Det berømte franske koreograf krydsord. Pierre lacotte - berømt fransk danser og koreograf

hjem / Tidligere

En balletmester er instruktør for dansenumre i koncerter, balletopførelser, koreografiske scener i musikalske og dramatiske forestillinger, lederen af et danseensemble eller en flok dansere. Dette er den person, der kommer med og levendegør billederne af karakterer, deres bevægelser, plast, vælger musikalsk materiale og bestemmer også, hvad lyset, makeup, kostumer og dekorationer skal være.

Koreograf

Hvor stærk følelsesmæssig indvirkning et dansenummer, en koreografisk scene i et musikalsk og drama teater eller hele balletforestillingen vil have, afhænger af, hvor smukt og præcist dansernes og dansernes bevægelser og interaktioner er organiseret, om deres bevægelsers udtryksfuldhed og originalitet , om hvordan deres danse kombineres med musikalsk materiale, med scenebelysning, med kostumer og make -up - alt dette skaber tilsammen et enkelt billede af hele handlingen. Og koreografen er præcis den person, der er dens skaber. Han skal kende alle regler og finesser i balletkunsten, dens historie, for at skabe sådanne danse, der vil være interessante for tilskuere at se og dansere udføre. Direktøren skal have viden, have erfaring og evner som en arrangør, have en rig fantasi, fantasi, være original i sine ideer, have talent, være musikalsk, forstå musik, have en sans for rytme, være i stand til at udtrykke følelser med hjælp af plastik - det er fra disse komponenter, at kunsten dannes koreograf. Hvis alt dette er i lederens arsenal, vil hans produktion blive en succes hos offentligheden og kritikere.

Ordet "koreograf" i oversættelse til russisk betyder "dansemester". Dette erhverv er svært, og det kræver meget arbejde og kræfter, både fysisk og moralsk. Direktøren skal vise alle kunstnere deres dele, forklare hvilke følelser de skal udtrykke i plasticitet og ansigtsudtryk. Kompleksiteten af dette værk er også i, at danseskriptet ikke kan skrives ned på papir, koreografen skal have det i hovedet og vise kunstnerne, så de lærer deres del. Kendskab til dansere med rollen foregår direkte på øvelser, mens skuespillere inden for drama og musikteater har mulighed for at få tekst og musikmateriale på forhånd. Koreografen skal afsløre for artisten indholdet i sin rolle og vise ham, hvad han skal danse og hvordan. Og jo mere udtrykkeligt instruktøren demonstrerer sin idé for kunstneren, jo hurtigere og lettere bliver hans idé forstået og assimileret.

Koreografens opgave er også at arrangere dansen eller hele forestillingen på en sådan måde, at den fastholder og øger publikums interesse. Selve dansebevægelserne er bare mekaniske øvelser, et sæt poser, der ikke vil fortælle beskueren noget, de vil kun demonstrere fleksibiliteten i performerens krop, og de vil kun tale, hvis instruktøren fylder dem med tanke og følelse og hjælper kunstneren også at lægge sin sjæl i dem. I høj grad afhænger forestillingens succes og varigheden af dets "liv" på scenen heraf. Den allerførste performer af alle danse er koreografen selv, fordi han først skal demonstrere udøverne deres dele.

Koreografer fra fortid og nutid

Berømte balletmestre i Rusland og verden i det 19. og 20. århundrede:

Marius Petipa, der gav et kæmpe og uvurderligt bidrag til russisk ballet;
Jose Mendes - var sceneinstruktør i mange berømte teatre i verden, herunder Bolshoi -teatret i Moskva;
Filippo Taglioni;
Jules Joseph Perrot er en af de lyseste repræsentanter for den "romantiske ballet";
Gaetano Gioia - repræsentant for det italienske koreodrama;
George Balanchine - lagde grunden til amerikansk ballet, såvel som moderne ballet -nyklassicisme, mente, at plottet udelukkende skulle udtrykkes ved hjælp af dansernes kroppe, og kulisser og frodige kostumer var unødvendige;
Mikhail Baryshnikov - gav et stort bidrag til verdens balletkunst;
Maurice Béjart er en af de klareste balletmestre i det 20. århundrede;
Maris Liepa;
Pierre Lacotte - var engageret i restaurering af gammel koreografi;
Igor Moiseev - skaberen af det første professionelle ensemble i Rusland inden for folkegenren;
Vaclav Nijinsky - var en innovatør inden for koreografi;
Rudolf Nuriev;

Moderne koreografer i verden:

Jerome Belle - repræsentant for skolen i moderne ballet;
Angelin Preljocaj er en lys repræsentant for det nye

Koreografer i Rusland i det 21. århundrede:

Boris Eifman - skaberen af sit eget teater;
Alla Sigalova;
Lyudmila Semenyaka;
Maya Plisetskaya;
Gedeminas Taranda;
Evgeny Panfilov er skaberen af sin egen balletgruppe, en entusiast i genren fri dans.

Alle disse russiske koreografer er meget berømte ikke kun i vores land, men også i udlandet.

Marius Petipa

Fransk og russisk koreograf, der efterlod en enorm arv. I 1847 trådte han til tjeneste som koreograf på Mariinsky -teatret i Skt. Petersborg og på Bolshoi -teatret i Moskva på opfordring af den russiske kejser. I 1894 blev han genstand for det russiske imperium. Har instrueret et stort antal balletter som Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, Faraos datter, Don Quijote, La Bayadere, En midtsommernatts drøm, Snedatter, Robert djævelen "Og mange andre. dr.

Roland Petit

Der er berømte koreografer, der betragtes som klassikerne af ballet i det 20. århundrede. Blandt dem er Roland Petit en af de klareste figurer. I 1945 oprettede han sin egen balletgruppe i Paris, der fik navnet "Ballet of the Champs Elysees". Et år senere iscenesatte han det berømte stykke "The Youth and Death" til musikken af I.S. Bach, der kom ind i klassikerne i verdenskunst. I 1948 grundlagde Roland Petit et nyt balletkompagni kaldet Ballet de Paris. I 50'erne var han dansechef for flere film. I 1965 iscenesatte han i Paris den legendariske ballet Notre Dame de Paris, hvor han selv spillede rollen som hunchback Quasimodo, i 2003 iscenesatte han denne produktion i Rusland - på Bolshoi -teatret, hvor Nikolai Tsiskaridze dansede den del af den grimme klokke ringetone.

Gedeminas Taranda

En anden verdensberømt koreograf er Gedeminas Taranda. Efter eksamen fra den koreografiske skole i Voronezh var han solist på Bolshoi -teatret i Moskva. I 1994 grundlagde han sin "Imperial Russian Ballet", som gav ham verdensomspændende berømmelse. Siden 2012 har han været leder og medstifter af Foundation for Promotion of Creative Education, formand for Grand Pa Ballet Festival. Gedeminas Taranda har titlen som æret kunstværker i Rusland.

Boris Eifman

En lys, moderne, original, koreograf er B. Eifman. Han er grundlæggeren af sit eget balletteater. Har forskellige titler og priser inden for kunst. Hans første forestillinger i 1960 var: "Towards Life" til musikken af komponisten D.B. Kabalevsky, samt "Icarus" til musikken af V. Arzumanov og A. Chernov. Berømmelse som koreograf bragte balletten The Firebird til komponistens musik. Siden 1977 har han instrueret sit eget teater. Boris Eifmans produktioner er altid originale, de er innovative, de kombinerer akademisk, non-pointe og moderne rockkoreografi. Hvert år tager truppen på turné til Amerika. Teaterets repertoire omfatter børne- og rockballetter.

