Demonstrationskamp 1933 på scenen. bag kulisserne

Det fulde navn er "Det statlige akademiske Bolshoi-teater i Rusland" (Bolshoi-teatret).

Operaens historie

En af de ældste russiske musikbiografer, den førende russiske opera- og ballettheater. Bolshoi Theatre spillede en enestående rolle i oprettelsen af \u200b\u200bnationale realistiske traditioner for opera og balletkunst i dannelsen af \u200b\u200bden russiske musikalske og scenekunstskole. Bolshoi-teatret går tilbage til 1776, da Moskva-provinsens anklager, prins P. V. Urusov, modtog regeringsprivilegiet "at være indehaver af alle teaterforestillinger i Moskva ..." Siden 1776 blev der udført forestillinger i grev R.I. Vorontsovs hus på Znamenka. Urusov byggede sammen med iværksætter M. E. Medox en særlig teaterbygning (på hjørnet af Petrovka Street) - Petrovsky Theatre eller Operahuset, hvor der i 1780-1805 var opera-, drama- og balletforestillinger. Det var det første permanente teater i Moskva (brændt ned i 1805). I 1812 ødelagde en brand en anden teaterbygning - på Arbat (arkitekt K.I. Rossi) og troppen optrådte i midlertidige lokaler. Den 6. januar (18), 1825, åbnede Prologue of the Muses-prologen med musikken fra A. N. Verstovsky og A. A. Alyabyev Bolshoi Theatre (projekt af A. A. Mikhailov, arkitekt O. I. Bove), bygget på stedet for det tidligere Petrovsky. Værelset - det næststørste i Europa efter La Scala-teatret i Milano - blev betydeligt genopbygget efter branden i 1853 (arkitekt A.K. Cavos), akustiske og optiske defekter blev rettet, auditoriet blev opdelt i 5 lag. Åbningen fandt sted den 20. august 1856.

De første russiske folkemusikale komedier blev iscenesat i teatret - "Miller - en troldmand, en bedragere og matchmaker" af Sokolovsky (1779), "St. Petersburg Gostiny Dvor" af Pashkevich (1783) og andre. Den første pantomime-ballet The Magic Bench blev vist i 1780 på åbningsdagen for Petrovsky Theatre. Blandt balletpræstationerne dominerede betingede fantastiske-mytologiske skuesproduktioner, men forestillinger blev også sat på, inklusive russiske folkedanser, som var meget succesrige for offentligheden ("Landsbyferie", "Landsbillede", "Capture of Ochakova" og andre). Repertoiret omfattede også de mest markante operaer fra udenlandske komponister fra 1700-tallet (J. Pergolesi, D. Cimarosa, A. Salieri, A. Gretri, N. Daleirac, etc.).

I slutningen af \u200b\u200bdet 18. og det tidlige 19. århundrede spillede operasangere i dramatiske forestillinger, og dramatiske skuespillere optrådte i operaer. Troppen fra Petrovsky Theatre blev ofte genopfyldt af talentfulde serfeskuespillere og skuespillerinder, og nogle gange af hele ensembler af teatersteder, som teaterdirektoratet købte af jordejerne.

Teaterets gruppe inkluderede serfeskuespillere fra Urusov, skuespillere for teatertropper fra N. S. Titov og Moskva Universitet. Blandt de første skuespillere er V. P. Pomerantsev, P. V. Zlov, G. V. Bazilevich, A. G. Ozhogin, M. S. Sinyavskaya, I. M. Sokolovskaya, senere E. S. Sandunova og andre. balletdansere er kæledyr på børnehjemmet (hvor en ballettskole blev grundlagt i 1773 under ledelse af koreograf I. Valberkh) og servertroppedansere Urusova og E. A. Golovkina (inklusive A. Sobakina, D. Tukmanova, G. Raikov, S. Lopukhin m.fl.).

I 1806 modtog mange serfeteaktører en gratis gruppe, der blev overført til direktoratet for de kejserlige teatre i Moskva og blev til et domstolsteater, der var direkte underlagt Rettens ministerium. Dette bestemte vanskelighederne i udviklingen af \u200b\u200bavanceret russisk musikalsk kunst. Blandt det hjemlige repertoire herskede vaudevilles, som var meget populære, oprindeligt: \u200b\u200b”Landsbyen-filosofen” af Alyabyev (1823), ”Lærer og studerende” (1824), ”Khlopotun” og ”Fun of the Caliph” (1825) af Alyabyev og Verstovsky og andre. Siden slutningen af \u200b\u200b20- i det 18. århundrede blev operaerne til A. N. Verstovsky (fra 1825 musikinspektøren for Moskva-teatre) iscenesat på Bolshoi Theatre markeret med nationale romantiske trends: “Pan Twardowski” (1828), “Vadim eller de tolv sovende piger” (1832), “Askolds grav "(1835), længe holdt i teatrets repertoire," Længtet efter moderlandet "(1839)," Churova Valley "(1841)," Stormbreaker "(1858). Verstovsky og komponist A.E. Varlamov, der arbejdede i teatret i 1832-44, bidrog til uddannelsen af \u200b\u200brussiske sangere (N.V. Repin, A.O. Bantyshev, P.A. Bulakhov, N.V. Lavrov, osv.). Teateret var også vært for operaer fra tyske, franske og italienske komponister, herunder Don Giovanni og Mozarts Figaros bryllup, Beethovens Fidelio, Webers Magic Gunner, Fra Devilo, Fenella og Fenella Bronzehesten "Ober," Robert the Devil "af Meyerbeer," The Barber of Seville "af Rossini," Anna Boleyn "af Donizetti m.fl. I 1842 blev Moskva Teaterdirektorat underordnet Petersborg-direktoratet. Iscenesat i 1842 blev operaen Life for the Tsar (Ivan Susanin) fra Glinka til en storslået forestilling, der gik på højtidelige retsferier. Af kræfterne fra kunstnerne fra St. Petersburg Russian Opera Company (overført til Moskva i 1845-50) blev denne opera fremført på scenen i Bolshoi Theatre i en uforlignelig bedre ramme. I den samme forestilling i 1846 blev operaen Ruslan og Lyudmila af Glinka iscenesat, og i 1847 Esmeralda af Dargomyzhsky. I 1859 blev havfruen iscenesat på Bolshoi Theatre. Utseendet på scenen i operaen fra Glinka og Dargomyzhsky skitserede en ny fase i dens udvikling og var af stor betydning i dannelsen af \u200b\u200brealistiske principper for vokal og scenekunst.

I 1861 lejede direktoratet for kejserlige teatre Bolshoi Theatre til det italienske operaselskab, der optrådte 4-5 dage om ugen, hvilket faktisk overlod en dag til den russiske opera. Konkurrencen mellem de to grupper bragte visse fordele for russiske sangere, hvilket tvang dem til vedvarende at forbedre deres færdigheder og låne nogle principper for den italienske vokalskole, men forsømmelsen af \u200b\u200bdirektoratet for de imperiale teatre om at etablere et nationalt repertoire og italienernes privilegerede position gjorde det vanskeligt for den russiske gruppe at arbejde og forhindrede den russiske opera i at få offentlig anerkendelse. Det nye russiske operahus kunne kun blive født i kampen mod Italianomania og underholdningstendenser til bekræftelse af kunstens nationale identitet. Allerede i 60-70'erne blev teatret tvunget til at lytte til stemmerne fra progressive figurer i russisk musikalsk kultur, til anmodninger fra et nyt demokratisk publikum. Operaerne Rusalka (1863) og Ruslan og Lyudmila (1868), som blev etableret i teaterets repertoire, blev genoptaget. I 1869 iscenesatte Bolshoi Theatre den første opera af P. I. Tchaikovsky, The Voivode, og i 1875, The Oprichnik. I 1881 blev "Eugene Onegin" iscenesat (den anden produktion blev forankret i teaterets repertoire, 1883).

Siden midten af \u200b\u200b80'erne af det 19. århundrede er der kommet et vendepunkt i teaterledelsens holdning til den russiske opera; Forestillingerne af fremragende værker af russiske komponister blev fremført: Mazepa (1884), Cherevichki (1887), Dronningen af \u200b\u200bsparene (1891) og Iolanta (1893) af Tchaikovsky, optrådte først på scenen i komponistens opera Mighty Handful - “Boris Godunov” af Mussorgsky (1888), “The Snow Maiden” af Rimsky-Korsakov (1893), “Prince Igor” af Borodin (1898).

Men hoved opmærksomheden i Bolshoi-teatretets repertoire i disse år blev stadig betalt til operaerne for de franske (J. Meyerbeer, F. Aubert, F. Halevy, A. Tom, S. Gounod) og italienske (G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, J. Verdi) komponister. I 1898 blev Bizet første gang produceret på russisk af Carmen og i 1899 af Berlioz's trojanere i Kartago. Den tyske opera er repræsenteret af værkerne fra F. Flotov, Webers The Magic Shooter og de individuelle produktioner af Tannhäuser og Wagners Lohengrin.

Blandt russiske sangere i midten og 2. halvdel af det 19. århundrede er E. A. Semenova (den første Moskva-udøver af partiene Antonida, Lyudmila og Natasha), A. D. Alexandrova-Kochetova, E. A. Lavrovskaya, P. A. Khokhlov (der skabte billeder af Onegin og Demon), B. B. Korsov, MM Koryakin, L. D. Donskoy, M. A. Deisha-Sionitskaya, N. V. Salina, N. A. Preobrazhensky og andre. Et skift er ikke kun planlagt i repertoiret, men også som produktioner og musikalsk fortolkning af operaer. I 1882-1906 var I. K. Altani hoveddirigent for Bolshoi Theatre, og i 1882-1937 var U. I. Avranek hovedkormaster. P. I. Tchaikovsky og A. G. Rubinstein dirigerede deres operaer. Mere seriøs opmærksomhed rettes mod forestillingernes dekorative design og produktionskultur. (I 1861-1929 på Bolshoi Theatre arbejdede han som dekoratør og mekaniker K.F. Waltz).

Ved udgangen af \u200b\u200bdet 19. århundrede brygger reformen af \u200b\u200bdet russiske teater ud, dets afgørende drejning til dybden af \u200b\u200bliv og historisk sandhed, til realismen af \u200b\u200bbilleder og følelser. Bolshoi-teatret går ind i sin storhedstid og vinder berømmelsen for et af de største centre for musikalsk og teaterkultur. Teaterets repertoire inkluderer verdens bedste kunstværker, men den russiske opera indtager et centralt sted på sin scene. For første gang iscenesatte Bolshoi-teatret Rimsky-Korsakovs operaer Pskovityanka (1901), Pan Voivode (1905), Sadko (1906), Legenden om den usynlige by Kitezh (1908) og Den gyldne cockerel (1909) , såvel som "Stone Guest" af Dargomyzhsky (1906). På samme tid lægger teatret på så betydningsfulde værker af udenlandske komponister som Valkyrie, Flying Dutchman, Wagners Tannhauser, Berlioz's trojanere i Kartago, Leoncavallos Pagliacci, Mascagni's Village Honor, Puccini's Bohemia og andre.

Storhøjden af \u200b\u200bden udøvende skole for russisk kunst kom efter en lang og intens kamp for russiske operaklassikere og var direkte relateret til den dybe udvikling af det nationale repertoire. I begyndelsen af \u200b\u200bdet 20. århundrede dukkede en konstellation af store sangere op på scenen i Bolshoi Theatre - F. I. Chaliapin, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova. Fremragende sangere optrådte sammen med dem: E. G. Azerskaya, L. N. Balanovskaya, M. G. Gukova, K. G. Derzhinskaya, E. N. Zbrueva, E. A. Stepanova, I. A. Alchevsky, A V. Bogdanovich, A. P. Bonachich, G. A. Baklanov, I. V. Gryzunov, V. R. Petrov, G. S. Pirogov, L. F. Savransky. I 1904-06 dirigerede S.V. Rachmaninov ved Bolshoi Theatre og gav en ny realistisk fortolkning af russiske operaklassikere. Siden 1906 blev B. I. Suk dirigent. Æret mestring når koret under ledelse af U. I. Avranek. Fremtrædende kunstnere - A. M. Vasnetsov, A. Ya. Golovin, K. A. Korovin er involveret i designet af forestillingerne.

