1800-luvun romantiikan Itävallan ja Saksan musiikkia. Romantismin aikakausi musiikissa ja sen suuret säveltäjät-romantikot romantiikan aikakauden venäläiset säveltäjät

Romantismin aikakaudella musiikki oli taidejärjestelmässä ensimmäinen paikka. Tämä johtuu sen erityisyydestä, jonka avulla voit heijastaa emotionaalisia kokemuksia täydellisimmin koko ilmaisuvälineiden arsenaalin avulla.

Romantiikka musiikissa esiintyy 1800-luvulla F. Schubertin, E. Hoffmannin, N. Paganinin, K.M. Weber, G. Rossini. Hieman myöhemmin tämä tyyli heijastui F. Mendelssohnin, F. Chopinin, R. Schumannin, F. Lisztin, G. Verdin ja muiden säveltäjien teoksiin.

Romantiikka on jotain, joka sai alkunsa Euroopasta 1800-luvun alussa. Siitä tuli eräänlainen klassismin vastakohta. Romantiikka antoi kuuntelijalle mahdollisuuden tunkeutua legendojen, laulujen ja tarinoiden maagiseen maailmaan. Tämän suunnan johtava periaate on säveltäjän luovan mielikuvituksen luoma vastakohta (unelmat ja arki, ihanteellinen maailma ja arki). Tämä tyyli oli suosittu luovien ihmisten keskuudessa 1800-luvun 40-luvulle asti.

Musiikin romanttisuus heijastaa modernin ihmisen ongelmia, konfliktia ulkomaailman kanssa ja yksinäisyyttä. Näistä teemoista tulee keskeisiä säveltäjien töitä. Lahjakkaana toisin kuin muut, ihminen tuntee jatkuvasti väärinymmärrystä muiden taholta. Hänen lahjakkuudestaan ​​tulee yksinäisyyden syy. Siksi romanttisten säveltäjien suosikkisankareita ovat runoilijat, muusikot ja taiteilijat (R. Schumann "Runoilijan rakkaus"; Berlioz - alaotsikko "Episodi taiteilijan elämästä" "Fantastiseen sinfoniaan" jne.).

Ihmisen sisäisten kokemusten maailmaa välittävä romantiikka musiikissa on melko usein omaelämäkerran, vilpittömyyden ja lyyrisen sävyä. Rakkauden ja intohimon teemoja käytetään laajasti. Esimerkiksi kuuluisa säveltäjä R. Schumann omisti monia pianokappaleita rakkaalleen Clara Wieckille.

Luonnon teema on varsin yleinen myös romantiikan teoksissa. Usein säveltäjät vastustavat sitä ihmisen mielentilalle värittäen epäharmonian sävyillä.

Tieteiskirjallisuudesta on tullut todellinen romantiikan löytö. He työskentelevät aktiivisesti fantastisten hahmojen luomiseksi ja kuviensa siirtämiseksi musiikillisen kielen eri elementtien kautta (Mozart "The Magic Flute" - Yön kuningatar).

Usein musiikin romantiikka viittaa myös kansantaiteeseen. Säveltäjät käyttävät teoksissaan erilaisia ​​kansanmusiikin elementtejä (rytmejä, intonaatioita, muinaisia ​​muotoja) lauluista ja balladeista. Näin voit rikastuttaa musiikkikappaleiden sisältöä merkittävästi.

Uusien kuvien ja teemojen käyttö pakotti etsimään sopivia muotoja ja Siten romanttisissa teoksissa esiintyy puheintonaatioita, luonnollisia muotoja, eri tonaaliteettien vastakohtia, sooloosia (ääniä).

Romantiikka musiikissa ilmensi ajatusta taiteiden synteesiä. Esimerkkinä tästä ovat Schumannin, Berliozin, Lisztin ja muiden säveltäjien ohjelmalliset teokset (sinfonia "Harold Italiassa", runo "Preludit", sykli "Vaellusvuodet" jne.).

Venäläinen romantiikka heijastuu elävästi M. Glinkan, N. Rimski-Korsakovin, A. Borodinin, C. Cuin, M. Balakirevin, P. Tšaikovskin ja muiden teoksissa.

Teoksissaan A. Dargomyzhsky välittää monitahoisia psykologisia kuvia ("Mermaid", romansseja). Oopperassa "Ivan Susanin" M. Glinka piirtää kuvia tavallisen venäläisen kansan elämästä. Kuuluisan "The Mighty Handful" säveltäjien teoksia pidetään oikeutetusti huippuna. He käyttävät ilmaisukeinoja ja tunnusomaisia ​​intonaatioita, jotka ovat luontaisia ​​venäläiselle kansanlaululle, jokapäiväiselle musiikille ja puhekielelle.

Myöhemmin tähän tyyliin kääntyivät myös A. Skrjabin (Unelmien alkusoitto, runo Liekkiin) ja S. Rahmaninov (etüüdit-maalaukset, ooppera Aleko, kantaatti Kevät).

Järkikulttinsa kanssa. Sen esiintyminen johtui useista syistä. Tärkein niistä on pettymys Ranskan suuren vallankumouksen tuloksiin, joka ei vastannut sille asetettuja toiveita.

Romanttisille maailmankuva ominaista terävä ristiriita todellisuuden ja unelmien välillä. Todellisuus on alhainen ja hengetön, se on filistinismin, filistinismin hengen läpäisevä ja ansaitsee vain kieltämisen. Unelma on jotain kaunista, täydellistä, mutta saavuttamatonta ja mielelle käsittämätöntä.

Romantiikka asetti elämän proosan vastakkain hengen kauniin valtakunnan, "sydämen elämän" kanssa. Romantikot uskoivat, että tunteet muodostavat sielun syvemmän kerroksen kuin järkeä. Wagnerin mukaan "Taiteilija kääntyy tunteeseen, ei järkeen." Ja Schumann sanoi: "Mieli on harhaanjohtava, aistit eivät koskaan." Ei ole sattumaa, että musiikkia julistettiin ihanteelliseksi taiteen muodoksi, joka spesifisyytensä vuoksi ilmaisee täydellisesti sielun liikkeitä. Tarkalleen romantiikan aikakauden musiikki otti johtavan paikan taidejärjestelmässä.

Jos kirjallisuudessa ja maalauksessa romanttinen suunta saavuttaa periaatteessa kehityksensä 1800-luvun puoliväliin mennessä, niin musiikillisen romantiikan elämä Euroopassa on paljon pidempi. Musiikkiromantiikka suuntauksena muotoutui 1800-luvun alussa ja kehittyi läheisessä yhteydessä kirjallisuuden, maalauksen ja teatterin eri suuntauksiin. Musiikkiromantiikan alkuvaihetta edustavat E. T. A. Hoffmanin, N. Paganinin teokset; seuraava vaihe (1830-50-luvut) - luovuus,. Romantismin loppuvaihe ulottuu 1800-luvun loppuun.

Romanttisen musiikin suurin ongelma on persoonallisuusongelma, ja uudessa valossa - sen ristiriidassa ulkomaailman kanssa. Romanttinen sankari on aina yksin. Yksinäisyyden teema on ehkä suosituin kaikessa romanttisessa taiteessa. Hyvin usein siihen liittyy ajatus luovasta persoonasta: ihminen on yksinäinen, kun hän on nimenomaan erinomainen, lahjakas henkilö. Taiteilija, runoilija, muusikko ovat suosikkisankareita romantiikan teoksissa (Schumannin "Runoilijan rakkaus", alaotsikolla "Episodi taiteilijan elämästä", Lisztin sinfoninen runo "Tasso").

Romanttisen musiikin syvä kiinnostus ihmispersoonallisuutta kohtaan ilmeni vallitsevana henkilökohtainen sävy... Usein romantikoilta hankitun henkilökohtaisen draaman paljastaminen ripaus omaelämäkertaa, joka toi musiikkiin erityisen vilpittömyyden. Esimerkiksi monet liittyvät tarinaan hänen rakkaudestaan ​​Clara Wieckia kohtaan. Wagner korosti kaikin mahdollisin tavoin hänen oopperoidensa omaelämäkerrallista luonnetta.

