Konsertti (musiikkimuoto). Konsertti musiikin genrenä Kuka on instrumentaalikonsertin luoja

Oppitunnin tavoitteet:

• Koulutuksellinen: esitellä opiskelijoille instrumentaalikonsertin genren syntyä ja kehitystä A. Vivaldin konsertin "Neljä vuodenaikaa" esimerkillä, lujittaa ajatuksia erityyppisistä konserteista, laajentaa ajatuksia ohjelmamusiikista.
• Kehittyy: jatka barokkimusiikin parhaiden esimerkkien esittelyä.
• Koulutuksellinen: edistää emotionaalista reagointikykyä klassisen musiikin käsityksiin, kehittää kiinnostusta ja kunnioitusta muiden maiden säveltäjien musiikillista perintöä kohtaan.

Laitteet: multimediaprojektori, oppikirja G.P. Sergeeva, ED Kritskaya "Musiikki" 6. luokalle, luova muistikirja tälle oppikirjalle, fonokrestomatiikka oppikirjalle "Musiikki" 6. luokalle, työkirja, musiikkisanakirjat.

Tuntisuunnitelma:

1. Organisatorinen hetki.
2. Barokin aikakausi - säveltäjät, genret, musiikilliset kuvat.
2.1. Konsertin genren kehitys A. Vivaldin teoksessa.
2.2. Baletin "Neljä vuodenaikaa" syntyhistoria.
2.3. Nykytaiteilijat ja esiintyvät ryhmät.
3. Kotitehtävät.

TUTKIEN AIKANA

1. Organisatorinen hetki

Tervehdys opettajan esittämän laulumelodian muodossa:

- Hei kaverit, hei! (Asteittainen liike ylöspäin ensimmäisestä viidenteen tonic-triadin äänissä).
Lasten vastaus:

- Hei, opettaja, hei!" (Alkuperäisen kappaleen täydellinen toisto).

2. Uuden materiaalin oppiminen.

Musiikki inspiroi koko maailmaa, antaa sielulle siivet, auttaa mielikuvitusta lentämään,
musiikki antaa eloa ja hauskuutta kaikkeen olemassa olevaan...
Häntä voidaan kutsua kaiken kauniin ja ylevän ruumiillistukseksi.

Platon

Opettaja: Aivan ensimmäisellä musiikkitunnilla 6. luokkalla puhuimme musiikillisesta monimuotoisuudesta: musiikki voi olla laulua ja instrumentaalista. Tämän päivän oppituntimme aiheena on "Instrumentaalikonsertti". Nimeä instrumentaalimusiikin genret ja mahdolliset kokoonpanot. (Lapset nimeävät genren sinfonia, konsertti, laulu, sanattomat laulut, sonaatit, sarjat ja esiintyvät ryhmät - soolomusiikki, ensemble orkesterimusiikki). Etsi sanan "konsertti" merkitys musiikkisanakirjoista.

(Lapset etsivät tiettyä sanaa ja lukevat ääneen löydetyn määritelmän).

Opiskelija: Konsertti (se. konsertto lat. - konsertto- kilpaile) kutsutaan nimellä:

1. Musiikkiteosten julkinen esittäminen.
2. Virtuoosiluonteisen suurmusiikkiteoksen genre orkesterisolistille, kirjoitettu useimmiten sonaattisyklin muodossa.
3. Polyfoninen laulu- tai vokaali-instrumentaalimusiikki, joka perustuu kahden tai useamman osan vertailuun. Konsertti on rakennettu kolmeen osaan (nopea - hidas - nopea).
Musiikin historiassa on konsertteja soolosoittimelle ja orkesterille, orkesterille ilman solisteja, venäläisessä musiikissa 1700-luvulla syntyi henkisen kuorokonsertin genre.

Opettaja: Oppikirjassa (s. 108-110) graafisessa sarjassa tarkastellaan jäljennöksiä S. Botticellin maalauksesta "Kevät" ja F. Goujonin reliefejä. Millaista taidemusiikkia käyttäisit näiden taideteosten soutamiseen? Tämän päivän oppitunnin aiheena on "Instrumentaalikonsertti". Tutustut kamarimusiikin genren – instrumentaalikonsertin – alkuperään ja kehitykseen. Muista taiteellisen tyylin nimi Euroopan maiden kulttuurissa ja taiteessa vuosina 1600-1750; jonka säveltäjien teokset kuuluvat barokin aikakauteen. (Lasten tulisi määritellä tämä sana aiheesta "Länsi-Euroopan pyhän musiikin kuvia", nimeä JS Bachin nimi, oppikirja s. 66). Olet nimennyt tämän sanan merkityksen oikein. Barokki on yksi taiteen kauneimmista ja hienostuneimmista tyyleistä. Oletettavasti johdettu portugalinkielisestä ilmaisusta pleurabarocco- hienon muotoinen helmi. Itse asiassa barokki on helmi muuttuvien taiteellisten arvojen ketjussa maalauksessa, arkkitehtuurissa, kuvanveistossa, kirjallisuudessa ja musiikissa.

Barokkimestarille oli tärkeää vangita elämän jumalallinen kauneus. Barokille taiteellisena tyylinä on ominaista ilmaisu, loisto, dynamiikka. Barokkkitaide pyrki suoraan vaikuttamaan katsojien ja kuulijoiden tunteisiin korostaen inhimillisten tunnekokemusten dramaattisuutta. Juuri barokin ilmaantumisen myötä musiikki osoitti ensimmäistä kertaa täysin kykynsä inhimillisten tunnekokemusten maailman syvälliseen ja monipuoliseen ilmentymiseen. Musiikin ja teatterin genret, ennen kaikkea ooppera, nousivat etualalle, jonka määritti barokkiin tyypillinen pyrkimys dramaattiseen ilmaisuun ja erilaisten taiteiden yhdistämiseen. Tämä näkyi myös uskonnollisen musiikin alalla, jossa johtavia genrejä olivat henkinen oratorio, kantaatti ja intohimo. Samaan aikaan oli taipumus eristää musiikkia sanasta - kohti lukuisten instrumentaalisten lajien intensiivistä kehitystä. Barokkikulttuuria edustavat korkeimmat saavutukset kuvataiteessa (Rubens, Van Dyck, Velazquez, Ribera, Rembrandt), arkkitehtuurissa (Bernini, Puget, Kuazevox), musiikissa (A. Corelli, A. Vivaldi, JS Bach, G F. Händel). Barokin aikakauden katsotaan olevan vuosia 1600-1750. Näiden puolentoista vuosisadan aikana keksittiin sellaisia ​​​​musiikkimuotoja, jotka ovat muuttuneet nykyään.

Tämän päivän oppitunnilla tutustutaan konserttisarjaan "The Seasons", joka on A. Vivaldin työn huippu. Antonio Vivaldi on italialainen viulisti, säveltäjä ja opettaja.

Vivaldin luova perintö on erittäin laaja. Se kattaa noin 700 nimikettä. Niiden joukossa on 19 oopperaa. Mutta hänen työnsä tärkein historiallinen merkitys oli instrumentaalikonsertin luominen. Tässä genressä on kirjoitettu noin 500 teosta. Monet hänen konsertoistaan ​​on kirjoitettu yhdelle tai useammalle viululle, kaksi konserttoa kahdelle mandoliinille ja useita epätavallisille musiikillisille, esimerkiksi kahdelle viululle ja kahdelle urulle. Sävellessään konserttoja jousisoittimille säveltäjä oli ensimmäisten joukossa, joka siirtyi säveltämään musiikkia puhallinsoittimille, joita pidettiin primitiivisinä ja säveltäjille epäkiinnostavina. Oboe, käyrätorvi, huilu, trumpetti kuulostivat täyteläiseltä ja harmoniselta hänen konsertissaan. Konsertti kahdelle trumpetille A. Vivaldi kirjoitti pyynnöstä. Ilmeisesti esiintyjät halusivat todistaa, että trumpetilla voi soittaa kaunista ja virtuoosista musiikkia. Tähän asti tämän konsertin esitys on osoitus esiintyjän korkeimmasta taidosta. Säveltäjä on säveltänyt paljon musiikkia fagotille - yli 30 konserttoa fagottille ja orkesterille. Puhallinsoittimista Vivaldi suosi erityisesti huilua sen lempeän, pehmeän sointinsa ansiosta. Huilulle osoitetuissa osissa se soi täydellä äänellä ja näyttää kaikki hyveensä.

Concerto grosso (koko kokoonpanon vertailu useisiin soittimiin) syntyi A. Corellin teoksessa. A. Vivaldi otti askeleen eteenpäin verrattuna edeltäjäänsä: hän muodosti soolokonsertin genren, joka poikkesi merkittävästi musiikin kehityksen mittakaavaltaan, dynaamisuudestaan ​​ja ilmeisyydestään. Konserttien sävellykset vuorottelivat soolo- ja orkesteriosien välillä "hyvin organisoidun kontrastin" pohjalta. Kontrastiperiaate määritti konsertin kolmiosaisen muodon: 1. osa - nopea ja energinen; 2. - lyyrinen, melodinen, pienimuotoinen; 3. osa - finaali, elävä ja loistava. Soolo-instrumentaalikonsertti suunniteltiin laajalle yleisölle, jolle viihteen elementtejä, jonkin verran teatraalisuutta sisältyi, mikä ilmeni solistin ja orkesterin välisessä kilpailussa - tutin ja soolon lakkaamattomassa vuorottelussa. Tämä oli nimenomaan konsertin, musiikin tarkoitus.

Konserttisarja "Neljä vuodenaikaa" on A. Vivaldin luovuuden huippu.
Suosittelen kuuntelemaan konsertin ensimmäisen osan. (1. osa kuulostaa, opettaja ei nimeä nimeä).
- Mihin vuodenaikaan tämä musiikki voi liittyä? ? (Oppilaat määrittelevät alkuintonaation, musiikin luonteen, nopean tahdin, dynamiikan kontrastit, kuvalliset hetket - linnunlaulun jäljitelmä, tämä on kevät).

Maailma, jossa elämme, on täynnä kaikenlaisia ​​ääniä. Lehdistöjen kahina, ukkonen, surffauksen ääni, tuulen vihellys, kissan kehrääminen, palavan puun rätiseminen takassa, linnunlaulu...
Ikimuistoisena aikana ihminen tajusi, että äänet ovat erilaisia: korkeat ja matalat, lyhyet ja pitkät, vaimeat ja kovat. Mutta äänet itsessään eivät ole vielä musiikkia. Ja kun henkilö alkoi järjestää niitä ilmaistakseen tunteitaan ja ajatuksiaan, musiikki syntyi.
Kuinka voit luonnehtia melodiaa? (Mahdolliset lasten vastaukset: kuulet selvästi, missä orkesteri soittaa ja missä sooloviulu soi. Orkesterin soittama melodia; melodia duurissa, erittäin selkeä, kirkas, helppo muistaa, tanssirytmi. Solistin esittämä melodia on paljon monimutkaisempi, se on virtuoosi, kaunis, koristeltu musiikillisilla lauluilla, samanlainen kuin lintujen laulu).

