Pianistit ovat virtuooseja. Kaikkien aikojen parhaat jazzpianistit

MSOPE "Shemonaikhan alueen Akimatin taidekoulu"

Tutkimusprojekti

Upeat pianistit - esiintyjät

19., 20., 21. vuosisata

Valmistaja: Daria Tayurskikh, luokka 5

Podfatilov Denis Luokka 3

Tiimin johtaja:

taidekoulun opettaja

Dobzhanskaya Y.B.

Shemonaikha, 2016.

Johdanto …………………………………………………………… ... 2

XIX vuosisata …………………………………………………………… ..

XX vuosisata ……………………………………………………………

XXI vuosisata …………………………………………………………… .24

Johtopäätös …………………………………………………………………………

... "piano - se on kaiken alku ja loppu, ei niinkään soitin vaan elämäntapa, eikä merkitys ole musiikissa musiikin vuoksi, vaan musiikissa pianon vuoksi. "

Herold Schonberg

Pianistit– Tämä on muusikot, erikoistunut musiikkiteosten pianoesitykseen.

Hienoja pianisteja. Miten sinusta tulee mahtavia pianisteja? Se on aina valtava työ. Ja kaikki alkaa lapsuudesta. Monet pianistit ja säveltäjät alkoivat opiskella musiikkia 4 tai jopa 3 -vuotiaana.Sitten, kun muodostuu kämmenen "leveä" muoto, joka auttaa tulevaisuudessa pelaamaan mestarillisesti.

Pianomusiikin kehityskaudesta riippuen pianisteille asetettiin toisinaan täysin päinvastaisia ​​vaatimuksia. Lisäksi muusikon ammatti leikkaa väistämättä säveltäjän ammatin. Useimmat pianistit säveltävät omia musiikkikappaleitaan pianolle. Ja vain harvinaiset virtuoot onnistuivat tulemaan kuuluisiksi esittämällä yksinomaan muiden ihmisten melodioita.
Joka tapauksessa, kuten kuka tahansa muusikko, on tärkeää, että pianisti on vilpitön ja tunteellinen, pystyy sulautumaan esittämäänsä musiikkiin.

Pianomusiikin historia on varsin mielenkiintoinen. Siinä on useita vaiheita, joista jokaisella on omat perinteensä. Usein aikakauden kaanonit asetti yksi (harvemmin useita) säveltäjiä, jotka hallitsivat mestarillisesti soittimen (aluksi se oli cembalo ja vasta piano).

Siksi, erottaen kolme aikakautta pianismin historiassa, ne on nimetty kuuluisimpien säveltäjien - Mozartin, Lisztin ja Rahmaninovin - mukaan. Jos käytämme historioitsijoiden perinteistä terminologiaa, nämä olivat klassismin, sitten romantiikan ja varhaisen modernismin aikakausia.

Jokainen heistä on pysynyt vuosisatojen ajan suurena säveltäjänä, mutta kussakin vaiheessa määritti jokainen pianismin keskeiset suuntaukset: klassismi, romantiikka ja varhainen modernismi. Samaan aikaan muut suuret pianistit toimivat samanaikaisesti heidän kanssaan. Jotkut heistä olivat myös suuria säveltäjiä. He olivat: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alcan, Robert Schumann ja muut.

Jos teet matkan pianotieteen historiaan, voit oppia paljon mielenkiintoisia asioita. Esimerkiksi se, että eri aikoina, eri aikakausilla, pianonsoiton keskeiset perinteet määräsi yksi tai useampi suuri säveltäjä, jotka hallitsivat täydellisesti cembalon soiton ja olivat myöhemmin pianon tullessa erinomaisia ​​pianisteja.

Monet kuuluisat pianistit ovat viihdyttäneet ja ilahduttaneet kuuntelijoita ja musiikin ystäviä kautta historian. Pianosta on tullut yksi sen suosituimmista soittimista sen keksimisen jälkeen sen monipuolisuuden ja miellyttävän äänen ansiosta. Vaikka historia on säilyttänyt useita suurten pianistien nimiä, kaikki tunnetuimpia pianisteja koskevat arvostelut ovat erittäin subjektiivisia, ja tällaisten esiintyjien nimet on vaikea sovittaa yhteen luetteloon.

On kuitenkin edelleen pianisteja, jotka pystyivät nousemaan maailmanlaajuisen maineen ja tunnustuksen huipulle.

XIXvuosisadalla

1800 -luvun jälkipuoliskolla uusi instrumentti astuu musiikkielämään - piano. Tämän "cembalon pianon ja forten" keksijä oli Padovan mestari

Bartolomeo Cristofori.

Vähitellen parantaen pianoa, se otti hallitsevan paikan musiikkikäytännössä. Väline, jossa on vasaramekanismi, mahdollisti eri voimakkuuden äänien poimimisen ja asteittaisen levittämisen crescendojadiminuendo. Nämä pianon ominaisuudet vastasivat äänen emotionaalisen ilmaisukyvyn haluun, niiden liikkeen siirtämiseen ja ihmisten huolestuttavien kuvien, ajatusten ja tunteiden kehittämiseen.

Pianon tullessa ja sen käyttöönotossa esiintymiskäytännössä syntyi uusia edustajia.

1800 -luku esitti koko galaksin upeita säveltäjiä, jotka ovat laajentaneet merkittävästi pianon teknisten ja ilmaisukeinojen rajoja. Euroopan musiikki- ja esittävän kulttuurin keskukset, suuret pianokoulut, Tämä on:

Lontoo(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

Wien(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg jne.);

Pariisilainen, tunnetaan myöhemmin nimellä Ranskan kieli(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer jne.);

Saksan kieli(Karl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdi, Robert Schumann, Hans Bülow jne.);

Venäjän kieli(Alexander Dubyuk, Mikhail Glinka, Anton ja Nikolai Rubinstein jne.).

1800 -luvun esitystapa

Pianistisen tekniikan kehityshistoria on kulttuurien ja tyylien historiaa. 18-19-luvun pianistin välttämättömien taitojen joukossa improvisaation olisi pitänyt olla, silloin pianisti ei ollut vielä eronnut säveltäjästä, ja jos hän soitti jonkun toisen musiikkia, sääntöä pidettiin hyvin vapaana, yksilöllisesti luovana kohteluna musiikkitekstissä oli väritys- ja muunnelmakäytäntö, jota pidettiin nyt pätemättömänä.

1800-luvun mestareiden tyyli oli täynnä sellaista suorittavaa omaa tahtoa, että pitäisimme sitä sataprosenttisesti mauttomana ja hyväksyttävänä.

Sillä on erinomainen rooli pianomusiikin ja pianistisen kulttuurin kehittämisessä Lontoon ja Wienin koulut.

London Schoolin perustaja oli kuuluisa virtuoosi, säveltäjä ja opettaja

Muzio Clementi (1752-1832)

Muzio Clementi ja hänen oppilaansa soittivat englantilaista pianoa, jolla oli suuri ääni ja joka vaati selkeää, vahvaa näppäinpainallusta, koska tällä instrumentilla oli erittäin tiukka näppäimistö. Mestari Johannes Steinin suunnitteleman ja Mozartin rakastaman wieniläisen pianon ääni oli melodisempi, vaikkakin vähemmän voimakas, ja siinä oli suhteellisen kevyt näppäimistö. Siksi Clementi, joka tuli erään Englannin suurimman pianofirman johtajaksi ja sitten osaomistajaksi, paransi englantilaisia ​​soittimia, antaen niille enemmän melodisuutta ja keventäen näppäimistöä. Vauhti tähän oli Clementin henkilökohtainen tapaaminen Mozartin kanssa vuonna 1781 Wienissä, jossa Itävallan keisarin hovissa järjestettiin heidän kilpailunsa säveltäjinä ja pianisteina. Clementi hämmästyi Mozartin soittamisen läheisyydestä ja hänen "pianolaulustaan".

Muzio Clementi - lukuisten pianoteosten kirjoittaja ja merkittävä opettaja loi oman koulunsa pianolle. Hän kirjoitti pianon historian ensimmäiset opettavat tekniset harjoitukset ja etydit ja antoi käsityksen sen metodologisista periaatteista.

Clementi itse ja hänen oppilaansa (I. Kramer, D. Field - yksi lahjakkaimmista opiskelijoista, E. Brekr) - 1800 -luvun alun suuret virtuoosit - erottuivat erinomaisesta sormitekniikastaan. Clementi loi yhdessä oppilaidensa kanssa progressiivisen metodologian, joka keskittyi instrumentin uusien tulkintatapojen kehittämiseen, koko "konsertti" -äänen ja kohokuvioidun perspektiivin käyttöön. M. Clementin pedagoginen teos "Askel Parnassokseen tai pianonsoiton taito, joka on toteutettu 100 harjoituksella ankarasti ja tyylikkäästi". Tämä työ on peruskoulu pianistitaitojen kasvattamiseen, 100 harjoitusta hämmästyttää sisällön monipuolisuudesta ja määrättyjen suoritustehtävien määrästä. Monet Lontoon koulun edustajat olivat rohkeita innovaattoreita pianismin alalla ja käyttivät sävellyksissään sormenjälkien, kaksoisnuottien, oktaavien, sointurakenteiden, harjoitusten ja muiden tekniikoiden lisäksi ääniä, joka lisää kirkkautta ja vaihtelua.

Clementi -koulu on synnyttänyt tiettyjä perinteitä pianopedagogiikassa:

useiden tuntien teknisten harjoitusten periaate;

leikkii "eristetyillä" vasaran kaltaisilla sormilla liikkumattomalla kädellä;

rytmin vakavuus ja vastakkainen dynamiikka.

Wienin koulun perustajat olivat suuria pianistisia säveltäjiä: Haydn, Mozart ja Beethoven.

Progressiivisen pianopedagogiikan merkittävä edustaja oli hyvin kuuluisa

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Czernyn "Teoreettinen ja käytännöllinen pianokoulu" on monia yhtäläisyyksiä Hummelin "Käsikirjan" kanssa. Puhuessaan yksityiskohtaisesti soittotekniikasta, sen kehittämistavoista ja pianistille tarvittavien taitojen hankkimisesta hän korostaa teoksensa kolmannessa osassa, että kaikki nämä ovat vain ”keinoja taiteen todellisen tavoitteen saavuttamiseksi, joka epäilemättä saa sielun leikkimään ja henkeen ja siten vaikuttamaan kuuntelijoiden tunteisiin ja ajatuksiin. "

On syytä päätellä, että 1800 -luvun opetusmenetelmät pelkistettiin puhtaasti teknisiksi ongelmiksi, jotka perustuivat haluun kehittää sormien voimaa ja sujuvuutta monen tunnin harjoittelun avulla. Yhdessä tämän kanssa 1800 -luvun ensimmäisellä puoliskolla lahjakkaimmat esiintyjät, joista suurin osa oli Clementin, Aadamin, Czernyn, Fieldin ja muiden erinomaisten opettajien oppilaita, jotka olivat saavuttaneet korkean virtuoosisuuden, kehittivät rohkeasti uusia tekniikoita pianonsoitolle. instrumentin äänen voima, monimutkaisten kohtien kirkkaus ja kirkkaus. Erityisen tärkeitä heidän teostensa tekstuurissa olivat sointurakenteet, oktaavit, kaksoisnuottit, harjoitukset, kädensiirtotekniikat ja muut tehot, jotka edellyttävät koko käden osallistumista.

Pariisi 1800 -luku - on musiikkikulttuurin keskus, virtuoositaito. Pariisin pianonsoiton koulun luojaa pidetään säveltäjä, pianisti, opettaja

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Teoksessaan "Menetelmä pianon opettamiseksi käytännön avulla" (1830) hän perusti teknisten laitteiden käytön erityyppisten tekniikoiden (hieno tekniikka, lihasten venytys jne.) Kehittämiseen. Merkittävä ominaisuus tämäntyyppiset koulut ovat autoritaarisen pedagogiikan yhteisö asennukset. Oppiminen alkoi oikean instrumentin laskeutumisen kehittämisestä ja yksinkertaisimpien moottoriteknisten kaavojen hallitsemisesta, ja vasta paljon myöhemmin opiskelijat alkoivat oppia musiikkikappaleita.

Pyrkimys virtuoosisuuteen johti harjoittelun nopeutumiseen, mekaanisten harjoitusten väärinkäyttöön, mikä johti sekä ammattitauteihin että kuulon hallinnan heikkenemiseen.

Saksa 1800 -luku Kirjallisuuskriittisen ja pedagogisen toiminnan vaikutus tämän maan romanttiseen estetiikkaan on merkittävä.

Robert Schumann (1810-1856)

Merkittävä paikka Robert Schumannin kirjoituksissa oli muusikon muodostumista koskevien kysymysten kehittäminen - todellinen uudentyyppinen taiteilija, joka eroaa pohjimmiltaan muotivirtuoista. Säveltäjä pitää tätä yhtenä tehokkaimmista keinoista nostaa musiikkikulttuuria.

