Italiensk renæssancemaleri - Giotto, Masaccio, Angelico, Titian og Giorgione. Renæssancekunstnere ▲ Engelske renæssancekunstnere

ANGELICO Fra Beato
GIOTTO di Bondone
MANTENIA Andrea
BELLINI Giovani
BOTTICELLI Sandro
VERONEZE Paolo
af VINCI Leonardo
JORDONE
CARPACCIO Vittore
MICHELANGELO BUONARROTI
RAPHAEL Santi
TITIAN

Renæssance eller renæssance -
(fransk renæssance, italiensk Rinascimento) -
en æra i den europæiske kulturs historie,
som afløste middelalderens kultur og
forud for moderne tids kultur.
Omtrentlig kronologisk ramme for æraen - XIV-XVI århundreder.
Et karakteristisk træk ved renæssancen er kulturens sekulære karakter
og dens antropocentrisme (det vil sige renter, i første omgang,
til en person og dennes aktiviteter).
Interessen for oldtidens kultur viser sig,
der er sådan set dens "genfødsel" - og sådan fremstod udtrykket.

Renæssancen fandt sted med klassisk fylde i Italien,
i renæssancekulturen, hvoraf der er perioder med før-renæssance
fænomener i begyndelsen af ​​det 13. og 14. århundrede. (Proto-renæssance), tidlig renæssance (1400-tallet),
højrenæssance (slutningen af ​​det 15. - 1. kvartal af det 16. århundrede),
Senrenæssance (1500-tallet).
I den tidlige renæssance, fokus på innovation
den florentinske skole blev i alle former for kunst,
arkitekter (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, B. Rossellino og andre),
billedhuggere (L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, A. Rossellino,
Desiderio da Settignano osv.), malere (Masaccio, Filippo Lippi,
Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico,
Sandro Botticelli og andre), som skabte en plastisk integral,
et verdensbegreb med en indre enhed,
spredes gradvist over hele Italien
(værker af Piero della Francesca i Urbino, Vittore Carpaccio,
F. Cossa i Ferrara, A. Mantegna i Mantua, Antonello da Messina
og brødrene Gentile og Giovanni Bellini i Venedig).
Under højrenæssancen, hvor kampen for humanisten
Renæssancens idealer fik en anspændt og heroisk karakter,
arkitektur og billedkunst var præget af breddegrad
offentlig lyd, syntetisk generalisering og kraft af billeder,
fuld af åndelig og fysisk aktivitet.
I bygningerne af D. Bramante, Raphael, Antonio da Sangallo nåede
dens apogee er perfekt harmoni, monumentalitet og klar proportionalitet;
humanistisk fylde, dristig flugt af kunstnerisk fantasi,
bredden i dækningen af ​​virkeligheden er karakteristisk for de størstes kreativitet
kunsten i denne æra - Leonardo da Vinci,
Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian.
Fra anden fjerdedel af det 16. århundrede, hvor Italien gik ind i den politiske kriseperiode
og skuffelser over humanismens ideer, mange mestres arbejde
fik en kompleks og dramatisk karakter.
I den sene renæssances arkitektur (Michelangelo, G. da Vignola,
Giulio Romano, V. Peruzzi) øgede interessen for rumlig udvikling
sammensætning, bygningens underordning til et bredt byplanlægningskoncept;
i rig og kompleks udvikling af offentlige bygninger, templer,
villach, palazzo klare tektonik af den tidlige renæssance ændret
intens konflikt mellem tektoniske kræfter (bygninger af J. Sansovino,
G. Alessi, M. Sanmicheli, A. Palladio).
Senrenæssance maleri og skulptur beriget
forståelse af verdens modstridende natur, interesse for billedet
dramatisk massehandling, til rumlig dynamik
(Paolo Veronese, J. Tintoretto, J. Bassano);
hidtil uset dybde, kompleksitet, indre tragedie nået
psykologiske karakteristika ved billeder i senere værker
Michelangelo og Titian.

venetiansk skole

Den venetianske skole, en af ​​de vigtigste malerskoler i Italien
centreret i byen Venedig (delvis også i de små byer Terrafarm-
områder af fastlandet, der støder op til Venedig).
Den venetianske skole er præget af overvægten af ​​den billedlige begyndelse,
særlig opmærksomhed på problemerne med farve, ønsket om at implementere
sensuel fuldstændighed og glans af væren.
Den største opblomstring af den venetianske skole nåede i æraen
Tidlig og høj renæssance, i værker af Antonello da Messina,
som åbnede oliemaleriets udtryksmuligheder for sine samtidige,
skaberne af ideelt harmoniske billeder af Giovanni Bellini og Giorgione,
den største kolorist Titian, som legemliggjorde i sine lærreder
munterhed og farverig overflod, der er iboende i venetiansk maleri.
I værkerne af mestrene fra den venetianske skole i 2. halvdel af det 16. århundrede.
virtuositet i at formidle verdens multifarve, kærlighed til festlige briller
og en mangefacetteret skare sameksisterer med eksplicit og skjult drama,
en alarmerende følelse af universets dynamik og uendelighed
(maleri af Paolo Veronese og J. Tintoretto).
På 17 i den traditionelle venetianske skole interesse for problemerne med farve
i værker af D. Fetti, B. Strozzi og andre sameksisterer med teknikker fra barokmaleri,
samt realistiske tendenser i karavaggismens ånd.
Til venetiansk maleri fra det 18. århundrede. blomstrende
monumental og dekorativ maleri (G. B. Tiepolo),
genre genre (J. B. Piazzetta, P. Longhi),
dokumenteret - nøjagtigt arkitektonisk landskab - bly
(J.A. Canaletto, B. Belotto) og lyrik,
subtilt formidle den poetiske atmosfære i hverdagen
Venedig bybillede (F. Guardi).

florentinsk skole

School of Florence, en af ​​de førende italienske kunstskoler
Renæssance med centrum i byen Firenze.
Dannelsen af ​​den florentinske skole, som endelig tog form i det 15. århundrede,
bidraget til opblomstringen af ​​den humanistiske tankegang
(F. Petrarca, G. Boccaccio, Lico della Mirandola osv.),
henvendte sig til antikkens arv.
Giotto blev grundlæggeren af ​​den florentinske skole i æraen af ​​proto-renæssancen,
giver hans kompositioner plastisk overtalelsesevne og
livsvigtig sikkerhed.
I det 15. århundrede. grundlæggerne af renæssancekunsten i Firenze
lavet af arkitekten F. Brunelleschi, billedhugger Donatello,
maler Masaccio, efterfulgt af arkitekten L.B. Alberti,
billedhuggerne L. Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano,
Benedetto da Maiano osv.
I den florentinske skoles arkitektur i det 15. århundrede. en ny type blev oprettet
Renæssance palazzo, søgen efter den ideelle type tempelbygning er begyndt,
møde tidens humanistiske idealer.
For den fine kunst i den florentinske skole i det 15. århundrede. er karakteristiske
passion for perspektivproblemer, stræber efter plastisk klar
at bygge en menneskelig figur
(værker af A. del Verrocchio, P. Uccello, A. del Castagno osv.),
og for mange af hendes mestre - en særlig spiritualitet og en intim lyrisk
kontemplation (maleri af B. Gozzoli, Sandro Botticelli,
Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo osv.).
Søgninger af 1400-tallets mestre. fuldført af renæssancens store kunstnere
Leonardo da Vinci og Michelangelo, som rejste den kunstneriske søgen
Florentinsk skole til et nyt kvalitetsniveau. I 1520'erne.
skolens gradvise tilbagegang begynder, på trods af det
at en række store kunstnere fortsatte med at arbejde i Firenze
(malerne Fra Bartolommeo og Andrea del Sarto, billedhugger A. Sansovino);
fra 1530'erne. Florentinsk skole bliver et af hovedcentrene
manneristisk kunst (arkitekt og maler G. Vasari,
malere A. Bronzino, J. Pontormo).
I det 17. århundrede faldt den florentinske skole i forfald.

Tidlig renæssance

Perioden med den såkaldte "Tidlige Renæssance" dækker
i Italien er tiden fra 1420 til 1500.
I løbet af disse firs år er kunsten endnu ikke helt forladt
fra legenderne fra den nyere fortid, men prøver at blande elementer med dem,
lånt fra den klassiske oldtid.
Først senere, og kun lidt efter lidt, under indflydelse af flere og flere
og endnu stærkere de skiftende livs- og kulturforhold,
kunstnere helt opgiver middelalderlige grundlag og dristigt bruge
eksempler på gammel kunst som i det generelle koncept for deres værker,
og i deres detaljer.

Mens kunsten i Italien allerede resolut har fulgt efterligningens vej
klassisk oldtid, i andre lande varede den længe
traditioner i den gotiske stil. Nord for Alperne og også i Spanien,
Vækkelse kommer først i slutningen af ​​det 15. århundrede,
og dens tidlige periode varer indtil omkring midten af ​​det næste århundrede,
uden dog at frembringe noget særligt bemærkelsesværdigt.

Højrenæssance

Den anden periode af renæssancen - tiden for den mest storslåede udvikling af hans stil -
almindeligvis kaldet "Højrenæssance",
den strækker sig i Italien fra omkring 1500 til 1580.
På dette tidspunkt er tyngdepunktet for italiensk kunst fra Firenze
flytter til Rom, takket være Julius II's tiltrædelse af pavedømmet,
en ambitiøs, modig og initiativrig person,
tiltrak de bedste kunstnere i Italien til sit hof,
optog dem med talrige og vigtige værker og gav
for andre et eksempel på kærlighed til kunsten. Med denne pave og hans nærmeste efterfølgere,
Rom bliver så at sige det nye Athen i Perikles tid:
mange monumentale bygninger er skabt i det,
storslåede skulpturelle værker udføres,
der males fresker og malerier, som stadig betragtes som maleriets perler;
mens alle tre grene af kunst går harmonisk hånd i hånd,
hjælpe hinanden og gensidigt handle på hinanden.
Antikken studeres nu mere grundigt,
gengivet med større stringens og konsistens;
ro og værdighed afvikles i stedet for legende skønhed,
som var den forudgående periodes aspiration;
minderne fra middelalderen forsvinder fuldstændigt, og det er en ganske klassiker
aftrykket falder på alle kunstværker.
Men efterligning af de gamle overdøver ikke deres uafhængighed i kunstnere,
og de, med stor opfindsomhed og livlig fantasi,
frit behandle og anvende til erhvervslivet hvad
som anses for passende at låne for ham fra græsk-romersk kunst.

Sen renæssance

Tredje periode af renæssancen,
den såkaldte "senrenæssanceperiode",
er kendetegnet ved et lidenskabeligt, rastløst ønske fra kunstnere
helt vilkårligt, uden en rimelig rækkefølge, at udvikle sig
og kombinere antikke motiver for at opnå imaginær maleriskhed
formoverdrivelse og prætentiøsitet.
Tegn på denne aspiration, som fødte barokstilen,
og så, i det 18. århundrede, blev rokokostilen vist tilbage
den foregående periode i høj grad ved ufrivillig skyld
store Michelangelo, hans geniale, men alt for subjektive
kreativiteten hos den, der gav et farligt eksempel på en ekstrem fri attitude
til principperne og former for gammel kunst; men nu retningen
den er gjort universel.

****************************************************

ANGELICO, FRA BEATO -
(Fra Giovanni da Fiesole) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(ca. 1400-1455), italiensk maler af den florentinske skole.
Hans værker kombinerede dybt religiøst indhold og sofistikeret stil;
gotisk malertradition og træk ved renæssancens nye kunst.
Fra Angelico, som i verden hed Guido di Piero,
blev født i byen Vicchio i Toscana omkring 1400. I et dokument, der går tilbage til 1417,
han er allerede nævnt som kunstner; det er også kendt
at han før 1423 i Fiesole gik ind i Dominikanerordenen og modtog navnet Fra Giovanni da Fiesole,
og senere var abbed for klostret San Marco i Firenze.
Mange værker tilskrives den tidlige periode af Fra Angelicos arbejde,
betragtes nu som hans elevers værker, variationer over temaerne i hans kompositioner.
Et af de første store værker af kunstneren - Linayuoli-triptykonen fra klostret
San Marco i Firenze (1433-1435), i hvis centrale del Jomfruen og Barnet er repræsenteret
på tronen, og på sidepanelerne er to helgener. Figuren af ​​Guds Moder vises traditionelt,
og i skildringen af ​​de stående helgener er indflydelsen fra Masaccios maleri mærkbar med dens tunge og stive modellering af ansigter.
I 1430'erne-1440'erne var Fra Angelico en af ​​de første til at bruge en ny type altertavle,
som blev meget populær under renæssancen, sacra conversazione (hellig interview).
Fra 1438 til 1445 malede kunstneren det florentinske kloster San Marco med fresker.
Dette kloster, overført til den dominikanske orden af ​​pave Eugene IV, blev genopbygget af en arkitekt
Michelozzo bestilt af hertug Cosimo Medici. Temaet for vægmalerierne er forbundet med den dominikanske orden,
dens historie, charter, især ærede helgener.
Et eksempel er fresker af klostret (Død Kristus; Kristus i skikkelse af en vandrer,
som modtages af to dominikanermunke; St. Peter Martyr (dominikanernes hovedhelgen);
St. Dominic på knæ ved korsfæstelsen).
I kapitelsalen skrev Fra Angelico en stor komposition Korsfæstelsen med to røvere
på Kristi sider og en skare af helgener fra alle epoker af kristendommen, samlet ved foden af ​​korset.
Deres sørgende ansigter er vendt mod jorden, ikke én ser op på Kristus;
kunstneren skildrede korsfæstelsen ikke som en historisk begivenhed, men som et mystisk billede,
lever i menneskelig bevidsthed.
Kalkmalerierne i San Marco-klostret fylder ånden af ​​Kristi efterligning - en mystisk religiøs afhandling,
skrevet af den augustinske kanon Thomas af Kempi.
Hver celle var også dekoreret med kalkmalerier, som var beregnet til opbyggelse af brødrene,
for eksempel kompositionen Mockery of Christ. Stemningen i disse fresker svarer til enkelheden og
rolig tilbageholdenhed af maleriet.
Fra Angelico tilbragte de sidste ti år af sit liv i Rom, hvor han dekorerede kapellet med fresker
Pave Nikolaj V (1445-1448). Brudstykker af livet for St. Lawrence og St. Stefan.
Efter design var disse mere fortællende scener end bønnebilleder.
De bruger komplekse arkitektoniske baggrunde, i konstruktionen af ​​hvilken viden mærkes
mester i oldtidens kunst, og i præcist kalibrerede perspektivkonstruktioner man kan se indflydelsen af
Masaccio og Brunelleschi.

Jomfru Marias kroning

Pinselen af ​​St. Cosmas og Damian

*********************************************

Giotto di Bondone - født i 1266 eller 1267
i landsbyen Vespignano nær Firenze i familien til en lille godsejer.
Formentlig i en alder af 10 begyndte Giotto at studere maleri
i studiet hos Cimabue, en berømt florentinsk maler.
Giotto var borger i Firenze, selvom han også arbejdede i Assisi, Rom, Padua,
Napoli og Milano. Hans kunstneriske talent og praktiske forretningssans sikrede
han er i en fast tilstand. Selvom Giottos værksted blomstrede,
historien har kun bevaret nogle få lærreder signeret med hans navn,
og selv dem, ifølge eksperter, højst sandsynligt tilhører børsten af ​​hans assistenter.
Giottos flamboyante personlighed skiller sig ud blandt de italienske mestre i proto-renæssancen,
først og fremmest en tendens til at innovere, at skabe en ny kunstnerisk måde,
forudbestemt den klassiske stil i den kommende renæssance.
Hans maleri legemliggør ideen om menneskeheden og bærer den første begyndelse af humanismen.
I 1290-99. Giotto skabte vægmalerierne af den øvre kirke i San Francesco i Assisi -
25 fresker af scener fra Det Gamle Testamente samt episoder fra Frans af Assisis liv
("Kildens mirakel"). Kalkmalerierne er kendetegnet ved deres klarhed, ukomplicerede fortælling,
tilstedeværelsen af ​​dagligdags detaljer, der giver vitalitet og naturlighed til de afbildede scener.
At afvise den kirkelige kanon, der dominerede tidens kunst,
Giotto portrætterer sine karakterer som ligner rigtige mennesker:
med proportionelle, squate kroppe, runde (ikke aflange) ansigter,
det korrekte snit af øjnene mv. Hans helgener svæver ikke over jorden, men står fast på den med begge fødder.
De tænker på det jordiske snarere end det himmelske, og oplever fuldstændig menneskelige følelser og følelser.
For første gang i det italienske maleris historie, sindstilstanden hos et maleris helte
overføres ved ansigtsudtryk, fagter, kropsholdning.
I stedet for den traditionelle gyldne baggrund skildrer Giottos fresker et landskab,
interiør eller skulpturelle grupper på facaderne af basilikaer.
I hver komposition skildrer kunstneren kun et øjeblik af handlingen,
og ikke en sekvens af forskellige scener, som mange af hans samtidige gjorde.
I begyndelsen af ​​1300-tallet. kunstneren besøgte Rom.
Bekendtskab med senantik maleri og værker af P. Cavallini
bidrog til dannelsen af ​​hans kreative metode.
Giottos kreative præstationer blev videreudviklet i malerierne af Scrovegni-kapellet
(Chapels del Arena) i Padua, udført af ham i 1304-06.
Kapel på væggene i 3 etager,
fresker viser scener fra Joachims og Annas liv
("Joachim blandt hyrderne", "Joachims offer", "Drøm om Joachim", "Møde ved den gyldne port"),
Jomfru Maria og Kristus ("Jul", "Tilbedelse af Magi", "Flygt til Egypten",
"Massakre af spædbørn", "Kristi dåb", "Lazarus opstandelse",
"Judas modtager betaling for forræderi", "Kiss of Judas",
"Bære korset", "Korsfæstelse", "Kristi klagesang", "Opstandelse"),
samt scener af den sidste dom.
Disse malerier er hovedværket og højdepunktet af kunstnerens arbejde.
I 1300-02. Giotto udfører vægmalerier i Badia-kirken i Firenze.
Ved 1310-20 forskere tilskriver den berømte altertavle "Madonna Onissanti".
Sammensætningen er ikke underskrevet, men forskere tilskriver den enstemmigt Giotto.
I 1320'erne. Giotto skaber vægmalerier til Peruzzi- og Bardi-kapellerne
i den florentinske kirke i Santa Croce om temaerne for Johannes Døberens liv,
Johannes evangelisten og Frans af Assisi
("Stigmatisering af St. Frans", "Død og Himmelfart af St. Frans").
I 1328-33. Giotto lavede med hjælp fra talrige elever malerier kl
det napolitanske hof af kong Robert af Anjou, som tildelte kunstneren titlen "hofmand".
Fra 1334 overvågede Giotto byggeriet af katedralen Santa Maria del Fiore
og bybefæstninger i Firenze, som vandt bred anerkendelse blandt
samtidige og borgere i Firenze. Giotto er krediteret med Campanile-projektet
(klokketårne) af den florentinske katedral (startet i 1334, byggeriet fortsatte
i 1337-43 Andrea Pisano, færdiggjort omkring 1359 af F. Talenti).
Giotto var gift to gange og havde otte børn.
I 1337 døde Giotto.

