Näytelmän "Kirsikkatarha. Draamateoksen opettamisen erityispiirteet koulussa A. P. Tšehovin näytelmän "Kirsikkatarha" esimerkillä Kirsikkatarha-näytelmän poetiikkaa

Essee

"The Cherry Orchard", kirjoittanut A.P. Chekhov: nimen merkitys ja genren ominaisuudet

Pää: Petkun Ljudmila Prokhorovna

Tver, 2015

Johdanto

3.1 Ideologiset piirteet

3.2 Genre-ominaisuudet

3.4 Sankarit ja heidän roolinsa

Johdanto

Tšehov taiteilijana ei voi enää olla

verrattuna aikaisempiin venäläisiin

kirjailijat - Turgenevin kanssa,

Dostojevski tai minun kanssani. Tšehovin

oma muotonsa, esim

impressionistit. Katso kuinka

kuin ihminen ilman mitään

jäsentää tahroja maaleilla, mitä

putoaa hänen käteensä ja

ei suhdetta keskenään

nämä tahrat eivät. Mutta sinä muutat pois

jonkin matkan päähän,

katso, ja ylipäätään

se antaa täydellisen vaikutelman.

L. Tolstoi

Tšehovin näytelmät tuntuivat hänen aikalaistensa silmissä epätavallisilta. Ne erosivat jyrkästi tavallisista dramaattisista muodoista. Heillä ei ollut näennäisesti tarpeellista alkua, huipentumaa ja tarkalleen ottaen dramaattista toimintaa sellaisenaan. Tšehov itse kirjoitti näytelmissään: Ihmiset vain syövät lounaalla takkeja yllään, ja tällä hetkellä heidän kohtalonsa ovat päättämässä, heidän elämänsä on särkymässä. . Tšehovin näytelmissä on alateksti, joka saa erityisen taiteellisen merkityksen

"Kirsikkatarha" on Anton Pavlovich Tšehovin viimeinen teos, joka täydentää hänen luovaa elämäkertaansa, ideologisia ja taiteellisia pyrkimyksiään. Hänen kehittämänsä uudet tyyliperiaatteet, uudet juonittelun ja sommittelun "tekniikat" ilmentyivät tässä näytelmässä sellaisina figuratiivisina löytöinä, jotka nostivat realistisen elämänkuvauksen laajoiksi symbolisiksi yleistyksiksi, näkemykseen ihmissuhteiden tulevista muodoista.

Abstraktit tavoitteet:

.Tutustu A.P. Tšehovin teokseen "Kirsikkatarha".

2.Korosta työn pääpiirteet ja analysoi niitä.

.Ota selvää näytelmän nimen merkityksestä.

Vetää johtopäätös.

Tšehovin kirsikkatarha

1. "Kirsikkatarha" A. P. Tšehovin elämässä. Näytelmän historia

Lokkien, Vanja-setä ja Kolme sisarta Taideteatterissa sekä näiden näytelmien ja vodevillien valtava menestys pääkaupungin ja maakuntien teattereissa kannustamana Tšehov suunnittelee luovansa uuden "hauskan näytelmän, jossa paholainen kävelee kuin ike." ”...Minuutti kerrallaan tunnen voimakasta halua kirjoittaa 4-näytöksisen vodevillen tai komedian Taideteatterille. Ja kirjoitan, jos kukaan ei puutu asiaan, mutta annan sen teatterille aikaisintaan vuoden 1903 lopussa."

Taideteatterin taiteilijoille ja johtajille saapuva uutinen uuden Tšehovin näytelmän suunnitelmasta aiheutti suurta jännitystä ja halua nopeuttaa kirjailijan työtä. "Sanoin seurueelle", kertoo O. L. Knipper, "kaikki ottivat sen vastaan, he ovat meluisia ja janoisia."

Ohjaaja V. I. Nemirovich-Dantšenko, joka Tšehovin mukaan "vaatii näytelmiä", kirjoitti Anton Pavlovichille: "Olen edelleen lujasti vakuuttunut siitä, että sinun tulee kirjoittaa näytelmiä. Menen hyvin pitkälle: luovun kaunokirjallisuudesta näytelmien vuoksi. Et ole koskaan avautunut niin paljon kuin lavalla.” "NOIN. L. kuiskasi minulle, että olet päättäväisesti ryhtymässä komediaan... Mitä nopeammin näytelmäsi valmistuu, sen parempi. Neuvotteluille ja erilaisten virheiden eliminoinnille jää enemmän aikaa... Sanalla sanoen... kirjoita näytelmiä! Kirjoita näytelmiä!" Mutta Tšehovilla ei ollut kiirettä, hän vaali, "koki" ideaa, ei jakanut sitä kenenkään kanssa ennen kuin oikeaan aikaan, pohti "upeaa" (hänen sanoin) juonetta, ei vielä löytänyt tyydyttäviä taiteellisen ilmentymisen muotoja. häntä. Näytelmä "valkeni hieman aivoissani, kuten aikaisin aamunkoitto, enkä vieläkään ymmärrä, millaista se on, mitä siitä tulee, ja se muuttuu joka päivä."

Tšehov sisällytti muistikirjaansa joitain yksityiskohtia, joista hän käytti monia myöhemmin Kirsikkatarhassa: "Näytelmälle: liberaali vanha nainen pukeutuu kuin nuori nainen, polttaa, ei voi elää ilman seuraa, on kaunis." Tämä tallenne, vaikkakin muunnetussa muodossa, sisältyi Ranevskajan kuvaukseen. "Hahmo haisee kalalle, kaikki sanovat hänelle niin." Tätä käytetään kuvassa Yashan ja Gaevin asenteesta häntä kohtaan. Vihkoon löydetystä ja kirjoitetusta sanasta "klutz" tulee näytelmän leitmotiivi. Jotkut kirjaan kirjoitetut tosiasiat toistetaan komedian muutoksilla, jotka liittyvät Gaevin ja lavan ulkopuolisen hahmon - Ranevskajan toisen aviomiehen - imagoon: "Vaatekaappi on seissyt sata vuotta, kuten papereista näkyy ; virkamiehet juhlivat vakavasti hänen vuosipäivää”, ”Herrasmies omistaa Mentonin lähellä huvilan, jonka hän osti Tulan maakunnassa sijaitsevan kartanon myynnistä saaduilla rahoilla. Näin hänet Harkovassa, missä hän tuli liikeasioihin, menetti huvilan, palveli sitten rautateillä ja kuoli sitten."

1. maaliskuuta 1903 Tšehov sanoi vaimolleen: "Olen jo asettanut näytelmän paperin pöydälle ja kirjoittanut otsikon." Mutta kirjoittamista vaikeutti ja hidasti monet olosuhteet: Tšehovin vakava sairaus, pelko siitä, että hänen menetelmänsä oli "jo vanhentunut" ja ettei hän pystyisi käsittelemään "vaikeaa juonia".

K. S. Stanislavsky, "virittyvä" Tšehovin näytelmään, ilmoittaa Tšehoville, että hän menetti kaiken maun muita näytelmiä kohtaan ("Yhteiskunnan pilarit", "Julius Caesar") ja ohjaajan "asteittain" aloittamaansa tulevaan näytelmään valmistautumisesta: " Muista, että nauhoitin paimenen piipun fonografiin varmuuden vuoksi. Siitä tulee upea."

O. L. Knipper, kuten kaikki muutkin ryhmän taiteilijat, jotka odottivat näytelmää "helvetin kärsimättömyydellä", myös Tšehoville osoitetuissa kirjeissään hälventää hänen epäilyksiään ja pelkoaan: "Kirjailijana sinua tarvitaan, tarvitaan kauheasti... Jokaista lausettasi tarvitaan, ja eteenpäin sinua tarvitaan vielä enemmän... Aja turhat ajatukset pois itsestäsi... Kirjoita ja rakasta jokaista sanaa, jokaista ajatusta, jokaista sielua, jota hoivaat, ja tiedä, että tämä kaikki on välttämätöntä ihmisille . Ei ole sellaista kirjoittajaa kuin sinä... He odottavat näytelmääsi kuin mannaa taivaasta."

Näytelmän luomisprosessissa Tšehov jakoi ystäviensä - Taideteatterin jäsenten - kanssa epäilyksiä ja vaikeuksia, mutta myös jatkosuunnitelmia, muutoksia ja onnistumisia. He oppivat häneltä, että hänellä on vaikeuksia hallita "yhtä päähenkilöä", se on edelleen "riittämättömästi harkittu ja häiritsee", että hän vähentää hahmojen määrää ("intiimimpi"), että Stanislavskyn rooli - Lopakhin - "tuli ulos vau" , Kachalov - Trofimovin rooli on "hyvä", Knipper - Ranevskajan roolin loppu on "ei huono", ja Lilina "on tyytyväinen" Varyan rooliinsa, että IV näytös , "niukka, mutta sisällöltään tehokas, on kirjoitettu helposti, ikäänkuin sujuvasti ", ja koko näytelmässä "huolimatta siitä, kuinka tylsää se on, siinä on jotain uutta" ja lopuksi, että sen genre-ominaisuudet ovat sekä omaperäisiä että täysin määritelty: "Koko näytelmä on iloinen, kevytmielinen." Tšehov ilmaisi myös huolensa siitä, että jotkin kohdat saattavat olla "sensuurin yliviivattuja".

Syyskuun lopussa 1903 Tšehov viimeisteli näytelmän luonnokseen ja alkoi kirjoittaa sitä uudelleen. Hänen asenteensa "Kirsikkatarhaan" vaihtelee tällä hetkellä, sitten hän on tyytyväinen, hahmot näyttävät hänestä "eläviltä ihmisiltä", sitten hän raportoi, että hän on menettänyt kaikki ruokahalunsa näytelmään, rooleihin paitsi kasvattajaa, " en pidä”. Näytelmän uudelleenkirjoittaminen eteni hitaasti, Tšehovin täytyi tehdä uusiksi, miettiä ja kirjoittaa uudelleen joitain kohtia, jotka olivat erityisen tyytymättömiä.

Lokakuussa näytelmä lähetettiin teatteriin. Näytelmän ensimmäisen tunnereaktion (jännitys, "kunnioitus ja ilo") jälkeen teatterissa alkoi intensiivinen luova työ: roolien "kokeilu", parhaiden esiintyjien valinta, yhteisen sävyn etsiminen, näytelmän taiteellisen suunnittelun miettiminen. esitys. He vaihtoivat kiihkeästi mielipiteitä kirjailijan kanssa ensin kirjeissä, sitten henkilökohtaisissa keskusteluissa ja harjoituksissa: Tšehov saapui Moskovaan marraskuun lopussa 1903. Tämä luova viestintä ei kuitenkaan antanut täydellistä, ehdotonta yksimielisyyttä, se oli monimutkaisempaa. . Joissakin kohdissa kirjailija ja teatterityöntekijät pääsivät yhteisymmärrykseen ilman "omantunnon kanssa neuvotteluja", joissain asioissa yksi "puoli" epäiltiin tai hylättiin, mutta se, joka ei pitänyt asiaa olennaisena. itse tehnyt myönnytyksiä; Joitain eroja on.

Lähetettyään näytelmän Tšehov ei pitänyt työtään siitä valmistuneena; päinvastoin, täysin luottaen teatterin johtajien ja taiteilijoiden taiteellisiin vaistoihin, hän oli valmis tekemään "kaikki muutokset, jotka vaaditaan kohtauksen mukaiseksi" ja pyysi kriittisiä kommentteja: "Korjaan sen; Vielä ei ole liian myöhäistä, voit silti tehdä koko teon uudelleen." Hän puolestaan ​​oli valmis auttamaan ohjaajia ja näyttelijöitä, jotka pyysivät häntä löytämään oikeat tavat näytelmän näyttämiseksi, ja siksi ryntäsi Moskovaan harjoituksiin, ja Knipper pyysi, ettei hän "opettaisi rooliaan" ennen hänen saapumistaan ​​eikä Tilasin mekot Ranevskajalle ennen kuin neuvoisin hänen kanssaan.

Teatterissa kiihkeän keskustelun aiheena ollut roolijako huolestutti myös Tšehovia kovasti. Hän ehdotti omaa jakeluvaihtoehtoaan: Ranevskaja-Knipper, Gaev-Vishnevsky, Lopakhin-Stanislavsky, Varya-Lilina, Anya-nuori näyttelijä, Trofimov-Kachalov, Dunyasha-Khalutina, Yasha-Moskvin, ohikulkija-Gromov, Firs-Artem, Pischik-Gribunin, Epikhodov-Lužski. Hänen valintansa osui monissa tapauksissa yhteen taiteilijoiden ja teatterin johdon toiveiden kanssa: Kachalov, Knipper, Artem, Gribunin, Gromov, Khalyutina saivat "kokeilun jälkeen" Tšehovin heille osoittamat roolit. Teatteri ei kuitenkaan sokeasti noudattanut Tšehovin ohjeita, vaan se esitti omat ”projektinsa”, joista osan kirjailija hyväksyi mielellään. Ehdotus Luzhskyn korvaamisesta Epikhodovin roolissa Moskvinilla ja Jasha Moskvinin roolissa Aleksandrovilla herätti Tšehovin täyden hyväksynnän: "No, tämä on erittäin hyvä, näytelmä vain hyötyy siitä." "Moskvinista tulee upea Epikhodov."

Harvemmin, mutta silti Tšehov suostuu järjestämään kahden naisroolin esiintyjät uudelleen: Lilina ei ole Varja, vaan Anya; Varya - Andreeva. Tšehov ei vaadi halua nähdä Vishnevsky Gaevin roolissa, koska hän on melko vakuuttunut siitä, että Stanislavsky tulee olemaan "erittäin hyvä ja omaperäinen Gaev", mutta tuskalla hän luopuu ajatuksesta, että Lopakhin ei näytä Stanislavskya. : "Kun kirjoitin Lopakhinin, ajattelin, että tämä on sinun roolisi" (nide XX, s. 170). Tämän kuvan valloittama Stanislavsky, samoin kuin muut näytelmän hahmot, päättää lopulta siirtää roolin Leonidoville, kun hän ei "kaksinkertaisella energialla Lopakhinissa" etsimisen jälkeen löydä häntä tyydyttävää sävyä ja muotoilua. . Muratova Charlotten roolissa ei myöskään ilahduta Tšehovia: "hän voi olla hyvä", hän sanoo, "mutta hän ei ole hauska", mutta teatterissa mielipiteet hänestä sekä Varyan esiintyjistä erosivat, lujasta vakaumuksesta, Muratovalla ei ollut mahdollisuutta onnistua tässä roolissa.

Tekijän kanssa keskusteltiin vilkkaasti taiteellisen suunnittelun kysymyksistä. Vaikka Tšehov kirjoitti Stanislavskille, että hän luotti tässä täysin teatteriin ("Ole hyvä, älä ujostele maisemien suhteen, tottelen sinua, olen hämmästynyt ja yleensä istun teatterissasi suu auki", mutta silti molemmat Stanislavskyt ja taiteilija Somov kutsuivat Tšehovia luovaan etsintään he vaihtoivat mielipiteitä, selvensivät joitain kirjailijan huomautuksia ja ehdottivat projektejaan.

Mutta Tšehov pyrki ohjaamaan kaiken katsojan huomion näytelmän sisäiseen sisältöön, sosiaaliseen konfliktiin, joten hän pelkäsi jäävänsä mukaansa sijoittumiseen, arjen yksityiskohtiin ja ääniefekteihin: "Pienensin asetusta. osa näytelmästä mahdollisimman vähän; erityisiä maisemia ei tarvita."

Laki II aiheutti erimielisyyden tekijän ja ohjaajan välillä. Työskennellessään edelleen näytelmän parissa Tšehov kirjoitti Nemirovich-Danchenkolle, että toisessa näytöksessä hän "korjasi joen vanhalla kappelilla ja kaivolla. On rauhallisempaa näin. Vain... Annat minulle oikean vihreän kentän ja tien sekä näyttämölle epätavallisen etäisyyden." Stanislavsky esitteli II näytöksen maisemiin myös rotkon, hylätyn hautausmaan, rautatiesillan, kaukaa joen, heinäpellon prosceniumissa ja pienen heinäsuovan, jolla kävelyryhmä keskustelee. "Salli minun päästää savujuna kulkemaan yhden tauon aikana", hän kirjoitti Tšehoville, ja kertoi, että näytöksen lopussa olisi "sammakkokonsertti ja ruisrääkkä". Tällä teolla Tšehov halusi luoda vain vaikutelman avaruudesta, hän ei aikonut sotkea katsojan tietoisuutta vierailla vaikutelmilla, joten hänen reaktionsa Stanislavskyn suunnitelmiin oli negatiivinen. Esityksen jälkeen hän jopa kutsui II näytöksen maisemia "kauheiksi"; kun teatteri valmisteli näytelmää, Knipper kirjoittaa, että Stanislavsky "täytyy suojata" "junilta, sammakoilta ja ruisrääkäisiltä", ja Stanislavskille itselleen osoitetuissa kirjeissä hän ilmaisee paheksunnan herkästi: "Heinänteko tapahtuu yleensä 20.-25.6., tähän aikaan ruisrääkä ei näytä enää huutavan, sammakotkin hiljenevät tähän mennessä... Ei ole hautausmaata, se oli hyvin kauan sitten. Jäljelle jää vain kaksi tai kolme satunnaisesti makaavaa laatta. Silta on erittäin hyvä. Jos juna voidaan näyttää ilman melua, ilman yhtäkään ääntä, niin mene eteenpäin."

