middelalderlige musikere. Manuskript af det XIII århundrede Musik af middelalderen periode med udvikling af musikalsk kultur, der dækker perioden fra omkring 5 til XIV århundrede e.Kr. ... Wikipedia

Indeholder en række levende og historiske genrer af folkemusik, populærmusik, pop og klassisk musik. Indisk klassisk musik repræsenteret af traditionerne fra Karnataka og Hindustani går tilbage til Sama Veda og beskrives som kompleks og varieret ... Wikipedia

En gruppe musikere i Montmartre Fransk musik er en af ​​de mest interessante og indflydelsesrige europæiske musikkulturer, med sin oprindelse i ... Wikipedia

Indhold 1 Folkemusik 2 Klassisk musik, opera og ballet 3 Populær musik ... Wikipedia

Denne artikel handler om musikalsk stil. Om gruppen af ​​filosofiske synspunkter, se artiklen New Age Se også kategorien: New Age Music New Age (new age) Retning: Elektronisk musik Oprindelse: jazz, etnicitet, minimalisme, klassisk musik, specifik musik ... Wikipedia

I Music (af græsk musike, bogstaveligt talt musernes kunst) er en kunstform, der afspejler virkeligheden og påvirker en person gennem meningsfulde og særligt organiserede lydsekvenser, der hovedsageligt består af toner ... ... Stor sovjetisk encyklopædi

- (græsk moysikn, fra mousa muse) en slags kunst, der afspejler virkeligheden og påvirker en person gennem meningsfulde og særligt organiserede i tonehøjde og tidslydsekvenser, der hovedsageligt består af toner ... Musikalsk encyklopædi

En række artikler om kroater ... Wikipedia

Belgisk musik henter sin oprindelse fra flamlændernes musiktraditioner, der beboede den nordlige del af landet, og traditionerne fra vallonerne, der boede i syd og var påvirket af franske traditioner. Dannelsen af ​​belgisk musik fandt sted i komplekse historiske ... ... Wikipedia

Bøger

• Illustreret kunsthistorie. Arkitektur, skulptur, maleri, musik, V. Lubke. Livstidsudgave. Sankt Petersborg, 1884. Udgivet af A.S. Suvorin. Udgave med 134 figurer. Ejerbetræk med læderryg og hjørner. Bandage rygrad. Bevaringen er god....
• Illustreret kunsthistorie. Arkitektur, skulptur, maleri, musik (til skoler, selvstudium og information), Lubke. Livsvarig udgave. Sankt Petersborg, 1884. Udgivet af A.S. Suvorin. Bog med 134 tegninger. Typografisk omslag. Bevaringen er god. Små rifter på omslaget. Rigt illustreret...

Genoplivning.

Tidlig barokmusik (1600-1654)

Moden barokmusik (1654-1707)

Musik fra senbarok (1707-1760)

Fornuften hersker også i kunsten. I et ønske om at understrege kunstens høje formål, dens sociale og borgerlige rolle, skrev den franske filosof og pædagog Denis Diderot: "Hvert skulptur- eller malerværk skal udtrykke en eller anden stor leveregel, skal undervise."

Teatret var på samme tid en lærebog om livet, og livet selv. Desuden er handlingen i teatret højordnet og afmålt; den er opdelt i handlinger og scener, som igen er opdelt i separate replikaer af karakterer, hvilket skaber det kunstideal, der er så kært til det 18. århundrede, hvor alt er på sin plads og er underlagt logiske love.
Klassicismens musik er ekstremt teatralsk; den ser ud til at kopiere teaterkunsten og efterligne den.
Opdelingen af ​​en klassisk sonate og en symfoni i store sektioner - dele, hvor der hver især finder mange musikalske "begivenheder" sted, svarer til at opdele en forestilling i handlinger og scener.
I den klassiske tids musik antydes ofte et plot, en slags handling, der udspiller sig foran publikum på samme måde som en teatralsk handling udspiller sig foran publikum.
Lytteren behøver kun at tænde for fantasien og genkende i "musikkjolen" karaktererne i en klassisk komedie eller tragedie.
Teaterkunsten er også med til at forklare de store ændringer i musikudførelsen, der fandt sted i det 18. århundrede. Tidligere var det vigtigste sted, hvor musikken lød, et tempel: i det var en person under, i et stort rum, hvor musik syntes at hjælpe ham med at se op og hellige sine tanker til Gud. Nu, i det 18. århundrede, spilles der musik i den aristokratiske salon, i balsalen på en adelig ejendom eller på byens torv. Lytteren fra oplysningstiden ser ud til at beskæftige sig med musikken "på dig" og oplever ikke længere den glæde og frygtsomhed, som hun inspirerede ham, da hun lød i templet.
Orgelets kraftfulde, højtidelige klang er ikke længere i musikken, korets rolle er blevet mindre. Musik af den klassiske stil lyder let, den har meget færre lyde, som om den "vejer mindre" end fortidens tunge, flerlagede musik. Klangen af ​​orglet og koret blev erstattet af lyden af ​​et symfoniorkester; sublime arier gav plads til let, rytmisk og dansbar musik.
Takket være den grænseløse tro på det menneskelige sinds muligheder og videns magt begyndte det 18. århundrede at blive kaldt fornuftens tidsalder eller oplysningstiden.
Klassicismens storhedstid kommer i 80'erne af det attende århundrede. I 1781 skabte J. Haydn adskillige nyskabende værker, herunder hans Strygekvartet, op. 33; premieren på operaen af ​​V.A. Mozarts Bortførelsen fra Seraglio; F. Schillers dramaer "Røverne" og "Kritik af den rene fornuft" af I. Kant udkom.

De lyseste repræsentanter for den klassiske periode er komponisterne fra Wiens klassiske skole Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart og Ludwig van Beethoven... Deres kunst beundrer perfektionen af ​​komponeringsteknikken, den humanistiske orientering af kreativitet og ønsket, især håndgribeligt i W.A.Mozarts musik, om at vise perfekt skønhed ved hjælp af musik.

Selve konceptet med Wiener Klassiske Skole opstod kort efter L. Beethovens død. Klassisk kunst er kendetegnet ved en hårfin balance mellem følelser og fornuft, form og indhold. Renæssancemusik afspejlede sin tids ånd og ånde; i barokken blev menneskelige tilstande genstand for fremvisning i musikken; musikken fra klassicismens æra glorificerer en persons handlinger og gerninger, de følelser og følelser, han oplever, et opmærksomt og holistisk menneskeligt sind.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
En tysk komponist, der ofte anses for at være den største skaber gennem tiderne.
Hans arbejde hører til både klassicismen og romantikken.
I modsætning til sin forgænger Mozart havde Beethoven svært ved at komponere. Beethovens notesbøger viser, hvordan en storladen komposition trin for trin, trin for trin opstår ud fra usikre skitser, præget af en overbevisende konstruktionslogik og sjælden skønhed. Det er logikken, der er hovedkilden til Beethovens storhed, hans uforlignelige evne til at organisere kontrasterende elementer til en monolitisk helhed. Beethoven sletter traditionelle cæsurer mellem formafsnit, undgår symmetri, smelter dele af cyklussen sammen, udvikler udvidede konstruktioner ud fra tematiske og rytmiske motiver, som ved første øjekast ikke rummer noget interessant. Med andre ord skaber Beethoven musikalsk rum med kraften i sit sind, sin egen vilje. Han forudså og skabte de kunstneriske tendenser, der blev afgørende for det 19. århundredes musikkunst.

Romantikken.
dækker betinget 1800-1910
Romantiske komponister forsøgte at udtrykke dybden og rigdommen i en persons indre verden ved hjælp af musikalske midler. Musikken bliver mere levende, individuel. Sanggenrer, herunder ballader, er under udvikling.
De vigtigste repræsentanter for romantikken i musik er:Østrig - Franz Schubert ; i Tyskland - Ernest Theodor Hoffmann, Karl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; v
etc.................