Musiikkipedagogiikan ongelmia käsitellään R. Schumannin teoksissa "Household and Life Rules for Musicians", "Supplement to the Album for Youth", esipuheessa Etudes by Caprice, Paganini, op.Z. tärkeimmät musiikipedagogiset kysymykset ovat seuraavat: eettisen ja esteettisen kasvatuksen vuorovaikutus, syvän ja monipuolisen tiedon hankkiminen, joka muodostaa kaiken koulutuksen perustan, vakavan taiteen periaatteiden muotoilu ja salonkisuunnan kritiikki ja intohimo " tekniikka tekniikan vuoksi "säveltäjän ja esittävän taiteen alalla, amatöörismin vastainen taistelu.

Schumannin musiikilliset ja pedagogiset näkemykset toimivat ja toimivat edelleen kehittyneiden modernien menetelmien perustana. Säveltäjän pianomusiikkia käytetään edelleen aktiivisesti kaikentasoisissa koulutusohjelmissa.

On mahdotonta olla sanomatta niin suuresta säveltäjästä ja virtuoosista, puolalaisesta pianistista

Frederic Chopin (1810-1849)

1800 -luvun ensimmäisellä puoliskolla Frederic Chopinista tuli ensimmäinen säveltäjä, joka kirjoitti musiikkia yksinomaan pianolle. Lahjakkaana lapsena Chopin kirjoitti monia kauniita ja monimutkaisia ​​pianokappaleita, jotka ovat ilahduttaneet monia opiskelijoita ja pianisteja vuosien varrella. Chopin valloitti nopeasti Pariisin. Hän teki heti vaikutuksen yleisöön omituisella ja epätavallisella esityksellään. Tuolloin Pariisi oli täynnä muusikoita ympäri maailmaa. Suosituimpia olivat virtuoosipianistit. Heidän esityksensä erottui teknisestä erinomaisuudesta ja kirkkaudesta, joka hämmästytti yleisöä. Siksi Chopinin ensimmäinen konsertti kuulosti niin terävältä kontrastilta. Aikalaisten muistelmien mukaan hänen esityksensä oli yllättävän hengellinen ja runollinen. Kuuluisan unkarilaisen muusikon Franz Lisztin muisto on säilynyt Chopinin ensimmäisessä konsertissa. Hän aloitti myös loistavan uransa pianistina ja säveltäjänä: ”Muistamme hänen ensimmäisen esiintymisensä Pleyel Hallissa, kun koston kiihtyneet suosionosoitukset eivät kyenneet ilmaisemaan innostustamme lahjakkuuden edessä, mikä yhdessä onnellisuuden kanssa innovaatiot hänen taiteensa alalla avasivat uuden vaiheen runollisen tunteen kehittymisessä. " Chopin valloitti Pariisin, kuten Mozart ja Beethoven kerran Wienin. Lisztin tavoin hänet tunnustettiin maailman parhaaksi pianistiksi.

Unkarilainen säveltäjä, pianisti, kapellimestari, opettaja

Franz Liszt (1811-1886)

Kaveri ja F. Chopinin ystävä. Ferencin pianonopettaja oli K. Cerny.

Konserteissa esiintynyt yhdeksän vuoden iästä lähtien Liszt tuli kuuluisaksi virtuoosipianistina.

Vuosina 1823-1835. hän asui ja konsertoi Pariisissa, missä hän myös kehitti opetus- ja sävellystoimintaa. Täällä muusikko tapasi ja tuli lähelle G. Berliozia, F. Chopinia, J. Sandia ja muita taiteen ja kirjallisuuden merkittäviä henkilöitä.

Vuosina 1835-1839. Liszt matkusti Sveitsiin ja Italiaan ja paransi tänä aikana pianistitaitojaan.

Säveltäjänä Liszt esitti ajatuksen useiden taiteiden, pääasiassa musiikin ja runouden, synteesistä. Siksi sen pääperiaate - ohjelmallinen (musiikki sävelletty tiettyä juonta tai kuvaa varten). Tuloksena Italiaan suuntautuneesta matkasta ja tutustumisesta italialaisten mestareiden maalauksiin syntyi pianosykli "Years of Wanderings" sekä fantasiasonaatti "Danten lukemisen jälkeen".

Franz Liszt osallistui myös valtavasti konserttipianomusiikin kehittämiseen.

Venäjän musiikkikulttuuri 1800 -luvulla taitaa olla eräänlainen "aikakone". Venäjä on kulkenut sadan vuoden ajan kolmen vuosisadan polkua, jota ei voi verrata suurten Länsi-Euroopan maiden kansallisten sävellyskoulujen sujuvaan ja asteittaiseen kehitykseen. Vasta tällä hetkellä venäläiset säveltäjät onnistuivat sanan todellisessa merkityksessä hallitsemaan kerääntynyttä kansantaidetta ja elvyttämään ihmisten ajatukset kauniissa ja täydellisissä klassisen musiikin muodoissa.

1700 -luvun lopulla - 1800 -luvun alussa. musiikkipedagogiikka Venäjällä ottaa ensimmäiset askeleensa: venäläinen pianokoulu on muodostumassa. Sille on ominaista ulkomaisten opetusmenetelmien aktiivinen kehittäminen ja samaan aikaan Venäjän johtavien opettajien pyrkimys luoda kansallinen pianistikoulu.

Toisin kuin Länsi -Eurooppa, Venäjä ei tuntenut pitkälle kehittynyttä clavier -kulttuuria, vaikka cembalo tunnettiin 1500 -luvulta lähtien. Venäläiset kuuntelijat osoittivat suurta kiinnostusta yksinomaan laulumusiikkiin, ja laulamisen ja tanssin mukana käytettiin Venäjällä olemassa olevia kosketinsoittimia. Vasta 1700 -luvun lopulla. kiinnostus clavierin soittamisen oppimiseen kasvaa. Simon Leleinin Clavichord -koulu ja otteita Daniel Gottlieb Türkin "Clavier -koulusta" julkaistiin venäjäksi.

1800 -luvun alkuun mennessä julkaistiin Vincenzo Manfredinin tutkielma "Harmoniset ja melodiset säännöt kaiken musiikin opettamiseen". Yhdessä tämän kanssa 1800 -luvun ensimmäisellä puoliskolla julkaistiin erilaisia ​​ulkomaisten muusikoiden pianokouluja venäjäksi: M.Clementi (1816) ”Pianonsoiton koulu”, D.Steibeltin ”Täydellinen käytännön pianokoulu”. 1830), "Güntenin koulu" (1838) ja muut.

1800 -luvun ensimmäisen puoliskon kuuluisien muusikoiden ja opettajien joukossa. olivat I. Prach, John Field, Adolph Hanselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

Näiden vuosien aikana Venäjällä valmistui myös venäläisten kirjailijoiden kouluja, joiden koostajat pyrkivät tuomaan opetusvälineet lähemmäksi venäläisten muusikoiden kouluttamista. I. Prachin (tšekki, oikea nimi Jan Bohumir, syntymävuosi tuntematon, kuoli vuonna 1818; säveltäjä, joka työskenteli pitkään Pietarissa eri oppilaitoksissa musiikkiopettajana) "Koulun" ohjelmisto sisälsi Esimerkiksi monet venäläisten kirjailijoiden teokset.

Alkuperäisessä käyttöohjeessa I. Pracha"Complete School for Piano ..." (1806) otti huomioon venäläisen esittämiskulttuurin erityispiirteet; lasten musiikkikasvatuksen kysymykset esitettiin. Prach osallistui merkittävästi pianopedagogiikan kehittämiseen. Hän täsmentää teoreettisia määräyksiä metodologisten ohjeiden pohjalta, jotka määrittelevät erilaisia ​​toteutustapoja (harmoniset kuviot, arpeggiot ja soinnut, rikkoutuneet oktaavit jne.), joissa on esimerkkejä tietystä tekniikasta tai liikkeestä.

Toiminta J. Kenttä muusikkona ja opettajana oli suuri merkitys venäläiselle pianopedagogiikalle. Hän toi esiin galaksin kuuluisia muusikoita, kuten M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke ja monia muita. Kenttäkoululla oli tietysti suuri merkitys. Häntä voidaan pitää johtavan pianokoulun perustajana. 20-30-luvulla. 1800 -luku Opinnoissaan Field pyrki alistamaan teknisen työn taiteellisille tavoitteille: ilmauksen ilmeikkyydelle, jokaisen nuotin äänen viimeistelyn herkkyydelle ja työn sisällön paljastamiselle.

A. HanseltjaA. Gerke

He opettivat yleisopetuksessa ja Pietarin konservatoriossa. Heidän pedagoginen menetelmä heijasti venäläisen pianokoulun progressiivista suuntaa, nimittäin: näkymien kehittäminen, joka perustuu laajan ohjelmiston käyttöön, halu kasvattaa opiskelijan itsenäisyyttä. He olivat innokkaita "harjoittelumenetelmän", "poran" vastustajia.

A. Villuan oli edistyksellinen opettaja. Hänen historiallinen roolinsa on se, että hän selvitti A.Rubinsteinin musiikillisen lahjakkuuden lapsena ja pystyi antamaan oikean suunnan kehitykselleen. Villuanin pedagogisen menetelmän parhaat puolet, jotka ilmenivät hänen käytännön toiminnassaan, heijastuivat hänen koulussaan (1863). Hänen löytämästään äänituotantomenetelmästä - "laulusta" pianolla - tuli yksi A. Rubinsteinin soittamisen voimakkaista taiteellisista keinoista. "Koulu" kattaa suuren määrän tietoa, joka liittyy pianistin tekniseen koulutukseen ja musiikilliseen koulutukseen. Erityisen arvokkaita ovat Villuanen näkemykset pianon melodisen syvän äänen saavuttamisesta, legato -kehityksestä, jota varten käytetään järkeviä tekniikoita, jotka eivät ole menettäneet merkitystään tällä hetkellä.

Venäjän vallankumouksellisen ja vallankumouksellisen taiteen historiassa johtava rooli kuuluu Pietarin ja Moskovan konservatorioita

maan musiikkikulttuurin suurimpia keskuksia. Molempien konservatorioiden toiminta kehittyi läheisessä yhteydessä, mikä määräytyi paitsi heidän tehtäviensä yhteisyydestä myös siitä, että usein Pietarin konservatorion oppilaat työskentelivät Moskovassa ja moskovalaisista tuli Pietarin konservatorion opettajia .

Niinpä PI Tchaikovsky valmistui Pietarin konservatoriosta, josta tuli sitten yksi Moskovan konservatorion ensimmäisistä professoreista; L. Nikolaev (V. Safonovin oppilas Moskovan konservatoriossa) - myöhemmin yksi Leningradin pianokoulun johtavista edustajista; Nikolajevin opiskelijat V. Sofronitsky ja M. Yudin työskentelivät Moskovassa useita vuosia.

Pietarin ja Moskovan konservatorioiden perustajat, veljet

Anton ja Nikolai Rubinsteinov,

Konservatorioiden johtamisen vuosina he loivat perustan nuorten muusikoiden koulutukselle. Heidän oppilaistaan ​​(A.Ziloti, E.Sauer - Nikolai -oppilaat; G.Cross, S.Poznanskaya, S.Drucker, I.Hoffman - Antonin oppilaat) tuli esikoisia galaksin galaksissa, joka sai tunnustusta maailman musiikkiyhteisö.

Rubinstein -veljien ponnisteluilla venäläinen pianopedagogiikka hankittiin 1800 -luvun viimeisellä kolmanneksella. valtava auktoriteetti ja kansainvälinen tunnustus. Venäjä on heille velkaa, että se otti yhden ensimmäisistä paikoista pianonsoiton opettamisessa.

Tästä voidaan päätellä, että sekä Länsi-Euroopan että Venäjän 1800-luvun edistyneet muusikot-opettajat etsivät järkeviä, omaperäisiä tapoja vaikuttaa oppilaaseen. He etsivät tehokkaita tapoja tehostaa teknistä työtä. Käyttäen luovasti clavier -musiikin perinteitä ja aikaisempien vuosisatojen aikana kehittyneitä ideoita pianistin esittämistekniikan, 1800 -luvun tekniikan, muodostamisprosessin ytimestä. tuli perusteluksi tarkoituksenmukaisen soiton periaatteelle - pianistisen laitteen kokonaisvaltaiselle käytölle. 1800 -luvulla luotiin todella suurenmoinen opintojen ja harjoitusten perusta, joka on tähän päivään asti välttämätön pianonopetuksessa.

Musiikkimateriaalin analyysi osoittaa, että sen tekijöille on ominaista halu etsiä luonnollisia peliliikkeitä, sormitusperiaatteita, jotka liittyvät ihmisen käden rakenteellisiin ominaisuuksiin.

Samalla on huomattava, että 1800 -luku. antoi musiikkipedagogiikalle ja kasvatukselle loistavien lupaavien ideoiden järjestelmän ja ennen kaikkea halun kouluttaa hyvin koulutettu muusikko luovan yksilöllisyytensä tarkoituksenmukaisen kehittämisen avulla.

