Kuuluisa ranskalainen koreografi ristisanatehtävä. Pierre lacotte - kuuluisa ranskalainen tanssija ja koreografi

Koti / Entinen

Balettimestari on tanssinumeroiden ohjaaja konserteissa, balettiesityksissä, koreografisia kohtauksia musiikillisissa ja dramaattisissa esityksissä, tanssiryhmän tai tanssijaryhmän johtaja. Tämä on henkilö, joka keksii ja herättää henkiin hahmojen kuvat, heidän liikkeidensä, muovinsa, valitsee musiikkimateriaalin ja päättää myös millaisia valon, meikin, pukujen ja koristeiden tulee olla.

Koreografi

Se, kuinka vahva emotionaalinen vaikutus tanssinumerolla, musiikki- ja draamateatterin koreografisella kohtauksella tai koko balettiesityksellä on, riippuu siitä, kuinka kauniisti ja tarkasti tanssijan ja tanssijan liikkeet ja vuorovaikutus on järjestetty, heidän ilmaisunsa ilmeisyydestä ja omaperäisyydestä. liikkeet, kuinka heidän tanssinsa yhdistetään musiikkimateriaaliin, lavavalaistukseen, pukuihin ja meikkiin - kaikki tämä yhdessä muodostaa yhden kuvan koko toiminnasta. Ja koreografi on juuri se henkilö, joka on sen luoja. Hänen on tunnettava kaikki baletin taiteen ja sen historian säännöt ja hienovaraisuudet luodakseen sellaisia tansseja, jotka ovat mielenkiintoisia katsojille ja tanssijoille. Ohjaajalla tulee olla tietoa, järjestäjän kokemusta ja kykyjä, rikas mielikuvitus, fantasia, omaperäinen ideansa, lahjakkuus, musikaali, ymmärtää musiikkia, rytmitaju, kyky ilmaista tunteita ohjaajan kanssa. muovin avulla - juuri näistä komponenteista taide muodostuu koreografiksi. Jos kaikki tämä on johtajan arsenaalissa, hänen tuotantonsa on menestys yleisön ja kriitikkojen keskuudessa.

Sana "koreografi" käännettynä venäjäksi tarkoittaa "tanssin mestaria". Tämä ammatti on vaikea, ja se vaatii paljon työtä ja vaivaa, sekä fyysistä että moraalista. Ohjaajan tulee näyttää kaikille esiintyjille osansa, selittää, mitä tunteita heidän tulee ilmaista plastisuudella ja ilmeillä. Tällaisen työn vaikeus on myös siinä, että tanssikäsikirjoitusta ei voi kirjoittaa paperille, koreografin on pidettävä se päässään ja näytettävä taiteilijoille, että he oppivat osansa. Tanssijoiden rooliin tutustuminen tapahtuu suoraan harjoituksissa, kun taas draama- ja musiikkiteatterin näyttelijöillä on mahdollisuus saada teksti- ja musiikkimateriaalia etukäteen. Koreografin tulee paljastaa esiintyjälle roolinsa sisältö ja näyttää mitä tanssia ja miten. Ja mitä ilmeisemmin ohjaaja esittää ideansa taiteilijalle, sitä nopeammin ja helpommin hänen ideansa ymmärretään ja omaksutaan.

Koreografin tehtävänä on myös sovittaa tanssi tai koko esitys siten, että se ylläpitää ja lisää yleisön kiinnostusta. Tanssiliikkeet ovat itsessään vain mekaanisia harjoituksia, asentosarjaa, joka ei kerro katsojalle mitään, ne vain osoittavat esiintyjän kehon joustavuutta ja ne puhuvat vain, jos ohjaaja täyttää ne ajatuksella ja tunteella ja auttaa taiteilija panemaan heihin myös sielunsa. Tästä riippuu suurelta osin esityksen menestys ja sen "elämän" kesto lavalla. Kaikkien tanssien ensimmäinen esiintyjä on koreografi itse, koska hänen on ensin esitettävä esiintyjille heidän osansa.

Koreografit menneisyydestä ja nykyisyydestä

Venäjän ja 1800- ja 1900-luvun maailman kuuluisat balettimestarit:

Marius Petipa, joka teki valtavan ja korvaamattoman panoksen venäläiseen balettiin;
Jose Mendes - oli näyttelijänä monissa kuuluisissa teattereissa ympäri maailmaa, mukaan lukien Moskovan Bolshoi-teatteri;
Filippo Taglioni;
Jules Joseph Perrot on yksi "romanttisen baletin" kirkkaimmista edustajista;
Gaetano Gioia - italialaisen koreodraaman edustaja;
George Balanchine - loi perustan amerikkalaiselle baletille sekä modernille uusklassiselle baletille, uskoi, että juoni tulisi ilmaista yksinomaan tanssijoiden kehon avulla, ja maisemat ja rehevät puvut olivat tarpeettomia;
Mihail Baryshnikov - antoi suuren panoksen maailman balettitaiteeseen;
Maurice Béjart on yksi 1900-luvun kirkkaimmista balettimestareista;
Maris Liepa;
Pierre Lacotte - oli mukana muinaisen koreografian palauttamisessa;
Igor Moiseev - Venäjän ensimmäisen kansanmusiikkilajin ammattiyhtyeen luoja;
Vaclav Nijinsky - oli koreografiataiteen uudistaja;
Rudolf Nuriev;

Maailman nykykoreografit:

Jerome Belle - modernin baletin koulun edustaja;
Angelin Preljocaj on uuden kirkas edustaja

2000-luvun Venäjän koreografit:

Boris Eifman - oman teatterinsa luoja;
Alla Sigalova;
Ljudmila Semenyaka;
Maya Plisetskaja;
Gedeminas Taranda;
Jevgeni Panfilov on oman balettiryhmänsä luoja, vapaatanssin genren innostaja.

Kaikki nämä venäläiset koreografit ovat erittäin kuuluisia paitsi maassamme myös ulkomailla.

Marius Petipa

Ranskalainen ja venäläinen koreografi, joka jätti valtavan perinnön. Vuonna 1847 hän aloitti koreografina Pietarin Mariinski-teatterissa ja Moskovan Bolshoi-teatterissa Venäjän keisarin kutsusta. Vuonna 1894 hänestä tuli Venäjän imperiumin alamainen. Hän on ohjannut valtavan määrän baletteja, kuten Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, Faraon tytär, Don Quijote, La Bayadere, Kesäyön unelma, Lumien tytär, Robert the Devil "Ja monet muut. DR.

Roland Petit

On kuuluisia koreografeja, joita pidetään 1900-luvun baletin klassikoina. Heidän joukossaan yksi kirkkaimmista hahmoista on Roland Petit. Vuonna 1945 hän perusti oman balettiryhmänsä Pariisiin, joka sai nimen "Ballet de Champs Elysees". Vuotta myöhemmin hän esitti kuuluisan näytelmän "The Youth and Death" I.S. Bach, joka astui maailmantaiteen klassikoihin. Vuonna 1948 Roland Petit perusti uuden balettiryhmän nimeltä Ballet de Paris. 50-luvulla hän toimi tanssiohjaajana useissa elokuvissa. Vuonna 1965 hän esitti Pariisissa legendaarisen baletin Notre Dame de Paris, jossa hän itse näytteli kyyräpää Quasimodon roolia, vuonna 2003 hän esitti tämän esityksen Venäjällä - Bolshoi-teatterissa, jossa Nikolai Tsiskaridze tanssi ruman kellon roolia. soittoääni.

Gedeminas Taranda

Toinen maailmankuulu koreografi on Gedeminas Taranda. Valmistuttuaan Voronežin koreografisesta koulusta hän oli solistina Moskovan Bolshoi-teatterissa. Vuonna 1994 hän perusti "Keisarillisen venäläisen balettinsa", joka toi hänelle maailmanlaajuista mainetta. Vuodesta 2012 lähtien hän on ollut Luovan koulutuksen edistämissäätiön johtaja ja perustaja sekä Grand Pa Ballet Festivalin puheenjohtaja. Gedeminas Tarandalla on Venäjän ansioituneen taiteen työntekijän arvonimi.

Boris Eifman

Valoisa, moderni, omaperäinen koreografi on B. Eifman. Hän on oman balettiteatterinsa perustaja. Hänellä on useita titteleitä ja palkintoja taiteen alalla. Hänen ensimmäiset esitykset vuonna 1960 olivat: "Towards Life" säveltäjä D.B. Kabalevsky, sekä "Icarus" V. Arzumanovin ja A. Chernovin musiikkiin. Kuuluisuus koreografina toi säveltäjän musiikkiin baletin "Firebird", joka on vuodesta 1977 lähtien ohjannut omaa teatteriaan. Boris Eifmanin tuotannot ovat aina omaperäisiä, innovatiivisia, niissä yhdistyvät akateeminen, ei-pointe ja moderni rock-koreografia. Joka vuosi seurue lähtee kiertueelle Amerikkaan. Teatterin ohjelmistoon kuuluu lasten- ja rock-baletteja.

