1800-luvun parhaat säveltäjät. Erinomaisten venäläisten ja ulkomaisten säveltäjien luovuus

Termi "säveltäjä" esiintyi ensimmäisen kerran Italiassa 1500-luvulla, ja siitä lähtien sitä on käytetty merkitsemään musiikin säveltämiseen osallistuvaa henkilöä.

1800-luvun säveltäjät

1800-luvulla wieniläistä musiikkikoulua edusti niin merkittävä säveltäjä kuin Franz Peter Schubert. Hän jatkoi romantiikan perinnettä ja vaikutti säveltäjien sukupolveen. Schubert on luonut yli 600 saksalaista romanssia, viemällä tämän tyylilajin uudelle tasolle.

Franz Peter Schubert

Toinen itävaltalainen, Johann Strauss, tuli tunnetuksi opereteistaan \u200b\u200bja kevyistä tanssihahmojen muodoistaan. Se teki hänestä valssin suosituimman tanssin Wienissä, jossa palloja pidetään edelleen. Lisäksi hänen perintöönsä kuuluvat polkat, kvadrillit, baletit ja operetit.

Johann Strauss

Merkittävä modernismin edustaja 1800-luvun lopun musiikissa oli saksalainen Richard Wagner. Hänen oopperansa eivät ole menettäneet merkitystään ja suosiotaanan tähän päivään saakka.

Giuseppe Verdi

Wagneria voidaan verrata italialaisen säveltäjän Giuseppe Verdin majesteettiseen hahmoon, joka pysyi uskollisena oopperaperinteille ja antoi italialaiselle oopperalle uuden hengen.

Peter Iljitš Tšaikovski

1800-luvun venäläisten säveltäjien joukossa erottuu Pjotr \u200b\u200bIlyich Tšaikovskin nimi. Hänelle on ominaista ainutlaatuinen tyyli, jossa yhdistyvät eurooppalaiset sinfoniset perinteet Glinkan venäläiseen perintöön.

1900-luvun säveltäjät

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Sergei Vasilievich Rachmaninovia pidetään oikeutetusti yhtenä 1800-luvun lopun - 1900-luvun alkupuolen kirkkaimmista säveltäjistä. Hänen musiikkityylinsä perustui romantiikan perinteisiin ja oli olemassa avantgarde-liikkeiden rinnalla. Kriitikot kaikkialla maailmassa arvostivat hänen työnsä yksilöllisyyden ja analogien puutteen vuoksi.

Igor Fedorovich Stravinsky

1900-luvun toiseksi tunnetuin säveltäjä on Igor Fjodorovich Stravinsky. Venäläinen alkuperänsä perusteella hän muutti Ranskaan ja sitten Yhdysvaltoihin, missä hän osoitti kykynsä täydellä voimalla. Stravinsky on innovaattori, joka ei pelkää kokeilla rytmejä ja tyylejä. Hänen teoksessaan seurataan venäläisten perinteiden, erilaisten avantgarde-liikkeiden elementtejä ja yksilöllistä yksilöllistä tyyliä, josta häntä kutsutaan "Picasso musiikissa".

Kaikkia tässä artikkelissa käsitellyistä säveltäjistä voidaan helposti kutsua kaikkien aikojen suurimmaksi klassisen musiikin säveltäjäksi.

Vaikka vuosisatojen aikana luotua musiikkia on mahdotonta verrata, kaikki nämä säveltäjät erottuvat hyvin selvästi aikalaistensa taustalla. Teoksissaan he pyrkivät laajentamaan klassisen musiikin rajoja ja saavuttamaan siinä uudet korkeudet, joita ei ole vielä saavutettu.

Kaikki alla olevat luettelossa olevat klassisen musiikin suuret säveltäjät ovat ensiarvoisen arvoisia, joten luettelo ei ole esitetty säveltäjän tärkeyden mukaan, vaan tietojen muodossa tarkistettavaksi.

Maailman klassikoille Beethoven on erittäin merkittävä hahmo. Yksi eniten esiintyneitä säveltäjiä maailmassa. Hän sävelsi teoksensa ehdottomasti kaikissa aikansa olemassa olevissa genreissä. Se on musiikin romantiikan aikakauslehti. Instrumentaaliteokset tunnustetaan merkittävimmäksi koko Ludwig van Beethovenin jättämästä perinnöstä.

Suurin säveltäjä ja urkuri maailman musiikkihistoriassa. on barokin aikakauden edustaja. Koko elämänsä aikana hän kirjoitti yli tuhat teosta, mutta elinaikanaan vain noin tusina julkaistiin. Hän työskenteli kaikissa aikansa genreissä oopperaa lukuun ottamatta. Hän on musiikin tunnetuimman Bach-dynastian perustaja.

Säveltäjällä ja kapellimestarilla, virtuoosisella viulistilla ja urkurilla Itävallasta, oli uskomaton musiikkimuisti ja hämmästyttävä korva. Hän alkoi luoda jo varhaisesta iästä lähtien ja menestyi kaikilla musiikin lajeilla, minkä vuoksi hänet on perustellusti tunnustettu yhdeksi historian suurimmista klassisen musiikin säveltäjistä.

Kirjoittaja ei koskaan valmistanut Mozartin salaperäisintä ja salaperäisintä teosta - "Requiem". Syynä tähän oli äkillinen kuolema 35-vuotiaana. Opiskelijan Franz Susmeierin suorittama Requiem-työ.

Suuri saksalainen säveltäjä, näytelmäkirjailija, kapellimestari ja filosofi. Hänellä oli valtava vaikutus modernismiin ja koko eurooppalaiseen kulttuuriin 1800- ja 1900-lukujen vaihteessa.

Baijerin Ludwig II: n tilauksesta Bayreuthiin rakennettiin oopperatalo Wagnerin ajatusten mukaisesti. Se oli tarkoitettu yksinomaan säveltäjän teoksille. Wagnerin musiikkidraamat juoksevat siinä tähän päivään saakka.

Venäläinen säveltäjä, kapellimestari ja musiikkikriitikko on yksi parhaista melodisteista maailmassa. Hänen työnsä on antanut valtavan panoksen maailman klassikkojen kehitykseen. Klassisen musiikin ystävien joukossa hän on erittäin suosittu säveltäjä. Teoksissaan Pjotr \u200b\u200bIlyich Tšaikovski yhdisti onnistuneesti länsimaisten sinfonioiden tyylin venäläisten perinteiden kanssa.

Suuri säveltäjä Itävallasta, kapellimestari, viulisti ja kaikkien maailman kansojen tunnustama "valssin kuningas". Hänen työnsä oli omistettu kevyelle tanssimusiikille ja operetille. Hänen perinnössään on yli viisisataa valsseja, kvadrillia, polkaa, ja siellä on myös useita operetteja ja baletteja. 1800-luvulla Straussin ansiosta valssi sai uskomattoman suosion Wienissä.

Italialainen säveltäjä, virtuoosinen kitaristi ja viulisti. Erittäin kirkas ja epätavallinen persoonallisuus musiikkihistoriassa, hän on tunnustettu nero maailman musiikkitaiteessa. Tämän suuren miehen luovuus peitettiin jonkinlaisella mysteerillä, Paganinin itsensä ansiosta. Hän löysi teoksistaan \u200b\u200buusia, aiemmin tuntemattomia viulutekniikoita. Hän on myös yksi musiikin romantiikan perustajista.

Kaikilla näillä klassisen musiikin suurilla säveltäjillä on ollut erittäin suuri vaikutus sen kehitykseen ja edistämiseen. Heidän musiikkinsa, jonka aika ja kokonaiset sukupolvet ovat testanneet, on tänään kysytty, kenties jopa paljon enemmän kuin heidän elinaikanaan. He loivat kuolemattomia teoksia, jotka elävät edelleen ja siirtyvät seuraavalle sukupolvelle kantamalla tunteita ja tunteita, jotka saavat sinut ajattelemaan ikuista.

Joten Ludwig van Beethoven on tunnustettu yhdeksi kolmannen vuosisadan suurimmista säveltäjistä. Hänen teoksensa jättävät syvän jäljen hienostuneimpien kuuntelijoiden sieluihin ja mieliin. Todellinen menestys kerralla oli säveltäjän 9. d-molli-sinfonian ensiesitys, jonka finaalissa kuuluisan kuoro "Oodi ilolle" Schillerin tekstille. Yksi nykyaikaisista elokuvista tarjoaa hyvän montaation koko sinfoniasta. Muista tarkistaa se!

L. van Beethovenin sinfonia nro 9 d-molli (videoeditointi)

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Sergei Vasilievich Rachmaninoff on venäläinen säveltäjä, pianisti ja kapellimestari.

4 konserttia, "Rapsodia Paganinin teemalla" (1934) pianolle ja orkesterille, preludeja, etydimaalauksia pianolle, 3 sinfoniaa (1895-1936), fantasia "Cliff" (1893), runo "Kuolleiden saari" (1909), Sinfoniset tanssit orkesterille, kantaatti Spring (1902), runo Kellot (1913) kuorolle ja orkesterille, ooppera Aleko (1892), Ahne ritari, Francesca da Rimini (molemmat 1904), romansseja.

