मध्य युग की संगीत कला। मध्य युग की संगीत संस्कृति

"प्रारंभिक संगीत" शब्द 457 ईस्वी सन् की अवधि को दर्शाता है। (ग्रेट रोमन साम्राज्य के पतन की तारीख) और 18 वीं शताब्दी के मध्य तक (बारोक युग के अंत)। यह विशेष रूप से यूरोपीय संगीत परंपरा को संदर्भित करता है।

यह युग विविधता की विशेषता है: सांस्कृतिक-जातीय और सामाजिक-राजनीतिक। यूरोप अपने स्वयं के संगीत विरासत के साथ विभिन्न लोगों की भीड़ है। सामाजिक जीवन के सभी पहलुओं को चर्च द्वारा निर्देशित किया जाता है। और संगीत कोई अपवाद नहीं है: "शुरुआती संगीत" के विकास की पहली 10 शताब्दियों में रोमन कैथोलिक पादरी के व्यापक प्रभाव और भागीदारी की विशेषता थी। बुतपरस्त और किसी भी गैर-ईसाई अभिविन्यास के संगीत कार्यों को सभी संभव तरीकों से दबा दिया जाता है।

धार्मिक मंत्र

मध्य युग में, कई अलग-अलग अवधियों को प्रतिष्ठित किया जाता है। प्रारंभिक मध्य युग का संगीत, 457 ईस्वी से 800 ईस्वी तक, सबसे अधिक बार विशेष रूप से पहनता है यह लिटर्जिकल मंत्र या ग्रेगोरियन जप है। उनका नाम पोप ग्रेगोरी I के सम्मान में रखा गया है, जो इस दिन तक जीवित रहे किंवदंतियों के अनुसार, इस प्रकार के पहले कार्यों के लेखक थे। ग्रेगोरियन जप मूल रूप से मोनोफोनिक था और लैटिन में प्रार्थना ग्रंथों (अक्सर ग्रीक या पुराने चर्च स्लावोनिक) के जप से ज्यादा कुछ नहीं था। इतिहासकारों द्वारा अधिकांश कार्यों के लेखकत्व को अभी तक स्थापित नहीं किया गया है। ग्रेगोरियन गायन एक सदी बाद व्यापक हो गया और शारलेमेन के शासनकाल तक सबसे लोकप्रिय संगीत रूप रहा।

पॉलीफोनी का विकास

चार्ल्स I ने 768 ईस्वी में फ्रांसीसी सिंहासन पर चढ़ा, सामान्य रूप से यूरोपीय इतिहास में एक नया मील का पत्थर की शुरुआत और विशेष रूप से संगीत। क्रिस्चियन चर्च ने उस समय मौजूद ग्रेगोरियन गायन की दिशाओं को एक करने के लिए और मुकदमे के समान मानदंडों का निर्माण करने का बीड़ा उठाया।

समानांतर में, पॉलीफोनिक संगीत की घटना का जन्म हुआ, जिसमें एक के बजाय दो या दो से अधिक आवाज़ें सुनाई देती थीं। यदि पॉलीफोनी के प्राचीन रूप ने विशेष रूप से अष्टक तनाव, अर्थात् दो स्वरों की समानांतर ध्वनि को ग्रहण किया है, तो मध्ययुगीन पॉलीफोनी एक स्वर से चौथे तक के अंतराल के साथ आवाज की ध्वनि है। 9 वीं शताब्दी के संगठन और 10-12 वीं शताब्दी के सूबा ऐसे संगीत के ज्वलंत उदाहरण हैं।

संगीत संकेतन

मध्य युग के संगीत की सबसे महत्वपूर्ण विशेषता संगीत स्कोर लिखने का पहला जानबूझकर किया गया प्रयास है। लैटिन अक्षरों का उपयोग करके स्कोर लिखे जाने लगते हैं, वे एक रैखिक रूप प्राप्त करते हैं। Guido Aretinsky, जो 10 वीं और 11 वीं शताब्दियों के मोड़ पर रहते थे और उन्हें संगीत संकेतन का संस्थापक माना जाता है, अंत में वर्णमाला और अनियमित अंकन की प्रणाली को औपचारिक रूप दिया गया।

गुइडो एरेतिन्स्की

मध्यकालीन संगीत विद्यालय

12 वीं शताब्दी के बाद से, अलग-अलग संगीत स्कूलों का गठन किया गया है। इस प्रकार, फ्रांसीसी शहर लिमोगेस से सेंट मार्शल के स्कूल के संगीत को एक मुख्य विषय द्वारा तेजी से दो-भाग वाले अंग के साथ जोड़ा गया था। स्कूल ऑफ नोट्रे डेम कैथेड्रल, भिक्षुओं लियोनिन और पेरोटिन द्वारा स्थापित किया गया था, जो अपने उत्कृष्ट पॉलीफोनिक कार्यों के लिए प्रसिद्ध थे। स्पैनिश स्कूल ऑफ सैंटियागो डे कम्पोस्टेला उन तीर्थयात्रियों के लिए एक आश्रय स्थल बन गया है, जिन्होंने खुद को संगीत के लिए समर्पित कर दिया और प्रसिद्ध मध्यकालीन संगीतकार बन गए। अंग्रेजी स्कूल की रचनाएं, विशेष रूप से "वॉर्सेस्टर फ्रेगमेंट्स", "ओल्ड हॉल पांडुलिपि" के लिए धन्यवाद से बच गई हैं - अंग्रेजी मध्ययुगीन संगीत का सबसे पूरा संग्रह।

मध्य युग का धर्मनिरपेक्ष संगीत

चर्च के संगीत के अलावा, जिसकी मध्य युग में प्राथमिकता थी, धर्मनिरपेक्ष संगीत भी विकसित हुआ। इनमें शामिल हैं, संगीत के कवियों के काम: पतलून, मिस्टेलर, मिनिंगिंगर। यह वे थे जिन्होंने जन्म के लिए शुरुआती बिंदु के रूप में सेवा की थी