Tunteisiin kiinnittäminen johtaa genren muutokseen - vallitsevaan lyriikkaa, jota hallitsevat rakkauden kuvat.

"Lyrisen tunnustuksen" teema kietoutuu hyvin usein yhteen luonto teema... Resonoi ihmisen mielentilaan, ja sitä värittää yleensä epäharmonian tunne. Genren ja lyyris-eeppisen sinfonian kehitys liittyy läheisesti luontokuviin (yksi ensimmäisistä teoksista on Schubertin "suuri" sinfonia C-duuri).

Romanttisten säveltäjien todellinen löytö oli tieteiskirjallisuuden teema. Ensimmäistä kertaa musiikki oppi ilmentämään upeita ja fantastisia kuvia puhtaasti musiikillisin keinoin. 1600 - 1700-luvun oopperoissa "epämaiset" hahmot (kuten Yön kuningatar) puhuivat "yleisesti hyväksytyllä" musiikin kielellä, jotka eivät erottuneet paljoa oikeiden ihmisten taustasta. Romanttiset säveltäjät ovat oppineet välittämään fantastisen maailman jotain täysin erityistä (käyttäen epätavallisia orkesteri- ja harmonisia värejä). Hämmästyttävä esimerkki on "The Scene in the Wolf's Gorge" -elokuvassa "The Magic Arrow".

Musiikkiromantiikkaan äärimmäisen ominaista on kiinnostus kansantaidetta... Kuten romanttiset runoilijat, jotka kansanperinteen kustannuksella rikastivat ja päivittivät kirjallista kieltä, muusikot kääntyivät laajalti kansallisen kansanperinteen - kansanlaulujen, balladejen, eeppisten - puoleen (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin jne.). He ilmenivät kansallisen kirjallisuuden, historian, alkuperäisen luonnon kuvia, luottivat kansallisen kansanperinteen intonaatioihin ja rytmeihin, herättivät henkiin vanhoja diatonisia muotoja. Kansanperinteen vaikutuksesta eurooppalaisen musiikin sisältö on muuttunut dramaattisesti.

Uudet teemat ja kuvat vaativat romantikoilta kehitystä uusia musiikillisen kielen keinoja sekä muotoilun, melodian yksilöinnin ja puheintonaatioiden käyttöönoton periaatteet, musiikin sointi- ja harmonisen paletin laajentaminen ( luonnolliset närästykset, värikkäät duurin ja mollin rinnakkain jne.).

Koska romantiikan huomion keskipiste ei ole enää ihmiskunta kokonaisuutena, vaan tietty henkilö ainutlaatuisineen tunteineen. ja ilmaisuvälineissä yleinen väistyy yhä enemmän yksittäiselle, yksilöllisesti erottuvalle. Yleistettyjen intonaatioiden osuus melodiassa, yhteiset sointukulkuet harmoniassa, tyypilliset kuviot tekstuurissa vähenevät - kaikki nämä keinot ovat yksilöllisiä. Orkesterityössä yhtyeryhmien periaate on väistynyt lähes kaikkien orkesteriäänien sooloista.

Tärkein kohta estetiikka musiikillinen romantiikka oli taiteen synteesin idea, joka löysi kirkkaimman ilmaisun sisällä ja sisällä ohjelma musiikkia Berlioz, Schumann, Liszt.

1800-luvun eurooppalaisen musiikkiromantiikan kolme päävaihetta - varhainen, kypsä ja myöhäinen - vastaavat itävaltalaisen ja saksalaisen romanttisen musiikin kehitysvaiheita. Mutta tätä periodisointia on konkretisoitava ja hieman jalostettava suhteessa kunkin maan musiikkitaiteen tärkeimpiin tapahtumiin.
Saksalais-itävaltalaisen musiikillisen romantiikan alkuvaihe juontaa juurensa 1800-luvun 10-20-luvuille, mikä osuu samaan aikaan Napoleonin valtaa vastaan ​​käydyn taistelun huipentuma ja sitä seuranneen synkän poliittisen reaktion alkamisen kanssa. Tämän vaiheen alkua leimasivat sellaiset musiikilliset ilmiöt kuin Hoffmannin oopperat "Undine" (1913), "Sylvanas (1810)," Abu Hasan "(1811) ja ohjelmoitu pianopala" Kutsu tanssiin "(1815) Weber, ensimmäiset todella omaleimaiset Schubertin laulut - "Margarita pyörivässä pyörässä" (1814) ja "Metsätsaari" (1815). Varhainen romantismi kukoisti 1920-luvulla, kun aikaisin sukupuuttoon kuolleen Schubertin nero kehittyi täydellä voimalla, kun Taikakivääri, Euryatus ja Oberon ilmestyivät - Beberin kolme viimeistä täydellisintä oopperaa, hänen kuolemansa vuonna (1820). musiikillisessa horisontissa sytyttää uusi "valaisin" - Mendelssohn - Bartholdi, joka esiintyi upealla konserttialkulaululla - Kesäyön unelma.
Keskivaihe osuu pääosin 1930-1940-luvuille, sen rajat määrittelivät Ranskan heinäkuun vallankumouksen, jolla oli huomattava vaikutus Itävallan ja erityisesti Saksan kehittyneisiin piireihin, sekä vuosien 1848–1949 vallankumous, joka pyyhkäisi voimakkaasti maan yli. Saksalais-itävaltalaiset maat. Tänä aikana Mendelssohnin (kuoli vuonna 1147) ja Schumannin luovuus kukoisti Saksassa, jonka säveltäjän toiminta vain muutaman vuoden ylitti ilmoitetun rajan; Marschner hälventää Weberin perinteitä oopperoissaan (hänen paras oopperansa, Thaps Geilsch: r, kirjoitettiin vuonna 1833); tänä aikana Wagner muuttui pyrkivästä säveltäjästä sellaisten erinomaisten teosten luojaksi kuin Tannhäuser (1815) ja Lohengrin (1848); Wagnerin tärkeimmät luovat saavutukset ovat kuitenkin vasta tulossa. Itävallassa vakavien genrejen alalla vallitsee tällä hetkellä tietty tyyntyminen, mutta arjen tanssimusiikin luojat Joseph Liner ja isä Johann Strauss ovat saavuttamassa mainetta.
Myöhäinen, vallankumouksen jälkeinen romantiikan ajanjakso, joka ulottui useita vuosikymmeniä (50-luvun alusta noin 90-luvun puoliväliin), liittyi kireään yhteiskuntapoliittiseen tilanteeseen (Itävallan ja Preussin kilpailu Saksan maiden yhdistämisessä, yhdistyneen Saksan syntyminen militaristisen Preussin vallan alle ja Itävallan lopullinen poliittinen erottaminen). Tällä hetkellä yksittäisen, yleisen saksalaisen musiikkitaiteen ongelma on akuutti, eri luovien ryhmien ja yksittäisten säveltäjien väliset ristiriidat paljastuvat selvemmin, syntyy suuntataistelua, joka toisinaan heijastuu lehdistön sivuilla kiihkeänä polemiikkaana. . Saksaan muuttanut Liszt yrittää yhdistää maan edistyksellisiä musiikillisia voimia, mutta hänen luovia periaatteitaan, jotka liittyvät ohjelmallisuuteen perustuvan radikaalin innovaation ideoihin, eivät kaikki saksalaiset muusikot jaa. Erityinen asema on Wagnerilla, joka absolutisoi musiikkidraaman roolin "tulevaisuuden taiteeksi". Samaan aikaan Brahms, joka onnistui työssään osoittamaan monien klassisten musiikillisten perinteiden pysyvän merkityksen niiden yhdistelmänä uudella, romanttisella näkemyksellä, nousi Wienissä anti-listin ja anti-Wagner-suuntien johtajaksi. Vuosi 1876 on tässä suhteessa merkittävä: Wagnerin Nibelungin sormuksen ensi-ilta tapahtuu Bayreuthissa, ja Wien tutustuu Brahmsin ensimmäiseen sinfoniaan, joka avasi hänen teoksensa korkeimman kukoistuskauden.