Säveltäjä ja virtuoosi pianisti Sergei Vasilyevich Rachmaninoffin teoksessa venäläisen ja eurooppalaisen taiteen perinteet yhdistyvät harmonisesti. Useimmille muusikoille ja kuuntelijoille Rachmaninoffin sävellykset ovat Venäjän taiteellinen symboli. Kotimaan teema esiintyy erityisen voimakkaasti Sergei Rachmaninoffin työssä. Romanttinen paatos yhdistetään hänen musiikissaan lyriikan ja mietiskelyn tunnelmiin, ehtymätöntä melodista rikkautta, leveyttä ja hengitysvapautta - rytmiseen energiaan. Rachmaninoffin musiikki on tärkeä osa Euroopan myöhäisromantiikkaa. Vuoden 1917 jälkeen Rachmaninoff joutui elämään ulkomailla - Sveitsissä ja Yhdysvalloissa. Hänen säveltämisestä ja erityisesti esiintymisestä tuli ilmiö, jota ilman on mahdotonta kuvitella lännen kulttuurielämää 20-40-luvulla. XX vuosisata.

Rachmaninoffin perintö sisältää oopperoita ja sinfonioita, kamari- ja kuoromusiikkia, mutta säveltäjä kirjoitti ennen kaikkea pianolle. Hän halusi voimakasta, monumentaalista virtuoosia, yritti verrata pianon värejä sinfoniaorkesteriin.

Rachmaninoffin työ yhdistää eri aikakausia ja kulttuureja. Se antaa venäläisten muusikoiden tuntea syvällisen yhteyden eurooppalaisiin perinteisiin, ja länsimaisille muusikoille Rachmaninov avaa Venäjän - osoittaa sen todelliset hengelliset rikkaudet.

Richard Strauss

Richard Strauss on myöhäisromantismin aikakauden saksalainen säveltäjä, erityisesti kuuluisa sinfonisista runoistaan \u200b\u200bja oopperoistaan. Hän oli myös erinomainen kapellimestari.

Richard Straussin tyyliin vaikuttivat vakavasti Chopinin, Schumannin, Mendelssohnin teokset. Richard Wagnerin musiikin vaikutuksesta Strauss kääntyi oopperaan. Ensimmäinen tällainen teos on Guntram (1893). Tämä on romanttinen pala; hänen musiikillinen kielensä on yksinkertainen, melodiat ovat kauniita ja melodisia.

Vuodesta 1900 lähtien oopperasta on tullut Richard Straussin työn johtava tyylilaji. Säveltäjän teokset erottuvat musiikkikielen yksinkertaisuudesta ja selkeydestä, niissä kirjoittaja käytti jokapäiväisiä tanssilajeja.

Straussin luova toiminta kesti yli seitsemänkymmentä vuotta. Säveltäjä aloitti myöhään romantikkona, sitten tuli ekspressionismiin ja lopulta kääntyi uusklassismiin.

Alexander Nikolaevich Scriabin

Lapsuudesta lähtien häntä kiinnosti pianon äänet. Ja kolmen vuoden ikäisenä hän istui jo tuntikausia instrumentin luona ja kohteli sitä elävänä olentona. Valmistuttuaan Moskovan konservatoriosta Aleksanteri alkoi antaa konsertteja ja opettaa, mutta halu säveltää oli vahvempi. Hän alkaa säveltää ja hänen teoksensa tulevat välittömästi muiden pianistien ohjelmistoihin.

"Taiteen tulisi olla juhlallista", hän sanoi, "pitäisi kohottaa, lumoaa". Itse asiassa hänen musiikkinsa osoittautui niin rohkeaksi, uudeksi ja epätavalliseksi, että hänen toisen sinfoniansa esitys 21. maaliskuuta 1903 Moskovassa muuttui luonnolliseksi skandaaliksi. Joku ihaili, joku ampui ja vihelteli ... Mutta Scriabin ei ollut hämmentynyt: hän tunsi olevansa messias, uuden uskonnon - taiteen - julistaja. Hän uskoi sen muuttuvaan voimaan. Hän ajatteli tuolloin muodikasta planeetan mittakaavassa. Scriabinin mystinen filosofia heijastuu hänen musiikkikielessään, erityisesti innovatiivisessa harmoniassa, joka ylittää paljon perinteisen tonaalisuuden rajat.

Scriabin haaveili uudesta synteettisestä tyylilajista, jossa paitsi äänet ja värit, myös tanssin hajut ja muovit sulautuvat. Suunnitelma jäi kuitenkin keskeneräiseksi. Skriabin kuoli Moskovassa 14. huhtikuuta 1915. Hänen elämänsä, neron elämä, oli lyhyt ja kirkas.

Sergei Prokofjev

Sergei Prokofiev on venäläinen ja Neuvostoliiton säveltäjä, yksi 1900-luvun tunnetuimmista säveltäjistä.

"Säveltäjän" määritelmä oli Prokofjeville yhtä luonnollinen kuin "ihminen".

Prokofjevin musiikissa voi kuulla tyypillisen Prokofjevin terävän ristiriitaisen harmonian, joustavan rytmin, tarkoituksellisen kuivan, rohkean moottorin. Kritiikki reagoi välittömästi: "Nuori kirjailija, joka ei ole vielä suorittanut taiteellista koulutustaan \u200b\u200bja kuuluu modernistien äärimmäiseen suuntaan, menee rohkeudessaan paljon pidemmälle kuin moderni ranska."

Monet nuoren Prokofjevin aikalaiset ja jopa hänen työnsä tutkijat jättivät huomiotta hänen musiikissaan "lyyrisen virran", tiensä läpi terävien-satiiristen, groteskisten, sarkastisten kuvien, tarkoituksellisen töykeiden, raskas rytmien kautta. Ja heitä on paljon, nämä lyyriset, ujo intonaatiot pianosyklissä "Fleetingness" ja "Sarkasm", toisen sonaatin ensimmäisen osan sivuteemassa, romansseissa Balmontin, Apukhtinin, Akhmatovan jakeisiin.

Prokofjevista voidaan sanoa: suuri muusikko löysi paikkansa elämän suurten muuttajien joukossa.

Mily Balakirev

Miliy Balakirev - venäläinen säveltäjä, pianisti, kapellimestari (1836 / 37-1910)

Muodostettiin "Mighty Handful" - samanmielisten ihmisten yhteisö, joka antoi hämmästyttävän paljon venäläistä musiikkia.

Balakirevin johtajuutta piirissä helpotti hänen moitteeton maku, selkeä analyyttinen mieli ja tieto valtavasta määrästä musiikkimateriaalia. Tunnelma vallitsi ympyrässä, jonka yksi tuon ajan kriitikoista ilmaisi: "Musiikki voi liikuttaa vuoria." Balakirevin luonto oli erittäin energinen ja viehättävä. Piirissä hän otti nopeasti järjestäjän roolin.

Hän kohteli ympyrää eräänlaisena luovuutena: hän loi "vaikuttamalla" nuoriin säveltäjiin. Heistä hän sävelsi Venäjän tulevan musiikkipaletin.

Vähitellen ajatus vapaasta musiikkikoulusta tuli Balakireville.

Vuonna 1862 ilmainen musiikkikoulu avasi ensimmäisen konsertin. Balakirev esiintyi sinfoniaorkesterin kapellimestarina.

Hän itse oli kirjoittanut paljon, mutta hän ei tuntenut luovaa tyydytystä luomastaan. Kuten Caesar Cui kirjoitti, "kuolemaansa asti hän sanoi, että vain se, mitä kirjoitimme hänen siipensä alla, oli hyvää".

Glazunov Alexander Konstantinovich

Alexander Glazunov - venäläinen ja Neuvostoliiton säveltäjä (1865-1936)

Glazunov on yksi suurimmista venäläisistä säveltäjistä 1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa. Jatkamalla Mighty Handfulin ja Tšaikovskin perinteitä, hän yhdisti teoksessaan venäläisen musiikin lyyriset-eepiset ja lyyris-dramaattiset haarat. Glazunovin luovassa perinnössä yksi tärkeimmistä paikoista kuuluu eri tyylilajien sinfoniseen musiikkiin. Se heijastaa venäläisen eepoksen sankarikuvia, alkuperäiskansan kuvia, venäläistä todellisuutta, slaavilaisten ja itäisten kansojen laulua. Glazunovin teokset erottuvat musiikkiteemojen helpotuksesta, orkesterin täydellisestä ja selkeästä äänestä, moniäänisen tekniikan laajasta käytöstä (hän \u200b\u200bkäytti samanaikaisesti eri aiheiden ääntä, yhdistelmä jäljitelmää ja variaatiokehitystä). Glazunovin parhaiden teosten joukossa on myös konsertto viululle ja orkesterille (1904).

Glazunovin panos kamari-instrumentaalimusiikissa sekä balettilajissa (Raymonda. 1897, jne.) On merkittävä. Tšaikovskin perinteitä noudattaen Glazunov syvensi musiikin roolia baletissa rikastamalla sen sisältöä. Glazunov omistaa sovituksia venäläisistä, tšekkiläisistä, kreikkalaisista virsistä ja kappaleista. Hän valmisti oopperan "Prinssi Igor" yhdessä Rimsky-Korsakovin kanssa, nauhoitti Borodinin kolmannen sinfonian ensimmäisen osan muistista. Osallistui M.I.Glinkan teosten julkaisun valmisteluun. Orkestroi Marseillaisen (1917), useita venäläisten ja ulkomaisten säveltäjien teoksia.