Den store socialistiske oktoberrevolution indledte en ny æra i udviklingen af \u200b\u200bBolshoi-teatret. I borgerkrigens svære år blev teaterets troppe fuldstændigt bevaret. Den første sæson begyndte den 21. november (4. december) 1917 med operaen Aida. Et særligt program blev forberedt til det første jubilæum for oktoberrevolutionen, der inkluderede balletten Stepan Razin til musikken fra Glazunovs symfoniske digt, Veche-scenen fra operaen Pskovityanka af Rimsky-Korsakov og det koreografiske billede Prometheus til musikken fra A. N. Scriabin. I sæsonen 1917/1918 gav teatret 170 opera- og balletforestillinger. Siden 1918 gav Bolshoi Theatre Orchestra cykler af symfonikoncerter med deltagelse af solister og sangere. Parallelt var der kammerinstrumentale koncerter og sangere koncerter. I 1919 blev Bolshoi Theatre tildelt titlen akademisk. I 1924 blev en filial af Bolshoi Theatre åben i lokalerne til den tidligere private opera Zimin. Forestillinger var på denne scene indtil 1959.

I 1920'erne optrådte operaer fra sovjetiske komponister på scenen i Bolshoi Theatre - Trilby af Yurasovsky (1924, 2. produktion 1929), Decembrists af Zolotarev og Stepan Razin af Triodin (begge i 1925), Love for Three Oranges Prokofiev (1927), “Ivan the Soldier” Korchmarev (1927), “Son of the Sun” Vasilenko (1928), “Zagmuk” af Crane og “Breakthrough” af Pototsky (begge i 1930) m.fl. Samtidig arbejdes der meget med opera-klassikere. Nye produktioner af R. Wagners operaer fandt sted: "The Rhine Gold" (1918), "Lohengrin" (1923), "Nuremberg Mastersingers" (1929). I 1921 blev G. Berlioz's oratorio "Conviction of Faust" udført. Produktionen af \u200b\u200bM. P. Mussorgskys opera Boris Godunov (1927), der blev udført for første gang helt med scener, blev grundlæggende vigtig. Under Kromy   og Vasily den velsignede   (sidstnævnte er i orkestret for M. M. Ippolitov-Ivanov siden da inkluderet i alle produktioner af denne opera). I 1925 fandt premieren på Mussorgskys opera Sorochinskaya-messen sted. Blandt de betydelige værker fra Bolshoi-teatret i denne periode: "Legenden om den usynlige by Kitezh" (1926); "Brylluppet i Figaro" af Mozart (1926), samt operaerne "Salome" af R. Strauss (1925), "Cio-Cio-san" af Puccini (1925) og andre, først iscenesat i Moskva.

Væsentlige begivenheder i den kreative historie i Bolshoi Theatre i 30'erne er forbundet med udviklingen af \u200b\u200bsovjetisk opera. I 1935 blev D. D. Shostakovichs opera Katerina Izmaylova iscenesat (baseret på historien af \u200b\u200bN. S. Leskov "Lady Macbeth fra Mtsensk Uyezd"), derefter "Quiet Don" (1936) og "Virgin Soil Upturned" af Dzerzhinsky (1937), "Battleship" "Potemkin" "Chishko (1939)," Mor "Zhelobinsky (efter M. Gorky, 1939) og andre. Værker af komponister fra de sovjetiske republikker er iscenesat -" Almast "Spendiarova (1930)," Abesalom og Eteri "Z. Paliashvili (1939). I 1939 genoplive Bolshoi Theatre operaen Ivan Susanin. Den nye produktion (libretto af S. M. Gorodetsky) afslørede den nationale heroiske essens i dette værk; Af særlig betydning var massekorens scener.

I 1937 blev Bolshoi Theatre tildelt Lenins orden, og dets største mestre blev tildelt titlen People's Artist of the USSR.

I 1920'erne og 1930'erne optrådte fremtrædende sangere på scenens teater - V. R. Petrov, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova, N. A. Obukhova, K. G. Derzhinskaya, E. A. Stepanova, E. K. Katulskaya, V. V. Barsova, I. S. Kozlovsky, S. Ya. Lemeshev, A. S. Pirogov, M. D. Mikhailov, M. O. Reisen, N. S. Khanaev, E. D. Kruglikova, N. D. Shpiller, M. P. Maksakova, V. A. Davydova, A. I. Baturin, S. I. Migai, L. F. Savransky, N. N. Ozerov, V. R. Slivinsky et al. Blandt dirigenterne af teatret er V. I. Suk, M. M. Ippolitov-Ivanov, N. S. Golovanov, A. M. Pazovsky, S. A. Samosud, Yu. F. Fire, L. P. Steinberg, V.V. Nebolsin. Produktionerne af opera- og balletforestillinger fra Bolshoi Theatre blev fremført af instruktørerne B. A. Lossky, N. V. Smolich; koreograf R.V. Zakharov; kormester W. O. Avranek, M. G. Shorin; kunstner P.V. Williams.

Under den store patriotiske krig (1941–45) blev en del af Bolshoi Theatre-troppen evakueret til Kuibyshev, hvor i 1942 blev premiere på Rossinis opera Wilhelm Tell fandt sted. På scenen på grenen (hovedbygningen i teatret blev beskadiget af en bombe) i 1943 blev operaen "On Fire" af Kabalevsky iscenesat. I efterkrigstiden appellerede selskabet til den klassiske arv fra befolkningen i de socialistiske lande, operaerne Selling Bride af Smetana (1948) og Pebble af Monyushko (1949) blev iscenesat. Dybden og integriteten af \u200b\u200bdet musikalske sceneensemble markerede forestillingerne til Boris Godunov (1948), Sadko (1949), Khovanshchina (1950). Lyse eksempler på sovjetiske balletklassikere var ballerne Askepot (1945) og Romeo og Juliet (1946) af Prokofiev.

Siden midten af \u200b\u200b40'erne er instruktionens rolle vokset til at afsløre det ideologiske indhold og legemliggørelsen af \u200b\u200bforfatterens intention med værket i at uddanne skuespilleren (sanger og balletdanser), der er i stand til at skabe dybt meningsfulde, psykologisk sandfærdige billeder. Ensemblets rolle i løsningen af \u200b\u200bforestillingens ideologiske og kunstneriske opgaver bliver mere markant, hvilket opnås takket være orkesters, korets og andre teatergruppers høje dygtighed. Alt dette bestemte udøvende stil i det moderne Bolshoi Theatre, bragte ham verdensberømmelse.

I 50-60'erne blev teatret's arbejde med operaer fra sovjetiske komponister mere aktivt. I 1953 blev den monumentale episke opera Decembrists af Shaporin iscenesat. Operaen Krig og fred af Prokofiev (1959) blev inkluderet i guldfonden for det sovjetiske musikkteater. De blev iscenesat - "Nikita Vershinin" af Kabalevsky (1955), "The Taming of the Shrew" af Shebalin (1957), "Mother" af Khrennikov (1957), "Jalil" af Zhiganov (1959), "The Tale of a Real Man" af Prokofiev (1960), "Fate" mand ”Dzerzhinsky (1961),“ Ikke kun kærlighed ”Shchedrin (1962),“ Oktober ”Muradeli (1964),“ Ukendt soldat ”Molchanov (1967),“ Optimistisk tragedie ”Kholminov (1967),“ Semyon Kotko ”Prokofiev (1970) ).

Siden midten af \u200b\u200b50'erne blev Bolshoi-repertoiret genopfyldt med moderne udenlandske operaer. For første gang blev værker af komponister L. Janachek ("Hendes steddatter", 1958), F. Erkel ("Bankforbud", 1959), F. Pulenka ("Human Voice", 1965), B. Britten ("Summer Dream") iscenesat. nat ", 1965). Det klassiske russiske og europæiske repertoire er udvidet. Blandt de fremragende værker i operakollektivet er Beethovens Fidelio (1954). Operaerne blev også iscenesat - Falstaff (1962), Don Carlos (1963) Verdi, Den flyvende hollænder Wagner (1963), Legenden om den usynlige by Kitezh (1966), Tosca (1971), Ruslan og Lyudmila "(1972)," Troubadour "(1972); balletter - Nøddeknækkeren (1966), Swan Lake (1970). I operaselskabet i denne tid sangere - I. I. og L. I. Maslennikovs, E. V. Shumskaya, Z. I. Anzhaparidze, G. P. Bolshakov, A. P. Ivanov, A. F. Krivchenya, P. G. Lisitsian, G. M. Nelepp, I. I. Petrov m.fl. Dirigenter - A. Sh. Melik-Pashaev, MH Zhukov, G. N. Rozhdestvensky, E. F. Svetlanov arbejdede med den musikalske og sceniske udførelsesform for forestillingerne; instruktører - L. B. Baratov, B. A. Pokrovsky; koreograf L. M. Lavrovsky; kunstnere - P. P. Fedorovsky, V. Ryndin, S. B. Virsaladze.

Ledende mestere i operaen og ballettropperne i Bolshoi Theatre optrådte i mange lande over hele verden. Operaselskabet turnerede i Italien (1964), Canada, Polen (1967), Østtyskland (1969), Frankrig (1970), Japan (1970), Østrig, Ungarn (1971).

I 1924-59 havde Bolshoi Theatre to scener - hoveddelen og grenen. Teaterscenen er et fem-lags auditorium med 2155 pladser. Hallens længde, under hensyntagen til orkesterskallen, er 29,8 m, bredden er 31 m, højden er 19,6 m. Scenedybden er 22,8 m, bredden er 39,3 m, størrelsen på sceneportalen er 21,5 × 17,2 I 1961 modtog Bolshoi Theatre et nyt scenested - Kremlins kongrespalads (auditorium med 6000 pladser; scenens størrelse i planen var 40 × 23 m og højden til risten var 28,8 m, sceneportalen var 32 × 14 m; tablet scenen er udstyret med seksten løfte- og sænkningsplatforme). Bolshoi Theater og Palace of Congresses afholder ceremonielle møder, konventioner, årtiers kunst osv.

Referencer:   Bolshoi Moskva-teatret og gennemgangen af \u200b\u200bbegivenheder, der gik forud for oprettelsen af \u200b\u200bdet rigtige russiske teater, Moskva, 1857; Kashkin N. D., Opera-scenen i Moskva Imperial Theatre, M., 1897 (i regionen: Dmitriev N., The Imperial Opera-scenen i Moskva, M., 1898); Chayanova O., "The Triumph of Muses", et memo af historiske erindringer på hundredeårsdagen for Moskva Bolshoi Theatre (1825-1925), Moskva, 1925; hende, Medox-teatret i Moskva 1776-1805, M., 1927; Moskva Bolshoi Theatre. 1825-1925, M., 1925 (samling af artikler og materialer); Borisoglebsky M., Materialer om den russiske balletts historie, bind 1, L., 1938; Glushkovsky A.P., Erindringer fra koreografen M. - L., 1940; State Academic Bolshoi Theatre of the USSR, M., 1947 (samling af artikler); S. V. Rachmaninov og russisk opera, samling af bøger. artikler redigeret af I.F. Belza, M., 1947; "Teater", 1951, nr. 5 (dedikeret til 175-årsdagen for Bolshoi-teatret); Shaverdyan A.I., Bolshoi Theatre of the USSR, M., 1952; Polyakova L.V., Ungdom i operaens scene i Bolshoi Theatre, M., 1952; Khripunov Yu. D., Arkitektur af Bolshoi Theatre, M., 1955; Bolshoi Theatre of the USSR (samling af artikler), M., 1958; Grosheva E. A., USSR's Bolshoi-teater i fortiden og nutiden, M., 1962; Gosenpud A. A., Musical Theatre i Rusland. Fra oprindelsen til Glinka, L., 1959; ham, det russiske sovjetiske operahus (1917-1941), L., 1963; ham, det russiske operahus i det XIX århundrede, t. 1-2, L., 1969-71.

L.V. Polyakova
Musical Encyclopedia Ed. Yu.V. Keldysh, 1973-1982

Balletens historie

Det førende russiske musikkteater, der spillede en enestående rolle i dannelsen og udviklingen af \u200b\u200bnationale traditioner for balletkunst. Dens udseende er forbundet med blomstringen af \u200b\u200brussisk kultur i 2. halvdel af 1700-tallet med fremkomsten og udviklingen af \u200b\u200bprofessionelt teater.