I Frankrig ons. I århundreder var dans en del af folkespil og kirkelige festivaler. Fra 1300 -tallet. han var inkluderet i bjergene. teaterforestillinger og slotspauser, nogle gange i form af indsatte scener. I 1400 -tallet. "momerias" med danse blev udført under turneringer og festligheder. Prof. dans onsdag århundrede udviklet på folklore -basis inden for jonglørkunsten. En anden kilde var ballroomdansen (basdans) til paladsets festligheder. På grundlag af en række forskellige festlige forlystelser blev der dannet en form for performance, som modtog i sidste ende. 16. århundrede navn "ballet". Palace festligheder arrangører, italiensk. dansemestre, der mestrede Italien fra 1500 -tallet. dans. skole, var scenechefer. The Ballet of Polish Ambassadors (1573) og The Queen's Comedy Ballet (1581), iscenesat af Baltazarini di Belgioioso (Balthazar de Beaujouillet), blev de første fuldgyldige eksempler på en ny genre - en forestilling med en konsekvent udviklende handling, der indeholdt ord , musik og dans. Gennem det 17. århundrede. udviklingen af "hofballet" er gået flere. niveauer. I 1600-10 var dette "balletter-maskerader" ("Masquerade of Saint-Germain Fair", 1606), i 1610-1620-"melodramatiske balletter" med sang, baseret på mytologisk. parceller og produktioner. litteratur ("Argonauternes ballet", 1614; "Rolands galskab", 1618) og holdt derefter ud til det sidste. 1600 -tallet "balletter ved udgange" (Royal Ballet of the Night, 1653). Deres kunstnere var hoffolk (i 1651-70 - kong Louis XIV) og prof. dansere er "baladens". I 1660'erne og 70'erne. Moliere sammen med komp. J. B. Lully og ballet. P. Beauchamp skabte genren "komedie-ballet" ("Borgerlig i adelen", 1670), hvor dansen blev dramatiseret, gennemsyret af moderne. indhold. I 1661 blev Beauchamp leder af Royal Academy of Dance (eksisterede indtil 1780), designet til at regulere balletdans former og terminologi, som begyndte at tage form i systemet med klassisk dans. I 1669 blev det grundlagt og åbnet i 1671 muser. teater - Royal Academy of Music, som i 1672 blev ledet af Lully. I sine operaer ("lyriske tragedier"), der gradvist trængte ud i balletten, indtog dansen en underordnet position. Men inden for forestillingen var der en proces med at professionalisere dansen, polere dens former i Beauchamp -kunsten, danseren GL Pekura og prof. dansere (La Fontaine og andre), der første gang optrådte i 1681 i Lullys ballet The Triumph of Love. Til slutningen. 1600 -tallet resultaterne af koreografi afspejles i det teoretiske. værker af K. F. Menetrie ("Om balletterne gamle og moderne i henhold til teaterlovene", 1682) og R. Feye ("Koreografi og kunsten at indspille en dans", 1700). Ved begyndelsen af 17-18 århundrederne. berømte var danserne N. Blondy og J. Balon, danseren M. T. de Subliny.

Elg. teater 2. sal 17-18 århundreder var klassicist, men i balletten blev barokens træk på grund af dens langsomme udvikling bevaret i lang tid. Forestillingerne forblev frodige og besværlige, uden stilistisk enhed.

I begyndelsen af 1700 -tallet. der var tegn på stagnation i ballettens ideologisk-figurative indhold med den videre berigelse af danseteknikken. Den generelle tendens i udviklingen af balletteater i 1700 -tallet. - ønsket om selvbestemmelse, oprettelsen af en integreret forestilling, hvis indhold ville blive udtrykt i pantomime og dans. Imidlertid vedblev de gamle former i hele 1700 -tallet, især på scenen på Royal Academy of Music, hvilket fremkaldte kritik af oplysningerne (D. Diderot m.fl.). I begyndelsen. 1700 -tallet disse var galante pastoraler, fra 30'erne. - opera-balletter komp. J. F. Rameau ("Gallant India", 1735), hvor dansen stadig figurerede i form af svagt forbundet med udgangenes plot. Virtuoso -artister blev berømte i disse forestillinger: danser M. Camargo, danser L. Dupre, bror og søster til Lani. Forsøg på at formidle en dramatisk dans. indholdet blev skitseret i danseren F. Prevosts kunst (pantomime på afsnittet fra episoden fra "The Horatii" af P. Corneille til musikken fra JJ Mouret, 1714; "Dansens karakterer" til JF Rebel's musik , 1715) og især M. Sallé, der sammen med Royal Academy of Music også i London gennemførte "dramatiske aktioner" der i antikken. temaer ("Pygmalion", 1734).

Under indflydelse af oplysningstidens ideer i arbejdet med balletteaterets mest progressive skikkelser gav underholdning plads til "efterligning af naturen", der antog karakterernes naturlighed og følelsernes sandhed. Disse oplevelser trængte imidlertid næppe ind på scenen på Royal Academy of Music. Aktiviteterne hos den store reformator af balletteateret J. J. Novers fandt sted uden for dette teater og delvist uden for Frankrig (Stuttgart, Wien, London). Principperne for reformen af balletteatret blev skitseret af Nover i teoretisk retning. værket "Breve om dans og balletter" (1. udg., 1760). Balletterne, han skabte under påvirkning af oplysningstidens ideer, var ikke et underholdende show, men et seriøst teater. performance, ofte om emnerne klassicistiske tragedier. De besad integritet, karakterernes handlinger og oplevelser blev udtrykt ved hjælp af koreografi (kap. Arr. Pantomime), uden deltagelse af ord. På Royal Academy of Music i 1776-78 blev hans "Medea og Jason" og "Appeles and Campasp" af Rodolphe, "Horace" Granier og "Trinkets" af Mozart iscenesat. I 2. sal. 1700 -tallet en række koreografer udførte deres eksperimenter i det italienske komedieteater i Paris og i teatrene i Lyon og Bordeaux. En tilhænger af Novers, J. Doberval, arbejdede i Bordeaux, skaberen af en ny type balletkomedie (A Vain Precaution, 1789). I slutningen. 1700 -tallet berømte dansere M. Guimard, M. Allard, A. Geinel, Theodore, danserne G. Vestris, M. og P. Gardel, Doberval.

Siden 80'erne. 1700 -tallet indtil 20'erne. 19. århundrede P. Gardel stod i spidsen for musikakademiets trup (i 1789-1814 skiftede det navn flere gange). Repertoiret omfattede hans balletter ("Telemac" og "Psyche" af Miller, 1790; "Dancing" af Megul, 1800; "Paul og Virginia" af Kreutzer, 1806) og balletter af L. Milon ("Nina" til musik af Peruis efter Daleyrac, 1813; "Carnival of Venice" om Perseuis musik efter Kreutzer, 1816). I 20'erne. der var balletter af J. Omer: "A Vain Precaution" af Herald ifølge Doberval (1828), "Somnambul" af Herald (1827), "Manon Lescaut" af Halevy (1830). Af kunstnerne i 1780-1810'erne. O. Vestris var især berømt i 10-20'erne. - dansere M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, danser L. Duport. I løbet af disse år ændrede danseteknikken sig dramatisk: ikke glatte, yndefulde, men virtuose rotations- og springbevægelser, bevægelser på halvfingrene blev dominerende. Når i 30'erne. balletteatret var påvirket af romantikkens ideer, disse teknikker fik ny meningsfuldhed. I F. Taglionis forestillinger iscenesat for hans datter M. Taglioni (La Sylphide, 1832; Jomfru af Donau, 1836), kap. karaktererne var fantastiske. skabninger, der dør af kontakt med virkeligheden. En ny dansestil blev udviklet her, baseret på bevægelser i luften og teknikken til at danse på pointe, hvilket skaber en følelse af vægtløshed. I 30-50'erne. ballet i Frankrig nåede sin højeste stigning. En af de mest meningsfulde. manuf. denne retning blev iscenesat af J. Coralli og J. Perrot "Giselle" (1841). Musikakademiets repertoire 40-50'erne bestod af romantisk. balletter Coralli ("Tarantula" af K. Gide, 1839; "Peri", 1843) og J. Mazilier ("Paquita", 1846; "Le Corsaire", 1856). Samtidig optrådte Perrault uden for Frankrig (mest i London, men opført af franske kunstnere) hans bedste balletter - Esmeralda (1844), Catharina, Røverdatteren (1846) osv. Dette var forestillinger, tæt på kunstens kunst romantiske digtere fra den revolutionære æra. ups, der påvirkede publikum heltemodige. patos, lidenskabernes kraft. Den intense handling blev legemliggjort i kulminationen. øjeblikke med udviklet dans, blev der lagt særlig vægt på den karakteristiske dans. F. Elsler havde stor succes i dem. Andre berømte romantiske musikere optrådte i Frankrig. dansere - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Øvelse og teori romantisk. ballet afspejles i værkerne af F.A.J. Castilla-Blaz og T. Gaultier, som også var forfatter til en række manuskripter.

