Musiikkinimikkeiden tyypit. Musiikkiteokset ja musiikin genret

Jatkamme musiikkiteorian artikkelisarjaa, haluamme kertoa sinulle siitä, kuinka musiikin genret muodostuivat ja kehittyivät. Tämän artikkelin jälkeen et enää koskaan sekoita musiikkigenreä musiikkityyliin.

Joten ensin katsotaan, kuinka "genren" ja "tyylin" käsitteet eroavat. genre Se on historiallisesti kehittynyt teos. Se kertoo musiikin muodon, sisällön ja tarkoituksen. Musiikin genret alkoivat muodostua musiikin kehityksen varhaisessa vaiheessa, primitiivisten yhteisöjen järjestelmässä. Sitten musiikki seurasi jokaista ihmisen toimintaa: jokapäiväistä elämää, työtä, puhetta ja niin edelleen. Siten muodostui tärkeimmät genren periaatteet, joita analysoimme alla.

Tyyli se tarkoittaa myös materiaalien summaa (harmonia, melodia, rytmi, polyfonia), tapaa, jolla niitä on käytetty musiikkikappaleessa. Tyypillisesti tyyli perustuu tietyn aikakauden vaikutteisiin tai luokitellaan säveltäjien mukaan. Toisin sanoen tyyli on kokoelma musiikin ilmaisukeinoja, jotka määräävät musiikin kuvan ja idean. Se voi riippua säveltäjän persoonallisuudesta, hänen maailmankatsomuksestaan ​​ja maustasa sekä suhtautumisestaan ​​musiikkiin. Tyyli määrittää myös musiikin trendit, kuten jazzin, popin, rockin, kansantyylit ja niin edelleen.

Palataanpa nyt musiikin genreihin. On olemassa viisi genren pääperiaatetta, jotka, kuten sanoimme, saivat alkunsa primitiivisistä yhteisöistä:

• Moottorivoima
• Lausutus
• Laulaamassa
• Signalointi
• Äänikuva

Niistä tuli perusta kaikille myöhemmille genreille, jotka ilmestyivät musiikin kehityksen myötä.

Melko pian genren perusperiaatteiden muodostumisen jälkeen genre ja tyyli alkoivat kietoutua yhdeksi järjestelmäksi. Tällaisia ​​genretyylisiä järjestelmiä muodostettiin riippuen tapauksesta, jota varten musiikki luotiin. Näin syntyivät genretyyliset järjestelmät, joita käytettiin tietyissä muinaisissa kulteissa, muinaisissa rituaaleissa ja jokapäiväisessä elämässä. Genrellä oli soveltuvampi luonne, joka muodosti muinaisen musiikin tietyn kuvan, tyylin ja sävellyspiirteet.

Egyptin pyramidien seiniltä ja säilyneistä muinaisista papyruksista löydettiin rituaali- ja uskonnollisia hymnien rivejä, jotka useimmiten kertoivat muinaisista egyptiläisistä jumalista.

Uskotaan, että muinaisen musiikin korkein kehityspiste antiikin Kreikassa. Antiikin kreikkalaisesta musiikista löydettiin tiettyjä malleja, joihin sen rakenne perustui.

Yhteiskunnan kehittyessä musiikkikin kehittyi. Keskiaikaisessa kulttuurissa on jo muodostunut uusia laulu- ja instrumentaalilajeja. Tällä aikakaudella Euroopassa syntyi sellaisia ​​genrejä kuin:

• Organum on moniäänisen musiikin varhaisin muoto Euroopassa. Tätä genreä käytettiin kirkoissa, ja se kukoisti pariisilaisen Notre Damen koulun.
• Ooppera on musiikillinen ja dramaattinen teos.
• Koraali - liturginen katolinen tai protestanttinen laulu.
• Motetti on laululaji, jota käytettiin sekä kirkossa että sosiaalisissa tilaisuuksissa. Hänen tyylinsä riippui tekstistä.
• Conduct on keskiaikainen laulu, jonka sanat olivat useimmiten henkisiä ja moralisoivia. Toistaiseksi he eivät ole pystyneet tulkitsemaan tarkasti keskiaikaisia ​​esitysten nuotteja, koska niillä ei ollut tiettyä rytmiä.
• Messu on liturginen jumalanpalvelus katolisissa kirkoissa. Requiem kuuluu myös tähän genreen.
• Madrigal on pieni teos lyyristä rakkausaiheista. Tämä genre on saanut alkunsa Italiasta
• Chanson - tämä genre syntyi Ranskasta, ja alun perin siihen kuuluivat talonpojan kuorolaulut.
• Pavana - virtaava tanssi, joka avasi juhlat Italiassa
• Galliarda on hauska ja rytminen tanssi myös alun perin Italiasta
• Allemande - kulkuetanssi, joka syntyi Saksasta

V XVII-XVIII vuosisatojen ajan Pohjois-Amerikassa maaseutumusiikki - kantrimusiikki - kehittyi melko aktiivisesti. Tämä genre on saanut vahvasti vaikutteita irlantilaisesta ja skotlantilaisesta kansanmusiikista. Tällaisten laulujen sanat kertoivat usein rakkaudesta, maaseutuelämästä ja cowboy-elämästä.

1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa kansanperinne kehittyi varsin aktiivisesti Latinalaisessa Amerikassa ja Afrikassa. Afroamerikkalaisyhteisössä on nousemassa blues, joka oli alun perin "työlaulu", joka seurasi alan töitä. Blues perustuu myös balladeihin ja uskonnollisiin lauluihin. Blues muodosti perustan uudelle genrelle - jazzille, joka on seurausta afrikkalaisen ja eurooppalaisen kulttuurin sekoituksesta. Jazzista on tullut melko laajalle levinnyt ja laajalle levinnyt.

Jazziin ja bluesiin perustuva rhythm and blues (R'n'B), laulu- ja tanssilaji, ilmestyi 40-luvun lopulla. Hän oli varsin suosittu nuorten keskuudessa. Myöhemmin funk ja soul ilmestyivät tämän genren puitteissa.

On kummallista, että näiden afroamerikkalaisten genrejen ohella popmusiikin genre ilmestyi 1920-luvulla. Tämän genren juuret juontavat kansanmusiikkiin, katuromantteihin ja balladeihin. Popmusiikki on aina sekoittunut muihin genreihin muodostaen melko mielenkiintoisia musiikkityylejä. 70-luvulla discotyyli nousi osaksi popmusiikkia, josta tuli tuolloin suosituin tanssimusiikki, joka jäi varjoonsa rock and rolliin.

50-luvulla rock purskahtaa jo olemassa olevien genrejen joukkoon, jonka alkuperä on bluesissa, folkissa ja kantrissa. Siitä tuli nopeasti villisti suosittu ja laajeni moniin eri tyyleihin, sekoittuen muihin genreihin.

Kymmenen vuotta myöhemmin Jamaikalla muodostui reggae-genre, joka yleistyi 70-luvulla. Reggae perustuu mentoon, joka on jamaikalaisen kansanmusiikin genre.

1970-luvulla ilmestyi rap, jonka jamaikalaiset DJ:t "veivät" Bronxiin. Rapin perustaja on DJ Kool Herc. Aluksi räppiä luettiin huvikseen, jotta he saisivat tunteita ulos. Tämän genren perustana on rytmi, joka määrittää resitatiivin rytmin.

1900-luvun jälkipuoliskolla elektroninen musiikki vakiinnutti asemansa genrenä. On outoa, että se ei saanut tunnustusta 1900-luvun alussa, kun ensimmäiset elektroniset instrumentit ilmestyivät. Tämä genre sisältää musiikin luomisen käyttämällä elektronisia soittimia, tekniikkaa ja tietokoneohjelmia.

1900-luvulla syntyneillä genreillä on monia tyylejä. Esimerkiksi:

Jazz:

• New Orleans Jazz
• Dixieland
• Keinu
• Länsi swing
• Bop
• Kova bop
• Boogie Woogie
• Cool tai cool jazz
• Modaali tai modaalinen jazz
• Avantgarde jazz
• Soul jazz
• Ilmaista jazzia
• Bossa Nova tai Latinalaisen Amerikan jazz
• Sinfoninen jazz
• Progressiivinen
• Fuusio tai jazz rock
• Sähköinen jazz
• Acid jazz
• Crossover
• Pehmeää jazzia

• Kabaree
• Minstrel show
• Musiikki sali
• Musikaali
• Ragtime
• Lounge
• Klassinen crossover
• Psykedeelistä poppia
• Italian disko
• Eurodisco
• Korkea energia
• Nu-disco
• Avaruusdisko
• Jee-jee
• K-pop
• Europop
• Arab popmusiikkia
• Venäläistä popmusiikkia
• Rigsar
• Laika
• Latino pop musiikki
• J-pop

• Rokki
• Big Bit
• Rockabilly
• Cycobilly
• Neorocabilly
• Skiffle
• Doo-wop
• Kierre
• Vaihtoehtorock (indie rock / College rock)
• Matt rock
• Madchester
• Grunge
• Shoegazing
• Brit-poppia
• Melu rock
• Noise Pop
• Post-grunge
• Lo-Fi
• Indie pop
• Twi-poppia
• Art rock (progressiivinen rock)
• Jazz rockia
• Kraut rock
• Garage rock
• Freakbeat
• Glam rockia
• Country rock
• Mersibit
• Metalli (hard rock)
• Vanguard metallia
• Vaihtoehtoinen metalli
• Musta metalli
• Melodista black metallia
• Sinfoninen black metalli
• Aitoa black metallia
• Viking metallia
• Goottilaista metallia
• Doom metallia
• Hevimetalli
• Melodista death metallia
• Metalcore
• Uusi metalli
• Power metallia
• Progressiivinen metalli
• Speed ​​metalli
• Stoner rockia
• Thrash metallia
• Folk metallia
• Hevimetalli
• Uusi aalto
• Venäläistä rock-musiikkia
• Pub rockia
• Punkrock
• Ska punk
• Pop punk
• Crust punk
• Hardcore
• Crossover
• Mellakka kansaa
• Pop rock
• Postpunk
• Goottilainen rock
• Ei aaltoa
• Linjat
• Psykedeelistä rockia
• Pehmeää rockia
• Folk rock
• Techno rock

Kuten näet, tyylejä on monia. Täydellisen luettelon laatiminen vie paljon aikaa, joten emme tee tätä. Tärkeintä on, että tiedät nyt kuinka modernit suositut genret ilmestyivät, etkä varmasti enää sekoita genreä ja tyyliä.

