Tunnetuimpia klassisia musiikkikappaleita. Tunnetuimmat klassiset musiikkikappaleet Erilaiset kosketinkieliset soittimet

Joten huomiomme keskittyy tänään tunnetuimpiin klassiseen musiikkiin. Klassinen musiikki on vuosisatojen ajan jännittänyt kuulijoitaan aiheuttaen heille tunteiden ja tunteiden myrskyjä. Se on pitkään ollut osa historiaa ja kietoutuu ohuilla langoilla nykypäivään.

Epäilemättä kaukaisessa tulevaisuudessa klassisella musiikilla ei ole vähemmän kysyntää, koska tällainen ilmiö musiikkimaailmassa ei voi menettää merkitystään ja merkitystään.

Nimeä mikä tahansa klassikkokappale – se on minkä tahansa musiikkilistan ensimmäisen paikan arvoinen. Mutta koska tunnetuimpia klassisia musiikkiteoksia ei voi verrata keskenään, niiden taiteellisen ainutlaatuisuuden vuoksi tässä nimetyt opukset esitetään vain tutustumisteoksina.

"Moonlight Sonata"

Ludwig van Beethoven

Kesällä 1801 loistava työ L.B. Beethoven, jonka oli määrä tulla kuuluisaksi kaikkialla maailmassa. Tämän teoksen nimi "Moonlight Sonata" on tuttu ehdottoman kaikille, vanhoista nuoriin.

Mutta alun perin teoksella oli otsikko "Almost Fantasy", jonka kirjoittaja omisti nuorelle opiskelijalleen, rakkaalle Juliet Guicciardille. Ja nimen, jolla se tunnetaan tähän päivään, keksi musiikkikriitikko ja runoilija Ludwig Rellshtab L.V.:n kuoleman jälkeen. Beethoven. Tämä teos kuuluu yhteen säveltäjän tunnetuimmista musiikkikappaleista.

Muuten, erinomaista klassisen musiikin kokoelmaa edustavat "Komsomolskaya Pravda" -sanomalehden versiot - CD-kirjoja, joissa on levyjä musiikin kuunteluun. Voit lukea ja kuunnella hänen musiikkiaan - erittäin kätevää! Suositeltava tilaa klassisen musiikin levyjä suoraan sivultamme : paina "osta"-painiketta ja mene heti kauppaan.

"Turkkilainen maaliskuu"

Wolfgang Amadeus Mozart

Tämä teos on kolmas osa Sonaatista nro 11, se syntyi vuonna 1783. Aluksi sitä kutsuttiin "Turkish Rondoksi" ja se oli erittäin suosittu itävaltalaisten muusikoiden keskuudessa, jotka myöhemmin nimesivät sen uudelleen. Teokselle annettiin myös nimi "Turkish March", koska se on sopusoinnussa turkkilaisten janissary-orkestereiden kanssa, joille rumpujen ääni on hyvin tyypillistä, mikä voidaan jäljittää V.A.:n "Turkish March" -teoksessa. Mozart.

"Ave Maria"

Franz Schubert

Säveltäjä itse kirjoitti tämän teoksen W. Scottin runoon "Järven neitsyt" tai pikemminkin sen katkelmaan, eikä hän aikonut kirjoittaa niin syvästi uskonnollista sävellystä kirkolle. Jonkin aikaa teoksen ilmestymisen jälkeen tuntematon muusikko asetti "Ave Maria" -rukouksen inspiroima tekstin nerokkaan F. Schubertin musiikkiin.

"Impromptu Fantasia"

Frederic Chopin

F. Chopin, romantiikan ajan nero, omisti tämän teoksen ystävälleen. Ja juuri hän, Julian Fontana, ei totellut kirjoittajan ohjeita, julkaisi sen vuonna 1855, kuusi vuotta säveltäjän kuoleman jälkeen. F. Chopin uskoi, että hänen teoksensa oli samanlainen kuin kuuluisan säveltäjän ja pianistin Beethovenin opetuslapsen I. Moshelesin improvisaatio, mikä oli syynä Fantasia-Impromptun julkaisematta jättämiseen. Tätä loistavaa teosta ei kuitenkaan ole koskaan pidetty plagiointina, paitsi kirjailija itse.

"Kimalaisen lento"

Nikolai Rimski-Korsakov

Tämän teoksen säveltäjä oli venäläisen kansanperinteen fani - hän oli kiinnostunut saduista. Tämä johti oopperan "Tarina tsaari Saltanista" luomiseen A.S.:n juonen pohjalta. Pushkin. Osa tätä oopperaa on välikappale "Flight of the Bumblebee". Jäljitteli teoksessa mestarillisesti, uskomattoman elävästi ja loistavasti tämän hyönteisen lennon ääniä N.A. Rimski-Korsakov.

"Caprice nro 24"

Niccolo Paganini

Aluksi kirjailija sävelsi kaikki otukset yksinomaan parantaakseen ja hioakseen viulunsoittotaitoa. Loppujen lopuksi he toivat viulumusiikkiin paljon uutta ja tuntematonta. Ja 24. caprice, viimeinen N. Paganinin säveltämästä kapriisista, kantaa nopeaa tarantellaa kansanmusiikkiin, ja se on myös tunnustettu yhdeksi viululle koskaan luoduista teoksista, joille ei ole vertaansa vailla monimutkaisuus.

"Vocalise, opus 34, nro 14"

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Tämä teos päättää säveltäjän 34. opuksen, joka yhdistää neljätoista laululle kirjoitettua laulua pianosäestykseen. Vocalise, kuten odotettiin, ei sisällä sanoja, vaan se suoritetaan yhdellä vokaaliäänellä. S.V. Rahmaninov omisti sen oopperalaulaja Antonina Nezhdanovalle. Hyvin usein tämä kappale esitetään viululla tai sellolla pianon säestyksellä.

"Kuutamo"

Claude Debussy

Tämän teoksen säveltäjä on kirjoittanut ranskalaisen runoilijan Paul Verlainen runon rivien vaikutelmana. Nimi välittää hyvin selkeästi sen pehmeyden ja koskettavan melodian, joka vaikuttaa kuuntelijan sieluun. Tämä nerokkaan säveltäjän C. Debussyn suosittu teos soi 120 eri sukupolvien elokuvassa.

Kuten aina, paras musiikki on ryhmämme kontaktissa .

Kuuntele jotain klassikoista - mikä voisi olla parempaa ?! Varsinkin viikonloppuisin, kun haluat rentoutua, unohtaa päivän huolet, työviikon huolet, haaveilla kauniista ja vain piristää itseäsi. Ajatelkaapa, klassiset teokset ovat neroiden kirjailijoiden luomia niin kauan sitten, että on vaikea uskoa, että jokin voi kestää niin monta vuotta. Ja näitä teoksia rakastetaan ja kuunnellaan edelleen, ne luovat sovituksia ja moderneja tulkintoja. Myös nykyaikaisessa käsittelyssä loistavien säveltäjien teokset pysyvät klassisena musiikina. Kuten hän myöntää, klassiset teokset ovat loistavia, ja kaikki nerokas ei voi olla tylsää.

Todennäköisesti kaikilla suurilla säveltäjillä on erityinen korva, erityinen herkkyys sävelle ja melodialle, minkä ansiosta he pystyivät luomaan musiikkia, josta nauttivat kymmenet sukupolvet paitsi heidän maanmiestensä, myös klassisen musiikin ystävien ympäri maailmaa. Jos olet edelleen epävarma, rakastatko klassista musiikkia, sinun on tavattava, ja olet vakuuttunut siitä, että itse asiassa olet jo pitkäaikainen upean musiikin fani.

Ja tänään puhumme 10 kuuluisimmista säveltäjästä maailmassa.

