Dmitry Vdovin mestarikurssista teki vetovoiman. Dmitry Vdovin: "Musiikki ei koskaan petä" - Tämä on iso miinus laulajalle

On huomionarvoista, että kolmessa tänä vuonna ROF-festivaaleilla esitettävässä oopperassa päätenoriosat esittävät venäläiset laulajat, ja kaikki ovat professori Dmitri Jurjevitš Vdovinin opiskelijoita.

Kesäkuukausien pitäisi näyttää tuovan teatteriintohimoiden voimakkuuden laskua, mutta näin ei tapahdu. Vain kesällä on lukuisia vaikeita ja erittäin arvostettuja kilpailuja ja festivaaleja. Valtavan määrän festivaaleista erityinen paikka kuuluu ROF:lle - Rossini-oopperajuhlille, joka järjestetään vuosittain Pesaron kaupungissa Italiassa, Gioacchino Rossinin kotimaassa. Tämän festivaalin avajaiset pidetään 10. elokuuta.

ROF-2017-ohjelman avaa G. Rossinin ooppera Korintin piiritys, nimiroolissa tenori Sergei Romanovsky. Seuraavana päivänä, 11. elokuuta, esitetään G. Rossinin ooppera Kosketuskivi, johon osallistuu tenori Maxim Mironov. G. Rossinin ooppera "Torvaldo ja Dorlisca" esitetään 12. elokuuta, siinä laulaa tenori Dmitri Korchak. Kaikki he ovat Dmitri Vdovinin opiskelijoita.

- Mikä on "Vdovinin koulun ilmiön" salaisuus?

Kysymys, johon ei ole helppo vastata, koska se on luonteeltaan jonkin verran "fanfaari". Ja kuten tiedätte, "faniin" voit jyristää. (nauraa) Mutta toisaalta, en väistele, tuloksia on ja laulajat, joiden kanssa työskentelin, ovat tietyllä ja vakavalla paikalla maailman oopperateatterissa. On kummallista, että teini-iässä kiinnostuin kovasti Rossinista. Tämä johtui kappaleiden "The Barber of Sevilla" ja "Italian in Algeria" äänityksistä. Ne tehtiin venäjäksi, jolla oli myös tärkeä rooli, olin liian nuori ja ehkä italiaksi laulaminen ei olisi kiehtonut minua niin paljon. Minua kiehtoi Rossinin teatraalisuus, hänen huumorinsa, hämmästyttävä melodinen anteliaisuus ja elämän hedonismi. Ja minulle, joka asuin Uralin ankarissa ilmastoissa ja yhtä ankarissa Neuvostoliiton olosuhteissa, ei vain hänen musiikkinsa, vaan koko hänen historiansa (luin Stendhalin "Rossinin elämän") tuntui jotenkin epätavalliselta ja juhlava maailma. Mihin pääsisin vain vaatimattomana vinyylilevyjen omistajana.

Mutta niin tapahtui, että opetustyöni alussa luokseni tuli pienellä aikavälillä kolme tenoria, joista tuli rossinilaisen ohjelmiston asiantuntijoita. Totta, kaikki ei mennyt niin yksinkertaisesti. Pidin heti 18-vuotiasta Maxim Mironovia Rossinin tenorina hänen epätavallisen korkean ja erittäin liikkuvan äänensä ominaispiirteiden vuoksi. Ensimmäinen aaria, jonka annoin hänelle, oli Languir per una bella Italian tyttö Algerissa ja sitten O come mai non senti Othellosta. Ja nyt hän on yksi parhaista Lindorista ja Rodrigosta.

Sergei Romanovsky... Ensimmäiset kuukaudet ja luultavasti jopa vuoden opiskelin hänen kanssaan Don Ottaviota, Nemorinoa, Lenskiä enemmän. Ei, aloimme laulaa Cinderellaa melko pian, ja muistan, että Mironov kuuli sen ensimmäistä kertaa, kun hän soitti minulle puhelimessa kuin joku muu laulaisi Rossinia. Se oli Romanovski! Mutta vakava lähestymistapa Rossinin Serezhan kanssa tapahtui, kun päätin tehdä Journey to Reimsin puolilavaesityksen Moskovassa. Minun on sanottava, että tämä 10 vuoden takainen tarina toi monet ihmiset sekä ammattiin että Rossinin maailmaan. Mutta erityisesti hän antoi paljon Romanovskille, joka oli ainoa kreivi Liebenskoff. Tämä on vaikein, virtuoosiin osa, ja sen ansiosta hän kiinnitti asiantuntijoiden huomion, joista monet tulivat tuolloin erityisesti Moskovaan katsomaan käytännössä opiskelijaesityksiämme. Pian tämän jälkeen hän debytoi tässä roolissa Italiassa, Trevisossa ja Jesissä, ja pian kävi ilmi, että La Scalan esityssarjassa Liebenskoffia lauloivat vuorotellen Korczak ja Romanovsky. Se oli erittäin riskialtis hetki, oli liian aikaista debytoida niin tärkeässä teatterissa niin nuorena. Mutta kaikesta huolimatta kaikki meni eteenpäin. Mironov lauloi ensimmäisen Rossininsa Venetsian La Fenicessä (Mohammed II), tämä oli hänen ensimmäinen sopimusnsa lännessä Neue Stimmen -kilpailun jälkeen, jossa hän otti ylemmän stratosfäärin E-tason Lindorin aarian lopussa. Muuten, minun on sanottava, että 2000-luvun alussa ei ollut niin paljon korkeita Rossini-tenoreita kuin nyt. Kilpailu on lisääntynyt selvästi.

Dmitri Korchak, jonka näin enemmän Mozartin, ranskalaisen lyyrisen oopperan ja venäläisen ohjelmiston tenorina (ja uskon edelleen, että nämä ovat hänen vahvimpia puoliaan), alkoi kuitenkin laulaa paljon Rossinia. Hänen erinomaiset musiikilliset kykynsä herättivät merkittävien kapellimestarien (Muti, Chaya, Maazel, Zedda) huomion sekä Ernesto Palacion, menneisyydessä erittäin huomattavan Rossini-tenorin, myöhemmin Juan Diego Floresin mentorin ja nyt sarjan ensimmäisen henkilön. Rossini world, festivaalin johtaja ja nyt Pesaron Akatemia, Rossinin kotimaa. Hän, Maestro Palacio, kokosi tänä vuonna kolme tenoriamme, josta voin olla ylpeä.

ROF-2017:ssä on kolme tenoria ja kaikki opiskelijasi. Nämä ovat Korchak, Mironov, Romanovsky. He ovat tietysti erilaisia, mutta mikä heitä yhdistää opiskelijina?

He ovat lahjakkaita, erittäin älykkäitä, jokainen omalla tavallaan ja erittäin ahkera. En voi sietää laiskoja ihmisiä. Kauniiden äänten laiskoja omistajia - minulle he ovat taidefilistereita, eräänlaisia ​​henkisesti vatsallisia laulukykyjensä vuokraajia. Nämä kolme eivät ole ollenkaan sellaisia. Erittäin vastuullisia, vakavia, ajattelevia taiteilijoita. Tämä yhdistää heidät.

17. huhtikuuta 2017 yksi maailman tunnetuimmista oopperanopettajista Dmitri Vdovin viettää 55-vuotissyntymäpäiväänsä.

Hänen oppilaansa ovat voittaneet arvostetuimmat kilpailut, hän työskentelee parhaissa teattereissa, mutta yli 30 vuoden ajan hän on pysynyt uskollisena Bolshoille.

Bolshoi-teatterin nuorisooopperaohjelman päällikkö, Venäjän federaation kunniatyöntekijä, professori Dmitri Vdovin puhui avoimessa haastattelussa työnsä monimutkaisuudesta ja siitä kuinka nopeasti oopperamaailma muuttuu (ja mitä sille tehdä) joukkueelle Radio Orpheus.

– Palasit hiljattain Metropolitan Operasta, jossa johdit mestarikursseja. Mitkä ovat tärkeimmät erot nuoriso-ohjelmien ja laulajien välillä?

– Yhteisiä piirteitä on enemmän kuin eroja. Törmäsin nuoriso-ohjelmiin Yhdysvalloissa ja aloin työskennellä siellä. Kun avasimme Nuoriso-ohjelman Bolshoissa, käytin tätä kokemusta, ja se oli järkevää: miksi avata polkupyörä? Mitä tulee laulajien tasoon, olisi jotenkin säädytöntä, jos sanoisin, että laulajamme taso on korkeampi. Mutta tietysti erojakin on.

Emme ole niin kosmopoliittisia ja kansainvälisiä kuin kollegamme New Yorkissa, Lontoossa tai Pariisissa. Tässä mielessä heillä on varmasti enemmän mahdollisuuksia. Jotta voit työskennellä Bolshoi-teatterissa ja yleensä asua Moskovassa, sinun on puhuttava venäjää, ja tämä ei ole helppoa ulkomaalaisille. Meillä on paljon heitä, mutta useimmiten he ovat entisen Neuvostoliiton tasavaltojen kansalaisia ​​- kutsumme laulajia venäjänkielisestä piiristä.

Toiseksi länsimaisilla kollegoillamme suurissa teattereissa on joskus suurempi budjetti. Mutta minusta näyttää kuitenkin siltä, ​​että ohjelmamme vaikuttaa enemmän taiteilijan kehitykseen kuin muut. Sanotaanpa asioiden oikeilla nimillä: monissa teattereissa tällaisten ohjelmien päätavoitteena on nuorten taiteilijoiden käyttö pienissä rooleissa nykyisessä ohjelmistossa.

- Aloittelevalla laulajalla ei ole mahdollisuutta laulaa oikean orkesterin kanssa, esiintyä oopperaesityksessä. Pääkaupungin teatterit ovat täynnä, mistä saada tämä välttämätön kokemus?

– Se oli Bolshoi-teatterin nuoriso-ohjelman luomisen tarkoitus. Laulajien koulutusjärjestelmä Venäjällä on hyvin arkaainen. Meillä on innovatiivisia interventioita yleisessä koulutusjärjestelmässä, mutta joskus ne ovat huonosti suunniteltuja, naurettavia eivätkä aina sovi yhteen perinteidemme ja mentaliteettimme kanssa. Näin tapahtui Unified State Examinationin kanssa, joka aiheutti hylkäämistä yhteiskunnassa ja valtavan negatiivisten tunteiden tulvan.

Tietysti muutoksia laulukasvatusjärjestelmään tarvitaan. Tämä järjestelmä on vanha, muotoutui 100-150 vuotta sitten, kun ensimmäiset viherhuoneet perustettiin. Nykyään on ymmärrettävä, että oopperatalosta on tullut monella tapaa ohjaajan teatteri. Ja kun olemassa oleva järjestelmä luotiin, teatteri oli puhtaasti vokaalinen, parhaimmillaan kapellimestari. Sen jälkeen paljon on muuttunut. Ohjaaja on nykyään yksi päähahmoista, laulajalle ei ole tärkeää vain ääni, vaan myös näytteleminen ja fyysinen komponentti.

Toiseksi, jos 30 vuotta sitten maassamme ooppera esitettiin venäjäksi, nyt kaikki esitetään alkuperäisellä kielellä. Lisäksi musiikkitekstin vaatimukset ovat lisääntyneet. Nyt ei voi enää laulaa niin vapaasti kuin suuret laulajamme lauloivat vielä 30 vuotta sitten. Ja laulajalla on oltava asianmukainen valmistautuminen tähän. Aina pitäisi olla pedagogista sopeutumista nykyiseen aikaan, sen monimutkaisiin taipumuksiin.

Jos kuuntelet 70-luvun laulajaa, sinun on ymmärrettävä, että joitain asioita ei voida enää tehdä tänään. Oopperatalon rakenne ja oopperatoiminta ovat muuttuneet. Ei riitä, että laulaja tuntee vain venäläistä teatteria, hänen on tunnettava maailmanteatterin trendit, tiedettävä innovaatiot, joita taiteilijat, kapellimestarit, ohjaajat tuovat, ja ne ovat jo muuttuneet paljon oopperan käsityksessä.

- Eikö meidän kaltaisellemme laulavalle maalle riitä kaksi oopperaohjelmaa?

– Älä unohda, että Galina Vishnevskaya -oopperalaulukeskus on edelleen olemassa. Luultavasti monissa oopperataloissa on harjoittelijaryhmiä.

