Musikalsk kunst fra 30'erne. Sovjetisk maleri - samtidskunstens historie

Begyndelsen af ​​1930'erne var præget af fremkomsten af ​​de vigtigste partidokumenter, der stimulerede samlingen og udviklingen af ​​kreative kræfter. Dekretet fra det kommunistiske partis centralkomité af 23. april 1932 havde en gavnlig virkning på musikkulturen.

Den russiske sammenslutning af proletariske musikere blev likvideret (foreningen for nutidig musik var faktisk gået i opløsning tidligere), måder at videreudvikle realistisk musik på blev skitseret, og de demokratiske traditioner for russisk klassisk musikkunst blev etableret.

I 1932 blev Unionen af ​​sovjetiske komponister organiseret, som lagde grundlaget for samlingen af ​​musikere på grundlag af den socialistiske realismes metode. Sovjetisk musikalsk kreativitet er trådt ind i en ny fase.

Sangkreativitet er i enorm skala. Genren massesang bliver et laboratorium for nye midler til melodisk udtrykskraft, og processen med "sangfornyelse" omfatter alle typer musik - opera, symfonisk, kantate-no-oratorium, kammer, instrumental. Sangenes temaer er forskellige, ligesom deres melodier.

Blandt sanggenrens værker, kampsange af A. Alexandrov, sange af I. Dunaevsky med deres klangfulde glæde, ungdommelige energi, lette tekster (såsom den verdensberømte Song of the Motherland, Song of Kakhovka, March of the Merry guys "osv.), V. Zakharovs originale sange dedikeret til det nye liv i den kollektive gårdlandsby (" Langs landsbyen "," Og hvem ved "," Seeing off "), sange af Pokrass-brødrene (" If i morgen er det krig "," Konarmeiskaya "), M. Blanter ("Katyusha" og andre), S. Kats, K. Listov, B. Mokrousov, V. Solov-eva-Sedogo.

Sanggenren udviklede sig i tæt samarbejde mellem komponister og digtere M. Isakovsky, V. Lebedev-Kumach, V. Gusev, A. Surkov og andre. Den udbredte popularitet af sovjetiske sange blev lettet af udseendet af lydfilm. Da de kom fra skærmen, overlevede de filmene, som de var skrevet til i lang tid.

I 1930'erne blev operahuset beriget med realistiske værker på et moderne tema, tilgængelige i sproget, sandfærdige i indholdet, dog ikke altid fri for mangler (dramatikkens svaghed, ufuldstændig brug af brede vokalformer, udviklede ensembler).

Operaerne I. Dzerzhinsky "Quiet Don" og "Virgin Land Upturned" blev kendetegnet ved en lys melodisk begyndelse, realistisk karakterisering af karaktererne. Det sidste omkvæd "Fra kanten til kanten" fra "Quiet Don" blev en af ​​de mest populære massesange. T. Khrennikovs opera "Into the Storm" er også fyldt med dramatiske karakteristika, original melodi, udtryksfulde folkekor.

En interessant brydning blev givet til elementer af fransk folkemusik i D. Kabalevskys opera "Cola Bruignon", præget af stor faglig dygtighed, subtilitet af musikalske karakteristika.

Operaen af ​​S. Prokofiev "Semyon Kotko" var præget af afvisningen af ​​massesangskrivning og overvægten af ​​recitativ.

Forskellige tendenser i sovjetiske komponisters arbejde begyndte i 1935-1939. genstand for diskussioner om operakunstens udviklingsmåder.

Komponister, der arbejder inden for operettegenren, såsom I. Dunaevsky, M. Blanter, B. Aleksandrov, behandlede også det nutidige tema.

I balletgenren var realistiske tendenser repræsenteret af så betydningsfulde værker som "The Flames of Paris" og "The Fountain of Bakhchisarai" af B. Asafiev, "Laurencia" af A. Kerin, musikalsk og koreografisk tragedie af S. Prokofiev "Romeo og Julie". De første nationale balletter dukkede op i Georgien, Hviderusland og Ukraine.

Succes i genren symfonisk musik var også forbundet med indtrængen af ​​det sang-melodiske princip, demokratisering af billeder, fylde dem med konkret livsindhold, styrkelse af programmatiske tendenser og appel til folkenes sang- og dansemelodier. af USSR.

I 30'erne blomstrede kreativiteten hos de største sovjetiske symfonister af den ældre generation, de unges talenter modnes. I symfonisk musik forstærkes realistiske tendenser, og nutidige temaer afspejles. N. Myaskovsky skabte ti symfonier i denne periode (fra 12. til 21.). S. Prokofiev skriver den patriotiske kantate "Alexander Nevsky", den 2. koncert for violin, den symfoniske fortælling "Peter og ulven", D. Shostakovich - den 5. symfoni, storladen i design og indholdsdybde, samt den 6. symfoni , klaverkvintetten , kvartet, musik til filmen "Counter".

Mange betydningsfulde værker i den symfoniske genre var viet til historisk-revolutionære og heroiske temaer: 2. symfoni af D. Kabalevsky, symfonikantaten af ​​Y. Shaporin "På Kulikovo-marken". A. Khachaturyan ydede et værdifuldt bidrag til realistisk musik (1. symfoni, klaver- og violinkoncerter, ballet "Gayane").

Store symfoniske værker blev skrevet af andre komponister, herunder komponister fra de sovjetiske nationale republikker.

Scenekunsten steg til store højder. Fremragende vokalister A. Nezhdanova, A. Pirogov, N. Obukhova, M. Stepanova, I. Patorzhinsky og andre blev tildelt titlen som People's Artist of the USSR.

Unge sovjetiske musikere E. Gilels, D. Oistrakh, J. Flier, J. Zak vandt førstepræmier ved internationale konkurrencer i Warszawa, Wien, Bruxelles. Navnene på G. Ulanova, M. Semenova, 0. Lepeshinskaya, V. Chabukiani blev stoltheden af ​​sovjetisk og verdens koreografisk kunst.

Store statslige udøvende grupper blev oprettet - State Symphony Orchestra, State Dance Ensemble, State Choir of the USSR.

30'erne er en af ​​de mest interessante sider i sovjetstatens historie. Dette er tiden for erobringerne af Arktis, stormen af ​​stratosfæren, tiden for de første femårsplaner og uhørte sejre i arbejdet, tiden for gigantisk byggeri, der udspiller sig i hele landet. Så byggede de meget, solidt og smukt. Bygningernes omrids formidlede den forretningsmæssige og modige stemning hos deres bygherrer. Nye bygninger dukkede op på Unionens kort, centrene i gamle byer var omkranset af nye distrikter. Fabrikker og arbejderbosættelser blev bygget, talrige floder blev blokeret af dæmninger af vandkraftværker. Skåle med stadioner voksede i byparker. Blandt de gamle huse på ødemarker var der bygninger, kaldet af tidens vilje og arkitekters talent til at ændre traditionerne fra tidligere liv. Et af de slående eksempler på hele dette enorme byggeprojekt er Moskva.

Lad os tage en tur rundt i Moskva i 1930'erne og se, hvor mange ændringer der er sket i det gennem årene. Vandene i Moskva-floden og Yauza klædt i granit i hele byen. Bymidten har fuldstændig ændret udseende: Pladsen er udvidet, frigjort fra gamle, faldefærdige huse. I selve centrum af hovedstaden, på hjørnet af den tidligere Okhotny Ryad og Gorky Street, blev huset til USSR Ministerråd bygget ifølge projektet af arkitekten A. Langman. Bygningens stramme proportioner, der minder om et slankt parallelepipedum, et klart og rytmisk forhold mellem vinduesåbninger og vægplaner, giver bygningen et forretningsmæssigt og roligt udtryk. Brede lodrette striber af hvid stenbeklædning på den røgfyldte facade skaber et indtryk af højtidelighed, der understreger bygningens statslige betydning.

De første stationer i Moskva-metroen er strenge og udtryksfulde med hensyn til dekoration. Over en

højt til loftet ligger stille på firesidede søjler med forklæder, lyse hvælvinger spredt over andre. Et konstant elektrisk lys bader den polerede stenbeklædning. Glas, keramik, metal, træ med deres former giver underjordiske metrolobbyers arkitektur luftighed, elasticitet og varme. Stationerne er alle forskellige, selvom de er ens i stilen.

Hvælvingen på lufthavnsstationen (arkitekterne V. Vilensky og V. Ershov), som en åben baldakin af en faldskærm, er dissekeret af hurtige hvide linjer - slynger. De mangefacetterede hvide søjler i Kropotkinskaya-stationens underjordiske vestibule (tidligere Sovjetpaladset, arkitekterne A. Dushkin og J. Lichtenberg) udvider sig under hvælvingen og danner skåle, hvori lyskilder er skjult. Takket være dette ser det indre rum ud til at øges, og stationens udseende bliver mere strengt. Næsten alle metrostationer i Moskva tiltrækker i disse år på grund af det hensigtsmæssige i deres stramme, forretningsagtige arkitektur. Der er intet overflødigt i dem, næsten hver eneste arkitektoniske detalje løser både kunstneriske og tekniske problemer på samme tid.