Nikolay Yakovlevich Myaskovsky

Nikolai Myaskovsky - venäläinen ja Neuvostoliiton säveltäjä (1881-1950).

Yhdessä Prokofjevin ja Stravinskin kanssa Nikolai Yakovlevich Myaskovsky kuului säveltäjiin, jotka heijastivat Venäjän luovaa älymystöä vallankumousta edeltävänä aikana. He saapuivat lokakuun jälkeiseen Venäjään vanhojen asiantuntijoiden oikeuksilla, ja nähdessään ympärillään omalaatuista vastaan \u200b\u200bkohdistuneen terrorin, he eivät päässeet eroon kompleksien tunnelmasta. Siitä huolimatta he loivat rehellisesti (tai melkein rehellisesti) heijastamalla ympäröivää todellisuutta.

Tuon ajan lehdistö kirjoitti: ”Kaksikymmentäseitsemäs sinfonia on Neuvostoliiton taiteilijan teos. Et unohda sitä hetkeksi. " Häntä pidetään Neuvostoliiton sinfoniakoulun johtajana. Myaskovskyn musiikkiteokset heijastavat heidän aikaaan. Hän kirjoitti yhteensä 27 sinfoniaa, 13 kvartettia, 9 pianosonaattia ja muita teoksia, joista monista tuli maine Neuvostoliiton musiikissa. Säveltäjälle oli ominaista älyllisten ja emotionaalisten periaatteiden yhdistyminen. Myaskovskyn musiikki on omaperäistä, leimaa ajatuksen keskittyminen ja samalla intohimojen voimakkuus. Meidän aikanamme voidaan suhtautua eri tavalla N. Myaskovskyn työhön, mutta epäilemättä kaksikymmentäseitsemän hänen sinfoniansa heijastivat täysin täysin Neuvostoliiton elämää.

Nikolay Rimsky-Korsakov

Nikolai Rimsky-Korsakov - venäläinen säveltäjä (1844-1908)

Lähes kokonaan 1800-luvulle kuuluvan suuren säveltäjän N. Rimsky-Korsakovin teos on kuin neulan lävistys 1900-luvulle: hän asui ja työskenteli tällä vuosisadalla kahdeksan vuotta. Säveltäjä yhdistää sillan tavoin kaksi vuosisataa maailmanmusiikkia. Rimsky-Korsakovin hahmo on mielenkiintoinen myös siksi, että hän oli lähinnä itseopettaja.

Georgy Vasilievich Sviridov

Georgy Vasilyevich Sviridov - Neuvostoliiton säveltäjä, pianisti (1915-1998).

Georgy Sviridovin musiikki on yksinkertaisuutensa vuoksi helppo erottaa muiden säveltäjien teoksista. Mutta tämä yksinkertaisuus muistuttaa enemmän lakonismia. Sviridovin musiikilla on vaatimaton ilmeikkyys, mutta se on pohjimmiltaan ilmeikäs eikä muodoltaan värjätty kaikenlaisilla herkkuilla. Hänellä on rikas sisäinen maailma, hänen aidot tunteensa ovat hillittyjä ... Sviridovin musiikki on helppo ymmärtää, mikä tarkoittaa, että se on kansainvälistä, mutta samalla syvästi isänmaallista, koska Isänmaan teema kulkee hänen läpi kuin punainen lanka. G. Sviridov, opettajansa D.Shostakovichin mukaan, "ei ole koskaan kyllästynyt keksimään uutta musiikkikieltä", etsimään "uusia ilmaisukeinoja". Siksi häntä pidetään yhtenä 1900-luvun mielenkiintoisimmista kirjoittajista.

Usein G.Sviridov tunnettiin säveltäjänä, jonka lauluteoksia on vaikea esittää. Vuosikymmenien ajan musiikki on kerääntynyt hänen luoviin varastoihinsa odottaen esiintyjiä. Perinteinen esitystapa Sviridovin musiikille ei usein sopinut; säveltäjä itse sanoi, että laulumusiikin uutuus ja monimutkaisuus johtuu siitä, että itse puhetta parannetaan jatkuvasti. Tässä suhteessa hän muisteli vanhoja, aikanaan kuuluisia ja muodikkaita aikanaan näyttelijöitä ja runoilijoita. "Tänään, - väitti Sviridov, - he eivät tee niin vahvaa vaikutelmaa meihin. Heidän puheensa näyttää meille joko tavalliselta, joskus hienolta, joskus liian yksinkertaiselta. Runoilija Igor Severyanin oli moderni sekä kuviltaan että sanastoiltaan, ja nyt hänet pidetään museona. " Puheen uudet piirteet häiritsivät usein laulajia, mutta Sviridovin mukaan työn tulisi olla tässä suunnassa.

Ehkä kukaan ennen Sviridovia ei tehnyt niin paljon laululajien - oratorion, kantaatin, kuoron, romanssin - kehittämisen ja rikastamisen puolesta ... Tämä tuo G. Sviridovin johtavien säveltäjien joukkoon paitsi venäläisellä myös globaalilla tasolla.

Stravinsky Igor Fjodorovich

Stravinsky Igor Fedorovich - venäläinen säveltäjä, kapellimestari (1882-1971).

Stravinsky vietti suurimman osan elämästään Venäjän ulkopuolella, mutta ei koskaan lakannut olemasta venäläinen säveltäjä. Hän ammenti inspiraatiota venäläisestä kulttuurista ja venäjän kielestä. Ja hän sai todella maailmanlaajuisen maineen. Stravinskin nimi oli ja pysyy niidenkin korvissa, jotka eivät juurikaan kiinnosta musiikkia. Hän tuli 1900-luvun musiikkikulttuurin maailmanhistoriaan suurena mestarina yhdistämällä modernisuuden ja antiikin antiikin musiikilliset perinteet.

Stravinskyn teokset rikkoivat vakiintuneen kehyksen, muuttivat suhtautumista kansanperinteeseen. He auttoivat ymmärtämään, kuinka modernismin prismassa havaittu kansanlaulu herää eloon säveltäjän käsissä. Stravinskyn kaltaisten säveltäjien ansiosta 1900-luvun lopulla kansanperinteen arvostus nousi ja etnomusiikki kehittyi.

Yhteensä säveltäjä kirjoitti balettiteatterille kahdeksan orkesteripartituuria: "Tulilintu", "Petrushka", "Kevään riitti", "Apollo Musaget", "Keiju Kiss", "Pelikortit", "Orpheus", "Agon". Hän loi myös kolme balettikappaletta laulamalla: "Baika", "Pulcinella", "Les Noces".

Taneev Sergei Ivanovich

romantiikka musikaali impressionismi

Taneev Sergei Ivanovich - venäläinen säveltäjä, pianisti, opettaja (1856-1915).

Tämän suuren muusikon ja opettajan nimi mainitaan harvoin tänään, mutta tarkemmin tarkasteltuna se herättää aitoa kunnioitusta. Hänestä ei tullut kuuluisa säveltäjänä, mutta hän omisti koko elämänsä Moskovan konservatorioon, kouluttanut epäilemättä erinomaisia \u200b\u200bmuusikoita, kuten S. Rachmaninov, A. Scriabin, N. Medtner, R. Glier, K. Igumnov ja muut. P. Tšaikovskin opiskelija S. Tanejev loi koko koulun, joka erottaa venäläiset ja Neuvostoliiton säveltäjät säveltäjistä kaikkialla maailmassa. Kaikki hänen oppilaansa jatkoivat Taneevin sinfonian perinteitä. Monet tunnetut ihmiset 1800- ja 1900-lukujen vaihteessa, kuten Leo Tolstoi, kutsuivat häntä ystävällensä ja pitivät kunniana kommunikoida hänen kanssaan.

Tanejevia voidaan verrata Sokratesiin, joka kirjoittamatta vakavia filosofisia teoksia jätti taakseen lukuisia opiskelijoita.

Tanejev kehitti monia musiikkiteorioita, loi ainutlaatuisen teoksen "Tiukan kirjoituksen liikkuva kontrapiste" (1889-1906) ja sen jatko-osan "Opettaminen Canonista" (90-luvun loppu-1915). Jokainen taiteilija, joka on antanut henkensä taiteelle, unelmoi, että jälkeläiset eivät unohda hänen nimeään. Elämänsä viimeisinä vuosina Tanejev oli hyvin huolissaan siitä, että hän kirjoitti muutamia teoksia, jotka olisivat syntyneet inspiraatiosta, vaikka hän kirjoitti paljon ja intensiivisesti. Vuosina 1905-1915 hän kirjoitti useita kuoro- ja laulusyklejä, kamari-instrumentaalikappaleita.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich

Dmitry Dmitrievich Shostakovich - Neuvostoliiton säveltäjä, pianisti (1906-1975).

Shostakovich oli epäilemättä 1900-luvun suurin säveltäjä ja on edelleen. Hänen läheisyytensä tuntevat aikalaiset väittivät, että hän perusteli jotain tällaista: miksi vaivautua, jos jälkeläiset tietävät sinusta edelleen musiikkiteoksista? Shostakovich ei pahentanut suhteita viranomaisiin. Mutta musiikissa hän protestoi henkilökohtaista väkivaltaa vastaan.

Hän kirjoitti sinfonian nro 7 (omistettu Leningradin saartoon).

Shostakovich näki omin silmin: kuinka ihmiset kuolevat, kuinka lentokoneet ja pommit lentävät, hän yritti teoksessa "Sinfonia nro 7" heijastaa kaikkia ihmisten kokemia tapahtumia.