Johann Sebastian Bach

Ensimmäinen paikka kuuluu ansaitusti. Saksassa syntyi nero. Lahjakkain säveltäjä kirjoitti musiikkia cembalolle ja urkuille. Säveltäjä ei luonut uutta musiikkityyliä. Mutta hän pystyi luomaan täydellisyyttä kaikissa aikansa tyyleissä. Hän on kirjoittanut yli 1000 sävellystä. Hänen teoksissaan Bach yhdisti erilaisia ​​musiikkityylejä, joihin hän tutustui elämänsä aikana. Musiikillinen romantiikka yhdistettiin usein barokkityyliin. Elämässä Johann Bach säveltäjänä hän ei saanut ansaitsemaansa tunnustusta, kiinnostus hänen musiikkiaan kohtaan heräsi lähes 100 vuotta hänen kuolemansa jälkeen. Nykyään häntä kutsutaan yhdeksi kaikkien aikojen suurimmista maan päällä eläneistä säveltäjistä. Hänen ainutlaatuisuutensa ihmisenä, opettajana ja muusikkona heijastui hänen musiikissaan. Bach loi perustan modernille ja modernille musiikille jakaen musiikin historian Bachia edeltävään ja post-Bachiin. Uskotaan, että musiikki Bach synkkä ja synkkä. Hänen musiikkinsa on melko perustavanlaatuista ja kiinteää, hillittyä ja keskittynyttä. Kuten kypsän, viisaan ihmisen heijastukset. Luominen Bach vaikutti moniin säveltäjiin. Jotkut heistä ottivat esimerkin hänen teoksistaan ​​tai käyttivät teemoja niistä. Ja muusikot kaikkialta maailmasta soittavat musiikkia Bach ihaillen hänen kauneuttaan ja täydellisyyttään. Yksi sensaatiomaisimmista teoksista - "Brandenburgin konsertit"- erinomainen todiste musiikista Bach ei voida pitää liian synkkänä:

Wolfgang Amadeus Mozart

Sitä pidetään oikeutetusti nerona. 4-vuotiaana hän soitti jo vapaasti viulua ja cembaloa, 6-vuotiaana hän alkoi säveltää musiikkia ja 7-vuotiaana hän improvisoi taitavasti cembaloa, viulua ja urkuja kilpaillen kuuluisien muusikoiden kanssa. Jo 14-vuotiaana Mozart- tunnustettu säveltäjä ja 15-vuotiaana - Bolognan ja Veronan musiikkiakatemioiden jäsen. Luonteeltaan hänellä oli ilmiömäinen korva musiikille, muisti ja kyky improvisoida. Hän on luonut hämmästyttävän määrän teoksia - 23 oopperaa, 18 sonaattia, 23 pianokonserttoa, 41 sinfoniaa ja paljon muuta. Säveltäjä ei halunnut matkia, hän yritti luoda uuden mallin, joka heijastaa musiikin uutta persoonallisuutta. Ei ole sattumaa, että musiikki Saksassa Mozart kutsutaan "sielun musiikiksi", teoksissaan säveltäjä osoitti vilpittömän, rakastavan luonteensa piirteitä. Suurin melodisti piti oopperaa erityisen tärkeänä. Ooppera Mozart- aikakausi tämäntyyppisen musiikkitaiteen kehityksessä. Mozart tunnustettu laajalti yhdeksi suurimmista säveltäjistä: hänen ainutlaatuisuutensa piilee siinä, että hän työskenteli kaikissa aikansa musiikillisissa muodoissa ja saavutti suurimman menestyksen. Yksi tunnetuimmista kappaleista - "Turkkilainen maaliskuu":

Ludwig van Beethoven

Toinen suuri saksalainen oli tärkeä hahmo romanttisen ja klassisen kauden aikana. Jopa ne, jotka eivät tiedä klassisesta musiikista mitään, tietävät sen. Beethoven On yksi maailman esitetyimmistä ja arvostetuimmista säveltäjistä. Suuri säveltäjä oli todistamassa Euroopassa tapahtuneita valtavia mullistuksia ja piirsi sen kartan uudelleen. Nämä suuret vallankaappaukset, vallankumoukset ja sotilaalliset yhteenotot näkyivät säveltäjän teoksissa, erityisesti sinfonisissa. Hän esitti musiikkiin sankarillisen taistelun kuvia. Kuolemattomissa teoksissa Beethoven kuulet ihmisten taistelun vapauden ja veljeyden puolesta, horjumattoman uskon valon voittoon pimeydestä sekä unelmia ihmiskunnan vapaudesta ja onnellisuudesta. Yksi hänen elämänsä kuuluisimmista ja yllättävistä faktoista on, että korvasairaus kehittyi täydelliseksi kuuroudeksi, mutta tästä huolimatta säveltäjä jatkoi musiikin kirjoittamista. Häntä pidettiin myös yhtenä parhaista pianisteista. Musiikki Beethoven yllättävän yksinkertainen ja ymmärrettävä laajimmalle yleisölle. Vaihtelevat sukupolvet ja jopa aikakaudet ja musiikki Beethoven edelleen kiihottaa ja ilahduttaa ihmisten sydämiä. Yksi hänen parhaista teoksistaan ​​- "Moonlight Sonata":

Richard Wagner

Suuren nimellä Richard Wagner liittyy useimmiten hänen mestariteoksiinsa "Hääkuoro" tai "Valkyrioiden lento"... Mutta hänet tunnetaan paitsi säveltäjänä, myös filosofina. Wagner piti musiikkiteoksiaan tapana ilmaista tiettyä filosofista käsitettä. KANSSA Wagner Oopperoiden uusi musiikillinen aikakausi alkoi. Säveltäjä yritti tuoda oopperan lähemmäs elämää, musiikki on hänelle vain keino. Richard Wagner- musiikkidraaman luoja, oopperoiden ja kapellimestaritaiteen uudistaja, musiikin harmonisen ja melodisen kielen uudistaja, uusien musiikillisen ilmaisun muotojen luoja. Wagner- maailman pisimmän sooloaarian (14 minuuttia 46 sekuntia) ja maailman pisimmän klassisen oopperan (5 tuntia ja 15 minuuttia) kirjoittaja. Elämässä Richard Wagner pidettiin kiistanalaisena henkilönä, jota joko ihailtiin tai vihattiin. Ja usein molemmat yhdessä. Mystinen symboliikka ja antisemitismi tekivät hänestä Hitlerin suosikkisäveltäjän, mutta sulkivat tien hänen musiikilleen Israeliin. Säveltäjän kannattajat tai vastustajat eivät kuitenkaan kiellä hänen suuruuttaan säveltäjänä. Loistavaa musiikkia ensimmäisistä nuoteista Richard Wagner imee sinut jälkiä jättämättä tilaa kiistoihin ja erimielisyyksiin:

Franz Schubert

Itävaltalainen säveltäjä on musiikillinen nero, yksi parhaista lauluntekijöistä. Hän oli vain 17-vuotias, kun hän kirjoitti ensimmäisen kappaleensa. Hän pystyi kirjoittamaan 8 kappaletta yhdessä päivässä. Luovan elämänsä aikana hän loi yli 600 sävellystä, jotka perustuivat yli 100 suuren runoilijan säkeisiin, mukaan lukien Goethe, Schiller ja Shakespeare. Niin Franz Schubert top 10:ssä. Vaikka luovuus Schubert hyvin monipuolinen, genren, ideoiden ja reinkarnaatioiden käytössä laulu- ja laulutekstit ovat hallitsevia ja määrittäviä hänen musiikissaan. Ennen Schubert laulua pidettiin merkityksettömänä genrenä, ja juuri hän nosti sen taiteellisen täydellisyyden tasolle. Lisäksi hän yhdisti näennäisesti toisiinsa liittymättömän laulun ja kamarisinfonisen musiikin, mikä synnytti uuden suunnan lyyr-romanttiseen sinfoniaan. Laulu- ja laulutekstit ovat yksinkertaisten ja syvien, hienovaraisten ja jopa intiimien inhimillisten kokemusten maailma, joita ei ilmaista sanoilla, vaan äänellä. Franz Schubert eli hyvin lyhyen elämän, vain 31-vuotiaana. Säveltäjän teosten kohtalo ei ole vähemmän traaginen kuin hänen elämänsä. Kuoleman jälkeen Schubert monet julkaisemattomat käsikirjoitukset säilyivät kirjahyllyissä ja sukulaisten ja ystävien laatikoissa. Jopa lähimmät ihmiset eivät tienneet kaikkea, mitä hän kirjoitti, ja monta vuotta hänet tunnustettiin pääasiassa vain laulun kuninkaaksi. Jotkut säveltäjän teoksista julkaistiin vasta puoli vuosisataa hänen kuolemansa jälkeen. Yksi rakastetuimmista ja kuuluisimmista teoksista Franz Schubert – "Iltaserenade":