XXvuosisadalla

20 vuosisata - pianotaiteen kukoistus. Tällä kaudella on epätavallisen runsaasti poikkeuksellisen lahjakkaita ja erinomaisia ​​pianisteja.

1900 -luvun alussa heistä tuli kuuluisia Hoffman ja Corto, Schnabel ja Paderewski. Ja luonnollisesti KANSSA. Rahmaninov, hopeakauden nero, joka merkitsi uutta aikakautta paitsi pianomusiikissa myös maailmankulttuurissa yleensä.

1900 -luvun toinen puoli on sellaisten kuuluisien pianistien aikakausi kuin Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Lista jatkuu ...

1900 -luvun esitystapa

***

Tämä pyrkii syvälle musiikkitekstin ymmärtämiseen ja säveltäjän aikomuksen tarkkaan siirtämiseen sekä musiikin tyylin ja luonteen ymmärtämiseen perustana teokselle ominaisten taiteellisten kuvien realistiselle tulkinnalle.

***

1800 -luvun loppu - 1900 -luvun alku - erittäin tapahtumarikas kausi maailman taidekulttuurin historiassa. Vastakkainasettelu sosiaalisten oikeuksien puolesta yhä aktiivisemmin taistelleiden massojen demokraattisen kulttuurin ja porvariston eliittikulttuurin välillä kärjistyi äärimmäisen.

Tämän ajan suurimmat taiteilijat tunnistivat kriisin piirteet uuden musiikin kehityksessä: "Elämme aikaa, jolloin ihmiskunnan olemassaolon perusta on järkytyksessä" - sanoi I.Stravinsky, moderni ihminen menettää arvon ja vakauden tunteen ... Koska henki itse on sairas, niin aikamme musiikki ja erityisesti se, mitä se luo, mitä se pitää oikeana, kantaa mukanaan merkkejä patologisesta epäonnistumisesta. ”Tällaisia ​​tunnustuksia saattoi kuulla useammin kuin kerran muita suuria muusikoita.

Mutta aikakauden kriisivaikutuksista huolimatta musiikki on saavuttanut uusia loistavia korkeuksia. Pianopedagogiikkaa on rikastettu monilla mielenkiintoisilla teoksilla. Julkaistujen teosten tekijöiden huomio kohdistui opiskelijoiden taiteellisiin taitoihin.

Tunnetut pianistiopettajat G. Neuhaus, G. Hoffmann, I. Kogan kehittänyt menetelmiä opiskelijoiden oppimiseen.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianisti, opettaja, musiikin kirjailija. Neuvostoliiton suurimman pianistikoulun perustaja. Kaikki mitä hän kirjoittaa, on täynnä intohimoista rakkautta taiteeseen, pianomusiikkiin ja esitykseen.

Meitä kiinnostaa eniten kirja nimeltä "Pianonsoiton taiteesta".

Kirja on kirjoitettu elävällä kuvaannollisella kielellä, täynnä tuomioita monista säveltäjistä, esiintyjistä ja opettajista. Se tuo uusia ongelmia ja huolenaiheita jokaiselle pianistille. Siinä on monia sivuja, joilla on musiikillisen omaelämäkerran luonne, omistettu muistoille omasta luomispolustaan. Tässä improvisaatiossa on kuitenkin selvästi nähtävissä kirjoittajan näkemykset pianotaidosta ja opettajan tehtävistä. Neuhaus kirjoittaa teoksissaan taiteellisesta kuvasta, rytmistä, äänestä, tekniikasta, sormituksesta ja polkemisesta, opettajan ja oppilaan tehtävistä sekä muusikon konserttitoiminnasta.

Hän osoittaa erittäin vakuuttavasti, että niin sanottu "oppikirja" -menetelmä, joka antaa pääasiassa reseptin - "kovat säännöt", vaikka ne olisivat oikein ja testattuja - on aina vain ensimmäinen yksinkertaistettu menetelmä, joka tarvitsee jatkuvasti kehittämistä, selvennys, kun se kohtaa todellista elämää. lisäys tai, kuten hän itse sanoo, "dialektisessa muutoksessa". Hän vastustaa jyrkästi ja temperamenttisesti "valmennusmenetelmää" ja "samojen teosten loputonta imemistä" pedagogisessa työssä, väärää kantaa vastaan, jonka mukaan "ohjaaminen voi tehdä kaiken opiskelijoiden kanssa". Hän pyrkii ratkaisemaan dialektisesti paitsi yleisiä musiikkiesitykseen liittyviä ongelmia myös kapeampia teknisiä kysymyksiä.

Määritellessään opettajan roolia Neuhaus uskoo, että opettajan tulisi pyrkiä olemaan pikemminkin kuin pianonsoiton opettaja kuin musiikin opettaja.

Neuhaus kiinnitti pedagogisessa työssä erityistä huomiota "musikaalin" ja "teknisen" yhteenliittämiseen. Niinpä voittaakseen teknisen epävarmuuden, opiskelijan liikkeiden rajoitukset, hän pyrki ensinnäkin vaikuttamaan oppilaan psyykeen, itse musiikin poluille. Hän toimi samalla tavalla, kun hän suositteli opiskelijoille työskentelytapoja "vaikeissa paikoissa". Hänen mielestään kaikki "vaikea", "monimutkainen", "tuntematon" tulisi mahdollisuuksien mukaan supistaa "helpommaksi", "yksinkertaiseksi", "tutuksi"; samaan aikaan hän kehotti voimakkaasti olemaan luopumatta vaikeuksien lisäämisen menetelmästä, koska tämän menetelmän avulla pelaaja hankkii ne taidot, kokemukset, joiden avulla hän voi ratkaista ongelman kokonaan.

Lopuksi Neuhaus pyrki kaikin tavoin tuomaan opiskelijan lähemmäksi musiikkia, paljastamaan hänelle näytetyn teoksen sisällön, eikä vain inspiroimaan häntä elävällä runollisella kuvalla, vaan myös antamaan hänelle yksityiskohtaisen analyysin muodosta ja rakenteesta teoksesta - melodia, harmonia, rytmi, moniäänisyys, tekstuuri - yhdellä sanalla paljastaa opiskelijalle musiikin lait ja sen toteuttamistavat.

Puhua rytmi yhtenä tärkeimmistä tekijöistä, jotka muodostavat esitysprosessin, Neuhaus korostaa "kokonaisuuden tunteen" valtavaa merkitystä, kykyä "pitkään ajatella", jota ilman pianisti ei voi tyydyttävästi esittää suurta teosta. näkymä muodolle.

Kirjoittaja pitää aliarviointia pianistin suurena virheenä ääni (riittämätön äänen kuunteleminen) ja sen uudelleenarviointi, eli "sen aistillisen kauneuden nauttiminen". Esittämällä tämän kysymyksen tällä tavalla, Neuhaus määrittelee äänen kauneuden käsitteen uudella tavalla - ei abstraktisti, ilman yhteyttä tyyliin ja sisältöön, vaan se johdetaan ymmärryksestä soitetusta musiikista.

Samalla hän korostaa, että musiikkityö ja "musiikillinen luottamus" eivät yksin ratkaise pianotekniikan hallitsemista. Fyysinen harjoittelu on myös välttämätöntä hitaaseen ja vahvaan peliin asti. "Tällaisessa työssä", hän lisää, "on noudatettava seuraavia sääntöjä: varmista, että käsi, koko käsivarsi kädestä olkapäähän on täysin vapaa, ei" jäädy "mihinkään, ei purista, ei "kovetu", ei menetä potentiaalista (!) joustavuuttaan säilyttäen täydellisen rauhallisuuden ja käyttämällä vain niitä liikkeitä, jotka ovat ehdottomasti "välttämättömiä".

Näkemyksen määrittäminen sormitus, Neuhaus kirjoittaa, että paras sormitus on se, jonka avulla voit välittää tarkemmin tietyn musiikin merkityksen. Hän kutsuu tekijän henkeen, luonteeseen ja musiikkityyliin liittyvää sormitusta kauneimmaksi ja esteettisesti perustelluksi.

Samoin Neuhaus määrittelee ongelman polkeminen. Hän sanoo aivan oikein, että yleiset säännöt polkimen käyttämisestä koskevat taiteellista polkemista, kuten runoilijan kielen syntaksia. Pohjimmiltaan hänen mielestään ei ole oikeaa poljinta. Taidepoljin on erottamaton äänikuvasta. Kirjassa tuetaan näitä ajatuksia useilla mielenkiintoisilla esimerkeillä, joista käy selvästi ilmi, kuinka tärkeänä tekijä piti erilaisia ​​polkemismenetelmiä.

Voimme vain sanoa, että Neuhaus piti pianistin tekniikkaa orgaanisena yhdistelmänä musiikin ymmärtämiseen ja taiteellisiin pyrkimyksiin. Tämä on itse asiassa perusta Neuvostoliiton esiintyvälle koululle yleensä ja erityisesti Neuhausin kouluun, joka opetti sellaisia ​​merkittäviä esiintyjiä kuin S. Richter, E. Gilels, J. Zak ja monet muut erinomaiset pianistit.

Artikkelit ja kirjat ovat eräänlainen panos Neuvostoliiton pianokoululle

Grigori Mihailovitš Kogan (1901-1979)

Kirjassa "Mestaruuden porteilla" kirjoittaja puhuu pianistisen työn menestyksen psykologisista edellytyksistä. Tässä työssä hän tunnistaa "kolme päälinkkiä": selkeä visio tavoitteesta, keskittyminen tähän tavoitteeseen ja jatkuva halu saavuttaa se. Hän toteaa perustellusti, että tämä johtopäätös ei ole uusi eikä koske pelkästään pianisteja, vaan mitä tahansa taiteen ja ihmisten työtä.

Kirjan esipuheessa hän puhuu pianistin psyyken tärkeydestä, roolista oikeassa psykologisessa ympäristössä, joka on oppituntien onnistumisen edellytys. Tämä aihe kiinnostaa suuresti paitsi esiintyjiä myös opettajia, joista paljon riippuu oppilaan psyykeen ja psykologisen ympäristön muodostumisesta.

Puhuessaan tarkoituksesta, tahdosta, huomiosta, keskittymisestä, itsehillinnästä, mielikuvituksesta ja muista elementteistä, jotka määräävät menestyksen pianistityössä, Kogan lisää heihin tarvetta intohimoiseen haluun ilmaista ideaalisessa muodossa suunnitellut ja rakastetut musiikkikuvat. Hän kiinnittää erityistä huomiota esiintyjän "luovaan rauhaan" ja jännitykseen ennen esitystä ja konsertin aikana.

Kun otetaan huomioon pianistin työn eri vaiheet kappaleessa, Kogan luonnehtii yksityiskohtaisesti tämän prosessin kolme vaihetta: 1) katselu ja alustava toisto, 2) kappaleiden oppiminen, 3) teoksen "kokoaminen" viimeiseksi vaiheeksi.

Kogan keskittyi erityisen yksityiskohtaisesti muotoiluun, sormitteluun, tekniseen uudelleenryhmittelyyn ja vaikeuksien henkiseen esitykseen. Melkein kaikki hänen analysoimansa perustuu Busonin pianistisiin periaatteisiin.

Kirja sisältää myös analyysin joistakin esittävän taiteen näkökohdista, jotka ovat saaneet suhteellisen vähän huomiota metodologisessa kirjallisuudessa. Näitä ovat esimerkiksi kysymys pianoteosten eri jaksojen sanallisesta alatekstistä, joka voi toimia "lisäintonaatio -oppaana", joka mahdollistaa "helpommin löytää hengityksen luonnollisen jakauman, vakuuttavan" ääntämisen " yksilölliset intonaatiot. "

Tutkittuamme Koganin pedagogista perintöä voimme päätellä, että Koganin teoksille on suurelta osin tunnusomaista nykyaikaisen Neuvostoliiton pianokoulun metodologiset suuntaviivat pianon esittävässä taiteessa.

Yksi vuosisadan alun suurimmista pianisteista tekee 1900 -luvun esittävän taiteen kunnian

Joseph Hoffman (1876-1957)

Kiertävän taiteilijan kohtalo - ilmiö, joka sivistyneessä muodossa säilyttää kiertävien muusikoiden perinteet - tuli pitkään Hoffmannin eräksi. Hoffman oli myös mukana opetuksessa, mutta se ei ollut yhtä kirkas kuin esiintyminen.

Hoffmann piti erittäin tärkeänä koulutusjaksoa. Tarve opettajalle, vaatimus luottaa häneen, hänen merkityksensä esiintyjän muodostumiselle - nämä ovat motiiveja, jotka toistuvat toistuvasti Hoffmannin kirjojen sivuilla. Hoffmann itse oli onnekas opettajiensa kanssa - he olivat kuuluisa pianisti ja säveltäjä Moritz Moszkowski (loistavien virtuoosityyppien ja salonginäytelmien kirjoittaja) ja kuuluisa Anton Rubinstein, joiden tapaamisesta tuli yksi Hoffmannin luovan elämän päätapahtumista.