Esittänyt Leningradin radiokomitean Suuren sinfoniaorkesterin sinfonian. Saarton päivinä monet muusikot kuolivat nälkään. Harjoitukset peruutettiin joulukuussa. Kun he jatkoivat maaliskuussa, vain 15 heikentynyttä muusikkoa pystyi soittamaan. Tästä huolimatta konsertit alkoivat huhtikuussa. Toukokuussa kone toimitti sinfonian partituurin piiritetylle kaupungille. Orkesterin täydentämiseksi puuttuvat muusikot lähetettiin edestä.

Šostakovitš vastasi fasistiseen hyökkäykseen sinfonialla nro 7 (1941), joka oli omistettu Leningradin kaupungille ja joka sai maailmanlaajuisen tunnustuksen fasismin torjunnan symbolina.

Impressionismi

1800-luvun viimeisellä kolmanneksella ilmestyi uusi suuntaus - impressionismi (ranskalainen impressionisme, vaikutelmasta - "vaikutelma"), aluksi se ilmestyi ranskalaisessa maalauksessa. Impressionistiset muusikot pyrkivät välittämään hienovaraisia \u200b\u200bja monimutkaisia \u200b\u200baistimuksia, etsivät äänen hienosäätöä. Siksi he olivat lähellä kirjallista symboliikkaa (XIX vuosisadan 70-luvut - XIX vuosisadan 10 vuotta), joka myös syntyi Ranskasta.

Symbolistit tutkivat tuntemattomia ja salaperäisiä aloja, yrittivät tuntea "ihanteellisen maailman", joka on piilotettu todellisuuden suojaan. Impressionistiset säveltäjät kääntyivät usein symbolismin runouteen ja draamaan.

Musiikillisen impressionismin perustaja on ranskalainen säveltäjä, pianisti ja kapellimestari Claude Debussy (1862-1918). Harmonia (melodian sijaan) nousi esiin hänen teoksessaan, tärkeä rooli annettiin orkesterin äänen kirkkaudelle. Tärkeimmät olivat äänen vivahteet, jotka, kuten maalauksessa, heijastivat mielialojen, tunteiden ja vaikutelmien sävyjä.

Säveltäjät pyrkivät palaamaan harmonioiden selkeyteen, melodioiden ja muotojen yksinkertaisuuteen, musiikkikielen kauneuteen ja saavutettavuuteen. He kääntyivät polyfoniaan, elvyttivät cembalo-musiikkia.

Max Reger

Myöhäisromantiikan ja uusklassismin piirteet yhdistettiin saksalaisen säveltäjän ja kapellimestarin Max Regerin teoksessa. Hän kirjoitti urkuille, orkesterille, pianolle, viululle, alttoviuluille, kamariyhtyeille. Reger yritti ymmärtää 1700-luvun perinnön, erityisesti Johann Sebastian Bachin kokemuksen, ja kääntyi teoksissaan menneen ajan musiikkikuviin. Koska ihminen on ollut XIX-XX vuosisadan vaihteessa, Reger kyllästää musiikkia alkuperäisillä harmonioilla ja epätavallisilla sävyillä.

Uusklassismi

Uusklassismista on tullut yksi 1800-luvun romanttisen perinteen ja siihen liittyvien virtausten (impressionismi, ekspressionismi, verismi jne.) Vastakohtia. Lisäksi kiinnostus kansanperinnettä kohtaan lisääntyi, mikä johti koko tieteenalan - etnomusikologian - luomiseen, joka tutkii musiikillisen kansanperinteen kehitystä ja vertaa musiikki- ja kulttuuriprosesseja maailman eri kansoissa. Jotkut kääntyvät muinaisten kulttuurien alkuperään (Karl Orff) tai luottavat kokonaan kansanmuseoon (Leos Janacek, Bela Bartok, Zoltan Kodai). Samalla säveltäjät jatkavat aktiivista kokeilemista sävellyksissään ja löytävät harmonisen kielen, kuvien ja rakenteiden uusia puolia ja mahdollisuuksia.

1800-luvun esteettisten periaatteiden kaatuminen, uuden vuosisadan alkupuolen poliittinen ja taloudellinen kriisi, omituisella tavalla, myötävaikuttivat uuden synteesin muodostumiseen, joka johti muun tyyppisten taiteiden tunkeutumiseen musiikkiin: maalaukseen, grafiikkaan, arkkitehtuuriin, kirjallisuuteen ja jopa elokuviin. Yleiset lait, jotka ovat dominoineet säveltäjän käytäntöä I.S. Bach, olivat rikki ja muuttuneet.

1800-luvun vaihteessa Venäjän muusikot saivat päätökseen pitkän ja vaikean prosessin eurooppalaisen kulttuurin perinteiden, tyylien ja tyylilajien hallitsemiseksi. XIX vuosisadan loppuun mennessä. Pietarin ja Moskovan konservatorioista on tullut vankka oppilaitos. Kaikki tuon aikakauden erinomaiset säveltäjät ja monet erinomaiset esiintyjät tulivat heidän seinilleen. Instrumentalistien, laulajien ja tanssijoiden koulut ovat kehittyneet. Venäjän ooppera- ja balettitaide valloitti Euroopan yleisön. Tärkeä rooli musiikkiteatterin kehityksessä oli Pietarin keisarillisella Mariinski-teatterilla ja venäläisen teollisuuden ja hyväntekeväisyyden Savva Ivanovich Mamontovin (1841-1918) luomalla Moskovan venäläisellä yksityisoopperalla.

Venäläisessä musiikissa vuosisadan vaihteessa myöhäisromantiikan ja impressionismin piirteet kietoutuivat toisiinsa. Kirjallisten ja taiteellisten suuntausten ja ennen kaikkea symboliikan vaikutus oli suuri. Suuret mestarit kehittivät kuitenkin omat tyylinsä. Heidän työnsä tuskin voidaan liittää mihinkään erityiseen suuntaukseen, ja tämä on osoitus venäläisen musiikkikulttuurin kypsyydestä.

Ensimmäinen vaikutelma, jonka ihminen saa tutustuessaan 1900-luvun musiikkiin, on, että nykyaikaisen ja kaikkien aikaisempien vuosisatojen musiikkitaiteen välillä on aukko - teosten äänen ulkonäössä on niin merkittäviä eroja.

Jopa 10-30 vuoden sävellykset. XX vuosisata tuntuu liian jännittyneeltä ja kovalta. Itse asiassa 1900-luvun musiikki, aivan kuten edellisetkin vuosisatat, heijastaa ihmisten henkistä ja emotionaalista maailmaa, koska ihmisen elämän vauhti kiihtyi, muuttui jäykemmäksi ja jännittyneemmäksi.

Traagiset tapahtumat ja ristiriidat - sodat, vallankumoukset, tieteen ja tekniikan kehitys, totalitarismi ja demokratia eivät vain pahentaneet ihmisille ominaisia \u200b\u200bemotionaalisia kokemuksia, vaan toivat myös ihmiskunnan tuhon partaalle. Siksi elämän ja kuoleman vastakkainasettelun teema on tullut keskeiseksi 1900-luvun musiikissa. Yksilön itsetuntemuksen teema osoittautui taiteelle yhtä tärkeäksi.

1900-lukua leimasi monia taiteen ja kirjallisuuden innovaatioita, jotka liittyivät katastrofaalisiin muutoksiin yleisessä tietoisuudessa vallankumousten ja maailmansodan aikana. 1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa ja etenkin lokakuuta edeltävällä vuosikymmenellä koko venäläisen taiteen ja erityisesti musiikin läpi kulkee teema odottaa suuria muutoksia, joiden pitäisi pyyhkiä pois vanha, epäoikeudenmukainen sosiaalinen järjestelmä. Kaikki säveltäjät eivät olleet tietoisia väistämättömyydestä, vallankumouksen tarpeesta ja tunsivat myötätuntoa sille, mutta kaikki tai melkein kaikki tunsivat myrskyn edeltäneen jännitteen.

Uusi sisältö, kuten tavallista, vaati uusia muotoja, ja monet säveltäjät keksivät ajatuksen musiikkikielen radikaalisesta uudistamisesta. Ensinnäkin he hylkäsivät perinteisen eurooppalaisen moodi- ja näppäinjärjestelmän. Atonaalisen musiikin käsite ilmestyi. Tämä on musiikkia, jossa selkeä tonaalisuusjärjestelmä ei ole korvan määrittämä, ja sointusopimukset (harmonia) ovat yhteydessä toisiinsa vapaasti tiukkoja sääntöjä noudattamatta. Epätavallisista äänistä tuli toinen tärkeä piirre 1900-luvun musiikkikielessä. Välittääkseen nykyaikaisen elämän kuvan he käyttivät epätavallisia meluvaikutuksia (metallin klähdytys ja hionta, jyrisevät työstökoneet ja muut "teolliset" äänet), keksivät uusia instrumentteja. Toinen tapa antoi mielenkiintoisempia tuloksia. Säveltäjät kokeilivat perinteisiä soittimia: sekoittamalla sävyjä, soittamalla epätavallisissa rekistereissä, vaihtamalla tekniikoita. Ja kävi ilmi, että klassinen sinfoniaorkesteri tai oopperamuodot voivat täydellisesti näyttää kaupungin elämän monimutkaisella ääni- ja äänijärjestelmällä, ja mikä tärkeintä - arvaamattomat ajatuskierrokset ja ihmisen psyyken "katkokset" toisen vuosituhannen lopussa.