Perimmäisin ristiriita teatterin ja kirjailijan välillä havaittiin näytelmän genren ymmärtämisessä. Työskennellessään edelleen Kirsikkatarhassa Tšehov kutsui näytelmää "komediaksi". Teatterissa se ymmärrettiin "todelliseksi draamaksi". "Kuulen sinun sanovan: "Anteeksi, mutta tämä on farssi", Stanislavsky aloittaa väittelynsä Tšehovin kanssa. "...Ei, tavalliselle ihmiselle tämä on tragedia."

Teatteriohjaajien käsitys näytelmän genrestä, joka poikkesi kirjailijan ymmärryksestä, määritti monia olennaisia ​​ja erityisiä näkökohtia Kirsikkatarhan näyttämökulkinnassa.

2. Näytelmän nimen "Kirsikkatarha" merkitys

Konstantin Sergeevich Stanislavsky muistelmissaan A.P. Tšehov kirjoitti: "Kuule, löysin näytelmälle upean nimen. Ihana! - hän ilmoitti katsoen minuun täyttiä. "Mikä? - Olin huolissani. "Sisään ja ?kairapuutarha (korostus kirjaimella "ja" ), - ja hän purskahti iloiseen nauruun. En ymmärtänyt hänen ilonsa syytä enkä löytänyt nimestä mitään erityistä. Jottei Anton Pavlovich kuitenkaan järkyttyisi, minun piti teeskennellä, että hänen löytönsä teki minuun vaikutuksen... Selittämisen sijaan Anton Pavlovich alkoi toistaa eri tavoilla, kaikenlaisilla intonaatioilla ja ääniväreillä: ”Vi ?kairapuutarha. Kuule, tämä on ihana nimi! In ja ?kairapuutarha. In ja ?ruuvi! Tämän tapaamisen jälkeen kului useita päiviä tai viikko... Kerran esityksen aikana hän tuli pukuhuoneeseeni ja istuutui pöytääni juhlallisesti hymyillen. "Kuule, eikö niin ?shnevy ja kirsikkatarha "", hän ilmoitti ja purskahti nauruun. Aluksi en edes ymmärtänyt, mistä he puhuivat, mutta Anton Pavlovich jatkoi näytelmän nimen maistelua korostaen lempeää ääntä e sanassa "kirsikka". , ikään kuin yrittäisi hänen avullaan hyväillä entistä kaunista, mutta nyt tarpeetonta elämää, jonka hän tuhosi kyyneleillä näytelmässään. Tällä kertaa ymmärsin hienovaraisuuden: "Vi ?kairapuutarha on liike-, kauppapuutarha, joka tuottaa tuloja. Tällaista puutarhaa tarvitaan nytkin. Mutta "kirsikkatarha" ei tuo tuloja, se säilyttää itsessään ja kukkivassa valkoisuudessaan entisen herraelämän runoutta. Tällainen puutarha kasvaa ja kukkii mielijohteesta, hemmoteltujen esteettien silmissä. On sääli tuhota se, mutta se on välttämätöntä, koska maan talouskehitysprosessi vaatii sitä."

A.P. Tšehovin näytelmän "Kirsikkatarha" nimi vaikuttaa varsin loogiselta. Toiminta tapahtuu vanhalla aatelistilalla. Taloa ympäröi suuri kirsikkatarha. Lisäksi näytelmän juonen kehitys liittyy tähän kuvaan - kiinteistö myydään velkoihin. Kiinteistön siirtymishetkeä uudelle omistajalle edeltää kuitenkin hämmentynyt polkeminen aikaisempien omistajien tilalla, jotka eivät halua hoitaa omaisuuttaan liiketoiminnallisesti, jotka eivät edes oikein ymmärrä, miksi tämä on tarpeen, kuinka se tehdään huolimatta Lopakhinin, nousevan porvarillisen luokan menestyneen edustajan, yksityiskohtaisista selityksistä.

Mutta näytelmän kirsikkatarhalla on myös symbolinen merkitys. Näytelmän hahmojen puutarhasuhteen ansiosta heidän ajantajunsa, elämänkäsitys paljastuu. Lyubov Ranevskajalle puutarha on hänen menneisyytensä, onnellinen lapsuus ja katkera muisto hukkuneesta pojasta, jonka kuoleman hän näkee rangaistuksena holtittomasta intohimostaan. Kaikki Ranevskajan ajatukset ja tunteet liittyvät menneisyyteen. Hän ei vain voi ymmärtää, että hänen on muutettava tapojaan, koska olosuhteet ovat nyt erilaiset. Hän ei ole rikas nainen, maanomistaja, vaan konkurssiin mennyt tuhlaavainen, jolla ei pian ole perheen pesää eikä kirsikkatarhaa, jos hän ei ryhdy päättäväisiin toimiin.

Lopakhinille puutarha on ennen kaikkea maa, eli esine, joka voidaan laskea liikkeeseen. Toisin sanoen Lopakhin väittelee nykyajan prioriteettien näkökulmasta. Maaorjien jälkeläinen, josta on tullut julkisuuden henkilö, ajattelee järkevästi ja loogisesti. Tarve tehdä itsenäisesti oma elämäntapansa opetti tämän miehen arvioimaan asioiden käytännön hyödyllisyyttä: ”Kiinteistösi sijaitsee vain kahdenkymmenen mailin päässä kaupungista, lähellä kulki rautatie, ja jos kirsikkatarha ja maa joen varrella olisivat jaettuna mökkitontteihin ja sitten vuokralle mökkejä varten, sinulla on vähintään kaksikymmentäviisi tuhatta vuodessa tuloja." Ranevskajan ja Gaevin sentimentaaliset väitteet dachajen mauttomuudesta ja siitä, että kirsikkatarha on maakunnan maamerkki, ärsyttää Lopakhinia. Itse asiassa kaikella, mitä he sanovat, ei ole käytännöllistä arvoa nykyhetkellä, se ei näytä roolia tietyn ongelman ratkaisemisessa - jos toimiin ei ryhdytä, puutarha myydään, Ranevskaja ja Gaev menettävät kaikki oikeudet perheensä omaisuuteen, ja hävittää, tulee muita omistajia. Tietenkin Lopakhinin menneisyys liittyy myös kirsikkatarhaan. Mutta millainen menneisyys tämä on? Täällä hänen "isoisänsä ja isänsä olivat orjia", tässä hän itse, "hakattu, lukutaidoton", "juoksu paljain jaloin talvella". Menestyneellä liikemiehellä ei ole kirsikkatarhaan liittyviä kovin kirkkaita muistoja! Ehkä siksi Lopakhin riemuitsee tilan omistajaksi tullessaan, ja siksi hän puhuu niin iloisesti siitä, kuinka hän "lyö kirveellä kirsikkatarhaan"? Kyllä, menneisyydessä, jossa hän oli ei-ketään, ei merkinnyt mitään hänen omissa silmissään eikä ympärillä olevien mielipiteissä, luultavasti kuka tahansa ottaisi mielellään sellaisen kirveen...

"...en pidä enää kirsikkatarhasta", sanoo Anya, Ranevskajan tytär. Mutta Anyalle ja hänen äidilleen lapsuuden muistot liittyvät puutarhaan. Anya rakasti kirsikkatarhaa huolimatta siitä, että hänen lapsuuden vaikutelmansa eivät olleet läheskään yhtä pilvettömät kuin Ranevskajan. Anya oli yksitoistavuotias, kun hänen isänsä kuoli, hänen äitinsä kiinnostui toisesta miehestä, ja pian hänen pikkuveljensä Grisha hukkui, minkä jälkeen Ranevskaya meni ulkomaille. Missä Anna asui tähän aikaan? Ranevskaya kertoo vetäytyneensä tyttäreensä. Anyan ja Varyan keskustelusta käy selväksi, että Anya meni äitinsä luo Ranskaan vasta 17-vuotiaana, josta molemmat palasivat yhdessä Venäjälle. Voidaan olettaa, että Anya asui kotitilallaan Varyan kanssa. Huolimatta siitä, että Anyan koko menneisyys liittyy kirsikkatarhaan, hän eroaa siitä ilman suurta melankoliaa tai katumusta. Anyan unelmat suuntautuvat tulevaisuuteen: "Istutamme uuden puutarhan, ylellisemmän kuin tämä...".

Mutta Tšehovin näytelmästä löytyy toinen semanttinen rinnakkaisuus: kirsikkatarha - Venäjä. "Koko Venäjä on puutarhamme", Petja Trofimov toteaa optimistisesti. Vanhentunut jaloelämä ja liikemiesten sitkeys - loppujen lopuksi nämä kaksi maailmankuvan napaa eivät ole vain erikoistapaus. Tämä on todellakin ominaista Venäjälle 1800- ja 1900-luvun vaihteessa. Tuolloisessa yhteiskunnassa oli monia hankkeita maan varustamiseksi: jotkut muistelivat menneisyyttä huokaisten, toiset ehdottivat reippaasti ja ahkerasti "siivoamaan, siivoamaan", eli toteuttamaan uudistuksia, jotka Venäjä on tasavertainen johtavien rauhanvaltojen kanssa. Mutta kuten kirsikkatarhan tarinassa, aikakauden vaihteessa Venäjällä ei ollut todellista voimaa, joka olisi voinut vaikuttaa positiivisesti maan kohtaloon. Vanha kirsikkatarha oli kuitenkin jo tuomittu... .

Siten voit nähdä, että kirsikkatarhan kuvalla on täysin symbolinen merkitys. Hän on yksi teoksen keskeisistä kuvista. Jokainen hahmo suhtautuu puutarhaan omalla tavallaan: joillekin se on muisto lapsuudesta, toisille vain rentoutumispaikka ja toisille keino ansaita rahaa.

3. Näytelmän "Kirsikkatarha" omaperäisyys

3.1 Ideologiset piirteet

A. P. Chekhov yritti pakottaa Kirsikkatarhan lukijan ja katsojan tunnustamaan yhteiskunnallisten voimien meneillään olevan historiallisen "muutoksen" loogisen väistämättömyyden: aateliston kuolema, porvariston tilapäinen valta-asema, voittokulku lähitulevaisuudessa. demokraattinen osa yhteiskuntaa. Näytelmäkirjailija ilmaisi teoksessaan selkeämmin uskonsa "vapaaseen Venäjään" ja unelmaansa siitä.

Demokraattisella Tšehovilla oli teräviä syyttäviä sanoja, joita hän heitti "aateliston pesän" asukkaille. Siksi Tšehov nauroi heidän tyhjyydelleen, koska hän oli valinnut aatelistosta subjektiivisesti hyviä ihmisiä näyttelemään "Kirsikkatarhassa" ja joutilaisuutta, mutta ei täysin kieltänyt heiltä oikeutta myötätuntoon ja pehmensi siten satiiria jonkin verran.

Vaikka Kirsikkatarhassa ei ole avointa, terävää satiiria aatelisista, on epäilemättä heidän (piilotettu) tuomitseminen. Kansallisdemokraatilla Tšehovilla ei ollut illuusioita, hän piti aatelisten herättämistä mahdottomaksi. Lavastettuaan näytelmässä "Kirsikkatarha" Gogolia hänen aikanaan huolestuneen teeman (aateliston historiallinen kohtalo), Tšehov osoittautui suuren kirjailijan perilliseksi totuudenmukaisessa kuvauksessa aatelisten elämästä. Aatelisten tilojen omistajien - Ranevskaja, Gaev, Simeonov-Pishchik - raunio, rahan puute, joutilaisuus muistuttavat meitä köyhyyden kuvista, jalojen hahmojen tyhjästä olemassaolosta Dead Souls -kirjan ensimmäisessä ja toisessa osassa. Pallo huutokaupan aikana, luottaminen Jaroslavlin tätiin tai muuhun satunnaiseen suotuisaan olosuhteeseen, ylellisyys vaatteissa, samppanja perustarpeisiin talossa - kaikki tämä on lähellä Gogolin kuvauksia ja jopa yksittäisiä kaunopuheisia Gogolin realistisia yksityiskohtia, jotka kuten aika itse on osoittanut, yleistetty merkitys. "Kaikki perustui", Gogol kirjoitti Khlobuevista, "tarpeeseen saada yhtäkkiä sata tai kaksisataa tuhatta jostain", he luottivat "kolmen miljoonan dollarin tätiin". Khlobuevin talossa "ei ole pala leipää, mutta on samppanjaa" ja "lapset opetetaan tanssimaan". "Näyttää siltä, ​​että hän on elänyt kaiken läpi, hän on velkaa kaikkialla, häneltä ei tule rahaa, mutta hän pyytää lounasta."

"Kirsikkatarhan" kirjoittaja on kuitenkin kaukana Gogolin lopullisista johtopäätöksistä. Kahden vuosisadan partaalla itse historiallinen todellisuus ja kirjailijan demokraattinen tietoisuus saivat hänet selvemmin, että Khlobuevia, Maniloveja ja muita oli mahdotonta herättää henkiin. Tšehov ymmärsi myös, että tulevaisuus ei kuulu Kostonzhoglon kaltaisille yrittäjille tai hyveellisille veroviljelijöille Murazoville.

Yleisimmässä muodossa Tšehov arvasi, että tulevaisuus kuuluu demokraateille ja työväelle. Ja hän vetosi niihin näytelmässään. "Kirsikkatarhan" kirjoittajan aseman ainutlaatuisuus piilee siinä, että hän näytti menneen historiallisen etäisyyden päähän jalopesien asukkaista ja tehdessään liittolaisistaan ​​yleisön, eri työympäristön ihmisiä. , tulevaisuuden ihmiset, yhdessä heidän kanssaan "historiallisesta etäisyydestä" hän nauroi järjettömyydelle, epäoikeudenmukaisuudelle, ihmisten, jotka ovat menneet ja jotka eivät ole enää vaarallisia, järjettömyydelle, hänen näkökulmastaan. Tšehov löysi tämän ainutlaatuisen näkökulman, yksilöllisen luovan kuvausmenetelmän, ehkäpä pohtimatta edeltäjiensä, erityisesti Gogolin ja Shchedrinin, töitä. "Älä juutu nykyajan yksityiskohtiin", Saltykov-Shchedrin kehotti. - Mutta viljele itsessäsi tulevaisuuden ihanteita; sillä nämä ovat eräänlaisia ​​auringonsäteitä... Katso usein ja tarkasti valopisteitä, jotka välkkyvät tulevaisuuden perspektiivissä” (“Poshekhon Antiquity”).

Vaikka Tšehov ei tietoisesti tullutkaan vallankumouksellis-demokraattiseen tai sosialidemokraattiseen ohjelmaan, itse elämä, vapautusliikkeen vahvuus, aikansa edistyneiden ideoiden vaikutus aiheuttivat hänelle tarpeen saada katsoja sosiaalisen tarpeeseen. transformaatiot, uuden elämän läheisyys, eli pakotti hänet paitsi kiinnittämään "tulevaisuuden perspektiivissä välkkyviä valopisteitä", vaan myös valaisemaan nykyhetkeä niillä.

Tästä johtuu näytelmän "Kirsikkatarha" erikoinen yhdistelmä lyyrisiä ja syyttäviä periaatteita. Esittää kriittisesti modernia todellisuutta ja ilmaista samalla isänmaallista rakkautta Venäjää kohtaan, uskoa sen tulevaisuuteen, Venäjän kansan suuriin mahdollisuuksiin - sellainen oli Kirsikkatarhan kirjoittajan tehtävä. Heidän kotimaansa laajat avaruudet ("annoivat"), jättiläiset, joista "olisi niin tulossa" heille, vapaa, toimiva, oikeudenmukainen, luova elämä, jonka he luovat tulevaisuudessa ("uudet ylelliset puutarhat") - tämä on lyyrinen alku , joka järjestää näytelmän "Kirsikkatarha", on kirjailijan normi, joka vastustaa kääpiöihmisten, "klutsien" ruman epäoikeudenmukaisen elämän "normeja". Tämä "Kirsikkatarhan" lyyristen ja syyttäväisten elementtien yhdistelmä muodostaa näytelmän genren erityispiirteen, jota M. Gorky tarkasti ja hienovaraisesti kutsui "lyyriseksi komediaksi".

3.2 Genre-ominaisuudet

"The Cherry Orchard" on lyyrinen komedia. Siinä kirjailija välitti lyyrisen asenteensa Venäjän luontoon ja suuttumuksensa sen rikkauksien varkautta kohtaan: "Metsät halkeilevat kirveen alla", joet ovat matalia ja kuivuvia, upeat puutarhat tuhoutuvat, ylelliset arot tuhoutuvat.

"Herkkä, kaunis" kirsikkatarha on kuolemassa, jota he saattoivat vain pohdiskelevasti ihailla, mutta jota Ranevskyt ja Gaevit eivät voineet pelastaa, jonka "ihania puita" karkeasti "tarhasi kirveellä Ermolai Lopakhin". Lyyrisessä komediassa Tšehov lauloi, kuten "Arossa", hymniä Venäjän luonnolle, "kauniille isänmaalle" ja ilmaisi unelmansa tekijöistä, työn ja inspiraation ihmisistä, jotka eivät niinkään ajattele omaa hyvinvointiaan. olemisesta, vaan toisten onnellisuudesta, tulevista sukupolvista. "Ihminen on lahjakas järkeä ja luovaa voimaa moninkertaistaa mitä hänelle on annettu, mutta tähän asti hän ei ole luonut, vaan tuhonnut", nämä sanat lausutaan näytelmässä "Setä Vanya", mutta niissä ilmaistu ajatus on lähellä kirjailijan "kirsikkapuutarha" ajatuksia.