Varoitamme heti, että on erittäin vaikeaa vastata kysymykseen siitä, mitkä musiikin genret ovat yhdessä artikkelissa. Musiikin historian aikana on kertynyt niin monia genrejä, ettei niitä voi mitata millään mittarilla: koraali, romanssi, kantaatti, valssi, sinfonia, baletti, ooppera, preludi jne.

Musiikkitieteilijät ovat vuosikymmenten ajan "särkeneet keihää" yrittäessään luokitella musiikin genrejä (esimerkiksi niiden sisällön luonteen tai tehtävien perusteella). Mutta ennen kuin käsittelemme typologiaa, selvennetään genren käsitettä.

Mikä on musiikin genre?

Genre on eräänlainen malli, johon tietty musiikki liittyy. Hänellä on tietyt suoritusehdot, tarkoitus, muoto ja sisällön luonne. Kehtolaulun tavoitteena on siis rauhoittaa vauva, joten "heiluvat" intonaatiot ja tyypillinen rytmi ovat hänelle tyypillisiä; c - kaikki ilmaisuvoimaiset musiikin välineet on sovitettu selkeään askeleeseen.

Mitkä ovat musiikin genret: luokittelu

Yksinkertaisin genrejen luokittelu on esitystavan mukaan. Nämä ovat kaksi suurta ryhmää:

• instrumentaalista (marssi, valssi, etydi, sonaatti, fuuga, sinfonia)
• laululajit (aria, laulu, romanssi, kantaatti, ooppera, musikaali).

Toinen genretypologia liittyy esityksen asettamiseen. Se kuuluu A. Sokhorille, tiedemiehelle, joka väittää, että musiikin genrejä ovat:

• rituaali ja kultti (psalmit, messu, requiem) - niille on ominaista yleistyneet kuvat, kuoroperiaatteen dominanssi ja samat tunnelmat suurimman osan kuulijoista;
• massatalous (laulun, marssin ja tanssin lajikkeet: polka, valssi, ragtime, balladi, hymni) - eroavat yksinkertaisesta muodosta ja tutuista intonaatioista;
• konserttigenrejä (oratorio, sonaatti, kvartetti, sinfonia) - tyypillinen esitys konserttisalissa, lyyrinen sävy tekijän itseilmaisuna;
• teatterin genrejä (musikaali, ooppera, baletti) - ne vaativat toimintaa, juonetta ja maisemia.

Lisäksi itse genre voidaan jakaa muihin genreihin. Siten myös opera-seria ("vakava" ooppera) ja opera-buffa (sarjakuva) ovat genrejä. Samaan aikaan on useita muita lajikkeita, jotka muodostavat myös uusia genrejä (lyyrinen ooppera, eeppinen ooppera, operetti jne.)

Genren nimet

Musiikin genren nimistä ja niiden esiintymisestä voidaan kirjoittaa kokonainen kirja. Nimet voivat kertoa genren historiasta: esimerkiksi tanssi on velkaa nimensä "kryzhachok" siitä, että tanssijat sijaitsivat ristissä (valkovenäjän "kryzh" - risti). Nocturne ("yö" - käännetty ranskasta) esitettiin yöllä ulkoilmassa. Jotkut nimet ovat peräisin soittimien nimistä (fanfaari, musette), toiset lauluista (Marseillaise, Kamarinskaya).

Musiikki saa usein genren nimen, kun se siirretään toiseen ympäristöön: esimerkiksi kansantanssi - balettiin. Mutta tapahtuu myös toisinpäin: säveltäjä ottaa Vuodenajat-teeman ja kirjoittaa teoksen, ja sitten tästä teemasta tulee tietyn muodon (4 vuodenaikaa 4 osaa) ja sisällön luonteen omaava genre.

Päätelmän sijaan

Kun puhutaan siitä, mitä musiikkigenrejä on olemassa, ei voi olla mainitsematta yleistä virhettä. Tämä on käsitteiden sekaannusta, kun klassista, rockia, jazzia ja hip-hopia kutsutaan genreiksi. Tässä on tärkeää muistaa, että genre on se kaava, jonka pohjalta teokset syntyvät, ja tyyli ilmaisee pikemminkin luomisen musiikillisen kielen erityispiirteitä.

Musiikki syntyi muinaisina aikoina yhtenä ihmisten tunteiden taiteellisen ilmaisun keinoista. Sen kehitys on aina liittynyt läheisesti ihmisyhteiskunnan tarpeisiin. Aluksi musiikki oli köyhää ja vailla ilmaisua, mutta monien vuosisatojen aikana siitä on tullut yksi monimutkaisimmista, ilmeikkäimmistä taiteista, jolla on poikkeuksellinen vaikutus ihmiseen.

Klassisessa musiikissa on runsaasti erilaisia ​​teoksia, joista jokaisella on omat erityispiirteensä, oma sisältönsä, tarkoituksensa. Tällaisia ​​musiikkiteoksia, kuten laulu, tanssi, alkusoitto, sinfonia ja muut, kutsutaan genreiksi ja.

Musiikkityylilajit muodostavat kaksi suurta ryhmää, jotka erottuvat esitystavan perusteella: laulu ja. instrumentaalista.

Laulumusiikki liittyy läheisesti runotekstiin, sanaan. Hänen genrensä - laulu, romanssi, kuoro, ooppera-aaria - ovat kaikkien kuuntelijoiden saavutettavimpia ja suosituimpia teoksia. Niitä esittävät laulajat soittimien säestyksellä, ja lauluja ja kuoroja esitetään usein ilman säestystä.

Kansanlaulu on alkuperältään vanhin musiikkitaiteen muoto. Kauan ennen kuin ammattimusiikki alkoi kehittyä, kansanlauluihin muodostui eloisia musiikillisia ja runollisia kuvia, jotka heijastelevat totuudenmukaisesti ja taiteellisesti vakuuttavasti ihmisten elämää. Tämä näkyy myös itse kappaleiden luonteessa, melodisen varaston elävässä omaperäisyydessä. Siksi suuret säveltäjät arvostivat kansanlauluja kansallisen musiikkitaiteen kehittämisen lähteenä. "Emme me luo, ihmiset luovat", sanoi venäläisen oopperan ja sinfonisen musiikin perustaja MI Glinka, "mutta me vain sovitamme" (prosessi).

Jokaisen kappaleen olennainen piirre on melodian toistuva toisto eri sanoilla. Samalla kappaleen päämelodia säilyy samassa muodossa, mutta joka kerta hieman muuttunut runoteksti antaa sille uusia ilmeikkäitä sävyjä.

Yksinkertaisinkin säestys - instrumentaalinen säestys - lisää laulumelodian tunneilmaisua, antaa sen soundille erityistä täyteyttä ja loistoa sekä "täydentää" runotekstin kuvat instrumentaalimusiikilla, jota ei voi välittää melodiassa. Esimerkiksi pianosäestys Glinkan kuuluisissa romansseissa "Night Marshmallows" ja "The Blues Fell Asleep" toistaa rytmisesti vierivien aaltojen liikettä ja hänen laulussaan "Lark" - linnunlaulua. Franz Schubertin balladin "Metsätsaari" säestyksellä kuuluu hevosen raivoisaa laukkaa.

XIX vuosisadan säveltäjien teoksissa. Kappaleen ohella romanssista tuli suosikkilaululaji. Tämä on pieni kappale äänelle instrumentaalisäesyksellä.

Romanssit ovat yleensä paljon monimutkaisempia kuin laulut. Romanssien melodiat eivät ole vain laajasti sävellettyjä, vaan myös melodisia ja deklamatiivisia (Robert Schumannin "En ole vihainen"). Romansseista löytyy vastakkainen vastakkainasettelu musiikkikuvista (MI Glinkan ja AS Dargomyzhskyn "Night Marshmallow", AP Borodinin "Nukkuva prinsessa") ja intensiivistä dramaattista kehitystä (Glinkan "Muistan ihanan hetken" Pushkinin teoksessa) runoja).

Jotkut laulumusiikin genret on tarkoitettu esiintyjäryhmälle: duetto (kaksi laulajaa), trio (kolme), kvartetti (neljä), kvintetti (viisi) jne. sekä kuoro (suuri laulu) ryhmä). Kuorotyylilajit voivat olla itsenäisiä tai olla osa suurempaa musiikki- ja dramaattista teosta: ooppera, oratorio, kantaatti. Tällaisia ​​ovat suurten saksalaisten säveltäjien Georg Friedrich Händelin ja Johann Sebastian Bachin kuorot, Christoph Gluckin sankarioopperoiden kuorot, venäläisten säveltäjien majesteettisissa eeppisissa ja sankaridramaattisissa oopperoissa MIGlinka, AN Serov, AP Borodin, M P. Mussorgski, N. A. Rimski-Korsakov, S. I. Tanejev. Vapautta ylistävän Ludwig van Beethovenin yhdeksännen sinfonian kuuluisa kuorofinaali (Friedrich Schillerin oodin "Ilolle" sanoihin) toistaa kuvan miljoonien ihmisten upeasta juhlasta ("Hug, millions").

