Ostrovsky alexander nikolaevichin pääteemat. A.I

Alexander Nikolaevich Ostrovsky on suuri venäläinen näytelmäkirjailija, 47 alkuperäisen näytelmän kirjoittaja. Lisäksi hän käänsi yli 20 kirjallista teosta: latinaksi, italiaksi, espanjaksi, ranskaksi, englanniksi.

Alexander Nikolaevich syntyi Moskovassa tavallisen virkamiehen perheessä, joka asui Zamoskvorechyessä Malaya Ordynkalla. Tämä oli alue, johon kauppiaat olivat asettuneet pitkään. Kauppiaan kartanot tyhjillä aidoilla, kuvilla jokapäiväisestä elämästä ja varhaislapsuudesta tulleet kauppiasmaailman erikoiset tavat upposivat tulevan näytelmäkirjailijan sieluun.

Valmistuttuaan lukiosta Ostrovsky tuli isänsä neuvosta Moskovan yliopiston oikeustieteelliseen tiedekuntaan vuonna 1840. Mutta oikeustieteet eivät olleet hänen kutsumuksensa. Vuonna 1843 hän jätti yliopiston suorittamatta opintojaan ja päätti omistautua kokonaan kirjallisuuteen.

Yksikään näytelmäkirjailija ei ole osoittanut vallankumousta edeltävää elämää yhtä täydellisesti kuin A.N.Ostrovsky. Eri luokkien edustajat, eri ammattien, alkuperän ja kasvatuksen ihmiset kulkevat edessämme taiteellisesti todellisissa kuvissa hänen komedioistaan, draamistaan, elämän kohtauksista, historiallisista aikakirjoista. AN Ostrovsky heijastaa yllättävän laajasti jokapäiväistä elämää, tapoja, porvariston hahmoja, aatelisia, virkamiehiä ja pääasiassa kauppiaita - "erittäin tärkeistä herrasmiehistä", rikkaista baareista ja liikemiehistä vähäisimpiin ja köyhimpiin.

Näytelmiä ei ole kirjoittanut välinpitämätön jokapäiväisen elämän kirjoittaja, vaan vihainen tuomitsija "pimeän valtakunnan" maailmasta, jossa voittoa varten ihminen kykenee kaikkeen, missä vanhimmat hallitsevat nuoria, rikkaita köyhistä, jossa valtion valta, kirkko ja yhteiskunta kaikin mahdollisin tavoin tukevat vuosisatojen ajan kehittyneitä julmia tapoja.

Ostrovskyn teokset myötävaikuttivat sosiaalisen tietoisuuden kehittymiseen. Dobrolyubov määritteli heidän vallankumouksellisen vaikutuksensa täydellisesti; hän kirjoitti: "Piirtämällä meille elävään kuvaan vääriä suhteita kaikista niiden seurauksista hän palvelee samalla tavalla toiveina pyrkimyksistä, jotka edellyttävät parempaa järjestelyä." Ei turhaan nykyisen järjestelmän puolustajat tekivät kaikkensa estääkseen Ostrovskyn näytelmät lavalla. Hänen ensimmäinen yksitoiminen "Kuva perheen onnellisuudesta" (1847) kiellettiin heti teatterisensuurin kautta, ja tämä näytelmä ilmestyi vasta 8 vuotta myöhemmin. Ensimmäistä suurta nelitoimista komediaa "Kansamme - meidät numeroidaan" (1850) Nikolai I itse ei päässyt näyttämölle asettamalla päätöslauselmaa: "Se on turhaan julkaistu, meidän ei pidä pelata joka tapauksessa." Ja sensuurin pyynnöstä voimakkaasti muutettu näytelmä lavastettiin vasta vuonna 1861. Tsaari vaati tietoa Ostrovskyn elämäntavoista ja ajatuksista ja ilmoituksen saatuaan määräsi: "Pidä sitä valvonnassa." Moskovan kenraalikuvernöörin salainen toimisto avasi "Kirjailija Ostrovskyn tapauksen", ja hänen takanaan luotiin salainen santarmivalvonta. Sitten Moskovan kauppatuomioistuimessa toimineen näytelmäkirjailijan ilmeinen "epäluotettavuus" huolestutti viranomaisia \u200b\u200bniin, että Ostrovsky joutui eroamaan.

Komedia "Kansamme - meitä numeroidaan", jota ei sallittu lavalle, teki kirjailijasta laajalti tunnetun. Ei ole vaikea selittää syitä näytelmän suurelle menestykselle. Ikään kuin elossa, tyrannimestari Bolshovin, hänen vastuuttoman, typerästi alistuvan vaimonsa, absurdin koulutuksen vääristämän tyttären Lipochkan ja roistopäällikön Podkhalyuzinin kasvot seisovat edessämme. "Pimeä valtakunta" - näin suuri venäläinen kriitikko N. A. Dobrolyubov kuvaili tätä mustasta, karkeaa elämää, joka perustuu despotismiin, tietämättömyyteen, petokseen ja mielivaltaan. Yhdessä Moskovan Maly-teatterin näyttelijöiden kanssa Prov Sadovsky ja suuri Mihail Schepkin Ostrovsky lukivat komediaa eri piireissä.

Näytelmän valtava menestys, joka N.A.Dobrolyubovin sanoin kuului "Ostrovskin kirkkaimpiin ja johdonmukaisimpiin teoksiin" ja valloitti "kuvan totuuden ja oikean todellisuuden tunteen kanssa", sai nykyisen järjestyksen pitäjät valppaiksi. Sensuuri kieltää melkein kaikki Ostrovskyn uudet näytelmät tai hylkäsi teatteriviranomaisten esittämisen.

Jopa sellainen merkittävä draama kuin Ukkosmyrsky (1859) otti reaktiivinen aatelisto ja lehdistö vastaan \u200b\u200bvihamielisesti. Toisaalta demokraattisen leirin edustajat näkivät "ukkosmyrskyssä" jyrkän protestin feodaalien ja orjuuksien järjestelmää vastaan \u200b\u200bja arvostivat sitä täysin. Kuvien taiteellinen eheys, ideologisen sisällön syvyys ja Ukkosmyrskyn syyttävä voima antavat meille mahdollisuuden tunnistaa se yhdeksi venäläisen draaman täydellisimmistä teoksista.

Ostrovskilla on suuri merkitys paitsi näytelmäkirjailijana myös venäläisen teatterin luojana. "Olet lahjoittanut koko taidekirjaston kirjallisuudelle", kirjoitti IA Goncharov Ostrovskylle, "olet luonut oman erikoismaailmasi näyttämölle. Te yksin valmistuitte rakennuksen, jonka pohjaan asetitte kulmakivet Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Mutta vasta teidän jälkeen me venäläiset voimme ylpeänä sanoa: meillä on oma venäläinen kansallisteatterinsa. " Ostrovskyn luovuus muodosti koko aikakauden teatterimme historiassa. Ostrovskin nimi liittyy erityisen voimakkaasti Moskovan Maly-teatterin historiaan. Lähes kaikki Ostrovskyn näytelmät näytettiin tässä teatterissa hänen elinaikanaan. Heille kasvatettiin useita taiteilijoiden sukupolvia, joista kasvoi Venäjän näyttämön upeita mestareita. Ostrovskyn näytelmillä oli niin tärkeä rooli Maly-teatterin historiassa, että hän kutsuu itseään ylpeänä Ostrovskin taloksi.

Uusien roolien suorittamiseksi piti ilmestyä ja ilmestyä koko galaksi uusia näyttelijöitä, aivan yhtä hyvin kuin Ostrovsky, joka tunsi venäläisen elämän. Ostrovskyn näytelmille perustettiin ja kehitettiin kansallisen ja venäläisen realistisen näyttelijöiden koulu. Alkaen Moskovan provinssista Sadovskista ja Pietarista Aleksanteri Martynovista, useita pääkaupunkiseudun ja maakunnan näyttelijöiden sukupolvia on tähän päivään asti kasvanut roolina Ostrovskyn näytelmissä. "Uskollisuus todellisuuteen, elämän totuuteen" - näin Dobrolyubov puhui Ostrovskyn teoksista - on tullut yksi kansallisen esittävän taiteen keskeisistä piirteistä.

Dobrolyubov toi esiin vielä yhden Ostrovskin draaman piirteen - "kansankielen tarkkuuden ja uskollisuuden". Ei turhaan Gorky kutsui Ostrovskia "kielen taikuriksi". Jokainen Ostrovskin hahmo puhuu luokalleen, ammatilleen, kasvatukselleen tyypillisellä kielellä. Ja näyttelijän, luodessaan tämän tai toisen kuvan, oli pystyttävä käyttämään tarvittavaa intonaatiota, ääntämistä ja muita puhevälineitä. Ostrovsky opetti näyttelijää kuuntelemaan ja kuulemaan, kuinka ihmiset puhuvat elämässä.

Suuren venäläisen näytelmäkirjailijan teokset luovat paitsi hänen aikansa elämän. Ne kuvaavat myös Puolan puuttumisen vuosia 1600-luvun alussa. ("Kozma Minin", "Teeskentelijä Dmitri ja Vasily Shuisky") ja muinaisen Venäjän legendaariset ajat (kevätsatu "Lumityttö").

Vallankumousta edeltävinä vuosina porvarilliset katsojat alkoivat vähitellen menettää mielenkiintoa Ostrovskyn teatteria kohtaan pitäen sitä vanhentuneena. Neuvostoliiton näyttämöllä Ostrovskin draama elvytettiin uudella voimalla. Hänen näytelmänsä esitetään myös ulkomailla.

LN Tolstoi kirjoitti näytelmäkirjailijalle vuonna 1886: "Tiedän kokemuksesta, kuinka ihmiset lukevat, tottelevat ja muistavat asioita, ja siksi haluaisin auttaa sinua tulemaan nyt todellisuudessa mahdollisimman pian sellaiseksi kuin olet, epäilemättä - valtakunnallinen - laajimmassa merkityksessä kirjailija. "

Suuren lokakuun sosialistisen vallankumouksen jälkeen A.N.Ostrovskyn työ tuli julkiseksi.