मध्य युग की संगीत कला 1000 वर्षों से विकसित हो रही है। यह संगीत सोच के विकास में एक तनावपूर्ण और विरोधाभासी चरण है - सबसे जटिल बहुरूपता से मोनोडी (मोनोफोन) तक। मध्य युग में, कई यूरोपीय संगीत वाद्ययंत्रों में सुधार हुआ, चर्च और धर्मनिरपेक्ष संगीत दोनों की शैलियों का गठन किया गया, यूरोप के प्रसिद्ध संगीत स्कूलों का गठन किया गया: डच, फ्रेंच, जर्मन, इतालवी, स्पेनिश, आदि।

मध्य युग में, संगीत के विकास में दो मुख्य दिशाएँ थीं: पवित्र संगीत और धर्मनिरपेक्ष, मनोरंजक। उसी समय, धर्मनिरपेक्ष संगीत की धर्म द्वारा निंदा की गई और इसे "शैतानी जुनून" माना गया।

संगीत धर्म का एक उपकरण था, एक "आसान" उपकरण जो चर्च के उद्देश्यों के साथ-साथ सटीक विज्ञानों में से एक था। गणित, अलंकार, तर्क, ज्यामिति, खगोल विज्ञान और व्याकरण के साथ-साथ संगीत का प्रदर्शन किया गया। चर्च ने संख्यात्मक संगीत सौंदर्यशास्त्र पर जोर देने के साथ गायन और स्कूलों की रचना विकसित की (उस युग के विद्वानों के लिए, संगीत ध्वनि पदार्थ पर संख्या का एक प्रक्षेपण था)। यह स्वर्गीय हेलेनिज़्म, पाइथागोरस और प्लेटो के विचारों का भी प्रभाव था। इस दृष्टिकोण के साथ, संगीत का एक स्वतंत्र अर्थ नहीं था, यह उच्चतम, दिव्य संगीत का एक रूपक था।

तो, संगीत को 3 प्रकारों में विभाजित किया गया था:

• विश्व संगीत क्षेत्र, ग्रहों का संगीत है। मध्य युग के संगीत-संख्यात्मक सौंदर्यशास्त्र के अनुसार, सौर मंडल के प्रत्येक ग्रह को अपनी स्वयं की ध्वनि, टोन के साथ संपन्न किया गया था, और ग्रहों की गति ने आकाशीय संगीत बनाया था। ग्रहों के अलावा, ऋतुएं भी अपने स्वर से संपन्न थीं।
• मानव संगीत - प्रत्येक अंग, शरीर का अंग, मानव आत्मा अपनी स्वयं की ध्वनि से संपन्न थी, जिसने एक सामंजस्यपूर्ण स्वर का निर्माण किया।
• वाद्य संगीत - वाद्य बजाने की कला, मनोरंजन के लिए संगीत, सबसे कम प्रकार का पदानुक्रम।

पवित्र संगीत मुखर, वर्णिक था, और धर्मनिरपेक्ष संगीत वाद्य-स्वर था। वाद्य संगीत को हल्का, तुच्छ और उस युग के संगीत सिद्धांतकारों ने गंभीरता से नहीं लिया। यद्यपि मिनस्ट्रेल शिल्प ने संगीतकारों से महान प्रदर्शन कौशल की मांग की।

मध्य युग से यूरोप में आधुनिक युग तक संक्रमण की अवधि, जो लगभग ढाई शताब्दियों तक चली। इस अवधि के दौरान, जीवन के कई क्षेत्रों में महत्वपूर्ण परिवर्तन हुए; विज्ञान और कला का उत्कर्ष हुआ। पुनर्जागरण काल \u200b\u200bको विकास के कई घटकों और चरणों में विभाजित किया गया है। यह विभिन्न अंधविश्वासों से भी जुड़ा हुआ है, इतनी गहराई से कि आज भी इनका खंडन करने में काफी मेहनत लगती है।

• पहला और, शायद, मुख्य भ्रम पर विचार करना है (पुनर्जागरण के कई विचारकों की तरह) पुनरुद्धार ठीक पुनरुद्धार, संस्कृति और सभ्यता का पुनरुत्थान, जो बर्बर "मध्य युग, एक अंधेरे समय की लंबी अवधि के बाद आया था, एक अंधेरा समय।" संस्कृति के विकास में टूटना की अवधि। यह पूर्वाग्रह मध्य युग की पूर्ण अज्ञानता और इसके और पुनर्जागरण के बीच घनिष्ठ संबंध पर आधारित है; एक उदाहरण के रूप में, यह दो पूरी तरह से अलग क्षेत्रों - कविता और आर्थिक जीवन का उल्लेख करने के लिए पर्याप्त होगा। दांते XIII सदी में रहते थे, अर्थात् मध्य युग के चरमोत्कर्ष पर, पेट्रार्क - XIV में। आर्थिक जीवन के लिए, इसका वास्तविक पुनर्जागरण 13 वीं शताब्दी में भी होता है, व्यापार और बैंकिंग के तेजी से विकास का समय। वे कहते हैं कि हम प्राचीन लेखकों के पुनर्जागरण का श्रेय देते हैं, लेकिन यह भी अंधविश्वास है। यह ज्ञात है कि इस अवधि के दौरान केवल दो प्राचीन ग्रीक पांडुलिपियों की खोज की गई थी, बाकी पश्चिमी (मुख्यतः फ्रांस में) पहले से ही उपलब्ध थीं, पश्चिमी यूरोप के लिए 12 वीं और 13 वीं में मनुष्य और प्रकृति में रुचि से जुड़े पुरातनता की वापसी का अनुभव हुआ। सदियों।
• दूसरा अंधविश्वास पुनर्जागरण के दो घटकों के मिश्रण के साथ जुड़ा हुआ है, एक दूसरे के विपरीत, तथाकथित मानवतावाद और नए प्राकृतिक विज्ञान। मानवतावाद किसी भी तर्क, किसी भी कारण, किसी भी प्राकृतिक विज्ञान के प्रति शत्रुतापूर्ण है, जिसे वह एक लेखक, बयानबाजी, राजनीतिज्ञ कहे जाने वाले एक सुसंस्कृत व्यक्ति के "यांत्रिक" श्रम के रूप में मानता है। पुनर्जागरण पुरुष का आंकड़ा, जो एक ही समय में रॉटरडैम और गैलीलियो दोनों के इरास्मस को जोड़ता है, पौराणिक है, और पुनर्जागरण में निहित दुनिया की एकल छवि में विश्वास अंधविश्वास से अधिक कुछ नहीं है।
• तीसरा पूर्वाग्रह उस पुनर्जागरण के दर्शन की स्तुति करने के लिए है जो विद्वानवाद की तुलना में "महान" है।