Ranskassa ke. Tanssi oli vuosisatojen ajan osa kansanpelejä ja kirkkojuhlia. 1300-luvulta. hänet sisällytettiin vuoristoon. teatteriesityksiä ja palatsin välikappaleita, joskus lisättyjen kohtausten muodossa. 1400-luvulla. "momerioita" tansseineen esitettiin turnausten ja juhlien aikana. Prof. tanssia ke vuosisadalla kehitetty kansanperinnepohjalta jonglöörien taiteessa. Toinen lähde oli palatsin juhlien juhlatanssi (bassotanssi). Erilaisten juhlaviihteiden pohjalta muodostui esitysmuoto, joka lopulta sai. 16. vuosisata nimi "baletti". Palatsin juhlien järjestäjät, italialainen. tanssimestareita, jotka hallitsivat 1500-luvun Italian. tanssi. koulussa, olivat ohjaajia. Balthazarini di Belgioioson (Baltazar de Beaujouillet) esittämät Puolan lähettiläiden baletti (1573) ja Kuningattaren komediabaletti (1581) olivat ensimmäiset täysimittaiset esimerkit uudesta genrestä – esitys, jossa on johdonmukaisesti kehittyvää toimintaa ja sanoja , musiikkia ja tanssia. Koko 1700-luvun. kehittäminen "tuomioistuin baletti" on läpäissyt useita. Tasot. Vuosina 1600-10 nämä olivat "baletteja-naamiaisia" ("Saint-Germainin messujen naamiaiset", 1606), vuosina 1610-1620 - "melodramaattisia baletteja" laululla, perustuen mytologiseen. juonet ja tuotannot. kirjallisuus ("Argonautien baletti", 1614; "Rolandin hulluus", 1618), kesti sitten loppuun asti. 17. vuosisata baletit uloskäynneissä (Yön kuninkaallinen baletti, 1653). Heidän esiintyjiensä olivat hoviherrat (1651-70 - kuningas Ludvig XIV) ja prof. tanssijat ovat "baladeneja". 1660- ja 70-luvuilla. Moliere yhdessä komp. J. B. Lully ja baletti. P. Beauchamp loi "komedia-baletin" ("Bourgeois in the Noble", 1670) genren, jossa tanssi dramatisoitiin modernilla. sisältö. Vuonna 1661 Beauchampista tuli Kuninkaallisen tanssiakatemian (olemassa vuoteen 1780 asti), jonka tarkoituksena oli säännellä klassisen tanssin järjestelmässä alkaneen balettitanssin muotoja ja terminologiaa, päällikkö. Vuonna 1669 se perustettiin ja avattiin vuonna 1671 muusat. teatteri - Royal Academy of Music, jota vuonna 1672 johti Lully. Hänen oopperoissaan ("lyyriset tragediat"), jotka vähitellen syrjäyttivät hovibaletin, tanssi oli alisteisessa asemassa. Mutta esityksen sisällä oli tanssin ammattimaistamista, sen muotojen hiomista Beauchampin, tanssija G.L. Pekuran ja prof. tanssijat (La Fontaine ja muut), jotka esiintyivät ensimmäisen kerran vuonna 1681 Lullyn baletissa The Triumph of Love. Loppuun. 17. vuosisata koreografian saavutukset näkyvät teoreettisessa. K. F. Menetrien ("Vanhoista ja moderneista baletteista teatterin lakien mukaan", 1682) ja R. Feyen ("Koreografia ja tanssin tallentamisen taito", 1700) teokset. 17-18 vuosisatojen vaihteessa. kuuluisia olivat tanssijat N. Blondy ja J. Balon, tanssija M. T. de Subliny.

Hirvi. teatteri 2 krs 17-18 vuosisatoja oli klassistinen, mutta baletissa sen hitaan kehityksen vuoksi barokin piirteet säilyivät pitkään. Esitykset pysyivät rehevinä ja raskaina, vailla tyylillistä yhtenäisyyttä.

1700-luvun alussa. baletin ideolog-figuratiivisessa sisällössä oli merkkejä pysähtymisestä tanssitekniikan rikastuessa. Yleinen suuntaus balettiteatterin kehityksessä 1700-luvulla oli - itsemääräämishalu, kokonaisvaltaisen esityksen luominen, jonka sisältö ilmaistaan pantomiiminä ja tanssina. Vanhat muodot säilyivät kuitenkin koko 1700-luvun, erityisesti Royal Academy of Musicin näyttämöllä, herättäen valistajien (D. Diderot ym.) kritiikkiä. Alussa. 1700-luvulla nämä olivat uljaita paimenia 30-luvulta. - oopperat-baletit J. F. Rameau ("Gallant India", 1735), jossa tanssi esiintyi edelleen heikosti liittyneenä uloskäyntien juoneeseen. Näissä esityksissä tunnetuiksi tulivat virtuoosit esiintyjät: tanssija M. Camargo, tanssija L. Dupre, Lanin veli ja sisar. Yrittää välittää dramaattista tanssia. sisältö on hahmoteltu tanssija F. Prevostin taiteella (P. Corneillen "The Horatii" -jakson juonen pantomiimi JJ Mouretin musiikkiin, 1714; "Characters of the Dance" JF Rebelin musiikkiin , 1715) ja erityisesti M. Sallé, joka työskennellyt yhdessä Lontoon Royal Academy of Musicin kanssa järjesti siellä antiikin aikana "dramaattisia tekoja". teemoja ("Pygmalion", 1734).

Valistuksen ideoiden vaikutuksesta balettiteatterin edistyneimpien hahmojen työssä viihde väistyi "luonnon jäljitelmälle", joka omaksui hahmojen luonnollisuuden ja tunteiden totuuden. Nämä kokemukset eivät kuitenkaan juuri päässeet Royal Academy of Musicin näyttämölle. Balettiteatterin suuren uudistajan J. J. Noversin toiminta tapahtui tämän teatterin ulkopuolella ja osittain Ranskan ulkopuolella (Stuttgart, Wien, Lontoo). Balettiteatterin uudistuksen periaatteet hahmotteli Nover teoreettisesti. teos "Kirjeitä tanssista ja baleteista" (1. painos, 1760). Hänen valistuksen aatteiden vaikutuksesta luomat baletit eivät olleet viihdyttävä esitys, vaan vakava teatteri. esitys, usein klassististen tragedioiden aiheista. Heillä oli eheyttä, hahmojen tekoja ja kokemuksia ilmaistiin koreografian avulla (ch. Arr. Pantomime), ilman sanojen osallistumista. Kuninkaallisessa musiikkiakatemiassa vuosina 1776–1778 lavastettiin hänen Rodolphen "Medea ja Jason" ja "Appeles and Campasp", "Horace" Granier ja Mozartin "Trinkets". 2. kerroksessa. 1700-luvulla useat koreografit suorittivat kokeilunsa Italian komediateatterissa Pariisissa sekä Lyonin ja Bordeaux'n teattereissa. Noversin seuraaja J. Doberval työskenteli Bordeaux'ssa uudentyyppisen balettikomedian (A Turha varotoimenpide, 1789) luojana. Lopussa. 1700-luvulla kuuluisat tanssijat M. Guimard, M. Allard, A. Geinel, Theodore, tanssijat G. Vestris, M. ja P. Gardel, Doberval.

80-luvulta lähtien. 1700-luvulla 20-luvulle asti. 1800-luvulla P. Gardel oli Musiikkiakatemian ryhmän johdossa (vuosina 1789-1814 se vaihtoi nimeään useita kertoja). Ohjelmistoon kuuluivat hänen baletit (Millerin "Telemac" ja "Psyche", 1790; Megulin "Dancing", 1800; Kreutzerin "Paul ja Virginia", 1806) ja L. Milonin baletit ("Nina" Peruisin musiikkiin Daleirakin jälkeen 1813; Venetsian karnevaali Perseuisin musiikista Kreutzerin jälkeen, 1816). 20-luvulla. siellä oli J. Omerin baletteja: Heraldin "A Turha varotoimi" Dobervalin mukaan (1828), Heraldin "Somnambul" (1827), Halevy "Manon Lescaut" (1830). 1780-1810-luvun esiintyjistä. O. Vestris oli erityisen kuuluisa 10-20-luvuilla. - tanssijat M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, tanssija L. Duport. Näiden vuosien aikana tanssin tekniikka muuttui dramaattisesti: ei sileitä, siroja, vaan virtuoosisia pyörimis- ja hyppyliikkeitä, liikkeet puolisormilla tuli vallitsevaksi. Kun 30-luvulla. balettiteatteri sai vaikutteita romantiikan ideoista, nämä tekniikat saivat uutta merkitystä. F. Taglionin esityksissä hänen tyttärelleen M. Taglionille (La Sylphide, 1832; Tonavan neitsyt, 1836), ks. hahmot olivat loistavia. olentoja, jotka kuolevat kontaktista todellisuuden kanssa. Täällä kehitettiin uusi tanssityyli, joka perustuu liikkeiden ilmalennolle ja pointe-tanssin tekniikkaan, mikä luo painottomuuden tunteen. 30-50 luvulla. baletti Ranskassa saavutti korkeimman nousunsa. Yksi merkityksellisimmistä. manuf. tämän ohjauksen esittivät J. Coralli ja J. Perrot "Giselle" (1841). Musiikkiakatemian ohjelmisto 40-50s koostui romanttisesta. baletit Coralli (Tarantula, K. Gide, 1839; Peri, 1843) ja J. Mazilier (Paquita, 1846; Le Corsaire, 1856). Samaan aikaan Perrault esitti Ranskan ulkopuolella (enimmäkseen Lontoossa, mutta ranskalaisten taiteilijoiden esittämiä) parhaita balettejaan - Esmeralda (1844), Catharina, ryöstön tytär (1846) jne. Nämä olivat esityksiä, jotka olivat lähellä toimijoiden taidetta. vallankumouksen aikakauden romanttiset runoilijat. nousut, jotka vaikuttivat yleisön sankarillisuuteen. paatos, intohimon voima. Huipputapahtumassa ilmeni intensiivistä toimintaa. kehittyneen tanssin hetkiä, erityistä huomiota kiinnitettiin ominaistanssiin. F. Elsler menestyi niissä hyvin. Muut kuuluisat romanttiset muusikot esiintyivät Ranskassa. tanssijat - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Käytäntö ja teoria romanttista. baletti heijastuu F.A.J. Castile-Blazin ja T. Gaultierin teoksiin, joka oli myös useiden käsikirjoitusten kirjoittaja.