Alexander Nikolaevich Ostrovsky on venäläinen näytelmäkirjailija ja kirjailija, jonka teoksella oli tärkeä rooli Venäjän kansallisen teatterin kehityksessä. Hän kirjoitti useita tunnetuimpia teoksia, joista osa sisältyy koulun opetussuunnitelman kirjallisuuteen.

Kirjoittajan perhe

Ostrovskin isä, Nikolai Fedorovich - papin poika, toimi pääkaupungissa oikeudellisena asianajajana ja asui Zamoskvorechyessä. Hän valmistui Moskovan teologisesta seminaarista sekä Kostroman seminaarista. Hänen äitinsä oli melko köyhästä perheestä ja kuoli, kun Ostrovsky oli seitsemänvuotias. Aleksanterin lisäksi perheeseen syntyi vielä kolme lasta. Kun heidän äitinsä kuoli, pari vuotta myöhemmin heidän isänsä meni naimisiin uudelleen, ja paronitar Emilia Andreevna von Tessinistä tuli hänen valittu. Hän hoiti lapsia edelleen, otti vaivaa kasvattaa heitä ja saada asianmukaista koulutusta.

Vuonna 1835 Alexander Ostrovsky tuli Moskovan lukioon ja 5 vuotta myöhemmin - pääkaupungin yliopistoon opiskelemaan lakia. Tänä aikana hän alkoi kokea lisääntynyttä kiinnostusta teatteriesityksiin. Nuori Ostrovsky vierailee usein Petrovsky- ja Maly-teattereissa. Opiskelu keskeytyy yhtäkkiä kokeen epäonnistumisesta ja riidasta yhden opettajan kanssa, ja hän lähtee yliopistosta haluamallaan tavalla, minkä jälkeen hän saa työn kirjurina Moskovan tuomioistuimessa. Vuonna 1845 hän löysi työn kauppatuomioistuimessa toimiston osastolta. Koko tämän ajan Ostrovsky on kerännyt tietoa tulevaa kirjallisuutta varten.

Elämänsä aikana kirjailija oli naimisissa kahdesti. Ensimmäisen vaimonsa Agafyan kanssa, jonka sukunimi ei ole säilynyt tähän päivään asti, hän asui noin 20 vuotta. Hänen avioliittonsa lapset kuolivat valitettavasti vielä hyvin nuorina. Toinen vaimo on Maria Bakhmetyeva, josta hänellä oli kuusi lasta - kaksi tytärtä ja neljä poikaa.

Luova toiminta

Ensimmäinen kirjallisuusjulkaisu - "Sulhasen odottaminen" ilmestyi vuonna 1847 "Moskovan kaupungin luettelossa", jossa kuvataan kohtauksia tuon ajan kauppiaiden elämästä. Seuraavana vuonna Ostrovsky kirjoittaa komedian "Kansamme - numeroitu!" Hänet lavastettiin näyttämölle ja sai huomattavaa menestystä, mikä kannusti Aleksanteria lopulta tekemään päätöksen - omistautumaan kaikki voimansa draamaan. Yhteiskunta reagoi lämpimästi ja mielenkiinnolla tähän työhön, mutta siitä tuli myös syynä viranomaisten vainoamiselle liian rehellisen satiirin ja oppositioluokan vuoksi. Ensimmäisen näytöksen jälkeen näytelmä kiellettiin näyttämöistä teattereissa, ja kirjailija oli poliisin valvonnassa noin viisi vuotta. Seurauksena oli, että vuonna 1859 näytelmää muutettiin merkittävästi ja julkaistiin uudestaan \u200b\u200btäysin erilaisella loppuosalla.

Vuonna 1850 näytelmäkirjailija vieraili kirjailijoiden piirissä, jossa hän sai koskemattoman väärän sivilisaation laulajan lausumattoman arvonimen. Vuonna 1856 hänestä tuli Sovremennik-lehden kirjoittaja. Samaan aikaan Ostrovsky ja hänen kollegansa lähtivät etnografiseen retkikuntaan, jonka tehtävänä on kuvata Venäjän jokien rannoilla asuvia kansoja sen eurooppalaisessa osassa. Pohjimmiltaan kirjailija tutki Volgalla elävien kansojen elämää, jonka yhteydessä hän kirjoitti suuren teoksen "Matka Volgan varrella lähteistä Nižni Novgorodiin", heijastamalla siinä noista paikoista tulevien ihmisten tärkeimmät etniset piirteet, heidän elämänsä ja tapansa.

Vuonna 1860 julkaistiin Ostrovskyn tunnetuin näytelmä, Ukkosmyrsky, joka tapahtuu Volgan rannalla. Vuonna 1863 hän sai palkinnon ja kunniajäsenyyden Pietarin tiedeakatemiassa.
Ostrovsky kuoli vuonna 1886 ja hänet haudattiin Nikolo-Berezhkin kylään.

• Ostrovskyn käsitteellinen näkemys teatterista on käytäntöihin perustuvien kohtausten rakentaminen, käyttäen venäläisen puheen runsautta ja sen pätevää käyttöä hahmojen paljastamisessa;
• Teatterikoulua, jonka Ostrovsky perusti, kehitettiin edelleen Stanislavskin ja Bulgakovin johdolla;
• Kaikki näyttelijät eivät reagoineet hyvin näytelmäkirjailijan innovaatioihin. Esimerkiksi venäläisen teatteritaiteen realismin perustaja, näyttelijä MS Štšepkin lähti Ostrovskin johdolla käydyn Ukkonen yleisharjoituksesta.

Aleksanteri Ostrovskin työtä ei todennäköisesti kuvata lyhyesti, koska tämä mies antoi suuren panoksen kirjallisuuden kehittämiseen.

Hän kirjoitti paljon, mutta ennen kaikkea kirjallisuuden historiassa hänet muistetaan hyvänä näytelmäkirjailijana.

Luovuuden suosio ja piirteet

A.N.: n suosio Ostrovsky toi teoksen "Kansamme - meidät numeroidaan". Sen julkaisemisen jälkeen monet sen ajan kirjailijat arvostivat hänen teostaan.

Tämä antoi itseluottamusta ja inspiraatiota Aleksanteri Nikolaevichille itselleen.

Tällaisen onnistuneen debyytin jälkeen hän kirjoitti monia teoksia, joilla oli merkittävä rooli hänen työstään. Näitä ovat seuraavat:

• "Metsä"
• "Kyvyt ja ihailijat"
• "Myötäjäiset".

Kaikkia hänen näytelmiä voidaan kutsua psykologisiksi draamiksi, koska ymmärtääkseen mitä kirjoittaja kirjoitti, on syvällisesti syvennettävä hänen työstään. Hänen näytelmiensä hahmot olivat monipuolisia persoonallisuuksia, joita kaikki eivät voineet ymmärtää. Teoksissaan Ostrovsky pohti maan arvojen romahtamista.

Jokaisella näytelmällä on realistinen loppu, kirjailija ei yrittänyt lopettaa kaikkea positiivisella päättymisellä, kuten monet kirjailijat, hänelle oli tärkeämpää näyttää teoksissaan todellinen, ei kuvitteellinen elämä. Teoksissaan Ostrovsky yritti heijastaa venäläisten elämää, ja lisäksi hän ei korostanut sitä ollenkaan - vaan kirjoitti sen, mitä näki ympärillään.

Lapsuuden muistot olivat myös juoni hänen teoksilleen. Hänen työnsä erottuvana piirteenä voidaan kutsua sitä, että hänen teoksensa eivät olleet täysin sensuuria, mutta siitä huolimatta ne pysyivät suosittuina. Ehkä syy hänen suosioon oli se, että näytelmäkirjailija yritti esitellä lukijoille Venäjää sellaisenaan. Kansallisuus ja realismi ovat tärkeimmät kriteerit, joita Ostrovsky noudatti kirjoittaessaan teoksiaan.

Työ viime vuosina

A.N. Ostrovsky aloitti luovan työn erityisesti elämänsä viimeisinä vuosina, silloin hän kirjoitti teoksilleen merkittävimmät draamat ja komediat. Kaikki ne on kirjoitettu syystä, lähinnä hänen teoksensa kuvaavat naisten traagista kohtaloa, joiden on kamppailtava yksin ongelmiensa kanssa. Ostrovsky oli Jumalan näytelmäkirjailija, hän näytti pystyvän kirjoittamaan hyvin helposti, ajatukset itse tulivat hänen päähänsä. Mutta he kirjoittivat myös sellaisia \u200b\u200bteoksia, joissa heidän täytyi työskennellä ahkerasti.

Viimeisimmissä teoksissa näytelmäkirjailija kehitti uusia menetelmiä tekstin ja ilmeikkyyden esittämiseen - joista tuli erottuva hänen teoksissaan. Tšekhov arvosti hänen kirjoitustyyliään erittäin arvokkaasti, mikä ylistää Aleksanteri Nikolaevichia. Työssään hän yritti näyttää sankareiden sisäisen taistelun.

19. kesäkuuta 2011

Alexander Nikolaevich Ostrovsky on epätavallinen ilmiö. Sen roolia venäläisen draaman, esittävän taiteen ja koko venäläisen kulttuurin historiassa on vaikea yliarvioida. Venäläisen draaman kehittämiseksi hän teki yhtä paljon kuin Shakespeare Englannissa, Lone de Vega Espanjassa, Moliere Ranskassa, Goldoni Italiassa ja Schiller Saksassa.

Sensuurin, teatterikirjallisuuskomitean ja keisarillisten teatterien johtajien aiheuttamasta häirinnästä huolimatta, toisin kuin taantumapiirien kritiikki, Ostrovskyn draama sai yhä enemmän sympatiaa sekä demokraattisten katsojien että taiteilijoiden keskuudessa.