Med romantikkens tilbagegang (70-90'erne i det 19. århundrede) mistede ballet sin forbindelse med vor tids ideer. Produktioner af A. Saint-Léon på Musikkonservatoriet i 60'erne. tiltrukket af dansens rigdom og overflod af sceneoptrædener. effekter ("Nemea" af Min-kus osv.). Den bedste ballet i Saint-Léon er Coppelia (1870). I 1875 begyndte teatergruppen at arbejde i en ny bygning, bygget af arkitekt. C. Garnier, og navnet på balletten i Paris Opera blev etableret bag hende. Men balletkunst i 80-90’erne. 19. århundrede nedbrudt. På Paris Opera er ballet blevet et vedhæng til operaopførelsen. En appel til balletterne til komponisterne L. Delibes ("Sylvia" i posten. Meranta, 1876), E. Lalo ("Namuna" i posten. L. Petipa, 1882), A. Messager ("Two Doves" i stillingen. Meranta, 1886) ændrede ikke positionen. Forestillinger af Merant i 70-80'erne, I. Hansen i 90'erne. og i begyndelsen. 20. århundrede ("Maladetta" Vidal, 1893; "Bacchus" Duvernois, 1905) nød ikke succes, på trods af den fremragende danser K. Zambellis deltagelse. Genoplivning af ballet i Frankrig fandt sted under indflydelse af russeren og var forbundet med de russiske årstider, som SPDiaghilev dirigerede i Paris fra 1908 (den første balletopførelse i 1909), samt med aktiviteterne i Diaghilev Russian Ballet trup, der optrådte i Frankrig i 1911-29 ... Mange kunstnere og koreografer, der arbejdede her, blev senere forbundet med franskmændene. balletteater: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Indflydelse blev også udøvet af anden rus. trupper og kunstnere: truppen af I. L. Rubinstein (1909-11 og i 1920'erne), hvortil K. Debussy ("Martyrdømmet St. Sebastian", ballet. Rubinstein, 1911) og M. Ravel ("Bolero", ballet) . Nijinska, 1928); N.V. Trukhanov, som blev iscenesat af I.N. Khlyustin, der også arbejdede ved Paris Opera. Rus. trupper henvendte sig til musikken fra franskmændene. komp. (Ravel, Debussy, Duque, i 1920'erne - komponister af "Six"), for deres forestillinger skabte franskmændene. kunstnere (P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, J. Rouault m.fl.). Efter 1. verdenskrig, pl. Russisk kunstnere åbnede balletskoler i Paris, der bragte mere end en generation af franskmænd. kunstnere. Direktøren for Paris Opera (1910-44) J. Rouche, der stræbte efter at hæve niveauet for ballet, inviterede fremtrædende kunstnere til teatret (LS Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breyer, M. Detoma), Russisk. kunstnere, koreografer. En vis genoplivning af Opera-ballettens aktivitet blev skitseret i 10-20'erne. En række efterforestillinger. L. Stats ("Bier" til musik af Stravinsky, 1917; "Sidalise and Satyr" af Piernet, 1923), inviterede Fokine ("Daphnis og Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Efter 1929 på grundlag af Diaghilevs virksomhed, en række russisk-franske balletkompagnier: "Balle rus de Monte-Carlo" m.fl. I 1930-59 (pause 1944-47) blev operatruppen ledet af S. Lifar, der iscenesatte St. 50 forestillinger. Hans aktiviteter var af stor betydning for franskmændene. ballet, som har genvundet sin tidligere prestige. Operaens repertoire er blevet fuldstændig fornyet. Store komponister, kunstnere og manuskriptforfattere var involveret i skabelsen af balletter. Lifar brugte antikke, bibelske, legendariske emner til sine forestillinger, nogle gange fortolkede de symbolsk: "Icarus" til Sifers rytmer (1935, genoplivet i 1962 med dekorationer af P. Picasso), "Joan of Tsarissa" af Egka (1942), "Phaedra" Orica (1950, med manuskript og sæt af J. Cocteau), Sauguet's Visions (1947), Delannoy's Fantastic Wedding (1955). Fra sine ældre samtidige, koreograferne i Diaghilev -virksomheden, vedtog Lifar traditionerne i Fokins balletdrama og traditionerne fra det 19. århundredes koreografi, hvor det vigtigste udtryksmiddel var det klassiske. dans. Dans. han moderniserede sproget og byggede billeder på grundlag af rationel, ikke følelsesmæssig (Lifars "nyklassicisme"). Mere end en generation af franskmænd blev opdraget til hans forestillinger. kunstnere: danserne S. Schwartz, L. Darsonval, I. Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessi; dansere M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Imidlertid den abstrakte retorik, der er forbundet med Lifars balletter, tabet af forbindelse med det moderne. virkeligheden, især håndgribelig efter 2. verdenskrig 1939-45, forårsagede utilfredshed på dette tidspunkt. Unge kunstnere, der ledte efter nye måder og tilnærmelse til kunst med modernitet, begyndte at arbejde uden for Operaen, hvis repertoire Lifar begrænsede sig til hans egne produktioner. R. Petit skabte truppen Ballet of the Champs Elysees (1945-51) og Ballet of Paris (1948-67, periodisk), hvor han iscenesatte balletterne The Wandering Comedians Soge (1945), The Youth and Death to music. JS Bach (1946), "Carmen" om musik. Bizet (1949), "Ulven" af Dutilleux (1953). Senere (i 60'erne og 70'erne) var blandt hans bedste værker Notre Dame Cathedral (1965, Paris Opera) og Light the Stars! til den kombinerede musik (1972, "Marseille Ballet"). Petit arbejder inden for den dramatiske genre. ballet (flere scenarier for ham blev skrevet af J. Anouille), der først trænger til tragedie, derefter, især i den tidlige periode, til buffoonery -komedie, men altid bygget på levende karakterer og kombinerer dans. former med daglig ordforråd. I de bedste balletter vender han sig til konflikter, der afspejler livets virkelige modsætninger, og løser dem på en humanistisk måde. plan (afvisning af ondskabens uundgåelighed, moralsk styrke, tro på en person). Sammen med Petit selv dansede danserne N. Vyrubova, R. Zhanmer, E. Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, dansere J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. I 50'erne. andre trupper opstod, hvor der blev foretaget søgninger inden for fornyelse af temaer og dans. sprog: Ballet i Frankrig og anden gruppe J. Charr, "Ballee de l" Eguale under ledelse af M. Bejart. Bejart, på trods af at siden 1960 blev chef for Bruxelles -truppens ballet i det 20. århundrede, er en af Han ser inden for koreografisk kunst et middel til at udtrykke en holdning til livets problemer, nogle gange direkte, nogle gange i et filosofisk eller mystisk aspekt. Koreografen viser særlig interesse for østlig filosofi, østlige teaterformer og dans ( ballet "Bakti" til indisk musik, 1968 Han skabte nye former for koreografisk performance: en slags "total teater" med en overvægt af koreografi ("Four Sons of Emon" til kombineret musik, 1961), balletter med verbal tekst ("Baudelaire "til kombineret musik og poesi, 1968;" Our Faust "til den kombinerede musik, 1975), monumentale forestillinger på sportsarenaer og i cirkus (" Den niende symfoni "til musik af L. Beethoven, 1964). Han iscenesatte sine egne versioner af berømte balletter: "The Rite of Spring", 1959; "Bolero", 1961; "The Firebird", 1970. En skarp fornemmelse af modernitet gør t balletter af Bejart er tæt på publikum, der tidligere var fremmed for denne kunst, især de unge.