वास्तव में, क्रुज़ेस्की के निकोलस (पुनर्जागरण की भावना से दूर) और गैलीलियो (जो पुनर्जागरण के अंत में रहते थे) के अपवाद के साथ, पुनर्जागरण के दार्शनिक, क्रिस्टेल के सही कथन के अनुसार, न तो अच्छे थे और न ही बुरे थे - वे बिल्कुल दार्शनिक नहीं थे। उनमें से कई उत्कृष्ट लेखक, वैज्ञानिक, प्राचीन ग्रंथों के पारखी, अपने मजाकिया और तेज दिमाग, साहित्यिक कौशल के लिए प्रसिद्ध थे। लेकिन दर्शन से उनका कोई लेना-देना नहीं था। इस प्रकार, मध्य युग के विचारकों के लिए उनका विरोध करना शुद्ध अंधविश्वास है।

• • एक और गलतफहमी पुनर्जागरण एक तूफानी क्रांति पर विचार करना है, अतीत के साथ एक पूर्ण विराम। दरअसल, इस अवधि के दौरान गहरा परिवर्तन होता है, लेकिन वे सभी अतीत से जुड़े हुए हैं, और किसी भी स्थिति में, मध्य युग में उनकी उत्पत्ति पाई जा सकती है। ये परिवर्तन अतीत में इतनी गहराई से निहित हैं कि पुनर्जागरण के सबसे बड़े विशेषज्ञों में से एक, हुइज़िंगा के पास इस युग को "मध्य युग का पतन" कहने का हर कारण था।

अंत में, यह भी अंधविश्वास है कि जो लोग पुनर्जागरण में रहते थे, उनमें से कम से कम अधिकांश लोग प्रोटेस्टेंट, मठवासी, नास्तिक या आत्मा में तर्कवादी होते हैं। वास्तव में, प्रसिद्ध पुनर्जागरण के प्रतिनिधियों के विशाल बहुमत, और दर्शन के क्षेत्र में लगभग हर कोई, लियोनार्डो और फिकिनो से लेकर गैलीलियो और कैम्पानेला, कैथोलिक धर्म के अक्सर उत्साही समर्थक और रक्षक थे। इसलिए, 40 साल की उम्र में मार्सिलियो फिकिनो ने ईसाई धर्म को अपनाया और नए युग के लिए कैथोलिक माफी मांगी।

मध्य युग के संगीत सिद्धांतकार गुइडो आरेतिन्स्की (10 वीं शताब्दी के अंत में) संगीत को निम्नानुसार परिभाषित करता है:

"संगीत मुखर ध्वनियों की गति है।"

इस परिभाषा में, मध्यकालीन संगीत सिद्धांतकार ने उस युग की संपूर्ण यूरोपीय संगीत संस्कृति के संगीत के प्रति दृष्टिकोण व्यक्त किया।

चर्च और धर्मनिरपेक्ष संगीत की संगीत शैलियों।

मध्य युग के पवित्र संगीत का स्रोत मठ का वातावरण था। गायन विद्यालयों में कानों द्वारा सीखा गया और चर्च के वातावरण में प्रचारित किया गया। विभिन्न प्रकार के मंत्रों के उद्भव के मद्देनजर, कैथोलिक चर्च ने ईसाई सिद्धांत की एकता को दर्शाते हुए मंत्रों को रद्द करने और विनियमित करने का निर्णय लिया।

इस प्रकार, कोरले दिखाई दिए, जो चर्च की संगीत परंपरा का व्यक्तिकरण बन गया। इसके आधार पर, अन्य शैलियों का विकास हुआ है, विशेष रूप से कुछ छुट्टियों और दिव्य सेवाओं के लिए बनाया गया है।

मध्य युग के पवित्र संगीत को निम्नलिखित शैलियों द्वारा दर्शाया गया है: कोरले, ग्रेगोरियन मंत्र - लैटिन में मोनोफोनिक धार्मिक मंत्र, स्पष्ट रूप से विनियमित, कोरस द्वारा प्रस्तुत, कुछ खंड - एकल कलाकार द्वारा

• • • मास कैथोलिक चर्च की मुख्य दिव्य सेवा है, जिसमें 5 स्थिर भाग (अध्यादेश) शामिल हैं - आई। क्यारी एलिसन (भगवान, दया करें), II। ग्लोरिया (महिमा), III। क्रेडो (मेरा मानना \u200b\u200bहै), IV। सैंक्टस (पवित्र), वी। अग्नुस देई (भगवान का मेमना)।
    • लिटर्गी, लिटर्जिकल ड्रामा - ईस्टर या क्रिसमस सेवा, जहां ग्रेगोरियन मंत्रों को अलंकृत ट्रोप की धुनों के साथ बारी-बारी से प्रस्तुत किया जाता है, कोरस द्वारा कोरस का प्रदर्शन किया जाता था, पात्रों के कुछ हिस्सों (मैरी, इवेंजेलिस्ट) को एकल कलाकारों द्वारा प्रस्तुत किया जाता था, कभी-कभी वेशभूषा के कुछ झलक दिखाई देते थे
    • रहस्य एक विस्तृत नाटक है, जिसमें एक विस्तृत मंच कार्रवाई, वेशभूषा होती है
    • रोंडेल (रोंडो, आरयू) एक परिपक्व और दिवंगत मध्य युग की एक पॉलीफोनिक शैली है, जो लेखक के माधुर्य (कैनोनाइज़्ड चोरेल के विपरीत) पर आधारित है, जिसे एकल में टर्न में प्रवेश किए गए एकल कलाकारों द्वारा अनुचित तरीके से किया गया था (प्रारंभिक रूप) कैनन)
    • प्रोप्रियम मास शैली का एक हिस्सा है, जो चर्च कैलेंडर के आधार पर बदलता है (जैसा कि द्रव्यमान के अपरिवर्तित हिस्से के विपरीत है - अध्यादेश)
    • एंटिफोन चर्च कोरल संगीत की सबसे प्राचीन शैली है, दो कोरल समूहों द्वारा भागों के प्रत्यावर्तन पर आधारित है

चर्च के संगीत के नमूने:

1) केरी एलिसन जप

२) क्रम विजयी पाशली

मध्य युग का धर्मनिरपेक्ष संगीत मुख्य रूप से यात्रा के संगीतकारों का संगीत था और स्वतंत्रता, वैयक्तिकरण और भावनात्मकता द्वारा प्रतिष्ठित था। इसके अलावा, धर्मनिरपेक्ष संगीत सामंती प्रभुओं की दरबारी, शूरवीर संस्कृति का हिस्सा था। चूंकि नाइट में अति सुंदर शिष्टाचार, उदारता, उदारता, सुंदर महिला की सेवा करने के लिए कर्तव्यों के लिए निर्धारित कोड होते हैं, ये पार्टियां परेशानियों और खानों के गीतों में अपना प्रतिबिंब नहीं देख पाती हैं।

धर्मनिरपेक्ष संगीत की धुनों, बाजीगरों, ट्रबडबर्स या ट्राउजर्स, minstrels (फ्रांस में), मिनीसिंगर्स, स्पीलमैन (जर्मनिक देशों में), होहलर्स (स्पेन में), बफून (रूस में) द्वारा संगीत प्रदर्शन किया गया था। इन कलाकारों को न केवल गाने, बजाने और नृत्य करने में सक्षम होना था, बल्कि सर्कस प्रदर्शन, जादू की चाल, नाटकीय दृश्य भी दिखाने में सक्षम थे, और अन्य तरीकों से हर संभव तरीके से दर्शकों का मनोरंजन करना था।
इस तथ्य के कारण कि संगीत विज्ञान में से एक था और विश्वविद्यालयों में पढ़ाया जाता था, सामंती प्रभु और कुलीन लोग जो शिक्षा प्राप्त करते थे, वे कला में अपना ज्ञान लागू कर सकते थे।
इस प्रकार, अदालत के माहौल में संगीत विकसित हुआ। ईसाई तपस्या के विपरीत, शिष्ट संगीत ने कामुक प्रेम और सुंदर महिला के आदर्श को महिमामंडित किया। संगीतकारों के रूप में बड़प्पन के बीच जाना जाता था - गुइल्यूम - सातवीं, काउंटर्स की गिनती, एक्वायटाइन के ड्यूक, जीन ब्रिएन - यरूशलेम के राजा, पियरे मोक्लेयर - ड्यूक ऑफ ब्रिटनी, थिबा शैंपेन - नवरे के राजा।

मध्य युग के धर्मनिरपेक्ष संगीत की मुख्य विशेषताएं और विशेषताएं:

• • • लोककथाओं पर आधारित, लैटिन में नहीं, बल्कि देशी भाषाओं की बोलियों में प्रदर्शन किया गया।
    • भटकने वाले कलाकारों के बीच संकेतन का उपयोग नहीं किया जाता है, संगीत एक मौखिक परंपरा है (बाद में, अदालत के माहौल में संगीत लेखन विकसित हुआ)
    • मुख्य विषय उसके सांसारिक जीवन की सभी विविधता में एक व्यक्ति की छवि है, आदर्श कामुक प्यार
    • monophony - एक काव्य और गीत के रूप में व्यक्तिगत भावनाओं को व्यक्त करने के तरीके के रूप में
    • मुखर और वाद्य प्रदर्शन, उपकरणों की भूमिका अभी तक बहुत अधिक नहीं है, वाद्य मुख्य रूप से परिचय, अंतःक्रिया कोड थे
    • माधुर्य विविध था, लेकिन एक ही समय में लयबद्ध - canonized - यह चर्च संगीत का प्रभाव था, ताल की केवल 6 किस्में थीं (लयबद्ध तरीके), और उनमें से प्रत्येक में एक सख्ती से आलंकारिक सामग्री थी

ट्रूडो, ट्रिब्यूटर्स और मिनसिंगर्स ने शिष्टाचार से संगीत के साथ खेलकर अपनी मूल विधाएं बनाईं:

• • • "वीविंग" और "मे" गाने
    • रोंडो - एक फार्म एक दोहराए जाने से बचने पर आधारित है
    • गाथा - गीत-संगीत-गीत
    • विरेले - एक तीन-पंक्ति छंद (तीसरी पंक्ति को छोटा) के साथ पुराना फ्रांसीसी काव्य रूप, एक ही कविता और एक कोरस
    • वीर महाकाव्य ("रोलैंड का गीत", "निबेलुंग्स का गीत")
    • क्रूसेडर्स के गीत (फिलिस्तीन के गीत)
    • कैनकोना (मिनबािंगर को बुलाया - अल्बा) - प्रेम, गीत का गीत

X - XI सदियों में शहरी संस्कृति के विकास के लिए धन्यवाद। धर्मनिरपेक्ष कला अधिक सक्रिय रूप से विकसित होने लगी। पूरे शहर के प्रखंडों को आबाद करते हुए, इतिवृत्त संगीतकार तेजी से एक गतिहीन जीवन शैली चुन रहे हैं।

यह दिलचस्प है कि XII-XIII सदियों से भटकने वाले संगीतकार। आध्यात्मिक विषयों पर लौटें। लैटिन से स्थानीय भाषाओं में संक्रमण और इन कलाकारों की अपार लोकप्रियता ने उन्हें स्ट्रासबर्ग, रूएन, रिम्स के कैथेड्रल में आध्यात्मिक प्रदर्शन में भाग लेने की अनुमति दी। कंबराई। समय के साथ, कुछ यात्रा के संगीतकारों ने बड़प्पन के महल और फ्रांस, इंग्लैंड, सिसिली और अन्य देशों के न्यायालयों में प्रदर्शन आयोजित करने का अधिकार हासिल कर लिया।

12 वीं -13 वीं शताब्दियों तक, भगोड़े भिक्षुओं, यात्रा करने वाले विद्वानों, और पादरी के निचले तबके के वंशज - वागंट और गॉलियार्ड यात्रा करने वाले संगीतकारों के बीच दिखाई दिए।

मध्ययुगीन शहरों में सेडेंटरी संगीतकारों ने पूरे संगीत कार्यशालाओं का निर्माण किया - "द ब्रदरहुड ऑफ सेंट जूलियन" (पेरिस, 1321), "द ब्रदरहुड ऑफ सेंट निकोलस" (वियना, 1288)। इन संघों के लक्ष्य संगीतकारों के अधिकारों की रक्षा करना, पेशेवर परंपराओं को संरक्षित करना और संचारित करना था।