Neuvostoliiton säveltäjät D. D. Šostakovitš, M. V. Koval, A. A. Davidenko loivat erinomaisia ​​kuoroja. Kuoro Davidenko "Pääkaupungin 10. verstassa" on omistettu 9. tammikuuta 1905 tapahtuneen teloituksen uhreille; toinen hänen suuresta innostuksestaan ​​täynnä oleva kuoro - "Katu on kiihtynyt" - kuvaa autokratian vuonna 1917 kukistaneiden ihmisten riemua.

Oratorio on suurteos kuorolle, soololaulajille ja sinfoniaorkesterille. Se muistuttaa oopperaa, mutta se esitetään konserteissa ilman koristeita, pukuja ja näyttämöesitystä (neuvostosäveltäjän S. Prokofjevin oratorio "Maailman vartija").

Kantaatti on sisällöltään yksinkertaisempi ja kooltaan pienempi kuin oratorio. On lyyrisiä, juhlallisia, tervetulleita, onnittelukantaatteja, jotka on luotu jonkin vuosipäivän tai sosiaalisen tapahtuman kunniaksi (esim. Tšaikovskin "Kantaatti ammattikorkeakoulunäyttelyn avajaisiin"). Myös neuvostosäveltäjät kääntyvät tämän genren puoleen, luovat kantaatteja nyky- ja historiallisista teemoista (Šostakovitšin "Aurinko paistaa isänmaan yllä", Prokofjevin "Aleksandri Nevski").

Laulumusiikin rikkain ja monimutkaisin genre on ooppera. Se yhdistää runouden ja dramaattisen toiminnan, laulu- ja instrumentaalimusiikin, ilmeet, eleet, tanssit, maalauksen ja valoefektit yhdeksi kokonaisuudeksi. Mutta kaikki tämä on oopperan musiikillisen periaatteen alisteinen.

Tavallisen puhekielen rooli useimmissa oopperoissa suoritetaan laulamalla tai laulamalla - recitatiivilla. Tällaisissa oopperatyylilajeissa, kuten operetti, musiikkikomedia ja koominen ooppera, laulaminen vuorottelee tavallisen puhekielen kanssa (IO Dunaevskyn "White Acacia", Uzeyir Hajibeyovin "Arshin Mal Alan", Jacques Offenbachin "Hoffmannin tarinat").

Oopperatoiminta paljastuu ensisijaisesti laulukohtauksissa: aarioissa, cavatinassa, laulussa, musiikillisissa kokoonpanoissa ja kuoroissa. Soolo-aariat, sinfoniaorkesterin mahtavan äänen säestyksellä, toistavat hahmojen emotionaalisen kokemuksen tai heidän muotokuvansa hienoimmatkin vivahteet (esim. Ruslanin aaria Glinkan oopperassa Ruslan ja Ljudmila, Igorin ja Konchakin aariat Prinssi Igorissa Borodin). Yksittäisten hahmojen dramaattiset etujen yhteentörmäykset paljastuvat yhtyeissä - duetoissa, tertseteissä, kvarteteissa (Jaroslavnan ja Galitskin duetto Borodinin oopperassa "Prinssi Igor".

Venäläisistä klassisista oopperoista löydämme upeita esimerkkejä musiikillisista kokoonpanoista: Natashan ja prinssin dramaattinen duetto (Dargomyžskin oopperan "Merenneito" ensimmäisestä näytöksestä), sielukas trio "Älä Tommy, kulta" (oopperasta "Ivan"). Susanin", kirjoittanut Glinka). Glinkan, Mussorgskin ja Borodinin oopperoiden mahtavat kuorot luovat uskollisesti massojen mielikuvia.

Instrumentaaliset jaksot ovat oopperoissa erittäin tärkeitä: marsseja, tansseja ja joskus kokonaisia ​​musiikkikuvia, jotka yleensä sijoitetaan esitysten väliin. Esimerkiksi Rimski-Korsakovin oopperassa Legenda Kitezhin näkymättömästä kaupungista ja Neitsyt Fevroniasta annetaan sinfoninen kuvaus vanhan venäläisen armeijan taistelusta tatari-mongolilaumojen kanssa (Kerzhenetsin teurastus). Melkein jokainen ooppera alkaa alkusoitolla - sinfonisella prologilla, joka yleisesti paljastaa oopperan dramaattisen toiminnan sisällön.

Instrumentaalimusiikki on kehittynyt laulumusiikin pohjalta. Hän kasvoi laulusta ja tanssista. Yksi vanhimmista kansantaiteeseen liittyvän instrumentaalimusiikin muodoista on variaatioineen teema.

Tällainen teos perustuu musiikillisen pääidean - teeman - kehittämiseen ja muokkaamiseen. Samalla yksittäiset melodiset käännökset, sävelet, rytmi ja säestyksen luonne muuttuvat (vaihtelevat). Muistellaanpa pianomuunnelmia 1700-luvun venäläisen muusikon venäläisen laulun "Pitäisikö minun mennä ulos joelle" teemasta. I. E. Khandoshkina (katso artikkeli "1700-luvun Guss-musiikki"). Glinkan "Kamarinskajan" sinfonisessa fantasiassa vaihtelee ensin komea, virtaava häälaulu "Vuorten takaa, korkeilta vuorilta", sitten "Kamarinskajan" nopea tanssisävelmä.

Toinen vanhin musiikillinen muoto on sarja, joka on vuorottelu erilaisista tansseista ja kappaleista. Vanhassa tanssisarjassa 1600-luvulta. luonteeltaan, tempoltaan ja rytmiltaan vastakkaiset tanssit vaihtoivat toisiaan: kohtalaisen hidas (saksalainen allemand), nopea (ranskalainen kello), erittäin hidas, juhlallinen (espanjalainen sarabanda) ja nopeatempoinen (gigue, tunnettu useissa maissa). XVIII vuosisadalla. sarabandan ja giguen väliin laitettiin iloisia tansseja: gavotte, burré, menuetti ja muut. Jotkut säveltäjät (esim. Bach) avasivat sarjan usein johdantokappaleella, jolla ei ollut tanssimuotoa: preludi, alkusoitto.

Peräkkäistä musiikkikappaleiden sarjaa, jotka on yhdistetty yhdeksi kokonaisuudeksi, kutsutaan sykliksi. Muistakaamme Schubertin laulusarjat "Millerin rakkaus" ja "Winter Way", Schumannin laulusykli "Runoilijan rakkaus" Heinrich Heinen sanoihin. Monet instrumentaalilajit ovat syklejä: tämä on muunnelma, sarja, instrumentaalinen serenadi, sinfonia, sonaatti, konsertti.

Alunperin sana sonaatti (italialaisista "soundista") tarkoitti mitä tahansa instrumentaalikappaletta. Vasta 1700-luvun loppuun mennessä. Italialaisen viulisti Corellin teoksissa on kehittynyt omalaatuinen 4-6 osasta koostuva sonaattilaji, josta on tullut yksi suosituimmista. Klassisia esimerkkejä kahdesta tai kolmesta osasta koostuvasta sonaatista 1700-luvulla. luoneet säveltäjät Karl Philipp Emanuel Bach (J.S.Bachin poika), Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, I.E. Handoshkin. Heidän sonaattinsa koostui useista osista, jotka vaihtelivat musiikillisesti. Energinen, nopeasti kehittyvä ensimmäinen osa, joka rakentui tavallisesti kahden musiikillisen teeman vastakkaiseen asettamiseen, korvattiin toisella osalla - hidas, melodinen lyyrinen kappale. Sonaatti päättyi finaaliin – musiikkia nopeaa tahtia, mutta luonteeltaan erilaista kuin ensimmäinen osa. Joskus hidas osa korvattiin tanssiteoksella - menuetilla. Saksalainen säveltäjä Beethoven kirjoitti monet sonaattinsa neljään osaan sijoittaen hitaan osan ja finaalin väliin animaatiohahmon - menuetin tai scherzon (italialaista "vitsiä").

Soolosoittimien kappaleet (sonaatti, variaatiot, sarja, preludi, impromptu, nokturni) yhdessä eri instrumentaalisten kokoonpanojen (triot, kvartettit) kanssa muodostavat kamarimusiikin kentän (kirjaimellisesti "koti"), joka on suunniteltu esitettäväksi suhteellisen pienen sävelen edessä. kuuntelijapiiri. Kamarikokoonpanossa kaikkien soittimien osat ovat yhtä tärkeitä ja vaativat säveltäjältä erityisen huolellista viimeistelyä.

Sinfoninen musiikki on yksi maailman musiikkikulttuurin kirkkaimmista ilmiöistä. Parhaat teokset sinfoniaorkesterille erottuvat todellisuuden heijastuksen syvyydestä ja täydellisyydestä, mittakaavan loistosta ja samalla musiikin kielen yksinkertaisuudesta ja saavutettavuudesta, joka joskus saavuttaa ilmeisyyden ja loiston. visuaalisia kuvia. Säveltäjien Haydnin, Mozartin, Beethovenin, Lisztin, Glinkan, Balakirevin, Borodinin, Rimski-Korsakovin, Tšaikovskin ja muiden upeita sinfonisia teoksia luotiin suurten konserttisalien demokraattiselle massayleisölle.

Sinfonisen musiikin päägenrejä ovat alkusoitto (esim. Beethovenin alkusoitto Goethen tragedialle "Egmont", sinfoniafantasiat (Tšaikovskin "Francesca da Rimini",), sinfoniset runot (Balakirevin "Tamara"), sinfoniset sarjat (" Rimski-Korsakovin Scheherazade" ja sinfoniat.

Sinfonia, kuten sonaatti, koostuu useista kirkkaasti kontrastisista osista, yleensä neljästä. Niitä voidaan verrata dramaattisen näytelmän yksittäisiin osiin tai romaanin lukuihin. Musiikin kuvien ehtymättömässä yhdistelmissä ja niiden liikkeiden vastakkaisessa vuorottelussa - nopea, hidas, kevyt tanssi ja jälleen nopeatempoinen - säveltäjät luovat uudelleen todellisuuden eri puolia.