Romantismin taantuessa (1800-luvun 70-90-luvut) baletti menetti yhteyden aikamme ideoihin. A. Saint-Léonin tuotanto Musiikkiakatemiassa 60-luvulla. tanssin rikkaus ja näyttämöesitysten runsaus houkuttelevat. efektit (Min-kusin "Nemea" jne.). Saint-Léonin paras baletti on Coppelia (1870). Vuonna 1875 teatteriryhmä aloitti työskentelyn uudessa arkkitehdin rakentamassa rakennuksessa. C. Garnier, ja hänen taakseen vakiintui Pariisin oopperan baletin nimi. Mutta balettitaidetta 80-90-luvulla. 1800-luvulla huonontunut. Pariisin oopperassa baletista on tullut oopperaesityksen liite. Vetomus säveltäjien L. Delibesin ("Sylvia" viestissä. Meranta, 1876), E. Lalon ("Namuna" viestissä. L. Petipa, 1882), A. Messagerin ("Kaksi kyyhkystä") baletteihin Meranta, 1886 ) ei vaihtanut asemaa. Merantin esityksiä 70-80-luvulla, I. Hansenin esityksiä 90-luvulla. ja alussa. 20. vuosisata ("Maladetta" Vidal, 1893; "Bacchus" Duvernois, 1905) ei nauttinut menestyksestä huolimatta erinomaisen tanssijan K. Zambellin osallistumisesta. Baletin elpyminen Ranskassa tapahtui venäläisten vaikutuksen alaisena ja liittyi venäläisiin vuodenaikoihin, joita SPDiaghilev johti Pariisissa vuodesta 1908 (ensimmäinen balettiesitys vuonna 1909), sekä Diaghilevin venäläisen baletin toimintaan. seurue, joka esiintyi Ranskassa vuosina 1911-29 ... Monet täällä työskennelleet taiteilijat ja koreografit yhdistettiin myöhemmin ranskalaisiin. balettiteatteri: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Myös muut venäläiset vaikuttivat. ryhmät ja taiteilijat: I. L. Rubinsteinin (1909-11 ja 1920-luvulla) ryhmä, jolle K. Debussy ("Pyhän Sebastianin marttyyrikuolema", baletti. Rubinstein, 1911) ja M. Ravel ("Bolero", baletti) Nizhinskaya, 1928); N.V. Trukhanov, jonka lavastaa I. N. Khlyustin, joka työskenteli myös Pariisin oopperassa. Rus. ryhmät kääntyivät ranskalaisen musiikin puolelle. comp. (Ravel, Debussy, Duque, 1920-luvulla - "Kuuden" säveltäjät), loivat esityksiinsä ranskalaisten maiseman. taiteilijat (P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, J. Rouault ja muut). Ensimmäisen maailmansodan jälkeen pl. Venäjän kieli taiteilijat avasivat balettikouluja Pariisissa, jotka kasvattivat useamman kuin yhden ranskan sukupolven. taiteilijoita. Pariisin oopperan johtaja (1910-44) J. Rouche, joka pyrki nostamaan baletin tasoa, kutsui teatteriin merkittäviä taiteilijoita (LS Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breyer, M. Detoma), Venäjän kieli. taiteilijat, koreografit. Oopperabaletin toiminnan elpyminen hahmottui 10-20-luvulla. Useita post-esityksiä. L. Stats ("The Bees" Stravinskyn musiikkiin, 1917; "Sidaliz and Satyr" Piernet, 1923), kutsui Fokinen ("Daphnis ja Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Vuoden 1929 jälkeen Djagilevin yrityksen perusteella useita venäläis-ranskalaisia. balettiryhmät: "Balle rus de Monte-Carlo" ym. Vuosina 1930-59 (tauko 1944-47) Oopperan ryhmää johti S. Lifar, joka esitti St. 50 esitystä. Hänen toimintansa oli ranskalaisille erittäin tärkeää. baletti, joka on saanut takaisin entisen arvovaltansa. Oopperan ohjelmisto on uusittu kokonaan. Tärkeimmät säveltäjät, taiteilijat ja käsikirjoittajat osallistuivat balettien luomiseen. Lifar käytti esityksissään antiikkia, raamatullista ja legendaarisia aiheita, joskus tulkitseen niitä symbolisesti: Ikarus Siferin rytmeihin (1935, herätettiin henkiin vuonna 1962 P. Picasson koristeilla), Egkan Joan of Tsarissa (1942), Phaedra Orica ( 1950, käsikirjoituksesta ja asetuksista J. Cocteau, Sauguet's Visions (1947), Delannoy's Fantastic Wedding (1955). Vanhemmista aikalaisistaan, Diaghilev-yrityksen koreografeista, Lifar omaksui Fokinin balettidraaman perinteet ja 1800-luvun koreografian perinteet, joissa pääilmaisuväline oli klassinen. tanssi. Tanssi. hän modernisoi kielen ja rakensi kuvia rationaalisen, ei emotionaalisen (Lifarin "uusklassismin") pohjalta. Hänen esityksissään kasvatettiin enemmän kuin yksi ranskan sukupolvi. taiteilijat: tanssijat S. Schwartz, L. Darsonval, I. Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessie; tanssijat M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Kuitenkin Lifarin baletteihin kuuluva abstrakti retoriikka, yhteyden katoaminen moderniin. Todellisuus, joka tuntui erityisesti toisen maailmansodan 1939-45 jälkeen, aiheutti tähän aikaan tyytymättömyyttä. Nuoret taiteilijat, jotka etsivät uusia tapoja ja taiteen lähentymistä nykyaikaisuuteen, alkoivat työskennellä Oopperan ulkopuolella, jonka ohjelmisto Lifar rajoittui omiin tuotantoihinsa. R. Petit loi baletit Champs Elysees (1945-51) ja Paris Ballet (1948-67, ajoittain), joissa hän esitti baletit Vaeltavat koomikot Soge (1945), Nuoruus ja Kuolema musiikin sävyyn. JS Bach (1946), "Carmen" musiikista. Bizet (1949), Dutilleux'n "Susi" (1953). Myöhemmin (60- ja 70-luvuilla) hänen parhaisiin teoksiinsa kuuluivat Notre Damen katedraali (1965, Pariisin ooppera) ja Light the Stars! yhdistettyyn musiikkiin (1972, "Marseille Ballet"). Petit työskentelee dramaattisessa genressä. baletti (useita skenaarioita hänelle on kirjoittanut J. Anouille), joka vetoaa ensin tragediaan, sitten varsinkin alkuvaiheessa röyhkeään komediaan, mutta rakentuu aina eläville hahmoille ja tanssin yhdistämiselle. muotoja jokapäiväisellä sanastolla. Parhaissa baleteissa hän kääntyy elämän todellisia ristiriitoja heijastaviin konflikteihin ja ratkaisee ne humanistisella tavalla. suunnitelma (pahan väistämättömyyden hylkääminen, moraalinen lujuus, usko ihmiseen). Petitin itsensä ohella tanssijat N. Vyrubova, R. Zhanmer, E. Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, tanssijat J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. 50-luvulla. syntyi muitakin ryhmiä, joissa etsittiin teemojen uudistamista ja tanssia. kieli: Ballet of France ja muu J. Charr -ryhmä, "Balle de l'Eguale" M. Bejartin johdolla. Bejart, huolimatta siitä, että vuodesta 1960 lähtien hänestä tuli Brysselin XX vuosisadan balettiryhmän johtaja, on yksi johtavista ranskalaisista balettimestareista. Hän näkee koreografian taiteessa keinon ilmaista asennetta elämän ongelmiin, joskus suoraan, joskus filosofisesti tai mystisesti.Koreografi osoittaa erityistä kiinnostusta itämaiseen filosofiaan, itämaiseen teatteriin ja tanssi (baletti "Bakti" intialaiseen musiikkiin, 1968 Hän loi uusia koreografisen esityksen muotoja: eräänlaista "totaalista teatteria", jossa koreografia hallitsee ("The Four Sons of Emon" yhdistettyyn musiikkiin, 1961), baletteja verbaalisella tekstillä ("Baudelaire" musiikin ja runouden yhdistelmään, 1968; "Meidän Faustimme" yhdistettyyn musiikkiin, 1975), monumentaalisia esityksiä urheiluareenoilla ja sirkuksissa ("Yhdeksäs sinfonia" L. Beethovenin musiikkiin, 1964). omat versiot kuuluisista baleteista: "Kevään rituaali", 1959; "Bolero", 1961; "The Firebird", 1970. Terävä nykyaikaisuuden tunne Bejartin baletit ovat lähellä tälle taiteelle aiemmin vierasta yleisöä, erityisesti nuorisoa.