Lintujen äänten jäljittely on ollut kaikkien aikojen suosittua muusikoiden keskuudessa. Lintujen laulua jäljiteltiin antiikin aikana, ja tähän päivään asti tällaisia ​​jäljitelmiä löytyy eri kansojen musiikillisesta kansanperinteestä. Ajattelijat, tiedemiehet, muusikot etsivät musiikin alkuperää lintujen laulusta. Monien lintujen "musikaalisuus" ei lakkaa hämmästyttämästä. Ei ihme, että satakieli on noussut yhdeksi taiteen symboleista yleensäkin, ja sen vertailu on laulajalle ylistys. Barokkiajan säveltäjät kirjoittivat paljon kaunista "lintumusiikkia" - K. Dakenin "Swallow", F. Rameaun "Calling over", "Chicken", "Nightingale in Love" ja "Nightingale - Winner" F. Couperin, lukuisia "Käkiä" - Couperin, A. Vivaldi, B. Pasquini jne. Liittyvätkö orkesterin ja solistin musiikilliset teemat toisiinsa? (Musiikaaliteemoissa yksi rytmi, kirkkaasti dynaaminen jännitys, tilan henkäys luonnossa, elämänilo tuntuu).
- Mikä oli barokin aikakauden täydellisin soitin?

Kuinka vähän jousisoittimia A. Vivaldi käytti nykyorkestereihin verrattuna. Alkuperäisessä versiossa säveltäjän idean mukaan kieliä on vain viisi. Nykyaikaiset jousiyhtyeet alkoivat pienillä orkesterilla, jotka koostuivat viidestä, sitten kymmenestä, kahdestatoista, neljätoista instrumentista. Viulu on orkesterin tärkein instrumentti, nykyaikaisen sinfoniaorkesterin Tuhkimo. Se on edelleen täydellisin instrumentti kaikista kielistä. Hänellä on upea ääni ja uskomaton valikoima. Historian parhaat soittimet valmistettiin Vivaldin ja Bachin aikana. Pienessä italialaisessa Cremonan kaupungissa valmistettiin upeita ja ainutlaatuisia viuluja. Muistakaamme Stradivari, Amati, Guarneri nimet. Pieni kaupunki oli kuuluisa käsityöläisistään. Viimeisten kolmensadan vuoden aikana kukaan ei ole kyennyt tekemään viuluja paremmin kuin Cremonan mestari. A. Vivaldi osoitti työssään viulun äänen kirkkautta ja kauneutta soolosoittimena.

Musiikki on yksi taiteen muodoista. Kuten maalaus, teatteri ja runous, se on elämän kuvaannollinen heijastus. Jokainen taide puhuu omaa kieltään. Musiikilla - äänten ja intonaatioiden kielellä - on erityinen tunnesyvyys. Juuri tämän tunnepuolen koit kuunnellessasi A. Vivaldin musiikkia.

Musiikilla on vahva vaikutus ihmisen sisäiseen maailmaan. Se voi tuoda iloa tai päinvastoin aiheuttaa voimakasta henkistä ahdistusta, herättää pohdiskelua ja avata kuuntelijalle aiemmin tuntemattomia elämän puolia. Musiikkia annetaan ilmaista niin monimutkaisia ​​tunteita, että joskus niitä on mahdotonta kuvailla sanoin.

Ajattele, onko tällä musiikilla mahdollista esittää balettia? Kun solisti ja orkesteri kilpailevat taidoistaan, heidän täytyy varmasti soittaa yleisölle. Juuri tässä orkesterin ja kirkkaasti soivan sooloviulun soinnin lakkaamattomassa vuorottelussa, teatterin ja keskustelun fiiliksessä, musiikillisen muodon harmoniassa ja harmoniassa näkyvät barokkimusiikin ominaispiirteet. Kun kuuntelet konsertin 1. osan uudelleen, kuuntele kuulostavaa musiikillista kangasta. Melodinen ääni yhdistyy jatkuvaan, tiukasti muotokohtaiseen säestykseen. Tämä on päinvastoin kuin edellisen ajanjakson sävellyksiä, joissa pääroolissa oli polyfonia - useiden yhtä tärkeiden melodioiden samanaikainen soitto.

A. Vivaldin konsertti "Neljä vuodenaikaa" koostuu siis neljästä osasta. Kunkin osan nimi vastaa kauden nimeä. Kunkin osan musiikillisen kuvan kehitys ei perustu pelkästään sooloviulun äänen ja orkesterin tutin rinnakkain. Konsertissa musiikki seuraa runollisten sonettien kuvia, joilla säveltäjä paljastaa syklin kunkin konsertin sisällön, ts. on jotain ohjelmaa. On ehdotuksia, että sonetit ovat säveltäjän itsensä kirjoittamia. Käännytäänpä sonetin käännöksiin, josta on tullut eräänlainen konserttiohjelma. Sivuilla 110-111 oleva oppikirja tarjoaa kaksi käännösvaihtoehtoa. Kumpi vastaa mielestäsi paremmin "Kevät"-konsertin ensimmäisen osan musiikkikuvaa? Millä ilmaisukeinoilla kirjallinen teksti välittää ihmisen mielialaa, kevään tuloon liittyvää henkistä ja tunnetilaa? Konsertissaan kirjallista ohjelmaa käyttävä A. Vivaldi oli ohjelmamusiikin perustaja. 1800-luvulla syntyi ohjelmamusiikki – kirjallisuuteen perustuva teos.

Ohjelmoitu musiikki on eräänlaista instrumentaalimusiikkia. Nämä ovat musiikkiteoksia, joissa on sanallinen, usein runollinen ohjelma ja jotka paljastavat siihen painuneen sisällön. Ohjelma voi olla otsikko, joka ilmaisee esimerkiksi säveltäjän mielessään olleet todellisuusilmiöt (E. Griegin "Aamu" G. Ibsenin draamaan "Peer Gynt") tai häntä inspiroinut kirjallinen teos (" Romeo ja Julia" P. Tšaikovski - alkusoitto - fantasia, joka perustuu William Shakespearen samannimiseen tragediaan).
Jatketaan opetusohjelman kanssa työskentelemiseen. Sivulla 109 tarjotaan konsertin ensimmäisen osan pääteemaa "Kevät". Muistutan teitä sen äänestä, kun soitan soitinta. Voiko tätä melodiaa laulaa? Laulataan melodia. Tunnet musiikillisen ilmaisun keinot, luonnehdi tätä musiikillista teemaa (oppilaat luonnehtivat melodiaa, skaalat, kestoa, tempoa, rekisteriä, sointia). Onko tämä teema toistuva? Missä musiikillisessa muodossa (rondo, variaatiot) konsertin 1. osa on kirjoitettu? Mitä kehitysperiaatetta (toistoa vai kontrastia) säveltäjä käyttää 1. osan musiikissa? Onko kuvallisia jaksoja? Jos on, määritä heidän tarpeensa ja vahvista esimerkillä kirjallisesta tekstistä. Osaatko hyräillä solistin melodiaa? (Vaikea suorittaa, virtuoosit kohdat, kuin tuulenpuuska, lintujen trillejä). Vertaa melodian graafiseen esitykseen (liike ylöspäin, lyhyet kestoajat jne.). Tarve luoda ohjelmoitua instrumentaalimusiikkia syntyi Italiassa jo 1600-luvulla. Sillä hetkellä, kun kuvat sankariteoista ja pastoraalisista idylleistä, kuvat alamaailmasta ja luonnonvoimista - raivoava meri, kahisevat lehdet tulivat muotiin oopperassa; orkesterilla oli hallitseva rooli tällaisissa kohtauksissa. Verrattuna barokin aikakauden säveltäjiin-instrumentalisteihin A. Vivaldi löysi tällä alueella suuren lahjakkuuden. Vivaldi muistettiin pitkään J.S.Bachin ansiosta, joka teki teoksistaan ​​useita transkriptioita. Litteroitiin kuusi Vivaldi-konserttoa pianolle ja urkuille, joita Bach piti pitkään itse kirjoittamana. A. Vivaldin luovuudella oli suuri vaikutus J. S. Bachin luovan tyylin muodostumiseen, erityisesti Vivaldin ensimmäisiin viulukonsertoihin.

Viitataan jälleen kerran konsertin "Kevät" ensimmäisen osan musiikkiin, mutta koe-esiintymisestä tulee epätavallinen: kuulet ja katsot sekä A. Vivaldin musiikkiin sävelletyn baletin "The Seasons" katkelman. erinomainen ranskalainen koreografi R. Petit. Baletin esittää Marseillen seurue.

Näytelmän "Neljä vuodenaikaa" ovat lavastaneet eri koreografit eri musiikkiin. Monet säveltäjät ovat kirjoittaneet musiikkia tästä aiheesta, nämä ovat A. Vivaldi, P. Tšaikovski, A. Glazunov ym. Esityksistä oli erilaisia ​​versioita: nämä ovat neljä vuodenaikaa, neljä elämänaikaa, neljä kertaa vuorokaudesta. Tämän päivän koreografi R. Petitin esitys on lavastettu Balanchine-teemalla. Käännytään Ballet Encyclopediaan.

George Balanchine, syntynyt 1904, on yhdysvaltalainen koreografi. Hänen työnsä myötävaikutti uuden suunnan muodostumiseen koreografiassa. Lavastettuja dramaattisia, komediallisia, farssia baletteja, jotka perustuvat usein yksinkertaiseen juoneeseen, jossa toiminta paljastettiin tanssin ja pantomiimin avulla; baletin tyyli määräytyi suurelta osin koristeellisella suunnittelulla, jossa oli tietty merkitys. Tämä suunta hänen työssään kehittyi eniten vuoden 1934 jälkeen. Balanchine alkoi luoda baletteja musiikille, jota ei ollut tarkoitettu tanssiin (sarjat, sinfoniat, mukaan lukien Four Seasons -konsertti). Näissä baletteissa ei ole juonia, sisältö paljastuu musiikillisten ja koreografisten kuvien kehityksessä.

Ajatus baletin luomisesta aiheesta Balanchine, juoniton baletti, uusklassismi, tanssi tanssin vuoksi vieraili koreografin luona. Tämän halun tulos on baletin Neljä vuodenaikaa luominen. Roland on impressionistinen mies, herkkä vaikutelmille. A. Vivaldin upean musiikin ja koreografin luovan mielikuvituksen ansiosta tämän päivän esitys saatiin lavastetuksi. Yksi R. Petin tunnuspiirteistä koreografina on koreografisen tekstin yksinkertaisuus ja selkeys. R. Peti on henkilö, joka pystyy luomaan aivan kaikkiin suuntiin ja kaikissa genreissä: hän on lavastanut tansseja elokuviin, monia revyyt musikaaleja varten, draamaesityksiä. Hän järjesti esityksiä, joissa tanssi oli jotain jumalallista, jotain, joka tuottaa mielihyvää ja iloa yleisölle. R.Pety on henkilö, joka rakastaa kaikkea kaunista. Koreografiaan häntä ohjaa aina vain yksi kriteeri - kauneus, harmoninen musikaalisuuden ja kauneuden yhdistelmä.