Näiden vuosien musiikkihistoriallisen tilanteen monimutkaisuus ei rajoitu eri suuntien läsnäoloon motiiveineen; - Leipzig, Weimar, Bayreuth. Wien. Esimerkiksi Wienissä itsessään luovat teoksiaan sellaiset erilaiset taiteilijat kuin Bruckner ja Wolf, joita yhdistää yhteinen innostunut asenne Wagneria kohtaan, mutta jotka eivät samalla hyväksyneet hänen musiikkidraamaansa.
Wienissä luo vuosisadan musikaalisin päämies Johann Strauss the Son ”(Wagner). Hänen upeat valssinsa ja myöhemmät operettinsa tekevät Wienistä suurimman viihdemusiikin keskuksen.
Vallankumouksen jälkeisiä vuosikymmeniä leimaa edelleen eräitä merkittäviä musiikkiromantiikan ilmiöitä, merkit tämän suuntauksen sisäisestä kriisistä alkavat jo tuntua. Siten Brahmsin romantiikka syntetisoituu klassismin periaatteiden kanssa, ja Hugo Wolff oivaltaa vähitellen itsensä antiromanttisena säveltäjänä. Lyhyesti sanottuna romanttiset periaatteet menettävät yksinomaisen merkityksensä, joskus yhdistettynä joihinkin uusiin tai elvytettyihin klassisiin suuntauksiin.
Siitä huolimatta, jopa 1980-luvun puolivälin jälkeen, kun romanttisuus oli selvästi alkanut elää itsensä yli, Itävallassa ja Saksassa näkyy edelleen yksittäisiä kirkkaita romanttisen luovuuden välähdyksiä: Brahmsin viimeiset pianoteokset ja Brucknerin myöhemmät sinfoniat ovat romanttisia; 1800- ja 1900-luvun vaihteen suuret säveltäjät - itävaltalainen Mahler ja saksalainen Richard Strauss - esiintyvät 80- ja 90-luvun teoksissa toisinaan tyypillisinä romantikoina. Yleensä näistä säveltäjistä tulee eräänlainen linkki "romanttisen" 1800-luvun ja "antiromanttisen" 20-luvun välillä.)
"Itävallan ja Saksan musiikkikulttuurin läheisyys kulttuurisista ja historiallisista perinteistä ei tietenkään sulje pois tiettyjä kansallisia eroja. musiikillinen luovuus ja muusikoiden tehtävät olivat toisinaan erilaisia. Siten takapajuisessa Saksassa porvarillisen pysähtyneisyyden voittaminen, kapea maakuntaisuus oli erityisen kiireellinen tehtävä, joka puolestaan ​​vaati erimuotoista koulutustoimintaa edistyneiltä taiteen edustajilta. olosuhteet, erinomainen saksalainen säveltäjä ei voinut rajoittua vain musiikin säveltämiseen, vaan hän täytyi tulla musiikillinen ja julkisuuden henkilö. Ja todellakin saksalaiset romanttiset säveltäjät suorittivat tarmokkaasti kulttuuri- ja koulutustehtäviä, osallistuivat maa: Weber - oopperakapellimestari ja musiikkikriitikko, Mendelssohn - konserttikapellimestari ja merkittävä opettaja, Saksan ensimmäisen konservatorion perustaja; Schumann on innovatiivinen musiikkikriitikko ja uudenlaisen musiikkilehden luoja. Myöhemmin Wagnerin monipuolisuudessaan harvinainen musiikillinen ja sosiaalinen toiminta kehittyi teatteri- ja sinfonikapellimestarina, kriitikkona, estetiikkana, oopperauudistajana ja uuden teatterin luojana Bayreuthissa.
Itävallassa, jossa oli poliittinen ja kulttuurinen keskittyminen (Wienin hegemonian rykmentti poliittisena ja kulttuurisena keskuksena), patriarkaatin, kuvitteellisen vaurauden illuusioiden ja julmimman reaktion todellisen vallan vuoksi laaja sosiaalinen toiminta oli mahdotonta1. Tässä yhteydessä ristiriita Beethovenin teoksen kansalaispaatosin ja suuren säveltäjän pakotetun sosiaalisen passiivisuuden välillä ei voi muuta kuin kiinnittää huomiota itseensä. Mitä voimme sanoa Schubertista, joka nousi esiin taiteilijana Wienin kongressin jälkeisenä aikana 1814-1815! Kuuluisa Schubert-piiri oli ainoa mahdollinen tapa yhdistää taiteellisen älymystön edistyneet edustajat, mutta Metternichin Wienissä sellaisella piirillä ei voinut olla aitoa julkista resonanssia. Toisin sanoen Itävallassa suurimmat säveltäjät olivat lähes yksinomaan musiikkiteosten luojia: he eivät voineet todistaa itseään musiikillisen ja sosiaalisen toiminnan alalla. Tämä pätee Schubertiin ja Bruckneriin ja Johann Straussin poikaan ja joihinkin muihin.
Itävaltalaisessa kulttuurissa on kuitenkin huomioitava myös sellaisia ​​tunnusomaisia ​​tekijöitä, jotka vaikuttivat positiivisesti musiikin taiteeseen antaen sille samalla itävaltalaisen, "wieniläisen" maun. Wieniin keskittyneenä omituisessa kirjavassa yhdistelmässä saksalaisten, unkarilaisten, italialaisten ja slaavilaisten kulttuurien elementit loivat sen rikkaan musiikillisen pohjan, jolle Schubertin, Johann Straussin ja monien muiden säveltäjien demokraattinen luova työ kasvoi. Saksalaisten kansallisten piirteiden yhdistäminen unkarilaisten ja slaavilaisten piirteiden kanssa tuli myöhemmin ominaiseksi Wieniin muuttaneelle Brahmsille.