Robert Schumann

Yhtä traagisen kohtalon omaava saksalainen säveltäjä on yksi romanttisen aikakauden parhaista säveltäjistä. Hän loi hämmästyttävän kaunista musiikkia. Saadaksesi käsityksen 1800-luvun saksalaisesta romantiikasta, kuuntele vain "Karnevaali" Robert Schumann... Hän pystyi murtautumaan klassisen aikakauden musiikillisista perinteistä luomalla oman tulkinnan romanttisesta tyylistä. Robert Schumann hänellä oli monia kykyjä, eikä edes pitkään aikaan osannut päättää musiikin, runouden, journalismin ja filologian välillä (hän ​​oli monikielinen ja käännetty sujuvasti englannista, ranskasta ja italiasta). Hän oli myös hämmästyttävä pianisti. Ja silti tärkein kutsumus ja intohimo Schumann siellä oli musiikkia. Hänen runollisessa ja syvästi psykologisessa musiikissaan musiikki heijastelee pitkälti säveltäjän luonteen kaksinaisuutta, intohimoa ja vetäytymistä unelmamaailmaan, mautonta todellisuuden tajuamista ja pyrkimystä ihanteelliseen. Yksi mestariteoksista Robert Schumann, joka kaikkien tulee kuulla:

Frederic Chopin

Ehkä tunnetuin puolalainen musiikkimaailmassa. Ei ennen eikä jälkeenkään säveltäjä syntynyt Puolassa tämän tason musiikinneroksi. Puolalaiset ovat uskomattoman ylpeitä suuresta maanmiehestään, ja työssään elokuvasäveltäjä laulaa toistuvasti isänmaasta, ihailee maisemien kauneutta, valittaa traagista menneisyyttä, haaveilee suuresta tulevaisuudesta. Frederic Chopin On yksi harvoista säveltäjistä, jotka kirjoittivat musiikkia yksinomaan pianolle. Hänen luovassa perinnössä ei ole oopperoita tai sinfoniaa, mutta pianokappaleita esitetään kaikessa monimuotoisuudessaan. Hänen teoksensa muodostavat perustan monien kuuluisien pianistien ohjelmistolle. Frederic Chopin Hän on puolalainen säveltäjä, joka tunnetaan myös lahjakkaana pianistina. Hän eli vain 39 vuotta, mutta onnistui luomaan monia mestariteoksia: balladeja, preludeja, valsseja, mazurkoja, nokturneja, poloneeseja, etydejä, sonaatteja ja paljon muuta. Yksi heistä - "Balladi nro 1, g-molli".

Franz Liszt

Hän on yksi maailman suurimmista säveltäjistä. Hän eli suhteellisen pitkän ja yllättävän rikkaan elämän, koki köyhyyttä ja vaurautta, tapasi rakkautta ja kohtasi halveksuntaa. Syntymäpäivän lahjakkuuden lisäksi hänellä oli upea työkyky. Franz Liszt on ansainnut paitsi musiikin asiantuntijoiden ja ystävien ihailun. Sekä säveltäjänä että pianistina hän sai yleistä kiitosta 1800-luvun eurooppalaisilta kriitikoilta. Hän on luonut yli 1300 teosta ja vastaavaa Frederic Chopin piti etusijalla pianoteoksia. Loistava pianisti Franz Liszt hän osasi toistaa kokonaisen orkesterin äänen pianolla, improvisoi taitavasti, hänellä oli fantastinen muisti sävellyksistä, hänellä ei ollut vertaista katselussa. Hänellä oli säälittävä esitystyyli, joka heijastui myös hänen musiikkiinsa, emotionaalisesti intohimoinen ja sankarillisesti kohottava, värikkäitä musiikkikuvia luova ja lähtemättömän vaikutuksen tekeminen kuulijoihin. Säveltäjän käyntikortti on pianokonsertto. Yksi näistä teoksista. Ja yksi tunnetuimmista teoksista Liszt – "Unelmia rakkaudesta":

Johannes Brahms

Merkittävä hahmo musiikin romanttisella aikakaudella on Johannes Brahms... Kuuntele ja rakasta musiikkia Brahms pidetään hyvänä makuna ja se on romanttisen luonteen tunnusmerkki. Brahms ei kirjoittanut yhtään oopperaa, mutta hän loi teoksia kaikissa muissa genreissä. Erityinen kunnia Brahms toi sinfoniansa. Jo ensimmäisissä teoksissa ilmenee säveltäjän omaperäisyys, joka ajan myötä muuttui omaksi tyylikseen. Jos otetaan huomioon kaikki teokset Brahms, ei voida sanoa, että säveltäjä olisi saanut voimakkaita vaikutteita edeltäjiensä tai aikalaistensa teoksista. Ja luovuuden mittakaavassa Brahms usein verrattuna Bach ja Beethoven... Ehkä tämä vertailu on perusteltu siinä mielessä, että kolmen suuren saksalaisen teokset edustavat kokonaisen aikakauden huipentumaa musiikin historiassa. Toisin kuin Franz Liszt elämä Johannes Brahms oli vailla myrskyisiä tapahtumia. Hän piti parempana rauhallisesta luovuudesta, ansaitsi elämänsä aikana tunnustuksen lahjakkuudestaan ​​ja yleismaailmallisesta kunnioituksestaan ​​ja sai myös huomattavia kunnianosoituksia. Erinomaisin musiikki, jossa luovaa voimaa Brahms hänellä oli erityisen elävä ja omaperäinen vaikutus "Saksan requiem", teos, jota kirjailija on luonut 10 vuotta ja omistettu äidilleen. Sinun musiikissasi Brahms ylistää ihmiselämän ikuisia arvoja, jotka piilevät luonnon kauneudessa, menneisyyden suurten kykyjen taiteessa, kotimaansa kulttuurissa.

Giuseppe Verdi

Mitä ovat kymmenen parasta säveltäjää ilman ?! Italialainen säveltäjä tunnetaan parhaiten oopperoistaan. Hänestä tuli Italian kansallinen maine, hänen työnsä on italialaisen oopperan kehityksen huipentuma. Hänen saavutuksiaan ja ansioitaan säveltäjänä ei voi yliarvioida. Hänen teoksensa tähän päivään asti, vuosisata kirjailijan kuoleman jälkeen, ovat edelleen suosituimpia, yleisesti esitettyjä, jotka ovat tuttuja sekä klassisen musiikin asiantuntijoille että ystäville.

varten Verdi oopperan tärkein asia oli draama. Säveltäjän luomissa Rigoletton, Aidan, Violettan, Desdemonan musiikkikuvissa yhdistyvät orgaanisesti kirkas melodia ja sankarien syvyys, demokraattiset ja hienostuneet musiikilliset ominaisuudet, väkivaltaiset intohimot ja kirkkaat unelmat. Verdi oli todellinen psykologi ihmisten intohimon ymmärtämisessä. Hänen musiikkinsa on jaloutta ja voimaa, hämmästyttävää kauneutta ja harmoniaa, sanoinkuvaamattoman kauniita melodioita, upeita aarioita ja duettoja. Intohimot kiehuvat, komedia ja tragedia kietoutuvat ja sulautuvat yhteen. Oopperan juonet hänen itsensä mukaan Verdi, pitäisi olla "alkuperäinen, mielenkiintoinen ja ... intohimoinen, intohimo ennen kaikkea." Ja useimmat hänen teoksistaan ​​ovat vakavia ja traagisia, esittävät emotionaalisia dramaattisia tilanteita ja suurten musiikkia Verdi antaa tapahtumalle ilmeisyyttä ja korostaa tilanteen aksentteja. Imeytettyään kaiken italialaisen oopperakoulun saavuttaman parhaan, hän ei kieltänyt oopperan perinteitä, vaan uudisti italialaisen oopperan, täytti sen realismilla ja antoi sille kokonaisuuden yhtenäisyyden. Samaan aikaan hän ei julistanut uudistustaan, ei kirjoittanut siitä artikkeleita, vaan kirjoitti yksinkertaisesti oopperoita uudella tavalla. Yhden mestariteoksen voittokulkue Verdi- oopperat - pyyhkäisivät italialaisilla näyttämöillä ja jatkuivat Euroopassa, Venäjällä ja Amerikassa, pakottaen skeptikotkin tunnistamaan suuren säveltäjän lahjakkuuden.

