Berømte landskaber og deres forfattere. Russiske kunstnere - Landskabsspillere

De første maleriske landskaber fremgår af Rusland i anden halvdel af det 18. århundrede - efter i 1757 arrangeret kejserhimmelen Academy of Arts, arrangeret på en stikprøve af europæiske akademier, hvor der også er en klasse af landskabsmaleri blandt andre genre klasser. Straks efterspørgslen efter "fjernelse af arter" af mindeværdige og arkitektonisk signifikante steder. Classicism - og det er tidspunktet for hans dominans - melodier øjet til opfattelsen af \u200b\u200bkun det faktum, at det forårsager høje foreninger: majestætiske bygninger, mægtige træer, panorama, der ligner en gammel heroisk. Og natur og byled Ledens genre (fra den italienske veduta er udsigten) kaldet billedet af byen med et bestemt punkt for gennemgang. Skal være repræsenteret i perfekt guise - som de burde være.

Udsigt over Gatchina-paladset fra den lange ø. Billede af frø Generrine. 1796 år

Mølle og tårn af pil i Pavlovsk. Billede af frø Generrine. 1792 årSamara Regional Art Museum

Rød plads i Moskva. Billede af Fedor Alekseeva. 1801 årState Tretyakov Gallery.

Udsigt over børsen og admiralitet fra Petropavlovsk fæstningen. Billede af Fedor Alekseeva. 1810 årState Tretyakov Gallery.

Landskaber er skrevet fra naturen, men er definitivt færdiggjort i værkstedet: Rummet er opdelt i tre forsætlige plan, udsigten er oplevet af menneskelige figurer - den såkaldte personale - og Comospositionsordren understøttes af konventionel farve. Så sæd Shchedrin skildrer Gatchina og Pavlovsk, og Fyodor Alekseev - Moskva-kvadrater og Skt. Petersborgs dæmninger; Forresten afsluttede begge deres kunstuddannelse i ITA-Lii.

2. Hvorfor skriver russiske kunstnere italienske landskaber

Følgende fase i udviklingen af \u200b\u200bdet russiske landskab vil blive forbundet i en endnu større grad med Italien - romantisk. At gå der som pensionister, det vil sige en praktikplads efter den vellykkede ende af akademiet, kunstnerne af penens og halvdelen af \u200b\u200bXIX århundrede, som regel, rushing ikke tilbage. Det sydlige klima selv forekommer dem den manglende frihed på hjemlandet, og opmærksomheden på KLI-Mata er ønsket om at skildre det: det specifikke lys og luften af \u200b\u200bden varme frie kant, hvor sommeren altid varer. Dette åbner mulighederne for at mestre behagelige maleri - evnen til at opbygge en farve gamut afhængigt af det virkelige lys og atmosfære. Det tidligere, klassiske landskab krævede heroisk landskab, fokuseret på betydelig, evig. Nu bliver naturen et medium, hvor folk lever. Selvfølgelig indebærer det romantiske-trivke landskab (som enhver anden) også udvælgelsen - kun hvad der virker smukt: kun dette er en anden smuk. Landskaber, der eksisterer uafhængigt af personen, men gunstige for ham - en sådan ide om den "rigtige" natur falder sammen med den italienske virkelighed.

Moonlight Night i Napoli. Billede af Sylvester Shchedrin. 1828 årState Tretyakov Gallery.

Grotto Matromanio på øen Capri. Billede af Sylvester Shchedrin. 1827 årState Tretyakov Gallery.

Vandfald i Tivoli. Billede af Sylvester Shchedrin. Begyndelsen af \u200b\u200b1820'erneState Tretyakov Gallery.

Veranda, markering druer. Billede af Sylvester Shchedrin. 1828 årState Tretyakov Gallery.