Nuoriso-ohjelma siinä muodossa kuin se on suurissa teattereissa, on erittäin kallis hanke. Jos tämä on todella nuoriso-ohjelma, ei eräänlainen harjoittelijaryhmä, kun ihmiset viedään koeajalle ja päätetään, käsitelläänkö sitä edelleen vai ei.

Ja nuoriso-ohjelma on opettajat, valmentajat (pianistit-tuutorit), kielet, näyttämö- ja näyttelijäkoulutus, luokat ja tilat, tietty sosiaalinen komponentti. Kaikki tämä maksaa paljon rahaa. Teatterimme eivät ole rikkaita, mielestäni heillä ei yksinkertaisesti ole siihen varaa.

Mutta Armeniassa, joka on meille ystävällinen, he avasivat äskettäin ohjelman, ja nähdäkseni he ovat paranemassa. Mitä tulee venäläisiin oopperataloihin, en huomaa heidän olevan kovinkaan kiinnostunutta toimintaamme kohtaan. Paitsi ehkä Jekaterinburg.

- Miksi he eivät tiedä muissa teattereissa? Ehkä heidän pitää lähettää uutiskirje?

– Kaikki tietävät kaiken erittäin hyvin. Mutta ulkomaiset kumppanit ovat kiinnostuneita siitä, mitä teemme Bolshoi-teatterissa. Tiivis kansainvälinen yhteistyömme alkoi Washingtonin oopperan kanssa, meillä on jatkuvaa yhteistyötä La Scala Academyn ja muiden Italian oopperaohjelmien kanssa Italian suurlähetystön ja David Yakuboshvilin runsaalla tuella, josta hänelle suuri kiitos.

Teemme aktiivista yhteistyötä Pariisin oopperan ja Metropolitanin kanssa. Lisäksi teemme yhteistyötä Oslon Queen Sonja Competitionsin, Pariisin kilpailun kanssa, jotka edistävät erittäin aktiivisesti taiteilijoitaan. Tämä ei tapahdu vain siksi, että koputamme heidän ovilleen, vaan se on molemminpuolinen kumppanuusetu.

– Nuorelta laulajalta Venäjällä vaaditaan usein poikkeuksellisia todisteita siitä, että hänellä on ääni. On tarpeen laulaa niin suurella äänellä, että seinät tärisevät. Oletko tämän edessä vai et?

– Käsittelen näitä makukustannuksia päivittäin. Tähän on useita syitä. Perinne on kehittynyt niin, että yleisömme vaatii kovaa laulua. Yleisö rakastaa, kun on kovaa, kun on paljon korkeita nuotteja, silloin laulaja alkaa taputtaa. Kävi niin, että myös orkesterimme soittavat melko kovaa. Tämä on eräänlainen suoritusmentaliteetti.

Muistan erittäin hyvin, kun ensimmäisen kerran tulin Metropolitaniin, se oli hetken Wagnerin Tannhäuser, hämmästyin - James Levinen johtama orkesteri soitti hyvin hiljaa! Se on Wagner! Korvani ovat tottuneet täysin erilaiseen soundiin, rikkaampaan dynamiikkaan. Se sai minut ajattelemaan: oli hienoa kuulla kaikkia laulajia missä tahansa tessiturassa, ei äänitasapainoongelmia, kukaan laulajista ei pakottanut. Eli ongelma ei ole vain kovaäänisesti laulavissa laulajissa, vaan siinä, että kaikkien esityksen osallistujien, myös yleisön, järjestelmä, maku, mentaliteetti on kehittynyt tällä tavalla.

Lisäksi useimmissa hallissamme on vakavia akustisia ongelmia. Monissa teattereissa on erittäin kuiva akustiikka, joka ei tue laulajia. Toinen tärkeä tekijä: venäläiset oopperasäveltäjät ajattelivat hyvin isosti, enimmäkseen kirjoittaen kahdelle suurelle keisarilliselle teatterille, joilla oli mahtavia orkestereita ja kuoroja, kypsiä ja voimakkaita solistien ääniä.

Esimerkiksi lännessä Tatjanan osaa Tšaikovskin "Jevgeni Oneginista" pidetään erittäin vahvana. Jotkut kollegani uskovat, että tämä osa on vahvempi kuin Lisan osa The Queen of Spadesissa. Tähän on jokin syy - orkesterin tiheys, kireä tessitura ja lauluosan ilmeisyys (etenkin Writing Scene ja viimeinen dueto). Ja samaan aikaan Onegin ei ole soundiltaan voimakkain ja eeppisin venäläinen ooppera verrattuna muihin Tšaikovskin oopperoihin sekä Mussorgskin, Rimski-Korsakovin, Borodinin teoksiin.

Tässä kaikki lasketaan yhteen: historialliset olosuhteet, kansalliset perinteet ja laulu-, johtamis- ja kuuntelumentaliteetti. Kun Neuvostoliitto avautui ja aloimme saada tietoa lännestä, jossa asiat olivat toisin, perinteemme oli jonkin verran "suuri jauhatus" esitys ilman dynaamisia eroja ja erityistä herkkyyttä lähestymistavassa. Tällaisen laulamisen väärinkäyttö on aiheuttanut monien merkittävien taiteilijoiden uran romahtamisen.

Minun on sanottava, että emme ole täällä täysin yksin - USA:ssa myös lauletaan isosti, koska heidän valtavia salejaan on soitettu siellä. Amerikkalaiset opettajat sanovat kuin mantra: "Älä työnnä!" (älä pakota!), mutta laulajat usein työntävät-työntävät. Mutta silti, sitä ei ole siellä siinä määrin kuin se ennen oli ja joskus on edelleen kanssamme.

– Kuinka työstää äänilentoa?

”Tärkeintä on korvata voimat taidolla. Tämä on bel canto -koulun merkitys, joka antaa äänen projisoinnin saliin ilman näkyvää vaivaa ja eri äänidynamiikkaa (mukaan lukien piano ja pianissimo). Jokaisella on se yksilöllisesti, ja kansalliset koulut ovat silti erilaisia. Jos laitat mukaan tyypillisen amerikkalaisen koulukunnan edustajan, ranskan, italian ja venäjän, kuulet suuren eron tekniikassa jopa nyt, kun kaikki on melko hämärää ja globalisoitunut.

Erot johtuvat kielestä. Kieli ei ole vain puhetta, kieli on laitteen rakenne, artikulaatio- ja foneettiset piirteet. Mutta lauluäänen idea, eli koulun tulos, on samanlainen monissa maissa. Jos puhumme sopraanosta, monet venäläisten laulajien lisäksi myös ulkomaiset laulajat haluavat laulaa kuten Anna Netrebko. Ja kuinka moni tenori jäljittelee Kaufmania ja Floresia?

– Tämä on iso miinus laulajalle.

- Sellaista on aina ollut. Miksi miinus? Jos laulajalla ei ole ketään, jolta oppia, mutta hän valitsee itselleen oikean vertailukohdan laulussa, tämä voi hyvinkin auttaa. Mutta mitä tehdä, jos sinulla on samantyyppinen ääni, mutta vertailukohta on päinvastainen? Näin tapahtuu usein, ja se on täynnä katastrofeja. Esimerkiksi basso, joka sopii alempaan, syvälliseen ohjelmistoon, jäljittelee bassokantanttia ja laulaa korkean repertuaarin, paitsi harmi, tämä ei tuo hänelle mitään ja päinvastoin. Tästä on lukemattomia esimerkkejä.

– Laulukoulumme perustuu mataliin bassoihin. Mikä on korkea basso? Valitettavasti tämäntyyppinen ääni luokitellaan baritoniksi…

– Yleisesti ottaen maamme ihmiset eivät tiedä tietyntyyppisten äänien olemassaolosta, joita todella on olemassa. Ottamatta huomioon näitä laulukategorioita, joita voidaan kutsua laulurooliksi tai äänityypiksi tai oopperayhteisön tapaan "fachiksi", on mahdotonta opettaa. Viime aikoihin asti monet eivät tienneet, mitä lyyrinen mezzosopraano on. Kaikkien mezzojen oli laulettava Lyubashaa syvillä, tummilla äänillä. Jos he eivät pystyneet äänestämään dramaattista ohjelmistoa, ne siirrettiin yksinkertaisesti sopraanoon. Se ei johtanut mihinkään hyvään.

Lyyrinen mezzosopraano ei ole rajaääni, se on itsenäinen äänityyppi, jolla on laaja ja tiukasti määritelty ohjelmisto. On myös dramaattista ja lyyristä tenoria, on myös luokituksia mezzosopraanolle (dramaattinen, lyyrinen). Lisäksi itse lyyriset mezzot voivat olla erilaisia ​​tyylillisistä ja teknisistä ominaisuuksista johtuen. Lyyrinen mezzo voi olla händelilainen, rossinilainen, mozartinen, ehkä vahvasti suuntautunut ranskalaiseen lyyriseen oopperaan, jolla on myös tälle äänelle monia rooleja.

Sama koskee basso-baritonia. Meillä oli Venäjällä upeita baritonibassoja: Baturin, Andrei Ivanov, Savranski, nyt Ildar Abdrazakov, Jevgeni Nikitin, Nikolai Kazansky. Jos avaat Metin artistilistan, yksi heidän laulajaluettelonsa suurimmista osista on basso-baritonit. Tämä on erittäin tärkeää, koska bassobaritoni on ihanteellinen moniin rooleihin Händelin ja Mozartin oopperoissa, ja venäläisessä oopperassa on roolit bassobaritoneille - Demon, Prinssi Igor, Galitski, tämän lauluroolin puitteissa. voivat olla sekä Ruslan että Shaklovity ja Tomsky ja jopa Boris Godunov.

Jos laulajaa vedetään korkeammalle tai alemmas, ongelmat alkavat. Jos laulaja on bassobaritoni, tämä ei tarkoita ollenkaan, että laulajalla on lyhyt ääni (eli ilman äärimmäisiä ylä- tai alasäveliä), päinvastoin, hänellä on useimmiten erittäin laaja valikoima. Mutta tämäntyyppisellä äänellä on eri väri ja erilainen perusohjelmisto kuin baritoneissa tai bassoissa. Oopperan asiantuntijoiden - kapellimestarien, pianistien-tuutorien, casting-ohjaajien, kriitikoiden ja tietysti ennen kaikkea opettajien tulee tietää kaikki nämä hienovaraisuudet, erottaa ja kuulla ne laulajien äänissä.

Alamme (oopperalaulu) vaatii, kuten minkä tahansa akateemisen genren kohdalla pitääkin, suurta tietämystä, perinteen ymmärtämistä, tyytymättömyyttä, jatkuvaa kasvua, jatkuvaa itsensä työstämistä ja jatkuvasti muuttuvien esityksen trendien tutkimista.

Jos olet menettänyt kiinnostuksesi itsensä kehittämiseen, sulkenut itsesi henkilökohtaiseen maailmaasi tai mikä vielä pahempaa, yhtäkkiä päättänyt, että olet saavuttanut täydellisyyden ja olet täysin tyytyväinen itseesi, tämä tarkoittaa, että olet lopettanut taiteen ihmisenä ja sinun pitäisi lopettaa tämän liiketoiminnan välittömästi. Jokaisen meistä, jotka opettavat, on jatkuvasti opittava itse. Oopperamaailma liikkuu nopeasti tiettyyn suuntaan, voi väittää parhaasta tai ei, mutta se muuttuu. Ja jos et halua tietää näistä muutoksista, et halua nähdä niitä, ymmärtää niitä ja vastata niihin, niin hyvästi, olet vanhentunut hahmo, eivätkä opiskelijasi ole valmiita modernin näyttämön todellisuuksiin .

Nuoret vaativat tätä tietoa, joskus he ovat paljon paremmin perillä Internetin ja sen mahdollisuuksien ansiosta. Kuka tahansa opiskelija voi avata mestarikursseja, esimerkiksi Joyce Didonato tai Juan Diego Flores, nähdä ja vertailla, mitä häneltä vaaditaan konservatoriossa tai koulussa ja mitä nämä erittäin älykkäät ja mikä tärkeintä erittäin modernisti ajattelevat taiteilijat vaativat. Tämä ei tarkoita, että he vaativat meiltä pahaa, mutta siellä se on hyvä, mutta joskus erot ovat merkittäviä. Sinun on oltava tietoinen näistä yksityiskohdista.