Tämän ihmisen luojan unelman, kirsikkatarhan yleisen runollisen kuvan ulkopuolella ei voi ymmärtää Tšehovin näytelmää, aivan kuten ei voi todella tuntea Ostrovskin "Ukonmyrskyä" tai "Myötäisiä", jos pysyy välinpitämättömänä Volgan maisemien suhteen. nämä näytelmät, venäläisille avoimille tiloille, vieraita "pimeän valtakunnan" "julmaa moraalia".

Tšehovin lyyrinen asenne isänmaata, sen luontoa kohtaan, tuska sen kauneuden ja vaurauden tuhoamisesta muodostavat ikään kuin näytelmän "pohjavirran". Tämä lyyrinen asenne ilmenee joko tekstissä tai kirjoittajan huomautuksissa. Esimerkiksi toisessa näytöksessä näyttämöohjeissa mainitaan Venäjän laajuus: pelto, kaukaa kirsikkatarha, tie kartanolle, kaupunki horisontissa. Tšehov ohjasi erityisesti Moskovan taideteatterin johtajien kuvaamisen tähän huomautukseen: "Toisessa näytöksessä annat minulle todellisen vihreän kentän ja tien sekä näyttämölle epätavallisen etäisyyden."

Kirsikkatarhaan liittyvät huomautukset ("on jo toukokuu, kirsikkapuut kukkivat") ovat täynnä lyriikkaa; Kirsikkatarhan lähestyvää kuolemaa tai tätä kuolemaa merkitsevissä kommenteissa kuullaan surullisia säveliä: "katkennetun langan ääni, vaimeneva, surullinen", "kirveen tylsä ​​koputus puuhun, kuulostaa yksinäiseltä ja surulliselta". Tšehov oli erittäin kateellinen näistä huomautuksista; hän oli huolissaan siitä, että ohjaajat eivät täysin toteuttaisi hänen suunnitelmaansa: "Kirsikkatarhan 2. ja 4. näytöksen äänen pitäisi olla lyhyempi, paljon lyhyempi ja tuntuva hyvin kaukaa... ”

Ilmaiseessaan näytelmässä lyyristä suhtautumistaan ​​isänmaahan Tšehov tuomitsi kaiken, mikä häiritsi sen elämää ja kehitystä: joutilaisuuden, kevytmielisyyden, ahdasmielisyyden. "Mutta hän", kuten V. E. Khalizev perustellusti totesi, "oli kaukana nihilistisesta asenteesta entiseen jalopesien runouteen, jalokulttuuriin", hän pelkäsi sellaisten arvojen kuin sydämellisyyden, hyväntahtoisuuden, lempeyden ihmissuhteissa menettämistä, ja totesi iloitta tulevan Lopakhinien kuivatehokkuuden hallitsevan.

"Kirsikkatarha" suunniteltiin komediaksi, "hauskaksi näytelmäksi, jossa paholainen kävelee ikeen tavoin". "Koko näytelmä on iloinen ja kevytmielinen", kirjailija kertoi ystävilleen työskennellessään sen parissa vuonna 1903.

Tämä komedianäytelmän genren määritelmä oli Tšehoville syvästi tärkeä, ei turhaan hän suuttui, kun hän sai tietää, että Taideteatterin julisteissa ja sanomalehtiilmoituksissa näytelmää kutsuttiin draamaksi. "Se, mistä päädyin, ei ollut draama, vaan komedia, joskus jopa farssi", kirjoitti Tšehov. Yrittäessään antaa näytelmälle iloisen sävyn kirjailija ilmoittaa näyttämöohjeissa noin neljäkymmentä kertaa: "iloisesti", "iloisesti", "nauraa", "kaikki nauravat".

3.3 Koostumusominaisuudet

Komediassa on neljä näytöstä, mutta siellä ei ole jakoa kohtauksiin. Tapahtumat kestävät useita kuukausia (toukokuusta lokakuuhun). Ensimmäinen esitys on esittely. Tässä esitellään yleiskuvaus hahmoista, heidän suhteistaan, yhteyksistään ja myös täällä opitaan koko asian tausta (syyt kartanon tuhoutumiseen).

Toiminta alkaa Ranevskajan kartanosta. Näemme Lopakhinin ja piika Dunyashan odottamassa Lyubov Andreevnan ja hänen nuorimman tyttärensä Anyan saapumista. Viimeiset viisi vuotta Ranevskaya ja hänen tyttärensä asuivat ulkomailla, mutta Ranevskajan veli Gaev ja hänen adoptiotytär Varya jäivät tilalle. Opimme Lyubov Andreevnan kohtalosta, hänen aviomiehensä, poikansa kuolemasta ja opimme yksityiskohdat hänen elämästään ulkomailla. Maanomistajan tila on käytännössä pilalla, kaunis kirsikkatarha on myytävä velkoja vastaan. Syynä tähän ovat sankarittaren ylellisyys ja epäkäytännöllisyys, hänen tapansa tuhlata rahaa. Kauppias Lopakhin tarjoaa hänelle ainoan tavan pelastaa kiinteistö - jakaa maa tonteihin ja vuokrata ne kesäasukkaille. Ranevskaja ja Gaev torjuvat tämän ehdotuksen päättäväisesti, he eivät ymmärrä, kuinka kaunis kirsikkatarha, koko maakunnan "ihanin" paikka, voidaan kaataa. Tämä Lopakhinin ja Ranevskaja-Gaevin välillä syntynyt ristiriita muodostaa näytelmän juonen. Tämä juoni sulkee kuitenkin pois sekä hahmojen ulkoisen taistelun että akuutin sisäisen taistelun. Lopakhin, jonka isä oli Ranevskyjen orja, tarjoaa heille vain todellisen, hänen näkökulmastaan ​​kohtuullisen tien. Samaan aikaan ensimmäinen näytös kehittyy emotionaalisesti nousevaan tahtiin. Siinä tapahtuvat tapahtumat ovat erittäin jännittäviä kaikille hahmoille. Tämä on kotiinsa palaavan Ranevskajan saapumisen ennakointi, tapaaminen pitkän eron jälkeen, Lyubov Andreevnan, hänen veljensä, Anyan ja Varjan välinen keskustelu kartanon pelastamistoimenpiteistä, Petya Trofimovin saapuminen, joka muistutti sankaritar hänen kuolleen poikansa. Ensimmäisen näytöksen keskellä on siis Ranevskajan, hänen hahmonsa, kohtalo.

Toisessa näytöksessä kirsikkatarhan omistajien toiveet korvataan hälyttävällä tunteella. Ranevskaya, Gaev ja Lopakhin kiistelevät jälleen kartanon kohtalosta. Sisäinen jännitys lisääntyy täällä, hahmot tulevat ärtyisiksi. Tässä näytöksessä kuuluu "kaukainen ääni, ikään kuin taivaalta, katkenneen kielen ääni, häipyvä, surullinen", ikään kuin ennakoivan tulevaa katastrofia. Samaan aikaan tässä teossa Anya ja Petya Trofimov paljastuvat täysin; huomautuksissaan he ilmaisevat näkemyksensä. Tässä näemme toiminnan kehittymisen. Ulkoinen, sosiaalinen ja arkipäiväinen konflikti täällä näyttää olevan itsestäänselvyys, jopa päivämäärä on tiedossa - "huutokauppa on suunniteltu 22. elokuuta". Mutta samaan aikaan tuhoutuneen kauneuden motiivi kehittyy täällä edelleen.

Näytelmän kolmas näytös sisältää huipputapahtuman - kirsikkatarha myydään huutokaupassa. On ominaista, että huipentuma tässä on lavan ulkopuolinen toiminta: huutokauppa tapahtuu kaupungissa. Gaev ja Lopakhin menevät sinne. Heitä odottaessaan muut pitävät palloa. Kaikki tanssivat, Charlotte näyttää temppuja. Näytelmän ahdistunut ilmapiiri kuitenkin kasvaa: Varya on hermostunut, Lyubov Andreevna odottaa kärsimättömästi veljensä paluuta, Anya välittää huhua kirsikkatarhan myynnistä. Lyyris-dramaattiset kohtaukset vuorottelevat koomisten kanssa: Petja Trofimov putoaa alas portaita, Jasha keskustelee Firsin kanssa, kuulemme Dunyashan ja Firsin, Dunyashan ja Epikhodovin, Varjan ja Epikhodovin dialogit. Mutta sitten Lopakhin ilmestyy ja kertoo ostaneensa kartanon, jossa hänen isänsä ja isoisänsä olivat orjia. Lopakhinin monologi on näytelmän dramaattisen jännityksen huippu. Näytelmän huipentuma tapahtuu päähenkilöiden havainnoissa. Siten Lopakhinilla on henkilökohtainen kiinnostus kiinteistön ostamiseen, mutta hänen onneaan ei voida kutsua täydelliseksi: onnistuneen kaupan tekemisen ilo taistelee hänessä katumuksella ja myötätunnolla Ranevskajaa kohtaan, jota hän on rakastanut lapsuudesta lähtien. Lyubov Andreevna on järkyttynyt kaikesta tapahtuvasta: kiinteistön myynti merkitsee hänelle suojan menetystä, "erääntymistä talosta, jossa hän syntyi, josta tuli hänelle hänen tavanomaisen elämäntapansa henkilöitymä ("Loppujen lopuksi minä syntyi täällä, isäni ja äitini, isoisäni, asuin täällä.” Rakastan tätä taloa, en ymmärrä elämääni ilman kirsikkatarhaa, ja jos todella tarvitset myydä, myy minut hedelmätarhan kanssa. ..")." Anyalle ja Petyalle kiinteistön myynti ei ole katastrofi, he haaveilevat uudesta elämästä. Heille kirsikkatarha on menneisyys, joka on "jo valmis". Huolimatta hahmojen maailmankatsomusten eroista, konflikti ei koskaan muutu henkilökohtaiseksi yhteenotoksi.

Neljäs näytös on näytelmän loppu. Dramaattinen jännitys tässä näytelmässä heikkenee. Kun ongelma on ratkaistu, kaikki rauhoittuvat ja ryntäävät tulevaisuuteen. Ranevskaya ja Gaev jättävät hyvästit kirsikkatarhaan, Lyubov Andreevna palaa vanhaan elämäänsä - hän valmistautuu lähtemään Pariisiin. Gaev kutsuu itseään pankin työntekijäksi. Anya ja Petya toivottavat "uuden elämän" tervetulleeksi katumatta menneisyyttä. Samaan aikaan Varyan ja Lopakhinin välinen rakkauskonflikti ratkeaa - parisuhdetta ei koskaan tapahtunut. Varya valmistautuu myös lähtemään - hän on löytänyt työpaikan taloudenhoitajana. Hämmennyksessä kaikki unohtavat vanhan Firsin, joka oli tarkoitus lähettää sairaalaan. Ja taas kuuluu katkenneen kielen ääni. Ja finaalissa kuuluu kirveen ääni, joka symboloi surua, ohimenevän aikakauden kuolemaa, vanhan elämän loppua. Meillä on siis näytelmässä rengassävellys: finaalissa Pariisin teema tulee jälleen esiin laajentaen teoksen taiteellista tilaa. Näytelmän juonen pohjaksi tulee tekijän käsitys ajan vääjäämättömästä kulumisesta. Tšehovin sankarit näyttävät kadonneen ajassa. Ranevskajalle ja Gaeville todellinen elämä näyttää jääneen menneisyyteen, Anyalle ja Petyalle se on aavemaisessa tulevaisuudessa. Lopakhin, josta on tullut nykyisen kartanon omistaja, ei myöskään koe iloa ja valittaa "mutkamattomasta" elämästään. Ja tämän hahmon käytöksen syvät motiivit eivät ole nykyisyydessä, vaan myös kaukaisessa menneisyydessä.

Itse "Kirsikkatarhan" sävellyksessä Tšehov pyrki heijastamaan jalojen sankariensa olemassaolon merkityksetöntä, hidasta, tylsää luonnetta, heidän tapahtumatonta elämäänsä. Näytelmä on vailla "näytelmiä" ja jaksoja, ulkoista vaihtelua: kaikkien neljän näytöksen toiminta ei kulje Ranevskajan kartanon rajojen ulkopuolelle. Ainoa merkittävä tapahtuma - kartanon ja kirsikkatarhan myynti - ei tapahdu katsojan edessä, vaan kulissien takana. Lavalla - arkea kartanolla. Ihmiset puhuvat arjen pikkuasioista kahvikupin ääressä, kävelyllä tai improvisoidulla "pallolla", riitelevät ja sovittavat, iloitsevat tapaamisesta ja ovat surullisia tulevasta erosta, muistelevat menneisyyttä, haaveilevat tulevaisuudesta ja klo. tällä kertaa "heidän kohtalonsa muodostuvat", heidän kohtalonsa ovat pilalla "pesä".

Yrittääkseen antaa tälle näytelmälle elämää vahvistavan, duurisävelen, Tšehov kiihdytti sen tempoa, erityisesti aikaisempiin näytelmiin verrattuna hän vähensi taukojen määrää. Tšehov oli erityisen huolestunut siitä, että loppunäytös ei venyisi ja että lavalla tapahtuva ei antaisi vaikutelmaa "tragediasta" tai draamasta. "Minusta näyttää", kirjoitti Anton Pavlovich, "että näytelmässäni on jotain uutta, vaikka se olisi kuinka tylsää. Koko näytelmässä ei muuten ammuttu yhtään laukausta." "Kuinka kauheaa tämä on! Toiminto, jonka pitäisi kestää enintään 12 minuuttia, kestää 40 minuuttia."

4 Sankarit ja heidän roolinsa

Tietoisesti riistämällä näytelmästä "tapahtumat", Tšehov kiinnitti kaiken huomion hahmojen tilaan, heidän asenteeseensa pääasiaan - kiinteistön ja puutarhan myyntiin, heidän suhteisiinsa ja yhteenotoihinsa. Opettajan tulee kiinnittää opiskelijoiden huomio siihen, että dramaattisessa teoksessa tekijän asenne, tekijän asema osoittautuu piilotetuimmaksi. Tämän kannan selventämiseksi, ymmärtääkseen näytelmäkirjailijan suhtautumisen kotimaan elämän historiallisiin ilmiöihin, hahmoihin ja tapahtumiin, katsojan ja lukijan on oltava erittäin tarkkaavaisia ​​näytelmän kaikkiin osiin: kuvajärjestelmään huolellisesti. tekijän suunnittelema, hahmojen sovitus, misan-kohtausten vuorottelu, monologien kytkentä, dialogit, yksittäiset hahmorivit, tekijän huomautukset.

Toisinaan Tšehov paljastaa tarkoituksella näytelmän unelmien ja todellisuuden yhteentörmäyksen, lyyriset ja koomiset periaatteet. Joten työskennellessään "Kirsikkatarhassa" hän toi toiseen näytökseen Lopakhinin sanojen ("Ja täällä eläessään meidän pitäisi todella olla jättiläisiä...") jälkeen Ranevskajan vastauksen: "Tarvitsit jättiläisiä. Ne ovat hyviä vain saduissa, mutta ne ovat niin pelottavia." Tähän Tšehov lisäsi toisen misensceenin: "klutz" Epikhodovin ruma hahmo ilmestyy lavan takaosaan selvästi vastakohtana jättiläisten ihmisten unelmaan. Tšehov kiinnittää erityisesti yleisön huomion Epikhodovin ulkonäköön kahdella huomautuksella: Ranevskaja (mietteliäs) "Epikhodov on tulossa." Anya (mietteliäs) "Epikhodov on tulossa."

Uusissa historiallisissa olosuhteissa näytelmäkirjailija Tšehov, joka seurasi Ostrovskia ja Štšedriniä, vastasi Gogolin kutsuun: "Jumalan tähden, anna meille venäläisiä hahmoja, anna meille itsemme, roistomme, eksentrimme! Vie heidät lavalle, kaikkien nauruksi! Nauru on hieno asia!” ("Pietarin muistiinpanot"). Tšehov pyrkii tuomaan "omituksemme", "klutzemme" yleisön naurunalaiseksi näytelmässä "Kirsikkatarha".

Kirjoittajan aikomus saada katsoja nauramaan ja samalla saada hänet ajattelemaan nykytodellisuutta ilmenee selkeimmin alkuperäisissä sarjakuvahahmoissa - Epikhodov ja Charlotte. Näiden "klutsien" tehtävä näytelmässä on hyvin merkittävä. Tšehov pakottaa katsojan oivaltamaan sisäisen yhteyden keskeisiin henkilöihin ja paljastaa siten nämä komedian silmiinpistävät kasvot. Epikhodov ja Charlotte eivät ole vain hauskoja, vaan myös säälillisiä valitettavan "onnensa" kanssa, joka on täynnä epäjohdonmukaisuuksia ja yllätyksiä. Kohtalo itse asiassa kohtelee heitä "katumatta, kuten myrsky kohtelee pientä laivaa". Nämä ihmiset ovat elämän vääristymiä. Epikhodov esitetään vähäpätöisenä sentin kunnianhimoissaan, säälittävänä vastoinkäymisissään, väitteissään ja protestissaan, rajoitettuna "filosofiassaan". Hän on ylpeä, tuskallisen ylpeä, ja elämä on asettanut hänet lakeijan ja hylätyn rakastajan asemaan. Hän väittää olevansa "koulutettu", yleviä tunteita, vahvoja intohimoja, mutta elämä on "valmistanut" hänelle päivittäin "22 onnettomuutta", pieniä, tehottomia, loukkaavia.

Tšehov, joka unelmoi ihmisistä, joissa "kaikki olisi kaunista: kasvot, vaatteet, sielu ja ajatukset", näki silti monia kummajaisia, jotka eivät olleet löytäneet paikkaansa elämässä, ihmisiä, joilla oli täydellinen ajatusten ja tunteiden sekavuus, teot ja sanat, jotka ovat vailla logiikkaa ja merkitystä: "Tietenkin, jos katsotte näkökulmasta, niin sinä, jos saan asian näin ilmaista, anteeksi rehellisyys, olet tuonut minut täysin mielentilaan."