I 70'erne. Paris Opera blev reorganiseret. To tendenser er dukket op her: på den ene side at inkludere godkendte balletter af fremtrædende koreografer (Balanchine, Robbins, Petit, Bejart, Alicia Alonso, Grigorovich) i repertoiret og genoprette det kanoniske. udgave af gamle balletter ("La Sylphide" og "Coppelia" i revisionen af P. Lakot) giver derimod mulighed for at eksperimentere med unge franskmænd. koreografer (F. Blaska, N. Shmuki) og udlændinge, inkl. repræsentanter for moderne dans (G. Tetley, J. Butler, M. Cunningham). Teatergruppen blev oprettet i Operaen i 1974. søger under hænderne. Amerikanske kvinder K. Carlson. Med afvigelse fra den sædvanlige akademisme følger Paris Opera den franske generals tendens. ballet, hvor øget interesse for det nyeste teater. former. I 60'erne og 70'erne. mange mennesker arbejdede i Frankrig. balletgrupper: "Grand Balle du Marc de Cuevas" (1947-62), der fokuserede på det traditionelle repertoire og tiltrak berømte kunstnere (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov); Samtidsballet i Paris (ballet af F. og D. Dupuis, siden 1955), French Dance Theatre J. Lazzini (1969-71), Ballet af Felix Blaski (siden 1969, siden 1972 i Grenoble), Nat. ballet af muser. ungdom i Frankrig (ballet. Lacotte, fra 1963 - til slutningen. 60 -erne), Balletgruppe under hænderne. J. Roussillo (fra 1972), Theatre of Silence (fra 1972). Mange grupper arbejder i provinserne: Modern Ballet Theatre (ballet F. Adre, siden 1968 i Amiens, siden 1971 i Angers), Ballet of Marseille (ballet Petit, siden 1972), Rhine Ballet (siden 1972 i Strasbourg, ballet P. van Dijk siden 1974), i operaerne i Lyon (ballet af V. Biagi), Bordeaux (ballet af Skuratov). Førende solister i 60-70'erne: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfoux, R. Briand, D. Ganio, J. Guizerix, M. Denard, A. Labis, C. Motte, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Thibon, JP Franchetti.

Skolen ved Paris Opera blev grundlagt. i 1713 (siden 1972 dens direktør K. Bessie). I Paris siden 20'erne. 20. århundrede arbejdet talrige. private skoler: M.F. Kshesinskaya, O.I. Preobrazhenskaya, L.N. Egorova, A.E. grundlagt af R. Hightower). Paris har været vært for årlige dansefestivaler siden 1963; dans indtager en stor plads på festivalen i Avignon osv.

Blandt balletblade: "Archives internationale de la danse" (1932-36), "Tribune de la danse" (1933-39), "Art et danse" (siden 1958), "Toute la danse et la musique" (siden 1952 ), "Danse et rythmes" (fra 1954), "Les saisons de la danse" (fra 1968).

De mest berømte forskere og kritikere (20. århundrede): A. Prunnier, P. Thugal, F. Reina, P. Michaud, L. Vaya, M.F. Cristu, I. Lidova, Y. Sazonova, A. Livio, Zh K. Dieni , AF Ersen. Lifar skrev mere end 25 bøger.

Ballet. Encyclopedia, SE, 1981

Fransk ballet FRANSK BALET. I Frankrig var dansen i sammenligning århundredet en del af køjer. spil og kirke. festligheder. Fra 1300 -tallet. han var inkluderet i bjergene. teaterforestillinger og slotspauser, nogle gange i form af indsatte scener. I 1400 -tallet. "momerias" med danse blev udført under turneringer og festligheder. Prof. dans i Sravn århundrede udviklet på folklore basis inden for jonglørkunsten. En anden kilde var ballroomdansen (basdans) til paladsets festligheder. På grundlag af en række forskellige festlige forlystelser blev der dannet en form for performance, som modtog i sidste ende. 16. århundrede navn "ballet". Palace festligheder arrangører, italiensk. dansemestre, der mestrede Italien fra 1500 -tallet. dans. skole, var scenechefer. The Ballet of Polish Ambassadors (1573) og The Queen's Comedy Ballet (1581), iscenesat af Baltazarini di Belgioioso (Balthazar de Beaujouillet), blev de første fuldgyldige eksempler på en ny genre - en forestilling med en konsekvent udviklende handling, der indeholdt ord , musik og dans.

Gennem det 17. århundrede. udviklingen af "hofballet" er gået flere. niveauer. I 1600-10 var dette "balletter-maskerader" ("Masquerade of Saint-Germain Fair", 1606), i 1610-1620-"melodramatiske balletter" med sang, baseret på mytologisk. parceller og produktioner. litteratur ("Argonauternes ballet", 1614; "Rolands vanvid", 1618), og holdt derefter ud til slutningen. 1600 -tallet "balletter ved udgange" (Royal Ballet of the Night, 1653). Deres kunstnere var hoffolk (i 1651–70 - kong Louis XIV) og prof. dansere er "baladens". I 1660'erne og 70'erne. Moliere sammen med komp. J. B. Lully og ballet. P. Beauchamp skabte genren "komedie-ballet" ("Borgerlig i adelen", 1670), hvor dansen blev dramatiseret, gennemsyret af moderne. indhold. I 1661 stod Beauchamp i spidsen for Royal Academy of Dance (eksisterede indtil 1780), designet til at regulere balletdans former og terminologi, som begyndte at udvikle sig til det klassiske system. dans. I 1669 blev det grundlagt og åbnet i 1671 muser. tr - Royal Academy of Music, to -ry i 1672 ledet af Lully. I sine operaer ("lyriske tragedier"), der gradvist trængte ud i balletten, indtog dansen en underordnet position. Men inde i forestillingen var der en proces med at professionalisere dansen, polere dens former i Beauchamps kunst, danseren G.L. Pekur og prof. dansere (og andre.>.), der første gang optrådte i 1681 i Lullys ballet "The Triumph of Love". Til slutningen. 1600 -tallet resultaterne af koreografi afspejles i det teoretiske. værker af K. F. Menetrie ("Om balletterne gamle og moderne i henhold til teaterlovene", 1682) og R. Feye ("Koreografi og kunsten at indspille en dans", 1700). Ved begyndelsen af 17-18 århundrederne. berømte var danserne N. Blondy og J. Balon, danseren M. T. de Subliny.

Elg. tr 2. sal 17-18 århundreder var klassicist, men i balletten blev barokens træk på grund af dens langsomme udvikling bevaret i lang tid. Forestillingerne forblev frodige og besværlige, uden stilistisk enhed.