70-luvulla. Pariisin ooppera organisoitiin uudelleen. Tässä on noussut esiin kaksi suuntausta: toisaalta sisällyttää ohjelmistoon tunnettujen koreografien (Balanchine, Robbins, Petit, Bejart, Alicia Alonso, Grigorovich) hyväksyttyjä baletteja ja palauttaa kanoninen. Vanhojen balettien painos ("La Sylphide" ja "Coppelia" P. Lakotin tarkistamana) puolestaan tarjoavat nuorille ranskalaisille mahdollisuuden kokeilla. koreografit (F. Blaska, N. Shmuki) ja ulkomaalaiset, mm. modernin tanssin edustajat (G. Tetley, J. Butler, M. Cunningham). Oopperaan teatteriryhmä perustettiin vuonna 1974. etsii käsien alta. Amerikkalaiset naiset K. Carlson. Tavallisesta akateemisuudesta poiketen Pariisin ooppera seuraa ranskalaisten yleistä suuntausta. baletti, jossa kiinnostus uusinta teatteria kohtaan lisääntyi. lomakkeita. 60- ja 70-luvuilla. monet ihmiset työskentelivät Ranskassa. balettiryhmät: "Grand Balle du Marc de Cuevas" (1947-62), joka keskittyi perinteiseen ohjelmistoon ja houkutteli kuuluisia esiintyjiä (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov); Nykybaletti Pariisissa (F. ja D. Dupuis'n baletti, vuodesta 1955), ranskalainen tanssiteatteri J. Lazzini (1969-71), Felix Blaskin baletti (vuodesta 1969, vuodesta 1972 Grenoblessa), Nat. muusien baletti. Ranskan nuoriso (baletti. Lacotte, vuodesta 1963 - loppuun. 60-luvulla.), Balettiryhmä käsissä. J. Roussillo (vuodesta 1972), Theatre of Silence (vuodesta 1972). Provinsseissa työskentelee monia ryhmiä: Modern Ballet Theater (baletti F. Adre, vuodesta 1968 Amiensissa, vuodesta 1971 Angersissa), Marseillen baletti (baletti Petit, vuodesta 1972), Reinin baletti (vuodesta 1972 Strasbourgissa, baletti P. van Dijk vuodesta 1974), oopperataloissa Lyonissa (baletti V. Biagi), Bordeaux'ssa (baletti Skuratov). 60- ja 70-luvun johtavat solistit: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfoux, R. Briand, D. Ganio, J. Guizerix, M. Denard, A. Labis, C. Motte, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Thibon, JP Franchetti.

Pariisin oopperan koulu perustettiin. vuonna 1713 (vuodesta 1972 sen johtaja K. Bessie). Pariisissa 20-luvulta lähtien. 20. vuosisata työskennellyt lukuisia. yksityiset koulut: M.F.Kshesinskaya, O.I. Preobrazhenskaya, L.N. Egorova, A.E. perustaja R. Hightower). Pariisi on isännöinyt vuotuisia tanssifestivaaleja vuodesta 1963 lähtien; tanssilla on suuri paikka festivaaleilla Avignonissa jne.

Balettilehdistä: "Archives internationale de la danse" (1932-36), "Tribune de la danse" (1933-39), "Art et danse" (vuodesta 1958), "Toute la danse et la musique" (vuodesta 1952) ), "Danse et rythmes" (vuodesta 1954), "Les saisons de la danse" (vuodesta 1968).

Tunnetuimmat tutkijat ja kriitikot (1900-luku): A. Prunnier, P. Thugal, F. Reina, P. Michaud, L. Vaya, M. F. Cristu, I. Lidova, Y. Sazonova, A. Livio, Zh K. Dieni , AF Ersen. Lifar kirjoitti yli 25 kirjaa.

Baletti. Encyclopedia, SE, 1981

ranskalainen baletti RANSKAN BALETTI. Ranskassa Vertaa-luvulla tanssi oli osa lankkusänkyjä. pelit ja kirkko. juhlat. 1300-luvulta. hänet sisällytettiin vuoristoon. teatteriesityksiä ja palatsin välikappaleita, joskus lisättyjen kohtausten muodossa. 1400-luvulla. "momerioita" tansseineen esitettiin turnausten ja juhlien aikana. Prof. tanssi Sravn-luvulla kehittyi kansanperinnepohjalta jonglöörien taiteessa. Toinen lähde oli palatsin juhlien juhlatanssi (bassotanssi). Erilaisten juhlaviihteiden pohjalta muodostui esitysmuoto, joka lopulta sai. 16. vuosisata nimi "baletti". Palatsin juhlien järjestäjät, italialainen. tanssimestareita, jotka hallitsivat 1500-luvun Italian. tanssi. koulussa, olivat ohjaajia. Balthazarini di Belgioioson (Baltazar de Beaujouillet) esittämät Puolan lähettiläiden baletti (1573) ja Kuningattaren komediabaletti (1581) olivat ensimmäiset täysimittaiset esimerkit uudesta genrestä – esitys, jossa on johdonmukaisesti kehittyvää toimintaa ja sanoja , musiikkia ja tanssia.

Koko 1700-luvun. kehittäminen "tuomioistuin baletti" on läpäissyt useita. Tasot. Vuosina 1600-10 nämä olivat "baletteja-naamiaisia" ("Saint-Germainin messujen naamiainen", 1606), vuosina 1610-1620 - "melodramaattisia baletteja" laululla, perustuen mytologiseen. juonet ja tuotannot. kirjallisuus ("Argonautien baletti", 1614; "The Madness of Roland", 1618), kesti sitten loppuun asti. 17. vuosisata baletit uloskäynneissä (Yön kuninkaallinen baletti, 1653). Heidän esiintyjiensä olivat hoviherrat (1651–1670 - kuningas Ludvig XIV) ja prof. tanssijat ovat "baladeneja". 1660- ja 70-luvuilla. Moliere yhdessä komp. J. B. Lully ja baletti. P. Beauchamp loi "komedia-baletin" ("Bourgeois in the Noble", 1670) genren, jossa tanssi dramatisoitiin modernilla. sisältö. Vuonna 1661 Beauchamp johti Royal Academy of Dance -akatemiaa (olemassa vuoteen 1780), jonka tarkoituksena oli säännellä balettitanssin muotoja ja terminologiaa, joka alkoi muotoutua klassisessa järjestelmässä. tanssi. Vuonna 1669 se perustettiin ja avattiin vuonna 1671 muusat. tr - Kuninkaallinen musiikkiakatemia, tory vuonna 1672, johtajana Lully. Hänen oopperoissaan ("lyyriset tragediat"), jotka vähitellen syrjäyttivät hovibaletin, tanssi oli alisteisessa asemassa. Mutta esityksen sisällä oli tanssin ammattimaistamista, sen muotojen hiomista Beauchampin, tanssija G.L.Pekuran ja prof. tanssijat (ja muut.>.), jotka esiintyivät ensimmäisen kerran vuonna 1681 Lullyn baletissa "The Triumph of Love". Loppuun. 17. vuosisata koreografian saavutukset näkyvät teoreettisessa. K. F. Menetrien ("Vanhoista ja moderneista baletteista teatterin lakien mukaan", 1682) ja R. Feyen ("Koreografia ja tanssin tallentamisen taito", 1700) teokset. 1600- ja 1700-luvun vaihteessa. kuuluisia olivat tanssijat N. Blondy ja J. Balon, tanssija M. T. de Subliny.

Hirvi. tr 2. kerros 17-18 vuosisatoja oli klassistinen, mutta baletissa sen hitaan kehityksen vuoksi barokin piirteet säilyivät pitkään. Esitykset pysyivät rehevinä ja raskaina, vailla tyylillistä yhtenäisyyttä.