Alexander Nikolaevich Ostrovsky syntyi Moskovassa kulttuurisessa, byrokraattisessa perheessä 12. huhtikuuta (31. maaliskuuta, vanha tyyli) 1823. Perhe oli juurtunut papistoihin: isä oli pappin poika, äiti oli sekstonin tytär. Lisäksi hänen isänsä Nikolai Fedorovich valmistui itse Moskovan teologisesta akatemiasta. Mutta hän piti parempana virkamiehen työtä papiston huolenpidossa ja onnistui siinä, koska hän saavutti sekä aineellisen itsenäisyyden, aseman yhteiskunnassa että aateliston arvonimen. Tämä ei ollut kuiva virkailija, joka oli suljettu vain palveluksessaan, mutta hyvin koulutettu, minkä osoittaa ainakin hänen intohimonsa kirjoja kohtaan - Ostrovskyn kotikirjasto oli erittäin vankka, jolla oli muuten tärkeä rooli tulevan näytelmäkirjailijan itseopetuksessa.

Kehittämällä venäläisen draaman taiteen parhaita perinteitä, hyödyntämällä progressiivisen ulkomaisen draaman kokemuksia, oppimalla väsymättä kotimaastaan, jatkuvasti kommunikoimalla kansan kanssa, tiiviissä yhteydessä edistyksellisimpään nykypäivän yhteiskuntaan, Ostrovskista tuli aikansa elämän merkittävä edustaja, joka ilmentää Gogolin, Belinskin ja muiden edistyksellisten kirjallisuuden henkilöiden unelmia. venäläisten hahmojen esiintymisestä ja voitosta kansallisella näyttämöllä.

Ostrovskyn luovalla toiminnalla oli suuri vaikutus Venäjän progressiivisen draaman koko jatkokehitykseen. Häneltä oppivat parhaat näytelmäkirjamiehemme. Juuri hänelle piirrettiin pyrkiviä draamakirjoittajia kerralla.

Ostrovskyn vaikutuksen vaikutus nykyajan kirjailijoiden nuoruuteen voidaan osoittaa kirjeellä näytelmäkirjailija runoilija A.D.Mysovskayalle. ”Tiedätkö kuinka suuri oli vaikutuksesi minuun? Rakkaus taiteeseen ei saanut minut ymmärtämään ja arvostamaan sinua: päinvastoin, opetit minua rakastamaan ja kunnioittamaan taidetta. Olen yksin velkaa teille siitä, että vastustin kiusausta päästä säälittävän kirjallisen keskinkertaisuuden areenalle, en jahtanut halpoja laakereita, joita makeat ja hapan puolikoulutetut ihmiset ovat heittäneet. Sinä ja Nekrasov sait minut rakastamaan ajattelua ja työtä, mutta Nekrasov antoi minulle vain ensimmäisen sysäyksen, mutta sinä annoit minulle ohjauksen. Lukemalla teoksiasi tajusin, että riimejä ei ole, mutta joukko lauseita ei ole, ja että vain käsityksen ja tekniikan käsittelemisen jälkeen taiteilijasta tulee oikea taiteilija.

Ostrovskilla oli voimakas vaikutus paitsi venäläisen draaman, myös venäläisen teatterin kehitykseen. Ostrovskin valtava merkitys venäläisen teatterin kehityksessä korostuu hyvin Ostrovskille omistetussa runossa, jonka M.N.Ermolova luki vuonna 1903 Maly-teatterin näyttämöltä:

Elämä itse lavalla, totuus puhaltaa lavalta,

Ja kirkas aurinko hyväilee meitä ja lämmittää meitä;

Yksinkertaisten, elävien ihmisten elävä puhe kuulostaa,

Ei lavalla, ei "sankari", ei enkeli, ei roisto,

Ja vain mies Iloinen näyttelijä

Nopeasti murtamaan raskaat kahleet

Perinteitä ja valheita. Sanat ja tunteet ovat uusia

Mutta sielun syvennyksissä vastaus kuuluu heille, -

Ja kaikki huulet kuiskaavat: siunattu,

Repäisi rappeutuneet, hopealankaiset kannet

Ja pimeyden valtakuntaan, joka valaa kirkkaan valon

Kuuluisa taiteilija kirjoitti samasta vuonna 1924 muistelmissaan: ”Yhdessä Ostrovskyn kanssa esiintyi itse totuus ja elämä. Alkuperäisen draaman kasvu alkoi täynnä vastauksia modernisuuteen; He alkoivat puhua köyhistä, nöyryytetyistä ja loukkauksista. "

Ostrovskyn jatkama ja syventämä realistinen suunta, jota autokratian teatteripolitiikka vaimentaa, käänsi teatterin läheisyyteen todellisuuden kanssa. Se yksin antoi teatterielämälle kansallisen, venäläisen, kansanteatterin.

”Lahjoitit kokonaisen taidekirjaston, loit oman näyttämösi oman maailman. Te yksin valmistuitte rakennuksen, jonka perusta te asetitte kulmakivet Fonvizin, Griboyedov, Gogol. " Tämä upea kirje sai muun muassa onnittelut hänen kirjallisen ja teatteritoimintansa kolmenkymmenen viidennen vuosipäivän aikana Aleksanteri Nikolaevitš Ostrovskin toiselta suurelta venäläiseltä kirjailijalta - Goncharovilta.

Mutta paljon aikaisemmin, vielä nuoren Ostrovskyn ensimmäisestä teoksesta, joka julkaistiin Moskvityaninissa, siro ja herkkä tarkkailija V.F.Odoevsky hienovarainen tuntija kirjoitti: "Jos tämä ei ole hetkellinen välähdys, ei sieni, joka puristuu itsestään maasta, leikkautunut kaiken mädän läpi, sitten tällä henkilöllä on valtava lahjakkuus. Pidän Venäjällä kolmea tragediaa: "Minor", "Woy of Wit", "General Inspector". Laitoin numero neljä kohtaan "Konkurssi". "

Tällaisesta lupaavasta ensimmäisestä arvioinnista Goncharovin juhlakirjeeseen - täysi, työläs elämä; synnyttänyt tällaisen loogisen arviointisuhteen, koska lahjakkuus vaatii ennen kaikkea suurta työtä itsessään, eikä näytelmäkirjailija tehnyt syntiä Jumalan edessä - hän ei haudannut kykyjään maahan. Ensimmäisen julkaisunsa vuonna 1847 Ostrovsky on sittemmin kirjoittanut 47 näytelmää ja kääntänyt yli kaksikymmentä näytelmää eurooppalaisilta kieliltä. Ja hänen luomassaan kansanteatterissa on yhteensä noin tuhat hahmoa.

Vähän ennen kuolemaansa, vuonna 1886, Aleksanteri Nikolaevitš sai Le Tolstoi -kirjeen, jossa nerokas proosakirjoittaja tunnusti: "Tiedän kokemuksesta, kuinka ihmiset lukevat, tottelevat ja muistavat asioita, ja siksi haluaisin auttaa sinusta on nyt nopeasti tullut todellisuudessa se, mitä olet epäilemättä - koko kansan kirjoittaja laajimmassa merkityksessä. "

A.N.Ostrovsky syntyi 31. maaliskuuta (12. huhtikuuta) 1823 Moskovassa papin, virkamiehen ja myöhemmin Moskovan kauppatuomioistuimen asianajajan perheessä. Ostrovskin perhe asui Zamoskvorechyessä, vanhan Moskovan kauppias- ja porvarillisessa kaupunginosassa. Luonteeltaan näytelmäkirjailija oli koti-ihminen: hän asui melkein koko elämänsä Moskovassa, Yauzskaya-osassa, lähden säännöllisesti, lukuun ottamatta useita matkoja Venäjälle ja ulkomaille, vain Shchelykovon tilalle Kostroman maakunnassa. Täällä hän kuoli 2. kesäkuuta (14) 1886 keskellä työtä Shakespearen näytelmän Antony ja Kleopatra käännöksessä.

1840-luvun alussa. Ostrovsky opiskeli Moskovan yliopiston oikeustieteellisessä tiedekunnassa, mutta ei suorittanut kurssia, kun hän aloitti palveluksen Moskovan tunnollisen tuomioistuimen toimistossa vuonna 1843. Kaksi vuotta myöhemmin hänet siirrettiin Moskovan kauppatuomioistuimeen, jossa hän palveli vuoteen 1851. Oikeuskäytäntö antoi tulevalle kirjailijalle laajaa ja monipuolista materiaalia. Lähes kaikissa hänen ensimmäisissä näytelmissään moderniteetista kehitettiin tai hahmoteltiin rikollisia juoni. Ostrovsky kirjoitti ensimmäisen tarinansa 20-vuotiaana, ensimmäisen näytelmän 24-vuotiaana. Vuoden 1851 jälkeen hänen elämänsä liittyi kirjallisuuteen ja teatteriin. Sen tärkeimpiä tapahtumia olivat sensuuririkosoikeudenkäynnit, kriitikoiden kiitokset ja väärinkäytökset, ensi-iltat, näyttelijöiden väliset kiistat näytelmissä.

Lähes 40 vuoden luovan toiminnan aikana Ostrovsky on luonut rikkaan ohjelmiston: noin 50 alkuperäistä näytelmää, useita näytelmiä, jotka on kirjoitettu yhdessä. Hän osallistui myös muiden kirjoittajien näytelmien käännöksiin ja muutoksiin. Kaikki tämä muodostaa "Ostrovskyn teatterin" - näin määritteli näytelmäkirjailija IA Goncharovin luoma asteikko.

Ostrovsky rakasti intohimoisesti teatteria pitäen sitä demokraattisimpana ja tehokkaimpana taidemuotona. Venäläisen kirjallisuuden klassikoista hän oli ensimmäinen ja pysyi ainoana kirjailijana, joka omistautui kokonaan draamaan. Kaikki hänen kirjoittamansa näytelmät eivät olleet "näytelmiä lukemista varten" - ne oli kirjoitettu teatterille. Scenic on Ostrovskyn kannalta muuttumaton draaman laki, joten hänen teoksensa kuuluvat yhtä lailla kahteen maailmaan: kirjallisuuden maailmaan ja teatterimaailmaan.