Epihodovin komedian lähde näytelmässä on myös siinä, että hän tekee kaiken sopimattomasti, väärään aikaan. Hänen luonnollisten tietojensa ja käyttäytymisensä välillä ei ole vastaavuutta. Hän on tiivis, kielitaitoinen, hän on taipuvainen pitkiin puheisiin ja perusteluihin; kömpelö, lahjakas, hän soittaa biljardia (rikkoo lyöntinsä tässä prosessissa), laulaa "hirveästi, kuin sakaali" (Charlotten määritelmän mukaan) ja säestää synkästi itseään kitaralla. Hän julistaa rakkautensa Dunyashaa kohtaan väärään aikaan, kysyy sopimattomasti ajattelevia kysymyksiä ("Oletko lukenut Bucklea?"), käyttää sopimattomasti monia sanoja: "Vain ihmiset, jotka ymmärtävät ja ovat vanhempia, voivat puhua tästä"; "Ja niin katsot, jotain äärimmäisen säädytöntä, kuten torakka", "sanotaanpa se näin, et voi vaatia sitä minulta."

Charlotten kuvan tehtävä näytelmässä on lähellä Epikhodovin kuvan funktiota. Charlotten kohtalo on absurdi ja paradoksaalinen: saksalainen sirkusnäyttelijä, akrobaatti ja taikuri päätyi Venäjälle kasvatusneuvottelijaksi. Kaikki on epävarmaa, satunnaista hänen elämässään: Ranevskajan ilmestyminen tilalle on satunnaista, ja myös hänen poistuminen sieltä on satunnaista. Charlottea odottaa aina yllätyksiä; Hän ei tiedä, kuinka hänen elämänsä määräytyy edelleen kartanon myynnin jälkeen, kuinka käsittämätöntä hänen olemassaolonsa tarkoitus ja tarkoitus ovat: ”Kaikki ovat yksin, yksin, minulla ei ole ketään ja... kuka olen, miksi Olen tuntematon." Yksinäisyys, onnettomuus ja hämmennys muodostavat tämän näytelmän koomisen hahmon toisen, piilotetun perustan.

Tässä suhteessa on merkittävää, että jatkaessaan työskentelyä Charlotten kuvan parissa Taideteatterin näytelmän harjoitusten aikana, Tšehov ei säilyttänyt aiemmin suunniteltuja sarjakuvallisia lisäjaksoja (temppuja näytöksissä I, III, IV) ja päinvastoin, vahvisti motiivia Charlotten yksinäisyydestä ja onnettomasta kohtalosta: II näytöksen alussa kaikkea sanoista: "Haluan todella puhua, en kenenkään kanssa..." aina: "Miksi olen - ei tiedetä ” - Tšehov sisällytettiin lopulliseen painokseen.

"Happy Charlotte: laulaa!" - sanoo Gaev näytelmän lopussa. Näillä sanoilla Tšehov korostaa Gaevin väärinymmärrystä Charlotten asemasta ja hänen käyttäytymisensä paradoksaalisuutta. Elämänsä traagisena hetkenä, vaikka olisi tietoinen tilanteestaan ​​("niin ole kiltti, etsi minulle paikka. En voi tehdä tätä... minulla ei ole paikkaa asua kaupungissa"), hän tekee temppuja ja laulaa. . Vakava ajattelu, tietoisuus yksinäisyydestä ja onnettomuudesta yhdistyy pöyhkeilyyn, pöyhkeilyyn ja sirkuksen tapaan huvittaa.

Charlotten puheessa on sama outo yhdistelmä erilaisia ​​tyylejä ja sanoja: puhtaasti venäläisten lisäksi - vääristyneitä sanoja ja rakenteita ("Haluanko myydä. Haluaako joku ostaa?"), vieraita sanoja, paradoksaalisia lauseita ("Nämä älykkäät" pojat ovat kaikki niin tyhmiä", "Sinä, Epikhodov, olet erittäin älykäs ihminen ja erittäin pelottava; naisten pitäisi rakastaa sinua hulluna. Brrr!...").

Tšehov piti näitä kahta hahmoa (Epikhodovia ja Charlottea) erittäin tärkeänä ja oli huolissaan siitä, että ne tulkittaisiin teatterissa oikein ja mielenkiintoisesti. Charlotten rooli vaikutti kirjailijalle menestyneimmältä, ja hän neuvoi näyttelijöitä Knipperiä ja Lilinaa ottamaan sen ja kirjoitti Epikhodovista, että tämä rooli oli lyhyt, "mutta todellisin". Näillä kahdella sarjakuvahahmolla kirjailija itse asiassa auttaa katsojaa ja lukijaa ymmärtämään paitsi Epikhodovien ja Charlotten elämäntilanteen, myös laajentamaan muihin hahmoihin vaikutelmia, jotka hän saa kuperasta, terävästä. imago näistä "klutzeista", saa hänet näkemään elämänilmiöiden "väärän puolen", joissain tapauksissa huomaamaan, mikä sarjakuvassa on "epähauskaa", toisissa tapauksissa arvaamaan, mikä on hauskaa ulkoisen dramaattisuuden takana.

Ymmärrämme, ettei vain Epikhodov ja Charlotte, vaan myös Ranevskaya, Gaev, Simeonov-Pishchik "olemassa tuntemattomista syistä". Näihin raunioituneiden jalopesien joutilaisiin, "jonkun muun kustannuksella" eläviin asukkaisiin, Tšehov lisäsi lavalla vielä esiintymättömiä henkilöitä ja vahvisti siten kuvien tyypillisyyttä. Maaorjuudenomistaja, Ranevskajan ja Gaevin isä, joutilaisuuden turmeltunut, Ranevskajan moraalisesti menetetty toinen aviomies, despoottinen Jaroslavlin isoäiti-kreivitär, osoitti luokkaröyhkeyttä (hän ​​ei vieläkään voi antaa Ranevskajalle anteeksi, että hänen ensimmäinen miehensä "ei ollut aatelinen") - kaikki nämä "tyypit" yhdessä Ranevskajan, Gaevin, Pištšikin kanssa "ovat jo vanhentuneet". Katsojan vakuuttamiseksi tästä Tšehovin mukaan ei tarvittu pahaa satiiria eikä halveksuntaa; Se riitti saada heidät katsomaan niitä sellaisen henkilön silmin, joka oli kulkenut huomattavan historiallisen matkan ja joka ei ollut enää tyytyväinen elintasoonsa.

Ranevskaya ja Gaev eivät tee mitään suojellakseen tai pelastaakseen kartanon ja puutarhan tuholta. Päinvastoin, juuri heidän toimettomuutensa, epäkäytännöllisyytensä ja huolimattomuutensa ansiosta heidän "pyhästi rakastetut" "pesänsä" tuhoutuvat, heidän runollisen kauniit kirsikkatarhat tuhoutuvat.

Tämä on näiden ihmisten rakkauden hinta kotimaataan kohtaan. "Jumala tietää, rakastan kotimaatani, rakastan sitä suuresti", Ranevskaja sanoo. Tšehov pakottaa meidät kohtaamaan nämä sanat teoillaan ja ymmärtämään, että hänen sanansa ovat impulsiivisia, eivät heijasta jatkuvaa mielialaa, tunteiden syvyyttä ja ovat ristiriidassa hänen tekojensa kanssa. Saamme tietää, että Ranevskaja lähti Venäjältä viisi vuotta sitten, että Pariisista hänet "vei äkkiä Venäjälle" vasta henkilökohtaisen elämänsä katastrofin jälkeen ("siellä hän ryösti minut, hylkäsi minut, otti yhteyttä johonkin toiseen, yritin myrkyttää minä itse...”). , ja näemme finaalissa, että hän jättää silti kotimaansa. Huolimatta siitä, kuinka paljon Ranevskaja katuu kirsikkatarhaa ja kartanoa, hän pian "rauhtui ja tuli iloiseksi" Pariisiin lähtöä odotellessa. Päinvastoin, Tšehov sanoo koko näytelmän ajan, että Ranevskajan, Gaevin ja Pishchikin elämän jouto, epäsosiaalinen luonne todistaa heidän täydellisestä unohtamisesta kotimaansa eduista. Hän luo vaikutelman, että kaikista subjektiivisesti hyvistä ominaisuuksista huolimatta ne ovat hyödyttömiä ja jopa haitallisia, koska ne eivät edistä luomista, eivät kotimaan "vaurauden ja kauneuden lisäämistä", vaan tuhoa: Pischik vuokraa ajattelemattomasti tontin. maata briteille 24 vuodeksi Venäjän luonnonvarojen saalistavaan hyväksikäyttöön. Ranevskajan ja Gaevin upea kirsikkatarha on kuolemassa.

Näiden hahmojen teoilla Tšehov saa meidät vakuuttuneeksi siitä, ettemme voi luottaa heidän sanoihinsa, edes vilpittömästi ja innoissaan puhuttuihin. "Maksamme korot, olen vakuuttunut", Gaev purskahtaa ilman mitään syytä ja jo innostuu itseään ja muita näillä sanoilla: "Kunniani, mitä ikinä haluatte, vannon, kiinteistöä ei myydä! .. vannon onneneni! Tässä on käteni sinulle, sano sitten minua paskaksi, epärehelliseksi henkilöksi, jos sallin sen huutokaupassa! Minä vannon koko olemuksestani!" Tšehov kompromissi sankarinsa katsojan silmissä osoittaen, että Gaev "sallii huutokaupan" ja omaisuus, vastoin lupaustaan, osoittautuu myytyksi.

Ensimmäisessä näytöksessä Ranevskaja kyynelee päättäväisesti lukematta häntä loukaneen henkilön sähkeitä Pariisista: "Pariisi on ohi." Mutta näytelmän jatkossa Tšehov osoittaa Ranevskajan reaktion epävakauden. Seuraavissa näytöksissä hän jo lukee sähkeitä, on taipuvainen sovittelemaan ja palaa finaalissa rauhoittuneena ja iloisena mielellään Pariisiin.

Yhdistämällä nämä hahmot sukulaisuuden ja yhteiskunnallisen kuuluvuuden perusteella Tšehov osoittaa kuitenkin kummankin yhtäläisyyksiä ja yksilöllisiä piirteitä. Samalla hän pakottaa katsojan paitsi kyseenalaistamaan näiden hahmojen sanoja, myös pohtimaan muiden ihmisten arvostelujen oikeudenmukaisuutta ja syvyyttä heistä. "Hän on hyvä, kiltti, mukava, rakastan häntä erittäin paljon", Gaev sanoo Ranevskajasta. "Hän on hyvä ihminen, rento, yksinkertainen ihminen", Lopakhin sanoo hänestä ja ilmaisee innostuneesti tunteitaan hänelle: "Rakastan sinua kuin omaani... enemmän kuin omaani." Anya, Varya, Pischik, Trofimov ja Firs houkuttelevat Ranevskajaa kuin magneetti. Hän on yhtä ystävällinen, herkkä, hellä omaan ja adoptoituun tyttäreensä ja veljeensä ja "mies" Lopakhiniin ja palvelijoihin.

Ranevskaja on lämminsydäminen, tunteellinen, hänen sielunsa on avoin kauneudelle. Mutta Tšehov osoittaa, että nämä ominaisuudet yhdistettynä huolimattomuuteen, turmeltuneisuuteen, kevytmielisyyteen muuttuvat hyvin usein (tosin Ranevskajan tahdosta ja subjektiivisista aikeista riippumatta) vastakohtakseen: julmuuteen, välinpitämättömyyteen, välinpitämättömyyteen ihmisiä kohtaan. Ranevskaja antaa viimeisen kullan satunnaiselle ohikulkijalle, ja kotona palvelijat elävät kädestä suuhun; hän sanoo Firsille: "Kiitos, rakkaani", suutele häntä, tiedustele myötätuntoisesti ja hellästi hänen terveydestään ja... jätä hänet, sairaan, vanhan, omistautuneen palvelijan, lautataloon. Tällä näytelmän viimeisellä soinnilla Tšehov tekee tarkoituksella kompromisseja Ranevskajan ja Gaevin katsojan silmissä.

Gaev, kuten Ranevskaya, on lempeä ja vastaanottavainen kauneudelle. Tšehov ei kuitenkaan anna meidän täysin luottaa Anyan sanoihin: "Kaikki rakastavat ja kunnioittavat sinua." "Kuinka hyvä olet, setä, kuinka älykäs." Tšehov osoittaa, että Gaevin lempeä, lempeä kohtelu läheisiä ihmisiä kohtaan (sisar, veljentytär) yhdistyy luokkahalvaukseen "surua" Lopakhinia, "talonpoikaa ja porukkaa" kohtaan (hänen määritelmänsä mukaan), halveksivaan ja inhottavaan asenteeseen palvelijoita kohtaan. (Yashasta "haisee kanalle", Firs on "väsynyt" jne.). Näemme, että herrallisen herkkyyden ja armon ohella hän imeytyi herralliseen röyhkeilyyn, ylimielisyyteen (Gaevin sana on tyypillinen: "kuka?"), vakaumukseen piirinsä ihmisten eksklusiivisuudesta ("valkoinen luu"). Ranevskajaa enemmän hän tuntee itsensä ja saa muut tuntemaan asemansa mestarina ja siihen liittyvät edut. Ja samalla hän flirttailee läheisyytensä kanssa, väittää "tuntevansa ihmiset", että "mies rakastaa" häntä.

Tšehov saa selvästi tuntemaan Ranevskajan ja Gaevin joutilaisuuden, heidän tapansa "elä velassa jonkun muun kustannuksella". Ranevskaja on tuhlaava ("kuluttaa rahaa"), ei vain siksi, että hän on kiltti, vaan myös siksi, että raha tulee hänelle helposti. Kuten Gaev, hän ei luota työhönsä ja siunaukseen, vaan vain satunnaiseen ulkopuoliseen apuun: hän saa joko perinnön tai Lopakhin lainaa sen tai Jaroslavlin isoäiti lähettää hänet maksamaan velkaa. Siksi emme usko Gaevin elämän mahdollisuuteen perhetilan ulkopuolella, emme usko tulevaisuuden näkymiin, joka valloittaa Gaevia kuin lapsi: hän on "pankkipalvelija". Tšehov toivoo, että veljensä hyvin tuntevan Ranevskajan tavoin katsoja hymyilee ja sanoo: Mikä rahoittaja ja virkamies hän on! "Missä sinä olet! Istu vain!"

Ranevskaja ja Gaev, joilla ei ole aavistustakaan työstä, menevät täysin intiimien tunteiden, hienostuneiden, mutta hämmenneiden, ristiriitaisten kokemusten maailmaan. Ranevskaja ei vain omistanut koko elämänsä rakkauden iloille ja kärsimyksille, vaan hän pitää tätä tunnetta ratkaisevan tärkeänä ja tuntee siksi energian aallon aina, kun hän voi auttaa muita kokemaan sen. Hän on valmis toimimaan välittäjänä paitsi Lopakhinin ja Varyan, myös Trofimovin ja Anyan välillä ("Antaisin Anyan mielellään puolestasi"). Yleensä pehmeä, mukautuva, passiivinen, hän reagoi aktiivisesti vain kerran paljastaen sekä terävyyden, vihan että ankaruuden, kun Trofimov koskettaa tätä hänelle pyhää maailmaa ja kun hän tunnistaa hänessä erilaisen luonteen, hänelle syvästi vieraan ihmisen. tähän liittyen: "Vuosina sinun täytyy ymmärtää niitä, jotka rakastavat ja sinun täytyy rakastaa itseäsi... sinun täytyy rakastua! (vihaisesti). Kyllä kyllä! Ja sinulla ei ole puhtautta, ja olet vain puhdas ihminen, hauska eksentrinen, friikki... "Olen rakkauden yläpuolella!" Et ole rakkauden yläpuolella, vaan yksinkertaisesti, kuten kuusemme sanoo, olet tyhmä. Älä pidä rakastajaa sinun iässäsi! .."

Rakkauden piirin ulkopuolella Ranevskajan elämä osoittautuu tyhjäksi ja päämäärättömäksi, vaikka hänen lausunnoissaan, jotka ovat rehellisiä, vilpittömiä, joskus itsepiippuja ja usein sanallisia, pyritään ilmaisemaan kiinnostusta yleisiin kysymyksiin. Tšehov asettaa Ranevskajan hauskaan asemaan osoittaen, kuinka hänen johtopäätöksensä, jopa opetuksensa, poikkeavat hänen omasta käytöksestään. Hän moittii Gaevia "sopimattomuudesta" ja puhumisesta paljon ravintolassa ("Miksi puhua niin paljon?"). Hän neuvoo ympärillä olevia: "Sinun... pitäisi katsoa itseään useammin. Kuinka te kaikki elätte harmaalla tavalla, kuinka paljon sanotte tarpeettomia asioita." Hän itse myös sanoo paljon ja sopimattomasti. Hänen herkät, innostuneet vetoomuksensa lastentarhaan, puutarhaan, taloon ovat varsin sopusoinnussa Gaevin kaappiin vetoamisen kanssa. Hänen monisanaiset monologinsa, joissa hän kertoo läheisille ihmisille elämästään, eli siitä, mitä he ovat tienneet kauan, tai paljastavat heille tunteitaan ja kokemuksiaan, on Tšehov yleensä esittänyt joko ennen tai sen jälkeen, kun hän moittii lähimmäisiään heidän heidän elämästään. monisanaisuus. Näin kirjailija tuo Ranevskajan lähemmäksi Gaevia, jonka tarve "puhua" ilmaistaan ​​selkeimmin.