Innovatiiviset haut eivät kuitenkaan johtaneet perinteiden hylkäämiseen. Se oli 1900-luku, joka elvytti menneiden aikakausien musiikillisen perinnön. Kaksisataa ja kolmesataa vuotta unohduksen jälkeen 1600-luvun saksalaisten ja ranskalaisten mestareiden Monteverdin, Corellin ja Vivaldin teokset alkoivat jälleen kuulostaa.

Suhtautuminen kansanperinteeseen on muuttunut radikaalisti. 1900-luvulla ilmestyy uusi suuntaus - neofolklorismi (kreikkalaisista "neos" - "uusi" ja "kansanperinne"). Hänen kannattajansa vaativat syrjäisillä maaseutualueilla nauhoitettujen kansanlaulujen käyttöä, joita ei "tasoiteta" kaupunkialueella. Syöttämällä sinfonian, sonaatin tai oopperan monimutkaiseen kankaaseen tällainen kappale toi musiikkiin ennennäkemättömän intohimon, värejä ja intonaatioita.

1800- ja 1900-lukujen vaihteessa eurooppalaisessa kulttuurissa muotoutui uusi taiteellinen suunta - ekspressionismi (latinasta expressio - "ekspressiivisyys"). Sen edustajat heijastivat teoksissaan ensimmäisen maailmansodan aikakauden miehen traagista näkymää - epätoivoa, kipua, yksinäisyyden pelkoa. "Taide on avunhuuto niille, jotka kokevat itse ihmiskunnan kohtalon", kirjoitti musiikin ekspressionismin perustaja Arnold Schoenberg (1874-1951).

Arnold Schoenberg

Musiikillinen ekspressionismi kehittyi Itävallassa, tarkemmin sanottuna pääkaupungissa Wienissä. Sen luojat ovat Arnold Schoenberg, Alban Berg ja Anton Webern. Säveltäjien luova yhteisö tuli musiikin historiaan nimellä Uusi Wien (Novovenskaja) koulu. Jokainen mestari meni taiteellaan omalla tavallaan, mutta heidän teoksillaan on myös paljon yhteistä. Ensinnäkin - musiikin traaginen henki, halu akuuteille kokemuksille ja syville shokeille. Tätä seuraa voimakas henkinen etsintä, halu kaikin keinoin löytää uskonnolliset ja moraaliset ihanteet, jotka useimmat modernit ihmiset ovat menettäneet. Lopuksi kaikki kolme säveltäjää kehittivät yhden menetelmän musiikin säveltämiseksi - dodekafonijärjestelmän, joka muutti dramaattisesti perinteisiä ajatuksia kappaleen modaalisesta ja harmonisesta rakenteesta.

Schoenbergin teos ratkaisee yhden pääongelman - se ilmaisee ihmisen kärsimyksiä musiikin välityksellä. Raskaat, tuskalliset ennakoinnit, surkean kauhun tunne välittyvät erinomaisesti jo varhaisessa teoksessa - Viisi kappaletta orkesterille (1909). Mielialallaan ja muodoltaan nämä ovat kamariesikappaleita, mutta ne on kirjoitettu suurelle sinfoniaorkesterille, ja herkkä, läpinäkyvä äänimaalaus vuorottelee niissä voimakkaiden tuulien ja timpanilakkujen "huutojen" kanssa.

Tuloksena Schoenbergin pohdinnoista toisen maailmansodan tapahtumista oli kantaani "Survivor of Warsaw" (1947) lukijalle, kuorolle ja orkesterille. Tekstinä käytettiin aitoja silminnäkijöiden kertomuksia natsien joukkomurhasta Varsovan juutalaisgettossa. Tämän yhdelle sarjalle rakennetun suuren mittakaavan sävellyksen musiikki säilyy ekspressionismin parhaissa perinteissä - se on monimutkaista, traagista ja jyrkästi emotionaalista. Säveltäjä näyttää yrittävän esitellä sankareitaan Jumalan ja ikuisuuden edessä ja osoittaa siten, etteivät heidän kärsimyksensä olleet turhia. Kantaatti päättyy rukouksen laulamiseen, ja hänen saman sarjan ääniin perustuva musiikki kasvaa orgaanisesti edellisten osien traagisesta pimeydestä.

Avantgarde

Sosiaalisen todellisuuden uudet olosuhteet vaikuttivat toisaalta koko taiteelliseen kulttuuriin, toisaalta antaen uuden klassisen perinteen hengityksen ja toisaalta synnyttäen uuden taiteen - avantgarden (ranskalaisesta "avantgardesta" - eteenpäin) tai modernismin (alkaen lat. "modernus" - uusi, moderni), joka heijastaa täysin ajan kasvoja. Pohjimmiltaan termi "modernismi" viittaa 1900-luvun yksittäisten mestareiden taiteellisiin suuntauksiin, liikkeisiin, kouluihin ja toimintaan, jotka julistivat sananvapauden luovan menetelmänsä perustaksi.

Musiikillisen avantgarden liike kattaa 50-90-luvun. XX vuosisata. Se syntyi toisen maailmansodan jälkeen, ei suinkaan vahingossa: sodan aikaiset häiriöt ja sitten jyrkkä muutos elämäntavassa aiheuttivat pettymystä aikaisempien aikakausien moraalisiin ja kulttuurisiin arvoihin. 50-60-luvun sukupolven edustajat. Halusin olla vapaa perinteistä, luoda oman taiteellisen kieleni.

Musiikillinen avantgardi viittaa yleensä niin kutsuttuun konkreettiseen musiikkiin, joka perustuu sävyisten konsonanssien vapauteen eikä harmoniseen alueeseen: sonorismi on yksi modernin säveltäjän tekniikan tyyppeistä, ja siinä käytetään pääasiassa värikkäitä ääniä (latinankielinen sonorus - äänellinen, meluisa) ja käytännössä huomiotta jätetty tarkat pikiyhteydet, elektroninen musiikki. Ensimmäiset etsinnät avantgardismin suuntaan tekivät venäläinen säveltäjä A.N. 1900-luvun alussa. Skriabiini. Hänen musiikkinsa valloitti jotkut kuuntelijat inspiroivalla voimalla, toiset raivostuivat sen epätavallisuudesta.

A.N. Skriabiini

Uusien luovuuden menetelmien etsiminen on synnyttänyt monia epätavallisia tyylejä. Säveltäjät käyttävät elektronisia äänitys- ja äänentoistotekniikoita - nauhuria, syntetisaattoria ja viime vuosina tietokonetta "klassisina" instrumentteina. Sähköisen musiikin syntymisen aiheutti halu kiinnittää huomiota miljoonien pop- ja rock-ystävien "klassikoihin" (joissa elektronisilla instrumenteilla on johtava rooli). Tällä alueella työskentelevillä säveltäjillä on kuitenkin myös erilainen tavoite. He yrittävät tutkia ihmisen monimutkaista suhdetta tekniikan maailmaan, joka yhä enemmän alistaa ihmisten tietoisuutta. Muusikon "elävä" vuoropuhelu lahjakkaimpien teosten elektronisen "kaksoiskappaleen" kanssa saa syvän symbolisen merkityksen.

Hepening

50-luvulta lähtien. musiikissa, kuten muissakin taiteen muodoissa (esimerkiksi teatterissa), on olemassa sellainen suunta kuin tapahtuu (englanniksi, tapahtuu - "tapahtuu", "tapahtuu"). Lähteenä voidaan pitää amerikkalaisen säveltäjän John Cagen (s. 1912) teosta "4" 33 "(1954). Lavalle astuu pianisti, joka istuu neljä minuuttia kolmekymmentäkolme sekuntia ... istuu hiljaa pianon luona, nousee sitten ylös ja lähtee Ensi-ilta tapahtui skandaalilla: valistunut yleisö päätti, että heitä vain kiusattiin, ja maallikko sai tilaisuuden huomautettavasti huomauttaa: "Joten voin." Aikomus järkyttää yleisöä oli varmasti osa kirjoittajan suunnitelmia, mutta se ei ollut tarkoitus itsessään. , Cage muutti ympäröivän todellisuuden ilmiöt musiikkiteokseksi: hiljaisuus pelin alkua odotettaessa, kuuntelijoiden tekemät äänet (yskä, kuiskaukset, tuolien kuriseminen jne.). Yleisö ja muusikko toimivat siten sekä esiintyjinä että kirjoittajina spontaanisti Musiikki muuttui kuuntelukuvasta visuaaliseksi kuvaksi, josta myöhemmin tuli Happeningin tunnusmerkki: teoksen esityksestä tulee itse asiassa äänetön pantomiimi. John Cage

1900-luvun musiikkitaide on täynnä innovatiivisia ideoita. Se merkitsee perustavanlaatuista muutosta musiikkikielen kaikilla osa-alueilla. 1900-luvulla musiikki toimi usein refleksiä kauheista historiallisista historiallisista tapahtumista, joiden todistajat ja aikalaiset olivat enemmistö tämän ajan suurista säveltäjistä, joista tuli innovaattoreita ja uudistajia.