Under den tidlige middelalders forhold er al musikkultur reduceret til to hoved "komponenter". På en af ​​dens poler er der professionel liturgisk musik legaliseret af kirken, i princippet ens for alle folkeslag, der har antaget kristendommen (sprogets enhed er latin, sangens enhed er den gregorianske sang). På den anden side er der folkemusik forfulgt af kirken på forskellige lokale sprog, forbundet med folkelivet, med omvandrende musikeres aktiviteter.

Trods den absolutte ulighed i kræfterne (i form af støtte fra staten, materielle forhold osv.) udviklede folkemusikken sig intensivt og trængte endda delvist ind i kirken i form af forskellige indsættelser i den kanoniserede gregorianske sang. Blandt dem for eksempel stier og sekvenser skabt af begavede musikere.

Stier - det er tekst og musikalske tilføjelser indsat i midten af ​​koralen. En slags spor er en sekvens. middelalderligsekvenser - det er implikationerne af komplekse vokaliseringer. En af grundene til deres forekomst var den betydelige vanskelighed med at huske lange melodier, der blev sunget på én vokal. Med tiden begyndte sekvenserne at være baseret på folkemelodier.

En munk er navngivet blandt forfatterne til de første sekvenserNotker tilnavnet Zaika fra klostret St. Gallen (i Schweiz, nær Bodensøen). Notker (840-912) varkomponist, digter, musikteoretiker, historiker, teolog. Han underviste på klosterskolen og nød trods sin stammen ry som en fremragende lærer. Til sine sekvenser brugte Notker delvist kendte melodier, delvist komponerede selv.

Ved et dekret fra koncilet i Trent (1545-63) blev næsten alle sekvenser bortvist fra gudstjenester, med undtagelse af fire. Blandt dem er den mest berømte sekvensendør irae ("Vredens dag"), der fortæller om dommens dag ... Senere blev den femte sekvens optaget i den katolske kirkebrug,Stabat mater ("Der var en sørgende mor").

Den verdslige kunsts ånd blev bragt i kirkebrug ogsalmer - åndelige sange, tæt på folkeviser på en poetisk tekst.

Fra slutningen XIårhundrede indgår nye former for kreativitet og musikfremstilling forbundet med ridderkulturen i Vesteuropas musikliv. Riddersangerne lagde i det væsentlige grunden til verdslig musik. Deres kunst kom i kontakt med den folkemusikalske tradition (brugen af ​​folkesangsintonationer, praksis med samarbejde med folkemusikere). I en række tilfælde valgte trubadourerne formentlig almindelige folkemelodier til deres tekster.

Den største bedrift af middelalderens musikkultur var fødslen af ​​en professionel europæerpolyfoni ... Dens begyndelse refererer tilIXårhundrede, hvor den unisone opførelse af den gregorianske sang nogle gange blev erstattet af en tostemmig. Den tidligste type tostemmighed var parallelorganum , hvor den gregorianske melodi blev eftersynkroniseret i oktav, fjerde eller femte. Så dukkede et ikke-parallelt organum op med en indirekte (når kun én stemme bevægede sig) og modsat bevægelse. Gradvist blev stemmen, der akkompagnerede den gregorianske sang, mere og mere selvstændig. Denne stil af to-delt kaldesdiskant (oversat som "synge fra hinanden").

For første gang begyndte sådanne organer at skriveLeonin , den første berømte polyfonist komponist (XIIårhundrede). Han tjente som regent ved den berømte Notre Dame-katedral, hvor en stor polyfonisk skole blev dannet.

Leonins arbejde var forbundet medars antiqua (ars antiqua, som betyder "gammel kunst"). Dette navn blev givet til kultpolyfonienXII- XIIIårhundreder, musikere fra den tidlige renæssance, der modsatte sig detars nova ("Ny kunst").

I begyndelsen XIIIårhundreder af Leonins tradition fortsattePerotin , ved navn af den store. Han komponerede ikke længere tostemmigt, men 3 x og 4 x - stemmeorganer. Perotins øvre stemmer danner nogle gange en kontrasterende tostemmighed, nogle gange bruger han dygtigt efterligning.

Under Perotins tid blev der også dannet en ny type polyfoni -ledning , hvis grundlag ikke længere var den gregorianske sang, men en populær hverdagsmelodi eller frit komponeret melodi.

En endnu dristigere polyfonisk form varmotet - en kombination af melodier med forskellige rytmer og forskellige tekster, ofte endda på forskellige sprog. Motet var den første musikalske genre lige så udbredt i kirken og i retslivet.

Udviklingen af ​​polyfoni, en afvigelse fra den samtidige udtale af hver stavelse i teksten i alle stemmer (i motetter), krævede en forbedring af notationen, den præcise betegnelse af varigheden. Kommer til synemensural notation (fra latin mensura - mål; bogstaveligt talt - målt notation), hvilket gjorde det muligt at fastsætte både tonehøjden og den relative varighed af lyde.

Sideløbende med udviklingen af ​​polyfonien var der en tilblivelsesprocesmasser - et polyfonisk cyklisk værk om teksten til den katolske kirkes vigtigste gudstjeneste. Messens ritual tog form gennem mange århundreder. Den fik først sin endelige form vedXIve-ku. Som en integreret musikalsk komposition tog messen form endnu senere, iXIVårhundrede og blev den førende musikalske genre i renæssancen.

Siden XII århundrede. i kunsten afspejles den antitese, der er karakteristisk for middelalderens æstetik, når den hellige musik - den "nye sang" står i modsætning til den "gamle", det vil sige hedensk musik. Samtidig var instrumentalmusik i både vestlige og østlige kristne traditioner kendt for at være mindre værdig end sang.

"Maastrichts timebog", Maastricht-ritual. Første fjerdedel af det 14. århundrede. Holland, Liège. British Library. Stowe MS 17, f.160r / Detalje af en miniature fra Maastricht Hours, Holland (Liège), 1. kvartal af det 14. århundrede, Stowe MS 17, f.160r.

Musik er uadskilleligt fra højtiden. Vandrende skuespillere er forbundet med ferier i middelaldersamfundet - professionelle forlystere og underholdere. Folk af dette håndværk, der vandt populær kærlighed, blev kaldt anderledes i skrevne monumenter. Kirkeforfattere brugte traditionelt de klassiske romerske navne: mime / mimus, pantomim / pantomimus, histrion / histrio. Det latinske udtryk joculator var generelt accepteret - joker, morskab, joker. Repræsentanterne for forlystelsesklassen blev kaldt dansere / saltator; gøglere / balatro, scurra; musikere / musicus. Musikere var kendetegnet ved typer af instrumenter: citharista, cymbalista osv. Det franske navn "jonglør" / jongleur var især udbredt; i Spanien svarede ordet "huglar" / junglar til det; i Tyskland - "spielman" / Spielmann, i Rusland - "buffoon". Alle disse navne er praktisk talt synonymer.

Om middelaldermusikere og musik – kort og fragmentarisk.

2.

Maastrichts timebog, BL Stowe MS 17, f.269v

Illustrationerne er fra et hollandsk manuskript fra den første fjerdedel af det 14. århundrede, British Librarys "Maastricht Book of Hours". Billeder af marginale grænser gør det muligt at bedømme musikinstrumenternes struktur og musikkens plads i livet.

Siden det 13. århundrede stræber omrejsende musikere i stigende grad til slotte og byer. Sammen med ridderne og repræsentanterne for gejstligheden omgiver hofminstrel deres kronede mæcener for kunsten. Musikere og sangere er uundværlige deltagere i forlystelser af indbyggerne i ridderborge, ledsagere af kærlige herrer og damer.

3.

f.192v

Der tordnede trompeter og tromboner som torden
Og fløjter og piber lød som sølv,
Lyden af ​​harper og violiner akkompagnerede sangen,
Og sangerne fik mange nye kjoler for deres iver.