Gaevin vuosipäiväpuhe kaapin edessä, jäähyväispuhe finaalissa, ravintolapalvelijoille osoitetut keskustelut dekadenteista, Anyan ja Varyan esittämät yleistykset 80-luvun ihmisistä, ylistys sana "äitiluontolle" lausuttu "kävelyseura" - kaikki tämä hengittää inspiraatiota, intohimoa, vilpittömyyttä. Mutta kaiken tämän takana Tšehov saa meidät näkemään tyhjää liberaalia fraasien levittämistä; siksi Gaevin puheessa sellaiset epämääräiset, perinteisesti liberaalit ilmaisut kuin: "hyvyyden ja oikeudenmukaisuuden kirkkaat ihanteet". Kirjoittaja osoittaa näiden hahmojen ihailua itseään kohtaan, halun sammuttaa kyltymätön jano ilmaista "kauniita tunteita" "kauneilla sanoilla", heidän keskittymisensä vain sisäiseen maailmaansa, kokemuksiinsa, eristäytymiseen "ulkoisesta" elämästä.

Tšehov korostaa, että kaikki nämä monologit, puheet, rehelliset, välinpitämättömät, ylevät, ovat tarpeettomia, lausutaan "sopivasti". Hän kiinnittää katsojan huomion tähän pakottaen Anyan ja Varyan jatkuvasti, vaikkakin lempeästi, keskeyttämään Gaevin alkavat huudahdukset. Sana osoittautuu sopimattomasti leitmotiiviksi paitsi Epikhodoville ja Charlottelle, myös Ranevskayalle ja Gaeville. Sopimattomia puheita pidetään, sopimattomasti heitetään palloa juuri silloin, kun tila myydään huutokaupassa, sopimattomasti lähtöhetkellä he aloittavat selityksen Lopakhinin ja Varjan välillä jne. Epihodovin ja Charlotten lisäksi myös Ranevskaja ja Gaev osoittautuvat "klutzeiksi". Charlotten odottamattomat huomautukset eivät enää vaikuta meistä yllättäviltä: "Koirani syö jopa pähkinöitä." Nämä sanat eivät ole sen sopimattomia kuin Gaevin ja Ranevskajan "päättelyt". Paljastaen keskeisissä hahmoissa samankaltaisia ​​piirteitä "pienten" komediahahmojen - Epikhodovin ja Charlotten - kanssa Tšehov paljasti hienovaraisesti "jaloja sankarinsa".

Kirsikkatarhan kirjoittaja saavutti saman tuomalla Ranevskajan ja Gaevin lähemmäksi Simeonov-Pishchikiä, näytelmän toista komediahahmoa. Maanomistaja Simeonov-Pishchik on myös ystävällinen, lempeä, herkkä, moitteettoman rehellinen, lapsellisesti luottavainen, mutta hän on myös toimettomana, "kelkka". Hänen omaisuutensa on myös tuhon partaalla ja sen säilyttämissuunnitelmat, kuten Gaevin ja Ranevskajan suunnitelmat, eivät ole toteuttamiskelpoisia, he tuntevat olevansa sattumanvaraisia: hänen tyttärensä Dashenka voittaa, joku antaa hänelle lainan jne.

Antaa Pischikille toisen vaihtoehdon kohtalossaan: hän pelastaa itsensä tuholta, hänen omaisuuttaan ei vielä myydä huutokaupassa. Tšehov korostaa sekä tämän suhteellisen hyvinvoinnin tilapäisyyttä että sen epävakaata lähdettä, joka ei ole ollenkaan riippuvainen Pištšikistä itsestään, eli hän korostaa vielä enemmän aatelistilojen omistajien historiallista tuhoa. Pishchikin kuvassa aatelisten eristäminen "ulkoisesta" elämästä, heidän rajoituksistaan ​​ja tyhjyydestä on vielä selvempää. Tšehov riisti häneltä jopa ulkoisen kulttuurin kiiltonsa. Pištšikin puhe, joka heijastelee hänen sisäisen maailmansa kurjuutta, on Tšehovilla hienovaraisesti pilkannut lähemmäksi muiden jalohahmojen puhetta, ja siten kielen sidottu Pištšik rinnastetaan kaunopuheiseen Gaeviin. Pištšikin puhe on myös tunteellinen, mutta nämä tunteet peittävät myös vain sisällön puutteen (ei ole turhaa, että Pishchik itse nukahtaa ja kuorsaa "puheidensa" aikana). Pishchik käyttää jatkuvasti yliluonnollisia epiteettejä: "ihminen, jolla on valtava älykkyys", "arvollisin", "suurin", "ihanin", "kunnioittavin" jne. Tunteiden köyhyys paljastuu ennen kaikkea siinä, että nämä epiteetit pätevät yhtä lailla Lopakhiniin, Nietzscheen, Ranevskajaan ja Charlotteen ja säähän. Gaevin liioitellut "emotionaaliset" puheet, jotka on osoitettu kaapille, seksille, luontoäidille, eivät ole anna tai ota. Pishchikin puhe on myös yksitoikkoista. "Ajattele!" - Näillä sanoilla Pishchik reagoi sekä Charlotten temppuihin että filosofisiin teorioihin. Myös hänen tekonsa ja sanansa osoittautuvat sopimattomiksi. Sopimattomasti hän keskeyttää Lopakhinin vakavat varoitukset kiinteistön myynnistä kysymyksillä: "Mitä Pariisissa on? Miten? Söitkö sammakoita? Sopimattomasti pyytää Ranevskajaa lainaa, kun kirsikkatarhan omistajien kohtalo on päätetty, sopimattomasti, pakkomielteisesti jatkuvasti viitaten tyttärensä Dashenkan sanoihin, epäselvästi, epämääräisesti välittäen niiden merkityksen.

Vahvistaakseen tämän näytelmän hahmon komediaa, Tšehov työskenteli hänen parissaan lisäksi jaksoja ja sanoja ensimmäiseen näytökseen, joka loi koomisen vaikutuksen: jakso pillereillä, keskustelu sammakoista.

Tuomitessaan hallitsevaa luokkaa - aatelistoa - Tšehov ajattelee jatkuvasti itseään ja saa katsojan ajattelemaan ihmisiä. Tämä on Tšehovin näytelmän Kirsikkatarha vahvuus. Mielestämme kirjoittaja suhtautuu niin kielteisesti Ranevskien, Gaevien, Simeonovien-Pishchikovien joutilaisuuteen ja turhaan puheeseen, koska hän arvaa tämän kaiken yhteyden ihmisten vaikeaan tilanteeseen ja puolustaa laajojen joukkojen etuja. työskentelevistä ihmisistä. Sensuuri ei turhaan poistunut näytelmästä: "Työntekijät syövät iljettävästi, nukkuvat ilman tyynyjä, kolme-neljäkymmentä yhdessä huoneessa, luteita ja haisee kaikkialla." "Omistaa eläviä sieluja - tämähän on synnyttänyt uudelleen te kaikki, jotka elitte ennen ja nyt elätte, niin ettet äitisi, sinä, setäsi enää huomaa, että elät velassa, muiden kustannuksella, niiden ihmisten kustannuksella, joiden etenemistä et salli."

Verrattuna Tšehovin aikaisempiin näytelmiin "Kirsikkatarhassa" kansan teema on paljon vahvempi, ja on selvempää, että kirjailija tuomitsee "elämän herrat" kansan nimissä. Mutta ihmiset täällä ovat pääosin "lavan ulkopuolella".

Tekemättä työmiehestä näytelmän avointa kommentoijaa tai positiivista sankaria, Tšehov kuitenkin pyrki herättämään ajatuksia hänestä, hänen tilanteestaan, ja tämä on Kirsikkatarhan kiistaton progressiivisuus. Näytelmän ihmisten jatkuva maininta, kuvat palvelijoista, erityisesti Firsistä, näyttelevät lavalla, saavat ajattelemaan.

Tšehov osoittaa vain juuri ennen kuolemaansa tietoisuuden välähdyksen orjassa - Firsissä, hän tuntee syvästi myötätuntoa häntä kohtaan ja moittii häntä lempeästi: "Elämä on mennyt, ikään kuin et olisi koskaan elänyt... Sinulla ei ole Silushkaa, ei ole mitään jäljellä , ei mitään... Eh, sinä... tyhmä."

Firsin traagisesta kohtalosta Tšehov syyttää isäntiään jopa enemmän kuin itseään. Hän puhuu Firsin traagisesta kohtalosta, ei herransa pahan tahdon ilmentymänä. Lisäksi Tšehov osoittaa, että hyvät ihmiset - jalopesän asukkaat - näyttävät jopa välittävän siitä, että sairas palvelija Firs lähetetään sairaalaan. - "Firs lähetettiin sairaalaan?" - "Ovatko he vieneet Firsin sairaalaan?" - "Vedivätkö he Firsin sairaalaan?" - "Äiti, Firs on jo lähetetty sairaalaan." Ulkoisesti syyllinen osoittautuu Yashaksi, joka vastasi kysymykseen Firsistä myöntävästi, ikään kuin hän olisi johtanut ympärillään olevia.

Firs jäi laudoitettuun taloon - tätä tosiasiaa voidaan pitää myös traagisena onnettomuutena, josta kukaan ei ole syyllinen. Ja Yasha saattoi olla vilpittömästi varma, että käsky lähettää Firs sairaalaan oli täytetty. Mutta Tšehov saa meidät ymmärtämään, että tämä "onnettomuus" on luonnollinen, se on arkipäiväinen ilmiö kevytmielisten Ranevskyjen ja Gaevsien elämässä, jotka eivät ole syvästi huolissaan palvelijoidensa kohtalosta. Lopulta olosuhteet eivät olisi juurikaan muuttuneet, jos Firs olisi lähetetty sairaalaan: kaikesta huolimatta hän olisi kuollut yksinäisenä, unohdettuina, kaukana ihmisistä, joille hän antoi henkensä.

Näytelmässä on vihje, että Firsin kohtalo ei ole ainutlaatuinen. Vanhan lastenhoitajan ja palvelijoiden Anastasiuksen elämä ja kuolema olivat aivan yhtä kunniattomia ja menivät myös heidän isäntänsä tajunnan ohi. Pehmeä, rakastava Ranevskaya tyypillisellä kevytmielisyydellä ei reagoi ollenkaan viestiin Anastasian kuolemasta, kartanon jättämisestä Petruška Kosoyn kaupunkiin. Ja lastenhoitajan kuolema ei tehnyt häneen suurta vaikutusta; hän ei muista häntä yhdelläkään ystävällisellä sanalla. Voimme kuvitella, että Ranevskaya vastaa Firsin kuolemaan samoilla merkityksettömillä, epämääräisillä sanoilla, joilla hän vastasi lastenhoitajansa kuolemaan: "Kyllä, taivasten valtakunta. He kirjoittivat minulle."

Samaan aikaan Tšehov saa meidät ymmärtämään, että Firsissä piilee merkittäviä mahdollisuuksia: korkea moraali, epäitsekäs rakkaus, kansan viisaus. Koko näytelmän ajan hän - 87-vuotias vanha mies - näyttelee toimettomana, toimettomana ihmisenä yksinään ikuisena huolestuneena, vaivalloisena työntekijänä ("yksin koko talon puolesta").

Noudattaen periaatteitaan yksilöidä hahmojen puhetta, Tšehov antoi vanhan miehen Firsin sanoille suurimmaksi osaksi isällisen, välittävän ja äreän intonaation. Vältellen pseudokannsisia ilmaisuja, käyttämättä väärin dialektismeja ("lakkien pitäisi puhua yksinkertaisesti, ilman ja ilman nyt", osa XIV, s. 362), kirjailija varustasi Firsillä puhtaan kansanpuheen, joka ei vailla erityisiä sanoja, jotka ovat ominaisia ​​vain hän: "klutz" , "palasiksi."

Gaev ja Ranevskaja lausuvat pitkiä, johdonmukaisia, yleviä tai herkkiä monologeja, ja nämä "puheet" osoittautuvat "sopimattomiksi". Firs puolestaan ​​mutisee käsittämättömiä, toisille käsittämättömiltä vaikuttavia sanoja, joita kukaan ei kuuntele, mutta juuri hänen sanojaan kirjoittaja käyttää osuvina sanoina, jotka heijastelevat elämänkokemusta, ihmisen viisautta ihmisestä. Firsin sana "klutz" kuullaan näytelmässä monta kertaa, se luonnehtii kaikkia hahmoja. Sana "palasina" ("nyt kaikki on palasina, et ymmärrä mitään") kertoo uudistuksen jälkeisen elämän luonteesta Venäjällä. Se määrittelee näytelmän ihmisten väliset suhteet, heidän kiinnostuksen kohteidensa vieraantumista ja toistensa väärinymmärrystä. Näytelmän dialogin spesifisyys liittyy myös tähän: jokainen puhuu omastaan, yleensä kuuntelematta, ajattelematta, mitä keskustelukumppaninsa sanoi:

Dunyasha: Ja minulle, Ermolai Alekseich, minun on myönnettävä, Epikhodov teki tarjouksen.

Lopakhin: Ah!

Dunyasha: En tiedä miten... Hän on onneton ihminen, jotain tapahtuu joka päivä. He kiusoivat häntä näin: kaksikymmentäkaksi onnettomuutta...

Lopakhin (kuulee): Näyttää siltä, ​​​​että he ovat tulossa...

Useimmiten yhden hahmon sanat keskeytyvät muiden sanoilla, mikä johtaa pois juuri ilmaistusta ajatuksesta.

Tšehov käyttää usein Firsin sanoja osoittaakseen elämän liikkeen ja nykyisen entisen voiman, entisen aatelisten voiman menetyksen etuoikeutettuna luokkana: "Aiemmin kenraalit, paronit, amiraalit tanssivat juhlissamme, mutta nyt lähetämme hakemaan postivirkailijan ja asemapäällikön ja jopa ne, jotka eivät ole menossa metsästämään."

Firs, joka hetkinen huoli Gaevista avuttomana lapsena, tuhoaa katsojan illuusioita, joita saattaa syntyä Gaevin sanojen perusteella hänen tulevaisuudestaan ​​"pankkivirkailijana", "rahoittajana". Tšehov haluaa jättää katsojalle tietoisuuden siitä, että näitä työttömiä ihmisiä on mahdotonta elvyttää mihin tahansa toimintaan. Siksi Gaev tarvitsee vain lausua sanat: "He tarjoavat minulle paikkaa pankissa. Kuusi tuhatta vuodessa...”, kuten Tšehov muistuttaa katsojaa Gaevin elinkyvyttömyydestä, avuttomuudesta. Firs ilmestyy. Hän tuo takin: "Jos haluat, sir, pue se päälle, se on kosteaa."

Näyttämällä muita palvelijoita näytelmässä: Dunyasha, Yasha, Tšehov tuomitsee myös "jalot" maanomistajat. Hän saa katsojan ymmärtämään Ranevskyjen ja Gaevien haitallisen vaikutuksen ihmisiin työympäristössä. Joutilaisuuden ja kevytmielisyyden ilmapiirillä on haitallinen vaikutus Dunyashaan. Hän oppi herrasmiehiltä herkkyyttä, hypertrofoitunutta huomiota "herkkiin tunteisiinsa" ja kokemuksiinsa, "hienotusta"... Hän pukeutuu kuin nuori nainen, on uppoutunut rakkauskysymyksiin, kuuntelee jatkuvasti varovaisesti "hieno-herkkää" organisaatiotaan: "Minusta on tullut ahdistunut, olen edelleen huolissani... Hänestä on tullut hellä, niin herkkä, jalo, minä pelkään kaikkea..." "Käteni tärisevät." "Sikari aiheutti minulle päänsärkyä." "Täällä on vähän kosteaa." "Tanssi saa sinut huimaan, sydämesi hakkaa" jne. Mestariensa tavoin hän kehitti intohimoa "kauniisiin" sanoiin, "kauniisiin" tunteisiin: "Hän rakastaa minua hulluna", "Rakastuin sinuun intohimoisesti."

Dunyashalla, kuten hänen mestarillaan, ei ole kykyä ymmärtää ihmisiä. Epikhodov viettelee häntä herkillä, vaikkakin käsittämättömillä sanoilla, Yasha "koulutuksella" ja kyvyllä "järkeä kaikesta". Tšehov paljastaa tällaisen Yashaa koskevan päätelmän absurdin komedian esimerkiksi pakottamalla Dunyashan ilmaisemaan tämän johtopäätöksen Jashan kahden huomautuksen välillä, mikä todistaa Yashan tietämättömyydestä, ahdasmielisyydestä ja kyvyttömyydestä ajatella, järkeillä ja toimia ollenkaan loogisesti:

Yasha (suutelee häntä): Kurkkua! Tietenkin jokaisen tytön on muistettava itsensä, enkä pidä eniten siitä, että tytöllä on huono käytös... Minun mielestäni se on näin: jos tyttö rakastaa jotakuta, hän on moraaliton...

Kuten isäntänsä, Dunyasha puhuu sopimattomasti ja toimii sopimattomasti. Hän sanoo usein itsestään, mitä ihmiset, kuten Ranevskaya ja Gaev, ajattelevat itsestään ja jopa antavat muiden tuntea, mutta eivät ilmaise suoraan sanoin. Ja tämä luo koomisen vaikutelman: "Olen niin herkkä tyttö, rakastan todella lempeitä sanoja." Lopullisessa versiossa Tšehov vahvisti näitä ominaisuuksia Dunyashan kuvassa. Hän lisäsi: "Aion pyörtyä." "Kaikki meni kylmäksi." "En tiedä mitä hermoilleni tapahtuu." "Jätä minut nyt rauhaan, nyt näen unta." "Olen lempeä olento."