I 30'erne søgte mange af vores arkitekter at underordne bygningers udseende til deres funktionelle formål. Her er bygningen af ​​redaktionen og forlaget "Pravda" af arkitekt P. Golosov. Dens vægge er skåret med brede striber af vinduer: Lys og sol er trods alt en stor hjælp for både den litterære medarbejder og trykkeren. Vinduernes glaslinjer gjorde hovedparten af ​​planten slank og mere imødekommende.

Hver arkitektonisk struktur har sin egen plads i byens ensemble. Langt synlig, skjuler eller understreger udseendet af de omkringliggende bygninger, den gennembrudte silhuet af Krim-broen over Moskva-floden af ​​arkitekt A. Vlasov. Denne smukke bro forbinder overfladen af ​​floden, massivet i Central Park of Culture og panoramaet over byen. Hans krop er ophængt i to guirlander af stålplader, der kraftigt og frit skærer luften, og det får det til at virke, som om broen er vægtløs, som om den er vævet af tynde skinnende tråde.

Kulturpaladset i Moskvas bilfabrik. Likhachev, skabt af arkitekterne Vesnin-brødrene, ligger i en park, der er blevet omdannet til en sportsby, ved en stejl klippe, der går ned til Moskva-floden (se artiklen "Vesnin Brothers Architects").

Byggeriet i Moskva blev derefter udført i henhold til en samlet plan for genopbygningen af ​​hovedstaden, vedtaget i 1935. For andre byer i landet - Leningrad, Novosibirsk, Sverdlovsk, Kharkov, Baku, Tbilisi, Jerevan, Dushanbe osv. - deres Der blev også udarbejdet generelle genopbygningsplaner.

Og selvfølgelig kunne disse års arkitektur ikke undvære sine konstante "kampfæller" - skulptur og maleri. Monumental skulptur og maleri spillede en vigtig rolle i ensembler af metrostationer, Moskva-kanalen og All-Union Agricultural Exhibition i Moskva. Mosaikker af A. Deineka på plafonden på Mayakovskaya-metrostationen synes at fortælle om en dag i landet (se artiklen "A. A. Deineka").

E. Lancere ydede et væsentligt bidrag til udviklingen af ​​monumentalmaleriet. Hans malerier på lofterne i hotellets restaurant i Moskva skaber illusionen af ​​et stort rum: det ser ud til, at ikke loftet, men himlens høje hvælving åbner sig for en persons blik i hallen.

Blandt værkerne af monumentalt maleri i 30'erne

Vægmalerierne på Moskva-museet for beskyttelse af moderskab og spædbørn, lavet af V. A. Favorsky og L. A. Bruni, skiller sig ud. I dem legemliggjorde kunstnerne det nye menneskes harmoni, hans følelsers jordiske skønhed. Skulpturerne af V.I.Mukhina placeret i museet var også i harmoni med malerierne.

Mange arkitektoniske strukturer fra 30'erne kan ikke forestilles uden skulptur. Symbolet for dette fællesskab var den berømte skulpturelle gruppe af V. I. Mukhina "Arbejder og kollektiv gårdkvinde" (se ill., s. 328-329), som prydede den sovjetiske pavillon på verdensudstillingen i Paris.

I 30'erne dukkede adskillige skulpturelle monumenter op, som var inkluderet i ensembler af pladser og gader i forskellige byer. Billedhuggerne V. I. Mukhina og I. D. Shadr arbejdede på monumenternes projekter (se artiklerne "V. I. Mukhina" og "I. D. Shadr"), S. D. Merkurov og M. G. Manizer (1891 - 1966), NV Tomsky (f. 1900) og SD Lebedeva (1892-1967). I 30'erne begyndte den udbredte implementering af planen for monumental propaganda, som blev udtænkt af Lenin og begyndte at blive udført i de første år af revolutionen.

Udviklingen af ​​monumental kunst og ideen om syntese af alle typer kunst har påvirket staffeliformerne for maleri, skulptur og grafik. Selv i små staffeliværker stræbte kunstnere efter at udtrykke stort indhold, at skabe et generaliseret kunstnerisk billede.

På lærredet af S. V. Gerasimov "Den kollektive gårdferie" (Tretyakov Gallery, Moskva), som i fokus, indsamlede de karakteristiske træk ved maleriet fra disse år. Solen sender generøst stråler fra den skyfri himmel. Naturen er gennemsyret af fredfyldt fred og glæde. Borde med rige lækkerier er dækket lige på engen. Det er klart, at der er høstet en fremragende høst. Gerasimov trækker folk fra en ny kollektiv gårdlandsby: smilende kvinder, en fyr med en cykel, en heltindepige, en soldat fra den røde hær på ferie. Gerasimovs malestil bidrager også til glædens stemning: han maler et billede med lyse farver, med en bred penselbevægelse, opnår et indtryk af lethed, en følelse af luftighed (se artiklen "S. V. Gerasimov").

A. A. Deineka kom i 30'erne med sin egen etablerede tradition. Han formidler en følelse af modernitet med nye emner og en ny billedform. Hans fyre er fulde af sundhed og udstråler livsglæde i maleriet "Frokostpause i Donbass" (Museum for lettisk og russisk kunst, Riga). Hans drenge lever med en anelse om store ting i "Fremtidens piloter" (se ill., s. 304-305). I disse malerier er Deinekas maleri, som før, grisk, lakonisk, det har strenge og klare rytmer, skarpe farvekontraster.

Gennemsyret af "Deineks" stemninger, men blødere maleri af Yu. I. Pimenov (f. 1903) "New Moscow" (Tretyakov Gallery, Moskva). En kvinde kører i bil over den regnskyllede Sverdlov-plads. Centrum af det nye Moskva åbner sig foran hende. Og sammen med hende beundrer vi vores hovedstad.

AA Deineka, Yu. I. Pimenov og GG Nissky, som lige var begyndt på det tidspunkt, formidlede nye følelser og indtryk af livet i et genremaleri og i et landskab. Den dengang gamle kunstner M.V. Nesterov nærmede sig løsningen af ​​nye problemer på sin egen måde. Han stræbte efter at skabe billedet af en person-skaber, typisk for disse år. I sine portrætter fangede han mennesker, der var fuldstændig passionerede omkring deres arbejde, som gik på jagt efter

videnskabelige og kunstneriske sandheder (se artiklen "M. V. Nesterov" og ill., s. 306).

I den historiske genre kom BV Ioganson til brede kunstneriske generaliseringer og skabte virkelig monumentale malerier Interrogation of the Communists (se ill., s. 312-313) og At the Old Ural Factory. Begge disse malerier blev af samtiden opfattet som et symbol på kampens vej, som folket rejste. Billederne skabt af Johanson er heroiske og betydningsfulde (se artiklen "BV Johanson").

Med al den generelle stræben efter et generaliseret og monumentalt billede, blev maleri, skulptur og grafik fra 1930'erne skabt af kunstnere med forskellig håndskrift. Deres værker adskiller sig fra hinanden i kunstneriske virkemidler og i graden af ​​psykologisk dybde, såvel som i plots og temaer. Handlingen i maleriet "Farvel, kammerat" af V. Prager er ekstremt nærig (Tretyakov Gallery, Moskva). Den røde afdeling, fastfrosset i rækkerne, uddeler sin sidste hæder til en kammerat, der faldt i kamp. Han ligger på en båre på det sneklædte græs. Farver taler om menneskers følelser - ædel ren, lidt mindre, påført med strenge penselstrøg.

Maleriet af KS Petrov-Vodkin "1919. Angst". Arbejderen kigger gennem vinduet ind på midnatsgaden. En uventet begivenhed vækkede hans kære. Kunstneren afslutter bevidst ikke plottet. Enten bragede de hvide ind i byen, eller også blev der begået en sabotage ... Det vigtigste er dens heltes parathed til modigt at møde ulykken i lærredets spændte stemning (Russisk Museum, Leningrad; se kunst. "KS Petrov -Vodkin").

Maleriet af KN Istomin (1887 -1942) "Vuzovki" er også mere "talende" i malersproget end i plottet. Skrøbelige figurer af piger-studerende, der arbejder entusiastisk ved bordet, præsenteres i farveenheden af ​​grønne, hvide, sorte malinger, som formidler både billedernes renhed og tidens spænding.

Originale talentfulde malere arbejdede i 30'erne i fagforeningsrepublikkerne: E. Akhvlediani i Tbilisi, III. Mangasarov i Baku, B. Nurali i Ashgabat.

Udviklingen af ​​monumentale kunstformer forhindrede ikke lyriske eller dybdegående psykologiske genrer. Inden for skulptur udvikler portrættet sig for eksempel med succes. Sarah Lebedeva (1892-1967), en kender af menneskelige karakterer, der ved, hvordan man bemærker sjælens bevægelser, der knapt kan mærkes, opnåede stor succes i denne genre. Lebedeva fokuserer altid på det særlige, der kun er iboende i denne model. Hendes "Chkalov" er en begavet hel person, der har rettet al sin karakterstyrke mod at nå sit livs mål. Lebedeva skulpturerer sine portrætter meget frit: de er ikke glattede, de har ydre skitsering, men det får dem til at virke særligt levende.