Sinfoniset säveltäjät heijastelevat musiikissaan ihmisen energistä, aktiivista luontoa, hänen kamppailuaan elämän vastoinkäymisiä ja esteitä vastaan, hänen kirkkaita tunteitaan, unelmaa onnellisuudesta ja surullisista muistoista, luonnon kiehtovaa kauneutta ja sen myötä voimakasta vapautusliikettä. massat, kansanelämän kohtaukset ja kansanjuhlat.

Instrumentaalikonsertti muistuttaa muodoltaan sinfoniaa ja sonaattia. Tämä on erittäin monimutkainen teos soolosoittimelle (piano, viulu, klarinetti jne.) orkesterisäestyksellä. Solisti ja orkesteri näyttävät kilpailevan keskenään: orkesteri joko hiljenee, tunteiden intohimosta ja soolo-instrumentin osien äänikuvioiden suloisuudesta lumoutuu, sitten katkaisee sen riitelemällä sen kanssa tai poimii voimakkaasti nostaa teemaansa.

Konsertit ovat säveltäneet monet 1600- ja 1700-lukujen erinomaiset säveltäjät. (Corelli, Vivaldi, Händel, Bach, Haydn). Klassisen konsertin luoja oli kuitenkin suuri säveltäjä Mozart. Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Dvorak, Grieg, Tšaikovski, Glazunov, Rahmaninov, neuvostosäveltäjät A. Hatšaturjan, D. Kabalevski kirjoittivat upeita konsertteja eri soittimille (useimmiten pianolle tai viululle).

Musiikin vuosisatoja vanha historia kertoo kuinka erilaiset musiikin muodot ja genret syntyivät ja kehittyivät vuosisatojen kuluessa. Jotkut niistä ovat olleet olemassa suhteellisen lyhyen ajan, toiset ovat kestäneet ajan kokeen. Esimerkiksi sosialistisen leirin maissa kirkkomusiikin genret ovat kuolemassa. Mutta näiden maiden säveltäjät luovat uusia genrejä, kuten pioneeri- ja komsomolilauluja, rauhantaistelijoiden laulumarsseja.

Jos löydät virheen, valitse tekstiosa ja paina Ctrl + Enter.

Koonnut:

Solomonova N.A.

Musiikkitieteellisessä kirjallisuudessa tiedemiehet kääntyvät harvemmin käsitteiden, kuten tyylin ja genren, kehittämiseen kuin esimerkiksi kirjallisuuskritiikassa, johon monet tutkijat ovat toistuvasti huomauttaneet. Tämä seikka sai meidät siirtymään tämän tiivistelmän kirjoittamiseen.

Tyylikäsite heijastaa teoksen sisällön ja muodon dialektista suhdetta, historiallisten olosuhteiden yhteisyyttä, taiteilijoiden maailmankuvaa ja luomismenetelmiään.

Käsite "tyyli" syntyi renessanssin lopussa, 1500-luvun lopulla, ja se sisältää monia näkökohtia:

Tietyn säveltäjän teoksen yksittäiset piirteet;

säveltäjäryhmän yleiset kirjoitusominaisuudet (koulutyyli);

yhden maan säveltäjien työn piirteet (kansallinen tyyli);

mihin tahansa genreryhmään sisältyvien teosten ominaisuudet - genretyyli (tämän käsitteen esitteli A.N.Sokhor teoksessaan "Tyylilajin esteettinen luonne musiikissa").

Käsitettä "tyyli" käytetään laajasti esiintymislaitteiston yhteydessä (esimerkiksi Mussorgskin laulutyyli, Chopinin pianotyyli, Wagnerin orkesterityyli jne.). Myös muusikot, kapellimestarit tuovat esitettävän teoksen tyyliin oman uniikin tulkinnan, ja voimme tunnistaa myös erityisen lahjakkaita ja erinomaisia ​​esiintyjiä ainutlaatuisesta tulkinnastaan, teoksen soundin luonteesta. Nämä ovat sellaisia ​​upeita muusikoita kuin Richter, Gilels, Sofronitsky, Oistrakh, Kogan, Kheifets, kapellimestari Mravinsky, Svetlanov, Klemperer, Nikish, Karoyan jne.

Tunnetuimmista musiikkityyliongelmista omistetuista tutkimuksista tässä yhteydessä on syytä nimetä seuraavat teokset: AN Serovin "Beethoven ja hänen kolme tyylinsä", "Šostakovitšin tyylin piirteet" (artikkelikokoelma), "Style of the Style". Prokofjevin sinfoniat", M. Ye. Tarakanov, "I. Brahmsin tyylin ongelmaan", EM Tsareva, tai "Musiikkityylien taiteelliset periaatteet", S.S.Skrebkov, "Klassinen tyyli musiikissa 111-luvun 111-luvulla - 100-luvun alussa; Itsetietoisuus aikakaudesta ja musiikillinen käytäntö "LV Kirillina", Studies on Chopin ", LA Mazel, jossa hän huomauttaa aivan oikein, että tietyn teoksen analysointi on mahdotonta ottamatta huomioon tämän tyylin yleisiä historiallisia malleja ja teoksen sisällön paljastaminen on mahdotonta ilman selkeää ymmärrystä tiettyjen tämän tyylisten muotovälineiden ilmaisumerkityksestä. Tieteellisen täydellisyyteen väittävän musiikkiteoksen kattavan analyysin pitäisi tiedemiehen mukaan olla edellytys tämän tyylin syvälle ja kattavalle tutustumiselle, sen historialliseen alkuperään ja merkitykseen, sisältöön ja muototekniikoihin.

Tiedemiehet tarjoavat useita määritelmiä.

Musiikkityyli on taiteellisen ajattelun, ideologisten ja taiteellisten käsitteiden, kuvien ja niiden ilmentämiskeinojen järjestelmä, joka syntyy tietyllä sosiohistoriallisella pohjalla. (L.A. Mazel)

Musiikkityyli on taidekritiikassa termi, joka kuvaa ilmaisuvälinejärjestelmää, joka toimii yhden tai toisen ideolog-figuratiivisen sisällön ruumiillistumana. (E.M. Tsareva)

Tyyli on ominaisuus (hahmo) tai pääpiirteet, joilla voidaan erottaa yhden säveltäjän teokset toisista tai yhden historiallisen ajanjakson teokset ... toisesta (B.V. Asafiev)

Tyyli on musiikillisten ilmiöiden erityinen ominaisuus, tai pikemminkin laatu. Se on teoksen tai sen esityksen, editoinnin, järkevän suunnittelupäätöksen tai jopa teoksen kuvauksen hallussa, mutta vain silloin, kun se on yhdessä, toisessa, kolmannessa jne. musiikin takana olevan säveltäjän, esittäjän, tulkin yksilöllisyys tunnetaan suoraan, havainnoidaan.

Musiikkityyli on tiettyyn tiettyyn geneettiseen yhteisöön (säveltäjän perintö, koulukunta, suunta, aikakausi, ihmiset jne.) kuuluvien musiikillisten luomusten erottuva ominaisuus, jonka avulla voit suoraan tuntea, tunnistaa, määrittää niiden synnyn. ja se ilmenee poikkeuksetta kaikkien koetun musiikin ominaisuuksien kokonaisuutena, jotka yhdistyvät kokonaisvaltaiseksi järjestelmäksi tunnusomaisten ominaispiirteiden kompleksin ympärille. (E.V. Nazaikinsky).

Tiedemiehen mukaan musiikin silmiinpistävimmät tyylitavat ja piirteet ovat omaleimaisia ​​ja johtuvat tyylin ominaispiirteistä.

Säveltäjän työn yksilöllinen tyyli on pääsääntöisesti houkuttelevin tutkijoille. "Tyyli musiikissa, kuten muissakin taidetyypeissä, on ilmentymä luovan ihmisen luonteesta, joka luo musiikkia tai tulkitsee sitä" (E.V. Nazaikinsky). Tiedemiehet kiinnittävät vakavaa huomiota säveltäjän tyylin kehitykseen. Erityisesti edellä mainittiin kolme Beethoven-tyyliä, jotka herättivät Serovin huomion. Tutkijat tutkivat huolellisesti varhaista, kypsää ja myöhäistä Skrjabinin tyyliä jne.

"Tyylivarmuuden vaikutus" (E. Nazaykinsky) tarjoaa musiikin silmiinpistävimmät tyylilliset keinot ja piirteet, jotka ovat omaleimaisia ​​ja johtuvat tyylin ominaispiirteistä. Niistä kuuntelijat tunnistavat tämän tai tuon teoksen tyylin, säveltäjän käsialan, tämän tai tuon tulkin esitystyylin. Esimerkiksi Griegille ominainen harmoninen käännös on johdantoäänen siirtyminen ei tonicille, vaan asteikon viidenteen asteeseen (konsertto pianolle Oskestrilla - aloitussoinnut, kuuluisa "Solveig-laulu" sarjasta "Peer Gynt", tai myös säveltäjän usein käyttämä laskeva liike viidenteen vaiheeseen kuudennen korotetun askeleen kautta (lyyriset kappaleet, "valssi" a-mollissa), tai kuuluisa "Rachmaninovin harmonia" - molliin muodostettu sointu neljännen, kuudennen, seitsemännen, korotetun ja kolmannen askeleen luvalla sävyyn kolmannen melodisessa asennossa (alkulauseet hänen kuuluisa romanssinsa "Oi, älä ole surullinen!" - esimerkkejä on paljon, ne voivat olla jatkui loputtomasti.

Tyylin erittäin tärkeä piirre on tietyn sisällön kiinnittäminen ja ilmaisu, kuten E.V. Nazaikinsky, M.K. Mikhailov, L.P. Kazantseva, A.Yu. Kudryashov huomauttavat.