Sylvester Shchedrin boede i Italien i 12 år, og i løbet af denne tid formåede at skabe en slags tematisk ordbog af romantiske landskabsmotiver: Moonlit Night, Sea og Grotto, hvorfra havet byder på et kig, vandfald og terrasser. Dens på Rod kombinerer verden og intime, rum og mulighed for at skjule ham i skyggen af \u200b\u200bdrue pergola. Disse pergolaer eller Terra-løb er som indvendige weiglings i uendelig, hvor med udsigt over Napolitan Bay leverer til den velsignede Lamenta Lamentzarina Tramp. De synes at omfatte sammensætningen af \u200b\u200blandskabet - gratis børn af dyreliv. Shchedrin, som det burde være, ændret sine malerier i værkstedet, men hans maleriske måde demonstrerer en romantisk spænding: Den åbne smear sculpts formerne og teksturerne af ting som i tempoet for deres øjeblikkelige forståelse og følelsesmæssigt respons.

Fænomenet af Messias (Kristi fænomen til folket). Billede af Alexander Ivanova. 1837-1857.State Tretyakov Gallery.

Kristusfænomenet til folket. Første skitse. 1834 år

Kristusfænomenet til folket. Skitse, skrevet efter en tur til Venedig. 1839 årState Tretyakov Gallery.

Kristusfænomenet til folket. "Stroganovsky" skitse. 1830s.State Tretyakov Gallery.

Men Alexander Ivanov, den yngre moderne Shchedrin, afslører en anden natur - ikke relateret til menneskelige følelser. I mere end 20 år arbejdede han på maleriet "Messias fænomen", og landskaber, som alle andre, blev skabt i en indirekte forbindelse med hende: Faktisk troede de ofte, at forfatteren som et Etude, men blev udført med billedpleje . På den ene side er disse øde panoramaer af italienske sletter og sumpere (verden, endnu ikke tænkt på kristendommen) på de andre - store planer af naturelementer: en gren, sten i strømmen og endda bare tørt land, også givet panorama, uendelig vandret friseze For eksempel i billedet "jord nær porten til kirken St. Paul i Albano, skrevet i 1840'erne.. Opmærksomhed på detaljerne er fyldt med opmærksomhed på de fangede effekter: hvordan himlen reflekteres i vandet, og buggy jorden fanger reflekserne fra solen, men alt dette nøjagtighed bliver til noget af fundamentet og den evige naturen i dets første grundlæggende. Det antages, at Ivanov brugte Lucid-kameraet - en enhed, der hjælper fragmenteret synlig. Hun brugte sandsynligvis generin med et andet resultat.

3. Hvordan det første russiske landskab dukkede op

For tiden er naturen smuk, og fordi en andens: dens skønhed nægtes. "Russiske italienere" inspirerer ikke koldt Rusland: Dens klima er forbundet med ikke-fri, med udtømning af livet. Men i en anden cirkel er der ingen sådanne foreninger. NikiFor vinger, en elev af Alexei Gavrilovich Venetsianova, der ikke gik ud over faderlandets grænser og langt fra romantisk Maidenoshchuch, vidste sandsynligvis ikke Karl Bryullovs ord om det umulige at skrive sne og vinter ("alt vil blive spildt mælk "). Og i 1827 skabte han det første nazio-nal landskab - bare vinter.

I skole, åben i landsbyen Safofo-in Nu Venetsiano., Venetsianov lærte "Jeg slutter ikke andet end i naturalier, og at adlyde hende en" (på akademiet, tværtimod, blev lært at navigere på prøverne, på en testet og perfekt). Fra den høje kyst af Natura åbnede Naturaa panorama - i det bredere sigt. Panorama rhytmisk klippet, og tallene for mennesker er ikke tabt på pladsen, de beklager. Mange senere er det netop som "Happy People" - en mand, en førende hest, en bonde med en Koro-Cape-skrot - vil finde et par souvenirvægte i maleri, men så langt er de deres første produktion og de er tegnet med en grundighed af nærbillede. Glat lys lys og himmel, blå skygger og gennemsigtige træer repræsenterer verden som idyll, som fokus på fred og den rigtige rækkefølge. Mere akut, denne verdens opfattelse vil blive legemliggjort i landskabet i en anden elev Venetsianova, Grigory Soroki.