V. Mukhinas portrætter er tværtimod altid monumentale: de er stabile i deres komposition, massive, energiske.

Billedhuggeren A. Matveev opnåede en stor dybde af forståelse af den menneskelige personlighed i sit selvportræt. Dette er en hel selvbiografi, der er legemliggjort i billedet: visdom, vilje, tankens kraft og stor menneskelig renhed er smeltet sammen i det.

I disse år skaber mesteren af ​​publicistiske kompositioner I. Shadr også storslåede portrætter. Portrættet af den unge Gorky (Tretyakov Gallery, Moskva) er fuld af dynamik, vrede mod filistinisme og en impuls til frihed, til kamp.Shadrs kvindebilleder er meget lyriske.

Temaet for fortid og nutid, så levende præsenteret i skulptur og maleri, afspejles i grafikken. De fleste af kunstnerne i disse år vier deres tegninger og graveringer til emnerne byggeri og arbejde. Et galleri med portrætter af fremtrædende samtidige dukkede op: videnskabsmænd, teknikere, arbejdere, bønder.

I 30'erne oplever boggrafik en tid med fremgang og store forandringer. Behovet for en bog vokser mere og mere. Klassikere og nutidige forfattere udgives i enorme oplag. En hel generation af unge mestre kommer til bogen. Hans elever A.D. Goncharov (f. 1903) og M.I. Pikov (f. 1903) arbejder sammen med V. A. Favorsky. Rækken af ​​illustratorer genopbygges af Kukryniksy (se art. "Kukryniksy"), D. A. Shmarinov (f. 1907), E. A. Kibrik (f. 1906), A. M. Kanevsky (f. 1898). Shmarinov skaber en cyklus af dramatiske illustrationer til "Forbrydelse og straf" af Dostojevskij, Kibrik - en serie litografier til "Cola Brunion" af Rolland, Kukryniksy-tegninger til "Klim Samgin" af Gorky, Kanevskij - for Saltykov-Shchedrin.

V.V. Lebedev (1891 - 1967) og V.M. De billeder, de skaber, er nogle gange godmodige, nogle gange ironiske, men aldrig opbyggelige.

S. D. Lebedeva. Portræt af V.P. Chkalov. 1937. Bronze. Statens Tretyakov Galleri. Moskva.

30'erne er en svær periode i landets liv. De havde deres egne historiske vanskeligheder. Krigen nærmede sig. Disse vanskeligheder afspejlede sig også i kunsten. Men det vigtigste, der bestemmer førkrigstidens kunst, er, at metoden for socialistisk realisme endelig blev dannet i den. Kunsten etablerede sine kamptraditioner, den var klar til alvorlige og alvorlige prøvelser.

At stifte bekendtskab med de sovjetiske kunstværker, bemærker straks, at det er meget anderledes end den foregående periode i kunsthistorien. Denne forskel ligger i det faktum, at al sovjetisk kunst er gennemsyret af sovjetisk ideologi og var beregnet til at være en dirigent af alle ideer og beslutninger fra den sovjetiske stat og det kommunistiske parti, som den ledende kraft i det sovjetiske samfund. Hvis kunstnere i det 19. - tidlige 20. århundredes kunst udsatte den eksisterende virkelighed for alvorlig kritik, så var sådanne værker i den sovjetiske periode uacceptable. Patosen ved at bygge en socialistisk stat blev anvendt som en rød tråd gennem al sovjetisk kunst. Nu, 25 år efter USSR's sammenbrud, er der en øget interesse for sovjetisk kunst fra publikums side, især er det ved at blive interessant for unge mennesker. Og den ældre generation genovervejer meget i vores lands tidligere historie og er også interesseret i tilsyneladende meget velkendte værker af sovjetisk maleri, skulptur og arkitektur.

Kunst fra perioden med oktoberrevolutionen, borgerkrigen og 20'erne - 30'erne.

I de første år efter revolutionen og under borgerkrigen, kamppolitisk plakat. Plakatkunstens klassikere betragtes med rette D.S. Moor og V.N. Denis. Moores plakat "Har du meldt dig frivilligt?" og fængsler nu med billedets udtryksfuldhed.

Ud over den trykte plakat opstod der under borgerkrigen håndtegnede og stencilerede plakater. det "ROSTA vinduer", hvor digteren V. Majakovskij tog aktiv del.

Under borgerkrigen arbejdede han monumental propagandaplan, udarbejdet af V.I. Lenin, hvis betydning var opførelsen af ​​monumenter over hele landet til berømte mennesker, der på en eller anden måde bidrog til forberedelsen og gennemførelsen af ​​den socialistiske revolution. Udøverne af dette program er primært billedhuggere N.A. Andreev I.D. Shadr.

I 1920'erne blev der dannet en forening, der spillede en væsentlig rolle i opbygningen af ​​et nyt sovjetisk samfund - Rusland "(AHRR) "Association of Artists of Revolutionary Russia (AHRR).

I 30'erne blev der oprettet en enkelt Union of Artists of the USSR, der forenede alle kunstnere, der i deres arbejde skulle følge metoden med socialistisk realisme. Ældre kunstnere (B. Kustodiev, K. Yuon og andre.) og de yngre stræbte efter at afspejle det nye i den sovjetiske virkelighed.

I kreativitet I.I. Brodsky det historiske og revolutionære tema blev afspejlet. Samme tema i værkerne M. Grekov og K. Petrov-Vodkin er sublimt romantisk af natur.

I de samme år begyndte eposet "Leniniana" som skabte et utal af værker dedikeret til V.I. Lenin under sovjetperioden.

Genremalere (mestre i hverdagsgenren) og portrætmalere fra 20'erne-30'erne bør primært kaldes M. Nesterov, P. Konchalovsky, S. Gerasimov, A. Deineku, Y. Pimenov, G. Ryazhsky og andre kunstnere.

I området ved landskab sådanne kunstnere arbejdede, som K. Yuon, A. Rylov, V. Baksheev og R.

Efter revolutionen og borgerkrigen skete der en hastig opbygning af byer, hvor mange monumenter til fremtrædende personer fra revolutionen, partier og stater. Berømte billedhuggere var A. Matveev, M. Manizer, N. Tomsky, S. Lebedeva Andet.

Sovjetisk kunst 1941 -1945 og de første efterkrigsår

Under den store patriotiske krig tilbageviste den sovjetiske kunst resolut påstanden om, at "når kanonerne tordner, tier muserne." Nej, i perioden med de mest grusomme og forfærdelige krige i menneskehedens historie, var muserne ikke tavse. Umiddelbart efter de tyske fascisters forræderiske angreb på Sovjetunionen blev kunstnerens pensel, blyant og mejsel et formidabelt våben i kampen mod fjenden.

Folkets heroiske opsving, deres moralske enhed blev grundlaget, hvorpå den sovjetiske kunst rejste sig under den patriotiske krig. Han var gennemsyret af ideer patriotisme. Disse ideer inspirerede plakatkunstnere, inspirerede malere til at skabe malerier, der fortalte om sovjetiske folks bedrifter, bestemte indholdet af værker i alle typer kunst.

En kæmpe rolle på dette tidspunkt, som i borgerkrigsårene, spillede en politisk plakat, hvor kunstnere som f.eks. V. S. Ivanov, V. B. Koretsky Andet. Deres værker er præget af en vred patos, i de billeder, de skabte, afsløres den ubøjelige vilje hos mennesker, der rejste sig for at forsvare Fædrelandet med deres bryster.

En håndtegnet plakat oplever en ægte renæssance under krigen. Efter eksemplet med "ROSTA Windows" i 1941-1945 blev der oprettet adskillige ark "Windows af TASS". De latterliggjorde angriberne, afslørede fascismens sande essens, opfordrede folket til at forsvare moderlandet. Blandt de kunstnere, der arbejder i "Windows TASS", bør man først og fremmest nævne Kukryniksov (Kupriyanov, Krylov, Sokolov).

Datidens grafiske serier fortæller overbevisende om det sovjetiske folks oplevelser i krigsårene. En storslået serie af tegninger præget med hjertesorg DA Shmarinova "Vi vil ikke glemme, vi vil ikke tilgive!" Alvoren af ​​livet i det belejrede Leningrad er fanget i en række tegninger AF Pakhomov "Leningrad i belejringens dage".

Det var svært for malerne at arbejde i krigsårene: Det kræver trods alt tid og passende forhold og materialer at skabe et færdigt billede. Ikke desto mindre dukkede der på det tidspunkt mange lærreder op, der var inkluderet i den gyldne fond for sovjetisk kunst. Malerne af atelieret for militære kunstnere opkaldt efter A.B. Grekov fortæller os om krigens vanskelige hverdag, om helte-soldaterne. De rejste til fronterne, deltog i fjendtligheder.