I begyndelsen af 1700 -tallet. der var tegn på stagnation i ballettens ideologisk-figurative indhold med den videre berigelse af danseteknikken. Den generelle tendens i udviklingen af ballet t-ra i det 18. århundrede. - ønsket om selvbestemmelse, oprettelsen af en integreret forestilling, hvis indhold ville blive udtrykt i pantomime og dans. Imidlertid vedblev de gamle former i hele 1700 -tallet, især på scenen på Royal Academy of Music, hvilket fremkaldte kritik af oplysningerne (D. Diderot m.fl.). I begyndelsen. 1700 -tallet disse var galante pastoraler, fra 30'erne. - opera-balletter komp. J. F. Rameau ("Gallant India", 1735), hvor dansen stadig figurerede i form af svagt forbundet med udgangenes plot. Virtuoso -artister blev berømte i disse forestillinger: danser M. Camargo, danser L. Dupre, bror og søster til Lani. Forsøg på at formidle en dramatisk dans. indhold blev skitseret i handlingen af danseren F. Prevost (pantomime om episoden fra "The Horatii" af P. Corneille til musikken fra JJ Mouret, 1714; "Dansens karakterer" til musikken af JF Rebel , 1715) og især M. Salle, kanter, der arbejdede sammen med Royal Academy of Music også i London, satte "dramatiske. Handlinger" på antikken. temaer ("Pygmalion", 1734).

Under indflydelse af oplysningstidens ideer i arbejdet med balletteaterets mest progressive skikkelser gav underholdning plads til "efterligning af naturen", der antog karakterernes naturlighed og følelsernes sandhed. Disse oplevelser trængte imidlertid næppe ind på scenen på Royal Academy of Music. Aktiviteterne hos den store reformator af balletteateret J. J. Nover fandt sted uden for dette teater og delvist uden for Frankrig (Stuttgart, Wien, London). Principperne for reformen af balletten t-ra blev skitseret af Nover teoretisk. værket "Breve om dans og balletter" (1. udg., 1760). Balletterne, han skabte under påvirkning af oplysningstidens ideer, var ikke et underholdende show, men et seriøst teater. performance, ofte om emnerne klassicistiske tragedier. De besad integritet, karakterernes handlinger og oplevelser blev udtrykt ved hjælp af koreografi (kap. Arr. Pantomime), uden deltagelse af ord. På Royal Academy of Music i 1776–78 blev hans "Medea og Jason" og "Appeles and Campasp" af Rodolphe, "Horace" Granier og "Trinkets" af Mozart iscenesat. I 2. sal. 1700 -tallet en række koreografer udførte deres eksperimenter i det parisiske teater i den italienske komedie og i teatrene i Lyon og Bordeaux. En tilhænger af Novers, J. Doberval, arbejdede i Bordeaux, skaberen af en ny type balletkomedie (A Vain Precaution, 1789). I slutningen. 1700 -tallet berømte dansere M. Guimard, M. Allard, A. Geinel, Theodore, danserne G. Vestris, M. og P. Gardel, Doberval.

Siden 80'erne. 1700 -tallet indtil 20'erne. 19. århundrede P. Gardel stod i spidsen for musikakademiets trup (i 1789-1814 skiftede det navn flere gange). Repertoiret omfattede hans balletter ("Telemac" og "Psyche" af Miller, 1790; "Dancing" af Megul, 1800; "Paul og Virginia" af Kreutzer, 1806) og balletter af L. Milon ("Nina" til musik af Peruis efter Daleyrac, 1813; "Carnival of Venice" om Perseuis musik efter Kreutzer, 1816). I 20'erne. der var balletter af J. Omer: "A Vain Precaution" af Herald ifølge Doberval (1828), "Somnambul" af Herald (1827), "Manon Lescaut" af Halevy (1830). Af kunstnerne i 1780-1810'erne. O. Vestris var især berømt i 10–20’erne. - dansere M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, danser L. Duport. I løbet af disse år ændrede danseteknikken sig dramatisk: ikke glatte, yndefulde, men virtuose rotations- og springbevægelser, bevægelser på halvfingrene blev dominerende. Når i 30'erne. balletten t-r blev påvirket af romantikkens ideer, disse teknikker fik en ny meningsfuldhed. I F. Taglionis forestillinger iscenesat for hans datter M. Taglioni (La Sylphide, 1832; Jomfru af Donau, 1836), kap. karaktererne var fantastiske. skabninger, der dør af kontakt med virkeligheden. En ny dansestil blev udviklet her, baseret på bevægelser i luften og teknikken til at danse på pointe, hvilket skaber en følelse af vægtløshed. I 30’erne og 50’erne. ballet i Frankrig nåede sin højeste stigning. En af de mest meningsfulde. manuf. denne retning blev iscenesat af J. Coralli og J. Perrot "Giselle" (1841). Musikakademiets repertoire 40-50'erne bestod af romantisk. balletter Coralli ("Tarantula" af K. Gide, 1839; "Peri", 1843) og J. Mazilier ("Paquita", 1846; "Le Corsaire", 1856). Samtidig optrådte Perrault uden for Frankrig (mest i London, men opført af franske kunstnere) hans bedste balletter - Esmeralda (1844), Catharina, Røverdatteren (1846) osv. Dette var forestillinger, tæt på kunstens kunst romantiske digtere fra den revolutionære æra. ups, to-rug påvirkede publikum heroiske. patos, lidenskabernes kraft. Den intense handling blev legemliggjort i kulminationen. øjeblikke med udviklet dans, blev der lagt særlig vægt på den karakteristiske dans. F. Elsler havde stor succes i dem. Andre har optrådt i Frankrig. berømt romantiker. dansere - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Øvelse og teori romantisk. ballet afspejles i værkerne af F.A.J. Castilla-Blaz og T. Gaultier, som også var forfatter til en række manuskripter.

