impressionistisk bybillede. De bedste impressionistiske malerier med navne og fotos
Korovin Konstantin Alekseevich er en fremragende russisk kunstner, dekoratør, en af de største russiske kunstnere i århundredeskiftet (19-20). Korovin er en mester i plein air, forfatter til landskaber, genremalerier, stilleben og portrætter. Kunstneren blev født i Moskva. Han studerede i St. Petersborg og Moskva, hos Savrasov og Polenov. Konstantin Korovin var medlem af sammenslutningerne: "Association of Travelling Art Exhibitions", "Union of Russian Artists" og "World of Art". Han betragtes som en af de mest fremtrædende repræsentanter for "russisk impressionisme".
I Korovins arbejde kan man se ønsket om at opnå syntetiske billedløsninger gennem lys- og skyggemodulationer og harmoni af tonale forhold. Disse er "Nordlig Idyll" (1886), "Ved altanen. Spanske kvinder Leonora og Ampara" (1888), "Hammerfest. Nordlys" (1895) m.fl. Og ved siden af ting med en anden "Korovin"-orientering - et portræt af solisten fra den russiske private opera T. S. Lyubatovich (2. halvdel af 1880'erne), der tiltrækker med et udsøgt koloristisk koncept, en jublende festlig figurstruktur eller en skitse af begyndelsen af 1890'erne "Parisisk cafe", hvor Korovin for første gang så sjæleligt formidlede den subtile maleriske "aroma" af selve luften i den franske hovedstad.
Kernen i Korovins metode er evnen til at forvandle det mest almindelige og endda tydeligt uattraktive motiv til et højæstetisk skue gennem præcist set og som om det øjeblikkeligt fanget farveindhold.
Paris i Korovins malerier
Et ophold i Paris under forberedelserne til Verdensudstillingen - dette ophold var sekundært og meget mere meningsfuldt - åbnede kunstnerens øjne for moderne fransk maleri. Han studerer impressionisterne, som er så i harmoni med hans forhåbninger, men forbliver fremmed for alle post-impressionistiske bevægelser. I 1900-tallet skabte Korovin sin berømte "Paris"-serie. I modsætning til impressionisterne er hans syn på Paris malet meget mere direkte og følelsesmæssigt. De er domineret af mesterens ønske om at "bryde den charme, der i øjeblikket er indeholdt i landskabet" (ifølge Korovins elev B. Ioganson).
Kunstneren leder efter de mest subtile overgangstilstande og uventede tilstande i byens liv - morgen Paris, Paris i skumringen, aften og nat by ("Paris, Morgen", 1906; "Paris om aftenen", 1907; "Twilight in Paris”, 1911). Morgendisen og den opgående sols rystende lys, lilla tusmørket med træernes grønne områder, der endnu ikke er dæmpet, og lanternerne allerede tændt, den mørkeblå himmels fløjlsbløde tæthed og den lyse, feberagtige spredning af nattelys fra Paris. .. Korovin i disse små ting opnår en næsten dokumentarisk sandhed af det visuelle indtryk, og i mellemtiden fører dette til en fantastisk spiritualitet og uberørt billede af byen. Takket være metoden med kompleks farvetonal løsning opnåede han i en lille skitse både ekstrem udtryksevne på niveau med et stort færdigt maleri og effekten af spændende følelsesmæssig involvering af beskueren i det, han så.
"Jeg ønsker, at seerens øje også skal nyde æstetisk, ligesom sjælens øre nyder musik," sagde Korovin engang.
Billeder af malerier
Paris i Korovins malerier
Den videre udvikling af europæisk maleri er forbundet med impressionisme. Dette udtryk blev født ved et tilfælde. Årsagen var titlen på landskabet af C. Monet “Impression. Solopgang" (se bilag nr. 1, fig. 3) (fra det franske aftryk - indtryk), som dukkede op på den impressionistiske udstilling i 1874. Denne første offentlige optræden af en gruppe kunstnere, som omfattede C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro og andre, blev mødt af officiel borgerlig kritik med uhøflig latterliggørelse og forfølgelse. Sandt nok, allerede fra slutningen af 1880'erne blev de formelle teknikker i deres maleri opfanget af repræsentanter for akademisk kunst, hvilket gav Degas en grund til bittert at bemærke: "Vi blev skudt, men samtidig blev vores lommer gennemsøgt."