Kansallisen tyylin erityispiirteet voidaan jäljittää ennen kaikkea siitä, miten kansanperinteen alkuperä ja ammattisäveltäjän luovuus korreloivat kansallistyylin puitteissa. Kuten E.V. Nazaikinsky perustellusti huomauttaa, - sekä kansanmusiikin materiaali että kansanmusiikin periaatteet ja sen erityiset elementit voivat toimia yleisen kansallisen tyylin omaperäisyyden lähteenä. Tiettyyn kansakuntaan kuulumisen tietoisuuden mitta ja luonne sekä tämän heijastuminen luovuudessa riippuu pitkälti alkuperäisen kulttuurin vuorovaikutuksesta vieraiden kulttuurien ja niiden elementtien kanssa, siitä, mitä muita kansoja ja kulttuureja henkilö on joutuu kosketuksiin. Jopa vahvin, kirkkain yksilötyyli sen muodostumis- ja kehitysprosessissa on koulun, aikakauden, kulttuurin, ihmisten tyylien välittämä. Muistan VG Belinskyn ihanat sanat: "Jos yhden kansan kulttuurin kehitysprosessi kulkee lainaamalla toiselta - se kuitenkin tapahtuu n ja n al, muuten edistystä ei tapahdu."

Teoksen musiikillisen kielen analyysi - melodian, harmonian, rytmin, muodon, tekstuurin ominaisuudet - on edellytys tyylin luonnehdinnalle.

Musiikkikirjallisuudessa on kehitetty monia teorioita, jotka kuvaavat yksittäisiä historiallisia vaiheita eri tyylien - barokin, rokokoon, klassismin, romantiikan, impressionismin, ekspressionismin jne. - muodostumisessa. Näiden tutkimusten sisältö paljastaa musiikkiteoksia yhdistävät johtavat perusperiaatteet. yksi historiallinen aikakausi, luotu eri maissa, eri kansallisissa kouluissa jne. , joka antaa käsityksen tietyn historiallisen vaiheen estetiikasta, musiikin kielestä ja aikakaudesta kokonaisuutena. Kuuluisassa kirjassaan "Elämäni kroniikka" IF Stravinsky kirjoitti: "Jokainen oppi vaatii erityistä ilmaisutapaa ilmentymäänsä, ja näin ollen erityistä tekniikkaa; Eihän taiteessa voi kuvitella tekniikkaa, joka ei seuraisi tietystä esteettisestä järjestelmästä."

Jokaisella tyylillä on omat erityispiirteensä. Joten Barokille muotojen monumentaalisuudesta, mukaan lukien laajamittaiset sykliset muodot, monitahoiset kontrastit, musiikillisen kirjoittamisen moniäänisten ja homofonisten periaatteiden vertailu on luontaista. Tanssien barokkisarja, kuten A. Yu. Kudryashov totesi, edusti yleensä liikettä samanaikaisesti kahdessa hypostaasissa - ihmisen neljän päätemperamentin ruumiillistumana ja inhimillisen ajatuksen virtauksen vaiheina (melankolinen allemand - "teesi", koleerinen kello - "tutkielman kehitys", flegmaattinen sarabanda - "antiteesi", sanguine gigue - "väitöskirjan kumoaminen".

Kuten O. Zakharova totesi, solistien julkinen esiintyminen alkoi saada suurta roolia, niiden jakaminen yleisölle näkyville ensimmäisille paikoille, kun taas aiemmin suoraan yleisön silmien edessä olleet kuoro ja instrumentaaliyhtye siirtyvät tausta.

Barokkikaudella oopperan genre kehittyy nopeasti, ja kuten V. Martynov aivan oikein huomauttaa, oopperasta on tullut musiikin olemassaolon tapa, sen substanssi ... Ja kun barokkisäveltäjät kirjoittavat messuja ja motettoja, heidän messunsa ja motettinsa ovat samoja oopperoita , tai oopperan fragmentit, sillä ainoalla erolla, että ne perustuvat pyhiin kanonisiin teksteihin, joista tulee "musiikkiesityksen" kohde.

Barokkimusiikin ydin on efekti, joka tuolloin ymmärrettiin ilmaisuksi tunteesta, joka sisältää ajatuksen ikuisuudesta. "Musiikin tarkoitus on tuottaa meille mielihyvää ja herättää meissä erilaisia ​​vaikutteita", kirjoitti R. Descartes traktaatissaan "The Compendium of Music". Afektien luokittelun teki A. Kircher - rakkaus, suru, rohkeus, ilo, maltillisuus, viha, suuruus, pyhyys, sitten - I. Walter - rakkaus, kärsimys, ilo, viha, myötätunto, pelko, iloisuus, hämmästys.

Barokin aikakauden säveltäjät kiinnittivät suurta huomiota sanan intonaatioon lausumiseen r:n ja t o r:n sekä to ja -lakien mukaisesti. Yu. Lotmanin mukaan "barokkitekstin retoriikkaa luonnehtii törmäys kokonaisen alueen sisällä, jota leimaa erilainen semiotiikka. Kielten törmäyksessä toinen niistä esiintyy poikkeuksetta "luonnollisena" (ei kielenä) ja toinen korostettuna keinotekoisena."

Tässä ovat barokkitaiteen tunnetuimmat musiikilliset ja retoriset hahmot:

melodian liike ylöspäin (ylösnousemuksen, ylösnousemuksen symbolina);

melodian liike alaspäin (synnin symbolina tai siirtyminen "alempaan maailmaan");

melodian pyöreä liike ("helvetin pyörteiden" (Dante) symbolina tai päinvastoin jumalallisen valaistumisen symbolina);

asteikkomainen melodian ylös- tai alaspäin nopea liike (toisaalta inspiraation tai toisaalta vihan symbolina);

melodian liike kapeita kromaattisia välejä pitkin (kauhun, pahan symbolina);

melodian kulku laajalla kromaattisella, korotetulla tai pienennetyllä aikavälillä tai tauko kaikissa äänissä (kuoleman symbolina).

Rokoko-tyylille on ominaista hauraiden, sirojen tai pelottavien kuvien maailma uljaasta salonkihahmosta, ja musiikillinen kieli on täynnä melodisen kuvion pirstoutumista, melismaa ja tekstuurin läpinäkyvyyttä. Säveltäjät eivät pyri ilmentämään vakiintuneita tunnelmia, vaan niiden kehitystä, ei rauhallisesti vuodattavaa affektiivia, vaan tunnetta äkillisillä jännitteen ja purkausvaihteluilla. Heille musiikillisen ajatuksen ilmaisun puheen selkeys tulee tavanomaiseksi. Järkymättömät, staattiset kuvat antavat tien muutokselle, rauha - liikkeelle.

Akateemikko D. Likhachevin mukaan klassikot ovat yksi mahdollisista "aikakauden suurista tyyleistä". Klassisen tyylin esteettisessä aspektissa on tärkeää korostaa teoksen luontaisen aistillisesti-suoran, rationaalisen-loogisen ja ideologisen-ylevän tasapainoa, taiteilijan klassista itsetietoisuutta, joka voittaa "voiman". pimeistä elinvoimista" ja kääntyi "kevyeksi, aistilliseksi kauneudeksi" (E. Kurt) ja on siksi sopusoinnussa menneisyyden klassisten taideesimerkkien kanssa, ennen kaikkea - antiikki, jonka kiinnostuksen lisääntyminen on yksi suuntaa antavista merkkejä minkä tahansa klassismin muodostumisesta (A.Yu. Kudryashov). Erityisen tärkeää klassismin aikakaudella on neliosaisen sonaatti-sinfonisen syklin muodostuminen. M.G. Aranovskin mukaan hän määrittelee ihmispersoonan neljän päähypostaasin semantiikan: aktiivinen ihminen, ajatteleva ihminen, leikkivä ihminen, sosiaalinen henkilö. Neliosainen rakenne toimii, kuten N. Zhirmunskaya kirjoittaa, universaalina maailmanmallina - tilallisena ja ajallisena, syntetisoimalla ihmisen makrokosmoksen - maailmankaikkeuden - ja mikrokosmoksen. "Tämän mallin erilaisia ​​taitoksia yhdistävät symboliset ja symboliset yhteydet, jotka toisinaan käännetään tuttujen mytologisten kuvien ja juonien kielelle: elementit heijastavat symbolisesti vuodenaikoja, päiviä, ihmiselämän jaksoja, maailman maita (esimerkiksi: talvi - yö - vanhuus - pohjoinen - maa jne.). P.)"

Esiin tulee kokonainen joukko vapaamuurarien merkityksellisiä semanttisia hahmoja, jotka E. Chigareva paljasti Mozartin teoksessa "Nuoruus: nousu suureen kuudenteen - toivo, rakkaus, ilo; pidätykset, pari lainattua seteliä - veljeyden siteet; gruppeto - vapaamuurarien ilo; rytmi: pilkullinen rytmi, ... korostetut staccato-soinnut, jota seuraa tauko - rohkeutta ja päättäväisyyttä; harmonia: rinnakkaiset tertsit, kuutosoinnut ja kuudessoinnut - yhtenäisyys, rakkaus ja harmonia; "Modaaliset" soinnut (toissijaiset tasot - VI jne.) - juhlalliset ja uskonnolliset tunteet; kromatismia, vähentyneet septissoinnut, dissonanssit - pimeys, taikausko, chlo ja epäsointu."

Beethovenin taiteellisen maailman keskeinen sisältökompleksi on muodon kauneus ja tasapaino, tiukasti järjestetty musiikillisen retorisen kaunopuheisuuden virtaus, korkea eettinen idea, suuri vastakohtien rooli - sekä musiikillisen syntaksin että muodon tasolla.