Four Seasons -baletti esitetään yhdellä maailman kauneimmista aukioista - Pyhän Markuksen aukiolla Venetsiassa. Aukion jumalallinen arkkitehtuuri on tämän esityksen taustana. Näytelmän esittävistä taiteilijoista on tullut legendaarisia, koska he olivat 70-80-luvun tähtiä. Tässä on Domenic Colfuni, Denis Gagno, Louis Gebanino. R. Petit arvosti suuresti heidän luovuuttaan ja kykyjään. Erityisesti Domenik Kolfuni on yksi Petitin rakastetuimmista baleriinoista. D. Colfuni oli Pariisin kansallisoopperan baleriini, mutta lähti R. Petin pyynnöstä Marseilleen. R.Pety loi hänelle monia esityksiä, erityisesti näytelmän "My Pavlova". Aivan kuten A. Pavlova oli aikoinaan ideaali koreografi M. Fokinille, D. Colfunista tuli sama "Pavlova" R. Petalle. (Katsotaan fragmentti baletista "Vuodenajat", "Kevät").

Ammattimuusikoiden kiinnostus barokin aikakauden musiikkiin ei kuivu. Venetsialaisen barokkiorkesterin perusti vuonna 1997 tunnettu italialainen cembalisti ja barokin tunteja Andrea Marcon. Tämä kollektiivi on neljän vuoden aikana saavuttanut mainetta yhtenä barokin instrumentaalisen esityksen parhaista yhtyeistä, ennen kaikkea Antonio Vivaldin musiikin vakuuttavana tulkitsijana. Lukuisat orkesterin konsertit ja oopperaesitykset monissa Euroopan maissa ovat saaneet laajaa tunnustusta paitsi laajan yleisön myös musiikkikriitikkojen keskuudessa. Orkesteri esitteli yleisölle esityksensä uuden luennon A. Vivaldin, F. Cavallin, B. Marcellon teoksista.

Kuluneella konserttikaudella konsertteja pidettiin 28 Yhdysvaltojen kaupungissa viulisti Robert McDuffyn kanssa, kiertueita Japanissa ja Koreassa viulisti Giuliano Carminolon kanssa, ohjelma Antonio Vivaldin teoksista esitettiin yhdessä Amsterdamin parhaista konserttisaleista - Concertogebouw. Eri festivaaleilla Itävallassa, Sveitsissä ja Saksassa osallistuva orkesteri on esiintynyt sellaisten kuuluisien solistien kanssa kuin Magdalena Kozhena, Cecilia Aartoli, Vivica Geno, Anna Netrebko, Victoria Mullova.
Orkesterin laaja diskografia on voittanut monia arvostettuja palkintoja. Se sisältää tallenteita Vivaldin ja Locatellin viulukonsertoista, Vivaldin sinfonia- ja jousikonserttien albumin sekä monia barokin aikakauden säveltäjien teoksia aikamme merkittävien muusikoiden esittämänä.

Kiinnostus A. Vivaldin musiikkia kohtaan ei kuivu. Hänen tyylinsä on tunnistettavissa laajalle kuuntelijajoukolle, musiikki on kirkasta eikä menetä värejä. Esimerkkinä tästä on modernin koreografin R. Petin vetoomus Vivaldin musiikkiin ja hänen upea tuotantonsa baletti Neljä vuodenaikaa, uusien instrumentaaliorkesterien luominen.

Mikä on A. Vivaldin musiikin suosion salaisuus? Mikä sai ihmisen onnelliseksi ja surulliseksi kuunnellen kaukaisen menneisyyden säveltäjän musiikkia? Mihin hän pyrki, mitä hän ajatteli ja miten hän havaitsi maailman? A. Vivaldin musiikkia, menneisyyden musiikki on selkeää. Nykyajan ihmisen tunteet, ajatukset, kokemukset eivät ole muuttuneet lainkaan verrattuna menneisyyteen. Tämä on elämäniloa, ympäröivän maailman havainnointia, joka Vivaldin musiikissa on positiivista ja elämää vahvistavaa. A. Vivaldin teosten konsertit olivat jatkoa instrumentaalikonsertin genren kehitykselle, saatuaan täydellisen muodon, josta tuli malli seuraaville eurooppalaisten säveltäjien sukupolville.

3. Kotitehtävät: tehtävä luovassa muistikirjassa aiheesta "Instrumentaalikonsertti".

Filharmonikkovieraille on tuttu se erityinen, pirteä tunnelma, joka vallitsee instrumentaalikonsertin salissa. Erityisen kiinnostava on kilpailu solistin ja koko kollektiivin - orkesterin - välillä. Konsertti onkin yksi vaikeimmista instrumentaalilajeista. Sen erityispiirre on se, että solisti asetetaan vaikeimpiin olosuhteisiin, joita musiikissa voi olla. Hänen on todistettava instrumenttinsa paremmuus kilpailemassa kymmenien muiden kanssa.

Säveltäjät eivät turhaan anna konserteille loistavaa, virtuoosista luonnetta pyrkien paljastamaan valitsemansa instrumentin kaikki tekniset ja taiteelliset mahdollisuudet. Konsertit kirjoitetaan yleensä edistyneimmille ja resurssirikkaimmille soittimille - pianolle, viululle, sellolle.

Samaan aikaan konsertti ei edellytä vain osallistujien kilpailua, vaan myös soolo- ja säestysosien vuorottelevaa koordinointia sävellyksen yleisen konseptin ilmentymänä.

Niinpä instrumentaalikonsertti sisältää näennäisesti ristiriitaisia ​​suuntauksia:

• toisaalta se on suunniteltu paljastamaan yhden instrumentin ominaisuudet verrattuna kokonaiseen orkesteriin;
• toisaalta se vaatii täydellisen ja täydellisen kokonaisuuden.

Ja ilmeisesti sanalla konsertti on kaksinkertainen alkuperä: latinan sanasta "concertare", joka tarkoittaa "kilpailemaan", ja italialaisesta "concerto", eli "suostumus". Tämä kaksoismerkitys on tämän genren merkitys ja erityispiirre.

Instrumentaalinen konsertti. Genren historia

Konsertin historia yhtyeesitysmuotona ulottuu muinaisiin ajoiin. Yhteissoittoa useilla soittimilla solistiehdokkuuden kanssa löytyy monien kansojen musiikkikulttuurista.

Mutta itse termi ilmestyi myöhään renessanssilla, 1500-luvulla, Italiassa. Tämä oli kirkossa esitettyjen moniäänisten lauluteosten nimi. Tällaiset teokset perustuivat kahden tai useamman lauluosan vertailuun (kilpailuun) urkujen ja joskus instrumentaalikokoonpanon säestyksellä.

Myöhemmin tämä nimi siirtyi useiden instrumenttien kamarisävellyksiin. Vastaavia konsertteja löytyy 1600-luvun alussa, mutta vuosisadan puoliväliin mennessä konsertti muuttuu orkesteriteokseksi ja saa uuden nimen - "Concerto Grosso".

Concerto grosso

Uuden genren Concerto grosso ("suuri konsertti") luoja oli erinomainen italialainen viulisti ja säveltäjä 1600- ja 1700-luvun alussa Arcangelo Corelli. Concerto Grossossa oli jo jako soolo- ja säesoittimiin, ja ensimmäisiä soittimia oli aina useita ja niitä kutsuttiin concertinoiksi.

Tämän muodon myöhempi kehitys liittyy Corellin nuorempaan nykyaikaiseen. Vivaldin teoksessa konserttisykli sai 3-osaisen muodon, jossa äärimmäisen nopeat osat kehystävät keskimmäistä, hidasta. Hän loi myös ensimmäiset konsertit yhdellä sooloinstrumentilla, viululla. Tällaiset konsertit ovat kirjoittaneet Bach ja Händel.

Myöhemmin cembaloa, joka alun perin suoritti säestystehtäviä Concerto grossossa, alettiin esittää soolosoittimena. Vähitellen hänen osansa monimutkaisi, ja ajan myötä cembalo ja orkesteri vaihtoivat rooleja.

Wolfgang Amadeus Mozartin konserttien rakenne

Konsertin 3-osainen rakenne vakiintui lopulta päämuodoksi. Samanaikaisesti ensimmäinen osa on kirjoitettu sonaattimuodossa kaksinkertaisella valotuksella (ensimmäisen kerran sen esittää orkesteri, toisen, pienin muutoksin - solisti). Osa päättyy virtuoosiseen kadenssiin - yhden solistin esittämään jaksoon.

Pääsääntöisesti tuolloin poljinnopeus ei ollut säveltäjän nauhoittamana, vaan se oli merkitty erityisellä merkillä soolo-instrumentin osaan. Täällä solisti sai täydellisen vapauden improvisoida, osoittaa virtuoosikykyjään. Tämä perinne säilyi melko pitkään, ja vasta Beethovenin jälkeisellä aikakaudella tekijät alkoivat tallentaa kadenssia, mikä sai tärkeän roolin sävellyksen idean kehittämisessä.

Mutta jos kadentsa muodossa tai toisessa sisällytetään instrumentaalikonsertoon nykyään, on pääteemojen kaksinkertainen paljastaminen vähitellen kadonnut.

Hitaalla osalla II ei ole vakiintunutta muotoa, mutta III osa, nopea finaali, on kirjoitettu sonaatti- tai rondomuotoon.

Instrumentaalikonsertin kehitys 1800- ja 1900-luvuilla

Konsertin genre on kehittynyt ja kehittynyt pitkän matkan tietyn ajanjakson tyylisuuntauksia noudattaen. Huomautetaan vain tärkeimmät, avainkohdat.

Konsertti koki uuden syntymänsä Beethovenin teoksissa. Jos Mozartissa hänellä oli edelleen viihteen piirteitä, Beethoven alisti hänet päättäväisesti ideologisiin tehtäviin, toi hänet lähemmäksi sinfoniaa.

Konsertin sinfonointia jatkoivat romantiikan aikakauden säveltäjät. Sinfonisen runon vaikutuksesta konsertin osat sulautuivat yhdeksi jatkuvasti kehittyväksi sävellykseksi. Tällaisen 1-yksityisen konsertin luoja oli. Hän antoi hänelle loistavan virtuoosin ilmeen.