1 Joachim trækker sig tilbage i ørkenen

2. Madonna og barn

3 sørgende engel 1

4.St. Clara af Assisi

5. Stigmatisering af St. Francis

6 St. Stephen

7 Kristi fødsel

8 Jomfruens fødsel

9 Marias introduktion til templet

10. Pieta, fragment

11 Guds Moder og Barnet på tronen

12 evangelisten Johannes på Patmos

MANTENIA ANDREA -
(Mantegna, Andrea) (ca. 1431-1506),
en af ​​de største renæssancemalere i Norditalien.
Mantegna kombinerede de vigtigste kunstneriske forhåbninger fra renæssancemestrene i det 15. århundrede:
passion for antikken, interesse for nøjagtig og omhyggelig, ned til mindste detalje,
overførsel af naturfænomener og uselvisk tro i lineært perspektiv
som et middel til at skabe illusionen om plads på flyet.
Hans arbejde blev hovedforbindelsen mellem den tidlige renæssance i Firenze
og kunstens senere blomstring i Norditalien.
Mantegna blev født ca. 1431; mellem 1441 og 1445 blev han indskrevet i malernes værksted i Padua
som adoptivsøn af Francesco Squachone, en lokal kunstner og antikvar,
i hvis værksted han arbejdede indtil 1448.
I 1449 begyndte Mantegna at skabe en freskodekoration til Eremitani-kirken i Padua.
I 1454 giftede Mantegna sig med Nikolosa, datter af den venetianske maler Jacopo Bellini,
søster til to fremragende mestre i det 15. århundrede. - Gentile og Giovanni Bellini.
Mellem 1456 og 1459 malede han en altertavle til kirken San Zeno i Verona. I 1460,
Mantegna tog imod invitationen fra markisen af ​​Mantua Lodovico Gonzaga, og slog sig ned ved sit hof.
I 1466-1467 besøgte han Toscana, og i 1488-1490 Rom,
hvor han efter anmodning fra pave Innocentius VIII dekorerede sit kapel med fresker.
Ophøjet til ridderværdigheden, indtager en høj stilling ved hoffet,
Mantegna tjente Gonzaga-familien indtil slutningen af ​​sit liv. Mantegna døde den 13. september 1506.
16. maj 1446 Mantegna og tre andre kunstnere fik til opgave at male Owetari-kapellet
i Padua-kirken Eremitani (ødelagt under Anden Verdenskrig).
Mantegna hører til det meste af arbejdet med skabelsen af ​​fresker (1449-1455),
og det er hans kunstneriske stil, der dominerer ensemblet.
Scenen af ​​Sankt Jakob foran Herodes Agrippa i Owetari-kapellet er et eksempel på stilen
tidlig periode med kreativitet Mantegna.
I andre malerier af Mantegna fra denne tid, såsom maleriet Prayer for the Cup
(London, National Gallery), ikke kun menneskelige figurer er udført på en stiv lineær måde,
men også et landskab, hvor hver sten og græsstrå er omhyggeligt undersøgt og malet af kunstneren,
og klipperne er oversået med knæk og revner.
Altertavlen i San Zeno-kirken (1457-1459) i Verona er en billedfortolkning
det berømte skulpturalter i St. Anthony, skabt af Donatello
for basilikaen Sant Antoni (Santo) i Padua. Mantegnas triptykon er indrammet,
udført i højrelief og imiterende elementer af klassisk arkitektur.
Et af de mest bemærkelsesværdige eksempler på rumligt illusionistisk maleri
Mantegna er et maleri af Chamme degli Sposi i Palazzo Ducale i Mantua, færdiggjort i 1474.
Det firkantede rum er visuelt forvandlet af fresker til en lys, luftig pavillon,
som om lukket på to sider af gardiner skrevet på væggene, og på to andre sider, der åbner
billedet af Gonzaga-gården og landskabspanoramaet i baggrunden.
Mantegna-hvælvingen blev opdelt i rum og placeret i dem, indrammet af en rig antikvitet
dekorative billeder af buster af romerske kejsere og scener fra klassisk mytologi.
I den øverste del af hvælvingen er skrevet et rundt vindue, hvorigennem himlen er synlig;
rigt klædte karakterer ser ned fra en balustrade givet i et stærkt perspektivsnit.
Dette fresco-ensemble er bemærkelsesværdigt, ikke kun som et af de første i den nye europæiske kunst
eksempler på at skabe et illusorisk rum på flyet, men også som en samling meget skarp og præcis
fortolkede portrætter (medlemmer af Gonzaga-familien).
Serien af ​​monokrome malerier Triumf af Cæsar (1482-1492) blev bestilt af Francesco Gonzaga
og var beregnet til at dekorere paladsteatret i Mantua; disse malerier er dårligt bevarede
og er i øjeblikket på Hampton Court Palace i London.
Ni store lærreder forestiller en lang procession med et stort antal antikke skulpturer,
rustning, trofæer. Hendes bevægelse kulminerer i en højtidelig march foran den sejrrige Cæsar. Malerierne afspejler Mantegnas omfattende viden om oldtidskunst og klassisk litteratur.
I denne cyklus og i Madonna della Vittoria (1496, Paris, Louvre), skrevet til minde om Gonzagas militære sejr,
Mantegnas kunst har nået den største monumentalitet. Formerne i dem er omfangsrige, bevægelserne er overbevisende og klare,
rum fortolkes bredt og frit.
Til studiet (kabinettet) af Isabella d "Este, konen til Francesco Gonzaga, skrev Mantegna to kompositioner
om mytologiske temaer (det tredje forblev ufærdigt): Parnassus (1497) og Minerva,
uddrive laster (1502, begge i Louvre). En vis blødgøring af Mantegnas stil er mærkbar i dem,
forbundet med en ny forståelse af landskabet. Fresko-dekoration af Belvedere-kapellet,
henrettet af Mantegna for pave Innocentius VIII i 1488, gik desværre tabt under
udvidelse af Vatikanpaladset under Pius VI's pontifikat.
På trods af at kun syv aftryk utvivlsomt kan anses for at tilhøre Mantegnas hånd,
mesterens indflydelse på udviklingen af ​​denne kunstform er enorm. Hans gravering Madonna and Child viser
hvor organisk kunstnerens stil kan eksistere i den grafiske teknik,
med dens iboende elasticitet og skarphed af linjen, der fikserer bevægelsen af ​​graverens fræser.
Andre graveringer tilskrevet Manteigne - Battle of the Sea Gods (London, British Museum)
og Judith (Firenze, Uffizi-galleriet).

1.Korsfæstelsen, 1457-1460.

2. Madonna og barn.
1457-59. Fragment

3. Bed om en kop.
C. 1460

4.Portræt af kardinal Carlo Medici.
Mellem 1450 og 1466

5.Camera degli Spozi
Oculus. 1471-74

6.Camera degli Spozi Fragment af den nordlige mur.

7.Camera degli Spozi Fragment af østmuren.

8. Slaget om havguderne.
1470'erne

9 St. Sebastian.
C. 1480

10 Madonna of the Rocks
1489-90

12 Madonna della Vittoria
1496

13 Parnass
1497, Louvre, Paris

14. Samson og Delila Omkring 1500
National Gallery, London

****************************

BELLINI Giovanni -
Bellini, familie af italienske malere,
grundlæggerne af renæssancekunsten i Venedig.
Familieoverhoved - Jacopo Bellini (ca. 1400-1470/71)
med en blød billedlyrik bevarede han forbindelsen med gotikkens traditioner
("Madonna and Child", 1448, Brera Gallery, Milano).
I hans tegninger fulde af levende observationer
(skitser af gamle monumenter, arkitektoniske fantasier),
afspejlede interesse for perspektivproblemerne, indflydelsen fra A. Mantegna og P. Uccello.
Med navnet Gentile Bellini (cirka 1429-1507), søn af Jacopo Bellini,
fødslen af ​​det venetianske genrehistoriske maleri er forbundet,
("Procession på Piazza San Marco", 1496, "Miracle of the Holy Cross", 1500, -
begge i Accademia Gallery, Venedig). Giovanni Bellini (ca. 1430-1516),
den anden søn af Jacopo Bellini, den største mester i den venetianske skole, som lagde
grundlaget for højrenæssancens kunst i Venedig.
Giovanni Bellinis tidlige værker, dramatisk skarpe, kolde i farverne
(Lamentation for Christ, ca. 1470, Brera Gallery, Milano) mod slutningen af ​​1470'erne
erstattes af harmonisk klare billeder, hvor de statelige menneskebilleder
det spirituelle landskab er konsonant (den såkaldte "Lake Madonna", 1490'erne, Uffizi;
"Feast of the Gods", National Gallery of Art, Washington).
Værker af Giovanni Bellini, herunder hans mange Madonnaer
("Madonna med træer", 1487, Accademia Gallery, Venedig; "Madonna", 1488,
Accademia Carrara, Bergamo), er kendetegnet ved den bløde harmoni af klanglige,
som om den var mættet med solen af ​​mættede farver og subtiliteten af ​​lys- og skyggeovergange,
rolig højtidelighed, lyrisk fordybelse og tydelig billeddigtning.
I værket af Giovanni Bellini, sammen med den klassisk ordnede komposition
Renæssancealtertavle (Madonna troner omgivet af helgener, 1505,
San Zaccaria-kirken, Venedig) dannede en fuld interesse for mennesket
(portræt af Doge L. Loredan, 1502, National Gallery, London;
Portræt af Condottiere, 1480, National Gallery, Washington).

1. "St. George and the Dragon" Detalje af alteret, 1470

2. "Græsk Madonna"
1460

3. "Portræt af en Condottiere"
1480

4. "Gudernes fest"
1514

5. "Korsfæstelse"
1501-1503

6. "Madonna og barn"
1480

7. "Dyd"
1500

8. "St. Jerome læser i naturen"
1460

9. "Transfiguration"
1485

10. "Bøn om koppen"
(Kval i haven) Omkring 1470

11. "Madonna og barn med velsignelse"
1510, Brera Samling, Milano

12. "Allegory of Purgatory" (left.fr.)
1490-1500, Uffizi Galleri

13. "Fire Allegorier
Vedholdenhed og skæbne", 1490

14. "Allegory of Purgatory" (r.fr.)
1490-1500, Uffizi Galleri

15. "Fire Allegorier
Forsigtighed og bedrag", 1490

16. "Nøgen ung kvinde med et spejl"
1505-1510, Kunsthistorisches Museum, Wien

****************************

Botticelli Sandro -
[Alessandro di Mariano Filipepi egentlig, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445-1510), italiensk maler fra den tidlige renæssance.
Tilhørte den florentinske skole, studerede omkring 1465-1466 hos Filippo Lippi;
i 1481-1482 arbejdede han i Rom. Botticellis tidlige værker er præget af
overskuelig konstruktion af plads, tydelig afskæring af støbning, interesse for husstandsdetaljer
("The Adoration of the Magi", ca. 1476-1471,). Fra slutningen af ​​1470'erne, efter Botticellis tilnærmelse
med hoffet for herskerne i Florence Medici og kredsen af ​​florentinske humanister,
i hans arbejde forstærkes aristokrati og sofistikerede træk, malerier dukker op
om ældgamle og allegoriske temaer, hvor sanselige hedenske billeder er gennemsyret
sublim og samtidig poetisk, lyrisk spiritualitet
("Forår", ca. 1477-1478, "Venus' fødsel", ca. 1483-1485, - begge i Uffizierne).
Landskabets dyriske karakter, figurernes skrøbelige skønhed, lysets musikalitet, dirrende linjer,
gennemsigtigheden af ​​raffinerede farver, som om de er vævet af reflekser, skaber en atmosfære i dem
dagdrømme og let tristhed.
I freskoerne lavet af Botticelli i 1481-1482 i Det Sixtinske Kapel i Vatikanet
("Scener fra Moses' liv", "Straff af Korea, Dathan og Abiron" osv.)
den majestætiske harmoni af landskab og antik arkitektur kombineres med
intern plotspænding, skarphed af portrætkarakteristika, der er iboende i
sammen med søgen efter subtile nuancer af den indre tilstand af den menneskelige sjæl,
og staffeliportrætter af mesteren (portræt af Giuliano Medici, 1470'erne, Bergamo;
portræt af en ung mand med en medalje, 1474, Uffizi Gallery, Firenze).
I 1490'erne, i en tid med social uro og mystisk-asketisk
prædikener af munken Savonarola, optræder noter af drama i Botticellis kunst
og religiøs ophøjelse ("Slander", efter 1495, Uffizi), men hans tegninger
til Dantes guddommelige komedie (1492-1497, graveringskontoret, Berlin og Vatikanets bibliotek)
med skarpheden af ​​følelsesmæssig udtryksfuldhed bevarer de linjens lethed og billedernes renæssanceklarhed.

1. "Portræt af Simoneta Vespucci" omkring 1480

2. "Allegori om dyd"
1495

3. "Historien om Lucretia"
Cirka 1500

4. "Portræt af en ung mand med en medalje"

5. "Mystisk jul"
Cirka 1500

6. "Straff af Korea, Dathan og Abiron"

7. "St. Augustin den salige"
C. 1480

8. "Bebudelse"
C. 1490

9. "Madonna Magnificat"
1486

10. "Madonna af Granatæblet"
1487

11. "Tilbedelse af Magi"
Zanobis alter 1475

12. "Bagvaskelse"
1495

13. "Venus og Mars"
1482-1483

14. "Forår" 1477-1478
Uffizi-galleriet, Firenze

15. "Bogens Madonna" 1485
Poldi Pezzoli-museet, Milano

16. "Pallas Athena og Kentauren" 1482
Uffizi-galleriet, Firenze

17. "Venus' fødsel" c. 1482
Uffizi-galleriet, Firenze

18 fresko af Det Sixtinske Kapel
(detalje) 1482 Rom, Vatikanet

19. "Historien om Nastagio degli Onesti"
C. 1485 Prado, Madrid

****************************

VERONEZE Paolo - (Veronese; egentlig Cagliari, Caliari) Paolo (1528-1588),
Italiensk maler fra senrenæssancen.
Studerede hos Verona-maleren A. Badile; arbejdede hovedsageligt i Venedig, samt i Verona, Mantua, Vicenza, Padua, i 1560, muligvis besøgt Rom. Veroneses kunstneriske stil, som udviklede sig i midten af ​​1550'erne, legemliggjorde de bedste træk ved den venetianske malerskole: let, kunstnerisk sofistikeret tegning og formplasticitet kombineres med et udsøgt farveskema baseret på komplekse kombinationer af rene farver forenet med en lysende sølvfarvet tone.

1. "At finde Moses"
1580

2. "The Temptation of St. Anthony"
1567

3. "The Assassination of St. Justin"
1573

4. "Portræt af Daniele Barbaro"
1569

5. "Kristus og den samaritanske kvinde" (detaljer)
1582

6. "Golgata"
1570

7. "Mars og Venus"
1570

8. "Allegori om kærlighed. Forræderi"
1570

9. "Saint Lucia"
1580

10. "Kristus i Emmaus"
1570

11. "Henrettelsen af ​​de hellige Mark og Marcillian"
1578

12. "Fest hos Simons Hus"
C. 1581

13. "Engle"
(fragment "Kvinden fra Zebedia og Kristus")

14. "Badende Susanna"
1570'erne, Louvre, Paris

15. "Rør mig ikke!" 1570
Kunstmuseum, Grenoble

16. "Badende Batseba" 1570'erne
Museum of Fine Arts, Lyon

****************************

LEONARDO DA VINCI -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
Italiensk maler, billedhugger, arkitekt, videnskabsmand og ingeniør.
Grundlæggeren af ​​højrenæssancens kunstneriske kultur,
Leonardo da Vinci udviklede sig som en mester,
studerer i Firenze hos A. del Verrocchio.
Arbejdsmetoder i Verrocchios værksted, hvor kunstnerisk praksis
parret med tekniske eksperimenter,
samt venskab med astronomen P. Toscanelli bidrog
fødslen af ​​den unge da Vincis videnskabelige interesser.

1. "Madonna of the Spinning Wheel" 1501

2. "Jomfru og barn med St. Anne"
C. 1507

3. "Bacchus"
1510-1513

4. "Johannes Døberen"
1513-1517

5. "Leda og svanen"
1490-1500 tallet

6. "Nellikens Madonna" 1473

7. "Portræt af Beatrice d" Este "
1490

8. "Portræt af Ginevra Benchi"
1476

9. "Bebudelse"
1472-1475

10. "Den sidste nadver"
(centralt fragment) 1495-1497, Milano

11. Restaureringsversion af den sidste nadver fresco
(centralt fragment)

12. "Madonna Litta"
C. 1491, Eremitage, Sankt Petersborg

13. "Dame med en hermelin" 1485-1490
Nationalmuseet, Krakow

14. "Portræt af en Musiker" 1490
Pinacoteca Ambrosiana, Milano

15. "Mona Lisa" (La Gioconda)
1503-1506, Louvre, Paris

16. "Madonna Benoit" 1478
Eremitage, St. Petersborg

17. "Portræt af en ukendt"
Cirka 1490, Louvre, Paris

18. "Madonna of the Rocks" ca. 1511
National Gallery, London

****************************

GEORGONE -
(Giorgione; faktisk Giorgio Barbarelli da Castelfranco,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 eller 1477-1510),
Italiensk maler, en af ​​grundlæggerne
højrenæssancens kunst.
Sandsynligvis studeret med Giovanni Bellini,
var tæt på kredsen af ​​venetianske humanister,
også kendt som sanger og musiker.
Sammen med kompositioner om religiøse temaer
("Adoration of the Shepherds," National Gallery of Art, Washington).
Giorgione skabte malerier om sekulære, mytologiske emner,
det var i hans arbejde, de fik den overvejende betydning.

1. "Tordenvejr"
1505

2. "En kriger med sin væbner"
1509

3. "Madonna enthroned
og helgener "1505

4. "Madonna i et landskab"
1503

5. "Tre aldre af livet"
1510

6. "Bogens Madonna"
1509-1510

7. "At finde Moses"
1505

8. "Tilbedelse af hyrderne"
Omtrent 1505

9. "Portræt af Antonio Broccardo"

10. "Landdistriktskoncert"
1510

11. "Portræt af en gammel kvinde"
C. 1510

12. "Ceres"
C. 1508

13. "Portræt af en ung mand"
C. 1506

14. "Ved solnedgang"
1506

15. "Madonna og barn med hellige"
1510

16. "Judith" ca. 1504
Eremitage, St. Petersborg

17. "Laura" 1506
Kunsthistorisk museum, Wien

18. "Sovende Venus"
Cirka 1510, Dresden Gallery

19. "Tre Filosofer" 1508
Kunsthistorisk museum, Wien

****************************

CARPACCIO Vittore -
(Carpaccio) Vittore
(omkring 1455 eller 1456 - omkring 1526),
Italiensk maler fra den tidlige renæssance.
Studerede hos Gentile Bellini; arbejdet i Venedig.
Carpaccio fortolkede legendariske hellige begivenheder som virkelige scener,
indsat i rummet af hans moderne Venedig,
omfattede bylandskaber og interiører, talrige genredetaljer,
levende genskabe byens borgeres liv (malerier fra St. Ursulas liv, 1490-1495,
Accademia Gallery, Venedig, og St. George og St. Jerome, 1502-1507,
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venedig).
Ønsket om at skabe et holistisk billede af universet sameksisterer i værkerne
Carpaccio med en fængslende historiefortælling,
poetisk og lidt naiv friskhed af detaljer.
Subtilt formidler den blødgørende effekt af lys-luft-miljøet
klingende lokale farvepletter,
Carpaccio forberedte de koloristiske opdagelser fra det 16. århundredes venetianske malerskole.

1. "Pilgrimmenes ankomst
til Köln"
1490

2. "Madonna, Johannes Døberen og de hellige"
1498

3. "Løven af ​​St. Mark"
(fragment)
1516

4. "Tvist om St. Stephen"
St. Stephens liv
1514

5. "Frelser og fire apostle"
1480

6. "Saint George Slaying the Dragon"
1502-1508

7. "The Apoteosis of Saint Ursula"
1491

8. "Slagtning af ti tusinde"
1515

9. "Selenitternes dåb af St. George"
1507

10. "Ung ridder" 1510,
Thyssen-Bornemisza-samlingen, Madrid

11. "Allegori. Kristi lidenskab"
1506, Metropolitan, New York

12. "Møde af pilgrimme med paven"
1493, Galleri Accademia, Venedig

13. "Det Hellige Kors Mirakel"
1494, Galleri Accademia, Venedig

****************************

MICHELANGELO Buonarotti -
(Michelangelo Buonarroti; aka Michelagnolo di Lodovico di Lionardo di Buonarroto Simoni)
(1475-1564), italiensk billedhugger, maler, arkitekt og digter
.I Michelangelos kunst, med stor udtrykskraft, legemliggjorde de som dybt menneskelige,
højrenæssancens idealer fuld af heroisk patos, såvel som den tragiske følelse af krisen
humanistisk livssyn, karakteristisk for senrenæssancetiden.
Michelangelo studerede i Firenze i D. Ghirlandaios værksted (1488-1489) og
af billedhuggeren Bertoldo di Giovanni (1489-1490),
dog var den afgørende betydning for Michelangelos kreative udvikling hans bekendtskab
med værker af Giotto, Donatello, Masaccio, Jacopo della Quercia,
undersøgelse af monumenter af antik plast.
Michelangelos kreativitet,
som blev den strålende sidste fase af den italienske renæssance,
spillet en stor rolle i udviklingen af ​​europæisk kunst,
stort set forberedt dannelsen af ​​mannerisme,
haft stor indflydelse på dannelsen af ​​barokkens principper.