1700-luvun alussa. baletin ideolog-figuratiivisessa sisällössä oli merkkejä pysähtymisestä tanssitekniikan rikastuessa. Yleinen suuntaus baletin t-ra:n kehityksessä 1700-luvulla. - itsemääräämishalu, kokonaisvaltaisen esityksen luominen, jonka sisältö ilmaistaan pantomiiminä ja tanssina. Vanhat muodot säilyivät kuitenkin koko 1700-luvun, etenkin Royal Academy of Musicin näyttämöllä, mikä herätti valistajien (D. Diderot ym.) kritiikkiä. Alussa. 1700-luvulla nämä olivat uljaita paimenia 30-luvulta. - oopperat-baletit J. F. Rameau ("Gallant India", 1735), jossa tanssi esiintyi edelleen heikosti liittyneenä uloskäyntien juoneeseen. Näissä esityksissä tunnetuiksi tulivat virtuoosit esiintyjät: tanssija M. Camargo, tanssija L. Dupre, Lanin veli ja sisar. Yrittää välittää dramaattista tanssia. sisältö hahmoteltiin tanssija F. Prevostin näytelmässä (P. Corneillen "The Horatii" -jakson juonen pantomiimi JJ Mouretin musiikkiin, 1714; "Characters of the Dance" JF Rebelin musiikkiin, 1715) ja erityisesti M. Salle, reunat, jotka työskentelevät yhdessä Lontoon Royal Academy of Musicin kanssa, lavastivat siellä "dramaattista. Toimintaa" antiikkiin. teemoja ("Pygmalion", 1734).

Valistuksen ideoiden vaikutuksesta balettiteatterin edistyneimpien hahmojen työssä viihde väistyi "luonnon jäljitelmälle", joka omaksui hahmojen luonnollisuuden ja tunteiden totuuden. Nämä kokemukset eivät kuitenkaan juuri päässeet Royal Academy of Musicin näyttämölle. Balettiteatterin suuren uudistajan J. J. Noverin toiminta tapahtui tämän teatterin ulkopuolella ja osittain Ranskan ulkopuolella (Stuttgart, Wien, Lontoo). Baletin t-ra:n uudistamisen periaatteet hahmotteli Nover teoreettisesti. teos "Kirjeitä tanssista ja baleteista" (1. painos, 1760). Hänen valistuksen aatteiden vaikutuksesta luomat baletit eivät olleet viihdyttävä esitys, vaan vakava teatteri. esitys, usein klassististen tragedioiden aiheista. Heillä oli eheyttä, hahmojen tekoja ja kokemuksia ilmaistiin koreografian avulla (ch. Arr. Pantomime), ilman sanojen osallistumista. Kuninkaallisessa musiikkiakatemiassa vuosina 1776–1778 esitettiin hänen Rodolphen, Horace Granierin ja Mozartin Medea ja Jason ja Appeles sekä Campasp ja Trinkets. 2. kerroksessa. 1700-luvulla useat koreografit suorittivat kokeilunsa italialaisen komedian pariisilaisteatterissa sekä Lyonin ja Bordeaux'n teattereissa. Noversin seuraaja J. Doberval työskenteli Bordeaux'ssa uudentyyppisen balettikomedian (A Turha varotoimenpide, 1789) luojana. Lopussa. 1700-luvulla kuuluisat tanssijat M. Guimard, M. Allard, A. Geinel, Theodore, tanssijat G. Vestris, M. ja P. Gardel, Doberval.

80-luvulta lähtien. 1700-luvulla 20-luvulle asti. 1800-luvulla P. Gardel oli Musiikkiakatemian ryhmän johdossa (vuosina 1789-1814 se vaihtoi nimeään useita kertoja). Ohjelmistoon kuuluivat hänen baletit (Millerin "Telemac" ja "Psyche", 1790; Megulin "Dancing", 1800; Kreutzerin "Paul ja Virginia", 1806) ja L. Milonin baletit ("Nina" Peruisin musiikkiin Daleirakin jälkeen 1813; Venetsian karnevaali Perseuisin musiikista Kreutzerin jälkeen, 1816). 20-luvulla. siellä oli J. Omerin baletteja: Heraldin "A Turha varotoimi" Dobervalin mukaan (1828), Heraldin "Somnambul" (1827), Halevy "Manon Lescaut" (1830). 1780-1810-luvun esiintyjistä. O. Vestris oli erityisen kuuluisa 10–20-luvulla. - tanssijat M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, tanssija L. Duport. Näiden vuosien aikana tanssin tekniikka muuttui dramaattisesti: ei sileitä, siroja, vaan virtuoosisia pyörimis- ja hyppyliikkeitä, liikkeet puolisormilla tuli vallitsevaksi. Kun 30-luvulla. baletti t-r sai vaikutteita romantiikan ideoista, nämä tekniikat saivat uutta merkitystä. F. Taglionin esityksissä hänen tyttärelleen M. Taglionille (La Sylphide, 1832; Tonavan neitsyt, 1836), ks. hahmot olivat loistavia. olentoja, jotka kuolevat kontaktista todellisuuden kanssa. Täällä kehitettiin uusi tanssityyli, joka perustuu liikkeiden ilmalennolle ja pointe-tanssin tekniikkaan, mikä luo painottomuuden tunteen. 30- ja 50-luvuilla. baletti Ranskassa saavutti korkeimman nousunsa. Yksi merkityksellisimmistä. manuf. tämän ohjauksen esittivät J. Coralli ja J. Perrot "Giselle" (1841). Musiikkiakatemian ohjelmisto 40-50s koostui romanttisesta. baletit Coralli (Tarantula, K. Gide, 1839; Peri, 1843) ja J. Mazilier (Paquita, 1846; Le Corsaire, 1856). Samaan aikaan Perrault esitti Ranskan ulkopuolella (enimmäkseen Lontoossa, mutta ranskalaisten taiteilijoiden esittämiä) parhaita balettejaan - Esmeralda (1844), Catharina, ryöstön tytär (1846) jne. Nämä olivat esityksiä, jotka olivat lähellä toimijoiden taidetta. vallankumouksen aikakauden romanttiset runoilijat. ups, to-rye vaikutti yleisön sankarillinen. paatos, intohimon voima. Huipputapahtumassa ilmeni intensiivistä toimintaa. kehittyneen tanssin hetkiä, erityistä huomiota kiinnitettiin ominaistanssiin. F. Elsler menestyi niissä hyvin. Muut ovat esiintyneet Ranskassa. kuuluisa romantikko. tanssijat - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Käytäntö ja teoria romanttista. baletti heijastuu F.A.J. Castile-Blazin ja T. Gaultierin teoksiin, joka oli myös useiden käsikirjoitusten kirjoittaja.