Militære kunstnere fangede på deres lærred alt, hvad de selv så og oplevede. Blandt dem P.A.Krivonogov, forfatter til maleriet "Victory", B.M. Nemensky og hans maleri "Moder", en bondekone, der husede soldater i sin hytte, som overlevede meget i en svær tid for fædrelandet.

Lærreder af stor kunstnerisk værdi blev skabt i disse år A. A. Deineka, A. A. Plastov, Kukryniksy... Deres malerier, dedikeret til sovjetiske folks heroiske gerninger, sovjetiske folk forrest og bagved, er gennemsyret af oprigtig begejstring. Kunstnerne hævder det sovjetiske folks moralske overlegenhed over fascismens brutale kraft. Dette er manifestationen af ​​folkets humanisme, deres tro på idealerne om retfærdighed og godhed. Historiske lærreder skabt under krigen, herunder cyklussen malerier af E.E. Lancere "Trofæer af russiske våben"(1942), triptykon af PD Korin "Alexander Nevsky", lærred af AP Bubnov "Morgen på Kulikovo-marken".

Portrætmaleri fortalte os også meget om krigstidens mennesker. I denne genre er der skabt mange værker, præget af enestående kunstnerisk fortjeneste.

Portrætgalleriet fra perioden med den patriotiske krig blev genopfyldt med mange skulpturelle værker. Mennesker med ubøjelig vilje, modige karakterer, præget af levende individuelle forskelle, er repræsenteret i de skulpturelle portrætter af S.D. Lebedeva, N.V. Tomsky, V.I.Mukhina, V.E. Vuchetich.

Under den patriotiske krig opfyldte sovjetisk kunst ærefuldt sin patriotiske pligt. Kunstnerne kom til sejr efter at have gennemgået dybe oplevelser, som gjorde det muligt i de første efterkrigsår at skabe værker med et komplekst og mangefacetteret indhold.

I anden halvdel af 40'erne - 50'erne beriges kunsten med nye temaer og billeder. Dets vigtigste opgaver i denne periode er at afspejle succeserne med efterkrigstidens byggeri, opdragelse af moral og kommunistiske idealer.

Opblomstringen af ​​kunst i efterkrigsårene blev i vid udstrækning lettet af aktiviteterne i USSR Academy of Arts, som omfatter de mest betydningsfulde mestre.

Efterkrigsårenes kunst er også præget af andre træk, der primært vedrører dens indhold. I disse år vokser kunstnernes interesse for menneskets indre verden. Derfor er malere, billedhuggere, grafikere opmærksomme på portrætter og genrekompositioner, som gør det muligt at repræsentere mennesker i forskellige livssituationer og vise originaliteten af ​​deres karakterer og oplevelser. Derfor den særlige menneskelighed og varme i mange værker dedikeret til sovjetfolks liv og hverdag.

Naturligvis fortsætter kunstnere på dette tidspunkt med at bekymre sig om begivenhederne i den seneste krig. Igen og igen vender de sig mod folkets heltegerninger, til det sovjetiske folks svære følelser i en barsk tid. Sådanne lærreder fra disse år er kendt som "Mashenka" af B. Nemensky, "Brev fra fronten" af A. Laktionov, "Hvile efter slaget" af Y. Nemensky, "The Return" af V. Kostetsky og mange andre.

Disse kunstneres lærreder er interessante, fordi krigens tema er løst i dem i dagligdagens genre: de maler scener fra sovjetiske menneskers liv i krigen og bagved, taler om deres lidelse, mod, heltemod.

Det er bemærkelsesværdigt, at billeder af historisk indhold også ofte løses i denne periode i dagligdagens genre. Efterhånden finder det sovjetiske folks fredelige liv, som erstattede krigsårenes svære prøvelser, en stadig fyldigere og mere moden legemliggørelse i mange kunstneres arbejde. Et stort antal af genre malerier (dvs. malerier af hverdagsgenre), der rammer en række forskellige temaer og plots. Dette er livet for en sovjetisk familie med dens enkle glæder og sorger ( "Deuce igen!" F. Reshetnikov), det er glødende arbejde på fabrikker og fabrikker, på kollektive og statslige gårde ( "Brød" af T. Yablonskaya, "On Peaceful Fields" A. Mylnikova)... Dette er livet for sovjetisk ungdom, udviklingen af ​​jomfruelige lande osv. Et særligt vigtigt bidrag til genremaleriet blev ydet i denne periode af kunstnere A. Plastov, S. Chuikov, T. Salakhov Andet.

Med succes fortsatte med at udvikle sig i disse år, portrætter er P. Korin, V. Efanov og andre kunstnere. Inden for landskabsmaleriet i denne periode er der foruden de ældste malere, bl.a M. Saryan, R. Nyssky, N. Romadin arbejdede Andet.

I de efterfølgende år fortsatte sovjetperiodens billedkunst med at udvikle sig i samme retning.

1) Resolution fra XVI kongres for All-Union Kommunistpartiet / b / "Om indførelse af universel obligatorisk grundskoleuddannelse for alle børn i USSR" (1930); 2) Ideen om at forny "økonomisk personale" på alle niveauer fremsat af I. Stalin i trediverne, hvilket indebar oprettelsen af ​​industrielle akademier og ingeniøruniversiteter i hele landet, samt indførelse af betingelser, der stimulerede arbejdere til at modtage uddannelse på aften- og korrespondanceafdelinger på universiteter "uden adskillelse fra produktion".

De første femårige byggeprojekter, kollektiviseringen af ​​landbruget, Stakhanov-bevægelsen, de historiske gevinster fra sovjetisk videnskab og teknologi blev opfattet, oplevet og afspejlet i den offentlige bevidsthed i enhed af dens rationelle og følelsesmæssige strukturer. Derfor kunne kunstnerisk kultur ikke andet end at spille en yderst vigtig rolle i den åndelige udvikling af det socialistiske samfund. Aldrig tidligere og ingen steder i verden har kunstværker haft et så bredt, så massivt, virkelig populært publikum som i vores land. Det vidnes veltalende af besøgsprocenterne i teatre, koncertsale, kunstmuseer og udstillinger, udviklingen af ​​biografnetværket, bogudgivelse og brugen af ​​biblioteksmidler.

Den officielle kunst i 1930'erne og 1940'erne var optimistisk, selvsikker, endda euforisk. Den største type kunst, som Platon anbefalede for sin ideelle "stat", var legemliggjort i et ægte sovjetisk totalitært samfund. Her bør man huske på de tragiske modsætninger, der udviklede sig i landet i førkrigstiden. I 1930'ernes offentlige bevidsthed begyndte troen på socialistiske idealer og partiets enorme autoritet at kombineres med "lederisme". Social fejhed og frygten for at komme ud af de almindelige rækker blandt brede samfundslag. Essensen af ​​klassens tilgang til sociale fænomener blev forstærket af Stalins personlighedsdyrkelse. Klassekampens principper afspejles i landets kunstneriske liv.

I 1932, efter beslutningen fra den 16. kongres for All-Union Kommunistparti i Sovjetunionen / b /, blev en række kreative foreninger opløst i landet - Proletkult, RAPP, VOAPP. Og i april 1934 åbnede den første All-Union-kongres af sovjetiske forfattere. På kongressen blev sekretæren for Centralkomitéen for ideologi A.A. Zhdanov, der skitserede den bolsjevikiske vision om kunstnerisk kultur i et socialistisk samfund. "Socialistisk realisme" blev anbefalet som den sovjetiske kulturs "vigtigste kreative metode". Den nye metode foreskrev kunstnerne både indholdet og de strukturelle principper for værket, hvilket antydede eksistensen af ​​en "ny type bevidsthed", der opstod som et resultat af marxismen-leninismens etablering. Socialistisk realisme blev én gang for alle anerkendt som den givne, den eneste korrekte og mest perfekte kreative metode .. Zhdanovs definition af socialistisk realisme var baseret på definitionen af ​​forfattere givet af Stalin - af hensyn til tidens tekniske tænkning - som "ingeniører af menneskesjæle." Således fik kunstnerisk kultur, kunst en instrumentel karakter, eller rollen som et instrument til dannelsen af ​​et "nyt menneske" blev tildelt.

Den kunstneriske praksis i 1930'erne og 1940'erne viste sig dog at være meget rigere end de anbefalede partiretningslinjer. I førkrigstiden steg den historiske romans rolle markant, en dyb interesse for fædrelandets historie og for de mest markante historiske personer viste sig. Derfor en hel række af seriøse historiske værker: "Kyukhlya" af Y. Tynyanov, "Radishchev" af O. Forsh, "Emelyan Pugachev" af V. Shishkov, "Chingizkhan" af V. Yan, "Peter the First" af A. Tolstoj.

I de samme år blomstrede sovjetisk børnelitteratur. Hendes store præstationer var digte for børn af V. Mayakovsky, S. Marshak, K. Chukovsky, S. Mikhalkov, historier af A. Gaidar, L. Kassil, V. Kaverin, eventyr af A. Tolstoy, Yu. Olesha.