1. Maleri på hvælvingen i Det Sixtinske Kapel

2. Lunets (profeter og paver)

3. Detalje af maleriet "Skabelsen af ​​Adam"

4. Detalje "Profeterne Jeremias og Esajas"

5. Detalje af maleriet "The Creation of Eva"

6. "Hellig Familie" 1506

7 det sixtinske kapel
"Oversvømmelsen"

8 det sixtinske kapel
"Libysk sibylle"

9 Sixtinske Kapel
"Lysets adskillelse fra mørket"

10 Det Sixtinske Kapel
"Faldet"

11 Det Sixtinske Kapel
"eritreisk sibylle"

12 Det Sixtinske Kapel
"Profeten Zakarias"

****************************

RAPHAEL Santi -
(faktisk Raffaello Santi eller Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), italiensk maler og arkitekt.
I hans værk, med den største klarhed inkorporeret
humanistiske fremstillinger af højrenæssancen
om en smuk og perfekt person, der lever i harmoni med verden,
idealerne om livsbekræftende skønhed, der er karakteristiske for tiden.
Raphael, søn af maleren Giovanni Santi, tilbragte sine første år i Urbino,
i 1500-1504 studerede han hos Perugino i Perugia.
Værkerne fra denne periode er præget af subtil poesi
og den bløde lyrik af landskabsbaggrunde.
Raphaels kunst, som havde en enorm indflydelse på det europæiske maleri XVI-XIX
og til dels af det 20. århundrede holdt den i århundreder for kunstnere og tilskuere
værdien af ​​ubestridelig kunstnerisk autoritet og model.

1. "Madonna Granduca"
1504

2. "Madonna del Impannata"
1504

3. "Madonna i det grønne"
C. 1508

4. "Den Hellige Familie under Egen"
1518

5. "St. Nicholas Alter"
(fragment) 1501

6. "Slaget ved St. George med dragen"
1502

7. "Tre nåder"
1502

8. "Ridderens drøm"
1502

9. "Galateas triumf"
1514

10. "Madonna af Anside"
Omtrent 1504

11. "Bære korset"
1516

12. "St. Michael og dragen"
1514

13. "Adam og Eva"
1509-1511

14. "Johannes af Aragon"
1518

15. "Damen med enhjørningen"
C. 1502

16. "Portræt af Margarita Luti"
1519

17. "Portræt af Balthazar Castiglione" 1515

18. "Madonna Kanidzhani" 1508
Old Pinakothek, München

19. "Madonna Conestabile" 1502-1504
Eremitage, St. Petersborg

20. "Ezekiels syn" 1515
Palazzo Pitti, Firenze

21. "Sixtinske Madonna" 1514
Billedgalleri, Dresden

****************************

TITIAN -
(faktisk Tiziano Veccellio, Tiziano Veccellio),
(1476/77 eller 1480'erne - 1576),
Tidens italienske maler
Høj- og senrenæssance.
Studerede i Venedig hos Giovanni Bellini,
i hvis værksted han kom Giorgione nær;
arbejdet i Venedig, samt i Padua, Ferrara, Mantua, Urbino, Rom og Augsburg.
Tæt forbundet med venetianske kunstkredse
(Giorgione, J. Sansovino, forfatter P. Aretino og andre),
en fremragende mester i den venetianske malerskole,
Tizian legemliggjorde renæssancens humanistiske idealer i sit arbejde.
Hans livsbekræftende kunst er alsidig,
bredden i dækningen af ​​virkeligheden, afsløringen af ​​æraens dybe dramatiske konflikter.
Tizians maleteknik havde en enestående indflydelse på fremtiden,
op til det tyvende århundrede, udviklingen af ​​verden af ​​billedkunst.

1. "Sekulær kærlighed"
(Vanity) 1515

2. "Diana og Callisto"
1556 - 1559

3. "Bacchus og Ariadne"
1523-1524

4. "Europas voldtægt"
1559 - 1562

5. "Faldet"
1570

6. "Flora"
1515

7. "Iolanta"
(La Bella Gatta)

8. "Federigo Gonzaga fra Mantua"
1525

9. "Venus med et spejl" 1555

10. "Danae og Amor"
1546

11. "Jordisk og himmelsk kærlighed"
1510

12. "Portræt af en ung kvinde"
Cirka 1530, Hermitage, St. Petersborg

13. "Angrende Maria Magdalene"
1560., Hermitage, St. Petersborg

14. "Diana og Actaeon" 1556
Nat. Gallery of Scotland, Edinburgh

15. "Bacchanalia"
1525, Louvre-museet, Paris

16. "Venus af Urbinskaya"
1538, Uffizi, Firenze

17. "Venus og Adonis"
1554, Prado, Madrid

****************************

Renæssancen eller renæssancen har givet os mange store kunstværker. Dette var en gunstig periode for udvikling af kreativitet. Navnene på mange store kunstnere er forbundet med renæssancen. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio er blot nogle få af navnene på datidens skabere.

Fremkomsten af ​​nye stilarter og maleri er forbundet med denne periode. Tilgangen til at skildre den menneskelige krop er blevet næsten videnskabelig. Kunstnere stræber efter virkeligheden - de arbejder igennem hver eneste detalje. Mennesker og begivenheder i datidens malerier ser yderst realistiske ud.

Historikere skelner mellem flere perioder i udviklingen af ​​maleriet under renæssancen.

Gotisk - 1200-tallet... Populær stil ved retten. Det var kendetegnet ved pomp, prætentiøsitet, overdreven farve. Brugt som maling. Malerierne var af altermotiver. De mest berømte repræsentanter for denne trend er italienske kunstnere Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Proto-renæssance - 1300-tallet... På dette tidspunkt finder en omstrukturering af skikke i maleriet sted. Religiøse emner træder i baggrunden, og sekulære emner vinder mere og mere popularitet. Maleriet overtager ikonets plads. Mennesker bliver portrætteret mere realistisk, ansigtsudtryk og fagter bliver vigtige for kunstnere. En ny genre af kunst dukker op -. Repræsentanter for denne tid er Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Tidlig renæssance - 1400-tallet... Blomstringen af ​​ikke-religiøst maleri. Selv ansigterne på ikonerne bliver mere levende - de får menneskelige træk. Kunstnere fra tidligere perioder forsøgte at male landskaber, men de tjente kun som et supplement, en baggrund til hovedbilledet. I den tidlige renæssance periode bliver en selvstændig genre. Portrættet fortsætter med at udvikle sig. Forskere opdager loven om lineært perspektiv, og kunstnere bygger deres malerier på dette grundlag. Det korrekte tredimensionelle rum kan ses på deres lærreder. De fremtrædende repræsentanter for denne periode er Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Højrenæssance - guldalder... Kunstnernes udsyn bliver endnu bredere - deres interesser strækker sig ind i Kosmos' rum, de betragter mennesket som universets centrum.

På dette tidspunkt dukkede renæssancens "titaner" op - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Titian, Raphael Santi og andre. Det er mennesker, hvis interesser ikke var begrænset til at male. Deres viden strakte sig meget længere. Den mest fremtrædende repræsentant var Leonardo Da Vinci, som ikke kun var en stor maler, men også en videnskabsmand, billedhugger, dramatiker. Han skabte fantastiske teknikker i maleriet, såsom den "glatte" - illusionen om dis, som blev brugt til at skabe den berømte "La Gioconda".

Leonardo Da Vinci

Sen renæssance- udryddelsen af ​​renæssancen (midten af ​​1500-tallet, slutningen af ​​1600-tallet). Denne tid er forbundet med forandringer, religiøs krise. Blomstringen slutter, linjerne på lærrederne bliver mere nervøse, individualismen går væk. Mængden bliver i stigende grad billedet af malerierne. Datidens talentfulde værker tilhører Paolo Veroneses pen, Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

Italien gav verden de mest talentfulde kunstnere fra renæssancen, de er mest nævnt i maleriets historie. I mellemtiden, i andre lande i denne periode, udviklede maleriet sig også og påvirkede udviklingen af ​​denne kunst. Maleri af andre lande i denne periode kaldes den nordlige renæssance.

Højrenæssancens æra (slutningen af ​​det 15. - første kvartal af det 16. århundrede) er en tid med perfektion og frihed. Som andre former for kunst i denne æra er maleriet præget af en dyb tro på mennesket, på dets kreative kræfter og dets sinds kraft. I højrenæssancemestrenes malerier hersker idealerne om skønhed, humanisme og harmoni, mennesket i dem er universets grundlag.

Denne Tids Malere bruger let alle Skildringsmidler: Farve, beriget med Luft, Lys og Skygge, og Tegning, fri og skarp; de har fremragende perspektiv og omfang. Folk trækker vejret og bevæger sig på kunstneres lærreder, deres følelser og oplevelser synes at være dybt følelsesladede.

Denne æra gav verden fire genier - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian. I deres maleri manifesterede højrenæssancens træk - idealitet og harmoni kombineret med billedernes dybde og vitalitet - sig mest levende.

Leonardo Da Vinci

Den 15. april 1452 blev der i den lille italienske by Vinci, som ligger ikke langt fra Firenze, født en uægte søn af notaren Piero da Vinci. De kaldte ham Leonardo di ser Piero d'Antonio. Drengens mor, en vis Katerina, giftede sig senere med en bonde. Faderen forlod ikke den uægte baby, tog ham i uddannelse og gav ham en god uddannelse. Et år efter Leonardos bedstefars død, Antonio, i 1469, rejste notaren med sin familie til Firenze.

Fra en tidlig alder vågner Leonardos passion for at tegne. Da faderen bemærkede dette, sendte faderen drengen for at studere hos en af ​​de mest berømte mestre inden for skulptur, maleri og smykker på det tidspunkt, Andrea Verrocchio (1435-1488). Verrocchio-værkstedets herlighed var usædvanlig stor. De adelige indbyggere i byen modtog konstant mange ordrer til udførelse af malerier og skulpturer. Det var ikke tilfældigt, at Andrea Verrocchio nød stor prestige med sine elever. Samtidige betragtede ham som den mest talentfulde efterfølger af ideerne fra den florentinske renæssance inden for maleri og skulptur.

Verrocchios innovation som kunstner er primært forbundet med gentænkningen af ​​billedet, som får naturalistiske træk fra maleren. Meget få værker har overlevet fra Verrocchio-værkstedet. Forskere mener, at den berømte "Kristi dåb" blev skabt i dette særlige værksted. Derudover blev det fastslået, at landskabet i maleriets baggrund og englene på venstre side af det tilhører Leonardos pensel.

Allerede i dette tidlige arbejde blev den fremtidige berømte kunstners kreative individualitet og modenhed manifesteret. Landskabet, malet af Leonardo, adskiller sig markant fra Verrocchios naturmalerier. Tilhører en ung kunstner, synes den at være indhyllet i en let dis og symboliserer rummets uendelighed og uendelighed.

Billederne skabt af Leonardo er også karakteristiske. Dyb viden om den menneskelige krops anatomi såvel som dens sjæl tillod kunstneren at skabe usædvanligt udtryksfulde billeder af engle. Mestring af lys- og skyggespillet hjalp kunstneren til at skildre levende, dynamiske figurer. Man får indtryk af, at englene kun frøs et stykke tid. Der går et par minutter mere - og de vil komme til live, bevæge sig, snakke ...

Kunstkritikere og da Vinci-biografer hævder, at Leonardo i 1472 forlod Verrocchios værksted og blev en mester i malerværkstedet. Siden 1480 vendte han sig mod skulptur, som ifølge Leonardo var den enkleste måde at udtrykke dynamikken i menneskekroppens bevægelser. Siden dengang har han arbejdet på Kunstakademiet - det var navnet på værkstedet, der ligger i haven på Piazza San Marco, skabt på initiativ af Lorenzo den Storslåede.

I 1480 modtog Leonardo en ordre fra kirken San Donato Sopeto for den kunstneriske komposition The Adoration of the Magi.

I Firenze levede Leonardo ikke længe. I 1482 rejser han til Milano. Sandsynligvis var denne beslutning i høj grad påvirket af det faktum, at kunstneren ikke blev inviteret til Rom for at arbejde på maleriet af Det Sixtinske Kapel. På en eller anden måde dukkede mesteren snart op for hertugen af ​​den berømte italienske by, Ludovico Sforza. Milaneserne gav Leonardo en varm velkomst. Han slog sig ned og boede i lang tid i Porta Ticinese-kvarteret. Og allerede i det næste år, 1483, malede han en altertavle, bestilt til Immacolata-kapellet i kirken San Francesco Grande. Dette mesterværk blev senere kendt som Madonna of the Rocks.

Omtrent på samme tid arbejdede Leonardo på at skabe et bronzemonument for Francesco Sforza. Men hverken skitser, prøveskitser og afstøbninger kunne udtrykke kunstnerens hensigt. Arbejdet forblev ufærdigt.

I perioden fra 1489 til 1490 maler Leonardo da Vinci Castello Sforzesco på dagen for brylluppet af Gian Galeazzo Sforza.

Næsten hele 1494 afsætter Leonardo da Vinci til en ny beskæftigelse for sig selv - hydraulik. På initiativ af den samme Sforza udvikler og implementerer Leonardo et projekt for at dræne Lombardslettens territorium. Men allerede i 1495 vendte den største mester i billedkunst tilbage til maleriet. I år markerer den indledende fase i historien for skabelsen af ​​den berømte fresco "Den sidste nadver", som prydede væggene i klostrets spisesal, der ligger nær Santa Maria delle Grazie-kirken.

I 1496, i forbindelse med den franske konge Ludvig XII's invasion af hertugdømmet Milano, forlod Leonardo byen. Han flyttede først til Mantua og bosatte sig derefter i Venedig.

Siden 1503 har kunstneren boet i Firenze og har sammen med Michelangelo arbejdet på maleriet af Storrådets sal i Palazzo Signoria. Leonardo skulle portrættere "Slaget ved Anghiari". Mesteren, som konstant er i en kreativ søgen, stopper dog ofte med det arbejde, han har påbegyndt. Så det skete med "Slaget ved Anghiari" - fresken forblev ufærdig. Kunstkritikere antyder, at det var dengang, den berømte "La Gioconda" blev skabt.

Fra 1506 til 1507 bor Leonardo igen i Milano. Hertug Maximilian Sforza har regeret der siden 1512. 24. september 1512 beslutter Leonardo at forlade Milano og slå sig ned med sine elever i Rom. Her maler han ikke kun, men henvender sig også til studiet af matematik og andre videnskaber.

Efter at have modtaget en invitation fra den franske konge Frans I i maj 1513, flyttede Leonardo da Vinci til Amboise. Her bor han til sin død: han maler, er engageret i udsmykning af ferier og arbejder på den praktiske anvendelse af projekter, der sigter på at bruge floder i Frankrig.

Den 2. maj 1519 dør den store kunstner. Leonardo da Vinci er begravet i Amboise-kirken San Fiorentino. Men under religionskrigenes højdepunkt (1500-tallet) blev kunstnerens grav ødelagt og fuldstændig ødelagt. Hans mesterværker, der anses for at være toppen af ​​kunst i det 15.-16. århundrede, er det stadig i dag.

Blandt da Vincis lærreder indtager fresken "Den sidste nadver" en særlig plads. Historien om den berømte fresco er interessant og fantastisk. Dens oprettelse går tilbage til 1495-1497. Det blev malet efter ordre fra munkene i den dominikanske orden, som ønskede at dekorere væggene i refektoriet i deres kloster, der ligger nær kirken Santa Maria delle Grazie i Milano. En ret velkendt evangeliehistorie blev vist på fresken: Jesu Kristi sidste måltid med sine tolv apostle.

Dette mesterværk er anerkendt som toppen af ​​kunstnerens hele værk. Billederne af Kristus og apostlene skabt af mesteren er usædvanligt lyse, udtryksfulde, levende. På trods af den afbildede situations konkrethed, virkelighed, viser kalkmaleriets indhold sig at være fyldt med dyb filosofisk mening. Her blev det evindelige tema om konflikten mellem godt og ondt, selvtilfredshed og åndelig følelsesløshed, sandhed og løgne legemliggjort. De udledte billeder er ikke kun en samling af individuelle karaktertræk (hver enkelt person i al sit temperaments mangfoldighed), men også en slags psykologisk generalisering.

Billedet er meget dynamisk. Tilskuerne mærker virkelig den spænding, der greb alle de fremmødte ved måltidet efter de profetiske ord, som Kristus talte om det kommende forræderi, som en af ​​apostlene skal begå. Lærredet viser sig at være en slags encyklopædi over de mest subtile nuancer af menneskelige følelser og stemninger.

Leonardo da Vinci afsluttede arbejdet overraskende hurtigt: efter kun to år var maleriet helt færdigt. Munkene kunne dog ikke lide det: måden at udføre det på var for forskellig fra den tidligere vedtagne billedstil. Mesterens innovation var ikke kun og ikke så meget i brugen af ​​maling af den nye sammensætning. Særlig opmærksomhed henledes på måden at skildre perspektiv på i billedet. Fremstillet i en speciel teknik udvider og forstørrer fresken det virkelige rum. Man får indtryk af, at væggene i rummet, der er afbildet på maleriet, er en fortsættelse af væggene i klostrets refektorium.

Munkene satte ikke pris på og forstod ikke kunstnerens kreative hensigt og præstationer, derfor brød de sig ikke for meget om bevarelsen af ​​billedet. Allerede to år efter malingen af ​​freskomaleriet begyndte dens maling at blive forringet og falmet, overfladen af ​​væggen med billedet påført syntes at være dækket af det fineste stof. Dette skete dels på grund af den dårlige kvalitet af ny maling, dels på grund af den konstante udsættelse for fugt, kold luft og damp, der trængte ind fra klostrets køkken. Maleriets udseende blev fuldstændig ødelagt, da munkene besluttede at skære igennem en ekstra indgang til refektoriet netop i væggen med en fresco. Som et resultat blev billedet skåret af i bunden.

Forsøg på at restaurere mesterværket har været udført siden det 13. århundrede. Men de viste sig alle at være forgæves, malingen fortsætter med at forringes. Årsagen til dette er i øjeblikket forværringen af ​​miljøsituationen. Kvaliteten af ​​kalkmaleriet påvirkes af den øgede koncentration af udstødningsgasser i luften, samt flygtige stoffer, der udsendes til atmosfæren fra fabrikker og anlæg.

Nu kan vi endda sige, at det tidlige arbejde med restaureringen af ​​maleriet ikke kun var unødvendigt og meningsløst, men også havde sin negative side. I restaureringsprocessen færdiggjorde kunstnere ofte fresken og ændrede udseendet af karaktererne på lærredet og det afbildede interiør. Så for nylig blev det kendt, at en af ​​apostlene oprindeligt ikke havde et langt, krøllet skæg. Derudover viste de sorte lærreder afbildet på refektoriets vægge sig ikke at være andet end små tæpper. Kun
i det XX århundrede. formået at finde ud af og delvist genoprette deres ornament.

Moderne restauratorer, blandt hvem gruppen ledet af Carlo Berteli skilte sig ud, besluttede at genoprette freskens oprindelige udseende og befri den fra de elementer, der blev anvendt senere.

Temaet moderskab, billederne af en ung mor, der beundrer sit barn, forblev i lang tid nøglen i den store mesters arbejde. Sande mesterværker er hans malerier "Madonna Litta" og "Madonna med en blomst" ("Madonna Benoit"). I øjeblikket opbevares "Madonna Litta" i State Hermitage Museum i St. Petersborg. Maleriet blev købt af den russiske kejser Alexander II i 1865 af den italienske hertug Antonio Littas familie, som det tidligere var blevet doneret til fra hertugerne af Visconti. Efter ordre fra den russiske zar blev maleriet overført fra træ til lærred og hængt i en af ​​salene på det berømte St. Petersborg museum.

Kunstforskere mener (og videnskabelig forskning har bevist dette), at arbejdet med skabelsen af ​​maleriet ikke blev fuldført af forfatteren selv. Det blev gennemført af en af ​​Leonardos elever, Boltraffio.

Lærredet er det mest levende udtryk for temaet moderskab i renæssancens maleri. Madonna-moderens billede er let og spirituelt. Blikket vendt mod barnet er usædvanligt blidt, det udtrykker samtidig og
sorg og fred og indre fred. Mor og barn danner her så at sige deres egen unikke verden, udgør en enkelt harmonisk helhed. Billedets tværgående tanke kan udtrykkes med følgende ord: to levende væsener, en mor og et barn, rummer livets grundlag og mening.

Billedet af Madonnaen med et barn i armene er monumentalt. Fuldstændighed og sofistikering giver den en speciel, jævn overgang af lys og skygge. Figurens ømhed og skrøbelighed understreges af draperierne af en kappe draperet over kvindens skuldre. Billederne af vinduerne i baggrunden balancerer og fuldender kompositionen og understreger adskillelsen af ​​to kære fra resten af ​​verden.