Toinen tärkeä tapahtuma Hoffmannin elämässä, joka vaikutti radikaalisti hänen luovaan kohtaloonsa, ajattelutapaansa, elämäntapaansa, oli muutto Amerikkaan (ja myöhemmin - Yhdysvaltain kansalaisuuden hyväksyminen). Näin ollen - raitis, käytännöllinen elämänkatsomus, asiallinen lähestymistapa kaikkiin, myös luoviin, ongelmiin; tämä puhtaasti amerikkalainen käytännöllisyys näkyy kirjoissa ja artikkeleissa.

Kirjassaan The Piano Playing Answers to Piano Playing -kysymyksiin vuonna 1914 on tärkeää, että Hoffmann hahmotti yleiset periaatteet, jotka edistävät hyvää pianonsoittoa. Hän korostaa aamutunnin etua. On suositeltavaa olla harjoittelematta korkeintaan yksi tunti, enintään kaksi tuntia peräkkäin. Kaiken pitäisi riippua fyysisestä kunnosta. Hän neuvoo myös muuttamaan tutkittujen töiden aikaa ja järjestystä. Pianistin huomion keskipisteenä ovat keskustelut pianonsoiton "tekniikasta", jossa hän ymmärsi loistavasti. Hoffmann pitää tärkeänä työskennellä ilman soitinta (myös nuottien kanssa ja ilman).

Erityisen tärkeitä ovat Hoffmannin ajatukset "henkisestä tekniikasta" - tarve aloittaa näytelmän analyysi muodon ja tekstuurin analyysillä; Lisäksi analyysiprosessissa jokainen kappale "on valmisteltava täydellisesti henkisesti ennen kuin se testataan pianolla".

Hoffmann, monet tyylin piirteet ovat hyvin moderneja. Se on lähellä meitä käytännöllisyydessään - kaikki pohjimmiltaan, ei mitään tarpeetonta.

Hopeakauden nero, suuri pianisti, säveltäjä, kapellimestari

Sergei Rahmaninov (1873-1943)

Hän alkoi opiskella musiikkia järjestelmällisesti viiden vuoden iässä ikä. Vuonna 1882 Sergei tuli Pietariin viherhuone. Vuonna 1885 hän muutti Moskovaan ja tuli Moskovan konservatorion opiskelijaksi, missä hän opiskeli ensin kuuluisan pianisti -opettajan NS Zverevin (jonka oppilas oli myös venäläinen säveltäjä ja pianisti Alexander Nikolayevich Scriabin) luona ja vuodesta 1888 pianistin ja kapellimestari Alexander Ilyich Ziloti (piano); säveltäjä, pianisti ja kapellimestari Anton Stepanovich Arensky (sävellys, soittimet, harmonia); säveltäjä, pianisti ja musiikki- ja julkisuuden henkilö Sergei Ivanovitš Tanejev (tiukan kirjoituksen vastakohta).

Rahmaninov on yksi 1800- ja 1900 -luvun vaihteen suurimmista muusikoista. Hänen taiteensa erottuu elintärkeästä totuudenmukaisuudesta, demokraattisesta suuntautumisesta, vilpittömyydestä ja taiteellisen ilmaisun tunnepitoisuudesta. Rahmaninov noudatti klassisen musiikin parhaita perinteitä, pääasiassa venäläistä. Hän oli sielullinen venäläinen laulaja.

Hänen teoksissaan ovat läheisesti rinnakkain sovittamattoman mielenosoituksen ja hiljaisen mietiskelyn intohimoiset purkaukset, vapiseva valppaus ja määrätietoinen päättäväisyys, synkkä tragedia ja innostuneet virsit. Rahmaninovin musiikki, jossa on ehtymätön melodinen ja sub-ääni-polyfoninen rikkaus, imee venäläisiä kansanlaululähteitä ja joitain piirteitä znamenny-laulusta. Yksi Rahmaninovin musiikkityylin perusta on orgaaninen yhdistelmä melodisen hengityksen leveydestä ja vapaudesta rytmisen energian kanssa. Kotimaan teema, keskeinen Rahmaninovin kypsälle teokselle. Rahmaninovin nimi pianistina vastaa F. Lisztin ja A. G. Rubinsteinin nimiä. Ilmiömäinen tekniikka, melodinen sävyjen syvyys, joustava ja voimakas rytmi totesivat täysin Rahmaninovin soittoa.

Rahmaninovin kunnia pianistina oli riittävän suuri ja siitä tuli pian todella legendaarinen. Hänen tulkintansa omasta musiikistaan ​​ja romanttisten säveltäjien teoksista - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt - menestyivät erityisen hyvin. Rahmaninovin konserttitoiminta vaeltavana virtuoosikirjurina kaupunkien ja maiden läpi jatkui keskeytyksettä lähes 25 vuoden ajan.

Amerikassa, jossa hän sattumalta muutti asumaan, hän saavutti hämmästyttävän menestyksen, jonka ulkomaalainen esiintyjä on koskaan seurannut täällä. Yleisöä houkuttelivat paitsi Rahmaninovin korkeat esiintymistaidot, myös hänen soittotapansa ja ulkoinen askeettisuus, jonka takana loistavan muusikon kirkas luonne piilotettiin. "Henkilön, joka kykenee ilmaisemaan tunteensa tällä tavalla ja sellaisella voimalla, on ensin opittava hallitsemaan ne täydellisesti, olemaan heidän mestarinsa ..." - se kirjoitettiin yhdessä arvostelussa.

Rahmaninovin näytelmän gramofonitallenteet antavat käsityksen hänen ilmiömäisestä tekniikastaan, muodon tunteesta ja poikkeuksellisen vastuullisesta asenteesta yksityiskohtiin. Rahmaninovin pianismi vaikutti sellaisiin erinomaisiin pianonsoiton mestareihin kuin Vladimir Vladimirovitš Sofronitski, Vladimir Samoilovitš Horowitz, Svjatoslav Teofilovitš Richter, Emil Grigorjevitš Gilels.

Amerikkalainen pianisti - ukrainalais -juutalaista alkuperää oleva virtuoosi, yksi 1900 -luvun suurimmista pianisteista

Vladimir Samoilovitš Horowitz

(1903-1989)

Syntynyt Venäjällä vuodesta 1928 Yhdysvalloissa. Romanttisen esitystyylin edustaja (F. Lisztin teokset, myös omissa transkriptioissaan, Fryderyk Chopin, venäläiset säveltäjät jne.).

Vladimir Horowitz opiskeli V. Pukhalskyä, S. V. Tarnovskia ja F. M. Blumenfeldiä Kiovan musiikkikoulussa, joka muutettiin syyskuusta 1913 lähtien Kiovan konservatorioksi. Valmistuttuaan vuonna 1920 V.Horowitz ei saanut tutkintotodistusta, koska hänellä ei ollut todistusta valmistumisesta kuntosalista. Hän esitti ensimmäisen soolokonserttinsa Harkovissa vuonna 1920 (mutta ensimmäinen dokumentoitu julkinen konsertti pidettiin joulukuussa 1921 Kiovassa). Sitten hän konsertoi Venäjän eri kaupungeissa yhdessä nuoren Odessan kansalaisen - viulisti Nathan Milsteinin kanssa, josta he maksoivat usein leivästä kuin rahasta maan vaikean taloudellisen tilanteen vuoksi.

Vuodesta 1922 lähtien Horowitz, joka on konsertoinut Venäjän, Ukrainan, Georgian ja Armenian kaupungeissa, kerää äänenvoimakkuudeltaan jättimäisen ohjelmiston. Joten esimerkiksi kolmen kuukauden kuluessa (marraskuu 1924 - tammikuu 1925) hän esitti yli 150 teosta kuuluisassa "Leningrad -sarjassa", joka koostui 20 konsertista. Huolimatta varhaisista menestyksistään pianistina Horowitz väitti haluavansa olla säveltäjä, mutta valitsi pianistiuran auttaakseen perhettä, joka menetti koko omaisuutensa vuoden 1917 vallankumouksen aikana. "Vallankumouksen lasten" (kuten Lunacharsky kutsui heitä yhdessä artikkelissaan) menestys oli ylivoimainen. Monissa kaupungeissa näiden nuorten muusikoiden faniklubit nousivat.

Syyskuussa 1925 Vladimir Horowitz sai mahdollisuuden lähteä Saksaan (hän ​​meni virallisesti opiskelemaan). Ennen lähtöä hän oppi ja soitti PI Tšaikovskin ensimmäisen konsertin Leningradissa. Tämän koostumuksen ansiosta hänestä tuli kuuluisa Euroopassa. Tällä konsertilla oli "kohtalokas" rooli pianistin elämässä: Horowitz esitti joka kerta voiton saavuttamisen Euroopan ja Amerikan maissa, juuri PI Tšaikovskin ensimmäisen konsertin. Milstein seurasi pianistia Saksaan joulukuussa 1925. Euroopassa molemmat muusikot saivat nopeasti mainetta loistavina virtuoosina. Neuvostoliiton viranomaiset valitsivat Horowitzin edustamaan Ukrainaa kansainvälisessä Chopin -kilpailussa vuonna 1927, mutta pianisti päätti jäädä länteen eikä osallistu kilpailuun. Vuoteen 1940 asti hän matkusti konserteilla lähes kaikkiin Euroopan maihin ja kaikkialla oli ylivoimainen menestys. Pariisissa V. Horowitzin soittaessa santarmit kutsuttiin rauhoittamaan yleisöä, joka rikkoi tuolia ekstaasissa. Vuonna 1928 Vladimir Horowitz esiintyi loistavasti Carnegie Hallissa New Yorkissa ja matkusti menestyksekkäästi moniin Amerikan kaupunkeihin.

Venäläinen pianisti, jolla on saksalaiset juuret

Svjatoslav Teofilovitš Richter

(1915 – 1997)

Hän vietti lapsuutensa ja nuoruutensa Odessassa, missä hän opiskeli isänsä kanssa, pianisti ja urkuri, opiskeli Wienissä ja työskenteli säestäjänä oopperatalossa. Hän antoi ensimmäisen konserttinsa vuonna 1934. 22-vuotiaana hän oli muodollisesti itseoppinut ja tuli Moskovan konservatorioon, jossa hän opiskeli Heinrich Neuhausin johdolla. Vuonna 1940 hän esiintyi ensimmäisen kerran julkisesti Moskovassa esittäen Prokofjevin 6. sonaatin; myöhemmin hänestä tuli 7. ja 9. sonaatinsa ensimmäinen esiintyjä (jälkimmäinen on omistettu Richterille). Vuonna 1945 hän voitti All-Union-musiikkiesittäjien kilpailun.

Ammattitaidon ensimmäisistä askeleista lähtien hänet pidettiin virtuoosina ja poikkeuksellisen laajuisena muusikkona.

Useiden sukupolvien neuvostoliittolaisten ja venäläisten muusikoiden ja musiikin ystävien osalta Richter ei ollut vain erinomainen pianisti, vaan myös korkeimman taiteellisen ja moraalisen auktoriteetin, modernin yleismaailmallisen muusikko-opettajan, personointi. Richterin valtava ohjelmisto, joka laajeni aktiivisen elämänsä viimeisiin vuosiin asti, sisälsi musiikkia eri aikakausilta, Bachin hyvin temperoidusta Clavierista ja Händelin sviiteistä Gershwinin konserttiin, Webernin muunnelmiin ja Stravinskyn liikkeisiin.

Kaikilla ohjelmistoalueilla Richter osoittautui ainutlaatuiseksi taiteilijaksi, joka yhdisti lähestymistapansa ehdottoman objektiivisuuden musiikkitekstiin (huolellinen noudattaminen kirjoittajan ohjeiden mukaisesti, varma yksityiskohtien hallinta, retoriikan liioittelun välttäminen) epätavallisen korkealla dramaattisella sävyllä ja hengellisellä tulkinnan painopiste.

Richterin luontainen kohonnut vastuuntunto taiteelle ja kyky uhrautua ilmeni hänen erityisessä sitoutumisessaan yhtyeesitykseen. Richterin uran alkuvaiheessa hänen tärkeimmät yhtyekumppaninsa olivat pianisti, Neuhausin oppilas Anatoly Vedernikov, laulaja Nina Dorliak (sopraano, Richterin vaimo), viulisti Galina Barinova, sellisti Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (heidän työnsä on täydellistä) omalla tavallaan todella Beethovenin sellosonaatit). Vuonna 1966 Richterin ja David Oistrakhin välinen kumppanuus alkoi; vuonna 1969 he esittivät Šostakovitšin Viulusonaatin. Richter oli kvartetin usein yhteistyökumppani. Borodin ja teki mielellään yhteistyötä nuoremman sukupolven muusikoiden kanssa, kuten Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Juri Bashmet, Zoltan Kochish, pianistit Vasily Lobanov ja Andrey Gavrilov. Richterin taidetta solistina ja yhtyeen esiintyjänä on ikuistettu lukuisiin studio- ja konserttitallenteisiin.