XIII में - XVI सदियों। नई विधाएं बनती हैं, जो अरस नोवा के युग में पहले से ही विकसित हैं:

• • • मोटेट (फ्रेंच से - "शब्द") एक पॉलीफोनिक शैली है, जो एक ही समय में विभिन्न ग्रंथों को स्वर देने वाली आवाज़ों के मधुर प्रसार द्वारा प्रतिष्ठित है, कभी-कभी अलग-अलग भाषाओं में भी, दोनों धर्मनिरपेक्ष सामग्री और आध्यात्मिक हो सकते हैं
    • मद्रिगल (इतालवी से - "मूल भाषा में गीत", अर्थात इतालवी) - प्रेम-गीतात्मक, देहाती गीत,
    • कैसिया (इतालवी से - "शिकार") शिकार के विषय पर एक मुखर टुकड़ा है।

ट्रिब्यूटर्स और पेशेवर संगीतकारों द्वारा धर्मनिरपेक्ष संगीत।

अतिरिक्त जानकारी:

हमारी जानकारी के युग में, उच्च प्रौद्योगिकियों की आयु, हम अक्सर आध्यात्मिक मूल्यों को बनाए रखने के बारे में भूल जाते हैं। इन मूल्यों में से एक शास्त्रीय संगीत है - हमारे पूर्वजों की आध्यात्मिक विरासत। शास्त्रीय संगीत क्या है, एक आधुनिक व्यक्ति को इसकी आवश्यकता क्यों है? कई लोगों को क्यों लगता है कि यह बहुत उबाऊ है? आइए इन कठिन मुद्दों को समझने की कोशिश करें। आप अक्सर यह राय सुन सकते हैं कि शास्त्रीय संगीत वह माना जाता है जो बहुत पहले लिखा गया था। ऐसा नहीं है, क्योंकि इस अवधारणा का अर्थ मानव सभ्यता के अस्तित्व के पूरे समय के लिए संगीत की दुनिया में बनाए गए सभी सर्वश्रेष्ठ हैं। बीथोवेन का सोनाटा, जिसे 18 वीं शताब्दी में बनाया गया था, और Sviridov का रोमांस, जो 40 साल पहले लिखा गया था, सभी क्लासिक्स हैं! मुख्य बात यह है कि यह संगीत समय की कसौटी पर खरा उतरा है। और बीथोवेन के दिनों में, और अब ऐसे कला डीलर हैं जो कम गुणवत्ता वाले संगीत उत्पाद का उत्पादन करते हैं। यह उत्पाद बहुत जल्दी बिगड़ता है, और वास्तविक कला हर दिन अधिक से अधिक सुंदर होती जा रही है।

नोट्स की उपस्थिति

लेखन, मानव जाति के महान आविष्कार, ने भविष्य की पीढ़ियों के लिए विचारों, विचारों और छापों को संचित और संचारित करना संभव बना दिया। एक और आविष्कार, कोई कम महान नहीं, संगीतमय संकेतन, ने ध्वनियों और संगीत को वंशजों तक पहुंचाना संभव बना दिया। नोटों से पहले, यूरोपीय संगीत में विशेष संकेतों का उपयोग किया गया था - नीम।

आधुनिक संगीत संकेतन प्रणाली के आविष्कारक बेनेडिक्टिन भिक्षु गुइडो एरेतिन्स्की (गुइडो डी'रेज़ो) (990-1050) हैं। Arezzo टस्कनी में एक छोटा शहर है, जो फ्लोरेंस से दूर नहीं है। स्थानीय मठ में, भाई गुइडो ने कलीसियाओं को सिखाया कि वे चर्च मंत्र कैसे निभा सकते हैं। यह व्यवसाय आसान और लंबा नहीं था। सभी ज्ञान और कौशल सीधे संचार में मौखिक रूप से प्रसारित किए गए थे। गायक, शिक्षक के मार्गदर्शन में और उनकी आवाज़ से, कैथोलिक मास के प्रत्येक भजन और प्रत्येक मंत्र को लगातार सीखते रहे। इसलिए, पूर्ण "अध्ययन के पाठ्यक्रम" में लगभग 10 साल लगे।

Guido Aretinsky ने नोट्स के साथ ध्वनियों को चिह्नित करना शुरू कर दिया (लैटिन शब्द नोटा - साइन से)। नोटों, छायांकित वर्गों को, सीढ़ी पर रखा गया था, जिसमें चार समानांतर रेखाएं थीं। अब इनमें से पांच लाइनें हैं, और नोटों को मंडलियों में दर्शाया गया है, लेकिन गुइडो द्वारा पेश किया गया सिद्धांत अपरिवर्तित रहा। उच्च शासक पर उच्चतर नोट प्रदर्शित होते हैं। सात नोट हैं, वे एक सप्तक बनाते हैं।

गुइडो ने ऑक्टेव के सात नोटों में से प्रत्येक को एक नाम दिया: ut, re, mi, fa, sol, la, si। ये सेंट के भजन के पहले शब्दांश हैं जॉन। इस भजन की प्रत्येक पंक्ति पिछले एक की तुलना में एक उच्च स्वर गाया जाता है।

अगले सप्तक के नोटों को एक ही नाम दिया गया है, लेकिन उच्च या निचली आवाज़ में गाया जाता है। जैसे ही आप एक ऑक्टेव से दूसरे में जाते हैं, उसी नोट से संकेतित ध्वनि की आवृत्ति आधे से बढ़ जाती है या घट जाती है। उदाहरण के लिए, संगीत वाद्ययंत्र को पहले सप्तक के नोट ए में बांधा जाता है। यह नोट 440 हर्ट्ज की आवृत्ति से मेल खाता है। अगले, दूसरे, सप्तक के लिए नोट 880 हर्ट्ज की आवृत्ति के अनुरूप होगा।