Maleriet Madonna med en blomst (Madonna Benois), omkring 1478, blev købt af dets sidste russiske ejere af zar Nicholas II i 1914 specielt til Eremitagen. Dens tidlige ejere forblev ukendte. Der er kun en legende, der fortæller, at en italiensk omvandrende skuespiller bragte billedet til Rusland, hvorefter det blev købt i Samara i 1824 af købmanden Sapozhnikov. Senere gik maleriet i arv fra faderen til hans datter, M.A. Siden da har maleriet haft to titler: "Madonna med en blomst" (forfatterens) og "Madonna Benoit" (ved den sidste ejers navn).

Billedet, der forestiller Guds Moder og Barnet, afspejler de almindelige, jordiske følelser hos en mor, der leger med sit barn. Hele scenen er bygget på kontrast: en grinende mor og et barn, der seriøst undersøger blomsten. Kunstneren, der fokuserer på netop denne modsætning, viser en persons stræben efter viden, hans første skridt på vejen til sandheden. Dette er hovedideen med lærredet.

Spillet af lys og skygge sætter en speciel, intim tone for hele kompositionen. Mor og baby er i deres egen verden, skilt fra jordens travlhed. På trods af en vis kantet og stivhed af de afbildede draperier, er Leonardo da Vinci-penslen ret let at genkende på de glatte, bløde overgange af nuancer af de anvendte malinger og de sorte og hvide kombinationer. Lærredet er malet i bløde, rolige farver, fastholdt i et enkelt farveskema, og det giver billedet en blød karakter og fremkalder en følelse af overjordisk, kosmisk harmoni og ro.

Leonardo da Vinci er en anerkendt mester i portrætter. Blandt hans mest berømte lærreder er "Dame med en hermelin" (cirka 1483-1484) og "Portræt af en musiker".

Kunstkritikere og historikere foreslår, at maleriet "Dame med en hermelin" forestiller Cecilia Gallerani, hertugen af ​​Milano, Louis Moreaus tidligere favorit, før hans ægteskab. Der er beviser for, at Cecilia var en meget uddannet kvinde, hvilket var meget sjældent på det tidspunkt. Derudover mener historikere og biografer af den berømte kunstner også, at hun var tæt bekendt med Leonardo da Vinci, som engang besluttede at male sit portræt.

Dette lærred er kun kommet ned til os i en omskrevet version, og derfor tvivlede videnskabsmænd i lang tid på forfatterskabet af Leonardo. Men de velbevarede dele af maleriet, der forestiller en hermelin og en ung kvindes ansigt, gør det muligt at tale med tillid om den store mester da Vincis stilarter. Det er også interessant, at den tætte mørke baggrund, såvel som nogle detaljer om frisuren, er yderligere tegninger lavet senere.

"Dame med en hermelin" er et af de lyseste psykologiske malerier i kunstnerens portrætgalleri. Hele pigens figur udtrykker dynamik, stræber fremad, vidner om en usædvanlig viljestærk og stærk menneskelig karakter. De korrekte ansigtstræk understreger kun dette.

Portrættet er virkelig komplekst og mangefacetteret, billedets harmoni og fuldstændighed opnås ved at flette flere elementer sammen: ansigtsudtryk, hovedrotation, håndposition. En kvindes øjne afspejler et ekstraordinært sind, energi, indsigt. Tæt komprimerede læber, lige næse, skarp hage - alt understreger vilje, beslutsomhed, uafhængighed. En yndefuld drejning af hovedet, en åben hals, en hånd med lange fingre, der stryger det yndefulde dyr, understreger hele figurens skrøbelighed og slankhed. Det er ikke tilfældigt, at damen holder en hermelin i sine arme. Dyrets hvide pels, der ligner den første sne, symboliserer her en ung kvindes åndelige renhed.

Portrættet er overraskende dynamisk. Mesteren formåede præcist at fange det øjeblik, hvor en bevægelse gnidningsløst skulle gå over i en anden. Det er derfor, det ser ud til, at pigen er ved at komme til live, drej hovedet, og hendes hånd vil glide langs dyrets bløde pels ...

Kompositionens ekstraordinære udtryksevne er givet af klarheden af ​​de linjer, der danner figurerne, såvel som beherskelsen og brugen af ​​teknikken til lysovergang i skyggen, ved hjælp af hvilke former skabes på lærredet.

"Portræt af en musiker" er det eneste mandlige portræt blandt Leonardo da Vincis mesterværker. Mange forskere identificerer modellen med regenten af ​​Milano-katedralen, Franchino Gaffurio. En række forskere tilbageviser dog denne opfattelse og siger, at det ikke er regenten, der er afbildet her, men en almindelig ung mand, en musiker. På trods af tilstedeværelsen af ​​nogle detaljer, der er iboende i da Vincis maleteknik, tvivler kunstkritikere stadig på Leonardos forfatterskab. Sandsynligvis er disse tvivl forbundet med brugen på lærredet af elementer, der er karakteristiske for de lombardiske portrætteres kunstneriske traditioner.

Teknikken i portrættet minder på mange måder om Antonello da Messinas arbejde. På baggrund af frodigt krøllet hår skiller klare, strenge linjer i ansigtet sig noget skarpt ud. En intelligent person med en stærk karakter dukker op foran publikum, selvom man samtidig i hans blik kan fange noget ujordisk, spirituelt. Måske er det i dette øjeblik, at en ny, guddommelig melodi fødes i musikerens sjæl, som efter nogen tid vil vinde mange menneskers hjerter.

Man kan dog ikke sige, at kunstneren forsøger kunstigt at ophøje en person. Mesteren formidler subtilt og dygtigt al den menneskelige sjæls rigdom og bredde uden at ty til hyperbol og patos.

Et af de mest berømte malerier af da Vinci er den berømte Madonna of the Rocks (1483-1493). Det blev bestilt af munkene i San Francesco Grande-kirken i Milano af Leonardo. Kompositionen var beregnet til at dekorere alteret i Immacolat-kapellet.

Der er to versioner af maleriet, hvoraf den ene opbevares på Louvre i Paris, og den anden på National Gallery i London.

Det var Louvre Madonna of the Rocks, der prydede kirkens alter. Forskere foreslår, at kunstneren selv gav den til den franske konge Louis XII. Det gjorde han ifølge historikere som et tegn på taknemmelighed for kongens deltagelse i løsningen af ​​den konflikt, der opstod mellem maleriernes kunder og de udøvende kunstnere.

Den præsenterede version blev erstattet af et andet maleri, som nu er i London National Gallery. I 1785 købte en vis Hamilton den og bragte den til England.

Et karakteristisk træk ved "Madonna of the Rocks" er sammensmeltningen af ​​menneskelige figurer med landskabet. Dette er det første billede af den store kunstner, hvor billederne af helgener er harmonisk sammenflettet med naturen, inspireret af deres tilstedeværelse. For første gang i mesterens arbejde er figurerne afbildet ikke på baggrund af noget element i en arkitektonisk struktur, men som om de er indesluttet i et barsk klippelandskab. Denne følelse skabes også i kompositionen på grund af det specielle spil af lys og faldende skygger.

Billedet af Madonnaen præsenteres her på en usædvanlig spirituel og overjordisk måde. Blødt lys falder på englenes ansigter. Kunstneren lavede mange skitser og skitser, før hans karakterer kom til live, og deres billeder blev lyse og udtryksfulde. En af skitserne forestiller en engels hoved. Vi ved ikke, om det er en pige eller en dreng. Men én ting kan siges med sikkerhed: dette er en ujordisk skabning, fuld af ømhed, venlighed, renhed. Hele billedet er gennemsyret af en følelse af ro, sindsro og stilhed.

Versionen, skrevet af mesteren senere, adskiller sig fra den første i en række detaljer: glorier vises over de helliges hoveder, lille Johannes Døberen holder et kors, englens position ændres. Og selve udførelsesteknikken blev en af ​​grundene til at tilskrive forfatterskabet af billedet til Leonardos studerende. Her præsenteres alle figurerne tættere, i større skala, og desuden viser stregerne, der danner dem, sig mere iøjnefaldende, endda tunge, mere spidse. Denne effekt skabes ved at fortykke skyggerne og fremhæve enkelte steder i sammensætningen.

Den anden version af billedet er ifølge kunstkritikere mere almindelig, hverdagsagtig. Måske var årsagen til dette, at maleriet blev færdiggjort af Leonardos elever. Dette forringer dog ikke lærredets værdi. Kunstnerens hensigt er tydeligt synlig i det, mesterens tradition i skabelse og udtryk af billeder er godt sporet.

Ikke mindre interessant er historien om det berømte maleri af Leonardo da Vinci "Bebudelsen" (1470'erne). Skabelsen af ​​maleriet går tilbage til den tidlige periode i kunstnerens arbejde, til tiden for hans studier og arbejde i Andrea Verrocchios atelier.

En række elementer af skriveteknik gør det muligt med tillid at erklære, at forfatteren til det berømte mesterværk er Leonardo da Vinci og udelukker Verrocchios eller hans andre elevers deltagelse i dets forfatterskab. Nogle detaljer i kompositionen er dog karakteristiske for Verrocchio-skolens kunstneriske tradition. Dette tyder på, at den unge maler, på trods af originaliteten og talentet, der allerede viste sig på det tidspunkt, stadig til en vis grad var under indflydelse af sin lærer.

Sammensætningen af ​​maleriet er ret enkel: et landskab, en landlig villa, to figurer - Maria og en engel. På baggrunden
vi ser skibe, nogle bygninger, en havn. Tilstedeværelsen af ​​sådanne detaljer er ikke helt karakteristisk for Leonardos arbejde, og de er heller ikke de vigtigste her. For kunstneren er det vigtigere at vise bjergene gemt i den tågede dis, der ligger i det fjerne, og den lette, næsten gennemsigtige himmel. De sjælfulde billeder af en ung kvinde, der venter på den gode nyhed, og en engel er usædvanligt smukke og ømme. Linjerne i deres former er fastholdt på samme måde som da Vinci, hvilket gjorde det muligt på et tidspunkt at definere lærredet som et mesterværk, der tilhører den tidlige Leonardos pensel.

Teknikken til udførelse af mindre detaljer er også karakteristisk for traditionen fra den berømte mester: polerede bænke, en sten brystning, en bogholder dekoreret med fantasifuldt snoede grene af fantastiske planter. Forresten betragtes sarkofagen af ​​Giovanni og Piero Medicis grav, som er installeret i kirken San Lorenzo, som prototypen af ​​sidstnævnte. Disse elementer, der er iboende i Verrocchio-skolen og karakteristiske for sidstnævntes arbejde, blev noget nytænket af da Vinci. De er levende, voluminøse, harmonisk vævet ind i den samlede komposition. Det ser ud til, at forfatteren har sat sig et mål, med udgangspunkt i sin lærers repertoire, at afsløre sit talents verden ved at bruge sin egen teknik og kunstneriske udtryksmidler.

I øjeblikket er en af ​​varianterne af maleriet i Uffizi-galleriet i Firenze. Den anden version af kompositionen opbevares i Louvre i Paris.

Louvre-maleriet er bygget noget mere komplekst end dets tidligere version. Her er de geometrisk korrekte linjer på stenbrystningens vægge tydeligt synlige, hvis mønster gentages af bænkene bag Maria-figuren. De fremførte billeder placeres passende og logisk i kompositionen. Marias og englens tøj er i sammenligning med den første version skrevet mere udtryksfuldt og konsekvent. Maria med hovedet bøjet lavt, klædt i en mørkeblå kjole med en himmelblå kappe draperet over skuldrene, ligner et ujordisk væsen. De mørke farver i outfittet lysner op og sætter gang i hendes ansigts hvidhed. Ikke mindre udtryksfuldt er billedet af englen, der bragte den gode nyhed til Madonnaen. En gullig fløjl, dyb rød kappe med draperier, der jævnt falder nedad fuldender det fantastiske billede af en venlig engel.

Af særlig interesse i den sene komposition er landskabet subtilt malet af mesteren: blottet for enhver konvention, træer, der vokser i det fjerne, næsten virkelig synlige, lyseblå, gennemsigtig himmel, bjerge skjult af en let tåge, friske blomster under fødderne af en engel.

Maleriet "Saint Jerome" refererer til perioden for Leonardo da Vincis arbejde i Andrea Verrocchios atelier (den såkaldte florentinske periode for kunstnerens arbejde). Lærredet forblev ufærdigt. Hovedtemaet i kompositionen er en ensom helt, en angrende synder. Hans krop var tør af sult. Men hans blik, fuld af beslutsomhed og vilje, er et levende udtryk for en persons standhaftighed og åndelige styrke. Vi vil ikke finde dualitet, tvetydighed i synet i noget billede skabt af Leonardo.

Karaktererne i hans maleri udtrykker altid den højeste grad af en meget bestemt dyb lidenskab og følelse.

Eremittens mesterligt malede hoved vidner også om Leonardos forfatterskab. Ikke en helt almindelig spredning af det taler om en fremragende beherskelse af maleteknikken og mesterens kendskab til forviklingerne i den menneskelige krops anatomi. Selvom det er nødvendigt at tage et lille forbehold: i mange henseender følger kunstneren traditionerne fra Andrea del Castagno og Domenico Veneziano, som igen kommer fra Antonio Pollaiolo.

Jeromes figur er usædvanligt udtryksfuld. Det ser ud til, at den knælende eremit er rettet fremad. Til højre
han holder en sten i hånden, et øjeblik mere - og han vil slå sig selv i brystet med den, piske sin krop og forbande sin sjæl for de synder, han har begået ...

Den kompositoriske konstruktion af billedet er også interessant. Det hele viser sig ligesom at være indesluttet i en spiral, der begynder fra klipperne, fortsætter med en løvefigur, der ligger ved fødderne af den angrende, og ender med en eremitskikkelse.

Det måske mest populære af alle verdens mesterværker er "La Gioconda". En interessant kendsgerning er, at efter at have afsluttet arbejdet med portrættet, skilte kunstneren sig ikke med det før sin død. Senere kom maleriet til den franske konge Frans I, som placerede det i Louvre.

Alle kunstforskere er enige om, at maleriet er malet i 1503. Der er dog stadig uenighed om prototypen på den unge pige, der er afbildet i portrættet. Det er almindeligt accepteret (traditionen kommer fra den berømte biograf Giorgio Vasari), at portrættet forestiller en florentinsk borger Francesco di Giocondos hustru, Mona Lisa.

Ser vi på billedet, kan vi med sikkerhed sige, at kunstneren har opnået perfektion i at skabe et menneskeligt billede. Her afviger mesteren fra den tidligere accepterede og udbredte måde at udføre et portræt på. La Gioconda er malet på en lys baggrund og er desuden drejet i trekvart omgang, hendes blik er rettet direkte mod beskueren - det var nyt i datidens portrætkunst. Takket være det åbne landskab bag pigens ryg viser sidstnævntes figur sig at være en del af landskabet, der harmonisk smelter sammen med det. Dette opnås på grund af den særlige kunstneriske og grafiske teknik skabt af Leonardo og brugt i hans arbejde - sfumato. Dens essens ligger i det faktum, at konturlinjerne er skitseret utydeligt, de er slørede, dette skaber i sammensætningen en følelse af sammensmeltning, gensidig gennemtrængning af dens individuelle dele.

I et portræt bliver en sådan teknik (sammensmeltningen af ​​en menneskelig figur og et storstilet naturlandskab) en måde at udtrykke en filosofisk idé på: den menneskelige verden er lige så stor, storstilet og mangfoldig som naturens verden omkring os . Men på den anden side kan hovedtemaet for kompositionen præsenteres som umuligheden af ​​fuld viden om det menneskelige sind i den naturlige verden. Det er med denne idé, at mange kunstkritikere forbinder det ironiske smil, der har frosset på Mona Lisas læber. Hun synes at sige: "Alle menneskets bestræbelser på at kende verden er absolut forgæves og forgæves."

Portrættet af La Gioconda er ifølge kunstforskere en af ​​Leonardo da Vincis højeste præstationer. I den var kunstneren virkelig i stand til at legemliggøre og fuldt ud udtrykke ideen om harmoni og verdens uhyre, ideen om fornuftens og kunstens prioritet.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, italiensk maler, billedhugger, arkitekt og digter, blev født i Caprese nær Firenze den 6. marts 1475. Michelangelos far, Lodovico Buonarroti, var borgmester i byen Caprese. Han drømte, at hans søn snart ville erstatte ham i hans stilling. Men mod sin fars ønske beslutter Michelangelo sig for at vie sit liv til at male.

I 1488 tog Michelangelo til Firenze og gik ind på en kunstskole der, som derefter blev ledet af den berømte kunstmester Domenico Ghirlandaio. Et år senere, i 1489, arbejdede den unge kunstner allerede i værkstedet grundlagt af Lorenzo Medici. Her lærer den unge mand at male af en anden berømt kunstner og billedhugger fra sin tid, Bertoldo di Giovanni, som var elev af Donatello. I denne workshop arbejdede Michelangelo sammen med Angelo Poliziano og Pico della Mirandola, som i høj grad påvirkede dannelsen af ​​den unge malers kunstneriske metode. Michelangelos værk viste sig dog ikke at være lukket i Lorenzo Medicis kreds. Hans talent udviklede sig konstant. Kunstnerens opmærksomhed blev i stigende grad tiltrukket af de store heroiske billeder af de store Giottos og Masaccios værker.

I første halvdel af 90'erne. I det 15. århundrede dukker de første skulpturer lavet af Michelangelo op: "Madonna ved trappen" og "Kentaurernes kamp".

I "Madonna" kan man se indflydelsen af ​​den kunstneriske fremstillingsmåde, der var almindeligt accepteret i datidens kunst. I Michelangelos arbejde er der den samme detaljering af figurernes plasticitet. Men selv her kan man se den unge billedhuggers rent individuelle teknik, som manifesterede sig i skabelsen af ​​høje, heroiske billeder.

Der er ingen spor af indflydelse udefra i relieffet "Kentaurernes kamp". Dette værk er det første selvstændige værk af den talentfulde mester, der viser sin individuelle stil. På relieffet optræder et mytologisk billede af Lapithernes kamp med kentaurerne i fuldt indhold foran beskueren. Scenen er bemærkelsesværdig for sin ekstraordinære dramatik og realisme, som kommer til udtryk ved den nøjagtigt gengivede plastik af de afbildede figurer. Denne skulptur kan betragtes som en hymne til helten, menneskelig styrke og skønhed. På trods af alt dramaet i plottet rummer den overordnede komposition en dyb indre harmoni.

Kunstforskere anser "Kentaurernes kamp" for at være udgangspunktet for Michelangelos arbejde. De siger, at kunstnerens geni stammer netop fra dette værk. Relieffet, som hører til mesterens tidlige værker, er en slags afspejling af hele rigdommen i Michelangelos kunstneriske facon.

Fra 1495 til 1496 er Michelangelo Buonarroti i Bologna. Her stifter han bekendtskab med Jacopo della Quercias lærreder, som tiltrak sig den unge kunstners opmærksomhed på grund af de skabte billeders monumentalitet.

I 1496 slog mesteren sig ned i Rom, hvor han studerede plasticiteten og udførelsesmåden af ​​de nyligt opdagede antikke skulpturer, herunder Laocoon og Belvedere torso. De gamle græske billedhuggeres kunstneriske måde blev afspejlet af Michelangelo i Bacchus.

Fra 1498 til 1501 arbejdede kunstneren på skabelsen af ​​en marmorgruppe kaldet "Pieta" og bragte Michelangelo berømmelse som en af ​​de første mestre i Italien. Hele scenen, der skildrer en ung mor, der græder over liget af sin myrdede søn, er gennemsyret af en følelse af ekstraordinær filantropi og ømhed. Det er ikke tilfældigt, at kunstneren valgte en ung pige som model - et billede, der personificerer åndelig renhed.

Dette værk af en ung mester, der viser ideelle helte, adskiller sig væsentligt fra skulpturerne skabt i det 15. århundrede. Michelangelos billeder er dybere og mere psykologiske. Følelser af sorg og tristhed formidles subtilt gennem moderens særlige udtryk, hendes hænders stilling, kroppen, hvis kurver understreges af tøjets bløde draperier. Billedet af sidstnævnte kan i øvrigt betragtes som et slags skridt tilbage i mesterens arbejde: detaljeret detaljering af elementerne i sammensætningen (i dette tilfælde folderne på kjolen og hætten) er en karakteristik træk ved førrenæssancekunsten. Den samlede komposition er usædvanligt udtryksfuld og patetisk, hvilket er et særkende ved den unge billedhuggers arbejde.

