Hvor er den berømte impressionistiske maler Claude Monets hus og have. Vi vil fortælle dig om, hvordan du kommer til Claude Monets hus, om liljeblomstringen, hvad du skal se i Giverny, og hvornår er det bedste tidspunkt at tage dertil. For at undgå at spilde tid i køer og problemer med transport, kan du i øvrigt købe en tur til Giverny direkte fra Paris ved at bruge dette link (tæl dine transportomkostninger og billetter, og du vil forstå, at turen ikke er meget dyrere, kun her er udflugten også inkluderet).

Sådan kommer du til Giverny med tog

Blomstringsplan i Giverny efter årstider

Giverny om foråret

Marts:

I slutningen af ​​marts, med forårets ankomst, dukker de første blomster op i Claude Monets have - det er hyacinter, påskeliljer, stedmoderblomster og kamille. Dette er tidspunktet, hvor Giverny åbner dørene for besøgende.

April:

Kunstnerens have bliver til et sandt paradis. Påskeliljer og tulipaner blomstrer. De får selskab af andre forårsblomster. Desuden blomstrer æble- og kirsebærtræer på dette tidspunkt. I en japansk dam vågner de første forårsblomster blidt ...

Dette er måske den mest blomstrende, men også den mest folkerige måned i Giverny. Tulipaner og forglemmigej, natvioler og valmuer, berømte iris ledsaget af pæoner, eksotiske løg i viol-blå og cremefarvede toner, liljer, hyacinter - de blomstrer alle for besøgende i haven.

Japanske ahorn og århundrede gamle bøge begynder at klæde sig ud i deres forårsløv. Den japanske bro, indhyllet i duftende blåregn, blomstrer og lugter. Alt er som i Monets malerier!

Giverny om sommeren

Juni:

Juni handler om roser og rosenbuske! Og selvfølgelig er hovedbegivenheden udseendet af hvide, gule og lyserøde liljer i den japanske dam.

Juli:

Snapdragon, nelliker, begonier, lyserøde og røde pelargonier blomstrer i Claude Monets have. Solsikker og mallows når deres maksimale højde. I en japansk dam dukker åkander op i al deres storhed.

August:

Dahliaer og vores elskede gladioler blomstrer. Du kan se rød salvie, orange og gule nelliker. Den japanske dam skal renses hver dag. Tidligere var Claude Monet selv ansvarlig for at skære blade og alger af hver morgen, filtrere vand og vedligeholde åkander. Nu er en speciel gartner engageret i dette.

Giverny om efteråret

September:

Mange forskellige varianter af nasturtiums blomstrer, herunder de berømte Lobbas nasturtiums, der giver indtryk af et vandfald, som Claude Monet fandt inspiration i under sit ophold i Italien. Japanese Pond - lyset bliver blødere, reflekserne i vandet bliver mørkere, hvilket understreger alle mulige nuancer af dammen. Efteråret kommer, og åkanderne begynder at svinde hen.

Oktober:

Oktober er en eksplosiv opblomstring af dahliaer, andre blomsters falmning efterfulgt af lilla, blå, røde, lyserøde og hvide asters.

Ved den japanske dam læner sig gul-orange grædende piletræer, og den canadiske ahorn flammer rødt.

Claude Monets have gør sig klar til seng.

Giverny om vinteren

Haven er lukket for besøgende siden november. Han lever dog et fuldt liv. Arbejderne har travlt med at dyrke jorden, plante nye løg, rense dammen - og alt dette, så de besøgende i foråret igen kan nyde Claude Monets smukke have!

Hav en god tur!

Kører du 80 km nord for Paris, kan du komme til den maleriske by Giverny. Denne landsby er berømt for det faktum, at Claude Monet engang var her i treogfyrre år, boede og arbejdede. Efter at have slået sig ned i landsbyen i 1883 blev kunstneren så revet med af havearbejde, at der på hans lærreder næsten ikke var andet end udsigt til hans elskede have og en valmuemark, som ligger i udkanten af ​​landsbyen.

Til at begynde med bestod Monets have kun af området ved siden af ​​huset (ca. 1 hektar). Her skar kunstneren først og fremmest en dyster gyde af graner og cypresser. Men der var høje stubbe tilbage, hvorpå klatreroser senere klatrede. Men snart voksede vinstokkene sig så store, at de lukkede sig og dannede en hvælvet blomstrende tunnel, der førte fra porten til huset.

Naturligvis kollapsede stubbene med tiden, og nu er roserne understøttet af metalstøtter. Dette sted kan ses i mesterens malerier: gydens perspektiv, hvor der til venstre, højre og over er frodige blomster, og på stien under deres sarte gennembrudte skygger.

Grunden foran huset, som var synlig fra vinduerne, blev af kunstneren forvandlet til en blomsterpalet, der blandede og matchede farver. I Monets have er et farverigt, duftende blomstertæppe opdelt af lige stier, som maling i en kasse.

Monet malede blomster og malede med blomster. Som en virkelig talentfuld person var han både en fremragende kunstner og en fremragende landskabsdesigner. Han interesserede sig meget for havearbejde, købte særlige bøger og blade, korresponderede med planteskoler, byttede frø med andre avlere.

Monets kunstnerkolleger besøgte ofte Giverny. Matisse, Cezanne, Renoir, Pissarro og andre har været her. Ved at vide om ejerens passion for blomster, bragte venner ham planter som en gave. Således fik Monet for eksempel trælignende pæoner bragt fra Japan.

På dette tidspunkt bliver Claude Monet berømt. Denne kunstners maleteknik adskiller sig ved, at han ikke blandede maling.

Og han lagde dem side om side eller lagde den ene oven på den anden med separate strøg. Claude Monets liv flyder roligt og behageligt, familien og hans elskede kone er i nærheden, malerierne er godt købte, kunstneren er entusiastisk engageret i det, han elsker.

I 1993 købte Monet et stykke sumpet land ved siden af ​​hans, men på den anden side af jernbanen. En lille bæk flød her. På dette sted skabte kunstneren med støtte fra lokale myndigheder en dam, først lille og efterfølgende forstørret. I reservoiret blev der plantet nymfer af forskellige sorter langs bredderne - grædende piletræer, bambus, iris, rhododendron og roser.

Flere broer er kastet hen over dammen, som har en meget snoet kystlinje. Den mest berømte og største af dem er den japanske bro, sammenflettet med blåregn.

Monet malede det især ofte.

Monets vandhave er slående anderledes end det omkringliggende område, den er gemt bag træer. Du kan kun komme hertil gennem en tunnel lagt under vejen.

Alle, der kommer her, fryser ufrivilligt, holder vejret, ser et mesterværk skabt af den store kunstner, genkender emnerne i hans verdensberømte malerier.

Claude Monet har i 20 år hentet inspiration fra vandhaven. Monet skrev: "... åbenbaringen af ​​min fantastiske, vidunderlige dam kom til mig. Jeg tog en palet, og siden dengang har jeg næsten aldrig haft en anden model."

Først skabte han billeder i naturen, de gav refleksioner i dammens vandoverflade, og derefter overførte kunstneren dem til lærreder. Da han stod op hver dag klokken fem om morgenen, kom han her og malede i al slags vejr og når som helst på året.

Her skabte han over hundrede lærreder. På dette tidspunkt begyndte Monet at miste synet ... Det var mere og mere vanskeligt for ham at skelne og skrive små detaljer. Kunstnerens malerier ændrer sig gradvist. Detaljer og nuancer afløses af store malingsstrøg, der viser lys- og skyggespillet.

Men selv i billeder malet på denne måde, gætter vi umiskendeligt velkendte plots. Udgifterne til malerier fortsætter med at stige ... Claude Monet døde i sit hjem i Giverny i 1926.

Haven blev passet af hans steddatter Blanche. Desværre forfaldt haven under Anden Verdenskrig. I 1966 overdrog kunstnersønnen Michel Monet godset til Kunstakademiet, som straks påbegyndte restaurering af huset og derefter haven. Nu besøges godset i Giverny af en halv million mennesker årligt.

Claude Monet levede et langt og lykkeligt liv. Han formåede at gøre det, han elskede, at kombinere maleri og havearbejde, at leve i overflod. Han var meget glad i sit personlige liv, han elskede og blev elsket. Monet blev berømt i løbet af sin levetid, hvilket er sjældent for kunstnere. Og nu over hele verden er han stadig en af ​​de mest berømte og elskede kunstnere. Og vi er især glade for, at denne fremragende person ikke kun er en stor maler, men også vores kollega og lærer, Master of Landscape Art.

Giverny på Claude Monets lærred

Biografi om Claude Monet (1840-1926)

Claude Oscar Monets uddannelse begyndte i den normanniske by Le Havre, hvor familien flyttede fra Paris i 1845, da den unge Claude kun var fem år gammel. I Le Havre åbnede hans far Claude-Auguste sammen med sin svoger Jacques Lecadre en butik, hvor de solgte skibsudstyr og dagligvarer, mens familien slog sig ned i forstaden Saint-Adresse ved kysten.

Efter at have lært at tegne på egen hånd, fik fjorten-årige Monet betydelig erfaring med at tegne morsomme karikaturer af de mest berømte mennesker i Le Havre. Disse første værker, fyldt med velvillig humor, udført med blyant og kul, tiltrak meget tidligt byens indbyggere opmærksomhed på Mona. Den unge kunstner har et "klientel", alle vil have hans karikatur, og han sælger dem for ti til tyve francs. I denne periode var Monet beskæftiget med at tegne under vejledning af en elev af David Jacques-Francois Haussard, som underviser på kollegiet, hvor han studerer, og stifter bekendtskab med landskabsmaleren Eugene Boudins arbejde, som adskiller sig fra sine samtidige i at han skriver om naturen. Først var Monet ligesom mange andre indbyggere i byen kritisk over for Boudins metode, men efter at have mødt kunstneren personligt sluttede han sig til ham og begyndte også at male under åben himmel - som følge heraf fascinerede naturen ham som maler bl.a. liv.

Kommunikation med Boudin bekræfter den unge Monet i hans vilje til at tage maleriet alvorligt; og hertil er det bedst at flytte til den franske hovedstad, hvor de betydeligste kunstakademier er koncentreret.

Monet havde en intelligent tante, og hun overtalte hans far til at tillade sin søn at forlade familiebutikken i Le Havre og tilbringe et prøveår, 1859, i Paris. For at indsamle de besparelser, der blev genereret som et resultat af salget af tegneserier, tog Monet til Paris, efter at have sikret sig adskillige anbefalingsbreve fra samlere og kunstelskere, som patroniserede Boudin og havde forbindelser med kunstneren Constant Troyon i hovedstaden.

I maj 1859 flyttede Monet til hovedstaden og studerede i nogen tid ved Akademiet i Suisse og kommunikerede med Eugene Delacroix og Gustave Courbet. Samtidig mødte den unge mand Camille Pissarro og med ham besøger han ofte Brassri de Martyre ("Martyrernes værtshus"), hvor realister med Courbet i spidsen samles, og hvor han tilfældigvis også mødes med Baudelaire. Monet besøger de parisiske saloner, besøger Louvre og skriver Boudin lange breve med en detaljeret beretning. På salonerne har han mulighed for at lære og værdsætte Troyons arbejde, en repræsentant for Barbizon School of Landscape Painting, som også omfattede Corot, Rousseau og Daubigny. Monet rådfører sig med Troyon om sit eget maleri, og kunstneren anbefaler, at han melder sig ind i Tom Coutures atelier for at lære at male. Men Monet var fremmed for den akademiske måde at male Couture på, og i modsætning til Troyons råd fortsætter han med at arbejde i værkstederne hos sådanne kunstnere som Arnaud Gaultier, Charles Mongino, Charles Jacques. På dette stadie stifter Monet også bekendtskab med maleri fra naturen Daubigny, hvis udtalte naturalisme så at sige kaster en bro fra Barbizon-skolen til impressionismen.