Nu hvor heftige debatter om impressionisme hører fortiden til, vil næppe nogen vove at bestride, at den impressionistiske bevægelse var et yderligere skridt i udviklingen af det europæiske realistiske maleri. "Impressionisme er først og fremmest kunsten at observere virkeligheden, der har nået hidtil uset sofistikering" (V.N. Prokofiev). I stræben efter maksimal spontanitet og nøjagtighed i formidlingen af den synlige verden begyndte de at male hovedsageligt i det fri og fremhævede betydningen af skitser fra naturen, som næsten erstattede den traditionelle type maleri, omhyggeligt og langsomt skabt i atelieret.
Ved at tydeliggøre deres palet konsekvent befriede impressionisterne maleriet fra jordnære og brune lakker og malinger. Konventionel, "museums" sorthed i deres lærreder giver plads til et uendeligt mangfoldigt spil af reflekser og farvede skygger. De udvidede umådeligt mulighederne for kunst og afslørede ikke kun verden af sol, lys og luft, men også tåges skønhed, storbylivets rastløse atmosfære, spredningen af nattelys og rytmen af kontinuerlig bevægelse.
På grund af selve metoden til at arbejde i det fri, indtog landskabet, inklusive det bylandskab, de opdagede, en meget vigtig plads i impressionisternes kunst. I hvilken udstrækning tradition og innovation organisk smeltede sammen i impressionisternes kunst, bevises først og fremmest af den fremragende 1800-talsmaler Edouard Manets (1832-1883) arbejde. Ganske vist betragtede han sig selv ikke som en repræsentant for impressionismen og udstillede altid separat, men i ideologisk og ideologisk henseende var han utvivlsomt både denne bevægelses forløber og ideologiske leder.
I begyndelsen af sin kreative karriere blev E. Manet udstødt (samfundets latterliggørelse). I den borgerlige offentlighed og kritikeres øjne bliver hans kunst synonym med det grimme, og kunstneren kaldes selv "en galning, der maler et billede, der ryster i delirium tremens" (M. de Montifaud) (se bilag nr. 1, Fig. 4). Kun de mest indsigtsfulde hoveder på den tid var i stand til at værdsætte Manets talent. Blandt dem var Charles Baudelaire og den unge E. Zola, som erklærede, at "Mr. Manet er bestemt til en plads i Louvre."
Impressionismen fik sit mest konsekvente, men også vidtrækkende udtryk i Claude Monets (1840-1926) værk. Hans navn er ofte forbundet med sådanne resultater af denne malemetode som overførsel af undvigende overgangstilstande af belysning, vibration af lys og luft, deres indbyrdes forhold i processen med konstante ændringer og transformationer. "Dette var uden tvivl en stor sejr for kunsten i moderne tid," skriver V.N. Prokofiev og tilføjer: "Men også dens endelige sejr." Det er ikke tilfældigt, at Cezanne, omend noget polemisk skærpede sin holdning, senere hævdede, at Monets kunst "kun er øjet."
Monets tidlige værker er ret traditionelle. De indeholder stadig menneskelige figurer, som senere i stigende grad bliver til stab og gradvist forsvinder fra hans malerier. I 1870'erne tog kunstnerens impressionistiske stil endelig form, og fra nu af helligede han sig helt landskabet. Siden dengang har han næsten udelukkende arbejdet en plein air. Det er i hans arbejde, at typen af det store maleri - skitsen - endelig etableres.
Monet var en af de første, der skabte en serie malerier, hvor det samme motiv gentages på forskellige tidspunkter af året og dagen, under forskellige lys- og vejrforhold (se bilag nr. 1, fig. 5, 6). Ikke alle af dem er lige, men de bedste malerier i disse serier forbløffer med friskheden af deres farver, intensiteten af deres farver og det kunstneriske i deres lyseffekter.
I den sene periode med kreativitet i Monets maleri forstærkedes tendenserne til dekorativisme og fladhed. Farvernes lysstyrke og renhed bliver til deres modsætning, en slags hvidhed vises. Da han talte om de sene impressionisters misbrug af "lette toner, at gøre nogle værker til et misfarvet lærred," skrev E. Zola: "Og i dag er der intet andet end plein air ... kun pletter tilbage: portrættet er kun en plet, figurer er kun pletter, kun pletter.” .
