığının zirvəsidir.
Konsertin birinci hissəsini dinləməyi təklif edirəm. (Birinci hissə səslənir, müəllim ad çəkmir).
- Bu musiqini hansı mövsümlə əlaqələndirmək olar? ? (Şagirdlər ilkin intonasiyanı, musiqinin təbiətini, sürətli tempi, dinamikanın təzadlarını, şəkilli anları - quşların oxşadığını, bu baharı təyin edir).

Yaşadığımız dünya hər cür səslə doludur. Yarpaqların xışıltısı, göy gurultusu, sörf səsi, küləyin səsi, pişiyin səsi, şöminədə odun yanması, quşların səsi ...
Qədim zamanlarda bir insan səslərin fərqli olduğunu fərq etdi: yüksək və aşağı, qısa və uzun, səssiz və yüksək. Ancaq səslərin özləri hələ musiqi deyil. Bir insan hisslərini və düşüncələrini ifadə etmək üçün onları təşkil etməyə başlayanda musiqi ortaya çıxdı.
Bir melodiyanı necə xarakterizə edə bilərsiniz? (Mümkün olan uşaq cavabları: orkestrin çaldığı yeri və solo skripkanın harada səsləndiyini aydın eşidə bilərsiniz. Orkestrin ifa etdiyi melodiya; böyük miqyaslı melodiya, çox aydın, parlaq, yadda asan, rəqsdə ritm. Solistin ifa etdiyi melodiya daha mürəkkəbdir, virtuoz, gözəldir, musiqi nəğmələri ilə bəzədilib, quşların oxuduğuna bənzəyir).

Quş səslərinin təqlidi hər zaman musiqiçilər arasında məşhur olmuşdur. Quşların oxudulması antik dövrdə təqlid edilmişdi və bu günə qədər bu cür təqlidlərə fərqli xalqların musiqi folklorunda rast gəlinir. Düşünənlər, elm adamları, musiqiçilər musiqinin mənşəyini quşların oxumasında axtardılar. Bir çox quşun "musiqiliyi" heyrətləndirməkdə davam edir. Təəccüblü deyil ki, bülbül ümumiyyətlə sənət simvollarından birinə çevrildi və onunla müqayisə müğənni üçün tərifdir. Barok dövrünün bəstəkarları çox gözəl "quş" musiqiləri yazmışlar - K.Dakenin "Qaranquş", "Çağırır", F. Rameonun "Toyuq", "Aşiq olan bülbül" və "Qalib bülbül" F. Couperin, çoxsaylı "Cuckoos" - Couperin, A. Vivaldi, B. Pasquini və s. Tərəfindən orkestrin və solistin musiqi mövzuları əlaqəlidirmi? (Musiqili mövzularda bir ritm, parlaq dinamik həyəcan, təbiətdəki məkanın nəfəsi, həyatın zövqü hiss olunur).
- Barokko dövründə ən mükəmməl alət nə idi?

A. Vivaldi müasir orkestrlərlə müqayisədə nə qədər az simli alətdən istifadə etmişdir. Orijinal versiyada, bəstəkarın fikrinə görə, cəmi beş tel var. Müasir simli ansambllar beş, sonra on, on iki, on dörd alətdən ibarət kiçik orkestrlərlə başladı. Skripka orkestrin ən vacib aləti, müasir simfonik orkestrin Zoluşkasıdır. Hələ də bütün tellərin ən mükəmməl alətidir. Mükəmməl bir səs və inanılmaz bir sıra var. Vivaldi və Bax dövründə tarixin ən yaxşı alətləri hazırlanmışdır. İtaliyanın kiçik Cremona qəsəbəsində gözəl və bənzərsiz skripkalar hazırlandı. Stradivari, Amati, Guarneri adlarını xatırlayaq. Kiçik şəhər sənətkarları ilə məşhur idi. Son üç yüz il ərzində heç kim skripkaları Cremona ustasından daha yaxşı edə bilməmişdir. A.Vivaldi əsərində skripka səsinin parlaqlığını və gözəlliyini solo alət kimi göstərdi.

Musiqi sənət növlərindən biridir. Rəsm, teatr, şeir kimi, həyatın məcazi əksidir. Hər bir sənət öz dilində danışır. Musiqi - səslərin və intonasiyaların dili - xüsusi emosional dərinliyə malikdir. A.Vivaldinin musiqisini dinləyərkən hiss etdiyiniz bu emosional tərəfdir.

Musiqi insanın daxili aləminə güclü təsir göstərir. Zövq gətirə bilər və ya əksinə, güclü zehni narahatlığa səbəb ola bilər, düşüncəyə səbəb ola bilər və dinləyiciyə həyatın əvvəllər məlum olmayan tərəflərini aça bilər. Hissləri o qədər mürəkkəb ifadə etmək üçün verilən musiqidir ki, bəzən onları sözlə təsvir etmək mümkün olmur.

Düşünün, bu musiqi ilə balet səhnələşdirmək mümkündürmü? Bir solist və bir orkestr bacarıqla yarışdıqda, şübhəsiz ki, tamaşaçılar üçün oynamalıdırlar. Orkestrin və parlaq səslənən solo skripkanın bu fasiləsiz dəyişməsində, teatr və müzakirə hissində, musiqi formasının harmoniya və harmoniyasında barokko musiqisinin xarakterik xüsusiyyətləri hiss olunur. Konsertin 1 -ci hissəsini yenidən dinləyəndə, səslənən musiqi parçasına qulaq asın. Melodik səs davamlı, ciddi şəkildə müəyyən edilmiş müşayiətlə birləşdirilir. Polifoniyanın aparıcı rol oynadığı əvvəlki dövr kompozisiyalarından fərqli olaraq - eyni dərəcədə əhəmiyyətli olan bir neçə melodiyanın eyni vaxtda səsləndirilməsi.

Belə ki, A.Vivaldinin "The Four Seasons" konserti dörd hissədən ibarətdir. Hər hissənin adı mövsümün adına uyğun gəlir. Hər hərəkətin musiqi obrazının inkişafı təkcə skripka səsi ilə orkestrin tuttisinin bir -birinə qarışmasına əsaslanmır. Konsertdə musiqi, bəstəkarın dövrünün hər bir konsertinin məzmununu açdığı poetik sonetlərin görüntülərini izləyir. bir proqram var. Sonetlərin bəstəkarın özü tərəfindən yazıldığı barədə fikirlər var. Bir növ konsert proqramına çevrilmiş sonetin tərcümələrinə müraciət edək. 110-111-ci səhifələrdəki dərslik iki tərcümə variantı təklif edir. Sizcə, "Bahar" konsertinin birinci hissəsinin musiqi obrazına daha çox uyğundur? Bədii mətn hansı əhval -ruhiyyə vasitəsi ilə insanın əhvalını, baharın gəlişi ilə bağlı zehni və emosional vəziyyətini çatdırır? A. Vivaldi, konsertində ədəbi proqramdan istifadə edərək, proqram musiqisinin banisidir. 19 -cu əsrdə proqram musiqisi ortaya çıxdı - ədəbi əsaslara söykənən bir parça.

Proqramlaşdırılmış musiqi bir növ instrumental musiqidir. Bunlar şifahi, çox vaxt poetik bir proqramı olan və içindəki məzmunu açan musiqi əsərləridir. Proqram, məsələn, bəstəkarın düşündüyü reallıq hadisələrini (G. İbsenin "Peer Gynt" dramına E. Grieg'in "Səhəri") və ya ona ilham verən ədəbi əsəri göstərən bir başlıq ola bilər (" Romeo və Cülyetta "P. Çaykovski - uvertüra - W. Şekspirin eyni adlı faciəsinə əsaslanan fantaziya).
Dərslik ilə işləməyə davam edək. 109 -cu səhifədə "Bahar" konsertinin birinci hissəsinin əsas mövzusu təklif olunur. Aləti çalanda səsini sizə xatırlatacağam. Bu melodiyanı oxumaq olarmı? Gəlin bir melodiya oxuyaq. Musiqili ifadə vasitələrini bilməklə bu musiqi mövzusunu təsvir edin (tələbələr melodiyanın, miqyasın, müddətinin, tempinin, qeydinin, tembrinin təsvirini verir). Bu mövzu təkrarlanan bir mövzudurmu? Konsertin 1 -ci hissəsi hansı musiqi formasında (rondo, variasiyalar) yazılıb? Bəstəkar 1 -ci hərəkatın musiqisində hansı inkişaf prinsipindən (təkrar və ya təzad) istifadə edir? Şəkilli epizodlar varmı? Əgər varsa, ehtiyaclarını müəyyənləşdirin və bədii mətndən bir nümunə ilə təsdiq edin. Solistin melodiyasını zümzümə edə bilərsinizmi? (Çətin ifa etmək, küləyin əsməsi, quşların titrəməsi kimi virtuoz keçidlər). Melodiyanın qrafik təsviri ilə müqayisə edin (yuxarı hərəkət, qısa müddətlər və s.). Proqramlaşdırılmış instrumental musiqi yaratmaq ehtiyacı 17 -ci əsrdə İtaliyada ortaya çıxdı. Qəhrəmanlıq işlərinin və pastoral idillərin, yeraltı və təbii qüvvələrin şəkillərinin - qızğın dənizin, xışıltılı bitkilərin şəkillərinin operada dəb halına gəldiyi anda; orkestr bu cür səhnələrdə dominant rol oynayırdı. Barokko dövrünün bəstəkar-instrumentalistləri ilə müqayisədə A.Vivaldi bu sahədə böyük bir istedad kəşf etdi. Vivaldi uzun müddət əsərlərinin bir neçə transkripsiyasını hazırlayan J.S.Bach sayəsində xatırlandı. Uzun müddət Baxın özü tərəfindən yazılmış hesab edilən fortepiano və orqan üçün altı Vivaldi konserti köçürüldü. A. Vivaldinin yaradıcılığı J.S.Baxın yaradıcılıq üslubunun, xüsusilə də Vivaldinin ilk skripka konsertlərinin formalaşmasına böyük təsir göstərdi.