I efteråret 1860 blev Monet indkaldt til militærtjeneste og sendt til at tjene i Algeriet, hvor han tilbragte to år. Han minder om, at denne periode af hans liv bragte opdagelsen af ​​nye farver og lyseffekter med sig, hvilket afgørende påvirkede dannelsen af ​​hans kunstneriske opfattelse. I slutningen af ​​sit andet år i Algeriet blev han på grund af sygdom sendt tilbage til Frankrig. I Le Havre møder Monet Boudin igen og møder den hollandske kunstner Johann Yonkind, som de straks bliver gode venner med. I slutningen af ​​sommeren, da Monet allerede er tæt på at blive rask, beslutter hans far, der frygter for sin søns helbredstilstand, at betale den, der erstatter ham i militærtjeneste, og indvilliger også i at hjælpe med yderligere maling.

I november 1862 vendte Monet tilbage til Paris, hvor den akademiske kunstner Tulmush efter råd fra en slægtning i nogen tid studerede i atelieret Gleyre, hvor han mødte kunstnerne Renoir, Basil og Sisley, som meget snart blev hans nære venner.

I denne henseende var han stærkt påvirket af Manets arbejde, som udstillede sin "Morgenmad på græsset" på Salon of Les Miserables i 1863. Striden startet af pressen og tilhængere af akademisk kunst i forbindelse med dette maleri, hvor en nøgen ung kvinde er afbildet på baggrund af en storslået skov i selskab med to mænd, der tydeligvis tilhører det moderne borgerlige samfund i påklædning, gav mad til livlige diskussioner blandt unge kunstnere: Monet tog også deres deltagelse. Det var i disse år under heftige debatter i cafeen, at Herbua Manet med sine malerier blev et symbol på maleriets fornyelse og åndelig leder for en gruppe kunstnere, der senere blev kendt som "impressionisterne".

Samtidig maler Monet og hans kollegaer Gleira-kunstnere ofte fra livet i Fontainebleau-skoven, og rejser i sommeren 1864 til Honfleur i selskab med Boudin, Yonkind og Basil og slår sig ned med sidstnævnte i Saint-Simeon, et yndet sted for kunstnere.

I 1865 udstillede han på Salonen for første gang, og hans to havlandskaber er af beskeden succes. Monet tager til Chailly, hvor han slår sig ned i Golden Lion Hotel og arbejder på adskillige skitser til Breakfast on the Grass - alle disse er variationer over temaet for det berømte maleri af Manet, udstillet på Salon of Les Miserables i 1863. Til billedet poserer Basile og Camille Donsieu, som senere blev hans livsledsager. Skitserne vækker stor interesse hos Courbet, som specielt kom til Chailly for at følge processen med fødslen af ​​dette maleri, udført på stedet.

Gustave Courbet og tegneren Honore Daumier var i sandhed idoler for kunstnere langt fra officielt anerkendt maleri. Begges værker - tilstrækkeligt til at minde om Courbets værksted for kunstneren og Daumiers vogn i tredje klasse - chokerede officielle kredse med deres realisme, såvel som valget af emner, der blev betragtet som vulgære og uværdige til at blive afbildet på lærred. Begge stod ved realismens oprindelse - en bevægelse, der ikke blot antog fusion med naturen og friluftslandskabsmaleriet, men også søgen efter ekspressive midler til den kunstneriske legemliggørelse af virkeligheden, hvor hver person, uanset social status, spiller. en rolle. Det er ganske forståeligt, at Monet beundrede Courbet og med interesse studerede hans teknik, især brugen af ​​mørke baggrunde.

I Camille in Green, et fuldlængdeportræt af Monets kæreste, malet i 1866, hylder kunstneren uden tvivl Courbets maleteknik. Det er dette værk, der er udstillet på Salonen i 1866 og modtager gunstige anmeldelser fra kritikere; pressen begynder at tale om ham, og ekkoet af hans succes når Le Havre, hvilket giver ham mulighed for at genvinde sin families respekt. På det tidspunkt arbejder kunstneren i Ville d'Avre, hvor han fra livet maler et stort lærred "Kvinder i haven", for alle fire kvindefigurer udgør én model - Camille. Dette maleri, købt af Basil, blev afvist af Salonens jury i 1867.

Denne tid var meget vanskelig for Monet, som var ekstremt spændt på penge, konstant forfulgt af kreditorer og endda forsøgte at begå selvmord. Kunstneren skal hele tiden bevæge sig fra sted til sted, nu til Le Havre, nu til Saint-Adresse, nu til Paris, hvor han maler vidunderlige bylandskaber. Derefter rejser han igen til Normandiet, til Etretat, hvor han får hjælp af købmanden Godibert, som i troen på ham køber flere malerier og forsyner ham i 1869 med et hus i Saint-Michel de Bougival, en landsby ved bredden af Seine, et par kilometer mod nordvest fra Paris.

Auguste Renoir kommer ofte til Saint-Michel, og kunstnerne begynder at arbejde sammen om de samme emner. På dette stadium bliver naturen et reelt forskningsobjekt. Her, ikke langt fra Paris, mellem Chatou og Bougival, ved bredden af ​​en af ​​Seines grene, finder kunstnere et malerisk hjørne, som er bedst egnet til at studere blænding og refleksioner på vandet - en lille restaurant og et tilstødende badehus , et søndagshvilested for velhavende parisere. Kunstnerens opmærksomhed tiltrækkes primært af flygtige effekter i en konstant skiftende karakter; denne orientering bliver i sig selv Monets kreative credo, som han forbliver tro mod i de efterfølgende år.

Fra deres fælles kreative aktivitet er de berømte typer bade og restauranter, kendt som "The Froggy", født. Dette maleri vidner ligesom terrassen ved Sainte-Adresse malet to år tidligere om den orientalske kunsts indflydelse på Monets maleri, som spredte sig til Frankrig i anden halvdel af århundredet i forbindelse med begyndelsen af ​​indsamlingen af ​​japansk grafik. I japansk kunst opdagede Monet og hans samtidige lovende nye muligheder for at gengive den omgivende verden i harmoni med "atmosfærens sans".

Det er på baggrund af Monets maleri, at man mest frugtbart kan udforske alle kompleksiteten i forholdet mellem impressionisme og japansk indflydelse. Hele sit liv var han en passioneret beundrer af japansk kunst. Det blev sagt, at japanske fans hang på væggene i hans hus i Argenteuil, da han boede der i 70'erne; hans sidste hus, i Giverny, rummer stadig en omfattende samling af japanske tryk, samlet af ham gennem årene; og i 1892 skrev Edmond de Goncourt i sin dagbog, at han ofte mødte Monet på Galeries Bint, et center for handel med orientalske værker.

I japanske træsnit opdagede han kompositoriske effekter, som er opnået ved skarp forkortning og dramatisk rammetrimning af kompositionen. I sine faldende år sagde han til hertugen de Trevisu: "Hos de japanske kunstnere satte vi i Vesten først og fremmest pris på det mod, hvormed de rammer deres emner. Disse mennesker lærte os en ny komposition. Det er der ingen tvivl om." Hans arbejde hører virkelig til en ny type komposition. I 1867 malede han The Terrace at Sainte-Adresse, som han kaldte sit "kinesiske flagmaleri". Dette er en virkelig slående sammensætning - fra en overhead-vinkel og uden noget center. Det brede hav er oversået med sejlskibe i alle størrelser - der er omkring tredive af dem; sammen med en stribe himmel opdelt i overskyede og skyfrie dele, er halvdelen af ​​kompositionen optaget af selve terrassen, hvor vi ser en masse lyse gladioler og nasturtiums, og variationen af ​​farver forstærkes af to let asymmetrisk placerede flag på begge sider af terrassen.

Processen med dannelsen af ​​et nyt kunstnerisk sprog bør også overvejes i forbindelse med videnskabens fremskridt i det 19. århundrede og dets seneste resultater, især forskning fra videnskabsmænd som Eugene Chevreul inden for optik og farvekontraster, som blev udbredt i Frankrig i anden halvdel af århundredet. Baseret på observation af det fysiske fænomen perception har videnskabsmænd fastslået, at syn er resultatet af samspillet mellem elementer, der opfattes af øjet, og at farven på et objekt afhænger af det materiale, det er lavet af, af nærheden af ​​andre objekter og lysets kvalitet. Disse principper havde sammen med åbenbaringerne af japansk kunst en stærk indflydelse på Monet, Renoir og alle kunstnere, der vælger at male udendørs. Vi ser spor af disse principper i den impressionistiske maleteknik: solspektrets rene farver er overlejret direkte på lærredet og ikke blandet på paletten.

I juni 1870 fandt Monet og Camille Donsieus bryllup sted, hvor Gustave Courbet også var til stede. De unge flytter til Normandiet, til Trouville, hvor de bliver fanget af begyndelsen af ​​den fransk-preussiske krig. Monet, som er republikaner, ønsker ikke at kæmpe for imperiet og gemmer sig under dette påskud i England.

I London møder han Daubigny og Pissarro, som han arbejder sammen med på udsigten over Themsen og Hyde Parks tåger. Timing var vanskelig for tågeeffekterne. Vinteren 1870-1871 i London er den værste i et århundrede. Tilstedeværelsen af ​​tåge mærkes især i Monets syn på parlamentet, der kun åbnede et år tidligere, Green Park, Hyde Park og London Pool. Selv elskede han London-tågen, som han bekendte til Rene Gimpel: ”Jeg kan mere lide London end det engelske landskab. Ja, jeg elsker London. Det er som en messe, som et ensemble, og alligevel så enkelt. Mest af alt kan jeg lide London-tågen. Hvordan kunne engelske malere fra det nittende århundrede male deres huse mursten for mursten? I deres malerier afbildede de endda mursten, som de ikke engang kunne se. Jeg elsker kun London om vinteren. Om sommeren er byen rar for sine parker, men det kan ikke sammenlignes med vinter- og vintertåger: uden tågen ville London ikke være en smuk by. Tågen giver den en fantastisk skala. Under dens mystiske dækning bliver monotone, massive kvarterer grandiose." Efterfølgende vil han gentagne gange komme til London og male flere London-landskaber end nogen af ​​de kendte kunstnere.

I London arbejdede både Monet og Pissarro hårdt. År senere (i 1906) skrev Pissarro til den engelske kritiker Winford Dew-Hirst (som på det tidspunkt arbejdede på en bog om impressionisterne): ”Monet og jeg var glade for London-landskabet. Monet arbejdede i parker, og jeg, der boede i Lower Norwood, dengang en charmerende forstad, arbejdede på virkningerne af tåge, sne og forår. Vi skrev fra naturen. Vi besøgte også museer. Selvfølgelig var vi imponerede over akvarellerne og malerierne af Turner og Constable, af Old Cromes lærreder. Vi beundrede Gainsborough, Lawrence, Reynolds og andre, men vi var især imponerede over landskabsmalerne, som delte vores syn på plein air, lys og flygtige effekter. Blandt nutidige kunstnere var vi interesserede i Watts og Rossetti.