Troppen begyndte at dannes i 1776, da Moskva-filantrop Prins P. V. Urusov og iværksætter M. Medox fik regeringsprivilegiet til at udvikle teaterforretning. Forestillinger blev givet i huset til R. Vorontsov på Znamenka. I 1780 blev Medox bygget i Moskva på hjørnet af ul. Petrovka er en teaterbygning, der blev kendt som Petrovsky Theatre. Der var dramatiske, opera- og balletforestillinger. Det var det første permanente professionelle teater i Moskva. Hans ballettropp blev snart genopfyldt af eleverne i ballettskolen i Moskva Uddannelseshus (eksisteret siden 1773) og derefter af serfeskuespillere fra troppen E. A. Golovkina. Den første balletpræstation er ”The Magic Shop” (1780, koreograf L. Paradise). Det blev efterfulgt af: "Triumf for kvindelige bekvemmeligheder", "Harlequins hånede død eller den bedragede Pantalon", "Døven elskerinde" og "Den onde kærlighed" - alle produktioner af koreografen F. Morelli (1782); ”Underholdning om morgenen ved solopvågning” (1796) og ”Miller” (1797) - koreograf P. Pinyuchchi; "Medea og Jason" (1800, ifølge J. Nover), "Toilet af Venus" (1802) og "Hævn for død af Agamemnon" (1805) - koreograf D. Solomoni, osv. Disse forestillinger var baseret på klassicismens principper, i komisk balletter ("Deceived Miller", 1793; "Cupids bedrag", 1795) begyndte at vise tegn på sentimentalisme. Blandt danserne fra troppen stod G.I. Raikov, A.M. Sobakina og andre ud.

I 1805 brændte bygningen af \u200b\u200bPetrovsky Theatre ned. I 1806 blev truppen overført til direktoratet for de kejserlige teatre, spillet i forskellige rum. Dens sammensætning blev genopfyldt, nye balletter blev iscenesat: "Gishpan-aftener" (1809), "School of Pierrot", "Algerier eller de erobrede havrøverne", "Zephyr eller Vetrenik, der blev permanent" (alt - 1812), "Semik eller Walking in the Maryina Grove ”(til musikken fra S. I. Davydov, 1815) - alt iscenesat af I. M. Ablets; ”Den nye heltinde eller kosakkekvinde” (1811), ”Fejring i de allierede hærers lejr i Montmartre” (1814) - begge til musik fra Kavos, koreograf I.I. Valberkh; “Walking on the Sparrow Hills” (1815), “Russernes triumf eller Bivak i nærheden af \u200b\u200bKrasnoye” (1816) - begge til musikken fra Davydov, koreograf A.P. Glushkovsky; "Kosakker på Rhinen" (1817), "Nevsky Festivities" (1818), "Old Games eller Holy Evening" (1823) - alt sammen til musikken fra Scholz, den samme koreograf; ”Russisk sving på bredden af \u200b\u200bRhinen” (1818), ”Gypsy camp” (1819), ”Walking in Petrovsky” (1824) - al koreograf IK Lobanov osv. De fleste af disse forestillinger var omlægninger med udbredt brug af folkets ritualer og karakteristisk dans. Forestillingerne, der blev viet til begivenhederne i den patriotiske krig i 1812, var især vigtige - de første balletter i Moskva-scenens historie med et moderne tema. I 1821 skabte Glushkovsky den første ballet baseret på værket af A. S. Pushkin (“Ruslan og Lyudmila” til musik fra Scholz).

I 1825 begyndte prologen ”The Triumph of Muses”, iscenesat af F. Güllen-Sor, forestillinger i den nye bygning af Bolshoi Theatre (arkitekt O. I. Beauvais). Hun iscenesatte også balletterne Fenella til musikken fra operaen med samme navn af Ober (1836), Dreng med en finger (The Tricky Boy and the Eater) af Varlamova og Guryanova (1837) m.fl. T. N stod ud i denne tidens ballettropp. Glushkovskaya, D. S. Lopukhina, A. I. Voronin-Ivanov, T. S. Karpakova, K. F. Bogdanov m.fl. I 1840'erne. romantikens principper havde en afgørende indflydelse på balletten i Bolshoi-teatret (F. Taglionis og J. Perrots aktiviteter i Skt. Petersborg, ture til M. Taglioni, F. Elsler og andre). Fremragende dansere i denne retning er E. A. Sankovskaya, I. N. Nikitin.

Af stor betydning for dannelsen af \u200b\u200brealistiske principper for scenekunst var produktioner på Bolshoi Opera House "Ivan Susanin" (1842) og "Ruslan og Lyudmila" (1846) Glinka, som indeholdt detaljerede koreografiske scener, der spillede en vigtig dramatisk rolle. Disse ideologiske og kunstneriske principper blev videreført i The Mermaid af Dargomyzhsky (1859, 1865), Judith af Serov (1865) og derefter i produktioner af operaerne af P. I. Tchaikovsky og komponisterne af The Mighty Handful. I de fleste tilfælde blev danser i operaer iscenesat af F.N. Manokhin.

I 1853 ødelagde en brand alt det indre af Bolshoi Theatre. Bygningen blev restaureret i 1856 af arkitekten A.K. Kavos.

I 2. halvdel af det 19. århundrede var Bolsjoi-balletten markant underordnet St. Petersborg (der var hverken en så talentfuld leder som M. I. Petipa eller de samme gunstige materielle betingelser for udvikling). Punyis The Little Humpbacked Horse, iscenesat af A. Saint-Leon i Petersburg og overført til Bolshoi Theatre i 1866, nød stor succes; dette manifesterede en mangeårig tiltrækning af Moskva-balletten til genre, komedie, hverdag og national karakter. Men få originale produktioner blev oprettet. Et antal produktioner af K. Blasis (Pygmalion, To dage i Venedig) og S. P. Sokolov (Fern eller Night af Ivan Kupala, 1867) vidnede om et fald i teatrets kreative principper. En betydelig begivenhed var kun stykket "Don Quixote" (1869), der blev iscenesat på Moskva-scenen af \u200b\u200bM. I. Petipa. Den uddybende krise var forbundet med aktiviteterne fra koreografer, der blev inviteret fra udlandet af W. Reisinger (The Magic Shoe, 1871; Kashchey, 1873; Stella, 1875) og J. Hansen (The Virgin of Hell, 1879). Produktionen af \u200b\u200bSwan Lake af Reisinger (1877) og Hansen (1880), som ikke kunne forstå den innovative essens i Tchaikovskys musik, var heller ikke succesrig. I denne periode havde troppen stærke kunstnere: P. P. Lebedev, O. N. Nikolaev, A. I. Sobeshchanskaya, P. M. Karpakova, S. P. Sokolov, V. F. Geltser, senere - L. N Geiten, L. A. Roslavleva, A. A. Dzhuri, A. N. Bogdanov, V. E. Polivanov, I. N. Khlyustin og andre; talentfulde efterlignende skuespillere arbejdede - F. A. Reishausen og V. Wanner, de bedste traditioner i familierne til Manokhin, Domashovy, Yermolovs blev overført fra generation til generation. Reformen, der blev gennemført i 1882 af direktoratet for kejserlige teatre, førte til en reduktion i ballettroppen og forværrede krisen (det var især tydeligt i de eklektiske produktioner af koreograf H. Mendes inviteret fra udlandet - "Indien", 1890; "Daita", 1896 osv.).

Stagnation og rutine blev kun overvundet med ankomsten af \u200b\u200bkoreograf A. A. Gorsky, hvis aktivitet (1899-1924) markerede udviklingen af \u200b\u200ben hel æra i udviklingen af \u200b\u200bBolshoi-balletten. Gorsky søgte at befri balletten fra dårlige konventioner og klicheer. Berikende balletten med resultaterne af moderne drama teater og kunst, udførte han nye produktioner af Don Quixote (1900), Swan Lake (1901, 1912) og andre Petipa balletter, skabte simon Datter Gudula Simon (baseret på Notre Dame de Paris) V. Hugo, 1902), Arends ballet "Salambo" (baseret på romanen med samme navn af G. Flaubert, 1910) m.fl. I sin søgen efter balletforestillingens dramatiske fylde overdrev Gorsky undertiden rollen som manuskript og pantomime og undertiden undervurderede musik og effektiv symfonisk dans. På samme tid var Gorsky en af \u200b\u200bde første instruktører af balletter til symfonisk musik, der ikke var beregnet til dans: “Kærlighed er hurtig!” Til musik af Grieg, “Schubertian” til musik af Schubert, omdirigering “Carnival” til musik af forskellige komponister - alt fra 1913, “Fifth Symphony” "(1916) og" Stenka Razin "(1918) til musikken fra Glazunov. I forestillingerne fra Gorsky var det mest afslørede talent E. V. Geltser, S. V. Fedorova, A. M. Balashova, V. A. Coralli, M. R. Reisen, V. V. Krieger, V. D. Tikhomirova, M M. Mordkin, V. A. Ryabtsev, A. E. Volinin, L. A. Zhukov, I. E. Sidorov, og andre.

I slutningen af \u200b\u200b19 - begyndelsen. 20. århundrede Bolshoi Theatre-balletforestillinger blev dirigeret af I.K. Altani, V.I. Suk, A.F. Arends, E.A. Cooper, teaterdekoratør K.F. Valts, kunstnere K.A. Korovin, A. Y. Golovin et al.

Den store socialistiske revolution i oktober åbnede nye stier for Bolshoi-teatret og definerede sin storhedstid som den førende opera- og balletgruppe i landets kunstneriske liv. Under borgerkrigen blev teatretes troppe bevaret, takket være den sovjetiske stats opmærksomhed. I 1919 trådte Bolshoi Theatre ind i gruppen af \u200b\u200bakademiske teatre. I 1921-22 blev forestillinger af Bolshoi Theatre også givet i lokalerne til Det Nye Teater. I 1924 blev en filial af Bolshoi Theatre åbnet (den fungerede indtil 1959).

Fra de første år med sovjetisk magt stod ballettroppen over for en af \u200b\u200bde vigtigste kreative opgaver - at bevare den klassiske arv, at formidle den til et nyt publikum. I 1919 blev Nødeknækkeren (koreograf Gorsky) først iscenesat i Moskva, derefter nye produktioner af Swan Lake (Gorsky, med deltagelse af V. I. Nemirovich-Danchenko, 1920), Giselle (Gorsky, 1922) og Esmeralda ”(V. D. Tikhomirov, 1926),“ Den sovende skønhed ”(A. M. Messerer og A. I. Chekrygin, 1936) m.fl. Sammen med dette stræbte Bolshoi-teatret op om at skabe nye balletter - en-akt stykker til symfonisk musik blev iscenesat ("Den spanske Capriccio" og "Scheherazade", koreograf L. A. Zhukov, 1923 osv.), Blev de første eksperimenter foretaget for at implementere et moderne tema (børns den første ballet-ekstravaganza "Eternally Fresh Flowers" til musikken fra Asafiev et al., koreograf Gorsky, 1922; den allegoriske ballet "Smerch" Bera, koreograf K. Ya. Goleizovsky, 1927), udviklingen af \u200b\u200bdet koreografiske sprog ("Joseph den smukke" Vasilenko, ballet. Goleizovsky, 1925; ”Fodboldspiller” af Oransky, koreograf L. A. Lashchilin og I. A. Moiseev, 1930 osv.). Forestillingen “Red Poppy” (koreograf Tikhomirov og L. A. Lashchilin, 1927), hvor den realistiske afsløring af et moderne tema var baseret på implementering og opdatering af klassiske traditioner, fik en gradvis betydning. Den kreative søgning efter teatret var uadskillelig fra kunstnerens aktiviteter - E. V. Geltser, M. P. Kandaurova, V. V. Krieger, M. R. Reisen, A. I. Abramova, V. V. Kudryavtseva, N. B. Podgoretskaya , L. M. Bank, E. M. Ilyushenko, V. D. Tikhomirova, V. A. Ryabtseva, V. V. Smoltsova, N. I. Tarasova, V. I. Tsaplin, L. A. Zhukov, etc. .

1930. i udviklingen af \u200b\u200bballetten fra Bolshoi-teatret blev præget af store succeser i legemliggørelsen af \u200b\u200bdet historiske og revolutionære tema ("The Flames of Paris", ballet. V.I. Vainonen, 1933) og billeder af litterære klassikere ("Bakhchisarai Fountain", ballet. R.V. Zakharov, 1936) . I ballet sejrede den retning, der bragte den tættere på litteratur og dramateatret. Betydningen af \u200b\u200bat instruere og handle er øget. Forestillingerne blev kendetegnet ved den dramatiske integritet i udviklingen af \u200b\u200bhandling, den psykologiske udvikling af karakterer. I 1936-39 blev ballettroppen ledet af R.V. Zakharov, der arbejdede på Bolshoi Theatre som koreograf og operadirektør indtil 1956. Forestillinger om det moderne tema blev skabt - Aistenok (1937) og Svetlana (1939) Klebanova (begge - koreograf A.I. Radunsky, N. Popko og L.A. Pospekhin), samt Asafievs "Kaukasiske fangenskab" (ifølge A.S. Pushkin, 1938) og Solovyov-Sedys "Taras Bulba" (ifølge N. V. Gogol, 1941, begge - ballet. Zakharov), "Tre fede mænd" af Oransky (ifølge Yu. K. Olesha, 1935, ballet. I. A. Moiseev) og andre. I løbet af disse år blomstrede M. T's kunst Semenova, O. V. Lepeshi A. N. Ermolaev, M. M. Gabovich, A. M. Messerer, begyndte aktiviteten af \u200b\u200bS. N. Golovkina, M. S. Bogolyubskaya, I. V. Tikhomirnova, V. A. Preobrazhensky, Yu. G. Kondratova, S. G. Korenya et al. Kunstnere V.V. Dmitriev, P.V. Williams deltog i designet af balletpræstationer, og Yu.F. Fayer opnåede høje ledelsesevner inden for ballet.