I 1501 tog Michelangelo, der allerede var en berømt skulpturmester i Italien, til Firenze igen. Det er her hans marmor "David" er. I modsætning til sine forgængere (Donatello og Verrocchio) portrætterede Michelangelo den unge helt, der lige var klar til kamp. Den enorme statue (dens højde er 5,5 m) udtrykker en persons usædvanligt stærke vilje, den fysiske styrke og skønhed i hans krop. Billedet af en person i Michelangelos sind ligner figurerne af mytologiske kæmpe titaner. David fremstår her som legemliggørelsen af ​​ideen om en perfekt, stærk og fri person, klar til at overvinde alle forhindringer på hans vej. Alle de lidenskaber, der koger i heltens sjæl, formidles gennem kroppens drejning og udtrykket i Davids ansigt, som taler om hans beslutsomme og viljestærke karakter.

Det er ikke tilfældigt, at statuen af ​​David prydede indgangen til Palazzo Vecchio (bygningen af ​​bystyret i Firenze) som et symbol på magt, ekstraordinær styrke og uafhængighed af bystaten. Hele kompositionen udtrykker harmonien i en stærk menneskesjæl og en lige så stærk krop.

I 1501, sammen med statuen af ​​David, dukkede de første værker af monumentalt ("Slaget ved Kashin") og staffeli ("Madonna Doni" i et rundt format) maleri. Sidstnævnte opbevares i øjeblikket i Uffizi-galleriet i Firenze.

I 1505 vendte Michelangelo tilbage til Rom. Her arbejder han på skabelsen af ​​pave Julius II's grav. Efter planen skulle graven være en storslået arkitektonisk struktur, omkring hvilken der ville være 40 statuer udskåret af marmor- og bronzerelieffer. Men noget tid senere afviste pave Julius II hans ordre, og Michelangelos grandiose planer var ikke bestemt til at gå i opfyldelse. Kilder indikerer, at kunden var ret uhøflig over for mesteren, som et resultat af, at han, fornærmet til dybden af ​​sin sjæl, besluttede at forlade hovedstaden og vende tilbage igen til Firenze.

Imidlertid overtalte de florentinske myndigheder den berømte billedhugger til at slutte fred med paven. Snart henvendte han sig til Michelangelo med et nyt forslag - at dekorere loftet i Det Sixtinske Kapel. Mesteren, der primært betragtede sig selv som en billedhugger, tog modvilligt imod ordren. På trods af dette skabte han et lærred, der stadig er et anerkendt mesterværk af verdenskunst og efterlod malerens hukommelse i mange generationer.

Det skal bemærkes, at Michelangelo arbejdede på maleriet af loftet, hvis areal er mere end 600 kvadratmeter. m, helt alene, uden hjælpere. Men fire år senere var kalkmaleriet fuldt færdigt.

Hele overfladen af ​​loftet til maling var opdelt i flere dele. Det centrale sted indtages af ni scener, der skildrer verdens skabelse, såvel som de første menneskers liv. I hjørnerne af hver sådan scene er figurer af nøgne unge. Til venstre og højre for denne komposition er fresker af syv profeter og fem spåmænd. Loft, buede hvælvinger og stripping er dekoreret med separate bibelske scener. Det skal bemærkes, at Michelangelos figurer er af forskellig skala her. Denne specielle teknik gjorde det muligt for forfatteren at fokusere seerens opmærksomhed på de vigtigste episoder og billeder.

Indtil nu er kunstforskere forundret over problemet med det ideologiske begreb om fresken. Faktum er, at alle plot, der udgør det, er skrevet ud i strid med den logiske rækkefølge af udviklingen af ​​det bibelske plot. Så for eksempel går maleriet "Noahs drukkenskab" forud for kompositionen "Lysets adskillelse fra mørket", selvom det burde være omvendt. Men et så spredt emne afspejlede på ingen måde malerens kunstneriske dygtighed. Tilsyneladende var det stadig vigtigere for kunstneren ikke at afsløre indholdet af fortællingen, men igen (som i statuen "David") at vise harmonien i en smuk, sublim menneskesjæl og hans stærke, stærke krop.
Dette bekræftes af billedet af den titanium-lignende gamle mand af værter (fresko "Skabelsen af ​​Solen og Månen"), som skaber armaturerne.

I næsten alle kalkmalerier, der fortæller om verdens skabelse, dukker en gigantisk mand op foran publikum, i hvem liv, beslutsomhed, styrke og vil vågne efter skaberens ønske. Idéen om uafhængighed er en kontinuerlig tråd i maleriet "Faldet", hvor Eva, der rækker ud efter den forbudte frugt, som om den kaster en udfordring til skæbnen ned, udtrykker et resolut ønske om frihed. Billederne af Flood-freskoen, hvis karakterer tror på fortsættelsen af ​​livet og familien, er fulde af den samme ufleksibilitet og livstørst.

Billederne af sibyller og profeter er repræsenteret af figurer af mennesker, der personificerer stærke følelser og lyse personlighed af karakterer. Den kloge Joel er her det modsatte af den desperate Ezekiel. Beskueren er forbløffet over billederne af den åndelige Esajas og den smukke, vist i forudsigelsens øjeblik, den delfiske sibylle med store, klare øjne.

Ovenfor er patetikken og monumentaliteten af ​​billederne skabt af Michelangelo allerede blevet bemærket mere end én gang. Et interessant faktum er, at selv den såkaldte. hjælpefigurerne er udstyret med mesteren af ​​de samme træk som hovedpersonerne. Billederne af unge mænd, der er placeret i hjørnerne af individuelle malerier, er legemliggørelsen af ​​livsglæden, som en person oplever, og bevidstheden om sin egen åndelige og fysiske styrke.

Kunstkritikere anser med rette maleriet af Det Sixtinske Kapel for at være det værk, der fuldendte perioden med Michelangelos kreative dannelse. Her lavede mesteren opdelingen af ​​plafonden så vellykket, at på trods af alle de mange forskellige emner skaber fresken som helhed indtrykket af harmoni og enhed af billederne skabt af kunstneren.

I løbet af hele perioden med Michelangelos arbejde på fresken ændrede mesterens kunstneriske metode sig gradvist. Senere karakterer præsenteres større - dette forbedrede i høj grad deres monumentalitet. Derudover har en sådan skala af billedet ført til, at figurernes plastik er blevet meget vanskeligere. Dette påvirkede dog ikke på nogen måde billedernes udtryksevne. Måske her mere end noget andet sted blev talentet af en billedhugger manifesteret, som formåede subtilt at formidle enhver bevægelseslinje af en menneskelig figur. Man får indtryk af, at malerierne ikke er malet med maling, men er mesterligt skulpturelle volumetriske relieffer.

Karakteren af ​​freskoerne i forskellige dele af loftet er forskellig. Hvis den centrale del udtrykker de mest optimistiske stemninger, så er der i de buede hvælvinger billeder, der personificerer alle nuancer af dystre følelser: fred, tristhed og angst erstattes her af forvirring og følelsesløshed.

Fortolkningen af ​​billederne af Kristi forfædre præsenteret af Michelangelo er også interessant. Nogle af dem udtrykker følelser af slægtskab. Andre er tværtimod fulde af ondskab og had mod hinanden, hvilket ikke er typisk for bibelske helte, der er kaldet til at bringe lys og godt til verden. Kunstkritikere betragter de senere tilføjelser af kapellet som en manifestation af en ny kunstnerisk metode, begyndelsen på en kvalitativt ny periode i den berømte malermesters arbejde.

I 20'erne. I det 16. århundrede dukker der værker af Michelangelo op, som havde til formål at dekorere pave Julius II's grav. Ordren til konstruktionen af ​​sidstnævnte blev modtaget af den berømte billedhugger fra pavens arvinger. I denne version skulle graven have været noget mindre med et minimum antal statuer. Snart afsluttede mesteren arbejdet med udførelsen af ​​tre skulpturer: statuer af to slaver og Moses.

Michelangelo har arbejdet på billederne af fanger siden 1513. Hovedtemaet i dette værk er en mand, der kæmper mod kræfter, der er fjendtlige over for ham. Her udskiftes de sejrrige heltes monumentale skikkelser: karakterer, der går til grunde i en ulige kamp med det onde. Desuden viser disse billeder sig ikke at være underordnet kunstnerens mål og opgave, men repræsenterer en sammenvævning af følelser og følelser.

Billedets alsidighed kommer til udtryk ved hjælp af en slags kunstnerisk og billedlig metode, som mesteren bruger. Hvis Michelangelo indtil det tidspunkt stræbte efter at vise en figur eller en skulpturgruppe fra den ene side, bliver billedet skabt af kunstneren nu plastisk og ændrer sig. Afhængigt af hvilken side af statuen beskueren kommer fra, får den visse konturer, og dette eller hint problem bliver mere akut.

Den bundne fange kan tjene som en illustration af ovenstående. Så hvis beskueren går rundt om skulpturen i urets retning, vil han let se følgende: For det første udtrykker figuren af ​​en bundet fange med hovedet kastet tilbage og en hjælpeløs krop umenneskelig lidelse fra bevidstheden om sin egen magtesløshed, svaghed i den menneskelige sjæl og krop. Men når du bevæger dig længere rundt i skulpturen, ændrer billedet sig markant. Fangens tidligere svaghed forsvinder, hans muskler er fyldt med styrke, hans hoved rejser sig stolt. Og nu foran seeren er der ikke længere en udmattet martyr, men en mægtig figur af en titanhelt, som ved en latterlig ulykke fandt sig selv lænket. Det ser ud til, at endnu et øjeblik - og båndene vil blive brudt. Dette sker dog ikke. Går man videre, ser beskueren, hvordan menneskekroppen svækkes igen, hans hoved går ned. Og her har vi atter foran os en ynkelig fange, resigneret med sin skæbne.

Den samme variation kan ses i den døende fange-statuen. Som beskueren skrider frem, ser beskueren, hvordan kroppen, der slår i smerte, gradvist falder til ro og bliver følelsesløs, hvilket fremkalder ideen om evig stilhed og fred.

Fangenes skulpturer er usædvanligt udtryksfulde, hvilket er skabt på grund af den realistiske overførsel af plasticiteten i figurernes bevægelse. De kommer bogstaveligt talt til live foran seeren. Styrken i udførelsen af ​​statuen af ​​fanger kan kun sammenlignes med mesterens tidligste skulptur - "Kentaurernes kamp".

Statuen af ​​"Moses" er i modsætning til de "fangne" noget mere behersket i karakter, men ikke mindre udtryksfuld. Her vender Michelangelo sig igen til skabelsen af ​​billedet af en titanisk menneskehelt. Moses-figuren er legemliggørelsen af ​​en leder, en leder, en person med en usædvanlig stærk vilje. Dens essens er bedst afsløret i sammenligning med David. Hvis sidstnævnte symboliserer tillid til ens styrke og uovervindelighed, så er Moses her personificeringen af ​​ideen om, at sejr kræver en enorm indsats. Denne åndelige spænding hos helten blev formidlet af mesteren ikke kun gennem det formidable udtryk i hans ansigt, men også ved hjælp af figurens plasticitet: skarpt brydende linjer af tøjfolder, opadvendte tråde af Moses' skæg.

Siden 1519 har Michelangelo arbejdet på at skabe yderligere fire statuer af fanger. De forblev dog ufærdige. Efterfølgende blev de brugt til at dekorere grotten i Boboli-haven, der ligger i Firenze. I øjeblikket opbevares statuerne på det florentinske akademi. I disse værker optræder et nyt tema for Michelangelo: sammenhængen mellem en skulpturel figur og en stenblok taget som kildemateriale. Billedhuggeren fremsætter her ideen om kunstnerens hovedformål: at befri billedet fra stenlænkene. På grund af det faktum, at skulpturerne viste sig at være ufærdige, og ubearbejdede stykker af sten er tydeligt synlige i deres nederste del, kan beskueren se hele processen med at skabe billedet. En ny kunstnerisk konflikt vises her: en person og verden omkring ham. Desuden er denne konflikt ikke løst til fordel for personen. Alle hans følelser og lidenskaber undertrykkes af omgivelserne.

Maleriet af Medici-kapellet i Firenze var et værk, der betegnede færdiggørelsen af ​​højrenæssancescenen og var samtidig en ny fase i Michelangelos værk. Værket blev udført i 15 år, fra 1520 til 1534. I nogen tid blev kunstneren tvunget til at indstille arbejdet på grund af de politiske begivenheder, der fandt sted i Italien på det tidspunkt. I 1527, som svar på Roms nederlag, erklærede Firenze sig selv som en republik.

Michelangelo blev som tilhænger af den republikanske statsstruktur valgt til stillingen som leder af befæstningsanlæg og ydede et stort bidrag til forsvaret af byen. Da Florence faldt og Medici kom til magten igen, hang en alvorlig dødstrussel over den berømte kunstner, og nu også en politiker. Frelsen kom helt uventet. Pave Clement VII Medici, som var en stolt og forfængelig mand, udtrykte et ønske om at overlade mindet om sig selv og sine slægtninge til eftertiden. Hvem andet end Michelangelo, berømt for kunsten at male vidunderlige billeder og udføre fremragende statuer, kunne gøre dette?

Så arbejdet med opførelsen af ​​Medici-kapellet blev genoptaget. Sidstnævnte er en lille struktur med høje vægge, toppet med en kuppel i toppen. Der er to grave i kapellet: hertugerne Giuliano af Nemours og Lorenzo af Urbino, placeret langs væggene. Ved den tredje væg, overfor alteret, står en statue af Madonnaen. Til venstre og til højre for hende er skulpturer, der personificerer billederne af Saints Cosmas og Damian. Det er fastslået, at de blev lavet af den store mesters disciple. Forskere antyder, at det var til Medici-graven, at statuerne "Apollo" (et andet navn - "David") og "Crouching Boy" også blev lavet.

Sammen med hertugernes skulpturer, som ikke havde nogen ydre lighed med deres prototyper, blev der placeret allegoriske figurer: "Morgen", "Dag", "Aften" og "Nat". De præsenteres her som symboler på jordisk tids og menneskelivs forgængelighed. Statuerne placeret i smalle nicher giver indtryk af depression, den forestående ankomst af noget forfærdeligt og formidabelt. Hertugernes volumetriske figurer, knust af stenmure på alle sider, udtrykker den åndelige brud og den indre tomhed i billederne.

Det mest harmoniske i dette ensemble er billedet af Madonnaen. Usædvanligt udtryksfuldt og fuld af lyrik, det er utvetydigt og ikke belastet med mørke linjer.

Medici-kapellet er af særlig interesse med hensyn til den kunstneriske enhed af arkitektoniske og skulpturelle former. Bygningens linjer og statuer er her underordnet kunstnerens ene idé. Kapellet er det klareste eksempel på syntesen og harmonien af ​​samspillet mellem to kunstarter - skulptur og arkitektur, hvor dele af den ene harmonisk komplementerer og udvikler betydningen af ​​den andens elementer.

Siden 1534 forlod Michelangelo Firenze og slog sig ned i Rom, hvor han blev til slutningen af ​​sit liv. Den romerske periode for den store mesters arbejde gik under betingelserne for modreformationens kamp mod de ideer, der blev glorificeret af renæssancens forfattere, malere og billedhuggere. Manieristernes kunst erstatter sidstnævntes kreativitet.

I Rom kom Michelangelo tæt på de mennesker, der dannede en religiøs og filosofisk kreds ledet af datidens berømte italienske digter Vittoria Colonna. Men som i sin ungdom var Michelangelos tanker og ideer langt fra dem, der svævede i kredsens hoveder. Faktisk levede og arbejdede mesteren i Rom i et miljø præget af misforståelser og åndelig ensomhed.

Det var på dette tidspunkt (1535-1541), at den sidste doms kalkmaleri dukkede op, som prydede Det Sixtinske Kapels altervæg.

Den bibelske historie er her genfortolket af forfatteren. Billedet af den sidste dom opfattes af beskueren ikke som en positiv begyndelse, den højeste retfærdigheds triumf, men snarere som en almindelig menneskelig tragedie for hele racens død, som Apokalypsen. Enorme figurer af mennesker forstærker dramaet i kompositionen.

Billedets spontane karakter svarer fuldt ud til kunstnerens opgave - at vise personen tabt i den generelle messe. Takket være en sådan løsning på det kunstneriske billede har beskueren en følelse af ensomhed i denne verden og magtesløshed over for fjendtlige kræfter, som det ikke nytter at kæmpe med. De tragiske toner får en mere gennemtrængende lyd, også fordi mesteren ikke her har et integreret, monolitisk billede af et kollektiv af mennesker (som det vil blive præsenteret på lærrederne af kunstnerne fra senrenæssancen), hver af dem lever sit eget liv. Imidlertid kan malerens utvivlsomme fortjeneste allerede anses for, at han viste, om end stadig usammenhængende, men ikke længere upersonlig menneskelig masse.

I The Last Judgment præsenterer Michelangelo en usædvanlig udtryksfuld farveteknik. Kontrasten af ​​lyse nøgne kroppe og en mørk, sort-blå himmel forstærker indtrykket af tragisk spænding og depression i kompositionen.

Michelangelo. Den sidste dom. Fresko af det sixtinske kapel i Vatikanet. Fragment. 1535-1541

Mellem 1542 og 1550 malede Michelangelo væggene i Paolina-kapellet i Vatikanet. Den store malermesters pensler tilhører to fresker, hvoraf den ene senere blev kaldt "Paulus omvendelse", og den anden - "Korsfæstelsen af ​​Peter". I sidstnævnte, i karaktererne, der ser henrettelsen af ​​Peter, præsenteres ideen om en persons stiltiende samtykke, passivitet og ydmyghed over for sin skæbne fuldt ud. Folk har hverken fysisk eller mental styrke til på en eller anden måde at modstå vold og ondskab.

I slutningen af ​​1530'erne. en anden skulptur af Michelangelo dukker op - en buste af Brutus. Dette arbejde tjente som en slags svar fra den berømte mester på mordet på den tyranniske hertug Alessandro Medici, begået af hans slægtning Lorenzo. Uanset de sande motiver blev sidstnævntes handling mødt med glæde af kunstneren - en tilhænger af republikanerne. Billedet af Brutus er fyldt med borgerlig patos, repræsenteret af mesteren som en ædel, stolt, uafhængig, en mand med stor intelligens og et varmt hjerte. Her vender Michelangelo så at sige tilbage til billedet af en ideel person med høje åndelige og intellektuelle kvaliteter.

De sidste år med Michelangelos kreativitet gik i en atmosfære af tab af venner og slægtninge og en endnu mere forværret offentlig reaktion. Modreformisternes innovationer kunne ikke andet end at røre ved mesterens værker, hvor de mest progressive ideer fra renæssancen blev manifesteret: humanisme, kærlighed til frihed, oprørskhed mod skæbnen. Det er tilstrækkeligt at sige, at ved beslutningen fra en af ​​de voldsomme beundrere af modreformer, Paul IV Karaffa, blev der foretaget ændringer i sammensætningen af ​​den sidste dom af den berømte maler. Paven anså de nøgne figurer af de mennesker, der er afbildet i fresken, for at være uanstændige. Efter hans ordre skjulte Michelangelos elev Daniele da Volterra nøgenheden af ​​nogle Michelangelo-billeder med gardiner af kapper.

En dyster og smertefuld stemning af ensomhed og alle håbs sammenbrud gennemsyrede Michelangelos sidste værker - en række tegninger og skulpturer. Det er disse værker, der tydeligst afspejler den anerkendte mesters indre modsætninger.

Således præsenteres Jesus Kristus i Pieta fra Palestrina som en helt, knust under angreb fra ydre kræfter. Det samme billede i "Pieta" ("Begravelse") fra den florentinske katedral er allerede mere hverdagsagtigt og humaniseret. Dette er ikke længere en titanhelt. Det viser sig at være vigtigere for kunstneren her at vise karakterernes åndelige styrke, følelser og oplevelser.

Ødelagte konturer af Kristi legeme, billedet af en mor, der bøjer sig over sin søns døde krop, Nikodemus sænker kroppen
Jesus i graven - alt er underordnet én opgave: at skildre dybden af ​​menneskelige oplevelser. Desuden sandt
fordelen ved disse værker er mesterens overvindelse af billedernes uenighed. Menneskerne på maleriet forenes af en følelse af dyb medfølelse og bitterheden af ​​tab. Denne teknik af Michelangelo blev udviklet i næste fase af dannelsen af ​​italiensk kunst, i værker af kunstnere og billedhuggere fra den sene renæssance.