Tšehov piti Dunyashan kuvaa erittäin tärkeänä ja oli huolissaan tämän roolin oikeasta tulkinnasta teatterissa: "Käske Dunyashaa näyttelevälle näyttelijälle lukemaan Kirsikkatarha Knowledge-painoksessa tai todisteena; Siellä hän näkee, missä hän tarvitsee puuteria ja niin edelleen. ja niin edelleen. Anna hänen lukea se erehtymättä: kaikki muistikirjoissasi on sekaisin ja tahriintunut." Kirjoittaja saa meidät pohtimaan syvällisemmin tämän koomisen hahmon kohtaloa ja näkemään, että tämä kohtalo, pohjimmiltaan, myös "elämän herrojen" armosta, on traaginen. Työympäristöstään erotettuna ("En ole tottunut yksinkertaiseen elämään"), Dunyasha menetti jalansijansa ("hän ei muista itseään"), mutta ei saanut uutta tukea elämään. Hänen tulevaisuutensa ennustetaan Firsin sanoin: "Sinä tulet pyörimään."

Tšehov näyttää myös Ranevskyjen, Gaevien, Pischikovin maailman tuhoisan vaikutuksen lakei Yashan kuvassa. Todistaessaan Ranevskajan helppoa, huoletonta ja julmaa elämää Pariisissa hän on tartunnan saanut välinpitämättömyydestä kotimaataan, ihmisiä kohtaan ja jatkuvasta nautinnonhalusta. Yasha ilmaisee suoremmin, terävämmin, töykeämmin sen, mikä pohjimmiltaan on Ranevskajan toimien merkitys: vetovoima Pariisiin, huolimaton ja halveksiva asenne "kouluttamattomaan maahan", "tietämättömiin ihmisiin". Hän, kuten Ranevskaja, on kyllästynyt Venäjällä ("haukottelee" on kirjoittajan itsepintainen huomautus Yashalle). Tšehov tekee meille selväksi, että Ranevskajan huolimaton piittaamattomuus turmeli Jashan. Yasha ryöstää hänet, valehtelee hänelle ja muille. Esimerkki Ranevskajan helposta elämästä, hänen huonosta johtamisestaan, joka kehittyi Yashan vaatimuksiin ja haluihin, jotka ylittävät hänen kykynsä: hän juo samppanjaa, polttaa sikareita, tilaa kalliita ruokia ravintolassa. Yashan älykkyys riittää sopeutumaan Ranevskajaan ja hyödyntämään hänen heikkouksiaan henkilökohtaisen hyödyn saamiseksi. Ulkoisesti hän on edelleen omistautunut hänelle ja käyttäytyy kohteliaasti ja avuliaasti. Hän omaksui "hyvin tapaisen" sävyn ja sanat asioidessaan tietyn ihmispiirin kanssa: "En voi olla kanssasi eri mieltä", "anna minun esittää sinulle pyyntö." Arvostaen asemaansa Yasha pyrkii luomaan paremman vaikutelman itsestään kuin ansaitsee, hän pelkää menettävänsä Ranevskajan luottamuksen (siis kirjoittajan huomautukset: "katsoi ympärilleen", "kuuntelee"). Kuullessaan esimerkiksi, että "herrat ovat tulossa", hän lähettää Dunyashan kotiin, "muuten he tapaavat ja ajattelevat minua kuin olisin treffeillä kanssasi. En kestä sitä."

Tšehov paljastaa siten samanaikaisesti sekä petollisen lakeijan Jashan että herkkäuskoisen, ajattelemattoman Ranevskajan, joka pitää hänet lähellään. Tšehov syyttää paitsi häntä, myös mestareita, siitä, että Jasha joutui järjettömään miehen asemaan, joka "ei muista sukulaisuuttaan" ja joka on menettänyt ympäristönsä. Jashalle, joka on poistettu alkuperäisestä elementistään, miehet, palvelijat ja talonpoikaäiti ovat jo "alemman luokan" ihmisiä; hän on ankara tai itsekkäästi välinpitämätön heitä kohtaan.

Hänen herransa tartuttavat Yashaan intohimolla filosofoida, "puhua", ja heidän tavoin hänen sanansa ovat ristiriidassa hänen elämäntapansa ja käyttäytymisensä kanssa (suhde Dunyashaan).

A. P. Tšehov näki elämässä ja toisti näytelmässä toisen version kansan kohtalosta. Saamme tietää, että Lopakhinin isä - talonpoika, maaorja, jota ei myöskään päästetty edes keittiöön - uudistuksen jälkeen hän "teki itsensä kansaksi", rikastui, hänestä tuli kauppias, kansan riistäjä.

Näytelmässä Tšehov näyttää poikansa - uuden muodostelman porvarillisen. Tämä ei ole enää "likainen", ei tyrannikauppias, despoottinen, töykeä, kuten hänen isänsä. Tšehov varoitti näyttelijöitä erityisesti: "Lopakhin, se on totta, on kauppias, mutta kunnollinen henkilö kaikin puolin, hänen täytyy käyttäytyä melko kunnollisesti, älykkäästi." "Lopakhinia ei pidä soittaa kovaääniseksi... Hän on lempeä ihminen."

Näytelmän parissa työskennellessään Tšehov jopa korosti Lopakhinin kuvassa lempeyden ja ulkoisen "säädyllisyyden, älykkyyden" piirteitä. Niinpä hän sisällytti viimeiseen painokseen Lopakhinin lyyriset sanat Ranevskajalle: "Haluaisin... että hämmästyttävät, koskettavat silmäsi katsoisivat minua kuten ennenkin." Tšehov lisäsi Trofimovin Lopakhinille antamaan kuvaukseen sanat: ”Loppujen lopuksi rakastan sinua edelleen. Sinulla on ohuet, herkät sormet, kuin taiteilijalla, sinulla on hienovarainen, lempeä sielu..."

Lopakhinin puheessa Tšehov korostaa teräviä, käskeviä ja didaktisia intonaatioita puhuessaan palvelijoille: "Jättäkää minut rauhaan. Olen kyllästynyt siihen." "Tuo minulle kvassia." "Meidän täytyy muistaa itsemme." Lopakhinin puheessa Tšehov risteää eri elementtejä: se aistii sekä kauppias Lopakhinin elämänkäytännön ("hän antoi neljäkymmentä", "vähiten", "nettotuloa") että talonpoikalaista alkuperää ("jos", "niin", " leikki hölmöä", "repistää nenänsä", "sian kuono aserivissä", "hengailla kanssasi", "oli humalassa") ja herrallisen, säälittävän herkän puheen vaikutus: "Luulen, että : "Herra, sinä annoit meille... laajoja peltoja, syvimpiä horisontteja..." "Toivon vain, että sinä edelleen uskoisit minua, että hämmästyttävät, koskettavat silmäsi katsoisivat minua kuten ennen." Lopakhinin puhe saa eri sävyjä riippuen hänen asenteestaan ​​kuuntelijoihin, keskustelun aiheeseen, mielentilasta riippuen. Lopakhin puhuu vakavasti ja innoissaan mahdollisuudesta myydä tila, varoittaa kirsikkatarhan omistajia; hänen puheensa tällä hetkellä on yksinkertainen, oikea, selkeä. Mutta Tšehov osoittaa, että Lopakhin, joka tuntee voimansa, jopa ylivoimansa kevytmielisiin, epäkäytännöllisiin aatelisiin nähden, flirttailee hieman demokratiaan nähden, saastuttaa tarkoituksella kirjan ilmaisuja ("mielikuvituksesi tuote, tuntemattoman pimeyden peitossa"), ja vääristää tarkoituksella hänelle täydellisesti tuntemia kieliopillisia ja tyylillisiä muotoja. Tällä Lopakhin samalla ironisoi niitä, jotka "vakavasti" käyttävät näitä kliseisiä tai vääriä sanoja ja lauseita. Joten esimerkiksi sanan "hyvästi" kanssa Lopakhin sanoo "näkemiin" useita kertoja; yhdessä sanan "valtava" ("Herra, sinä annoit meille valtavat metsät") hän lausuu "valtava" - ("kuhu kuitenkin hyppää valtavaksi"), ja nimeä Ophelia on luultavasti tarkoituksella vääristänyt Lopakhin, joka oppi ulkoa Shakespearen tekstin ja melkein joka kiinnitti huomiota Ophelian sanojen ääneen: "Ophmelia, oi nymfi, muista minua rukouksissasi." "Okhmelia, mene luostariin."

Trofimovin kuvaa luodessaan Tšehov koki tiettyjä vaikeuksia ymmärtäessään mahdollisia sensuurihyökkäyksiä: "Minua pelotti pääasiassa ... opiskelija Trofimovin keskeneräinen tila. Loppujen lopuksi Trofimov on jatkuvasti maanpaossa, hänet karkotetaan jatkuvasti yliopistosta, mutta miten nämä asiat kuvataan? Itse asiassa opiskelija Trofimov ilmestyi katsojan eteen aikana, jolloin yleisö oli kiihtynyt opiskelijoiden "levottomuudesta". Tšehov ja hänen aikalaisensa olivat todistamassa "tottelemattomia kansalaisia" vastaan ​​useiden vuosien ajan käymää rajua, mutta tuloksetonta taistelua "... Venäjän hallitus... lukuisten joukkojensa, poliisien ja santarmien avulla".

"Ikuisen opiskelijan" yleismiehen, lääkärin pojan - Trofimovin - kuvassa Tšehov osoitti demokratian paremmuuden jalo-porvarilliseen "herruuteen". Tšehov asettaa vastakkain Ranevskajan, Gaevin, Pisšikin epäsosiaalisen, antiisänmaallisen joutoelämän ja ostaja-omistaja Lopakhinin tuhoisan "toiminnan" Trofimovin sosiaalisen totuuden etsinnällä, joka uskoo kiihkeästi oikeudenmukaisen sosiaalisen elämän voittoon lähipiirissä. tulevaisuutta. Trofimovin kuvaa luodessaan Tšehov halusi säilyttää jonkin verran historiallista oikeudenmukaisuutta. Siksi hän toisaalta vastusti konservatiivisia aatelisia piirejä, jotka näkivät nykyaikaiset demokraattiset intellektuellit moraalittomina, kaupallisina, tietämättöminä "likaisina", "kokin lapsina" (katso taantumuksellisen Raševitšin kuva tarinassa "Estate"). ; toisaalta Tšehov halusi välttää Trofimovin idealisoimista, koska hän näki Trofimovien tietyn rajoituksen uuden elämän luomisessa.

Tämän mukaisesti demokraattinen opiskelija Trofimov esitetään näytelmässä poikkeuksellisen rehellisenä ja epäitsekkäänä miehenä, jota eivät rajoita vakiintuneet perinteet ja ennakkoluulot, kaupalliset intressit tai riippuvuus rahasta ja omaisuudesta. Trofimov on köyhä, kärsii vaikeuksista, mutta kieltäytyy kategorisesti "elämästä jonkun muun kustannuksella" tai lainaamasta rahaa. Trofimovin havainnot ja yleistykset ovat laajoja, älykkäitä ja objektiivisesti oikeudenmukaisia: aateliset "elävät velassa, jonkun muun kustannuksella", väliaikaiset "isännät", "petoeläimet" - porvaristo tekee rajallisia suunnitelmia elämän jälleenrakentamiseksi, älymystö ei tee mitään, etsi mitään, työntekijät elävät huonosti, "syövät iljettävästi, nukkuvat... kolmekymmentä-neljäkymmentä yhdessä huoneessa." Trofimovin periaatteet (työ, elä tulevaisuuden vuoksi) ovat edistyksellisiä ja altruistisia; Hänen roolinsa - uuden julistajana, kasvattajana - pitäisi herättää katsojassa kunnioitusta.

Mutta kaiken tämän myötä Tšehov osoittaa Trofimovissa joitain rajoittuneisuuden ja alemmuuden piirteitä, ja kirjailija löytää hänestä "klutzin" piirteitä, jotka tuovat Trofimovia lähemmäksi näytelmän muita hahmoja. Ranevskajan ja Gaevin maailman henkäys vaikuttaa myös Trofimoviin huolimatta siitä, että hän pohjimmiltaan ei hyväksy heidän elämäntapaansa ja luottaa heidän tilanteensa toivottomuuteen: "paluuta ei ole." Trofimov puhuu närkästyneenä joutilaisuudesta, "filosofoinnista" ("Me vain filosofoimme", "Pelkään vakavia keskusteluja"), ja hän itse myös tekee vähän, puhuu paljon, rakastaa opetuksia, soivia lauseita. Toisessa näytöksessä Tšehov pakottaa Trofimovin kieltäytymään jatkamasta tyhjää, abstraktia "eilistä keskustelua" "ylpeästä miehestä", kun taas näytöksessä IV hän pakottaa Trofimovin kutsumaan itseään ylpeäksi mieheksi. Tšehov osoittaa, että Trofimov ei ole aktiivinen elämässä, että hänen olemassaolonsa on alkuainevoimien alainen ("kohtalo ajaa häntä"), ja hän itse kieltää itseltään perusteettomasti jopa henkilökohtaisen onnen.

Näytelmässä "The Cherry Orchard" ei ole sellaista positiivista sankaria, joka vastaisi täysin vallankumousta edeltävää aikakautta. Aika vaati kirjailija-propagandistia, jonka kova ääni soi sekä avoimessa tuomitsemisessa että teostensa positiivisessa alussa. Tšehovin etäisyys vallankumouksellisesta taistelusta vaimensi hänen kirjailijaäänensä, pehmensi hänen satiiriaan ja ilmeni hänen positiivisten ihanteidensa spesifisyyden puutteena.

Niinpä "Kirsikkatarhassa" ilmestyi näytelmäkirjailijan Tšehovin runouden tunnusomaiset piirteet: poikkeaminen hienostuneesta juonesta, teatraalisuus, ulkoinen tapahtumattomuus, kun juonen perusta on tekijän ajatus, joka piilee näytelmäkirjailijan alatekstissä. työ, symbolisten yksityiskohtien läsnäolo, hienovarainen lyriikka.

Mutta silti, näytelmällä "Kirsikkatarha" Tšehov vaikutti aikakautensa progressiiviseen vapautusliikkeeseen. Tšehov esitti "kömpelöä, onnetonta elämää", "kömpelöitä" ihmisiä, ja pakotti katsojan sanomaan hyvästit vanhalle ilman katumusta, herättäen aikalaisissaan uskon kotimaansa onnelliseen, inhimilliseen tulevaisuuteen ("Hei, uusi elämä!") ja vaikutti tämän tulevaisuuden lähestymiseen.

Luettelo käytetystä kirjallisuudesta

.M. L. Semanova "Tšehov koulussa", 1954

2.M.L. Semanova "Taiteilija Tšehov", 1989

.G. Berdnikov "Hienollisten ihmisten elämä. A.P. Tšehov", 1974

.V. A. Bogdanov "Kirsikkatarha"

Tunnisteet: "The Cherry Orchard", kirjoittanut A.P. Chekhov: nimen merkitys ja genren ominaisuudet Abstrakti kirjallisuus

5. lokakuuta 1903 N.K. Garin-Mihailovsky kirjoitti yhdelle kirjeenvaihtajalleen: "Tapasin ja rakastuin Tšehoviin. Hän on huono. Ja se palaa kuin syksyn upein päivä. Herkät, hienovaraiset, hienovaraiset sävyt. On kaunis päivä, ystävällisyyttä, rauhaa, ja meri ja vuoret torkkuvat siinä, ja tämä hetki upealla kuviolla etäisyydellä tuntuu ikuiselta. Ja huomenna... Hän tietää huomisen ja on iloinen ja tyytyväinen, että hän on saanut valmiiksi draamansa "Kirsikkatarha".

Tšehov kirjoitti viimeisen näytelmänsä kodista, elämästä, isänmaasta, rakkaudesta, menetyksestä, vääjäämättömästi luistavasta ajasta. Lävistävän surullinen komedia "Kirsikkatarha" tuli todistus lukijoille, teatterille ja 1900-luvulle. Nyt on oppikirjalausunto, että Tšehov loi perustan uudelle näytelmälle ja loi "filosofisen tunnelman teatterin". Vuosisadan alussa tämä kanta ei kuitenkaan vaikuttanut kiistattomalta. Jokainen Tšehovin uusi näytelmä aiheutti ristiriitaisia ​​arvioita. Komedia "The Cherry Orchard" ei ollut poikkeus tässä sarjassa. Konfliktin luonne, hahmot, Tšehovin draaman poetiikka - kaikki tässä näytelmässä oli odottamatonta ja uutta.

Niinpä Gorki, Tšehovin "veli" Taideteatterin näyttämöllä, näki "Kirsikkatarhassa" vanhojen aiheiden toistoja: "Kuulin Tšehovin näytelmää - se ei luettuna anna vaikutelmaa tärkeästä asiasta. Ei sanaakaan uudesta. Kaikki - tunnelmat, ideat - jos niistä voi puhua - kasvot - kaikki tämä oli jo hänen näytelmissään. Tietysti - se on kaunista ja - tietysti - se tuulahtelee vihreää melankoliaa yleisölle lavalta. En tiedä mistä melankoliassa on kyse."

Vastoin tällaisia ​​ennusteita Tšehovin näytelmästä tuli venäläisen teatterin klassikko. Tšehovin taiteelliset löydöt draamassa, hänen erityinen näkemyksensä elämästä ilmenivät selvästi tässä teoksessa.