PÄÄTELMÄT

Traagiset tapahtumat ja ristiriidat - sodat, vallankumoukset, tieteen ja tekniikan kehitys, totalitarismi ja demokratia eivät vain pahentaneet ihmisille ominaisia \u200b\u200bemotionaalisia kokemuksia, vaan toivat myös ihmiskunnan tuhon partaalle. Siksi elämän ja kuoleman vastakkainasettelusta on tullut keskeinen teema 1900-luvun musiikissa.

Yksilön itsetuntemuksen teema osoittautui taiteelle yhtä tärkeäksi. Yhä useamman sukupolven edustajat halusivat olla vapaita perinteistä, luoda oman taiteellisen kielensä.

1900-luvun musiikkitaide on epätavallisen laaja. Ehkä ei ole olemassa yhtä historiallista musiikkityyliä, joka jotenkin ei heijastuisi 1900-luvun kirjoitusmusiikin kaleidoskoopissa. Tältä osin vuosisadasta on tullut virstanpylväs. Kaikesta, mitä edellisten vuosisatojen musiikin kehitys on kertynyt, ja kaikesta kansallisten musiikkikulttuurien omaperäisyydestä tuli yhtäkkiä yhteistä omaisuutta.

Jokainen aikakausi on antanut meille neronsa. Olipa kyseessä 1800-luvun tai 1900-luvun säveltäjät, heidän teoksensa ovat jo saavuttaneet virstanpylvään ihmiskunnan historiassa ja niistä on tullut malli kaikille sukupolville, ei vain musiikissa, ja luomisen iästä huolimatta heitä kutsutaan palvelemaan ihmisten iloksi.

LUETTELO VIITTEISTÄ

2. Vetlugina N.A. Lapsen musiikillinen kehitys. - M.: Koulutus, 1968.

3. Aikakauslehti "Esikouluopetus" №5-1992 vuosi. Esikouluikäisten esittely Venäjän kansalliseen kulttuuriin.

4. Komissarova Visuaaliset keinot esikoululaisten musiikillisessa kasvatuksessa. - M.: Koulutus, 2000.

5. Kotini. Esikoululaisten moraalisen ja isänmaallisen kasvatuksen ohjelma. Kustantamo "Mosaic" - Synthesis, Moskova, 2005

6. Teplov BM Musiikkikykyjen psykologia., 1947.

7. Teplov B.M. Yksilöllisten erojen ongelmat. - M.: Koulutus, 1961, - s. 231.

8. Orff K. Musiikkikasvatuksen järjestelmä. - M. -L. 1970. s.21.

9. Forrai K. Musiikikasvatuksen vaikutus esikoululapsen persoonallisuuden kehitykseen // Musiikkikasvatus modernissa maailmassa //, 1973.

Tässä on luettelo 10 säveltäjästä, jotka sinun pitäisi tietää. Jokaisesta heistä on turvallista sanoa, että hän on suurin säveltäjä, joka on koskaan ollut, vaikka itse asiassa on mahdotonta ja todellakin mahdotonta verrata useiden vuosisatojen aikana kirjoitettua musiikkia. Kaikki nämä säveltäjät kuitenkin erottuvat aikalaistensa joukosta säveltäjinä, jotka säveltivät korkeimman tason musiikkia ja pyrkivät siirtämään klassisen musiikin rajat uusille rajoille. Luettelo ei sisällä järjestystä, kuten tärkeyttä tai henkilökohtaisia \u200b\u200bmieltymyksiä. Vain 10 loistavaa säveltäjää, jotka sinun pitäisi tietää.

Jokaisen säveltäjän mukana on lainauksen arvoinen tosiasia elämästään, joka muistaa, että näytät asiantuntijana. Ja napsauttamalla linkkiä nimiin, saat selville hänen koko elämäkerran. Ja tietysti voit kuunnella jokaisen mestarin yhtä merkittävää teosta.

Maailman klassisen musiikin tärkein hahmo. Yksi esiintyneimmistä ja arvostetuimmista säveltäjistä maailmassa. Hän työskenteli kaikilla hänen aikanaan olemassa olevilla tyylilajeilla, mukaan lukien ooppera, baletti, dramaattisten esitysten musiikki, kuoroteokset. Merkittävimmät hänen perinnöstään ovat instrumentaaliteokset: piano, viulu- ja sellosonaatit, konsertot pianolle, viulu, kvartetit, alkusoittot, sinfoniat. Klassisen musiikin romanttisen ajan perustaja.

Mielenkiintoinen fakta.

Aluksi Beethoven halusi vihittää kolmannen sinfoniansa (1804) Napoleonille, säveltäjää kiehtoi tämän miehen persoonallisuus, joka näytti monille hänen hallituskautensa alussa todellisen sankarina. Mutta kun Napoleon julisti itsensä keisariksi, Beethoven ylitti vihkiytymisensä otsikkosivulle ja kirjoitti vain yhden sanan - "Sankarillinen".

L. Beethovenin "kuunvalosonaatti", kuunnella:

2. (1685-1750)

Saksalainen säveltäjä ja urkuri, barokin aikakauden edustaja. Yksi musiikin historian suurimmista säveltäjistä. Elämänsä aikana Bach kirjoitti yli 1000 teosta. Kaikki hänen työnsä merkittävät tyylilajit ovat edustettuina hänen oopperassaan; hän tiivisti barokin ajan musiikkitaiteen saavutukset. Tunnetuimman musiikkidynastian perustaja.

Mielenkiintoinen fakta.

Elinaikanaan Bachia aliarvioitiin niin paljon, että hänen teoksiaan julkaistiin alle tusina.

Toccata ja fuuga d-molli, J.S.Bach, kuunnella:

3. (1756-1791)

Suuri itävaltalainen säveltäjä, instrumentalisti ja kapellimestari, Wienin klassisen koulun edustaja, virtuoosi viulisti, cembaloosi, urkuri, kapellimestari, hänellä oli ilmiömäinen korva musiikille, muistille ja improvisaatiokyvylle. Säveltäjänä, joka on menestynyt missä tahansa tyylilajissa, häntä pidetään laajalti yhtenä klassisen musiikin historian suurimmista säveltäjistä.

Mielenkiintoinen fakta.

Jo lapsena Mozart muisti ja nauhoitti italialaisen Grigorio Allegrin Misereren (kat. Laulu Daavidin 50. psalmin tekstille) kuunneltuaan sitä vain kerran.

W. A. \u200b\u200bMozartin "Pieni yön serenadi", kuunnella:

4. (1813-1883)

Saksalainen säveltäjä, kapellimestari, näytelmäkirjailija, filosofi. Hänellä oli merkittävä vaikutus eurooppalaiseen kulttuuriin XIX-XX vuosisadan vaihteessa, erityisesti modernismiin. Wagnerin oopperat hämmästyttävät upealla mittakaavallaan ja ikuisilla inhimillisillä arvoillaan.

Mielenkiintoinen fakta.

Wagner osallistui epäonnistuneeseen vallankumoukseen vuosina 1848-1849 Saksassa ja joutui piiloutumaan pidätyksestä Franz Lisztin kanssa.

"Valkyrien lento" R. Wagnerin oopperasta "Valkyrie",kuunnella

5. (1840-1893)

Italialainen säveltäjä, italialaisen oopperakoulun keskeinen hahmo. Verdillä oli tunne lavasta, temperamentti ja moitteeton taito. Hän ei kiistänyt oopperaperinteitä (toisin kuin Wagner), vaan päinvastoin kehitti niitä (italialaisen oopperan perinteet), hän muutti italialaisen oopperan, täytti sen realismilla ja antoi sille kokonaisuuden yhtenäisyyden.

Mielenkiintoinen fakta.

Verdi oli italialainen nationalisti ja valittiin ensimmäiseen Italian parlamenttiin vuonna 1860, kun Italia oli itsenäinen Itävallasta.

Alkusoitto oopperalle "Traviata", D. Verdi, kuunnella:

7. Igor Fedorovich Stravinsky (1882-1971)

Venäläinen säveltäjä, kapellimestari, pianisti. Yksi 1900-luvun tärkeimmistä säveltäjistä. Stravinskyn työ oli sama koko uransa ajan, vaikka hänen teoksensa tyyli oli erilainen eri aikoina, mutta ydin ja venäläiset juuret säilyivät, mikä ilmeni kaikissa hänen teoksissaan, häntä pidetään yhtenä 1900-luvun johtavista innovaattoreista. Hänen innovatiivinen rytmin ja harmonian käyttö on innoittanut ja inspiroi monia muusikoita, ei vain klassisessa musiikissa.

Mielenkiintoinen fakta.

Ensimmäisen maailmansodan aikana Rooman tullivirkailijat takavarikoivat Pablo Picasson Stravinskyn muotokuvan, kun säveltäjä lähti Italiasta. Muotokuva on maalattu futuristisella tavalla, ja tullivirkailijat tulkitsivat nämä ympyrät ja viivat jonkinlaiseksi salatuksi luokitelluksi aineistoksi.

I.F.Stravinskyn baletti -sarja "Tulilintu", kuunnella:

8. Johann Strauss (1825-1899)

Itävaltalainen kevytmusiikin säveltäjä, kapellimestari ja viulisti. "Valssien kuningas", hän työskenteli tanssimusiikin ja operetin tyylilajissa. Hänen musiikilliseen perintöönsä kuuluu yli 500 valsseja, pollekoita, kvadrileja ja muuta tanssimusiikkia sekä useita operetteja ja baletteja. Hänen ansiostaan \u200b\u200bvalssista tuli erittäin suosittu Wienissä 1800-luvulla.

