Problemet med at forstå nutidens kreativitet. "Et banalt spørgsmål": hvordan påvirker en misforståelse af samtidskunst beskueren? Menneskets forhold til den naturlige verden

Efter at have læst en bog, set på et billede, lyttet til musik, forbliver en person ofte tabt. "Kan ikke forstå noget!" - læser, seer eller lytter udbryder skuffet. Forsøgte han imidlertid at forstå forfatterens hensigt, eller forventede han, at alt i et kunstværk skulle være klart og klart? Her står vi over for problemet med at forstå kunst, som teksten er afsat til ...

Du skal også være opmærksom på sprog betyder, som kan bruges i den indledende del af essayet.

1. Spørgsmål-svar enhed. Retorikeksperter anbefaler at tilføje elementer af dialog til taler. Dialog vil ikke skade i kompositionen, det vil gøre forestillingen mere energisk. For eksempel:

Hvad er skønhed? Dette er sandsynligvis et af de mest mystiske begreber i kulturhistorien. Mange generationer af mennesker har kæmpet om denne gåde. Kunstnere, billedhuggere, digtere stræbte efter at forstå hemmeligheden bag skønhed og harmoni. Teksten til V. Sukhomlinsky får en til at tænke over, hvad skønhed er, og hvad er dens rolle i menneskeliv.

2. En kæde af forhørssætninger. Flere forhørssætninger i begyndelsen af ​​essayet er designet til at rette opmærksomheden mod nøglebegreberne i kildeteksten, for at fremhæve det vigtigste i det.

Hvad er talent? Hvordan skal en person leve for ikke at spilde sin gave? Sådanne spørgsmål opstår ufrivilligt efter at have læst teksten til Yu. Bashmet.

3. Nominativ sætning (nominativt emne).

Navneordssætningen i begyndelsen bør også indeholde nøglebegrebet eller navnet på den person, der er beskrevet i kildeteksten.

Marina Tsvetaeva. Dette navn er kært for alle, der værdsætter ægte poesi. Det forekommer mig, at det er svært at finde en person, som Tsvetaevas digte ville have ladet ligeglade. Litteraturkritiker Evgeny Borisovich Tager er en af ​​dem, der var så heldige at kende Marina Ivanovna personligt. I sine erindringer søger han at afsløre denne fantastiske digters indre verden.

4. Et retorisk spørgsmål. Ikke alle forhørssætninger er et retorisk spørgsmål. Et retorisk spørgsmål er en sætning, der er spørgende i form og bekræftende i betydning.

Hvem blandt os har ikke hørt, at sandheden er født i en strid? Du er sandsynligvis stødt på urolige debattører, der er klar til at argumentere til hæshed om enhver lille ting. Selvfølgelig er der forskellige måder at føre en tvist på, som L. Pavlova overvejer i sin tekst.

5. Retorisk udråb udtrykker forfatterens følelser: glæde, overraskelse, beundring ... henleder opmærksomheden på emnet tale.

Hvor er det smukke russiske sprog! Der er så mange ord i det, der kan udtrykke den dybeste tanke eller enhver følelse! Hvorfor nogle gange, når en person tager et stykke papir eller sætter sig til en computer, vises kun kedelige, stereotype sætninger i hans hoved? Hvad er årsagen til, at klicheer optræder i vores tale? Dette problem bekymrer alle, der virkelig kræver af sig selv, af sin talekultur.

HUSK at der ikke er nogen “universelle” introduktioner, der passer til enhver tekst. Som regel ser en formel åbning dårligt ud på baggrunden af ​​hoveddelen efter den.

Hvordan afsluttes?

Som regel skrives konklusionen på et tidspunkt, hvor der ikke er meget tid tilbage til eksamenens afslutning. Ofte begynder forfatteren at blive nervøs og frygter, at han ikke vil have tid til at omskrive teksten helt og afbryder essayet i midten af ​​sætningen. Selvfølgelig er sådant arbejde mangelfuldt fra kompositionsintegritetens synspunkt, hvilket betyder, at det ikke får maksimal score på dette kriterium.

Hovedkravet til den sidste del af essayet kan formuleres således: konklusionen skal være sådan, at læseren forstår, at det vigtigste allerede er blevet sagt, og der ikke er mere at tale om.

Så hvad kan det være den sidste del af essayet?

1. Opsummerende, gentagelse i en generaliseret form af tekstens hovedide, forfatterens position. Dette er den mest almindelige form for konklusion: vende tilbage til forfatterens hovedide, udtrykke det med dine egne ord, så der ikke er indtryk af en simpel gentagelse af det samme.

... Således rejser A. Likhanov et problem, der er vigtigt for os hver især, opfordrer til at bevare barndommen i sjælen, ikke at efterlade en glædelig, barnsligt direkte opfattelse af livet. Men verden omkring os er virkelig smuk. Det er bare det, når man vokser op, glemmer folk ofte det.

Ifølge A.P. Tjekhov. På Holy Week var Laptevs på malerskolen på en kunstudstilling ... Problemet med kunstopfattelse

Kildetekst

(1) På Holy Week var Laptevs på malerskolen for en kunstudstilling.

(2) Laptev kendte navnene på alle berømte kunstnere og savnede ikke en eneste udstilling. (3) Nogle gange om sommeren på dacha malede han selv landskaber med maling, og det forekom ham, at han havde en vidunderlig smag, og at hvis han studerede, så ville han nok blive en god kunstner. (4) Hjemme havde han malerier af større og større størrelser, men dårlige; de gode er dårligt hængt. (H) Det skete for ham mere end én gang at betale dyrt for ting, der senere viste sig at være en grov falske. (6) Og det er bemærkelsesværdigt, at han generelt var frygtløs i livet og var ekstremt modig og selvsikker på kunstudstillinger. (7) Hvorfor?