[Kudruna, tysk episk digt fra det 13. århundrede]

4.

f.61v

Teoretisk og praktisk musik var inkluderet i træningsprogrammet for den ideelle ridder, den blev æret som en ædel raffineret forlystelse. De elskede især den melodiøse bratsch med dens sarte akkorder og den melodiske harpe. Vokalsoloen blev akkompagneret af at spille bratsch og harpe ikke kun af jonglører - professionelle kunstnere, men også af berømte digtere og sangere:

"Tristram var en meget dygtig elev og mestrede snart de syv store kunster og mange sprog til perfektion. Derefter studerede han syv typer musik og blev berømt som en berømt musiker, der ikke havde sin side.

[Sagaen om Tristram og Isonda, 1226]

5.


f.173v

Tristan og Isolde i alle legendens litterære fikseringer er dygtige harpere:

Når han sang, spillede hun
Så erstattede hun ham...
Og hvis den ene sang, den anden
Han slog på harpen med hånden.
Og en sang fuld af længsel
Og lyden af ​​strenge fra under armen
Konvergerede i luften og der
Vi tog sammen til himlen.

[Gottfried af Strasbourg. Tristan. Første fjerdedel af det 13. århundrede]

6.


f.134r

Det er kendt fra de provencalske troubadourers "biografier", at nogle af dem improviserede på instrumenter og derefter blev kaldt "violarer".

7.


f.46r

Den hellige romerske kejser af den tyske nation Frederik II Staufen (1194-1250) "spillede forskellige instrumenter og blev trænet til at synge"

8.

f.103r

Harper, violer og andre instrumenter blev også spillet af kvinder, som regel - gøglerinder, lejlighedsvis - piger fra adelige familier og endda højere personer.

Så den franske hofdigter fra det XII århundrede. sang violistdronningen: ”Dronningen synger sødt, hendes sang smelter sammen med instrumentet. Sangene er gode, hænderne er smukke, stemmen er blid, lydene er stille"

9.


f.169v

Musikinstrumenter blev varieret og gradvist forbedret. Beslægtede instrumenter af samme familie dannede mange varianter. Der var ingen streng forening: deres former og størrelser afhang i vid udstrækning af masterproducentens ønske. I skriftlige kilder havde identiske instrumenter ofte forskellige navne, eller omvendt var forskellige typer skjult under de samme navne.

Billeder af musikinstrumenter er ikke forbundet med teksten - jeg er ikke ekspert i denne sag.

10.


f.178v

Gruppen af ​​strengeinstrumenter blev underopdelt i familier af bue-, lut- og harpeinstrumenter. Snorene var lavet af snoede fåretarme, hestehår eller silketråde. Siden XIII århundrede. de blev i stigende grad lavet af kobber, stål og endda sølv.

Buede strenge, som havde fordelen af ​​en glidende lyd med alle halvtoner, var bedst egnede til at akkompagnere stemmen.

Den parisiske musikmester fra det XIII århundrede, Johann de Groheo / Groceio, satte bratschen i første række blandt strengene: på den "alle musikalske former er mere subtilt gengivet", inklusive dans

11.

f.172r

Ved at male hoffestlighederne i eposet Wilhelm von Wenden (1290) fremhævede den tyske digter Ulrich von Eschenbach viela:

Af alt hvad jeg har hørt indtil nu,
Vielaen fortjener kun ros;
Det er nyttigt for alle at lytte til det.
Hvis dit hjerte er såret,
Denne pine vil blive helbredt
Fra lydens blide sødme.

Musikalsk encyklopædi [M .: Sovjetisk encyklopædi, sovjetisk komponist. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982] rapporterer, at viela er et af de almindelige navne for middelalderlige buede strengeinstrumenter. Jeg ved ikke, hvad Ulrich von Eschenbach mente.

12.

f.219v. Ved at klikke på billedet - er værktøjet større

14.

f.216v

I middelalderens folks ideer var instrumentalmusikken mangefacetteret, besad polære kvaliteter og fremkaldte direkte modsatte følelser.

"Hun bevæger nogle til tom munterhed, andre til ren øm glæde og ofte til hellige tårer." [Petrarch].

15.

f.211v

Det blev antaget, at velopdragen og behersket musik, blødgørende moral, introducerer sjæle til guddommelig harmoni, letter forståelsen af ​​troens hemmeligheder.

16.


f.236v

Tværtimod tjener spændende orgiastiske melodier til at korrumpere den menneskelige race, føre til overtrædelse af Kristi bud og endelig fordømmelse. Gennem uhæmmet musik kommer mange laster ind i hjertet.

17.


f.144v

Kirkens hierarker fulgte Platons og Boethius' lære, som klart skelnede den ideelle, sublime "himlens harmoni" og vulgær, obskøn musik.

18.


f.58r

De monstrøse musikere, som felterne af gotiske manuskripter vrimler med, herunder Maastrichts Timebog, er legemliggørelsen af ​​histrionhåndværkets syndighed, som på en og samme tid var musikere, dansere, sangere, dyretrænere, historiefortællere osv. Histrionerne blev erklæret "Satans tjenere".

19.


f.116r

Groteske skabninger spiller på rigtige eller latterlige instrumenter. Den irrationelle verden af ​​inspirerede musikalske hybrider er skræmmende og latterlig på samme tid. "Surrealistiske" onde ånder, der antager utallige afskygninger, fængsler og narre med vildledende musik.

20.


f.208v

I begyndelsen af ​​XI århundrede. Notker Lipped påpegede efter Aristoteles og Boethius tre egenskaber ved mennesket: et rationelt væsen, dødeligt, der forstår at grine. Notker anså for en person både i stand til at grine og forårsage latter.

21.


f.241r

På festivalerne blev blandt andet tilskuere og lyttere underholdt af musikalske excentrikere, der parodierede og derved satte gang i de "seriøse" numre.

I hænderne på latterunderstuderende i "verdenen ud og ind", hvor de sædvanlige forhold blev vendt på hovedet, begyndte de mest tilsyneladende uegnede til at spille musikobjekter at "lyde" som instrumenter.

22.


f.92v. Liget af en drage titter frem under tøjet af en musiker, der spiller en hane.

Brugen af ​​genstande i en usædvanlig rolle for dem er en af ​​teknikkerne til buffoon-tegneserier.

23.


f.145v

Fantastisk musikfremstilling svarede til udsigten til friluftsfestligheder, når de sædvanlige grænser mellem genstande blev slettet, blev alt ustabilt, relativt.

24.

f.105v

I synspunkter fra intellektuelle fra XII-XIII århundreder. der opstod en vis harmoni mellem den ulegemelige hellige ånd og den udløsende munterhed. Den fredfyldte, oplyste "åndelige glæde", budet om uophørlig "glæde i Kristus" er karakteristisk for Frans af Assisis tilhængere. Francis mente, at konstant sorg ikke er til behag for Herren, men for djævelen. I gammel provencalsk poesi er glæde en af ​​de højeste høviske dyder. Hendes kult var født af troubadourernes livsbekræftende verdensbillede. "I en kultur med mange toner lyder seriøse toner også anderledes: lattertonernes reflekser falder på dem, de mister deres eksklusivitet og unikke, de suppleres af det grinende aspekt."

25.

f.124v

Behovet for at legalisere latter og vittigheder udelukkede ikke en kamp mod dem. Troens troende stemplede jonglørerne som "medlemmer af det djævelske samfund". Samtidig erkendte de, at selvom jonglering er et trist håndværk, da alle skal leve, og det vil det gøre, forudsat at anstændighed overholdes.

26.

f.220r

”Musik har stor magt og indflydelse på sjælens og kroppens lidenskaber; i overensstemmelse hermed skelnes melodierne eller musikalske modes. Når alt kommer til alt, er nogle af dem sådan, at de ved deres regelmæssighed lokker lytterne til et liv i ærligt, ulastelig, ydmygt og fromt liv."

[Nikolay Orem. En afhandling om konfiguration af kvaliteter. XIV århundrede.]

27.


f.249v

"Tympaner, luter, harper og citharaer
De var hotte, og par flettede sammen
I en syndig dans
Hele natten spil
Spiser og drikker til i morgen.
Så mammon morede sig i form af en gris
Og i templet red de satanisk."