Daubigny introducerer Monet for den franske kunsthandler Paul Durand-Ruel. Mens han boede i London, åbnede Durand-Ruel et galleri på Bond Street. Dette møde viste sig at være meget vigtigt, da det var Durand-Ruel, der reagerede med tillid og interesse på arbejdet fra Monet og andre kunstnere fra den fremtidige impressionistiske gruppe og hjalp dem med at organisere udstillinger og sælge malerier. Med undtagelse af den anden udstilling, i 1871, repræsenterede Durand-Ruel impressionisterne ved alle udstillinger i Society of French Artists. Pissarros og Monets værker blev ofte udstillet, og de priser, der blev bedt om dem, vidnede om, hvordan Durand-Ruel selv vurderede dem. Ved en udstilling i 1872 blev udsigt over Norwood og Sydenham Pissarro vurderet til 25 guineas, og året efter blev Monets maleri "The Parliament Building" solgt for 30 guineas.

Monet og Pissarro præsenterede deres værker på sommerudstillingen på Royal Academy, men, som Pissarro desværre bemærkede, "selvfølgelig blev vi afvist." Det må have været takket være Durand-Ruel, at deres malerier blev udstillet i den franske afdeling af den internationale udstilling i South Kensington i 1871, men trods mange kommentarer om udstillingen i pressen, gik de ubemærket hen.

I 1871 får Monet kendskab til sin fars død og rejser til Frankrig. På vejen besøger han Holland, hvor han, forbløffet over landskabets pragt, stopper op for en stund og maler flere malerier med vindmøller, der spejler sig i kanalernes fredfyldte vand.

Takket være Manet, som han nu har et stærkt venskab med, befinder han sig i Argenteuil ved bredden af ​​Seinen, et hus med en have, hvor han kan dyrke blomster, hvilket til sidst blev en ægte passion for kunstneren.

Renoir kom ofte til ham: på det tidspunkt blev de meget tætte, den fælles maleroplevelse påvirkede ikke kun udviklingen af ​​deres individuelle malestil, men også dannelsen af ​​impressionisme generelt. Sommeren 1873 viste sig at være luksuriøs. De malede ofte de samme landskaber og opnåede fantastiske lys- og farveeffekter med små, pulserende strøg, som om de blev påført lærredet fra en sprøjtepistol. Aldrig mere vil deres arbejde være så ens. I 1913, da to af deres værker om det samme emne - ænder flydende i en dam - blev udstillet på Durand-Ruel galleriet, var ingen af ​​dem i stand til at definere deres billede. I haven til Monets hus i Argenteuil skrev de til hinanden på arbejdet. Renoir afbildede sin ven på baggrund af en masse flerfarvede dahliaer, hvis lyse farver forstærkes af det gule og grå af husene i baggrunden. Husene er også sat ud af skæret fra lette skyer, knapt berørt af aftensolens gule lys. Denne idylliske periode af deres fælles fascination af lys- og farveeffekter blev formidlet med særlig glans af Monet i et maleri, der forestiller facaden af ​​hans hus: Camilla står i døren og en lille figur af Jean på reposen, i en stråhat med en bøjle i hånden. Ligesom Renoirs maleri er det malet med lette, dirrende strøg, men her er der en skarp forskel på det detaljerede løv og en næsten flydende fortolkning af andre detaljer: Camille-figuren og de blå urtepotter placeret foran huset.

Den sommer var yderst frugtbar for begge kunstnere, og for Monet var den følgende vinter lige frugtbar. Aldrig før har de været fanget af et så stærkt behov for gennem kunstneriske midler at udtrykke, hvad de så på et givet øjeblik, for at omdanne virkeligheden af ​​deres visuelle oplevelse til lyse, rene farver.

På det tidspunkt forbedredes kunstnerens økonomiske situation også væsentligt: ​​Faderens arv og medgiften til Camillas kone giver Monet-familien en vis velstand. Som før fortsætter han med at rejse til Normandiet fra tid til anden.

I 1872 skrev Monet i Le Havre "Impression. Sunrise ”- en udsigt over havnen i Le Havre, præsenteret senere på impressionisternes første udstilling. Her frigjorde kunstneren, som du kan se, sig endelig fra den almindeligt accepterede idé om billedets genstand som et vist volumen og helligede sig fuldstændigt at formidle atmosfærens øjeblikkelige tilstand i blå og pink-orange toner. Faktisk ser alt ud til at blive uhåndgribeligt: ​​Molen og skibene smelter sammen med striber på himlen og refleksion i vandet, og silhuetterne af fiskere og både i forgrunden er bare mørke pletter lavet med flere intense strøg. Afvisningen af ​​akademisk teknik, maleri i det fri og valget af usædvanlige emner blev modtaget med fjendtlighed af datidens kritikere. Louis Leroy, forfatteren til en rasende artikel, der dukkede op i magasinet "Sharivari", brugte for første gang i forbindelse med dette billede udtrykket "impressionisme" som en definition af en ny trend i maleriet.

Men hvem er disse "udvalgte og kræsne kendere", som køber impressionisternes værk? Den første var den italienske greve Armand Doria (1824-1896), hvis træk og måde, ifølge hans ven Degas, lignede Tintoretto. På udstillingen købte han Cezanne's House of the Hanged Man for 300 francs. Han forblev en konstant protektor for Renoir: efter hans død, da samlingen blev solgt, viste det sig at være ti Renoir-malerier. "Indtryk. Sunrise ”blev købt af Georges de Bellio, en homøopatisk læge fra Rumænien; Pissarro henvendte sig nu og da til ham for at få råd, når hans børn var syge, eller med en anmodning om at købe et maleri, når han havde brug for det. Monet henvendte sig konstant til ham for at få hjælp, især i følgende brev: "Det er umuligt at forestille sig, hvor ulykkelig jeg er. De kan komme og beskrive mine ting når som helst. Og det er netop på det tidspunkt, hvor jeg havde et håb om at forbedre mine anliggender. Smidt på gaden, uden nogen midler, vil jeg gå med til at finde ethvert job, der følger med. Det vil være et frygteligt slag. Jeg gider ikke engang tænke på det. Jeg gør et sidste forsøg. Hvis jeg havde 500 francs, ville jeg blive reddet. Jeg har 25 malerier tilbage. For dette beløb er jeg klar til at give dem til dig. Ved at tage disse lærreder, vil du gemme dem." De Bellio købte også otte malerier fra Renoir, samt flere fra Sisley, Morisot, Pissarro og Degas.

Monet havde også en anden velhavende protektor, Louis-Joachim Godibert (1812-1878), en Le Havre-købmand og amatørmaler, som boede i det nyopbyggede slot i Montivillet. I 1868 købte han flere af kunstnerens malerier af kreditorer, og samme år og i det følgende betalte han Monet vedligeholdelsen. Han bestilte ham også flere portrætter af hans familiemedlemmer. En anden lokal tycoon, Oscar Schmitz, købte også malerier af Monet. Oprindeligt fra Schweiz drev han en stor bomuldsforretning i Le Havre. Men den mest betydningsfulde af Monets lånere i den første halvdel af hans liv var Ernest Goshede (1838-1890), som hans livslinje viste sig at være tæt forbundet med i fremtiden. Denne direktør for et af de store stormagasiner, der opstod i Paris under det andet imperium, boede i Majeron, i et imponerende palæ i renæssancestil. Der opbevarede han en samling malerier, som omfattede seks værker af Manet, tretten af ​​Sisley, ni af Pissarro, seks af Degas og ikke mindre end seksten værker af Monet, som han bestilte en række dekorative malerier til sit hus i 1876.

Efter at have rejst til Holland igen, vender Monet tilbage til Argenteuil. Der møder Monet kunstneren og samleren Gustave Caillebotte, de bliver gode venner. I Argenteuil indretter Monet, efter Daubignys eksempel, et flydende værksted til at male direkte på Seinen. Han forbliver passioneret omkring blænding på vand, og i samarbejde med Renoir, Sisley og Manet udvikler og forfiner han en teknik, der giver ham mulighed for at forstå lyseffekter hurtigere end lysændringer. Den 24. april 1874 åbner en udstilling af Anonymous Society of Artists, malere, billedhuggere, gravører i fotografen Nadars atelier på Boulevard des Capucines i Paris; Monet, Degas, Cezanne, Berthe Morisot, Renoir, Pissarro og mange andre kunstnere af forskellige stilistiske tendenser er udstillet der, forenet af et lidenskabeligt ønske om at tage afstand fra det officielle maleri, der præsenteres på salonerne. Udstillingen blev kritiseret i pressen, og offentligheden reagerede negativt på den; de udstillede værker, især malerier af en gruppe kunstnere tæt på Monet, var for nye og uforståelige for fans af akademisk maleri, som altid blev skabt i værkstedet og antog, at kunst ikke var andet end et ønske om at idealisere, forbedre virkeligheden i navnet på den klassiske kulturs kanoner.

Gruppens anden udstilling, arrangeret i Durand-Ruels værksted i 1876, mødte heller ikke kritik. Monet udstillede derefter atten af ​​sine værker, inklusive maleriet "japansk kvinde". Emile Zola, som altid sympatiserede med impressionisterne, anerkendte efter denne udstilling Monet som den ubestridte leder af gruppen. Efter udstillingens fiasko var det muligt at sælge malerierne med stort besvær, priserne var ekstremt lave, og for Monet begyndte en periode med materielle vanskeligheder igen. Om sommeren, da han vendte tilbage til Argenteuil, mødte han finansmanden og samleren Ernest Goshede.

I det sene efterår vender Monet tilbage til Paris med ønsket om at male udsigter over vinterbyen gennem et tågeslør og beslutter sig for at gøre Saint-Lazare-stationen til sit objekt. Med tilladelse fra direktøren for jernbanerne er han placeret på stationen og arbejder dagen lang, hvilket resulterer i, at han skaber et halvt dusin lærreder, efterfølgende erhvervet af købmanden Paul Durand-Ruel.

I mellemtiden afholdes udstillinger af en gruppe kunstnere, nu kendt som impressionister, ret regelmæssigt. Den tredje fandt sted i 1877, den fjerde i 1879, men offentligheden er stadig fjendtlig over for denne retning, og Monets økonomiske situation, igen belejret af kreditorer, virker håbløs. Det er derfor, han er tvunget til at flytte sin familie fra Argenteuil til Veteil, hvor han bor sammen med ægteparret Goshede og skriver flere storslåede landskaber med udsigt over det omkringliggende område.

I 1879 dør Camilla efter længere tids sygdom kun 32 år gammel. ”I morges klokken halv elleve faldt min stakkels kone efter ulidelige lidelser til ro. Jeg er frygtelig deprimeret, helt alene med mine uheldige børn. Jeg skriver til dig med en anmodning om at give mig endnu en service: kan du købe den medaljon, som jeg sender dig en pantkvittering for, hos Mont de Pitier (den parisiske bypantelånerbutik). Denne ting var kær for min kone, og da jeg sagde farvel til hende, ville jeg gerne lægge denne medaljon om hendes hals, ”skrev Monet til sin velgører, Georges de Bellio.