Instrumentaalikonsertti Mendelssohnin, Chopinin, Schumannin, Griegin teoksissa paljastaa lyriikan halun. Tämä puolestaan ​​johti konsertin virtuoosielementin roolin vähenemiseen. Jos Beethovenin soolosoitin ja orkesteri olivat oikeuksiltaan tasavertaisia, edellinen hallitsee romantikkoja ja jälkimmäinen saa vaatimattoman säestäjän roolin.

Samaan aikaan Beethovenin sinfonisen konsertin perinne kehittyi Brahmsin teoksessa. Lyyris-dramaattisen sinfonian vaikutus vaikutti Tšaikovskin ja erityisesti Rahmaninovin konserttiin.

Hän sanoi uuden sanan Chopin-konserton herättämisessä. Hänen pianokonserttinsa olivat mittakaavaltaan virtuoosit ja saivat flyygelin kilpailemaan menestyksekkäästi hyvin kehittyneen orkesteriosuuden kanssa. Prokofjevin viulukonsertot ovat lyyrisiä ja houkuttelevat ensisijaisesti soolo-instrumentin melodisella tulkinnalla.

Vanhan konsertin elpymisen suuntaukset ovat jäljitettävissä myös 1900-luvun säveltäjien teoksissa. Siten upea virtuoosi "barokki" kukoistaa Gershwinin ja Khachaturianin teoksissa, muinaisten muotojen renessanssi voidaan jäljittää Hindemithin, Bartokin ja Stravinskyn teoksissa.

Instrumentaalinen konsertti

Tämä sana itsessään on tietysti sinulle tuttu, varsinkin sen ensimmäisessä merkityksessä. "Konsertti", sanoo musiikkisanakirja, "on julkinen teosten esitys ennalta laaditun ohjelman mukaan."

Mutta tosiasia on, että tällä sanalla on toinen merkitys: tämä on musiikki-instrumentin (tai äänen) kappaleen nimi orkesterin säestyksellä. Mutta miksi sitä kutsutaan? Ja miksi kilpailun osallistujien piti soittaa konsertti?

Tämä sana voidaan kääntää "kilpailuksi", joten "konsertto pianolle ja orkesterille" on kilpailu pianistin ja sinfoniaorkesterin välillä.

Milloin olet kiinnostunut urheilun seuraamisesta? Kun "vastustajat" ovat yhtä vahvoja ja taitoja, eikö niin? Sillä jos heikko ja vahva joukkue tai urheilun mestari kilpailee amatööri-aloittelijan kanssa, niin on jo etukäteen selvää, kumpi voittaa. Ja tämä ei ole ollenkaan mielenkiintoista.

Konsertissa jokin soitin ja ... kokonainen sinfoniaorkesteri kilpailevat. Siinä se, siinä se! Mutta onko todella mahdollista, että joku pieni huilu tai hauras, siro viulu voittaa, tai ainakin urheilullisesti sanottuna "tasapeli" sellaisella bulkilla? Millainen kilpailu tämä on?

Hienoa, ystäväni, upea kilpailu! Koska sinfoniaorkesterin vahvuus, voima ja loisto ovat sooloesittäjän lahjakkuutta vastaan, hänen taitonsa on saavutettu vuosien ja vuosien kovalla työllä. Kerron teille salaisuuden, että voittaja on lähes aina se, joka ensi silmäyksellä näyttää heikoimmalta. Solisti alistaa orkesterin. Tietenkin vain, jos hän on todellinen muusikko, lahjakas esiintyjä, koska hänelle tämä on erittäin vakava testi. Ja kun ei ole taitoa ja lahjakkuutta, orkesteri voittaa. Mutta kuinka surullinen voitto tämä on. Voitto on, mutta musiikkia ei ole.

Konserttimusiikkia. Mitä vaikeuksia et löydä siitä! Vaikeita pulmakohtia, voimakkaita sointuja, nopeasti vieriviä asteikkoja... Nämä ovat kaikki niin sanottuja teknisiä vaikeuksia, sormennäppäryyden kokeita, iskuvoimaa - sanalla sanoen muusikko-esittäjän taitoja. Ja säveltäjä, luoessaan konserttia, ajattelee aina, että muusikko voi näyttää kaikki taitonsa tässä työssä.

Kuitenkin, jos säveltäjä ajatteli vain tätä, jos konsertti koostuisi vain ongelmista ja nerokkaita arvoituksia, sitä ei voitaisi kutsua todelliseksi taideteokseksi. Tällaisessa teoksessa ei olisi tärkeintä - ajatusta, sisältöä.

Tsaikovski kirjoittaa konsertista näin: "Tässä on kaksi samanlaista voimaa, eli mahtava, ehtymättömän värikäs orkesteri, jonka kanssa pieni, sanoinkuvaamaton, mutta vahvatahtoinen kilpailija taistelee ja voittaa (edellyttäen, että esiintyjä on lahjakas ). Tässä taistelussa on paljon runoutta ja säveltäjälle viettelevien yhdistelmien kuilu."

Jos kirjan sivut voisivat kuulua näiden sanojen jälkeen, kuulisimme heti orkesterin kirkkaat, täyteläiset sointuet - Ensimmäisen pianokonserton alun. Tämän musiikin ensimmäisillä äänillä ikään kuin itse ilo tunkeutuu saliin. Kuinka pieneltä ja heikolta pianon ääressä istuva pianisti näyttää. Orkesterin voimakas soundi näytti eristäneen sen salista tiheällä seinällä.

Ja uusi ääni vuodatti tähän riemuitsevaan äänimassaan kuin mahtava kello. "Kuunnella! - ikään kuin ne kertoisivat meille mitattuja, juhlallisia sointuja - Kuuntele! Et voi olla kuulematta minua." Ja me kuulemme, kuulemme täydellisesti pianon sointuvan, voimakkaan äänen. Viulut tulvivat leveänä melodiana, ja orkesteri rauhoittui vähitellen hillitseen hillitöntä riemuaan.

Nyt yksi flyygeli soi... Virtuoosit sointuja ja kohtia vaihtavat toisiaan, pukevat melodian kimaltelevaan, täyteläiseen asuun. Mutta orkesteri ei ole vielä päässyt sopuun. Hän ei anna periksi niin helposti, hän ei anna periksi ilman taistelua. Syntyy intohimoinen riita. Pääteema kuuluu nyt orkesterissa, nyt pianoosuudessa... Kyllä, tietysti, tämä on ennen kaikkea upeaa musiikkia. Aitoa musiikkia, ei vain hämmentäviä, virtuoositemppuja.

Yleensä konsertin musiikki on kevyttä, iloista ja tyylikästä. Minun on kerrottava teille, että sana "konsertti" ei ole käännetty vain "kilpailuksi", vaan myös "suostumukseksi". Tämä tarkoittaa, että kilpailu on aina ystävällistä.

Mutta tietysti konserttia kuunnellessa tulee joskus surullinen olo, haaveilee ja ajattelee jotain. Joskus musiikki voi olla hyvin synkkää, jopa traagista. Esimerkiksi Šostakovitšin viulukonsertossa tai Kolmannessa pianokonsertossa, josta puhumme myöhemmin. Tämä tapahtuu kuitenkin paljon harvemmin.

Felix Mendelssohnin viulukonserton hienovarainen ja ilmeikäs musiikillinen maku yhdistyy tässä muodon ankaruuteen. Säveltäjä on saavuttanut täällä sen korkean dramaattisuuden, jonka ansiosta voimme puhua hänen yhteydestään Beethovenin sinfonisiin perinteisiin. Samalla konsertti on täynnä romantiikan henkeä - ensimmäisestä viimeiseen säveleen. Se keskitti Mendelssohnin teosten tunnusomaisimmat piirteet - lyriikka, laulunkirjoitus, armo, kauneuden tunne ja ympäröivän maailman harmonia.

Konsertti on suuri, moniosainen teos (vaikka on myös yksiosaisia ​​konsertteja). Yleensä siinä on kolme osaa. Ensimmäinen on tehokkain, "taistelun pääalue". Toinen on hidas, lyyrinen. Usein hänen kuvansa liittyvät luontoon. Kolmas osa on viimeinen. Finaalin musiikki on useimmiten erityisen iloista, kiihkeää ja loistavaa.

Mitä tällainen rakenne muistuttaa? No, tietysti sinfonia! Pientä sinfoniaa. Vain uudella hahmolla - solistina.

Toisin kuin sinfoniassa, konsertissa on ns. cadenza - suuri jakso, jonka solisti esittää ilman orkesteria. On mielenkiintoista, että muinaisina aikoina, kun konsertin muoto oli vasta hahmottumassa, kadentsaa ei säveltänyt säveltäjä, vaan esiintyjä itse. Säveltäjä osoitti vain paikan, jossa sen pitäisi olla (yleensä ensimmäisessä osassa). Sitten kadenza oli kuin plug-in-numero, jossa solisti osoitti kaiken taitonsa, osoitti musiikki-instrumentin kyvyt. On helppo arvata, että tällaisen kadenssin musiikilliset ansiot eivät olleet suurimmaksi osaksi erityisen suuria eikä niillä ollut suurta roolia teoksen sisällössä.

Hän oli ensimmäinen, joka kirjoitti kadensan pianistille neljännessä pianokonserttossaan. Siitä lähtien siitä on tullut sääntö. Cadenzat ovat lakanneet olemasta "vieraat" konsertin yleisessä musiikissa, vaikka ne ovat säilyttäneet virtuoosinsa ja loistokkuutensa tähän päivään asti ja antavat silti esiintyjälle mahdollisuuden osoittaa todellista mestaruutta, osoittaa kaikkia soittimen kykyjä, oli se sitten kyseessä. piano tai huilu, viulu tai pasuuna.

Sanomme, että konsertti on kilpailu, mutta ennen kaikkea se on tietysti solistin vakavin testi, vakava koe todellisen muusikko-esiintyjän tittelistä.

Nyt varmaan ymmärrät, miksi konsertin esittäminen on aina mukana kilpailuohjelmassa.

Ja jos solisti on todellinen, lahjakas muusikko, niin ...

Teksti Galina Levasheva.

Esittely

Mukana:
1. Esitys - 10 diaa, ppsx;
2. Musiikin äänet:
Tšaikovski. Konsertto pianolle ja orkesterille №1. I. Allegro non troppo e molto maestoso (fragmentti), mp3;
Rahmaninov. Konsertto pianolle ja orkesterille №3. I. Allegro (fragmentti), mp3;
Mendelssohn. Konsertto viululle ja orkesterille. I. Allegro molto appassionato (fragmentti), mp3;
Beethoven. Konsertto pianolle ja orkesterille №4. I. Allegro moderato. Cadenza, mp3;
3. Täydentävä artikkeli, docx.