Ostrovskyn näytelmät julkaistiin aikakauslehdissä melkein samanaikaisesti teatterituotantonsa kanssa, ja ne koettiin kirkkaina ilmiöinä sekä kirjallisuudessa että teatterielämässä. 1860-luvulla. ne herättivät saman vilkkaan yleisön kiinnostuksen kuin Turgenevin, Goncharovin ja Dostojevskin romaanit. Ostrovsky teki draamasta "todellisen" kirjallisuuden. Ennen häntä venäläisten teatterien ohjelmistossa oli vain muutamia näytelmiä, jotka näyttivät laskeutuneen lavalle kirjallisuuden korkeuksilta ja pysyneet yksin (A.S. Griboyedovin "Woe from Wit", N.V.Gogolin "The Inspector" ja "The Marriage"). Teatterikokoelma oli täynnä joko käännöksiä tai teoksia, jotka eivät eronneet toisistaan \u200b\u200bhuomattavien kirjallisten ansioiden suhteen.

1850--1860-luvulla. Venäläisten kirjailijoiden unelmat siitä, että teatterista tulisi voimakas koulutusvoima, keino muokata yleistä mielipidettä, ovat löytäneet todellisen pohjan. Draamalla on laajempi yleisö. Lukutaitoisten ihmisten piiri on laajentunut - sekä lukijoiden että niiden, joille vakavaa lukemista ei vielä ollut saatavilla, mutta teatteriin on pääsy ja ymmärrettävyys. Muodostui uusi sosiaalinen kerros - Raznochinskaya Intelligence, joka osoitti lisääntynyttä kiinnostusta teatteriin. Uusi yleisö, demokraattinen ja monipuolinen verrattuna 1800-luvun ensimmäisen puoliskon yleisöön, antoi "sosiaalisen järjestyksen" sosiaaliselle ja jokapäiväiselle draamalle Venäjän elämästä.

Ostrovskyn näytelmäkirjailijan ainutlaatuisuus on se, että luodessaan uuteen aineistoon perustuvia näytelmiä hän paitsi tyydytti uusien katsojien odotuksia, myös taisteli teatterin demokratisoitumisesta: loppujen lopuksi teatteri oli 1860-luvun näyttämöistä massiivisin. edelleen eliitti, ei ollut vielä halpaa julkista teatteria. Moskovan ja Pietarin teatterien ohjelmisto riippui keisarillisten teatterien johtajan virkamiehistä. Venäjän draamaa uudistava Ostrovsky uudisti teatterin. Näytelmiensa katsojana hän halusi nähdä paitsi älymystön ja valaistuneet kauppiaat myös "käsityölaitosten omistajia" ja "käsityöläisiä". Ostrovskyn ideologia oli Moskovan Maly-teatteri, joka toteutti hänen unelmansa uudesta teatterista demokraattiselle yleisölle.

Ostrovskyn luovassa kehityksessä on neljä jaksoa:

1) Ensimmäinen kausi (1847-1851) - ensimmäisten kirjallisten kokeiden aika. Ostrovsky aloitti aika aikojen hengessä - kerronta proosalla. Esittäjissään Zamoskvorechyen elämästä ja tavoista debyytti nojautui Gogolin perinteisiin ja 1840-luvun "luonnollisen koulun" luovaan kokemukseen. Näiden vuosien aikana luotiin myös ensimmäiset dramaattiset teokset, mukaan lukien komedia "Bankrut" ("Kansamme - numeroitu!"), Josta tuli alkuvaiheen pääteos.

2) Toinen kausi (1852-1855) kutsutaan "moskovalaiseksi", koska näiden vuosien aikana Ostrovsky tuli läheiseksi "Moskvityanin" -lehden nuorten työntekijöiden kanssa: A.A.Grigoriev, T.I.Filippov, B.N. Almazov ja E.N.Edelson. Näytelmäkirjailija tuki "nuoren toimituskunnan" ideologista ohjelmaa, joka pyrki tekemään lehdestä uuden sosiaalisen ajattelun suuntauksen - "maaperän kulttuurin". Tänä aikana kirjoitettiin vain kolme näytelmää: "Älä istu reessäsi", "Köyhyys ei ole pahe" ja "Älä asu haluamallasi tavalla".

3) Kolmas kausi (1856-1860) Ostrovsky kieltäytyi etsimästä positiivisia periaatteita patriarkaalisten kauppiaiden elämästä (tämä oli tyypillistä 1850-luvun alkupuoliskolla kirjoitetuille näytelmille). Näytelmäkirjailija, joka oli herkkä Venäjän yhteiskunnallisen ja ideologisen elämän muutoksille, tuli lähelle Raznochinin demokratian hahmoja - Sovremennik-lehden henkilökuntaa. Tämän ajan luovana tuloksena olivat näytelmät "Krapula jonkun toisen juhlissa", "Tuottoisa paikka" ja "Ukkosmyrsky", "ratkaisevin", N.A.Dobrolyubovin mukaan, Ostrovskyn teos.

4) Neljäs kausi (1861-1886) - pisin Ostrovskyn luovan toiminnan jakso. Tyylilaji laajeni, hänen teostensa poetiikka monipuolistui. Kaksikymmentä vuotta on luotu näytelmiä, jotka voidaan jakaa useisiin genre-temaattisiin ryhmiin: 1) komediat kauppiaselämästä ("Kaikki kissalle ei ole Shrovetide", "Totuus on hyvää, mutta onnellisuus on parempi", "Sydän ei ole kivi"), 2) satiirinen komediat ("Tarpeeksi yksinkertaisuutta jokaiselle viisaalle", "Lämmin sydän", "Hullu raha", "Sudet ja lampaat", "Metsä"), 3) näytelmiä, joita Ostrovsky itse kutsui "kuviksi Moskovan elämästä" ja "kohtauksia suonien elämästä" ": Heitä yhdistää teema" pienet ihmiset "(" Vanha ystävä on parempi kuin kaksi uutta "," Kovat päivät "," Jokerit "ja trilogia Balzaminovista), 4) historialliset näytelmät-aikakirjat (" Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk "," Tushino " ja muut) ja lopuksi 5) psykologiset draamat ("Dowry", "The Last Victim" jne.). Satuesitys "Lumityttö" erottuu toisistaan.

Ostrovskyn luovuuden alkuperä on peräisin 1840-luvun "luonnollisesta koulusta", vaikka Moskovan kirjailija ei ollut organisatorisesti yhteydessä Pietarin nuorten realistien luovaan yhteisöön. Aloittaen proosasta Ostrovsky tajusi nopeasti, että hänen todellinen kutsumuksensa oli draamaa. Jopa varhaisimmat proosaiset kokeilut ovat "luonnonkauneita", huolimatta "luonnollisen koulun" esseille ominaisten yksityiskohtaisimpien arjen ja tapojen kuvauksista. Esimerkiksi ensimmäisen esseen "Legenda siitä, kuinka vuosineljänneksen valvoja tanssi, tai yksi askel suuresta naurettavaan" (1843) perusta on anekdotinen kohtaus, jossa on täysin valmis juoni.

Tämän esseen tekstiä käytettiin ensimmäisessä julkaistussa teoksessa - "Zamoskvoretsky-asukkaan muistiinpanot" (julkaistu vuonna 1847 Moskovan kaupunginlehdessä). "Muistiinpanot ..." -kohdasta Ostrovsky, jota aikalaisensa kutsui "Kolumbukseksi Zamoskvorechye", löysi "maan", jota kirjallisuudessa ei vielä tunneta, ja jossa asuvat kauppiaat, pikkuporvarilliset ja pikkuviranomaiset. "Tähän asti vain tämän maan asema ja nimi oli tiedossa", kirjoittaja totesi, "mitä tulee sen asukkaisiin, toisin sanoen heidän elämäntapaansa, kieleensä, tapoihinsa, tapoihinsa, koulutustasoonsa, kaikki tämä oli peitetty pimeyden pimeydellä." Erinomainen tietämys elämän aineistosta auttoi Ostrovsky-proosakirjoittajaa luomaan yksityiskohtaisen tutkimuksen kauppiaselämästä ja irmoista, joka edelsi hänen ensimmäisiä näytelmiään kauppiaasta. "Zamoskvoretsky-asukkaan muistiinpanoissa" Ostrovskyn teokselle hahmoteltiin kaksi ominaispiirrettä: huomio päivittäiseen ympäristöön, joka määrää luonnosta "irrotettujen" hahmojen elämän ja psykologian, ja jokapäiväisen elämän kuvaamisen erityinen, dramaattinen luonne. Kirjoittaja pystyi näkemään näytelmäkirjailijan potentiaalia, käyttämätöntä materiaalia jokapäiväisissä tarinoissa. Ensimmäisiä näytelmiä seurasi esseitä Zamoskvorechyen elämästä.

Elämänsä mieleenpainuvin päivä Ostrovsky piti 14. helmikuuta 1847: tänä päivänä illalla kuuluisan slavofiiliprofessorin SP Shevyrevin kanssa hän luki ensimmäisen pienen näytelmänsä "Perhekuva". Mutta nuoren näytelmäkirjailijan todellinen debyytti on komedia "Ihmisemme numeroidaan!" (alkuperäinen nimi - "Bankrut"), jonka parissa hän työskenteli vuosina 1846-1849. Teatterisensuuri kieltää näytelmän välittömästi, mutta kuten A.S. Griboyedovin "Voi witistä", siitä tuli välittömästi merkittävä kirjallinen tapahtuma ja menestyksekkäästi. luettiin Moskovan taloissa talvella 1849/50. kirjailija itse ja suuret toimijat - P.M.Sadovsky ja M.S.Schepkin. Vuonna 1850 komedia julkaisi aikakauslehti Moskvityanin, mutta vasta vuonna 1861 se lavastettiin lavalla.

Kauppiaan elämän ensimmäisen komedian innostunut vastaanotto johtui paitsi siitä, että Ostrovsky, "Kolumbus Zamoskvorechye", käytti täysin uutta materiaalia, myös hänen dramaattisen taitonsa hämmästyttävä kypsyys. Perittyään Gogolin koomikkoperinteet, näytelmäkirjailija määritteli samalla selkeästi näkemyksensä sankareiden kuvaamisen periaatteista ja jokapäiväisen materiaalin juoni-sävellys-suoritusmuodosta. Gogolin perinne tuntuu konfliktin luonteeltaan: kauppias Bolshovin petos on kauppiaan elämän, omaisuuden moraalin ja roistojen sankareiden psykologian tuote. Bolynov julistaa itsensä konkurssiin, mutta tämä on väärä konkurssi, seurauksena hänen salaliitonsa virkailija Podkhalyuzinin kanssa. Kauppa päättyi odottamattomasti: pääomaa toivovan omistajan petti virkailija, joka osoittautui vielä suuremmaksi huijari. Tämän seurauksena Podkhalyuzin sai kauppiaan tyttären Lipochkan käden ja pääoman. Gogolin alku on tuntuva näytelmän koomisen maailman homogeenisuudessa: siinä ei ole positiivisia hahmoja, kuten Gogolin komedioissa, naurua voidaan kutsua ainoaksi sellaiseksi "sankariksi".