Bir daha "Bahar" konsertinin birinci hissəsinin musiqisinə müraciət edəcəksiniz, ancaq seçmə qeyri -adi olacaq: həm səhnələşdirdiyi A. Vivaldinin musiqisinə "Mövsümlər" baletinin bir hissəsini həm dinləyəcək, həm də seyr edəcəksiniz. görkəmli fransalı xoreoqraf R. Petit. Baleti Marsel truppası ifa edir.

"Dörd Fəsil" tamaşası fərqli xoreoqraflar tərəfindən fərqli musiqilərlə səhnələşdirildi. Bir çox bəstəkar bu mövzuda musiqi yazmışdır, bunlar A. Vivaldi, P. Çaykovski, A. Qlazunov və başqalarıdır. Tamaşaların fərqli versiyaları vardı: bunlar dörd fəsil, dörd dəfə həyat, günün dörd vaxtıdır. Xoreoqraf R. Petitin bugünkü tamaşası Balanchine mövzusunda səhnələşdirilir. Balet Ensiklopediyasına müraciət edək.

George Balanchine, 1904 -cü il təvəllüdlü, Amerikalı xoreoqrafdır. Əsəri xoreoqrafiyada yeni bir istiqamətin formalaşmasına töhfə verdi. Çox vaxt sadə bir süjetə əsaslanan dramatik, komediya və fərziyyə baletləri səhnələşdirilir, burada hərəkət rəqs və pantomima vasitəsi ilə açılır; baletin tərzi əsasən müəyyən bir mənanın olduğu dekorativ dizaynla müəyyən edilirdi. Əsərindəki bu istiqamət ən çox 1934 -cü ildən sonra inkişaf etmişdir. Balanchine rəqs üçün nəzərdə tutulmayan musiqilərə baletlər yaratmağa başladı (suitlər, simfoniyalar, o cümlədən Four Seasons konserti). Bu baletlərdə süjet yoxdur, musiqi və xoreoqrafik obrazların inkişafında məzmun açılır.

Balanchine, süjetsiz balet, neoklassizm, rəqs naminə rəqs mövzusunda bir balet yaratmaq fikri xoreoqrafı ziyarət etdi. Bu arzunun nəticəsi Dörd Mövsüm baletinin yaranmasıdır. Roland təəssüratlara tabe olan bir impressionist adamdır. A. Vivaldinin fantastik musiqisi və xoreoqrafın yaradıcı təxəyyülü sayəsində bugünkü tamaşa səhnələşdirildi. Xoreoqraf kimi R.Petinin fərqləndirici xüsusiyyətlərindən biri xoreoqrafiya mətninin sadəliyi və aydınlığıdır. R. Peti bütün istiqamətlərdə və bütün janrlarda tamamilə yarada bilən bir insandır: filmlər üçün rəqslər, musiqili əsərlər, dram əsərləri üçün bir çox revü səhnələşdirdi. Rəqsin ilahi bir şey olduğu, tamaşaçı olanlara zövq və sevinc bəxş edən tamaşalar qurdu. R.Pety gözəl olan hər şeyə pərəstiş edən bir insandır. Xoreoqrafiyasına görə həmişə yalnız bir meyarı rəhbər tutur - gözəllik, musiqilik və gözəlliyin ahəngdar birləşməsi.

Four Seasons baleti dünyanın ən gözəl meydanlarından birində - Venesiyadakı Müqəddəs Mark Meydanında ifa olunur. Meydanın ilahi memarlığı bu tamaşanın fonudur. Tamaşanı ifa edən sənətçilər 70-80-ci illərin ulduzları olduqları üçün əfsanəvi hala gəldi. Bu Domenik Colfuni, Denis Gagno, Louis Gebanino. R. Petit onların yaradıcılığını və istedadını yüksək qiymətləndirdi. Xüsusilə, Domenik Kolfuni Petitin ən çox sevilən balerinalarından biridir. D. Colfuni Paris Milli Operasının balerinası idi, lakin R. Petitin xahişi ilə Marselə getdi. Onun üçün R. Petti bir çox tamaşa, xüsusən də "Mənim Pavlovam" pyesini yaratdı. A. Pavlova bir zamanlar xoreoqraf M. Fokin üçün ideal olduğu kimi, D. Colfuni də R. Peta üçün eyni "Pavlova" oldu. ("Mövsümlər", "Bahar" baletinin bir hissəsinə baxmaq).

Peşəkar musiqiçilərin Barok dövrünün musiqisinə olan marağı qurumur. Venesiya Barok Orkestri, 1997 -ci ildə italiyalı məşhur klaviatist və barokko bilicisi Andrea Marcon tərəfindən yaradılmışdır. Dörd il ərzində bu qrup barokko instrumental ifaçılığın ən yaxşı ansambllarından biri, ilk növbədə Antonio Vivaldi musiqisinin inandırıcı tərcüməçisi olaraq şöhrət qazandı. Bir çox Avropa ölkələrində orkestrin çoxsaylı konsertləri və opera çıxışları nəinki geniş tamaşaçılar arasında, həm də musiqi tənqidçiləri arasında böyük rəğbət qazandı. Orkestr öz ifaları ilə tamaşaçılara A.Vivaldi, F. Cavalli, B. Marçello əsərlərinin yeni oxunuşunu təqdim etdi.

Keçən konsert mövsümündə skripkaçı Robert McDuffy ilə ABŞ -ın 28 şəhərində konsertlər, skripkaçı Giuliano Carminolo ilə Yaponiya və Koreyada qastrol səfərləri, Amsterdamdakı ən yaxşı konsert salonlarından birində Antonio Vivaldinin əsərlərindən ibarət bir proqram səsləndirildi - Konsert proqramı. Avstriya, İsveçrə və Almaniyada keçirilən müxtəlif festivallarda iştirak edən orkestr Magdalena Kozhena, Cecilia Aartoli, Vivica Geno, Anna Netrebko, Victoria Mullova kimi məşhur solistlərlə birlikdə çıxış etdi.
Orkestrin geniş diskoqrafiyası bir çox nüfuzlu mükafatlara layiq görülmüşdür. Bura Vivaldi və Locatelli -nin skripka konsertlərinin, Vivaldinin simləri üçün simfoniya və konsertlərin albomu, dövrümüzün görkəmli musiqiçilərinin ifasında Barokko dövrünün bəstəkarlarının bir çox əsərləri daxildir.

A.Vivaldinin musiqisinə maraq qurudulmur. Onun üslubu geniş dinləyicilər tərəfindən tanınır, musiqi parlaqdır və rənglərini itirmir. Bunun nümunəsi, müasir xoreoqraf R.Petinin Vivaldi musiqisinə müraciəti və onun "Dörd Fəsil" baletini gözəl hazırlaması, yeni instrumental orkestrlərin yaradılmasıdır.

A.Vivaldi musiqisinin bu qədər populyar olmasının sirri nədir? Uzaq keçmişin bir bəstəkarının musiqisini dinləyərkən insanı sevindirən və kədərləndirən nə idi? Nə üçün çalışdı, nə haqqında düşündü və dünyanı necə qəbul etdi? A. Vivaldinin musiqisi, keçmişin musiqisi aydındır. Müasir bir insanın hissləri, düşüncələri, təcrübələri keçmişlə müqayisədə heç dəyişməmişdir. Bu, Vivaldi musiqisində müsbət və həyatı təsdiqləyən həyatın sevincidir, ətrafımızdakı dünyanın algısıdır. A. Vivaldinin əsərlərindəki konsertlər, Avropa bəstəkarlarının sonrakı nəsilləri üçün nümunə olan tam bir forma alaraq instrumental konsert janrının inkişafının davamı idi.

3. Ev tapşırığı:"İnstrumental konsert" mövzusunda yaradıcı bir dəftərdə tapşırıq.

Filarmonik ziyarətçilər, instrumental konsertin keçirildiyi salonda hökm sürən xüsusi, yüksək əhval -ruhiyyə ilə tanışdırlar. Solistlə bütün kollektiv - orkestr arasındakı rəqabət xüsusi maraq doğurur. Həqiqətən də konsert ən çətin instrumental janrlardan biridir. Onun spesifikliyi, solistin musiqidə mövcud ola biləcək ən çətin şərtlərə yerləşdirilməsindədir. Alətinin üstünlüyünü onlarla başqası ilə rəqabətdə sübut etməli olacaq.