Konsertin instrumentaalista muotoa voidaan pitää todellisena barokin panoksena, joka ilmensi äkillisten muutosten, ahdistuksen ja jännittyneen odotuksen leimaaman aikakauden esteettisiä ihanteita. Konsertti on eräänlainen musiikillinen valon ja varjon leikki, eräänlainen rakenne, jossa jokainen komponenttiosa on vastakohtana muiden osien kanssa. Konsertin ilmaantumisen myötä syntyy taipumus musiikilliseen kerrontaan, melodian kehittämiseen eräänlaisena kielenä, joka pystyy välittämään inhimillisten tunteiden syvyyksiä. Itse asiassa sanan "concertare" etymologia tulee sanoista "kilpaile", "taistele", vaikka tämän musiikillisen muodon merkityksen ymmärtäminen liittyy myös sanaan "consertus" tai "conserere", joka tarkoittaa "koordinoida". "järjestää", "yhdistää" ... Etymologiset merkitykset vastaavat erittäin hyvin säveltäjien tavoitetta, jotka uudella muodolla myötävaikuttivat aikakauden musiikillisen kielen hämmästyttävään edistymiseen.

Historioitsijat uskovat, että instrumentaalinen concerto grosso syntyi 1600-luvun 70-luvulla ja sen sukutaulu on joko laulu- ja instrumentaalikonsertista sekä 1500-1600-luvun urku- ja orkesterikanzonista, joka on monella tapaa lähellä se tai 1600-luvulla muotoutuneesta yhtyesonaatista. Nimetyt genret yhdessä oopperan kanssa ilmensivät uuden musiikkityylin - barokin - pääpiirteet.

L. Viadana konserttikokoelmansa esipuheessa (Frankfurt, 1613) korosti, että konsertin melodia kuulostaa paljon selvemmin kuin motetissa, sanat eivät peitä kontrapunktia ja harmoniaa bassokenraali tukee. urut, on mittaamattoman rikkaampi ja täyteläisempi. Itse asiassa saman ilmiön kuvaili G. Tsarlino vuonna 1558: "Sattuu, että jotkut psalmit kirjoitetaan choros pezzaton tapaan (johon sisältyy" jakautuneen, repeytyneen kuoron" esittäminen - N. 3.). kuoroja lauletaan usein Venetsiassa vespereiden aikana ja muina juhlaaikoina, ja ne on sovitettu tai jaettu kahteen tai kolmeen kuoroon, joissa kummassakin on neljä ääntä.

Kuorot laulavat vuorotellen ja joskus yhdessä, mikä on erityisen hyvää lopussa. Ja koska tällaiset kuorot sijaitsevat melko kaukana toisistaan, säveltäjän on yksittäisten äänien välisen dissonanssin välttämiseksi kirjoitettava niin, että jokainen kuoro yksittäin kuulostaa hyvältä ... Eri kuorojen basson tulee aina liikkua unisonissa tai oktaavissa, joskus kolmannessa, mutta ei koskaan - viidennessä. "Eri kuorojen basson yhteensopivuus on osoitus homofonian asteittaisesta muodostumisesta. Samanaikaisesti vanhan polyfonian vankka jäljitelmä korvataan dynaamisen kaiun periaatteella, joka liittyy siihen, mutta johtaa jo uuteen aikakauteen - yksi ensimmäisistä ei-polyfonisista muotoilun periaatteista.

Jäljittelyllä oli kuitenkin edelleen tärkeä rooli musiikillisessa kehityksessä - usein suorana, kuten vanhaan tyyliin. Siellä on näkyviä muotojen alkeita, joista tulee tyypillisiä tulevalle concerto grossolle. Kaksoisvalotus tulee olemaan erityisen yleistä tanssiaiheisiin perustuvissa konserteissa, ja kun Corellin ensimmäinen näyttely on yleensä soolo, myöhemmässä konsertissa tutti-alku on suositumpi. Yleisesti ottaen kaksoisvalotus on luontevaa concerto grossolle: kuulijan on kuitenkin esitettävä molemmat äänimassat alusta alkaen. Yksinkertaisin tapa kehittyä on myös ilmeinen - kahden massan nimenhuuto. Ja viimeisen tutin pitäisi tiivistää "konserttikiista": niin oli Pretoriuksen kanssa, niin tulee olemaan Bachin, Händelin, Vivaldin kanssa. Benevolin messun esimerkki ennakoi konsertti- tai rituaalimuotoa, joka hallitsi 1700-luvun ensimmäisen puoliskon musiikkia. Toistaiseksi tämän lomakkeen alkuperästä ei ole vielä päästy yksimielisyyteen.

Sen löytäjä H. Riemann liitti sen fuugaan ja vertasi rituaalia teemaan ja soolokäyttöä välikappaleisiin. Päinvastoin, Schering A. Scheiben (1747) todistukseen viitaten kiisti konserttimuodon suhteen fuugaan ja johti sen suoraan ritunelin aariasta. A. Hutchings puolestaan ​​on tästä eri mieltä: hän pitää tämän muodon lähteenä Bolognassa 1600-luvun lopulla olemassa olevaa sonaattia trumpetille ja jousiorkesterille, jolla hänen mielestään oli suora vaikutus. johdanto-osan kappaleessa. Hutchings korostaa, että vasta konsertin leviämisen jälkeen oopperaaria ritunelilla sai lopullisen muotonsa.

Vain yksi asia on kiistaton: 1700-luvun ensimmäisellä puoliskolla konserttimuotoa esiintyi lähes kaikissa genreissä, eikä ole sattumaa, että tutkijat pitävät sitä aikansa päämuotona (kuten sonaattimuotoa 1700-luvun jälkipuoliskolla). 1700-luvulla). Koska konserttimuoto on "itsenäinen koulutus monoteemaattisen ja klassisen temaattisen dualismin välillä", konserttimuoto tarjosi sekä temaattisen yhtenäisyyden että tarvittavan kontrastin ja lisäksi mahdollisti esiintyjän osoittamaan mestaruutensa soolokappaleissa. Kaikesta uutuudestaan ​​huolimatta analysoidut näytteet ovat suoraan seurausta 1500-luvun musiikista, ensisijaisesti canzonasta, joka on lähes kaikkien myöhempien instrumentaalityylien esi-isä. Juuri instrumentaalisessa kanzonissa (canzonada sonar) syntyi tuleva sonaattisykli, kuten fuuga tai kolmiosainen reprisal-tyyppinen kehystys alkoi kiteytyä (monet kansonit päättyivät alkuperäiseen teemaan); canzones olivat ensimmäinen painetuista instrumentaalisista sävellyksistä, ja lopulta täällä alettiin ensimmäistä kertaa vertailla puhtaasti orkesteriryhmiä ilman äänien osallistumista.

Uskotaan, että tämän askeleen kohti uutta concerto grossoa otti G. Gabrieli, St. Markus Venetsiassa (1584-1612). Vähitellen hänen kanzoneissaan ja sonaateissaan ei vain kasva soittimien ja kuorojen määrä, vaan syntyy myös temaattinen kontrasti: esimerkiksi tutin juhlalliset sointuja vastustavat yhden kuoron jäljitelmärakennetta. Tähän kontrastiin rakennetaan monia varhaisen ja keskibarokin muotoja: siitä kasvaa kokonaisia ​​instrumentaalisyklejä, ja paikoin kanzonalle ominaisia ​​kontrasteja säilyy Corellin aikakauteen asti ja vielä myöhemminkin.

Kanzonan kautta motetille ominainen muotoilumenetelmä tunkeutui myös barokin instrumentaalimusiikkiin - monipimeisten jaksojen kieleen.

Yleisesti ottaen barokin melodialla - olipa kyseessä sitten kanzonan ja varhaisen sonaatin "mosaiikki" tai Bachin ja hänen aikalaistensa "loputon melodia" - on aina jonkinlaisesta impulssista tulevan edistyksen luonne. Eri impulssienergiat määräävät erilaisen leviämisen keston, mutta kun inertia loppuu, pitäisi tulla kadenssi, kuten tapahtui 1600-luvun kanzonissa tai kypsän barokin moniäänisissä miniatyyreissä. BV Asafjev heijasti tätä mallia kuuluisassa kaavassa i: m: t. Konserttikäyttöönotto voitti tämän kaavan suljetun luonteen, pohdiskeli uudelleen kadenssia, muutti sen impulssiksi uudelle käyttöönotolle tai viivytti sitä loputtomasti yhä uusien paikallisten impulssien ja modulaatioiden avulla motiivirakenteiden tasolla (rakenteelliset modulaatiot - A. Milkyn termi).

Harvemmin käytettiin äkillistä kontrastia, joka siirsi kehityksen toiselle tasolle. Siten jo Marinin sonaatissa alkaa muotoutua barokille tyypillinen "asteittaisen siirtymisen tekniikka": myöhempi kehitys seuraa suoraan edellisestä, vaikka siinä olisi vastakkaisia ​​elementtejä. Varhaisbarokki peri renessanssin musiikista toisen muotoiluperiaatteen: luottamuksen renessanssin arkimusiikissa kehittyneisiin rytmis-intonaatiollisiin populaaritanssien kaavoihin.

On myös mainittava "kammio" ja "kirkko" sonaatti. Historioitsijoiden mukaan molemmat genret muotoutuivat lopulta juuri 1600-luvun jälkipuoliskolla, kun Lehrenzi työskenteli. Genrejen nimet liittyvät "tyylien" teoriaan (jäljempänä termi "tyyli" 1700-luvun ymmärryksessä annamme lainausmerkeissä), joka puolestaan ​​oli osa "retorisen rationalismin" estetiikkaa. yhteinen kaikille barokkitaiteelle. (Tämän termin ehdotti A. Morozov artikkelissa "Eurooppalaisen barokin ongelmat").

Retoriikka kehittyi antiikin Kreikan puhekäytännössä ja esiteltiin Aristoteleen ja sitten Ciceron tutkielmissa. Tärkeä paikka retoriikassa annettiin ensinnäkin "locitopicille" - "yhteispaikoille", jotka auttoivat puhujaa löytämään, kehittämään aiheen ja esittämään sen selkeästi ja vakuuttavasti, opettavasti, miellyttävästi ja koskettavalla tavalla, ja toiseksi "teoria tyylit", joiden mukaan puheen luonne muuttui riippuen paikasta, aiheesta, yleisön kokoonpanosta jne. Barokin aikakauden muusikoille locitopicista tuli kokoelma taiteen ilmaisuvälineitä, tapa objektiioida myös yksilöllistä tunnetta. tunnettu ja tyypillinen. Ja "tyyli" -kategoria auttoi ymmärtämään nykyajan genrejen ja muotojen monimuotoisuutta, esitteli historismin kriteerit musiikilliseen estetiikkaan (usein sanan "muoti" varjolla), selitti eri kansojen musiikin välisen eron. , erotti yksittäisiä piirteitä aikakauden suurimpien säveltäjien teoksista, heijasti esiintyvien koulujen muodostumista ...