På tærsklen til krigen, i februar 1937, fejrede Sovjetunionen bredt 100-året for A.S. Pushkins død, i maj 1938 fejrede landet 750-året for I marts 1940, den sidste del af M. Sholokhovs roman Quiet Don" blev udgivet i USSR.

Fra de første dage af den store patriotiske krig viede sovjetisk kunst sig helt til sagen om at redde fædrelandet. Kulturpersoner kæmpede med våben i hænderne på krigsfronterne, arbejdede i frontpressen og propagandahold.

Sovjetisk poesi og sang opnåede en ekstraordinær lyd i denne periode. Sangen "Sacred War" af V. Lebedev-Kumach og A. Aleksandrov blev den sande hymne for folkekrigen. Militære tekster af M. Isakovsky, S. Shchipachev, A. Tvardovsky, A. Akhmatova, A. Cypikov, N. Tikhonov, O. Berggolts, B. Pasternak, K. Simonov blev skabt i form af eder, gråd, forbandelser, og et direkte opkald.

I løbet af krigsårene blev et af det 20. århundredes største værker skabt - den 7. symfoni af D. Shostakovich. På et tidspunkt kunne L. Beethoven godt lide at gentage ideen om, at musik skulle slå ild fra et modigt menneskehjerte. Disse ideer blev legemliggjort af D. Shostakovich i hans mest betydningsfulde arbejde. D. Shostakovich begyndte at skrive den 7. symfoni en måned efter starten på den store patriotiske krig og fortsatte sit arbejde i Leningrad belejret af nazisterne. Sammen med professorerne og eleverne på Leningrad-konservatoriet gik han for at grave skyttegrave og boede som kæmper i brandslukningsholdet i en kasernestilling i bygningen af ​​konservatoriet. På det originale partitur af symfonien kan du se komponistens toner "VT" - hvilket betyder "luftangreb". Da det nærmede sig, afbrød D. Shostakovich arbejdet med symfonien og gik for at kaste brandbomber fra taget af konservatoriet.

De første tre satser af symfonien blev afsluttet i slutningen af ​​september 1941, da Leningrad allerede var omringet og udsat for brutal beskydning og luftbombardement. Den sejrrige finale af symfonien blev afsluttet i december, da de nazistiske horder stod i udkanten af ​​Moskva. "Jeg dedikerer denne symfoni til min fødeby Leningrad, vores kamp mod fascismen, vores kommende sejr" - sådan var epigrafen til dette værk.

I 1942 blev symfonien opført i USA og i andre lande i den antifascistiske koalition. Musikkunsten over hele verden kender ikke til nogen anden komposition, der ville have modtaget en så kraftig offentlig respons. "Vi forsvarer vores moderlands frihed, ære og uafhængighed. Vi kæmper for vores kultur, for videnskaben, for kunsten, for alt det, vi har bygget og skabt,” skrev D. Shostakovich i de dage.

I krigsårene skabte sovjetisk drama ægte mesterværker af teaterkunst. Vi taler om skuespil af L. Leonov "Invasion", K. Simonov "Russiske folk", A. Korneichuk "Front".

I krigsårene, koncerter af Leningrad Filharmoniske Symfoniorkester under ledelse af E. Mravinsky, Sang- og dansensemblet fra den sovjetiske hær under ledelse af A. Alexandrov, det russiske folkekor opkaldt efter A. M. Pyatnitsky, solister K. Shulzhenko, L. Ruslanova, A. Raikin, L. Utesov, I. Kozlovsky, S. Lemeshev og mange andre.

I efterkrigstiden fortsatte russisk kultur den kunstneriske udvikling af det militære tema. Romanen af ​​A. Fadeev "Den unge garde" og "Historien om en rigtig mand" af B. Polevoy blev skabt på dokumentarbasis.

I den sovjetiske humaniora i denne periode begyndte nye tilgange til studiet af offentlig bevidsthed at blive udviklet. Dette skyldes det faktum, at det sovjetiske folk begynder at stifte bekendtskab med andre landes kultur og skabe åndelige kontakter med alle kontinenter.

4. Socio-kulturel situation i 60-70'erne af det XX århundrede i Rusland. Den kunstneriske proces i 60-70'erne var kendetegnet ved intensiteten og dynamikken i dens udvikling. Han var tæt knyttet til de velkendte socio-politiske processer, der fandt sted i landet. Det er ikke for ingenting, at denne gang kaldes den politiske og kulturelle "optø". Miljøændringer i naturen, migrationen af ​​et stort antal af befolkningen fra landet til byen, komplikationen af ​​liv og liv i moderne byer førte til alvorlige ændringer i menneskers bevidsthed og moral, som blev genstand for skildring i kunstnerisk kultur. I prosaen af ​​V. Shukshin, Y. Trifonov, V. Rasputin, Ch. Aitmatov, i dramaet af A, Vampilov, V. Rozov, A. Volodin, i V. Vysotskys poesi er der en tendens til at se tidens komplekse problemstillinger i hverdagsfag.

I 60'erne og 70'erne lød temaet for Den Store Fædrelandskrig på en ny måde i prosa og film. Kunstværkerne fra disse år afslørede ikke kun mere modigt konflikterne og begivenhederne i den sidste krig, men fokuserede også deres opmærksomhed på en individuel persons skæbne i krigen. De mest sandfærdige romaner og film er skrevet og instrueret af forfattere og instruktører, der kender krigen af ​​personlig erfaring. Disse er prosaforfattere - V. Astafiev, V. Bykov, G. Baklanov, V. Kondratyev, filmskaberne G. Chukhrai, S. Rostotsky.

Et sandt fænomen i den sovjetiske kultur var fødslen af ​​den såkaldte "landsbyprosa" under "tøperioden". Dens manifestation betyder slet ikke, at der var særlige kunstneriske behov blandt bønderne, som var væsentligt forskellige fra behovene i andre lag i det sovjetiske samfund. Indholdet af de fleste af værkerne af V. Astafiev, V. Belov, F. Abramov, V. Rasputin og andre "landsbyboere" efterlod ikke nogen ligeglade, fordi talen i

de handlede om problemer, der var fælles for hele menneskeheden.

Landsbyens forfattere registrerede ikke kun dybtgående ændringer i landsbymandens bevidsthed og moral, men viste også en mere dramatisk side af disse ændringer, som påvirkede ændringen i forbindelsen mellem generationerne, overførslen af ​​ældre generationers åndelige oplevelse til yngre. dem. Krænkelse af traditionernes kontinuitet førte til udryddelsen af ​​gamle russiske landsbyer med deres liv, sprog og moral, som havde taget form i århundreder. En ny livsstil på landet, tæt på den bymæssige, kommer til at erstatte den. Som et resultat af dette ændrer det grundlæggende koncept for landsbyliv sig - begrebet "hjem", som siden oldtidens russiske folk har investeret i begrebet "fædreland", "indfødt land", "familie". Gennem forståelsen af ​​begrebet "hjem" blev der også realiseret en dyb forbindelse mellem kolonierne. Det er netop, hvad F. Abramov skrev med smerte i sin roman "Hus", og V. Rasputins historier "Farvel til Mater" og "Ild" er også viet til dette problem.

Problemet med forholdet mellem mennesket og naturen, et af de mest akutte globale problemer i det XX århundrede, fik sin særlige kunstneriske betydning også i 60-70'erne. Den irrationelle brug af naturressourcer, forurening af floder og søer, ødelæggelse af skove var de sværeste konsekvenser af videnskabelige og teknologiske fremskridt. Den uløste natur af disse problemer kunne ikke andet end at påvirke den åndelige verden af ​​en person, der var vidne til, og ofte den direkte skyldige i krænkelsen af ​​den økologiske balance i naturen. En grusom, forbrugeristisk holdning til naturen gav anledning til hjerteløshed og mangel på spiritualitet hos mennesker. Filmpanoramaet fra disse år "Near the Lake" af filminstruktøren S. Gerasimov var primært viet til moralske problemer. Treserne afslørede for det sovjetiske samfund fænomenet A. Solsjenitsyns prosa. Det var i denne periode, at hans historier "En dag i Ivan Denisovichs liv" og "Matrenins Dvor" dukkede op, som blev klassikere af dissens i disse år. En sand opdagelse af datidens teaterkultur var oprettelsen af ​​de unge teaterstudier "Sovremennik" og "Taganka". Et bemærkelsesværdigt fænomen i det kunstneriske liv i disse år var aktiviteten i Novy Mir-magasinet under ledelse af A. Tvardovsky.

I det hele taget var den kunstneriske kultur "optøningen" i stand til at stille en række presserende problemer for det sovjetiske samfund og forsøgte at løse disse problemer i sine værker.

5. Sovjetisk kultur i 80'erne af det XX århundrede Firserne var en tid med koncentration af kunstnerisk kultur omkring ideen om omvendelse. Motivet for universel synd, huggeklodsen, tvinger kunstnere til at ty til sådanne former for kunstnerisk tænkning som en lignelse, myte, symbol. Til gengæld, efter at have stiftet bekendtskab med romanen "Plakha" af Ch. Aitmatov og filmen "Repentance" af T. Abuladze, diskuterede læseren og seeren, argumenterede, udviklede deres egen borgerlige holdning.