(8) Julia Sergeevna så på malerierne, som en mand, gennem en knytnæve eller gennem en kikkert, og blev overrasket over at menneskene på malerierne var som at leve, og træerne var ægte; men hun forstod ikke, det syntes hende, at der var mange billeder af det samme i udstillingen, og at hele formålet med kunsten netop var at få mennesker og genstande til at fremstå som virkelige i billederne, når man ser dem med din knytnæve.

(9) "Dette er Shishkins skov," forklarede hendes mand for hende. (10) - Han skriver altid det samme ... (11) Men vær opmærksom: der er aldrig sådan lilla sne ... (12) Og denne drengs venstre hånd er kortere end hans højre.

(13) Da alle blev trætte, og Laptev gik for at finde Kostya til at tage hjem, stoppede Julia foran et lille landskab og kiggede ligegyldigt på ham. (14) I forgrunden er der en flod, bag den en logbro, på den anden side en sti, der forsvinder ind i det mørke græs, en mark, derefter til højre et stykke skov, et bål i nærheden af ​​det: de skal vogte natten. (15) Og i det fjerne brænder aftengryet op.

(1b) Julia forestillede sig, hvordan hun selv gik langs broen, derefter langs stien, længere og længere, og rundt omkring var det stille, søvnige dergs, der skreg, ild blinkede i det fjerne. (17) Og af en eller anden grund begyndte hun pludselig at tro, at netop disse skyer, der strakte sig over den røde del af himlen, og skoven og marken, hun havde set længe og mange gange, følte hun sig ensom, og hun ville gå og gå ad stien; og hvor aftengryet var, hvilede refleksionen af ​​noget ujordligt, evigt.

(18) - Hvor godt skrevet! sagde hun overrasket over, at billedet pludselig blev klart for hende. (19) - Se, Alyosha! (20) Lægger du mærke til, hvor stille det er?

(21) Hun forsøgte at forklare, hvorfor hun kunne lide dette landskab så meget, men hverken hendes mand eller Kostya forstod hende. (22) Hun blev ved med at kigge på landskabet med et trist smil, og det faktum, at andre ikke fandt noget særligt i det, bekymrede hende. (23) Så begyndte hun igen at gå gennem hallerne og undersøge malerierne, hun ville forstå dem, og det syntes ikke længere, at der var mange identiske malerier på udstillingen. (24) Da hun, da hun vendte hjem, for første gang i al den tid gjorde opmærksom på det store maleri, der hængte i gangen over klaveret, følte hun fjendskab mod hende og sagde:

(25) - Jeg vil gerne have sådanne billeder!

(26) Og derefter vakte gyldne gesimser, venetianske spejle med blomster og billeder som den, der hang over klaveret, samt hendes mands og Kostyas diskussioner om kunst, en følelse af kedsomhed, irritation og undertiden endda had.

(Ifølge A.P. Tsjechov)

Tekstinformation

Sammensætning

Du har bemærket, at det sker, at det ene billede efterlader dig ligegyldig, og foran et andet fryser du i ærbødig stilhed, nogle melodi lyder, slet ikke rører dine følelser, og det andet gør dig trist eller glad. Hvorfor sker dette? Hvordan opfatter en person kunst? Hvorfor fordyber nogle mennesker sig i den verden, kunstneren har skabt, mens andre forbliver døve for skønhedens verden? Et uddrag fra AP Tsjechovs historie "Tre år" fik mig til at tænke over problemet med kunstopfattelse.

A.P. Chekhov fortæller om, hvordan familien Laptev besøger en kunstudstilling. Hovedet kender navnene på alle berømte kunstnere, savner ikke en eneste udstilling, nogle gange maler han selv landskaber. I begyndelsen af ​​passagen så hans kone "på billederne som en ægtemand", det forekom hende, at formålet med kunsten var at "få mennesker og genstande til at skille sig ud som virkelige". Manden bemærker kun på det negative på billederne: nogle gange "der er aldrig sådan lilla sne", så er den malede drengs venstre hånd kortere end hans højre. Og kun en gang opdagede Julia Sergeevna kunstens sande essens. Før hende var det sædvanlige landskab med en flod, en logbro, en sti, en skov og en brand, men pludselig så hun, at "hvor aftengryet var, hvile refleksionen af ​​noget ujordligt og evigt." Et øjeblik blev kunstens egentlige formål åbenbaret for hende: at vække særlige følelser, tanker, oplevelser i os.

A. P. Chekhov er en af ​​de forfattere, der ikke giver os færdige løsninger, han får os til at lede efter dem. Så jeg, reflekterende over passagen, forstod, forekommer det mig, hans holdning til problemet med kunstformålet, dets opfattelse. Kunst kan sige meget til en følsom person, får ham til at tænke over det mest mystiske og intime, vækker de bedste følelser i ham.

Jeg er enig i denne fortolkning af kunstens indvirkning på en person. Desværre har jeg endnu ikke haft mulighed for at besøge store museer ved koncerter med klassisk musik, så jeg vil tillade mig selv at henvise til forfatteres mening, fordi der er mange værker, hvor forfattere forsøger at opklare mysteriet om menneskelig opfattelse af kunst.

Et af kapitlerne i DS Likhachevs bog "Breve om det gode og det smukke" har titlen "Forstå kunst". I den taler forfatteren om kunstens store rolle i menneskelivet, at kunst er "fantastisk magi". Efter hans mening spiller kunst en stor rolle i hele menneskehedens liv. Likhachev argumenterer for, at man skal lære at forstå kunst. Tildelt med gaven at forstå kunst, bliver en person moralsk bedre, og derfor gladere, fordi han gennem kunsten belønnes med gaven af ​​en god forståelse af verden, menneskene omkring ham, fortiden og det fjerne, en person er lettere at få venner med andre mennesker, med andre kulturer, med andre nationaliteter, for ham lettere at leve.