Neuvostoliiton pianisti, Neuvostoliiton kansataiteilija

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Emil aloitti pianonsoiton viiden ja puolen vuoden iässä, hänen ensimmäinen opettajansa oli Jakov Tkach. Saatuaan nopeasti merkittävän menestyksen Gilels esiintyi ensimmäisen kerran julkisuudessa toukokuussa 1929 esittäen Lisztin, Chopinin, Scarlatin ja muiden säveltäjien teoksia. Vuonna 1930 Gilels tuli Odessan musiikkiopistoon (nykyinen Odessan konservatorio).

Ja seuraavana vuonna hän voitti koko Ukrainan pianokilpailun, ja vuotta myöhemmin hän tapasi Arthur Rubinsteinin, joka puhui hyväksyvästi hänen esityksestään.

Muusikko tuli kuuluisaksi voiton jälkeen vuonna 1933 ensimmäisessä liittolaisessa muusikoiden ja esiintyjien kilpailussa, jota seurasi lukuisia konsertteja Neuvostoliitossa. Valmistuttuaan Odessan konservatoriosta vuonna 1935 Gilels tuli Moskovan konservatorion tutkijakouluun Heinrich Neuhausin luokkaan.

1930 -luvun jälkipuoliskolla pianisti saavutti merkittäviä kansainvälisiä menestyksiä: hän sijoittui toiseksi Wienin kansainvälisessä kilpailussa (1936), häviäen vain Jacob Flierille, ja kaksi vuotta myöhemmin hän kosti häneltä ja voitti Izaya -kilpailun vuonna Bryssel, jossa Flier pysyi kolmannella sijalla. Palattuaan Moskovaan Gilels aloitti opettamisen konservatoriossa Neuhausin avustajana.

Sodan aikana Gilels osallistui sotilaalliseen suojeluun, syksyllä 1943 hän konsertoi piiritetyssä Leningradissa, sodan päätyttyä hän palasi aktiiviseen konsertti- ja opetustoimintaan. Hän esiintyi usein nuoremman sisarensa, viulisti Elizaveta Gilelsin sekä Jacob Zakin kanssa. Vuonna 1950] hän perusti pianotrio yhdessä Leonid Koganin (viulu) ja Mstislav Rostropovichin (sello) kanssa, ja vuonna 1945 hän antoi ensimmäistä kertaa konsertteja ulkomailla (tullessaan ensimmäiseksi Neuvostoliiton muusikoiksi, jolla oli lupa tehdä tämä), kiertänyt Italia, Sveitsi, Ranska ja Skandinavian maat. Vuonna 1954 hän oli ensimmäinen Neuvostoliiton muusikko, joka esiintyi Pleyel Hallissa Pariisissa. Vuonna 1955 pianistista tuli ensimmäinen Neuvostoliiton muusikko, joka konsertoi Yhdysvalloissa, missä hän esitti Tšaikovskin ensimmäisen pianokonserton ja Rahmaninovin kolmannen konserton Philadelphia -orkesterin kanssa Eugene Ormandyn johdolla ja piti pian konsertin Carnegie Hallissa. oli valtava menestys. 1960-70-luvuilla Gilels oli yksi maailman kysytyimmistä Neuvostoliiton muusikoista ja vietti noin yhdeksän kuukautta vuodessa konsertteihin ja ulkomaisille kiertueille.

Yhteenvetona haluan todeta, että neuvostoliiton pianismin merkittävimpien edustajien metodologiset periaatteet ja kirjat osoittavat, että näiden muusikoiden näkemyksillä kaikella yksilöllisellä lähestymistavallaan pianonsoittoon ja pedagogiikkaan oli paljon yhteistä. Tämä on toive musiikkitekstin syvällisestä ymmärtämisestä ja säveltäjän aikomuksen tarkasta siirtämisestä sekä musiikin tyylin ja luonteen ymmärtämisestä perustana teokselle ominaisten taiteellisten kuvien realistiselle tulkinnalle.

Tyypillisesti tässä suhteessa yksi lausunnoista G. G. Neuhaus: "Me kaikki puhumme samasta asiasta, mutta eri sanoin." Tämä on yleistä ja määrittää neuvostoliiton pianistikoulun periaatteet, jotka kasvattivat merkittäviä pianisteja ja erinomaisia ​​opettajia.

XXIvuosisadalla

Mikä oli pianonsoiton taito ja miten siitä tuli 1900 -luvulla?

Mitä uutta 2000 -luvun alussa?

Miten on tapana soittaa pianoa nyt, 2000 -luvun toisella vuosikymmenellä?

21. vuosisadan esitystapa

***

XXI -luvun alussa musiikillisen esittävän taiteen kaksi pääsuuntaa ovat edelleen olemassa - transsendenttinen virtuoosisuus ja mielekäs tulkinta. 1900 -luvun lopulla nämä alueet keskittyivät yhä enemmän ja erosivat toisistaan. Kuitenkin syntyi myös uusi ilmiö, kun pianistit voivat palvella samanaikaisesti sekä esittävän taiteen toista että toista virtaa.

***

Suoritusperinteisiin vaikuttavat koko kilpailun mania, vuonna Tässä tapauksessa musiikkiteosten poikkeuksellisesta kilpailutasosta tulee yhä yleisempi malli, jota on noudatettava, myös konserttilavalla.

Äänityksen ihanteet ja konserttiperinteisiin vaikuttava kilpailukykyinen suorituskyky edellyttävät pianonsoiton laadun merkittävää parantamista. Ohjelman jokaisen kappaleen, ei vain "korostusten", pitäisi kuulua esittävän taiteen mestariteoksen tasolla. Sen, mitä studio pystyi saavuttamaan äänisuunnittelun ja tietokoneen editoinnin ansiosta useista esiintymisvaihtoehdoista, pitäisi tapahtua lavalla tällä hetkellä, tässä ja nyt.

Kansainväliset kilpailut ja festivaalit edistävät pianotaiteen globalisaatiota.

Useimmiten saamme tietää heidän nimensä PI Tšaikovskin kilpailun jälkeen. Tämä kilpailu toi julkkiksia sellaisille pianisteille kuin: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazi, Vladimir Krainev, Mihail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeniy Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova ...

Amerikkalainen pianisti, joka valloitti venäläisten sydämet

Ensimmäinen voittaja kansainvälisessä Tšaikovskin kilpailussa (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Amerikkalainen pianisti Van Cliburn (alias Harvey Levan Cliburn) on ehkä maamme rakastetuin ulkomainen muusikko. Venäläinen yleisö arvosteli ensin Van Cliburnin esiintymistaitoja, ja hänestä tuli Venäjän-vierailun jälkeen maailmankuulu muusikko.

Ensimmäiset pianotunnit hän sai äidiltään kolmivuotiaana. Kun Cliburn oli kuusivuotias, perhe muutti Texasiin, missä hän voitti kilpailun 13 -vuotiaana ja teki pian debyyttinsä Carnegie Hallissa.

Vuonna 1951 hän tuli Juilliard -kouluun Rosina Levinan luokkaan ja sai tulevina vuosina useita palkintoja arvostetuissa amerikkalaisissa ja kansainvälisissä kilpailuissa.

Nimi Cliburn sai maailmanlaajuista mainetta sensaatiomaisen voiton jälkeen ensimmäisessä kansainvälisessä Tšaikovskin kilpailussa Moskovassa vuonna 1958. Nuori pianisti voitti sekä tuomariston että yleisön sympatian. Tämä oli sitäkin yllättävämpää, koska toiminta tapahtui kylmän sodan huipulla. Palattuaan kotimaahansa Cliburn sai suurenmoisen innostuneen vastaanoton. Muusikko oli täynnä rakkautta ja kunnioitusta Neuvostoliittoa kohtaan, ja kilpailun jälkeen hän tuli toistuvasti konsertoimaan.

Van Cliburn keikkaili sekä kotimaassaan että ulkomailla. On puhunut kuninkaallisille ja valtionpäämiehille, kaikille Yhdysvaltain presidentille. Hänestä tuli ensimmäinen klassisen musiikin esiintyjä, joka sai platinalevyn. Hänen esityksestään Tšaikovskin ensimmäisestä pianokonsertosta on myyty yli miljoona kappaletta.

Vuodesta 1962 lähtien Van Cliburnin pianokilpailu on järjestetty Fort Worthissa, Texasissa.

Venäläinen pianisti, musiikinopettaja, julkisuuden henkilö

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Vladimir Krainevin musiikillinen lahjakkuus ilmeni Harkovin toisen asteen musiikkikoulussa, jonne hän tuli 5 -vuotiaana. Kaksi vuotta myöhemmin hänen ensimmäinen esiintymisensä suurella näyttämöllä tapahtui - yhdessä orkesterin kanssa hän esitti Haydnin konserton ja Beethovenin ensimmäisen konserton.

Krainev tuli Harkovin opettajien tuella Moskovan keskusmusiikkikouluun konservatoriossa nimeltä Tšaikovski Anaida Sumbatyanin luokkaan. Vuonna 1962 hän tuli konservatorioon nimeltä. Tšaikovski Heinrich Neuhausin luokkaan, ja hänen kuolemansa jälkeen hän opiskeli poikansa Stanislav Neuhausin kanssa, jolta hän valmistui myös tutkijakoulusta vuonna 1969.

Maailman tunnustus tuli Vladimir Kraineville 1960 -luvun alussa, kun hän voitti suuria palkintoja suurissa kansainvälisissä kilpailuissa Leedsissä (Iso -Britannia, 1963) ja Lissabonissa (Portugali, 1964). Esityksen jälkeen Leedsissä nuori pianisti sai kutsun kiertää Yhdysvaltoja. Vuonna 1970 hän voitti loistavan voiton IV International P.I. Tšaikovski Moskovassa.

Vladimir Krainev on toiminut Moskovan valtion filharmonisen yhdistyksen solistina vuodesta 1966. Vuodesta 1987 - Moskovan konservatorion professori. Vuodesta 1992 - professori Hannoverin musiikki- ja teatterikorkeakoulussa (Saksa).

Vladimir Krainev kiersi laajalti Euroopassa ja Yhdysvalloissa esiintyessään erinomaisten kapellimestarien kanssa, kuten Gennadi Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Mazur, Juri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondetskis.

Krainev oli järjestäjä "Vladimir Krainev kutsuu" -festivaalille Ukrainassa ja hänen nimensä mukaisesti nimettyyn kansainväliseen nuorten pianistien kilpailuun Harkovissa (vuodesta 1992).

Vuonna 1994 pianisti perusti kansainvälisen hyväntekeväisyyssäätiön nuorille pianisteille. Säätiö avusti ja tuki tulevia ammattimuusikoita, loi edellytykset heidän luovuudelleen Venäjällä ja ulkomailla, järjestää nuorten muusikoiden kiertueita ja konsertteja, tukee kulttuurin ja taiteen oppilaitoksia.

Kuuluisa kapellimestari ja pianisti, RSFSR: n kansataiteilija, perustaja ja johtaja vuosina 1990–1999 ja vuodesta 2003 nykypäivään asti. Voitti kultamitalin vuoden 1978 kansainvälisessä Tšaikovskin kilpailussa ja vuoden 2004 Grammy -palkinnon.

Mikhail Vasilievich Pletnev syntyi vuonnaVuosi 1957

Pletnev vietti lapsuutensa Saratovissa ja Kazanissa, 7 -vuotiaasta lähtien hän aloitti musiikkikoulun Kazanin konservatoriossa pianotunnilla. Hän opiskeli 13 -vuotiaasta lähtien Moskovan Tšaikovskin konservatorion musiikkikoulussa. Vuonna 1973 16-vuotias Pletnev voitti Grand Prix -tapahtuman kansainvälisessä nuorisokilpailussa Pariisissa, ja seuraavana vuonna hän tuli Moskovan konservatorioon, opiskeli professoreiden Yakov Flierin ja Lev Vlasenkon johdolla.

Vuonna 1977 Pletnev voitti ensimmäisen palkinnon Leningradin All-Union -pianokilpailussa ja vuonna 1978 kultamitalin ja ensimmäisen palkinnon Moskovan kansainvälisessä Tšaikovskin kilpailussa. Vuonna 1979 Pletnev valmistui konservatoriosta ja vuonna 1981 tutkijakoulu, jonka jälkeen hänestä tuli Vlasenkon avustaja, ja aloitti myöhemmin opettamisen omalla pianoluokallaan.

Valtion konsertin solistina vuonna 1981 Pletnev saavutti kuuluisuuden virtuoosipianistina, lehdistö huomasi hänen tulkintansa Tšaikovskin teoksesta, mutta myös hänen esityksensä Bachilta, Beethovenilta, Rahmaninovilta ja muilta säveltäjiltä. Pletnev teki yhteistyötä sellaisten kuuluisien kapellimestarien kanssa kuin Vladimir Ashkenazi, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai ja maailman tunnetuimmat sinfoniaorkesterit, kuten Lontoon sinfonia ja Los Angeles Philharmonic.