Itävallan musiikkikulttuurille ominaista oli viihdemusiikin – serenadien, kassaatioiden, divertismenttien – äärimmäisen laaja leviäminen, joka sijoittui näkyvästi wieniläisten klassikoiden Haydnin ja Mozartin teoksissa. Romantismin aikakaudella arjen, viihdyttävän musiikin merkitys ei vain säilynyt, vaan vahvistui entisestään. On vaikea kuvitella esimerkiksi Schubertin luovaa ulkonäköä ilman sitä folk-arjen virtaa, joka läpäisee hänen musiikkinsa ja joka ulottuu wieniläisiin juhliin, piknikeihin, puistolomiin, rentoon katumusiikkiin. Mutta jo Schubertin päivinä wieniläisessä ammattimusiikissa alettiin havaita kerrostumista. Ja jos Schubert itse vielä yhdisti työssään sinfoniaa ja sonaatteja valsseihin ja landlereihin, joita esiintyi kirjaimellisesti sadoissa1, samoin kuin marsseja, ekosisia, poloneeseja, niin hänen aikalaisensa Liner ja Strauss isä tekivät tanssimusiikista toimintansa perustan. Myöhemmin tämä "polarisaatio" saa ilmaisun kahden aikalaisen - tanssin ja operettimusiikin klassikon Johann Straussin pojan (1825-1899) ja sinfonisti Brucknerin (1824-1896) - luovuuden suhteen.
Kun verrataan varsinaista 1800-luvun itävaltalaista ja saksalaista musiikkia, herää väistämättä kysymys musiikkiteatterista. Saksassa romantiikan aikakaudella ooppera, Hoffmannista alkaen, oli ensiarvoisen tärkeä genre, joka kykeni ilmaisemaan täydellisesti kansallisen kulttuurin ajankohtaisia ​​ongelmia. Eikä ole sattumaa, että musiikkidraama Wagnerad oli suurenmoinen saksalaisen teatterin valloitus. Itävallassa Schubertin toistuvia pyrkimyksiä saavuttaa menestystä teatterialalla ei kruunannut menestys. vakavan oopperallisen luovuuden kannustimet eivät edistäneet luomista Mutta komediahahmoiset kansanesitykset kukoistivat - Ferdinand Raimundin laulut Wenzel Müllerin ja Joseph Drexlerin musiikilla ja myöhemmin - I. N. Nestroyn (1801-) kotimaiset laulajat. 1862) Tämän seurauksena ei musiikkidraama, vaan 70-luvulla syntynyt wieniläinen operetti, joka määritti itävaltalaisen musiikkiteatterin saavutukset Euroopan mittakaavassa.
Kaikista näistä ja muista itävaltalaisen ja saksalaisen musiikin kehityksen eroista huolimatta molempien maiden romanttisessa taiteessa yhteiset piirteet ovat paljon havaittavissa. Mitkä ovat ne erityispiirteet, jotka erottivat Schubertin, Weberin ja heidän lähimpien seuraajiensa - Mendelssohnin ja Schumannin - teoksen muiden Euroopan maiden romanttisesta musiikista?
Intiimi, sielukas, haaveilulla peitetty sanoitus on erityisen tyypillistä Schubertille, Weberille, Mendelssohnille, Schumannille. Heidän musiikkiaan hallitsee se melodinen, alkuperältään puhtaasti laulumelodia, joka yleensä liittyy saksalaisen "Lied"-konseptiin. Tämä tyyli on yhtä ominainen kappaleille ja monille Schubertin melodisille instrumentaaliteemoille, Weberin lyyrisille oopperaaarioille, Mendelssohnin lauluille ilman sanoja, Schumannin ”Ebzebievin” kuville. Tähän tyyliin kuuluva melodia eroaa kuitenkin Bellinin nimenomaan italialaisesta oopperakantilenasta sekä ranskalaisille romantiikoille ominaisista vaikutelma-deklamatorisista lauseista (Berlioz, Menerbeer).
Verrattuna edistykselliseen ranskalaiseen romantiikkaan, joka erottuu kohottavasta ja tehokkuudestaan, joka on täynnä kansalaisuutta, sankarillis-vallankumouksellista paatosta, itävaltalainen ja saksalainen romantismi näyttää kaiken kaikkiaan mietiskelevämmältä, itsekeskeisemmältä, subjektiivisesti lyyrisemmältä. Mutta sen tärkein vahvuus piilee ihmisen sisäisen maailman paljastamisessa, siinä syvässä psykologismissa, joka paljastui erityisesti itävaltalaisessa ja saksalaisessa musiikissa aiheuttaen monien musiikkiteosten vastustamattoman taiteellisen vaikutuksen. Tämä. Se ei kuitenkaan sulje pois joitain kirkkaita sankarillisuuden ja isänmaallisuuden ilmenemismuotoja Itävallan ja Saksan romantiikan teoksissa. Tällaisia ​​ovat Schubertin mahtava sankarieeppinen sinfonia C-duuri ja jotkin hänen lauluistaan ​​(Kuljettaja Kronokselle, Helvetin ryhmä ym.), Weberin kuorosykli Lyra ja miekka (isänmaallisen runoilijan T säkeisiin). . Kerner "Symphonic Etudes "Schumann, hänen laulunsa" Two Grenadiers ", lopuksi yksittäiset sankarisivut sellaisissa teoksissa kuin "Skotlannin sinfonia" Mendelssohnilta (finaalissa apoteoosi)," Carnival "Schumannilta (finaali, hänen kolmas sinfonia (ensimmäinen) Mutta Beethovenin sankarillinen suunnitelma, taistelun titaanisuus herää uudelleen henkiin myöhemmin - Wagnerin sankarieeppisissä musiikkidraamissa.Saksalais-itävaltalaisen romantiikan alkuvaiheessa aktiivinen, aktiivinen periaate on paljon useammin ilmaistaan ​​säälittävinä, kiihtyneinä, kapinallisina kuvina, mutta eivät heijasta, kuten Beethovenissa, määrätietoista, voittoisaa taisteluprosessia. ”Sellaisia ​​ovat Schubertin laulut Shelter ja Atlant, Florestani-kuvat Schumannista, hänen alkusoittonsa ”Manfred”, Alkusoitto" Rune Blaz", kirjoittanut Mendelssohn.

Luonnonkuvat ovat erittäin tärkeässä asemassa itävaltalaisten ja saksalaisten romanttisten säveltäjien työssä. Erityisen suuri on luontokuvien "empaattinen" rooli Schubertin laulusykleissä ja Schumannin syklissä "Runoilijan rakkaus". Musiikkimaisema on laajalti kehittynyt Mendelssohnin sinfonisissa teoksissa; se liittyy pääasiassa merielementteihin ("Skotlannin sinfonia", alkusoitot "Hebridit", "Meren rauhallinen ja onnellinen purjehdus"). Mutta tyypillinen saksalainen maisemakuvan piirre oli se "metsäromantiikka", joka on niin runollisesti ilmennyt Weberin Taikajousimiehen ja Oberonin alkusoittojen johdannossa Mendelssohnin musiikista Shakespearen komediaan Kesäyön uni. Sieltä säikeet ulottuvat Brucknerin neljänteen (romanttiseen) ja seitsemänteen sinfoniaan, Wagnerin tetralogian Metsän kahinan sinfoniseen maisemaan Mahlerin ensimmäisen sinfonian metsäkuvaan.
Romanttinen ihanteen kaipuu saksalais-itävaltalaisessa musiikissa saa oman ilmauksensa erityisesti vaellusteemassa, onnen etsimisessä toisessa, tuntemattomassa maassa. Tämä näkyi selkeimmin Schubertin teoksissa (Vaeltaja, Kaunis Miller-nainen, Talvipolku) ja myöhemmin Wagnerin kuvissa Lentävästä hollantilaisesta, Wotan matkustajasta, vaeltavasta Siegfriedistä. Tämä 80-luvun perinne johtaa Mahlerin sykliin "Vaeltavan oppipoika lauluja".
Fantastisten kuvien suuri painotus on myös tyypillisesti saksalais-itävaltalaisen romantiikan kansallinen piirre (sillä oli suora vaikutus ranskalaiseen romanttiseen Berlioziin). Tämä on ensinnäkin pahuuden fantasia, Demonismi, joka ilmeisimmin ilmeni Weberin Oopperan Taikajousimies Sienassa Susilaaksossa, Marschnerin Vampyyrissä, Mendelssohnin Walpurgis Night -kantaatissa ja useissa muissa teoksissa. Toiseksi fiktio on kevyttä, hienovaraisesti runollista ja sulautuu kauniisiin luontokuviin, jotka ovat täynnä innostusta: kohtauksia Weberin oopperassa Oberon, Mendelssohnin alkusoitto Kesäyön unelmaan ja sitten kuva Wagnerin Lohengrinistä, Graalin sanansaattajasta. Tässä välipaikka kuuluu monille Schumannin kuville, joissa fiktio ilmentää upeaa, outoa alkua, korostamatta paljoakaan pahan ja hyvän ongelmaa.
Musiikin kielen alalla itävaltalainen ja saksalainen romantismi muodostivat kokonaisen aikakauden, joka oli äärimmäisen tärkeä taiteen ilmaisuvälineiden yleisen kehityksen kannalta. Käsittelemättä jokaisen suuren säveltäjän tyylin omaperäisyyttä erikseen, huomioikaamme yleisimmät piirteet ja suuntaukset.