AI Kuprin skriver om, hvordan kunst kan påvirke menneskesjælen i sit "Granatarmbånd". Prinsesse Vera Sheina, der vender tilbage efter at have skilt sig med Zheltkov, der begik selvmord, for ikke at forstyrre den, han elskede så meget, beder sin pianistven om at spille hende noget, uden at tvivle på, at hun vil høre, at Beethoven

et værk, som Zheltkov testamenterede hende at lytte til. Hun lytter til musik og føler, at hendes sjæl glæder sig. Hun troede, at der gik en stor kærlighed forbi hende, som kun gentages en gang om tusind år, der blev sammensat ord i hendes sind, og de faldt sammen i hendes tanker med musik. "Helliget være dit navn," syntes musikken at sige til hende. Den fantastiske melodi syntes at adlyde hendes sorg, men hun trøstede også, som Yolkov ville trøste hende.

Ja, den virkelige kunsts magt er stor, kraften i dens virkning. Den kan påvirke menneskesjælen, ædle den, hæve tanker.

Flere argumenter.

VP Astafievs novelle "A Distant and Close Fairy Tale" fortæller om, hvordan musik fødes, hvilken indflydelse det kan have på en person. Som en lille dreng hørte fortælleren en violin. Violinisten spillede en komposition af Oginsky, og denne musik chokerede den unge lytter. Violinisten fortalte ham, hvordan melodien blev født. Komponisten Oginsky skrev det og sagde farvel til sit hjemland, han formåede at formidle sin sorg i lyde, og nu vækker hun de bedste følelser hos mennesker. Der er ingen komponist selv, violinisten døde, hvilket gav lytteren vidunderlige øjeblikke af forståelse af det smukke, en dreng voksede op ... En gang foran hørte han orgelets lyde. Den samme musik lød, den samme Oginsky polonaise, men som barn forårsagede han tårer, chok, og nu lød melodien som et gammelt kampråb, kaldet et sted, tvunget til at gøre noget for at slukke krigsbrande, så folk ikke ville kramme mod de brændende ruiner, så de ville gå ind i deres hus, under taget, til slægtninge og kære, så himlen, vores evige himmel, ikke kaster eksplosioner op og ikke brænder med helvedes ild.

KG Paustovsky fortæller i historien "Kurv med grankegler" om komponisten Grieg og hans tilfældige møde med den lille pige Dagny. Den søde lille pige overraskede Grieg med sin spontanitet. "Jeg vil give dig en ting," lover komponisten til pigen, "men det vil være om ti år." Disse ti år er gået, Dagny voksede op, og en gang ved en koncert med symfonisk musik hørte hun hendes navn. Den store komponist holdt sit ord: han dedikerede et stykke musik, der blev berømt for pigen. Efter koncerten udbryder Dagny, overvældet af musikken: "Hør, liv, jeg elsker dig." Og her er historiens sidste ord: "... hendes liv vil ikke være forgæves."

6. Gogol "Portræt". Kunstneren Chartkov i sin ungdom havde et godt talent, men han ville få alt fra livet på én gang. En dag støder han på et portræt af en gammel mand med overraskende livlige og frygtelige øjne. Han har en drøm, hvor han finder 1000 dukater. Den næste dag går denne drøm i opfyldelse. Men pengene gav ikke kunstneren lykke: han købte sig et navn og gav bestikkelse til forlaget, begyndte at male portrætter af denne verdens mægtige, men han havde intet tilbage af talentgnisten. En anden kunstner, hans ven, gav alt til kunst, han lærer konstant. Bor i Italien i lang tid, tomgang i timevis ved malerier af store kunstnere, forsøger at forstå hemmeligheden bag kreativitet. Billedet af denne kunstner, set af Chartkov på udstillingen, er smukt, det chokerede Chartkov. Han forsøger at male rigtige billeder, men hans talent er spildt. Nu køber han mesterværker i maleri og ødelægger dem i galskaben. Og kun døden stopper denne destruktive galskab.

Ifølge I. Bunin. Baseret på historien Bog. Liggende på tærskegulvet i en dukke, læste jeg længe ... Om kunstens formål

(1) Jeg lå på tærskegulvet i en dukke og læste længe - og pludselig var jeg forarget. (2) Igen fra tidlig morgen læste jeg, igen med en bog i mine hænder! (3) Og sådan fra dag til dag, fra barndommen! (4) I halvdelen af ​​sit liv levede han i en eller anden ikke-eksisterende verden, blandt mennesker, der aldrig havde eksisteret, opfundet, bekymret over deres skæbne, deres glæder og sorger, som om de var hans egen, til graven, han forbandt sig med Abraham og Isaac, med pelasgerne og etruskerne, med Sokrates og Julius Cæsar, Hamlet og Dante, Gretchen og Chatsky, Sobakevich og Ophelia, Pechorin og Natasha Rostova! (5) Og hvordan skal jeg nu forstå blandt de virkelige og fiktive satellitter i min jordiske eksistens? (6) Hvordan adskiller vi dem, hvordan bestemmer de graden af ​​deres indflydelse på mig?

(7) Jeg læste, levede i andres opfindelser, og marken, herregården, landsbyen, mænd, heste, fluer, humler, fugle, skyer - alt levede sit eget, virkelige liv. (8) Og så mærkede jeg pludselig dette og vågnede fra en bogbesættelse, smed bogen i halmen og med overraskelse og glæde ser jeg med nogle nye øjne mig skarpt, ser, hører, lugter, - det vigtigste, jeg mærke noget usædvanligt enkelt og på samme tid, usædvanligt komplekst, det dybe, vidunderlige, uforklarlige, der er i livet og i mig selv, og som aldrig er ordentligt skrevet om i bøger.