Yleisesti ottaen vertailu on hieno asia, sitä vertaamalla syntyy ammattilainen. Kun laulaja alkaa vertailla ääniä, niiden ominaisuuksia, taiteilijoiden yksilöllisyyttä ja tulkintoja sekä eri kapellimestarien, ohjaajien, opettajien, taiteilijoiden, muusikoiden jne. tulkintoja, muodostuu hänen oma ajattelunsa, menetelmänsä ja useimmat tärkeintä taiteessa, taiteellinen maku.

- Nyt he sanovat, että tutkinto ei ole tärkeä. Tärkeintä on, miten syöt. Tämä on totta?

- Ei se nyt niin ole. Kun istun tuomaristossa kilpailuissa ja koe-esiintymisissä, luen laulajien ansioluetteloita, näen harvoin ihmisiä, jotka opiskelisivat vain yksityisesti. Aikaisemmin monet, varsinkin italialaiset laulajat, eivät opiskelleet konservatorioissa, ottivat oppitunteja yksityisiltä opettajilta ja aloittivat heti uransa. Nyt, kun laulajia koskevat vaatimukset ovat niin laajat eivätkä rajoitu pelkästään ääneen, heitä on vähemmän. Sekä ihania yksityisopettajia Italiassa, mutta myös muualla.

- Kilpailut ratkaisevat nyt jotain? Mihin kilpailuihin nuoren laulajan pitäisi mennä?

- Kun menee kilpailuun, on ymmärrettävä, mitä sillä haluaa. Tähän on useita mahdollisia syitä. Syy - menestys, halu voittaa, sisältyy kaikissa tapauksissa, tämä on osa taiteilijan elämää, joka on päivittäistä kilpailua. On niin sanottuja ”kilpailevia” laulajia, joilla on erityinen intohimo, ja opiskelijoideni joukossa on myös sellaisia. He rakastavat kilpailua sinänsä, he nauttivat kilpailun ilmapiiristä, tästä adrenaliinista, he vain kukoistavat siellä, vaikka se satuttaa monia heidän kollegansa.

Syy yksi. Kokeile kättäsi. Ymmärtää kykyjensä alkuaste, mitä kutsutaan "katsomaan ihmisiä ja näyttämään itsensä". Ei korkeimman tason kilpailut sopivat tänne - paikalliset, pienen budjetin kilpailut. Niillä on hyvä aloittaa hyvin nuorille laulajille, jotta he voivat harjoitella, kasvattaa lihaksia (ei pelkästään laulua, vaan myös hermostuneita, taisteluita).

Jos olet nuori laulaja ja haluat vain kokeilla käsiäsi, sinun ei tarvitse mennä Barcelonan Francisco Viñas -kilpailun tason suurimpiin kilpailuihin, Placido Domingon Operaliaan, New Voicesiin Saksaan, BBC:hen. Cardiff, Queen Sonja -kilpailu Oslossa tai Queen Elizabeth Brysselissä.

Syy toinen. Löytää työ. Se voi olla kilpailu, jossa tuomaristo koostuu teatteriohjaajista, agenteista ja muista työnantajista, tai kilpailu, jota agentit rakastavat. Kilpailujen, kuten Belvederen (Hans Gabor -kilpailu) tai Competizione dell'opera italianan (Hans-Joachim Frei), tuomaristot koostuvat suurelta osin agenteista ja näyttelijöistä. Vaikka edellä mainitut eroavat myös tässä.

Nämä kilpailut on tarkoitettu niille, jotka tarvitsevat agentteja, työtä ja suurimmalle osalle näistä laulajista. Tämä on erilainen kilpailu. Jos olet aloittelija taiteilija, sinulla ei ole kilpailukokemusta, sinun ei tarvitse mennä näihin suuriin kilpailuihin, joissa käyvät kokeneemmat laulajat, joilla on orkesterin kanssa laulamista, joilla on kaiken lisäksi koulutettu hermoja.

Syy kolmas. Raha. No, ei tarvita erityistä hienostuneisuutta, nämä ovat mitä tahansa kilpailuja, joissa on korkea premium-rahasto. Monet hyvät eteläkorealaiset laulajat, joilla ei ole paljon töitä kotimaassaan, siirtyvät kilpailusta kilpailuun, voittaa ja voittaa palkintoja koko ajan ja ansaita siten hyvän toimeentulon.

Tšaikovski-kilpailumme on kilpailu useille erikoisaloille, ei vain laululle. Valitettavasti siinä kävi niin, että sen laulajat eivät ole koskaan olleet valokeilassa. Ehkä vain neljäs kilpailu, jonka voittivat Obraztsova, Nesterenko, Sinyavskaya ja Kallas ja Gobbi tulivat töihin tuomaristossa, kiinnitti erityistä huomiota lauluosaan.

En tiedä mikä on syynä, minulle se on hyvin outoa ja käsittämätöntä. Tšaikovski-kilpailussa me, laulajat, olemme jonkinlaisia ​​ulkopuolisia, ehkä tämä johtuu siitä, että venäjäksi laulaminen luo edelleen tietyn esteen ulkomaisten osallistujien saapumiselle. Tämä kilpailu oli aina vaikea ulkomaisille kollegoillemme. Osittain läheisyydestämme johtuen, ehkä siksi, ettei agentteja ja teatteriohjaajia tullut riittävästi antamaan työtä. Myös viisumijärjestelmä aiheuttaa ongelmia, ja merkittäviä.

Kuten ennenkin, Tšaikovski-laulukilpailu, jos puhumme sen kansainvälisestä edustavuudesta, on luonteeltaan paikallinen. Aiemmin se riippui myös siitä, kuinka tuomaristo työskenteli. Irina Konstantinovna Arkhipovan kutsusta toimin tuomariston pääsihteerinä vuonna 1998, ja tämä teki minuun melko raskaan vaikutuksen. Toivottavasti tämä on nyt muuttunut. Mutta samaan aikaan Tšaikovski-kilpailussa oli voittoja, mikä antoi suuren sysäyksen hänen uralleen.

Vuonna 2007 voittaneen Albina Shagimuratovan esimerkissä näin, kuinka oopperamaailmassa tärkeiden ihmisten katseet kääntyivät välittömästi häneen. Hänelle tämä oli suuri ponnahduslauta hänen työelämässään. Mutta monille voittajille sillä ei ollut sellaista vaikutusta.

Laulajan on erittäin vaikea arvioida itseään oikein. Se on erittäin vaikeaa, ja totta puhuen, harvoin onnistuu. Lisäksi paisuneen itsetunnon ohella on olemassa itsetuhoisuuden vaara. Usein muut vähättelevät ja murskaavat itsetuntoamme. Tämä on venäläinen pedagoginen mentaliteettimme sekä perheessä että koulussa sanan laajimmassa merkityksessä. Ja minulla on sellaisia ​​tapauksia ollut työn alla.

Rakastan oppilaitani ja arvostan heitä, mutta joskus minusta tuntuu, että tämä laulaja on liian aikaista kilpailuun, ettei hän ole vielä valmis. Ja laulaja itse päättää lähteä, ja kun tulen kilpailuun ja näen hänet, olen itsekin yllättynyt kuinka hän on koottu ja miltä hän kuulostaa. On myös tärkeää, että opettajat katsovat tekemiäsi ulkopuolelta. On muitakin tilanteita, jolloin luulen, että laulaja on loistava, mutta hän ei voita. Sitten näen itse, että se oli oikein. Ammatissamme kaikki on epävakaa, vaihtelevaa, joskus subjektiivista...

- Julkaisit Facebook-sivullesi tietoja David Blackburnin järjestämistä NNIOP-koe-esiintymisistä. Miksi teit sen?

”Oppilaitoksesta valmistuneet tarvitsevat työtä. Kaikenlainen koe on tapa saada työpaikka. Koska minulla on melko paljon tilaajia, en ajattele vain opiskelijoitani, vaan myös niitä, jotka asuvat maakunnissa ja joilla ei ole tarpeeksi kontakteja ja pelkkää tietoa. Uskon, että minun pitäisi auttaa heitä ja kirjoittaa kaikesta, mikä saattaa kiinnostaa heitä.

Julkaisin äskettäin tietoa Teneriffan oopperatalon nuoriso-ohjelmasta. Tämän teatterin rakensi suuri espanjalainen arkkitehti Calatrava, ja siinä on 2 000 paikkaa. Teatterin johto on upeaa, tätä ohjelmaa ohjaa kollegani italialainen pianisti Giulio Zappa, joka työskentelee kanssamme Moskovassa. Ohjelma on lyhyt, vain pari kuukautta, mutta he onnistuvat tekemään tuotantoa tänä aikana. Tämä on myös mahdollisuus monille.

- Kerron sinulle salaisuuden - aion lähitulevaisuudessa luoda yhdessä venäläisten ja aasialaisten kumppaneiden kanssa suuren kansainvälisen hankkeen "Venäläis-Aasialainen kulttuuritalo". Mitä ajattelet tästä?

– Kaikki kulttuurivaihtotyöt ovat arvokkaita. Tämä on tärkeä asia. Aasia ei ole vain kasvava talousmarkkina, vaan myös valtava kasvava kulttuurinen jalansija. Mukaan lukien ooppera. Heille Venäjä voi olla tärkeä yhdistävä käytävä lännen ja idän välillä.

Uskon, että näitä laulajia pitäisi myös kutsua lisää, meiltä joskus puuttuu heidän suuri ja hyvin koulutettu ääni. Ja Aasiassa avataan jatkuvasti uusia konserttisaleja ja oopperataloja. Me Nuoriso-ohjelmassa haluaisimme myös tehdä yhteistyötä Kiinan kanssa, jossa on erinomaisia ​​teattereita ja konserttisaleja. On monia upeita aasialaisia ​​laulajia, he ovat erittäin taitavia ja ahkeria työntekijöitä. Kuulin kilpailuissa hyviä laulajia Kiinasta, Japanista, Intiasta, Sri Lankasta, Filippiineiltä ja Taiwanista. Etelä-Korean laulajat ovat maailman parhaita. Miksi emme kutsu heitä, tee yhteistyötä, esiintyisi yhdessä?

– Mikä muu sinua elämässä viehättää kuin ooppera?

– Rakastan edelleen matkustamista, vaikka en niin intohimoisesti kuin 20-30 vuotta sitten. Ja arvostan todella ihmisten välistä vuorovaikutusta. Työn vuoksi minulla ei valitettavasti ole tarpeeksi. Haluaisin viettää enemmän aikaa perheen ja ystävien kanssa. Kun aloin työskennellä Bolshoissa, aloin menettää nämä yhteydet. Teatteri on myös poreallas. Nyt olen muuttanut mieleni. Elämässäni tapahtui vaikeita muutoksia, ja tajusin erityisen terävästi, kuinka tärkeitä perhe ja ystävät ovat.

Musiikki on myös suuri onni, musiikki voi olla lohdutus ihmisille, jotka menettävät rakkaansa, joilla on ongelmia, jotka eivät ole nuoria. Ja musiikki ei koskaan petä. Luulen, että minulla on vaikea luonne, mutta minulle on suuri ilo auttaa nuoria, tukea heitä heidän luovan elämänsä vaikeimmassa vaiheessa. Ja älä odota riittävää vastausta, kiitollisuutta ja jopa uskollisuutta. Jos se on siellä, se on hienoa; jos sitä ei ole, älä jää siihen kiinni.

Toinen väärinkäsitys nuorista on nähdä ura ja menestys elämän ehdottomana tarkoituksena. Minusta tuntuu, että ennemmin tai myöhemmin tämä ajatus muuttuu suureksi pettymykseksi. Katson ihmisiä, jotka rakastavat vain loistoaan, tunnen oloni levottomaksi. On selvää, että elämän ensimmäisellä puoliskolla on tärkeää saavuttaa tietty korkeus, koska silloin sinulle avautuu muita, suurempia mahdollisuuksia. Mutta meidän on ymmärrettävä, että hyvä ammatillinen maine on vain työkalu. Ja maineen tai tarkemmin sanoen menestymisen ei pitäisi olla päätavoite, muuten päädyt yksin.