Det vigtigste træk ved den kunstneriske situation i firserne er fremkomsten af ​​en stærk strøm af "tilbagevendt" kunstnerisk kultur, som blev fortolket og forstået fra de samme positioner som den moderne, det vil sige skabt til seeren, lytteren, læseren af de år.

Firsernes kultur er kendetegnet ved en fremvoksende tendens til at give et nyt begreb om mennesket og verden, hvor det universelle humanistiske er mere betydningsfuldt end det sociohistoriske. Med hensyn til mangfoldigheden af ​​kreative stilarter, æstetiske koncepter, præferencer for en bestemt kunstnerisk tradition, ligner kulturen i slutningen af ​​80'erne og begyndelsen af ​​90'erne begyndelsen af ​​det 20. århundrede i russisk kultur. Den hjemlige kultur opfanger så at sige det mislykkede naturlige øjeblik for sin udvikling (roligt forbigået af den vesteuropæiske kultur i det 20. århundrede) og tvangsstoppet af de velkendte socio-politiske begivenheder i vores land.

Således blev nøgleproblemet i den kunstneriske kultur i firserne, forbundet med individets selvbevidsthed i dets forhold til den naturlige verden og menneskers verden i stilistiske udtryk, indikeret af en bevægelse fra psykologi til journalistik, og derefter til myten, syntetisering af stilarter med forskellige æstetiske orienteringer.

På grund af de særlige forhold i russisk historie og især tilstedeværelsen i samfundet af fundamentalt forskellige socioøkonomiske strukturer og sociokulturelle lag, er bevidstheden om behovet for transformation normalt meget vanskelig. Klyuchevsky understregede, at det særlige ved lande, der halter efter de avancerede magter, er, at "behovet for reformer modnes, før folket er modne til reformer." I Rusland var de første til at forstå behovet for reformer intelligentsiaen eller individuelle repræsentanter for den herskende elite, som oplevede en vis indflydelse fra den vestlige kultur. Men på grund af trægheden i den overvældende del af samfundet og fremmedgørelsen af ​​statsmagten, spredte ideerne om reformer sig som regel ekstremt langsomt. Dette provokerede til gengæld ofte deres radikale tilhængere til anti-regeringstaler eller i det mindste til propaganda. Undertrykkelsen af ​​disse bevægelser (f.eks. decembristerne og populisterne i det 19. århundrede, dissidenter i de sidste årtier) fremkaldte kun modreaktioner og udsatte reformer.

Samtidig trængte tanken om behovet for reformer gradvist ind i statsmændenes sind, og det var staten, der begyndte reformerne. Derfor var den øverste magts position af stor afgørende betydning for transformationernes skæbne: konger, kejsere, generalsekretærer og nu præsidenter. Nogle af dem var blandt de første, der realiserede og startede reformer. Dette er selvfølgelig Peter den Store, og til dels Alexander I. Men sidstnævnte turde måske, ligesom sin bedstemor, Katarina II, ikke ligesom Peter I sætte deres egen skæbne på spil og begynde radikale transformationer, idet de brød den herskende elites modstand og apati, ja og i høj grad – folkets.

I 1934 formulerede Maxim Gorky de grundlæggende principper for socialistisk realisme som metode for sovjetisk litteratur og kunst på den første kongres af sovjetiske forfattere. Dette øjeblik markerer begyndelsen på en ny æra af sovjetisk kunst med strengere ideologisk kontrol og propagandaplaner.

Grundlæggende principper:

• - Nationalitet. Som regel var heltene i socialistiske realistiske værker by- og landarbejdere, arbejdere og bønder, repræsentanter for den tekniske intelligentsia og militært personel, bolsjevikker og ikke-partifolk.
• - Ideologi. Vis folkets fredelige liv, søgen efter veje til et nyt, bedre liv, heroiske gerninger for at opnå et lykkeligt liv for alle mennesker.
• - Konkrethed. Ved at skildre virkeligheden, vis den historiske udviklingsproces, som igen skal svare til den materialistiske historieforståelse (i processen med at ændre betingelserne for deres eksistens ændrer mennesker også deres bevidsthed, deres holdning til den omgivende virkelighed).

I årene efter dette dekret fra Centralkomitéen for All-Union Kommunistiske Parti (bolsjevikkerne) om omstrukturering af litterære og kunstneriske organisationer, blev der gennemført en række større begivenheder med det formål at udvikle kunsten i den retning, der kræves for staten . Praksisen med statsordrer, kreative forretningsrejser og tilrettelæggelse af store tematiske og jubilæumsudstillinger udvides. Sovjetiske kunstnere skaber mange værker (paneler, monumentale, dekorative) til fremtidens VDNKh. Dette markerede en vigtig fase i genoplivningen af ​​monumental kunst som selvstændig. I disse værker blev det tydeligt, at den sovjetiske kunsts trang til monumentalitet ikke er tilfældig, men afspejler "de storladne udsigter for udviklingen af ​​det socialistiske samfund."

I 1918 definerede Lenin i en samtale med K. Zetkin kunstens opgaver i det sovjetiske samfund: ”Kunsten tilhører folket. Den skal have sine dybeste rødder i den meget tykke af de brede arbejdende masser. Det bør forstås af disse masser og elskes af dem. Det skulle forene disse massers følelse, tanke og vilje, hæve dem. Det skal vække kunstnere i dem og udvikle dem."

I løbet af den undersøgte periode dukkede der sammen med de allerede eksisterende kunstretninger flere grundlæggende nye op, for eksempel avantgarde.

Inden for rammerne af monumentalismens stil er skulptur af største interesse. Som alle andre tendenser i sovjetisk kunst havde periodens skulptur en agitationsorientering og et patriotisk indhold af plots. Lenins plan for monumental propaganda, vedtaget i 1918, var af stor betydning for udviklingen af ​​skulpturen. I overensstemmelse med denne plan skulle monumenter, der fremmede nye revolutionære værdier, opføres over hele landet. Fremtrædende billedhuggere var involveret i arbejdet: N.A. Andreev (som senere blev skaberen af ​​skulpturelle Leniniana). En anden fremtrædende billedhugger fra denne periode er Ivan Shadr. I 1922 skabte han statuerne "Worker", "Sower", "Peasant", "Red Armyman". Det særlige ved hans metode er generaliseringen af ​​billedet på grundlag af en specifik genreindstilling, kraftfuld skulptur af volumener, udtryksfuldhed af bevægelse, romantisk patos. Hans mest iøjnefaldende værk er "Brosten - et instrument for proletariatet. 1905 "(1927). Samme år, på vandkraftværkets territorium i Kaukasus ZAGES, blev et monument over Lenin opført af hans eget arbejde - "en af ​​de bedste." Vera Mukhina blev også dannet som en mester i 1920'erne. I denne periode skabte hun projektet af monumentet "Liberated Labor" (1920, ikke bevaret), "Peasant Woman" (1927). Af de mere modne mestre bemærkes Sarah Lebedevas arbejde, som skabte portrætter. I sin formforståelse tager hun højde for impressionismens traditioner og erfaringer. Alexander Matveev er kendetegnet ved klassisk klarhed i forståelsen af ​​det konstruktive grundlag af plastik, harmonien mellem skulpturelle masser og forholdet mellem rumfang i rummet ("Afklædning af kvinde", "Kvinde tager en sko på"), såvel som den berømte "oktober" (1927), hvor kompositionen omfatter 3 nøgne mænds figurer - en kombination af klassiske traditioner og idealet om "manden fra revolutionens æra" (attributter - segl, hammer, budenovka).

Kunstformer, der var i stand til at "leve" på gaden i de første år efter revolutionen, spillede en vigtig rolle i "formningen af ​​det revolutionære folks sociale og æstetiske bevidsthed." Derfor fik den politiske plakat sammen med monumental skulptur den mest aktive udvikling. Det viste sig at være den mest mobile og operationelle kunstform. Under borgerkrigen var denne genre karakteriseret ved følgende kvaliteter: "skarpheden af ​​præsentationen af ​​materialet, en øjeblikkelig reaktion på hurtigt skiftende begivenheder, en agitationsorientering, takket være hvilken hovedtrækkene i plakatens plastiske sprog var dannet. De viste sig at være lakonisme, konventionalitet af billedet, klarhed af silhuet og gestus. Plakaterne var yderst almindelige, trykt i store oplag og placeret overalt. En særlig plads i udviklingen af ​​plakaten er optaget af ROSTA Satire Windows, hvor Cheremnykh, Mikhail Mikhailovich og Vladimir Mayakovsky spillede en fremragende rolle. Det er stencilerede plakater, håndmalede og med poetiske inskriptioner om dagens emne. De spillede en stor rolle i politisk propaganda og blev en ny figurativ form. Udsmykningen af ​​festlighederne er et andet nyt fænomen inden for sovjetisk kunst, der ikke havde nogen tradition. Helligdage omfattede årsdagene for oktoberrevolutionen, 1. maj, 8. marts og andre sovjetiske helligdage. Dette skabte en ny utraditionel kunstform, takket være hvilken maleriet fik et nyt rum og funktion. Til højtiden blev der skabt monumentale paneler, som var præget af en enorm monumental propagandapatos. Kunstnere lavede skitser til udformning af pladser og gader.