Med romantikkens tilbagegang (70–90’erne i det 19. århundrede) mistede ballet sin forbindelse med vor tids ideer. Produktioner af A. Saint-Léon på Musikkonservatoriet i 60'erne. tiltrukket af dansens rigdom og overflod af sceneoptrædener. effekter ("Nemea" Min-kusa m.fl.>.). Den bedste ballet i Saint-Léon er Coppelia (1870). I 1875 begyndte t-ra-gruppen at arbejde i en ny bygning bygget af arkitekt. C. Garnier, og navnet på balletten i Paris Opera blev etableret bag hende. Men balletkunst i 80’erne og 90’erne. 19. århundrede nedbrudt. På Paris Opera er ballet blevet et vedhæng til operaopførelsen. En appel til balletterne til komponisterne L. Delibes ("Sylvia" i posten. Meranta, 1876), E. Lalo ("Namuna" i posten. L. Petipa, 1882), A. Messager ("Two Doves" i stillingen. Meranta, 1886) ændrede ikke positionen. Forestillinger af Merant i 70'erne og 80'erne, I. Hansen i 90'erne. og i begyndelsen. 20. århundrede ("Maladetta" Vidal, 1893; "Bacchus" Duvernois, 1905) nød ikke succes, på trods af den fremragende danser K. Zambellis deltagelse. Genoplivningen af ballet i Frankrig fandt sted under indflydelse af russeren og var forbundet med de russiske årstider, som SPDyagilev gennemførte i Paris fra 1908 (ballettens første opførelse i 1909), samt med aktiviteterne i Diaghilevs Russian Ballet -truppen, der optrådte i Frankrig i 1911–29. Mange kunstnere og koreografer, der arbejdede her, blev senere forbundet med franskmændene. ballet t-rom: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Andre havde også indflydelse. Russisk tropper og kunstnere: truppen af I. L. Rubinstein (1909–11 og i 1920’erne), som de skrev K. Debussy (Martyrdømmet St. Sebastian, ballet Rubinstein, 1911) og M. Ravel (”Bolero”, ballet Nizhinskaya for , 1928); NV Trukhanov, for et snit blev iscenesat af IN Khlyustin, der også arbejdede på Paris Opera. Rus. trupper henvendte sig til musikken fra franskmændene. komp. (Ravel, Debussy, Duque, i 1920'erne - komponister af "Six"), for deres forestillinger skabte franskmændene. kunstnere (P. Picasso, A. Matisse, F. Leger, J. Rouault m.fl.). Efter 1. verdenskrig, pl. Russisk kunstnere åbnede balletskoler i Paris, der bragte mere end en generation af franskmænd. kunstnere. Direktøren for Paris Opera (1910–44) J. Rouchet, der stræbte efter at hæve niveauet for ballet, inviterede fremtrædende kunstnere til teatret (LS Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breyer, M. Detoma), Russisk. kunstnere, koreografer. En vis genoplivning af Opera -ballettens aktivitet blev skitseret tilbage i 10-20'erne. En række efterforestillinger. L. Stats ("Bierne" til musik af Stravinsky, 1917; "Sidaliz og Satyr" af Piernet, 1923), inviterede Fokine ("Daphnis og Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Efter 1929 på grundlag af Diaghilevs virksomhed, en række russisk-franske balletkompagnier: "Balle rus de Monte-Carlo" m.fl. I 1930–59 (pause 1944–47) blev operatruppen ledet af S. Lifar, der iscenesatte St. 50 forestillinger. Hans aktiviteter var af stor betydning for franskmændene. ballet, som har genvundet sin tidligere prestige. Operaens repertoire er blevet fuldstændig fornyet. Store komponister, kunstnere og manuskriptforfattere var involveret i skabelsen af balletter. Lifar brugte antikke, bibelske, legendariske emner til sine forestillinger, nogle gange fortolkede de symbolsk: "Icarus" til Sifers rytmer (1935, genoplivet i 1962 med dekorationer af P. Picasso), "Joan of Tsarissa" af Egka (1942), "Phaedra" Orica (1950, med manuskript og sæt af J. Cocteau), Sauguet's Visions (1947), Delannoy's Fantastic Wedding (1955). Fra sine ældre samtidige, koreograferne i Diaghilev -virksomheden, vedtog Lifar traditionerne i Fokins balletdrama og traditionerne fra det 19. århundredes koreografi, hvor det vigtigste udtryksmiddel var det klassiske. dans. Dans. han moderniserede sproget og byggede billeder på grundlag af rationel, ikke følelsesmæssig (Lifars "nyklassicisme"). Mere end en generation af franskmænd blev opdraget til hans forestillinger. kunstnere: danserne S. Schwartz, L. Darsonval, I. Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessi; dansere M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Imidlertid den abstrakte retorik, der er forbundet med Lifars balletter, tabet af forbindelse med det moderne. virkeligheden, især mærket efter 2. verdenskrig 1939–45, forårsagede utilfredshed på dette tidspunkt. Unge kunstnere, der ledte efter nye måder og tilnærmelse til kunst med modernitet, begyndte at arbejde uden for Operaen, hvis repertoire Lifar begrænsede sig til hans egne produktioner. R. Petit skabte balletten til Champs Elysees (1945–51) og Paris Ballet (1948–67, med mellemrum), hvor han iscenesatte balletterne The Wandering Comedians Soge (1945), The Youth and Death to music. JS Bach (1946), "Carmen" om musik. Bizet (1949), "Ulven" af Dutilleux (1953). Senere (i 60'erne og 70'erne) var blandt hans bedste værker Notre Dame Cathedral (1965, Paris Opera) og Light the Stars! til den kombinerede musik (1972, "Marseille Ballet"). Petit arbejder inden for den dramatiske genre. ballet (flere scenarier for ham blev skrevet af J. Anouille), der først trænger til tragedie, derefter, især i den tidlige periode, til buffoonery -komedie, men altid bygget på levende karakterer og kombinerer dans. former med daglig ordforråd. I de bedste balletter vender han sig til konflikter, der afspejler livets virkelige modsætninger, og løser dem på en humanistisk måde. plan (afvisning af ondskabens uundgåelighed, moralsk styrke, tro på en person). Sammen med Petit selv dansede danserne N. Vyrubova, R. Zhanmer, E. Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, dansere J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. I 50'erne. andre opstod også. grupper, hvor der blev foretaget søgninger inden for temafornyelse og dans. sprog: Ballet i Frankrig m.fl. tropper J. Charr, "Ballee de l" Egual "under ledelse af M. Bejart. Bejart, på trods af at han siden 1960 blev leder af Bruxelles balletgruppe i det 20. århundrede, er en af de førende franske balletmestre. Han ser koreografi i kunsten et middel til at udtrykke en holdning til livets problemer, nogle gange direkte, nogle gange i et filosofisk eller mystisk aspekt. Koreografen viser en særlig interesse for østlig filosofi, østlige teaterformer og dans (ballet "Bakti" til indisk musik, 1968). Former for koreografisk performance: en slags "total t-ra" med en overvægt af koreografi ("Four Sons of Emon" for kombineret musik, 1961), balletter med verbal tekst ("Baudelaire" for kombineret musik og poesi, 1968; "Our Faust" for den kombinerede musik, 1975), monumentale forestillinger på sportsarenaer og i cirkus (Den niende symfoni til musik af L. Beethoven, 1964). Han iscenesatte sine egne versioner af berømte balletter: The Rite of Spring, 1959; Bolero, 1961; Heat -bird ", 1970. En skarp fornemmelse af modernitet gør Bejarts balletter tæt på for denne påstand fra publikum, især de unge.

I 60'erne og 70'erne. mange mennesker arbejdede i Frankrig. balletgrupper: "Grand Balle du Marc de Cuevas" (1947–62), der fokuserede på det traditionelle repertoire og tiltrak berømte kunstnere (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov); Samtidsballet i Paris (ballet af F. og D. Dupuis, siden 1955), French Dance Theatre J. Lazzini (1969–71), Ballet af Felix Blaski (siden 1969, siden 1972 i Grenoble), Nat. ballet af muser. ungdom i Frankrig (ballet. Lacotte, fra 1963 - til slutningen. 60 -erne), Balletgruppe under hænderne. J. Roussillo (fra 1972), Theatre of Silence (fra 1972). Mange grupper arbejder i provinserne: Modern Ballet Theatre (ballet F. Adre, siden 1968 i Amiens, siden 1971 i Angers), Ballet of Marseille (ballet Petit, siden 1972), Rhine Ballet (siden 1972 i Strasbourg, ballet P. van Dijk siden 1974), på operateatrene i Lyon (ballet af V. Biagi), Bordeaux (ballet af Skuratov). Førende solister i 60'erne - 70'erne: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfoux, R. Briand, D. Ganio, J. Guizerix, M. Denard, A. Labis, C. Motte, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Thibon, JP Franchetti.

Skolen ved Paris Opera blev grundlagt. i 1713 (siden 1972 dens direktør K. Bessie). I Paris siden 20'erne. 20. århundrede arbejdet talrige. private skoler: M. F. Kshesinskaya, O. I. Preobrazhenskaya, L. N. Egorova, A. E. Volinin, H. Lander, B. Knyazev, M. Gube m.fl. Classic Center blev åbnet i Cannes i 1962. dans (grundlagt af R. Hightower). Paris har været vært for årlige dansefestivaler siden 1963; dans indtager en stor plads på festivalen i Avignon og andre.