(9) Mens jeg læste, var der intime ændringer i naturen. (10) Det var solrigt, festligt; nu er alt mørkt, stille. (11) På himlen, lidt efter lidt, samlede skyer og skyer sig nogle steder - især mod syd - stadig lyse, smukke og mod vest bag landsbyen, bag dens vinstokke, regn, blålig, kedelig. (12) Varme, lugter blødt som fjern markregn. (13) En oriole synger i haven.

(14) En bonde vender tilbage fra kirkegården ad en tør lilla vej mellem tærskegulvet og haven. (15) På skulderen er en hvid jernskovl med blå chernozem klæbet til den. (16) Ansigtet er forynget, klart. (17) Hatten flyttede af svedig pande.

(18) - Jeg plantede en jasminbuske på min pige! siger han muntert. - Godt helbred. (19) Læser du alt, opfinder du alle bøgerne?

(20) Han er glad. (21) Hvad? (22) Kun ved at leve i verden, det vil sige at gøre noget af det mest uforståelige i verden.

(23) Oriolen synger i haven. (24) Alt andet var stille, blev stille, selv hanerne blev ikke hørt. (25) En hun synger - sender langsomt legende triller. (26) Hvorfor, for hvem? (27) Er det for dig selv, for det liv, en have har levet i hundrede år, en ejendom? (28) Måske lever denne ejendom for hendes fløjtesang?

(29) "Jeg plantede en jasminbuske på min pige." (30) Ved pigen om dette? (31) Det forekommer bonden, at han kender det, og måske har han ret. (32) En mand vil glemme alt om denne busk om aftenen - for hvem vil han blomstre? (33) Men det vil blomstre, og det ser ud til, at det ikke er for ingenting, men for nogen og for noget.

(34) "Du læser alt, du finder på alle bøgerne." (35) Hvorfor opfinde? (36) Hvorfor heltinder og helte? (37) Hvorfor en roman, en historie, med et plot og en frakobling? (38) Den evige frygt for at fremstå ikke nok boglig, ikke nok som dem der er herliggjort! (39) Og evig pine er at være evigt tavs, ikke at tale præcist om, hvad der virkelig er dit og den eneste nutid, som kræver det mest legitime udtryk, det vil sige et spor, legemliggørelse og bevarelse i det mindste i et ord!

Sammensætning

Hvilken fantastisk historie A.P. Chekhov har! Som altid med denne forfatter vil du ikke umiddelbart forstå, hvad han ville sige med sit arbejde, hvilke spørgsmål han foreslår at tænke over.

Sommerdag. Den lyriske helt læser en bog, som han pludselig afviser med forargelse: ”Jeg har levet halvdelen af ​​mit liv i en ikke-eksisterende verden, blandt mennesker, der aldrig har eksisteret, opfundet, bekymret over deres skæbner, deres glæder og sorger, som om de var hans egne ... ”Det forekommer ham, at han vågnede fra boglig besættelse og med nye øjne kiggede på” det dybe, vidunderlige, uforklarlige, der er i livet. ” Omkring den vidunderlige natur, konstant skiftende landskab. Et nyt ansigt dukker op: en mand med et klart, forynget ansigt. "Jeg plantede en jasminbuske på min pige," siger han. Vi forstår, at han plantede denne busk på sin datters grav. Så hvorfor glæde sig? Vi er forvirrede sammen med helten. Og så kommer en forståelse: pigen vil ikke vide om denne busk, men den vil blomstre "af god grund, men for nogen og for noget." Og igen, en tilbagevenden til gamle tanker: hvorfor skrive romaner, historier? Og her kommer indsigten: det problem, der bekymrer både Tjekhovs helt og forfatteren selv, er problemet med kunstens formål. Hvorfor har en person brug for at udtrykke sig i bøger, poesi, musik, i et maleri? Sådan ville jeg formulere spørgsmålet, der stammer fra tankerne om den lyriske helt.

Og svaret på det er i tekstens sidste sætning: ”Og evig pine er at være evigt tavs, ikke at tale præcist om, hvad der virkelig er dit og den eneste nutid, som kræver det mest legitime udtryk, det vil sige et spor , udførelsesform og bevarelse i det mindste i et ord! " Forfatterens position, for at sige det med andre ord, er som følger: formålet med kreativitet, formålet med kunst er at fortælle mennesker, hvad der begejstrer dig, at udtrykke de følelser, du oplever, at efterlade et "spor af legemliggørelse" på jorden .

Spørgsmålet om kunstens formål bekymrede mange forfattere. Lad os huske

A.S. Pushkin. I digtet "Profeten" råbte "Guds stemme" til digteren:

"Stå op, profet, og se og vær opmærksom,

Opfyld min vilje

Og omgå hav og land,

Brænd folks hjerter med et verbum. "

"At brænde menneskers hjerter med verbet" betyder at vække tørsten efter et bedre liv og kamp i dem. Og i digtet "Jeg rejste et monument for mig selv, der ikke var lavet af hænder ...", skrevet kort før sin død, bekræfter digteren storheden i det poetiske monument i sammenligning med andre måder at fastholde fortjenester.

En person, som Gud har givet talentet til at sige noget eget til mennesker, kan ikke tie. Hans sjæl kræver at efterlade et mærke på jorden, at legemliggøre og bevare sit "jeg" i ord, i lyd, i et maleri, i skulptur ...

Kunst ... Det er i stand til at genoplive sjælen hos en mand i deres aske, få ham til at opleve utrolige følelser og følelser. Kunst er et middel, hvormed forfattere forsøger at formidle deres tanker til en person, for at vænne ham til skønhed.