1600-luvun lopulla termit sonata da camera, dachiesa merkitsivät paitsi eivätkä niinkään esityspaikkaa kuin syklin luonnetta, jonka nauhoitti vuonna 1703 de Brossard, yhden ensimmäisistä musiikkisanakirjojen kirjoittaja. . Vastaavat monin tavoin Brossardin kuvausta Corellin 48 jaksoa, jotka yhdistyvät neljään opukseen: op. 1 ja 3 - kirkkosonaatit, op. 2 ja 4 ovat kammioisia.<...>Molempien syklien päärakennusperiaate on tempo ja usein metrinen kontrasti. Kirkkosonaatissa hitaat osat ovat kuitenkin yleensä vähemmän itsenäisiä: ne toimivat johdantona ja linkkeinä nopeisiin, joten niiden sävelsuunnitelmat ovat usein avoimia.

Nämä hitaat osat koostuvat vain muutamasta taktista tai lähestyvät instrumentaalista ariosoa, rakentuvat pianon sointujen jatkuvaan sykkimiseen, ilmeikkäin retentioin tai jäljitelmään, joskus sisältävät jopa useita itsenäisiä osioita, jotka Caesurat katkaisivat. Kirkkosonaatin nopeat osat ovat yleensä fuugaja tai vapaampia konserttirakenteita, joissa on jäljitelmäelementtejä, myöhemmin sellaisessa Allegro-fuugaa ja konserttimuotoa voidaan yhdistää. Kamarisonaatissa, kuten orkesteri- tai klaverisarjassa, osat ovat pääosin tonaalisia ja rakenteellisesti täydellisiä, muodoissaan voidaan jäljittää kaksi- ja kolmiosaisen alkeiskappaleen jatkokehitystä.

Kellon ja erityisesti sarabandin ja gavotin temaattisuus on yleensä homofonista, usein symmetristä; sonaattimuodon alkeet ovat havaittavissa. Päinvastoin, allemandet ja keikat liikkuvat usein ilman pysähdyksiä ja toistoja, polyfoniset elementit ovat yleisiä allemandeissa, gigue on usein täynnä konsertin henkeä. Dachiesa- ja dacamera-sonaatteja ei yhdistä tiukka sävellyssuunnitelma.

Kaikki kamarikonsertit alkavat alkusoittolla, jota seuraa tanssikappaleita, jotka vain toisinaan "korvataan" hitailla introilla tai konsertti Allegrolla. Kirkkokonsertit ovat juhlavampia ja vakavampia, mutta teemoissaan kuullaan silloin tällöin gigan, gavotin tai menuetin rytmejä. Niin sanottu kamarikonsertti, jolla ei ollut mitään yhteistä sarjamaisen dacamera-sonaatin kanssa ja joka ei tutkijoiden mukaan saanut alkunsa kamarimusiikista, vaan Bolognan koulukunnan kirkkomusiikista, tuo huomattavaa hämmennystä varhaisen aikakauden genrejakoon. 1700-luvulla.

Puhumme ns. italialaisen alkusoiton nykyaikaisesta ja "kaksoiskappaleesta" - Torellin, Albinonin ja Vivaldin kolmiosaisesta konsertosta, jonka oppikirjakuvauksen jätti meille I.-I. Quantz. "Kamarikonsertin" ensimmäinen osa sävellettiin yleensä neljän tahdin mittariin, konserttimuotoon; hänen rituaalinsa piti erottua loistokkuudesta ja moniäänisyydestä; tulevaisuudessa vaadittiin loistavien, sankarillisten jaksojen jatkuvaa kontrastia lyyrisiin jaksoihin. Toinen, hidas osa oli tarkoitettu kiihottamaan ja rauhoittamaan intohimoja, vastakohtana ensimmäiselle metri- ja sävellajissa (samannimi-molli, ensimmäisen sukulaisuusasteen koskettimet, molli dominantti duurissa) ja sallii tietyn määrän koristelua solistin osuuteen. jota kaikki muut äänet tottelivat.

Lopuksi, kolmas osa on jälleen nopea, mutta ei ollenkaan samanlainen kuin ensimmäinen: se on paljon vähemmän vakava, usein tanssiva, kolmen lyöntimetrissä; hänen rituaalinsa on lyhyt ja täynnä tulta, mutta ei vailla flirttailua, yleinen luonne on eloisa, leikkisä; ensimmäisen osan kiinteän polyfonisen kehityksen sijaan on kevyt homofoninen säestys. Kvants jopa nimeää tällaisen konsertin optimaalisen keston: ensimmäinen osa on 5 minuuttia, toinen on 5-6 minuuttia ja kolmas on 3-4 minuuttia. Kaikista barokkimusiikin sykleistä kolmiosainen oli hahmotelmallisesti vakain ja suljetuin muoto. Kuitenkin jopa tämän muodon "isä", Vivaldi, vaihtelee usein yksittäisten osien genretyyppejä. Niinpä esimerkiksi kaksisarvisessa "Dresden"-konserton A-duuri (F. Malipieron toimittamissa Vivaldin kokoelmateoksissa - osa XII, nro 48) hän avaa kolmiosaisen syklin ensimmäisen osan ja lisää hidas kehystys Allegrolle ranskalaisen alkusoiton luonteessa. Ja Malipieron kokoelman XI osan kahdeksannessa konsertissa kolmas osa, toisin kuin Quantzin kuvaus, on fuuga.

Bach toimii toisinaan samalla tavalla: Brandenburgin konsertossa nro 2 syklin muoto "moduloituu" kolmiosaisesta neliosaiseksi, kirkkoon, jonka sulkee fuuga. Usein kolmiosaiseen sykliin lisätään sarjasta, kirkkosonaatista tai oopperan alkusoitosta lainattuja osia. "Brandenburgin konsertossa" nro 1 se on menuetti ja polonees. Ja GF Telemannin F-duuri viulukonsertossa ensimmäisen osan rituaalista muotoa seuraa tyypillinen sarjan jatko: Corsicana, allegrezza ("hilpeys"), scherzo, rondo, poloneisi ja menuetti. Modulaatio syklin tasolla tapahtuu yhteisen linkin - Corsicanan - kautta: se on 3/2:ssa, Unpocogravessa, mutta melodisella omituisuudellaan ja kulmikkuudellaan se vie pois konsertin hitaan osan perinteisestä genretyypistä. Siten voidaan havaita "improvisoinnin" lisääntynyt arvo.

Sillä välin Quantz, kuten muutkin aikansa teoreetikot, piti yhtenä Concerto grosson tärkeimmistä piirteistä "konserttiäänien jäljitelmien fiksua sekoittamista", niin että korva veti puoleensa jompaakumpaa instrumenttia, mutta kaikki solistit pysyisivät tasavertaisina. . Concerto grosso on siis jo Corellin aikana alttiina tovereidensa vaikutuksille - soolo- ja kypsälle (ilman solistia) konserteille. Resitaalissa puolestaan ​​erotetaan joskus muita orkesterin solisteja, esimerkiksi konsertin "Kevät" ensimmäisessä osassa op. 8 Vivaldi ensimmäisessä linnunlaulua kuvaavassa jaksossa sooloviuluun liittyy vielä kaksi orkesterin viulua, ja konsertin finaalissa toinen sooloviulu esitellään ilman visuaalista tarkoitusta - tekstuurin rikastamiseksi.

Tälle genrelle on ominaista sekoitus erilaisia ​​konsertti-instrumentteja, joita on kahdesta kahdeksaan ja jopa enemmän. Quantzin maanmies Matteson piti konsertin osien määrää liian suurena ja vertasi tällaisia ​​konsertteja katettuun pöytään, joka ei ollut katettu nälän tyydyttämiseksi, vaan loiston ja näyttävyyden vuoksi. "Kuka tahansa voi arvata", Matteson lisää mietteliäänä, "että sellaisessa välinekiistassa... ei ole puutetta mustasukkaisuudesta ja kostonhimosta, teeskennellystä kateudesta ja vihasta." Sekä Quantz että Matteson tulivat saksalaisesta concertogrosso-perinteestä. Schering yhdisti saksalaisten rakkauden tämän genren sekayhtyeitä kohtaan puhallinsoittimien soittamisen perinteisiin: jopa keskiaikaisessa Saksassa oli työpaja Stadtpfeifer (kaupunkimuusikot), jotka soittivat kirkoissa, juhlallisissa seremonioissa, häissä ja antoivat myös erilaisia signaaleja linnoituksesta tai kaupungintalon tornista ...

Vaskikonsertino ilmestyy Scheringin mukaan hyvin varhain, lähes samanaikaisesti jousien kanssa. Hänen suosituin mallinsa oli myös kahden oboen ja "basso" unisonifagottien trio. Joskus oboet korvattiin huiluilla. Tällaisten sävellysten laaja levinneisyys (pian myös kaksi trumpettia "basso" timpaneilla) ei johdu pelkästään niiden akustisista ansioista ja samankaltaisuuksista jousitrion kanssa, vaan myös Lullyn auktoriteettiin, joka 1700-luvun 70-luvulla. vuosisadalla siirsi ne ranskalaisista sotilasbändeistä oopperaan. Kolmen ja viiden äänen vastakkainasettelut - puhtaasti dynaamiset, ei sointiäänet - järjestävät ja jakavat sen muodot täydellisesti. Itse asiassa tämä on jatkokehitys vanhan monikuorokonsertin tekniikoista.

Lullyn esimerkkiä seuraten Georg Muffat käyttää suljettujen massojen kaikurullia konserttigrossinsa kehitysosissa, Corelli ja hänen seuraajansa eivät tätä tekniikkaa laiminlyö. Kuitenkin 1700-luvulla Vivaldi "hylkää vanhan käsityksen konsertinosta, joka vaati molempien ääniasioiden tyylillistä yhtenäisyyttä ja esittää uuden, värikkään ja ohjelmallisen ajan hengen saneleman ohjelman. Tämä periaate oli jo tiedossa. venetsialaisille oopperasäveltäjille. Torelli ja Corelli kehittivät sitä vähitellen pastoraalisissa konserteissaan. Vivaldi yhdisti sen konsertin runoon." Kuten musiikin historiassa on usein tapahtunut, orkesterin värikäs ohjelmallinen tulkinta tuli sinfoniseen tyyliin teatterista. Monet 1700-luvun alun oopperoiden, oratorioiden ja kantaattien alkusoitot puolestaan ​​osoittautuvat concerto grosso -sykleiksi. Yksi ensimmäisistä "italialaisista alkusoittoista" - A. Scarlattin oopperaan "Eraclea" (1700) - kolmiosainen "Vivaldian"-sykli.