Romantismi on tyyli, joka vallitsee 1800-luvulla. Yksi musiikillisen romantiikan tutkijoista, Y. Gabay paljastaa kolme tapaa tulkita 1800-luvun romantiikkaa: toisin kuin klassinen, se merkitsee kristillistä taidetta; toiseksi se liittyy romaaniseen kieliperinteeseen, nimittäin vanhaan ranskalaiseen runoromaaniin, kolmanneksi se määrittelee todella runollisen animaation, joka tekee suuren runouden aina eläväksi (jälkimmäisessä tapauksessa romantikkoja, jotka katsovat historiaa kuin peilistä). heidän ihanteensa, löysivät ne Shakespearesta, Cervantesista ja Dantesta, Homeruksesta ja Calderonista).

Musiikin kielessä tutkijat havaitsevat harmonian, synteettisen melodiatyypin, vapaiden muotojen käytön, kokonaisvaltaiseen kehitykseen pyrkimisen, uudentyyppisen pianon ja orkesteritekstuurin lisääntyvän ilmeikkäästi ja värikkäästi. Novalisin ajatus romanttisesta proosasta, erittäin muuttuvasta, upeasta, erityisistä käänteistä, nopeista hyppyistä - voidaan ekstrapoloida musiikkiin. Tärkein romantiikan yleismaailmallisen tulemisen ja muutoksen idean musiikillinen ilmaisutapa on lisääntynyt laulaminen, laulun kirjoittaminen, kantavuus, joka on läsnä Schubertissa, Chopinissa, Brahmsissa, Wagnerissa ja muissa.

Ohjelmointi musiikillisen ajattelun ilmiönä

romanttinen aikakausi, sisältää erityisiä musiikillisia ilmaisukeinoja. On syytä pitää mielessä ohjelmoidun ja ohjelmoimattoman musiikin monimutkainen suhde, sillä Chopinin mukaan "ei ole olemassa oikeaa musiikkia ilman piilotettua merkitystä". Ja Chopinin Preludit ovat hänen oppilaidensa lausuntojen mukaan luojansa tunnustuksia. B-molli sonaatti kuuluisalla "hautajaismarssilla" Schumannin sanoin "ei musiikkia, vaan jotain, jossa on pelottavaa henkeä", A. Rubinsteinin sanoin - "yötuuli puhaltaa arkkujen yli hautausmaalla"...

1900-luvun musiikissa havaitsemme erityisen erilaisia ​​musiikin säveltämisen tekniikoita: vapaata atonaalisuutta, sävelkorkeuden eriyttämätöntä sonorismia, sointiääniefektejä, aleatoriikkaa sekä 12-säveljärjestelmää, uusmodaalisuutta, sarjallisuutta, sarjallisuutta. . 1900-luvun musiikin yksittäisten komponenttien avoimuus on erottuva piirre koko modernille kulttuurille, kuten ranskalainen kulttuuritieteilijä A. Mole aivan oikein sanoi: "moderni kulttuuri on mosaiikki... todella yleinen käsite, mutta niitä on monia käsitteitä suurella painolla."

Musiikissa laulava-kantama temaattisuus tuhoutuu, myös muiden musiikillisten ilmaisukeinojen (Stravinsky, Bartok, Debussy, Schoenberg, Messiaen, Webern jne.) vapautuminen ilmaantuu epätavallisia, aikalaisia ​​järkyttäviä esityspiirteitä, kuten esimerkiksi G. Cowellin näytelmä “Harmoniset seikkailut” - klustereiden (sekunneista koostuvien sointujen) käyttö, tekniikat, joilla piano poistetaan nyrkillä, kämmenellä tai koko kyynärvarrella ...

Musiikkiin syntyi uusia modernistisia suuntauksia, jotka olivat peräisin maalauksesta ja muista taiteista. Joten sellaisen ilmiön kuin bryu ja tism tai melutaiteen (ranskan sanasta brutit - melu) alkuperä oli italialainen taidemaalari Luigi Russolo, joka manifestissaan "Melun taide" kirjoitti, että "musiikkitaide etsii yhdistelmää mitä ristiriitaisimmista, oudoimmista ja ankarimmista äänistä ... viihdytämme itseämme, orkestroimalla myymälän ovet täydellisesti narisevat lohkoilla, väkijoukon huminaa, erilaisia ​​rautatieaseman, takomojen, kehruutehtaiden, painotalojen, sähköisten ääniä työpajoja ja maanalaisia ​​rautateitä ... emme saa unohtaa täysin uusia modernin sodan ääniä ..., muuttaa ne musiikiksi ja säädellä harmonisesti ja rytmisesti "

Toinen modernistinen suuntaus - dada ja zm Dadaismin modernistinen olemus voidaan jäljittää taiteilija G. Grossin lausunnoissa: "Dadaismi oli läpimurto, jonka teimme röyhtäen, pilkaten ja nauraen päästäksemme ulos siitä suljetusta, ylimielisestä ja arvostamme liiaksi ympyrää, joka leijui luokkahuoneiden yläpuolella ja jolta oli vieras vastuuntunto ja osallistuminen jokapäiväiseen elämään. Säveltäjä ja taiteilija, Venäjältä kotoisin oleva Efim Golyshev, yksi 1200-luvun kaksitoistasävyisen sävellysmenetelmän mestareista, osallistui aktiivisesti Berliinin Dada-klubin työhön. Hänen musiikki- ja lavateoksiaan ovat muun muassa "Dadaistic Dance with Masks", "Gasping Maneuver", "Rubber" kahdelle timpanille, kymmenelle helistimelle, kymmenelle naiselle ja yhdelle postimiehelle. Urbanistisia sävellyksiä Honeggerilta (Pacific-231), Prokofevilta (baletti Steel Skok), Mosolovilta (sinfoninen jakso Factory. Music of Machines baletista Steel), Varesen (Ionisaatio 41 lyömäsoittimelle ja kahdelle sireenille) - sitten nämä taipumukset taittuivat sodanjälkeisen musiikillisen avantgardin suuntiin. Näitä ovat konkreettinen ja elektroninen musiikki, ensemble happening ja instrumentaaliteatteri, sonoristiikka, multimediaprosessit (P. Schaefferin, K. Stockhausenin, M. Kagelin, S. Slonimskyn, A. Schnittken, S. Gubaidullinan, J. Cagen teoksia jne. )

1800-luvun lopulla syntyivät edellytykset uusklassismin syntymiselle, joka L. Rabenin mukaan oli 1900-luvun uusista musiikin järjestelmistä universaalein.

Myös musiikissa esiintyy polystylistisia suuntauksia. P o l ja s t ja -

l ja s t ja k ja - tietoinen yhdistelmä yhdessä teoksessa eri tyylisiä piirteitä. "Polystylistiikan määritelmä tarkoittaa erilaisten tyyliilmiöiden tahallista yhdistämistä yhdessä teoksessa, tyylillistä heterogeenisyyttä, joka syntyy useiden tekniikoiden käytöstä (yksi erikoistapauksista on kollaasi)" - (Musical Encyclopedia, vol. 3, s. 338) ). Yksi mielenkiintoisista vertikaalisen polystylistiikan käyttötapauksista löytyy A. Schnittken Serenadista viidelle instrumentille: partituurin numerossa 17 Tšaikovskin viulukonserton motiivi soi samanaikaisesti ja hänen Ensimmäisen pianokonsertonsa pääosan alku. , ja numero 19 yhdistää The Golden Cockerelin Shemakhan Queenin leitmotiivin »Rimski-Korsakovin Beethovenin Pateettisen sonaatin avaussoinnut ja kohdat Bachin Chaconnesta sooloviululle.

Musiikkityylilajit ovat musiikkiteosten sukuja ja tyyppejä, jotka ovat historiallisesti kehittyneet musiikin tiettyjen toimintojen, sen elämäntarkoituksen, esittämisen ja havaitsemisen edellytysten yhteydessä. E. Nazaykinsky antaa erittäin laajan määritelmän: "naiset ovat historiallisesti vakiintuneita suhteellisen vakaita musiikkiteostyyppejä, luokkia, sukupuolia ja tyyppejä, jotka erotetaan useiden kriteerien mukaan, joista tärkeimmät ovat: a) tietty elämän tarkoitus ( sosiaalinen, kotitalous, taiteellinen tehtävä), b) esityksen ehdot ja keinot, c) sisällön luonne ja ilmentymisen muoto. Genre on monikomponenttinen, kumulatiivinen geneettinen (voisi jopa sanoa, että geeni) rakenne, eräänlainen matriisi, jonka mukaan syntyy tämä tai tuo taiteellinen kokonaisuus. Jos sana tyyli viittaa lähteeseen, luomuksen synnyttäjään, niin sana genre viittaa geneettiseen kaavaan, jonka mukaan teos muodostui, syntyi ja syntyi. Genre on kiinteä tyypillinen projekti, malli, matriisi, kaanon, johon tietty musiikki liittyy."

T.V. Popovan teoksissa genrejen luokittelu perustuu kahteen kriteeriin: musiikin olemassaolon ehtoihin ja esityksen erityispiirteisiin. V.A. Tsukkerman tunnistaa kolme päälajiryhmää: lyyriset genret, narratiiviset ja eeppiset genret sekä liikkeeseen liittyvät motoriset genret. A.N.Sokhor ottaa pääkriteerinä olemisen ehdot, esityksen asettamisen. Tiedemies tunnistaa neljä genrejen pääryhmää: kultti- tai rituaaligenret, massagenret, konserttigenret ja teatterigenret. OV Sokolovin tekemä genrejen systematisointi perustuu musiikin yhteyteen muihin taiteisiin tai ei-musikaalisiin komponentteihin sekä sen toimintaan. Tämä on puhdasta musiikkia, interaktiivista musiikkia, sovellettua musiikkia, sovellettua interaktiivista musiikkia.