सभी नोटों के नाम, पहले को छोड़कर, एक स्वर ध्वनि में समाप्त होते हैं, वे गाने के लिए सुविधाजनक हैं। शब्दांश शब्द बंद है और इसे दूसरों की तरह गाना असंभव है। इसलिए, सप्तक के पहले नोट का नाम, ut, सोलहवीं शताब्दी में करने के लिए बदल दिया गया था (लैटिन शब्द डोमिनस - लॉर्ड से सबसे अधिक संभावना है)। सप्तक का अंतिम नोट, सी, भजन की अंतिम पंक्ति के दो शब्दों का एक संकुचन है, सैंक्ते आयोनेस। अंग्रेजी बोलने वाले देशों में, "सी" नोट का नाम "टी" द्वारा बदल दिया गया था, ताकि पत्र सी के साथ भ्रमित न हो, इसका उपयोग संगीत संकेतन में भी किया गया था।

नोट्स का आविष्कार करने के बाद, गुइडो ने गायकों को यह अजीबोगरीब वर्णमाला सिखाई, और उन्हें नोट्स से गाना भी सिखाया। यही है, जिसे आधुनिक संगीत स्कूलों में सॉलफैगियो कहा जाता है। अब नोटों में पूरे द्रव्यमान को लिखना पर्याप्त था, और गायक पहले से ही आवश्यक राग गा सकते थे। अब प्रत्येक गीत को व्यक्तिगत रूप से सिखाने की आवश्यकता नहीं है। गुइडो को केवल प्रक्रिया को नियंत्रित करना था। गायकों के लिए प्रशिक्षण का समय पाँच गुना कम कर दिया गया है। दस साल के बजाय - दो साल!।

जिस घर में गुइडो का जन्म हुआ, उस स्थान पर वाया रिकासोल्ली के अरेज़ो में स्मारक पट्टिका है। इसमें वर्ग नोटों को दर्शाया गया है।

यह कहा जाना चाहिए कि अरेज़्ज़ो के भिक्षु गुइडो संकेतों का उपयोग करके संगीत रिकॉर्ड करने के विचार के साथ आने वाले पहले नहीं थे। उनसे पहले, पश्चिमी यूरोप में, पहले से ही न्युमस की एक प्रणाली थी (ग्रीक शब्द "न्यूमो" - श्वास) से, गीत के स्वर के उदय या पतन को इंगित करने के लिए स्तोत्र के पाठ पर चिपकाए गए संकेत। रूस में, इसी उद्देश्य के लिए, उन्होंने "हुक" या "बैनर" की अपनी प्रणाली का उपयोग किया।

गुइडो एरेतिन्स्की के चौकोर नोट, कर्मचारियों की चार पंक्तियों में रखे गए, संगीत की रिकॉर्डिंग के लिए सबसे सरल और सबसे सुविधाजनक प्रणाली बन गई। उनके लिए धन्यवाद, संगीत की धारणा दुनिया भर में फैल गई है। संगीत ने चर्च छोड़ दिया और पहले शासकों और रईसों के महलों में चले गए, और फिर एक आम संपत्ति बनकर सिनेमाघरों, कॉन्सर्ट हॉल और शहर के चौकों तक पहुंच गए।

झल्लाहट क्या है

संगीत सिद्धांत में फ्रेट केंद्रीय शब्दों में से एक हैं। यह समझना कि वे कैसे निर्मित हैं और कुशलता से उनका उपयोग करते हैं, संगीतकार के लिए असीमित संभावनाएं खोलते हैं। और अक्सर यह स्पष्ट करना असंभव है कि किसी विशेष रचना में एक दिलचस्प संक्रमण कैसे बनाया जाता है - अगर कोई व्यक्ति यह नहीं समझता है कि सद्भाव क्या है। लेकिन एक पकड़ है: "सामंजस्य" शब्द का उपयोग संगीतकारों द्वारा स्वयं किया जाता है, जिसका अर्थ अक्सर एक ही बात नहीं होता है। ऐसा क्यों है? और यह क्या है, वैसे भी? विभिन्न युगों में इस शब्द के बहुत भिन्न अर्थों के कारण भ्रम पैदा हुआ।

हमें एहसास नहीं है कि हमारी धारणा को शास्त्रीय संगीत से कितना जोड़ा गया है। (जबकि "आधुनिक संगीत" की अवधारणा शास्त्रीय सिद्धांतों से प्रस्थान है)। क्लासिकिज़्म का युग दुनिया की मानवीय धारणा में एक महान ऐतिहासिक टूटन है। मध्य युग के बाद, लोगों ने प्राचीन कला की खोज की और मोहित हो गए। क्लासिकिज़्म का कोई भी काम सख्त कैनन पर बनाया गया है, जिससे ब्रह्मांड की सद्भाव और स्थिरता का पता चलता है। क्लासिकवाद ने एक संरचनात्मक आदेश तैयार किया - उच्चतम और निम्नतम, मुख्य और माध्यमिक, केंद्रीय और उपनगरीय इलाके की एक स्पष्ट पदानुक्रम। इसलिए, उदाहरण के लिए, विनीज़ क्लासिक्स और रोमांटिक संगीत के साथ शुरू, हम सिस्टम में सोचते हैं - "प्रमुख-मामूली"। यह क्या है और यह हमारी धारणा को कैसे प्रभावित करता है?

मेजर और माइनर टोनल स्केल हैं। एक टोनल मोड, टोन के बीच संबंधों की एक निश्चित प्रणाली है। इसका क्या मतलब है? स्वर क्या है? आइए इसे जानने की कोशिश करते हैं। मान लीजिए कि आपके सामने एक पियानो है: कीबोर्ड को देखें: सामान्य डो-री-एमआई-एफए-एल-एल-सी, 7 सफेद चाबियाँ और उनके बीच 5 और काले लोग, कुल में 12। प्रत्येक के बीच की दूरी। उनमें से दो एक अर्धविराम है। आसन्न काले और सफेद के बीच हमेशा एक अर्धविराम होता है। आसन्न गोरों के बीच - टोन (अपवाद एमआई-एफए हैं, और सी-डू सेमिटोन हैं)।

टोन और सेमीटोन का कोई भी सेट एक पैमाना है। क्लासिकवाद के युग में, उन्होंने इसे टॉनिक के सभी स्वरों के सख्त समन्वय के साथ बनाना शुरू किया - मुख्य स्वर। यह प्रमुख या मामूली पैमाना है। सभी तानवाला संगीत (सभी क्लासिक्स) मुख्य और अधीनस्थ व्यंजन के बीच संबंधों पर सटीक रूप से बनाया गया है। कान से, हम सहज रूप से प्रमुख और नाबालिगों के बीच अंतर करते हैं जिस तरह से वे रंगीन होते हैं - "खुश" या "उदास"। चर मोड तब होता है जब एक टुकड़े में एक ही समय में प्रमुख और मामूली दोनों विशेषताएं होती हैं। लेकिन उनके पास एक सामान्य सिद्धांत है - तानवाला।