Under den store patriotiske krig blev Bolshoi-teatret evakueret til Kuibyshev, men en del af troppen, der blev tilbage i Moskva (ledet af M. M. Gabovich), genoptog snart forestillingerne i teatergrenen. Sammen med at vise det gamle repertoire blev der oprettet en ny produktion af “Scarlet Sails” af Yurovsky (ballet. A. I. Radunsky, N. M. Popko, L. A. Posepekhin), der blev iscenesat i Kuibyshev i 1942, overført til Bolshoi i 1943. Holdene med kunstnere gik gentagne gange foran.

I 1944-64 (intermitterende) blev balletgruppen ledet af L. M. Lavrovsky. Følgende blev iscenesat (i parentes er koreografernes navne): Askepott (R.V. Zakharov, 1945), Romeo og Juliet (L.M. Lavrovsky, 1946), Mirandolina (V.I. Vainonen, 1949), Bronze Horseman (Zakharov, 1949), Red Poppy (Lavrovsky, 1949), Shurale (L. V. Jacobson, 1955), Laurencia (V. M. Chabukiani, 1956), osv. Adresser gentagne gange Bolshoi-teatret og genoplivningen af \u200b\u200bklassikerne - Giselle (1944) og Raymond (1945) instrueret af Lavrovsky osv. I efterkrigsårene blev kunsten af \u200b\u200bS. S. Ulanova stolthed af scenen i Bolshoi-teatret, hvis dansebilleder betog hendes lyriske psi ologicheskoy udtryksfuldhed. En ny generation af kunstnere er vokset op; blandt dem M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, M. V. Kondratiev, L. I. Bogomolova, R. K. Karelskaya, N. V. Timofeeva, Yu. T. Zhdanov, G. K. Farmanyants, V.A. Levashov, N. B. Fadeechev, Ya. D. Sekh og andre.

I midten af \u200b\u200b1950'erne i produktioner af Bolshoi Theatre blev de negative konsekvenser af koreografernes begejstring for den ensidige dramatisering af balletforestillingen (hverdag, overhovedet af pantomime, undervurdering af rollen som effektiv dans) bemærket, hvilket især blev afspejlet i teaterstykkerne The Tale of a Stone Flower af Prokofiev (Lavrovsky, 1954) 1957), Spartak (I. A. Moiseev, 1958).

En ny periode begyndte i slutningen af \u200b\u200b50'erne. Repertoiret indeholdt sceneoptræder til sovjetisk ballet af Yu. N. Grigorovich - "Stone Flower" (1959) og "The Legend of Love" (1965). I produktioner af Bolshoi-teatret udvides billedkredsen og ideologiske og moralske problemer, danseprincippets rolle blev større, dramaturgiens former blev mere forskellige, det koreografiske ordforråd blev beriget, og interessante søgninger begyndte at blive udført i udførelsesformen af \u200b\u200bet moderne tema. Dette manifesteredes i produktioner af koreografer: N. D. Kasatkina og V. Yu. Vasileva - “Vanina Vanini” (1962) og “Geologer” (“Heroic Poem”, 1964) af Karetnikov; O. G. Tarasova og A. A. Lapauri - "Anden løjtnant Kizhe" til musikken fra Prokofiev (1963); K. Ya. Goleizovsky - “Leili og Majnun” af Balasanyan (1964); Lavrovsky - "Paganini" til Rachmaninoffs musik (1960) og "Night City" til musikken "The Wonderful Mandarin" af Bartok (1961).

I 1961 modtog Bolshoi Theatre et nyt scenested - Kreml-kongrespaladset, hvilket bidrog til den bredere aktivitet af ballettroppen. Sammen med modne mestere - Plisetskaya, Struchkova, Timofeeva, Fadeyechev og andre - blev den førende position besat af talentfulde unge mennesker, der kom til Bolshoi Theatre i slutningen af \u200b\u200b50-60'erne: E. S. Maksimova, N. I. Bessmertnova, N. I. Sorokina, E. L. Ryabinkina, S. D. Adyrkhaev, V. V. Vasiliev, M. E. Liepa, M. L. Lavrovsky, Yu. V. Vladimirov, V. P. Tikhonov og andre.

Siden 1964 konsoliderede og udviklede den største koreograf for Bolshoi Theatre - Yu. N. Grigorovich progressive tendenser inden for ballettroppens aktiviteter. Næsten hver nye forestilling af Bolshoi Theatre er præget af interessante kreative søgninger. De optrådte i "Det hellige forår" (ballet. Kasatkina og Vasilev, 1965), "Carmen Suite" af Bizet - Shchedrin (Alberto Alonso, 1967), "Asseli" af Vlasov (O. M. Vinogradov, 1967), "Icarus" af Slonimsky (V.V. Vasiliev, 1971), Shchedrins "Anna Karenina" (M. M. Plisetskaya, N.I. Ryzhenko, V.V. Smirnov-Golovanov, 1972), "Love for Love" af Khrennikov (V. Bokkadoro, 1976), "Chippolino" af K. Khachaturian (G. Mayorov, 1977), "Disse fortryllende lyde ..." til musikken fra Corelli, Torelli, Rameau, Mozart (V.V. Vasiliev, 1978), "Hussar ballade" af Khrennikov ( O. M. Vinogradov og D. A. Bryantsev), "Mågen" af Shchedrin (M. M. Plisetskaya, 1980), "Macbeth" af Molchanov (V.V. Vasiliev, 1980) m.fl. Stykket "Spartak" (Grigorovich, 1968; Lenin Prize 1970) fik en enestående betydning i udviklingen af \u200b\u200bsovjetisk ballet. Grigorovich iscenesatte balletter om temaerne i russisk historie (“Ivan den frygtelige” til musikken fra Prokofiev i appelsinerne af M. I. Chulaki, 1975) og modernitet (“Angara” af Eshpay, 1976), som syntetiserede og generaliserede de kreative søgninger fra tidligere perioder i udviklingen af \u200b\u200bsovjetisk ballet. Grigorovichs forestillinger er kendetegnet ved ideologisk og filosofisk dybde, et væld af koreografiske former og ordforråd, dramatisk integritet, den brede udvikling af en effektiv symfonisk dans. I lyset af nye kreative principper gennemførte Grigorovich iscenesættelse af den klassiske arv: Sleeping Beauty (1963 og 1973), The Nutcracker (1966), Swan Lake (1969). De opnåede en dybere læsning af de ideologisk-figurative koncepter af Tchaikovskys musik (Nødknækkeren blev fuldstændig genopført, M. I. Petipa og L. I. Ivanovs hovedkoreografi blev bevaret i andre forestillinger, og en kunstnerisk helhed blev besluttet i overensstemmelse med den).

Balletpræstationer fra Bolshoi Theatre blev dirigeret af G. N. Rozhdestvensky, A. M. Zhuraitis, A. A. Kopylov, F. Sh. Mansurov m.fl. V. F. Ryndin, E. G. Stenberg, A. D. Goncharov, B. A. Messerer, V. Ya. Leventhal m.fl. Kunstneren af \u200b\u200balle forestillinger, der er iscenesat af Grigorovich, er S. B. Virsaladze.

Ballettroppen fra Bolshoi Theatre turnerede Sovjetunionen og i udlandet: i Australien (1959, 1970, 1976), Østrig (1959. 1973), Argentina (1978), ARE (1958, 1961). Storbritannien (1956, 1960, 1963, 1965, 1969, 1974), Belgien (1958, 1977), Bulgarien (1964), Brasilien (1978), Ungarn (1961, 1965, 1979), Østtyskland (1954, 1955, 1956, 1958 ), Grækenland (1963, 1977, 1979), Danmark (1960), Italien (1970, 1977), Canada (1959, 1972, 1979), Kina (1959), Cuba (1966), Libanon (1971), Mexico (1961) , 1973, 1974, 1976), Mongoliet (1959), Polen (1949, 1960, 1980), Rumænien (1964), Syrien (1971), USA (1959, 1962, 1963, 1966, 1968, 1973, 1974, 1975, 1979), Tunesien (1976), Tyrkiet (1960), Filippinerne (1976), Finland (1957, 1958), Frankrig. (1954, 1958, 1971, 1972, 1973, 1977, 1979), Tyskland (1964, 1973), Tjekkoslovakiet (1959, 1975), Schweiz (1964), Jugoslavien (1965, 1979), Japan (1957, 1961, 1970, 1973, 1975, 1978, 1980).

Encyclopædi "Ballet", red. Yu.N. Grigorovich, 1981

Den 29. november 2002 åbnede premieren på Rimsky-Korsakovs opera The Snow Maiden en ny scene for Bolshoi Theatre. 1. juli 2005 Bolshoi-teatret blev afsluttet for genopbygning, der varede i mere end seks år. Den 28. oktober 2011 fandt sted den store åbning af Bolshoi Theatre historiske scene.

publikation

STOR TEATER fra Rusland State Academic (Bolshoi Theatre), et af landets ældste teatre (Moskva). Siden 1919, akademisk. Historien om Bolshoi-teatret går tilbage til 1776, da prins P.V. Urusov modtog regeringsprivilegiet "at være indehaveren af \u200b\u200balle teaterforestillinger i Moskva" med en forpligtelse til at bygge et stenteater, "så det kunne tjene som en dekorering for byen, og derudover et hus til offentlige maskerader komedier og operaer tegneserier. " Samme år tiltrukket Urusov M. Medox, der er hjemmehørende i England, for at deltage i udgifterne. Forestillingerne blev afholdt i Operahuset på Znamenka, der ejes af grev R. I. Vorontsov (om sommeren i ”voxal” ejet af grev A. S. Stroganov ”under Andronik-klosteret”). Opera-, ballet- og dramaoptræden blev udført af skuespillere og musikere, der forlod teatertroppen fra Moskva Universitet, servetropper N. S. Titov og P. V. Urusov.

Efter branchen fra Operahuset i 1780 samme år på Petrovka Street blev en teaterbygning i stil med Katarinas klassisisme opført på 5 måneder - Petrovsky Theatre (arkitekt H. Rozberg; se Medox Theatre). Siden 1789 blev det administreret af bestyrelsen. I 1805 brændte Petrovsky-teatret ned. I 1806 blev troppen overført til direktoratet for de kejserlige teatre i Moskva, fortsat med at optræde i forskellige rum. I 1816 blev projektet med omstrukturering af Teaterpladsen af \u200b\u200barkitekten O. I. Bove vedtaget; i 1821 godkendte kejser Alexander I designet af en ny teaterbygning af arkitekt A. A. Mikhailov. Det såkaldte Bolshoi Petrovsky Theatre i Empire-stil blev bygget af Beauvais i henhold til dette projekt (med nogle ændringer og ved hjælp af grundlaget for Petrovsky Theatre); åbnede i 1825. Et hesteskoformet auditorium blev indskrevet i bygningens rektangulære volumen, scenerummet var stort i størrelse med hallen og havde store korridorer. Hovedfasaden blev accenteret af en monumental 8-søjles ionisk portik med et trekantet pediment kronet af den skulpturelle albastergruppe ”Quadriga Apollo” (placeret på baggrund af en halvcirkelformet niche). Konstruktionen blev den største sammensætning dominerende af ensemblet Theatre Square.

Efter branden i 1853 blev Bolshoi Theatre restaureret i henhold til projektet af arkitekt A.K. Kavos (med erstatning af den skulpturelle gruppe med arbejde i bronze af P.K. Klodt), konstruktionen blev afsluttet i 1856. Genopbygningen ændrede udseendet markant, men bevarede layoutet; Arkitekturen i Bolshoi Theatre erhvervede funktionerne ved eklektisisme. I denne form blev teatret bevaret indtil 2005 med undtagelse af små interne og eksterne rekonstruktioner (auditoriet har plads til mere end 2000 mennesker). I 1924-59 arbejdede Bolshoi Theatre Filial (i lokalerne til den tidligere Opera S.I. Zimin på Bolshaya Dmitrovka). I 1920 åbnede en koncertsal, den såkaldte Beethoven, i den tidligere kejserlige foyer. Under den store patriotiske krig blev en del af personalet i Bolshoi Theatre evakueret til Kuibyshev (1941-42), og nogle holdt forestillinger i afdelingens lokaler. I 1961-89 fandt nogle forestillinger af Bolshoi Theatre sted på scenen i Kreml Palace of Congresses. Under genopbygningen (siden 2005) af teaterets hovedbygning finder der forestillinger sted på den nye scene i en specielt konstrueret bygning (tegnet af arkitekt A.V. Maslov; den har været i drift siden 2002). Bolshoi-teatret er inkluderet i statskoden for især værdifulde genstande af kulturarv fra befolkningen i den russiske føderation.