Tšehov oli ehkä ensimmäinen, joka tajusi perinteisen draaman vanhojen tekniikoiden tehottomuuden. "Muita polkuja draamaan" hahmoteltiin "Lokki" (1896), ja siellä Treplev lausuu kuuluisan monologin modernista teatterista sen moralistisista tehtävistä väittäen, että se on "rutiinia", "ennakkoluuloa". Ymmärtäen sanomattoman voiman Tšehov rakensi teatterinsa - vihjailujen, vihjeiden, puolisävyjen, tunnelmien teatterin, sisältäen perinteisiä muotoja räjähtäen.

Tšehovia edeltävässä draamassa lavalla alkavan toiminnan piti olla dynaamista ja rakentunut hahmojen yhteentörmäykseksi. Draaman juonittelu kehittyi tietyn ja selkeästi kehittyneen konfliktin puitteissa, joka vaikutti pääasiassa sosiaalisen etiikan alueelle.

Tšehovin draaman konflikti on luonteeltaan täysin erilainen. Sen omaperäisyyden määritteli syvästi ja tarkasti A.P. Skaftymov: "Tšehovin dramaattiset konfliktitilanteet eivät koostu eri osapuolten tahdonvastaisuuden vastakkainasettelusta, vaan objektiivisesti aiheutetuista ristiriidoista, joiden edessä yksilön tahto on voimaton... Ja jokainen näytelmä sanoo : yksittäiset ihmiset eivät ole syyllisiä, vaan koko olemassa oleva elämän rakenne kokonaisuudessaan." Konfliktin erityisluonne mahdollistaa sisäisen ja ulkoisen toiminnan, sisäisen ja ulkoisen juonen havaitsemisen Tšehovin teoksista. Lisäksi pääasia ei ole ulkoinen juoni, joka on kehitetty melko perinteisesti, vaan sisäinen, jonka Vl. I. Nemirovich-Danchenko kutsui sitä "taustaksi" tai "pohjavirraksi".

"Kirsikkatarhan" ulkotontti on talon ja puutarhan omistajien vaihto, perheen kiinteistön myynti velkoja vastaan. (Tätä aihetta Tšehov käsitteli jo nuorisodraamassa ”Isätön”, mutta siellä se oli toissijaista, pääasia on rakkaussuhde.) Tätä juonia voidaan tarkastella yhteiskunnallisten kysymysten tasolla ja kommentoida sen mukaisesti. Asiallinen ja käytännöllinen kauppias vastustaa koulutettuja, henkisesti herkkiä, mutta elämään sopeutumattomia aatelisia. Näytelmän juoni on kartanoelämän runouden tuhoaminen, mikä viittaa uuden historiallisen aikakauden alkamiseen. Tällainen yksiselitteinen ja suoraviivainen tulkinta konfliktista oli hyvin kaukana Tšehovin suunnitelmasta.

Mitä tulee näytelmän "The Cherry Orchard" juonen rakentamiseen, siinä ei ole ristiriitaa, koska osapuolten välillä ei ole ulkoisesti ilmaistua vastakkainasettelua ja hahmojen yhteentörmäystä. Lopakhinin sosiaalinen rooli ei rajoitu perinteiseen. käsitys kauppias-ostajasta. Tälle hahmolle sentimentaalisuus ei ole vieras. Tapaaminen Ranevskajan kanssa on hänelle kauan odotettu ja jännittävä tapahtuma: ”... Toivon vain, että uskot minua edelleen, että hämmästyttävät, koskettavat silmäsi katsoisivat minua kuten ennen. Armollinen Jumala! Isäni oli isoisäsi ja isäsi orja, mutta itse asiassa sinä teit kerran niin paljon puolestani, että unohdin kaiken ja rakastan sinua kuin omaani... enemmän kuin omaani."

Samaan aikaan Lopakhin on kuitenkin pragmaatikko, toiminnan mies. Jo ensimmäisessä näytöksessä hän ilmoittaa iloisesti: ”On olemassa tie ulos... Tässä on minun projektini. Huomio Kiitos! Kiinteistösi sijaitsee vain kahdenkymmenen mailin päässä kaupungista, lähellä on rautatie, ja jos kirsikkatarha ja joen varrella oleva maa jaetaan dacha-tontteiksi ja vuokrataan sitten dachaiksi, sinulla on vähintään kaksikymmentäviisi tuhatta vuoden tuloja."

Totta, tämä "ulostulo" toiselle, aineelliselle tasolle - hyödyn ja hyödyn tasolle, mutta ei kauneuden tasolle, joten se näyttää puutarhan omistajille "mautonta". Pohjimmiltaan vastakkainasettelua ei ole. Toisaalta on avunpyyntö: ”Mitä meidän pitäisi tehdä? Opeta mitä? (Ranevskaja) ja halu auttaa - toisaalta: "Opetan sinua joka päivä. Joka päivä sanon saman asian” (Lopakhin). Hahmot eivät ymmärrä toisiaan, ikään kuin he puhuisivat eri kieliä. Tässä mielessä toisen näytöksen dialogi on suuntaa-antava:

"Lopakhin. Meidän on vihdoin päätettävä - aika ei odota. Kysymys on täysin tyhjä. Suostutko luopumaan maasta kesämökeille vai et? Vastaa yhdellä sanalla: kyllä ​​vai ei? Vain yksi sana! Ljubov Andreevna. Kuka täällä polttaa inhottavia sikareita... (Istuutuu alas.) Gaev. Nyt rautatie rakennettiin, ja siitä tuli kätevää. (Istuutuu alas.) Menimme kaupunkiin ja söimme aamiaisen... keltainen keskellä! Minun pitäisi ensin mennä taloon ja pelata yksi peli... Lyubov Andreevna. Sinulla on aikaa. Lopakhin. Vain yksi sana! (Anoen.) Anna minulle vastaus! Gaev (haukotellen). Kuka? Lyubov Andreevna (katsoi lompakkoaan). Eilen oli paljon rahaa, mutta tänään hyvin vähän. Varja-köyhä, säästääkseen rahaa, ruokkii kaikille maitokeittoa, keittiössä vanhoille ihmisille annetaan yksi herne, ja minä kulutan sen jotenkin järjettömästi... (Pudotin kukkaroni, kulki kultaa.) No, he putosivat... ( Hän on vihainen.)"

Tšehov näyttää eri elämänasentojen vastakkainasettelua, mutta ei hahmojen kamppailua. Lopakhin kerjää, kysyy, mutta he eivät kuule häntä, tai pikemminkin, he eivät halua kuulla häntä. Ensimmäisessä ja toisessa näytöksessä katsoja säilyttää illuusion, että juuri tämä sankari toimii suojelijana ja ystävänä ja pelastaa kirsikkatarhan.

Ulkoisen tontin huipentuma - kirsikkatarhan huutokauppa 22. elokuuta - osuu samaan aikaan lopputuloksen kanssa. Toivo, että kaikki järjestyy jotenkin itsestään, katosi kuin savu. Kirsikkatarha ja tila myytiin, mutta mikään ei ole muuttunut hahmojen ja heidän kohtaloidensa asetelmassa. Lisäksi ulkoisen juonen tulos on jopa optimistinen:

"Gaev (hauskaa). Itse asiassa kaikki on nyt hyvin. Ennen kirsikkatarhan myyntiä olimme kaikki huolissamme, kärsimystä, ja sitten kun asia lopulta, peruuttamattomasti ratkesi, kaikki rauhoittuivat, jopa piristyivät... Olen pankin työntekijä, nyt olen rahoittaja ... keltainen keskellä, ja sinä, Lyuba, näytät paremmalta, se on varma."

Joten ulkoisen toiminnan järjestämisessä Tšehov poikkesi klassisen draaman kaanoneista. Näytelmän päätapahtuma siirrettiin "syrjälle", lavan taakse. Se on näytelmäkirjailijan logiikan mukaan erityinen episodi elämän ikuisessa kierrossa.

Taiteellinen analyysi näytelmästä "Kirsikkatarha"

Muita aiheeseen liittyviä esseitä:

1. ”Kirsikkatarha” oli Anton Tšehovin viimeinen ja, voisi sanoa, viimeinen näytelmä. Hän kirjoitti sen vähän ennen kuolemaansa, vuonna 1904,...
2. Tšehov väitti, että Kirsikkatarha oli komedia. Moskovan taideteatterin ensimmäiset tuotantojohtajat lukivat sen tragediana. Kiista aiheesta...
3. "Kirsikkatarha" oli Tšehovin viimeinen ja, voisi sanoa, viimeinen näytelmä. Hän kirjoitti sen vähän ennen kuolemaansa, aikakausien käännekohdassa...
4. Kirsikkapuutarhan konfliktin erityisluonne vaati Tšehovia käyttämään uusia menetelmiä näyttämötoiminnan organisoinnissa. Draaman toiminnan irtautuminen tapahtumasta määräsi...
5. Kirjallisuuden innovaatio on sellaisten kanonien tuhoamista, jotka pidettiin tietyllä hetkellä normina. Kanoneista poikkeamisen sanelevat tuon elämän erityispiirteet...
6. Ensimmäistä kertaa A. P. Chekhov mainitsi ajatuksen tämän näytelmän kirjoittamisesta yhdessä kirjeessään keväällä 1901. Hän ajatteli sitä...
7. Dramaturgiassa teoksella on yleensä keskus - tapahtuma (hahmo), jonka ympärille toiminta kehittyy. Tšehovin näytelmässä tämä perinteinen lähestymistapa on kadonnut...
8. Näytelmän "Kirsikkatarha" valmistui A. P. Tšehov vuonna 1903, kun uusi vuosisata koputti ovelle. Revalvaatio on ollut vuosisatoja...
9. Tšehovin näytelmät tuntuivat hänen aikalaistensa silmissä epätavallisilta. Ne erosivat jyrkästi tavallisista dramaattisista muodoista. Heillä ei ollut näennäisesti tarpeellista alkua, huipentumaa...
10. Molemmissa näytelmissä maisema on hämmästyttävän kaunis, vaikka on vaikea verrata henkeäsalpaavia Volga-näkymiä, jotka avautuvat Kalinovin kaupungin paikasta...
11. Tšehovin aikaisemmissa näytelmissä tapahtumien hiljainen osallistuja oli talo, asuinpaikka, joka kertoi omistajista paljon. Mitä pidemmälle toiminta eteni, sitä...
12. Tšehov antoi viimeiselle näytelmälleen alaotsikon - komedia. Mutta Moskovan akateemisen taideteatterin ensimmäisessä tuotannossa kirjailijan elinaikana...
13. Tavoite: Auttaa opiskelijaa selvittämään itsenäisesti lukemansa teoksen sisällön, ideologiset ja taiteelliset piirteet; ymmärtää Tšehovin näytelmien merkityksen; kehittää itsenäistä lukutaitoa, analysoida dramaattisia...
14. Tšehovin vuonna 1904 kirjoittamaa näytelmää "Kirsikkatarha" voidaan perustellusti pitää kirjailijan luovana testamenttina. Siinä kirjailija nostaa sarjan...

Näytelmässä ei ole klassista juonetta, huippukohtaa tai dramaattista toimintaa näiden käsitteiden klassisessa merkityksessä. "Kirsikkatarha", kuten kaikki Tšehovin näytelmät, eroaa tavallisista dramaattisista teoksista. Se on vailla näyttäviä kohtauksia ja ulkoista vaihtelua.

Päätapahtuma - kiinteistön myynti kirsikkatarhalla - ei tapahdu yleisön edessä, vaan kulissien takana. Lavalla katsoja näkee arjen kohtauksia (ihmiset puhuvat arjen pienistä asioista, riitelevät ja sovittavat, iloitsevat tapaamisesta, ovat surullisia tulevasta erosta).

Komediassa on 4 toimintaa, joita ei ole jaettu ilmiöihin. Näytelmän aikaraja on toukokuusta lokakuuhun. Sävellys on pyöreä - näytelmä alkaa Ranevskajan saapuessa Pariisista ja päättyy hänen matkaansa Pariisiin.

Itse sävellys heijastaa aatelisten merkityksetöntä, tylsää ja tapahtumatonta elämää. Ymmärtääksesi kirjoittajan asenteen tapahtuvaan ja hahmoihin, sinun on kiinnitettävä erityistä huomiota huolellisesti harkittuun kuvajärjestelmään, hahmojen järjestelyyn, misensceenien vuorotteluun, monologien ja dialogien yhdistämiseen, sekä yksittäiset huomautukset ja kirjoittajan huomautukset.

Toimi yksi

Näyttely. Hahmot odottavat Ranevskajan saapumista Pariisista. Katsoja näkee tilanteen talossa, jossa jokainen puhuu ja ajattelee omia asioitaan, jossa vallitsee vieraantuneisuuden ja eripuraisuuden ilmapiiri.

Alku. Ranevskaya ilmestyy tyttärensä kanssa. Kävi ilmi, että omaisuus on huutokaupassa. Lopakhin ehdottaa sen luovuttamista dachaksi, mutta Gaev ja Ranevskaya eivät pysty tekemään sellaista päätöstä.

Tämä on konfliktin alku, mutta ei niinkään ihmisten välillä, vaan sukupolvien välillä, menneiden ja nykyisten välillä. Kirsikkatarha on metafora aatelisten kauniista menneisyydestä, jotka eivät pysty säilyttämään sitä. Aika itsessään kantaa konflikteja.

Toimi kaksi

Toiminnan kehittäminen. Kirsikkatarhan ja Ranevskajan tilasta päätetään.

Teos kolme

Huipentuma. Jossain kulissien takana tila ja kirsikkatarha myydään ja
vaihe - absurdi ball, jonka Ranevskaja järjesti viimeisellä rahallaan.

Näytös neljä

Loppuratkaisu. Kun ongelma on ratkaistu, kaikki rauhoittuvat ja ryntäävät tulevaisuuteen - he lähtevät. Kirveen iskuja kuuluu - tämä on kirsikkatarha, jota kaadetaan. Viimeisessä kohtauksessa vanha palvelija Firs jää laudoitettuun taloon.

Sävellyksen omaperäisyys piilee toiminnan luonnollisessa kehityksessä, jota monimutkaistavat rinnakkaiset linjat, poikkeamat, arjen pikkujutut, juonen ulkopuoliset aiheet ja dialogien luonne. Dialogit ovat sisällöltään vaihtelevia (arkipäiväisiä, koomisia, lyyrisiä, dramaattisia).

Näytelmän tapahtumia voidaan kutsua vain harjoitukseksi tulevaisuudessa tapahtuvalle konfliktille. Ei ole tiedossa, mitä näytelmän hahmoille tapahtuu seuraavaksi ja miten heidän elämänsä kehittyy.

Kirsikkatarhan dramaattisuus piilee siinä, että traagisia tapahtumia tapahtuu näytelmän päätyttyä. Kirjoittaja ei paljasta, mikä hahmoja odottaa tulevaisuudessa, ratkaisua sinänsä ei ole. Siksi ensimmäinen näytös näyttää epilogilta ja viimeinen draaman prologilta.

RF:n KOULUTUSVIRASTO

VALTION OPETUSLAITOS

KORKEA AMMATILLINEN KOULUTUS

Moskovan osavaltion yliopisto

KULTTUURI JA TAIDE.

Ohjaajan analyysi näytelmästä

Anton Pavlovitš Tšehov

"Kirsikkatarha"

Kurssi: "Venäläisen draaman historia"

Esitetty: 2. vuoden opiskelija

ryhmä 803

Minenko V.S.

Tarkistettu: Lidyaeva S.V.

Naberezhnye Chelny 2010

Näytelmä "Kirsikkatarha" on Tšehovin viimeinen teos. 80-luvulla Tšehov välitti elämänsä tarkoituksen menettäneiden ihmisten traagisen tilanteen. Näytelmä esitettiin Taideteatterissa vuonna 1904. 1900-luku tulee, ja Venäjästä tulee vihdoin kapitalistinen maa, tehtaiden, tehtaiden ja rautateiden maa. Tämä prosessi kiihtyi, kun Aleksanteri II vapautti talonpojan. Uuden piirteet eivät koske vain taloutta, vaan myös yhteiskuntaa, ihmisten ajatukset ja näkemykset muuttuvat ja aiempi arvojärjestelmä katoaa.

Tšehoville on ominaista objektiivinen kerrontatapa, hänen äänensä ei kuulu proosaan. Draamassa on yleensä mahdotonta kuulla varsinaisen kirjoittajan ääntä. Ja silti, onko Kirsikkatarha komedia, draama vai tragedia? Tietäen kuinka paljon Tšehov ei pitänyt varmuudesta ja siksi elämänilmiön epätäydellisestä kattavuudesta kaikkine monimutkaisuuksineen, on vastattava huolellisesti: vähän kaikesta. Teatterilla on edelleen viimeinen sana tässä asiassa.

IDEAALI- JA TEMAATTINEN ANALYYSI NÄYLÖstä

Aihe:

Tšehov, joka on Ivan Sergeevich Turgenevin seuraaja, valaisee myös näytelmässään "Kirsikkatarha" jalopesien kuoleman ongelmaa. Hänen teoksensa pääteema on ohimenevän maailman teema.

Näytelmä sijoittuu maanomistajan Lyubov Andreevna Ranevskajan tilalla. Näytelmän sosiaalinen konflikti on konflikti eroavan aateliston ja sen tilalle tulleen porvariston välillä. Toinen tarina on sosioromanttinen. "Koko Venäjä on puutarhamme" - näin sanoo itse Tšehov sankariensa huulten. Mutta Anya ja Petya Trofimovin unelma murtuu Lopakhinin käytännöllisyydestä, jonka tahdosta kirsikkatarha kaadetaan.