I 1879 malede Monet et smukt portræt af sin elskede kvinde. Et år senere sendte Monet to lærreder til salonen, men kun et af dem blev accepteret af juryen. Dette er den sidste officielle udstilling, hvor Monet deltager.

I juni samme år blev der åbnet en udstilling med atten malerier af Monet i salen i magasinet "Vie Modern" ("Contemporary Life"), der ejes af forlæggeren og samleren Georges Charpentier. Hun bringer kunstneren den længe ventede succes i pressen. Og salget af malerier fra denne udstilling giver Monet mulighed for at forbedre sin økonomiske situation.

Til sidst opnåede han, at han kunne gøre, hvad han ville, uden at tænke på at sælge sine malerier. Begyndende med hans soloudstilling på Georges Petit i 1880, udvidede kredsen af ​​hans lånere. Hans indtægt fra Durand-Ruel i 1881 var 20 tusinde francs; desuden fik han en fortjeneste ved salg af sine værker privat og gennem andre forhandlere.

Han skriver i Fekan i Normandiet, hvor han tiltrækkes af naturen, havet og den særlige atmosfære i dette land. Der arbejder han, bor i Dieppe, Pourville, Etretat og skaber en række storslåede landskaber.

I mellemtiden sker der visse ændringer i den impressionistiske gruppe, og en opdeling er skitseret. Renoir deltog allerede i 1878 ikke i impressionisternes fjerde udstilling, idet han mente, at man skulle forsøge at vende tilbage til den officielle vej, og derfor udstille sine værker på Salonen. Monet forsøgte selv at gøre det samme i 1880 og deltog i 1881 ikke i gruppens sjette udstilling, men deltog i stedet i den syvende, afholdt i 1882.

I 1883 dør Manet, hans død falder symbolsk sammen med gruppens opløsning. I 1886 blev impressionisternes ottende og sidste udstilling officielt afholdt, men Renoir, Monet, Sisley deltog ikke i den; på den anden side erklærede Georges Seurat og Paul Signac sig. repræsentanter for en ny trend - den såkaldte pointillisme. I denne periode rejste Monet, der i 1883 flyttede med familien Goshede til den lille by Giverny, til Italien, til Bordighera, hvor han blev beundret af lysets pragt og deltog i udstillinger arrangeret i Paris af købmanden Georges Petit . Hans rejser til Normandiet, til Etretat stoppede heller ikke; der møder han Guy de Maupassant. I 1888 arbejder Monet i Antibes. Takket være interessen fra Theo Van Gogh – ejeren af ​​galleriet og kunstnerens bror – formår han at udstille i to parisiske gallerier med behersket støtte fra kritikere.

Året efter opnåede Monet endelig reel og varig succes: I Petit Gallery blev der samtidig med billedhuggeren Auguste Rodins udstilling arrangeret en retrospektiv udstilling af Monet, som præsenterede hundrede og 45 af hans værker fra 1864 til 1889 . Monet bliver en berømt og respekteret maler.

Efter udstillingen, arrangeret i 1886 af Durand-Ruel i New York, blev amerikanerne interesseret i Monets kreationer. Resultatet var fremragende. I 1887 nåede Monets samlede indkomst 44 tusinde, og i 1891 bragte Durand-Ruelle og firmaet "Boussot og Valadon" ham omkring 100 tusinde francs. I perioden fra 1898 til 1912 svingede hans indkomst omkring tallet 200 tusind.

Den velstand, som han så desperat drømte om i sin ungdom, blev endelig opnået, og han udnyttede den og skabte sig et citadel af økonomisk og mental fred. Aldrig før i kunsthistorien har kunstnerens navn været så tæt forbundet med hans hjem. Dette citadel havde også fysiske parametre. I 1883 begyndte han at leje et hus i Giverny af en normannisk grundejer (ejeren flyttede selv til landsbyen Verneuil), og Monet boede i dette hus i treogfyrre år, indtil sin død i 1926. For kunstverdenen har huset og haven i Giverny, både i de år og den dag i dag, samme betydning som Assisi for tilhængerne af den hellige Frans. Uvægerligt omgivet af en larmende skare af plejebørn og omsorgen fra en kærlig, men gnaven kone, holdt Monet kontakten med en stor vennekreds: kunstnere og forfattere.

Monet var en ivrig rejsende i modsætning til andre impressionister. Han rejste til Norge, hvor hans adoptivsøn Jacques boede; rejste til Venedig, Antibes, Holland, Schweiz, flere gange til London. I Frankrig besøgte han Ptit-Dal ved den normanniske kyst, hvor hans bror havde sit hjem; Belle-Ile, Noirmoutier, Croesus Valley i Massif Central; endelig Rouen, hvor han tilbragte flere dage. Fra alle disse steder bragte han en bunke skitser, som han færdiggjorde i Giverny. Han rejste ret ofte til Paris - heldigvis var det ikke langt væk: enten til teatret eller til operaen, hvor han nød at lytte til Boris Godunov og senere beundrede Diaghilevs russiske ballet, som han satte stor pris på. Han fulgte også nøje de forbipasserende udstillinger, især den, hvor Van Gon, Seurat, Gauguin samt Vuillard og Bonnard, som kom til ham i Giverny, deltog. Monet læste meget, især blev han revet med af Michelets enorme "Historie om Frankrig", kendt af ham fra barndommen og nærede mange af hans værker med en stærk følelse af patriotisme. Han læste også flittigt samtidige forfattere: Flaubert, Ibsen, Goncourt, Mallarmé, Tolstoy og Ruskin.Han førte en solid samling af bøger om havearbejde.

Monet brugte meget arbejde på sine omgivelser og gjorde et faldefærdigt normannisk hus til et ideelt sted at bo. Julie Manet, datter af Berthe Morisot og Eugene Manet, som besøgte i 1893, kort efter nogle ændringer foretaget af Monet, skrev i sin charmerende dagbog over indtryk: "Siden vores sidste tur til Giverny har huset ændret sig markant. Over værkstedet lavede Monsieur Monet sig et soveværelse med store vinduer og døre, med harpiksfyr parketgulv. Der er mange malerier i dette rum, inklusive Isabelle, der reder sit hår, Gabrielle ved bækkenet, Cocott i en hat, pasteller, der forestiller maman, onkel Edwards pasteller, den meget attraktive nøgen af ​​Mr. Renoir, malerier af Pissarro, osv.

Men haven virkede endnu mere fantastisk: den udtrykte ikke kun Monets personlighed, men var i sig selv et vartegn. Næsten hele sit liv boede Monet i huse med have og i Argenteuil og i Veteil, og han fangede dem bestemt i malerier. Han blev opfordret til at begynde at dyrke havearbejde af Caillebotte, som havde en fantastisk have i Petit-Genvillier, og som korresponderede med ham om særlige spørgsmål. Det var frugtbare tider for gartnere. Nye planter blev importeret til Europa fra Amerika og Fjernøsten. I 1880'erne åbnede der sig en ny mulighed for dem, der ikke havde adgang til planteskoler - bestilling af frø med posten - et boom i denne nye forretning. Monet samlede ivrigt frøkataloger og "arrangerede" sine haver som et maleri. Hans noter, lavet i Argenteuil, giver for eksempel et øjebliksbillede af fordelingen af ​​blomster for syv rækker af roser: lilla, hvid, rød, violet, gul, creme, pink.

Da han for første gang ankom til Giverny, så han ved huset blot en almindelig køkkenhave, typisk for en fransk landsby. Monet begyndte straks at lave det om: først og fremmest gav han det geometriskhed ved at plante specifikke "have" blomster: skumfiduser, dahliaer, roser, nasturtiums, gladioler; han plantede dem i en sådan rækkefølge, at de ville blomstre næsten hele året rundt. Haven var på omkring to hektar, og en del af den strakte sig ud på den anden side af vejen. Der var en lille dam i nærheden; Monet købte det sammen med den tilstødende jord i 1893. Efter at have fået tilladelse fra de lokale myndigheder omdannede han den til en vandhave, hvor han lod vand fra den nærliggende flod Ept gennem sluserne. Rundt om dammen plantede han blomster og buske: nogle af den lokale oprindelse - hindbær, pæoner, kristtorn, poppel; nogle eksotiske planter - japanske kirsebær, lyserøde og hvide anemoner. De to haver var bevidst modsat hinanden. Den, der var ved huset, beholdt et traditionelt fransk udseende: med gyder sammenflettet med slyngplanter; stier, der løber vinkelret på hinanden, med trin, der fører fra en del af haven til en anden. Haven på den anden side af vejen og omkring dammen var bevidst eksotisk og romantisk. Da Monet planlagde det, fulgte Monet rådene fra en japansk gartner, der opholdt sig i Giverny i nogen tid: kinesiske ginkgoer, japanske frugttræer, bambus, en japansk bro, som om den var migreret hertil fra en gravering af Hokusai, skilte sig ud blandt den beskedne velkendte vegetation her. Åkander flød i dammen, og haven var oversået med en labyrint af snoede og krydsende stier.

"Mit smukkeste værk er min have," sagde Monet. Og hans samtidige var enige med ham. Proust beskrev denne have meget præcist: ”Dette er ikke en gammel blomsterhandlerhave, men derimod en farvehandlerhave, hvis jeg kan kalde det det, en have hvor kombinationen af ​​blomster ikke er en skabelse af naturen, eftersom de er plantet i sådan en have. måde, at kun blomster i harmoniske nuancer vil blomstre på samme tid og skabe et endeløst felt af blåt eller pink."

Octave Mirbeau, en forfatter og kritiker, der aldrig sparer på epitet, giver denne ejendom en fuldstændig beskrivelse: "Om foråret, på baggrund af blomstrende frugttræer, hæver iriser deres krøllede kronblade, prydet med hvid, pink, lilla, gul og blå dikkedarer med brune striber og lilla pletter. Om sommeren falder nasturtiums i alle farver og californiske valmuer af safranfarve i blændende klynger på begge sider af den sandede sti. Eventyrvalmuer, fantastiske ved magi, vokser på brede blomsterbede og tilstopper visnende iris. En fantastisk kombination af farver, mange blege nuancer; en storslået symfoni af hvide, lyserøde, gule, lilla blomster med et skud af lyse kropslige nuancer, mod hvis baggrund appelsiner eksploderer, stænk af kobberflamme, røde pletter bløder og funkler, syrener raser, tunger af sort og lilla ild bryder ud ."

Monet sagde, at han brugte det meste af sin indkomst på haven. Men dette er kun en beskeden overdrivelse. Han beholdt en gartner og fem arbejdere, og selv var konstant beskæftiget med forbedring og udbygning af haven.

Ved at henvende sig til præfekturet for at få tilladelse til at genopbygge dammen skrev Monet, at det var nødvendigt "af hensyn til en fest for øjnene og motiverne til at male." Faktisk tjente Giverny og hans haver ham ikke kun som motiver til at male; de gav ham en slags grundlag for gennemførelsen af ​​et projekt, der skulle blive hans livsværk, og hvis kulmination var denne have.