Tärkein ero Ostrovskyn komedian ja hänen suuren edeltäjänsä näytelmien välillä on koomisen juonittelussa ja hahmojen asennossa siihen. Teoksessa "Hänen kansansa ..." on hahmoja ja kokonaisia \u200b\u200bkohtauksia, jotka eivät ole vain tarpeettomia juonen kehittymiselle, vaan päinvastoin hidastavat sitä. Nämä kohtaukset eivät kuitenkaan ole yhtä tärkeitä työn ymmärtämiselle kuin Bolshovin väitettyyn konkurssiin perustuva juonittelu. Ne ovat välttämättömiä, jotta voidaan kuvata täydellisemmin kauppiaiden elämää ja tapoja, olosuhteita, joissa päätoiminta tapahtuu. Ensimmäistä kertaa Ostrovsky käyttää tekniikkaa, joka toistetaan melkein kaikissa hänen näytelmissään, mukaan lukien Ukkosmyrsky, Metsä ja Dowry - laajennettu hidastettu valotus. Joitakin merkkejä ei esitetä lainkaan konfliktin monimutkaiseksi. Nämä "asettavat kasvot" (näytelmässä "Kansamme - meidät numeroidaan!" - matchmaker ja Tishka) ovat sinänsä mielenkiintoisia jokapäiväisen ympäristön, tapojen ja tapojen edustajina. Niiden taiteellinen tehtävä muistuttaa narratiivisten teosten jokapäiväisten esineiden toimintaa: ne täydentävät kauppamaailman kuvaa pienillä, mutta kirkkailla, värikkäillä vedoilla.

Arkipäivä tuttuus kiinnostaa näytelmäkirjailija Ostrovskia vähintään yhtä tavallisesta poikkeavaa, esimerkiksi Bolshovin ja Podkhalyuzinin huijaus. Hän löytää tehokkaan tavan kuvata dramaattisesti jokapäiväistä elämää hyödyntämällä lavalta kuulostavan sanan mahdollisuuksia. Äidin ja tyttären väliset keskustelut mekoista ja sulhasista, niiden välisestä rähinästä, vanhan lastenhoitajan murinasta välittävät täydellisesti kauppiasperheen tavanomaisen ilmapiirin, näiden ihmisten kiinnostuksen kohteet ja unelmat. Hahmojen suullisesta puheesta on tullut tarkka "peili" jokapäiväisessä elämässä ja tapoissa.

Sankareiden keskustelut jokapäiväisistä aiheista, ikään kuin "suljettuina" juoni-toiminnasta, ovat kaikissa Ostrovskyn näytelmissä poikkeuksellisen tärkeät: keskeyttämällä juoni, vetäytymällä siitä, he upottavat lukijan ja katsojan tavallisten ihmissuhteiden maailmaan, jossa suullisen viestinnän tarve ei ole yhtä tärkeä kuin ruoan, ruoan ja vaatteiden tarve. Sekä ensimmäisessä komediassa että myöhemmissä näytelmissä Ostrovsky hidastaa usein tarkoituksellisesti tapahtumien kehittymistä pitäen tarpeellisena näyttää, mitä hahmot ajattelevat, missä suullisessa muodossa heijastuksensa ovat pukeutuneet. Ensimmäistä kertaa venäläisessä draamassa hahmojen vuoropuheluista tuli tärkeä keino moraaliseen kuvaukseen.

Jotkut kriitikot pitivät jokapäiväisten yksityiskohtien laajaa käyttöä näyttämön lakien vastaisena. Ainoa perustelu heidän mielestään voisi olla, että aloitteleva näytelmäkirjailija oli kauppiaselämän löytäjä. Mutta tästä ”rikkomuksesta” tuli Ostrovskyn draaman laki: jo ensimmäisessä komediassa hän yhdisti juonittelun terävyyden lukuisiin jokapäiväisiin yksityiskohtiin eikä vain hylännyt tätä periaatetta myöhemmin, vaan myös kehitti sen, saavuttaen näytelmän molempien osien - dynaamisen juonen ja staattisen ”keskustelun” maksimaalisen esteettisen vaikutuksen. »Kohtauksia.

"Ihmisemme - numeroitu!" - syyttävä komedia, moraalin satiiri. Kuitenkin 1850-luvun alussa. näytelmäkirjailija tuli ajatukseen tarpeesta luopua kauppiaiden kritiikistä "syytöksestä". Hänen mielestään ensimmäisessä komediassa ilmaistu elämänkatselu oli "nuori ja liian ankara". Nyt hän perustelee erilaista lähestymistapaa: venäläisen pitäisi iloita, nähdä itsensä lavalla, eikä surra. "Korjaajia on ilman meitä", Ostrovsky korosti yhdessä kirjeessään. - Jotta sinulla olisi oikeus korjata ihmisiä loukkaamatta heitä, sinun on osoitettava heille, että tiedät heidän takanaan hyviä asioita; tätä teen nyt yhdistämällä korkean sarjakuvaan. " "Korkea" on hänen mielestään ihmisten ihanteet, totuudet, jotka venäläiset ovat saaneet vuosisatojen henkisen kehityksen aikana.

Uusi luovuuden käsite toi Ostrovskin lähemmäksi Moskvityanin-lehden nuoria työntekijöitä (julkaisija kuuluisa historioitsija MP Pogodin). Kirjailija ja kriitikko A.A.Grigorievin teoksissa muodostettiin käsite "maaperän viljely", joka on vaikuttava ideologinen suuntaus 1850-luvulta 1860-luvulle. "Pochvennichestvon" perustana on huomio Venäjän kansan henkisiin perinteisiin, perinteisiin elämän ja kulttuurin muotoihin. "Moskvityaninin" nuori toimituskunta oli erityisen kiinnostunut kauppiaista: loppujen lopuksi tämä luokka on aina ollut taloudellisesti itsenäinen, ei kokenut maaorjuuden tuhoisaa vaikutusta, jota "alkuperäiskansat" pitivät venäläisten tragediana. "Moskovilaisten" mukaan kauppiasympäristössä on etsittävä aitoja moraalisia ihanteita, jotka venäläiset ovat kehittäneet, orjuuden vääristymättä, kuten orjuuden talonpoikien keskuudessa, ja erottamalla kansan "maaperästä", kuten aatelistonkin. 1850-luvun alkupuoliskolla. Nämä ajatukset vaikuttivat voimakkaasti Ostrovskiin. Uudet ystävät, erityisesti A.A.Grigoriev, kehottivat häntä ilmaisemaan näytelmissään kauppiaista "radikaalin venäläisen näkemyksen".

"Moskovilaisten" luovuuden ajan näytelmissä - "Älä istu rekissänne", "Köyhyys ei ole pahe" ja "Älä asu haluamallasi tavalla" - Ostrovskyn kriittinen asenne kauppiaisiin ei kadonnut, vaan pehmeni paljon. Uusi ideologinen suuntaus nousi esiin: näytelmäkirjailija kuvasi nykyaikaisten kauppiaiden tapoja historiallisesti muuttuvana ilmiönä yrittäen selvittää, mitä tässä ympäristössä säilyi rikkaimmasta henkisestä kokemuksesta, jonka venäläiset ihmiset ovat keränneet vuosisatojen ajan, ja mikä on epämuodostunut tai kadonnut.

Yksi Ostrovskyn teoksen korkeuksista on komedia "Köyhyys ei ole pahe", jonka juoni perustuu perhekonfliktiin. Gordey Tortsov, dominoiva tyrannikauppias, Dikiyn edeltäjä "Grozasta", haaveilee naimisiin tyttärensä Lyuban kanssa Afrikan Korshunovin kanssa, uuden "eurooppalaisen" kokoonpanon kauppiaan kanssa. Mutta hänen sydämensä kuuluu toiselle - köyhälle virkailija Mityalle. Gordeyn veli Lyubim Tortsov auttaa häiritsemään avioliittoa Korshunovin kanssa, ja pikkupoika vihassaan uhkaa, että hän antaa kapinallisen tyttärensä avioliitossa ensimmäisen tapaamansa henkilön kanssa. Hyvällä sattumalla he osoittautuivat Mityaksi. Onnellinen komedia-juoni Ostrovskylle on vain tapahtumarikas "kuori", joka auttaa ymmärtämään tapahtuman todellista merkitystä: kansankulttuurin yhteenotto "puolikulttuurilla", joka kehittyi kauppiaissa muodin "Eurooppaan" vaikutuksen alaisena. Kaupan väärän kulttuurin eksponentti näytelmässä on Korshunov, patriarkaalisen "maaperän" periaatteen puolustaja - Lyubim Tortsov, näytelmän keskeinen hahmo.

Rakastamme Tortsovia - humalaa, joka puolustaa moraalisia arvoja - houkuttelee katsojan puskurillaan ja tyhmyydellään. Näytelmän koko tapahtuma riippuu hänestä, hän auttaa kaikkia, mukaan lukien myrskyisän veljensä moraalinen "toipuminen". Ostrovsky näytti hänelle kaikkien hahmojen "nairuksen". Hänellä ei ole väitteitä koulutuksesta, kuten Gordey, hän vain ajattelee järkevästi ja toimii omantuntonsa mukaisesti. Kirjoittajan näkökulmasta tämä riittää erottumaan kauppiasympäristöstä ja tulemaan "ihmiseksi lavalla".