[Chaucer. The Canterbury Tales]

28.


f.245v

Sekulære melodier, der "kildrer øret og bedrager sindet, tager os væk fra det gode" [John Chrysostomus], blev betragtet som et produkt af syndig kropslighed, en genial skabelse af djævelen. Deres korrumperende indflydelse skal bekæmpes ved hjælp af strenge restriktioner og forbud. Den kaotiske kaotiske musik af de infernalske elementer er en del af verdens "liturgi ud og ind", "idoldyrkelse".

29.


f.209r

Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) vidner om vitaliteten af ​​sådanne synspunkter og minder om katedralens ærkepræst i Khlynovsk, en lille by i Saratov-provinsen.

"For os, dimittender, foretog han en udflugt til kunstfeltet, især i musikken: - Men det vil spille, - og dæmonerne vil være under fødderne og begynde at snurre ... de vil klatre, og de vil klatre ."

30.


f.129r

Og på den anden pol. Den rørende musik af et højt ideal, der stammer fra Helligånden, sfærernes musik blev tænkt som legemliggørelsen af ​​universets overjordiske harmoni skabt af Skaberen - deraf de otte toner af den gregorianske sang, og som et billede på harmoni i den kristne kirke. En rimelig og forholdsmæssig kombination af forskellige lyde vidnede om enhed i den veludstyrede Guds by. Den harmoniske konsonans af konsonanser symboliserede den harmoniske sammenhæng mellem elementer, årstider osv.

Den korrekte melodi glæder og forbedrer ånden, det er "en opfordring til en ophøjet livsstil, der instruerer dem, der er hengivne til dyd, om ikke at tillade noget umusikalsk, uoverensstemmende, inkongruent i deres moral" [Gregor af Nyssa, IV århundrede]

Fodnoter / Litteratur:
Kudrun / Ed. forberede R.V. Frenkel. M., 1983.S. 12.
Legenden om Tristan og Isolde / Ed. forberede A.D. Mikhailov. M., 1976. S. 223; S. 197, 217.
Nibelungernes sang / Per. Yu. B. Korneeva. L., 1972. S. 212. "De sødeste melodier" af minstrelerne lød i haverne og slottets paladser.
Musikalsk æstetik i den vesteuropæiske middelalder og renæssance / Komp. tekster af V.P. Shestakov. M., 1966.S. ​​242
Struve B. A. Processen med dannelsen af ​​bratscher og violiner. M., 1959, s. 48.
CülkeP. Mönche, Bürger, Minnesänger. Leipzig, 1975. S. 131
Darkevich V.P. Middelalderens folkekultur: sekulært festliv i kunsten fra det 9.-16. århundrede. - M .: Nauka, 1988. S. 217; 218; 223.
Renæssancens æstetik / Comp. V.P. Shestakov. M., 1981.T. 1.P. 28.
Gurevich A. Ya. Problemer med middelalderlig folkekultur. S. 281.
Bakhtin M. Verbal kreativitets æstetik. M., 1979.S. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlynovsk. Euklids rum. Samarkand. L., 1970.S. 41.
Averintsev S.S. Poetik af tidlig byzantinsk litteratur. M., 1977. S. 24, 25.

Kilder til tekst:
Darkevich Vladislav Petrovich. Sekulært festligt liv i middelalderen IX-XVI århundreder. Anden oplag, forstørret; M .: Forlaget "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Middelalderens folkekultur: verdsligt festliv i det 9.-16. århundredes kunst. - M .: Nauka, 1988.
V.P. Darkevich. Parodimusikere i miniaturer af gotiske manuskripter // "Middelalderens kunstneriske sprog", M., "Science", 1982.
Boethius. Instruktioner for musik (uddrag) // "Musikalsk æstetik i den vesteuropæiske middelalder og renæssance" M .: "Musik", 1966
+ links i tekst

Andre poster med illustrationer fra Maastricht Book of Hours:

P.S. Marginaler - tegninger i felterne. Det ville nok være mere præcist at kalde nogle illustrationer for en miniature for en del af siden.

Middelalderens musikkunst. Figurativt og semantisk indhold. Personligheder.

Middelalderen- en lang periode med menneskelig udvikling, der dækker mere end tusind år.

Hvis vi vender os til det figurative og følelsesmæssige miljø i perioden med "den mørke middelalder", som det ofte kaldes, vil vi se, at det var fyldt med et intenst åndeligt liv, kreativ ekstase og søgen efter sandhed. Den kristne kirke har haft en stærk virkning på sind og hjerter. Temaer, plot og billeder af Skriften blev forstået som en historie, der udspiller sig fra verdens skabelse gennem Kristi komme til den sidste doms dag. Det jordiske liv blev opfattet som en kontinuerlig kamp mellem mørke og lyse kræfter, og arenaen for denne kamp var den menneskelige sjæl. Forventningen om verdens undergang gennemsyrede middelalderfolkets verdensbillede, den maler denne periodes kunst i dramatiske toner. Under disse forhold udviklede den musikalske kultur sig i to kraftfulde lag. På den ene side er der professionel kirkemusik, som gennemgik en enorm udviklingsvej gennem hele middelalderen; på den anden side folkemusik, som blev forfulgt af repræsentanter for den "officielle" kirke, og verdslig musik, der eksisterede som amatør gennem næsten hele middelalderen. På trods af modsætningen mellem disse to retninger undergik de gensidig indflydelse, og i slutningen af ​​denne periode blev resultaterne af gensidig gennemtrængning af sekulær og kirkemusik særligt mærkbare. Fra et følelsesmæssigt og semantisk indholdssynspunkt er det mest karakteristiske for middelaldermusik overvægten af ​​den ideelle, spirituelle og didaktiske begyndelse, både i sekulære og kirkelige genrer.

Det følelsesmæssige og semantiske indhold af den kristne kirkes musik var rettet mod lovprisning af guddommeligheden, fornægtelse af jordiske goder af hensyn til belønning efter døden, forkyndelse af askese. Musikken koncentrerede i sig selv det, der var forbundet med udtrykket "ren", blottet for enhver "kropslig", materiel form for stræben efter det ideelle. Musikkens gennemslagskraft blev forstærket af kirkernes akustik med deres høje hvælvinger, der reflekterede lyd og skabte effekten af ​​guddommelig tilstedeværelse. Sammensmeltningen af ​​musik med arkitektur var især tydelig med fremkomsten af ​​den gotiske stil. Den polyfoniske musik, der havde udviklet sig på dette tidspunkt, skabte en opadgående, fri svævning af stemmer, som gentog de arkitektoniske linjer i et gotisk tempel og skabte en følelse af rummets uendelighed. De mest slående eksempler på musikalsk gotik blev skabt af komponisterne fra katedralen i Notre Dame - Mester Leonin og Mester Perotin, med tilnavnet Den Store.

Middelalderens musikkunst. Genrer. Træk af det musikalske sprog.

Dannelsen af ​​sekulære genrer i denne periode blev forberedt af arbejdet fra omrejsende musikere - jonglører, minstreler og spielmænd der var sangere, skuespillere, cirkusartister og instrumentalister alle sammen. Jonglører, spielmænd og musikere fik også følgeskab vaganter og goliarder- uheldige studerende og flygtende munke, der bragte læsefærdighed og en vis lærdom til det "kunstneriske" miljø. Folkesange blev sunget ikke kun på de nye nationale sprog (fransk, tysk, engelsk og andre), men også på latin. Omrejsende studerende og skolebørn (vaganter) besad ofte stor dygtighed i latinsk versifikation, hvilket gav særlig skarphed til deres anklagende sange rettet mod verdslige feudalherrer og den katolske kirke. Efterhånden begyndte omvandrende kunstnere at danne værksteder og bosætte sig i byer.