Vuonna 1980 Pletnev debytoi kapellimestarina, ja kymmenen vuotta myöhemmin, vuonna 1990, ulkomaisten lahjoitusten kustannuksella hän perusti itsenäisen Venäjän kansallisen sinfoniaorkesterin (myöhemmin nimeltään Venäjän kansallinen orkesteri, RNO) ja oli vuoteen 1999 asti sen taiteellinen johtaja, kapellimestari ja presidentti. Vuonna 2008 Pletnevistä tuli vieraileva kapellimestari orkesterin della Svizzera italiana (Italian Sveitsin sinfoniaorkesteri) kanssa. Vuonna 2006 Pletnev perusti kansallisen kulttuurin tukirahaston. Vuosina 2006–2010 Pletnev oli Venäjän federaation presidentin alaisen kulttuurin ja taiteen neuvoston jäsen ja vuosina 2007–2009 hän oli Unescon Venäjän federaation komission jäsen.

Kazakstanin pianisti, opettaja, professori ja Kurmangazy Kazakhin kansallisen konservatorion rehtori,

Kazakstanin kansataiteilija, kansainvälisten kilpailujen voittaja, professori

Zhania Yakhiyaevna Aubakirova syntyi vuonna 1957

Valmistui Alma-Atan osavaltion konservatoriosta Kurmangazy, Moskovan valtion konservatorio. PI Tšaikovski ja jatko -opinnot (professori L.N. Vlasenkon kanssa).

Vuodesta 1979 lähtien - valtion akateemisen ooppera- ja balettiteatterin säestäjä V.I. Abai ja Moskovan valtion konservatorion apulaisharjoittelija P. I. Tšaikovski. 1981 - vanhempi opettaja, apulaisprofessori, Alma -Atan osavaltion konservatorion erityispiano -osaston johtaja Kurmangazy. Vuodesta 1983 lähtien hän on ollut I -nimisen Kazakstanin valtion filharmonikon solisti. Jambula. Vuodesta 1993 - I -nimisen Almatyn valtion konservatorion professori. Kurmangazy. 1994 - "Zhania Aubakirovan tekijän koulu" perustettiin nykyaikaisten koulutusmenetelmien ja -tekniikoiden mukaisesti. Vuodesta 1997 - Kazakstanin Kurmangazyn kansallisen konservatorion rehtori. Hänen johdollaan konservatoriosta tuli maan johtava musiikkiyliopisto ja tasavallan kulttuuri- ja koulutuskeskus, vuonna 2001 sille myönnettiin kansallinen asema.

1998 - Zhania Aubakirovan aloitteesta järjestettiin "Classics" -musiikkitoimisto, joka piti "Kazakstanin kaudet Ranskassa" menestyksekkäästi, järjesti konsertteja yli 18 maassa, tallensi yli 30 CD -levyä, yli 20 musiikkielokuvaa Kazakstanin esiintyjiä. 2009 - marraskuussa Kazakstanin kansallisen konservatorion opiskelijoiden sinfoniaorkesteri. Kurmangazy kiersi Yhdysvaltojen viisi suurinta kaupunkia: Los Angeles, San Francisco, Washington, Boston ja New York. Nuoret muusikot yhdessä rehtorinsa, Kazakstanin tasavallan kansataiteilijan Zhania Aubakirovan kanssa esiintyivät maailman tunnetuimmissa salissa - Kennedy Centerissä ja Carnegie Hallissa.

Zhania Aubakirovan konsertteja ja esityksiä kuuluisien orkestereiden kanssa, joissa edistetään maailman musiikkiklassikoita ja kazakstanin säveltäjien teoksia, järjestetään säännöllisesti Kazakstanissa, Ranskan, Englannin, Saksan, Japanin, Venäjän, Puolan, Italian, Yhdysvaltojen, Israelin, Kreikan, Unkari. Moskovan Tšaikovskin konservatorion suuret salit ja Pietarin filharmonikot, Moskovan musiikkitalo.

Aikamme erinomainen pianisti

Boris Berezovskysyntynyt vuonna 1969

Hän tuli Moskovan konservatorioon erinomaisen pianistin Eliso Virsaladzen luokassa. Jonkin ajan kuluttua Berezovskylle tulee "ahdas" Eliso Virsaladzen luokassa, jossa soitetaan vain perinteistä ohjelmistoa, joten hän alkaa ottaa yksityistunteja Alexander Satsilta. Sats avaa uusia näköaloja venäläiselle klassiselle musiikille Boris Berezovskille. Hänen kanssaan Berezovsky alkaa pelata Medtneriä, paljon Rahmaninovia ja monia muita. Mutta Boris Berezovsky ei onnistunut suorittamaan opintojaan Moskovan konservatoriossa, hänet erotettiin osallistumisesta Tšaikovskin kilpailuun loppukokeiden aikana. Mutta tämä seikka ei estänyt häntä olemasta aikamme virtuoosisin ja vaadituin esiintyjä.

Yli kymmenen vuoden ajan Boris Berezovsky on esiintynyt maailman tunnetuimpien orkestereiden kanssa: BBC -orkesteri, Lontoon ja New Yorkin filharmonikot, uusi japanilainen filharmoninen orkesteri, Birmingham ja Philadelphian sinfonia. Berezovsky osallistuu säännöllisesti eri kamarimusiikkifestivaaleille, ja hänen kappaleitaan voi kuulla Berliinissä ja New Yorkissa, Amsterdamissa ja Lontoossa. Puhuu sujuvasti englantia ja ranskaa.

Pianistilla on melko laaja diskografia. Hänen konserttiensa uusimmat tallenteet ovat saaneet korkeimmat arvostelut kriitikoilta. Saksan levy -yhtiö myöntää korkean palkinnon Rahmaninovin sonaateille Boris Berezovskin tulkitsemana. Nauhoitukset Ravelin teoksista pääsivät klassisille listoille Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Boris Berezovsky on yhdeksännen kansainvälisen Tšaikovskin kilpailun kultamitalin voittaja, häntä kutsutaan "uudeksi Richteriksi". hänen sukupolvensa. Nykyään Boris Berezovski voidaan kuulla yhä useammin Venäjän suurilla konserttilavoilla.

Yksi inspiroiduista, älykkäistä esiintyjistä, Venäjän kieli pianisti , opettaja, solisti Moskovan valtion filharmonikot , Venäjän kansataiteilija

NikolathLeijoná hivNiityt́ nskiy syntyi1972 vuosi

Hänen soittamisensa onnistui ottamaan kaiken parhaan, mitä Moskovan keskusmusiikkikoulu ja konservatorio voisi tarjota.

Tällä inspiroidulla tulkilla, jolla on loistava pelitekniikka, on nyt harvinainen lahja luovaa lähestymistapaa kohtaan, yksi harvoista, hän pystyy tuomaan Jumalan kipinän esiin Beethovenin teoksissa ja paljastamaan harvinaisen. " Mozartin helvetin ääni ", soittaa mitä tahansa arvokasta materiaalia niin, että väsynyt katsoja löysi uudelleen melodioita, joita soitettiin tuhansia kertoja täysin erilaisessa suoritusmuodossa.

Nyt Venäjällä on monia ammattilaisia, jotka pystyvät osoittamaan korkeaa luokkaa. Kuitenkin, millään tavalla huonompi kuin arvostetut kollegat, Lugansky on edelleen ainutlaatuinen ilmiö venäläisessä musiikissa.

Voit soittaa klassikoita eri tavoilla: jokainen koulu - ranska, saksa, italia - tarjoaa oman ratkaisunsa ainutlaatuisen äänen korkeisiin ongelmiin.

Mutta jokainen todella virtuoosinen pianisti "luo omat klassikkonsa", mikä on osoitus neroudesta. Musiikkiuransa alussa Nikolai Luganskyä kutsuttiin "Richter -pianistiksi", sitten häntä verrattiin myös Alfred Cortoon.

Nikolai Lugansky on edelleen ainutlaatuinen ilmiö venäläisessä musiikissa.

Kuuluisa venäläinen pianisti, klassinen muusikko

Evgeny Igrevich Kisin syntyi vuonna 1971

6 -vuotiaana hän tuli Gnessinin musiikkikouluun. Ensimmäinen ja ainoa opettaja on Anna Pavlovna Kantor.

Aluksi ihmelapsena hän esiintyi nimellä Zhenya Kisin. 10 -vuotiaana hän esiintyi ensimmäisen kerran orkesterin kanssa ja esitti Mozartin 20. konserton. Vuotta myöhemmin hän antoi ensimmäisen soolokonserttinsa. Vuonna 1984 (12 -vuotiaana) hän esitti Chopin -konsertteja 1 ja 2 pianolle ja orkesterille Moskovan konservatorion suuressa salissa.

Vuonna 1985 Evgeny Kissin meni ensimmäistä kertaa ulkomaille konserteilla, vuonna 1987 hän debytoi Länsi -Euroopassa Berliinin festivaaleilla. Vuonna 1988 hän esiintyi Herbert von Karajanin kanssa Berliinin filharmonisen orkesterin uudenvuoden konsertissa esittäen Tšaikovskin ensimmäisen konserton.

Syyskuussa 1990 Kissin debytoi Yhdysvalloissa, jossa hän esitti Chopin -konsertteja 1 ja 2 New Yorkin filharmonisen orkesterin kanssa Zubin Metan johdolla. Viikkoa myöhemmin muusikko laulaa Carnegie Hallissa. Helmikuussa 1992 Kissin osallistuu New Yorkin Grammy -palkintoihin, joita televisioidaan arviolta kuusisataa miljoonaa katsojaa. Elokuussa 1997 hän piti esityksen Proms -festivaalilla Lontoon Albert Hallissa - ensimmäisen pianoillan yli 100 vuoden festivaalin historiassa.

Kissin harjoittaa intensiivistä konserttitoimintaa Euroopassa, Amerikassa ja Aasiassa keräämällä jatkuvasti loppuunmyytyjä; esiintyi maailman johtavien orkestereiden kanssa sellaisten kapellimestarien johdolla kuin Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazi, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozava, Jevgeni Svetyrtropov, Georg Solti ja Maris Jansons; Kissinin kamarimusiikkikumppaneita ovat Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern ja muut.

Jevgeni Kisin esittää runoiltoja myös jiddišiksi ja venäjäksi. Vuonna 2010 julkaistiin CD -levy, jolla on tallenteita nykyaikaisen runouden teoksista E. Kissinin "Af di keyboard fun yidischer poetry" (Juutalaisen runouden näppäimistä). Kissinin itsensä mukaan hänellä on vahva juutalainen identiteetti lapsuudesta lähtien ja hän lähettää israelilaismielistä materiaalia henkilökohtaiselle verkkosivustolleen.

Venäläinen pianisti, julkisuuden henkilö, Venäjän kansataiteilija

Denis Leonidovich Matsuev syntyi vuonna 1975

Denis Matsuev vietti lapsuutensa kotimaassaan Irkutskissa. Luovaan perheeseen syntynyt poika opiskeli musiikkia pienestä pitäen. Ensinnäkin hän meni kaupungin peruskouluun numero 11, joka on nimetty V. V. Majakovskin mukaan, ja alkoi samalla käydä paikallista taidekoulua. Kuudentoistavuotiaana Denis Matsuev tuli Irkutskin musiikkiopistoon. Hän kuitenkin huomasi nopeasti, että hänen lahjakkuutensa kaipasi perusteellisempaa leikkausta. Perheneuvostossa päätettiin muuttaa pääkaupunkiin. Vanhemmat ymmärsivät, että heidän lahjakkaalla pojallaan voisi olla erittäin menestyvä luova elämäkerta. Denis Matsuev muutti Moskovaan vuonna 1990.

Vuonna 1991 hänestä tuli kansainvälisen julkisen hyväntekeväisyyssäätiön (New Names) voittaja. Tämän seikan ansiosta hän vieraili jo nuoruudessaan yli neljäkymmentä maailman maata konserttiesityksillä. Tärkeimmät henkilöt tulivat kuuntelemaan hänen virtuoosipelinsä: Englannin kuningatar, paavi ja muut. Vuonna 1993 Denis Matsuev pääsi Moskovan valtion konservatorioon. Samanaikaisesti hän esiintyi julkisen säätiön New Names -ohjelmissa, jotka pidettiin Denisin suojelija Svjatoslav Belzin valvonnassa. Vuonna 1995 taiteilija hyväksyttiin solistiksi Moskovan valtion filharmoniassa. Tämä antoi Denis Leonidovichille mahdollisuuden laajentaa konserttitoimintansa laajuutta.

Yhdessä yhdennentoista kansainvälisen kilpailun Pjotr ​​Iljitš Tšaikovskin mukaan voittaman voiton kanssa muusikosta tuli maailmankuulu. Hänen elämäkertaansa koristi tämä kohtalokas tapahtuma vuonna 1998. Denis Matsuevista on tullut yksi maailman suosituimmista pianisteista. Hänen virtuoosiset esityksensä herättivät suurta resonanssia maailmassa. Taiteilijaa kutsuttiin arvostetuimpiin tapahtumiin. Hän esiintyi esimerkiksi Sotšin olympialaisten päätöstilaisuudessa.