Toppen af ​​den sidste fase af Michelangelos kreativitet kan betragtes som en skulptur, senere kaldet "Pieta Rondanini". Billederne vist her præsenteres som legemliggørelsen af ​​ømhed, spiritualitet, dyb sorg og tristhed. Her, mere end nogensinde, lyder temaet om menneskelig ensomhed i en verden, hvor der er så mange mennesker, akut.

De samme motiver kan høres i den store mesters senere grafiske værker, som anså tegning for at være det grundlæggende princip for skulptur, maleri og arkitektur.

Billederne af Michelangelos grafiske værker adskiller sig ikke fra heltene i hans monumentale kompositioner: de samme majestætiske titanhelte er repræsenteret her. I den sidste periode af sit arbejde vender Michelangelo sig til tegning som en selvstændig kunstnerisk og visuel genre. Altså i 30-40'erne. Det 16. århundrede så fremkomsten af ​​mesterens mest levende og udtryksfulde kompositioner, såsom "The Fall of Phaeton" og "The Resurrection of Christ".

Udviklingen af ​​kunstnerens kunstneriske metode kan let spores på eksempler på grafiske værker. Hvis de første tegninger, lavet med en pen, indeholder meget specifikke billeder af figurer med ret skarpe konturer af konturerne, så bliver de senere billeder mere vage og bløde. Denne lethed er skabt på grund af det faktum, at kunstneren bruger enten sangvinsk eller en italiensk blyant, ved hjælp af hvilken der skabes tyndere og mere sarte linjer.

Men Michelangelos senere arbejde var ikke kun præget af tragisk håbløse billeder. Den store mesters arkitektoniske strukturer, der går tilbage til denne tid, fortsætter så at sige renæssancens traditioner. Dens katedral St. Peter og det arkitektoniske ensemble af Capitol i Rom er legemliggørelsen af ​​renæssancens ideer om højhumanisme.

Michelangelo Buonarroti døde i Rom den 18. februar 1564. Hans lig blev taget ud af hovedstaden i strengeste fortrolighed og sendt til Firenze. Den store kunstner blev begravet i kirken Santa Croce.

Arbejdet fra mesteren af ​​maleri og skulptur spillede en vigtig rolle i dannelsen og udviklingen af ​​den kunstneriske metode for mange af Michelangelos tilhængere. Blandt dem er Raphael, manéristerne, som ofte kopierede linjerne i billederne skabt af den berømte maler. Michelangelos kunst var ikke mindre vigtig for barokkens kunstnere. Det ville imidlertid være forkert at sige, at billederne af barokken (en person, der ikke er båret frem af interne impulser, men af ​​ydre kræfter) ligner Michelangelos helte, der glorificerer humanismen, menneskets vilje og indre styrke.

Raphael Santi

Raphael Santi blev født i den lille by Urbino i 1483. Det var ikke muligt at fastslå den nøjagtige fødselsdato for den store maler. Ifølge nogle kilder blev han født den 26. eller 28. marts. Andre forskere hævder, at Raphaels fødselsdato var den 6. april 1483.

I slutningen af ​​det 15. århundrede blev Urbino et af de største kulturelle centre i landet. Biografer foreslår, at Raphael studerede med sin far, Giovanni Santi. Siden 1495 har den unge mand arbejdet i Urbino-mesteren Timoteo della Vites kunstværksted.

De tidligste overlevende værker af Raphael anses for at være miniaturerne "The Dream of a Knight" og "Three Graces". Allerede i disse værker afspejles de humanistiske idealer, som renæssancens mestre prædikede, fuldt ud.

I Ridderdrømmen er der en slags gentænkning af det mytologiske tema, hvor Herkules står over for et valg: Valor or Pleasure?... Raphael skildrer Hercules som en sovende ung ridder. Foran ham er to unge kvinder: den ene med en bog og et sværd i hænderne (symboler på viden, tapperhed og våbenbedrifter), den anden med en blomstrende gren, der personificerer nydelse og nydelse. Hele kompositionen er placeret på baggrund af et smukt landskab.

I "Three Graces" præsenteres igen antikke billeder, taget, efter al sandsynlighed, fra en gammel græsk cameo (et billede på en ædelsten eller halvædelsten).

På trods af det faktum, at der i de tidlige værker af den unge kunstner er mange lån, er forfatterens kreative individualitet allerede tydeligt manifesteret her. Det kommer til udtryk i billedernes lyrik, den særlige rytmiske tilrettelæggelse af værket, blødheden i de linjer, der danner figurerne. Den ekstraordinære harmoni i de malede billeder, såvel som den kompositoriske klarhed og klarhed, som er karakteristiske for Rafaels tidlige værker, taler om højrenæssancens kunstner.

I 1500 forlader Raphael sin hjemby og tager til Perugia, Umbriens hovedby. Her studerede han maleri i Pietro Peruginos atelier, som var grundlæggeren af ​​den umbriske kunstskole. Raphaels samtidige vidner om: den dygtige elev tog så dybt sin lærers forfatterskab til sig, at deres lærreder ikke engang kunne skelnes. Meget ofte udførte Raphael og Perugino ordren og arbejdede sammen på billedet.

Det ville dog være forkert at sige, at den unge kunstners oprindelige talent slet ikke udviklede sig i denne periode. Dette bekræftes af den berømte "Conestabile Madonna", skabt omkring 1504.

I dette lærred optræder for første gang billedet af Madonnaen, som i fremtiden vil indtage en af ​​de førende pladser i kunstnerens værk. Madonna blev malet på baggrund af et vidunderligt landskab med træer, bakker og en sø. Billederne forenes af, at Madonnaens og babyens blik er rettet mod bogen, som den unge mor har travlt med at læse. Sammensætningens fuldstændighed formidles ikke kun af hovedpersonernes figurer, men også af selve billedets form - tondo (rund), hvilket slet ikke begrænser billedernes frihed. De er voluminøse og lette. Indtrykket af naturlighed og realisme skabes takket være brugen af ​​lette kolde farver og deres specielle kombinationer i kompositionen: Madonnaens dybblå kappe, gennemsigtig blå himmel, grønne træer og søvand, sneklædte bjerge med hvide toppe. Alt dette, når man ser på billedet, skaber en følelse af renhed og ømhed.

Et andet lige så berømt værk af Raphael, som også tilhører den tidlige periode af hans arbejde, er et lærred skabt i 1504 kaldet "The Trolovelse of Mary". Maleriet opbevares i øjeblikket i Brera Gallery i Milano. Kompositionskonstruktion er af særlig interesse her. Maleren overførte trolovelsens religiøse og ceremonielle handling fra kirkens vægge, synlige i det fjerne, til gaden. Nadveren udføres under en klar lyseblå himmel. I midten af ​​billedet ses præsten, til venstre og til højre for ham er Maria og Josef, ved siden af ​​er unge piger og drenge i små grupper. Placeret i kompositionens perspektiv fungerer kirken som en slags kulisse, som trolovelsen foregår på. Hun er et symbol på guddommelig disposition og gunst for Maria og Josef. Den halvcirkelformede ramme af lærredet i dens øvre del, der gentager linjen i kirkens kuppel, giver billedet sin logiske fuldstændighed.

Figurerne på billedet er usædvanligt lyriske og samtidig naturlige. Her bliver bevægelserne, den menneskelige krops plasticitet meget præcist og subtilt formidlet. Et slående eksempel på dette er figuren af ​​en dreng i forgrunden af ​​kompositionen, der brækker en stafet på sit knæ. Maria og Joseph virker yndefulde, næsten æteriske for seeren. Deres sjælfulde ansigter er fyldt med kærlighed og ømhed. På trods af en vis symmetri i figurernes arrangement mister lærredet ikke sin lyriske lyd. Billederne skabt af Raphael er ikke skemaer, de er levende mennesker i al den variation af deres følelser.

Det var i dette værk, at for første gang tydeligst, i sammenligning med tidligere værker, blev den unge mesters talent i evnen til subtilt at organisere rytmen i en komposition manifesteret. Takket være denne egenskab indgår billeder af arkitektoniske strukturer harmonisk i det samlede billede, som ikke kun er et element i Rafaels landskab, men også bliver på niveau med hovedpersonerne, afslører deres essens og karakter.

Ønsket om at skabe en særlig rytme i værket er dikteret af kunstnerens brug af maling af bestemte toner. Således er kompositionen "The Trolovelse of Mary" kun bygget på fire farver.

Gyldne gule, grønne og røde toner, kombineret i heltenes tøj, i landskabet, arkitekturen og indstillingen af ​​den nødvendige rytme for den samlede komposition, danner en harmoni med himlens lyseblå nuancer.

Meget snart bliver Peruginos kunstværksted for lille til den videre vækst af malerens talent. I 1504 besluttede Raphael at flytte til Firenze, hvor ideerne og æstetikken fra højrenæssancekunsten blev udviklet. Her stifter Raphael bekendtskab med Michelangelos og Leonardo da Vincis værker. Det er sikkert at sige, at de var den unge malers lærere på dette stadium af dannelsen af ​​hans kreative metode. I disse mestres værker fandt den unge kunstner noget, der ikke var i den umbriske skole: den originale stil med at skabe billeder, den ekspressive plasticitet af de afbildede figurer, en mere voluminøs repræsentation af virkeligheden.

Nye kunstneriske og billedlige løsninger blev allerede afspejlet i værkerne skabt af Raphael i 1505. Portrætter af den dengang berømte filantrop fra Firenze Angelo Doni og hans kone opbevares nu i Pitti Gallery. Billederne er blottet for enhver heroisk patos og overdrivelse. Disse er almindelige mennesker, dog udstyret med de bedste menneskelige egenskaber, blandt hvilke er beslutsomhed og stærk vilje.

Her, i Firenze, skriver Raphael en cyklus af malerier dedikeret til Madonnaen. Hans lærreder "Madonna in the Green", "Madonna with a Goldfinch", "Madonna the Gardener" dukkede op. Disse kompositioner er varianter af ét stykke. Alle lærreder forestiller Madonnaen og barnet med den lille Johannes Døberen. Figurerne er placeret på baggrund af et fabelagtigt smukt landskab. Raphaels billeder er usædvanligt lyriske, bløde og ømme. Hans Madonna er legemliggørelsen af ​​den alttilgivende, fredfyldte moderlige kærlighed. I disse værker er der en vis mængde sentimentalitet og overdreven beundring for heltenes ydre skønhed.

Et karakteristisk træk ved malerens kunstneriske metode i denne periode er manglen på et klart farvesyn, der ligger i alle mestre i den florentinske skole. Der er ingen dominerende farver på lærrederne. Billederne er gengivet i pastelfarver. Farve for kunstneren er ikke hovedsagen her. Det viser sig at være vigtigere for ham at formidle de linjer, der danner figuren, så præcist som muligt.

De første eksempler på Rafaels monumentale maleri blev skabt i Firenze. Blandt dem er den mest interessante Madonna med Johannes Døberen og St. Nicholas "(eller" Madonna af Anside "). Kunstnerens kreative metode var i høj grad påvirket af florentinske maleres lærreder, hovedsageligt Leonardo da Vinci og Fra Bartolomeo.

I 1507, der ønsker at sammenligne med de bedste mestre af den florentinske skole, de var Leonardo da Vinci og Michelangelo, Raphael skaber et ret stort lærred, kaldet "The Entombment". Nogle elementer i kompositionsbillederne er gentagelser af berømte malere. Så Kristi hoved og krop er lånt fra Michelangelos skulptur "Pieta" (1498-1501) og billedet af en kvinde, der støtter Maria - fra lærredet af den samme mester "Madonna Doni". Mange kunstkritikere anser ikke dette værk af Raphael for at være originalt, hvilket afslører hans originale talent og træk ved den kunstneriske og visuelle metode.

På trods af hans sidste mislykkede arbejde var Raphaels præstationer inden for kunst betydelige. Snart bemærkede og anerkendte samtidige den unge kunstners værker, og forfatteren selv blev sat på niveau med renæssancens fremragende malere. I 1508, under protektion af den berømte arkitekt Bramante, landsmanden Raphael, rejser maleren til Rom, hvor han er blandt de inviterede til det pavelige hof.

Julius II, der på det tidspunkt sad på den pavelige trone, var kendt som en forfængelig, beslutsom og viljestærk mand.
Det var under hans regeringstid, at de pavelige besiddelser i høj grad blev udvidet gennem krige. Den samme "offensive" politik blev ført i forhold til udviklingen af ​​kultur og kunst. Således blev de mest berømte kunstnere, billedhuggere og arkitekter inviteret til det pavelige hof. Rom, prydet med talrige arkitektoniske bygninger, begyndte at ændre sig mærkbart: Bramante byggede St. Peters katedral; Michelangelo, efter at have midlertidigt suspenderet konstruktionen af ​​Julius II's grav, begyndte at male loftet i Det Sixtinske Kapel. Efterhånden blev der dannet en kreds af digtere og videnskabsmænd omkring paven, der prædikede høje humanistiske principper og ideer. Rafael Santi, der ankom fra Firenze, kom ind i sådan en atmosfære.

Da han ankom til Rom, begyndte Raphael at arbejde på maleriet af pavens lejligheder (den såkaldte strofe). Kalkmalerierne blev skabt i perioden fra 1509 til 1517. De adskiller sig fra værker af lignende karakter af andre mestre ved en række træk. Først og fremmest er det maleriernes skala. Hvis der i tidligere malers værker var flere små kompositioner på en væg, så har Raphael en separat væg til hvert maleri. Følgelig er de afbildede figurer også "vokset".

Yderligere er det nødvendigt at bemærke rigdommen af ​​Raphaels fresker med en række dekorative elementer: lofter dekoreret med kunstig marmor og forgyldning, fresco- og mosaikkompositioner, et gulv malet med et fancy mønster. En sådan mangfoldighed skaber dog ikke indtrykket af overskud og kaos. Arrangeret på deres steder og dygtigt arrangerede dekorative elementer fremkalder en følelse af harmoni, orden og en vis rytme sat af mesteren. Som et resultat af sådanne kreative og tekniske innovationer er billederne skabt af kunstneren i malerierne klart synlige for beskueren og får derfor den nødvendige klarhed og klarhed.

Alle fresker skulle adlyde et fælles tema: forherligelsen af ​​den katolske kirke og dens hoved. I denne henseende er malerierne baseret på bibelske plot og scener fra pavedømmets historie (med billeder af Julius II og hans efterfølger Leo X). Men i Raphael får sådanne konkrete billeder en generaliseret allegorisk betydning, der afslører essensen af ​​renæssancens humanistiske ideer.

Af særlig interesse fra dette synspunkt er Stanza della Senyatura (signaturrummet). Kompositionens kalkmalerier er et udtryk for de fire områder af menneskelig åndelig aktivitet. Så fresken "Tvist" viser teologi, "Den athenske skole" - filosofi, "Parnassus" - poesi, "Visdom, mådehold og styrke" - retfærdighed. Toppen af ​​hver fresco er kronet med en allegorisk figur, der repræsenterer en bestemt aktivitet. I hjørnerne af hvælvingerne er der små kompositioner, der i tema ligner denne eller hin fresco.

Sammensætningen af ​​maleriet i Stanza della Senyatura er baseret på en kombination af bibelske og oldgræske emner (bibelsk - "Faldet", antikt - "Apollons sejr over Marsyas"). Selve det faktum, at en kombination af mytologiske, hedenske og sekulære temaer blev brugt til at dekorere paveværelser, vidner om datidens folks holdning til religiøse dogmer. Rafaels kalkmalerier udtrykte det sekulære princips prioritet frem for det kirke-religiøse.

Det klareste og mest fuldt reflekterende religiøse kultfresco var maleriet "Tvist". Her er kompositionen sådan set delt i to dele: himmel og jord. Nedenfor, på jorden, ses kirkefædrenes skikkelser samt præster, ældre og unge. Deres billeder er usædvanligt naturlige, som er skabt ved hjælp af realistisk gengivelse af kroppens plasticitet, drejninger og bevægelser af figurer. Dante, Savonarola, maleren Fra Beato Angelico kan let genkendes her blandt massen af ​​ansigter.

Over figurerne af mennesker er der billeder, der symboliserer den hellige treenighed: Gud Faderen, lidt under ham - Jesus Kristus med Guds Moder og Johannes Døberen, under dem - en due - personificeringen af ​​Helligånden. I midten af ​​den samlede komposition, som et symbol på nadveren, er der en oblat.

I "Dispute" optræder Raphael som en uovertruffen mester i komposition. På trods af de mange symboler er billedet kendetegnet ved en ekstraordinær klarhed af billeder og klarheden i den tanke, forfatteren formidler. Symmetrien i figurernes arrangement i den øverste del af kompositionen opblødes af de næsten kaotisk placerede figurer i den nederste del af kompositionen. Og derfor bliver en eller anden skematisk fremstilling af førstnævnte knap mærkbar. Et gennemgående kompositorisk element her er en halvcirkel: en halvcirkel placeret i den øverste del af helgenerne og apostlene på skyerne og, som dets ekko, en halvcirkel af frie og mere naturlige figurer af mennesker i den nederste del af billedet.

En af de bedste fresker og værker af Raphael i denne periode af hans arbejde er maleriet "The School of Athens". Denne fresco er legemliggørelsen af ​​de høje humanistiske idealer forbundet med det antikke Grækenlands kunst. Kunstneren skildrede berømte gamle filosoffer og videnskabsmænd. I den centrale del af kompositionen er der figurer af Platon og Aristoteles. Platons hånd peger på jorden, og Aristoteles's til himlen, som symboliserer de gamle filosoffers lære.

På venstre side af Platon er figuren af ​​Sokrates, der fører en samtale med en gruppe mennesker, blandt hvilke ansigtet af den unge Alcibiades skiller sig ud, hvis krop er beskyttet af en skal og hans hoved er dækket af en hjelm. På trappen er Diogenes, grundlæggeren af ​​den filosofiske skole for kynikere. Han er her repræsenteret som en tigger, der står ved indgangen til templet og tigger om almisse.

I bunden af ​​kompositionen vises to grupper af personer. På venstre side er figuren af ​​Pythagoras omgivet af sine disciple. Til højre - Euklid, der tegner noget på en tavle, også omgivet af elever. Til højre for den sidste gruppe er Zoroaster og den kronede Ptolemæus med kugler i hænderne. I nærheden placerede forfatteren sit selvportræt og figuren af ​​maleren Sodomu (det var ham, der begyndte at arbejde på maleriet af Stanza della Senyatura). Til venstre for midten placerede kunstneren den eftertænksomme Heraklit fra Efesos.

Sammenlignet med billederne på kalkmalerierne i Disput er Athenskolens figurer meget større og mere monumentale. Disse er helte udstyret med et ekstraordinært sind og stor styrke. De vigtigste billeder af fresken er Platon og Aristoteles. Deres betydning bestemmes ikke kun og ikke så meget af stedet i kompositionen (de indtager den centrale plads), men af ​​kroppens ansigtsudtryk og særlige plasticitet: disse figurer har en virkelig kongelig holdning og gang. Et interessant faktum er, at prototypen af ​​billedet af Platon var Leonardo da Vinci. Modellen til at skrive billedet af Euklid var arkitekten Bramante. Prototypen af ​​Heraclitus var figuren afbildet af Michelangelo på loftet i Det Sixtinske Kapel. Nogle forskere foreslår, at billedet af Heraclitus blev skitseret af mesteren fra Michelangelo selv.

Temaet ændrer sig også her: fresken lyder som en slags hymne til det menneskelige sind og den menneskelige vilje. Derfor er alle karaktererne sat på baggrund af grandiose arkitektoniske strukturer, der symboliserer det menneskelige sinds uendelighed og kreative tanker. Hvis heltene fra "Tvister" er passive, så er billederne præsenteret i "Skolen i Athen" aktive og energiske byggere af deres liv, transformere af verdens sociale orden.

Freskens kompositoriske løsninger er også interessante. Så figurerne af Platon og Aristoteles placeret i baggrunden, på grund af det faktum, at de er vist i bevægelse, er de vigtigste på billedet. De danner også kompositionens dynamiske centrum. Talende fra dybden ser de ud til at gå frem til beskueren, hvilket skaber indtryk af dynamik, udviklingen af ​​kompositionen, som er indrammet af en halvcirkelformet bue.

Arbejdet med maleriet bag Stanza d'Eliodoro seglrummet blev udført af Raphael fra 1511 til 1514. Bibelske legender og fakta fra pavedømmets historie blev emnerne for freskoerne i dette rum, udsmykket med historier, hvor det vigtigste sted blev givet til guddommelig forsyn og mirakel.