I samme periode opstod et slags "intelligentsia"-lag - ridderlighed, blandt hvilket (i perioder med våbenstilstand) også interessen for kunst blussede op. Slotte bliver til centre for ridderkultur. Sammensat et sæt regler for ridderlig adfærd, der krævede "høflig" (raffineret, høflig) adfærd. I det 12. århundrede blev kunsten født i Provence ved feudalherrernes domstole troubadourer, som var et karakteristisk udtryk for den nye sekulære ridderkultur, der forkyndte dyrkelsen af ​​jordisk kærlighed, naturnydelse, jordiske glæder. I en kreds af billeder kendte troubadourernes musikalske og poetiske kunst mange varianter, der hovedsageligt var forbundet med kærlighedstekster eller militære tjenestesange, der afspejler en vasals holdning til sin overherre. Ofte var troubadourernes kærlighedstekster klædt i form af feudal tjeneste: Sangeren genkendte sig selv som en vasal af en dame, som normalt var sin herres hustru. Han roste hendes værdighed, skønhed og adel, glorificerede hendes dominans og "længtes" efter et uopnåeligt mål. Selvfølgelig var der meget betinget i dette, dikteret af datidens retsetikette. Dog var der ofte en ægte følelse gemt bag de konventionelle former for riddertjeneste, levende og imponerende udtrykt i poetiske og musikalske billeder. Trubadourernes kunst var på mange måder avanceret for sin tid. Opmærksomhed på kunstnerens personlige oplevelser, vægten på den indre verden af ​​en kærlig og lidende personlighed tyder på, at troubadourerne åbenlyst modsatte sig de asketiske tendenser i middelalderens ideologi. Trubaduren forherliger ægte jordisk kærlighed. I den ser han "kilden og oprindelsen af ​​alle varer."

Kreativiteten udviklede sig under indflydelse af troubadourernes poesi bukser, som var mere demokratisk (de fleste trouvers er fra byfolk). De samme temaer blev udviklet her, og den kunstneriske stil af sangene var ens. I Tyskland et århundrede senere (1200-tallet) blev der dannet en skole minnesangere, hvor der oftere end blandt troubadurerne og truverne blev udviklet sange af et moralsk og opbyggelig indhold, fik kærlighedsmotiver ofte en religiøs klang, forbundet med dyrkelsen af ​​Jomfru Maria. Sangenes følelsesmæssige struktur var kendetegnet ved større seriøsitet og dybde. Minnesinger tjente for det meste ved banerne, hvor de organiserede deres konkurrencer. Navnene på Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, Tannhäuser, den berømte legendes helt, er kendt. I Wagners opera baseret på denne legende er den centrale scene en konkurrence mellem sangere, hvor helten forherliger jordiske følelser og fornøjelser til alles forargelse. Librettoen af ​​"Tannhäuser" skrevet af Wagner er et eksempel på en bemærkelsesværdig indtrængen i verdensbilledet af en æra, der forherliger moralske idealer, illusorisk kærlighed og er i konstant dramatisk kamp med syndige lidenskaber.

Kirke genrer

gregoriansk sang. I den tidlige kristne kirke var der mange variationer af kirkemelodier og latinske tekster. Behovet opstod for at skabe et enkelt kultritual og tilsvarende liturgisk musik. Denne proces blev afsluttet ved overgangen til det 6. og 7. århundrede. Pave Gregor I. Kirkesang, udvalgt, kanoniseret, distribueret inden for kirkeåret, udgjorde den officielle kode - antifonæren. De kormelodier, der var inkluderet i den, blev grundlaget for den katolske kirkes liturgiske sang og blev kaldt den gregorianske sang. Den blev fremført i én stemme af et kor eller ensemble af mandsstemmer. Udviklingen af ​​melodien sker langsomt og er baseret på at variere startmelodien. Melodiens frie rytme er underordnet ordenes rytme. Teksterne er prosaiske på latin, hvis selve lyden skabte en løsrivelse fra alt verdsligt. Den melodiske bevægelse er jævn, hvis der opstår små spring, så kompenseres de straks af bevægelsen i den modsatte retning. Melodierne af gregorianske sange falder i sig selv i tre grupper: recitation, hvor hver stavelse i teksten svarer til en lyd af melodien, psalmodi, hvor det er tilladt at synge nogle stavelser og mærkedage, når stavelserne blev fremsagt i komplekse melodiske mønstre, de fleste ofte "Halleluja" ("lovet være Gud"). Rumlig symbolik (i dette tilfælde "op" og "ned") er af stor betydning, som i andre former for kunst. Hele stilen i denne monofoniske sang, fraværet af en "anden plan", "lydperspektiv" i den minder om princippet om plan repræsentation i middelaldermaleriet.
Salme ... Opblomstringen af ​​salmemageri går tilbage til det 6. århundrede. Salmerne, som var præget af større følelsesmæssig spontanitet, bar ånden fra verdslig kunst. De var baseret på melodierne fra sanglageret, tæt på folket. I slutningen af ​​det 5. århundrede blev de fordrevet fra kirken, men i århundreder blev de brugt som ekstraliturgisk musik. Deres tilbagevenden til kirkebrug (9. århundrede) var en slags indrømmelse til de troendes sekulære følelser. I modsætning til koraler var salmer baseret på poetiske tekster, desuden specielt komponerede (og ikke lånt fra hellige bøger). Dette bestemte en klarere struktur af melodierne, samt en større frihed for melodien, ikke underordnet hvert ord i teksten.
Masse. Messens ritual tog form gennem mange århundreder. Rækkefølgen af ​​dens dele i hovedlinjerne blev bestemt af det 9. århundrede, mens massen først fik sin endelige form i det 11. århundrede. Processen med at forme hendes musik var også lang. Den ældste form for liturgisk sang er psalmodi; direkte relateret til selve den liturgiske handling, lød det gennem hele gudstjenesten og blev sunget af præster og kirkesangere. Indførelsen af ​​salmer berigede messens musikalske stil. Salmemelodier lød på bestemte tidspunkter af ritualet, der udtrykte de troendes kollektive følelser. Først blev de sunget af sognebørn selv, senere af et professionelt kirkekor. Salmernes følelsesmæssige virkning var så stærk, at de gradvist begyndte at fortrænge psalmodien og indtog en dominerende plads i messens musik. Det var i form af salmer, at messens fem hoveddele tog form (den såkaldte Almindelige).
I. "Kyrie eleison"("Herre, forbarm dig") - en bøn om tilgivelse og barmhjertighed;
II. "Gloria"("Glory") - en taksigelsessalme til skaberen;
III. "Credo"("Jeg tror") - den centrale del af liturgien, som opstiller de vigtigste dogmer i den kristne lære;
IV. "Sanctus"("Hellig") - tre gange gentaget højtideligt lyst udråb, efterfulgt af et hilsensråb af "Osanna", som indrammer den centrale episode "Benedictus" ("Velsignet er den, der skal komme");
V. "Agnus Dei"("Guds Lam") - en anden bøn om barmhjertighed, rettet til Kristus, der ofrede sig selv; den sidste del afsluttes med ordene: "Dona nobis pacem" ("Giv os fred").
Sekulære genrer