Vuodesta 2004 lähtien Denis Matsuev esittelee vuosittain henkilökohtaisen tilauksensa. Venäjän ja ulkomaiden parhaat sinfoniaorkesterit esiintyvät yhdessä muusikon kanssa.

Hän tekee paljon maansa hyväksi. Yrittäessään saada ihmiset rakastamaan musiikkia, taiteilija järjestää kaikenlaisia ​​festivaaleja ja kilpailuja. Lisäksi hän pyrkii pitämään ne Venäjän eri alueilla, jotta kaikki maan asukkaat voivat koskettaa korkeaa taidetta, kuulla parhaiden musiikkiteosten loistavan esityksen.

Lopuksi teemme yhteenvedon XXI -luvun pianotaiteen kehityksen pääsuunnista ja suuntauksista. Pianotaiteen virtuoosissa ja merkityksellisissä suunnissa havaitaan seuraavat kehitykseen liittyvät tekijät: suuntautuminen äänitallenteen laatuun ja estetiikkaan, sävykonjugaation ilmeikkyyden lisääntyminen, mahdollisuuksien laajentaminen agogiikan alalla ja äänen sävy, temppujen hidastuminen ja suorituskyvyn keskimääräisen dynaamisen tason lasku, tekstuurin polyfonisaatio. Nämä tekijät vaikuttavat syvyyden kasvuun ja esityksen sisältöpuolen nykyaikaiseen uusimiseen. Samalla pianokonsertin ohjelmistoa päivitetään uusien erittäin taiteellisten teosten löytämisen vuoksi, joita ei aiemmin arvostettu.

Kuitenkin intonaation yleistyminen ja merkityksellisyys ovat 2000 -luvun pianotaiteen kehityksen pääsuuntauksia.

Tämä luettelo esiintyvistä pianisteista osoittaa, että piano tarjoaa lähes rajattoman inspiraation. Kolmen vuosisadan ajan pianomuusikot ovat ilahduttaneet kuulijoita ja innoittaneet heitä omaan toimintaansa musiikkimaailmassa.

Riippumatta siitä, mihin aikaan muusikko kuuluu, paitsi lahjakkuus teki hänestä suuren, myös täydellisen hajoamisen musiikissa !!!

PSTutkittuaan tätä aihetta koskevaa kirjallisuutta tulimme siihen johtopäätökseen, että pianokoulujen kehitys niiden perustamishetkestä meidän aikanamme johtui mestarin persoonallisuuden hengellisestä monipuolisuudesta, ja pedagogiset haut olivat luova perusta ja itse asiassa kannustin luovuudelle. Progressiiviset muusikot-kasvattajat tukivat kaikkea, mitä he pitivät arvokkaana taiteessa; korkeat kansalaisideaalit, luovuuden ennalta määrätty lähetystyö.

Ajatus suurista muusikoista, esiintyjistä ja opettajista on aina ollut suunnattu kehittämään opetusperiaatteita, jotka vastaavat esitystehtävien ideoita. Tämä määritteli suurelta osin instrumentin soittamiseen liittyvien tieteellisten teosten sisällön.

Clavier -aikakauden vanhoissa traktaateissa sanottiin musiikin sävellyksestä, improvisaatiotekniikasta ja sävellysten järjestelyistä, soittimen ääressä istumisesta, sormistamisesta ja pelisäännöistä. Kaikki tämä selittyy sillä, että ennen pianoa aikakaudella esiintyjä oli säveltäjä, joka esitteli kuuntelijoille omia teoksiaan ja improvisointitaitoaan. Esittäjä-tulkin ammatti (mutta ei musiikin säveltäjä) ei noina vuosina ollut vielä eristetty muusikon luovan toiminnan erityismuodoksi. Vasta 1800 -luvulla uuden konstruktin - pianon - nousun ja soittamisen virtuoosisuuden innostumisen myötä muusikot, säveltäjät, esiintyjät ja opettajat, jotka opettivat soittamaan tätä instrumenttia, erosivat asteittain.

Musiikkitaidetta koskevien tieteellisten teosten sisältö on myös muuttunut monin tavoin. Eri tutkimuksissa, oppikirjoissa ja opetusmenetelmiä koskevissa teoksissa kaikkia musiikilliseen luovuuteen, suorituskykyyn ja pedagogiikkaan liittyviä kysymyksiä ei enää otettu huomioon. Jokaisen teoksen teema oli vain tietty musiikkitieteen alue. Pianotaidetta koskevien kirjojen kirjoittajat olivat pääasiassa kiinnostuneita pianistisen tekniikan hallitsemisesta, ja suurin osa metodologisista teoksista ja opetusvälineistä oli omistettu näille aiheille. Niinpä pianonsoiton teoreettiset teokset ovat monien vuosien ajan pelkistyneet järkevien soittomenetelmien luomisen ongelmiin, mikä mahdollistaa virtuoositekniikan saavuttamisen. Vasta 1800- ja 1900 -luvun lopulla merkittävät muusikot kääntyivät esittävien taiteiden taiteellisten kysymysten puoleen, jotka määrittivät tulkintatehtävät, ymmärsivät musiikkiteosten tyylin ja sisällön. Kysymykset pianonsoitotekniikasta liittyivät myös näihin ongelmiin. Opettajan tärkein tavoite oli kouluttaa muusikko, jonka esittävä taide ei ole osoitus teknisestä taidosta vaan kyky välittää taideteoksen sisin merkitys elävissä, kuviollisissa ilmaisumuotoissa.

Jokainen klassisen musiikin ystävä voi nimetä suosikkinsa.

30. kesäkuuta Alfred Brendelin sooloesitys julkistettiin Mariinsky -teatterin konserttisalissa. Tätä konserttia ei ollut mahdollista löytää pianistin virallisilta verkkosivuilta. Mutta Moskovan tulevalle konsertille, joka pidetään 14. marraskuuta, on päivämäärä. Gergiev erottuu kuitenkin kyvystään ratkaista ratkaisemattomia ongelmia.

LUE MYÖS:

Martha Argerich viettää kesäkuun tavalliseen tapaan Sveitsin Luganon kaupungissa, jossa hänen oma musiikkifestivaalinsa järjestetään. Ohjelmat ja osallistujat muuttuvat, yksi asia pysyy muuttumattomana: Argerich itse osallistuu joka ilta yhden teoksen esittämiseen. Heinäkuussa Argerich esiintyy myös Euroopassa: Kyproksella, Saksassa ja Sveitsissä.

Moskovassa Marc-André Hamen esiintyi vasta tämän vuoden maaliskuussa osana samaa tilausta kuin Maurizio Pollini. Kesäkuussa Amlen kiersi Eurooppaa. Hänen aikataulussaan on kappaleita Kööpenhaminassa ja Bonnissa sekä esityksiä festivaalilla Norjassa.

Kesäkuussa Evgeny Kissin kiersi Sveitsiä, Itävaltaa ja Saksaa Kremerata Baltika -orkesterin kanssa ja soitti Mozartin 20. ja 27. konserttoa. Seuraava kiertue on suunniteltu lokakuussa: Frankfurtissa, Münchenissä, Pariisissa ja Lontoossa Kissin seuraa Dmitri Hvorostovskiä.

Kesäkuu Arkady Volodos aloitti esityksensä Pariisissa, kesällä hänet kuullaan Salzburgissa, Rheingaussa, Bad Kissingenissä ja Oslossa sekä Puolan pienessä Dusnikin kaupungissa perinteisellä Chopin -festivaalilla.

Vuonna 1999 Pogorelich lopetti esiintymisen. Sanotaan, että syy tähän oli este, johon tyytymättömät kuuntelijat joutuivat pianistiin Philadelphiassa ja Lontoossa. Toisen version mukaan hänen vaimonsa kuolemasta tuli muusikon masennuksen syy. Pogorelich palasi äskettäin konserttilavalle, mutta hän ei esitä paljon.

Viimeisin paikka luettelossa on vaikein täyttää. Loppujen lopuksi on vielä jäljellä niin monia erinomaisia ​​pianisteja: kotoisin Puolasta Christian Zimmerman, amerikkalainen Murray Peraia, japanilainen Mitsuko Ushida, korealainen Kun Wu Peck tai kiinalainen Lang Lang. Vladimir Ashkenazy ja Daniel Barenboim jatkavat uraansa. Jokainen musiikin ystävä rakastaa suosikkiaan. Joten jätetään yksi paikka kymmenen parhaan joukkoon.

Voit elää musiikin kanssa, mutta älä koskaan ansaitse omaisuuttasi lahjakkuudestasi. Mutta nämä ihmiset - maailman rikkaimmat pianistit - onnistuivat murtautumaan eliittiin, ja lisäksi heidän pääomansa arvioidaan olevan miljoonia dollareita. Nämä ovat todellisia tähtiä, jotka soittavat mestarillisesti pianoa, esiintyvät esityksissä ja antavat mahtavia konsertteja, kirjoittavat itse musiikkia tai yksinkertaisesti laittavat koko sielunsa instrumenttiin.

Muusikot ja näyttelijät

Britti Jules Holland (koko nimi - Julian Miles Holland) yhdistää muusikkouran täydellisesti televisioalan työhön. Hän oli vielä poikana säveltäjä ja showmies, ja hän työskenteli Lontoon pubeissa ja ansaitsi rahaa. Lisäksi hänellä oli hyvä ääni ja oma laulutyyli, joten tästä tuli nuoren esiintyjän lisäetu. Hän on julkaissut useita albumeita, tehnyt yhteistyötä Stingin ja George Harrisonin, David Gilmourin ja Eric Claptonin, Bonon ja Mark Knopflerin kanssa. Esittäminen ympäri maailmaa on ansainnut Julesille 2 miljoonan dollarin nettovarallisuuden.

Amerikkalainen laulaja ja pianisti Michael Feinstein pitää vuosittain yli kaksisataa esitystä. Into into pianoa kohtaan syntyi jo lapsuudessa - hänen vanhempansa lähettivät poikansa opiskelemaan musiikkia, ja hän huomasi voivansa soittaa ilman nuotteja silmiensä edessä. 20 -vuotiaana hän, Julesin tavoin, viihdytti ihmisiä baareissa, ja sitten hän oli onnekas päästäkseen suurenmoiseen projektiin. Hän äänitti laajan kokoelman gramofonilevyjä (Ira Gershwinin teoksia). Teos kesti 6 vuotta, samaan aikaan muusikko esiintyi Broadwaylla, myöhemmin Carnegie Hallissa, Sydneyn oopperatalossa, Valkoisessa talossa ja Buckinghamin palatsissa - kaikkialla Michael antoi suuria konsertteja. Tämän seurauksena Feinsteinin omaisuus on 10 miljoonaa dollaria.

Lahjakkaat pianistit - "monipianistit"

Rikkaimpien pianistien luetteloon kuuluu myös kotoisin oleva Neuvostoliitto - Regina Spektor. Hän syntyi Moskovassa, musiikillisessa perheessä, myöhemmin vanhemmat (jotka antoivat tytölle ensimmäiset oppitunnit) muuttivat Amerikkaan. Siellä hän alkoi soittaa pianoa synagogassa. Regina opiskeli Sonya Vargasin luona, kirjoitti kappaleita ja valmistui myöhemmin konservatoriosta. Vuonna 2001 tytön ensimmäinen albumi julkaistiin, kolme vuotta myöhemmin hänellä oli jo sopimus Sire Recordsin kanssa. Reginan kiinnostuksen kohteet ovat monipuoliset: klassisen musiikin lisäksi myös folk-, punk-, hip-hop-, rock-, jazz-, venäläinen ja juutalainen musiikki. Kierrokset ja tallenteet toivat pianistille 12 miljoonaa dollaria.

Spectorin ikä, 35-vuotias Sara Barellis, aloitti koulukuoron jäsenenä ja siirtyi sitten musiikkiryhmään, joka on erikoistunut a cappella -lauluun. Opiskelijana Sarah työskenteli yökerhoissa ja baareissa ja alkoi myöhemmin esiintyä festivaaleilla ja suurissa tapahtumapaikoissa. Barellisin debyyttilevy ansaitsi tunnustusta, hän allekirjoitti pian sopimuksen Epic Recordsin kanssa, ura nousi ylämäkeen - ja nyt Sarah on kiertänyt ympäri Amerikkaa. Hänen tyylinsä on piano-rock, jossa on jazzin ja sielun vaikutteita, hän omistaa paitsi pianon myös kitaran, harmonian ja ukulelen. Konsertit, duetot Sherrill Crow'n ja Norah Jonesin kanssa, esitykset Obaman perheelle, vierailut TV -ohjelmissa, albumit ja singlet ovat ansainneet Sarahille 16 miljoonaa dollaria.