En serf kunstner (Venetsian, der var venner med sin "ejer", kunne ikke vælte favoritdiscipel af GRATIS) fyrre - den mest talentrepræsentant for den såkaldte russiske Bidmeyer (kunsten af \u200b\u200bkæledyr af den venetskole). Hele hans liv skrev han ind i ejendomsinteriør og omgivelser, og efter reformen af \u200b\u200b1861 blev en bondeaktivist, for hvilken hun blev udsat for kort anholdelse og måske kropplig straf, og derefter hængte han sig selv. Andre detaljer om hans biografi er ukendte, arbejdet er bevaret.

Hans "fiskere" synes at være det mest "stille" billede i hele bygningen af \u200b\u200brussiske videoer. Og den mest "ligevægt". Alt afspejles i alt og med alle rimmer: søen, himlen, bygninger og træer, skygger og blænding, folk i domæne hvide tøj-dah. Opdateret i vandet forårsager padlen ikke en burst eller endda bale på vandstroit. Pearl nuancer i lærred hvidhed og mørk grønt gør farve til lys - muligvis udbening, men i større grad af afsendt, paradis: i spildt rolig skinne. Det ser ud til at fange fisk indebærer handlingen, men det er ikke: Den reelle figur er ikke lavet i rumgenerelementet. Og disse tal selv i bondehavne og skjorter ser ikke bønder, men tegnene i den episke legende eller sang. Et konkret landskab med en sø i landsbyen Salva bliver til et ideelt billede af naturen, stille og lidt drøm.

4. Hvordan løser russisk landskab det russiske liv

Maleriet af Venetsianoventer på det generelle område af russisk kunst besatte et beskedent sted og ikke kom ind i mainstream. Op til begyndelsen af \u200b\u200b1870'erne udviklede landskabet i overensstemmelse med den romantiske tradition, øgede effekter og pomp; Det blev domineret af de italienske monumenter og ruiner, de typer af havet ved solnedgang og månens nætter (sådanne landskaber kan findes, for eksempel på Aivazov og senere - i Quenji). Og ved 1860-70'erne er der et skarpt lam. For det første er det forbundet med adgang til det indenlandske natur, og for det andet, med det faktum, at denne art er erklæringsvis blottet for alle tegn på nyhedsskønhed. I 1871 skrev Fyodor Vasilyev en "optøning", som Paul Mikhailovich Tretyakov straks erhvervet til indsamlingen; I samme år viste Alexei Savrasov sin førstnævnte udstilling af hans grundsatte "stænger" (så blev billedet kaldt "Her er ankomsten af \u200b\u200bGracchi").

Og i "Thaw", og i "Gracha" er årstiden ikke bestemt: ikke længere vinter, endnu ikke forår. Kritikeren af \u200b\u200bStasov blev beundret af Savrasov "vinterhøring", de andre tilskuere "hørte" bare forår. Transitional, den oscillerende tilstand af naturen gav mulighed for at mætte maleri med tynde atmosfæriske reflekser, gøre det dynamisk. Men ellers er disse landskaber om forskellige.

Vasilyeva Rasputly Conceptual - projiceres på et moderne socialt liv: samme tidløshed, kedelig og håbløs. Al den indenlandske litteratur fra de revolutionerende-demokratiske skrifter af Vasily Blind-Tsov til Nikolai Leskovs anti-narkotikakel (navnet på en af \u200b\u200bdisse romaner - "ingen steder" - kunne blive navnet på billedet), fastsættelsen- Aksel i umuligheden af \u200b\u200bstien - den døde situation, hvor mand og dreng og dreng går tabt i landskabet. Ja, og i landementet? Rummet er berøvet landskabskoordinater, bortset fra de dårligt snedækkede hytter, woody affald, strammet i slush og moss-sømme træer på floden - paraply. Det er panoramaudsigt, men knust med grå himmel, fortjener ikke-voury lys og farver, - rum, hvor der ikke er nogen ordre. Andet fra Savrasov. Han syntes at understrege proziasismen af \u200b\u200bmotivet: Kirken, der kunne blive objektet "Vindiusi", gav vej til den ydre kurve, Norzdreva, sne og pytter af smeltevand. "Russisk" betyder "fattige", ikke-komposit: "Scarce Nature", som Tyutchev. Men den samme Tyutchev, der har vred "kanten af \u200b\u200bhans indfødte lange lider-pinya," skrev: "Jeg vil ikke forstå og ikke bemærke / stolt ekstrucementary, / som sniger sig og hemmeligt skinner / i højden af \u200b\u200bdin ydmyge" - og i "gracches" er dette hemmelige lys. Himlen tager halvt lærredet, og herfra går til jorden ret romantisk "himmelsk bjælke", der belyser templets mur, hegnet, dammen, - det markerer de første trin i foråret og giver et landskab af hans følelsesmæssige-lyriske farve. Vasilyeva lover imidlertid en optøning om foråret, og denne skygge af mening er også mulig her, hvis det ønskes at se - eller læse her.