Romantismin taantuessa (1800-luvun 70–90-luvulla) baletti menetti yhteyden aikamme ideoihin. A. Saint-Léonin tuotanto Musiikkiakatemiassa 60-luvulla. tanssin rikkaus ja näyttämöesitysten runsaus houkuttelevat. efektit ("Nemea" Min-kusa ja muut.>.). Saint-Léonin paras baletti on Coppelia (1870). Vuonna 1875 t-ran seurue alkoi työskennellä uudessa, arkkitehdin rakentamassa rakennuksessa. C. Garnier, ja hänen taakseen vakiintui Pariisin oopperan baletin nimi. Mutta balettitaidetta 80- ja 90-luvuilla. 1800-luvulla huonontunut. Pariisin oopperassa baletista on tullut oopperaesityksen liite. Vetomus säveltäjien L. Delibesin ("Sylvia" viestissä. Meranta, 1876), E. Lalon ("Namuna" viestissä. L. Petipa, 1882), A. Messagerin ("Kaksi kyyhkystä") baletteihin Meranta, 1886 ) ei vaihtanut asemaa. Merantin esityksiä 70-80-luvulla, I. Hansenin esityksiä 90-luvulla. ja alussa. 20. vuosisata ("Maladetta" Vidal, 1893; "Bacchus" Duvernois, 1905) ei nauttinut menestyksestä huolimatta erinomaisen tanssijan K. Zambellin osallistumisesta. Baletin elpyminen Ranskassa tapahtui venäläisten vaikutuksen alaisena ja liittyi venäläisiin vuodenaikoihin, joita SPDiaghilev johti Pariisissa vuodesta 1908 (baletin ensiesitys vuonna 1909), sekä Diaghilevin toimintaan. Venäläinen balettiryhmä, joka esiintyi Ranskassa 1911-29. Monet täällä työskennelleet taiteilijat ja koreografit yhdistettiin myöhemmin ranskalaisiin. baletti t-rom: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nijinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Muutkin vaikuttivat. Venäjän kieli ryhmät ja taiteilijat: I. L. Rubinsteinin (1909–11 ja 1920-luvulla) ryhmä, jolle he kirjoittivat K. Debussyn (Pyhän Sebastianin marttyyrikuolema, baletti Rubinstein, 1911) ja M. Ravelin ("Bolero", baletti Nizhinskaya) , 1928); N.V. Trukhanovin leikkauksen lavastaa I. N. Khlyustin, joka työskenteli myös Pariisin oopperassa. Rus. ryhmät kääntyivät ranskalaisen musiikin puolelle. comp. (Ravel, Debussy, Duque, 1920-luvulla - "Kuuden" säveltäjät), loivat esityksiinsä ranskalaisten maiseman. taiteilijat (P. Picasso, A. Matisse, F. Leger, J. Rouault ym.). Ensimmäisen maailmansodan jälkeen pl. Venäjän kieli taiteilijat avasivat balettikouluja Pariisissa, jotka kasvattivat useamman kuin yhden ranskan sukupolven. taiteilijoita. Pariisin oopperan johtaja (1910–44) J. Rouche, joka pyrki nostamaan baletin tasoa, kutsui teatteriin merkittäviä taiteilijoita (LS Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breyer, M. Detoma), Venäjän kieli. taiteilijat, koreografit. Oopperabaletin toiminnan jonkinlainen elpyminen hahmottui jo 10–20-luvulla. Useita post-esityksiä. L. Stats ("Mehiläiset" Stravinskyn musiikkiin, 1917; "Sidalise ja Satyr", Piernet, 1923), kutsui Fokinen ("Daphnis ja Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Vuoden 1929 jälkeen Djagilevin yrityksen perusteella useita venäläis-ranskalaisia. balettiyhtiöt: "Balle rus de Monte-Carlo" ja muut. Vuosina 1930–59 (tauko 1944–47) oopperaryhmää johti S. Lifar, joka johti St. 50 esitystä. Hänen toimintansa oli ranskalaisille erittäin tärkeää. baletti, joka on saanut takaisin entisen arvovaltansa. Oopperan ohjelmisto on täysin uusittu. Tärkeimmät säveltäjät, taiteilijat ja käsikirjoittajat osallistuivat balettien luomiseen. Lifar käytti esityksissään antiikkia, raamatullista ja legendaarisia aiheita, joskus tulkitseen niitä symbolisesti: Ikarus Siferin rytmeihin (1935, herätettiin henkiin vuonna 1962 P. Picasson koristeilla), Egkan Joan of Tsarissa (1942), Phaedra Orica ( 1950, käsikirjoituksesta ja asetuksista J. Cocteau, Sauguet's Visions (1947), Delannoy's Fantastic Wedding (1955). Vanhemmista aikalaisistaan, Diaghilev-yrityksen koreografeista, Lifar omaksui Fokinin balettidraaman perinteet ja 1800-luvun koreografian perinteet, joissa pääilmaisuväline oli klassinen. tanssi. Tanssi. hän modernisoi kielen ja rakensi kuvia rationaalisen, ei emotionaalisen (Lifarin "uusklassismin") pohjalta. Hänen esityksissään kasvatettiin enemmän kuin yksi ranskan sukupolvi. taiteilijat: tanssijat S. Schwartz, L. Darsonval, I. Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessie; tanssijat M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Kuitenkin Lifarin baletteihin kuuluva abstrakti retoriikka, yhteyden katoaminen moderniin. Todellisuus, joka tuntui erityisesti toisen maailmansodan 1939–1945 jälkeen, aiheutti tähän aikaan tyytymättömyyttä. Nuoret taiteilijat, jotka etsivät uusia tapoja ja taiteen lähentymistä nykyaikaisuuteen, alkoivat työskennellä Oopperan ulkopuolella, jonka ohjelmisto Lifar rajoittui omiin tuotantoihinsa. R. Petit loi yhtyeet Ballet of the Champs Elysees (1945–51) ja Ballet of Paris (1948–67, ajoittain), joissa hän esitti baletit Vaeltavat koomikot Soge (1945), Nuoruus ja Kuolema musiikin tahdissa. JS Bach (1946), "Carmen" musiikista. Bizet (1949), Dutilleux'n "Susi" (1953). Myöhemmin (60- ja 70-luvuilla) hänen parhaisiin teoksiinsa kuuluivat Notre Damen katedraali (1965, Pariisin ooppera) ja Light the Stars! yhdistettyyn musiikkiin (1972, "Marseille Ballet"). Petit työskentelee dramaattisessa genressä. baletti (useita skenaarioita hänelle on kirjoittanut J. Anouille), joka vetoaa ensin tragediaan, sitten varsinkin alkuvaiheessa röyhkeään komediaan, mutta rakentuu aina eläville hahmoille ja tanssin yhdistämiselle. muotoja jokapäiväisellä sanastolla. Parhaissa baleteissa hän kääntyy elämän todellisia ristiriitoja heijastaviin konflikteihin ja ratkaisee ne humanistisella tavalla. suunnitelma (pahan väistämättömyyden hylkääminen, moraalinen lujuus, usko ihmiseen). Petitin itsensä ohella tanssijat N. Vyrubova, R. Zhanmer, E. Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, tanssijat J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. 50-luvulla. nousi myös muita. ryhmiä, joissa etsittiin teemauudistuksen ja tanssin saralla. kieli: Ranskan baletti ja muut. ryhmät J. Charr, "Balle de l" Egual "M. Bejart'in johdolla. Huolimatta siitä, että vuodesta 1960 lähtien hänestä tuli XX vuosisadan Brysselin balettiryhmän johtaja, Bejart on yksi johtavista ranskalaisista balettimestareista. Hän näkee taiteen koreografian keinona ilmaista asennetta elämän ongelmiin, joskus suoraan, joskus filosofisesti tai mystisesti. Koreografi osoittaa erityistä kiinnostusta itämaiseen filosofiaan, itämaiseen teatteriin ja tanssiin (baletti "Bakti" intialaiseen musiikkiin, 1968). koreografisen esityksen muodot: eräänlainen "total t-ra", jossa koreografia hallitsee ("Four Sons of Emon" yhdistetylle musiikille, 1961), baletit sanallisella tekstillä ("Baudelaire" yhdistetylle musiikille ja runoudelle, 1968; "Our Faust" yhdistetylle musiikille, 1975), monumentaalisia esityksiä urheiluareenoilla ja sirkuksissa (Yhdeksäs sinfonia L. Beethovenin musiikkiin, 1964) Hän esitti omia versioitaan kuuluisista baleteista: Kevään rituaali, 1959 ; Bolero, 1961; Heat -lintu, 1970. Terävä nykyajan tunne tekee Bejartin baleteista lähellä tämän yleisön, erityisesti nuorten väitteen vuoksi.

60- ja 70-luvuilla. monet ihmiset työskentelivät Ranskassa. balettiryhmät: "Grand Balle du Marc de Cuevas" (1947–62), joka keskittyi perinteiseen ohjelmistoon ja houkutteli kuuluisia esiintyjiä (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov); Nykybaletti Pariisissa (F. ja D. Dupuis'n baletti, vuodesta 1955), ranskalainen tanssiteatteri J. Lazzini (1969–71), Felix Blaskin baletti (vuodesta 1969, vuodesta 1972 Grenoblessa), Nat. muusien baletti. Ranskan nuoriso (baletti. Lacotte, vuodesta 1963 - loppuun. 60-luvulla.), Balettiryhmä käsissä. J. Roussillo (vuodesta 1972), Theatre of Silence (vuodesta 1972). Provinsseissa työskentelee monia ryhmiä: Modern Ballet Theater (baletti F. Adre, vuodesta 1968 Amiensissa, vuodesta 1971 Angersissa), Marseillen baletti (baletti Petit, vuodesta 1972), Reinin baletti (vuodesta 1972 Strasbourgissa, baletti P. van Dijk vuodesta 1974), oopperateattereissa Lyonissa (baletti V. Biagi), Bordeaux'ssa (baletti Skuratov). 60-70-luvun johtavat solistit: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfoux, R. Briand, D. Ganio, J. Guizerix, M. Denard, A. Labis, C. Motte, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Thibon, JP Franchetti.

Pariisin oopperan koulu perustettiin. vuonna 1713 (vuodesta 1972 sen johtaja K. Bessie). Pariisissa 20-luvulta lähtien. 20. vuosisata työskennellyt lukuisia. yksityiset koulut: M. F. Kshesinskaya, O. I. Preobrazhenskaya, L. N. Egorova, A. E. Volinin, H. Lander, B. Knyazev, M. Gube ja muut. Classic Center avattiin Cannesissa vuonna 1962. tanssi (perustaja R. Hightower). Pariisi on isännöinyt vuotuisia tanssifestivaaleja vuodesta 1963 lähtien; tanssilla on suuri paikka festivaaleilla Avignonissa ja muissa.