Ymmärsin myös ajan myötä, että sinun on voitava päästää ihmiset irti. Ei sanoa hyvästit heille, nimittäin päästää irti. Joskus se on helppo sanoa, mutta vaikea hyväksyä. Mutta jotenkin opin. Minulla on melko paljon opiskelijoita, joten minun oli vaikea pitää hallussaan kaikkia näitä lukuisia lankoja (nauraa).

Rakastan suurta enemmistöä opiskelijoistani, seuraan heidän elämäänsä, ja jos he tarvitsevat jotain, olen aina iloinen saadessani heidät takaisin, autan mielelläni. Vaikka välillä ärsyttääkin, kun työmme unohdetaan, ihmiset alkavat laulaa toisin kuin heidän äänelleen sopivat, alkavat tehdä muita tyhmyksiä, laiskaa, lakkaavat kasvamasta tai jopa yksinkertaisesti alenevat. Mutta tämä on myös ihmisluonne ja siihen liittyvät darwinismin lait. Tämä on luonnonvalintaa.

Aiemmin, jos jotain tapahtui, otin täyden vastuun nykyisten ja entisten opiskelijoideni ongelmista. Syy on tietysti meissä, opettajat. Mutta on muitakin syitä - ammattimme riittämättömyys, väärät päätökset, ahneus, tyhmyys, itsemme yliarviointi. Siksi elämä pakotti minut hyväksymään sen tosiasian, että me opettajat emme ole kaikkivoivia. Nyt nautin prosessista. En usko, että tämän opiskelijan pitäisi ehdottomasti voittaa kaikkia maailmankilpailuja ja laulaa Metropolitanissa. Mitä minulla oli ennen...

- Mitä se oli? Turhamaisuus vai perfektionismi?

”Ihmiset, jotka menevät taiteeseen, ovat kunnianhimoisia. He haluavat olla ensimmäisiä, eikä se voi olla toisin. Ajan myötä urasta tulee työkalu, jonka avulla voit löytää oikeat kumppanit, työskennellä parhaiden taiteilijoiden, kapellimestarien, ohjaajien kanssa parhailla näyttämöillä. Olen iloinen, että kuulun Bolshoi-teatteriin, jota ihailen 14-vuotiaasta lähtien, jolloin koko maa juhli 200-vuotisjuhlavuottaan, ja astuin ensimmäistä kertaa tähän upeaan saliin.

17-vuotiaana tulin Bolshoihin harjoittelijaksi, minulle tämä on erityinen teatteri. Ja olen iloinen, että meillä on nyt tällainen ilmapiiri teatterissa ja keskinäinen kunnioitus ja tuki.Minua ympäröivät lahjakkaat taiteilijat ja olen erittäin kiinnostunut ihmisistä, jotka tekevät täällä päätöksiä. Hyvin usein, kun lähden muihin (eikä huonoihin!) maihin ja paikkoihin, ajattelen: Haluaisin palata mahdollisimman pian. On siunaus, että haluan mennä kotiin. Nousen lentokoneeseen ja odotan innolla sen näkemistä huomenna, teemme tämän aarian tällä, annan uutta materiaalia tähän...

Mitä muuta haluat oppia elämässäsi? Mitä sinulta puuttuu?

– Kaipaan muutamaa tärkeämpää vierasta kieltä. Tiedän osan heidän perusteistaan, mutta en saanut opiskelua valmiiksi ajoissa. Nyt ei ole aikaa tähän - vietän teatterissa 10-12 tuntia. Kunpa osaisin nämä kielet täydellisesti! Mutta muista, kuten Raikin - anna kaiken olla, mutta jotain puuttuu! (nauraa).

Oppilaani voittivat arvostettuja kilpailuja, työskentelin maailman parhaissa teattereissa, istuin suurten kilpailujen tuomaristossa. Mistä muusta opettaja voisi haaveilla? Nyt voin työskennellä enemmän poikien kanssa ja ajatella vähemmän itseäni. Voin vain istua ja työskennellä. Hämmästyttävintä on, että olen elänyt sellaiseen hetkeen, että en ajattele: "Ah! Soittavatko he minulle? He eivät soittaneet minulle ... Ja nyt he lopulta soittivat minulle! ” Ei tietenkään, olen sekä imarreltu että iloinen, kun jollekin kutsutaan, mutta tämä ilo on luonteeltaan hyvää työtä, ei enempää eikä vähempää.

On suuri onni, että elämässäni oli upeita opettajia ja mentoreita. Kaipaan niitä kamalasti. Jotkut, luojan kiitos, ovat hyvässä kunnossa. Muistan kysyneeni Irina Konstantinovna Arkhipovalta, mikä on sinulle jännittävintä lauluammatissa? Hän sanoi saavansa eniten iloa vaikeiden voittamisesta. Kun hänelle annettiin uusi rooli tai materiaali, jota oli vaikea oppia ja suorittaa, hän koki valtavaa luovaa euforiaa näiden vaikeuksien voittamiseksi.

Nyt ymmärrän häntä. Äskettäin oli tapaus: minulla on yksi lahjakas opiskelija, mutta hänellä oli ongelma korkeiden nuottien kanssa melko pitkään. Ymmärrän, että hänellä on nämä nuotit valikoimassaan, mutta hän pelkäsi soittaa niitä. Se ei pysynyt pitkään aikaan. Ja sitten vain suutuin itselleni ja hänelle ja syventyin tähän ongelmaan. No, sinun on ratkaistava se lopulta! Tämä laulaja mielestäni jopa pelkäsi painostustani. Ja yhtäkkiä nämä muistiinpanot menivät! Ihan kuin sen yläkirjaimeen olisi lisätty jotain uutta.

Koin onnea, luultavasti paljon enemmän kuin hän. Lensin kuin siivillä tunteesta, että eilen laulaja lauloi yksin, ja tänään hän tuli tunnille, ja kuulen, että hänellä oli läpimurto, että teimme sen! Tietysti on mukavaa, kun oppilas voittaa kilpailun tai tekee debyyttinsä hyvässä teatterissa, mutta vielä tärkeämpää on juuri tämä työprosessi, voittamisen prosessi.

- Hyvä Dmitri Jurjevitš, lyhyitä elämäkerrallisia tietoja sinusta löytyy verkosta, mutta aloitetaan uudelleen alusta: perheestäsi, lapsuudesta. Miten ja millä aloit liittyä musiikin, laulun ja oopperateatterin maailmaan?

Olen syntynyt ja kasvanut Sverdlovskissa. Vanhempani, yleensä kaikki sukulaiset, ovat täysin fyysikoita ja matemaatikoita. Äiti on korkeamman matematiikan opettaja Ural State Universityssä, isä on fyysikko, oli suuren tutkimuslaitoksen johtaja, setä on myös fyysikko, täti on algebrasti, veli on pää. Akatemian matematiikan laitos nyt Jekaterinburgissa. Hajallaan ympäri maailmaa serkut ja sisaret - kaikki matemaatikot.

Joten olen ainoa poikkeus, kuten sanotaan, perheessä, jossa ei ole ... muusikkoa!

Mutta samaan aikaan kaikki opiskelivat musiikkia lapsuudessa: sekä isä että veli. Mutta tässä olen, jotenkin "viivästynyt" tässä. Hän valmistui pianon musiikkikoulusta, tuli GITIS-teatteriin teatteriosastolle. Ja sitten pianismistani tuli erittäin hyödyllistä, eläin sen mukaan, säesten laulajia. Eli se oli eräänlaista "vaihtokauppaa" - opettelin laulua ystäviltä ja tutuilta ja "palautin" ne soittamalla aarioita, romansseja pianolla, oppien uusia teoksia heidän kanssaan. Halusin todella nuoruudessani laulaa, mutta vanhempani vakavina ihmisinä neuvoivat minua hankkimaan ensin luotettavamman erikoisalan, joten valmistuin instituutista teatterikriitikoksi, erikoistuen oopperaan ja sitten tutkijakouluun.

Valitettavasti en tavannut todellista lauluopettajaa, joka uskoisi minuun, antoi alun. Ehkä persoonalliset ominaisuudet eivät riittäneet solistin uralle, ja luojan kiitos, että ymmärsin tämän ajoissa. Kaikki mitä ei tehdä, on parempaan suuntaan. Yleisesti ottaen lauloin kohtuullisesti melko myöhään, 30-vuotiaana. Siihen mennessä monet ihmiset oopperamaailmassa tunsivat minut jo eri ominaisuudessa. Tilanne oli herkkä - teatterityöntekijöiden liitossa "komensin" musiikkiteatteria. Se oli yhdistys, joka ei elänyt kauan Neuvostoliiton rappeutuessa ja järjesti valtavia festivaaleja ja kilpailuja miljoonilla budjeteilla ja hyvillä aikeilla ...

90-luvun alussa menin Belgiaan kehittymään lauluopettajana, ja kun minulle tarjottiin sopimusta melko suuren toimiston kanssa laulajaksi, tajusin yhtäkkiä, että oli jo liian myöhäistä, kuten sanotaan, "kaikki höyryt". meni ulos”, tai pikemminkin, suuntasi toiseen suuntaan - opettamaan.

- Mutta on olemassa historiallisia esimerkkejä lauluuran myöhäisistä - tenori Nikandr Khanaev, joka aloitti 36-vuotiaana, basso Boris Gmyrya - 33-vuotiaana, Antonina Nezhdanova debytoi ammattilavalla vasta 29-vuotiaana.

Ensinnäkin he elivät 1900-luvun alussa tai puolivälissä, mitä lähempänä heidän aikalaisiaan, sitä vaikeampaa on löytää laulajia, jotka aloittavat 30-vuotiaana, ja sitten jokaisella on oma "turvamarginaali" sinnikkyydessä kohti. tavoitteen saavuttaminen.

Kun Neuvostoliitto hajosi, järjestimme STD:n "hylkylle" konsertti- ja näyttelijätoimiston, joka oli varsin onnistunut. Muistan niitä aikoja erityisellä kiitollisuudella, sillä ensimmäistä kertaa 28-vuotiaana aloin matkustaa ulkomaille, sitä ennen minua ei jostain syystä päästetty ulos. Tämä antoi valtavan kuuntelukokemuksen, mahdollisuuden tutustua oopperoiden parhaisiin tuotantoihin maailmannäyttämöillä, arvioida kuuluisien laulajien ääniä livenä. Löysin itselleni uuden maailman, jossa he lauloivat harvoja poikkeuksia lukuun ottamatta täysin erilaista kuin meidän.

Jouduin murtamaan joitain ajatuksia itsestäni, koska huhu oli "hämärtynyt" neuvostooopperan perinteestä, sekä sanan hyvässä että pahassa merkityksessä. Teknisesti, tyylillisesti uudelleen rakennettu, makuni on muuttunut. Se ei ollut helppoa, joskus hän teki typeriä asioita. Jonkin aikaa opiskelin poikien kanssa mieluummin mielenkiinnosta, en edes muista ottaneeni rahaa tunneista.

Ja sitten minut kutsuttiin opettamaan laulua Gnessin-kouluun, musiikkiteatterin näyttelijöiden tiedekuntaan. Minulle, erityisesti lisäsarjaa varten, he ottivat ainoan opiskelijan - Rodion Pogosovin. Hän oli silloin 16-vuotias, hän ei koskaan laulanut ja yleensä haaveili tulla dramaattiseksi näyttelijäksi. Mutta häntä ei hyväksytty teatteriyliopistoihin, ja "surusta" hän meni kouluun ja tuli luokseni. Jo 19-vuotiaana, 3. vuotiaana, hän debytoi Papagenona Novaja-oopperassa, ja 21-vuotiaana hänestä tuli nuorin osallistuja Metropolitanin nuoriso-ohjelmaan ja niin edelleen. Nyt Rodion on kysytty kansainvälisen luokan taiteilija.

- No, edes "ensimmäinen pannukakku" ei tullut sinulle kokkareena!

Kyllä, ensimmäisen opiskelijani kanssa työskentely vaati minulta paljon voimaa ja energiaa. Pakotin hänet laulamaan koko ajan, ryhmitellen äitinsä kanssa. Nämä eivät olleet tavallisia tunteja kahdesti viikossa 45 minuuttia, vaan oppitunteja melkein joka päivä. Yksinkertaisesti sanottuna ajoin hänen perässään voittamalla vastustuksen ja haluttomuuden oppia. Ymmärrät - hyvin nuori poika, lisäksi hän ei uskonut laulukykyihinsä. Hän jopa nauroi laulajille, akateemisen laulun prosessi tuntui hänestä naurettavalta.