Idea:

Tšehov ei ollut vallankumouksellinen. Siksi hän ei kyennyt löytämään todellista ulospääsyä kriisistä, jossa Venäjä oli. Kirjoittaja tuntee syvästi myötätuntoa maassa tapahtuvia uusia ilmiöitä kohtaan, hän vihaa vanhaa elämäntapaa. Monet kirjailijat ovat jatkaneet Tšehovin perinteitä.

Supertehtävä:

"Kirsikkatarha" on monipuolinen teos. Tšehov käsitteli siinä monia ongelmia, jotka eivät ole menettäneet merkitystään tänä päivänä. Mutta pääkysymys on tietysti kysymys vanhan ja uuden sukupolven välisistä ristiriitaisuuksista. Nämä ristiriidat ovat taustalla näytelmän dramaattinen konflikti. Lähtevä aatelisten maailma on vastakohtana uuden yhteiskunnan edustajille.

Tšehovin näytelmä "Kirsikkatarha" heijastaa käännekohtaa - aikaa, jolloin vanha on jo kuollut, eikä uutta ole vielä syntynyt, ja sitten elämä pysähtyi hetkeksi, hiljeni... Kuka tietää, ehkä tämä on tyyntä myrskyn edellä? Kukaan ei tiedä vastausta, mutta kaikki odottavat jotain... Samalla tavalla Tšehov odotti, kurkistaen tuntemattomaan, ennakoiden elämänsä loppua, ja koko venäläinen yhteiskunta, epävarmuudesta kärsivä ja hämmentynyt, odotti. Yksi asia oli selvä: vanha elämä oli peruuttamattomasti poissa, toinen oli tulossa tilalle... Millaista se olisi, tämä uusi elämä?

Elämän totuus kaikessa johdonmukaisuudessa ja täydellisyydessä on se, mitä Tšehov ohjasi luodessaan kuviaan. Siksi jokainen näytelmiensä hahmo edustaa elävää ihmishahmoa, joka vetää puoleensa suurella merkityksellä ja syvällä emotionaaluudellaan, vakuuttaa luonnollisuudellaan, inhimillisten tunteiden lämmöllä.

Suoran emotionaalisen vaikutuksensa vahvuudellaan Tšehov on kenties merkittävin näytelmäkirjailija kriittisen realismin taiteesta.

Tšehovin dramaturgia, joka vastasi aikansa kiireellisiin ongelmiin, käsitteli tavallisten ihmisten jokapäiväisiä etuja, kokemuksia ja huolenaiheita, herätti protestin hengen inertiaa ja rutiinia vastaan ​​ja vaati sosiaalista toimintaa elämän parantamiseksi. Siksi hänellä on aina ollut valtava vaikutus lukijoihin ja katsojiin. Tšehovin draaman merkitys on mennyt pitkään kotimaamme rajojen ulkopuolelle, siitä on tullut globaali. Tšehovin dramaattinen innovaatio tunnetaan laajalti suuren kotimaamme rajojen ulkopuolella. Olen ylpeä siitä, että Anton Pavlovich on venäläinen kirjailija, ja vaikka kulttuurin mestarit olisivat kuinka erilaisia, he luultavasti kaikki ovat yhtä mieltä siitä, että Tšehov valmisti teoksillaan maailmaa parempaan elämään, kauniimpaan, oikeudenmukaisempaan, järkevämpään elämään. .

NÄYTTELYN SÄYTTÖANALYYSI

"Uuden draaman" runouden piirteet. Ensinnäkin Tšehov tuhoaa "toiminnan kautta", avaintapahtuman, joka järjestää klassisen draaman juonen yhtenäisyyttä. Draama ei kuitenkaan hajoa, vaan kootaan erilaisen, sisäisen yhtenäisyyden pohjalta. Sankarien kohtalot, kaikkine eroavaisuuksineen, kaikella juonen riippumattomuudellaan, "riimillään", kaikuvat toisiaan ja sulautuvat yhteiseksi "orkesterisoundiksi". Monista erilaisista, rinnakkain kehittyvistä elämistä, eri sankareiden monista äänistä kasvaa yksi "kuorokohtalo" ja kaikille muodostuu yhteinen tunnelma. Tästä syystä he puhuvat usein Tšehovin draaman "polyfonioista" ja jopa kutsuvat niitä "sosiaalisiksi fuugiksi" vetäen analogian musiikilliseen muotoon, jossa kaksi tai neljä musiikkiteemaa ja melodiaa soivat ja kehittyvät samanaikaisesti.

Tšehovin draamassa hahmojen kielen verbaalinen individualisointi on tarkoituksella hämärtynyt. Heidän puheensa on yksilöllistä vain niin paljon, ettei se putoa draaman yleisestä sävystä. Samasta syystä Tšehovin sankarien puhe on melodista, melodista ja runollisesti intensiivistä: "Anya. menen nukkumaan. Hyvää yötä, äiti". Kuunnelkaamme tätä lausetta: edessämme on rytmisesti järjestetty puhe, lähellä puhdasta jambista. Samaa roolia näyttelee draamassa niin usein kohdattu rytminen toisto: "Mutta se osoittautui samanlaiseksi, kaikki samaksi." Tšehov tarvitsee tätä Ostrovskin suosikkipuheen yksilöllistymisen heikentämistä ja kielen runollista korotusta luodakseen yleisen tunnelman, joka läpäisee hänen draamansa alusta loppuun ja tuo taiteelliseen eheyteen pinnalla vallitsevan puheen erimielisyyden ja absurdiuden.

ESITTELYN PSYKOLOGINEN ANALYYSI

Tšehovin draamaa läpäisee yleisen levottomuuden ilmapiiri. Siinä ei ole onnellisia ihmisiä.

Yleistä huonovointisuutta vaikeuttaa ja pahentaa yleinen yksinäisyyden tunne. Kuuro Firs on tässä mielessä symbolinen hahmo. Esiintyessään yleisön edessä ensimmäistä kertaa vanhassa väreissä ja korkeassa hatussa hän kävelee lavan poikki, puhuu itsekseen, mutta sanaakaan ei kuulu. Lyubov Andreevna kertoo hänelle: "Olen niin iloinen, että olet edelleen elossa", ja Firs vastaa: "Toissapäivänä." Pohjimmiltaan tämä dialogi on karkea malli kommunikaatiosta kaikkien Tšehovin draaman sankarien välillä. Dunyasha elokuvassa "Kirsikkatarha" jakaa Pariisista saapuneen Anyan kanssa iloisen tapahtuman: "Kirjaaja Epikhodov kosi minua pyhän jälkeen", Anya vastasi: "Katkaisin kaikki hiusneulat." Tšehovin draamassa vallitsee erityinen kuurouden ilmapiiri - psykologinen kuurous. Ihmiset ovat liian uppoutuneita itseensä, omiin asioihinsa, omiin ongelmiinsa ja epäonnistumisihinsa, ja siksi he eivät kuule toisiaan hyvin. Heidän välinen kommunikaatio tuskin muuttuu dialogiksi. Keskinäisestä kiinnostuksesta ja hyvästä tahdosta huolimatta he eivät pääse läpi toisiaan, koska he "puhuvat enemmän itselleen ja itselleen".

Konfliktin ominaisuudet:

A. P. Chekhov kutsui teostaan ​​"Kirsikkapuutarha" komediaksi. Luettuamme näytelmän pidämme sitä enemmän tragedian kuin komedian syynä. Gaevin ja Ranevskajan kuvat näyttävät meistä traagisilta, ja heidän kohtalonsa ovat traagisia. Tunnemme myötätuntoa ja empatiaa heitä kohtaan. Aluksi emme voi ymmärtää, miksi Anton Pavlovich luokitteli näytelmänsä komediaksi. Mutta teoksen uudelleen lukeminen, sen ymmärtäminen, pidämme silti Gaevin, Ranevskajan, Epikhodovin kaltaisten hahmojen käyttäytymistä hieman koomisena. Uskomme jo, että he itse ovat syyllisiä ongelmiinsa, ja ehkä tuomitsemme heidät tästä. Mihin genreen A.P. Tšehovin näytelmä Kirsikkatarha kuuluu? Komedia vai tragedia? Näytelmässä "Kirsikkatarha" emme näe selkeää ristiriitaa, kaikki näyttää sujuvan tavalliseen tapaan. Näytelmän hahmot käyttäytyvät rauhallisesti, heidän välillään ei ole avoimia riitoja tai yhteenottoja. Ja silti tunnemme konfliktin olemassaolon, mutta emme avoimen, vaan sisäisen, piilotettuna näytelmän hiljaiseen, ensi silmäyksellä rauhalliseen ilmapiiriin. Näemme heidät teoksen sankarien tavallisten keskustelujen takana, heidän rauhallisen asenteensa toisiaan kohtaan. muiden sisäinen väärinkäsitys. Kuulemme usein rivejä hahmoilta, jotka ovat sopimattomia; Näemme usein heidän kaukaisia ​​katseitaan, ikään kuin he eivät kuulisi ympärillään olevia.

Mutta näytelmän "Kirsikkatarha" pääkonflikti piilee sukupolvesta toiseen tapahtuvassa väärinymmärryksessä. Näyttää siltä, ​​että näytelmässä leikkaavat kolme kertaa: menneisyys, nykyisyys ja tulevaisuus. Nämä kolme sukupolvea haaveilevat ajastaan, mutta he vain puhuvat eivätkä voi tehdä mitään muuttaakseen elämäänsä.Edelliseen sukupolveen kuuluvat Gaev, Ranevskaya, Firs; nykyiselle Lopakhinille, ja tulevan sukupolven edustajat ovat Petya Trofimov ja Anya.

Vanhan aateliston edustaja Ljubov Andreevna Ranevskaja puhuu jatkuvasti parhaista nuorista vuosistaan, jotka vietti vanhassa talossa, kauniissa ja ylellisessä kirsikkatarhassa. Hän elää vain näillä menneisyyden muistoilla, hän ei ole tyytyväinen nykyhetkeen, eikä hän halua ajatella tulevaisuutta. Ja pidämme hänen infantilismiaan hauskana. Ja koko vanha sukupolvi tässä näytelmässä ajattelee samalla tavalla. Kukaan heistä ei yritä muuttaa mitään. He puhuvat "ihanasta" vanhasta elämästä, mutta he itse näyttävät alistuvan nykyhetkeen, antavat kaiken mennä kulkuaan ja antautuvat taistelematta ideoidensa puolesta. Ja siksi Tšehov tuomitsee heidät tästä.

Lopakhin on porvariston edustaja, nykyajan sankari. Hän elää tätä päivää varten. Emme voi olla huomaamatta, että hänen ideansa ovat älykkäitä ja käytännöllisiä. Hän keskustelee vilkkaasti elämän muuttamisesta parempaan suuntaan ja näyttää tietävän mitä tehdä. Mutta kaikki nämä ovat vain sanoja. Itse asiassa Lopakhin ei ole näytelmän ihanteellinen sankari. Tunnemme hänen itseluottamuksen puutteensa. Ja Teoksen lopussa hänen kätensä näyttävät luovuttavan, ja hän huudahtaa: "Jospa kiusallinen, onneton elämämme muuttuisi!"

Näytelmän analysointia varten tarvitset hahmoluettelon, jossa on kirjoittajan huomautukset ja kommentit. Esittelemme sen täällä kokonaisuudessaan, mikä auttaa sinua pääsemään "The Cherry Orchard" -maailmaan; Toiminta tapahtuu Lyubov Andreevna Ranevskajan tilalla. Eli näytelmän hahmot:

Ranevskaya Lyubov Andreevna, maanomistaja. Anya, hänen tyttärensä, 17 vuotias. Varya, hänen adoptoitu tyttärensä, 24-vuotias. Gaev Leonid Andreevich, Ranevskajan veli. Lopakhin Ermolai Aleksejevitš, kauppias. Trofimov Petr Sergeevich, opiskelija. Simeonov-Pishchik Boris Borisovich, maanomistaja. Charlotte Ivanovna, ohjaajatar. Epikhodov Semjon Pantelejevitš, virkailija. Dunyasha, piika. Kuusi, jalkamies, vanha mies 87 vuotias. Yasha, nuori jalkamies. Ohikulkija. Aseman johtaja. Postin virkamies. Vieraita, palvelijoita.

Genren ongelma. The Cherry Orchardin genren luonne on aina herättänyt kiistaa. Tšehov itse kutsui sitä komediaksi - "komediaksi neljässä näytöksessä" (vaikkakin erikoistyyppinen komedia). K.S. Stanislavsky piti sitä tragediana. M. Gorky kutsui sitä "lyyriseksi komediaksi". Näytelmä määritellään usein "tragikomediaksi", "ironiseksi tragikomediaksi". Genrekysymys on erittäin tärkeä teoksen ymmärtämisen kannalta: se määrittää koodin näytelmän ja hahmojen lukemiselle. Mitä tarkoittaa nähdä näytelmässä tragikoominen alku? Tämä tarkoittaa "jossain määrin samaa mieltä heidän [sankariensa" kanssa. - V.K.] omaperäisyyttä, pitää heitä vilpittömästi ja aidosti kärsivinä, nähdä jokaisessa hahmossa melko vahva luonne. Mutta millaisia ​​vahvoja hahmoja "heikkotahtoisilla", "ulisevilla", "ulisevilla", "uskon menettäneillä" sankarilla voi olla?

Tšehov kirjoitti: "Minulla ei ollut draamaa, vaan komedia, joskus jopa farssi." Kirjoittaja kielsi Kirsikkatarhan hahmoilta oikeuden draamaan: he näyttivät hänestä kykenemättömiltä syviin tunteisiin. K.S. Stanislavsky kerran (vuonna 1904) järjesti tragedian, johon Tšehov ei suostunut. Näytelmässä on esityksen temppuja, temppuja (Charlotte Ivanovna), lyöntejä kepillä päähän, säälittävää monologia seuraa farssikohtaukset, sitten tulee taas lyyrinen sävel... Kirsikkatarhassa on paljon hauskoja juttuja : Epikhodov on naurettavaa, Gaevin mahtipontiset puheet hauskoja ("kunnioitettu kaappi"), hauskoja, sopimattomia huomautuksia ja sopimattomia vastauksia, koomisia tilanteita, jotka syntyvät hahmojen toistensa väärinymmärryksestä. Tšehovin näytelmä on yhtä aikaa hauska, surullinen ja jopa traaginen. Siinä on paljon itkeviä ihmisiä, mutta nämä eivät ole dramaattisia nyyhkyyksiä, eivätkä edes kyyneleitä, vaan vain kasvojen tunnelma. Tšehov korostaa, että hänen sankariensa suru on usein kevytmielistä, että heidän kyyneleensä kätkevät heikoille ja hermostuneille ihmisille yhteistä itkuisuutta. Sarjakuvan ja vakavan yhdistelmä on Tšehovin runouden tunnusomainen piirre hänen työnsä ensimmäisistä vuosista lähtien.

Ulkoinen juoni ja ulkoinen konflikti."Kirsikkatarhan" ulkotontti on talon ja puutarhan omistajien vaihto, perheen kiinteistön myynti velkoja vastaan. Näytelmä tunnistaa ensisilmäyksellä selkeästi vastakkaiset voimat, jotka kuvastavat Venäjän silloisten yhteiskunnallisten voimien linjausta: vanha, jalo Venäjä (Ranevskaja ja Gaev), nousevat yrittäjät (Lopakhin), nuori, tuleva Venäjä (Petya ja Anya). Näyttäisi siltä, ​​että näiden voimien yhteentörmäyksen pitäisi synnyttää näytelmän pääkonflikti. Hahmot keskittyvät elämänsä tärkeimpään tapahtumaan - kirsikkatarhan myyntiin, joka on määrä tapahtua 22. elokuuta. Katsoja ei kuitenkaan näe itse puutarhan myyntiä: näennäisesti kulminoituva tapahtuma jää näyttämön ulkopuolelle. Näytelmän sosiaalinen konflikti ei ole relevantti, hahmojen sosiaalinen asema ei ole pääasia. Lopakhin, tämä "saalisperäinen" yrittäjä, on kuvattu ilman myötätuntoa (kuten useimmat näytelmän hahmot), ja kartanon omistajat eivät vastusta häntä. Lisäksi omaisuus, ikään kuin itsestään, päätyy hänen käsiinsä vastoin hänen tahtoaan. Vaikuttaa siltä, ​​​​että kolmannessa näytöksessä kirsikkatarhan kohtalo päätettiin; Lopakhin osti sen. Lisäksi ulkoisen juonen tulos on jopa optimistinen: "Gaev (iloisesti). Itse asiassa kaikki on nyt hyvin. Ennen kirsikkatarhan myyntiä olimme kaikki huolissamme, kärsimystä, ja sitten kun asia lopulta, peruuttamattomasti ratkesi, kaikki rauhoittuivat, jopa piristyivät... Olen pankin työntekijä, nyt olen rahoittaja ... keltainen keskellä, ja sinä, Lyuba, pidät... ei mitenkään, näytät paremmalta, se on varma." Mutta näytelmä ei lopu, vaan kirjailija kirjoittaa neljännen näytöksen, jossa ei näytä tapahtuvan mitään uutta. Mutta puutarha-aihe soi taas täällä. Näytelmän alussa vaarassa oleva puutarha houkuttelee koko perheen viiden vuoden eron jälkeen. Mutta kukaan ei voi pelastaa häntä, hän ei ole enää siellä, ja neljännessä näytöksessä kaikki lähtevät taas. Puutarhan kuolema johti perheen hajoamiseen ja hajotti kaikki kartanon entiset asukkaat kaupunkeihin ja kyliin. Hiljaisuus laskeutuu - näytelmä päättyy, puutarha-aihe lakkaa. Tämä on näytelmän ulkoinen juoni.