Andre impressionistiske kunstnere var også mest landskabsmalere. Deres arbejde forblev ofte ufortjent i skyggen ved siden af den virkelig farverige og imponerende skikkelse af Monet, selv om de ikke var ham ringere i deres årvågenhed over for syn på naturen og i deres malerfærdigheder. Blandt dem skal navnene på Alfred Sisley (1839-1899) og Camille Pissarro (1831-1903) nævnes først. Værkerne af Sisley, en englænder af fødsel, er kendetegnet ved en særlig billedlig elegance. En strålende mester i friluftsliv, han vidste, hvordan man formidler den gennemsigtige luft fra en klar vintermorgen, den lette dis af solvarme tåge og skyer, der løber hen over himlen på en blæsende dag. Dens rækkevidde er kendetegnet ved dens rigdom af nuancer og trofasthed af toner. Kunstnerens landskaber er altid gennemsyret af en dyb stemning, der afspejler hans i det væsentlige lyriske opfattelse af naturen (se bilag nr. 1, fig. 7, 8, 9).
Pissarros kreative vej, den eneste kunstner, der deltog i alle otte impressionistiske udstillinger, var mere kompleks - J. Rewald kaldte ham denne bevægelses "patriark". Startende med landskaber, der ligner Barbizons, begyndte han, under indflydelse af Manet og hans unge venner, at arbejde i det fri og gradvist lette paletten. Efterhånden udvikler han sin egen impressionistiske metode. Han var en af de første til at opgive brugen af sort maling. Pissarro var altid tilbøjelig til en analytisk tilgang til maleri, deraf hans eksperimenter i nedbrydning af farver - "divisionisme" og "pointellisme". Imidlertid vendte han hurtigt tilbage til den impressionistiske måde, hvorpå hans bedste værker blev skabt - vidunderlige serier af bylandskaber i Paris (se bilag nr. 1, fig. 10, 11, 12, 13). Deres komposition er altid gennemtænkt og afbalanceret, deres maleri er raffineret i farver og mesterligt i teknik.
I Rusland blev det urbane landskab i impressionismen oplyst af Konstantin Korovin. "Paris kom som et chok for mig... impressionisterne... i dem så jeg, hvad jeg blev skældt ud for i Moskva." Korovin (1861-1939) var sammen med sin ven Valentin Serov den russiske impressionismes centrale skikkelser. Under stor indflydelse fra den franske bevægelse skabte han sin egen stil, som blandede hovedelementerne i den franske impressionisme med de rige farver i russisk kunst fra den periode (se bilag nr. 1, fig. 15).
En af de største bevægelser inden for kunst i de sidste årtier af det nittende århundrede og begyndelsen af det tyvende er impressionismen, som spredte sig over hele verden fra Frankrig. Dets repræsentanter var engageret i udviklingen af sådanne metoder og teknikker til maleri, der ville gøre det muligt mest levende og naturligt at afspejle den virkelige verden i dynamik, for at formidle flygtige indtryk af den.
Mange kunstnere skabte deres lærreder i stil med impressionisme, men grundlæggerne af bevægelsen var Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. Det er umuligt at nævne deres bedste værker, da de alle er smukke, men der er de mest berømte, og de vil blive diskuteret yderligere.
Claude Monet: "Indtryk. Solopgang"
Lærredet, som du skal starte en samtale med om impressionisternes bedste malerier. Claude Monet malede det i 1872 fra livet i den gamle havn i Le Havre, Frankrig. To år senere blev maleriet først vist for offentligheden i den franske kunstner og karikaturtegner Nadars tidligere atelier. Denne udstilling blev skæbnesvanger for kunstverdenen. Imponeret (ikke i den bedste forstand) af Monets værk, hvis titel på originalsproget lyder som "Impression, soleil levant", opfandt journalist Louis Leroy først udtrykket "impressionisme", der betegner en ny retning i maleriet.
Maleriet blev stjålet i 1985 sammen med værker af O. Renoir og B. Morisot. Det blev opdaget fem år senere. I øjeblikket "Impression. The Rising Sun" tilhører Marmottan-Monet-museet i Paris.
Edouard Monet: "Olympia"
Maleriet "Olympia", skabt af den franske impressionist Edouard Manet i 1863, er et af det moderne maleris mesterværker. Det blev første gang præsenteret på Paris Salon i 1865. Impressionistiske kunstnere og deres malerier befandt sig ofte i centrum for højprofilerede skandaler. Olympia forårsagede dog den største af dem i kunsthistorien.
På lærredet ser vi en nøgen kvinde, hendes ansigt og krop vendt mod publikum. Den anden karakter er en mørkhudet tjenestepige, der holder en luksuriøs buket pakket ind i papir. Ved fodenden af sengen er der en sort killing i en karakteristisk positur med buet ryg. Man ved ikke meget om maleriets historie, kun to skitser er nået frem til os. Modellen var højst sandsynligt Manets yndlingsmodel, Quiz Meunard. Der er en opfattelse af, at kunstneren brugte billedet af Marguerite Bellanger, Napoleons elskerinde.