Kirjailija itse uskoi, että jalo impulssi pystyy paljastamaan jokaisessa ihmisessä yksinkertaiset ja selkeät moraaliset ominaisuudet: omatunto ja ystävällisyys. Hän vastasi nykyaikaisen yhteiskunnan moraalittomuutta ja julmuutta venäläiseen "patriarkaaliseen" moraaliin, joten "moskovalaisten" aikakauden näytelmäväline on Ostrovskille tavallisten arjen "instrumentointien" tarkkuudesta huolimatta pitkälti mielivaltainen ja jopa utopistinen. Näytelmäkirjailijan tärkein saavutus oli hänen versio positiivisesta kansanhahmosta. Kuva juopuneesta totuuden julistajasta, Lyubim Tortsovista, ei suinkaan luotu sellaisten kaavaimien mukaan, jotka asettivat hampaat reunalle. Tämä ei ole esimerkki Grigorjevin artikkeleista, vaan täysiverinen taiteellinen kuva; ei ollut mitään, että Lyubim Tortsovin rooli houkutteli monien sukupolvien toimijoita.

1850-luvun jälkipuoliskolla. Ostrovsky viittaa yhä uudelleen kauppiasluokan aiheeseen, mutta hänen asenteensa tähän luokkaan on muuttunut. "Moskovalaisten" ideoista hän otti askeleen taaksepäin ja palasi jälleen kauppaympäristön hitauden kritisointiin. Elävä kuva tyranni-kauppiaasta Tita Titichistä ("Kittych") Bruskovista, jonka nimestä tuli kotinimi, luotiin satiirikomediassa "Krapula vieraassa juhlassa" (1856). Ostrovsky ei kuitenkaan rajoittunut "kasvojen satiiriin". Hänen yleistymisensä laajenivat: näytelmä kuvaa elämäntapaa, joka vastustaa kiivaasti kaikkea uutta. Kriitikko N.A.Dobrolyubovin mukaan tämä on "pimeä valtakunta", joka elää omien julmien lakiensa mukaan. Tekopyhät ulkomuodollisesti puolustavat patriarkallisuutta puolustavat oikeuttaan rajoittamattomaan mielivaltaan.

Ostrovskyn näytelmien temaattinen valikoima laajeni, ja hänen näkökenttään ilmestyi muiden kartanoiden ja sosiaalisten ryhmien edustajia. Komediassa Lucrative Place (1857) hän kääntyi ensin venäläisten koomikkojen suosikkiteemojen puoleen - byrokratian satiiriseen esitykseen, ja komediassa Oppilas (1858) hän löysi vuokranantajan elämän. Molemmissa teoksissa nähdään helposti rinnakkaisuudet "kauppiaiden" näytelmien kanssa. Joten "Tuottoisan paikan" sankari Zhadov, virkamiesten korruption tuomitsija, on tyypillisesti lähellä totuudenhakijaa Lyubim Tortsovia, ja "Oppilaiden" hahmot - tyrannin maanomistaja Ulanbekova ja hänen uhri, oppilas Nadya - muistuttavat Ostrovskyn varhaisen näytelmän hahmoja ja "Thunderstorm" kirjoitettiin myöhemmin. ": Kabanikha ja Katerina.

Yhteenvetona Ostrovskyn työn ensimmäisen vuosikymmenen tuloksista A.A.Grigoriev, joka väitti Dobrolyubov-tulkinnan kanssa Ostrovskista tyranneiden ja "pimeän valtakunnan paljastajana", kirjoitti: "Tämän kirjoittajan nimi niin suurelle kirjailijalle puutteistaan \u200b\u200bhuolimatta ei ole satiirikko, mutta kansan runoilija. Sana hänen toimintansa ratkaisemiseksi ei ole "tyrannia", vaan "kansallisuus". Vain tämä sana voi olla avain hänen tekojensa ymmärtämiseen. Kaikki muu - enemmän tai vähemmän kapea, enemmän tai vähemmän teoreettinen, mielivaltainen - kaventaa hänen luovuutensa ympyrää. "

Kolme syyttävää komediaa seuranneesta Ukkosmyrskystä (1859) tuli Ostrovskyn uudistusta edeltävän draaman huippu. Palaten jälleen kauppiasluokan kuvaan, kirjailija loi teoksessa ensimmäisen ja ainoan sosiaalisen tragedian.

Ostrovskyn luovuus 1860--1880 äärimmäisen monipuolinen, vaikka hänen maailmankatsomuksessaan ja esteettisissä näkemyksissään ei ollut niin teräviä vaihteluita kuin ennen vuotta 1861, Ostrovskyn dramaturgia hämmästyttää Shakespearen ongelmien laajuudesta ja taiteellisten muotojen klassisesta täydellisyydestä. Kaksi päähenkilöä, jotka näkyivät selvästi hänen näytelmissään, voidaan todeta: kirjailijalle perinteisten sarjakuvien traagisen äänen vahvistuminen sekä konfliktien ja hahmojen psykologisen sisällön kasvu. Ostrovsky-teatteri, jonka 1890--1900-luvulla "uuden aallon" näytelmäkirjailijat julistivat "vanhentuneeksi", "konservatiiviseksi", kehitti juuri ne suuntaukset, joista tuli johtavia 1900-luvun alun teatterissa. Ostrovskyn arkipäivän ja moraalikuvauskuvien filosofisilla ja psykologisilla symboleilla kyllästyminen, ukkosmyrskystä alkaen, ei suinkaan ollut vahingossa. Näytelmäkirjailija tunsi akuutin lavalaisen realismin puutteen. Rikkoen näyttämön luonnollisia lakeja, säilyttämällä etäisyys näyttelijöiden ja katsojien välillä - klassisen teatterin perustan perusta - parhaissa näytelmissään hän lähestyi 1860--1870-luvulla luotujen romaanien filosofista ja traagista ääntä. hänen aikalaisensa Dostojevski ja Tolstoi taiteilijan viisaudelle ja orgaaniselle voimalle, jonka mallina hän oli Shakespeare.

Ostrovskyn innovatiiviset pyrkimykset näkyvät erityisesti hänen satiirikomedioissaan ja psykologisissa draamoissa. Neljä komediaa reformin jälkeisen aateliston elämästä - "Tarpeeksi jokaiselle viisaalle", "Sudet ja lampaat", "Hullut rahat" ja "Metsä" - yhdistää yhteinen näkökulma. Satiirisen pilkan aihe heissä on hallitsematon voitonjano, joka tarttui sekä jalanjälkensä menettäneisiin aatelisiin - maamoiden pakkotyöhön ja "hulluun rahaan", että uuden kokoonpanon ihmisiin, liikemiehiin, jotka keräävät pääomansa romahtaneen orjuuden romuihin.

Komedioissa luodaan eläviä kuvia "liikemiehistä", joille "raha ei haise", ja rikkaudesta tulee ainoa tavoite elämässä. Näytelmässä "Riittää jokaiselle viisaalle" (1868) tällainen mies ilmestyi köyhtynyt aatelismies Glumov, joka perinteisesti unelmoi saada perinnön, rikkaan morsiamen ja uran. Hänen kyynisyytensä ja liiketoimintakokemuksensa eivät ole ristiriidassa vanhan jaloa byrokratian elämäntavan kanssa: hän itse on ruma tuote tästä ympäristöstä. Glumov on älykäs verrattuna niihin, joille hänet pakotetaan luolaan - Mamaev ja Krutitsky, ei ole vastenmielinen heidän tyhmyytensä ja ylimielisyytensä pilkkaamisesta, pystyy näkemään itsensä ulkopuolelta. "Olen älykäs, vihainen, kateellinen", Glumov myöntää. Hän ei etsi totuutta, vaan vain hyötyy jonkun toisen tyhmyydestä. Ostrovsky osoittaa uuden sosiaalisen ilmiön, joka on tyypillistä uudistuksen jälkeiselle Venäjälle: Molchalinien "maltillisuus ja tarkkuus" eivät johda "suuriin rahoihin", vaan Chatskyn sarkastinen mieli ja lahjakkuus.

Komediassa Mad Money (1870) Ostrovsky jatkoi Moskovan aikakirjoja. Egor Glumov ilmestyi siihen uudestaan \u200b\u200bepigrammoineen "koko Moskovaa varten" sekä satiiristen Moskovan tyyppien kaleidoskoopilla: useita omaisuuksia eläneillä maallisilla koteloilla, naisilla, jotka ovat valmiita tulemaan pidettäviksi naisiksi "miljonäärien kanssa", vapaan alkoholijuoman rakastajille, idiooteille ja mielialan ihmisille. Näytelmäkirjailija loi satiirisen muotokuvan elämäntavasta, jossa kunnia ja säädyllisyys korvataan hillittömällä rahahalulla. Raha määrää kaiken: hahmojen toiminnot ja käyttäytymisen, heidän ihanteet ja psykologian. Näytelmän keskeinen hahmo on Lydia Cheboksarova, joka asettaa myyntiin sekä kauneutensa että rakkautensa. Hän on välinpitämätön siitä, kuka olla - vaimo tai pidetty nainen. Tärkeintä on valita paksumpi rahalaukku: hänen mielestään "loppujen lopuksi ei voi elää ilman kultaa". Lydian myyntirakkaus hullussa rahassa on sama tapa ansaita rahaa kuin Glumovin mieli näytelmässä Riittää jokaiselle viisaalle. Mutta kyyninen sankaritar, joka valitsee rikkaamman uhrin, on itse typerimmässä asemassa: hän menee naimisiin Vasilkovin kanssa, vieteltyään juorusta kultakaivoksistaan, pettää Telyatevin kanssa, jonka valtio on vain myytti, eikä halveksia Kutsumovin isän hyväilyä, lyöen hänet pois. raha. Näytelmän "suurten rahojen" metsästäjien ainoa antipodi on "jalo" liikemies Vasilkov, joka puhuu rehellisellä työllä ansaitusta, älykkäästä ja älykkäästä "älykkäästä" rahasta. Tämä sankari on uudentyyppinen "rehellinen" porvaristo, jonka Ostrovsky arvaa.

Komedia "Metsä" (1871) on omistettu 1870-luvun suositulle venäläiselle kirjallisuudelle. "jalojen pesien" sukupuuttoon liittyvä aihe, jossa vanhan venäläisen aateliston "viimeiset mohikaanit" asuivat.