Laajasti toteutettu "laulun" periaate - tyypillinen yleinen suuntaus romanttisten säveltäjien työssä - ulottuu myös heidän instrumentaalimusiikkiinsa. Sillä saavutetaan melodian suuri yksilöllistyminen varsinaisen laulun ja deklamaatiokäänteiden tyypillisen yhdistelmän, perustusten huminan, kromatisoinnin jne. avulla. Harmoninen kieli rikastuu: klassikoille tyypilliset harmoniset kaavat korvataan joustavammalla ja monipuolisemmalla harmonialla , liitännäisyyden rooli, harmonian toissijaiset asteet lisääntyvät. Harmonian värikkäällä puolella on suuri merkitys. Tyypillistä on myös asteittain lisääntyvä duurin ja mollin vuorovaikutus. Siten Schubertilta pohjimmiltaan tulee samannimisen duuri-molli-vertailuperinne (useammin duuri molliin jälkeen), koska tästä on tullut suosikkitekniikka hänen työssään. Harmonisen duunin käyttöalue laajenee (erityisen ominaista ovat suuren teosten kadentsoissa pienet subdominantit). Yksilön painottamisen, kuvan löyhkeiden yksityiskohtien tunnistamisen yhteydessä saavutetaan myös orkestroinnin saralla (tietyn sointivärin merkitys, soolosoittimien roolin lisääntyminen, huomion kiinnittäminen uusiin esityksiin). jouset jne.). Mutta orkesteri itse ei periaatteessa muuta klassista kokoonpanoaan vielä.
Saksalaiset ja itävaltalaiset romantikot olivat suuressa määrin romanttisen ohjelman perustajia (Berlioz saattoi luottaa heidän saavutuksiinsa Fantastisessa sinfoniassaan). Ja vaikka ohjelmallisuus sinänsä ei näytä olevan ominaista itävaltalaiselle romantikolle Schubertille, hänen laulujensa pianoosuuden kylläisyys kuvallisilla hetkillä, hänen suurten instrumentaaliteosten dramaturgiassa läsnä olevien piilotettujen ohjelmallisten elementtien läsnäolo määräytyi. säveltäjän merkittävä panos musiikin ohjelmallisten periaatteiden kehittämiseen. Saksalaisromantiikoilla on jo selvä ohjelmallisuushalu sekä pianomusiikissa (Weberin kutsu tanssille, Concertstuck, Schumannin sarjasarjat, Mendelssohnin lauluja ilman sanoja) että sinfonisessa musiikissa (Weberin ooppera-alkusoitto, konserttialkusoitto, Mendelssohnin alkusoitto "Manedfr. " kirjoittanut Schumann).
Itävallan ja saksalaisen romantiikan rooli uusien sävellysperiaatteiden luomisessa on suuri. Klassikoiden sonaatti-sinfoniajaksot korvataan instrumentaalisilla miniatyyreillä; Schubertin laulusanojen alalla elävästi kehittämä miniatyyrien syklisointi siirtyy instrumentaalimusiikkiin (Schumann). Ilmestyi myös suuria yksiosaisia ​​sävellyksiä, joissa sonaatin ja syklisyyden periaatteet yhdistettiin (Schubertin pianofantasia C-duuri, Weberin "Concertstuck", Schumannin ensimmäinen C-duuri fantasiaosa). Sonaatti-sinfoniset syklit puolestaan ​​käyvät läpi merkittäviä muutoksia romantiikan keskuudessa, ilmestyy erilaisia ​​"romanttisia sonaatteja" ja "romanttisia sinfoniaa". Mutta kuitenkin päävalloitus oli musiikillisen ajattelun uusi laatu, joka johti täyden sisällön ja ilmaisuvoiman omaavien pienoismallien luomiseen - siihen erityiseen musiikillisen ilmaisun keskittymään, joka teki yksittäisestä kappaleesta tai yksiosaisesta pianokappaleesta syvän musiikin keskipisteen. ideoita ja kokemuksia.

Nopeasti kehittyvän itävaltalaisen ja saksalaisen romantiikan kärjessä 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla olivat yksilöt, jotka olivat paitsi nerokkaita, myös edistyneitä näkemyksissään ja pyrkimyksissään. Tämä määritti heidän musiikillisen luovuutensa pysyvän merkityksen, sen merkityksen "uusia klassikoita", mikä tuli selväksi jo vuosisadan lopulla, jolloin saksan kielen maiden musiikin klassikot olivat edustettuina pääosin ei vain 1700-luvun suuret säveltäjät ja Beethoven, mutta myös suuret romantikot - Schubert , Schumann, Weber, Mendelssohn. Nämä musiikillisen romantiikan merkittävät edustajat, jotka kunnioittivat syvästi edeltäjiään ja kehittävät monia heidän saavutuksiaan, onnistuivat samalla avaamaan täysin uuden musiikillisen kuvan ja niitä vastaavien sävellysmuotojen maailman. Heidän työssään vallitseva henkilökohtainen sävy oli sopusoinnussa demokraattisten joukkojen tunnelman ja ajatusten kanssa. He vahvistivat musiikissa sitä ilmeisyyden luonnetta, jota BV Asafjev kuvasi osuvasti "eläväksi kommunikatiiviseksi puheeksi, sydämestä sydämeen" ja joka tekee Schubertista ja Schumannista sukua Chopinille, Griegille, Tšaikovskille ja Verdille. Romanttisen musiikillisen suunnan humanistisesta arvosta Asafjev kirjoitti: "Henkilökohtainen tietoisuus ei ilmene eristyksissään, ylpeänä eristyneisyytensä, vaan eräänlaisena taiteellisena heijastuksena kaikesta, minkä kanssa ihmiset elävät ja mikä heitä huolestuttaa aina ja väistämättä. Tällaisessa yksinkertaisuudessa kuulostavat aina kauniit ajatukset ja ajatukset elämästä - ihmisessä olevan parhaan keskittyminen."

Skryabina Svetlana Anatoljevna

MBOU DOD DSHI Uvarovo, Tambovin alue

Opettaja

abstrakti

"Romanttisten säveltäjien pianoteoksia"

Johdanto.

2. Romantiikka musiikissa.

4. Romanttisen tyylin vaikutus F. Lisztin pianotyöhön.

5. Päätelmät.

6. Viitteet.

Johdanto.

Romantismi taiteellisena liikkeenä muotoutui 1700-luvun lopulla ja 1800-luvun alussa ensin kirjallisuudessa (Saksassa, Isossa-Britanniassa ja muissa Euroopan ja Amerikan maissa), sitten musiikissa ja muissa taiteen muodoissa. Romanttinen tyyli on erottuva, fantastinen ja ylevä.

Romantismin aikakaudella oli valtava rooli musiikillisen kulttuurin kehityksessä. Romantiikka käsitti kaikki kulttuurin osa-alueet: filosofian, estetiikan, teatterin, kirjallisuuden, musiikin ja muut humanistiset tieteet. Erilaisten kansallisten perinteiden ja historiallisten näkökohtien yhteydessä eri maissa kehittyvä romantiikka sai omalaatuisia kansallisia piirteitä: saksalaisten keskuudessa - mystiikassa, brittien keskuudessa - henkilössä, joka vastustaisi järkevää käyttäytymistä, ranskalaisten keskuudessa - epätavallisena. tarinoita. Romanttiselle tyylille on ominaista vetovoima ihmisen sisäiseen maailmaan, emotionaalisuuden halu, mikä määritti kirjallisuuden ja musiikin ensisijaisuuden romantismissa.

Merkityksellisyys Tämä teema piilee siinä, että romanttisuus oli monien säveltäjien tuki, ja sillä oli valtava rooli musiikkikulttuurin kehityksessä, ja se edisti myös romanttisten säveltäjien pianotosten kehitystä.

Tämän työn tarkoitus- määrittää romantiikan pääpiirteet ja tutkia niiden heijastusta romanttisten säveltäjien pianoteoksessa ratkaisemalla seuraavat ongelmat:

1. Harkitse romantiikan pääpiirteitä;
2. Paljasta romantiikan ilmenemismuotoja musiikissa;
3. Tutkia pianotaiteen romantiikan tyylipiirteitä;
4. Kuvaile F. Lisztin pianotyötä.

Ideoidensa toteuttamiseksi säveltäjät - romantikot kääntyivät uusiin muotoihin: pianominiatyyrit, balladit, nokturnit, poloneesit, improvisoidut kappaleet, lyyriset laulut, ohjelmateokset saivat suuren roolin. Sonaatti-sinfonia ja variaatiomuotoja käytettiin vapaammin, luotiin uusia yksiosaisia ​​suuria muotoja - sonaatti, konsertti, sinfoninen runo, käytettiin erityisiä kehitysmenetelmiä - leitmotiiveja, monotematiikkaa, lauluresitaatiota, kolorismia.