5. Hvordan udviklede den russiske landskabskole

Transporterer. Billede af Alexey Savrasova. 1873 årState Tretyakov Gallery.

Aften. Flyvning af fugle. Billede af Alexey Savrasova. 1874.Odea Kunstmuseum

Savrasov er en af \u200b\u200bde bedste russiske colorister og en af \u200b\u200bde mest "flersprogede": han vil være i stand til at skrive intens og festlig farve vej snavs ("caps") eller bygge den tyndeste minimalistiske harmoni i Lands-akslen, der kun består af jorden og himmel ("aften. Fly af fugle"). Forføjning af Moskva-skolen af \u200b\u200bmaleri, skræmmende og arkitektur, han påvirket mange; Hans virtuoso og åben billedmæssige måde fortsætter med at fortsætte i Les Nova og Levitan, og motiverne vil reagere fra Serov, en ko og endda fra Shishkin (store egetræer). Men bare Shishkin belyser en anden ideologi af ødem-St-Vest-landskabet. Dette er en ide om Hertie (lidt konklusion) om den højtidelige storhed, styrke og herlighed af den "nationale" og "folkemusik". I form af patriot patos: mægtige fyrretræer, det samme på ethvert tidspunkt på året (den fangede variabilitet var Shishkina Decisively Alien, og han foretrak at skrive nåletræer), samles i skovets sæt og urter, udledt med al grundighed, også danner mange lignende urter, uden at forestille sig en botanisk mangfoldighed. Det er karakteristisk, at for eksempel i maleriet "Rye", falder træerne i ryggen, falder i størrelsen af \u200b\u200bdet lineære perspektiv, ikke mister rapporteringen af \u200b\u200bkonturerne, hvilket ville være uundgåeligt, når de tager hensyn til udsigterne For luft, men kunstneren er vigtig formernes ukrænkelighed. Det er ikke overraskende, at hans første forsøg på at skildre det lettehjerte miljø i maleriet "morgen i en fyrreskov" (skrevet i sammenbrud med Konstantin Savitsky - Hendes børste) forårsagede en avis epigram: "Ivan Ivanch, er det du? Hvad, far, tåge bange. "

Rug. Billede af Ivan Shishkin. 1878 årState Tretyakov Gallery.

Morgen i en fyrreskov. Billede af Ivan Shishkin og Konstantin Savitsky. 1889 årState Tretyakov Gallery.

Shishkin havde ingen tilhængere, og generelt blev den russiske anlagte skole udviklet relativt set ifølge Savrasov-linjen. Det vil sige at opleve internettet til atmosfærisk dynamik og dyrke et edes friskhed og åbent brev af brevet. Det blev også overlejret af impressionisme, næsten universel i 1890'erne, og generelt er tørst efter religiøsitet i det mindste frihed og børster. For eksempel er Polenova - og ikke i en ting - forskellen mellem Etude og billedet næsten fraværende. Savrasovs disciple og derefter Levitan, der erstattede Savrasov i ledelsen af \u200b\u200bMoskvaskolens anlagte klasse, reagerede Impres-̇skesky akut på de øjeblikkelige naturlandene, for tilfældigt lys og vejrskibsændring - og denne skarphed og reaktion. Prisen blev udtrykt i opdagelsen af \u200b\u200bteknikker, i hvordan gennem motivet og oven på motivet, processen med at skabe et billede og kunstnerens vilje, vælger de eller andre ekspressive agenter. Landskabet ophørte med at være et helt objekt, og forfatterens identitet hævdede at godkende sin uafhængige position - hidtil i ligevægt med arter. Markér denne position i fuldstændigheden skulle efterlades Levitan.