Bəstəkarların seçdikləri alətin bütün texniki və bədii imkanlarını ortaya qoymağa çalışan parlaq, virtuoz bir xarakter verməsi əbəs yerə deyil. Konsertlər ümumiyyətlə ən qabaqcıl və zəngin resurslarla - piano, skripka, violonçel üçün yazılır.

Eyni zamanda, konsert yalnız iştirakçıların rəqabətini deyil, həm də kompozisiyanın ümumi ideyasının təcəssümündə solo və müşayiət olunan hissələrin bir -birini əvəz etməsini nəzərdə tutur.

Beləliklə, instrumental konsert ziddiyyətli görünən meylləri ehtiva edir:

bir tərəfdən, bütün orkestrlə müqayisədə bir alətin imkanlarını ortaya çıxarmaq üçün nəzərdə tutulmuşdur;
digər tərəfdən tam və mükəmməl bir ansambl tələb edir.

Göründüyü kimi, konsert sözünün ikiqat mənşəyi var: Latın dilindən "yarışmaq" mənasını verən "Concertare" və İtalyan "Concerto" dan, yəni "razılıq". Bu ikili məna bu janrın mənası və spesifikliyidir.

Instrumental konsert. Janrın tarixi

Ansambl çıxışının bir forması olaraq konsertin tarixi çox qədimlərə gedib çıxır. Bir solistin təşviqi ilə bir neçə alətdə birgə ifa etmək bir çox xalqların musiqi mədəniyyətində var.

Ancaq bu termin 16 -cı əsrdə, İntibahın sonlarında, İtaliyada ortaya çıxdı. Bu, kilsədə ifa olunan vokal polifonik əsərlərin adı idi. Bu cür əsərlər iki və ya daha çox mahnı parçasının bir orqanın müşayiəti ilə, bəzən də instrumental ansamblın müqayisəsinə (müsabiqəsinə) əsaslanırdı.

Daha sonra bu ad bir neçə alət üçün kamera kompozisiyalarına keçdi. Oxşar konsertlərə XVII əsrin əvvəllərində rast gəlinir, lakin əsrin ortalarında konsert orkestr əsərinə çevrilir və yeni bir ad alır - "Concerto Grosso".

Konsert

Yeni janr Concerto grosso ("böyük konsert") yaradıcısı, 17-18 -ci əsrin əvvəllərində görkəmli italyan skripkaçı və bəstəkarı Arcangelo Corelli idi. Concerto Grosso -da artıq solo və müşayiət edən alətlərə bölünmə var idi və birincilər həmişə bir neçə idi və onlara konsertino deyirdilər.

Bu formanın sonrakı inkişafı Corelli'nin daha gənc bir çağdaşı ilə əlaqələndirilir. Vivaldi'nin əsərində, konsert dövrü, 3 hissədən ibarət bir forma aldı, burada həddindən artıq sürətli hissələr ortanı yavaş bir çərçivəyə aldı. İlk konsertlərini də tək bir aləti olan skripka ilə yaratdı. Belə konsertlər Bax və Handel tərəfindən yazılmışdır.

Daha sonra əvvəlcə Concerto grosso -da müşayiət edən funksiyaları yerinə yetirən klaviatura, solo alət olaraq irəli sürülməyə başladı. Tədricən onun rolu daha da mürəkkəbləşdi və zaman keçdikcə klavsen və orkestr rollarını dəyişdi.

Wolfgang Amadeus Motsartın konsertlərinin quruluşu

Konsertin 3 hissədən ibarət quruluşu nəhayət əsas forma olaraq quruldu. Eyni zamanda, ilk hərəkət ikiqat ifşa ilə sonata şəklində yazılır (ilk dəfə orkestr tərəfindən, ikincisi, bəzi dəyişikliklərlə - solist tərəfindən). Hərəkətin sonunda virtuoz kadans - bir solistin ifa etdiyi epizoddur.

Bir qayda olaraq, o zaman kadans bəstəkar tərəfindən qeydə alınmırdı, ancaq solo alətin hissəsində xüsusi nişanla qeyd olunurdu. Solistə improvizasiya etmək, virtuoz qabiliyyətlərini nümayiş etdirmək üçün tam azadlıq verildi. Bu ənənə uzun müddət davam etdi və kompozisiya ideyasının inkişafında əhəmiyyətli bir rol əldə edərək, müəlliflər tərəfindən kadansın yazılmasına yalnız Bethovendən sonrakı dövrdə başlanıldı.

Ancaq kadenza bu və ya digər şəkildə instrumental konsertə daxil olarsa, əsas mövzuların ikiqat ifşası tədricən aradan qalxdı.

II, yavaş hərəkətin heç bir möhkəm qurulmuş forması yoxdur, lakin III hərəkəti, sürətli final, sonata və ya rondo şəklində yazılmışdır.

19-20-ci əsrlərdə instrumental konsertin inkişafı

Konsertin janrı müəyyən bir dövrün üslub meyllərinə tabe olaraq uzun bir formalaşma və inkişaf yolu keçmişdir. Yalnız ən vacib, əsas məqamları qeyd edək.

Konsert yeni doğuşunu Bethovenin əsərlərində yaşadı. Motsartda hələ də əyləncə xüsusiyyətlərinə sahib idisə, Bethoven onu ideoloji vəzifələrə qətiyyətlə tabe etdi, simfoniyaya yaxınlaşdırdı.

Konsertin simfonizasiyası romantik dövrün bəstəkarları tərəfindən davam etdirildi. Simfonik şeirin təsiri altında konsertin hissələri davamlı inkişaf edən bir kompozisiyaya birləşdi. Belə 1 fərdi konsertin yaradıcısı idi. Ona möhtəşəm bir virtuoz görünüş verdi.

Mendelssohn, Chopin, Schumann, Grieg'in əsərlərindəki bir instrumental konsert lirizm arzusunu ortaya qoyur. Bu, öz növbəsində, konsertin virtuoz elementinin rolunun azalmasına səbəb oldu. Beethovenin solo aləti və orkestri bərabər hüquqlu olsaydı, birincisi romantiklərə üstünlük verir, ikincisinə isə təvazökar bir müşayiətçi rolu verilir.

Bu arada, Bethms əsərində simfonik konsertin Beethoven ənənəsi inkişaf etməyə davam etdi. Lirik-dramatik simfoniyanın təsiri Çaykovskinin və xüsusilə Raxmaninoffun konsertlərinə təsir etdi.

Şopen Konsertinin canlanmasında yeni bir söz söylədi. Onun fortepiano konsertləri virtuoz miqyasda idi və fortepianonun yaxşı inkişaf etmiş orkestr hissəsi ilə uğurla rəqabət aparmasına səbəb oldu. Prokofyevin skripka konsertləri lirikdir və ilk növbədə solo alətin melodik təfsiri ilə diqqəti cəlb edir.

20 -ci əsrin bəstəkarlarının əsərlərində köhnə konsertin canlanma meylləri də izlənilir. Beləliklə, möhtəşəm virtuoz "barok" Gershwin və Khachaturianın əsərlərində çiçəklənir, qədim formaların intibahını Hindemith, Bartok və Stravinsky əsərlərində izləmək olar.

Instrumental konsert

Bu sözün özü, əlbəttə ki, xüsusən ilk mənasında sizə tanışdır. "Bir konsert," musiqi lüğətində deyilir, "əvvəlcədən tərtib edilmiş bir proqrama uyğun olaraq əsərlərin kütləvi ifasıdır."

Ancaq həqiqət budur ki, bu sözün başqa bir mənası da var: bu orkestrin müşayiəti ilə bir musiqi aləti (və ya səs) üçün bir parçanın adıdır. Amma niyə belə adlanır? Bəs niyə iştirakçılar konserti oynamalı oldular?

Bu söz "rəqabət" olaraq tərcümə edilə bilər ", beləliklə," Piano və Orkestr üçün Konsert "bir pianoçu ilə simfonik orkestr arasındakı yarışmadır.

Nə vaxt idmana baxmaqla maraqlanırsınız? "Rəqiblər" güc və bacarıq baxımından bərabər olduqda, elə deyilmi? Çünki zəif və güclü bir komanda və ya idman ustası həvəskar bir başlanğıcla yarışırsa, kimin qalib gələcəyi əvvəlcədən bəllidir. Və bu heç də maraqlı deyil.

Bəzi musiqi aləti və ... bütün bir simfonik orkestr konsertdə yarışır. Budur, budur! Ancaq kiçik bir fleyta və ya kövrək, zərif skripka qazanmaq və ya ən azından idman baxımından belə bir topla "heç -heçə etmək" həqiqətən mümkündürmü? Bu nə rəqabətdir?

Əla, dostlarım, gözəl rəqabət! Simfonik orkestrin gücü, gücü və parlaqlığı tək ifaçının istedadına, illərlə və illərlə əməyi ilə əldə edilən bacarığına ziddir. Sizə bir sirr deyim ki, qazanan demək olar ki, həmişə ilk baxışda ən zəif görünəndir. Solist orkestri özünə tabe edir. Əlbəttə ki, yalnız əsl musiqiçi, istedadlı bir ifaçı olsa, çünki bu onun üçün çox ciddi bir sınaqdır. Və bacarıq və istedad olmadığı zaman orkestr qalib gəlir. Amma bu nə acınacaqlı qələbədir. Qələbə var, amma musiqi yoxdur.