हालांकि, यह सिद्धांत एकमात्र संभव नहीं है। क्लासिकिज़्म के युग से पहले, जब सब कुछ अंततः टोनलिटी के सामंजस्यपूर्ण व्यवस्था में आदेश दिया गया था, संगीत की सोच अलग थी। इयोनियन, डोरियन, फ़्रीजियन, लिडियन, मिक्सोलिडियन, आइओलियन, लोकेरियन ... ये यूनानियों के ऑक्टेव मोड हैं। और फिर ग्रेगोरियन संगीत के चर्च मोड थे। ये सभी मोडल मोड हैं। उन्होंने प्राचीन काल में संगीत की रचना की, मध्य युग, पूर्वी संगीत परंपरा आधुनिक है (उदाहरण के लिए भारतीय राग या अरब मकाम)। पुनर्जागरण यूरोप के संगीत में भी आधुनिकता कायम रही।

हमारे द्वारा उपयोग किए जाने वाले टोनल लुक से मुख्य अंतर क्या है? तानवाला मोड में मुख्य उच्चारण और तार के कार्यों का एक सख्त परिसीमन होता है, और मोडल संगीत में वे बहुत अधिक धुंधले होते हैं। मोडल स्केल के लिए, स्केल अपने आप में समग्र रूप से महत्वपूर्ण है - और अर्थ और रंग जो इसे संगीत में ला सकते हैं। इसीलिए हम मध्ययुगीन रागों से भारतीय संगीत को आसानी से अलग कर सकते हैं - कुछ व्यंजन और संगीत की चाल के अनुसार।

बीसवीं शताब्दी तक, संगीतकारों ने टोनल संगीत के भीतर सभी प्रकार की ध्वनि की कोशिश की है। "मैं ऊब गया हूँ, शैतान!" इस तरह एक नई विधा का उदय हुआ। आधुनिक संगीत में नए तरीके दिखाई दिए हैं - उदाहरण के लिए, ब्लूज़। इसके अलावा, एक विशेष शैली उभरा है - मोडल जैज़। माइल डेविस, उदाहरण के लिए, मोडल संगीत को "सामान्य सात-नोट स्केल से विचलन कहा जाता है, जहां हर नोट फोकस से बाहर लगता है।" और उन्होंने कहा कि "इस दिशा में चलना, आप अनंत तक जाते हैं।" लब्बोलुआब यह है कि तानवाला और मोडल सिद्धांत परस्पर अनन्य नहीं हैं। एक टुकड़े में, उनके संकेत मिश्रित हो सकते हैं। मॉडरेशन, जैसा कि यह था, एक और परत जो "प्रमुख / नाबालिग" पर आरोपित है, जिसका हम उपयोग करते हैं। और विभिन्न मोडल मोड के उपयोग से संगीत का रंग बदल जाता है: उदाहरण के लिए, फ्रिज़ी फेट बदल जाता है, क्योंकि इसका पैमाना मुख्य रूप से कम होता है। यदि आप संगीत लिख रहे हैं, तो इन मोडल विशेषताओं को जानने से आपको रोचक ध्वनि प्राप्त करने में मदद मिल सकती है।

रंग, मनोदशा, चरित्र - ये सद्भाव के संकेत हैं जो हम सुनते हैं, लेकिन अक्सर इसका एहसास नहीं होता है। अक्सर गानों में हम मोडल मोड़ से आकर्षित होते हैं - क्योंकि वे असामान्य होते हैं। श्रवण, शास्त्रीय संगीत पर लाया गया, रोजमर्रा की जिंदगी से इस विदाई को दर्शाता है। यह सब और बहुत कुछ पता चलता है जब आप संगीत की भाषा को समझते हैं।

मध्य युग का संगीत संगीत संस्कृति के विकास की अवधि है, इस अवधि को लगभग 5 वीं से 14 वीं शताब्दी ए.डी.

मध्य युग मानव इतिहास में एक महान युग है, सामंती व्यवस्था के प्रभुत्व का समय है।

संस्कृति की अवधि:

प्रारंभिक मध्य युग - वी - एक्स सदियों

परिपक्व मध्य युग - XI - XIV सदियों

395 में, रोमन साम्राज्य दो भागों में विभाजित हो गया: पश्चिमी और पूर्वी। 5 वीं -9 वीं शताब्दी में रोम के खंडहरों पर, पश्चिमी भाग में, बर्बर राज्य मौजूद थे: ओस्ट्रोगोथ्स, विसिगोथ्स, फ्रैंक्स आदि। 9 वीं शताब्दी में, शारलेमेन के साम्राज्य के पतन के परिणामस्वरूप, तीन राज्यों का गठन किया गया था। यहाँ: फ्रांस, जर्मनी, इटली। पूर्वी भाग की राजधानी कांस्टेंटिनोपल थी, जिसकी स्थापना सम्राट कांस्टेनटाइन ने यूनानी उपनिवेश बायज़ैन्टियम की साइट पर की थी - इसलिए राज्य का नाम।

मध्य युग में, यूरोप में एक नई प्रकार की संगीत संस्कृति उभर रही है - सामंती, पेशेवर कला, शौकिया संगीत-निर्माण और लोककथाओं का संयोजन। चूंकि चर्च आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों पर हावी है, इसलिए पेशेवर संगीत कला का आधार मंदिरों और मठों में संगीतकारों की गतिविधि है। धर्मनिरपेक्ष पेशेवर कला को शुरू में केवल गायकों द्वारा दर्शाया जाता है, जो योद्धाओं, आदि (बार्ड्स, स्कैल्ड्स, आदि) के बीच कुलीनता के घरों में, अदालत में महाकाव्य कहानियों का निर्माण और प्रदर्शन करते हैं। समय के साथ, शिवलिंग के संगीत-निर्माण के शौकिया और अर्ध-व्यावसायिक रूप विकसित होते हैं: फ्रांस में - जर्मनी में ट्रबलबैडर्स और ट्राउजर्स (एडम डे ला हाल, तेरहवीं शताब्दी) की कला - मिनेसिंगर्स (वोल्फ्राम वॉन एस्चेंबाक, वाल्टर वॉन डेर वोगेल्वाइड) XII-XIII सदियों), और शहरी कारीगर भी। गीतों के सभी प्रकार के जेनेरा, शैलियों और रूपों की खेती सामंती महल में और शहरों में (महाकाव्य, "भोर", रोंडो, ले, विएरेले, गाथागीत, कैनज़ोन, लुडा, आदि) में की जाती है।