I 1892 gifter Monet sig endeligt med Alice, som han har været forelsket i i mange år. Samtidig skrev Monet "Haystacks" - den første store serie af malerier, hvor kunstneren forsøger at fange nuancerne ved belysning af høstakke på lærredet. skiftende afhængigt af tidspunktet på dagen og vejret. Han arbejder samtidigt på flere lærreder og bevæger sig fra det ene til det andet i overensstemmelse med de nye lyseffekter. Denne serie var en stor succes og påvirkede mange kunstnere på den tid markant.

Monet vender tilbage til oplevelsen af ​​Stogov i en ny serie, Poplars, hvor træer på bredden af ​​Ept-floden også er afbildet på forskellige tidspunkter af dagen. Mens han arbejder på Topol, går Monet hver gang til et sted med flere staffeli og arrangerer dem i en række for hurtigt at flytte fra den ene til den anden afhængigt af belysningen. Derudover vil han denne gang udtrykke sin egen vision i billeder, og han gør det på få minutter, idet han konkurrerer i fart med naturen.

Inden Monet afslutter serien, erfarer han, at poplerne skal skæres og sælges. For at afslutte arbejdet kontakter han køberen og tilbyder ham en økonomisk kompensation for forsinkelsen i fældningen. Denne serie, der blev udstillet på Durand-Ruelle Gallery i 1892, var også en stor succes, men den store Rouen Cathedral-serie, som Monet arbejdede på fra 1892 til 1894, var endnu mere begejstret. Han viste konsekvent ændringen i belysningen fra daggry til aftentusmørke og malede halvtreds visninger af den majestætiske gotiske facade, opløst, dematerialiseret i lys. Han skriver hurtigere og hurtigere, idet han hastigt anvender prikkede streger på lærredet.

I februar 1895 rejser han til Norge, til Sandviken ved Oslo, hvor han skriver fjordene, Kolsaas-bjerget og udsigt over landsbyen, hvor han bor. Denne cyklus af vinterlandskaber minder i stil om værker skrevet omkring 1870. Året efter valfarter Monet for alvor til de steder, hvor han skrev i tidligere år; og Pourville, Dieppe, Varegenville vender igen tilbage til sine lærreder.

I 1897 blev samlingen af ​​Gustave Caillebotte, der døde i 1894, ejendom af nationale museer, og mange af de impressionistiske værker ender endelig i statens samlinger. Om sommeren er tyve af Monets malerier udstillet på den anden Venedig Biennale.

I efteråret 1899 begyndte han i Giverny cyklussen "Åkander", som han skulle arbejde på indtil sin død. Begyndelsen af ​​det nye århundrede finder Monet i London; kunstneren maler igen Parlamentet og en hel række malerier forenet af ét motiv - tåge. Fra 1900 til 1904 rejste Monet ofte til Storbritannien og udstillede i 1904 syvogtredive udsigter over Themsen i Durand-Ruel Gallery. Om sommeren vender han tilbage til åkander og i februar året efter deltager han i femoghalvtreds værker i en stor impressionistisk udstilling arrangeret af Durand-Ruel i London.

I 1908 begiver Monet sig ud på sin næstsidste rejse: han rejser med sin kone til Venedig på invitation af familien Curtis, en amerikansk ven af ​​kunstneren John Singer Sargent, hvor han bor i Palazzo Barbaro ved Canal Grande. Monet beslutter sig for at blive længere i byen for at arbejde og slår sig ned på Britannia Hotel i to måneder. Han er så fascineret af atmosfæren i Venedig, lyseffekterne, refleksioner fra vandet og refleksioner fra monumenterne i det, at han kommer der igen næste år. Til en arkitektonisk specialist, der under et interview hævdede, at "Dogepaladset kan defineres som et eksempel på impressionistisk snarere end gotisk arkitektur," svarede Monet: "Arkitekten, der udtænkte dette palads, var den første impressionist. Han skabte den flydende på vandet, vokser ud af vandet, skinnende i luften af ​​Venedig, ligesom en impressionistisk maler anvender glødende streger på et lærred for at formidle en følelse af atmosfære. Da jeg arbejdede på dette maleri, ønskede jeg at male præcis atmosfæren i Venedig. Paladset, der dukkede op i min komposition, var kun en undskyldning for at skildre atmosfæren. Når alt kommer til alt, er hele Venedig nedsænket i denne atmosfære. Flyder i denne atmosfære. Dette er impressionisme i sten." Når han vender tilbage til Frankrig, fortsætter han med at arbejde i atelieret på malerier fra den venetianske periode, som først vil blive udstillet i 1912, et år efter hans kone Alices død, i galleriet i Bernheim Jr. Forud for udstillingen kom en artikel af Octave Mirbeau.

Fra 1908 begyndte kunstnerens syn at forringes; nu lægger han al sin opmærksomhed på haven og fortsætter med at arbejde på serien "Åkander", der startede tilbage i 1890. Ved at aflede vandet i en lille biflod til floden Apt, Ryu, som flød gennem hans land, lavede Monet en lille dam i sin Giverny. På den således opnåede spejllignende overflade af reservoiret dyrkede han åkander, og omkring ham plantede piletræer og forskellige eksotiske planter. For at fuldføre projektet blev der bygget en træbro over dammen, ideen om hvilken var inspireret af orientalske graveringer. Kunstneren har altid beundret blomster og refleksioner på vandet, men dette projekt har uden tvivl påvirket indflydelsen fra den japanske kultur, som spredte sig i Europa siden midten af ​​århundredet og meget interesserede Monet og hans samtidige. De sidste store værker af Monet, en træt kunstner, hvis synsproblemer bliver mere og mere alvorlige med årene, er dedikeret til dette vidunderlige hjørne af haven.

I 1914 dør hans ældste søn Jean. Monet føler sig mere og mere alene. men fortsætter med at arbejde, opmuntret af Georges Clemenceau og Octave Mirbeau, som ofte kommer for at besøge en ven.

Takket være tilstedeværelsen af ​​Monet bliver Giverny til en slags kunstnerkoloni, primært amerikanske, men Monet foretrækker selv at leve et afsondret liv og hævder, at han ikke har nogen "opskrift" til unge mennesker, hvilket betyder, at han ikke kan lære nogen noget. . Han bruger al sin tid i haven – og skriver, skriver. Den progressive forringelse af synet tillader ham ikke længere at gengive lyseffekter med samme nøjagtighed som før. Nogle gange, hvis lærredet virker mislykket for ham, ødelægger Monet i raseri sit arbejde. Og alligevel fortsætter han med at male, og på grund af sine synsproblemer udvikler han en ny tilgang til maleriet for sig selv.

For så mange års arbejde i Giverny var hvert hjørne af haven på ethvert tidspunkt af dagen indprentet i hans sind. Og Monet mente, at det ville være interessant at skrive en række indtryk fra helheden, og ikke fra naturen, men i en workshop. I den forbindelse besluttede han at bygge et nyt stort værksted på sin ejendom. Byggeriet af de nye lokaler stod færdigt i 1916: Værkstedet var 25 meter langt, 15 meter bredt og loftet var to tredjedele af glas. Der går Monet på arbejde. Han skriver på lærreder, der måler fire meter gange to og skaber fantastiske værker, der i et kompleks formidler indtrykkene fra det rige, han skabte, og igen og igen fanger morgentåger, solnedgange, tusmørke og nattemørke på lærredet.

I 1918 beslutter han sig i anledning af våbenhvilen for at donere en ny serie til staten. Hans ven Georges Clemenceau, der dengang var premierminister, ønsker at give Monet et prestigefyldt rum, nemlig Orangeri-pavillonen i Tuilerierne. Men Monet er stadig ikke tilfreds med sit arbejde, og med den ihærdighed, der er karakteristisk for hans holdning til maleri, fortsætter han med at arbejde indtil 1926 - hans dødsår. Ud over serien på otte paneler doneret til staten, placeret i det ovale rum i Orangry i 1927, skrev Monet mange andre værker i denne periode, som blev fundet efter kunstnerens død i hans værksted i Giverny og nu er i Marmottan-museet i Paris. Nogle af dem, der ikke er dateret, men uden tvivl relateret til den sidste kreativitetsperiode, nærmer sig på deres måde de avantgardistiske æstetiske tendenser fra begyndelsen af ​​århundredet, især til ekspressionismen.

Faktisk tager Monet den dematerialiseringsproces, der allerede er skitseret i rækken af ​​katedraler, til det yderste. Han går ikke kun ud over impressionismens stilistik, men foregriber måske på en eller anden måde det nonfigurative maleris kunstneriske sprog fra perioden efter Anden Verdenskrig.

Biografi baseret på materialer fra webstedet www.centre.smr.ru

Vi beundrede udsigten, han sang. De så med ærefrygt på Rouen-katedralen. Vi kunne ikke lade være med at besøge Giverny, hvor mesteren boede i 43 år - præcis halvdelen af ​​sit liv. Anden halvdel - han blev født i 1840, døde i 1926, bosatte sig i Giverny i 1883.
Hele naturen på denne dag frydede sig med os - efter grå, overskyede dage i Normandiet oversvømmede solen generøst hele området, som om den huskede, hvilke vittigheder den spillede med kunstneren, hvilket gav ham ikke mere end 40 minutter til at arbejde på en af ​​serierne af malerier. Lovene for Jordens rotation omkring armaturet ændrede belysningen efter så kort tid, at Monet måtte flytte fra et lærred til et andet, hver gang skiftende farver.

For at nå maestroens hus skal du gennem landsbyen Giverny. Først og fremmest kommer en beundrer af Monets talent ind i den store have. Det blev ødelagt mange år efter mesterens død, da et museum blev åbnet i Giverny. Engang var der bare en eng her, er der bevaret et lille areal fra den. Med de høstakke, der er blevet berømte. Dette er det første, vi så hos Giverny.

Haven ved Giverny er opdelt i små områder, adskilt fra hinanden af ​​bosketter eller hække.

Planterne i hver af sektionerne er tematisk udvalgt - de er i harmoni med hinanden enten ved aroma eller farve. Der er grene med roser, i andre samles kun hvide blomster.

Eller kun blå, eller kun rød. Alle planter er arrangeret efter årstiderne. De ændrer sig afhængigt af tidspunktet for blomstringen, derfor blomstrer haven fra det tidlige forår til det sene efterår og dufter sødt.

Giverny er bogstaveligt talt begravet i grønne områder. Mens du går til Monet hus-museet, tuner du ufrivilligt ind på bølgen af ​​enhed med naturen, som den store impressionist udtrykte med al kraften i sit talent.

Den imponerende kø ved kassen forsvandt i løbet af få minutter - deres indgang var åben for organiserede grupper, og der var ikke ret mange "vilde" som os.

Når du nærmer dig huset, ser du først og fremmest et polykromt hav af blomster på en grøn baggrund. Man ønsker at svømme og bade i det, inhalere, absorbere, absorbere, trække i Jordens nåde. Du fryser af beundring over, at al den mangfoldighed af flora er placeret og plantet på en nøje defineret måde. Det er underordnet Claude Monets kunstneriske logik - ja, sådan skal hans have se ud, det er korrekt og det er meget smukt!

Selve herrehuset opfattes i første omgang som en integreret del af haven, der lever i naturlige kredsløb.