"Metsän" kuva on yksi Ostrovskyn tilavimmista symbolisista kuvista. Metsä ei ole vain tausta, jota vasten tapahtumia tapahtuu viiden meripeninkulman päässä lääninkaupungista sijaitsevassa kartanossa. Tämä on sopimusta iäkkään rouvan Gurmyzhskayan ja kauppiaan Vosmibratovin välillä, joka ostaa heidän esi-isänsä köyhtyneiltä aatelistoilta. Metsä on henkisen takavirran symboli: ”Penkan” metsätila ei melkein saa pääkaupunkien herätystä, täällä vallitsee edelleen ”vuosisatainen hiljaisuus”. Symbolin psykologinen merkitys käy selväksi, jos korreloimme "metsän" "jalon metsän" asukkaiden töykeiden tunteiden ja moraalittomien tekojen "villiin", jonka kautta aatelisto, ritarillisuus ja ihmiskunta eivät voi murtautua. “... - Todellakin, veli Arkady, miten päädyimme tähän metsään, tähän tiheään kosteaan metsään? - sanoo tragedia Neschastlivtsev näytelmän lopussa, - Miksi me, veli, pelästytimme pöllöt ja pöllöt? Miksi vaivata heitä! Anna heidän elää haluamallaan tavalla! Kaikki on täällä, veli, kuinka sinun pitäisi olla metsässä. Vanhat naiset menevät naimisiin lukiolaisten kanssa, nuoret tytöt hukuttavat itsensä katkerasta asumisestaan \u200b\u200bsukulaistensa kanssa: metsä, veli ”(D. 5, nimitys IX).

"Metsä" on satiirikomedia. Sarjakuva ilmenee erilaisissa juonetilanteissa ja toimintakäänteissä. Näytelmäkirjailija loi esimerkiksi pienen mutta hyvin ajankohtaisen sosiaalisen pilapiirroksen: melkein Gogolin hahmot - Sobakevichia muistuttava synkkä misantrooppinen maanomistaja Bodaev ja kauniin näköinen kuin Manilov Milonov keskustelevat zemstvojen toiminnasta, joka oli suosittu uudistuksen jälkeisenä aikana. Ostrovskin satiirin pääkohde on kuitenkin ”jalon metsän” elämäntapa ja tavat. Näytelmässä käytetään kokeiltua juoni - tarina köyhästä oppilaasta Aksyushasta, jota tekopyhä "hyväntekijä" Gurmyzhskaya sortaa ja nöyryyttää. Hän toistaa jatkuvasti leskeisyydestään ja puhtaudestaan, vaikka itse asiassa hän onkin julma, iloinen ja turha. Gurmyzhskayan väitteiden ja hänen hahmonsa todellisen olemuksen väliset ristiriidat aiheuttavat odottamattomia koomisia tilanteita.

Ensimmäisessä näytöksessään Gurmyzhskaya järjestää eräänlaisen esityksen: osoittaakseen hyveensä hän kutsuu naapurit allekirjoittamaan tahtonsa. Milonovin mukaan "Raisa Pavlovna koristaa koko maakuntaamme hänen elämänsä vakavuudella; niin sanotusti moraalinen ilmapiirimme on tuoksuva hyveiltään. " "Me kaikki täällä pelkäämme hyveellisyyttäsi", Bodaev toistaa ja muistelee kuinka kuinka monta vuotta sitten he odottivat hänen saapuvan kartanolle. Viidennessä näytelmässä naapurit oppivat odottamattomasta metamorfoosista, joka tapahtui Gurmyzhskayalle. Viisikymmentävuotias nainen, joka puhuu hämmentävästi ennakoinnista ja välittömästä kuolemasta ("jos en kuole tänään, en huomenna, ainakin pian"), ilmoittaa päätöksestään mennä naimisiin koulupoika Alexis Bulanovin kanssa. Hän pitää avioliittoa uhrautumisena "omaisuuden järjestämiseksi ja jotta se ei joutuisi vääriin käsiin". Naapurit eivät kuitenkaan huomaa koomista siirtymässä kuolevasta testamentista avioliittoon "horjumaton hyve" "jaloin lastentarhan lempeän, nuoren haaran" kanssa. ”Tämä on sankarillinen teko! Olet sankaritar! " - Milonov huudahtaa säälittävästi ihailemalla tekopyhää ja turmeltunutta patronia.

Toinen komedia-juoni on tarina tuhannesta ruplaan. Raha kierteli ympäriinsä ja lisäsi tärkeitä yksityiskohtia monenlaisten ihmisten muotokuviin. Kauppias Vosmibratov yritti tasoittaa tuhat maksamalla ostetusta puutavarasta. Neschastlivtsev, joka oli tunnollisesti ja "herättänyt" kauppiaan ("kunnia on loputon. Ja sinulla ei ole sitä"), sai hänet palauttamaan rahat. Gurmyzhskaya antoi "hullun" tuhannen Bulanoville pukeutumisesta, sitten tragedia, uhkaen onnettomia nuoria väärennetyllä pistoolilla, otti tämän rahan ja aikoi supistaa sen Arkady Schastlivtsevin kanssa. Loppujen lopuksi tuhannesta tuli Aksyushan myötäjäinen ja ... palasi Vosmibratoviin.

"Muodonmuuttajan" melko perinteinen koominen tilanne mahdollisti "metsän" asukkaiden synkän sarjakuvan vastustamisen suurella tragedialla. Gurmyzhskayan veljenpoika, säälittävä "koomikko" Neschastlivtsev osoittautui ylpeäksi romanttiseksi, joka katselee tätinsä ja naapureitaan aatelisen miehen silmin järkyttyneenä "pöllöiden ja pöllöiden" kyynisyydestä ja mautonta. Ne, jotka kohtelevat häntä halveksivasti, pitäen häntä häviäjänä ja uudenaikaisena, käyttäytyvät kuin huonot näyttelijät ja katupellit. "Koomikot? Ei, olemme taiteilijoita, jaloja näyttelijöitä, ja sinä olet koomikoita - heittää vihaisesti Neschastlivtsevin kasvoilleen. - Jos rakastamme, rakastamme niin; jos emme rakasta, riidelemme tai taistelemme; jos autamme, niin paljon viimeistä penniäkään työtä. Ja sinä? Koko elämäsi olet puhunut yhteiskunnan hyvistä, rakkaudesta ihmiskuntaan. Mitä olet tehnyt? Keitä he ruokkivat? Keitä he lohduttivat? Sinä vain huvitat itseäsi, sinä huvitat itseäsi. Olette koomikoita, pilkkaajia, älkää meitä ”(D. 5, nimitys IX).

Ostrovsky kohtaa Gurmyzhskyn ja Bulanovin esittämän raakafarsin todella traagisella käsityksellä maailmasta, jota Neschastlivtsev edustaa. Viidennessä näytöksessä satiirikomedia muuttuu: jos aikaisemmin tragedialainen käyttäytyi mielenosoittaisesti "jestereiden" kanssa jesterissä korostaen halveksuntaa heitä kohtaan, pilkkaamalla pahasti heidän tekojaan ja sanojaan, sitten näytelmän finaalissa kohtaus, lakkaamatta olemasta koomisen toiminnan tila, muuttuu traaginen teatteri yhdestä näyttelijästä, joka aloittaa viimeisen monologinsa "jalona" näyttelijänä, joka erehdytään jestariksi, ja päättyy "jaloksi ryöstöksi" F. Schillerin draamasta - Karl Moorin kuuluisilla sanoilla. Schillerin lainaus puhuu jälleen "metsästä", tarkemmin sanoen kaikista "metsien verenhimoisista asukkaista". Heidän sankarinsa haluaa "raivoa tätä infernaalista sukupolvea vastaan", jonka hän kohtasi jaloissa tiloissa. Lainaus, jota Neschastlivtsevin kuuntelijat eivät tunnista, korostaa tapahtuman tragikoomista merkitystä. Kuultuaan monologin Milonov huudahtaa: "Mutta anteeksi, voin vastata sinulle näihin sanoihin!" ”Kyllä, vain poliisille. Olemme kaikki todistajia ”, - kuten kaiku,” komentoon syntynyt ”Bulanov vastaa.

Neschastlivtsev on romanttinen sankari, hänellä on paljon Don Quijotea, "surullisen kuvan ritaria". Hän ilmaisee itsensä pomokkaasti, teatraalisesti, ikään kuin ei uskoisi taistelunsa "tuulimyllyjen" menestykseen. "Missä voit puhua minulle", Neschastlivtsev kääntyy Milonovin puoleen. "Tunnen ja puhun kuin Schiller, ja sinä kuin virkailija." Koomisesti soittaen Karl Moorin juuri puhutut sanat "metsän verenhimoisista asukkaista", hän rauhoittaa Gurmyzhskayaa, joka kieltäytyi antamasta hänelle kättä jäähyväissuudelmasta: "En pure, älä pelkää". Hän voi päästä eroon vain ihmisistä, jotka hänen mielestään ovat pahemmat kuin sudet: ”Käsi, toveri! (Hän antaa kätensä Schastlivtseville ja lähtee). Neschastlivtsevin viimeiset sanat ja eleet ovat symbolisia: hän antaa kätensä toverilleen, "koomikolle", ja kääntyy ylpeänä "jaloisen metsän" asukkaista, joiden kanssa hän ei ole matkalla.

"Metsän" sankari on yksi ensimmäisistä venäläisessä kirjallisuudessa, joka on luokkansa "tuhlaajalapsia". Ostrovsky ei idealisoi Neschastlivtseviä huomauttamalla elämän puutteista: hän, kuten Lyubim Tortsov, ei ole vastenmielinen hauskanpidosta, on taipuvainen huijaamaan, pitää itsensä ylimielisenä herrasmiehenä. Mutta tärkeintä on, että Neschastlivtsev, yksi Ostrovskyn teatterin rakastetuimmista sankareista, ilmaisee korkeita moraalisia ihanteita, jotka jestarit ja fariseukset ovat täysin unohtaneet metsäomaisuudesta. Hänen ajatuksensa ihmisen kunniasta ja ihmisarvosta ovat lähellä tekijää itse. Aivan kuin komedian "peilin" murtaminen, Ostrovsky halusi provinssitragedian huulilla surullisella sukunimellä Neschastlivtsev muistuttaa ihmisiä valheiden ja mautonta vaarasta, joka korvaa tosielämän helposti.