10 maailman kuuluisinta säveltäjää päivitetty: 13. huhtikuuta 2019 kirjoittajan toimesta: Elena

Minun on myönnettävä, että puhun cembalosta minulle syvästi henkilökohtaisena aiheena. Olen konsertoinut sillä lähes neljäkymmentä vuotta, ja minuun syttyi syvä kiintymys tiettyjä kirjailijoita kohtaan ja soitin konserteissa kokonaisia ​​syklejä kaikesta, mitä he kirjoittivat tälle instrumentille. Tämä koskee ensisijaisesti François Couperiniä ja Johann Sebastian Bachia. Se, mitä olen sanonut, toimii toivottavasti tekosyynä riippuvuuksilleni, joita en valitettavasti pysty välttämään.

LAITE

Tunnetaan suuri perhe kosketinkielillä kynitettyjä soittimia. Niiden koko, muoto ja ääni (väri) vaihtelevat. Melkein jokainen käsityöläinen, joka teki tällaisia ​​soittimia vanhaan aikaan, yritti tuoda jotain omaa niiden suunnitteluun.

Niiden nimissä on paljon hämmennystä. Yleisimmillä termeillä soittimet jaetaan muodon mukaan pitkittäisiksi (ne muistuttavat pientä flyygeliä, mutta muodoltaan kulmikkaita - flyygelin muoto on pyöristetty) ja suorakaiteen muotoisiin. Tämä ero ei tietenkään ole mitenkään koristeellinen: jos kielet asetetaan eri tavalla kosketinsoittimeen nähden, kielen paikka, jossa kaikille näille soittimille ominainen näppäys tehdään, vaikuttaa erittäin merkittävästi äänen sointiin. .

J. Vermeer Delft. Nainen istuu cembalon ääressä
OK. 1673-1675. National Gallery, Lontoo

Cembalo on tämän perheen suurin ja monimutkaisin soitin.

Venäjällä 1700-luvulta lähtien. yleisin oli soittimen ranskankielinen nimi - cembalo ( klavesiini), mutta sitä löytyy pääasiassa musiikillisesta ja akateemisesta käytännössä, ja italiaksi - tambalo ( cembalo; Myös italialaiset nimet tunnetaan clavicembalo, gravicembalo). Musiikkikirjallisuudessa, varsinkin kun on kyse englanninkielisestä barokkimusiikista, tämän soittimen englanninkielinen nimi esiintyy ilman käännöstä cembalo.

Cembalossa äänentuotannon pääominaisuus on, että näppäimen takapäähän on asennettu ns. jumpperi (muuten - työntäjä), jonka yläosaan on kiinnitetty höyhen. Kun muusikko painaa näppäintä, näppäimen takapää nousee (koska avain on vipu) ja hyppyjohdin liikkuu ylöspäin ja höyhen nappaa kielen. Kun avain vapautetaan, höyhen liukuu äänettömästi jousen ansiosta, joka antaa sen taipua hieman.

Erityyppiset kosketinkieliset soittimet

On huomionarvoista, että W. Shakespeare kuvasi hyppääjän toiminnasta epätavallisen tarkan 128. sonetissaan. Monista käännösvaihtoehdoista cembalonsoiton olemus on tarkin - taiteellisen ja runollisen puolen lisäksi - Modest Tšaikovskin käännös:

Kun sinä, musiikkini, soitat
Laitat nämä avaimet liikkeelle
Ja sormesi hyväillen niitä niin hellästi,
Kielten yhteensopivuus herättää ihailua,
Sitten kateudella katson avaimia,
Kuinka ne tarttuvat käsiisi;
Huulet palavat ja kaipaavat suudelmaa
He katsovat kateellisesti röyhkeyttänsä.
Voi, jos kohtalo yhtäkkiä kääntyisi
Minä rivissä näitä kuivia tanssijoita!
Kiva, että kätesi liukasi heidän päälleen, -
Heidän sieluttomuutensa on siunatumpi kuin elävien huulet.
Mutta jos he ovat onnellisia, niin
Anna heidän suudella sormiaan, huuliani.

Kaikentyyppisistä kosketinkielisistä kynityssoittimista cembalo on suurin ja monimutkaisin. Sitä käytetään sekä soolosoittimena että säestäjänä. Se on välttämätön barokkimusiikissa yhtyeenä. Mutta ennen kuin puhumme tämän instrumentin valtavasta ohjelmistosta, on tarpeen selittää jotain muuta sen rakenteessa.

Cembalossa kaikki värit (sävyt) ja dynamiikka (eli äänen voima) asetetaan ensin itse soittimeen jokaisen yksittäisen cembalon luojan toimesta. Tällä tavalla se on jossain määrin samanlainen kuin elin. Cembalossa et voi muuttaa ääntä muuttamalla kosketinsoiton voimakkuutta. Vertailun vuoksi: pianolla koko tulkintataide piilee musteen rikkaudessa, toisin sanoen näppäimen painamisen tai lyönnin moninaisissa tavoissa.

Cembalon mekanismikaavio

Riisi. V: 1. Shteg; 2. Pelti; 3. Pusher (työntäjä); 4. Rekisteröintipalkki; 5. Shteg;
6. Pusher (työntäjä) runko; 7. Avain

Riisi. B. Puskuri (työntäjä): 1. Vaimennin; 2. merkkijono; 3. Sulka; 4. Kieli; 5. Polster; 6. Kevät

Epäilemättä se riippuu cembalosoittimen soittoherkkyydestä, kuulostaako soitin musiikillisesti vai "kuin kattila" (suunnilleen Voltairen sanoin). Mutta äänen voimakkuus ja sointi ei riipu cembalistista, koska cembalistin sormen ja kielen välissä on monimutkainen välitysmekanismi hyppyjohtimen ja höyhen muodossa. Jälleen vertailun vuoksi: pianon kohdalla koskettimen lyöminen vaikuttaa suoraan kielen osumiseen, kun taas cembalossa vaikutus höyhenen on epäsuora.

TARINA

Cembalon varhainen historia ulottuu vuosisatojen taakse. Hänet mainittiin ensimmäisen kerran John de Murisin tutkielmassa "Musiikin peili" (1323). Yksi varhaisimmista cembalon kuvauksista on Weimarin ihmekirjassa (1440).

Pitkään uskottiin, että vanhin säilynyt soitin oli Hieronymus Bolognasta ja se oli vuodelta 1521. Sitä säilytetään Lontoossa, Victoria and Albert Museumissa. Mutta äskettäin on todettu, että on olemassa useita vuosia vanhempi instrumentti, jonka on myös luonut italialainen mestari - Vincentius Livigimenosta. Se esiteltiin paavi Leo X:lle. Sen tuotanto aloitettiin kotelon kirjoituksen mukaan 18. syyskuuta 1515.