Jeg vil rigtig gerne have mig mæt, "bade til det er blåt i ansigtet" i Monets have, men jeg skal på husmuseet - søndag morgen, Paris er mindre end 100 km væk, og snart kan der være en rigtig "demonstration" " her. Vi har et par minutter til at undersøge huset, hvor kunstneren tilbragte så mange år med sin anden kone Alice og børn - hans og Camillas sønner, og Alice Hoshedes børn fra deres første ægteskab, de havde ikke fælles børn, men der var en slægtning forening af deres børn - kunstnerens ældste søn, Jean Monnet, giftede sig med Alice datter Blanche Hoschedé.

Claude Monets hus-museum

Mærkeligt nok blev dette hus den anden lyserøde bygning med grønne persienner, hvor Monet boede, den første var i Argenteuil. Det blev en anden bolig for mesteren, hvor haven var adskilt fra huset med en jernbane, det samme var tilfældet i Vetheuil. Den franske premierminister Georges Clemenceau bemærkede engang: "Der er endda en jernbane i hans have!"

Først lejede familien simpelthen dette ene passende hus i Giverny. Da Claude (så jeg vil sætte mellemnavnet 🙂) Monet købte det, så huset anderledes ud. Ejendommens navn var ret interessant - "æblepressens hus". En æblepressemaskine var i nærheden. I overensstemmelse med sin smag udvidede mesteren huset i begge retninger, tilpassede det til en stor families behov og til hans professionelle behov. En lille lade i nærheden blev forbundet med huset og blev kunstnerens første atelier. Og selvom Monet hovedsageligt arbejdede i det fri, færdiggjorde han lærrederne i studiet, og han beholdt dem. Hans værelse var placeret over dette studie. Mesteren besatte fuldstændig hele venstre halvdel af huset - her kunne han arbejde, slappe af, modtage gæster.

En smal terrasse strækker sig langs hele facaden. Nu kan du komme ind i huset gennem hovedindgangen, ligesom i Monets dage. Den blev brugt af alle husstandsmedlemmer, venner og gæster.

Der er yderligere to sidedøre, der også åbner ud til haven. Hvis han straks ville ind på sit værksted, gik han ind i huset gennem døren til venstre. Den højre dør var beregnet til tjenere, den fører straks til køkkenet.

Facaden på Claude Monets hus er meget enkel, men udsigten bedrager! Hvor sker det ofte, at der bag en elegant facade er en meget middelmådig kulisse med et forladt bibliotek, ynkelige sengetæpper og malerier, der ikke rører sjælen. Dette har intet at gøre med Monets hus! Her afsløres der tværtimod bag husets beskedne udseende en fantastisk atmosfære, man kan næsten ikke forestille sig noget mere charmerende. Vi går op ad trapperne, og jeg mærker, at jeg trækker vejret fra muligheden for at røre ved en anden verden - farvernes verden og atmosfæren af ​​enkel komfort. Spisestuen, den blå stue tager dig til England, så mærker du pludselig rent franske træk, og ægte Japan hersker omkring dig! Kun en kunstners hus kan være sådan! Alice bragte klassiske toner til atmosfæren, men farverne er Claude Monets fortjeneste, hans ord har altid været det sidste og afgørende. Til tider, da mesteren tog afsted på jagt efter nye arter, skrev Alice til ham, at hun havde ændret noget i sit soveværelse og var meget tilfreds med resultatet. Mandens svar var altid ret koldt: "Vent, når jeg kommer tilbage, skal du se, hvad der skete."

Et boligeftersyn starter med blå stue... I gamle dage hed den lilla (mauve) stue eller den blå salon. Mesteren valgte selv rummets blå farve. Impressionisten tilføjede sin egen komposition til de klassiske blå farver, på grund af dette har den en særlig charme. Mesteren valgte farven ikke kun i Alices stue, men også i alle husets rum.

Det indre af rummet er designet i fransk stil fra det 18. århundrede. Stuen er lille i størrelse og var beregnet til ejeren af ​​huset, Alice. Hun brugte normalt tid her på at brodere, hun elskede at sidde med børnene. Men nogle gange skete det, at talrige gæster stimlede sammen i den blå salon. Dette skete, når Monet arbejdede i sit værksted eller mediterede i sit soveværelse, eller han fangede de sidste stråler fra den nedgående sol, mens han arbejdede i det fri. Her ventede gæsterne på ejeren, snakkede, drak te. På kølige efterårsdage blev vandet til te varmet i en stor samovar.

Alice hvilede ofte her med lukkede øjne. Da Claude Monet tog afsted for at tegne skitser, nævnte han i breve til sin kone ofte, at han ikke kunne vente, indtil han endelig kunne pakke sine nye lærreder ud og undersøge dem sammen med sin kone. Den lyse, rige blåhed af vægge og møbler kombineres overraskende med japanske print. Her blev de fleste aftrykkene i mesterens betydelige samling ophængt.

Japanske tryk i Monets hus.

Traditionelle japanske print er print lavet af træplanker. Deres klichéer blev først skåret i skiver af kirsebær eller pæretræ. De er blevet ekstremt populære i Japan på grund af deres relativt lave pris og masseproduktion. I det 19. århundrede blev japansk gravering også båret væk i Europa.

Monet har samlet dem med passion i 50 år og har samlet 231 graveringer. Det er almindeligt accepteret, at mesteren købte den første gravering i begyndelsen af ​​1870'erne i Holland. Men det er også kendt, at Monet har set sådanne tegninger før. Han indrømmede selv, at han engang, tilbage i Le Havre, da han var på vej fra skolen, så japanske tryk bragt fra østen af ​​handelsskibe på vej til Tyskland, Holland, England og Amerika. Det var på det tidspunkt, at impressionismens fremtidige grundlægger stod over for de første billeder af lav standard, de blev solgt i kystbutikken i Le Havre, Monets hjemby. Hvilken af ​​graveringerne, der dukkede op først i hans samling, vil ingen nu sige.

Maestroen samlede ikke kun omhyggeligt sin samling, han var glad for at give billeder væk. Monet købte hundredvis af dem hele tiden og skiltes lige så nemt med mange. "Kan du lide japanske print? Vælg en til dig selv! ”- nu og da blev hørt i Monets hus. Mesterens børn og stedsønner gav generøst japanske tryk.

Temaerne for de tegninger, som han indsamlede, svarede til kunstnerens forskellige interesser - natur, teater, musik, liv på landet, botanik, entomologi, hverdagsscener. Han elskede at se dem omkring sig, og han indrømmede selv, at disse tegninger var meget inspirerende for ham.

Indgraveringer pryder væggene i alle værelser i Monets hus; de findes også i gangrummet, der fungerede som opbevaringsrum.

Fra den blå stue går vi til spisekammer... Nogle gange er det svært at forstå logikken i organiseringen af ​​rummet. Hvorfor kommer de for eksempel ind i spisekammeret fra stuen, og ikke fra køkkenet? Det er bare det, at der ikke er nogen korridor i huset, der forbinder alle værelser, enhver af dem kunne være en gennemgang. For nemheds skyld var det spisekammeret, der blev forbindelsen mellem andre rum.

Selv på trods af denne rolle er spisekammeret blevet en vigtig del af interiøret. Flere graveringer på væggen indikerer dette. De forestiller handelsskibe med flag, der sejler i vinden, og transporterer varer fra Yokohama til de østlige kyster og tilbage. I et andet tryk ser vi kvinder i kimonoer og crinolines ved boderne hos udenlandske købmænd i Yokohama. Graveringerne i blå toner passer godt sammen med garderoben, hoveddelen af ​​interiøret.

Garderobeskabet var låst med en nøgle, som altid blev opbevaret af husets elskerinde. Og kun hun alene opdagede rigdommene i eksotiske lande - bourbonvanilje, muskatnød og nelliker fra Cayenne, kanel fra Ceylon og peberfrugter hentet fra det hollandske Østindien. Krydderier var meget sjældne og meget dyre på det tidspunkt. Aromaerne af javanesisk kaffe og Ceylon-te kom fra kabinettet i bambusstil. Kinesisk te blev endnu ikke drukket i slutningen af ​​det 19. århundrede; den dukkede først op i Europa i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Al denne rigdom lå i jerndåser, æsker, skrin fra de bedste parisiske håndværkere. De holdt her engelsk te, olivenolie fra Aix og foie gras fra. Skabet har skuffer og låse er også indbygget i hver af dem.

Spisekammeret er et kølerum, det var ikke specielt opvarmet, så det var muligt at opbevare mad, primært æg og te. I Monets dage blev æg spist betydeligt mere end nu. Der er to opbevaringsbokse på væggen, de kan rumme 116 stk. Monets familie købte ikke æg, de havde deres eget hønsehus i gården. Selvom hverken Alice, eller, endnu mere, Claude Monet, aldrig opfattede livet i Giverny som provinsielt. En stor have og et højt hegn adskilte dem fra landsbybeboerne. Men efterhånden lærte de flere lokale familier at kende. Det tog dog lang tid, før deres kyllinger begyndte at lægge, koen begyndte at give nok mælk, og bær dukkede op på ribsbuskene.

Gå til den første værksted, og senere - Monets stue... Gennem sydvinduet strømmer lyset som en å ind i herrens stue, karnappen mod øst er også med til at give god belysning. Men sådan belysning er slet ikke egnet, i kunstnerens atelier skal vinduerne vende mod nord! På grund af første sal var det umuligt at indrette vinduer mod nord i dette rum, og Monet vidste fra begyndelsen, at hans atelier ikke ville blive her længe, ​​han ville vælge et bedre værelse.

Og så skete det, senere blev hans første værksted en stue. Selvom det forblev et arbejdslokale, som vekslede med familie og venskabelige samtaler, modtog Monet og Alice her talrige besøgende, venner, gæster, kunsthandlere, kritikere, samlere. Der var også to skriveborde - hans og Alices. Begge var i aktiv korrespondance, begge skrev meget og hver dag. Under et stort vindue er en mahogni cubansk sekretær. Stole, et sofabord, et musikbord, et garderobe i renæssancestil fyldt til sidste plads med bøger, en sofa, to kinesiske vaser – her har alt været bevaret siden Monets tid. Store vaser var normalt fyldt med blomster af samme sort og blev placeret i hele stuen. Persiske tæpper tilføjede et strejf af elegance til rummet.

Reproduktioner af Monets malerier på væggene bringer besøgende tilbage til kunstnerens tid, fordi mesteren elskede at beholde lærreder, der mindede om hvert trin i hans karriere. Sandt nok er de originaler, der tidligere prydede væggene i stuen, nu udstillet i Paris på Monet Marmottan-museet. Tidligere var der værker, som Monet ikke kunne skille sig af med. Nogle gange købte han de allerede solgte lærreder tilbage, så solgte han dem igen og byttede eller købte igen.

Han fik knap nok enderne til at mødes, da han for 50 franc tilbød at købe maleriet "Veteuil in the Fog", skrevet i 1879, til Jean-Baptiste Foru. Det forekom ham, at maleriet var for hvidt, farverne var for sparsomme, og generelt var det umuligt at afgøre, hvad der egentlig var afbildet på lærredet. En dag, mange år senere, kom Faure til Giverny og så dette maleri på væggen i dette allerførste værksted af mesteren og viste en ægte interesse for det. Monet svarede gæsten, at dette maleri ikke længere var til salg for enhver pris og mindede Forum om de omstændigheder, hvorunder han allerede havde set "Veteuil in the Fog". Den blufærdige Fore fandt flere gode grunde til at forlade Giverny så hurtigt som muligt.