Aasian ilmiö

Ja tässä on klassinen pianisti - yksi "hit -paraatimme" rikkaimmista pianisteista - China Lan Lanin edustaja. Hän - rankingin nuorin - saavutti mainetta (ja 20 miljoonaa dollaria) aikaisin. Hänen ensimmäinen kohtaamisensa länsimaiseen musiikkiin oli katkelma kultti -tv -sarjasta Tom ja Jerry (jossa sankarit esittävät Franz Lisztin unkarilaista rapsoodia nro 2). Hän valmistui konservatoriosta ja useiden kilpailuvoittojen jälkeen hänet pidettiin maan parhaana pianistina. Jo 14 -vuotiaana Lan Lan muutti Philadelphiaan ja tuli Curtis Institute of Musiciin. Kolmen miljoonan sopimus Sonyn kanssa, konsertit maailman johtajille, kiertueet Euroopassa, Yhdysvalloissa ja Aasiassa tekivät hänestä yleisen suosikin ja antoivat hänen tulla Forbesin mukaan satojen vaikutusvaltaisimpien ihmisten joukkoon.

Järjestäjä, improvisoija, tuottaja

Säveltäjä, esiintyjä, musiikin tuottaja, sovittaja, oman nimensä bändin järjestäjä Yanni Chrysomallis syntyi Kreikassa, mutta asuu nyt Yhdysvalloissa. Hän ei heti päättänyt, että musiikki on tärkein asia hänen elämässään. Aluksi Yanni tuli Minnesotan yliopiston psykologiseen tiedekuntaan ja jo siellä hän alkoi oppia soittamaan näppäimistöä. Ensimmäinen tunnustus tuli hänelle 1988-1989 -kiertueella, kun hän esiintyi Dallasin sinfoniaorkesterin kanssa. Sen jälkeen Yanni teki hämmästyttävän uran valtavalla määrällä konsertteja, musiikkipalkintoja, ainutlaatuisia tallenteita. Chrysomallisin pääoma on tänään 40 miljoonaa dollaria.

La Scalan johtaja

Legendaarisen Teatro alla Scalan musiikillisella johtajalla, 72-vuotiaalla Daniel Barenboimilla, on venäläiset juuret. Hänen vanhempansa muuttivat Neuvostoliitosta Argentiinaan, missä Daniel kasvoi. Lahjakas poika antoi ensimmäisen konserttinsa 7 -vuotiaana (hänen isänsä ja äitinsä olivat pianisteja, ja he opettivat poikaansa). Muusikon luova polku on hämmästyttävä: hän johti Chicagon sinfoniaorkesteria, Pariisin orkesteria, Berliinin valtionoopperaa, hän on Britannian imperiumin ritarikunnan, Kunnialegioonan ritarikunnan kunnia ritari -komentaja ja sai Grammy -palkinnon Seitsemän kertaa. Pianistin omaisuuden arvioidaan olevan 50 miljoonaa dollaria.

Palkintoisin elokuvasäveltäjä

Tunnetuin ja tunnetuin elokuvasäveltäjä John Williams on myös yksi maailman rikkaimmista pianisteista. 100 miljoonaa pääomaa, viisi Oscar -palkintoa (ja 49 ehdokkuutta), 21 Grammy -palkintoa, 4 Golden Globe -palkintoa ja monia muita palkintoja - tämä on erittäin merkittävää! Williams kirjoitti musiikkia kaikkiin Steven Spielbergin elokuviin ja George Lucasin mestariteoksiin, mukaan lukien Tähtien sota ja Indiana Jones -sarja. John aloitti jazzpianistina, joka esiintyi New Yorkin klubeilla. Hän alkoi kirjoittaa musiikkia elokuville 1960 -luvulla, ja siitä lähtien hän on ansainnut kaikkien aikojen kuuluisimman elokuvasäveltäjän arvon.

Musiikin legendat

Billy Joel on oikeutetusti rikkaimpien pianistien sijoituksemme toisella rivillä. Sen "nettovarallisuus" on 160 miljoonaa dollaria. Muusikko, laulaja, lauluntekijä William Martin Joel kasvoi musikaalisessa perheessä: hänen isänsä oli klassinen pianisti ja hänestä tuli opettaja pojalleen. Billy kuunvalossa soitti pianoa jo koulussa ollessaan auttaakseen äitiään rahalla. Myöhemmin hän opiskeli Columbian yliopistossa. Ensimmäinen sooloalbumi "Cold Spring Harbor" oli täydellinen katastrofi, mutta joitain kappaleita soitettiin radiossa, ja Joel pystyi allekirjoittamaan sopimuksen Columbia Recordsin kanssa, minkä jälkeen asiat sujuivat sujuvasti.

Luokituksen johtaja on upeasti rikas - 440 miljoonaa dollaria. Hän kiinnostui pianosta kolmen vuoden iässä ja opiskeli seitsemän vuoden iässä. Hyvin pian poika onnistui voittamaan stipendin Royal Academy of Musicissa, opintojensa aikana hän esiintyi läheisessä pubissa. Ihmiset kaikista ympäröivistä kaduista kokoontuivat tänne kuuntelemaan poikaa. Nuorestä pianistista tuli rock -tähti, hän sai fanien meren, valloitti tuhansia vaiheita, lauloi dueton kaikkien aikojen suurimpien laulajien kanssa, äänitti albumeita, voitti monia palkintoja. Etkö ole vielä arvannut kuka se on? Maailman rikkain (ja lahjakkain) pianisti, Elton John.

Erikoistunut musiikkiteosten pianoesitykseen.

Mielenkiintoinen tosiasia on, että pianistin ammatin kannalta on erityisen tärkeää aloittaa musiikin tekeminen hyvin varhaisessa iässä, noin 3–4 -vuotiaana. Sitten muodostuu "leveä" kämmenmuoto, joka auttaa tulevaisuudessa pelaamaan mestarillisesti.

Pianomusiikin kehityskaudesta riippuen pianisteille asetettiin toisinaan täysin päinvastaisia ​​vaatimuksia. Lisäksi muusikon ammatti risteilee väistämättä. Useimmat pianistit säveltävät omia musiikkikappaleitaan pianolle. Ja vain harvinaiset virtuoot onnistuivat tulemaan kuuluisiksi esittämällä yksinomaan muiden ihmisten melodioita.

Joka tapauksessa, kuten kuka tahansa muusikko, on tärkeää, että pianisti on vilpitön ja tunteellinen, pystyy sulautumaan esittämäänsä musiikkiin. Kuuluisan musiikkikriitikon Harold Schonbergin mukaan tämä ei ole vain väline, vaan elämäntapa, mikä tarkoittaa, että pianistin elämän tarkoitus ei ole vain musiikkia, vaan musiikkia pianon vuoksi.

Mozart, Liszt ja Rahmaninov - pianotaiteen klassikoita

Pianomusiikin historia on varsin mielenkiintoinen. Siinä on useita vaiheita, joista jokaisella on omat perinteensä. Usein aikakauden kaanonit asetti yksi (harvemmin useat), jotka hallitsivat mestarillisesti soittimen (aluksi se oli cembalo ja vasta piano).

Siksi, erottaen kolme aikakautta pianismin historiassa, ne on nimetty kuuluisimpien säveltäjien - Mozartin, Lisztin ja Rahmaninovin - mukaan. Jos käytämme historioitsijoiden perinteistä terminologiaa, nämä olivat klassismin, sitten romantiikan ja varhaisen modernismin aikakausia.

Kuuluisia pianisteja 18-19-luvulla

Kullakin näistä ajanjaksoista työskenteli myös muita pianisteja, joista monet olivat myös säveltäjiä ja jätti pysyvän jäljen pianomusiikin historiaan. Nämä ovat kaksi kolmesta "wieniläisestä klassikosta" Schubert ja Beethoven, saksalaiset Brahms ja Schumann, puolalainen Chopin ja ranskalainen Charles Valentin Alcan.

Johannes Brahms

Tänä aikana pianisteilta vaadittiin ensisijaisesti kykyä improvisoida. Pianistin ammatti liittyi läheisesti säveltämiseen. Ja jopa muiden teoksia esittäessään hänen omaa tulkintaansa, vapaata tulkintaa, pidettiin oikeana. Nykyään tällaista esitystä pidettäisiin mauttomana, virheellisenä, jopa kyvyttömänä.

1900- ja 2100 -luvun kuuluisat pianistit

1900 -luku - pianotaiteen kukoistus. Tällä kaudella on epätavallisen runsaasti poikkeuksellisen lahjakkaita ja erinomaisia ​​pianisteja.

1900 -luvun alussa Hoffmann ja Korto, Schnabel ja Paderewski tulivat kuuluisiksi. Ja luonnollisesti hopeakauden nero Rahmaninov merkitsi uutta aikakautta paitsi pianomusiikissa myös koko maailmankulttuurissa.

1900 -luvun toinen puoli on sellaisten kuuluisien pianistien aikakausi kuin Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff ...

Svjatoslav Richter

Tällaiset erinomaiset pianistit, kuten amerikkalainen Van Cliburn, josta tuli kansainvälisen Tšaikovskin kilpailun ensimmäinen voittaja vuonna 1958, jatkavat musiikillista luovuuttaan 21. vuosisadan alussa. On syytä mainita muusikko, joka voitti saman kilpailun ensi vuonna - suosituin poppianisti Vladimir Ashkenazi.

Kuuluisin pianisti ei ole Mozart

Jos kyselet, kuka on historian kuuluisin pianisti, useimmat ihmiset todennäköisesti vastaavat - Mozart. Wolfgang Amadeus ei kuitenkaan vain hallinnut instrumenttia täydellisesti, vaan oli myös lahjakas säveltäjä.

Tiedetään, että ainutlaatuisen muistin, uskomattoman improvisointikyvyn ja suuren pianistin lahjakkuus kehittyi vain pienen neron isän ansiosta. Päivittäisten toimintojen seurauksena kaappiin lukitsemisen uhalla lapsi jo 4 -vuotiaana suoritti helposti melko monimutkaisia ​​töitä yllättäen muut. Vähemmän kuuluisa on Salieri, jolla ei ole nero -kipinää, Mozartin ikuinen vastustaja, jonka jälkeläiset syyttävät epäoikeudenmukaisesti tahallisesta murhasta.

Muuten, useimmissa tapauksissa muusikosta tulee säveltäjä ja hän saavuttaa siten mainetta. Siksi ei pitäisi olla yllättävää, että käytännöllisesti katsoen kaikista nerokkaista muusikoista tulee yhtä kuuluisia lauluntekijöitä. Hyvin harvoin kukaan onnistuu saavuttamaan mainetta vain esiintyjänä.

Kotimaiset pianistit

Musiikin historia tietää monia esimerkkejä siitä, kun kuuluisa pianisti tuli suosituksi luomustensa uskomattoman menestyksen vuoksi. On mukava tietää, että paljon tällaisia ​​neroja syntyi Venäjällä. Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky, Shostakovich ovat vain pieni osa suurten venäläisten muusikoiden galaksia. Nykyaikaisista kuuluisista esiintyjistä voidaan erityisesti todeta Denis Matsuev - arvokas seuraaja venäläisen musiikkikoulun perinteille.

Jokainen Neuvostoliitossa syntynyt muistaa luultavasti kuuluisan ja virtuoosinäyttelijän Van Cliburnin menestyksen kylmän sodan aikana. Ensimmäisen kansainvälisen Tšaikovskin kilpailun voittaja, nuori amerikkalainen pianisti ei pelännyt tulla maahan, joka oli suljettu länsimaiselta yhteiskunnalta. Hänen ensimmäisestä Tšaikovskin pianokonsertostaan ​​tuli ensimmäinen platinalevy klassisten muusikoiden keskuudessa.

Muuten, pianismin historiassa on kolme aikakautta, jotka on nimetty suurten pianistien mukaan: Mozart, Liszt ja Rahmaninov. Mozartin aikakausi on klassismia, Lisztin aikakaudelle on ominaista hienostunut romantiikka, ja Rahmaninovin aikakaudesta tuli vastaavasti modernismin alku. Älä unohda, että sellaiset mahtavat pianistit kuin Schubert, Bach, Beethoven, Brahms, Chopin työskentelivät samanaikaisesti näiden kuuluisien muusikoiden kanssa.

Nykyaikaiset pianistit

Jotkut uskovat, että pianismin kukoistus on jo ohi, ja nykytaiteilijoilla ja säveltäjillä ei ole käytännössä mitään esitettävää hemmoteltujen yleisön tuomioistuimelle. Loistava Svjatoslav Richter työskenteli kuitenkin viime vuosisadan lopussa. Yleensä asiantuntijat pitävät 1900 -lukua pianotaiteen kukoistuksena. Vuosisadan alkua leimasi sellaisten upeiden pianistien esiintyminen kuin Schnabel, Hoffmann, Paderewski, Karto ja tietysti Rachmaninoff. 1900 -luvun jälkipuoliskolla kuultiin nimiä kuten Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein.

Piano -virtuoosit Vladimir Ashkenazi ja Denis Matsuev ilahduttavat faneja lahjakkuudellaan tänään. On epätodennäköistä, että 21. vuosisata on tulevaisuudessa köyhä musiikillisten kykyjen suhteen.