Mielenkiintoinen fakta.

Johann Straussin isä on myös Johann ja kuuluisa muusikko, joten "valssien kuninkaaksi" kutsutaan nuorempaa tai poikaa, myös hänen veljensä Joseph ja Edward olivat kuuluisia säveltäjiä.

J. Straussin valssi "Kauniilla sinisellä Tonavalla", kuunnella:

9. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873-1943)

Itävaltalainen säveltäjä, yksi Wienin klassisen musiikin koulun merkittävimmistä edustajista ja yksi musiikin romantiikan perustajista. Lyhyen elämänsä aikana Schubert vaikutti merkittävästi orkesteri-, kamari- ja pianomusiikkiin, mikä vaikutti koko säveltäjäsukupuoleen. Hänen silmiinpistävin panoksensa oli kuitenkin saksalaisten romanssien kehittämiseen, joista hän loi yli 600.

Mielenkiintoinen fakta.

Schubertin ystävät ja muusikkokaverit kokoontuivat yhteen ja esittivät Schubertin musiikkia. Näitä kokouksia kutsuttiin nimellä "Schubertiads" (Schubertiads). Jonkinlainen ensimmäinen faniklubi!

F.P.Schubertin "Ave Maria", kuunnella:

Jatkamalla aihetta suurista säveltäjistä, sinun pitäisi tietää, uusi materiaali.

Venäläinen säveltämiskoulu, jonka perinteiden seuraaja oli Neuvostoliiton ja nykyiset venäläiset koulut, alkoi 1800-luvulla säveltäjien kanssa, jotka yhdistivät eurooppalaisen musiikkitaiteen venäläisten kansanmusiikkien kanssa, yhdistäen eurooppalaisen muodon ja venäläisen hengen.

Voit kertoa paljon jokaisesta näistä kuuluisista ihmisistä, jotka kaikki eivät ole yksinkertaisia \u200b\u200bja joskus jopa traagisia, mutta tässä katsauksessa yritimme antaa vain lyhyen kuvauksen säveltäjien elämästä ja työstä.

1. Mikhail Ivanovich Glinka

(1804-1857)

Mikhail Ivanovich Glinka sävellettäessä oopperaa Ruslan ja Lyudmila. 1887, taiteilija Ilya Efimovich Repin

"Kauneuden luomiseksi on oltava puhdas sielu."

Mikhail Ivanovich Glinka on venäläisen klassisen musiikin perustaja ja ensimmäinen venäläinen klassinen säveltäjä, joka on saavuttanut maailmankuulun. Hänen venäläisen kansanmusiikin vuosisatoja vanhoihin perinteisiin perustuvat teokset olivat uusi sana maamme musiikkitaiteessa.

Hän syntyi Smolenskin maakunnassa ja sai koulutuksensa Pietarista. Mikhail Glinkan työn maailmankuvan ja perusidean muodostumista helpotti suora kommunikaatio sellaisten persoonallisuuksien kanssa kuin A.S.Pushkin, V.A.Žukovsky, A.S. Griboyedov, A.A.Delvig. Luovan impulssin teoksilleen lisäsi pitkäaikainen matka Eurooppaan 1830-luvun alussa ja tapaamiset aikansa johtavien säveltäjien - V.Bellinin, G.Donizettin, F.Mendelssohnin ja myöhemmin G.Berliozin, J.Meyerbeerin kanssa.

Menestys tuli MI Glinkaan vuonna 1836, sen jälkeen kun kaikki innostuneesti ottaneet oopperan "Ivan Susanin" ("Elämä tsaarille") lavastuksen ensimmäistä kertaa maailmanmusiikissa yhdistettiin orgaanisesti venäläinen kuorotaide ja eurooppalainen sinfoninen ja oopperakäytäntö, ja ilmestyi myös sankari, kuten Susanin, jonka kuva tiivistää kansallisen luonteen parhaat piirteet.

VF Odoevsky kuvasi oopperaa "uudeksi elementiksi taiteessa, ja sen historiassa alkaa uusi kausi - venäläisen musiikin aika".

Toinen ooppera - eeppinen Ruslan ja Lyudmila (1842), jota käsiteltiin Puškinin kuoleman taustalla ja säveltäjän vaikeissa elinolosuhteissa, teoksen syvästi innovatiivisen olemuksen vuoksi, sai yleisön ja viranomaisten epäselvän vastaanoton ja toi M.I.Glinkan kokemukset. Sen jälkeen hän matkusti paljon vuorotellen Venäjällä ja ulkomailla pysähtymättä säveltämään. Hänen perintönsä sisältää romansseja, sinfonisia ja kamariteoksia. 1990-luvulla Mikhail Glinkan isänmaallinen laulu oli Venäjän federaation virallinen hymni.

Lainaus M.I.Glinkasta:”Koko venäläinen sinfoniakoulu, aivan kuten tammen tammenterhossa, sisältyy Kamarinskajan sinfoniseen fantasiaan. P.I.Tchaikovsky

Mielenkiintoinen fakta: Mikhail Ivanovich Glinka ei eronnut hyvällä terveydellä, siitä huolimatta hän oli hyvin rento ja tunsi maantieteen hyvin, ehkä jos hänestä ei olisi tullut säveltäjä, hänestä olisi tullut matkustaja. Hän osasi kuutta vierasta kieltä, mukaan lukien persia.

2.Alexander Porfirevich Borodin

(1833-1887)

Alexander Porfirevich Borodin, yksi 1800-luvun jälkipuoliskon johtavista venäläisistä säveltäjistä, oli säveltäjän lahjakkuutensa lisäksi tiedemies-kemisti, lääkäri, opettaja, kriitikko ja hänellä oli kirjallinen lahjakkuus.

Pietarissa syntynyt lapsuudesta lähtien kaikki hänen ympärillään huomasivat hänen epätavallisen aktiivisuutensa, kiehtovuutensa ja kykynsä eri suuntiin, lähinnä musiikissa ja kemiassa.

A.P.Borodin on venäläinen säveltäjänkappale, hänellä ei ollut ammattimaisia \u200b\u200bmusiikinopettajia, kaikki hänen saavutuksensa musiikissa itsenäisen työn ansiosta sävellystekniikan hallitsemiseksi.

Borodinin muodostumiseen vaikutti M.I. Glinka (kuten muuten kaikille 1800-luvun venäläisille säveltäjille), ja sysäyksen tiheään sävellysasemaan 1860-luvun alussa antoivat kaksi tapahtumaa - ensinnäkin tuttavuus ja avioliitto lahjakkaan pianistin E.S.Protopopovan kanssa ja toiseksi tapaaminen MA Balakirevin kanssa ja liittyminen venäläisten säveltäjien luova yhteisöön, joka tunnetaan nimellä "Mighty Handful".

1870-luvun lopulla ja 1880-luvulla A.P.Borodin matkusti ja kiersi paljon Euroopassa ja Amerikassa, tapasi aikansa johtavia säveltäjiä, hänen maineensa kasvoi, hänestä tuli yksi Euroopan tunnetuimmista ja suosituimmista venäläisistä säveltäjistä 19. vuosisadan lopussa. vuosisata.

Keskeisen paikan A.P.Borodinin teoksessa on ooppera "Prinssi Igor" (1869-1890), joka on esimerkki musiikin kansallisesta sankariseepoksesta ja jota hän itse ei onnistunut saamaan valmiiksi (sen valmistuivat hänen ystävänsä A.A.Glazunov ja N.A. Rimsky-Korsakov). "Prinssi Igorissa" historiallisten tapahtumien majesteettisten kuvien taustalla heijastuu koko säveltäjän teoksen pääidea - rohkeus, rauhallinen suuruus, parhaiden venäläisten hengellinen aatelisuus ja koko venäläisen kansan mahtava voima, joka ilmenee kotimaan puolustuksessa.

Huolimatta siitä, että A.P.Borodin jätti suhteellisen pienen määrän teoksia, hänen teoksensa on hyvin monipuolinen ja häntä pidetään yhtenä venäläisen sinfonisen musiikin isistä, joka vaikutti moniin venäläisten ja ulkomaisten säveltäjien sukupolviin.

Lainaus A.P.Borodinista:”Borodinin lahjakkuus on yhtä voimakas ja silmiinpistävä sekä sinfoniassa että oopperassa ja romanssissa. Sen pääominaisuudet ovat jättimäinen vahvuus ja leveys, valtava laajuus, impetuosity ja impetuosity yhdistettynä hämmästyttävään intohimoon, hellyyteen ja kauneuteen. " V.V.Stasov

Mielenkiintoinen fakta: Karboksyylihappojen hopeasuolojen kemiallinen reaktio halogeenien kanssa, mikä johtaa halogenoituihin hiilivetyihin, jonka hän ensin tutki vuonna 1861, on nimetty Borodinin mukaan.

3. Vaatimaton Petrovich Mussorgsky

(1839-1881)

"Ihmisen puheen äänien, ajatuksen ja tunteen ulkoisina ilmentyminä, pitäisi liioittamatta ja väkivallattomasti tulla tosi, tarkka, mutta taiteellinen, erittäin taiteellinen musiikki."