6. Hvordan sluttede landskabet århundrede

Isaac Levitan betragtes som skaberen af \u200b\u200b"sceneri af humør", det vil sige kunstneren, som stort set projekterer sine egne følelser i naturen. Og den faktiske, i Levitans værker spilles denne grad af høj og rækkevidde af følelser i hele tastaturet, fra stille sorg til triumfayet.

Lukningshistorien om det russiske landskab i XIX århundrede, Levitan synes at syntetisere alle hendes bevægelser og afsløre dem med alt særskilt. I hans maleri kan du mødes og virtuosoly skrevne hurtige skitser og episke panammer. Han ejes ligeledes som en indtrykstadsteknik til at modellere volumenet ved individuelle farvestrøg (undertiden præ-afvisning i brøkdelen af \u200b\u200bden faktum-tu-ry impressionist, "NORM)" og postmipares-sio-niche-metoden af \u200b\u200bpasty farverig murværk brede lag. Jeg vidste, hvordan man kunne se kammervinkler, intim natur - men jeg fandt en kærlighed til åbne pro-wanders (måske hukommelsen om en sedimentering linje blev kompenseret for - den ydmygende sandsynlighed for at uddanne sig fra Moskva med en ladomoclo-et sværd hængt over kunstner og på tidspunktet for berømmelse, tvinger ham to gange selvflækker fra byen).

Aftenopkald, aftenklokke. Billede af Isaac Levitan. 1892 årState Tretyakov Gallery.

"Daloy-arter" kunne forbinde, som med en patriotisk malet følelse af Razdolia ("Frisk Wind. Volga"), og udtrykke den garanterede længsel - som i billedet "Vladimirka", hvor den dramatiske hukommelse af stedet (i denne overbevisende kanal blev ført til, at Sibirien Konvoy) læses uden en ekstra fornyelse af entourage i billedet af vejen, nedbør eller regn, under en dyster himmel. Og endelig en slags opdagelse af Levitan - Landskabelegener af Philo-Cofic Sense, hvor naturen bliver en grund til at tænke på kredsen af \u200b\u200bvæsen og om genoprettelsen af \u200b\u200buopnåelig harmoni: "stille bolig", "over den evige region" , "Aften".

Sandsynligvis det sidste billede, "Lake. Rusland, "kunne tilhøre denne række. Hun blev opfattet som et holistisk billede af den russiske natur Levitan ønskede at ringe til hendes "rus", men forblev ved en mere neutral version; Det dobbelte navn ankom senere.Det forblev imidlertid ufærdigt. Det kan derfor være en del, det viste sig at være en fælles position i den.

Vi kan ikke vide, i den endelige version, denne romantiske skaya dannelse af farve og børsteomfang. Men denne mellemstat er syntese på et billede. Epic panorama, evige og uudslettelige naturlige data, men inde i det er alt i bevægelse - skyer, vind, krusninger, skygger og refleksioner. Bredt smears fastgøres ikke, men bliver ved at blive skiftende - som om at forsøge at have tid. På den ene side, følelsen af \u200b\u200bsommeren Heyday, et højtideligt større rør, på den anden side - livets intensitet, klar til forandring. Sommeren 1900; Det nye århundrede kommer, hvor landskabsmaleriet - og ikke kun landskab - vil se helt anderledes ud.

Kilder.

• Bohemian K. Historie af genrer. Landskab.
• FEDOROV-DAVYDOV A. A. Russisk landskab i XVIII - tidligt XX århundrede.

Hvis du tror, \u200b\u200bat alle de store kunstnere forblev i fortiden, så kan du ikke engang forestille dig, hvor meget du tager fejl. I denne artikel vil du lære om de mest berømte og talentfulde kunstnere i vores tid. Og tro mig, deres arbejde vil være i din hukommelse, ikke mindre dybt end Maestroens arbejde fra de tidligere ERA'er.