Lit .: Khudekov S., Tanssien historia, osat 1–3, Pietari – P., 1913–15; Levinson Α., Balettimestarit, Pietari, 1914; Sollertinsky I., Jean Georges Noverren elämä ja teatterityö kirjassa; Noverre J. J., Letters about dance, [kääns. ranskasta], L., 1927; Mokulsky S., Länsi-Euroopan teatterin historia, osa 1, M., 1936; Koreografian klassikoita. [La], L. - M., 1937; Yu. Slonimsky, Ballet Masters, M. - L., 1937; hänen, 1800-luvun balettiteatterin dramaturgia, M., 1977; Iofiev M., Baletti "Grand Opera" Moskovassa, kirjassaan: Profiles of Art, M., 1965; Chistyakova V., Roland Petit, L., 1977; V. Krasovskaja, Länsi-Euroopan balettiteatteri. Esseitä historiasta. Alkuperästä 1700-luvun puoliväliin, L., 1979; Prunleres H., Le ballet de cour en France avant Benserade et Lully, R. 1914; Levinson H., La vie de Noverre, julkaisussa: Noverre J. G., Lettres sur la danse et sur les ballets, R.,; hän, Marie Taglioni (1804–1884), R., 1929; Beaumont C. W., Kolme 1700-luvun ranskalaista tanssijaa: Camargo, Sallé, Guimard, L., 1935; Lifar S., Giselle, apothéose du ballet romantique, P.,; Michaut R., Le ballet contemporain, R. 1950; Lidova I., Dix-sept visages de la danse française, R., 1953; Kochno B., Baletti. , R., 1954; Reyna F., Des origines du ballet, P. 1955; Arout G., La danse contemporaine, R. 1955; Ouest I., Toisen imperiumin baletti, 1-2, L., 1953-1955; hänen, Romanttinen baletti Pariisissa, L., 1966; hänen, Le ballet de l "Opéra de Paris, R., 1976; Lobet M., Le balet français d" aujourd "hui de Lifar à Béjart, Brux., 1958; Tugal R., Jean-Georges Noverre. Der große Reformator des Balletts, V., 1959, Laurent J., Sazonova J., Serge Lifar, ranskan baletin uudistaja (1929-1960), R., 1960, Christout MF, Le baletti Louis XIV, R., 1967; hän, Maurice Béjart, R., 1972.

E. Ya. Surits.

Kohtaus baletista "Rakkauden voitto"

Kohtaus baletista "La Sylphide". Baletti. F. Taglioni

"Phaedra". Pariisin ooppera. Baletti. S. Lifar

"Nuoruus ja kuolema". Champs Elysées -baletti. Baletti. R. Petit

"Tulilintu". Pariisin ooppera. Baletti. M. Bejart

Baletti. Tietosanakirjat. - M .: Suuri Neuvostoliiton tietosanakirja. Päätoimittaja Yu.N. Grigorovich. 1981 .

Katso, mitä "ranskalainen baletti" on muissa sanakirjoissa:

MAAILMAN BALETTI- Iso-Britannia. Ennen Diaghilevin ja Anna Pavlovan ryhmän kiertuetta Lontoossa 1910-1920-luvuilla balettia esiteltiin Englannissa pääasiassa tiettyjen kuuluisien baleriinien esityksillä musiikkisalien lavalla, esimerkiksi tanskalainen nainen Adeline Genet (1878 1970). .. Collier's Encyclopedia

BALETTI VUOTEEN 1900- Baletin synty hovispektaakkelina. Keskiajan lopussa Italian ruhtinaat kiinnittivät suurta huomiota loistaviin palatsin juhliin. Tanssilla oli niissä tärkeä paikka, mikä synnytti tarpeen ammattimaisille tanssimestareille. Collier's Encyclopedia

Baletti- 30-luvun puolivälistä lähtien. XVIII vuosisadalla Pietarissa hovibalettiesityksistä tuli säännöllisesti. Vuonna 1738 Pietariin avattiin ensimmäinen venäläinen balettikoulu (vuodesta 1779 Teatterikoulu), joka sisälsi balettitunteja (nykyisin koreografinen koulu); ... Pietari (tietosanakirja)

Baletti "Giselle"- Giselle (Gisellen koko nimi, tai Wilis, ranska Giselle, ou les Wilis) on kaksinäytöksinen pantomiimibaletti Adolphe Charles Adamin musiikkiin. Libretto Théophile Gaultier, Vernois de Saint Georges ja Jean Coralli. Baletti Giselle luotiin vanhan ... ... Encyclopedia of Newsmakers

Igor Stravinskyn baletti "Tulilintu"- Tulilintu-baletti on yksi Igor Stravinskin varhaisimmista teoksista ja ensimmäinen venäläisteemainen baletti Sergei Djagilevin, Pariisin Venäjän vuodenaikojen erinomaisen järjestäjän, hankkeessa. Ajatus tällaisen aiheen näyttämöteoksen luomisesta syntyi ... ... Encyclopedia of Newsmakers

Pierre Lacotte on tanssija ja koreografi, tunnustettu antiikin koreografian asiantuntija. Häntä kutsutaan balettiarkeologiksi, koreografiseksi antikvaariksi. Hän on menneiden vuosisatojen unohdettujen mestariteosten tunnustettu entisöijä.

Pierre Lacotte syntyi 4. huhtikuuta 1932. Hän opiskeli balettikoulussa Pariisin oopperassa, otti oppitunteja suurilta venäläisiltä baleriinoilta - Matilda Kshesinskaya, Olga Preobrazhenskaya, Lyubov Egorova. Hän tuli erityisen hyvin toimeen ensimmäisen opettajansa Egorovan kanssa - hänellä oli erinomainen muisti, hän muisti Marius Petipan baletit jokaisessa yksityiskohdassa ja kertoi pojalle kaikki roolit, sekä suuret että pienet.

Vierailu vihreässä olohuoneessa - Pierre Lacotte,

Pierre Lacottesta tuli 19-vuotiaana Ranskan pääteatterin ensimmäinen tanssija. Hän tanssi sellaisten tähtien kanssa kuin Yvette Chauvire, Lisette Darsonval ja Christian Vossard. 22-vuotiaana hän kiinnostui nykytanssista, aloitti näyttämötyön yksin, hylkäsi klassisen tanssijan uransa ja jätti vuonna 1955 Pariisin oopperan. Vuonna 1957 hän tanssi New York Metropolitan Operassa.

1950-luvun jälkipuoliskolla ja 1960-luvun alussa Lacotte johti Eiffel-tornin balettiryhmää, joka esiintyi Théâtre des Champs Elysees'ssä, esityksiään "Keijuyö", "Pariisilainen poika" Charles Aznavourin ja muiden musiikkiin. . Vuosina 1963-1968 hän toimi taiteellisena johtajana National Ballet of French Musical Youth -ryhmässä, jolle hän esitti Yksinkertaisen sinfonian Brittenin musiikkiin, Hamletin Waltonin musiikkiin ja Future Passionsin Lutoslawskin musiikkiin. Siellä teki itsensä ensimmäistä kertaa tunnetuksi loistava tanssija Ghilen Tesmar, josta tuli myöhemmin Lacotten vaimo.

"Sylphide" on romanttisen baletin ehdoton symboli. La Sylphidessa balerina Maria Taglioni nousi ensimmäisen kerran pointe-kenkiin ("ei efektin vuoksi, vaan mielikuvituksellisten tehtävien vuoksi"). Taglionin sankaritar vaikutti todella yliluonnolliselta olennolta, ei naiselta, vaan vetovoimalakeja uhmavalta hengeltä, kun tanssija "liukui" lavan poikki melkein koskematta lattiaan ja jähmettyi hetkeksi lentävään arabeskiin, jos sitä tukee ihmeellinen voima kaarevan jalan kärjessä. Ranskalainen koreografi Pierre Lacotte heräsi huolella henkiin 150 vuotta myöhemmin tämän "La Sylphiden", jonka hänen isänsä Filippo Taglioni oli lavastanut Marialle.

Vuonna 1971 Lacotte rekonstruoi yllättäen baletin La Sylphide, jonka Philippe Taglioni esitti vuonna 1832 legendaariselle tyttärelleen. Televisioon tehty esitys teki näyttävyyden, siirrettiin Pariisin oopperan näyttämölle vuonna 1972, synnytti muodin vanhoille baleteille ja tuli ensimmäiseksi pitkässä Lacotten julkaisujen jonossa. Jälleenrakennus ei ollut sataprosenttinen - Lacotte ei voinut "vajoaa" tuon aikakauden tanssijoiden epätäydelliseen tekniikkaan ja laittaa kaikki balerinat särmikenkiin, vaikka vuonna 1832 "La Sylphide" vain Maria Taglioni seisoi varpaillaan, ja tämä näytettiin koreografiassa.

Baletin juoni perustuu ranskalaisen Charles Nodierin fantastiseen novelliin Trilby (1822). Ranskalaisen säveltäjän Jean Schneizhofferin säveltämän baletin ensi-ilta tapahtui vuonna 1832 Pariisin Grand Operassa.
Säveltäjä: J. Schneitzhoffer. Lavakoreografi: Pierre Lacotte
Lavastus ja puvut: Pierre Lacotte. Mariinskin oopperatalo. Musiikki - Cesare Puni. Koreografia - Pierre Lacotte
Pääosissa: Undine - Evgenia Obraztsova, Matteo - Leonid Sarafanov, Dzhanina - Yana Serebryakova, Lady of the Sea - Jekaterina Kondaurova, Two undines - Nadezhda Gonchar ja Tatiana Tkachenko.