- Kävi ilmi, että sinun piti opiskella tyhjästä! Ja syntyy vaikutelma, että Vdovinin opiskelijat - tiedämme enemmän kuoroakatemian valmistuneista - ovat jo lapsuudesta asti valmiita tyyppejä, jotka laulavat 6-7-vuotiaista, erittäin osaavia muusikoita.

Nyt he sanovat minusta, että otan luokalleni "kerman", parhaat äänet. Ja mitä, on välttämätöntä ottaa huonot? Vai pitääkö minun todistaa jotain jollekin? Jokainen normaali taiteilija (taiteilija, mestari) valitsee aina parhaan. Kyllä, nyt nuoret tulevat luokseni, näkevät työni tulokset, ja minulla on mahdollisuus valita. Ja aluksi he antoivat minulle erilaisia ​​opiskelijoita. Joten kävin läpi vaikeiden oppilaiden vetämisen koulun kokonaan, ja mielestäni tämä on välttämätöntä nuorelle opettajalle.

- Onko ollut täysin toivottomia vaihtoehtoja? Ihminen menettää äänensä kokonaan tai jättää lauluuransa, vaikka ei sinun syytäsi?

Myös nykyisten aloittelijoiden erittäin nuori ikä on yksi ongelma. Aiemmin laulua alettiin opiskella ammattimaisesti 23-25-vuotiaana, varsinkin miehet, eli fyysisesti hyväkuntoisia ihmisiä, vahvoja paitsi ruumiiltaan myös henkisesti, jotka mielekkäästi valitsivat ammattinsa. Nyt 15-16 vuotiaat tulevat kouluihin, kuoroakatemiaan luokallani - 17-vuotiaana.

Osoittautuu, että 22-vuotiaana he ovat jo valmistuneita. Minulla oli sellainen kaveri, basso, erittäin hyvä, voitti kilpailuja. Hänet vietiin välittömästi nuorisoohjelmaan johonkin Euroopan maahan, sitten teatteriin. Ja siinä kaikki - en ole kuullut hänestä mitään pitkään aikaan, hän on poissa. Niin sanotut fest-sopimukset ohjelmistoteattereissa ovat erityisen riskialttiita hyvin nuorille laulajille. Tämä tarkoittaa - laulaa kaikkea, sopii se äänellesi tai ei. Tänään - Rossini, huomenna - Mussorgski, ylihuomenna - Mozart ja niin edelleen Bernsteiniin ja operettiin asti. Katsos, ei ole kulunut edes paria vuotta, vaan äänen sijaan - menneiden kauneuksien jäänteet.

- Mutta loppujen lopuksi venäläis-neuvostoliiton perinteessä julisteessa aina vaihtelivat hyvin erilaiset tyylit ja nimet, ja johtavat solistit eivät myöskään laulaneet 6-7 "La Traviata" tai "Peak" -kappaletta, kuten nyt lännessä. , mutta 4-5 monipuolisinta roolia kuukaudessa .

Uskon, että tavalliset ryhmät ja ohjelmistoteatteri ovat vanhentuneita, ne ovat huonoja kaikille: taiteilijoille, kapellimestajille, yleisölle. Ensinnäkin harjoituksista on aina pulaa nykyisten nimikkeiden pitämiseksi hyvässä kunnossa. Harjoituksia ei ole riittävästi edes sellaisissa vahvoissa kokoonpanoissa kuin New Yorkin Metropolitan Opera tai Wienin Staatsoper. Älä siis ajattele, että meillä on kaikki huonosti, mutta he kaikki ovat siellä vauraita. Muistan kuinka opiskelijani teki Met-debyyttinsä vaikeimmassa pääroolissa ilman yhtäkään lavaharjoitusta! Niin hän tuli ulos - ja lauloi, ja jopa levysoitin jumissa, ja hän aloitti aarian kulissien takaa.

En siis ole repertuaarijärjestelmän kannattaja, maassamme pidän sitä neuvostoajan jäännöksenä, joka ei liity taiteeseen, vaan liittyy vain työlainsäädäntöön, ideologiaan jne. Joten istumme nyt umpikujassa emmekä tiedä mitä tehdä. Laulajat eivät ole varmoja tulevaisuudestaan, mutta muuten oopperataiteilijan ammatti on yleensä melko riskialtista, ääni liian hauras instrumentti, jos epäilyttää, voi ja kannattaa aluksi valita toinen ala. Kapellimestarit eivät ole tyytyväisiä, koska laulaja ei voi esittää yhtä vakuuttavasti Mozartia tänään ja Prokofjevia huomenna. Myös yleisö on nykyään hemmoteltu ja tarvitsee tähtiä tai uusia nimiä. Ja saadaan aikaan kompromisseja, jotka ovat taiteen kustannuksella.

Free lanser -tilanteessa johtavalla laulajalla on aina enemmän mahdollisuuksia oppia itselleen sopiva ohjelmisto, tavata mielenkiintoisia kapellimestareita, tasa-arvoisia kumppaneita jne. Ja kuinka huolellisesti kaikkea voidaan harjoitella tietyn projektin tuotantotiimin tapauksessa!

- Mutta sitten tilanteessa, jossa ei ole edes 5-6, ja joskus jopa 12 samannimistä esitystä peräkkäin, vaikuttaako taiteilijoilla automatismi, kuten musikaalien solistit? En voi tuskin ymmärtää, kuinka Broadwaylla on mahdollista harjoitella satoja esityksiä peräkkäin yhden vapaapäivän kanssa, usein ilman korvaavaa, kuvaamalla tunteita, naurua ja kyyneleitä lavalla...

Toisin kuin Broadwaylla, oopperatalossa joka ilta taiteilijat eivät mene ulos (paitsi hätätapauksissa), lepopäiviä on aina yksi tai kaksi. Ja esitykset jatkuvat harvoin yli viisi kertaa lavastuslohkossa. Parhaat teatterit, kuten Metropolitan, yrittävät koota tämän oopperan parhaat esiintyjät ympäri maailmaa nykyään. Ja uskokaa minua, korkean ammattimaisuuden ja jokaisen yksityiskohdan täydellisyyden ilmapiirissä taiteilijan on paljon helpompi keskittyä kuvaan.

Met-esimerkki kiinnostaa myös yleisöä, sillä viikossa voi kuunnella eri tyylisiä teoksia parhaassa esityksessä. Loppujen lopuksi ei ole mikään salaisuus, että vierailijat, turistit, useammin kuin "alkuperäiset" pääsevät oopperataloon. Joten kun olin New Yorkissa tämän vuoden tammikuussa, vierailin muutamassa päivässä lahjakkaassa barokkikokoelmassa Enchanted Island, näin sensaatiomaisen Faustin, sitten Toscan ja rykmentin tyttären. Ja hitaalle "paikalliselle" menestyneimmät nimikkeet toistetaan noin kuuden kuukauden kuluttua, kuten sama "Anne Boleyn", joka avasi meneillään olevan oopperakauden.

Yleisesti ottaen oopperatalon olemassaolon eri perinteiden teema on mielettömän mielenkiintoinen ja vaikea, jokaisessa maassa on omat rationaaliset hetkensä, jotka voidaan yhdistää lopullisesti, sinun on vain tiedettävä ne ja osattava tehdä se.

- Ettekö henkilökohtaisesti, varsinkaan opettajaurasi alussa, puuttuneet näyttämökokemuksesi puutteeseen?

Aluksi tietysti kyllä, se häiritsi! Luonnollisesti, kun istun mestarikurssilla Elena Vasilievna Obraztsovan kanssa, jota rakastan, nautin vain hänen vertailuistaan, kuvaannollisesta puheesta. Hänen laaja kokemuksensa, työnsä erinomaisten mestareiden kanssa sekä hänen henkilökohtainen rikkain taiteellinen fantasiansa - kaikki yhdessä se kiehtoo! Kun hän työstää katkelmaa oopperasta tai romanssista, jonka hän tuntee hyvin, hän rakentaa tiedosta ja lahjakkuudesta yhdessä kokonaisen maailman, jossa ei ole vain näyttelemistä, vaan myös ohjausta ja jopa kapellimestaria.

Opin koko ajan! Hän opiskeli työskennellessään unohtumattoman Irina Konstantinovna Arkhipovan kanssa, nyt Obraztsovan vieressä, Jevgeni Jevgenievitš Nesterenkon kanssa nuoriso-ohjelmamme opettajien kanssa. Käyn opiskelijoideni kanssa läpi uusien juhlien ja tuotantojen riuttoja, myös ulkomaisia. Kaikki tämä on etsintää, koulua, henkilökohtaisen käytännön rikastamista. Olin ajallisesti onnekas, aloin opettaa aktiivisesti iässä, jolloin oopperalaulajat ovat yleensä huolissaan vain itsestään ja urastaan. Minulla oli mahdollisuus uppoutua pedagogisiin ongelmiin erittäin syvästi ja laajasti - saada pedagogista kokemusta, työskennellä kaikenlaisten äänien kanssa, opiskella erilaisia ​​ohjelmistoja.

Tehdään tässä hieman odottamaton vertailu. On olemassa mielipide, että parhaat synnytyslääkärit ovat miehiä, koska he eivät pysty ymmärtämään, kuvittelemaan synnytyskipuja eivätkä toimimaan päättäväisemmin ja rauhallisemmin.

Kyllä, ehkä siitä hetkestä, jolloin olen irtautunut esiintymisestä, voi olla hyötyä. Mietin sitä paljon ja tulin siihen tulokseen, että oopperalaulu ja laulupedagogiikka ovat kaksi eri ammattia, jollain tapaa toki samanlaisia, mutta ei kaikessa.

Miten ne ovat olemassa, jos kääntyy lääketieteen, kirurgin ja diagnostiikan puoleen. Erinomainen kirurgi, jolla on "kultaiset kädet", voi tehdä huonon diagnoosin ja päinvastoin. Nämä ammatit vaativat erilaisia ​​tietoja.

Meidän, pedagoginen, on melko kapea, kun on kyse vain laulutekniikasta ja vaatii valtavasti näkemyksiä, kun repertuaarikysymyksiä herää, laulajan ammatin tuntemusta kaikilta puolilta. Kyllä, en laula lavalla, mutta laulan sitä koko ajan luokassa ja näytän äänelläni. En soita pianoa julkisesti, mutta voin hyvin säestää oppilaita. Olin manageri, joten voin kertoa opiskelijoille sopimusten "suderista", huonoista ja hyvistä suoritusehdoista. Paitsi jos en itse johtanut ja lavastanut oopperoita, vaan suoritan taas näitä tehtäviä harjoituksissa.

- Ja kaikesta huolimatta sinä, Dmitry, olet poikkeus säännöstä - menestynyt lauluopettaja, joka ei ole esiintynyt lavalla. Onko muita työtovereita, joilla on samanlainen kohtalo?

Voin nimetä Svetlana Grigorievna Nesterenko (suuren bassomme kaima), työskentelemme yhdessä Bolshoi-teatterin nuorisoohjelmassa, hän on kuoroakatemian lauluosaston päällikkö. V.S. Popova. Hänen oppilaidensa joukossa ovat Alexander Vinogradov, Ekaterina Lekhina, Dinara Alieva ja monet muut arvokkaat laulajat. Ja suuri yleisö ei laulajina tunne monia erinomaisia ​​länsimaisia ​​opettajia. Yleisesti ottaen me, laulunopettajat, olemme taistelijoita näkymättömällä rintamalla.

Ja kaikista valituksista huolimatta, laulajien yleinen taso maailmassa on nyt melko korkea, heitä on jopa tietty ylimäärä, mutta pula kelvollisista vakavista lauluopettajista on jatkuvaa, koska se oli kappaleammatti, se on säilynyt. Tässä on paradoksi.