Konsert musiqisi. İçində nə çətinliklər tapa bilməzsən! Keçidləri, güclü akkordları, sürətlə yuvarlanan tərəzi tapmacaya qoymaq çətindir ... Bunların hamısı texniki çətinliklər, barmaqların çeviklik sınaqları, zərbə gücü-bir sözlə, musiqiçi-ifaçının bacarıqlarıdır. Bəstəkar, konsert yaradan zaman həmişə düşünür ki, musiqiçi bu işdə bütün bacarığını göstərə bilər.

Ancaq bəstəkar yalnız bu barədə düşünsəydi, konsert yalnız problemlərdən və ağıllı tapmacalardan ibarət olsaydı, bunu əsl sənət əsəri adlandırmaq olmazdı. Belə bir əsərdə ən vacib şey - fikir, məzmun olmayacaqdı.

Çaykovskinin konsertlə bağlı yazdıqları budur: “Burada iki bərabər qüvvə var, yəni kiçik, anlaşılmaz, lakin güclü düşüncəli rəqibin döyüşdüyü və qalib gəldiyi (ifaçı istedadlı olduğu təqdirdə, güclü, tükənməz dərəcədə zəngin bir rəng orkestri var. ). Bu mübarizədə bəstəkar üçün çoxlu şeirlər və cazibədar birləşmələrin uçurumu var ".

Bu sözlərdən sonra kitabın səhifələri səslənə bilsəydi, orkestrin parlaq, tam səsli akkordlarını - Birinci Piano Konsertinin başlanğıcını dərhal eşidərdik. Bu musiqinin ilk səsləri ilə sanki sevinc özü salona girir. Pianoda oturan pianoçu nə qədər kiçik və zəif görünür. Orkestrin güclü səsi sanki onu sıx bir divarla koridordan hasarlamışdı.

Və qüdrətli bir zəng kimi səslərin bu şən kütləsinə yeni bir səs töküldü. "Dinləmək! - sanki bizə ölçülü, təntənəli akkordlar deyirlər - Dinlə! Məni eşitmədən kömək edə bilməzsən. " Pianonun gurultulu, güclü səsini eşidirik, mükəmməl eşidirik. Skripkalar geniş bir melodiyada töküldü və orkestr tədricən sakitləşdi və hədsiz sevincini ram etdi.

İndi bir royal səslənir ... Virtuoso akkordları və keçidləri bir -birini dəyişir, melodiyanı parlaq, zəngin bir paltarda geyinir. Amma orkestr hələlik barışmayıb. Asanlıqla təslim olmayacaq, döyüşmədən təslim olmayacaq. Ehtiraslı bir mübahisə yaranır. Əsas mövzu indi orkestrdə, indi fortepiano hissəsində eşidilir ... Bəli, əlbəttə ki, bu, ilk növbədə, gözəl musiqidir. Əsl musiqi, yalnız başsındırıcı deyil, virtuoz fəndlər.

Adətən konsertin musiqisi yüngül, şən və zərifdir. Sizə deməliyəm ki, "konsert" sözü təkcə "rəqabət" deyil, həm də "razılaşma" kimi tərcümə olunur. Bu o deməkdir ki, rəqabət həmişə dostdur.

Ancaq əlbəttə ki, konsert dinləyərkən bəzən kədərlənirsən, xəyal qurursan və bir şey haqqında düşünürsən. Bəzən musiqi çox qaranlıq, hətta faciəli ola bilər. Məsələn, Şostakoviçin skripka konsertində və ya daha sonra danışacağımız Üçüncü Piano Konsertində. Ancaq bu daha az tez -tez baş verir.

Feliks Mendelssonun skripka konsertinin incə və ifadəli musiqi ləzzəti burada formanın ciddiliyi ilə birləşir. Bəstəkar Bethovenin simfonik ənənələri ilə əlaqəsindən danışmağa imkan verən o yüksək dramı burada əldə etmişdir. Eyni zamanda, konsert romantizm ruhu ilə doymuşdur - ilk notadan son notaya qədər. Mendelssohn yaradıcılığının ən xarakterik xüsusiyyətlərini - lirizm, mahnı, lütf, gözəllik və ətraf aləmin harmoniya hissini cəmləşdirdi.

Konsert böyük, çox hissəli bir işdir (baxmayaraq ki, bir hissəli konsertlər də var). Bir qayda olaraq, üç hissədən ibarətdir. Birincisi, ən təsirli, "mübarizənin əsas sahəsi" dir. İkincisi yavaş, lirikdir. Çox vaxt şəkilləri təbiətlə əlaqələndirilir. Üçüncü hissə finaldır. Final musiqisi ən çox şən, sürətli və parlaqdır.

Belə bir quruluş nəyə bənzəyir? Əlbəttə ki, simfoniya! Bir az simfoniya. Yalnız yeni bir xarakterlə - solist.

Simfoniyadan fərqli olaraq, konsertdə sözdə kadenza var - orkestr olmadan solistin ifasında böyük bir epizod. Maraqlıdır ki, qədim zamanlarda, konsertin forması yenicə ortaya çıxanda kadenza bəstəkar tərəfindən deyil, ifaçının özü tərəfindən hazırlanıb. Bəstəkar yalnız olması lazım olan yeri göstərdi (adətən ilk hərəkətdə). Sonra kadenza, solistin bütün bacarıqlarını nümayiş etdirdiyi, musiqi alətinin imkanlarını nümayiş etdirdiyi bir plug-in nömrəsinə bənzəyirdi. Belə bir kadansın musiqi mahiyyətinin əksər hallarda çox böyük olmadığını və əsərin məzmununda böyük rol oynamadığını təxmin etmək asandır.

Dördüncü Piano Konsertində bir pianoçu üçün cadenza yazan ilk şəxs idi. O vaxtdan bəri bu qayda halına gəldi. Cadenzalar konsertin ümumi musiqisində "qərib" olmağı dayandırdılar, baxmayaraq ki, bu günə qədər öz ustalıqlarını və parlaqlıqlarını qoruyub saxlayırlar və yenə də ifaçıya əsl ustalıq nümayiş etdirmək imkanı verirlər, istər musiqi alətinin bütün imkanlarını nümayiş etdirsinlər. bir piano və ya fleyta, skripka və ya trombon.

Bir konsertin bir yarış olduğunu söyləyirik, amma hər şeydən əvvəl, əlbəttə ki, solist üçün ən ciddi sınaq, əsl musiqiçi-ifaçı adı üçün ciddi bir sınaqdır.

İndi yəqin başa düşürsən ki, niyə konsertin ifası həmişə müsabiqə proqramına daxildir.

Və solist əsl, istedadlı bir musiqiçidirsə, deməli ...

Mətn Galina Levasheva.

Təqdimat

Daxildir:
1. Təqdimat - 10 slayd, ppsx;
2. Musiqi səsləri:
Çaykovski. 1 nömrəli fortepiano və orkestr üçün konsert. I. Allegro not troppo e molto maestoso (fraqment), mp3;
Raxmaninov. 3 nömrəli fortepiano və orkestr üçün konsert. I. Allegro (fraqment), mp3;
Mendelssohn. Skripka və orkestr üçün konsert. I. Allegro molto appassionato (fraqment), mp3;
Bethoven. Piano və orkestr üçün 4 nömrəli konsert. I. Allegro moderator. Cadenza, mp3;
3. Yoldaş məqalə, docx.

Konsertin instrumental forması, qəfil dəyişikliklər, narahatlıq və gərgin gözləmə ilə qeyd olunan bir dövrün estetik ideallarını təcəssüm etdirən Barokonun əsl töhfəsi sayıla bilər. Konsert, hər bir komponent hissəsinin qalan hissələrlə ziddiyyət təşkil etdiyi bir növ işıq və kölgə musiqili bir oyundur. Konsertin ortaya çıxması ilə musiqili nağılçılığa, insan duyğularının dərinliklərini çatdıra bilən bir növ dil kimi melodiyanın inkişafına meyl yaranır. Əslində, "konsert" sözünün etimologiyası "rəqabət", "mübarizə" sözlərindən gəlir, baxmayaraq ki, bu musiqi formasının mənasını anlamaq həm də "əlaqələndirmək" mənasını verən "consertus" və ya "conserere" ilə bağlıdır. "nizamlamaq", "birləşdirmək" ... Etimoloji mənalar, yeni bir forma ilə dövrün musiqi dilinin inanılmaz inkişafına töhfə verən bəstəkarların məqsədinə çox uyğun gəlir.

Tarixçilər inanırlar ki, grosso instrumental konsertinin yaranması 17-ci əsrin 70-ci illərində baş verib və onun şəcərəsi ya vokal-instrumental konsertdən, həm də ona çox yaxın olan 16-17-ci əsrin orqan və orkestri kantonundan, və ya 17 -ci əsrdə formalaşan ansambl sonatasından. Bu janrlar opera ilə yanaşı, yeni musiqi üslubunun - barokun əsas xüsusiyyətlərini təcəssüm etdirirdi.