Yksi Ostrovskyn mestariteoksista, psykologinen draama "The Dowry" (1878), kuten monet hänen teoksistaan, on "kauppias". Johtava paikka siinä on näytelmäkirjailijan suosikkimotiivit (raha, kauppa, kauppiaiden "rohkeus"), melkein jokaisessa näytelmässä esiintyvät perinteiset tyypit (kauppiaat, pikkuvirkamies, avioliittoikäinen tyttö ja äiti, jotka yrittävät "myydä" tyttärensä korkeammalla hinnalla, maakunnan näyttelijä ). Juonittelu muistuttaa myös aiemmin käytettyjä juoni: useita kilpailijoita taistelee Larisa Ogudalovan puolesta, joista jokaisella on oma "kiinnostuksensa" tyttöön.

Toisin kuin muut teokset, kuten komedia "Metsä", jossa köyhä oppilas Aksyusha oli vain "tilannehenkilö" eikä osallistunut aktiivisesti tapahtumiin, "Dowryn" sankaritar on näytelmän keskeinen hahmo. Larisa Ogudalova ei ole vain kaunis "juttu", jonka äiti Harita Ignatievna on häpeämättömästi huutokaupannut ja jonka varakkaat kauppiaat ovat ostaneet Bryakhimovin kaupungista. Hän on rikas lahjakas henkilö, ajatteleva, syvästi tunteva, ymmärtäväinen kantansa järjettömyys ja samalla ristiriitainen luonne, yrittäen jahtaa ”kahta lintua yhdellä kivellä”: hän haluaa sekä korkeaa rakkautta että rikkaan, kauniin elämän. Siinä rinnakkain on romanttinen idealismi ja unelmat porvarillisesta onnesta.

Tärkein ero Larisan ja Katerina Kabanovan välillä, joihin häntä usein verrataan, on valinnanvapaus. Hänen on itse tehtävä valintansa: tulla varakkaan kauppiaan Knurovin pidetyksi naiseksi, osallistumaan "loistavan mestarin" Paratovin rohkeaan viihdyttämiseen tai ylpeän tyhjän vaimoksi - virkamieheksi ", jolla on kunnianhimoa" Karandyshev. Bryakhimovin kaupunki, kuten Kalinov ukkosmyrskyssä, on myös kaupunki "Volgan korkealla rannalla", mutta tämä ei ole enää pahan, pikkuvoiman "pimeä valtakunta". Ajat ovat muuttuneet - valaistuneet "uudet venäläiset" Bryakhimovissa eivät mene naimisiin kodittomien naisten kanssa, mutta ostavat. Sankaritar voi itse päättää osallistua neuvotteluihin vai ei. Hänen edessään kulkee koko kosijoiden "paraati". Toisin kuin korvaamaton Katerina, Larisan mielipidettä ei jätetä huomioimatta. Sanalla sanoen "viimeiset ajat", joita Kabanikha pelkäsi niin paljon, tulivat: vanha "järjestys" romahti. Larisan ei tarvitse kerjätä morsiamensa Karandyshevia, sillä Katerina pyysi Borisia ("Ota minut mukaan täältä!") Karandyshev itse on valmis viemään hänet pois kaupungin kiusauksista - syrjäiseen Zabolotyeen, jossa hän haluaa tulla tuomariksi. Suo, jonka äiti kuvittelee paikaksi, jossa metsää, tuulta ja ulvovia susia lukuun ottamatta ei ole mitään, näyttää Larisalle kyläidylliä, eräänlaista soista "paratiisia", "hiljaista kulmaa". Sankaritarin dramaattinen kohtalo kietoutui yhteen historiallisen ja arjen kanssa, täyttymättömän rakkauden tragedia ja filistinen farssi, hienovarainen psykologinen draama ja säälittävä vaudeville. Näytelmän johtava motiivi ei ole ympäristön ja olosuhteiden voima, kuten Ukkosmyrsky, vaan motiivi ihmisen vastuusta omasta kohtalostaan.

"Dowry" on ensisijaisesti draama rakkaudesta: rakkaudesta tuli juoni-juonittelun perusta ja sankaritarin sisäisten ristiriitojen lähde. Rakkaus "myötäjäisessä" on symbolinen, epäselvä käsite. "Etsin rakkautta enkä löytänyt" - niin katkera johtopäätös tekee Larissan näytelmän finaaliin. Hän tarkoittaa rakkautta, myötätuntoa, rakkauden ymmärtämistä, rakkauden sääliä. Larisan elämässä todellinen rakkaus korvattiin myytävänä olevalla rakkaudella, rakkaus on hyödyke. Näytelmän neuvottelut johtuvat juuri hänestä. Vain ne, joilla on enemmän rahaa, voivat ostaa tällaisen "rakkauden". "Eurooppalaisille" kauppiaille Knuroville ja Vozhevatoville Larisan rakkaus on ylellisyystuote, joka ostetaan sisustamaan elämäsi "eurooppalaisella" tyylikkäällä. Näiden Dikiyn "lasten" hellyys ja varovaisuus eivät ilmene epäitsekkäinä väärinkäytöksinä penniäkään, vaan ruma rakkaudessa.

Sergei Sergeevich Paratov, kaikkein ylellisin ja huolimattomin näytelmässä kuvattujen kauppiaiden joukossa, on parodia. Tämä on "kauppias Pechorin", sydäntappaja, joka haluaa melodramaattisia vaikutuksia. Hän pitää suhdettaan Larisa Ogudalovaan rakkauskokeiluksi. "Haluaisin tietää, unohtaako nainen pian intohimoisen rakkaansa: seuraavana päivänä eron jälkeen hänestä, viikon tai kuukauden kuluttua", Paratov myöntää. Rakkaus on hänen mielestään sopiva vain "kotikäyttöön". Paratovin oma "ratsastus rakkauden saarelle" myötäjäisen Larisan kanssa oli lyhytaikainen. Hänet korvattiin meluisalla mustalaismarsilla ja avioliitolla rikkaan morsiamen kanssa, tarkemmin sanottuna hänen myötäjäisensä - kultamiinojen kanssa. ”Minulla, Mokiy Parmenychilla, ei ole mitään vaalia; Löydän voittoa, joten myyn kaiken, mitä vain ”- tämä on Paratovin, uuden" aikamme sankarin "elämän periaate, jolla on muodikkaan myymälän rikkoutuneen virkailijan tapoja.

Larisan sulhanen, "eksentrinen" Karandyshev, josta tuli hänen tappaja, on säälittävä, koominen ja samalla synkkä henkilö. Se sekoitettiin absurdi yhdistelmä eri näyttämökuvien "värejä". Tämä on karikaturoitu Othello, parodia "jalo" ryöstö (pukuillalla "hän pukeutui ryöstöksi, otti kirveen käsissään ja heitti julmia katseita kaikille, etenkin Sergei Sergeichille") ja samalla "filistinen aatelisto". Hänen ihanteensa on "musiikkivaunu", ylellinen huoneisto ja illalliset. Tämä on kunnianhimoinen virkamies, joka pääsi mellakalle kauppiaille, missä hän sai ansaitsemattoman palkinnon - kauniin Larissan. Lyubov Karandyshev, "ylimääräinen" sulhanen, on rakkauden turhamaisuus, rakkauden suojaus. Hänelle Larisa on myös "asia", jolla hän ylpeilee esittäen koko kaupungin. Näytelmän sankaritar itse kokee rakkautensa nöyryytykseksi ja loukkaukseksi: "Kuinka inhottava olet minulle, jos vain tietäisit! ... Minulle vakavin loukkaus on suojeluksesi; En ole koskaan saanut muita loukkauksia keneltäkään. "

Karandyshevin ulkonäössä ja käyttäytymisessä esiintyvä pääpiirre on melko "tšehhovilainen": se on mautonta. Juuri tämä ominaisuus antaa virkamiehen hahmolle synkän, pahaenteisen maun huolimatta hänen keskinkertaisuudestaan \u200b\u200bverrattuna muihin rakkaustarjouksen osallistujiin. Larisaa ei tappaa provinssin "Othello", ei säälittävä koomikko, joka vaihtaa helposti naamiot, vaan hänessä oleva ruumiillisuus, joka - valitettavasti! - tuli sankaritarille ainoa vaihtoehto rakkauden paratiisille.

Yksikään psykologinen piirre Larisa Ogudalovassa ei ole saatu päätökseen. Hänen sielunsa on täynnä pimeitä, epämääräisiä impulsseja ja intohimoja, joita hän itse ei täysin ymmärrä. Hän ei pysty tekemään valintaa, hyväksymään tai kiroamaan maailmaa, jossa hän asuu. Itsemurhaa ajatellen Larisa ei koskaan voinut heittää itseään Volgaan, kuten Katerina. Toisin kuin Myrskyn traaginen sankaritar, hän on vain osallinen mautonta draamaa. Näytelmän paradoksi on se, että Larissan tappanut vulgaarisuus teki hänestä elämänsä viimeisinä hetkinä myös traagisen sankaritarin, joka nousi kaikkien hahmojen yläpuolelle. Kukaan ei rakastanut häntä niin paljon kuin hän olisi halunnut - hän kuolee anteeksiannon ja rakkauden sanoilla lähettämällä suukon ihmisille, jotka melkein saivat hänet luopumaan elämänsä tärkeimmästä asiasta - rakkaudesta: “Sinun täytyy elää, mutta minä tarvitsen ... kuole. En valittele ketään, en loukkaa ketään ... olette kaikki hyviä ihmisiä ... rakastan teitä kaikkia ... kaikkia ... ”(Lähettää suudelman). Tähän sankaritarin viimeiseen traagiseen huokaukseen vastasi vain ”mustalaisten kovakuoro”, symboli koko ”mustalaisesta” elämäntavasta, jossa hän asui.