Wojciech Babski.

Wojca Babski er en moderne polsk kunstner. Han tog eksamen fra at studere på det Silesian Polytechnic Institute, men også relateret til. For nylig trækker, for det meste kvinder. Fokus på manifestationen af \u200b\u200bfølelser, søger at få så meget effekt som muligt med enkle midler.

Elsker farve, men bruger ofte nuancer af sort og grå for at opnå det bedste indtryk. Det er ikke bange for at eksperimentere med forskellige nye teknikere. For nylig, i stigende grad at få popularitet i udlandet, hovedsagelig i Storbritannien, hvor med succes sælger sine værker, som allerede kan findes i mange private samlinger. Udover kunst er det interesseret i kosmologi og filosofi. Lytter til jazz. For øjeblikket bor og arbejder i byen Katowice.

Warren Chang.

Warren Chang er en moderne amerikansk kunstner. Født i 1957 og voksede op i Monteree, Californien, med æresbevisninger, der blev uddannet fra College of Design Art Center i Pasaden i 1981, hvor han modtog en bachelorgrad i fine kunst i området. I løbet af de næste to årtier arbejdede han som illustrator til forskellige virksomheder i Californien og New York, før i 2009 for at starte en karriere af en professionel kunstner.

Dens realistiske malerier kan opdeles i to hovedkategorier: Biografiske indvendige billeder og malerier, der skildrer arbejdende mennesker. Hans interesse på en sådan form for maleri går sine rødder til kunstneren af \u200b\u200bden 16. århundrede kunstner Jan Vermeer, og gælder for genstande, selvportrætter, portrætter af familiemedlemmer, venner, studerende, studiointeriører, klasse og huse. Hans mål er at skabe humør og følelser i deres realistiske malerier ved hjælp af manipulation af lys og brug af dæmpede farver.

Chang blev kendt efter overgangen til traditionel billedkunst. I løbet af de sidste 12 år tjente han mange priser og honorære titler, den mest prestigefyldte af dem - Master Signature fra Association of Artists af America Oil, de største oliekunstnere samfund i USA. Kun én person ud af 50, modtager mulighed for at få denne pris. I øjeblikket bor Warren i Monteree og arbejder i sit Studio, han underviser også (kendt som en talentfuld lærer) på Academy of Arts San Francisco.

Aurelio Bruni.

Aurelio Bruni er en italiensk kunstner. Bored i byen Bler, 15. oktober 1955. Han modtog et eksamensbevis i specialbanen i Institute of Art i Spoleto. Som kunstner er han selvlært, da han "rejste videnhuset" på fundamentet i skolen. Tegn olie begyndte i en alder af 19 år. For øjeblikket bor og arbejder i Umbrien.

Det tidlige maleri af Bruni går sine rødder i surrealisme, men over tid begynder han at fokusere på nærheden af \u200b\u200blyrisk romantik og symbolik, styrkelse af denne kombination af udsøgt forfining og renheden af \u200b\u200bhans tegn. Animate og livløse genstande erhverver samme værdighed og udseende, næsten hyperely, men samtidig gem ikke bag gardinet, men lad dig se essensen af \u200b\u200bdin sjæl. Multi-facetteret og sofistikeret, sensualitet og ensomhed, tankevækkelse og frugtbarhed er ånden i Aurelio Bruni, der fodrer storheden af \u200b\u200bkunst og harmoni af musik.

Alekasander Balos.

Alkasander Balos er en moderne polsk kunstner, der specialiserer sig i olieområdet. 1970 blev født i Gliwice, Polen, men siden 1989 bor han og arbejder i USA, i byen Shasta, Californien.

Som barn studerede han kunst under ledelse af sin far Yana, selvlærte og billedhuggerkunstner, derfor fra en tidlig alder, den kunstneriske aktivitet modtog fuld støtte fra begge forældre. I 1989 forlod Balos i en alder af atten Polen i USA, hvor hans skolelærer og deltidskunstner Katie Gaggliadi bad Alkassandra til at komme ind i en kunstskole. Derefter modtog Balos et komplet universitets stipendium i Milwaukee Wisconsin, hvor han studerede maleri på professor Harry Rosina filosofi.