Forfatteren diskuterer behovet for kunst i vores liv, han fokuserer på, at "skønhed skal læres og værdsættes, ligesom man skal lære at føle høj musik." Yuri Bondarev nævner eksemplet på Mozarts Requiem, der påvirker publikum på en ufattelig måde, "mennesker åbner grådløst åbent i den episode, hvor den store komponists liv sluttede." Så forfatteren viser, at kunst er i stand til at røre ved de sarte strenge i en persons sjæl og få ham til at opleve ekstraordinære følelser.

Bondarev hævder, at kunst i høj grad kan påvirke et menneske, for det er netop kunsten, der er den smukkeste i hans liv. Kunst kan ændre et menneske, hans indre verden. Dette er noget, der skal læres. Man kan faktisk ikke andet end være enig med forfatteren. Jeg tror på, at kunst kan få os til at føle glæde og sorg, længsel og spænding, lykke og mange andre følelser.

Så i arbejdet med IA beskriver Goncharov "Oblomov" levende hovedpersonens holdning til musik. Oblomov, der besøgte Olga Ilyinskaya, hørte først, hvordan hun spillede klaver. Forfatteren viser os, hvordan musik kan påvirke en persons indre verden, hans følelser. Da han lyttede til det store spil, kunne helten næsten ikke holde tårerne tilbage, han følte styrke og kraft, et ønske om at leve og handle.

Men holdningen hos hovedpersonen i IS Turgenevs arbejde "Fædre og sønner" til kunst er meget negativ. Bazarov opfatter ham ikke som en integreret del af en persons liv, han ser ikke dets fordele og fordele. Dette var begrænsningen af ​​hans synspunkter. Men en persons liv uden kunst, uden en "skønhedsfølelse" er meget kedeligt og ensformigt, hvilket helten desværre ikke genkendte.

Afslutningsvis vil jeg gerne konkludere, at kunst er den vigtigste del i hver enkelt af os. Du skal bare slippe det ind i dit hjerte og sjæl, og det kan erobre hele verden.

Mulighed 2

Enhver form for kunst for en person er den højeste belønning for de bestræbelser, han gjorde for at deltage i den - enten som skaberen af ​​et mesterværk, eller bare beundre dens resultater udefra.

Musikale kompositioner, mystiske lærreder, yndefulde skulpturer opstod takket være menneskelig viden, naturlig gave eller ønske om at opnå en sådan perfektion.

I processen med at skabe et kunstværk, anvender en person sit talent og viser sine evner i fuld kraft. Kunst udvikler sig, tillader ikke at blive på ét sted, i en tilstand af passivitet. På grund af dette forbedres folk. Dem, der til en vis grad forholder sig til dette område, er kreative mennesker, der konstant søger. Ved at kaste sig ud i denne verden udvikler de sig aktivt åndeligt.

Gennem den manifesterede fantasi hjælper målrettet, fantasi, tålmodighed kunst med at etablere en livsposition, påvirker en persons verdensbillede, hjælper med at finde sig selv, til at danne sin egen tankegang.

Hvis vi taler om musik, forbedres en persons følelsesmæssige, mentale og endda fysiske tilstand efter at have lyttet til bare klassiske værker. Afhængig af rytme og indhold af melodier, sange kan du enten få en utrolig ladning af kraft eller falde til ro.

Under kunstens indflydelse forvandles en persons indre verden. I enhver af dens typer - grafik, teater, maleri osv. Er der så meget dyb mening og lidenskab, der kommer til udtryk ved særegne udtryksfulde midler, at de får dig til at tænke på dig selv, meningen med livet, giver dig mulighed for at se på verden på en ny måde.

Ethvert af kunstværkerne bidrager til skelnen mellem godt og ondt, godt og ondt. Litterære værker har en enorm kraft, der kan påvirke en person og overføre ham til en anden verden. Ved at blive helten i de begivenheder, der er afbildet i bøgerne, lærer folk nye oplysninger, på grundlag af hvilke de bliver bedre, retter fejl efter at have mødt hans karakterer, sympatiserer og glæder sig med dem. Litteratur kan fundamentalt ændre en persons verdensbillede.

Under påvirkning af maleri finder dannelsen af ​​en persons åndelige verden sted. Deltagelse i denne type aktivitet bidrager til selvudfoldelse, forstærkning af indtryk. I skulpturer legemliggør mennesker deres æstetiske ønsker, og for eksterne observatører er de kognitive.

Således uddanner kunst i en person kun de bedste karaktertræk, øger intelligensen, identificerer og udvikler de kvaliteter, der tidligere var usynlige.

Flere interessante kompositioner

• Karakteristika og billede af Ilyusha fra historien Bezhin lug Turgenev komposition

  Ilyusha er en af ​​hovedpersonerne i historien "Bezhin Meadow" af Ivan Sergeevich Turgenev. Forfatteren kalder ham Ilyusha ved hjælp af et blødt skilt. Han er tolv.

Hver person taler bestemte ord, næsten alle udføres ved hjælp af handlinger og ord. Ordet føder et ord, det tredje løber af sig selv. Vær på vagt: ethvert ord, du siger, kan afgøre det

Efteråret kommer. Byen bliver gul-orange. Skolebørn tager deres tasker på og går i skole. Voksne er ved at være slut på deres ferietid.

• Har du brug for at gøre dine drømme til virkelighed? Afsluttende essay karakter 11

  Hvad er drømme? Har de brug for det eller skal de implementeres? Vi kan sige, at drømme er en af ​​de smukkeste og uforgængelige partikler i vores eksistens. Hver af os behandler dem forskelligt. For eksempel vil Vasya virkelig gøre sin drøm til virkelighed.

• Temaet for militære bedrifter i russisk litteratur i anden halvdel af XX - begyndelsen af ​​XXI århundrede.

  Krigens tema og alt, der er forbundet med det, vil ikke efterlade nogen ligeglade. Dette emne har altid været relevant. Når dette emne imidlertid vedrører dig personligt og dine nærmeste, opfattes alt på en helt anden måde.