I den kreative periode, da Olympia blev skabt, var Manet fascineret af japansk kunst og nægtede derfor bevidst at finde frem til nuancerne af mørke og lys. På grund af dette så hans samtidige ikke volumen af den afbildede figur og betragtede den som flad og ru. Kunstneren blev anklaget for umoral og vulgaritet. Aldrig før har impressionistiske malerier forårsaget en sådan spænding og hån fra mængden. Administrationen blev tvunget til at placere vagter omkring hende. Degas sammenlignede Manets berømmelse opnået gennem Olympia og det mod, hvormed han tog imod kritik, med Garibaldis livshistorie.
I næsten et kvart århundrede efter udstillingen blev lærredet holdt uden for nysgerrige øjnes rækkevidde af kunstnerens atelier. Så blev det udstillet igen i Paris i 1889. Det var næsten købt, men kunstnerens venner samlede det nødvendige beløb og købte "Olympia" af Manets enke og donerede det derefter til staten. Nu tilhører maleriet Orsay-museet i Paris.
Auguste Renoir: "Store badegæster"
Maleriet er malet af en fransk kunstner i 1884-1887. I betragtning af alle de i øjeblikket kendte impressionistiske malerier mellem 1863 og begyndelsen af det tyvende århundrede, kaldes "Store badere" det største lærred med nøgne kvindefigurer. Renoir arbejdede på det i mere end tre år, og i denne periode blev der skabt mange skitser og skitser. Der var intet andet maleri i hans arbejde, som han viede så meget tid til.
I forgrunden ser beskueren tre nøgne kvinder, hvoraf to er på kysten, og den tredje står i vandet. Figurerne er malet meget realistisk og tydeligt, hvilket er et karakteristisk træk ved kunstnerens stil. Renoirs modeller var Alina Charigo (hans fremtidige kone) og Suzanne Valadon, som i fremtiden selv blev en berømt kunstner.
Edgar Degas: "Blue Dancers"
Ikke alle berømte impressionistiske malerier, der er anført i artiklen, blev malet i olie på lærred. Billedet ovenfor giver dig mulighed for at forstå, hvad maleriet "Blue Dancers" repræsenterer. Det blev lavet i pastel på et ark papir, der måler 65x65 cm og hører til den sene periode af kunstnerens arbejde (1897). Han malede det med allerede nedsat syn, så der lægges stor vægt på dekorativ organisering: billedet opfattes som store farvepletter, især når det ses tæt på. Temaet dansere var tæt på Degas. Det blev gentaget mange gange i hans arbejde. Mange kritikere mener, at på grund af harmonien mellem farve og sammensætning kan "Blue Dancers" betragtes som kunstnerens bedste arbejde om dette emne. I øjeblikket opbevares maleriet på Kunstmuseet. A. S. Pushkin i Moskva.
Frédéric Bazille: "Pink Dress"
En af grundlæggerne af den franske impressionisme, Frédéric Bazille, blev født ind i en borgerlig familie af en velhavende vinmager. Mens han stadig studerede på Lyceum, begyndte han at blive interesseret i at male. Efter at være flyttet til Paris, stiftede han bekendtskab med C. Monet og O. Renoir. Desværre bestemte skæbnen kunstneren til at have en kort livsvej. Han døde i en alder af 28 ved fronten under den fransk-preussiske krig. Imidlertid er hans malerier, om end få i antal, med rette inkluderet på listen over "bedste impressionistiske malerier." En af dem er "Pink Dress", malet i 1864. Efter alle indikationer kan lærredet tilskrives tidlig impressionisme: farvekontraster, opmærksomhed på farve, sollys og et frossent øjeblik, netop det, der blev kaldt "indtryk". En af kunstnerens kusiner, Teresa de Hors, fungerede som model. Maleriet tilhører i øjeblikket Musée d'Orsay i Paris.
Camille Pissarro: “Boulevard Montmartre. Eftermiddag, solskin"
Camille Pissarro blev berømt for sine landskaber, et karakteristisk træk ved afbildningen af lyse og oplyste genstande. Hans værker havde en betydelig indflydelse på genren impressionisme. Kunstneren udviklede selvstændigt mange af sine iboende principper, som dannede grundlaget for hans fremtidige kreativitet.