Følgende personer deltog i udsmykningen af ​​disse helligdage: Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lansere, S.V. Gerasimov.

Sovjetisk kunsthistorie opdelte mestrene i sovjetisk maleri i denne periode i to grupper:

• - kunstnere, der søgte at fange plottene i det sædvanlige billedsprog med faktuel fremvisning;
• - kunstnere, der brugte en mere kompleks, fantasifuld opfattelse af modernitet.

De skabte billed-symboler, hvor de forsøgte at udtrykke deres "poetiske, inspirerede" opfattelse af æraen i dens nye tilstand. Konstantin Yuon skabte et af de første værker dedikeret til billedet af revolutionen (New Planet, 1920, Tretyakov Gallery), hvor begivenheden fortolkes i en universel, kosmisk skala. Petrov-Vodkin skabte i 1920 maleriet "1918 i Petrograd (Petrograd Madonna)", der i det løste tidens etiske og filosofiske problemer. Arkady Rylov, som man troede, i sit landskab "In the Blue Space" (1918) tænker også symbolsk og udtrykker "menneskehedens frie ånde, der bryder ud i verdens vidder, til romantiske opdagelser, til fri og stærk erfaringer."

Nye billeder spores også i grafikken. Nikolai Kupreyanov "søger i en kompleks teknik med trægravering at udtrykke sine indtryk af revolutionen" ("pansrede biler", 1918; "Auroras salve", 1920). I 1930'erne blev monumentalmaleriet et uundværligt led i hele den kunstneriske kultur. Det afhang af arkitekturens udvikling og var tæt forbundet med det. De før-revolutionære traditioner blev videreført på dette tidspunkt af den tidligere kunstverden Yevgeny Lansere - maleriet af restauranthallen på Kazan-banegården (1933) demonstrerer hans trang til en mobil barokform. Det bryder gennem pladens plan og udvider rummet udad. Deineka, der også på dette tidspunkt yder et stort bidrag til monumentalmaleriet, arbejder på en anderledes måde. Hans mosaikker på Mayakovskaya-stationen (1938) blev skabt ved hjælp af en moderne stil: rytmens skarphed, dynamikken i lokale farverige pletter, vinklernes energi, konventionelheden af ​​billederne af figurer og objekter. Emnerne er mest sport. Favorsky, en berømt grafiker, ydede også et bidrag til monumentalt maleri: han anvendte sit system til at konstruere form, udviklet i bogillustration, på nye problemer. Hans malerier af Museum of the Protection of Mothers and Infants (1933, sammen med Lev Bruni) og House of Models (1935) viser hans forståelse af flyets rolle, kombinationen af ​​freskoer med arkitektur baseret på erfaringer fra oldtidens russisk maleri. (Begge værker har ikke overlevet).

Konstruktivismen blev den dominerende stil i 1920'ernes arkitektur.

Konstruktivister forsøgte at bruge nye tekniske muligheder til at skabe enkle, logiske, funktionelt begrundede former, hensigtsmæssige designs. Vesnin-brødrenes projekter kan tjene som et eksempel på den sovjetiske konstruktivismes arkitektur. Den mest ambitiøse af dem, Palace of Labor, blev aldrig implementeret, men det havde en betydelig indflydelse på udviklingen af ​​indenlandsk arkitektur. Desværre blev arkitektoniske monumenter også ødelagt: først i 30'erne. i Moskva blev Sukharev-tårnet, Frelserens Kristus-katedral, Mirakelklostret i Kreml, Den Røde Port og hundredvis af ukendte by- og landkirker, hvoraf mange var af historisk og kunstnerisk værdi, ødelagt.

I forbindelse med den sovjetiske kunsts politiske karakter skabes mange kunstneriske foreninger og grupperinger med deres egne platforme og manifester. Kunsten var på jagt og var mangfoldig. De vigtigste grupperinger var AHRR, OST og også "4 kunster". Sammenslutningen af ​​kunstnere i det revolutionære Rusland blev grundlagt i 1922. Dens kerne bestod af tidligere omrejsende, hvis væremåde havde stor indflydelse på gruppens tilgang - den sene omrejsende bevægelses realistiske hverdagssprog, "at gå til folket" og tematiske udstillinger. Ud over maleriernes temaer (dikteret af revolutionen) var AHRR karakteriseret ved arrangementet af tematiske udstillinger som "Liv og liv for arbejdere", "Liv og liv i Den Røde Hær."

Gruppens vigtigste mestre og værker: Isaac Brodsky ("Lenins tale på Putilov-fabrikken", "Lenin ved Smolny"), Georgy Ryazhsky ("Delegerede", 1927; "Forkvinde", 1928), portrætmaler Sergei Malyutin ( "Portræt af Furmanov", 1922), Abram Arkhipov, Efim Cheptsov ("Mødet i landsbycellen", 1924), Vasily Yakovlev ("Transporten bliver bedre", 1923), Mitrofan Grekov ("Tachanka", 1925, senere " Til Kuban" og "Den første hests trompeter", 1934). Society of Easel Painters, grundlagt i 1925, omfattede kunstnere med mindre konservative synspunkter med hensyn til maleri, hovedsageligt studerende af VKHUTEMAS. Disse var: Williams "Hamburg-oprøret"), Deineka ("På byggepladsen for nye værksteder", 1925; "Før nedstigningen i minen", 1924; "Petrograds forsvar", 1928), Labas Luchishkin ("Kuglen fløj") væk", "Jeg elsker livet "), Pimenov (" Heavy Industry "), Tyshler, Shterenberg og andre. De støttede sloganet om genoplivning og udvikling af staffelimaleri, men de blev ikke styret af realisme, men af ​​samtidens ekspressionisters erfaringer. Heraf var de tæt på industrialisering, byliv og sport. Four Arts Society blev grundlagt af kunstnere, der tidligere var en del af Kunstens verden og den blå rose, som var omhyggelige med malerkulturen og -sproget. De mest fremtrædende medlemmer af foreningen er Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky og mange andre fremragende mestre. Samfundet var præget af en filosofisk baggrund med tilstrækkeligt plastisk udtryk. Society of Moscow Artists omfatter tidligere medlemmer af sammenslutningerne "Moscow Painters", "Makovets" og "Genesis", såvel som medlemmer af "Jack of Diamonds". De mest aktive kunstnere: Pyotr Konchalovsky, Ilya Mashkov, Lentulov, Alexander Kuprin, Robert Falk, Vasily Rozhdestvensky, Osmerkin, Sergei Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. Kunstnerne skabte "tematiske" billeder ved hjælp af de gennemarbejdede "Jacks of Diamonds" og så videre. trends i avantgardeskolen. Disse gruppers kreativitet var et symptom på det faktum, at bevidstheden hos mestrene i den ældre generation forsøgte at genopbygge sig selv til nye virkeligheder. I 1920'erne blev der afholdt to store udstillinger, som konsoliderede tendenserne - til 10-årsdagen for Oktoberrevolutionen og Den Røde Hær, samt "Udstillingen for kunst af USSR's folk" (1927).

Den førende sfære for udvikling af litteratur i 20'erne. er uden tvivl poesi. Formmæssigt er det litterære liv stort set forblevet det samme. Som i begyndelsen af ​​århundredet var litterære kredse toneangivende for hende, hvoraf mange overlevede de blodige hårde tider og fortsatte med at fungere i 1920'erne: symbolister, fremtidsforskere, akmeister osv. Nye kredse og foreninger opstår, men rivaliseringen mellem dem går nu ud over den kunstneriske sfære og får ofte en politisk klang. Foreningerne RAPP, "Pass", "Serapionovy brothers" og LEF var af største betydning for litteraturens udvikling.

RAPP (Russian Association of Proletarian Writers) tog form ved I All-Union Conference of Proletarian Writers i 1925. Den omfattede forfattere (blandt de mest berømte A. Fadeev og D. Furmanov) og litteraturkritikere. Forgængeren for RAPP var "Proletkult" - en af ​​de mest massive organisationer, grundlagt i 1917. De behandlede næsten alle forfattere, der ikke var en del af deres organisation, som "klassefjender". Blandt de forfattere, der blev angrebet af RAPP-medlemmerne, var ikke kun A. Akhmatova, Z. Gippius, I. Bunin, men selv sådanne anerkendte "revolutionens sangere" som M. Gorky og V. Mayakovsky. Den ideologiske modstand mod RAPP var den litterære gruppe Pereval.

Serapion Brothers-gruppen blev oprettet i 1921 i Petrograd House of Arts. Gruppen inkluderede sådanne berømte forfattere som V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin og andre.