For det første efterlader tidsintervallet, der adskiller os fra fortidens kunstværker, og fraværet af sådanne i opfattelsen af ​​samtidskunst et uundgåeligt aftryk på forståelsen af ​​sidstnævnte. Vi fratages muligheden for objektivt at evaluere og korrekt fortolke modernitet, fordi vi selv skaber det. Eller rettere sagt, vi er i stand til at forstå den dybe momentane betydning af et værk, det, der oprindeligt var lagt i det. Måske vil vi forstå ham bedre end de efterfølgende generationer, da Baudelaire eller Gurenberg for eksempel var tydeligere forstået af deres samtidige dengang, og ikke af os - nu. Men samtidig vil vi ikke være i stand til at vurdere betydningen af ​​dette eller det arbejde i vores tid. Dette tager tid.

For det andet er samtidskunst (lad os tale om film, musik) ekstremt mangfoldig. Sagen kompliceres yderligere af, at hver genre lukket i sig selv er meget eklektisk i sig selv. Det kan endda siges, at nu er det ikke nødvendigt at tale om nogen særskilt genre, i hvilken mainstream kunstneren skaber (i det brede spektrum), men nu er hver kunstner, hver musiker (musikgruppe), hver instruktør en separat individuel genre. Alt skaber ved krydset. Derfor kan ingen identificere sig selv som tilhørende en bestemt genre. Derfor en anden vanskelighed ved at fortolke samtidskunst.

For det tredje skal det bemærkes, at samtidskunst er yderst ujævnt udviklet. For eksempel udvikler musik, film, fotografering og muligvis maleri sig aktivt. Litteratur er mindre aktiv og succesrig. Dette skyldes det faktum, at det første af de listede kunstområder er præget af ekstrem følelsesmæssighed. Det er meget svært for en moderne person at koncentrere sig, at samle sig på et tidspunkt, hvilket for eksempel er nødvendigt for at skrive eller læse en seriøs roman. Musik, øjeblikkelig fotografering, tegning, film som komprimeret visuel litteratur - alt dette er bedst egnet til en moderne persons evne til at opfatte. Det kan ikke argumenteres for, at vores bevidsthed er blevet til "klip". Det skal huskes, at en sang eller en film er et færdigt kunstværk, som vi opfatter på en holistisk måde og på ingen måde et klip. Men den tid, vi kan bruge på dette eller det arbejde, har ændret sig. Derfor har formen på dette arbejde også ændret sig - det er blevet mere kortfattet, præcist, chokerende og så videre. (afhængigt af forfatterens mål). Dette er vigtigt at overveje, når man analyserer samtidskunst.

Generelt kan vi sige, at hovedproblemet er identifikationen af ​​samtidskunst som kunst generelt. Du støder ofte på fraværet af referencepunkter, som samtidige forfatteres arbejde kan korrelere med. Det er blevet umuligt at sammenligne med klassikerne, for det er praktisk talt umuligt at finde skæringspunkterne mellem det gamle og det nye. Der er enten en gentagelse af noget, der allerede er skabt tidligere, eller skabelsen af ​​noget, der er helt ulig noget andet. De såkaldte klassikere ser ud til at stå til side. Jeg mener ikke tekniske teknikker, men de betydninger og ideer, der lægges i dette eller det arbejde. For eksempel påvirker en genre som cyberpunk helt andre lag af menneskelig eksistens end bare science fiction. Det er klart, at vi kan henvende os til science fiction som stamfader til denne slags genrer, men det er også klart, at der opstår problemer med cyberpunk, som science fiction ikke vil fortælle os noget om. Derfor ser moderne kunstværker ud til at blive kastet i tomrummet, hvor der ikke er referencepunkter, men der kun er andre, ligeledes forladte, individuelle nye kreationer ihjel.

KRYLOV SERGEY NIKOLAEVICH

Efteruddannet ved Institut for Kunst og Kulturstudier i Federal State Budgetary Educational Institution of Higher Professional Education “St. A. L. Stieglitz "

Kommentar:

Artiklen afslører de vigtigste faktorer, der hindrer gensidig forståelse mellem kunstneren og offentligheden. Forfatteren mener, at samtidskunst er et system med sit eget krypterede sprog, der har udviklet sig i løbet af de sidste halvandet århundrede. Siden midten af ​​1800 -tallet er der gradvist sket en ændring i det vestlige samfunds værdier, hvilket afspejles i kunsten som en afvigelse fra det æstetiske ideal til fordel for det konceptuelle. Forfatteren mener, at offentligheden, der er godt bekendt med samtidskunst, heller ikke altid fuldt ud kan vurdere værdien af ​​et kunstværk uden en særlig forklaring fra forfatteren, der utvivlsomt er et tegn på den voksende konflikt mellem samfund og kultur i postmodernisme. Hvis værket tidligere fremkaldte følelser ved hjælp af æstetisk indflydelse, leder samtidskunsten efter originale måder at påvirke offentligheden på.