Pissarro kunne lide at male det samme sted på forskellige tidspunkter af dagen. Han har en hel række lærreder med parisiske boulevarder og gader. Den mest berømte af dem er "Boulevard Montmartre" (1897). Det afspejler al den charme, som kunstneren ser i det sydende og rastløse liv i dette hjørne af Paris. Når han betragter boulevarden fra samme sted, viser han den til seeren på en solrig og overskyet dag, morgen, eftermiddag og sen aften. Billedet nedenfor viser maleriet "Montmartre Boulevard om natten".
Denne stil blev efterfølgende adopteret af mange kunstnere. Vi vil kun nævne, hvilke impressionistiske malerier der blev skrevet under indflydelse af Pissarro. Denne tendens er tydeligt synlig i Monets arbejde (“Haystacks”-serien af malerier).
Alfred Sisley: "Plæner om foråret"
"Plæner i foråret" er et af de seneste malerier af landskabsmaler Alfred Sisley, malet i 1880-1881. I den ser beskueren en skovsti langs Seines bred med en landsby på den modsatte bred. I forgrunden ses en pige - kunstnerens datter Jeanne Sisley.
Kunstnerens landskaber formidler den autentiske atmosfære i den historiske region Ile-de-France og bevarer den særlige blødhed og gennemsigtighed af naturfænomener, der er karakteristiske for bestemte årstider. Kunstneren var aldrig tilhænger af usædvanlige effekter og holdt sig til en enkel komposition og en begrænset palet af farver. Maleriet opbevares nu i National Gallery i London.
Vi har listet de mest berømte impressionistiske malerier (med navne og beskrivelser). Disse er verdensmaleriets mesterværker. Den unikke malerstil, som opstod i Frankrig, blev oprindeligt opfattet med latterliggørelse og ironi; kritikere understregede kunstnernes direkte skødesløshed ved at male deres lærreder. Nu tør næsten ingen udfordre deres genialitet. Impressionistiske malerier udstilles på de mest prestigefyldte museer i verden og er en eftertragtet udstilling for enhver privat samling.
Stilen er ikke sunket i glemmebogen og har mange følgere. Vores landsmand Andrei Koch, den franske maler Laurent Parselier, amerikanerne Diana Leonard og Karen Tarleton er berømte moderne impressionister. Deres malerier er lavet i genrens bedste traditioner, fyldt med lyse farver, dristige streger og liv. På billedet ovenfor ses Laurent Parseliers værk "In the Rays of the Sun".
18-19 århundreder markerede den europæiske kunsts storhedstid. I Frankrig beordrede kejser Napoleon III genopbygningen af Paris efter fjendtlighederne under den fransk-preussiske krig. Paris blev hurtigt den samme "skinnende by", som den havde været under det andet imperium og udråbte igen sig selv til centrum for europæisk kunst. Derfor vendte mange impressionistiske kunstnere sig til temaet for den moderne by i deres værker. I deres værker er den moderne by ikke et monster, men et hjemland, hvor folk bor. Mange af værkerne er gennemsyret af en stærk følelse af patriotisme.
Dette kan især ses i malerierne af Claude Monet. Han skabte mere end 30 malerier med udsigt over Rouen-katedralen i en bred vifte af lysforhold og atmosfæriske forhold. For eksempel malede Monet i 1894 to malerier - "Rouen Cathedral at Noon" og "Rouen Cathedral in the Evening". Begge malerier skildrer det samme fragment af katedralen, men i forskellige toner - i middagens varme gul-lyserøde toner og i de kolde blålige nuancer af det døende tusmørkelys. I malerierne opløser den farverige plet fuldstændig stregen, kunstneren formidler ikke stenens materielle vægt, men sådan set et let farverigt gardin.
Impressionisterne søgte at lave et maleri som et åbent vindue, hvorigennem den virkelige verden er synlig. Ofte valgte de udsigten fra vinduet til gaden. Den berømte "Boulevard des Capucines" af C. Monet, malet i 1873 og vist på den første impressionistiske udstilling i 1874, er et glimrende eksempel på denne teknik. Der er en masse innovation her - udsigten til en stor bygade blev valgt som motiv for landskabet, men kunstneren er interesseret i dets udseende som helhed og ikke dets attraktioner. Hele massen af mennesker er afbildet med glidende strøg, på en generaliseret måde, hvor det er svært at skelne individuelle figurer.