N.N. Afanasyev, A.A. Aronova.

En betydelig rolle i Bolshoi-teaternes historie blev spillet af aktiviteterne for instruktører af de kejserlige teatre - I. A. Vsevolozhsky (1881-99), Prins S. M. Volkonsky (1899-1901), V. A. Telyakovsky (1901-1917). I 1882 blev de kejserlige teatre omorganiseret, Bolshoi skabte positioner som hoveddirigent (bandmester; han blev I.K. Altani, 1882-1906), hoveddirektør (A.I. Bartsal, 1882-1903) og hovedkormester ( U. I. Avranek, 1882-1929). Udførelsen af \u200b\u200bforestillingerne blev mere kompliceret og gik gradvist ud over scenens blotte udsmykning; K.F. Waltz (1861-1910) blev berømt som chefingeniør og dekoratør. I fremtiden er hoveddirigenterne for Bolshoi Theatre: V. I. Suk (1906-33), A. F. Arende (balletschef, 1900-24), S. A. Samosud (1936-43), A. M Pazovsky (1943-48), N. S. Golovanov (1948-53), A. Sh. Melik-Pashaev (1953-63), E. F. Svetlanov (1963-65), G. N Rozhdestvensky (1965-1970), Yu. I. Simonov (1970-85), A.N. Lazarev (1987-95). Chefdirektører: V. A. Lossky (1920-28), N. V. Smolich (1930-1936), B. A. Mordvinov (1936-40), L. V. Baratov (1944-49) , I.M. Tumanov (1964-70 år), B.A. Pokrovsky (1952-55, 1956-63, 1970-82). De vigtigste koreografer: A. N. Bogdanov (1883-89), A. A. Gorsky (1902-24), L. M. Lavrovsky (1944-56, 1959-64), Yu. N. Grigorovich (1964 -95 år). De vigtigste kormestre: V.P. Stepanov (1926-1936), M.A. Cooper (1936-44), M.G. Shorin (1944-58), A.V. Rybnov (1958-88) , S. M. Lykov (1988-95, kunstnerisk leder af koret i 1995-2003). De vigtigste kunstnere: M. I. Kurilko (1925-27 år), F. Fedorovsky (1927-29, 1947-53 år), V.V. Dmitriev (1930-41), P.V. Williams (1941 -47 år), F. Ryndin (1953-70 år), N.N. Zolotarev (1971-88 år), V. Ya. Leventhal (1988-1995). I 1995-2000'erne var den kunstneriske leder af teatret - V.V. Vasiliev, kunstnerisk leder, sætdesigner og hovedartist - S. M. Barkhin, musikdirektør - P. Feranets, siden 1998 - M. F. Ermler; Kunstnerisk leder af Operaen B. A. Rudenko. Direktør for ballettroppen er A. Yu Bogatyryov (1995-98); kunstneriske direktører for ballettroppen - V. M. Gordeev (1995-97), A.N. Fadeyechev (1998-2000), B. B. Akimov (2000-04), siden 2004 - A.O. Ratmansky . I 2000-01 var den kunstneriske leder G. N. Rozhdestvensky. Siden 2001 er den musikalske direktør og chefdirigent A. A. Vedernikov.

Opera på Bolshoi Theatre. I 1779 blev en af \u200b\u200bde første russiske operaer iscenesat i Znamenka Opera House - "Miller - en troldmand, en bedragere og en matchmaker" (tekst af A. O. Ablesimov, musik af M. M. Sokolovsky). En allegorisk prolog "Wanderers" (tekst af Ablesimov, musik af E. I. Fomin) udført på åbningsdagen 12/30/1780 (10.1.1781), operaoptræden "Misfortune from the carriage" (1780), "Stingy" ( 1782), "St. Petersburg Gostiny Dvor" (1783) af V. A. Pashkevich. Touring italiensk (1780-82) og franske (1784-1785) tropper påvirkede udviklingen af \u200b\u200boperahuset. Troppen fra Petrovsky Theatre bestod af skuespillere og sangere E. S. Sandunova, M. S. Sinyavskaya, A. G. Ozhogin, P. A. Plavilshchikov, Y. E. Shusherin m.fl. Bolshoi Petrovsky Theatre blev åbnet 6 (18) .1.1825 prologen "The Triumph of Muses" af A. A. Alyabyev og A. N. Verstovsky. Siden den tid har værker af indenlandske forfattere, hovedsageligt opera-vaudevilles, besat en stigende plads i operarepertoiret. I over 30 år har operaselskabets arbejde været forbundet med aktiviteterne fra Verstovsky - en inspektør for direktoratet for de kejserlige teatre og komponist, forfatter til operaerne Pan Twardowski (1828), Vadim (1832), Askolds grav (1835) og længsel efter hjemland ”(1839). I 1840'erne blev russiske klassiske operaer "Life for the Tsar" (1842) og "Ruslan og Lyudmila" (1846) af M.I. Glinka iscenesat. I 1856 åbnede det nyrenoverede Bolshoi Theatre med V. Bellinis opera Puritans udført af en italiensk tropp. 1860'erne var præget af øget vesteuropæisk indflydelse (det nye direktorat for de kejserlige teatre begunstigede italienske opera og udenlandske musikere). Af de indenlandske operaer blev "Judith" (1865) og "Rogneda" (1868) af A.N. Serov, "Havfrue" af A.S. Dargomyzhsky (1859, 1865) iscenesat siden 1869 P.I. Tjajkovskij. Fremkomsten af \u200b\u200brussisk musikalsk kultur ved Bolshoi Theatre var forbundet med den første produktion af Eugene Onegin (1881) på den store operascen, såvel som andre værker af Tchaikovsky, operaer fra Petersborg komponister - N. A. Rimsky-Korsakov, M. P. Musorgsky, med dirigenten Tchaikovskys aktiviteter. Samtidig blev de bedste værker af udenlandske komponister iscenesat - V. A. Mozart, J. Verdi, S. Gounod, J. Bizet, R. Wagner. Blandt sangerne fra det sene 19. og det tidlige 20. århundrede: M. G. Gukova, E. P. Kadmina, N. V. Salina, A. I. Bartsal, I. V. Gryzunov, V. R. Petrov, P. A. Khokhlov . Udøvelse af S.V. Rachmaninov (1904-1906) blev en milepæl for Bolshoi Theatre. Bolshoi-teatrets storhedstid i 1901-17 var stort set forbundet med navnene på F. I. Chaliapin, L. V. Sobinov og A. V. Nezhdanova, K. S. Stanislavsky og Vl. I. Nemirovich-Danchenko, K. A. Korovin og A. Ya. Golovin.

I 1906-33 var den egentlige leder af Bolshoi Theatre V.I. Suk, der fortsatte med at arbejde på russiske og udenlandske operaklassikere sammen med instruktørerne V. A. Lossky ("Aida" af J. Verdi, 1922; "Lohengrin" af R. Wagner, 1923; "Boris Godunov" af M. P. Musorgsky, 1927 år) og L. V. Baratov, kunstner F. F. Fedorovsky. I 1920'erne og 1930'erne blev forestillinger dirigeret af N. S. Golovanov, A. Sh. Melik-Pashaev, A. M. Pazovsky, S. A. Samosud, B. E. Khaikin og V. V. Barsov sang på scenen, K. G. Derzhinskaya, E. D. Kruglikova, M. P. Maksakova, N. A. Obukhova, E. A. Stepanova, A. I. Baturin, I. S. Kozlovsky, S. Ya. Lemeshev, M. D. Mikhailov, P. Nortsov, A.S. Pirogov. Premiere på sovjetiske operaer fandt sted: "Decembrists" af V. A. Zolotarev (1925), "Son of the Sun" S. N. Vasilenko og "Dumb Artist" I. P. Shishova (begge 1929), "Almast" A. A. Spendiarova (1930); i 1935 blev operaen "Lady Macbeth fra Mtsensk Amt" iscenesat af D. D. Shostakovich. I slutningen af \u200b\u200b1940 blev Wagners Valkyrie iscenesat (instrueret af S. M. Eisenstein). Den sidste produktion før krigen var ”Khovanshchina” af Mussorgsky (13.2.1941). I 1918-22 opererede operahuset i Bolshoi Theatre under ledelse af K. S. Stanislavsky.

I september 1943 åbnede Bolshoi-teatret sæsonen i Moskva med operaen Ivan Susanin af M. I. Glinka. I 1940'erne og 1950'erne blev det russiske og europæiske klassiske repertoire iscenesat såvel som operaerne for komponister fra Østeuropa - B. Smetana, S. Monyushko, L. Janachek, F. Erkel. Siden 1943 har navnet på instruktøren B. A. Pokrovsky, der er knyttet til Bolshoi Theatre i over 50 år, bestemt det kunstneriske niveau for operaudstillinger; hans produktioner af operaerne Krig og fred (1959), Semyon Kotko (1970) og Spilleren (1974) af S. S. Prokofiev, Ruslan og Lyudmila Glinka (1972) og Othello betragtes som "J. Verdi (1978). I det store og hele er operarepertoiret fra 1970'erne og begyndelsen af \u200b\u200b1980'erne præget af stilistisk mangfoldighed: fra operaerne i det 18. århundrede (Julius Caesar af G. F. Handel, 1979; Iphigenia i Aulida af K. V. Gluck, 1983) , operaklassikere fra det 19. århundrede ("The Rhine Gold" af R. Wagner, 1979) før den sovjetiske opera ("Dead Souls" af R. K. Shchedrin, 1977; "Betrothal at the Monastery" af Prokofiev, 1982). I de bedste forestillinger fra 1950'erne og 70'erne var I.K. Arkhipova, G.P. Vishnevskaya, M. Kasrasvili, T. A. Milashkina, E.V. Obraztsova, B.A. Rudenko, T.I. Sinyavskaya, V. A. Atlantov, A. A. Vedernikov, A. F. Krivchenya, S. Ya. Lemeshev, P. G. Lisitsian, Yu. A. Mazurok, E. E. Nesterenko, A. P. Ognivtsev, I. I. Petrov, M. O. Reisen, 3. L. Sotkilava, A. A. Eisen, ledet af E. F. Svetlanov, G. N. Rozhdestvensky, K. A. Simeonov osv. Med undtagelse af chefdirektøren (1982) og afgangen fra Yu. I. Simonovs teater begyndte en periode med ustabilitet; Indtil 1988 blev der kun udført nogle få operaproduktioner: "The Legend of the Invisible City of Kitezh" (instruktør R. I. Tikhomirov) og "The Tale of Tsar Saltan" (instruktør G. P. Ansimov) N. A. Rimsky-Korsakova, "Werther" J. Massenet (instruktør E. V. Obraztsova), "Mazepa" af P. I. Tchaikovsky (instruktør S. F. Bondarchuk). Siden slutningen af \u200b\u200b1980'erne er operarepertoirepolitikken bestemt af orientering til sjældent fremførte værker: The Orleans Maiden af \u200b\u200bTchaikovsky (1990, første gang på scenen i Bolshoi Theatre), Mlada, The Night Before Christmas og The Golden Cockerel af Rimsky-Korsakov, "Aleko" og "The Mean Knight" af S. V. Rachmaninov. Blandt produktioner er det fælles russisk-italienske værk "Prince Igor" af A. P. Borodin (1993). I løbet af disse år begyndte masseafgang for sangere i udlandet, som (i mangel af hoveddirektørens stilling) førte til et fald i forestillingernes kvalitet.

I 1995-2000'erne var repertoiret baseret på russiske operaer fra det 19. århundrede, blandt produktioner: “Ivan Susanin” af M. I. Glinka (fornyet produktion af L. V. Baratov i 1945, instrueret af V. G. Milkov), “Iolanta” P I. Tchaikovsky (instruktør G. P. Ansimov; begge 1997), “Francesca da Rimini” S. V. Rachmaninov (1998, instruktør B. A. Pokrovsky). På initiativ af B. A. Rudenko blev italienske operaer udført (Norma af V. Bellini; Lucia di Lammermoor af G. Donizetti). Andre produktioner: The Beautiful Mill af J. Paisiello; “Nabucco” af J. Verdi (instruktør M. S. Kislyarov), “Brylluppet i Figaro” af V. A. Mozart (tysk instruktør I. Herz), “Bohemia” af G. Puccini (østrigsk instruktør F. Mirdita), den mest succesrige af dem - "Kærlighed til tre appelsiner" af S. S. Prokofiev (engelsk instruktør P. Ustinov). I 2001, under ledelse af G. N. Rozhdestvensky, blev den første udgave af operaen "Spilleren" af Prokofiev ført til premiere (instrueret af A. B. Titel).