1. Romantismin alkuperä ja sen piirteet.

Ranskan porvarillisen vallankumouksen yhteydessä ihmisten näkemykset ja ajatukset muuttuivat. Historialliset tapahtumat ovat jättäneet jälkensä jokaisen vallankumouksellisia mullistuksia todistaneiden sieluihin. Taiteilijoille, kirjailijoille ja muusikoille ajatukset tasa-arvosta, veljeydestä ja vapaudesta ovat tulleet läheisiksi. Siten valistuksen aikakausi päättyi. Mutta uusi yhteiskuntajärjestys ei vastannut tuon yhteiskunnan odotuksia ja tuli pettymys ja uuden maailmankatsomusjärjestelmän - romantiikan - syntyminen muuttui peruuttamattomaksi.

Romantismi on ideologinen ja taiteellinen suuntaus eurooppalaisessa ja amerikkalaisessa henkisessä kulttuurissa 1700-luvun lopulla - 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla, joka korvasi klassismin. Taiteen sisällössä, esteettisen ajattelun liikkeessä, taiteellisten kuvien luonteessa tapahtuu syviä muutoksia.

Romantiikan maailman keskiössä on ihmispersoonallisuus, joka pyrkii täydelliseen sisäiseen vapauteen, täydellisyyteen ja uudistumiseen. Hän ilmaisee asenteensa elämään, ympäröivään maailmaan tunnekokemusten ja tunteiden sanoin. Taiteellisten kuvien lyyrisyys heijasteli taiteen käännettä, joka ohjasi sen kehitystä, yhteyksiä menneisyyteen, siirtymistä tulevaisuuteen.

Romantismin perustana oli käsitys kaksoismaailmasta (unelmien maailma ja todellisuuden maailma). Edellisille suuntauksille ominaista ihanteen ja todellisuuden välinen ristiriita saa romantismissa poikkeuksellisen terävyyden ja jännityksen.

Romantismin päätehtävänä oli kuvata sisäinen maailma, henkinen elämä. Juuri romantiikan myötä todellinen psykologismi alkaa ilmaantua. Pidättyvyys ja nöyryys hylättiin, ja ne korvattiin vahvoilla tunteilla, jotka usein ulottuivat äärimmäisyyksiin. Romantikkojen keskuudessa ihmispsykologia oli pukeutunut mystiikkaan, siinä vallitsi järjettömän, hämärän ja salaperäisen hetket.

Romantikot kääntyivät salaperäisten, arvoituksellisten, jopa kauhistuttavien kansanuskon, sadun puoleen. Hylkääessään modernin sivistyneen yhteiskunnan arjen värittömänä ja proosallisena romantikko pyrki kaikkeen epätavalliseen. Heitä houkuttelivat tieteiskirjallisuus, kansanlegendat ja kansantaide yleensä.

Romantismin sankari on ennen kaikkea individualistinen supermies. Romantikoille ihminen on pieni universumi, mikrokosmos. Voimakas kiinnostus vahvoja ja eläviä tunteita kohtaan, kaiken kuluttavat intohimot, sielun salaisuudet, sen "yö" puoli, intuitiivisen ja tiedostamattoman himo ovat romanttisen taiteen olennaisia ​​piirteitä.

2. Romantiikka musiikissa.

1800-luvun toisella vuosikymmenellä ilmestyi musiikillinen romantismi, joka syntyi kirjallisen taiteen vaikutuksesta. Tämä oli historiallisesti uusi ilmiö, vaikka syvät yhteydet musiikillisiin "klassikoihin" paljastuivat. Romanttisten säveltäjien teoksia tutkiessa ja esittäessä voi aistia henkisen rakenteen kohoamisen ja tunteiden ylevyyden, dramaattisen kontrastin, syvällisen paatosuuden, vilpittömän lyyryyden.

Romantismin aikakauden perustajia ovat sellaiset säveltäjät kuin Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. Myöhemmin syntyi Debussyn, Ravelin ja Skrjabinin musiikillinen "impressionismi".

Schubertin pianominiatyyrit, Mendelssohnin Laulut ilman sanoja, pianosyklit, nokturnit, Schumannin preludit, Chopinin balladit - kaikki tämä rikkaus on muuttanut vanhoja genrejä ja muotoja, se on päässyt maailman musiikilliseen aarreeseen ja noussut arvostukseen klassisessa musiikissa.

Hallitseva paikka on rakkauden teema, tämä mielentila heijastaa kattavimmin ja täydellisemmin kaikkia ihmisen psyyken syvyyksiä ja vivahteita. Ihmisen rakkaus kotiaan, isänmaataan, kansaansa kohtaan - jatkuva lanka kulkee kaikkien säveltäjien - romantiikan - teosten läpi.

Romantikoilla on luontokuva, joka on tiiviisti ja erottamattomasti kietoutunut lyyrisen tunnustuksen teemaan. Kuten rakkauden kuvat, luontokuva personoi sankarin mielentilan, jota niin usein värittää epäharmonian tunne todellisuuden kanssa.

Tieteiskirjallisuuden teema kilpailee usein luontokuvien kanssa ja tämä syntyy halusta paeta tosielämän vankeudesta. Romanttisen koulukunnan säveltäjille upeat, upeat kuvat saavat ainutlaatuisen kansallisen värin. Chopinin balladit ovat saaneet inspiraationsa Mickiewiczin, Schumannin, Mendelssohnin balladeista, ne luovat fantastisen groteskin suunnitelman teoksia, jotka symboloivat ikään kuin uskon saumatonta puolta, pyrkien kääntämään ajatukset pahan voimien pelosta.

Viimeisen suuren klassisen säveltäjän Ludwig van Beethovenin elämän ja työn myöhäinen ajanjakso osui ensimmäisen suuren romanttisen säveltäjän Franz Schubertin teoksen kukoistusaikaan. Tämä merkittävä yhteensattuma osoittaa klassisen ja romanttisen musiikkitaiteen läheisen yhteyden. Huolimatta jatkuvuudesta näiden kahden perinnön välillä, klassisten säveltäjien ja romanttisten säveltäjien välisissä suhteissa on merkittäviä eroja. Suurin ero on romanttisen musiikin erityinen painotus unenomaisen lyriikan ja kiihtyneen lyyris-pateettisten kuvien ja tunnelmien ruumiillistumiseen.

Romanttiset säveltäjät alkoivat osoittaa suurta kiinnostusta venäläisen musiikin kansalliseen omaperäisyyteen sekä muiden kansojen musiikkiin. Tältä osin aloitettiin kansanmusiikin - musiikillisen kansanperinteen - huolellinen tutkimus. Samaan aikaan kiinnostus kansallista historiallista menneisyyttä, muinaisia ​​legendoja, tarinoita ja perinteitä kohtaan kasvoi, mikä oli perusta kiehtovien fantastisten kuvien syntymiselle. Uusia teemoja ja kuvia hallitsemalla romanttinen musiikki tiivisti vuorovaikutustaan ​​romanttisen runouden ja romanttisen teatterin kanssa. Tämä määritti romanttisen oopperan korkean kukinnan 1800-luvulla - genressä, jossa synteesi tapahtuu kaikentyyppisistä taiteista. Yksi kirkkaimmista romanttisista oopperoista on saksalaisen säveltäjän Karl Maria von Weberin The Magic Shooter.

Romanttinen musiikin taide on synnyttänyt monia merkittäviä säveltäjiä, jotka ovat usein olleet myös merkittäviä konserttiesiintyjiä.

3. Romantismin aikakauden tyylipiirteitä pianoteoksessa.

Romantiikan aikakauden musiikin tyylissä modaaliset ja harmoniset keinot saavat erittäin tärkeän roolin. Ensimmäinen näistä prosesseista - dynamiikka - on kappaleiden sointujen kyllästyminen muunnelmilla ja dissonansseilla, mikä pahensi niiden epävakautta, lisäsi jännitystä, joka vaati ratkaisua jatkosoitossa. Tällaiset romanttisten säveltäjien teosten esityksen ominaisuudet ilmaisivat tyypillisen "kaivun" tälle tyylille, "loputtomasti" kehittyvän tunteen virran, joka ilmeni erityisen täydellisesti Chopinin, Schumannin, Griegin teoksissa. Luonnollisista tiloista poimittiin erilaisia ​​värejä, äänen loistoa, joiden avulla musiikin kansanmusiikki tai arkaainen luonne korostui. Fantastisia, upeita tai outoja kuvia kuvattaessa kokosävy- ja kromaattisilla asteikoilla oli valtava rooli.