Efter afslutning af studier i 1995 og graden af \u200b\u200bBacheloring Balos flyttede til Chicago for at tilmelde sig i skolen på Kunstskolen, hvis metoder er baseret på Jacques-Louis Davids arbejde. Figurativ realisme og portrætmaleri udgjorde de fleste af Balos værker i 90'erne og begyndelsen af \u200b\u200b2000'erne. I dag bruger Balos en menneskelig figur for at understrege funktionerne og vise menneskets mangler uden at foreslå, mens der ikke er beslutninger.

Plotkompositionerne af hans malerier er beregnet til selvstændigt at fortolket af seeren, kun da lærredet vil erhverve deres sande midlertidige og subjektive betydning. I 2005 flyttede kunstneren til det nordlige Californien, da emnet for hans arbejde er betydeligt udvidet og nu omfatter flere frie malemetoder, herunder abstraktion og forskellige multimediestilarter, der hjælper med at udtrykke ideer og idealer om at være gennem maleri.

Alyssa munke.

Alissa Monsx er en moderne amerikansk kunstner. Født i 1977, i Ridgewood, New Jersey. Begyndte at være interesseret i at male, da hun stadig var et barn. Han studerede på den nye skole i New York og Monkler State University, og graduerede fra Boston College i 1999 modtog en bachelorgrad. Samtidig studerede hun maleri på Academy Lorenzo Medici i Firenze.

Derefter fortsatte han med at studere programmet til kandidatuddannelsen i New York Academy of Art, ved Institut for Figurativ kunst, blev uddannet fra 2001. I 2006 blev hun uddannet fra Fullerton College. I nogen tid forelagde jeg på universiteter og uddannelsesinstitutioner over hele landet, lærte maleri i Kunstakademiet, samt Monklers State University og College of the Laima Academy of Arts.

"Brug af filtre, såsom glas, vinyl, vand og damp, fordrejer jeg menneskekroppen. Disse filtre gør det muligt at skabe store områder af abstrakt design, med øjenvipperfarvede øer gennem dem - dele af menneskekroppen.

Mine malerier ændrer et moderne udseende på de allerede etablerede, traditionelle poser og gestus af svømning kvinder. De kunne fortælle meget til den opmærksomme seer om sådan, det synes selvfølgelig, såvel som brugen af \u200b\u200bsvømning, dans og så videre. Mine tegn presses mod glasvinduet i brusehabinen, fordreje sin egen krop og indse, at der dermed påvirker det berygtede mandlige kig på den nøgne kvinde. Tykke lag af maling blandes, så fra at efterligne glas, par, vand og kød. Imidlertid bliver de fantastiske fysiske egenskaber af olie maling åbenbar. Eksperimenterer med lag af maling og farve finder jeg det øjeblik, hvor abstrakte streger bliver noget andet.

Da jeg lige begyndte at tegne en menneskekrop, blev jeg straks fascineret og blev endda besat og troede, at jeg var nødt til at gøre mine malerier så realistiske som muligt. Jeg "tilstod" realisme, indtil han begyndte at rive og åbne modsætninger i sig selv. Nu undersøger jeg mulighederne og potentialet på brevvejen, hvor der er repræsentativt maleri og abstraktion - hvis begge stilarter kan sameksistere på samme tid, vil jeg gøre det. "

Antonio Finelli.

Italiensk kunstner - " Observatør af tid"- Antonio Finelli blev født den 23. februar 1985. For øjeblikket bor og arbejder i Italien mellem Rom og Campobasso. Hans værker blev udstillet i flere gallerier i Italien og i udlandet: Rom, Firenze, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, kan også findes i private og statslige samlinger.

Pencil tegninger " Tid observatør."Antonio Phinelli sender os til en evig rejse gennem den menneskelige skabelons indre verden og er forbundet med en omhyggelig analyse af denne verden, hvis hovedelement skal passere gennem tiden og sporene på dem.