Vokal musik
Middelalderens musikalske og poetiske kunst var for det meste amatør af natur. Det indebar tilstrækkelig universalisme: en og samme person var komponist, digter, sanger og instrumentalist, da sangen ofte blev fremført med akkompagnement af en lut eller bratsch. Af stor interesse er de poetiske tekster til sange, især eksempler på ridderkunst. Hvad musikken angår, var den påvirket af de gregorianske sange, musikken af ​​omrejsende musikere såvel som de østlige folks musik. Ofte var de optrædende, og nogle gange forfatterne af musikken til troubadourernes sange, jonglører, der rejste med ridderne, akkompagnerede deres sang og udførte funktionerne som tjener og assistent. Takket være dette samarbejde blev grænserne mellem folkelig og ridderlig musikalsk kreativitet udvisket.
Dansemusik Et område, hvor vigtigheden af ​​instrumentalmusik var særligt udtalt, var dansemusik. Siden slutningen af ​​det 11. århundrede er der opstået en række musik- og dansegenrer, udelukkende beregnet til fremførelse på instrumenter. Ingen høstfest, intet bryllup eller anden familiefest var komplet uden dans. Dansene blev ofte udført til sang af danserne selv eller til hornet, i nogle lande - til orkestret, bestående af en trompet, tromme, klokke, bækkener.
Branle Fransk folkedans. I middelalderen var den mest populær i byer og landsbyer. Kort efter dets fremkomst tiltrak den aristokratiets opmærksomhed og blev en balsaldans. Takket være simple bevægelser kunne forbandelserne danses af alle. Dens deltagere holder i hånden og danner en lukket cirkel, som kan bryde i linjer og blive til zigzag-bevægelser. Der var mange varianter af bande: simpelt, dobbelt, sjovt, heste-, vasketøjsbande, bande med fakler osv. Gavotten, paspieren og burréen blev bygget på basis af bandens bevægelser.
Stella Dansen blev udført af pilgrimme, der kom til klostret for at tilbede statuen af ​​Jomfru Maria. Hun stod på toppen af ​​bjerget, oplyst af solen, og det så ud til, at et ujordisk lys strømmede fra hende. Det er her, navnet på dansen stammer fra (stella - fra latin stjerne). Folk dansede i et hastværk, overvældet af Guds Moders pragt og renhed.
Karol Det var populært i det 12. århundrede. Karol er en åben cirkel. Under opførelsen af ​​karol sang danserne holde i hånd. Foran danserne var forsangeren. Omkvædet blev sunget af alle medlemmer. Dansens rytme var nogle gange jævn og langsom, så accelererede den og blev til en løbetur.
Dødens danse I den sene middelalder blev emnet død ret populært i europæisk kultur. Pesten, som tager et stort antal liv, påvirkede holdningen til døden. Hvis det tidligere var en befrielse fra jordisk lidelse, så i det XIII århundrede. hun blev opfattet med rædsel. Døden blev afbildet i tegninger og graveringer i form af skræmmende billeder, diskuteret i teksterne. Dansen udføres i en cirkel. Danserne begynder at bevæge sig, som om de bliver tiltrukket af en ukendt kraft. Efterhånden bliver de grebet af musikken spillet af Dødens budbringer, de begynder at danse og til sidst falder de døde om.
Bassdans Promenade danseoptog. De var højtidelige og teknisk ukomplicerede. De, der var samlet til festen i deres bedste dragter, gik foran ejeren, som om de demonstrerede sig selv og deres kostume - det var meningen med dansen. Danse-optog er blevet solidt etableret i hoflivet, ikke en eneste festival kunne undvære dem.
Estampi (print) Pardanse akkompagneret af instrumental musik. Nogle gange blev "printet" udført af tre: en mand førte to kvinder. Musik spillede en vigtig rolle. Den bestod af flere dele og bestemte arten af ​​bevægelserne og antallet af mål pr. del.

Troubadourer:

Giraut Riquiere 1254-1292

Guiraut Riquier er en provencalsk digter, der ofte omtales som "den sidste troubadour". En produktiv og dygtig mester (48 af hans melodier har overlevet), men ikke fremmed for spirituelle temaer og komplicerer hans vokale forfatterskab betydeligt, idet han bevæger sig væk fra sangskrivning. I mange år var han ved hoffet i Barcelona. Deltog i korstoget. Hans position i forhold til kunst er også af interesse. Kendt for sin korrespondance med den berømte protektor for kunsten, Alphonse den Vise, kongen af ​​Castilien og Leon. I den beklagede han, at uærlige mennesker, der "nedgør titlen som jonglør", ofte forveksles med kyndige troubadourer. Dette er "skammeligt og skadeligt" for repræsentanter for "den høje poesi- og musikkunst, som forstår at digte og skabe lærerige og varige værker." Under dække af kongens svar foreslog Riquiere sin systematisering: 1) "poesidoktorer" - de bedste af trubadurerne, "belyste samfundets vej", forfatterne til "eksemplariske digte og kanoner, yndefulde noveller og didaktiske værker". "i det talte sprog; 2) troubadourer, som komponerer sange og musik til dem, skaber dansemelodier, ballader, albas og sirvents; 3) jonglører, der serverer de ædle smag: de spiller forskellige instrumenter, fortæller historier og eventyr, synger andres digte og kanoner; 4) buffons (narrer) "viser deres lave kunst på gader og pladser og fører en uværdig levevis." De opdrætter trænede aber, hunde og geder, demonstrerer dukker, efterligner fuglesangen. Buffon spiller eller klynker foran almuen efter små uddelinger på instrumenterne ... rejser fra domstol til domstol, uden skam, udholder han tålmodigt alle former for ydmygelse og foragter behagelige og ædle erhverv.

Riquiere var ligesom mange troubadourer bekymret for de ridderlige dyder. Den højeste værdighed anså han for generøsitet. "Jeg taler på ingen måde dårligt om tapperhed og intelligens, men generøsitet overgår alt."

Følelser af bitterhed og frustration forstærkedes kraftigt mod slutningen af ​​det 13. århundrede, da korstogenes sammenbrud blev til en uomgængelig virkelighed, som ikke kunne ignoreres, og som det var umuligt ikke at tænke over. "Det er tid for mig at afslutte med sangene!" - i disse vers (de dateres tilbage til 1292) udtrykte Giraut Riquiere sin skuffelse over det katastrofale resultat af korstogsvirksomhederne:
"Tiden er kommet for os - for menneskenes hær - at forlade det hellige land!" Digtet "Det er tid for mig at slutte med sange" (1292) regnes for den sidste troubadoursang.

Komponister, musikere

Guillaume de Machaut ca. 1300 - 1377

Machaut er en fransk digter, musiker og komponist. Han tjente ved den tjekkiske konges hof, fra 1337 var han kannik for Reims-katedralen. En af senmiddelalderens mest fremtrædende musikere, den største skikkelse i den franske Ars nova. Han er kendt som en multi-genre komponist: hans motetter, ballader, virale, le, rondo, kanoner og andre sang (sang og dans) former er kommet ned til os. Hans musik er kendetegnet ved raffineret udtryksfuldhed, raffineret sensualitet. Derudover skabte Machaut den første forfatters messe i historien (til kroningen af ​​kong Charles V i Reims i 1364 .. Det er den første forfatters messe i musikhistorien - et integreret og komplet værk af en berømt komponist. på den ene hånd, fra den musikalske og poetiske kultur af troubadourer og trouvers i dets mangeårige sanggrundlag, på den anden side fra de franske polyfoniskoler i det 12.-13. århundrede.

Leonin (midten af ​​det 12. århundrede)

Leonin er en fremragende komponist, sammen med Perotin tilhører School of Notre Dame. Historien har for os bevaret navnet på denne engang berømte skaber af "Big Book of Organums", designet til den årlige kreds af kirkesang. Leonins organum erstattede korsang unisont med tostemmig sang af solister. Hans tostemmige organer udmærkede sig ved en så omhyggelig bearbejdning, harmonisk "sammenhæng" af lyden, som var umulig uden forudgående tænkning og optagelse: I Leonins kunst er det ikke sanger-improvisatøren, der kommer i forgrunden, men komponisten. Den vigtigste nyskabelse af Leonin var den rytmiserede optagelse, som gjorde det muligt at etablere en klar rytme af den primært mobile overstemme. Selve karakteren af ​​den øverste stemme var kendetegnet ved melodisk generøsitet.

Peroten

Perotin, Perotinus - Fransk komponist fra slutningen af ​​det 12. - 1. tredjedel af det 13. århundrede. I samtidige afhandlinger blev han kaldt "den store mester Perotin" (det vides ikke præcist, hvem han mente, da der var flere musikere, som dette navn kan tilskrives). Perotin udviklede en slags polyfonisk sang, der havde udviklet sig i hans forgænger Leonins arbejde, som også tilhørte den såkaldte parisiske eller Notre Dame-skole. Perotin skabte høje eksemplarer af melismatisk organum. Han skrev ikke kun 2-stemmige (som Leonin), men også 3-4-stemmede kompositioner, og tilsyneladende komplicerede og berigede polyfoni rytmisk og tekstureret. Hans 4-stemmige organum adlød endnu ikke de eksisterende love for polyfoni (imitation, kanon osv.). I Perotins arbejde er der udviklet en tradition for polyfoniske sange fra den katolske kirke.