Kultur som helhed udtrykker samfundets åndelige tilstand, mens kunst
er en reaktion på et følelsesmæssigt udbrud. Hvor meget kunsthistorie findes,
der er så meget debat: betragtes ethvert innovativt fænomen inden for kunst som fremskridt
eller den konstante nedbrydning af kulturen. På det humanistiske område er det umuligt
ignorere det vanskelige, og nogle gange umuligheden af ​​at konstruere en integreret logisk
systemer. Ordforrådet, der bruges til at beskrive samtidskunst, er gradvist
bliver et særligt sprog - svært, ofte skræmmende i sin kompleksitet. Imidlertid
mindre, ”inden for kunstvidenskab har den teoretiske tilgang ikke rigtigt
alternativer, og det er ligegyldigt, om det handler om moderne eller klassisk kunst. Nogen
en ny publikation om kunsthistorie er kun relevant som argument i
enhver teoretisk tvist som en del af intellektuel historie. " Indtil midten
XIX århundrede blandt kunstnere, få gør forsøg på at formulere deres system,
i stand til at underbygge originaliteten af ​​kreativ aktivitet.
Det menes, at E. Manet gjorde de første forsøg på selvidentificering af kunst,
den første blandt malere, der begyndte at søge efter værkets formelle kompleksitet. Hans
ønske om at skabe nye principper i løsningen af ​​hverdagens problemer, han indirekte
foregriber næsten al avantgarde-kreativitet, i de mest reaktionære former
i stand til at forlade det vestlige kultursystem baseret på oldgræsk
forståelse for æstetik og skønhed.
På grund af løsningens enkelhed i realistisk kunstnerisk praksis, spørgsmålet
teoretisk underbygning af værket opstår sjældent, selv i sammenligning med
dekorativ eller kirkekunst. A.V. Makeenkova udleder kompleksiteten af ​​"sproget
værker ", som et af problemerne med vanskeligheden ved at forstå kunst. Utvivlsomt,
forfatterens sprog kan være uforståeligt, men det kan ikke afhænge af
orientering af arbejdet. Opfattelsens kompleksitet er snarere påvirket af formel
tegn, nemlig: de midler, kunstneren f.eks. har brugt, er traditionelt ikke
karakteristisk for kunsten: nye tekniske muligheder, polymedia - det vil sige dem
kvaliteter, hvor formskabelse forsøger at isolere og etablere sig. Kunne lide
uanset om vi har et værk eller ej, kan vi forstå, hvad det handler om, men hvordan det er
opfyldt - ikke altid.
Det er umuligt at udvikle kulturen i et moderne globalistisk samfund
set uden for konteksten for de ideologier, der er skabt af de herskende lag. Original
kunstnere - uanset hvad de skaber - vil blive set som radikale
tilpasset. Overvej et levende eksempel: ”konservative politikere og kunstkritikere i
USA under den kolde krig angriber abstrakt kunst som
"Kommunistisk" ", men 20 år senere beviser L. Reinhardt, at det er
realistisk kunst i vest er protestkunst, ikke abstrakt kunst, som i
den tid er allerede ved at blive et symbol på den kapitalistiske kultur. Karl Marx bemærker også
det faktum, at ved at foretage et køb, erhverver vi ikke bare ting, men genstande,
fyldt med ideologi. Ved at manipulere masseideologi kan man bevidst
manipulere følelser i sociale grupper. I den vestlige civilisation er folk vant til
at modtage fra et kunstværk først og fremmest fornøjelse: visuel,
æstetisk, moralsk og intellektuel. I løbet af det sidste århundrede har vi
vi observerer en gradvis afvigelse fra opdelingen i kunstarter, den fremherskende
årtusinder; der er en fusion af visuel statisk kunst med poesi,
musik, dans, video og endelig med de "eksakte" videnskaber, både i formel og
ideologiske udtryk. Publikum, kulturelt forberedt på kontemplation af det nye
kunst, modtager fra kunstneren en slags puslespil rettet mod aktivt arbejde
fantasi, erudition, intuition og intelligens, der får mest glæde af dette.
Beundring for værkets rent visuelle og æstetiske kvaliteter,
falmer i baggrunden, da offentligheden kun præsenteres for idéens udførelsesform
kunstner. Samtidskunst tilskynder beskueren til midlertidigt at trække sig fra
sociale masser, for at se noget mere; gennem populærkulturkritik
der er en kritik af ideologi og selve kunsten.
Kunstens tekniske reproducerbarhed har utvivlsomt ændret holdninger
samfundet til kunstneren, med opfindelsen af ​​maleriets reproducerbarhed, for at tiltrække
af seerens interesse skal maleren investere i det arbejde, som han ikke kan formidle
fotografering, for eksempel den maksimale følelsesmæssige komponent, ny teknisk
betyder, samtidig indvirkning på forskellige sanser. Til en vis grad til enhver tid
der var en syntese af kunst, men først i begyndelsen af ​​det 20. århundrede gjorde polymedia
værker, der påvirker alle sanser hos beskueren, hvilket er
det mest komplekse i strukturfrembringelser, handlinger, begivenheder. Dadaister tvinger offentligheden
tage en ny tilgang til at forstå kunst: ikke ønsker at behage, de tilbyder stadig
opgive passiv beundring og blive en del af handlingen. Kunstværk
kan blive et objekt lånt fra livet: miljø eller færdiglavet - en idé,
som er baseret på perceptionens accent, det vil sige at betragte et objekt, et værk
af kunsten er den lavet af tilskueren selv. Efter M. Duchamp bliver al kunst af natur
ord eller koncept. Samtidig oplever den klassiske mimetiske teori
krise og er ikke i stand til at retfærdiggøre mangfoldigheden af ​​visuelle repræsentationer. Tidligere menneske
bruges til at få glæde af fordybelse af et kunstværk. Samfund
tog for givet, at det netop var den notative karakter, kompleksitet og rigdom
æstetiske tegn eller endda sprog gav værket kunststatus nu
afstanden mellem billederne i værket og deres referenter er praktisk talt fraværende.