Ranskalainen maestro työskenteli baletin "Ondine" parissa useita vuosia - harvinainen tapahtuma länsimaissa. Se alkoi siitä, että hän tuli Pietariin Mariinski-teatterin johtajan kutsusta neuvotteluihin - mitä Lacotte voisi esittää tässä teatterissa. Koreografi Nikita Dolgushin löysi vanhan partituurin Ondinen, Jules Perrotin vuonna 1851 esittämän baletin pietarilaisen version. Lacotte tajusi, että se oli kohtalo. Hän otti "Ondinen" käyttöön, alkoi yhdistää Pietarin ja Lontoon versioita kolmen skenaarion perusteella, jotka Perrault loi yhden, ja baletti osoittautui kaukana täydellisestä, mutta antaa käsityksen tuon ajan koreografiasta. .

Lacotte restauroi Pariisin oopperaryhmälle vuonna 2001 Arthur Saint-Léonin Coppelia-teoksen, joka sai ensi-iltansa vuonna 1870. Hän itse näytteli vanhan eksentrinen Coppeliuksen roolia.

Vuonna 1980 ranskalainen koreografi esitti Moskovan klassisen balettiyhtyeen kanssa Jekaterina Maximovalle näytelmän Natalie eli sveitsiläinen maitoneito, Filippo Taglionin toisen pitkälti unohdetun baletin.

Mutta Lacotte ei ole kiertävä koreografi ilman omaa ryhmää. Vuonna 1985 hänestä tuli Monte Carlon baletin johtaja. Vuonna 1991 Pierre Lacottesta tuli Nancy and Lorraine -baletin johtaja. Hänen saapumisensa myötä Nancyn kaupungin baletista tuli Ranskan toiseksi tärkein klassinen ryhmä (Pariisin oopperan jälkeen).

Hän hankki Maria Taglionin arkiston ja aikoo julkaista kirjan tästä legendaarisesta balerinasta. Hän on täynnä uusia ideoita...

belcanto.ru ›lacotte.html

Ranskalainen ja venäläinen baletti ovat rikastaneet toisiaan useammin kuin kerran. Ja ranskalainen balettimestari Roland Petit piti itseään S. Diaghilevin "Venäjän baletin" perinteiden "perijänä".

Roland Petit syntyi vuonna 1924. Hänen isänsä oli ravintolan omistaja - pojalla oli jopa mahdollisuus työskennellä siellä, ja myöhemmin tämän muistoksi hän lavasi koreografisen numeron tarjottimella, mutta hänen äitinsä liittyi suoraan balettitaiteeseen: hän perusti Repetto-yhtiön, joka valmistaa vaatteita ja kenkiä balettia varten. 9-vuotiaana poika ilmoittaa lähtevänsä kotoa, jos hän ei saa opiskella balettia. Läpäistyään kokeen Pariisin oopperakoulussa, hän opiskeli siellä S. Lifaria ja G. Ricoa, vuotta myöhemmin hän aloitti esiintymisen mimancen oopperaesityksissä.

Valmistuttuaan vuonna 1940 Roland Petitistä tuli Corps de balettitaiteilija Pariisin oopperassa, vuotta myöhemmin hänet valittiin M. Burgin kumppaniksi ja myöhemmin hän piti balettiiltoja J. Charrin kanssa. Tänä iltana esitetään pieniä kappaleita J. Charrin koreografiassa, mutta tässä R. Petit esittelee ensimmäisen teoksensa - "Ski Jump". Vuonna 1943 hän esitti sooloosan baletissa Love the Enchantress, mutta häntä houkutteli enemmän koreografin toiminta.

Poistuttuaan teatterista vuonna 1940 20-vuotias R. Petit esitti isänsä taloudellisen tuen ansiosta baletin "Koomikot" Théâtre des Champs Elysees'ssä. Menestys ylitti kaikki odotukset - mikä mahdollisti oman seurueen, nimeltään "Balet of the Champs Elysees". Se kesti vain seitsemän vuotta (erimielisyydet teatterin hallinnon kanssa vaikuttivat kohtalokkaaseen rooliin), mutta esityksiä lavastettiin paljon: "Nuoruus ja kuolema" R. Petitin itse musiikkiin ja muihin teoksiin, muiden tuon ajan koreografien esityksiä. , otteita klassisista baleteista - "La Sylphide", "Sleeping Beauty", " ".

Kun "Ballet de Champs Elysees" lakkasi olemasta, R. Petit loi "Pariisin baletin". Uuteen ryhmään kuului Margot Fontaine - hän esitti yhden keskeisistä rooleista baletissa Tyttö yössä J. Francen musiikin tahtiin (toisen pääroolin tanssi R. Petit itse), ja vuonna 1948 hän tanssi baletti Carmen J. Bizet'n musiikista Lontoossa.

Roland Petitin lahjakkuutta arvostettiin paitsi baletin ystävien keskuudessa, myös Hollywoodissa. Vuonna 1952 hän näyttelee musikaalielokuvassa "Hans Christian Andersen" Prinssin roolia sadusta "Pieni merenneito" ja vuonna 1955 koreografina "The Crystal Slipper" -elokuvien luomiseen. perustuu satuun "Cinderella" ja - yhdessä tanssija F. Astairen kanssa - "Pitkäjalkainen isä".

Mutta Roland Petit on jo tarpeeksi kokenut luodakseen moninäytöksisen baletin. Ja hän loi sellaisen tuotannon vuonna 1959, joka perustuu E. Rostandin draamaan "Cyrano de Bergerac". Vuotta myöhemmin tämä baletti kuvattiin yhdessä kolmen muun koreografin tuotannon kanssa - "Carmen", "Eater of Diamonds" ja "Mourning for 24 Hours" - kaikki nämä baletit sisällytettiin Terence Youngin elokuvaan "One, Two, Three, Neljä tai mustat trikoot. ”… Kolmessa niistä koreografi itse suoritti pääroolit - Cyrano de Bergerac, Jose ja sulhanen.

Vuonna 1965 Roland Petit esitti Pariisin oopperassa baletin Notre Dame de Paris M. Jarren musiikkiin. Kaikista hahmoista koreografi jätti neljä päähenkilöä, joista jokainen ilmentää tiettyä kollektiivista kuvaa: Esmeralda - puhtaus, Claude Frollo - ilkeys, Phoebus - hengellinen tyhjyys kauniissa "kuoressa", Quasimodo - enkelin sielu ruma ruumis (tätä roolia näytteli R. Petit). Näiden sankarien ohella baletissa on kasvoton väkijoukko, joka yhtä helposti pelastaa ja tappaa... Seuraava teos oli Lontoossa lavastettu baletti Paradise Lost, joka paljastaa teeman runollisten ajatusten kamppailusta. ihmissielu, jolla on karkea aistillinen luonne. Jotkut kriitikot pitivät sitä "veistoksisena seksin abstraktiona". Viimeinen kohtaus, jossa nainen suree menetettyä puhtautta, vaikutti varsin odottamattomalta - hän muistutti käänteistä hurskausta... Tässä esityksessä Margot Fontaine ja Rudolf Nurejev tanssivat.

Marseillen baletin johtajana vuonna 1972 Roland Petit ottaa balettiesityksen pohjaksi ... V. V. Majakovskin säkeet. Tässä baletissa, jonka otsikko on "Sytytä tähdet", hän itse näyttelee pääroolin, jota varten hän ajelee päänsä. Seuraavana vuonna hän tekee yhteistyötä Maya Plisetskayan kanssa - hän tanssii baletissaan The Sick Rose. Vuonna 1978 hän esitti Mihail Baryshnikoville baletin Patakuningatar ja sitten baletin Charlie Chaplinista. Koreografi tunsi henkilökohtaisesti tämän suuren näyttelijän, ja hänen kuolemansa jälkeen hän sai näyttelijän pojalta suostumuksen tällaisen tuotannon luomiseen.

26 vuoden johtamisen jälkeen Ballet de Marseillessa R. Petit jätti seurueen konfliktin johdosta hallinnon kanssa ja jopa kielsi omien balettiensa näyttämisen. XXI-luvun alussa hän teki yhteistyötä Moskovan Bolshoi-teatterin kanssa: "Passacaglia" A. Webernin musiikkiin, "Patakuningatar" PI Tšaikovskin musiikkiin, lavastettiin Venäjällä ja hänen "Notre Damen katedraalinsa" ". Yleisöä kiinnosti suuresti Bolshoi-teatterin Uudella näyttämöllä vuonna 2004 esitelty Roland Petit Tells -ohjelma: Nikolai Tsiskaridze, Lucia Lakkara ja Ilze Liepa esittivät otteita hänen baletteistaan, kun taas koreografi itse kertoi elämästään.

Koreografi kuoli vuonna 2011. Roland Petit on näyttänyt noin 150 balettia - hän jopa väitti olevansa "tuottelisempi kuin Pablo Picasso". Työstään koreografi on toistuvasti saanut valtion palkintoja. Kotona vuonna 1974 hänelle myönnettiin Kunnialegioonan ritarikunta, ja baletista Patakuningatar hänelle myönnettiin Venäjän federaation valtionpalkinto.

Musiikin vuodenajat