Romanttisessa melodiassa vaikuttivat seuraavat suuntaukset: pyrkimys leveyteen ja fraseoinnin kehityksen jatkuvuus. Monille romanttisen aikakauden säveltäjille heidän teoksensa sisältää "loputtoman melodian" valtavilla monitahtisilla liigoilla. Tämä on erityisen havaittavissa Chopinin, Tšaikovskin, 80-90-luvun alkuajan Rahmaninovin teoksissa ("Elegia", "Melodia", "Romanssi", "Serenade" ja hänen muut teoksensa).

Äänitys ja "tyylitaju" ovat erittäin tärkeitä romanttisten säveltäjien musiikin tuntemisessa, joten ne eivät menneet päällekkäin.

Puhuessaan romanttisten säveltäjien musiikkiteosten pianon esityksen tyylillisistä piirteistä Leningradin konservatorion professori V.Kh. Razumovskaya kirjoitti: "Taistelen symmetrian kanssa, yritän voittaa mittarin ja piilottaa" syntaktiset saumat ", tällaisten lauseiden ja vivahteiden ansiosta saamme äänen sujuvuutta ja melodisuutta ja legato-tunteita."

Lyyristen teosten esittämisessä on välttämätöntä tuntea hengitys, sen voi tuntea kosketuksen kautta: tausta täynnä ilmaa, hengittävä basso, siisti pedaali.

Liszt kertoi F. Chopinin musiikin tyylillisistä piirteistä seuraavasti: "Hänen musiikkinsa muistuttaa ruohokukkaa, joka heiluu teriänsä epätavallisen ohuella varrella. Nämä poikkeuksellisen kauniit terimät on tehty niin tuoksuvasta ja herkästä kankaasta, että se katkeaa pienintäkään kosketusta."Chopin on romantiikan aikakauden esittävän taiteen "huippu".

Esitettäessä romantiikan aikakauden musiikkiteoksia on muistettava, että halutun "äänen" - samettisen ja epämaisen - saavuttamiseksi tarvitaan erityinen lahja ja kova työ sekä tyylitaju. Kuten Neuhaus sanoi: "Ääni on pyhä asia, pidä huolta äänestä kuin kulta, kuin jalokivi, se saa alkunsa ääniä edeltävästä ilmapiiristä, sen syntymä on sakramentti, on erittäin tärkeää löytää tarvittava" äänen mitta. "

Kohokohdat melot. Melodiassa on päivitetty intonaatio ja sävellys. Kaksi erilaista intonaatiouudistuksen lähdettä ilmestyy: kansanperinne ja puheintonaatio. Se, mikä poikkeaa klassisesta normista, herättää ennen kaikkea huomiota. Klassisteilla oli lausunta (oratoriota), mutta romantikoilla intiimimpi, lyyrisempi, avoimempi, tunnepitoisempi.

5. Romanttisen tyylin vaikutus F. Lisztin pianotyöhön.

”Liszt, kuin virtuoosi, ilmiö näiden joukosta

jotka ilmestyvät kerran useissa vuosisatoissa",

Serov kirjoitti

F. Lisztin teoksissa pianoteokset muodostavat parhaan osan hänen luovasta perinnöstään.

Lisztin taiteellinen persoonallisuus pianistina ja säveltäjänä yhdessä auttoi avaamaan uusia polkuja musiikin taiteeseen.

Hän luotti pianoon kaikki ajatuksensa, unelmansa, kärsimyksensä ja ilonsa. Ja siksi Liszt löysi ensimmäisenä uusia sävellystapoja ja ilmaisukeinoja pianomusiikin alalla.

F. Liszt oli nero pianisti ja hänen esityksensä saattoi vakuuttaa ja vangita tuhansia kuulijoita. Samoin sävellyskäytännössä hän saavutti musiikillisten ajatusten helpotuksen ja ymmärrettävän esityksen. Toisaalta hän lakkaamatta etsivänä taiteilijana, jolla oli nerokas luova vaisto, uudisti pianon soundin koko rakenteen ja luonteen tehden siitä, kuten Stasov osuvasti ilmaisi, "tuntemattoman ja ennenkuulumattoman asian - kokonaisen orkesterin. ."

Säveltäjä esitteli pianon sinfonisen tulkinnan nykyaikaiseen esitykseen ja luovuuteen. Kehitystyössään hän saavutti soittimen voimakkaan orkesterisoundin ja rikasti sitä koloristisilla mahdollisuuksilla. Yhdessä kirjeessään Liszt ilmoitti, että hänen tavoitteensa oli "... perehdyttää pianisti-esittäjän henki orkesteriefekteihin ja tehdä pianon rajoitetuissa rajoissa herkkiä erilaisia ​​instrumentaalisia ääniefektejä ja sävyjä." Liszt saavutti tämän kyllästämällä pianokappaleet sointiin ja melodiseen rakenteeseen. Lisztin pianokappaleet sisältävät usein tekijän ohjeita - quasi tromba (kuten trumpetti), quasi flauto (kuten huilu) jne., sellon jäljitelmä (esim. Obermanin laaksossa), käyrätorvi (etydi Metsästys), kelloja ("Geneven kellot"), urut jne. Liszt laajensi pianismin ilmaisuvoimavaroja etualalle nostaen voiman, loiston ja loiston esiin.

F. Liszt löysi uusia pianotekniikan menetelmiä. Hän yritti käyttää kaikkia pianon rekistereitä: hän käytti rikkaasti ja syvältä kuultavia bassoja, hän siirsi melodian keskimmäiseen "sello" -rekisteriin ja ylemmässä rekisterissä paljasti läpinäkyvän, kristallinkirkkaan äänen. Rekisterejä vertaillessaan säveltäjä käytti kohtia, hän kyllästyi ne sointukomplekseilla laajassa sovituksessa. Liszt käytti laajasti tremolo-orkesteriefektejä, sointutrillejä tai martellato-oktaavia välittääkseen dramaattisia tai dynaamisia hetkiä näkyvämmin ja tarttuvammin. Hän kiinnitti erityistä huomiota äänimateriaalin jakautumiseen kahden käden välillä, niiden siirtämiseen ja siirtämiseen pianon eri rekistereihin. Lisztin muita suosikkitekniikoita ovat oktaavit, kaksoisnuotit ja mestarillinen harjoitustekniikka. Nämä tekniikat vaikuttivat "Lisztin" teosten monikerroksisen tekstuurin kehittymiseen. Niiden kehitys esitetään useilla dynaamisilla ja koloristisilla termeillä, kuten orkesterisävellyksissä.

Liszt, suurena pianonsoiton uudistajana, opetti pianisteja "tottumaan aksenttien ja motiivien ryhmittelyyn, tuomaan esiin tärkeämpää ja alistamaan vähemmän tärkeää, sanalla sanoen asettamaan orkesterin normiksi".

Lisztin pianotyylin piirteet eivät heti muodostuneet, vaan ne voidaan jakaa neljään vaiheeseen. Ensimmäinen vaihe (20-luku - 30-luvun puoliväli) liittyy pianon kykyjen tutkimiseen, nykyaikaisten virtuoosien bravuurityylien jäljittelyyn, toisessa (30-luvun lopulla - 40-luvulla) Liszt kehittää yksilöllistä tyyliä, joka rikastuttaa tekniikkaansa ja musiikillinen kieli romanttisten säveltäjien (Paganini, Berlioz, Chopin) uusimpien saavutusten kautta. Kolmannelle vaiheelle (40-luvun loppu - 60-luku) - Lisztin mestaruuden huippu - on ominaista kaikkien tekniikoiden perustelu ilmaisukyvyn ja sisällön vaatimuksilla, virtuoosillisten "ylimääräisten" puuttuminen, neljäs vaihe (70-80-luku) oli merkitty. uusilla hauilla: monumentaalisten mallien kieltäminen, kamarisoundin etsiminen, hienovarainen väri.