Äänimassojen rinnastamisen periaate oli yksi barokkiorkesterin perusperiaatteista, eikä ole turhaan, että näihin rinnakkaisiin asetuksiin perustuva rituaalimuoto sopi niin hyvin kaikkien genrejen kanssa. Sen vaikutus juontaa juurensa varhaisklassistisista sinfonioista (tekstuurin oheneminen sivuosassa, tutti-invaasiot - "riturneli" jne.), Gluckin, Rameaun ja Graunin veljien oopperoissa. Ja sinfoniat kahdelle orkesterille, joiden rullille lisättiin rinnakkain niistä eristettyjä konsertteja, kirjoitettiin Italiassa jo 1700-luvun jälkipuoliskolla; Arki- ja ohjelmamusiikissa Haydn ja Mozart käyttivät toisinaan monikuorta.

Oppitunnin aihe: "Instrumentaalikonsertti".

Pedagoginen tarkoitus: antaa käsityksen instrumentaalikonsertin genrestä, milloin ja miten se syntyi, miten se kehittyi.

Seuraavat asetetaan oppitunnin tarkoituksen perusteella tehtävät:

Koulutuksellinen: esitellä opiskelijoille instrumentaalikonsertin genren syntyä ja kehitystä A. Vivaldin konsertin "Neljä vuodenaikaa" esimerkillä, lujittaa ajatuksia erityyppisistä konserteista, laajentaa ajatuksia ohjelmamusiikista.

Kehittyy: jatka barokkimusiikin parhaiden esimerkkien esittelyä.

Koulutuksellinen: edistää emotionaalista reagointikykyä klassisen musiikin käsityksiin, kehittää kiinnostusta ja kunnioitusta muiden maiden säveltäjien musiikillista perintöä kohtaan.

Suunnitellut tulokset:

Henkilökohtainen : opiskelija on motivoitunut opiskelemaan musiikkia, kykyä suorittaa itsearviointia reflektioprosessissa; opiskelijalla on mahdollisuus muodostaa vakaa moraalinormien ja eettisten vaatimusten noudattaminen käyttäytymisessä;

Aihe: opiskelija oppii tietoisesti havaitsemaan ja esittämään muusoja. toimii; navigoida musiikin genreissä, kuvissa, muodoissa; viitata kirjallisiin alkulähteisiin, korostaa kirjallisten tekstien moraalisia ongelmia moraalista ihannetta koskevien käsitysten kehittämisen perustana; ymmärtää musiikin ja kirjallisuuden erityispiirteet taiteen muotoina.

Metasubjekti.

Henkilökohtainen: opiskelija oppii osoittaa emotionaalista reagointikykyä, henkilökohtaista asennetta havaitessaan musiikkia; opiskelijalla on mahdollisuus oppia selittää arvioiden merkityksen, motiivit, tavoitteet.

Kognitiivinen: oppii analysoida, vertailla musiikkiteoksia ja yhden teoksen kuvia, löytää yhteistä ja erilaista; arvioida ja korreloida säveltäjän teoksen piirteitä. Hanki mahdollisuus oppia omistaa opiskelujakson sisällä yksilöllisiä erikoistermejä, käyttää erilaisia ​​tietolähteitä, pyrkiä itsenäiseen kommunikaatioon taiteen kanssa.

Sääntely: oppii esittää musiikkia, joka välittää taiteellisen merkityksen; saada tilaisuus oppia määritellä ja muotoilla oppitunnin aihe ja ongelma; arvioida musiikkiteoksia kauneuden ja totuuden näkökulmasta.

Kommunikaatiokykyinen: oppii organisoida työ pareittain, ryhmissä; ilmaise mielipiteesi, väitä se ja vahvista se tosiasioilla; P saada tilaisuus oppia tehdä yhteistyötä ikätovereiden kanssa laulun esittämisessä ja ryhmätyössä.

Oppitunnin tyyppi: oppitunti uuden tiedon "löydöstä".

Oppitunnin tyyppi: pohdiskelutunti.

Laitteet: kannettava tietokone, fonokrestomatiikka oppikirjaan "Musiikki" 6 luokalle, A. Vivaldin sykli "The Seasons", painetut sanat A. Ermolovin kappaleeseen "The Seasons" jne.

TUTKIEN AIKANA

Org. hetki. Emotionaalinen asenne.

Terveisiä;

Hei rakkaat kaverit, mukava nähdä teidät.

Näen sinut taas tänään
Musiikki soi taas
Ja kaunista taidetta
Viehättää meidät taas.
Kaikki sydämet yhdellä toiveella
Musiikki yhdistää
Ja juhlallinen ja upea
Se kuuluu sielussamme!

Toivon, että osallistut aktiivisesti oppitunnille. Yritän puolestaan ​​tehdä oppitunnista mielenkiintoisen ja informatiivisen sinulle.

2. Oppitunnin aihe. Tavoitteiden asettaminen.

1) Useiden oppituntien aikana puhuimme kamarimusiikista. Kerro minulle, mitä on "kamarimusiikki"?

Kammio, ts. huonemusiikkia, joka on suunniteltu esitettäväksi pienissä huoneissa pienelle yleisölle (lasten vastaukset).

Ymmärtääksesi, mitä tänään käsitellään oppitunnissa, ehdotan, että ratkaiset ristisanatehtävän. Sana on piilotettu pystysuoraan. Työskentelemme pareittain.

Suuri joukko instrumentaalimuusikoita soittamassa kappaletta yhdessä (ORKESTRA)

Moniosainen teos kuorolle, solisteille ja orkesterille (KANTATA)

Musiikkiesitys, jossa laulaminen on tärkein ilmaisuväline (OPERA)

Orkesterijohdanto oopperaan, esitykseen tai itsenäiseen sinfoniseen teokseen (ALKUsoitto)

Neljän esiintyjän (laulajien tai instrumentalistien) yhtye (QUARTET)

(pysty) Suuri musiikkiteos sinfoniaorkesterille ja mille tahansa soolosoittimelle, joka koostuu 3 osasta (KONSERTTI)

- todentaminen, arviointi;

2) - Muotoile oppitunnin aihe.

- Oppitunnin aihe on "Instrumentaalikonsertti" (kirjoita taululle).

Mitä tavoitteita voimme asettaa?

3) uuden materiaalin toisto ja käyttöönotto;

Muistellaanpa mitä konsertti on?

- Konsertti -(käännettynä italiasta tarkoittaa sopimusta, latinasta kilpailua). Konsertti - musiikkikappale sinfoniaorkesterille ja sooloinstrumentille. Se koostuu yleensä kolmesta osasta. Konsertteja on yhdelle instrumentille, ilman orkesteria, orkesterille ilman solistia, konsertteja kuorolle. Venäläisessä musiikissa pyhän kuorokonsertin genre oli laajalti käytössä.

Instrumentaalinen konsertti - konsertti soittimille yksin, ilman laulua.

- Konsertin genre syntyi 1600-luvulla viulunsoiton intensiivisen kehityksen yhteydessä.

Antonio Vivaldi on viulisti, kapellimestari ja opettaja, yksi 1600- ja 1700-luvun suurimmista säveltäjistä. Asui ja työskenteli aikakaudella barokki
Oli genren luoja - instrumentaalikonsertti.

Määrittele yhdellä sanalla barokin aikakausi? ( omituisuus).

Noin 450 Vivaldi-konserttia tunnetaan. Musiikin draama, kuoron ja solistin välinen kontrasti, äänet ja instrumentit hämmästyttivät yleisöä: kylläisyys väistyi tyyneyttä, arkuus voimaa, soolo keskeytti orkesteri.
Vivaldin konserttien sävellyksistä soolo- ja orkesteriosuudet vuorottelivat.

Vivaldin luovuuden huippu. Tämä kierto yhdisti neljä konserttia sooloviululle ja jousiorkesterille. Niissä musiikillisen kuvan kehittäminen perustuu äänen vertailuun * viulut - yksin *orkesteri - tutti (käännetty italian kielestä tarkoittaa kaikki).

Kontrastiperiaate määritti konsertin kolmiosaisen muodon: 1. osa - nopea ja energinen; 2. - lyyrinen, melodinen, pienimuotoinen; 3. osa - finaali, elävä ja loistava.

Luonto on aina ilahduttanut muusikoita, runoilijoita ja taiteilijoita. Luonnon kauneus, vuodenaikojen vaihtelut: syksy, talvi, kevät, kesä - on ainutlaatuista, jokainen omalla tavallaan

Mitä mieltä olette, runoilijat taiteilijat kääntyivät vuodenaikojen teemaan?

Tiedätkö sellaisia ​​teoksia?

Runoilijat ovat kirjoittaneet paljon runoja luonnosta, taiteilijat ovat kirjoittaneet paljon kuvia luonnosta ja säveltäjät ovat kirjoittaneet paljon luontokuvia kuvaavaa musiikkia.

Tänään vertaamme, miten kukin vuodenaika on kuvattu runoudessa, maalauksessa ja musiikissa. Ja venäläisten runoilijoiden runot, venäläisten taiteilijoiden maalausten jäljennökset ja italialaisen säveltäjän Antonio Vivaldin taikamusiikki, joka onnistui heijastamaan alkuperäisen luontonsa kauneutta musiikillaan, auttavat meitä tässä.

Runot, maalaukset ja musiikki auttavat meitä näkemään, kuulemaan ja tuntemaan kaikkina vuodenaikoina.

(1. osa kuulostaa, opettaja ei nimeä nimeä).

Mitä tunteita tämä musiikki ilmaisee?

Mihin vuodenaikaan tämä musiikki liittyy? ?

Opiskelijat määrittelevät alkuintonaation, musiikin luonteen, nopean tahdin, dynamiikan kontrastit, kuvalliset hetket - linnunlaulun jäljitelmä - tämä on kevät

Kuunneltava musiikki on kirkasta, soivaa, iloista. Siinä voi tuntea lentoa, liikettä, linnunlaulua. Melodia on kevyt, musiikissa tuntuu kevään tulo.

Miltä konsertin 1. osan päämelodia kuulostaa?

Tämä osa alkaa iloisella, huolettomalla melodialla, kevyt, kevyt, läpinäkyvä, rento.

Mitä säveltäjä kuvasi jaksoissa?

Lintujen laulua, purojen surinaa, ukkosenjylinää ja salaman välähdyksiä.

Kun ukkosmyrsky menee ohi, niin jokaisessa äänessä on taas ilo kevään saapumisesta. Linnut laulavat jälleen ja ilmoittavat kevään saapumisesta.

Opiskelijat: Mahdollisia lasten vastauksia: kuulet selvästi missä orkesteri soittaa ja missä sooloviulu. Melodia, jonka orkesteri esittää duuriasteikolla, on hyvin selkeä, kirkas, helposti muistettava, tanssirytmi. Solistin esittämä melodia on paljon monimutkaisempi, se on virtuoosi, kaunis, koristeltu lauluilla, samanlainen kuin lintujen laulu).

Joten, mitä sinä tunsit, kuvittele?

Onko aikainen kevät vai myöhäinen?

Joo. Varhainen, koska musiikki kuvaa luonnon heräämistä.

Miltä musiikki, joka välittää tämän tilan, kuulostaa (nopeasti, energisesti, kiihkeästi...)