Cembalo. Weimarin ihmeiden kirja. 1440

Äänen monotonisuuden välttämiseksi cembalomestarit alkoivat jo soittimen kehityksen varhaisessa vaiheessa toimittaa jokaiselle koskettimelle ei yhtä kieleä, vaan luonnollisesti kaksi eri sointikieltä. Mutta pian kävi selväksi, että teknisistä syistä ei voitu käyttää useampaa kuin kahta merkkijonoa yhdelle näppäimistölle. Sitten syntyi ajatus lisätä näppäimistöjen määrää. 1700-luvulle mennessä. musiikillisesti rikkaimmat cembalat ovat kahdella koskettimella varustettuja soittimia (muuten manuaalit, lat. manus- "käsi").

Musiikillisesti tällainen soitin on paras työkalu monipuolisen barokkiohjelmiston esittämiseen. Monet cembalon klassikoiden teokset on kirjoitettu kahdella kosketinsoittimella soitettua vaikutusta silmällä pitäen, esimerkiksi useita Domenico Scarlattin sonaatteja. F. Couperin määräsi erityisesti cembalokappaleidensa kolmannen kokoelman johdannossa, että hän laittoi siihen kappaleet, joita hän kutsuu "Croisees palasia"(leikkii [käsien] ristiin). "Sennimiset kappaleet", jatkaa säveltäjä, "täytyy esittää kahdella kosketinsoittimella, joista toisen on rekistereitä vaihtamalla kuultava vaimeasti." Niille, joilla ei ole kaksoismanuaalista cembaloa, Couperin antaa neuvoja instrumentin soittamiseen yhdellä koskettimella. Mutta useissa tapauksissa kahden manuaalisen cembalon vaatimus on välttämätön edellytys teoksen täysimittaiselle taiteelliselle esittämiselle. Niinpä Bach ilmoitti kuuluisan "ranskalaisen alkusoiton" ja "italialaisen konserton" sisältävän kokoelman otsikkosivulla: "kosketinnäppäimistölle, jossa on kaksi manuaalia."

Cembalon kehityksen näkökulmasta kaksi manuaalia ei osoittautunut rajaksi: tiedämme esimerkkejä kolmen kosketinsoittimen cembaloista, vaikka emme tiedä teoksia, jotka vaativat kategorisesti tällaista instrumenttia esitykseensä. Pikemminkin nämä ovat yksittäisten cembalomestarien teknisiä temppuja.

Cembaloa soittivat sen loistavan kukoistuskauden aikana (XVII-XVIII vuosisatoja) muusikot, jotka omistivat kaikki tuolloin käytössä olleet kosketinsoittimet eli urut ja klavikordit (siksi niitä kutsuttiin klavisteiksi).

Cembaloita eivät luoneet vain cembalokäsityöläiset, vaan myös urkuja rakentaneet käsityöläiset. Ja oli luonnollista soveltaa cembalorakentamisessa perusideoita, jotka olivat jo laajalti käytössä urkujen suunnittelussa. Toisin sanoen cembalomestarit seurasivat urkujen rakentajien polkua laajentaessaan soitintensa rekisteriresursseja. Jos urkuissa oli yhä enemmän putkisarjoja jaettuina manuaalien välillä, niin cembalossa he alkoivat käyttää suurempaa määrää jousisarjoja, jotka jaettiin myös manuaalien välillä. Äänenvoimakkuudeltaan nämä cembalorekisterit eivät eronneet paljoa, mutta sointiltaan ne olivat varsin merkittäviä.

Ensimmäisen musiikkikokoelman otsikkosivu
neitsyt "Parfenialle". Lontoo. 1611

Kahden kielisarjan (yksi kullekin kosketinsoittimelle) lisäksi, jotka kuulostivat yhtenäisesti ja sävelkorkeudeltaan vastasivat nuotteihin tallennettuja ääniä, siellä saattoi olla neljän jalan ja kuusitoista jalan rekistereitä. (Jopa rekisterien nimet ovat lainanneet cembalomestarit urkujen rakentajilta: putket urut ilmaistaan ​​jalkoina ja nuottia vastaavat päärekisterit ovat ns. kahdeksan jalkaa, kun taas putket, jotka lähettävät ääniä yhden oktaavin korkeampia kuin nuotit, kutsutaan neljäksi jalaksi, oktaavin alempana kuusitoista. -jalat. Cembalolla samoilla mitoilla sarjojen muodostamat rekisterit jouset.)

Näin ollen 1700-luvun puolivälin suuren konsertticembalon äänialue. ei vain ollut kapeampi kuin piano, vaan jopa leveämpi. Ja tämä siitä huolimatta, että cembalomusiikin nuottien kanta näyttää kapeammalta kuin pianomusiikin.

MUSIIKKI

XVIII vuosisadalla. cembalo on kerännyt poikkeuksellisen rikkaan ohjelmiston. Hän, äärimmäisen aristokraattisena välineenä, levisi ympäri Eurooppaa, ja kaikkialla oli kirkkaat anteeksipyynnöt. Mutta jos puhumme 1500-luvun - 1700-luvun alun voimakkaimmista kouluista, meidän on ensin mainittava englantilaiset neitsytvirkailijat.

Emme kerro tässä neitsyen tarinaa, vaan panemme merkille, että kyseessä on eräänlainen kosketinsoittimella kynitty kielisoittimia, jotka ovat soundiltaan samanlaisia ​​kuin cembalo. On huomionarvoista, että yhdessä viimeisistä perusteellisista cembalon historiaa koskevista tutkimuksista ( Kottik E. Cembalon historia. Bloomington. 2003), neitsyt, kuten spinetti (toinen lajike), katsotaan itse cembalon kehityksen valtavirtaan.

Mitä tulee virginelin nimeen, on syytä huomata, että yksi ehdotetuista etymologioista tuo sen englanniksi Neitsyt ja edelleen latinaksi Neitsyt, eli "neito", koska Elizabeth I, neitsytkuningatar, rakasti näytellä neitsyt. Itse asiassa neitsyt ilmestyi Elizabethin eteen. Sanan "virginel" alkuperä on oikeampi johtaa toisesta latinalaisesta sanasta - virga("Stick"), joka osoittaa samaa jumpperia.

On mielenkiintoista, että kaiverruksessa, joka koristaa ensimmäistä painettua Neitsyt-musiikin painosta (Parfenia), muusikko on kuvattu kristityn neitsyen - St. Cecilia. Muuten, kokoelman nimi tulee kreikasta. partenos joka tarkoittaa "neitsyt".

Tämän painoksen koristeluun käytettiin kaiverrusta hollantilaisen taiteilijan Hendrik Goltziuksen maalauksesta "St. Cecilia". Kaivertaja ei kuitenkaan peilannut taululla olevaa kuvaa, joten sekä itse kaiverrus että esittäjä osoittautuivat ylösalaisin - hänen vasen kätensä on paljon kehittyneempi kuin oikea, mikä ei tietenkään voinut olla tuon ajan virginela. Kaiverruksissa on tuhansia tällaisia ​​​​virheitä. Ei-muusikon ilme ei tätä huomaa, mutta muusikko näkee heti kaivertajan virheen.

Cembalon elvyttämisen perustaja 1900-luvulla omisti useita upeita, innostuneita tunteita täynnä olevia sivuja englantilaisten neitsytmuusikoiden musiikille. merkittävä puolalainen cembalisti Wanda Landowska: "Vuodattuna meidän arvokkaampien sydämistä ja ravittu kansanlauluilla, muinaisella englantilaisella musiikilla - kiihkeällä tai rauhallisella, naiivilla tai säälittävällä - laulaa luontoa ja rakkautta. Hän suurentaa elämää. Jos hän kääntyy mystiikkaan, hän ylistää Jumalaa. Hän on erehtymättä työpaja, spontaani ja rohkea. Se näyttää usein nykyaikaisemmalta kuin uusin ja edistynein. Avaa sydämesi tämän pohjimmiltaan tuntemattoman musiikin viehätysvoimalle. Unohda, että hän on vanha, äläkä oleta, että tämän vuoksi häneltä puuttuu inhimillinen tunne."