L. Viadana, konsertlərinin toplusunun ön sözündə (Frankfurt, 1613), konsertdəki melodiyanın motetdən daha fərqli səsləndiyini, sözlərin əks nöqtə ilə örtülmədiyini və bas generalının dəstəklədiyi harmoniyanı vurğuladı. orqanı, ölçüyəgəlməz dərəcədə zəngin və doludur. Əslində, eyni fenomen 1558-ci ildə G. Tsarlino tərəfindən təsvir edilmişdir: "Elə olur ki, bəzi məzmurlar choros pezzato tərzində yazılır (" bölünmüş, cırılmış xor "un ifasını nəzərdə tutur- N. 3.). xorlar tez -tez Vespers zamanı və digər təntənəli saatlarda Venesiyada oxunur və hər biri dörd səsdən ibarət iki və ya üç xora bölünür.

Xorlar növbə ilə və bəzən birlikdə oxuyurlar, bu da sonda xüsusilə yaxşıdır. Və belə xorlar bir -birindən olduqca uzaqda yerləşdiyindən, bəstəkar, ayrı -ayrı səslər arasında uyğunsuzluğun qarşısını almaq üçün elə yazmalıdır ki, hər xor ayrı -ayrılıqda yaxşı səslənsin ... Fərqli xorların basları həmişə bir səslə və ya oktavada hərəkət etməlidir. üçüncüsündə, amma heç vaxt - beşincisində. "Fərqli xorların baslarının bir səslə hərəkət etməsi homofoniyanın tədricən formalaşdığını göstərir. Paralel olaraq, köhnə polifoniyanın möhkəm təqlidi əlaqəli dinamik eko prinsipi ilə əvəz olunur. buna baxmayaraq, lakin artıq yeni dövrə aparan, polifonik olmayan ilk formalaşdırma prinsiplərindən biridir.

Ancaq imitasiya musiqi inkişafında mühüm rol oynamağa davam etdi - köhnə üslubda olduğu kimi tez -tez düzdür. Gələcək konsert konserti üçün xarakterik hal alacaq görünən formalar var. Xüsusilə rəqs mövzularına əsaslanan konsertlərdə ikiqat ekspozisiyalar daha çox yayılacaq və Corelli -nin ilk ekspozisiyası ümumiyyətlə solo olsa da, sonrakı konsertdə tuttinin başlanğıcı daha populyardır. Ümumiyyətlə, konsert üçün ikiqat məruz qalma təbiidir: axı dinləyici hər iki səs kütləsini əvvəldən təqdim etməlidir. İnkişafın ən sadə yolu da göz qabağındadır - iki kütləin çağırışı. Və son tutti "konsert mübahisəsini" ümumiləşdirməlidir: Pretoriusla belə idi, Bax, Handel, Vivaldi ilə də belə olacaq. Benevoli Kütləvi nümunəsi, 18 -ci əsrin birinci yarısında musiqiyə hakim olan konsert və ya ritual formasını gözləyir. İndiyə qədər bu formanın mənşəyi ilə bağlı bir fikir birliyi yoxdur.

Onun kəşfçisi H. Riemann bunu bir fug ilə əlaqələndirdi və ritualı bir mövzuya və solo yerləşdirilməni intermediyalara bənzətdi. Əksinə, Schering, A. Scheibe (1747) ifadəsinə istinad edərək, konsert formasının fug ilə əlaqəsini mübahisə etdi və riturnel ilə ariyadan birbaşa əldə etdi. A. Hutchings, öz növbəsində, bununla razılaşmır: bu formanın mənbəyini 17 -ci əsrin sonunda Boloniyada mövcud olan və onun fikrincə birbaşa təsir edən truba və simli orkestrin sonatası hesab edir. qiraətdə. Hutchings, konsertin yayılmasından sonra riturnelli opera ariyasının bitmiş formasını əldə etdiyini vurğulayır.

Yalnız bir şey mübahisəsizdir: 18 -ci əsrin birinci yarısında konsert forması demək olar ki, bütün janrlarda olur və tədqiqatçıların onu dövrünün əsas forması hesab etməsi təsadüfi deyil (ikinci yarının sonata forması kimi) 18 -ci əsr). "Monotematik və klassik tematik dualizm arasında müstəqil bir forma" olaraq, konsert forması həm tematik birliyi, həm də lazımi ziddiyyət dərəcəsini təmin etdi və üstəlik, ifaçının tək parçalarda ustalığını nümayiş etdirməsinə imkan verdi. Yenə də, bütün yeniliklərinə baxmayaraq, təhlil edilən nümunələr birbaşa 16 -cı əsrin musiqisindən, ilk növbədə, demək olar ki, sonrakı bütün instrumental janrların əcdadı olan kantonadan gəlir. Gələcək sonata dövrünün doğulduğu instrumental canzonda (canzonada sonar) idi, fugue və ya üç hissəli qisas növü kimi formalar kristallaşmağa başladı (bir çox kanton ilkin mövzu ilə bitdi); kantonlar, çap olunan instrumental kompozisiyaların birincisi idi və nəhayət, burada ilk dəfə olaraq orkestral qruplar, səslərin iştirakı olmadan müqayisə olunmağa başladı.

Yeni bir konsertə doğru bu addımı St. Venesiyada Mark (1584-1612). Tədricən, onun kantonlarında və sonatalarında təkcə alətlərin və xorların sayı artmır, həm də tematik bir təzad yaranır: məsələn, təntənəli tutti akkordları xorlardan birinin imitasiya qurulmasına qarşıdır. Məhz bu ziddiyyətdə, erkən və orta barokkonun bir çox formaları qurulacaq: bütün instrumental dövrlər ondan çıxacaq və bəzi hissələrdə kantonaya xas olan belə təzadlar Corelli dövrünə qədər və hətta sonralar da qalacaq.

Kantona vasitəsilə, motetə xas olan formalaşdırma üsulu, Barokko instrumental musiqisinə də nüfuz etdi - çox qaranlıq epizodların sıxılması.

Ümumiyyətlə, barokko melodiyası - istər kantonanın və erkən sonatanın "mozaikası" olsun, istərsə də Baxın və müasirlərinin "sonsuz melodiyası" olsun - həmişə müəyyən bir impulsdan tərəqqi xarakteri daşıyır. Fərqli impuls enerjiləri fərqli yerləşdirmə müddətini təyin edir, ancaq ətalət tükəndikdə, 17 -ci əsrin kantonunda və ya yetkin barokun polifonik miniatürlərində olduğu kimi kadans gəlməlidir. B.V.Asafiev bu nümunəni məşhur i: m: t düsturunda əks etdirmişdir. Konsert yayılması, bu formulun qapalı təbiətini aşdı, kadansını yenidən düşündü, yeni bir yerləşdirmə üçün bir impuls halına gətirdi və ya motivasiya quruluşları səviyyəsindəki yeni lokal impulsların və modulyasiyaların köməyi ilə sonsuzca gecikdirdi (struktur modulyasiyalar - A. Milky termini) ).

Daha az tez -tez, inkişafı başqa bir müstəviyə köçürən qəfil bir kontrast istifadə edildi. Beləliklə, artıq Marininin sonatasında barokko üçün "tədricən keçid texnikası" formalaşmağa başlayır: ziddiyyətli elementlər olsa belə sonrakı inkişaf birbaşa əvvəlkindən gəlir. Erkən Barok, İntibah dövrünün musiqisindən başqa bir formalaşma prinsipini miras aldı: Rönesansın gündəlik musiqisində inkişaf etmiş populyar rəqslərin ritmik-intonasiya formullarına güvənmək.

"Kamera" və "kilsə" sonatalarından da bəhs edilməlidir. Tarixçilərə görə, hər iki janr, nəhayət, 17 -ci əsrin ikinci yarısında, Lehrenzinin işlədiyi zaman formalaşmışdır. Janrların adları "üslublar" nəzəriyyəsi ilə əlaqələndirilir (bundan sonra tırnak işarələrində verdiyimiz 18 -ci əsrin anlayışında "üslub" termini), öz növbəsində "ritorik rasionalizm" estetikasının bir hissəsi idi. "bütün barok sənətinə xasdır. (Bu termin A. Morozov tərəfindən "Avropa Barokunun problemləri" məqaləsində təklif edilmişdir).

Ritorika Qədim Yunanıstanda natiqlik praktikasında inkişaf etmiş və Aristotelin, sonra da Tsitseronun risalələrində öz əksini tapmışdır. Ritorikada vacib bir yer, birincisi, natiqə bir mövzu tapmağa, inkişaf etdirməyə və aydın və inandırıcı, öyrədici, xoş və toxunan şəkildə, ikincisi, "üslub nəzəriyyəsi" ni tapmağa kömək edən "locitopici" - "ümumi yerlərə" verildi. "Barokko dövrünün musiqiçiləri üçün lokitopici, fərdi hissləri obyektivləşdirmək üçün bir yol, sənətlərinin ifadəli vasitələri toplusuna çevrildi. məlum və tipik. Və "üslub" kateqoriyası, müasir dövrün janrlarının və formalarının müxtəlifliyini anlamağa kömək etdi, tarixçiliyin meyarlarını musiqi estetikasına daxil etdi (çox vaxt "moda" sözü altında), fərqli xalqların musiqisi arasındakı fərqi izah etdi. , dövrünün ən böyük bəstəkarlarının yaradıcılığında fərdi xüsusiyyətlər seçilmiş, ifaçılıq məktəblərinin formalaşması əks olunmuşdur ...