Værelset fik sit navn efter færdiggørelsen af ​​det dekorative arbejde på kalkmaleriet "The Expulsion of Eliodor", hvis handling var baseret på historien om den syriske kommandant Eliodor, der ønskede at stjæle rigdommene, der var opbevaret i Jerusalem-slottet. Imidlertid forhindrede den himmelske rytter ham. Fresken tjente som en påmindelse om, hvordan pave Julius II's tropper besejrede og vanærede den franske hær fra de pavelige stater.

Denne fresco er dog ikke kendetegnet ved kunstnerens kreative intentions udtrykskraft. Dette skyldes sandsynligvis, at den samlede sammensætning er opdelt i to separate dele. Til venstre er en smuk rytter, der sammen med to engle forsøger at besejre Eliodor. På højre side af kalkmaleriet er Julius II, tilbagelænet på en båre. Blandt dem, der støtter båren, portrætterede maleren den berømte tyske maler Albrecht Durer. På trods af plottets formodede heroiske patos er billederne af Raphael fuldstændig blottet for dynamik og drama.

Noget stærkere i karakter og perfekt i kompositorisk struktur er fresken kaldet "Messe i Bolsen". Dens plot er baseret på en historie om en vantro præst, hvis oblat blev plettet med blod under nadveren. Pave Julius II, kardinalerne og schweizerne fra vagten, som stod bag ham, blev vidner til dette mirakel på Rafaels lærred.

Et karakteristisk træk ved dette værk af den berømte kunstner er blevet en stor, i sammenligning med tidligere værker, graden af ​​naturlighed og naturlighed i skildringen af ​​helte. Disse er ikke længere abstrakte figurer, slående i deres ydre skønhed, men helt rigtige mennesker. Det mest slående bevis på dette er billederne af schweizeren fra den pavelige vagt, hvis ansigter er fulde af indre energi, der udtrykker en stærk menneskelig vilje. Men deres følelser er ikke kunstnerens fantasi. Det er meget virkelige menneskelige følelser.

I dette værk lægger forfatteren stor vægt på farver, farverig fylde af lærredet og billeder. Maleren bekymrer sig nu ikke kun om den nøjagtige gengivelse af figurernes konturlinjer, men også billedernes farvemætning, visningen af ​​deres indre verden gennem en bestemt tone.

Lige så udtryksfuld er fresken "Peters Bog", som skildrer scenen for apostlen Peters befrielse af en engel. Kunstkritikere mener, at dette billede er en slags symbol på den fabelagtige befrielse af den pavelige legat Leo X (som senere blev pave) fra fransk fangenskab.

Af særlig interesse i denne fresco er kompositionen og farveskemaet fundet af forfatteren. Den gengiver nattelys, hvilket forstærker den overordnede kompositions dramatiske karakter. Den præcist udvalgte arkitektoniske baggrund bidrager også til afsløringen af ​​indholdet og billedets større følelsesmæssige fylde: et fangehul bygget af massive mursten, en tung buet hvælving, tykke stænger af et gitter.

Den fjerde og sidste fresco i Stanza d'Eliodoro, senere kaldet "Mødet mellem Pave Leo I med Attila", blev lavet i henhold til Rafaels skitser af hans elever, Giulio Romano og Francesco Penni. Arbejdet blev udført i perioden fra 1514 til 1517. Mesteren selv, som på det tidspunkt var blevet en usædvanlig populær kunstner, hvis berømmelse strakte sig over hele Italien og modtog en masse ordrer, kunne ikke fuldføre arbejdet med at udsmykke paven kamre. Derudover blev Raphael på dette tidspunkt udnævnt til hovedarkitekten for St. Peters katedral og forestod også de arkæologiske udgravninger, der dengang blev udført på Roms område og omegn.

Malerierne, der pryder Stanza del Inchendio, er skrevet på baggrund af historier fra pavedømmets historie. Blandt alle kalkmalerierne er der måske kun én, der fortjener særlig opmærksomhed - "The Fire in Borgo". Hun fortæller om en brand, der fandt sted i et af de romerske kvarterer i 847. Pave Leo IV var på det tidspunkt med til at slukke ilden. Denne fresco er kendetegnet ved overdreven patos og kunstigt drama i billedet af mennesker, der forsøger at flygte fra katastrofen: en søn, der bærer en far, en ung mand, der klatrer over en mur, en pige, der holder en kande.

Freskoerne i Vatikanets strofer viser godt udviklingen af ​​Rafaels værk: kunstneren bevæger sig gradvist fra ideelle billeder af tidlige værker til drama og samtidig en tilnærmelse til livet i værker, der tilhører den sene periode (fagkompositioner og portrætter) ).

Næsten umiddelbart efter sin ankomst til Rom, i 1509, maler Raphael, som fortsætter Madonnaens tema, maleriet "Madonna Alba". Sammenlignet med figurerne af Madonna Conestabil er billederne i Madonna Alba meget mere komplekse. Mary er her afbildet som en ung kvinde med en stærk karakter, energisk og selvsikker. Babyens bevægelser er lige så stærke. Maleriet er lavet i form af en tondo. Figurerne er dog fuldstændig malede her, hvilket ikke var typisk for runde lærreder. Dette arrangement af figurer fører imidlertid ikke til fremkomsten af ​​statiske billeder. De, såvel som hele kompositionen som helhed, vises i dynamik. Denne følelse er skabt på grund af det faktum, at mesteren subtilt og præcist formidler plasticiteten af ​​menneskekroppens bevægelser.

Af særlig betydning for dannelsen af ​​kunstnerens kreative metode var maleriet "Madonna i en lænestol" (eller "Madonna della Cedia"), værket på hvilket blev afsluttet omkring 1516. Det noget idealiserede billede af Madonnaen er her funderet p.g.a. indførelsen af ​​konkrete, rigtige elementer i kompositionen. Så for eksempel er Marys bryst dækket af et bredt lyst tørklæde med frynser. Sådanne sjaler var dengang alle italienske bondekvinders yndlingsdragt.

Figurerne af Madonnaen, spædbarnet Kristus og den lille Johannes Døberen er placeret tæt på hinanden. Man får indtryk af, at billederne flyder jævnt ind i hinanden. Hele billedet er gennemsyret af en usædvanlig let lyrisk følelse. Det evigt levende tema om moderkærlighed formidles her ikke kun i Marias blik, men også i hendes figurs plasticitet. Tondoens form giver hele sammensætningen en logisk fuldstændighed. Figurerne af Mary og babyen, placeret på et rundt lærred, er et symbol på to nærmeste menneskers enhed: mor og barn. Det her
Raphaels maleri blev anerkendt af hans samtidige som toppen af ​​staffeli-maleri, ikke kun med hensyn til kompositorisk konstruktion, men også på grund af den subtile overførsel af plastiske billedlinjer.

Siden 10'erne. XVI århundrede Raphael arbejder på kompositioner til altertavler. Så i 1511 dukker "Madonna Foligno" op. Og i 1515 begyndte den berømte kunstner at skabe et lærred, som senere ville bringe maleren ære af en stor mester og vinde hjerterne hos mere end en generation af mennesker. Den sixtinske madonna er et maleri, der markerede den sidste fase i udviklingen af ​​Rafaels kunstneriske metode. Emnet moderskab modtog her, i sammenligning med tidligere værker, den største udvikling og den mest komplette udførelsesform.

Ved indgangen til katedralen vender beskueren sig straks til den majestætiske figur af Madonnaen, der bærer spædbarnet Jesus Kristus i sine arme. Denne effekt opnås gennem et særligt kompositorisk arrangement af karaktererne. Det halvåbne gardin, de hellige Sixtus og Barbaras blikke vendte sig mod Maria - alt dette har til formål at oplyse og gøre den unge mor til centrum for kompositionen.

Ved at afsløre billedet af Madonnaen afveg Raphael langt fra renæssancens kunstnere. Madonna taler her direkte til seeren. Hun har ikke travlt med et barn (som Madonna Leonardo da Vinci) og er ikke fordybet i sig selv (som heltinderne i mesterens tidlige værker). Denne Maria, der bevæger sig langs de snehvide skyer mod beskueren, fører en samtale med ham. I hendes store øjne kan man se moderkærlighed og en vis forvirring og håbløshed og ydmyghed og dybe følelser for hendes søns fremtidige skæbne. Hun, som seer, ved alt, hvad der vil ske med hendes barn. Men for at redde mennesker er moderen klar til at ofre ham. Billedet af det spæde Kristus er udstyret med samme alvor. I hans øjne er så at sige hele verden indelukket, han fortæller os som en profet menneskehedens og sin egen skæbne.

Raphael. Sixtinske Madonna. 1515-1519

Billedet af Mary er fuld af drama og usædvanligt udtryksfuldt. Han er dog blottet for idealisering og er ikke udstyret med hyperbolske træk. Følelsen af ​​fuldstændighed, fuldstændighed af billedet skabes her på grund af kompositionens dynamik, som er udtrykt ved den nøjagtige og trofaste overførsel af figurernes plasticitet og draperiet af heltenes tøj. Alle figurer er præsenteret, levende, mobile, lyse. Marias ansigt udtrykker ligesom den lille Kristus med ikke barnligt triste øjne en hel række af følelser, der bogstaveligt talt ændrer sig foran beskuerens øjne: tristhed, angst, ydmyghed og endelig beslutsomhed.

Blandt kunstkritikere er spørgsmålet om prototypen af ​​den sixtinske madonna stadig åbent. Nogle forskere identificerer dette billede med billedet af den unge kvinde afbildet i portrættet "The Lady in the Veil" (1514). Men ifølge vidnesbyrd fra kunstnerens samtidige er Mary på lærredet "Sixtinske Madonna" snarere en generaliseret kvindetype, det raphaeliske ideal, snarere end et specifikt billede af nogen.

Blandt Rafaels portrætværker af stor interesse er portrættet af pave Julius II, malet i 1511. En virkelig person vises her som en slags ideal, hvilket var et karakteristisk træk ved malerens kreative metode.

Særligt bemærkelsesværdigt er portrættet af grev Baldassare Castiglione, skabt i 1515, som skildrer en rolig, afbalanceret, harmonisk udviklet person. Raphael fungerer her som en vidunderlig farvemester. Han bruger komplekse farvekombinationer og tonale overgange. Den samme beherskelse af skyggen udmærker sig ved et andet værk af maleren: et kvindeportræt "Lady in a Veil" ("La donna velata", 1514), hvor den dominerende farve er hvid maling (kvindens snehvide kjole går i gang et let slør).

En væsentlig del af Rafaels værk er optaget af monumentale værker. Blandt hans senere lignende værker er det mest interessante først og fremmest fresken, der prydede væggene i Villa Farnezina (tidligere ejendom af rigmanden Chigi) "Galateas triumf". Dette billede er kendetegnet ved en usædvanlig glad stemning. Billederne flyder bogstaveligt talt over af lykke. Denne tone er skabt gennem brugen af ​​en speciel kombination af lyse, mættede farver: nøgne hvide kroppe er harmonisk kombineret her med en gennemsigtig blå himmel og havets blå bølger.

Det sidste monumentale værk af Raphael var udsmykningen af ​​væggene i det buede galleri, der ligger på anden sal i Vatikanets palads. Indretningen til hallerne var dekoreret med malerier og mosaikker lavet af kunstig marmor. Emnerne til kalkmalerierne er tegnet af kunstneren fra bibelske sagn mv. grotesker (malerier fundet på oldgræske grave - grotter). Der er i alt 52 malerier. De blev senere kombineret til en cyklus under den generelle titel "Raphaels bibel". Det er også interessant, at den berømte kunstner udførte arbejdet med udsmykningen af ​​hallerne i Vatikanpaladset sammen med sine elever, blandt hvilke en fremtrædende plads blev besat af Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine.

Rafaels senere staffelilærreder var en slags afspejling og udtryk for mesterens gradvist voksende kreative krise. Ved at følge vejen til stadigt stigende dramatisering af billederne skabt af højrenæssancens mestre, men samtidig forblive tro mod sine allerede etablerede kunstneriske fremstillingsmetoder, kommer Raphael til modsætninger i stil. Hans midler og måder at udtrykke tanker på er for få til at skabe kvalitativt nye, mere perfekte billeder ud fra et synspunkt om at formidle deres indre verden og ydre skønhed. Levende eksempler, der illustrerer denne periode af Raphaels arbejde, er "Carrying the Cross" (1517), cyklussen "Holy Families" (ca. 1518), alterkompositionen "Transfiguration".

Det er meget muligt, at en så talentfuld maler, som Raphael, ville have fundet en vej ud af et så kreativt dødvande, hvis ikke for den pludselige død, der rystede alle mesterens samtidige. Raphael Santi døde den 6. april 1520 i en alder af 37 år. Der blev arrangeret en overdådig begravelse. Den store malers aske er begravet i Pantheon i Rom.

Raphaels værker forbliver den dag i dag mesterværker af verdenskunst. Disse malerier, der er et eksempel på klassisk kunst, blev designet til at vise menneskeheden en perfekt, overjordisk skønhed. De præsenterede for seeren en verden, hvor mennesker er besat af høje følelser og tanker. Raphaels værk er en slags hymne til kunst, der forvandler en person, hvilket gør ham renere, lysere, smukkere.

Titian (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio blev født ind i en militærfamilie i den lille by Pieve di Cadore, beliggende i bjergene og en del af det venetianske domæne. Forskere formåede ikke at fastslå den nøjagtige dato og år for Titians fødsel. Nogle mener, at det er 1476-1477, andre - 1485-1490.

Forskere antyder, at Vecellio-familien var gammel og indflydelsesrig nok i byen. Da drengen så det tidlige manifesterede talent for at male, besluttede forældrene at sende Tiziano til kunstværkstedet hos den venetianske mosaikmester. Efter nogen tid fik den unge Vecellio til opgave at studere på værkstedet, først af Gentile Bellini og derefter af Giovanni Bellini. På dette tidspunkt møder den unge kunstner Giorgione, hvis indflydelse blev afspejlet i hans tidlige værker.

Alt kunstnerens arbejde kan betinget opdeles i to perioder: den første - den såkaldte. Dzhordzhonevsky - indtil 1515-1516 (når Giorgiones indflydelse kommer stærkest til udtryk i malerens værker); den anden - fra 40'erne. 1500-tallet (på dette tidspunkt var Tizian allerede en etableret mester, der repræsenterede den sene renæssances kunst).

Efter på det tidlige stadie af dannelsen af ​​Giorgiones kunstneriske metode og renæssancens malere, genovervejer Titian måderne at løse kunstneriske problemer på. Nye billeder dukker op fra kunstnerens pensel, som adskiller sig væsentligt fra de høje og sofistikerede figurer, for eksempel Raphael og Leonardo da Vinci. Titians helte er jordnære, fyldige, sensuelle, i høj grad er der et hedensk princip i dem. Malerens tidlige lærreder udmærker sig ved en ret enkel komposition, som ikke desto mindre er gennemsyret af en usædvanlig glad stemning og en bevidsthed om skyfri lykke, fylde og uendelighed af jordelivet.

Blandt værkerne i denne periode, den mest fuldstændige udtryk for kunstnerens kreative metode, en af ​​de lyseste er maleriet "Kærlighed jordisk og himmelsk", dateret 10-s. 1500-tallet. Det er vigtigt for forfatteren ikke kun at formidle plottet, men også at vise et smukt landskab, der vækker tanker om ro og lykke ved at være, og en kvindes sensuelle skønhed.

De kvindelige skikkelser er utvivlsomt sublime, men de er ikke abstraheret fra livet og idealiseres ikke af forfatteren. Landskabet, malet i bløde farver og placeret i baggrunden, fungerer som en glimrende baggrund for yndefulde og yndefulde, men samtidig ret virkelige, specifikke kvindebilleder: jordisk kærlighed og himmelsk kærlighed. En dygtigt sammensat komposition og en subtil sans for farve hjalp kunstneren med at skabe et usædvanligt harmonisk værk, hvor hvert element viser sig at være underordnet forfatterens ønske om at vise den naturlige skønhed i den jordiske natur og mennesket.

I det senere, der går tilbage til 1518, har Titians værk "Assunta" (eller "Marias Himmelfart") ikke den rolige eftertænksomhed og sindsro, som lyder i værket "Jordisk og himmelsk kærlighed". Der er mere dynamik, styrke, energi. Den centrale figur i kompositionen er Mary, vist af en ung kvinde fuld af jordisk skønhed og styrke. Apostlenes synspunkter er rettet mod hende, hvis billeder udtrykker den samme indre vitalitet og energi. En ejendommelig hymne til menneskelig skønhed og stærk menneskelig følelse er kompositionen "Bacchus og Ariadne" (fra cyklussen "Bacchanalia", 1523).

Glorificeringen af ​​jordisk kvindelig skønhed blev temaet for et andet værk af Titian, kaldet "Venus of Urbino". Det blev skabt i 1538. På trods af at der absolut ikke er nogen sublimititet og spiritualitet af billedet, formindsker sidstnævnte stadig ikke lærredets æstetiske værdi. Venus er virkelig smuk her. Men hendes skønhed er jordnær og naturlig, hvilket adskiller billedet skabt af Titian fra Botticellis Venus.

Det ville imidlertid være forkert at sige, at billederne fra den tidlige periode i udviklingen af ​​kunstnerens arbejde kun glorificerede en persons ydre skønhed. Hele deres udseende skildrer en harmonisk person, hvis ydre skønhed er sidestillet med det åndelige og er bagsiden af ​​en lige så smuk sjæl.

Set ud fra dette synspunkt er billedet af Jesus Kristus på lærredet "Cæsars Denarius", skabt i perioden 1515 til 1520, af største interesse.Tizian viser Jesus som slet ikke et guddommeligt, ophøjet, himmelsk væsen. . Det sjælfulde udtryk i hans ansigt antyder, at der foran beskueren er en ædel person med en perfekt mental organisation.

Billederne skabt i alterkompositionen "Madonna af Pesaro", skrevet i perioden fra 1519 til 1526, er fyldt med samme spiritualitet.Disse helte er ikke skemaer eller abstraktioner. Skabelsen af ​​et levende, ægte billede lettes stort set af mesterens brug af en række forskellige farver: Marias snehvide slør, himmelblåt, skarlagenrødt, lyserødt, heltenes gyldne tøj, en rig grøn tæppe. En sådan variation af toner introducerer ikke kaos i kompositionen, men hjælper tværtimod maleren med at skabe et harmonisk og harmonisk system af billeder.

I 1520'erne. Tizian skabte det første værk af dramatisk karakter. Dette er det berømte maleri "Begravelsen". Kristusbilledet fortolkes her, ligesom i maleriet "Cæsars Denarius". Jesus præsenteres ikke som et væsen, der steg ned fra himlen for at frelse menneskeheden, men som en fuldstændig jordisk helt, der faldt i en ulige kamp. På trods af al tragedie og dramatik i plottet fremkalder lærredet ikke en stemning af fortvivlelse hos beskueren. Tværtimod er billedet skabt af Titian et symbol på optimisme og heroisme, der personificerer en persons indre skønhed, adel og styrke i hans ånd.

Denne karakter adskiller dette kunstnerens værk betydeligt fra hans senere værk af samme navn, dateret 1559, hvor optimistiske stemninger erstattes af håbløs tragedie. Her såvel som i et andet maleri af Titian - "Attentatet på St. Peter Martyren", hvis skabelse går tilbage til perioden fra 1528 til 1530, bruger mesteren en ny metode til kunstnerisk skildring. Naturbillederne præsenteret på lærrederne (solnedgangen i "Placering i kiste" og træerne, der bøjer sig under kraftige vindstød i "Mordet på Sankt Peter Martyren", formidlet i mørke, dystre farver) viser sig at være en slags udtryk for menneskelige følelser og lidenskaber. Den Store Moder Natur adlyder den menneskelige Herre her. Titian hævder så at sige i ovenstående kompositioner ideen: alt, hvad der sker i naturen, er forårsaget af menneskelige handlinger. Han er verdens herre og hersker (inklusive naturen).

Et nyt stadie i udviklingen af ​​kunstnerens evne til at skabe flerfigurede kompositioner var maleriet med titlen "Introduktion til templet", dateret 1534-1538. På trods af at Titian skrev mange billeder ud her, viser de sig alle at være kombineret til en kompositorisk helhed af en interesse for en betydningsfuld begivenhed, der finder sted foran deres øjne - Marias introduktion i templet. Hovedpersonens figur er adskilt fra de sekundære (men ikke mindre betydningsfulde) karakterer af rumlige pauser: trin på en trappe adskiller hende fra mængden af ​​nysgerrige mennesker og præster. En festlig stemning, en følelse af betydningen af ​​det, der sker, skabes i kompositionen af ​​fagter og plastiske figurer. Men på grund af medtagelsen i billedet af figuren af ​​æghandleren, der er placeret i forgrunden, reduceres værkets overdrevne prætentiøsitet, og indtrykket af realismen og naturligheden af ​​situationen beskrevet af kunstneren forstærkes.