Monet formidler i dette værk et øjeblikkeligt, rent visuelt indtryk af den knapt mærkbare vibrerende luft, af gader, mennesker og afgående vogne, der går dybere ned i dybet. Det ødelægger ideen om et fladt lærred, skaber en illusion af rum og fylder det med lys, luft og bevægelse. Det menneskelige øje skynder sig ind i det uendelige, og der er intet begrænsningspunkt, hvor det kan stoppe.
Det høje synspunkt giver kunstneren mulighed for at forlade forgrunden, og han formidler det strålende sollys i kontrast til de blålilla skygger af husene, der ligger på gadens fortovet. Monet giver solsiden orange, gylden varm, skyggesiden violet, men en enkelt lys-luft dis giver hele landskabet tonal harmoni, og konturerne af huse og træer træder frem i luften, gennemsyret af solens stråler.
I 1872 malede Monet i Le Havre "Impression. Sunrise" - en udsigt over havnen i Le Havre, senere præsenteret på impressionisternes første udstilling. Her har kunstneren tilsyneladende endelig frigjort sig fra den almindeligt accepterede idé om billedobjektet som et vist volumen og helliget sig selv at formidle atmosfærens øjeblikkelige tilstand i blå og pink-orange toner. Faktisk ser alt ud til at blive uhåndgribeligt: Le Havre-molen og skibene smelter sammen med stregerne på himlen og refleksionen i vandet, og silhuetterne af fiskere og både i forgrunden er bare mørke pletter lavet med et par intense strøg . Afvisningen af akademiske teknikker, maleri i det fri og valget af usædvanlige emner blev mødt med fjendtlighed af datidens kritikere. Louis Leroy, forfatteren til en rasende artikel, der dukkede op i magasinet "Charivari", brugte for første gang i forbindelse med netop dette maleri udtrykket "impressionisme" som en definition af en ny bevægelse i maleriet.
Et andet fremragende værk dedikeret til byen var Claude Monets maleri "Gare Saint-Lazare". Monet malede over ti malerier baseret på Saint-Lazare togstation, hvoraf syv blev udstillet på den 3. impressionistiske udstilling i 1877.
Monet lejede en lille lejlighed på Monsey Street, beliggende nær stationen. Kunstneren fik fuld handlefrihed. Togets bevægelse standsede et stykke tid, og han kunne tydeligt se perronerne, ovnene på rygende lokomotiver, som var fyldt med kul – så damp ville løbe ud af skorstenene. Monet "satte sig fast" på stationen, passagerer iagttog ham med respekt og ærefrygt.
Da stationens udseende hele tiden ændrede sig, lavede Monet kun skitser på stedet, og ud fra dem i atelieret malede han selve malerierne. På lærredet ser vi en stor banegård, dækket af en baldakin monteret på jernstænger. Der er perroner til venstre og højre: Det ene spor er beregnet til pendlertog, det andet til fjerntog. Den særlige atmosfære formidles gennem kontrasten af svag belysning inde i stationen og det lyse, blændende gadelys. Plumer af røg og damp spredt over hele lærredet balancerer de kontrasterende striber af belysning. Røg siver overalt, glødende skyer hvirvler mod bygningers svage silhuetter. Tyk damp ser ud til at give form til de massive tårne og dækker dem med et let slør, som det tyndeste spindelvæv. Billedet er malet i blide dæmpede toner med subtile nuanceovergange. Hurtige, præcise streger i form af kommaer, karakteristisk for datiden, opfattes som en mosaik; beskueren får det indtryk, at dampen enten forsvinder eller fortættes.
En anden repræsentant for impressionisterne, C. Pissarro, elskede ligesom alle impressionister at male byen, hvilket betog ham med sin endeløse bevægelse, luftstrømmene og lysets spil. Han opfattede det som en levende, rastløs organisme, der var i stand til at ændre sig afhængigt af årstiden og belysningsgraden.
I vinteren og foråret 1897 arbejdede Pissarro på en serie malerier kaldet "Boulevards of Paris". Disse værker bragte berømmelse til kunstneren og tiltrak sig opmærksomhed fra kritikere, der associerede hans navn med den divisionistiske bevægelse. Kunstneren lavede skitser til serien fra vinduet på et hotelværelse i Paris og færdiggjorde arbejdet med malerierne i sit atelier i Eragny i slutningen af april. Denne serie er den eneste i Pissarros værk, hvor kunstneren søgte at fange med maksimal nøjagtighed forskellige vejrforhold og sollys. For eksempel malede kunstneren 30 malerier, der forestiller Montmartre Boulevard, og så den fra det samme vindue.