T.V. Popova systematisoi klassisen musiikin tärkeimmät genret seuraavasti:

Laulugenret (laulu, hymni, kuoro, recitatiivi, romanssi, balladi, aaria, arietta, arioso, cavatina, vokalisointi, yhtye);

Tanssimusiikki. Antiikki tanssisarja;

Instrumentaalimusiikin genret (preludi, keksintö, etüüdi, toccata, impromptu, musiikillinen hetki, nokturni, barcarole, serenade, scherzo, jumoreski, capriccio, rapsodia, balladi, noveletta);

Sinfoninen ja kamarimusiikki;

Sonaatti- ja sinfoniasyklit, konsertti, 1800-1900-luvun sinfoniasarja;

Yksiosaiset (ei-sykliset) genret 1800-1900-luvuilta (alkusoitto, fantasia, sinfoninen runo, sinfoninen kuva, yksiosainen sonaatti;

Musiikki- ja dramaattisia teoksia. Ooppera ja baletti

Kantaatti, oratorio, requiem.

Kirjallisuus

Pää

1. Bonfeld M. Sh. Musiikkiteosten analyysi. Tonaalisen musiikin rakenne:

klo 14 Moskova: Vlados, 2003.

2. Bonfeld M. Sh. Johdatus musiikkitieteeseen. M .: Vlados, 2001.

3. Berezovchuk L. Musiikin tyylilaji toimintojärjestelmänä: Psykologiset ja semioottiset näkökohdat // Teoreettisen musiikkitieteen näkökohtia. Musiikkitieteen ongelmia. Ongelma 2. L., 1989.S. 95-122.

4. Gusev V. Folkloorin estetiikka. L., 1967.

5. Kazantseva LP Musiikillisen sisällön teorian perusteet: oppikirja. käsikirja musiikkiyliopistojen opiskelijoille. Astrakhan, 2001.

6. Kazantseva LP Polystylistics in music: luento kurssista "Musiikkiteosten analyysi". Kazan, 1991.

7. Kolovsky OP Lauluteosten analyysi: oppikirja. käsikirja musiikkiyliopistojen opiskelijoille / OP Kolovsky [ja muut]. L .: Musiikki, 1988.

8. Konen V.D. Kolmas kerros: Uusia massagenrejä 1900-luvun musiikissa. M., 1994.

9. Mazel L., Zuckerman V. Musiikkiteosten analyysi: oppikirja. korvaus. Moskova: Musiikki, 1967.

10. Musiikillinen tietosanakirja. M., 1998.

11. Nazaikinsky EV Musiikin tyylit ja genret: oppikirja. käsikirja korkeakoulujen opiskelijoille. M .: Vlados, 2003.

12. Popova T.V. Musiikin genret ja muodot. 2. painos M., 1954.

13. Reuterstein M. Musiikillisen analyysin perusteet: oppikirja. M .: Vlados, 2001.

14. Ruchevskaya EA Klassinen musiikkimuoto. Pietari: Säveltäjä, 1998.

15. Sokolov A. S. Johdatus 1900-luvun sävellykseen: oppikirja. käsikirja yliopistoille. M .: Vlados, 2004.

16. Sokolov O.V. Musiikin tyylilajien typologian ongelmasta // XX vuosisadan musiikin ongelmat. Gorki, 1977.

17. Tyulin Yu. N. Musiikkimuoto: oppikirja. lisä / Yu. N. Tyulin [ja muut]. L .: Musiikki, 1974.

18. Kholopova V. N. Musiikkiteosten muodot. SPb .: Lan, 2001.

Lisätiedot

1. Aleksandrova L. V. Järjestys ja symmetria musiikkitaiteessa: looginen ja historiallinen puoli. Novosibirsk, 1996.

2. Grigorieva G. V. Musiikkiteosten analyysi. Rondo 1900-luvun musiikissa. M .: Musiikki, 1995.

4. Kazantseva LP Musiikillisen sisällön analyysi: menetelmä. korvaus. Astrakhan, 2002.

5. Krapivina IV Muodostumisongelmat musiikillisessa minimalismissa. Novosibirsk, 2003.

6. Kudryashov A.Yu. Musiikillisen sisällön teoria. M., 2006.

7. Mazel L. Vapaamuotoiset F. Chopin. Moskova: Musiikki, 1972.

8. Musiikkitietosanakirja. M., 1974-1979. T. 1-6

9. Ovsyankina G. P. Pianosykli venäläisessä musiikissa 1900-luvun jälkipuoliskolla: D. D. Šostakovitšin koulu. Pietari: Säveltäjä, 2003.

10. Zuckerman V. Musiikkiteosten analyysi. Varianttimuoto: oppikirja. nastalle. musiikkitieteilijä dep. muusat. yliopistot. M .: Musiikki, 1987.