Teoksen alussa kokeneiden laulajien huomautukset, että minä, he sanovat, en ole itse laulaja, en haistanut meikkiä, en kokeillut sitä, sattui, ei paljon, mutta naarmuuntunut. Ja nyt - ei todellakaan välitä. Rauhoituin tässä mielessä, minulla on niin paljon tehtäviä ja sellainen vastuu kymmenistä menestyneistä opiskelijoistani, jotka hajallaan ympäri maailmaa. On välttämätöntä estää heitä tekemästä virheitä, halusta kiivetä väärään ohjelmistoon, sinun täytyy kirjoittaa heille, soittaa heille, vakuuttaa heidät. Konfliktiin asti - tämä on harvinaista, mutta tapahtui, että se päättyi riitaan ja taukoon (ei minun puoleltani). Kaikki haluavat olla aikuisia, ja samalla kaikki ovat haavoittuvia, kuten lapset! He eivät toisinaan ymmärrä, että heidän hyvä laulunsa on syvä kiinnostuksen kohteeni, enkä sitä, että olen sellainen tyranni, jolla on ruoska, tulin esitykseen tai konserttiin arvostelemaan heitä ankarasti.

- Eräs hyvin vanha ja viisas opettaja musiikkikoulussa aina heti konsertin jälkeen vain kehui oppilaita ja siirsi ”selvityksen” seuraavalle päivälle. Koska lava on adrenaliinia, kritiikkiä ei joka tapauksessa oteta tosissaan taputuksen euforiassa, mutta siivet, musiikkihalu voi katketa ​​lapsen terävällä huomautuksella.

Tässä mielessä minulla on vaikea luonne. Tiedän, että teen väärin, olen tunteellinen ja kova ihminen, mutta en aina pysty hillitsemään itseäni, vaikka yritän.

Äskettäin oli yksi konsertti, erittäin epäonnistunut. Niin se tapahtui - vaikea tilanne, vähän harjoituksia, huono kontakti orkesteriin. Lopussa menin kavereiden luo ja lainasin yksinkertaisesti jälleen E.V. Obraztsovaa: "Toverit, tänään meillä ei ollut teatteria, vaan Tsuryupan mukaan nimetty klubi." Kaikista tuli tietysti hyvin surullisia, mutta tämä ei estänyt seuraavan päivän toista konserttia sujumasta paljon paremmin!

Joskus tietysti satutat opiskelijoita. Mutta sanon samalla: kaverit, mutta satutan itseäni ja loukkaan itseäni huomautuksilla, en syytä sinua kaikesta, nämä ovat yleisiä virheitämme, en itse nuku yöllä, kärsin, analysoin.

- Opettaja, joka ei moiti, on sama lääkäri, joka ei hoida!

On myös ongelmia henkisissä eroissa. Eräs kollegani, hyvin kuuluisa pianistimme ja ihana opettajamme, kerran Amerikassa kohotti ääntään sydämessään ja heitti nuotit opiskelijan suuntaan. Juuri siellä - tutkinta, poliisi, skandaali ... Siksi USA:ssa minun ei ollut helppoa tottua työskentelemään tässä suhteessa: no, joskus haluan lisätä tunteita, korottaa ääntäni opiskelijalle, mutta se on siellä mahdotonta.

Mutta on muitakin opiskelijoita! Olin järkyttynyt ensimmäisellä vierailullani mestarikurssille Houstonissa. Hyvä nuori baritoni tuli luokseni ja näytti minulle Jeletskin aaria. Lopulta tarjosin hänelle ylimääräistä oppituntia illalla. Hän halusi ohittaa Figaron cavatinan Sevillasta. Mutta kello 18, minuuttiin, pianisti nousi ja lähti - hänen työpäivänsä oli ohi, kaikki oli tiukkaa. Tajusin itsekin, että kaivaisin liian syvälle Rossinin bravuuriseen säestykseen, ja sanoin: "Laulatko vielä Jeletskia?" Hän suostui mielellään ja hämmästytti minua - muutaman tunnin aikana, jotka olivat kuluneet aamutunnista, hän korjasi kaiken! Kaikki kommenttini sanamuodosta, ääntämisestä, intonaatiosta, näyttelijäsisällöstä - kaikki otetaan huomioon!

"Kyllä, miten voit?" Minä kysyn häntä. "Maestro, istuin alas, katsoin nuotteja 15 minuuttia, kuuntelin oppituntimme nauhoitetta, ymmärsin mitä sanoit - ja aaria on nyt valmis."

Minulle se oli iloinen shokki! Palaten Moskovaan, kuinka hän moitti omia oppilaitaan tästä tapauksesta, koska ennen kuin kerrot heille kaksikymmentä kertaa, he eivät tee sitä! He tulevat tunnille ilman nauhuria, joskus jopa ilman kynää ja ylimääräistä musiikkikappaletta muistiinpanoa varten. Mitä voit sanoa? Sinun täytyy olla kova.

- Luokassasi on tyttöjä. Onko lähestymistavoissa eroa?

Poikien kanssa on jossain määrin helpompaa, mutta ilman luokassa olevia tyttöjä se olisi vain tylsää! Tietysti naisääni vaatii minulta erilaista lähestymistapaa laulutodellisuuteen, suurempaa huomion keskittymistä. Eri materiaalit ja vastaavasti erilaiset työkalut. Se vaatii enemmän ajatteluaikaa, enemmän vaivaa ja jopa teknistä tietoa ja kokemusta. Mutta kuten elämä on osoittanut, yleensä voin tehdä sen naisäänillä. Ja luokkahuoneessa eri sukupuolten läsnäolo antaa valtavan edun ohjelmistossa, voit esittää yhtyeitä, duettoja.

- Onko maailmanlaulussa yleinen kriisi 1900-luvun lopulla - 2000-luvun alussa? verrattuna esimerkiksi 1900-luvun 60-70 vuoteen, ja jos on, miksi?

Jos näin on, kriisi on aina ollut olemassa. Callasin ja Del Monacon kukoistusaikoina ihmiset puhuivat kaipauksella Ponsellen, Giglin ja Caruson ajoista ja niin edelleen, ajassa taaksepäin, 1800-luvun alkuun, täysin legendaarisiin nimiin asti. Tämä on sarjasta: "Taivas oli sinisempi ja ruoho vihreämpää."

Periaatteessa koulu on muuttunut paremmaksi ja tasaisemmaksi eri maissa, koska aloimme elää yhtenäisessä tietotilassa, saimme mahdollisuuden kuulla usein livenä tai aivan tuoreella äänitteellä kaikkea parasta maailman oopperanäyttämöiltä. Monille musiikin ystäville lentokoneeseen nousemisesta ja muutamassa tunnissa löytämisestä mistä tahansa musiikin pääkaupungista on tullut saavutettavissa olevaa todellisuutta.

Kriisi on mielestäni muualla. Vahvoja ammattilaisia ​​on nyt melko paljon, työttömät lisääntyvät keskijohtajien joukossa, mutta erinomaisia, poikkeuksellisia ääniä on hyvin vähän. Eikä edes niinkään kauneudessa, vaan voimassa, äänenvoimakkuudessa.

- Liityn kanssanne koko sydämestäni - harvat nykypäivän parhaistakin oopperalaulajista voidaan tunnistaa ilman radioilmoitusta, vaikka "vanhat ihmiset" - heti, kahdesta nuotista!

Ja tämä on myös tekniikan hinta! Kaikki alkoivat laulaa liian hyvin. Monet entiset suuret olivat tunnistettavia, poikkeuksellisia ja kauniita paitsi ansioidensa, myös "jumalallisten epäsäännöllisyyksiensä" vuoksi, kuten sama verraton Callas. Siitä puuttuu paitsi kirkkaat sointisävyt, myös ennen kaikkea yksilöllisyys, harvoja poikkeuksia lukuun ottamatta. Osittain siksi, että laulajat ovat nyt tulleet äärimmäisen riippuvaisiksi ohjaajan diktatuurista, eikä heidän ammattinsa ole oopperatalon kannalta tärkeysjärjestyksessä ensimmäisellä rivillä.

- Oi, suosikkiaiheemme koskee "uudelleenoperaattoria"! Mitä mieltä olet hänestä?

Musiikkiteatterissa on tällä hetkellä ajanjakso, jota me kaikki käymme läpi kuin sairautta tai huonoa säätä. Muistatko, kun opiskelimme musiikin historiaa ja puhuimme barokin aikakauden "oopperan kaatumisesta", "pukukonsertista"? 1900-luvun puolivälissä maailmannäyttämöillä, Callasin ja Luchino Viscontin ohella, ooppera alkoi sulautua draaman, elokuvan maailmaan, vetää kuvia maalauksesta ja jollain tapaa kohota taiteellista tasoa. Mutta sen seurauksena oopperatalo meni toiseen ääripäähän, manierismiin. Tämä on erityisen radikaalia Saksassa, niin paljon, että Peter Stein on jo jossain sanonut puhuessaan saksalaisesta oopperaohjauksesta: "Anteeksi, mutta tässä yhteydessä minusta tuntuu epämukavalta kutsua itseäni saksalaiseksi ohjaajaksi, en pidä itseäni sellaisena."

Mutta mielenkiintoista kyllä, vuosisatoja on puhuttu oopperan kuolemasta. Hän menee äärimmäisyyksiin koko ajan. Mutta kun näyttää siltä, ​​​​että kaikki on jo ohi, hän yhtäkkiä onnistuu löytämään uusia keinoja ja ilmestyä jälleen kaikessa kauneutessaan.

- Kyllä kyllä! Siksi perinteiset puvustuotannot, kuten Werther vuonna 2010 Bastille-oopperassa Pariisissa, Adrienne Lecouvreur viime kaudella Covent Gardenissa tai viimeisin Enchanted Island at the Metissä, rikkovat suosionosoitukset verhon ensimmäisestä avautumisesta.

Mutta tässä tilanteessa en haluaisi näyttää froteeortodoksilta, perääntyneeltä ja konservatiivilta. Siellä on hämmästyttävän hienovaraisia ​​ja syviä moderneja oopperoiden tuotantoja.

Jokainen päättää itse ohjaajan vakuuttavuuden ja lahjakkuuden asteen, ja sain myös henkilökohtaisen mielipiteen tästä asiasta. Uskon, että jos tuotannossa on oma syvä logiikkansa, jos jokainen "ase ampuu", niin tuotanto on menestys. Ja jos ohjaaja yksinkertaisesti kokosi esityksessä kaikki kuvat ja metaforat, jotka hän säästi edellisten vuosien seisokkeilta, eikä saa toimeentuloa, ja me istumme emmekä ymmärrä - niin miksi näin? Teoriassa kirjaimellisesti "pään päällä käveleminen" voidaan myös tehdä vakuuttavaksi, kuten Natalie Dessay osoitti elokuvassa Ariadne auf Naxos.

- Mutta eikö laulumestari Vdovin voi sanoa, että on vaikeaa eikä fysiologista kävellä ylösalaisin laulaen, seisoa oppilaiden puolesta?

Ei, valitettavasti en osaa sanoa mitään, vaikka joskus suutun monista asioista. Teatterissa - kaikki ihmiset ovat riippuvaisia, ja heidän on oltava uskollisia ohjaajan suunnitelmalle. Joskus näen, että ihmiset häpeävät lavalla jonkinlaisessa ohjaajan skenaariossa. Mistä taiteellisesta vakuuttamisesta tässä puhutaan! Ja surullisinta on, että itsekkyyttä ja oikkua lukuun ottamatta tässä ei joskus ole mitään järkeä. Mutta toisaalta olen samaa mieltä siitä, että taiteilija voidaan näyttää rumallakin tavalla, jos tässä on todella syvällinen taiteellinen tehtävä.

Olen ensikoulutukseltani teatteriasiantuntija, jonka ensimmäinen johtaja oli Pavel Aleksandrovitš Markov ja päämestari Inna Natanovna Solovjova, mahtavia ihmisiä. Löysin hyviä aikoja teatterille - kävin A. Efrosin, G. Tovstonogovin, Y. Lyubimovin esityksissä, ja Moskovassa oli niin monia kiertueita ...

- Onko olemassa opiskelijoita, jotka eivät halua "kuivuttaa" ohjaajien tyrannian alle ja ajatella itseään vain puhtaassa, kamarikonserttigenressä?

Tapasin yhden sellaisen, mutta hän ei ole opiskelijani. Hänellä on kaikki, jotta hänestä tulisi aikamme erinomainen ilmiö - tämä on basso Dmitri Beloselsky. Hän jätti kuoron, lauloi pitkään vain kantaatti-oratoriomusiikkia, konsertteja. En halunnut mennä oopperaan. Vasta äskettäin, 34-vuotiaana, hän muutti mielensä, tuli Bolshoi-teatteriin, ja luojan kiitos, niin on. Tässä iässä hänellä on enemmän mahdollisuuksia olla jättämättä kilpailua ennenaikaisesti, rakentaa pitkä menestyksekäs ura älykkäästi ja ymmärryksellä. Dmitryllä on nyt valtava menestys kaikkialla, missä hän esiintyy. Metropolitanista Bolshoihin. Mutta valitettavasti "puhtaan" konserttilaulajan on vaikea selviytyä taloudellisesti, kamaritaiteilijan ammatti on käytännössä kuolemassa. Valitettavasti!