Modest Petrovich Mussorgsky on yksi 1800-luvun loistavimmista venäläisistä säveltäjistä, "mahtavan kourallisen" jäsen. Musorgskyn innovatiivinen työ oli kaukana aikansa edellä.

Syntyi Pihkovan maakunnassa. Kuten monet lahjakkaat ihmiset, hän osoitti taitoa musiikissa lapsuudesta lähtien, opiskeli Pietarissa, oli perheperinteen mukaan sotilas. Ratkaiseva tapahtuma, joka päätti, että Mussorgsky ei syntynyt asepalveluksen, vaan musiikin vuoksi, oli hänen tapaamisensa MA Balakirevin kanssa ja liittyminen "Mighty Handfuliin".

Mussorgsky on loistava siinä mielessä, että grandioisissa teoksissaan - oopperoissa Boris Godunov ja Khovanshchina - hän vangitsi musiikissa Venäjän historian dramaattiset virstanpylväät radikaalisella uutuudella, jota venäläinen musiikki ei tuntenut ennen häntä, näyttäen niissä yhdistelmän suosittuja kansanäkymiä ja erilaisia \u200b\u200brikkaita tyyppejä, Venäjän kansan ainutlaatuinen luonne. Nämä oopperat, lukuisissa painoksissa, sekä tekijän että muiden säveltäjien joukossa, ovat suosituimpia venäläisiä oopperoita maailmassa.

Toinen Mussorgskyn merkittävä kappale on pianosarja "Kuvia näyttelyssä", värikkäitä ja kekseliäitä miniatyyrejä läpäisevät Venäjän teema-refreeni ja ortodoksinen usko.

Mussorgskyn elämässä oli kaikkea - sekä suuruutta että tragediaa, mutta hän erottui aina aidosta hengellisestä puhtaudesta ja epäitsekkyydestä.

Hänen viimeiset vuodet olivat vaikeita - elämän häiriö, luovuuden tunnustamisen puute, yksinäisyys, riippuvuus alkoholista, mikä kaikki määritti hänen varhaisen kuolemansa 42-vuotiaana, hän jätti suhteellisen vähän teoksia, joista osa oli muiden säveltäjien valmistamia.

Mussorgskyn erityinen melodia ja innovatiivinen harmonia ennakoivat 1900-luvun musiikillisen kehityksen joitain piirteitä ja niillä oli tärkeä rooli monien maailman säveltäjien tyylien muodostumisessa.

Lainaus M.P.Mussorgskystä:"Ensisijaisesti venäläinen ääni kaikessa, mitä Musorgsky teki", N. Roerich

Mielenkiintoinen fakta: Elämänsä lopussa Mussorgsky Stasovin ja Rimsky-Korsakovin "ystävien" painostamana luopui teostensa tekijänoikeuksista ja esitteli ne Tertiy Filippoville.

4. Pjotr \u200b\u200bIlyich Tšaikovski

(1840-1893)

”Olen taiteilija, joka voi ja pitäisi tuoda kunniaa kotimaalleni. Tunnen minussa suuren taiteellisen voiman, en ole vielä tehnyt kymmenesosaa siitä, mitä voin tehdä. Ja haluan tehdä sen kaikesta sydämestäni. "

Pjotr \u200b\u200bIlyich Tšaikovski, kenties 1800-luvun suurin venäläinen säveltäjä, nosti venäläisen musiikkitaiteen ennennäkemättömille korkeuksille. Hän on yksi tärkeimmistä klassisen maailman musiikin säveltäjistä.

Vjatkan maakunnasta kotoisin oleva Tšaikovski osoitti musiikin kykyjä lapsuudesta asti, vaikka hänen isänsä juurensa olivat Ukrainassa, mutta hänen ensimmäinen koulutuksensa ja työnsä oli oikeustieteen alalla.

Tšaikovski oli yksi ensimmäisistä venäläisistä "ammattimaisista" säveltäjistä - hän opiskeli musiikkiteoriaa ja sävellystä uudessa Pietarin konservatoriossa.

Tšaikovskia pidettiin "länsimaisena" säveltäjänä, toisin kuin "mahtavan kourallisen" kansanhahmot, joiden kanssa hänellä oli hyvät luovat ja ystävälliset suhteet, mutta hänen työnsä ei ole vähemmän venäläisen hengen tunkeutunut, hän onnistui yhdistämään Mozartin, Beethovenin ja Schumannin länsimaisen sinfonisen perinnön ainutlaatuisesti venäläisten kanssa Mikhail Glinkalta perityt perinteet.

Säveltäjä elää aktiivista elämää - hän oli opettaja, kapellimestari, kriitikko, julkinen henkilö, työskenteli kahdessa pääkaupungissa, kiersi Euroopassa ja Amerikassa.

Tšaikovski oli henkisesti melko epävakaa mies, innostus, epätoivo, apatia, kuuma temperamentti, väkivaltainen viha - kaikki nämä mielialat muuttuivat hänessä melko usein, koska hän oli hyvin seurallinen henkilö, hän pyrki aina yksinäisyyteen.

On vaikeaa erottaa jotain parasta Tšaikovskin työstä, hänellä on useita saman kokoisia teoksia melkein kaikissa musiikkilajeissa - ooppera, baletti, sinfonia, kamarimusiikki. Ja Tšaikovskin musiikin sisältö on yleismaailmallinen: jäljittelemättömällä melodismilla se kattaa elämän ja kuoleman kuvat, rakkaus, luonto, lapsuus, venäläisen ja maailmankirjallisuuden teokset paljastuvat uudella tavalla, henkisen elämän syvälliset prosessit heijastuvat siihen.

Lainaus säveltäjältä:"Elämässä on viehätystä vain silloin, kun se koostuu ilojen ja surun vuorottelusta, hyvän ja pahan välisestä taistelusta, valosta ja varjoista, sanalla sanoen - monimuotoisuudesta yhtenäisyydessä."

"Suuri lahjakkuus vaatii paljon kovaa työtä."

Lainaus säveltäjältä: "Olen valmis päivin ja öin seisomaan kunniavalvonnassa Pjotr \u200b\u200bIlyichin talon kuistilla - kunnioitan häntä siinä määrin", A.P. Tšekhov

Mielenkiintoinen fakta: Cambridgen yliopisto myönsi Tšaikovskille musiikin tohtorin arvon poissa ollessa ja väitöskirjaansa puolustamatta, ja Pariisin kuvataideakatemia valitsi hänet myös kirjeenvaihtajajäseneksi.

5. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov

(1844-1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov on lahjakas venäläinen säveltäjä, yksi tärkeimmistä henkilöistä korvaamattoman venäläisen musiikkiperinnön luomisessa. Hänen omituisella maailmallaan ja maailmankaikkeuden ikuisen kaiken kattavan kauneuden palvonnalla, elämän ihmeen ihailulla, yhtenäisyydellä luonnon kanssa ei ole analogeja musiikkihistoriassa.

Novgorodin maakunnassa syntyneen perheperinteen mukaan hänestä tuli merivoimien upseeri. Sotalaivalla hän kierteli monia maita Euroopassa ja Amerikassa. Hän sai musiikillisen koulutuksen ensin äidiltään ja sitten yksityistunteja pianisti F. Canillelta. Ja jälleen kerran, kiitos Mighty Handfulin järjestäjälle MABalakireville, joka esitteli Rimsky-Korsakovin musiikkiyhteisölle ja vaikutti hänen työhönsä, maailma ei ole menettänyt lahjakasta säveltäjää.

Keskeinen paikka Rimsky-Korsakovin perinnössä koostuu oopperoista - 15 teosta, jotka osoittavat säveltäjän tyylilajin, tyylilliset, dramaattiset ja sävellyspäätökset, joilla on kuitenkin erityinen tyyli - orkesterikomponentin kaikilla rikkauksilla, melodiset laululinjat ovat tärkeimmät.

Kaksi pääsuuntaa erottaa säveltäjän teoksen: ensimmäinen on Venäjän historia, toinen satujen ja eeposten maailma, josta hän sai lempinimen "tarinankertoja".

Suoran itsenäisen luovan toiminnan lisäksi N.A.Rimsky-Korsakov tunnetaan julkaisijana, kansanlaulukokoelmien koostajana, josta hän osoitti suurta kiinnostusta, sekä ystäviensä - Dargomyzhskyn, Mussorgskin ja Borodinin - teosten viimeistelijänä. Rimsky-Korsakov oli säveltäjäkoulun perustaja, opettajana ja Pietarin konservatorion johtajana valmistui noin kaksisataa säveltäjää, kapellimestaria, musiikkitieteilijää, muun muassa Prokofjevin ja Stravinskin.

Lainaus säveltäjältä:”Rimsky-Korsakov oli hyvin venäläinen henkilö ja erittäin venäläinen säveltäjä. Uskon, että tätä ensiarvoisen venäläistä olemusta, sen syvää kansanperinnettä-venäläistä perustaa, tulisi arvostaa erityisesti tänään. " Mstislav Rostropovich

Säveltäjän tosiasia: Nikolai Andreevich aloitti ensimmäisen vastaoppitunninsa näin:

- Nyt puhun paljon, ja kuuntelet hyvin tarkkaan. Sitten puhun vähemmän, ja sinä kuuntelet ja ajattelet, ja lopuksi en puhu ollenkaan, ja ajattelet omalla päälläsi ja työskentelet yksin, koska minun tehtäväni opettajana on tulla tarpeettomaksi sinulle ...