"Lisztin" konserttipianismin perinne kehittyi A.G.:n taiteessa. Rubinstein, A. Ziloti ja erityisesti S. Rahmaninov.

Johtopäätös.

Romantiikka taiteen menetelmänä ja suunnana oli monimutkainen ja ristiriitainen ilmiö. Jokaisessa maassa hänellä oli elävä kansallinen ilmaisu. Kirjallisuudesta, musiikista, maalauksesta ja teatterista ei ole helppoa löytää piirteitä, jotka yhdistävät Chateaubriandin ja Delacroixin, Mickiewiczin ja Chopinin, Lermontovin ja Kiprenskyn.

Tärkeimpiä romanttisten säveltäjien luovuuden alueita ovat: sanoitukset, tieteiskirjallisuus, omaperäisyys tunnusomaisten kansallisten motiivien esittämisessä (esim. E. Grieg). Schubertista ja Weberistä lähtien säveltäjät yhdistävät maidensa vanhan, pääasiassa talonpoikaisen kansanperinteen intonaatiokäännökset yhteiseksi eurooppalaiseksi musiikin kieleksi.

Musiikin uusi sisältö vaati myös uusia ilmaisukeinoja. Tämä on ennen kaikkea valtava melodinen rikkaus, samoin kuin kehittyneen teksturoidun esityksen melodinen rikkaus, harmonisen kielen lisääntynyt monimutkaisuus ja loisto.

Bibliografia.

1. Abdullin, E.B., Nikolaeva, E.V. Musiikkikasvatuksen teoria: Oppikirja korkea-asteen pedagogisten oppilaitosten opiskelijoille / E.B. Abdullin, E.V. Nikolaev. - M .: Akatemia, 2004 .-- 336 s.
2. Aliev, Yu.B. Koulun muusikkoopettajan käsikirja / Yu.B. Aliev. - M .: VLADOS, 2000 .-- 336 s.
3. Bryantseva, V.N. Ulkomaista musiikkikirjallisuutta. Toinen opiskeluvuosi. - M .: Musiikki, 2004.
4. Druskin, M.S. Ulkomaisen musiikin historia. Numero 4: 1800-luvun toinen puolisko / M.S. Druskin. - SPb .: KOMPOSITOR-SANKTI-PETERSBURG, 2007 .-- 632 s.
5. Zhabinsky, K.A. Ensyklopedinen musiikkisanakirja / K.A. Zhabinsky. - M .: Phoenix, 2009 .-- 474 s.
6. Lebedeva, O.V. Musiikillisen koulutuksen kehittäminen / O.V. Lebedev. - Kostroma: KSU, 2001 .-- 69 s.
7. Minakova, A.S. Minakov, S.A. Maailmanmusiikin historia: Genret. Tyylit. Reittiohjeet / A.S. Minakova, S.A. Minakov. - M .: Eksmo, 2010 .-- 544 s.

Kholopova, V.N. Musiikin teoria: Melodia, rytmi, tekstuuri, temaattisuus / V.N. Kholopova. - M .: Lan

1700-luvun lopulla - 1800-luvun alussa ilmestyi sellainen taiteellinen suunta kuin romanttisuus. Tänä aikana ihmiset unelmoivat ihanteellisesta maailmasta ja "paenivat" fantasiassa. Tämän musiikin tyylin eloisin ja mielikuvituksellisin ruumiillistuma. Romantismin edustajia ovat 1800-luvun säveltäjät, kuten Karl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt ja Richard Wagner.

Franz Liszt

Sellistin perheeseen syntyi tulevaisuus. Hänen isänsä opetti hänelle musiikkia pienestä pitäen. Lapsena hän lauloi kuorossa ja oppi soittamaan urkuja. Kun Franz oli 12-vuotias, hänen perheensä muutti Pariisiin, jotta poika voisi opiskella musiikkia. Häntä ei kuitenkaan hyväksytty konservatorioon, sillä hän on säveltänyt luonnoksia 14-vuotiaasta lähtien. Sellaiset 1800-luvut kuin Berlioz, Paganini vaikuttivat häneen suuresti.

Paganinista tuli Lisztin todellinen idoli, ja hän päätti hioa omaa pianonsoittotaitoaan. Vuosina 1839-1847 konserttitoimintaa seurasi loistava voitto. Näiden vuosien aikana Ferenc loi kuuluisan näytelmäkokoelman "Years of Wanderings". Pianonsoittovirtuoosi ja yleisön suosikki hänestä tuli aikakauden todellinen ruumiillistuma.

Franz Liszt sävelsi musiikkia, kirjoitti useita kirjoja, opetti, johti avoimia tunteja. Hänen luokseen tuli 1800-luvun säveltäjiä kaikkialta Euroopasta. Voimme sanoa, että melkein koko elämänsä hän harjoitti musiikkia, koska hän työskenteli 60 vuotta. Tähän päivään asti hänen musiikillinen lahjakkuutensa ja taitonsa ovat roolimalli nykypianisteille.

Richard Wagner

Nero loi musiikkia, joka ei voinut jättää ketään välinpitämättömäksi. Hänellä oli sekä faneja että kovia vastustajia. Lapsuudesta lähtien Wagner oli kiehtonut teatteria, ja 15-vuotiaana hän aikoi luoda tragedian musiikilla. 16-vuotiaana hän toi sävellyksensä Pariisiin.

Kolmen vuoden ajan hän yritti turhaan lavastaa oopperaa, mutta kukaan ei halunnut olla tekemisissä tuntemattoman muusikon kanssa. 1800-luvun suositut säveltäjät, kuten Franz Liszt ja Berlioz, jotka hän tapasi Pariisissa, eivät tuo hänelle onnea. Hän on köyhyydessä, eikä kukaan halua tukea hänen musiikillisia ideoitaan.

Epäonnistuttuaan Ranskassa säveltäjä palasi Dresdeniin, missä hän aloitti työskentelyn kapellimestarina hoviteatterissa. Vuonna 1848 hän muutti Sveitsiin, koska kansannousuun osallistumisen jälkeen hänet julistettiin rikolliseksi. Wagner oli tietoinen porvarillisen yhteiskunnan epätäydellisyydestä ja taiteilijan riippuvaisuudesta.

Vuonna 1859 hän laulaa rakkautta oopperassa Tristan ja Isolde. Teoksessa "Parsifal" universaali veljeys esitetään utopistisesti. Pahuus on voitettu, ja oikeudenmukaisuus ja viisaus voittaa. Kaikki 1800-luvun suuret säveltäjät saivat vaikutteita Wagnerin musiikista ja oppivat hänen työstään.

1800-luvulla Venäjälle perustettiin kansallinen säveltämis- ja esiintymiskoulu. Venäläisessä musiikissa on kaksi ajanjaksoa: varhainen romantiikka ja klassinen. Ensimmäinen sisältää sellaiset 1800-luvun venäläiset säveltäjät kuin A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Mihail Glinka

Mikhail Glinka perusti maahamme sävellyskoulun. Venäläinen henki on läsnä kaikissa hänen teoksissaan, kuten Ruslan ja Ljudmila ja Elämä tsaarille ovat isänmaallisuuden läpäiseviä. Glinka tiivisti kansanmusiikin ominaispiirteet, käytti kansanmusiikin vanhoja sävelmiä ja rytmejä. Säveltäjä oli myös musiikkidraaman uudistaja. Hänen työnsä on kansallisen kulttuurin nousu.

Venäläiset säveltäjät ovat esittäneet maailmalle monia loistavia teoksia, jotka valloittavat edelleen ihmisten sydämet. 1800-luvun neroisista venäläisistä säveltäjistä on ikuistettu mm. M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgski, N. Rimski-Korsakov, P. Tšaikovski.

Klassinen musiikki heijastaa kirkkaasti ja aistillisesti ihmisen sisäistä maailmaa. Tiukka rationalismi korvattiin 1800-luvun romanssilla.