Nämä rivit on kirjoitettu 1900-luvun alussa. Kuluneen vuosisadan aikana on tehty paljon neitsyteläinten korvaamattoman musiikillisen perinnön paljastamiseksi ja arvioimiseksi kokonaisuudessaan. Ja mitä nimiä ne ovatkaan! Säveltäjät William Bird ja John Bull, Martin Pearson ja Gil Farneby, John Munday ja Thomas Morley ...

Englannin ja Alankomaiden välillä oli läheisiä kontakteja (jo kaiverrus "Parthenia" todistaa tästä). Hollannin, erityisesti Ruckers-dynastian, käsityöläisten cembalat ja neitsyt olivat hyvin tunnettuja Englannissa. Samanaikaisesti omituisella tavalla Alankomaat itse ei voi ylpeillä niin kirkkaasta sävellyskoulusta.

Mantereella alkuperäiset cembalokoulut olivat italialaisia, ranskalaisia ​​ja saksalaisia. Mainitsemme vain kolme heidän pääedustajaansa - François Couperin, Domenico Scarlatti ja Johann Sebastian Bach.

Eräs selkeä ja ilmeinen merkki erinomaisesta säveltäjän lahjasta (joka pätee kaikkiin aikakausiin kuuluvaan säveltäjään) on hänen oman, puhtaasti henkilökohtaisen, ainutlaatuisen ilmaisutapansa kehittäminen. Ja lukemattomien kirjoittajien kokonaismassassa ei ole niin paljon todellisia tekijöitä. Nämä kolme nimeä kuuluvat varmasti tekijöille. Jokaisella niistä on oma ainutlaatuinen tyylinsä.

Francois Couperin

Francois Couperin(1668-1733) - todellinen cembalon runoilija. Todennäköisesti hän saattoi pitää itseään onnellisena ihmisenä: kaikki (tai melkein kaikki) hänen cembaloteoksensa, eli juuri hänen maineensa ja maailmanlaajuisen merkityksensä muodostavat, ovat hänen julkaisemiaan ja muodostavat neljä osaa. Näin ollen meillä on kattava käsitys hänen cembaloperinnöstään. Näiden rivien kirjoittajalla oli onni esittää täydellinen sykli Couperinin cembalosävellyksiä kahdeksassa konserttiohjelmassa, jotka esiteltiin hänen musiikkinsa festivaaleilla Moskovassa Ranskan Venäjän-suurlähettilään Pierre Morelin suojeluksessa.

Toivon, että voisin ottaa lukijani kädestä, ohjata hänet cembalon luo ja soittaa esimerkiksi Couperinin "Ranskalainen naamio eli Dominon naamiot". Kuinka paljon viehätysvoimaa siinä onkaan! Mutta kuinka paljon myös psykologista syvyyttä. Täällä jokaisella maskilla on tietty väri ja - mikä on erittäin tärkeää - luonne. Tekijän huomautukset selittävät kuvat ja värit. Maskeja (ja värejä) on yhteensä kaksitoista, ja ne näkyvät tietyssä järjestyksessä.

Minulla oli jo kerran syytä muistaa tämä Couperinin näytelmä K. Malevitšin "Mustasta neliöstä" kertovan tarinan yhteydessä (ks. "Taide" nro 18/2007). Tosiasia on, että Couperinin värimaailma alkaen valkoisesta (ensimmäinen muunnelma, joka symboloi neitsyyttä) päättyy mustaan ​​naamioon (Fury tai Despair). Näin ollen kaksi eri aikakausien ja eri taiteiden luojaa loi teoksia, joilla on syvästi symbolinen merkitys: Couperinissa tämä sykli symboloi ihmisen elämän jaksoja - ihmisen ikää (kaksitoista kuukausien lukumäärän mukaan, kukin kuusi vuotta - tämä on allegoria tunnettiin barokin aikakaudella). Seurauksena on, että Couperinilla on musta naamio, Malevichilla on musta neliö. Molemmissa mustan ulkonäkö on seurausta monien voimien vaikutuksesta. Malevitš sanoi suoraan: "Pidän valkoista ja mustaa väreistä ja väriasteikoista johdettuna." Couperin esitteli meille tämän värikkään valikoiman.

On selvää, että Couperinilla oli käytössään hämmästyttäviä cembaloja. Tämä ei ole yllättävää - loppujen lopuksi hän oli Ludvig XIV:n hovicembalisti. Soittimet äänellään pystyivät välittämään säveltäjän ideoiden täyden syvyyden.

Domenico Scarlatti(1685-1757). Tällä säveltäjällä on täysin erilainen tyyli, mutta aivan kuten Couperin, erehtymätön käsiala on ensimmäinen ja ilmeinen merkki neroudesta. Tämä nimi liittyy erottamattomasti cembaloon. Vaikka Domenico kirjoitti nuorempana eri musiikkia, hän tuli myöhemmin tunnetuksi nimenomaan valtavan määrän (555) cembalosonaattien kirjoittajana. Scarlatti on epätavallisesti laajentanut cembalon esityskykyä ja tuonut sillä soittamisen tekniikkaan ennennäkemättömän virtuoosisen skaalan.

Eräänlainen rinnakkaisuus Scarlatille pianomusiikin myöhemmässä historiassa on Franz Lisztin työ, joka, kuten tiedätte, opiskeli erityisesti Domenico Scarlattin esitystekniikoita. (Muuten, heti kun puhumme yhtäläisistä pianotaiteen kanssa, niin Couperinilla oli myös tietyssä mielessä henkinen perillinen - tämä oli tietysti F. Chopin.)

Elämänsä toinen puolisko Domenico Scarlatti (ei pidä sekoittaa isäänsä, kuuluisaan italialaisen oopperasäveltäjään Alessandro Scarlattiin) oli Espanjan kuningattaren Maria Barbaran hovicembalisti, ja suurin osa hänen sonaateistaan ​​oli kirjoitettu erityisesti hänelle. Voidaan turvallisesti päätellä, että hän oli upea cembalisti, jos hän soitti näitä toisinaan erittäin teknisesti monimutkaisia ​​sonaatteja.

J. Vermeer Delft. Tyttö selässä. OK. 1670. Yksityinen kokoelma

Tältä osin muistan kirjeen (1977), jonka sain erinomaiselta tšekkiläiseltä cembalistilta Zuzanna Ruzickovalta: "Hyvä herra Maykapar! Minulla on sinulle yksi pyyntö. Kuten tiedätte, kiinnostus aitoja cembaloja kohtaan on nyt suuri, ja tästä käydään paljon keskustelua. Yksi keskeisistä asiakirjoista D. Scarlattiin liittyvässä keskustelussa näistä instrumenteista on Vanloon maalaus, joka kuvaa Portugalin Maria Barbaraa, Philip V:n vaimoa (Z. Ruzickova erehtyi - Maria Barbara oli Ferdinand VI:n pojan vaimo) Philip V. - OLEN.). Raphael Puyana (merkittävä nykyaikainen ranskalainen cembalististi - OLEN.) uskoo, että maalaus on maalattu Maria Barbaran kuoleman jälkeen, joten se ei voi olla historiallinen lähde. Maalaus on Eremitaasissa. Olisi erittäin tärkeää, jos voisit lähettää minulle tämän kuvan dokumentteja."

Kappale. 1768. Eremitaaši, Pietari

Kuva, johon kirjeessä viitataan, on L.M.:n "Sextetti". Wanloo (1768).

Se on Eremitaasissa, 1700-luvun ranskalaisen maalauksen osaston varastossa. Osastonhoitaja I.S. Nemilova, saatuaan tietää vierailuni tarkoituksesta, saattoi minut suureen huoneeseen tai pikemminkin saliin, jossa on maalauksia, jotka eivät sisältyneet päänäyttelyyn. Osoittautuu, että täällä säilytetään paljon teoksia, jotka ovat erittäin mielenkiintoisia musiikillisen ikonografian näkökulmasta! Esitimme yksitellen suuria kehyksiä, joihin asennettiin 10-15 maalausta, ja tutkimme meitä kiinnostavia aiheita. Ja lopuksi LM:n sekstetti. Wanloo.