Her som andre steder i huset er den originale indretning bevaret og det skaber følelsen af ​​mesterens tilstedeværelse. Han er virkelig usynlig her. Selvom hans buste af Paul Polen i stedet for den levende mester blev installeret i det første studie. Busten minder om, at Monet blev en legende i løbet af hans levetid. Sandt nok måtte han vente på anerkendelse, det kom først til kunstneren i en alder af 50.

Som mesteren havde forventet, blev der snart bygget et andet, mere bekvemt værksted, det var placeret separat i den vestlige del af haven. For at gøre dette var de nødt til at nedbryde bygningerne, der stod der, og så snart Monet købte et lyserødt hus, tøvede han ikke med at rive alt unødvendigt ned og blev til sidst ejer af et rigtigt værksted, hvor alt var ordnet til arbejde, der var plads nok og et kæmpe vindue vendte mod nord! Det andet værksted blev mesterens fristed, hvor ingen forstyrrede ham, mens han arbejdede.

Jeg kan ikke sige om dette værksted har overlevet, bogen siger intet om det og viser det ikke til turister.

C. Monets soveværelse placeret direkte over hans første stuestudie. For at komme ind i kunstnerens soveværelse skal du tilbage til spisekammeret igen. Derfra fører en meget stejl trappe opad; dette er den eneste vej til mesterens hvilerum. I dage med fortvivlelse, tvivl, dårligt humør og sygdom undgik mesteren ethvert samfund, selv de nærmeste mennesker. Nogle gange forlod han ikke sit soveværelse i dagevis, gik op og ned af det, gik ikke ned til middag, og der blev bragt mad til ham her. Stilhed indhyllede huset på dage som denne. Selv i spisestuen var der ingen stemmer, hvis der ikke var en ejer i den.

I soveværelset finder vi en ret simpel seng, hvor kunstneren sov, og hvor han hvilede i Bose den 5. december 1926. Væggene på hans værelse er hvide; på Monets tid var der stadig en sekretær fra Louis XIV's tid og to kommoder. Møblerne havde eksisteret i hundrede år allerede i mesterens levetid; de blev lavet i slutningen af ​​det 18. århundrede.

Hvert af vinduerne med tre soveværelser tilbyder en storslået udsigt over haven. To af dem er orienteret mod syd og en mod vest.

Men hovedskatten i Monets soveværelse var malerierne. Samlingen indtog også væggene i badeværelset og fortsatte i Alices soveværelse. Der var tre lærreder, 12 værker, ni lærreder, fem af Berthe Morisot, flere, tre malerier af Camille Pissarro, der var også Alfred Sisley, et havlandskab af Albert Marquet. Samlingerne blev suppleret med pasteller af Morisot, Edouard Manet, Paul Signac og endda et par skulpturer af Auguste Rodin.

Alices soveværelse placeret ved siden af ​​Monets værelse. Som det var skik dengang i adelens hjem, sov mand og kone i separate soveværelser. De er forbundet gennem døren i badeværelset.

Det meget enkle værelse til kunstnerens anden kone er dekoreret med japanske print af kvinder. Dette er et af husets få rum med vinduer ud mod gaden, altså mod nord. På hendes værelse kan du forestille dig, hvor smalt huset egentlig er. Fra sit soveværelsesvindue kunne Madame Monet følge børnene, der legede på den anden side af godset.

Der er et lille depotrum helt øverst på hovedtrappen. Og langs det kommer vi til spisestue... Dette er måske det mest spændende værelse i Monets hus. Hvor mange berømtheder har hun set i sin levetid!

På Monets tid betød en invitation til middag, at gæster ubetinget og ubetinget var enige i alle husets uforanderlige traditioner. Det betyder, at hvis gæsten ikke er en gourmet, så er han i det mindste en kender af haute cuisine. Han må kunne lide alt japansk. Gæster er forpligtet til at kende den strenge orden i huset, hvor alt levede i overensstemmelse med ejerens arbejdsrytme og med værdighed for at underkaste sig reglerne og disciplinen, som var tæt på benediktineren. Den daglige rutine var stringent og urokkelig. Selv at gå gennem huset og haven fulgte en nøje udarbejdet rute.

Monet har udvidet spisestuen markant på bekostning af det tidligere køkken, den er blevet stor og lys, dens franske vinduer åbner ud til verandaen. I løbet af denne victorianske æra var mørke og dystre interiørtoner på mode. Mesteren var lidt opmærksom på mode og besluttede at give spisestuen to nuancer af gul. Levende okker nuancer fremhævede blåheden af ​​Rouen og Delft porcelæn i skænken. Gulvet er dækket af skakfliser - mønsteret er skabt af hvide og mørkerøde paneler, en sådan kombination var meget populær på det tidspunkt. Loft, vægge og møbler er malet i to nuancer af gul. 12 personer sad frit ved et stort bord, men nogle gange var det dækket til 16 personer.

Spisestuen, der i sig selv lignede et kunstgalleri, samlede hele familien, deres venner og æresgæster, inklusive gæster fra Japan, såsom hr. Kurokis Hayashi. Der var altid en gul linneddug på bordet, normalt blev der placeret en japansk fajanceservice kaldet "kirsebærtræ" eller en hvid porcelænsservice med brede gule kanter med blå kant. Organzagardiner, også farvet gule, blev trukket fra hinanden for bedre belysning. To spejle stod overfor hinanden. Den ene var dekoreret med en blå fajance blomsterstand fra Rouen, den anden var en grå og blå japansk blomsterstand i form af en åben vifte, og en stor vase stod i bunden.

Væggene i spisestuen er fyldt med japanske print, som Monet udvalgte efter sin farvesans. Hans samling omfattede værker af de bedste japanske mestre - Hokusai, Hiroshige, Utamaro.

For nemheds skyld, ved siden af ​​spisestuen er køkken- det sidste værelse, der kan ses i huset. Monet løste det i blåt. Denne farve harmonerede godt med den gule tone i spisestuen. Hvis døren blev åbnet til det næste værelse, så gæsterne en velegnet gul blå farve.

Dette var endnu et brud på århundredeskiftets almindeligt anerkendte regler, hvor kun kokken og hans assistenter regerede i køkkenet, og tjenerne kom for at spise. Det er interessant, at ejeren aldrig kom ind i køkkenet, efter at have besøgt det én gang, da han tænkte over udsmykningen af ​​dette rum. Han besluttede, at den blege kongeblå var godt skygget med den dybe blå, som mesteren brugte overalt i rummenes indre. Denne farvesammensætning tilføjede endnu mere lys til rummet med to vinduer med udsigt over verandaen og et fransk vindue, der, som de fleste vinduer i huset, kiggede ud til haven.

Køkkenvæggene er dekoreret med blå Rouen-fliser. De betalte mange penge for det, fordi der blev tilsat kobolt for at give farve til det, og produktionsprocessen var meget dyr. Ikke kun væggene, men også gulvet og loftet i køkkenet, samt bordet, stolene, isboksen, saltkarrene, skabene er malet i en farve. På det tidspunkt mente man, at farven blå hjælper med at opretholde hygiejnen og også afvise insekter, især fluer. Den blå indretning af køkkenvæggene og skabene fremhæver glansen af ​​messingservice, hvoraf en stor samling er placeret på væggene.

Ikke overraskende spillede mad en vigtig rolle i en familie på 10, og køkkenet virkede som et fristed. Når alt kommer til alt, var det hver dag nødvendigt at fodre morgenmad, frokost og middag ikke kun til husstandsmedlemmer, men også til gæster og tjenere. Alt her var underordnet lokalernes formål. Hver dag, i varmt og koldt vejr, blev et kæmpe komfur opvarmet i køkkenet med kul eller træ. Der er indbygget en kæmpe kedel med kobberlåg, og der var altid varmt vand i huset.

Hver dag bankede en bonde på et lille vindue med udsigt over gaden og meddelte, at han havde leveret ordren på grøntsager og frugter modtaget dagen før. Trappen ved siden af ​​vinduet førte til en stor kælder, hvor letfordærvelig mad blev opbevaret, og is blev leveret fra nærliggende Vernon.

Køkkenet forlod knap kokkenes fritid. Konstant var det nødvendigt at skære, hakke, røre, hugge. Og så - at vaske, rense, polere adskillige kobbersovsebåde, gryder, kedler indtil næste gang, som aldrig blev ved.

Som andre steder tjente flere kokke, nogle gange hele dynastier, i Monets hus. For eksempel gav Caroline og Melanie deres navne til de opskrifter, han opfandt. Og den mest berømte kok i Giverny var Margaret. Hun begyndte at arbejde i huset som pige. Så introducerede hun Monet for sin forlovede, Paul. Og for at Margaret ikke forlod hjemmet, hyrede Monet Paul til at arbejde. Margaret forblev i sin stilling selv efter maestroens død, indtil 1939. I sjældne hvilestunder kunne Margaret godt lide at sidde i en lav lænestol uden håndtag og bladre i en opskriftsbog, hvorfra hun hentede inspiration, ligesom sin mester fra japanske tryk. Nogle gange stirrede hun bare ud i haven, hvor to kirsebærblomster blomstrede i hvidt og lyserødt. Da hun forlod Giverny og vendte tilbage til sit hjemland Berry, huskede hun: "Arbejdet i Giverny var meget hårdt, men når jeg arbejdede, havde jeg altid to japanske træer foran mig."

Besigtigelsen af ​​huset slutter her. Vi flytter til Normandiet eller Clos Normand haven og derefter til Water Garden.

Optagelser på museet er forbudt. Men da jeg lagde mærke til, at i kunstnerens første studie-studie, tager alle besøgende billeder, og jeg tog også et par billeder.
Resten af ​​billederne er taget fra hjemmesiden for Claude Monet House Museum.
Baseret på bogen af ​​Cdaire Joyes "Claude Monet at Giverny. En rundvisning og historie om huset og haven ”, Stipa, Montreuil (Seine-Saint-Denis), 2010

Claude Monets have i Giverny kan med rette kaldes et rigtigt kunstværk, som man kan beundre i det uendelige. Den stille landsby Giverny ville være forblevet en rolig malerisk provins, hvis det ikke var for den impressionistiske maler, der kørte forbi med toget og forelskede sig i den lokale skønhed.

Takket være Claude Monet kommer turister hertil hvert år, som ønsker at lære i virkeligheden alle seværdighederne på det store genis ejendom at kende.

Claude Monet lagde stor vægt på lyset, dets nuancer og skyggernes spil og virkelig idoliserede natur. Han købte et simpelt bondehus i Giverny i 1883. Der skulle hans store familie bo - hans kone Alice, hendes børn fra hendes første ægteskab og deres fælles børn.

Monet var så vanvittigt forelsket i blomster, at han plantede et helt drivhus af forskellige varianter på sit websted. Alle farvernes tumult, lys- og skyggespillet, unikke landskaber nedsænket i grønt blev afspejlet i kunstnerens malerier, som han malede med særlig kærlighed. Lidt senere, på stedet bag huset, organiserede Monet en have på vandet, hvis hovedattraktion var åkanderne, der blomstrede hele året rundt. Kunstneren elskede især at tegne dem.