Josquin des Pré c. 1440-1524

Fransk-flamsk komponist. Fra en ung alder et kirkekor. Han tjente i forskellige byer i Italien (i 1486-99 som korist i det pavelige kapel i Rom) og Frankrig (Cambrai, Paris). Han var hofmusiker for Ludvig XII; modtaget anerkendelse som en mester ikke kun af kultmusik, men også af sekulære sange, der foregreb den franske chanson. De sidste år af sit liv, rektor for katedralen i Conde-sur-Esco. Josquin Despres er en af ​​renæssancens største komponister, som havde en mangefacetteret indflydelse på den efterfølgende udvikling af vesteuropæisk kunst. Kreativt opsummerede den hollandske skoles resultater og skabte innovative værker af spirituelle og verdslige genrer (messer, motetter, salmer, frottols) gennemsyret af et humanistisk perspektiv, og underordnede høj polyfonisk teknik til nye kunstneriske opgaver. Melodien i hans værker, forbundet med genreoprindelse, er rigere og mere mangfoldig end tidligere hollandske mestres. Josquin Despres "afklarede" polyfoniske stil, fri for kontrapunktiske komplikationer, var et vendepunkt i korforfatterens historie.

Vokal genrer

Hele epoken som helhed er karakteriseret ved en klar overvægt af vokalgenrer, og i særdeleshed vokal polyfoni... En usædvanlig kompleks beherskelse af polyfoni af en streng stil, ægte lærdom, virtuos teknik sameksisterede med den lyse og friske kunst i hverdagens formidling. Instrumentalmusik får en vis selvstændighed, men dens direkte afhængighed af vokalformer og af hverdagskilder (dans, sang) vil først blive overvundet lidt senere. Store musikalske genrer forbliver forbundet med verbal tekst. Essensen af ​​renæssancehumanismen blev afspejlet i komponeringen af ​​korsange i Frottol- og Vilanell-stilene.
Danse genrer

I renæssancen fik hverdagsdansen stor betydning. Mange nye danseformer dukker op i Italien, Frankrig, England, Spanien. Forskellige lag af samfundet har deres egne danse, udvikler deres præstationsmåde, adfærdsregler under baller, aftener, festligheder. Renæssancedanse er mere komplekse end senmiddelalderens simple forbandelser. Danse med en runddans og en lineær komposition erstattes af parrede (duet) danse, bygget på komplekse bevægelser og figurer.
Volta - en pardans af italiensk oprindelse. Dens navn kommer fra det italienske ord voltare, som betyder "at vende". Størrelsen er tre-takt, tempoet er moderat hurtigt. Dansens hovedmønster er, at herren kvikt og brat vender damen, der danser med ham i luften. Denne stigning udføres normalt meget højt. Det kræver stor styrke og fingerfærdighed af herren, da løftet på trods af bevægelsernes skarphed og en vis fremdrift skal udføres klart og smukt.
Galliard - en gammel dans af italiensk oprindelse, udbredt i Italien, England, Frankrig, Spanien, Tyskland. Tempoet på de tidlige galliards er moderat højt, størrelsen er tre-takt. Galliarda blev ofte udført efter pavanaen, som den undertiden var tematisk forbundet med. Galliard 1500-tallet opretholdt i en melodisk-harmonisk tekstur med en melodi i overstemmen. Galliard-sange var populære blandt brede dele af det franske samfund. Under serenaderne spillede Orleans-elever galliard-melodier på lut og guitar. Ligesom klokkespillet havde galliarden karakter af en slags dansedialog. Kavaleren bevægede sig gennem hallen med sin dame. Da manden optrådte soloen, blev damen på plads. Den mandlige solo bestod af en række komplekse bevægelser. Herefter henvendte han sig igen til damen og fortsatte dansen.
Pavana - en sidedans fra 16-17 århundreder. Tempoet er moderat langsomt, 4/4 eller 2/4 takt. Forskellige kilder er uenige om dens oprindelse (Italien, Spanien, Frankrig). Den mest populære version er en spansk dans, der efterligner bevægelserne af en påfugl, der går med en smukt flydende hale. Var tæt på basdans. Til pavanernes musik fandt forskellige ceremonielle processioner sted: myndighedernes indtræden i byen, og så den adelige brud til kirken. I Frankrig og Italien er pavana etableret som en hofdans. Pavanas højtidelige karakter tillod hofsamfundet at skinne med ynde og ynde i deres manerer og bevægelser. Folket og bourgeoisiet udførte ikke denne dans. Pavane, ligesom menuetten, blev udført strengt efter rang. Kongen og dronningen begyndte dansen, så gik dauphinen og en adelig dame ind i dansen, så prinserne osv. Kavalerer udførte pavana med et sværd og i gardiner. Damerne var i formelle kjoler med tunge lange skyttegrave, som skulle gribes dygtigt under bevægelser, uden at løfte dem fra gulvet. Bevægelsen af ​​tren gjorde bevægelserne smukke, hvilket gav pavanen en pragt og højtidelighed. For dronningen bar damernes ledsagere et tog. Inden dansens start skulle det gå rundt i salen. Ved afslutningen af ​​dansen gik parrene igen rundt i salen med sløjfer og bånd. Men før han tog hatten på, måtte herren lægge sin højre hånd på bagsiden af ​​damens skulder, sin venstre hånd (holder hatten) på hendes talje og kysse hende på kinden. Under Dansen blev Damens Øjne sænket; kun fra tid til anden så hun på sin skønhed. Pavanaen blev bevaret i længst tid i England, hvor den var meget populær.
Allemande - langsom dans af tysk oprindelse i 4-takt. Han tilhører de massive "lave", springfri danse. De optrædende blev par efter hinanden. Antallet af par var ikke begrænset. Herren holdt damens hænder. Søjlen bevægede sig rundt i salen, og da den nåede enden, lavede deltagerne et sving på plads (uden at skille hænderne ad) og fortsatte dansen i modsat retning.
Courant - en hofdans af italiensk oprindelse. Klokken var enkel og kompleks. Den første bestod af simple, planende trin, primært udført fremad. Det komplekse klokkespil var af pantomimisk karakter: tre herrer inviterede tre damer til at deltage i dansen. Damerne blev taget til det modsatte hjørne af salen og bedt om at danse. Damerne nægtede. Herrerne, efter at have fået et afslag, gik, men vendte så tilbage igen og knælede foran damerne. Først efter pantomimescenen begyndte dansen. Der er forskelle mellem klokkespil af de italienske og franske typer. Den italienske klokkespil er en livlig 3/4 eller 3/8 meter dans med en enkel rytme i en melodisk-harmonisk tekstur. Fransk - en højtidelig dans ("manerisk dans"), en glat, stolt procession. 3/2 størrelse, moderat tempo, veludviklet polyfonisk tekstur.
Sarabande - en populær dans fra det 16. - 17. århundrede. Afledt af den spanske kvindedans med kastanjetter. I første omgang blev det akkompagneret af sang. Den berømte koreograf og lærer Carlo Blazis giver i et af sine værker en kort beskrivelse af sarabanda: "I denne dans vælger alle en dame, som han ikke er ligeglad med. Musikken giver et signal, og to elskere udfører en dans, ædel, målt, men vigtigheden af ​​denne dans forstyrrer ikke det mindste fornøjelsen, og beskedenhed giver den endnu mere ynde; alles øjne følger gerne danserne, som udfører forskellige figurer, udtrykker med deres bevægelse alle faser af kærlighed." Til at begynde med var tempoet i sarabandaen moderat højt, senere (fra det 17. århundrede) dukkede en langsom fransk sarabanda op med et karakteristisk rytmisk mønster: …… I sit hjemland faldt sarabandaen i kategorien obskøne danse i 1630. blev forbudt af det castilianske råd.
Gigue - dans af engelsk oprindelse, den hurtigste, triplet, bliver til triplet. Oprindeligt var gigue en pardans, men den spredte sig blandt sømænd som en solo, meget hurtig dans af komisk karakter. Senere dukkede den op i instrumentalmusikken som den sidste del af en gammel dansesuite.