I løbet af det sidste halve århundrede har kunsten vendt sig til temaer, der tidligere endda var
ikke fjernt interesseret i kunsthistorie. Legemliggør ideen om syntese, morfologisk
kunstens rammer går i opløsning, og afslører kunstnerens skikkelse over for samfundet. MED
fremkomsten af ​​nye kommunikationsmidler har ændret selve opfattelsen - fra visuel orientering
til multisensorisk. Kunst er i stand til at dæmpe alle menneskelige evner
stræber efter den kreative fantasiens enhed. Socialiseret trend
kunst i vestlige lande udvikler sig selvstændigt, i Europa er det en gruppe
"Situationist International", i USA - neo -dadaister og "Fluxus", der tror på
redde kunst fra kommercialisering, der truer med at gøre den til en ekstrem
en prestigefyldt vare. Frisindede kunstnere arbejder
over projekter, der involverer musikere, digtere, dansere. Et resultat af denne art
aktivitet bliver en ny tværfaglig æstetik baseret på gensidig
inspiration, berigelse og eksperimentering. Forestillingen tillod kunstnere
endelig slette grænserne mellem udtryksmidler, mellem kunst og
liv. Performativ praksis var en protestudfordring
almindeligt accepterede værdier og adfærd, kunne de ikke eksistere uden en dialog med
tilskuer. Kunstnere forbinder sig direkte med andre mennesker, deres liv
erfaring og adfærd. Sammensmeltningen af ​​kunst og liv som hovedide erhvervet
ekstreme og nysgerrige former for englænderne Gilbert og George. Manzoni blev til
"Levende skulpturer" af dem omkring dem, de forvandlede sig også til "levende skulpturer", og
indirekte gjort deres liv til et kunstobjekt.
B.E. Groys fremhæver fra en teoretiker i det XXI århundrede synspunktet om kunstens opgave at demonstrere
forskellige billeder og livsstil gennem praktisk viden. Med midler
besked bliver selve budskabet. ”Vi anerkender det som et af de mest betydningsfulde
kunstneriske tendenser i de sidste 10 - 15 år - dette er spredningen og
institutionalisering af gruppe- og socialt engageret kreativitet ",
hvis udtryk finder vi i interaktionskunstens særlige popularitet.
M.Kwon betragter den nye kunstform som en "specifikation af samfundet",
K. Bazualdo - "eksperimentelt samfund", G. Kester definerer det "dialogisk
kunst ". Kesters idé er, at kunstens opgave er at modstå en verden, hvori
mennesker reduceres til et atomiseret pseudosamfund af forbrugere, hvis
den følelsesmæssige oplevelse er givet af forestillingssamfundet og øvelserne. Hvis samarbejde med
præorganiserede grupper afslører en udnyttende karakter, det gør den ikke
kan afspejle en model for social interaktion. I en fælles konfrontation
kapitalisme, forener kunstnere sig imellem og opfordrer en udefra kommende offentlighed,
som skal føle sig trygge en deltager i arbejdet. I modsætning til
fjernsyn, kunst ødelægger ikke, men forener relationer og bliver et sted,
skabe et bestemt rum for kommunikation. Hvis G. Hegel kaldte en af
de vigtigste årsager til kunstens krise er tabet af en persons evne til direkte
oplevelser af et kunstværk ("Kunstværkernes frihed, som
stolthed over deres selvbevidsthed og uden hvilken de ikke ville eksistere - det er deres egen snedighed
sind. Hvis kunstværker er svar på deres egne spørgsmål, så i
i kraft af dette bliver de selv spørgsmål. "), fordelen ved den samme dialogiske
type kunstnerisk praksis er, at en kritisk analyse af stereotyper
udføres i form af udveksling af synspunkter og diskussion, og ikke chok og ødelæggelse.
Samarbejdskunst søger tilgængelighed frem for eksklusivitet; v
dialog, refleksion er uundgåelig, da den i sig selv ikke kan konstruere
arbejde.
I praksis skaber ideen om at forene kunstneren og offentligheden en barriere af sig selv,
blande sig i tilnærmelsen og uden tvivl blive det mest presserende problem. Offentlig,
lidt fortrolig med kunsttrends, fordomsfuld over for alle manifestationer
moderne kreativitet og forsøger at undgå kontakt. Afvisning af dialog bliver
den oprindelige årsag til misforståelsen. Kunstneren udtrykker selvopofrelse,
at give afkald på ophavsret tilstedeværelse til fordel for relationer, så deltagerne tillades
tale gennem dig selv. Denne idé udtrykker ofret for kunsten som sådan og dens ønske
fuldstændig opløsning i social praksis.
Følelser forbliver det eneste element i opfattelsen - hovedkriteriet
fremkomsten og eksistensen af ​​et kunstværk, hvis begyndelse er
oplevelser og følelser. Som V.P. Bransky bemærker: ”Den, som objektet ikke forårsager
ingen følelser, bemærker ikke i dette objekt og en tiendedel af de funktioner, der
åben for en person, der er under et stærkt indtryk af objektet. Så
Så paradoksalt som det kan se ud, kan du se på noget - og ikke se noget ”.
Grundårsagen til enhver kunst er ikke så meget kontekst som fri følelse, i
fortiden begrænset af rammerne for filosofi, æstetik, skønhed, proportioner og andet
kulturelle traditioner. Postmoderne kunst er primært baseret på
følelser, og det er umuligt at måle det efter noget andet kriterium!
LITTERATUR
1. Rykov A.V. Vestlig kunst i det 20. århundrede: Studievejledning. - SPb.: Nyt alternativ
Polygrafi, 2008 S. 3.
2. Dempsey, Amy. Stilarter, skoler, retninger. En guide til samtidskunst. - M.: Kunst -
XXI århundrede, 2008 S. 191.
3. Biskop, Claire. Social vending i samtidskunst - Moskva: Khudozhestvennyj zhurnal, 2005, nr.
58/59. S. 1.
4. Adorno, V. Theodore. Æstetisk teori / Pr. med ham. A.V. Dranova. - M.: Republik, 2001 S. 12.
5. Bransky V.P. Kunst og filosofi. Filosofiens rolle i dannelsen og opfattelsen af ​​det kunstneriske
arbejder på eksemplet med maleriets historie. - Amber Skaz, 1999 S. 6.