- Onko käsitteellä "venäläinen laulukoulu" järkeä nykyään? Tältä osin viime kevään Bolshoi-teatterin nuoriso-ohjelman päättäjäiskonsertissa, jota sinä, Dmitri, johdat, yllätyin ikävästi siitä, kuinka paljon paremmin, vakuuttavammin nuoret laulajat selviytyvät länsimaisesta musiikista ja kuinka ongelmallista se on. he esittävät venäjää.

Venäläinen koulu on epäilemättä olemassa, koska siellä on valtava oopperaperintö ja venäjän kieli. Ja komponenttina - teatteriperinne. Venäläinen ohjelmisto itsessään sanelee erilaisen teknisen lähestymistavan kuin italialaisen, ranskalaisen, saksalaisen musiikin teokset. Ongelma on mielestäni se, että musiikkimme on suunniteltu pääosin erittäin vahvoille äänille, kypsille laulajille. Koska suurin osa oopperoista on kirjoitettu kahdelle keisarilliselle teatterille, jotka ovat aina olleet kuuluisia voimakkaista ja syvistä äänistään. Kysymys siitä, mistä löytää todellinen Herman tai Marfa Khovanshchinalle tänään, on yhä vaikeampi ratkaista ...

Muuten, Amerikassa Tatjanaa pidetään vahvempana ikäjuhlana kuin jopa Lisa "Peakissa". Ja Jeletski on vahvempi kuin Le nozze di Figaron kreivi. Lenskiä ja Oneginia ei myöskään pidetä nuorten rooleina, kuten meillä on tapana, vain siksi, että Pjotr ​​Iljitš kirjoitti lyyriset kohtauksensa Moskovan konservatorion opiskelijoille. Mutta siellä on erittäin tiivis orkestraatio ja monimutkainen laulutekstitura, jossa on suuria hyppyjä ylös ja alas, mitä, uskokaa minua, opettajana, eivät kaikki nuoret laulajat pysty tekemään. Ja kun otetaan huomioon se ongelmallinen akustiikka, joka meillä on monissa halleissa ja kuinka orkesterit rakastavat jyräistä, tarvitset erittäin voimakkaita vahvoja ääniä kestääksesi kaiken tämän. Anteeksi, mutta mielestäni esimerkiksi Glinkan Antonidan cavatina on niin vaikea kirjoittaa, että sopraanolle pitäisi antaa mitali siivissä hyvästä suorituksesta! Toinen arkaluontoinen kohta - venäläiset säveltäjät, kaikesta neroudesta huolimatta, eivät aina hallinneet laulukirjoituksen hienouksia. Ja tämä on ymmärrettävää - itse oopperan perinne Venäjällä ei ole niin vanha, ja monet sen edustajat oppivat tämän itse.

Lisää Glinkasta, Ruslanin sensaatiomaisen viimeisen ensiesityksen yhteydessä, nyt puhun vain laulupuolesta, koska lehdistössä oli lausuntoja, että sanotaan, ettei ole ketään laulaa kunnolla verrattuna edelliseen tuotantoon. 70-luvun Bolshoi-teatteri BA Pokrovsky. Sanon elävänä todistajana ja kuuntelijana - kyllä, siinä esityksessä oli loistava Ruslan - Jevgeni Nesterenko, Ljudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Mutta hahmojen runsauden joukossa (ja esitys oli 2-3 näyttelijänä) oli laulajia, jotka jostain tuntemattomasta syystä nousivat Bolshoi-teatterin näyttämölle, ja ei ole mikään salaisuus, että siellä oli esityksiä, joihin päässyt. saatat menettää kiinnostuksen oopperaa kohtaan sellaisenaan.

Palaan taas genrejakoon - siellä on upeita laulajia, jotka ovat ainutlaatuisia Mozartin oopperoissa, eikä sen enempää. Ja muiden pitäisi laulaa yksinomaan venäläistä musiikkia - tämä on heidän vahvuutensa. Mutta kun he alkavat laulaa tätä ja sitä, se on pahempaa Mozartille, Glinkalle ja kuulijoille.

- Valitettavasti kaikilla laulajilla ei ole omaa raittiista analyyttistä mieltä ja tahtoa kieltäytyä seikkailunhaluisista projekteista, kuten Dmitri Korchakistasi, jolle on jo tarjottu laulamaan Hermania!

Kyllä, Dima on hieno tässä mielessä, mutta se, että hänen ohjelmistossaan on niin vähän venäläistä musiikkia, koska hänen äänensä on liian kevyt - on sääli, hän tekee sen erittäin hyvin. Ja muuten myös Vasily Ladyuk. Muistan illan, jolloin hän esitti venäläisiä romansseja - vaikka en pidä orkestroiduista kamariteoksista, Mikhail Pletnev teki sen hämmästyttävän hyvin, yksi parhaista konserteista musiikin merkitykseen tunkeutuessa tapahtui!

Yleisesti ottaen venäläisen musiikin laulamiseksi hyvin täytyy työskennellä kovasti päästäksenne eroon valtavasta määrästä omia kliseitämme tuoreuden tunteen menettämisestä. Välillä ulkomaalaisilla on yllättäviä uusia sävyjä, ja välillä me tahdomme tajuamme perinteen urtekstinä, kliseisenä tallenteena venäläisen skenen tunnustetusta klassikosta kauan sitten.

- Vanhojen levyjen "kuulemisesta". Svjatoslav Teofilovich Richterin lausunto on jo pitkään upposi sieluun, että nykyaikainen nuoriso, joka on pilaantunut äänentallennuslaitteiden saatavuudesta, tottuu jatkuvasti kontrolloimaan itseään ulkopuolelta esityksen jälkeen. Ja aiemmat muusikoiden sukupolvet, joilta oli riistetty tämä sivilisaation siunaus, kehittivät niin sanotun "esikuuntelun", eli kyvyn tuntea seuraava musiikkilause etukäteen sisäkorvalla.

Asiaan. Kuulin hiljattain äänitallenteen Metistä - "Figaron häät". Ja yhtyeiden aikana en joskus ymmärtänyt ilman nuotteja istuen, kuka nyt soitti - kreivitär, Susanna vai Cherubino. Koska kaikki kolme, anteeksi, pikku Rene Fleming! Tietenkin äänitallenteiden saatavuus kaikesta ja kaikista, You Tube jne. jättävät jälkensä moderneihin esiintyjiin, ja kliseinen tulkinta tulee täältä.

- Mutta sallitko sinä henkilökohtaisesti opiskelijoiden käyttää tekniikkaa tunneilla, esityksissä?

sallin kyllä. Teatteri-ihmisenä ymmärrän, että kun alkaa rakentamaan tehtäviä kavereiden kanssa, etsimään tämän tai toisen musiikkikuvan alkuperää, syitä ja seurauksia, niin kliseet katoavat, muiden ääni- ja videotallenteiden paine katoaa.

- Tarvitsevatko laulajat historiallista kontekstia, tietoa sankarinsa toiminnan ajasta ja paikasta, kirjailijan elämäkerrasta?

No tottakai! Oopperataiteilijan, laulajan on oltava koulutettu ihminen! Teoksen, tekstin täyttämiseksi merkityksellä - jopa äidinkielellä on välttämätöntä ymmärtää paitsi sanoja, myös koko hahmon, juonen, historiallisten yhteyksien tilanne, jos sellainen on materiaali. On kauheaa, kun nuoret eivät tiedä romanssien tekstejä kirjoittaneiden runoilijoiden nimiä tai kun he ovat ymmällään, missä Flanderi sijaitsee, josta lauletaan Don Carlosin aariassa. Tai ei kuvittele, että aaria on osoitettu kumppanille ja pohjimmiltaan tämä on duetto.

Tärkeintä on kehittää laulajassa taiteellista mielikuvitusta, saada hänet näkemään ja ymmärtämään, mitä on syvyyksissä ja rivien välissä.

- Hieman provosoiva kysymys: mitä pidät - laulajan loistavasta laulusta yhdistettynä rajoitettuun taiteelliseen ja epämääräiseen ulkonäköön vai päinvastoin kirkkaaseen taiteelliseen hyvin maltilliseen lauluun?

Henkilökohtaisesti olen nyt mieluummin kotona tällaisessa tilanteessa! Mutta vakavasti, oopperassa loistava taiteellisuus yhdistettynä keskinkertaiseen lauluun on sopimatonta, voi olla, että siellä on voimaltaan tai sointiltaan merkityksetön vokalisti, mutta hänen on hallittava instrumenttinsa täysin. Muuten ei millään tavalla hoikka vartalo, säännölliset kasvonpiirteet ja näyttelemisen plastisuus, jos nuotit unohdetaan, eivät pelasta - mitä tehdä, synteettinen genre.

Siksi arvostamme niin harvinaisimpia esimerkkejä kaiken harmoniasta: ilmiömäinen ääni, musikaalisuus, valtava näyttelijätemperamentti yhdistettynä kirkkaaseen, erittäin rohkeaan kauneuteen - sellainen oli Vladimir Andreevich Atlantov lavalla, joka hallitsi Bolshoin lavalla. Teatteri. Minulla oli ilo tavata hänet opiskeluvuosinani. Atlantov ei luultavasti ollut esimerkki ihanteellisesta, hienostuneesta laulukoulusta, mutta hän antoi minulle paljon ymmärryksen kannalta oopperalaulun prosessista, millainen todellisen Taiteilijan pitäisi olla.

Haastatteli Tatyana Elagina

Vuodesta 1987 vuoteen 1992 - Neuvostoliiton teatterityöntekijöiden liiton musiikkiteatterialan työstä vastaava työntekijä.

Vuosina 1992-93 Valmistunut laulunopettajaksi Euroopan ooppera- ja laulutaiteen keskuksessa (ECOV) Belgiassa Michael Elaysenin johdolla, joka on Philadelphian Curtis Institute of Musicin lauluosaston johtaja.

Vuonna 1992 Dmitri Vdovinista tuli Moskovan musiikki- ja teatterikeskuksen taiteellinen johtaja - taidetoimisto, joka teki yhteistyötä suurten teattereiden, festivaalien ja musiikkiorganisaatioiden kanssa.

Vuodesta 1996 lähtien Dmitry Vdovin on työskennellyt suuren venäläisen laulajan Irina Arkhipovan kanssa opettajana ja johtajana hänen Summer Schoolissaan, isäntänä hänen televisio- ja konserttiprojekteissaan.

Vuodesta 1995 - opettaja, 2000-05. - State Musical Collegen lauluosaston johtaja. Gnesins, 1999-2001. - Venäjän musiikkiakatemian opettaja. Gnesiinit.
Vuosina 2001-03 - Kuorotaiteen akatemian soololaulun osaston johtaja. V.S.Popova (vuodesta 2001 - apulaisprofessori, vuodesta 2008 - Taideakatemian professori).

Dmitry Vdovin piti mestarikursseja monissa Venäjän kaupungeissa sekä Yhdysvalloissa, Meksikossa, Italiassa, Kanadassa, Latviassa, Ranskassa ja Puolassa. Hän oli Houston Grand Operan (HGO Studio) nuoriso-ohjelman pysyvä vieraileva opettaja.

Vuosina 1999-2009 - Moskovan kansainvälisen Vocal Excellence -koulun taiteellinen johtaja ja opettaja, joka mahdollisti tulemisen Moskovaan työskentelemään Venäjän, Yhdysvaltojen, Italian, Saksan ja Iso-Britannian suurimpien oopperanopettajien ja asiantuntijoiden nuorten laulajien kanssa. Tämän koulun kautta kulkivat uuden vuosisadan ensimmäisen vuosikymmenen kirkkaimmat nuoret kotimaiset oopperatähdet.