17 -ci əsrin sonlarında, sonata da kamera, dachiesa terminləri, ilk musiqi lüğətlərindən birinin müəllifi de Brossard tərəfindən 1703 -cü ildə yazılmış, dövrünün təbiəti kimi nəinki performans yerini, həm də çox mənasını ifadə edirdi. . Bir çox cəhətdən Brossardın qırx səkkiz Corelli dövrünün təsvirinə uyğundur, dörd opusda birləşmişdir: op. 1 və 3 - kilsə sonataları, op. 2 və 4 otaqlıdır.<...>Hər iki növ dövr üçün əsas tikinti prinsipi tempdir və tez -tez metrik kontrastdır. Ancaq kilsə sonatasında yavaş hissələr ümumiyyətlə daha az müstəqildir: sürətli hissələrə giriş və keçid rolunu oynayır, buna görə də tonal planları çox vaxt açıq olur.

Bu yavaş hissələr yalnız bir neçə tədbirdən ibarətdir və ya instrumental ariosoya yaxınlaşır, fortepiano akkordlarının davamlı bir pulsasiyası üzərində qurulur, ifadəli fasilələrlə və ya təqlidlə, bəzən Caesuralar tərəfindən kəsilmiş bir neçə müstəqil bölmə də daxildir. Bir kilsə sonatasının sürətli hissələri, ümumiyyətlə, təqlid elementləri olan fuges və ya daha çox pulsuz konsert quruluşlarıdır, daha sonra bu Allegro fug və konsert forması birləşdirilə bilər. Kamera sonatasında, orkestr və ya klavier süitasında olduğu kimi, hissələr əsasən tonal və quruluş baxımından tamamlıdır, formalarında elementar iki və üç hissənin daha da inkişafını izləmək olar.

Zil və xüsusən də saraband və gavotte tematizmi ümumiyyətlə homofonikdir, çox vaxt simmetrikdir; sonata formasının başlanğıcı nəzərə çarpır. Əksinə, allemandes və gigues tez -tez dayanmadan və təkrarlanmadan hərəkət edir, allemandesdə polifonik elementlər tez -tez rast gəlinir, hiqqət tez -tez konsert ruhu ilə doludur. Dachiesa və dacamera sonataları ciddi bir kompozisiya sxemi ilə əlaqələndirilmir.

Bütün kamera konsertləri müqəddimə ilə başlayır, ardınca rəqs parçaları gəlir, yalnız ara -sıra yavaş girişlər və ya Allegro konserti ilə əvəz olunur. Kilsə konsertləri daha təntənəli və ciddidir, amma hərdən bir mövzu, gavotte və ya minuet ritmləri eşidilir. Süitə bənzər dakamera sonata ilə heç bir əlaqəsi olmayan və tədqiqatçıların fikrincə, kamera musiqisindən deyil, Bolonya məktəbinin kilsə musiqisindən yaranan sözdə kamera konserti, erkən dövrlərin janr bölmələrində xeyli qarışıqlıq yaradır. 18 -ci əsr.

İtalyan uvertürası deyilən müasir və "ikiqat" dan-Torelli, Albinoni və Vivaldinin üç hissədən ibarət konsertindən bəhs edirik, dərslik təsviri bizə I.- I. Quantz. "Kamera konserti" nin ilk hissəsi ümumiyyətlə dörd vuruşlu bir metrdə, konsert şəklində tərtib edilmişdir; onun ritualının təmtəraq və polifonik zənginliyi ilə seçilməsi lazım idi; gələcəkdə parlaq, qəhrəmanlıq epizodlarının lirik epizodlarla daimi bir ziddiyyət tələb olunurdu. İkinci, yavaş hərəkət, ehtirasları həyəcanlandırmaq və sakitləşdirmək məqsədi daşıyırdı, birincisi sayğac və açarla (eyni adlı kiçik, birinci qohumluq dərəcələrinin açarları, böyüklükdə kiçik dominant) fərqli olaraq solistin hissəsində müəyyən miqdarda bəzək işlətməyə imkan verirdi. bütün digər səslərə itaət etdi.

Nəhayət, üçüncü hərəkət yenə sürətlidir, amma birincisinə tamamilə bənzəmir: daha az ciddidir, tez-tez üç vuruşlu metrdə rəqs edir; onun ritualı qısa və atəşlə doludur, lakin bəzi flirtatizmdən məhrum deyil, ümumi xarakter canlı, oynaqdır; ilk hərəkətin möhkəm polifonik inkişafı əvəzinə yüngül homofonik müşayiət var. Kvants belə bir konsertin optimal müddətini belə adlandırır: birinci hərəkət 5 dəqiqə, ikincisi 5-6 dəqiqə, üçüncüsü isə 3-4 dəqiqədir. Barok musiqisindəki bütün dövrlər içərisində üç hissə ən sabit və xəyali olaraq qapalı bir forma idi. Ancaq bu formanın "atası" Vivaldi də tez -tez ayrı -ayrı hissələrin janr növlərini dəyişir. Beləliklə, məsələn, iki buynuzlu "Drezden" A-major konsertində (F. Malipieronun redaktoru Vivaldinin toplanmış əsərlərində-XII cild, no. 48) o, üç hissədən ibarət dövrün ilk hərəkətini açır. Fransız uvertürasının xarakterində Allegro üçün yavaş çərçivə. Və Malipiero kolleksiyasının XI cildindən Səkkizinci Konsertdə, Quantzın təsvirindən fərqli olaraq üçüncü hərəkət bir fugadır.

Bach bəzən bənzər bir şəkildə hərəkət edir: 2 nömrəli Brandenburg Konsertində, dövrənin forması üç hissədən fugue ilə bağlanan dörd hissədən ibarət bir kilsəyə "modulyasiya olunur". Çox vaxt bir süitdən, kilsə sonatasından və ya opera uvertürasından götürülmüş hissələr üç hissəli bir dövrə əlavə olunur. 1 nömrəli "Brandenburg Konserti" ndə minuet və polonezdir. Və GF Telemannın F major skripka konsertində, ilk hərəkətin ritual formasını tipik bir süit davamı izləyir: Corsicana, allegrezza ("gaiety"), scherzo, rondo, polonez və minuet. Dövr səviyyəsindəki modulyasiya ümumi bir əlaqə - Corsicana vasitəsi ilə həyata keçirilir: 3/2, Unpocograve, lakin melodik qəribəliyi və açısı ilə konsertin yavaş hissəsinin ənənəvi janr növündən uzaqlaşdırır. Beləliklə, "doğaçlama" nın artan əhəmiyyətini qeyd etmək olar.

Eyni zamanda, Quantz, dövrün digər teorisyenleri kimi, konsertin ən vacib xüsusiyyətlərindən biri "konsert səslərində təqlidlərin ağıllı şəkildə qarışdırılması" hesab edirdi ki, qulaq bu və ya digər aləti cəlb etsin, eyni zamanda bütün solistlər. bərabər qalacaq. Nəticədə, artıq Corelli dövründə, konsert grosso yoldaşlarının təsirinə məruz qalır - solo və yetişmiş (solistlər olmadan) konsertlər. Öz növbəsində, bəzən orkestrin əlavə solistləri fərqlənir, məsələn, "Bahar" konsertinin birinci hissəsində. 8 Vivaldi, quşların mahnı oxuduğunu, orkestrin daha iki skripkasını solo skripka ilə birləşdirən ilk hissədə konsertin sonunda heç bir vizual niyyət olmadan ikinci solo skripka təqdim edir - toxumasını zənginləşdirmək üçün.

Bu janr, ikidən səkkizə qədər və ya daha çox müxtəlif konsert alətlərinin qarışığı ilə xarakterizə olunur. Quantz vatandaşı olan Matteson, konsertdəki hissələrin sayını həddindən artıq çox hesab etdi və bu cür konsertləri aclığı doydurmaq üçün deyil, təmtəraq və cazibədarlıq naminə hazırlanan masaya bənzətdi. "Hər kəs təxmin edə bilər," Matteson düşüncəli şəkildə əlavə edir, "belə bir alət mübahisəsində ... qısqanclıq və qisasçılıq, qısqanclıq və nifrət təsvirinin əskikliyi yoxdur." Həm Quantz, həm də Matteson, Alman konsertogrosso ənənəsindən gəldi. Schering, almanların sevgisini bu janrdakı qarışıq kompozisiyalara külək alətlərində çalma ənənələri ilə əlaqələndirdi: hətta orta əsr Almaniyada kilsələrdə, təntənəli mərasimlərdə, toylarda oynayan və eyni zamanda müxtəlif mahnılar verən Stadtpfeifer (şəhər musiqiçiləri) bir atelyesi var idi. qaladan və ya bələdiyyə binalarından gələn siqnallar ...

Pirinç konsertino, Schering görə, çox erkən görünür, demək olar ki, simlərlə eyni vaxtda. Onun ən populyar modeli, eyni zamanda iki obo və "bas" unison basosundan ibarət üçlük idi. Bəzən oboyları fleyta ilə əvəz edirdilər. Bu cür kompozisiyaların geniş yayılması (tezliklə "bas" timpani ilə iki zurna da olacaq) təkcə akustik mahiyyəti və simli üçlüyə bənzərliyi ilə deyil, həm də 17 -ci illərin 70 -ci illərində Lully -nin nüfuzuna aiddir. əsr onları Fransız hərbi qruplarından operaya köçürdü. Üç və beş səsin birləşməsi - tamamilə dinamik, tembr deyil - formalarını mükəmməl təşkil edir və bölür. Əslində bu, köhnə çox xorlu konsertin texnikasının daha da inkişaf etdirilməsidir.