Grundlæggende om repertoire og personalepolitik (siden 2001): Entreprenørprincippet om at arbejde på et teaterstykke, invitationen af \u200b\u200bkunstnerne på kontraktbasis (med gradvis reduktion af hovedtroppen), leje af udenlandske forestillinger (Force of Fate og Falstaff af J. Verdi; Adrienne Lecouvreur F. Chilea). Antallet af nye operaproduktioner er steget, blandt dem: “Khovanshchina” af M. P. Musorgsky, “The Snow Maiden” af N. A. Rimsky-Korsakov, “Turandot” af J. Puccini (hele 2002), “Ruslan og Lyudmila” M. I. Glinka (2003; autentisk forestilling), The Adventures of the Robe af I.F. Stravinsky (2003; første gang på Bolshoi Theatre), The Fiery Angel af S. S. Prokofiev (første gang på Bolshoi Theatre) og The Flying Dutchman R. Wagner (begge 2004), “Children of Rosenthal” af L. A. Desyatnikov (2005).

N. N. Afanasyev.

Ballet fra Bolshoi Theatre. I 1784 indbefattede troppen fra Petrovsky Theatre studerende til balletklassen, der blev åbnet i 1773 i Uddannelseshuset. De første koreografer var italienere og franskmenn (L. Paradise, F. og C. Morelli, P. Pinucci, J. Solomoni). Repertoiret omfattede deres egne produktioner og overførsler af forestillingerne fra J. J. Noverra. I udviklingen af \u200b\u200bballetkunsten i Bolshoi Theatre i 1. tredjedel af det 19. århundrede var den vigtigste aktivitet af P. Glushkovsky, der ledede ballettroppen i 1812-39. Han iscenesatte forestillinger af forskellige genrer, herunder på plottene til A. S. Pushkin ("Ruslan og Lyudmila, eller omstillingen af \u200b\u200bChernomor, den onde guiden" af F. E. Scholz, 1821). Romantikken blev etableret på scenen i Bolshoi Theatre takket være koreografen F. Güllen-Sor, der arbejdede på Bolshoi Theatre i 1823–39 og overførte en række balletter fra Paris (La Sylphide af F. Taglioni, musik af J. Schneitzhofer, 1837 osv.). Blandt hendes studerende og de mest berømte kunstnere: E. A. Sankovskaya, T. I. Glushkovskaya, D. S. Lopukhin, A. I. Voronin-Ivanov, I. N. Nikitin. Af særlig vigtighed var forestillingerne i 1850'erne af den østrigske danser F. Elsler, som takket være repertoiret indeholdt balletterne fra J. J. Perrault (Esmeralda af C. Pugni osv.).

Siden midten af \u200b\u200bdet 19. århundrede begyndte romantiske balletter at miste deres betydning, på trods af det faktum, at troppen bevarede kunstnerne, der strækkede sig mod dem: P.P. Lebedeva, O.N. Nikolaeva, og A.I.Sobeshanskaya i 1870'erne. I 1860-90'erne ved Bolshoi Theatre erstattede flere koreografer troppen eller iscenesatte separate forestillinger. I årene 1861-63 arbejdede K. Blasis, der kun fik berømmelse som lærer. Det mest repertoire i 1860'erne var balletterne af A. Saint-Leon, der overførte Pugnyi "pukkelhest" fra Skt. Petersborg (1866). En betydelig præstation var Don Quixote af L. Minkus, iscenesat af M. I. Petipa i 1869. I 1867-69 udførte han adskillige produktioner af S.P. Sokolov ("Fern eller nat på Ivan Kupala" af Yu. G. Gerber m.fl.). I 1877 blev den kendte koreograf V. Reisinger, der kom fra Tyskland, direktør for den første (mislykkede) udgave af Swan Lake af P. I. Tchaikovsky. I 1880-90'erne var koreografer på Bolshoi Theatre J. Hansen, H. Mendes, A.N. Bogdanov, I.N. Khlyustin. Ved udgangen af \u200b\u200bdet 19. århundrede, trods tilstedeværelsen af \u200b\u200bstærke dansere i troppen (L. N. Geiten, L. A. Roslavleva, N. F. Manokhin, N. P. Domashyov), var Bolshoi-balletten i krise: der var endda et spørgsmål om likvidationen af \u200b\u200btroppen , i 1882, halveret. Årsagen hertil var til dels en smule opmærksomhed på troppen (dengang betragtet som provinsiel) af direktoratet for de kejserlige teatre, talentfulde ledere, der ignorerede traditionerne i Moskva-ballet, hvis fornyelse blev mulig i en periode med reformer i russisk kunst i det tidlige 20. århundrede.

I 1902 blev A. Bolshoi ballettropp ledet af A. A. Gorsky. Hans aktiviteter bidrog til genoplivning og storhedstid af Bolshoi-balletten. Koreografen forsøgte at mætte forestillingerne med dramatisk indhold, han opnåede handlingens logik og harmoni, nøjagtigheden af \u200b\u200bnational farve, historisk ægthed. De bedste originale produktioner af Gorsky var "Datteren af \u200b\u200bGudula" af A. Yu. Simon (1902), "Salambo" af A. F. Arends (1910), "Kærlighed er hurtig!" Musikken til E. Grieg (1913) var af stor betydning også ændringer af klassiske balletter (Don Quixote af L. Minkus, Swan Lake af P. I. Tchaikovsky, Giselle af A. Adan). Gorskys ligesindede mennesker var de førende dansere af teatret M. M. Mordkin, V. A. Caralli, A. M. Balashov, S. V. Fedorov, E. V. Geltser og V. D. Tikhomirov, dansere A. E arbejdede også med ham Volinin, L. L. Novikov, mimemestre V. A. Ryabtsev, I. E. Sidorov.

1920'erne i Rusland var en tid med søgning efter nye former i alle former for kunst, inklusive dans. Imidlertid blev innovative koreografer sjældent optaget i Bolshoi Theatre. I 1925 satte K. Ya. Goleizovsky på scenen i Bolshoi Theatre-gren balletten “Joseph the Beautiful” S. N. Vasilenko, der indeholdt mange nyskabelser i udvælgelsen og kombinationen af \u200b\u200bdansebevægelser og gruppebygning med det konstruktivistiske design af B. R. Erdman. Produktionen af \u200b\u200bV. D. Tikhomirov og L. A. Lashchilin "Red Poppy" til musikken fra R. M. Glier (1927), hvor det aktuelle indhold var klædt i en traditionel form (ballet "drøm", det kanoniske de de, ekstravaganza-elementer).

Siden slutningen af \u200b\u200b1920'erne er rollen som Bolshoi Theatre - nu hovedstadens "hovedteater" i landet vokset. I 1930'erne blev koreografer, lærere og kunstnere overført her fra Leningrad. M.T.Semyonova og A.N. Ermolaev blev førende kunstnere sammen med Muscovites O. V. Lepeshinskaya, A. M. Messerer, M. M. Gabovich. Repertoiret omfattede balletterne The Flames of Paris af V.I. Vainonen og Bakhchisarai-fontænen af \u200b\u200bR.V. Zakharov (begge til musik af B.V. Asafiev), Romeo og Juliet af S. S. Prokofiev instrueret af L. M Lavrovsky, overført til Moskva i 1946, da G. S. Ulanova flyttede til Bolshoi Theatre. Fra 1930'erne til midten af \u200b\u200b1950'erne var den vigtigste tendens i udviklingen af \u200b\u200bballet dens tilnærmelse til realistisk drama teater. I midten af \u200b\u200b1950'erne var den dramatiske balletgenre forældet. En gruppe af unge koreografer, der stræbte efter forandring, dukkede op. I begyndelsen af \u200b\u200b1960'erne iscenesatte N. D. Kasatkina og V. Yu. Vasilev en-aktions balletter på Bolshoi Theatre ("Geologer" af N. N. Karetnikov, 1964; "Sacred Spring" af I. F. Stravinsky, 1965). Forestillingerne fra Yu. N. Grigorovich blev et nyt ord. Blandt hans innovative produktioner skabt i samarbejde med S. B. Virsaladze: "Stenblomst" af Prokofiev (1959), "The Legend of Love" af A. D. Melikov (1965), "The Nutcracker" af Tchaikovsky (1966), " Spartak ”af A. I. Khachaturian (1968),“ Ivan den frygtelige ”til musikken fra Prokofiev (1975). Disse store, dramatiske forestillinger med store massescener krævede en særlig udførelsesstil - udtryksfuld, undertiden storslået. I 1960-1970'erne var de førende kunstnere i Bolshoi Theatre permanente kunstnere i balletterne fra Grigorovich: M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, M. V. Kondratyev, N. V. Timofeeva, E. S. Maximova, V. V. Vasiliev, N. I. Bessmertnova, N. B. Fadeechev, M. Liepa, M. L. Lavrovsky, Yu. K. Vladimirov, A. B. Godunov og andre. Siden slutningen af \u200b\u200b1950'erne begyndte Bolsjoi-balletten optræder regelmæssigt i udlandet, hvor han fik den største popularitet. De næste to årtier - Bolshoi-teaternes storhedstid, rig på lyse personligheder, der demonstrerer over hele verden dens iscenesættelse og udøvende stil, der fokuserede på et bredt og desuden internationalt publikum. Overvejelsen af \u200b\u200bproduktioner af Grigorovich førte imidlertid til repertoireets ensartethed. Gamle balletter og forestillinger fra andre koreografer blev fremført mindre og mindre, de komedieballetter, der tidligere var traditionelle for Moskva, forsvandt fra scenen i Bolshoi Theatre. Truppen ophørte med at have brug for både karakteristiske dansere og efterligninger. I 1982 iscenesatte Grigorovich ved Bolshoi Theatre sin sidste originale ballet - The Golden Age af D. D. Shostakovich. Separate forestillinger blev iscenesat af V. Vasiliev, M. Plisetskaya, V. Bokkadoro, R. Petit. I 1991 omfattede repertoiret den fortabte ballet Prokofiev instrueret af J. Balanchine. Indtil midten af \u200b\u200b1990'erne var repertoiret næsten ikke beriget. Blandt forestillingerne, der blev iscenesat i slutningen af \u200b\u200bdet 20. og 21. århundrede: "Swan Lake" af Tchaikovsky (1996, produktion af V.V. Vasiliev; 2001, produktion af Grigorovich), "Giselle" af A. Adan (1997, produktion af Vasiliev), "Daughter Farao ”af C. Punyi (2000, iscenesat af P. Lacotte baseret på Petipa),“ Dronningen af \u200b\u200bsparene ”til musikken fra Tchaikovsky (2001) og“ Notre Dame de Paris ”M. Jarre (2003; begge er koreografer Petit),“ Romeo og Juliet ”af Prokofiev (2003, koreograf R. Poklitaru, instruktør D. Donnellan),“ En midtsommernatts drøm ”til musikken fra F. Mendelssohn og D. Ligety (2004, koreograf J. Neumeier), Shining Stream (2003) og Bolt (2005) af Shostakovich (koreograf A.O. Ratmansky), samt balletter med én akt af J. Balanchine, L.F. Myasin m.fl. Blandt de førende dansere 1990- 2000'erne: N. G. Ananiashvili, M. A. Alexandrova, A. A. Antonicheva, D. V. Belogolovtsev, N. A. Gracheva, S. Yu. Zakharova, D. K. Gudanov, Yu. V Klevtsov, S. A. Lunkin, M. V. Peretokin, I. A. Petrova, G. O. Stepanenko, A. I. Uvarov, S. Yu. Filin, N. M. Tsiskaridze.

E. Ya. Surits.

Lit .: Pogozhev V. 100-års jubilæum for organiseringen af \u200b\u200bde kejserlige Moskva-teatre: I 3 bog. Skt. Petersborg, 1906-1908; Pokrovskaya 3. K. Arkitekt O. I. Bove. M., 1964; Zarubin V.I. Bolshoi Theatre - Bolshoi Theatre: De første produktioner af operaer på den russiske scene. 1825-1993. M., 1994; det er han. Bolshoi Theatre - Bolshoi Theatre: Første balletpræstationer på den russiske scene. 1825-1997. M., 1998; "Betjeningen af \u200b\u200bmuserne ...". Pushkin og Bolshoi Theatre. M .; Fedorov V.V. Repertoire fra Bolshoi-teatret i USSR 1776-1955: I 2 bind N.Y., 2001; Berezkin V. I. Kunstnere af Bolshoi-teatret: [2 bind.]. M., 2001.