ADAGIO- 1) hidas tahti; 2) teoksen tai syklisen sävellyksen osan nimi adagio-tempossa; 3) hidas soolo- tai duettotanssi klassisessa baletissa.
SÄESTYS- musiikillinen säestys solistille, yhtyeelle, orkesterille tai kuorolle.
SOINTU- useiden (vähintään 3) eri korkeudella olevan äänen yhdistelmä, joka koetaan äänikokonaisuutena; sointujen äänet on järjestetty terseihin.
AKSENTTI- minkä tahansa äänen voimakkaampi, perkussiivinen poimiminen muihin verrattuna.
ALLEGRO- 1) erittäin nopeaa askelta vastaava tahti; 2) kappaleen tai sonaattisyklin osan nimi allegrotempossa.
ALLEGRETO- 1) tahti, hitaampi kuin allegro, mutta nopeampi kuin moderato; 2) teoksen tai teoksen osan nimi allegreton tempossa.
MUUTOS- nostaa ja laskea nauhavaa'an astetta muuttamatta sen nimeä. Muutosmerkit - terävä, litteä, kaksinkertainen terävä, kaksinkertainen litteä; sen peruuttamisen merkki on bekar.
ANDANTE- 1) maltillinen tahti, joka vastaa rauhallista askelta; 2) teoksen ja sonaattisyklin osan nimi andante-tempossa.
ANDANTINO- 1) vauhti, elävämpi kuin andante; 2) kappaleen tai sonaattisyklin osan nimi andantinotempoisessa.
YHTEENVETO- ryhmä esiintyjiä, jotka toimivat yhtenä taiteellisena kollektiivina.
JÄRJESTELY- musiikkiteoksen käsittely toisella soittimella esitettäväksi tai muulla soittimien, äänien koostumuksella.
ARPEGGIO- äänien esittäminen peräkkäin, yleensä alhaisimmalla äänellä.
BASSO- 1) alin miesääni; 2) matalarekisteriiset soittimet (tuba, kontrabasso); 3) sointujen pohjaääni.
BELCANTO- Italiassa 1600-luvulla syntynyt laulutyyli, joka erottui äänen kauneudesta ja keveydestä, kantileen täydellisyydestä ja koloratuurin virtuoosista.
MUUNNELMAT- musiikkikappale, jossa aihe esitetään useita kertoja tekstuurissa, tonaalissa, melodiassa jne.
VIRTUOOSI- esiintyjä, joka hallitsee sujuvasti äänen tai soittimen soittamisen.
ÄÄNI- musiikkikappale laulamiseen ilman sanoja vokaaliäänessä; yleensä harjoitus laulutekniikan kehittämiseksi. Konserttiesitysten ääntelyt tunnetaan.
LAULU MUSIIKKI - teoksia yhdelle, usealle tai useammalle äänelle (soittimen säestyksellä tai ilman), muutamaa runotekstiin liittyvää poikkeusta lukuun ottamatta.
KORKEUSÄÄNI - äänen laatu, jonka henkilö määrittää subjektiivisesti ja liittyy pääasiassa sen taajuuteen.
GAMMA- Kaikkien päääänestä nousevassa tai laskevassa järjestyksessä sijoittuvien fretin äänten peräkkäisyydellä on oktaavin voimakkuus, voidaan jatkaa vierekkäisiin oktaaveihin.
HARMONIA- ilmaisuvoimaiset musiikin välineet, jotka perustuvat sävelten yhdistämiseen konsonanssissa, konsonanssien yhdistämiseen niiden peräkkäisessä liikkeessä. Se on rakennettu polyfonisen musiikin harmonian lakien mukaan. Harmonian elementit ovat kadenssi ja modulaatio. Harmoniaoppi on yksi musiikin teorian päähaaroista.
ÄÄNI- Joukko ääniä, jotka vaihtelevat korkeudeltaan, vahvuudeltaan ja sointiltaan, jotka syntyvät elastisten äänihuulten värähtelyjen seurauksena.
ALUE- lauluäänen, soittimen äänenvoimakkuus (pienimmän ja korkeimman äänen välinen aika).
DYNAMIIKKA- erot äänenvoimakkuuden asteessa, voimakkuudessa ja niiden muutoksissa.
JOHTAMINEN- musiikillisen esiintymisryhmän johtaminen sävellyksen oppimisen ja julkisen esittämisen aikana. Sen suorittaa kapellimestari (kapellimestari, kuoronjohtaja) erityisillä eleillä ja ilmeillä.
TREBLE- 1) keskiaikaisen kaksiäänisen laulun muoto; 2) korkea lasten (poikien) ääni sekä hänen esittämänsä osuus kuorossa tai lauluyhtyeessä.
DISSONANSI- eri sävyjen imartelematon, intensiivinen samanaikainen soitto.
KESTO- äänen tai tauon kuluma aika.
dominoiva- yksi tonaalisista tehtävistä duurissa ja mollissa, voimakkaalla painovoimalla kohti tonicia.
HENGEET INSTRUMENTIT - ryhmä instrumentteja, joiden äänilähde on ilmapatsaan värähtely porauksessa (putkessa).
GENRE- historiallisesti vakiintunut alajako, teoksen tyyppi muodon ja sisällön yhtenäisyydessä. Ne eroavat esitystavan (laulu, laulu-instrumentaalinen, soolo), tarkoituksen (sovellettu jne.), sisällön (lyyrinen, eeppinen, dramaattinen), esityspaikan ja -olosuhteiden (teatteri-, konsertti-, kamari-, elokuvamusiikki jne.) suhteen. .).
Laulu- kuorolaulun tai eepoksen johdantokappale.
ÄÄNI- ominaista tietty sävelkorkeus ja äänenvoimakkuus.
JÄLJITELMÄ- polyfonisissa musiikkiteoksissa aiemmin toisella äänellä soitetun melodian tarkka tai muunneltu toisto millä tahansa äänellä.
IMPROVISATIO- musiikin säveltäminen esityksen aikana ilman valmistautumista.
INSTRUMENTAALINEN MUSIIKKI - tarkoitettu soittamiseen soittimilla: soolo, yhtye, orkesteri.
INSTRUMENTOINTI- musiikin esittäminen nuotioiden muodossa kamariyhtyeelle tai orkesterille.
AIKAVÄLI- kahden äänen suhde sävelkorkeudessa. Se voi olla melodinen (ääniä otetaan vuorotellen) ja harmoninen (ääniä otetaan samanaikaisesti).
JOHDANTO- 1) lyhyt johdatus syklisen instrumentaalimusiikkiteoksen ensimmäiseen osaan tai finaaliin; 2) oopperan tai baletin lyhyt alkusoitto, johdatus oopperan erilliseen näytökseen; 3) kuoro tai lauluyhtye, joka seuraa alkusoittoa ja avaa oopperan toiminnan.
KADENSSI- 1) harmoninen tai melodinen vaihtuvuus, joka täydentää musiikillisen rakenteen ja antaa sille enemmän tai vähemmän täydellisyyttä; 2) virtuoosisoolojakso instrumentaalikonsertissa.
KAMERI MUSIIKKI - instrumentaali- tai laulumusiikkia pienelle näyttelijäjoukolle.
HAARUKKA- erityinen laite, joka lähettää tietyn taajuuden äänen. Tämä ääni toimii viitteenä soittimien virittämisessä ja laulamisessa.
CLAVIR- 1) kielikoskettimien yleisnimi 1600-1700-luvuilla; 2) sanan claviraustsug lyhenne - oopperan, oratorion jne. partituurin sovitus pianolla laulamista varten sekä yhdelle pianolle.
KOLORATUURI- nopeita, teknisesti vaikeita, virtuoosillisia kappaleita laulussa.
SÄVELLYS- 1) teoksen rakentaminen; 2) teoksen nimi; 3) musiikin sävellys; 4) akateeminen aine musiikin oppilaitoksissa.
KONSONanssi- eri sävyjen yhtenäinen, koordinoitu samanaikainen soitto, yksi harmonian tärkeimmistä elementeistä.
CONTRALTO- matala naisääni.
viljely- musiikillisen rakenteen korkeimman jännityksen hetki, musiikkiteoksen osa, koko teos.
POIKA- Musiikin tärkein esteettinen kategoria: äänenkorkeusyhteyksien järjestelmä, jota yhdistää keskeinen ääni (konsonanssi), äänten suhde.
LITMOTIIVINEN- musiikillinen vaihtuvuus, toistuu teoksessa hahmon, esineen, ilmiön, idean, tunteen ominaisuutena tai symbolina.
LIBRETTO- kirjallinen teksti, joka otetaan pohjaksi musiikkiteoksen luomiselle.
MELODIA- yksiääninen musiikillinen ajattelu, musiikin pääelementti; joukko ääniä, jotka on järjestetty modaaliintonaatioon ja rytmisesti muodostaen tietyn rakenteen.
MITTARI- vahvojen ja heikkojen lyöntien vuorottelujärjestys, rytmin organisointijärjestelmä.
METRONOMI- työkalu, joka auttaa määrittämään oikean suoritustempon.
MEZZO SOPRANO- naisääni sopraanon ja kontralton välissä.
POLYFONIAT- musiikkivarasto, joka perustuu usean äänen samanaikaiseen yhdistämiseen.
MODERATO- kohtalainen tempo, keskimääräinen andantinon ja allegretton välillä.
MODULAATIO- siirtyminen uuteen avaimeen.
MUSIIKKI MUOTO - 1) ilmaisuvälineiden kompleksi, joka ilmentää musiikkiteoksen tiettyä ideologista ja taiteellista sisältöä.
HUOMAUTUSKIRJE- graafisten merkkien järjestelmä musiikin nauhoittamista varten sekä itse äänitys. Nykyaikaisessa nuotinkirjoituksessa käytetään seuraavia: 5-rivinen sauva, nuotit (ääniä ilmaisevat merkit), nuottiavain (määrittää nuottien korkeuden) jne.
YLIÄÄNI- yliäänet (osittaiset äänet), kuulostavat pääääntä korkeammalta tai heikommalta, sulautuvat siihen. Jokaisen niiden läsnäolo ja voimakkuus määräävät äänen sointin.
ORKESTROINTI- musiikkiteoksen sovitus orkesterille.
ORNAMENTTI- tapoja koristella laulu- ja instrumentaalimelodioita. Pieniä melodisia koristeita kutsutaan melismoksi.
OSTINATO- melodisen rytmisen hahmon useita toistoja.
PISTEET- moniäänisen musiikkiteoksen nuottiesitys, jossa kaikkien äänten osapuolet on esitetty toistensa yläpuolella tietyssä järjestyksessä.
LÄHETYS- polyfonisen kappaleen erottamaton osa, joka on tarkoitettu esitettäväksi yhdellä äänellä tai tietyllä soittimella sekä homogeenisten äänien ja instrumenttien ryhmällä.
KULKU- äänten peräkkäisyys nopeassa liikkeessä, usein vaikeasti suoritettavissa.
TAUKO- musiikkikappaleen yhden, usean tai kaikkien äänien katkeaminen; merkki nuotinnoissa, joka osoittaa tämän tauon.
PIZZICATO- äänentuotannon vastaanotto jousisoittimilla (kynimällä), antaa äkillisen äänen, hiljaisemman kuin jousella soitettaessa.
PLEKTRA(poiminta) - laite äänen tuottamiseen kieleillä, pääasiassa kynityillä soittimilla.
NISKATUKI- kansanlaulussa pääääntä säestävä ääni, joka soi samanaikaisesti sen kanssa.
ALKU- pieni kappale sekä johdatus musiikkikappaleeseen.
OHJELMISTO MUSIIKKI - musiikkikappaleita, jotka säveltäjä on tarjonnut sanallisella ohjelmalla, joka konkretisoi havaintoa.
REPRISE- musiikkikappaleen motiivin toisto sekä toistosävel.
RYTMI- eripituisten ja -voimaisten äänten vuorottelu.
SYMPONISMI- taiteellisen konseptin paljastaminen johdonmukaisen oma-aloitteisen musiikillisen kehityksen avulla, mukaan lukien teemojen ja temaattisten elementtien vastakkainasettelua ja muuntamista.
SINFONIA MUSIIKKI - sinfoniaorkesterin esitettäväksi tarkoitettuja musiikkikappaleita (suuret, monumentaaliset kappaleet, pienet kappaleet).
SCHERZO- 1) XV1-XVII vuosisadalla. laulu- ja instrumentaaliteosten nimeäminen humoristisia tekstejä varten sekä instrumentaalikappaleet; 2) osa sviittiä; 3) osa sonaatti-sinfoniasykliä; 4) 1800-luvulta. itsenäinen instrumentaalikappale, lähellä capriccioa.
MUSIIKKIKUULOLLISUUS- henkilön kyky havaita tiettyjä musiikin äänien ominaisuuksia, tuntea niiden välillä toiminnallisia yhteyksiä.
SOLFEGGIO- ääniharjoituksia kuulon ja lukutaidon kehittämiseksi.
SOPRAANO- 1) korkein lauluääni (pääasiassa nais- tai lapsiääni), jolla on kehittynyt äänirekisteri; 2) kuoron yläosa; 3) korkearekisterilajikkeet soittimia.
STRING SOITTIMET - äänen tuotantotavan mukaan ne jaetaan jousi-, kynitty-, lyömäsoittimiin, lyömäsoittimet-koskettimet, kynitty-koskettimet.
TACT- musiikkimittarin erityinen muoto ja yksikkö.
AIHE- musiikkiteoksen tai sen osien perustana oleva rakenne.
SÄÄNI- äänelle tai soittimelle ominaisen äänen väri.
VAUHTI- metristen laskentayksiköiden nopeus. Tarkkaa mittausta varten käytetään metronomia.
Lämpötila- äänijärjestelmän portaiden välisten intervallisuhteiden tasaus.
TONIC- tuskan pääaste.
TRANSkriptio- musiikkikappaleen sovitus tai vapaa, usein virtuoosimainen käsittely.
LIVERRYS- irisoiva ääni, joka syntyy kahden vierekkäisen äänen nopeasta toistosta.
ALKUSOITTO- ennen teatteriesitystä esitetty orkesteriteos.
rummut INSTRUMENTIT - Soittimet, joissa on nahkakalvo tai jotka on valmistettu materiaalista, joka itsessään pystyy soimaan.
SAMANAIKAISESTI- useiden saman korkeuden musiikkiäänten samanaikainen soitto.
RAKENNE- teoksen erityinen soundi.
FALSETTI- yksi mieslauluäänen rekistereistä.
FERMATA- tempon pysäyttäminen pääsääntöisesti musiikkikappaleen lopussa tai sen osien välissä; ilmaistaan ​​äänen tai tauon keston pidentymisenä.
VIIMEINEN- syklisen musiikkiteoksen viimeinen osa.
KUORO- uskonnolliset laulut latinaksi tai äidinkielellä.
KROMATISMI- Kahden tyyppinen rasterivälijärjestelmä (muinainen kreikkalainen ja uusi eurooppalainen).
Aivohalvaukset- äänenpoistomenetelmät jousisoittimissa, jotka antavat äänelle erilaisen luonteen ja värin.
ESITTELY- 1) sonaattimuodon alkuosa, jossa esitetään teoksen pääteemat; 2) fuugan ensimmäinen osa.
SAGE- eräänlainen musiikillinen esittävä taide