Næsten hver dag, startende klokken fem om morgenen, tilbragte kunstneren tid i denne have og overførte al den omgivende skønhed til sine lærreder. Det var i denne tid, at Claude Monets kreationer blev højt værdsat af kunstelskere, og han opnåede popularitet. Mange medarbejdere til den store kunstner kom for at beundre den blomstrende have, Giverny blev forbundet med det berømte navn Monet.

Impressionisten levede et langt og lykkeligt liv og efterlod sig unikke kunstværker. I dag kan alle komme ind på Monet ejendom. Der vokser roser stadig og charmerer med den guddommelige duft, hvide åkander flyder i dammen, og impressionismens udødelige ånd flyver i luften.

Levende malerier af Claude Monet

Elena Tyapkina

"Når man ser Claude Monet i sin have, begynder man at forstå, hvordan sådan en stor gartner kunne blive sådan en stor kunstner," skriver den symbolistiske digter Gustave Kahn efter sin rejse til Giverny, en malerisk landsby nær Paris.
- Monet er en "stor gartner"? Digteren tog fejl: Monet er en stor impressionist, som malede billeder hele sit liv!
Men nej, Kahn havde ret: hele sit liv - 43 år! - Monet skabte en have.

Han elskede altid blomster og malede dem altid. Og i 1883, efter at have slået sig ned i Giverny, blev han gartner. Absorberet i sin kærlighed til planter skaber han først en normannisk og derefter en fantastisk vandhave. Haven fødes ikke med det samme - Monet forsøger konstant, kigger, eksperimenterer. Under sine rejser finder han de planter, han har brug for: Fra Rouen sender han marksennep og to "sjove små nasturtiums", og fra Norge lover han at bringe børn "flere specielle planter" fra det nordlige land.

Han samler på bøger om havearbejde og sætter mest pris på oversættelsen af ​​George Nichols' berømte Illustrated History of Gardening; abonnerer på næsten alle blade om blomster og haver; samler frøkataloger, især interesseret i nye produkter.
På sine rejser vender kunstneren konstant tilbage i sine tanker til Giverny. Han spørger sin kone Alice, hvordan haven er, bekymrer sig om planterne, rådgiver, hvordan man bedst plejer drivhusets kæledyr. "Er der stadig blomster i haven? Jeg vil gerne have, at krysantemumerne bliver bevaret der, når jeg vender tilbage. Hvis der er frost, skær dem i smukke buketter ”(fra et brev fra 1885).

Dag efter dag, år efter år, skabte Monet tålmodigt sin have. Kunstnerens øjne og gartnerens hænder hjalp ham med at omdanne en almindelig herregård med frugttræer til et levende billede, hvor naturens skønhed og variation formidles gennem farvekombinationer og former. I Monets have var der intet overflødigt, tilfældigt, der var ingen blind samling - kun harmoni.

Haven blev en fortsættelse af hans værksted. Monet ledte utrætteligt efter perfektion og skabte først et blomstermaleri i haven og overførte det derefter til lærred. I de sidste år af sit liv behøvede han ikke længere at forlade Giverny – han malede en have. Bevægende sig i en lille båd langs vandhavens "gyder" skrev, skrev, skrev kunstneren i det uendelige ... en pukkelrygget bro, en vandoverflade med træer, blåregn og åkander reflekteret i den.

Sådan udkom en lyrisk serie af lærreder under den generelle titel "Åkander". "Det tog lang tid," skrev Monet, "før jeg kunne forstå mine åkander * Jeg plantede dem for fornøjelsens skyld, uden overhovedet at tænke på, at jeg ville skrive dem. Og pludselig, uventet, kom åbenbaringen af ​​min fantastiske, vidunderlige dam til mig. Jeg tog en palet, og siden dengang har jeg næsten aldrig haft en anden model * Opfattelsen af ​​levende natur kommer ikke til os med det samme."

Monets vidunderlige have

Men intet af dette kunne være sket: myndighederne tillod ikke kunstneren at bygge en vandhave i lang tid af frygt for, at nymferne - en blomst ukendt dengang - ville forgifte vandet i Ept-floden ...

Og vi vil desværre ikke se meget: ekstremt krævende af sig selv brændte Monet mange skitser og færdige malerier uden fortrydelse. "Vid, at jeg er optaget af arbejde. Vandlandskaber og refleksioner er blevet en besættelse. Det er længere end min alderdom, men jeg vil gerne have tid til at fange det, jeg føler. Jeg ødelægger dem og begynder forfra,” skrev han til biografen Gustave Geffroy i 1908.

Mesterens mest betydningsfulde arbejde var en række enorme "Dekorative paneler med åkander": "Himlen og horisontlinjen vises kun i refleksion. I disse paneler, en konstant foranderlig verden; verden er uforståelig, men den ser ud til at trænge ind i os. Og denne evige fornyende verden syntes at opløses på overfladen af ​​en dam med åkander”.

I sine faldende år tilstod Monet over for Georges Clemenceau: "Hvis du skriver verden omkring os mange gange, så begynder du bedre at opfatte virkeligheden, eller det lidt, vi er i stand til at forstå. Jeg forstår billederne af universet for at være vidne til, hvad jeg ser med min pensel."

Claude Monet bosatte sig i en normannisk landsby Giverny i 1883. Han henledte opmærksomheden på dette sted, fordi han ofte gik forbi i toget - dette var perioden for hans passion for Rouen-katedralen, som han malede i to år. Monet tiltrak generelt Normandiet: han tilbragte sin barndom og ungdom i Le Havre, hvor han malede sit chokerende (som blev et "tegn" på impressionisme) maleri "Impression". Sunrise ”, han elskede den normanniske kyst ved Den Engelske Kanal, skrev meget der - især kridtet inspirerede ham.

Så Monet lejer og erhverver derefter et hus med en grund i Giverny. Han var 43 år gammel, og på dette tidspunkt - efter en lang periode med ikke-anerkendelse, afvisning og latterliggørelse - var succes og fremgang endelig kommet til ham.

Monet boede i Giverny i 43 år indtil sin død i 1926. I årenes løb er der anlagt en skøn have foran huset. Den oprindelige strækning var begrænset til en jernbane, bag hvilken en smal å strømmede i tilgroede bredder. Monet købte et stykke jord bag skinnerne og byggede en underjordisk passage til det (nu skinnerne er blevet demonteret, toget kører ikke længere gennem Giverny). De opdæmmede floden, tændte åkander, rejste en bro i japansk stil, plantede grædende piletræer, bambus og blomster langs bredderne.

The Garden at Giverny er et separat værk af Claude Monet, ikke mindre stort end hans malerier. Der er ingen store forede blomsterbede, tværtimod er alt her som i dyrelivet: mange små lyse blomster spredt i en tilsyneladende lidelse. Hver skaber sit eget slag, er vævet ind i den overordnede lyd. Monets have er også impressionisme, en samling af klare farvepletter, der skaber et fælles lærred – et indtryk. Kun lærredet er i live - vender du tilbage til Giverny om et par uger, ser du et helt andet billede foran dig: nogle farver er falmet, andre har lydt i fuld kraft.

Claude Monets have

Jeg vandrede gennem haven, og tanken forlod mig aldrig: hvilken glad mand han var. Han blev født som et geni - det første held. En kunstner, der så verden anderledes, en fanger af lys og solskin, en reflektor af indtryk og flygtig skønhed. Det andet held - han havde ligesindede venner: han kom ikke alene, var ikke tragisk alene, kæmpede ikke alene med hele verden. Ny kunst var i luften. De marcherede på bred front. Og de vandt.

Med sin lidenskabelige entusiasme ville han have gjort, hvad han elskede under alle forhold. Men i anden halvdel af sit liv var spørgsmålet om hans daglige brød ikke længere for ham, han distraherede ikke fra det vigtigste. Kun kreativitet, lækker, eftertragtet kreativitet. Billeder og en have. Åkanderne, som han malede indtil slutningen af ​​sit liv, var allerede halvblinde, uden at skelne konturerne - kun lyse pletter. Man kan sige, hvor meget Gud gav ham – han gav så meget. Måske lidt mere.

Han drømte om at skabe en slags rum i Paris, hvor en person ville forlade travlheden, kaste sig ud i kontemplation af åkander, faldende pilegrene, spillet af solskin på vandet. Sådan opstod Orangeriemuseet - stedet hvor vi fryser og kommer til fornuft.

Jeg kunne virkelig godt lide huset til Monet og hans familie - ikke beskedent og ikke rigt, alt er med måde: det er hvor meget en person har brug for - der er så meget. To etager, en stor sal med malerier, værelserne er oversvømmet med lys, fra vinduerne er der udsigt til den blomstrende have.

Kantine

Jeg blev overrasket over det store antal af Hokusais tegninger på væggene.

Hvad skal man ellers se i Giverny

Bag huset strækker den lange gade Claude Monet - hovedgaden i Giverny. Blomsterkulten fortsætter med at ledsage dig. Så cafeen på hjørnet hedder "Botanic" - der er virkelig mange blomster i dens gårdhave. (Der er også en informativ turistcenter).

På den anden side af vejen - afklippede buske veksler med blomsterbede, en lilla sky af lavendel ligger på græsset. Nær lavendelskyen er der borde af en sommercafé ved siden af impressionisme museum.

Ja, der er sådan et museum i Giverny. Dens tidligere navn er Museum of American Art, amerikanske kunstnere var repræsenteret der. Nu har museet skiftet emne, emnet for dets undersøgelse er impressionismens historie og beslægtede kunstbevægelser. I maj 2014 fejrede museet 5 års jubilæum.

Impressionister fra Amerika begyndte at slå sig ned i Giverny umiddelbart efter, at Claude Monet flyttede hertil. I betragtning af at franske kunstnere - venner af Claude Monet - også var hyppige gæster i Giverny, kan man forestille sig, hvor mange mennesker med staffelier vandrede rundt i en beskeden normannisk landsby i slutningen af ​​1800-tallet - og derefter sad ved cafeborde. Der er vandrestier i nærheden af ​​Giverny, du kan få et diagram over dem fra informationscentret.

Monet Estate åbningstider og billetpriser

Claude Monet-museet i Giverny er åbent for offentligheden fra 1. april til 1. november. Åbningstider: 9-30 - 18-00. Billetter koster 9,50 euro for voksne og 4 euro for børn. Kombinerede billetter er tilgængelige:
sammen med Museet for impressionisme - 16.50, sammen med de parisiske museer Orangerie eller Marmottan - 18.50.

Kø til Claude Monet-museet. Middag

Sådan kommer du fra Paris til Giverny

Tag toget ved Saint-Lazare station og fortsæt til Vernon. Rejsetiden er 1-15 (afstanden mellem dem er 87 km).

Der går en bus fra Vernon til Giverny. Turen tager 20 minutter. Enkeltbillet koster 4 euro.

Bussens afgangstidspunkt falder sammen med Paris-togets ankomsttid. Så toget fra Paris ankommer til Vernon kl. 9-11, 11-11, 13-11, 15-11.

Bussen afgår fra Vernon til Giverny kl. 9-25, 11-25, 13-25, 15-50.

Nyttige rejseforberedende websteder

Udvalg af hoteller - Booking (hvis du endnu ikke er registreret hos Booking, kan du gøre det ved at bruge mit invitationslink. I dette tilfælde vil Booking returnere 1.000 rubler til dit kort, efter du har reserveret overnatning og foretaget din første rejse).

Leje af bolig fra ejerne -