Joidenkin raporttien mukaan tämä maalaus kuvaa Espanjan kuningatar Maria Barbaraa. Jos tämä hypoteesi todistettaisiin, meillä voisi olla Scarlattin itsensä soittama cembalo! Mistä johtuu Maria Barbaran tunnistaminen Vanloon maalauksessa kuvatusta cembalistista? Ensinnäkin minusta näyttää siltä, ​​että tässä kuvatun naisen ja kuuluisien Maria Barbaran muotokuvien välillä on todellakin ulkoista yhtäläisyyttä. Toiseksi Vanloo asui espanjalaisessa hovissa suhteellisen pitkän aikaa ja pystyi siksi maalaamaan kuvan kuningattaren elämästä. Kolmanneksi kuvalle tunnetaan myös toinen nimi - "The Spanish Concert" ja neljänneksi jotkut ulkomaiset musiikkitieteilijät (esim. K. Sachs) ovat vakuuttuneita siitä, että kuvassa on Maria Barbara.

Mutta Nemilova, kuten Rafael Puyana, epäili tätä hypoteesia. Maalaus on maalattu vuonna 1768, eli kaksitoista vuotta taiteilijan Espanjasta lähdön ja kymmenen vuotta Maria Barbaran kuoleman jälkeen. Hänen järjestyksensä historia tunnetaan: Katariina II välitti Vanloolle prinssi Golitsynin kautta toiveen saada maalaus hänen siveltimestään. Tämä teos pääsi välittömästi Pietariin ja sitä säilytettiin täällä koko ajan, Golitsyn antoi sen Jekaterinalle "Konsertina". Mitä tulee nimeen "Espanjalainen konsertti", espanjalaiset puvut, joissa hahmot on kuvattu, vaikuttivat sen syntymiseen, ja kuten Nemilova selitti, nämä ovat teatteriasuja, eivät niitä, jotka olivat silloin muodissa.

V. Landowska

Kuvassa huomio kiinnittyy tietysti cembaloon - kaksimanuaaliseen soittimeen, jolla on 1700-luvun ensimmäisen puoliskon ominaisuus. Koskettimien väritys, päinvastoin kuin moderni (pianon värit ovat mustia, tällä cemballalla valkoisia ja päinvastoin). Lisäksi siitä puuttuu edelleen polkimet rekisterien vaihtoa varten, vaikka ne olivat jo silloin tiedossa. Tämä parannus löytyy useimmista nykyaikaisista konsertti-kaksoismanuaalisista cembaloista. Tarve vaihtaa rekistereitä käsin saneli tietyn lähestymistavan cembalolle rekisteröinnin valinnassa.

Tällä hetkellä esityskäytännössä on selkeästi määritelty kaksi suuntaa: ensimmäisen kannattajat uskovat, että kaikki soittimen nykyaikaiset ominaisuudet tulisi käyttää (esimerkiksi V. Landowska ja muuten Zuzanna Ruzichkova olivat tätä mieltä), muut uskovat, että esittäessään vanhaa musiikkia modernilla cembalolla, ei pidä ylittää niitä esityskeinoja, joita vanhat mestarit odottivat (kuten Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, sama Rafael Puyana ym. ajattelevat).

Koska kiinnitimme niin paljon huomiota Vanloon maalaukseen, panemme merkille, että taiteilija itse puolestaan ​​osoittautui hahmoksi musiikillisessa muotokuvassa: tunnetaan ranskalaisen säveltäjän Jacques Duflin cembalopala, jota kutsutaan nimellä ”Vanloo”.

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685-1750). Hänen cembaloperintönsä on poikkeuksellisen arvokas. Kokemukseni esittämisestä konserteissa kaiken, mitä Bach kirjoitti tälle instrumentille, todistaa: hänen perintönsä mahtuu viiteentoista (!) konserttiohjelmaan. Samalla on tarpeen laskea erikseen konsertit cembalolle ja jousille sekä paljon yhtyekappaleita, joita ei voi ajatella ilman cembaloa.

On myönnettävä, että kaikesta Couperinin ja Scarlattin ainutlaatuisuudesta huolimatta kukin heistä viljeli yhtä yksilöllistä tyyliä. Bach oli monipuolinen. Jo mainitut "Italian Concert" ja "French Overture" ovat esimerkkejä Bachin tutkimuksesta näiden kansallisten koulujen musiikista. Ja nämä ovat vain kaksi esimerkkiä, joiden otsikot heijastavat Bachin tietoisuutta. Täällä voit lisätä hänen "ranskalaisten sviittien" jaksonsa. Englannin vaikutuksesta hänen "English Suitesissaan" voisi spekuloida. Ja kuinka monta eri tyylisiä musiikkinäytteitä on niissä hänen teoksissaan, jotka eivät heijasta tätä nimissään, vaan sisältyvät itse musiikkiin! Lienee tarpeetonta sanoa, kuinka laajasti syntyperäinen saksalainen klavier-perinne syntetisoituu hänen työssään.

Emme tiedä tarkalleen, mitä cembaloja Bach soitti, mutta tiedämme, että hän oli kiinnostunut kaikista teknisistä innovaatioista (mukaan lukien urut). Hänen kiinnostuksensa cembalon ja muiden kosketinsoittimien esitysmahdollisuuksien laajentamiseen osoittaa selkeimmin kuuluisa preludi- ja fuugasarja kaikilla sävelsoittimilla "The Well-Tempered Clavier".

Bach oli todellinen cembalon mestari. Bachin ensimmäinen elämäkerran kirjoittaja I. Forkel kertoo: "Kukaan ei voinut korvata cembalonsa kuluneita höyheniä uusilla, jotta hän olisi tyytyväinen - hän teki sen itse. Hän viritti cembalonsa aina itse ja oli siinä niin taitava, ettei virittäminen kestänyt koskaan varsinaista tuntia kauempaa. Hänen viritystaapansa ansiosta kaikki 24 avainta olivat hänen käytettävissään, ja improvisoimalla hän teki niillä mitä halusi."

Jo cembalomusiikin nerokkaan luojan elinaikana cembalo alkoi menettää jalansijaa. Vuonna 1747, kun Bach vieraili Preussin kuninkaan Frederick Suuren luona Potsdamissa, hän antoi hänelle improvisaatioteeman, ja Bach ilmeisesti improvisoi jo "pianolla" (se oli tuolloin uuden instrumentin nimi) - yksi neljästätoista tai viidestätoista, jotka Bachin ystävä, kuuluisa urkumestari Gottfried Silbermann teki kuninkaalle. Bach hyväksyi sen soundin, vaikka ennen sitä hän ei pitänyt pianosta.

Varhaisnuoruudessaan Mozart kirjoitti vielä cembalolle, mutta yleisesti ottaen hänen klaveriteoksensa on tietysti suunnattu pianolle. Beethovenin varhaisten teosten kustantajat ilmoittivat nimilehdillä, että hänen sonaattinsa (kuten vaikka vuonna 1799 ilmestynyt Pathetique) oli tarkoitettu "cembalolle tai pianolle". Kustantajat tekivät tempun: he eivät halunneet menettää niitä ostajia, joilla oli vanhoja cembaloja talossaan. Mutta yhä useammin cembaloista jäi jäljelle vain runko: cembalon "täyte" poistettiin tarpeettomana ja korvattiin uudella vasaralla, eli pianomekaniikalla.

Tämä herättää kysymyksen: miksi tämä soitin, jolla oli niin pitkä historia ja niin rikas taiteellinen perintö, oli 1700-luvun lopussa. syrjäytettiin musiikin harjoittamisesta ja korvattiin pianolla? Eikä vain siirretty, vaan kokonaan unohdettu 1800-luvulla? Ja loppujen lopuksi ei voida sanoa, että kun tämä cembalon syrjäyttämisprosessi alkoi, piano oli ominaisuuksiltaan paras instrumentti. Päinvastoin! Carl Philippe Emanuel Bach, yksi Johann Sebastianin vanhimmista pojista, kirjoitti kaksoiskonserttonsa cembalolle ja pianolle ja orkesterille tarkoituksenaan osoittaa omakohtaisesti cembalon edut pianoon nähden.