Vokal genrer

Barokkens træk kom tydeligst til udtryk i de genrer, hvor musikken var sammenflettet med andre kunstarter. Det var først og fremmest opera, oratorium og sådanne genrer af hellig musik som passioner og kantater. Musik kombineret med ordet, og i operaen - med kostumer og dekorationer, det vil sige med elementer af maleri, brugskunst og arkitektur, blev opfordret til at udtrykke en persons komplekse mentale verden, de komplekse og varierede begivenheder, han oplevede. Helte, guder, virkelige og surrealistiske handlinger, al slags magi var naturligt for den barokke smag, var det højeste udtryk for foranderlighed, dynamik, transformation, mirakler var ikke ydre, rent dekorative elementer, men udgjorde en uundværlig del af kunstnerisk system.

Opera.

Operagenren var mest populær i Italien. Et stort antal operahuse åbner, hvilket er et fantastisk, unikt fænomen. Utallige kasser, draperet med tungt fløjl, indhegnet med en barriere parterre (hvor de stod på det tidspunkt, ikke sad) samlede i løbet af 3 operasæsoner næsten hele byens befolkning. Loger blev købt for hele sæsonen af ​​patriciernavne, almindelige mennesker stimlede sammen i boderne, nogle gange gratis adgang - men alle følte sig godt tilpas, i en atmosfære af konstant fest. I kasserne var der buffeter, sofaer, kortborde til spillet "Farao"; hver af dem var forbundet med særlige rum, hvor der blev tilberedt mad. Publikum gik hen til nabokasserne, som var de gæster; her blev der stiftet bekendtskaber, forelskelser begyndte, de seneste nyheder blev udvekslet, der var kortspil til store penge osv. Og et storslået, dejligt skue udspillede sig på scenen, designet til at påvirke publikums sind og følelser, for at fortrylle. syn og hørelse. Antikkens heltes mod og tapperhed, mytologiske karakterers fabelagtige eventyr dukkede op for de beundrende lyttere i al den pragt af det musikalske og dekorative design opnået under operahusets næsten 100-årige eksistens.

Efter at have opstået i slutningen af ​​det 16. århundrede i Firenze, i en cirkel ("camerata") af humanistiske lærde, digtere og komponister, blev opera snart den førende musikgenre i Italien. K. Monteverdi, der arbejdede i Mantua og Venedig, spillede en særlig vigtig rolle i operaens udvikling. To af hans mest berømte sceneværker, Orpheus og The Coronation of Poppea, er kendt for deres forbløffende fortræffelighed inden for musikdrama. I løbet af Monteverdis levetid opstod en ny operaskole i Venedig, ledet af F. Cavalli og M. Chesti. Med åbningen af ​​det første offentlige teater i San Cassiano i Venedig i 1637, kunne enhver, der købte en billet, se operaen. Gradvist, i scenehandlingen, øges betydningen af ​​spektakulære, udadtil spektakulære øjeblikke på bekostning af de ældgamle idealer om enkelhed og naturlighed, som inspirerede operagenrens opdagere. Iscenesættelsesteknikken er under en voldsom udvikling, som gør det muligt at legemliggøre heltenes mest fantastiske eventyr på scenen – lige op til skibsvrag, luftflyvninger osv. De storladne, farverige dekorationer, der skaber illusionen af ​​perspektiv (scenen i Italienske teatre var ovale) transporterede beskueren til eventyrlige paladser og til havet, til mystiske fangehuller og magiske haver.

Samtidig blev der i operamusikken lagt mere og mere vægt på den solovokale begyndelse, der underordnede sig selv resten af ​​ekspressivitetens elementer; senere førte dette uundgåeligt til en fascination af selvtilstrækkelig vokalvirtuositet og et fald i spændingen i dramatisk handling, som ofte blot blev en undskyldning for at demonstrere solosangernes fænomenale vokale evner. I overensstemmelse med sædvane optrådte castrati-sangere både mandlige og kvindelige partier som solister. Deres optræden kombinerede mandlige stemmers styrke og glans med kvindestemmernes lethed og mobilitet. En sådan brug af høje stemmer i fester med en modig og heroisk make-up var traditionel på det tidspunkt og blev ikke opfattet som unaturlig; det er udbredt ikke kun i det pavelige Rom, hvor kvinder officielt blev forbudt at optræde i operaen, men også i andre byer i Italien.

Fra anden halvdel af 1600-tallet. hovedrollen i det italienske musikteaters historie overgår til den napolitanske opera. Principperne for operadrama udviklet af napolitanske komponister bliver universelle, og napolitansk opera identificeres med den landsdækkende type italienske operaseria. En stor rolle i udviklingen af ​​den napolitanske operaskole blev spillet af konservatorierne, som voksede fra børnehjem til særlige musikalske uddannelsesinstitutioner. De var særligt opmærksomme på klasser med sangere, som omfattede træning i luften, på vandet, på støjende overfyldte steder, og hvor ekkoet så ud til at styre sangeren. En lang række af geniale virtuose vokalister - elever fra konservatorierne - spredte over hele verden den italienske musiks herlighed og "smuk sang" (bel canto). For den napolitanske opera var konservatorierne en permanent reserve af professionelt personale, nøglen til dens kreative fornyelse. Blandt de mange italienske operakomponister fra barokken var Claudio Monteverdis mest fremragende værk. Hans senere værker udviklede de grundlæggende principper for operadrama og forskellige former for operasolosang, som blev fulgt af de fleste af det 17. århundredes italienske komponister.

Den originale og eneste skaber af den nationale engelske opera var Henry Purcell. Han har skrevet en lang række teaterværker, blandt hvilke den eneste opera er Dido og Aeneas. "Dido og Aeneas" er næsten den eneste engelske opera uden talte indskud og dialoger, hvor den dramatiske handling er sat i musik fra start til slut. Alle andre musikalske og teatralske værker af Purcell indeholder samtaledialoger (i vores tid kaldes sådanne værker "musical").

"Operaen er dens dejlige bolig, dens forvandlingers land; i et øjeblik bliver mennesker til guder, og guder bliver til mennesker. Der behøver den rejsende ikke at rejse rundt i landet, for landene selv rejser foran ham. Keder du dig i den frygtelige ørken? Øjeblikkeligt fører lyden af ​​en fløjte dig til havens idyller; en anden bringer dig fra helvede til gudernes bolig: endnu en - og du befinder dig i feernes lejr. Operafeer fascinerer bare ligesom feerne i vores eventyr, men deres kunst er mere naturlig ... "(Dufreni).

"Opera er en forestilling lige så mærkelig, som den er storslået, hvor øjne og ører er mere tilfredse end sindet; hvor underkastelse af musik forårsager latterlige absurditeter, hvor der synges arier under byens ødelæggelse, og de danser rundt om graven; hvor Pluto og Solens paladser kan ses, og guder, dæmoner, troldmænd, monstre, hekseri, paladser rejst og ødelagt på et øjeblik. Sådanne mærkværdigheder tolereres og endda beundres, for opera er feernes land " (Voltaire, 1712).

Oratorium

Oratorium, også det åndelige, blev af samtiden ofte opfattet som en opera uden kostumer og dekorationer. Dog lød kult-oratorier og lidenskaber i kirker, hvor både selve templet og præsternes klædedragter fungerede som dekoration og kostume.

Oratoriet var først og fremmest en spirituel genre. Selve ordet oratorium (it. Oratorio) kommer fra det sene latinske oratorium - "bederum", og det latinske oratorium - "Jeg siger, jeg beder." Oratoriet blev født samtidigt med operaen og kantaten, men i templet. Dens forgænger var det liturgiske drama. Udviklingen af ​​denne kirkehandling gik i to retninger. På den ene side, efter at have fået en mere og mere almindelig karakter, blev det gradvist til en komisk forestilling. På den anden side skubbede ønsket om hele tiden at bevare alvoren i bønnekommunikationen med Gud i retning af en statisk forestilling, selv med det mest udviklede og dramatiske plot. Dette førte i sidste ende til fremkomsten af ​​oratoriet som en selvstændig, først rent tempel- og derefter koncertgenre.