I malerierne "Boulevard Montmartre i Paris" formidlede mester C. Pissarro mesterligt rigdommen af atmosfæriske effekter, den farverige kompleksitet og subtilitet af en overskyet dag. Bylivets dynamik, så overbevisende legemliggjort af malerens hurtige pensel, skaber et billede af en moderne by - ikke ceremoniel, ikke officiel, men ophidset og levende. Bylandskabet blev hovedgenren i denne fremragende impressionists arbejde - "sangeren fra Paris".
Frankrigs hovedstad indtager en særlig plads i Pissarros arbejde. Kunstneren boede konstant uden for byen, men Paris tiltrak ham konstant. Paris betager ham med sin uophørlige og universelle bevægelse - fodgængeres gang og vogne, luftstrømme og lysets spil. Pissarros by er ikke en liste over bemærkelsesværdige huse, der kom ind i kunstnerens synsfelt, men en levende og rastløs organisme. Fængslet af dette liv indser vi ikke banaliteten i de bygninger, der udgør Boulevard Montmartre. Kunstneren finder en unik charme i Grand Boulevards rastløshed. Pissarro erobrede Montmartre Boulevard som morgen og dag, aften og nat, solbelyst og grå, og så på den fra det samme vindue. Et klart og enkelt motiv af en gade, der strækker sig ud i det fjerne, skaber et tydeligt kompositorisk grundlag, der ikke skifter fra lærred til lærred. Cyklussen af lærreder malet året efter fra vinduet på Louvre Hotel var konstrueret helt anderledes. I et brev til sin søn, mens han arbejdede på cyklen, understregede Pissarro den anderledes karakter af dette sted fra Boulevarderne, det vil sige pladsen i det franske teater og det omkringliggende område. Faktisk suser alt der langs gadens akse. Her krydser pladsen, der fungerede som sidste stop for flere omnibusruter, i en række forskellige retninger, og i stedet for et bredt panorama med en overflod af luft, præsenteres vores øjne for et lukket forgrundsrum.
string(5796) "Adskillelsen af BYLANDSKAB i en separat genre blev lettet af det arkitektoniske landskab. Mestrene i denne bevægelse, som blev dannet under indflydelse af teorien om lineært perspektiv, så deres hovedopgave i at konstruere et komplekst, omhyggeligt designet komposition, der tager hensyn til et hovedsynspunkt. Et stort bidrag til udviklingen Denne genre blev introduceret af italienske kunstnere fra renæssancen - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Næsten samtidig med det arkitektoniske landskab udviklede en anden retning - skildringen af bylandskaber Tyske, hollandske og franske malere fra det 16.-17. århundrede bragte fra deres rejser adskillige albums med skitser fra naturen. I midten af 1600-tallet indtog BYLANDSKABET sin position som selvstændig genre og blev en yndlingsemne for hollandske kunstnere. Når kunstnerne skildrede hjørner af Amsterdam, Delft, Haarlem, forsøgte kunstnere at kombinere den geometriske klarhed af bybygninger med hverdagslige episoder og landskaber. Ægte byudsigter kan findes hos så store hollandske kunstnere fra det 17. århundrede som J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer af Delft. Et af de mest slående og vellykkede eksempler på BYLANDSKAB i denne periode er "View of the City of Delft" af Vermeer af Delft, som poetisk glorificerede billedet af sin fødeby. I 1700-tallet dannedes en særlig type landskabsgenre, nært beslægtet med BYLANDSKABET - veduta. Veduta, afhængigt af arten af reproduktionen af byområdet, blev opdelt i reel, ideel eller fantastisk. I den ægte vedita afbildede kunstneren flittigt og omhyggeligt virkelige bygninger i et virkeligt landskab; i den ideelle veduta blev rigtige bygninger afbildet omgivet af et fiktivt landskab; den fantastiske veduta var udelukkende forfatterens fantasi. Denne type maleris storhedstid var den venetianske veduta, og lederen af skolen for venetiansk veduta var kunstneren Antonio Canaletto. Under romantikkens æra bevarede kunstnere interessen for at skildre arkæologiske monumenter, antikviteter og gamle templer. I midten af det nittende århundrede vendte landskabsmalere sig til genrescener. CITY SCAPES, der viser udsigter over London, kan findes i graveringerne af den franske kunstner Gustave Doré. En anden fransk kunstner, mester i BYLANDSKABER, Honore Daumier, var også interesseret i udsigter over byen, omend af Paris. Impressionistiske kunstnere åbnede en ny side i BYLANDSKABETs historie. Deres opmærksomhed blev henledt til gadernes mønstre på forskellige tidspunkter af dagen, togstationer, silhuetter og omrids af bygninger. Ønsket om at formidle bylivets rytme, at fange atmosfærens og lysets konstant skiftende tilstand førte impressionisterne til opdagelsen af nye kunstneriske udtryksformer.