Opiskelijoiden vastaukset

Oletko kuullut kuinka soittimet matkivat luonnon ääniä? (diaesitys)

Lintujen iloista laulua, purojen iloista huminaa, lempeä tuuli puhaltaa, tilalle ukkosmyrsky.

Tai ehkä tämä on elämän kevään heräämistä tarkkailevan henkilön tila?

Miltä sinusta tuntuu keväällä?

Mitä uusia tunteita sinulla on?

Opiskelijoiden vastaukset

Opettaja täydentää: onnen tunnetta, valoa, lämpöä, luonnon voittoa.

Oppilaat päättävät, että on KEVÄT. Julkaisemme jäljennöksen keväästä.

Konserttisykli "Seasons" - ohjelman essee , joka perustuu runollisiin sonetteihin, joiden avulla säveltäjä paljastaa syklin jokaisen konsertin sisällön. Oletetaan, että sonetit ovat säveltäjän itsensä kirjoittamia

- Kirjallinen teksti on samanlainen kuin musiikillinen teksti, ja jokainen taide toistaa omin keinoin ihmisen tilan, hänen kevään tulon aiheuttamia tunteita.

Vuodenaikojen teema on aina ollut suosittu taiteessa. Tämä selittyy useilla tekijöillä.

Ensinnäkin se teki mahdolliseksi tämän taiteen keinoin vangita tietylle vuodenajalle ominaisimmat tapahtumat ja teot.

Toiseksi, sillä on aina ollut tietty filosofinen merkitys: vuodenaikojen vaihtelua tarkasteltiin ihmisen elämän ajanjaksojen vaihtumisen näkökulmasta

Kevät, eli luonnonvoimien herääminen henkilöllisti alkua ja symboloi nuoruutta

talvi- - Polun loppu on vanhuus.

Kuulo "Talvi" (2h. Largo) A. Vivaldi.

(Vastaustutkimus). Musiikki rauhallinen, melodinen, sielukas, mietiskelevä, lyyrinen.

Miksi yli kolme vuosisataa sitten kirjoitettua musiikkia esitetään usein meidän aikanamme?

(Vastaustutkimus).

Joten kaverit, millaisia ​​vaikutelmia sinulla on?

Mikä vuodenaika on?

Mitä ajattelit kuunnellessasi tätä musiikkia?

Ja miten tämä välitetään äänessä, esityksessä?

(teema, melodian liike, äänenvoimakkuus)

Joo. On tunne kaiken läpäisevästä talven kylmästä, ikään kuin "jäisen tuulen puuskien alla kaikki elävät olennot vapisevat lumessa" (diaesitys)

Sisältyykö musiikki mielestäsi vain luontokuvaa, talvea vai välittyykö säveltäjän tunne?

Joo. Onhan ihminen osa luontoa, ja tässä musiikissa tunnemme malttia, tahtoa, ihmisen valmiutta voittaa talven vaikeudet: kylmä, kylmä.

4) fyysinen kunto;

Jos on aikaa, luonnehdimme samaan aikaan osaa "Kesä", osaa "Syksy".

Opettaja päättää yhdessä lasten kanssaKontrastiperiaate toimii

1. osa - Allegro (Kevät on tullut)

nopea, energinen, yleensä ilman hidasta introa

2. osa - Largo e pianissimo semper (Sleeping Shepherd) lyyrinen, melodinen, kooltaan vaatimattomampi

3. osa - Allegro danza pastorole. (Country dance) finaali, ketterä, loistava

- arvioi tätä työtä tuloskorteillasi.

4) synkviinien kokoaminen (ryhmissä);

SYNQUWINE (5 riviä)

Ensimmäinen linja- substantiivi;

Toinen linja- kaksi adjektiivia;

Kolmas rivi- kolme verbiä;

Neljäs rivi-

Viides rivi-

1. Tuli, kukki, heräsi.

   Armo!

Arvostelu.

Johtopäätös: Säveltäjä ilmaisi konserteissaan oman käsityksensä ympäröivästä maailmasta. Musiikki välittää ihmisen tunteita, suhdetta luontoon, maailmaan. Ne ovat muuttumattomia, pysyviä, riippumatta ajasta, jolla henkilö elää.

Vivaldin konsertit loivat pohjan instrumentaalikonserttigenren kehitykselle.

4. Laulutyö.

Hengitysharjoitukset;

esikuoro;

Kuulo;

Laulamassa Y. Antonovin laulua. "Kauneus asuu kaikkialla";

4. Tulokset. Heijastus.

Mitä olet oppinut?

Mitä pidit?

(täytä mielialalomake).

Itsearviointilomake Itsearviointilomake

Itsearviointilomake Itsearviointilomake

Itsearviointilomake Itsearviointilomake

Itsearviointilomake Itsearviointilomake

Itsearviointilomake Itsearviointilomake

KEVÄ (La Primavera)

Kevät on tulossa! Ja iloinen laulu

Luonto on täynnä. Aurinkoa ja lämpöä

Virrat huminaa. Ja loma-uutisia

Zephyr kantaa, kuin taikuutta.

Yhtäkkiä samettipilviä tulee

Taivaallinen ukkonen kuulostaa evankeliumilta.

Mutta mahtava pyörre kuivuu nopeasti,

Ja viserrys leijuu taas sinisessä avaruudessa.

Kukkien henkäys, yrttien kahina,

Unelmien luonne on täynnä.

Paimen nukkuu väsyneenä päivässä,

Ja koira haukkuu tuskin kuuluvasti.

Paimenen säkkipilli soi

Kukoilee niityillä,

Ja nymfit tanssivat taikaympyrää

Kevät on värjätty upeilla säteillä.

KESÄ (L "Estate)

Lauma vaeltelee laiskasti pelloilla.

Raskasta, tukahduttavasta kuumuudesta

Kaikki luonnossa kärsii, kuivuu,

Kaikki elävät olennot kuivuvat janoon.

Kuulee metsästä. Lempeä keskustelu

Kultasipsel ja turkkikyyhkynen johtavat hitaasti,

Ja avaruus on täynnä lämmintä tuulta.

Yhtäkkiä intohimoinen ja mahtava isku

Boreas, räjähtävä hiljaisuuden rauha.

Ympärillä on pimeää, vihaisten kääpiöiden pilviä.

Ja paimenpoika itkee ukkosmyrskyn vangittuna.

Pelosta, köyhä, jäätyy:

Salama iskee, ukkonen jyrisee

Ja kypsät korvat irrotetaan

Myrsky on armottomasti ympärillä.

SYKSY (L "Autunno)

Talonpoikien sadonkorjuujuhla melua.

Hauskaa, naurua, soivia pirteitä kappaleita!

Ja Bacchus-mehu, joka sytyttää veren,

Kaikki heikot kaadetaan, antaen suloisen unen.

Ja loput jatkavat innokkaasti

Mutta laulaminen ja tanssiminen on jo sietämätöntä.

Ja täydentäen nautinnon ilon,

Yö syöksyy kaikki syvään uneen.

Ja aamulla aamunkoitteessa he hyppäävät metsään

Metsästäjät ja metsästäjät heidän kanssaan.

Ja löydettyään jäljen he laskevat koiralaumaa,

Huolimattomasti he ajavat petoa puhaltaen torveen.

Pelästytti kauheaa meteliä

Loukkaantunut, heikkenevä pakolainen

Juoksee itsepäisesti koiria, jotka piinaavat,

Mutta useammin se kuolee lopulta.

TALVI (L "Inverno)

Väristä, jäätyy, kylmässä lumessa

Ja aalto vierähti pohjoistuulen puolelta.

Koputat hampaitasi pakkaselta juosten,

Pyörittelet jalkojasi, et pysty pysymään lämpimänä

Kuinka suloinen se on mukavuudessa, lämmössä ja hiljaisuudessa

Pakene pahalta säältä talvella.

Takkatuli, puoliunessa mirageja.

Ja jäätyneet sielut ovat täynnä rauhaa.

Kansa iloitsee talven avaruudesta.

Kaatui, liukastui ja vierii taas.

Ja on ilo kuulla jään katkeavan

Terävän harjanteen alla, joka on sidottu raudalla.

Ja taivaalla Cirocco ja Boreus tapasivat,

Heidän välillään on käynnissä taistelu.

Vaikka kylmä ja lumimyrsky eivät ole vielä antaneet periksi,

Talvi antaa meille.

SYNQUWINE (5 riviä)

Ensimmäinen linja- substantiivi;

Toinen linja- kaksi adjektiivia;

Kolmas rivi- kolme verbiä;

Neljäs rivi- 4-sanainen lause, joka välittää omaa asennetta, mielialaa;

Viides rivi- johtopäätös yhdellä sanalla tai lauseella.

Oppilaat antavat esimerkkejä synkviinistä ja vertaavat sitten opettajan esimerkkiin

1. Varhainen, aurinkoinen, kauan odotettu.

   Tuli, kukki, heräsi.

   Sielu on täynnä onnen aavistusta.

   Armo!

SYNQUWINE (5 riviä)

Ensimmäinen linja- substantiivi;

Toinen linja- kaksi adjektiivia;

Kolmas rivi- kolme verbiä;

Neljäs rivi- 4-sanainen lause, joka välittää omaa asennetta, mielialaa;

Viides rivi- johtopäätös yhdellä sanalla tai lauseella.

Oppilaat antavat esimerkkejä synkviinistä ja vertaavat sitten opettajan esimerkkiin

1. Varhainen, aurinkoinen, kauan odotettu.

   Tuli, kukki, heräsi.

   Sielu on täynnä onnen aavistusta.

   Armo!

SYNQUWINE (5 riviä)

Ensimmäinen linja- substantiivi;

Toinen linja- kaksi adjektiivia;

Kolmas rivi- kolme verbiä;

Neljäs rivi- 4-sanainen lause, joka välittää omaa asennetta, mielialaa;

Viides rivi- johtopäätös yhdellä sanalla tai lauseella.

Oppilaat antavat esimerkkejä synkviinistä ja vertaavat sitten opettajan esimerkkiin

1. Varhainen, aurinkoinen, kauan odotettu.

   Tuli, kukki, heräsi.

   Sielu on täynnä onnen aavistusta.

   Armo!

SYNQUWINE (5 riviä)

Ensimmäinen linja- substantiivi;

Toinen linja- kaksi adjektiivia;

Kolmas rivi- kolme verbiä;

Neljäs rivi- 4-sanainen lause, joka välittää omaa asennetta, mielialaa;

Viides rivi- johtopäätös yhdellä sanalla tai lauseella.

Oppilaat antavat esimerkkejä synkviinistä ja vertaavat sitten opettajan esimerkkiin

1. Varhainen, aurinkoinen, kauan odotettu.

   Tuli, kukki, heräsi.

   Sielu on täynnä onnen aavistusta.

   Armo!