LEF er kunstens venstre front. Holdningerne hos medlemmerne af denne organisation (V. Mayakovsky, N. Aseev, S. Eisenstein og andre) er ret modstridende. Ved at kombinere futurisme med innovation i den proletariske kults ånd kom de op med en meget fantastisk idé om at skabe en slags "produktions" kunst, som skulle opfylde den utilitaristiske funktion at skabe en gunstig atmosfære for materiel produktion i samfundet . Kunst blev set som et element i teknisk konstruktion, uden nogen undertekst, opfindelse af psykologisme osv.

Af stor betydning for udviklingen af ​​russisk litteratur i det tyvende århundrede. spillede poesi af V. Ya. Bryusov, E. G. Bagritsky, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, D. Bedny, "bonde" digtere, hvis lyseste repræsentant var Yesenins ven N. A. Klyuev. En særlig side i den russiske litteraturs historie er værket af digtere og forfattere, der ikke accepterede revolutionen og blev tvunget til at forlade landet. Blandt dem er sådanne navne som M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tolstoy, V. V. Nabokov. Nogle af dem, der indså umuligheden for sig selv at leve væk fra deres hjemland, vendte efterfølgende tilbage (Tsvetaeva, Tolstoy). Modernistiske tendenser i litteraturen blev manifesteret i værket af E. I. Zamyatin, forfatteren til den anti-utopiske science fiction-roman "Vi" (1924). Satirisk litteratur fra 20'erne repræsenteret ved historierne om M. Zoshchenko; romaner af medforfatterne I. Ilf (I. A. Fainzilberg) og E. Petrov (E.P. Kataev) "Tolv stole" (1928), "Guldkalven" (1931) osv.

I 30'erne. der er flere store værker, der er gået over i den russiske kulturs historie. Sholokhov skaber romanerne "Quiet Don", "Virgin Land Upturned". Sholokhovs arbejde har modtaget verdensomspændende anerkendelse: han blev tildelt Nobelprisen for sine litterære fortjenester. I trediverne færdiggjorde M. Gorky sin sidste episke roman "Klim Samgins liv". Arbejdet af N. A. Ostrovsky, forfatteren til romanen "Hvordan stålet blev hærdet" (1934), var meget populært. A. N. Tolstoy ("Peter I" 1929-1945) blev en klassiker i den sovjetiske historiske roman. 20'erne og 30'erne var børnelitteraturens storhedstid. Flere generationer af sovjetiske mennesker voksede op på bøgerne af K. I. Chukovsky, S. Ya. Marshak, A. P. Gaidar, S. V. Mikhalkov, A. L. Barto, V. A. Kaverin, L. A. Kassil, V. P. Kataeva.

I 1928, jaget af sovjetisk kritik, begynder MA Bulgakov, uden håb om udgivelse, at skrive sin bedste roman, Mesteren og Margarita. Arbejdet med romanen fortsatte indtil forfatterens død i 1940. Dette arbejde blev først udgivet i 1966. I slutningen af ​​80'erne blev værkerne af A.P. Platonov (Klimentov) "Chevengur", "Pit", "Juvenile Sea" udgivet. .. Digterne AA Akhmatova og BL Pasternak arbejdede på bordet. Mandelstams (1891-1938) skæbne er tragisk. Digteren med ekstraordinær styrke og stor billednøjagtighed var blandt de forfattere, der, efter at have accepteret Oktoberrevolutionen, ikke kunne klare sig i Stalins samfund. I 1938 blev han undertrykt.

I 30'erne. Sovjetunionen begynder så småt at afskærme sig fra resten af ​​verden. Mange russiske forfattere forblev bag "Jerntæppet", som trods alt fortsætter med at arbejde. Digteren og prosaforfatteren Ivan Alekseevich Bunin (1870-1953) var en forfatter af første størrelsesorden. Helt fra begyndelsen accepterede Bunin ikke revolutionen og emigrerede til Frankrig (historien "Mityas kærlighed", romanen "Arsenievs liv", samlingen af ​​historier "Mørke gyder"). I 1933 blev han tildelt Nobelprisen.

I begyndelsen af ​​30'erne. eksistensen af ​​frie kreative cirkler og grupper kom til en ende. I 1934, på I All-Union Congress of Soviet Writers, blev "Union of Writers" organiseret, hvor alle mennesker, der var engageret i litterært arbejde, blev tvunget til at tilslutte sig. Forfatterforeningen er blevet et instrument til fuld kontrol af myndighederne over den kreative proces. Det var umuligt ikke at være medlem af Unionen, fordi forfatteren i dette tilfælde blev frataget muligheden for at udgive sine værker og i øvrigt kunne retsforfølges for "snylte". M. Gorky stod ved oprindelsen af ​​denne organisation, men hans formandskab i den varede ikke længe. Efter hans død i 1936 blev A. A. Fadeev formand. Ud over "Union of Writers" blev andre "kreative" fagforeninger organiseret: "Union of Artists", "Union of Architects", "Union of Composers". En periode med ensartethed begyndte i sovjetisk kunst.

Revolutionen har udløst stærke kreative kræfter. Dette påvirkede også udviklingen af ​​den hjemlige teaterkunst. Mange teaterkollektiver opstod. En vigtig rolle i udviklingen af ​​teatralsk kunst blev spillet af Bolshoi Drama Theatre i Leningrad, hvis første kunstneriske leder var A. Blok; V. Meyerhold, teater. E. Vakhtangov, Moskva Teater. Mossovet.

Midt i 1920'erne så fremkomsten af ​​det sovjetiske drama, som havde en enorm indflydelse på udviklingen af ​​teatralsk kunst. De største begivenheder i teatersæsonerne 1925-1927. blev "Storm" V. Bill-Belotserkovsky i teatret. MGSPS, "Love Yarovaya" af K. Trenev på Maly Theatre, "Rift" af B. Lavrenev på teatret. E. Vakhtangov og på Bolshoi Drama Theatre, "Panseret tog 14-69" V. Ivanov på Moskvas kunstteater. Klassikere indtog en fast plads i teatrenes repertoire. Forsøg på at genlæse den blev gjort både af akademiske teatre ("Ardent Heart" af A. Ostrovsky ved Moscow Art Theatre) og af "venstreorienterede" ("The Forest" af A. Ostrovsky og "Inspector General" af N. Gogol ved V. Meyerhold Teatret).

Hvis dramateatre omstrukturerede deres repertoire ved udgangen af ​​det første sovjetiske årti, var hovedpladsen i opera- og balletgruppernes aktiviteter stadig besat af klassikerne. Den eneste store succes med at afspejle det nutidige tema var iscenesættelsen af ​​R. Gliers ballet "Red Poppy" ("Red Flower"). L.V. Sobinov, A.V. Nezhdanova, N.S. Golovanov, trup fra Moskva Kunstteater, Kammerteater, Studio. E. Vakhtangova, Kvartet af gamle russiske instrumenter

Det musikalske liv i landet i disse år er forbundet med navnene på S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturian, T. Khrennikov, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky og andre. Unge dirigenter E. Mravinsky og B. Khaikin kom i forgrunden. Der blev skabt musikalske ensembler, som senere glorificerede den nationale musikkultur: Kvartetten dem. Beethoven, Grand State Symphony Orchestra, State Philharmonic Orchestra, osv. I 1932 blev Unionen af ​​Komponister i USSR dannet.

Sammen med skuespillerne fra den ældre generation (M. N. Ermolova, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova) opstod et nyt revolutionært teater. Søgen efter nye former for sceneudtryk er karakteristisk for teatret, der arbejdede under ledelse af V.E. Meyerhold (nu Meyerhold Teatret). På scenen i dette teater blev iscenesat skuespil af V. Mayakovsky "Mystery Buff" (1921), "Bedbug" (1929) og andre. Et stort bidrag til udviklingen af ​​teatret blev ydet af direktøren for det tredje studie af Moskvas kunstteater EB Vakhtangov ; arrangør og direktør for Kammerteatret, reformator af scenekunsten A. Ya. Tairov.

Et af de vigtigste og mest interessante fænomener i 20'ernes kulturhistorie. var begyndelsen på udviklingen af ​​den sovjetiske film. Dokumentarfilm er under udvikling, som sammen med plakaten er blevet et af de mest effektive redskaber til ideologisk kamp og agitation. En vigtig milepæl i udviklingen af ​​fiktionsfilm var filmen af ​​Sergei Mikhailovich Eisenstein (1898 - 1948) "Slagskibet Potemkin" (1925), som var et af verdens mesterværker. Symbolisterne, futuristerne, impressionisterne, imagisterne osv. faldt under en byge af kritik.De blev anklaget for "formalistiske drejninger", at deres kunst ikke var nødvendig for det sovjetiske folk, at den var fjendtlig over for socialismen. Komponist D. Shostakovich, instruktør S. Eisenstein, forfattere B. Pasternak, Yu. Olesha og andre var blandt "udlændingene". Mange kunstarbejdere blev undertrykt.

politisk kultur totalitarisme ideologi