Lit.: Khudekov S., Dansehistorie, s. 1-3, Skt. Petersborg - P., 1913–15; Levinson Α., Balletmestre, Skt. Petersborg, 1914; Sollertinsky I., Liv og teaterarbejde af Jean Georges Noverre, i bogen; Noverre J. J., Breve om dans, [trans. fra fransk], L., 1927; Mokulsky S., Vesteuropæisk teaters historie, del 1, M., 1936; Koreografiklassikere. [Sat], L. - M., 1937; Yu. Slonimsky, Ballet Masters, M. - L., 1937; hans, Drama fra balletteatret i XIX århundrede, M., 1977; Iofiev M., Ballet "Grand Opera" i Moskva, i sin bog: Profiles of Art, M., 1965; Chistyakova V., Roland Petit, L., 1977; V. Krasovskaya, vesteuropæisk balletteater. Essays om historie. Fra oprindelsen til midten af 1700 -tallet, L., 1979; Prunleres H., Le ballet de cour en France avant Benserade et Lully, R. 1914; Levinson H., La vie de Noverre, i: Noverre J. G., Lettres sur la danse et sur les ballets, R.,; ham, Marie Taglioni (1804–1884), R., 1929; Beaumont C. W., Tre franske dansere fra 1700 -tallet: Camargo, Sallé, Guimard, L., 1935; Lifar S., Giselle, apothéose du ballet romantique, P.,; Michaut P., Le ballet contemporain, R. 1950; Lidova I., Dix-sept visages de la danse française, P. 1953; Kochno B., Le ballet. , R., 1954; Reyna F., Des origines du ballet, P. 1955; Arout G., La danse contemporaine, R. 1955; Ouest I., Ballet fra det andet imperium, 1-2, L., 1953-1955; hans, Den romantiske ballet i Paris, L., 1966; hans, Le ballet de l "Opéra de Paris, R., 1976; Lobet M., Le ballet français d" aujourd "hui de Lifar à Béjart, Brux., 1958; Tugal R., Jean-Georges Noverre. Der große Reformator des Balletts, V., 1959; Laurent J., Sazonova J., Serge Lifar, rénovateur du ballet français (1929-1960), R., 1960; Christout MF, Le ballet de cour de Louis XIV, R., 1967; hende, Maurice Béjart, R., 1972.

E. Ya. Surits.

Scene fra balletten "Triumph of Love"

En scene fra balletten "La Sylphide". Ballet. F. Taglioni

"Phaedra". Paris Opera. Ballet. S. Lifar

"Ungdom og død". Ballet af Champs Elysees. Ballet. R. Petit

"Firebird". Paris Opera. Ballet. M. Bejart

Ballet. Encyklopædier. - M.: Stor sovjetisk encyklopædi. Chefredaktør Yu.N. Grigorovich. 1981 .

Se, hvad "fransk ballet" er i andre ordbøger:

VERDENSBALLET- Det Forenede Kongerige. Inden rundvisningen i truppen Diaghilev og Anna Pavlova i London i 1910'erne og 1920'erne blev ballet præsenteret i England hovedsageligt ved optrædener af visse berømte ballerinaer på scenerne i musikhaller, for eksempel den danske kvinde Adeline Genet (1878 1970) ... Colliers encyklopædi

BALLET TIL 1900- Ballets oprindelse som et hofspektakel. I slutningen af middelalderen lagde de italienske prinser stor vægt på de storslåede paladsfester. Dansen indtog en vigtig plads i dem, hvilket gav anledning til behovet for professionelle dansemestre. ... ... Colliers encyklopædi

Ballet- Siden midten af 30'erne. XVIII århundrede i Skt. Petersborg blev hofballetopførelser regelmæssige. I 1738 blev den første russiske balletskole åbnet i Skt. Petersborg (fra 1779 Teaterskolen), som omfattede balletklasser (nu den koreografiske skole); ... Sankt Petersborg (encyklopædi)

Ballet "Giselle"- Giselle (fuldt navn Giselle, eller Wilis, fransk Giselle, ou les Wilis) er en pantomime -ballet i to akter til musikken til Adolphe Charles Adam. Libretto af Théophile Gaultier, Vernois de Saint Georges og Jean Coralli. Balletten Giselle blev skabt på basis af en gammel ... ... Encyclopedia of Newsmakers

Igor Stravinskys ballet "The Firebird"- Firebirdballetten er et af de tidligste værker af Igor Stravinsky og den første ballet om et russisk tema i virksomheden af Sergei Diaghilev, en fremragende arrangør af de russiske årstider i Paris. Ideen om at skabe et scenearbejde om et sådant emne opstod ... ... Encyclopedia of Newsmakers

Pierre Lacotte er danser og koreograf, en anerkendt ekspert i gammel koreografi. Han kaldes en balletarkæolog, en koreografisk antikvar. Han er en anerkendt restaurator af glemte mesterværker fra de sidste århundreder.

Pierre Lacotte blev født den 4. april 1932. Han studerede på balletskolen ved Paris Opera, tog lektioner fra de store russiske balleriner - Matilda Kshesinskaya, Olga Preobrazhenskaya, Lyubov Egorova. Han kom især godt ud af sin første lærer, Egorova - hun havde en fremragende hukommelse, hun huskede Marius Petipas balletter i alle detaljer og fortalte drengen alle rollerne, både store og mindre.

Besøg i den grønne stue - Pierre Lacotte,

I en alder af 19 blev Pierre Lacotte den første danser på hovedteatret i Frankrig. Han dansede med stjerner som Yvette Chauvire, Lisette Darsonval, Christian Vossard. I en alder af 22 blev han interesseret i nutidig dans, begyndte at scene på egen hånd, opgav sin karriere som klassisk danser og forlod i 1955 Paris Opera. I 1957 dansede han på New York Metropolitan Opera.

I anden halvdel af halvtredserne og begyndelsen af tresserne instruerede Lacotte Eiffeltårnet Ballet -truppen, der optrådte på Théâtre des Champs Elysees, iscenesat for sine forestillinger "The Fairy Night", "The Parisian Boy" til musik af Charles Aznavour og andre . I 1963-1968 var han kunstnerisk leder af National Ballet of French Musical Youth-gruppen, for hvilken han iscenesatte A Simple Symphony til musikken fra Britten, Hamlet til Waltons musik og Future Passions til musikken fra Lutoslawski. Der gav den første gang den strålende danser Ghilen Tesmar, der senere blev hustru til Lacotte, sig til kende.

"Sylphide" er et absolut symbol på romantisk ballet. Det var i "La Sylphide", at ballerina Maria Taglioni først steg til pointe sko ("ikke for effekt, men for fantasifulde opgaver"). Taglionis heltinde virkede virkelig som et overnaturligt væsen, ikke en kvinde, men en ånd, der trodsede tiltrækningslovene, da danseren "gled" hen over scenen, næsten uden at røre gulvet, og frøs et øjeblik i en flyvende arabesk, som hvis understøttet af en mirakuløs kraft på spidsen af en buet fod. Det var denne "Sylphide", iscenesat for Maria af hendes far Filippo Taglioni, at den franske koreograf Pierre Lacotte omhyggeligt genoplivede 150 år senere.

I 1971 rekonstruerede Lacotte uventet balletten La Sylphide, iscenesat i 1832 af Philip Taglioni for sin legendariske datter. Forestillingen, der var lavet til fjernsyn, sprang, blev overført til scenen i Paris Opera i 1972, fødte en mode for gamle balletter og blev den første i en lang række Lacotte -fornyelser. Genopbygningen var ikke hundrede procent - Lacotte kunne ikke "synke" til den ufuldkomne teknik fra danserne fra den æra og sætte alle ballerinaer på pointe sko, selvom i La Sylphide i 1832 kun Maria Taglioni stod på tæerne, og koreografien spillede ud af dette.

Ballettens plot er baseret på den fantastiske novelle "Trilby" (1822) af den franske forfatter Charles Nodier. Premieren på balletten til musik af den franske komponist Jean Schneizhoffer fandt sted i 1832 på Grand Opera i Paris.
Komponist: J. Schneitzhoffer. Scenekoreograf: Pierre Lacotte
Scenografi og kostumer: Pierre Lacotte. Mariinskii operahus. Musik - Cesare Puni. Koreografi - Pierre Lacotte
Medvirkende: Undine - Evgenia Obraztsova, Matteo - Leonid Sarafanov, Dzhanina - Yana Serebryakova, Lady of the Sea - Ekaterina Kondaurova, Two undine - Nadezhda Gonchar og Tatiana Tkachenko.