Finelli skriver portrætter af mennesker af enhver alder, køn og nationalitet, hvis personer vidner om at passere gennem tiden, håber kunstneren at finde bevis for tid på tidspunktet på deres karakters legeme. Antonio bestemmer sine værker efter et fælles navn: "Selvportræt", fordi han i hans blyant tegninger ikke blot skildrer en person, men giver seeren mulighed for at overveje de reelle resultater af tiden i en person.

Flaminia Carloni.

Flaming Karloni er en italiensk kunstner 37, datter af en diplomat. Hun har tre børn. Tolv år boede i Rom, tre år i England og Frankrig. Modtaget et eksamensbevis inden for kunsthistorie på Kunsthusskolen. Derefter modtog han et eksamensbevis i specialstogtværkerne. Før du finder din kald og helt afsætte dig selv til maling, arbejdede hun som journalist, colorist, designer, skuespillerinde.

Lidenskaben for maleri i flammende er opstået i barndommen. Hovedmiljøet er olie, fordi hun elsker "coiffer la pate" og også lege med materialet. Lignende udstyr, hun lærte i kunstneren Pascal Torya. Flaming er inspireret af store mester af maleri, såsom Baltuse, Hopper og Francois Legran, samt forskellige kunstneriske bevægelser: gadekunst, kinesisk realisme, surrealisme og realisering af renæssancen. Hendes yndlings kunstner caravaggio. Hendes drøm om at åbne den terapeutiske kraft af kunst.

Denis Chernov.

Denis Chernov er en talentfuld ukrainsk kunstner, født i 1978 i Sambor, Lviv-regionen, Ukraine. Efter slutningen af \u200b\u200bKharkov-kunstskolen i 1998 forblev han i Kharkov, hvor han i øjeblikket bor og arbejder. Han studerede også på Kharkiv State Academy of Design and Arts, Department of Diagram, blev uddannet fra det i 2004.

Det deltager regelmæssigt i kunstudstillinger, i det øjeblik de fandt sted mere end tres, både i Ukraine og i udlandet. De fleste af Deis Chernovs værker opbevares i private samlinger i Ukraine, Rusland, Italien, England, Spanien, Grækenland, Frankrig, USA, Canada og Japan. Nogle værker blev solgt til Christis.

Denis arbejder i en bred vifte af grafiske og naturskønne teknikker. Malerier med en blyant - en af \u200b\u200bde mest elskede metoder til maleri, listen over emner af hans blyant tegninger er også meget forskelligartet, han skriver landskaber, portrætter, nøgne, genre kompositioner, bøger illustrationer, litterær og historisk genopbygning og fantasi.

Russisk skov i malerierne af russiske kunstnere

"Jeg håber, at tiden kommer, når hele den russiske natur

live og inspireret, tag et kig fra lærredet af russiske kunstnere "(I.I. Loshkin)

Ruslands natur er forskelligartet og unik. Hendes skønhed smeltede i sine vers vidunderlige russiske digtere: Zhukovsky V.A., Pushkin A.S., TYUCTEV F.I., FET A.A., Nekrasov N.A., Nikitin I.S. Andet. Og efter at vi så den russiske natur i kunstnere af kunstnere - Landskabs spillere: I.Shishkin, A.Kyujji, I. Oostrohov, I. Levitan, V. Polenov, Myalasoyedov, A. Gerasimov, A.Saversov, V.Nikonov og Mange andre maler.

Ibillederne af russiske kunstnere vi ser, hvordan naturlandskaber sender det subtile usynlige ansigt, der adskiller os fra hende. Naturen i maleri afspejler den verden, hvor ikke en person domineres af naturen, men naturen over den. Verden, hvor malingerne forværrer følelserne af enhed med naturen. Årstider i at male et særligt emne i landskabet af malerier af russiske kunstnere, fordi intet berører som sensative som forandring af naturens udseende på årstidspunktet. Sammen med sæsonen ændres naturens humør, hvilket med lethed af børsteartisten overfører malerier i maleri.