Lully-dən nümunə alaraq, Georg Muffat, konsertinin inkişaf hissələrində qapalı kütlələrin eko-rulonlarından istifadə edəcək, bu texnika Corelli və davamçıları tərəfindən laqeyd qalmayacaq. Ancaq 18 -ci əsrdə Vivaldi "hər iki sağlam mövzunun stilistik birliyini tələb edən konsertinonun köhnə anlayışını rədd edir və dövrün ruhunun diktə etdiyi yeni, rəngarəng və proqramlı bir proqram irəli sürür. Bu prinsip artıq məlum idi. Torelli və Corelli bunu pastoral konsertlərində tədricən inkişaf etdirdilər. Vivaldi bunu resital şeiri ilə birləşdirdi. " Musiqi tarixində tez -tez olduğu kimi, orkestrin rəngarəng proqramlı təfsiri simfonik üsluba teatrdan gəldi. Öz növbəsində, 18 -ci əsrin əvvəllərində operalara, oratoriyalara və kantatalara bir çox uvertüralar konsertli grosso dövrləri olaraq ortaya çıxır. İlk "İtalyan uvertüralarından" biri - A. Scarlattinin "Eraclea" operasına (1700) - üç hissəli "Vivaldian" dövrü.

Səs kütlələrinin bir araya gəlməsi prinsipi barokko orkestrinin əsas prinsiplərindən biri idi və bu birləşmələrə əsaslanan ritual formanın bütün janrlarla yaxşı uyğunlaşması heç də təsadüfi deyildir. Onun təsirini erkən klassik üslublu simfoniyalarda (yan hissədə toxumanın incəlməsi, tutti istilaları - "riturneli" və s.), Gluck, Rameau və Graun qardaşlarının operalarında görmək olar. Və rulonlarına onlardan təcrid olunmuş konsertinlərin əlavə edildiyi iki orkestr üçün simfoniyalar, 18 -ci əsrin ikinci yarısında İtaliyada yazılmışdır; gündəlik və proqram musiqisində Haydn və Motsart bəzən polikor istifadə edirdilər.

Dərs mövzusu: "Instrumental Konsert".

Pedaqoji məqsəd: instrumental konsertin janrı, nə vaxt və necə yarandığı, necə inkişaf etdiyi haqqında fikir vermək.

Dərsin məqsədindən asılı olaraq aşağıdakılar təyin olunur vəzifələr:

Təhsil: A.Vivaldinin "Dörd Fəsil" konsertinin nümunəsində instrumental konsert janrının mənşəyi və inkişafı ilə tanış olmaq, müxtəlif konsert növləri haqqında fikirləri birləşdirmək, proqram musiqisi haqqında fikirləri genişləndirmək.

İnkişaf edir: Barok musiqisinin ən yaxşı nümunələrini təqdim etməyə davam edin.

Təhsil: Klassik musiqi algısına emosional həssaslığı aşılamaq, digər ölkələrdən olan bəstəkarların musiqi irsinə maraq və hörməti inkişaf etdirmək.

Planlaşdırılan nəticələr:

Şəxsi : tələbə musiqi öyrənmək üçün motivasiya olacaq, düşünmə prosesində özünü qiymətləndirmə qabiliyyəti; tələbə davranışda əxlaq normalarına və etik tələblərə sabit bir şəkildə riayət etmək imkanı əldə edəcək;

Mövzu: şagird öyrənəcək şüurlu şəkildə qavrayır və canlandırır. əsərlər; musiqi janrlarında, obrazlarda, formalarda gəzmək; ədəbi ilkin mənbələrə müraciət edin, əxlaqi ideal haqqında fikirlərin inkişafının əsası olaraq bədii mətnlərin əxlaq problemlərini vurğulayın; bir sənət növü olaraq musiqi və ədəbiyyatın xüsusiyyətlərini dərk etmək.

Metasubyekt.

Şəxsi: şagird öyrənəcək musiqini qəbul edərkən emosional həssaslıq, şəxsi münasibət göstərmək; şagirdin öyrənmə imkanı olacaq qiymətləndirmələrinin, motivlərinin, məqsədlərinin mənasını izah edin.

Bilişsel: öyrənəcək musiqi əsərlərini və bir əsərin şəkillərini təhlil edin, müqayisə edin, ortaq və fərqli tapın; bəstəkarın yaradıcılığının xüsusiyyətlərini qiymətləndirmək və əlaqələndirmək. Öyrənmək imkanı əldə edin öyrənilən kurs çərçivəsində fərdi xüsusi terminlərə sahib olmaq, müxtəlif məlumat mənbələrindən istifadə etmək, sənətlə müstəqil ünsiyyət qurmaq üçün səy göstərmək.

Tənzimləyici: öyrənəcək bədii məna verən musiqi ifa etmək; öyrənmək imkanı əldə edin dərsin mövzusunu və problemini müəyyənləşdirmək və formalaşdırmaq; musiqi əsərlərini gözəllik və həqiqət baxımından qiymətləndirmək.

Ünsiyyətcil: öyrənəcək işləri cüt, qrup halında təşkil etmək; fikirlərinizi bildirin, mübahisə edin və faktlarla təsdiq edin; NS öyrənmək imkanı əldə edin mahnı ifasında və qrup işində həmyaşıdları ilə əməkdaşlıq edin.

Dərsin növü: yeni biliklərin "kəşfi" dərsi.

Dərsin növü:əks etdirmə dərsi.

Avadanlıq: noutbuk, 6 sinif üçün "Musiqi" dərsliyi üçün fono-xrestomatika, A. Vivaldinin "Mövsümlər" dövrü, A. Ermolovun "Mövsümlər" mahnısının çap sözləri və s.

DƏRSLƏRDƏ

Org. an. Duygusal münasibət.

Salamlar;

Salam əziz uşaqlar, sizi görmək çox xoşdur.

Səni bu gün yenidən görürəm
Yenidən səslənmək üçün musiqi
Və gözəl sənət
Yenə bizi valeh edəcək.
Bütün ürəklər bir istəklə
Musiqi birləşdirəcək
Və təntənəli və möhtəşəm
Ruhumuzda səslənəcək!

Ümid edirəm dərsdə fəal iştirak edəcəksiniz. Mən də öz növbəmdə dərsi sizin üçün maraqlı və məlumatlı etməyə çalışacağam.

2. Dərsin mövzusu. Məqsədin təyin edilməsi.

1) Bir neçə dərs ərzində kamera musiqisi haqqında danışdıq. Mənə deyin, "kamera musiqisi" nədir?

Palata, yəni. kiçik bir auditoriya üçün kiçik otaqlarda ifa etmək üçün nəzərdə tutulmuş otaq musiqisi (uşaq cavabları).

Bu gün dərsdə nələrin müzakirə ediləcəyini başa düşmək üçün krossvord tapmacanı həll etməyi təklif edirəm. Söz şaquli olaraq gizlənir. Biz cüt -cüt işləyirik.

Bir yerdə birlikdə ifa edən böyük bir instrumental musiqiçilər qrupu (ORCHESTRA)

Xor, solistlər və orkestr üçün çox hissəli iş (KANTATA)

Oxumağın əsas ifadə vasitəsi olduğu musiqi tamaşası (OPERA)

Bir operaya, tamaşaya və ya müstəqil simfonik əsərə orkestral giriş (OVERTURE)

Dörd ifaçıdan ibarət ansambl (müğənnilər və ya instrumentalistlər) (Dördlük)

(şaquli) Simfonik orkestr və hər hansı bir solo alət üçün 3 hissədən ibarət əsas musiqi parçası (KONSERT)

- yoxlama, qiymətləndirmə;

2) - Dərsin mövzusunu tərtib edin.

- Dərsin mövzusu "Instrumental Konsert" dir (lövhəyə yaz).

Hansı məqsədlər qoya bilərik?

3) yeni materialın təkrarlanması və tətbiqi.

Bir konsertin nə olduğunu xatırlayaq?

- Konsert -(italyan dilindən tərcümədə müqavilə, Latın dilindən tərcümədə rəqabət deməkdir). Konsert - simfonik orkestr və solo alət üçün musiqi parçası. Adətən üç hissədən ibarətdir. Orkestr olmadan bir alət üçün konsertlər var. solisti olmayan orkestr üçün, xor üçün konsertlər. Rus musiqisində müqəddəs bir xor konserti janrından geniş istifadə olunurdu.

Instrumental konsert - musiqi alətləri üçün tək, oxumadan konsert.

- Konsertin janrı 17 -ci əsrdə skripka ifaçılığının intensiv inkişafı ilə əlaqədar olaraq yaranmışdır.

Antonio Vivaldi, virtuoz skripkaçı, dirijor və müəllimdir, 17-18 -ci əsrin ən böyük bəstəkarlarından biridir. O dövrdə yaşadı və çalışdı barokko
Janrın yaradıcısı idi - instrumental konsert.