Dansen fra Sofia Golovkina afspejlede som ingen anden epoken.
Foto af Andrey Nikolsky (NG-foto)

Sofya Nikolaevna Golovkina var en af \u200b\u200bballetdanserne i det stalinistiske udkast. Hun har optrådt på scenen i Bolshoi Theatre siden 1933, danset hoveddelene i mange klassiske forestillinger og ”realistisk” drama-ballet og lavet en fremragende karriere på og uden for scenen.

Måske havde vi ikke en balletskuespiller, hvis dans så bogstaveligt talt afspejlede æraen. Golovkinas bidrag til scenekunst er et galleri af selvsikre kvinder med jernnerver og stærke ben. Hendes heltinde er en rollebesætning fra en gennemsnitlig pige fra datidens "avancerede ungdom". Golovkinas scenekarakterer, luftige eller fabelagtig betingede på grund af plotets omstændigheder, men altid jordiske i udseende og dansestil, forbinder elitekunsten i klassisk ballet tæt med sovjetisk hverdag. Den fortryllede Odette, den høflige Raymond eller den forretningsmæssige Svanilda udført af Golovkina lignede subtile energiske arbejdsklasser og atleter, og hendes "fatale" Odile var kvindekommissær fra den optimistiske tragedie.

Siden 1960 har Golovkins kommissærgreb kørt Moskets ballettskole i fyrre år. Med hende modtog den koreografiske skole en ny, specialbygget bygning, blev omdannet til Akademiet for koreografi, akademiets studerende begyndte at modtage højere uddannelse. Sagnet omfattede rektorens evne til at slå fordele ud for skolen på grund af hendes evne til at komme sammen med partiets og statsledere gennem alle tider og undervise deres døtre og barnebødre prestigefyldt klassisk dans. I de sidste år af dens ledelse har Moskva Balletakademi afvige så meget som muligt fra den forrige status på skolen ved Bolshoi-teatret, fordi Sofya Nikolaevna, der kom godt overens med Yuri Grigorovich, ikke kom sammen med sine efterfølgere som leder af Bolshoi-balletten.

I perestroika blev Golovkinas ubehagelighed rystet, og i de senere år blev instruktørens karriere hårdt kritiseret, beskyldt for at sænke uddannelsesniveauet for dansere ved Moskva-akademiet. Men kritik påvirkede ikke den almægtige direktørs position. På tidspunktet for afslutningen af \u200b\u200bSophia Nikolaevnas lange regeringstid (hun lod sig overtale - og 85 år gammel gik hun ind i stillingen som æresrektor) Golovkina holdt tøjlerne lige så fast som i sin ungdom.

Autokratisk autokrati er nøglen til hendes resultater og hendes fiaskoer. Under Golovkina så tid ud i en balletskole til at fryse. Men i hendes æra, mange begavede klassiske dansere dimitterede fra skolen, de arbejder i dag i mange tropper i Rusland og i udlandet. Når vi taler om mærket "Moskva-ballet" (det vigtigste i dans er teknikken, men sjælen er åben), vil ballethistorikere altid nævne navnet på Professor Golovkina.

Oleg   Dikun:   Spørgsmålet om, hvorvidt han skal tilslutte sig BRYU eller ikke, er hver unge mand. Men organisering er en platform for unge mennesker, hvor du kan bevise dig selv. Hvis en person ikke er konfigureret til aktivt arbejde, er han i princippet ikke interesseret i noget, vil han sandsynligvis ikke finde sig i organisationen. Men hvis en person har specifikke projekter, ideer, eller han føler potentialet i sig selv, vil organisationen helt sikkert hjælpe ham med at åbne op.

Det ser ud til, at der er for mange aktivitetslinjer for organisationen. De er for enhver smag. Dette er kulturelle projekter og uddannelsesmæssigt og bevægelse af studentgrupper (vi hjælper børn med at finde job), og ungdomslovgivningsbevægelsen, frivilligt arbejde, arbejde på Internettet - det vil sige, der er nok retninger til alle, så vi venter på alle i vores organisation. Jeg er sikker på, at enhver ung mand kan finde et sted for sig selv her. Det vigtigste er, at fyrene ikke skal være genert, komme til vores organisationer, tilbyde ideer, og vi vil bestemt støtte. I dag er vores organisations politik at støtte ideer fra enhver ung i det omfang organisationen kan gøre dette.

Vi har en masse projekter, der gennemføres på republikansk niveau, men det var fyrene, der indledte dem. Projektet, der for nylig begyndte at blive implementeret - "PapaZal" kom til os fra en familie i Gomel-regionen. Det handler om fars fars deltagelse i opdragelse af børn. Dads kommer med børn til sportshaller og går i sportsgrene med dem, hvorved der indbringes deres børn en kærlighed til fysisk træning og fremmer en sund livsstil. Desværre kan vores fars ofte ikke bruge tid nok på børn, fordi de arbejder og forsørger deres familier - dette er den vigtigste ting for en mand. PapaZal giver dem mulighed for at tilbringe mere tid med børn.

Alexander   Goncharova:   Og også som et plus, at min mor på dette tidspunkt kan slappe af lidt og tage sig tid til sig selv.

Jeg vil tilføje. Oleg sagde ikke om den retning, vi i øjeblikket udvikler meget - dette er internationalt samarbejde. Vores organisation giver mulighed for at kommunikere med børn fra forskellige lande, samles på nogle internationale platforme, begivenheder. Når du er medlem af den hviderussiske republikanske ungdomsunion, kan du også besøge internationale fora og deltage i interessante programmer.

Hvor mange mennesker er nu medlemmer af Ungdomsforbundet? Er der en alderskompetence, eller kan du være en del af BRYU for livet?

Oleg Dikun:   Hver femte unge mand i landet er medlem af den hviderussiske republikanske ungdomsunion, og vi er bestemt stolte af det. Det betyder ikke, at vi jager mængde. Vi prøver at organisere og gennemføre kvalitetsbegivenheder, så folk kommer til os. Og kvaliteten går ind i mængde.

Jeg har en idé til at forbedre min hjemby. Hvor kan jeg gå?

Oleg   Dikun: Naturligvis er organisationen engageret i denne retning. For at hjælpe dig (f.eks. Ønsker du at oprette et websted eller bare organisere folk på en arbejdsdag i samfundet for at forbedre din hjemby, og du ikke har nok udstyr eller har brug for teknisk assistance), kan du kontakte den regionale eller byorganisation af den hviderussiske republikanske ungdomsunion. Jeg er sikker på, at de ikke vil nægte dig, fordi vi skal gøre de steder, hvor vi bor, renere og bedre. Derudover har vi året for det lille hjemland, så vi opfordrer alle til at deltage i og deltage i forbedringen af \u200b\u200bderes byer og landsbyer.

Alexander   Goncharova:   Du kan gå til afsnittet "Kontakter" på webstedet brsm.by, finde en regional organisation af byen Orsha og anvende der med alle ideer, ikke kun om forbedring af byen.

Oleg   Dikun:   Jeg vil også gerne tilføje, at vi er bredt repræsenteret på sociale netværk. Hvis du ikke vil gå til webstedet, er vi på Instagram, VKontakte, kig efter os der.

Jeg hørte om din ansøgning "Stem!" Fortæl os, hvorfor det blev udviklet, og hvordan? Hvor sikker vil min enhed være, hvis jeg installerer den?

Alexander   Goncharova:   Ansøgningen blev ikke udviklet i år, den blev forberedt af vores aktivister til valget til de lokale råd, der blev tilføjet en tilføjelse, og nu tilbød vores udviklere fra den primære organisation af BSUIR den til alle til download. Programmet giver dig mulighed for at indtaste din adresse og finde ud af, hvordan du kommer til valglokalet, få rutevejledning til fods, med transport eller på cykel, og vigtigst af alt - finde ud af om kandidater, der kører til den 7. indkaldelse af Nationalforsamlingen i Republikken Hviderusland.

Oleg   Dikun:   Den vigtigste opgave med ansøgningen var at finde ud af om valget lettere, hurtigere. Unge mennesker er nu meget mobile, mobile. De samme oplysninger, som CEC vil sende på tribunen, vil blive givet i appen. Så der er ingen grund til at spilde tid på valglokalet, vi opfordrer alle til at installere applikationen “Stem!”, Den er i App Store og Play Market.

Anker: Hvad med sikkerhed?

Alexander   Goncharova:   Der var ingen klager. Det blev udviklet af fagfolk, vores IT-universitetsstuderende, så jeg troede, de tog sig af sikkerhed.

Oleg   Dikun:   Ansøgningen er også tilgængelig på CECs websted, hvis du ikke har tillid til os, skal CEC, alt blev kontrolleret der for sikker.

BRSM holder sig ajour, og jeg hører konstant, at du udvikler og tænker applikationer. Hvorfor er der sådan en vægt på denne retning, hvad er effektiviteten? Det ser ud til, at få mennesker tilstopper deres telefon med forskellige applikationer?

Oleg   Dikun: I dag arbejder vi aktivt med oprettelsen af \u200b\u200bBRSM-applikationen. Du kan se, hvad organisationen laver, hurtigt modtage oplysninger om vores projekter, og du kan kontakte os. I dag ønsker unge mennesker at modtage information på den mest bekvemme måde, og vi mener, at applikationen er den mest bekvemme. Jeg downloadede, logget ind, modtog en meddelelse om, at sådan en sådan begivenhed finder sted i din by i dag.

Hvor mange projekter har fundet deres praktiske anvendelse og er blevet implementeret ud af ”100 ideer til Hviderusland”?

Oleg   Dikun:   Projektet "100 ideer til Hviderusland" er allerede 8 år gammelt. Projektet er under udvikling, og i dag kan jeg med stolthed sige: det dækker alle regioner. Nu gennemgår vi zonale faser, efter dem - de regionale og Minsk bystadier. Vi planlægger, at der i februar vil være en republikansk. Først og fremmest er dette en platform, så fyre kan vise deres projekter, arbejde med mentorer, der vil fortælle dem, hvor, hvad og hvordan de kan forbedre sig. Og dette giver unge mennesker mulighed for at nå et nyt niveau og forbedre deres projekt.

10 vindere af den republikanske scene får muligheden for at udvikle en forretningsplan gratis. Tilstedeværelsen af \u200b\u200ben forretningsplan giver automatisk deltagelse i konkurrencen om innovative projekter. Vinderne af konkurrencen om innovationsprojekter modtager den første finansiering til gennemførelsen af \u200b\u200bderes projekter. Det er vanskeligt at sige, hvor mange projekter, der hidtil er blevet implementeret, fordi der var mange regionale projekter. Et af de mest markante nylige eksempler er håndprotesen, der blev udviklet af Maxim Kiryanov. Der er mange sådanne fyre, og hvert år er der endnu flere af dem, som vi er glade for. Derfor udvikler vi "100 ideer til Hviderusland", gør dem mere mobile, så de er mere interessante for unge mennesker.

Alexander   Goncharova:   En anden stjerne i vores organisation er en ung mor, hun erobrede selv vulkanernes toppe og udviklede en sorbent med et meget vanskeligt navn. Og hun har allerede to patenter som ung videnskabsmand. Der er en masse lyse stjerner i BRSM!

Oleg   Dikun:   Jo flere fyre erklærer om sig selv og deres projekter på forskellige steder, herunder ”100 ideer til Hviderusland”, jo flere muligheder er der for at finde en investor, sponsor, der vil investere i deres implementering.

Vores ungdom er aktiv og proaktiv. Og hvordan oplever du dette manifesterer sig i politiske kampagner? Hvilke initiativer har den hviderussiske republikanske ungdomsunion?

Alexander Goncharov: Vi har et spil med samme navn. Vi er ikke et politisk parti, men vi har en meget aktiv holdning. Der er fyre, der på forskellige niveauer deltager i sammensætningen af \u200b\u200bde valgte valgkommissioner som observatører (på dagene med tidlig afstemning og den 17. november vil de overvåge valglokalerne). Der er kandidater til stedfortrædere - medlemmer af vores organisation. Vi er meget aktive i denne kampagne og ikke kun i denne kampagne.

Oleg Dikun:   I dag støtter vi 10 af vores unge kandidater. I går samlet vi dem alle på det samme sted, hvor de diskuterede, hvad de skulle til Repræsentanternes Hus, hvilke projekter de gerne ville gennemføre, hvilke ideer de havde, hvad folket sagde til dem under indsamlingen af \u200b\u200bunderskrifter og møder. Vi samler al information fra vælgerne og ser efter muligheder for at løse folks problemer. Selvom vores fyre vil bestå eller ej, håber vi virkelig, at befolkningen vil støtte de unge kandidater.