Sektionen af malerier dedikeret til BYLANDSKABET præsenterer genstande, der skildrer forskellige byer, arkitektoniske monumenter, gader og vartegn. I dette afsnit finder du udsigt over Moskva, Skt. Petersborg samt Rom og mange andre byer. Vi tilbyder dig at købe varer fra CITY LANDSCAPE sektionen i vores Commission Antique Store. Sektionen BYLANDSKAB bliver konstant opdateret, følg med for nye ankomster. "
BYLANDSKAB er en genre af kunst, hvor hovedmotivet er billedet af byen, dens gader og bygninger. Oprindeligt var BYLANDSKAB ikke en selvstændig genre; middelalderlige kunstnere brugte kun bybilleder som en ramme for bibelske scener. BYLANDSKABET blev gentænket på en ny måde af de gamle hollandske mestre, som fangede verden omkring dem med særlig omhu og kærlighed.
Det arkitektoniske landskab bidrog til adskillelsen af BYLANDSKABET i en separat genre. Mestrene i denne bevægelse, som udviklede sig under indflydelse af teorien om lineært perspektiv, så deres hovedopgave i at konstruere en kompleks, omhyggeligt designet komposition, under hensyntagen til et hovedsynspunkt. Italienske kunstnere fra renæssancen - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna - ydede et stort bidrag til udviklingen af denne genre. Næsten samtidig med det arkitektoniske landskab udviklede sig en anden retning - skildringen af bylandskaber. Tyske, hollandske og franske malere fra det 16.-17. århundrede bragte fra deres rejser adskillige albums med skitser fra naturen. I midten af det 17. århundrede indtog BYLANDSKAB sin position som en selvstændig genre og blev et yndet emne for hollandske kunstnere. Når kunstnere afbildede hjørner af Amsterdam, Delft, Haarlem, søgte kunstnere at kombinere bybygningernes geometriske klarhed med hverdagslige episoder og landskaber. Ægte byudsigter kan findes hos så store hollandske kunstnere fra det 17. århundrede som J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer fra Delft. Et af de mest slående og vellykkede eksempler på BYLANDSKAB i denne periode er "View of the City of Delft" af Vermeer af Delft, som poetisk glorificerede billedet af sin fødeby. I 1700-tallet dannedes en særlig type landskabsgenre, nært beslægtet med BYLANDSKABET - veduta. Veduta, afhængigt af arten af reproduktionen af byområdet, blev opdelt i reel, ideel eller fantastisk. I den ægte vedita afbildede kunstneren flittigt og omhyggeligt virkelige bygninger i et virkeligt landskab; i den ideelle veduta blev rigtige bygninger afbildet omgivet af et fiktivt landskab; den fantastiske veduta var udelukkende forfatterens fantasi. Denne type maleris storhedstid var den venetianske veduta, og lederen af skolen for venetiansk veduta var kunstneren Antonio Canaletto. Under romantikkens æra bevarede kunstnere interessen for at skildre arkæologiske monumenter, antikviteter og gamle templer. I midten af det nittende århundrede vendte landskabsmalere sig til genrescener. CITY SCAPES, der viser udsigter over London, kan findes i graveringerne af den franske kunstner Gustave Doré. En anden fransk kunstner, mester i BYLANDSKABER, Honore Daumier, var også interesseret i udsigter over byen, omend af Paris. Impressionistiske kunstnere åbnede en ny side i BYLANDSKABETs historie. Deres opmærksomhed blev henledt til gadernes mønstre på forskellige tidspunkter af dagen, togstationer, silhuetter og omrids af bygninger. Ønsket om at formidle bylivets rytme, at fange atmosfærens og lysets konstant skiftende tilstand førte impressionisterne til opdagelsen af nye kunstneriske udtryksformer.
Sektionen af malerier dedikeret til BYLANDSKABET præsenterer genstande, der skildrer forskellige byer, arkitektoniske monumenter, gader og vartegn. I dette afsnit finder du udsigt over Moskva, Skt. Petersborg samt Rom og mange andre byer. Vi tilbyder dig at købe varer fra CITY LANDSCAPE sektionen i vores Commission Antique Store. Sektionen BYLANDSKAB bliver konstant opdateret, følg med for nye ankomster.