Den franske maestro arbejdede på balletten "Ondine" i flere år - et sjældent tilfælde for den vestlige verden. Det begyndte med, at han kom til Skt. Petersborg på invitation fra direktoratet for Mariinsky -teatret til forhandlinger - hvad Lacotte kunne iscenesætte i dette teater. Koreograf Nikita Dolgushin fandt en gammel score for Ondine, en Petersburg -version af balletten, der blev iscenesat af Jules Perrot i 1851. Lacotte indså, at det var skæbnen. Han tog "Ondine", begyndte at samle St. Petersborg og London versioner, baseret på tre scenarier Perrault skabte et, og balletten viste sig at være langt fra perfekt, men gav en idé om den tids koreografi .

For Paris Operatruppen restaurerede Lacotte Arthur Saint-Léons Coppelia i 2001, der havde premiere i 1870. Selv spillede han rollen som den gamle excentriske Coppelius.

I 1980, med Moskva Klassisk Ballet -ensemble, iscenesatte den franske koreograf for Ekaterina Maximova stykket Natalie, eller Swiss Milkmaid, en anden stort set glemt ballet af Filippo Taglioni.

Men Lacotte er ikke en turnékoreograf uden en egen gruppe. I 1985 blev han direktør for Monte Carlo Ballet. I 1991 blev Pierre Lacotte direktør for statsballetten i Nancy og Lorraine. Med sin ankomst blev balletten i byen Nancy den næstvigtigste klassiske trup i Frankrig (efter Paris Opera).

Han erhvervede Maria Taglionis arkiv og vil udgive en bog om denne legendariske ballerina. Han er fuld af nye ideer ...

belcanto.ru ›lacotte.html

Fransk og russisk ballet har beriget hinanden mere end én gang. Og den franske balletmester Roland Petit betragtede sig selv som "arving" efter traditionerne i den "russiske ballet" af S. Diaghilev.

Roland Petit blev født i 1924. Hans far var ejer af en spisestue - hans søn havde endda en chance for at arbejde der, og senere til minde om dette iscenesatte han et koreografisk nummer med en bakke, men hans mor var direkte relateret til balletkunst: hun grundlagde firmaet Repetto, som producerer tøj og sko til ballet. I en alder af 9 erklærer drengen, at han vil forlade hjemmet, hvis han ikke må studere ballet. Efter at have bestået eksamen på School of the Paris Opera, studerede han der S. Lifar og G. Rico, et år senere begyndte han at optræde i mimance i operaforestillinger.

Efter eksamen i 1940 blev Roland Petit corps de ballet artist ved Paris Opera, et år senere blev han valgt som partner til M. Burg, og senere gav han balletaftener med J. Charr. På disse aftener udføres små numre i koreografi af J. Charr, men her præsenterer R. Petit sit første værk - "Skihop". I 1943 spillede han en solodel i balletten Love the Enchantress, men han blev mere tiltrukket af koreografens aktivitet.

Efter at have forladt teatret i 1940 iscenesatte den 20-årige R. Petit takket være sin fars økonomiske støtte balletten "Comedians" på Théâtre des Champs Elysees. Succesen overgik alle forventninger - hvilket gjorde det muligt at oprette sin egen trup, kaldet "Ballet of the Champs Elysees". Det varede kun syv år (uenighederne med teateradministrationen spillede en fatal rolle), men der blev iscenesat en masse forestillinger: "Ungdommen og døden" til musik og andre værker af R. Petit selv, forestillinger af andre datidens koreografer , uddrag fra klassiske balletter - "La Sylphide", "Sleeping Beauty", "".

Da "Ballet de Champs Elysees" ophørte med at eksistere, skabte R. Petit "Paris Ballet". Den nye gruppe omfattede Margot Fontaine - det var hende, der spillede en af de centrale roller i balletten "Girl in the Night" til musikken fra J. France (den anden hoveddel blev danset af R. Petit selv), og i 1948 han dansede i balletten "Carmen" på musik af J. Bizet i London.

Roland Petits talent blev værdsat ikke kun blandt balletfans, men også i Hollywood. I 1952, i musicalfilmen "Hans Christian Andersen", spiller han rollen som prinsen fra eventyret "Den lille havfrue", og i 1955 deltager han som koreograf i skabelsen af filmene "The Crystal Slipper" baseret på eventyret "Askepot" og - sammen med danseren F. Astaire - "Langbenet far".

Men Roland Petit er allerede erfaren nok til at skabe en multi-act ballet. Og han skabte en sådan produktion i 1959, baseret på dramaet af E. Rostand "Cyrano de Bergerac". Et år senere blev denne ballet filmet sammen med tre andre produktioner af koreografen - "Carmen", "Eater of Diamonds" og "Mourning for 24 Hours" - alle disse balletter blev inkluderet i Terence Youngs film "One, Two, Three, Fire eller sorte trøjer. "... I tre af dem udførte koreografen selv hovedrollerne - Cyrano de Bergerac, Jose og Brudgommen.

I 1965 iscenesatte Roland Petit balletten Notre Dame de Paris til M. Jarres musik ved Paris Opera. Af alle karaktererne efterlod koreografen fire hovedpersoner, der hver især har et bestemt kollektivt billede: Esmeralda - renhed, Claude Frollo - ondskab, Phoebus - åndelig tomhed i en smuk "skal", Quasimodo - en engels sjæl i en grim krop (denne rolle blev spillet af R. Petit). Sammen med disse helte er der en ansigtsløs skare i balletten, som med samme lethed kan redde og dræbe ... Det næste værk var balletten Paradise Lost, iscenesat i London og afslørede temaet for kampen med poetiske tanker i menneskelig sjæl med en grov sensuel natur. Nogle kritikere så det som en "skulpturel abstraktion af sex." Den sidste scene, hvor en kvinde sørger over sin tabte renhed, virkede ganske uventet - hun lignede en omvendt fromhed ... Margot Fontaine og Rudolf Nureyev dansede i denne forestilling.

Roland Petit stod i spidsen for balletten i Marseille i 1972 og tager udgangspunkt i balletopførelsen ... versene af V. V. Mayakovsky. I denne ballet med titlen "Lys stjernerne" spiller han selv hovedrollen, som han barberer hovedet til. Det næste år samarbejder han med Maya Plisetskaya - hun danser i hans ballet The Sick Rose. I 1978 iscenesatte han balletten The Spade Queen for Mikhail Baryshnikov, og samtidig - balletten om Charlie Chaplin. Koreografen var personligt bekendt med denne store skuespiller, og efter hans død modtog han samtykke fra skuespillerens søn til at oprette en sådan produktion.

Efter 26 år i spidsen for Ballet de Marseille forlod R. Petit truppen på grund af en konflikt med administrationen og forbød endda at iscenesætte sine egne balletter. I begyndelsen af det XXI århundrede samarbejdede han med Bolshoi -teatret i Moskva: "Passacaglia" til musikken af A. Webern, "The Queen of Spades" til musikken fra PI Tchaikovsky, blev iscenesat i Rusland og hans "Notre Dame Cathedral ". Programmet Roland Petit Talks, der blev præsenteret på Bolshoi -teatret på den nye scene i 2004, vakte stor offentlig interesse: Nikolai Tsiskaridze, Lucia Lakkara og Ilze Liepa fremførte uddrag fra hans balletter, mens koreografen selv talte om sit liv.

Koreografen døde i 2011. Roland Petit har iscenesat omkring 150 balletter - han hævdede endda at være "mere produktiv end Pablo Picasso." For sit arbejde har koreografen gentagne gange modtaget statspriser. Hjemme i 1974 blev han tildelt Order of the Legion of Honor, og for balletten The Spade Queen blev han tildelt Statsprisen i Den Russiske Føderation.

Musiksæsoner