On vain yksi vastaus: pianon voitto cembalosta tuli mahdolliseksi esteettisten mieltymysten radikaalin muutoksen olosuhteissa. Barokin estetiikka, joka perustuu joko selkeästi muotoiltuun tai selkeästi tunnettuun vaikutteorian käsitykseen (lyhyesti sanottuna ydin: yksi mieliala, vaikuttaa, - yksi äänimaali), jolle cembalo oli ihanteellinen ilmaisuväline, väistyi ensin sentimentalistisen maailman tunteelle, sitten vahvemmalle suunnalle - klassismille ja lopulta romantiikkalle. Päinvastoin, kaikissa näissä tyyleissä houkuttelevin ja viljellyin idea oli epävakautta- tunteita, kuvia, tunnelmia. Ja piano voisi ilmaista sen.

Tämä instrumentti sai pedaalin fantastisilla ominaisuuksillaan ja kykeni luomaan uskomattoman äänen nousun ja laskun ( crescendo ja diminuendo). Kaikkea tätä cembalo ei periaatteessa voinut tehdä - sen suunnittelun erityispiirteiden vuoksi.

Pysähdytään ja muistetaan tämä hetki, jotta voimme aloittaa seuraavan keskustelumme sen kanssa - pianosta ja erityisesti suurkonsertista flyygeli, eli "kuninkaallinen soitin", kaiken romanttisen musiikin todellinen hallitsija.

Tarinassamme historia ja nykyaika sekoittuvat, koska tänään tämän perheen cembalo ja muut soittimet osoittautuivat epätavallisen laajalle levinneiksi ja kysytyiksi johtuen suuresta kiinnostuksesta renessanssin ja barokin musiikkia kohtaan, eli aika, jolloin he nousivat ja selvisivät kulta-aikastaan.

Säveltäjä ja esittävä taide ovat kaksi ehtymätöntä lähdettä, jotka ruokkivat toisiaan: esiintyjän kädet täyttävät säveltäjän ajatuksen elämänhengellä ja musiikintekijä ammentaa inspiraatiota esittäjän taidosta. Kuten monet muut säveltäjät, Sofia Asgatovna Gubaidulina loi monia tiettyihin esiintyjiin keskittyviä sävellyksiä, ja yksi näistä muusikoista on Mark Ilyich Pekarsky, joka omistautui lyömäsoittimille. Hän ei ole vain erinomainen esiintyjä ja lyömäsoitinyhtyeen luoja - Mark Ilyich kirjoitti monia artikkeleita ja kirjoja tästä musiikillisen instrumentoinnin alueesta ja perusti lyömäsoitinyhtyeen luokan Moskovan konservatorioon.

”Rummuilla voi tehdä kaikkea, mitä viululla, pianolla, urkuilla voi tehdä, vain hieman eri keinoin, mutta periaatteessa lyömäsoittimilla voi välittää sekä hauskaa että kärsimystä ja surua ja iloa ja mitä tahansa. halua”, muusikko väittää. Eräs tämän ajatuksen parhaista vahvistuksista voidaan pitää eri kansojen eri aikakausina luomien lyömäsoittimien hämmästyttävää valikoimaa. Monet näistä instrumenteista ovat Pekarskyn keräämässä ainutlaatuisessa kokoelmassa. Tämä loisto ei voinut muuta kuin kiinnostaa Gubaidulinaa - loppujen lopuksi Sofia Asgatovna yritti aina löytää uuden äänen jopa yleisimmille ja tunnetuimmille eurooppalaisille julkisille soittimille, ja tässä tapauksessa säveltäjä kohtasi todella arvokkaan epätavallisten sointien hajoamisen: haara. (Pompeian symbaalit), kiinalaiset symbaalit, korealainen rumpu chang, kiinalaiset kellot bian-chzhong ... Mutta säveltäjä tekee jotain vieläkin epätavallisempaa - hän yhdistää kaikki nämä idän salaperäisestä maailmasta tulleet sointisävelet länsieurooppalaiseen soittimeen - cembalo ... syntyykö ratkaisematon ristiriita tällaisessa idän ja lännen yhdistelmässä? Sofia Gubaidulina ei ajattele niin - hän on vakuuttunut siitä, että itämaiset soittimet "yhdessä cembalon kanssa menettävät paikallis-maantieteellisen sävynsä ja kuuluvat yleistyneeseen musiikintekoon, jossa kaikilla eri sointiominaisuuksilla on tapana yhtyä yhteen".

Tällainen "lähentyminen" synnyttää Gubaidulinan teokseen yllättävän harmonisen kokoonpanon, jota kuunnellessa on vaikea uskoa, että sen muodostavat instrumentit ovat tulleet eri puolilta maailmaa ja aikakausilta - ne todella "puhuvat" samaa kieltä... kyllä , he tekevät! Teoksessa, jonka otsikko on hyvin yksinkertainen - "Musiikkia cembalolle ja lyömäsoittimille Mark Pekarskyn kokoelmasta" - esiintyy eräänlainen "musiikkipuhe" "foneemeineen" (puheääneineen), joka taittuu "sanoiksi". Ei ole sattumaa, että Sofia Asgatovna alun perin aikoi antaa tälle teokselle toisen nimen - "Logogryfi", tämä on sanapelin nimi, jossa kirjain kirjaimelta poistetaan asteittain tietystä sanasta ja uusia sanoja ilmestyy (esim. "lähde - viemäri - virta"). Säveltäjä tekee jotain vastaavaa äänijärjestelmien kanssa. Esimerkiksi kappaleen alussa tapahtuu kiinalaisten symbaalien aaltomainen "kerrostuminen", jotka tulevat eri korkeuksille, ja sitten ne vähitellen "sammuvat" - musiikkikankaan "tiivistymistä" seuraa sen "harvinaisuus". ". Tässä kiehtovassa ääni"pelissä" ei niinkään nouse esiin äänen korkeus, vaan sen sointiluonne (tällaista musiikkitekniikkaa kutsutaan sonoricsiksi). Musiikilliset "logogryfit" muodostavat perustan muodon rakentamiselle. Ensimmäisessä osassa rakennetaan kahdeksan musiikillisen "sanan" rivi lisäämällä asteittain äänien määrää, ja toisto-osiossa samat äänikompleksit rakennetaan eri järjestyksessä: tarkka "peilikuva" ei syntyy, mutta yleinen taipumus asteittaiseen vähenemiseen ilmenee. Voimme havaita vastakkaisten kehityssuuntien yhdistelmän ei vain erillisen osan muodossa, vaan myös työn osien suhteessa: ensimmäinen osa on suunnattu pääasiassa korkeaan rekisteriin, toinen matalaan rekisteriin.

Vaikutelma "älykkäästä pelistä" ei synny ainoastaan ​​harmonisen "matemaattisen suhteen", vaan myös musiikillisten lainausten avulla. Ensimmäisessä osassa esiintyy lyhyt, kolmen sävelen, mutta silti tunnistettavissa oleva aihe c-mollivalssista sekä pieni katkelma g-molli fuugasta Johann Sebastian Bachin ensimmäisestä osasta. Molempien sitaattien ulkoasu on muuttunut oudosti: Chopinin valssin aihe esiintyy sävelessä, joka on kaukana alkuperäisestä (b-molli), jota selittävät bian-chzhun ja Pompeian symbaalit. Bachin fuugan motiivi esittää chang (vaikka myöhemmin se kuulostaa "perinteisemmällä" tavalla - cembalossa, mutta sen ääriviivoja muutetaan siten, että se antaa vaikutelman väärästä äänestä).

Sofia Gubaidulinan "Musiikki cembalolle ja lyömäsoittimille" on hienostunut mielen leikki, mutta olisi virhe kutsua sitä "kylmän järjen" tuotteeksi. Sävyjen, lyhyiden motiivien ja äänikompleksien leikissä voi aistia tunteiden elävää "henkeä".

Kaikki oikeudet pidätetään. Kopiointi kielletty