Bir sözlə müəyyənləşdirin barokko dövrü? ( Qəribəlik).

Təxminən 450 Vivaldi konserti məlumdur. Musiqidə dram, xor və solist arasındakı ziddiyyət, səslər və alətlər tamaşaçıları heyrətləndirdi: doyma yerini sakitliyə, gücə həssaslığa verdi, solo orkestr tərəfindən kəsildi.
Vivaldi konsertlərinin kompozisiyalarında solo və orkestral hissələr bir -birini əvəz edirdi.

Vivaldi yaradıcılığının zirvəsi. Bu dövrü birləşdirdi dörd konsert solo skripka və simli orkestr üçün. Onlarda musiqi obrazının inkişafı səsin müqayisəsinə əsaslanır * skripka - solo * orkestr - tutti (italyan dilindən tərcümədə hamısı).

Kontrast prinsipi konsertin üç hissədən ibarət formasını müəyyən etdi: 1 -ci hərəkət - sürətli və enerjili; 2 -ci - lirik, melodik, kiçik formalı; 3 -cü hərəkət - final, canlı və parlaq.

Təbiət həmişə musiqiçiləri, şairləri və sənətkarları sevindirdi. Təbiətin gözəlliyi, fəsillərin dəyişməsi: payız, qış, bahar, yay - hər biri özünəməxsusdur

Necə düşünürsünüz, şair sənətçilər fəsillər mövzusuna üz tutdular?

Belə əsərlərdən xəbəriniz varmı?

Şairlər təbiət haqqında çoxlu şeirlər yazmışlar, rəssamlar təbiət haqqında, bəstəkarlar təbiət şəkillərini əks etdirən çoxlu musiqi yazmışlar.

Bu gün hər mövsümün şeirdə, rəsmdə və musiqidə necə təsvir edildiyini müqayisə edəcəyik. Rus şairlərinin şeirləri, rus rəssamlarının rəsmlərinin reproduksiyası və doğma təbiətinin gözəlliyini musiqisi ilə əks etdirməyi bacaran italyan bəstəkarı Antonio Vivaldinin sehrli musiqisi bu işdə bizə kömək edəcək.

Şeirlər, rəsmlər və musiqi hər mövsüm görməyimizə, eşitməyimizə və hiss etməyimizə kömək edəcək.

(Birinci hissə səslənir, müəllim ad çəkmir).

Bu musiqi hansı hissləri ifadə edir?

Bu musiqini hansı mövsümlə əlaqələndirmək olar? ?

Şagirdlər ilkin intonasiyanı, musiqinin təbiətini, sürətli tempi, dinamikanın ziddiyyətlərini, vizual anları - quşların mahnısını təqlid edir - bu bahar

Dinlənilən musiqi parlaq, zəngli, şəndir. Uçuşu, hərəkəti, quşların nəğməsini hiss edə bilərsiniz. Melodiya yüngül, baharın gəlişi musiqidə hiss olunur.

Konsertin birinci hissəsinin əsas melodiyası necə səslənir?

Bu hissə şən, qayğısız bir melodiya ilə başlayır, yüngül, yüngül, şəffaf, rahat.

Bəstəkar epizodlarda nəyi canlandırdı?

Oxuyan quşlar, mızıldayan çaylar, ildırım çaxması və şimşək çaxması.

Göy gurultusu keçəndə yenə hər səsdə baharın gəlişinin sevinci var. Quşlar baharın gəlişini elan edərək yenidən mahnı oxuyurlar.

Tələbələr: Mümkün olan uşaq cavabları: orkestrin harada və solo skripkanın harada çalındığını aydın eşidə bilərsiniz. Orkestrin böyük miqyasda ifa etdiyi melodiya çox aydın, parlaq, xatırlanması asan, rəqs ritmindədir. Solistin ifa etdiyi melodiya daha mürəkkəbdir, virtuoz, gözəldir, musiqi nəğmələri ilə bəzədilib, quşların oxumasına bənzəyir).

Yaxşı, nə hiss etdiniz və xəyal etdiniz?

Erkən yazdır, ya gec?

Bəli. Erkən, musiqi təbiətin oyanışını təsvir etdiyi üçün.

Bu vəziyyəti çatdıran musiqi necə səslənir (sürətlə, enerjili, dürtüsel olaraq ...)

Tələbə cavabları

Alətlərin təbiətin səslərini necə təqlid etdiyini eşitmisinizmi? (slayd şousu)

Quşların şən nəğmələri, dərələrin şən gurultusu, küləyin yumşaq zərbəsi, bir göy gurultusu ilə əvəz olundu.

Yoxsa bəlkə də həyatın bahar oyanışını seyr edən insanın vəziyyəti budur?

Baharda özünüzü necə hiss edirsiniz?

Hansı yeni hissləriniz var?

Tələbə cavabları

Müəllim tamamlayır: xoşbəxtlik hissi, işıq, istilik, təbiətin təntənəsi.

Şagirdlər bunun YAY olduğunu müəyyən edirlər. Bahar haqqında bir replikasiya yerləşdiririk.

"Mövsümlər" konsert dövrü - proqram esse bəstəkar dövrünün hər bir konsertinin məzmununu açdığı poetik sonetlərə söykənir. Sonetlərin bəstəkarın özü tərəfindən yazıldığı güman edilir

- Bədii mətn musiqili mətnə bənzəyir və sənətin hər biri insanın vəziyyətini, baharın gəlişindən yaranan hisslərini öz vasitələri ilə təkrarlayır.

Mövsümlər mövzusu sənətdə həmişə məşhur olmuşdur. Bu bir neçə faktorla izah olunur.

Əvvəlcə, müəyyən bir mövsüm üçün ən xarakterik olan hadisələri və əməlləri bu xüsusi sənət vasitələri ilə mümkün etdi.

İkincisi, hər zaman müəyyən bir fəlsəfi məna qazandı: fəsillərin dəyişməsi insan həyatının dövrlərinin dəyişməsi baxımından nəzərə alındı.

Bahar, yəni təbii qüvvələrin oyanışı, başlanğıcı təcəssüm etdirdi və gəncliyi simvolizə etdi

qış - yolun sonu qocalıqdır.

Eşitmə "Qış" (2h. Largo) A. Vivaldi.

(Cavablar araşdırılır). Musiqi sakit, melodik, ruhlu, düşündürücü, lirik.

Niyə üç əsrdən çox əvvəl yazılmış musiqi bizim dövrümüzdə tez -tez səsləndirilir?

(Cavablar araşdırılır).

Uşaqlar, təəssüratlarınız necədir?

İlin hansı vaxtıdır?

Bu musiqini dinləyərkən nə xəyal etdiniz?

Və bu səslə, performansla necə çatdırılır?

(mövzu, melodiya hərəkəti, səs gücü)

Bəli. "Buzlu bir küləyin əsməsi altında, bütün canlılar qarda titrəyir" kimi hər şeyi əhatə edən bir qış soyuqluğu hissi var (slayd şousu)

Sizcə, musiqidə yalnız təbiət, qış obrazı var, yoxsa insan bəstəkarının hissi çatdırılır?

Bəli. Axı insan təbiətin bir hissəsidir və bu musiqidə soyuqqanlılığı, soyuqluğu, insanın qışın çətinliklərini dəf etməyə hazırlığını, iradəsini və hazırlığını hiss edirik.

4) fiziki dəqiqələr;

Vaxt varsa, eyni zamanda "Yaz" hissəsini, "Payız" hissəsini xarakterizə edirik.

Müəllim uşaqlarla birlikdə təyin edinKontrast prinsipi işləyir

1 -ci hissə - Allegro (Bahar gəldi)

sürətli, enerjili, ümumiyyətlə yavaş bir giriş olmadan

2 -ci hissə - Largo e pianissimo semper (Yatan çoban) lirik, melodik, daha təvazökar ölçüdə

3 -cü hissə - Allegro danza pastorale. (Ölkə rəqsi) final, çevik, parlaq

- bu işi skor cədvəllərinizdə qiymətləndirin.

4) sinxronların tərtib edilməsi (qrup şəklində);

SİNQUEİN (5 sətir)

Birinci xətt- isim;

İkinci sətir- iki sifət;

Üçüncü sətir- üç fel;

Dördüncü xətt-

Beşinci xətt-

Gəldi, çiçək açdı, oyandı.
Lütf!

Qiymətləndirmə.

Çıxış: Bəstəkar, konsertlərində ətraf aləm haqqında öz təsəvvürünü ifadə etdi. Musiqi insanın hisslərini, təbiətə, dünyaya münasibətini çatdırır. Bir insanın yaşadığı dövrdən asılı olmayaraq dəyişməzdirlər.

Vivaldinin konsertləri instrumental konsert janrının inkişafının əsasını qoydu.

4. Vokal işi.

Nəfəs alma məşqləri;

Pre-Xor;

Eşitmə;

Y. Antonovun bir mahnısını oxumaq. "Gözəllik hər yerdə yaşayır";

4. Nəticələr. Refleksiya.

Nə öyrəndin?

Nəyi bəyəndiniz?

(əhval -ruhiyyə vərəqini doldurun).

№ vəzifələr	sinif	№ vəzifələr	sinif




Dərs başına ümumi qiymət		Dərs başına ümumi qiymət