Monien arvostettujen laulukilpailujen - International Competition - tuomariston jäsen. M. Glinka, I All-Russian Music Competition, International Vocal Competition. GB Viotti (Italia), kansainväliset kilpailut Pariisissa ja Bordeaux'ssa (Ranska), kansainvälinen kilpailu Competizione dell'Opera, kansainvälinen kilpailu Montrealissa (Kanada), tv-kanava "Culture" "Big Opera" ja monet muut .

Vuodesta 2009 - Venäjän Bolshoi-teatterin nuorisooopperaohjelman taiteellinen johtaja.

Hänen oppilaidensa joukossa on arvostetuimpien kilpailujen voittajia, maailman suurimpien teattereiden, kuten Bolshoi Theatre, La Scala, Metropolitan Opera, Royal Opera Covent Garden, Wienin valtionooppera, Berliinin valtionooppera, johtava solistit, Pariisin kansallisooppera, Real Theatre Madridissa ja monet muut.

Tunnettu laulunopettaja, Bolshoi-teatterin nuorisoohjelman johtaja Dmitri Vdovin piti interaktiivisen mestarikurssin Yury Bashmet Winter International Music Festivalilla Sotšissa.

Kun ajoin tänne, en ollut varma, että joku olympialaisten aikana olisi kiinnostunut laulunopettajan mestarikurssista, Vdovin myönsi heti. - Mutta olette keränneet, mikä tarkoittaa, että musiikkia kohtaan on kiinnostusta jopa olympialaisissa. Työskentelemme äänen kanssa, eikä tämä ole instrumentti, jonka voi puhdistaa rievulla ja laittaa nurkkaan. Tämä on koko työmme monimutkaisuus.

Yuri Bashmetin festivaalien mestarikurssien ominaisuus on maantiede. Rostelecom-yrityksen kanssa tehdyn yhteistyön ansiosta festivaaleille saapunut opettaja johtaa mestarikurssin useissa kaupungeissa kerralla. Videosarjat asennetaan musiikkikoulujen saleihin, ääni ja kuva tulevat viipymättä Sotšin filharmonikkojen urkusaliin. Tällä kertaa mestarikurssi osallistui ja mikä tärkeintä, Rostov, Jekaterinburg, Samara ja Novosibirsk osallistuivat siihen.

Mutta he aloittivat saman Sotshissa. Ensimmäisenä lavalle uskalsi astua Sotšin taidekoulun 2. vuoden opiskelija David Chikradze, joka lauloi kuuluisalle opettajalle aaria Händelistä, Demonin toisesta romanssista.

Sinulla on kaunis baritoni, mutta julkiseen esitykseen he valitsivat teoksen, jossa piti mennä alueen ulkopuolelle. Mutta ensin tärkeä huomautus. Mestarikurssille tullessasi sinulla pitäisi olla kolme nuottisarjaa - yksi säestäjälle, toinen opettajalle ja kolmas itsellesi. Miksi itsellesi? Koska olet huolissasi ja todennäköisesti unohdat paljon sanotusta, sinun on tehtävä muistiinpanoja kopioosi.

Erityisen tiukasti Dmitri Vdovin nuhteli nuoria taiteilijoita sumeasta tai väärästä ääntämisestä - sekä venäjäksi että italiaksi.

Ääntäminen on erittäin tärkeää. Usein joutuu laulamaan italiaksi, lisäksi useat sadat miljoonat ihmiset puhuvat tätä kieltä. Oikea ääntäminen antaa sinulle avaimen suorituskykyyn, kuuntele italialaisten lauseiden ääntämisen kauneutta!

Toinen ominaisuus, jota Vdovin ei jättänyt huomioimatta, on laulajan orgaaninen luonne.

Laulamisen tulee olla spontaania, luonnollista. Kuten Oscar Wilde sanoi, vaikein asia on olla luonnollinen. Joten laulamisen kannalta tärkeintä on pysyä luonnollisena. Nyt oopperassa teatterin ohjaajan rooli on noussut entistä tärkeämmäksi, oopperataiteilijoiden on tehtävä lujasti töitä kuvien parissa ja luonnollisuus on roolin tärkein apulainen. Laula suurella nautinnolla – nauti lentävästä kauniista äänestä.

Ja mestari muistutti baritoni Davidia:

Händelillä ei ole osia baritoneille, itse baritonit ilmestyivät vasta 1800-luvulla. Jätetään tämä aaria tenoreille ja kontratenoreille, ja sinä etsit jotain sopivampaa äänellesi.

Seuraava koe oli 12-vuotias poika Samarasta, Valeri Makarov, joka osoitti kaunista diskanttia yli vuosien.

Sinulla on kaunis ääni ja musikaalisuus, ja tämä on tärkeää. Erilliset asiantuntijat työskentelevät lasten kanssa, en tee tätä, mutta sanon muutaman ajatuksen. Tämä on suloinen biisi! Ei se, jossa sinun täytyy näyttää äänen voimakkuus, paine. Heti kun vaihdoit pehmeisiin väreihin, kävi heti selväksi, mistä laulat. Mistä laulu kertoo? Laulun sankarilla on vanha äiti, jolle hän laulaa, että palaa ehdottomasti hänen luokseen ja halaa häntä. Onko sinulla nuori äiti?

Joo! Valera vastasi epäröimättä.

Ja tämän laulun sankari on jo vanha. Ja mitä tulee ääntämiseen. Italiassa on sanoja, jotka lausutaan "mamma" ja "mama" - niillä on eri merkitys - "äiti" ja "rakastan sinua". Tässä laulussa - "äiti". Yritä laulaa sielullisemmin. Sinulla on kaunis sointi - ja sointi on kaunein asia äänessä.

Toinen Samaran edustaja lauloi liiallisella painostuksella. Vdovin alkoi selittää säästäväisyydestä visuaalisilla keinoilla.

Ennen melodian nostamista ääni peitetään. Kannen tarkoitus ei ole työntää ääntä taaksepäin ja alas, vaan tehdä siitä kirkkaampi! Pitää laulaa enemmän musiikillisesti. Kun nuori mies tulee ulos, tietysti kaikki odottavat ääntä, mutta vielä enemmän - he odottavat lahjakkuutta. Ääniä on paljon. Mutta tapahtuu, että ääni on pieni, mutta kaikki sanovat - kuinka hän laulaa! Kiinnitä huomiota itse materiaalin esittämiseen.

Novosibirskin esitteli 18-vuotias Irina Kolchuganova laulaen lempeästi ja arasti Gildan aaria Verdin Rigolettosta. Vdovin kiinnitti huomiota siihen, kuinka hän kutsui teosta.

Kun ilmoitat, minkä aarian laulat, lisää aina aarian ensimmäiset sanat nimeen - niin kaikki eri maiden kuulijat ymmärtävät, mitä aiot laulaa.

Laulat pehmeästi. Laulojemme ongelma, joita kuuntelen Bolshoi-teatterissa ja kilpailuissa, on se, että he eivät arvosta hellyyttä. Esiintyjät haluavat heti aggressiota, voimakasta toimitusta, he yrittävät laulaa niitä osia, jotka on kirjoitettu vahvemman koneiston laulajille. Ja hellyys - se koskettaa kuulijoita sydämestä. Säästä tämä arkuus, hauraus itsessäsi - tee siitä eduksesi.

Vdovin antoi toisen arvokkaan neuvon materiaalin esittämiskyvystä.

Toinen nimi tälle aarialle on "The Story". Sinun täytyy nähdä henkilö, jolle kerrot tämän tarinan, ja hänen on kerrottava aaria. Gilda kertoo kuinka hän hiipi rakkaansa taakse - no, täällä ei voi laulaa fortea! Kaikki tietävät, miten ensirakkaudessa käy - hiipiminen, tämä on erityinen tunne - ja se on näytettävä kuuntelijalle.

Rostov oli seuraavana videolähetyksessä. 21-vuotias baritoni Vadim Popechuk lauloi äärimmäisen tunteellisesti Leoncavalloa. Ensinnäkin Vdovin kiinnitti huomion Rostovin musiikkiopiston salissa jyliseviin suosionosoituksiin.

Taiteilija on niin vaikea ammatti, että häntä pitää tukea ja - taputtaa! Usein monet asiantuntijat istuvat Bolshoi-teatterin salissa koesoittoihin, mutta taiteilija lauloi - eikä kukaan taputtanut. arvonsa alapuolella. Ja pitää taputtaa!

Vadimin esityksestä mestari sanoi näin:

21 vuotta ei riitä baritonille. Aaria on kirjoitettu täyteläiselle äänelle, kypsälle baritonille. Leoncavallossa on jo paljon tunteita, eikä tunteisiin tarvitse nojata, pysyä legatossa, muuten ei italialainen, vaan mustalainen intonaatio ilmestyy.

Dmitri Vdovin muotoili toisen tärkeän postulaatin jälkeen:

Ammattimme liittyy kummallista kyllä ​​matematiikkaan. Sinun on laskettava jokainen lepo, jokainen sävel ja jokaisen fermatan kesto. Minkä vuoksi? Tämä on tärkeää, jotta yleisö tarttuu tunteillasi ehdotetuissa olosuhteissa - olemme teatterissa. Laulajan on tiedettävä etukäteen tarkasti kunkin sävelen kesto, tietää milloin hän hengittää, - laskea kaikki millisekuntien tarkkuudella.

Ja sitten se todellinen vetovoima alkoi. Vdovin huomasi salissa baritoni Andrei Žilikhovskin, joka osallistuu hänen valvomaansa Bolshoi-teatterin nuorisoohjelmaan, ja tuli Sotšiin laulamaan Juri Bashmetin tuotannossa Eugene Onegin. Ja Andrei Zhilikhovsky kutsuttiin lavalle ja tarjoutui laulamaan hänelle dueton Vadimin kanssa, kupletteja vuorotellen. Huomattuaan Žilikhovskin hämmentyneen katseen hän selitti, että he tulevat Rostovista. Ja se toimi! Yhteys osoittautui vakaaksi, ilman pienintäkään viivettä (jotka näemme usein televisiokanavien suorissa lähetyksissä), - kaksi baritonia lauloi vuorotellen sulautuen yhteen koodaan.

En todellakaan pidä mestarikursseista, koska siellä on vähän, mitä voidaan todella korjata. Mutta se antaa minun antaa ajatuksia... Nyt tilanne on hämmästyttävä, istumme Mustanmeren rannikolla, Andrey on Moldovasta, Vadim ja saattaja ovat Rostovissa. Meillä on omat olympialaiset!

Toinen sisällytys Jekaterinburgista. 15-vuotias tenori Aleksanteri lauloi Tšaikovskin romanssin "Keskellä meluisaa palloa".

Materiaali on hieman epätarkka - hyviä kappaleita on monia, mutta tämä romanssi on monille vanhemmille ihmisille, joilla on suuri elämänkokemus. Mutta lauloit niin koskettavalla tavalla, että se on erittäin arvokasta, ja sinun on säilytettävä tämä lanka elämäsi ajan. Laula kaikki lauseet venäjäksi. Ei "putki", vaan "putki". Ei "ohut", se on vanhentunut ääntäminen, vaan "ohut". Laula kaikki lauseet niin kuin niiden pitäisi kuulua venäjän kielen sääntöjen mukaan - ja se tulee paljon selkeämmin ja vahvemmin. Et voi laulaa vokaalia "U" - se menee "O": hen, ja tekstin käsitys kärsii tästä, mikä on erityisen tärkeää romanssille.

Lopuksi Dmitri Vdovin antoi neuvoja kaikille nuorille esiintyjille.

Neuvon aina nuoria artisteja - laula kaikkialla ja kaikille, jotka voit. Näytä kaikkialla, osallistu kilpailuihin. Maa on suuri, ja siitä on erittäin vaikea murtautua. Jokainen voi hakea pääsyä Bolshoi-teatterin nuorisoohjelmaan. Ilmoitus nuoriso-ohjelmaan pääsystä ilmestyy pian Bolshoi-teatterin verkkosivustolle, lähetä sähköinen hakemus - ja kuuntelemme sinua. Muista, että aina löytyy joku, joka kuuntelee sinua jossain festivaaleilla, neuvoo, kutsuu jonnekin, auttaa - näin työelämämme toimii.

Mestarikurssi päättyi Aleksei Tolstoin säkeisiin perustuvaan Tšaikovskin romanssiin "Keltaisille kentälle" baritoni Andrei Žilikhovskin esittämänä.

Vadim Ponomarev
Valokuva - Aleksei Molchanovski