Presentator: Hvor aktivt reagerer medlemmer af din organisation på sådanne begivenheder som for eksempel en valgkamp?

Alexander Goncharov:   Hver lørdag i store byer afholder vi ungdomskampagner, hvor vi fortæller dig, hvornår valget afholdes, hvordan man finder din side, introducer beboerne til vores ansøgning "Stem!".

I Gomel blev initiativet "Borgernes alfabet" udviklet, når du kan prøve parlamentarikernes rolle. Fyrene selv udarbejder regninger, sender dem til revision. Vi arbejder således ikke kun med unge mennesker, der allerede har stemmeret, men med dem, der vil stemme om et år eller to. Der arbejdes meget med informationsarbejdet med fyrene.

Måske forventes spørgsmålet, men stadig. Internet, sociale netværk - der er mange unge mennesker og meget tvetydig information. Fortæl os om denne retning. Hvordan arbejder du på Internettet, er det nødvendigt? Der er måske nogle slags informationsseminarer, fordi børn skal undervises i denne strøm for at vælge det nødvendige og nyttige og ikke strømmen med forfalskninger.

Oleg Dikun: Dette er et hårdt spørgsmål. I dag er hele menneskehedens problem. En masse cybersecurity-konferencer finder sted. Vi kan sige, at Internettet er gavnligt og negativt på samme tid. Vi arbejder aktivt på Internettet, og det er selvfølgelig nødvendigt, fordi alle unge er online, og derfor er vi nødt til at levere information på enhver måde, der er praktisk for dem. Vi er på sociale netværk, VKontakte-grupper er oprettet, og alle vores regionale organisationer har Instagram og Facebook. Vi arbejder i instant messengers - Telegram, Viber. Vi tænker på programmer, som måske på en legende måde informerer fyrene om, hvad der er godt og hvad der er dårligt. Vi vil være glade for alle forslag og initiativer, for i virkeligheden er dette et ømt punkt.

Er det værd at forbyde Internettet, blev for nylig statsoverhovedet stillet et sådant spørgsmål. Efter min mening er det ikke det værd, fordi forbuddet skaber interesse. Du skal bare præsentere informationerne korrekt og fortælle, hvad der er nyttigt, og hvordan man får dem på Internettet. Nå, ingen har annulleret forældrekontrol, du skal være interesseret i hvad børn gør på sociale netværk, hvilke websteder de besøger.

Alexander Goncharov:   Da vi diskuterede, hvordan vi fjerner fyre fra Internettet, kom vi til den konklusion, at intet. Og så er spørgsmålet, hvordan vi vil mætte dette informationsfelt, hvor de kommunikerer. Nu er mange projekter for pionerer og endda for oktober placeret på vores platform. Jeg praler straks med, at vores ressource blev tildelt TIBO-2019-prisen som det bedste sted for børn og unge. Vi har mange projekter takket være hvilke fyre lærer at finde information, bruge dem korrekt og bruge tid positivt på Internettet. I vores Votchina Bai-projekt opretter børn QR-koder for en eller to gange. Vi forsøger at udfylde dette informationsfelt med nyttige og interessante oplysninger.

Fortæl os om projektet "Åben dialog". Med hvem, hvordan og hvorfor er denne dialog?

Alexander   Goncharova:   Dette er en af \u200b\u200bde kommunikationsplatforme, som den hviderussiske republikanske ungdomsunion har arrangeret i flere år, vi inviterer eksperter der, og unge mennesker kan åbent tale om forskellige emner med regeringsembedsmænd, atleter, berømte mennesker og diskutere problemer, der vedrører den yngre generation. Nu har vi åbnet en række dialoger under det generelle navn "Hviderusland og mig", som er dedikeret til valgkampagnen. Dette projekt er implementeret i lang tid og med succes.

Oleg   Dikun: Det er vigtigt at afklare, hvorfor "Hviderusland og jeg". Alle siger, at staten ikke gav os det, ikke gjorde det, staten er dårlig. Vi tænkte og besluttede at diskutere emnet: "Hvad staten har gjort for ungdommen, og hvad ungdommen har gjort for staten." Hvad personligt hver af os gav til staten eller planer om at give, hvilke ideer og projekter der er. Det er let at kritisere, og du tilbyder noget. Hvis du har ideer, forslag, er vi altid klar til dialog.

Hvordan fandt du dig personligt i den hviderussiske republikanske ungdomsunion? Beklager du, hvor svært det er at være aktiv og leder, og hvad har det givet dig?

Oleg Dikun:   Jeg kom til organisationen, fordi jeg havde en god lærer-arrangør på skolen, der formåede at fange mig med forskellige aktivitetsområder, herunder Ungdomsforbundet. Vi deltog aktivt i kulturelle programmer, konkurrencer, og som belønning fik vi profilskiftet fra den hviderussiske republikanske ungdomsunion i Zubrenok, hvor vi specifikt blev bekendt med, hvad organisationen laver. CC-sekretærer kom til at erstatte dem, for mig var de næsten guder. Jeg så, lyttede, beundrede og tænkte, så travle mennesker, så alvorlige. Jeg begyndte på mit aktive arbejde i skolen, gik derefter på universitetet, hvor jeg med tiden blev sekretær for fakultetet, derefter sekretær for universitetets primære organisation. I dag arbejder jeg i centralkomitéen for den hviderussiske republikanske ungdomsunion. Er det vanskeligt? Det er ikke let, men når du implementerer et projekt, og det er ved færdiggørelsesfasen, får du et brummer fra det faktum, at børnenes øjne brænder. Mest af alt kan jeg godt lide at støtte og hjælpe med at realisere fyreens ideer. Dette er fantastisk!

Alexander Goncharov:   For nogen tid siden var jeg i rollen som den organiserende lærer, der bar børnene med. Der er så mange offentlige foreninger nu, og jeg var nødt til at involvere fyre i denne aktivitet. Jeg var ikke enig med noget i ungdomsorganisationernes arbejde, og derfor spillede ønsket om at ændre dette og gøre organisationen bedre i mig. Når fyrene begynder at hænge ud i værelserne hos offentlige foreninger - forstår du, at de har brug for det ... Er det svært - er det svært. Men svaret, som du får hver gang efter begivenheder og projekter, overbeviser dig om rigtigheden af \u200b\u200bdet, jeg gør. Og vigtigst af alt - jeg får det fra mit eget barn. Dette er den sejeste ting, når fyrene har øjne, der brænder, vil jeg gøre organisationen bedre, og jeg håber, at vi lykkes. Og vi stopper ikke der.

Den mest berømte kærlighedstrekant i verdensopera-scenen: den livsfarlige skønhed, den forelskede soldat og den strålende tyrefægter - vender tilbage til Bolshoi-teatret. For et år siden, da Carmen blev givet her for sidste gang, skyndte teateradministrationen at forsikre offentligheden om, at der ikke var nogen grund til at få panik, ville den legendariske opera bestemt ikke ligge i hylderne. De holdt ordet: den opdaterede Carmen optrådte som planlagt på plakaten på meget kort tid. Det tog operaselskabet og instruktøren Galina Galkovskaya tre måneder at sætte den spanske smag i stand og gøre Bizets mesterværk til en ferieforestilling. Premiere-datoen er allerede kendt: kunstnere uden for tiden om kærlighed og frihed vil igen spille på Bolshoi-scenen den 14. juni. Musikalsk nedsænkning i omskiftelserne i kærlighedstrekanten denne sommeraften sikres af dirigentens stav af maestro Andrei Galanov.

Galina Galkovskaya

"Carmen" til vores opera er en spektakulær forestilling uden overdrivelse. Det var med ham i 1933, at Bolshoi-teaternes historie begyndte. Produktionens succes blev ikke mindst leveret af den legendariske Larisa Aleksandrovskaya - den første Carmen fra den hviderussiske opera. Styrens popularitet, siger de, var simpelthen fantastisk - det gik næsten hver aften. For øvrig oplevede mesterværket af Georges Bizet kun en fuldstændig fiasko - i 1875 under den første produktion. Premiere på operaen sluttede med en skandale, som dog ikke forhindrede Carmen i at blive efter de mange årtier måske det mest populære musikalske drama. Siden da har instruktørerne hørt fast: ”Carmen” på scenen er en næsten hundrede procent garanti for tilskuerglæde.

Direktøren for den nuværende ottende i træk produktion Galina Galkovskaya nægtede at eksperimentere og revolutionere på scenen. Handlingen med innovation blev heller ikke rørt:

- For at operaen skal kunne leve i mere end et år, må atmosfæren i den spanske Sevilla gættes meget nøjagtigt. Jeg besluttede at gøre den nye version sådan, at det ægte Spanien dukkede op for publikum. Det er vigtigt for mig at dyppe folk ind i den historie og fange dem. Ved du, at spanierne har næsten tre tusind helligdage i kalenderen fra oktober til maj? Det vil sige, dette er mennesker, der ved, hvordan man hver dag bliver en begivenhed. Derfor kræver jeg fra hver kunstner - fra solister til koret - scenen smil, følelser, temperament.

Udøver af rollen som Escamillo Stanislav Trifonov står for naturlighed og absolut fordybelse i spanske lidenskaber:

- ”Carmen” er en af \u200b\u200bde få produktioner efter min mening, som kun vil miste fra et forsøg på at fortynde det med eksperimenter og moderne. Tilskuere går til denne forestilling af hensyn til atmosfære, farve. De har ikke brug for Carmen i et badehåndklæde.

De unikke kostumer til operaen Carmen fra 1933, hvor prima Alexandrovskaya optrådte på scenen, er desværre ikke bevaret. Nu stopper arbejdet i sybutikker ikke engang i weekenden. 270 farverige kjoler og 100 håndlavede tilbehør - for at skabe en historisk stil, siger de i teaterværkstedet, betyder dette ikke at kopiere kostumerne direkte fra bogen. Det er vigtigt at have en god smag, vær opmærksom på mange detaljer. En anden idé med instruktøren er produktets farveskema. Rødt, sort og guld er de tre primære farver i kulisser og kostumer. Denne gang er kunstneren fra Finland Anna Kontek ansvarlig for tøjet til hovedpersonerne, kendt for publikum fra den seneste udgave af Verdi-operaen Rigoletto. Se efter lette måder, som Kontek ikke er vant til. Det tog flere dage for mestrene i Bolshoi Theatre kun at skabe et bateau-nederdel til hovedpersonen. Vægten af \u200b\u200bden farverige ”hale” er solid: At synge og danse flamenco på samme tid, siger en af \u200b\u200budøverne af rollen som Carmen Kriskentia Stasenko, er meget vanskelig:

- Dans med et bateau-nederdel er en speciel teknik, som professionelle dansere bliver til en rigtig test. Efter repetitioner har vi ikke brug for noget gymnastiksal. Flere af disse danser - og armmusklene pumpes ikke op værre end atleter.

Kunsten at smukke dans Galkovskaya tvang til at lære ikke kun den fremtidige Carmen, men også kunstnerne af koret. De nægtede tjenester fra balletlærere - teatret inviterede Elena Alipchenko, en professionel flamenco-lærer ved en af \u200b\u200bMinsk-skolerne, til koreografiske mesterklasser. Hun lærte også kunstnerne det grundlæggende i Sevilla - en dans, der sammen med flamenco bedst afspejler det spanske folks ånd. Galina Galkovskaya minder om:

- ”Carmen” er den første forestilling, hvor koret ikke kun synger, men også danser. Det var min tilstand. Først blev pigerne bange, begyndte at benægte: de siger, intet vil fungere for os. Og så blev de så involverede, at de begyndte at bede om yderligere klasser. Og ved du hvad jeg har bemærket? Når flamenco ballet danser, ser det ud som en form for teatralitet. Dette er en folkedans, derfor udført af ikke-professionelle dansere ser den mere naturlig og organisk ud.

Men Galkovskaya nægtede kategorisk at spille castanets:

- Jeg ønskede ikke en tom efterligning. Jeg er for enkelhed og maksimal naturlighed. For at kunne håndtere castanets korrekt har du brug for en vis færdighed, som vi desværre ikke længere har tid til at lære.

Et andet ekstraordinært tegn på Carmen - den røde roset - blev ikke taget væk fra kunstnerne til glæde for publikum. Det er stadig ukendt, hvilken mezzosopran, der vil være den første, der kommer ind i scenen med en blomst i sit hår. Tiden til at synge om kærlighed kommer om aftenen den 14. juni. Gå ikke glip af premieren.

BY VEJEN

Til ære for operaens vigtigste heltinde udnævnes asteroiden Carmen, opdaget i 1905.

[beskyttet via e-mail]webstedet