Introduktion til sammensætningen af ​​folkebilleder er et karakteristisk træk ved Titian's kunstneriske og billedlige metode i perioden fra 30'erne. XVI århundrede. Det er disse billeder, der hjælper mesteren med at skabe et livagtigt sandt billede.

Den mest kreative idé om at vise en harmonisk person, smuk i krop og sjæl, blev inkorporeret i Titian's portrætværker. Et af de første værker af denne art er "Portræt af en ung mand med en handske". Skabelsen af ​​lærredet hører til perioden fra 1515 til 1520. Billedet af en ung mand repræsenterer en hel generation af mennesker fra den tid - renæssancen. Portrættet legemliggør ideen om harmoni mellem den menneskelige ånd og krop. Brede skuldre, kroppens frie plasticitet, afslappet opknappet skjortekrave, rolig tillid, som den unge mands blik udtrykker - alt sigter mod at formidle forfatterens hovedidé om glæden ved den menneskelige eksistens og lykken for en almindelig person, der ikke kender tristhed og bliver ikke revet i stykker af indre modsætninger.

Den samme type harmonisk arrangeret glad person kan ses på lærrederne "Violanta" og "Portræt af Tommaso Most" (begge - 1515-1520).

I de portrætter, der blev skabt meget senere, vil beskueren ikke længere møde den ligefremhed og klare definition af billedernes karakter, som var typisk for sådanne værker fra perioden 1515-1520. Essensen af ​​Titians senere karakterer er i sammenligning med de tidligere meget mere kompleks og mangefacetteret. Et slående eksempel på ændringen i forfatterens kunstneriske metode er maleriet "Portræt af Ippolito Riminaldi", skabt i slutningen af ​​1540'erne. Portrættet forestiller en ung mand, hvis ansigt, omkranset af et lille skæg, udtrykker en dyb indre kamp af følelser og følelser.

Billederne skabt af Titian i denne periode er ikke karakteristiske for højrenæssancens kunst: de er komplekse, i mange henseender modstridende og dramatiske. Disse er heltene i kompositionen med titlen "Portræt af pave Paul III med Alessandro og Ottavio Farnese." Lærredet blev skabt i perioden fra 1545 til 1546. Pave Paul III er vist som en snedig og mistroisk person. Han ser med bekymring og vrede på Ottavio, hans nevø, en velkendt smiger og hykler ved hoffet.

Titian viste sig at være en bemærkelsesværdig mester i kunstnerisk komposition. Essensen af ​​personers karakterer afsløres i dette værk gennem karakterernes interaktion med hinanden, gennem deres gestus og stillinger.

Et portræt af Karl V (1548) er bygget på en kombination af majestætiske dekorative og realistiske elementer. Modellens indre verden vises med mesterlig præcision. Beskueren forstår, at han står over for en bestemt person med en kompleks karakter, hvis hovedtræk er både stor intelligens og styrke, og list, grusomhed, hykleri.

I de af Titian skabte portrætter, som er mere simple ud fra et kompositorisk konstruktionssynspunkt, er al beskuerens opmærksomhed rettet mod billedets indre verden. For eksempel kan du citere maleriet "Portræt af Aretino", dateret 1545. Modellen blev valgt af kunstneren, en kendt mand i Venedig på det tidspunkt, Pietro Aretino, berømt for sin ekstraordinære grådighed efter penge og jordiske fornøjelser. På trods af dette satte han stor pris på kunst, han var selv forfatter til en række publicistiske artikler, en lang række komedier, noveller og digte (dog ikke altid
anstændigt indhold).

Titian besluttede at fange en sådan person i et af hans værker. Hans Aretino er et komplekst realistisk billede, der indeholder de mest forskelligartede, nogle gange endda modstridende følelser og karaktertræk.

Den tragiske konflikt mellem mennesket og kræfter, der er fjendtlige over for ham, vises i maleriet "Se manden", skrevet i 1543. Handlingen var inspireret af den voksende offentlige reaktion fra tilhængerne af modreformationen i Italien på den tid, rettet mod renæssancens humanistiske ideer. I kompositionen står billedet af Kristus som bærer af høje universelle menneskelige idealer imod Pilatus, som viser sig at være kynisk, ond og grim. I det
værket for første gang er der noter af benægtelse af sanselige, jordiske fornøjelser og glæder.

Tizian. Portræt af pave Paul III med Alessandro og Ottavio Farnese. 1545-1546

Samme slående kontrast markeres med billederne af lærredet "Danae", skrevet omkring 1554. Værket udmærker sig ved en høj grad af dramatik. Heri glorificerer forfatteren som før menneskets skønhed og lykke. Denne lykke er imidlertid forbigående og øjeblikkelig. På billedet er der ingen uforanderlighed af stemning og rolig pacificering af karaktererne, som er kendetegnet ved de billeder, der er skabt tidligere ("Jordlig og himmelsk kærlighed", "Venus of Urbino").

Værkets hovedtema er temaet om sammenstødet mellem det smukke og det grimme, det høje og det lave. Og hvis en ung pige udtrykker alt det mest sublime, der er i en person, så personificerer den gamle tjener, der prøver at fange mønter af den gyldne regn, de laveste menneskelige egenskaber: egeninteresse, grådighed, kynisme.

Dramaet understreges i kompositionen af ​​en vis kombination af mørke og lyse toner. Det er ved hjælp af maling, at kunstneren placerer semantiske accenter i billedet. Så en ung pige symboliserer skønhed og lyse følelser. Og den gamle kvinde, som er omgivet af dystre mørke toner, rummer et udtryk for en basal begyndelse.

Denne periode af Titians arbejde er ikke kun karakteriseret ved skabelsen af ​​modstridende billeder fulde af drama. Samtidig skriver kunstneren en række værker, hvis tema er en kvindes fortryllende skønhed. Det er dog ikke desto mindre nødvendigt at bemærke, at disse værker er blottet for den optimistiske og livsbekræftende stemning, som for eksempel lyder i "Jordisk og himmelsk kærlighed" og "Bacchanals". Blandt lærrederne af størst interesse er "Diana og Actaeon", "Hyrde og nymfe" (1559), "Venus med Adonis".

Et af de bedste værker af Titian er et maleri kaldet "Kayushdasya Mary Magdalene", skabt i 60'erne. 1500-tallet. Dette bibelske emne blev brugt af mange renæssancekunstnere. Tizian genfortolker dog billedet af den angrende Maria Magdalene. Skikkelsen af ​​en ung kvinde, fuld af skønhed og sundhed, udtrykker snarere ikke kristen omvendelse, men sorg og længsel efter for evigt tabt lykke. Personen er som altid smuk i Titian, men hans velvære, ro og fred i sindet afhænger af ydre kræfter. Det er dem, der forstyrrer en persons skæbne og ødelægger åndens harmoni. Det er ikke tilfældigt, at billedet af Magdalene, grebet af sorg, vises på baggrund af et dystert landskab, som er kronet med en mørk himmel med forestående sorte skyer - en forløber
kaldenavne på et tordenvejr.

Det samme tema om menneskelig lidelse lyder i den berømte mesters senere værker: "Kroning med en tornekrone" (1570) og "St. Sebastian "(1570).

I "Kroning med en tornekrone" præsenteres Jesus af kunstneren i billedet af en almindelig person, der overgår sine plageånder i fysiske og, vigtigst af alt, moralske kvaliteter.

Han er dog alene og kan kun derfor ikke blive en vinder. Scenens drama og følelsesmæssige spænding forstærkes af den dystre, mørke farve.

Temaet om en ensom helt i konflikt med verden omkring ham høres også i værket "St. Sebastian". Hovedpersonen vises her som en majestætisk titan - et billede, der er karakteristisk for renæssancens kunst. Han er dog stadig besejret.

Landskabet, der symboliserer de karakterfjendtlige kræfter, spiller her en selvstændig rolle. Trods plottets dramatik er kompositionen som helhed gennemsyret af en livsbekræftende stemning.

En slags hymne til det menneskelige sind, visdom og troskab over for accepterede idealer er mesterens selvportræt, skabt i 60'erne. XVI århundrede

Et af de mest udtryksfulde malerier af Tizian er genkendt som "Pieta" (eller "Kristi klagesang"), skrevet omkring 1576. Figurerne af sorgramte kvinder er her afbildet på baggrund af en stenniche og et dystert landskab. Maria frøs som en statue af sorg. Billedet af Magdalene er usædvanligt lyst og dynamisk: en kvindeskikkelse, der stræber frem, en hånd løftet op, hendes ildrøde hår spredt rundt, en let åben mund, hvorfra et fortvivlelsesråb er ved at bryde ud. Jesus vises ikke som et guddommeligt himmelsk væsen, men som en fuldstændig virkelig person, besejret i en ulige kamp med kræfter, der er fjendtlige over for menneskers verden. Billedernes tragedie kommer til udtryk i billedet ved hjælp af tonale og afskårne overgange. Hovedpersonerne fremstår, som om de er snuppet af lysstråler fra nattens mørke.

Dette værk af Titian glorificerer en person, der er udstyret med dybe følelser. Lærredet "Pieta" var en slags afskedssang dedikeret til de lette, sublime og majestætiske helte skabt under renæssancen.

Den store maler, der gav verden smukke billeder, døde den 27. august 1576, formentlig af pesten. Han efterlod sig mange lærreder, der stadig forbløffer publikum med deres udførelsesdygtighed og en subtil sans for farve. Tizian dukker op foran os som en vidunderlig psykolog, en ekspert i den menneskelige sjæl. Blandt hans elever var sådanne kunstnere som Jacopo Nigreti (Palma den Ældre), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma den Yngre.

Under renæssancen sker der mange forandringer og opdagelser. Nye kontinenter udforskes, handel udvikles, vigtige ting opfindes, såsom papir, nautisk kompas, krudt og mange andre. Forandringerne i maleriet var også af stor betydning. Renæssancemalerier opnåede enorm popularitet.

De vigtigste stilarter og tendenser i mestres værker

Perioden var en af ​​de mest frugtbare i kunsthistorien. Mesterværkerne af et stort antal fremragende mestre kan findes i dag i forskellige kunstcentre. I Firenze dukkede innovatører op i første halvdel af det femtende århundrede. Deres renæssancemalerier markerede begyndelsen på en ny æra i kunsthistorien.

På dette tidspunkt bliver videnskab og kunst meget tæt forbundet. Kunstnerens videnskabsmænd stræbte efter at mestre den fysiske verden. Malere forsøgte at drage fordel af mere nøjagtige repræsentationer af den menneskelige krop. Mange kunstnere stræbte efter realisme. Stilen begynder med Leonardo da Vincis maleri "Den sidste nadver", som han malede i næsten fire år.

Et af de mest berømte værker

Det blev malet i 1490'erne til refektoriet i Santa Maria delle Grazie-klostret i Milano. Lærredet forestiller Jesu sidste måltid med sine disciple, før han blev fanget og dræbt. Samtidige, der observerede kunstnerens arbejde i denne periode, bemærkede, hvordan han kunne male fra morgen til aften, uden at stoppe for at spise. Og så kunne han opgive sit maleri i flere dage og aldrig nærme sig det overhovedet.

Kunstneren var meget bekymret for billedet af Kristus selv og Judas' forræder. Da maleriet endelig var færdigt, blev det med rette anerkendt som et mesterværk. "Den sidste nadver" er stadig en af ​​de mest populære. Renæssancereproduktioner har altid været efterspurgt, men dette mesterværk har været præget af utallige kopier.

Anerkendt mesterværk eller en kvindes mystiske smil

Blandt værkerne skabt af Leonardo i det sekstende århundrede er der et portræt kaldet "Mona Lisa" eller "La Gioconda". I den moderne æra er det måske det mest berømte maleri i verden. Hun blev populær hovedsageligt på grund af det undvigende smil på ansigtet af kvinden afbildet på lærredet. Hvad førte til dette mysterium? Mesterens dygtige arbejde, evnen til så dygtigt at skygge øjnene og mundvigene? Den nøjagtige karakter af dette smil kan stadig ikke bestemmes.

Ude af konkurrence og andre detaljer i dette billede. Det er værd at være opmærksom på kvindens hænder og øjne: med hvilken nøjagtighed behandlede kunstneren de mindste detaljer på lærredet, da han skrev det. Lige så interessant er det dramatiske landskab i baggrunden af ​​maleriet, en verden, hvor alting ser ud til at være i bevægelse.

En anden berømt repræsentant for maleri

Ikke mindre berømt repræsentant for renæssancen er Sandro Botticelli. Dette er en stor italiensk maler. Hans renæssancemalerier nyder også enorm popularitet blandt en bred vifte af publikum. "Adoration of the Magi", "Madonna and Child Enthroned", "Annunciation" - disse værker af Botticelli, dedikeret til religiøse temaer, blev kunstnerens store præstationer.

Et andet berømt værk af mesteren er "Madonna Magnificat". Hun blev berømt i årene af Sandros liv, som det fremgår af talrige reproduktioner. Sådanne lærreder i form af en cirkel var ret efterspurgte i Firenze i det femtende århundrede.

En ny drejning i malerens arbejde

Fra 1490 ændrede Sandro sin stil. Det bliver mere asketisk, kombinationen af ​​farver er nu meget mere behersket, ofte er mørke toner fremherskende. Skaberens nye tilgang til at skrive sine værker er perfekt synlig i "The Crowning of Mary", "Lamentation of Christ" og andre lærreder, som forestiller Madonnaen og barnet.

Mesterværkerne malet af Sandro Botticelli dengang, såsom Dantes portræt, er blottet for landskabs- og interiørbaggrunde. En af kunstnerens lige så betydningsfulde kreationer er "Mystisk jul". Maleriet er malet under indflydelse af den uro, der fandt sted i slutningen af ​​1500 i Italien. Mange malerier af renæssancekunstnere vandt ikke kun popularitet, de blev et eksempel for den næste generation af malere.

En kunstner, hvis lærreder er omgivet af en glorie af beundring

Rafael Santi da Urbino var ikke kun en arkitekt. Hans renæssancemalerier vækker beundring for klarheden i deres form, enkelheden i deres komposition og den visuelle opnåelse af idealet om menneskelig storhed. Sammen med Michelangelo og Leonardo da Vinci er han en af ​​de traditionelle treenigheder af de største mestre i denne periode.

Han levede et relativt kort liv, kun 37 år gammel. Men i løbet af denne tid skabte han et stort antal af sine mesterværker. Nogle af hans værker er i Vatikanets palads i Rom. Ikke alle seere kan se førstehåndsmalerier af renæssancekunstnere. Billeder af disse mesterværker er tilgængelige for alle (nogle af dem er præsenteret i denne artikel).

Raphaels mest berømte værker

Fra 1504 til 1507 skabte Raphael en hel serie af "Madonnaer". Malerierne udmærker sig ved deres fortryllende skønhed, visdom og samtidig en slags oplyst sorg. Hans mest berømte maleri var "Den Sixtinske Madonna". Hun er afbildet svævende på himlen og glidende nedad mod mennesker med en baby i armene. Det er denne bevægelse, kunstneren var i stand til meget dygtigt at skildre.

Dette værk blev meget rost af mange anerkendte kritikere, og de kom alle til den enstemmige konklusion, at det faktisk er sjældent og usædvanligt. Alle malerier af renæssancekunstnere har en lang historie. Men det blev den mest populære takket være dens endeløse vandreture, siden dens begyndelse. Efter at have gennemgået adskillige tests fik den endelig sin retmæssige plads blandt udstillingerne på Dresden Museum.

Renæssance malerier. Billeder af berømte malerier

Og en anden berømt italiensk maler, billedhugger og også en arkitekt, der havde en enorm indflydelse på udviklingen af ​​vestlig kunst, er Michelangelo di Simoni. På trods af at han hovedsageligt er kendt som billedhugger, er der også fremragende værker af hans maleri. Og den mest betydningsfulde af disse er loftet i Det Sixtinske Kapel.

Dette arbejde blev udført i fire år. Rummet dækker omkring fem hundrede kvadratmeter og indeholder over tre hundrede figurer. I midten er ni episoder fra Første Mosebog, opdelt i flere grupper. Jordens skabelse, menneskets skabelse og dets fald. Blandt de mest berømte malerier på loftet er Skabelsen af ​​Adam og Adam og Eva.

Hans ikke mindre berømte værk er "Den sidste dom". Det blev udført på altervæggen i Det Sixtinske Kapel. Fresken viser Jesu Kristi andet komme. Her ignorerer Michelangelo standard kunstneriske konventioner, når han skriver Jesus. Han portrætterede ham med en massiv muskuløs kropsstruktur, ung og skægløs.

Religionens betydning eller renæssancens kunst

Italienske renæssancemalerier blev grundlaget for udviklingen af ​​vestlig kunst. Mange af de populære værker fra denne generation af skabere har haft en enorm indflydelse på kunstnere, som fortsætter den dag i dag. De store repræsentanter for kunsten fra den periode fokuserede deres opmærksomhed på religiøse temaer, og arbejdede ofte på rækkefølgen af ​​velhavende lånere, inklusive paven selv.

Religion trængte bogstaveligt talt ind i hverdagen for mennesker fra denne æra, dybt indlejret i kunstneres sind. Næsten alle religiøse lærreder er i museer og kunstdepoter, men reproduktioner af renæssancemalerier, der ikke kun er relateret til dette emne, kan findes i mange institutioner og endda almindelige huse. Folk vil uendeligt beundre værkerne af berømte mestre fra den periode.

Italien er et land, der altid har været berømt for sine kunstnere. De store mestre, der engang boede i Italien, glorificerede kunst i hele verden. Vi kan med sikkerhed sige, at hvis det ikke var for italienske malere, billedhuggere og arkitekter, så verden i dag helt anderledes ud. Den mest betydningsfulde i italiensk kunst betragtes selvfølgelig. Italien i æraen af ​​renæssancen eller renæssancen nåede en hidtil uset stigning og blomstring. Talentfulde kunstnere, billedhuggere, opfindere, ægte genier, der dukkede op i disse dage, er stadig kendt for hvert skolebarn. Deres kunst, kreativitet, ideer, udvikling betragtes som klassikere i dag, kernen som verdens kunst og kultur er bygget på.

Et af den italienske renæssances mest berømte genier er naturligvis den store Leonardo Da Vinci(1452-1519). Da Vinci var så begavet, at han opnåede stor succes inden for mange aktivitetsområder, herunder billedkunst og videnskab. En anden berømt kunstner, der er en anerkendt mester, er Sandro Botticelli(1445-1510). Botticellis malerier er en ægte gave til menneskeheden. I dag er dens tætteste i de mest berømte museer i verden og er virkelig uvurderlige. Ikke mindre berømt end Leonardo da Vinci og Botticelli er Raphael Santi(1483-1520), som levede i 38 år, og i løbet af denne tid formåede at skabe et helt lag af betagende maleri, som blev et af de lyseste eksempler på den tidlige renæssance. Et andet stort geni fra den italienske renæssance er uden tvivl Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Udover at male var Michelangelo engageret i skulptur, arkitektur og poesi og opnåede store resultater inden for disse kunstformer. Michelangelos statue af David betragtes som et uovertruffen mesterværk, et eksempel på skulpturens højeste præstation.

Ud over de ovenfor nævnte kunstnere var de største kunstnere fra renæssancens Italien sådanne mestre som Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi og andre ... De var alle fremragende eksempler på den dejlige venetianske malerskole. Den florentinske skole for italiensk maleri omfatter sådanne kunstnere som: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelandom del Sarto.

For at opremse alle de kunstnere, der arbejdede under renæssancen, såvel som under senrenæssancen og århundreder senere, som blev kendt over hele verden og glorificerede malerkunsten, udviklede de grundlæggende principper og love, der ligger til grund for alle typer og genrer af kunst, måske bliver du nødt til at skrive flere bind, men denne liste er nok til at forstå, at de store italienske kunstnere er netop den kunst, vi kender, som vi elsker, og som vi vil værdsætte for evigt!

Malerier af store italienske kunstnere

Andrea Mantegna - Fresco in the Chamber degli Sposi

Giorgione - De tre filosoffer

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - Scipios storsind

Paolo Veronese - Slaget ved Lepanto