नए संगीत वाद्ययंत्र रोजमर्रा की जिंदगी में प्रवेश करते हैं, जिसमें पूर्व (वायोला, ल्यूट आदि) से आए लोग, पहनावा (अस्थिर रचनाएं) दिखाई देते हैं। लोक परिवेश किसान परिवेश में पनपता है। "लोक पेशेवरों" के अभिनय भी हैं: कहानीकार, भटकते हुए सिंथेटिक कलाकार (बाजीगर, मीम्स, मिंटस्ट्रेल, श्पिलमैन, बफून)। संगीत फिर से मुख्य रूप से लागू और आध्यात्मिक-व्यावहारिक कार्य करता है। रचनात्मकता प्रदर्शन के साथ एकता में दिखाई देती है (आमतौर पर एक व्यक्ति में)।

धीरे-धीरे, धीरे-धीरे, संगीत की सामग्री, इसकी शैलियों, रूपों, अभिव्यक्ति के साधनों को समृद्ध किया जा रहा है। 6 वीं -7 वीं शताब्दी से पश्चिमी यूरोप में। मोनोफोनिक (मोनोडिक) चर्च संगीत का एक कड़ाई से विनियमित प्रणाली डायटोनिक मोड्स (ग्रेगोरियन गायन) पर आधारित था, जो संयोजन (भजन) और गायन (भजन) का संयोजन था। पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर, पॉलीफनी का जन्म होता है। नए स्वर (कोरल) और स्वर-वाद्य (गायन और अंग) शैलियां बन रही हैं: ऑर्गन, मोटेट, चालन, फिर द्रव्यमान। फ्रांस में, बारहवीं शताब्दी में, नॉट्रे डेम कैथेड्रल (लियोनिन, पेरोटिन) में पहली रचना (रचनात्मक) स्कूल का गठन किया गया था। पेशेवर संगीत में पुनर्जागरण (फ्रांस और इटली में ar नोवा शैली, XIV सदी) के मोड़ पर, पॉलीफोनी द्वारा मोनोफोन को दबा दिया जाता है, संगीत धीरे-धीरे खुद को पूरी तरह से व्यावहारिक कार्यों (सर्विसिंग चर्च अनुष्ठानों) से मुक्त करना शुरू कर देता है, धर्मनिरपेक्ष शैलियों का महत्व , गीत शैलियों सहित, इसमें वृद्धि होती है (गुइल्यूम डी मचौत)।

मध्य युग का भौतिक आधार सामंती संबंधों से बना था। मध्यकालीन संस्कृति ग्रामीण संपदा की स्थितियों में बनती है। भविष्य में, शहरी वातावरण - बर्गर - संस्कृति का सामाजिक आधार बन जाता है। राज्यों के गठन के साथ, मुख्य सम्पदा बनते हैं: पादरी, कुलीन लोग।

मध्य युग की कला चर्च के साथ निकटता से जुड़ी हुई है। ईसाई धर्म दर्शन, नैतिकता, सौंदर्यशास्त्र और इस समय के संपूर्ण आध्यात्मिक जीवन का आधार है। धार्मिक प्रतीकवाद से भरा, कला सांसारिक, क्षणभंगुर से आध्यात्मिक, अनन्त के लिए निर्देशित है।

आधिकारिक चर्च संस्कृति (उच्च) के साथ, एक धर्मनिरपेक्ष संस्कृति (जमीनी स्तर) - लोक (निम्न सामाजिक स्तर) और शूरवीर (अदालत) थी।

प्रारंभिक मध्य युग के पेशेवर संगीत के मुख्य केंद्र कैथेड्रल थे, उनके साथ स्कूलों का जप, मठ - उस समय की शिक्षा के एकमात्र केंद्र थे। उन्होंने ग्रीक और लैटिन, अंकगणित और संगीत का अध्ययन किया।

मध्य युग के दौरान रोम पश्चिमी यूरोप में चर्च संगीत का मुख्य केंद्र था। 6 वीं के अंत में - 7 वीं शताब्दी की शुरुआत। पश्चिमी यूरोपीय चर्च संगीत की मुख्य विविधता है - ग्रेगोरियन जप, पोप ग्रेगरी I के नाम पर, जिन्होंने चर्च गायन में सुधार किया, एक साथ लाया और विभिन्न चर्च मंत्रों का आदेश दिया। ग्रेगोरियन जप एक मोनोफोनिक कैथोलिक जप है जिसमें विभिन्न मध्य पूर्वी और यूरोपीय लोगों (सीरियाई, यहूदी, यूनानी, रोमन, आदि) की सदियों पुरानी गायन परंपराओं का विलय हो गया है। यह एक एकल माधुर्य की सहज मोनोफोनिक खुलासा था जिसे कैथोलिक धर्म के कुत्तों के अनुसार एक एकल इच्छा को निर्देशित करने के लिए कहा गया था। संगीत का चरित्र सख्त, अवैयक्तिक है। कोरले एक कोरस (इसलिए नाम), एक एकल कलाकार द्वारा कुछ वर्गों द्वारा किया गया था। डायटोनिक मोड के आधार पर आगे की गति प्रबल होती है। ग्रेगोरियन गायन ने कई ग्रेडेशन की अनुमति दी, जिसमें गंभीर धीमी गति से चलने वाले भजन से लेकर वर्षगांठ तक (एक शब्दांश का मधुर मंत्र), उनके प्रदर्शन के लिए गुणात्मक गायन कौशल की आवश्यकता होती है।

ग्रेगोरियन का जप सुनने वाले को वास्तविकता से अलग कर देता है, विनम्रता को उकसाता है, चिंतन, रहस्यमय वैराग्य की ओर ले जाता है। इस प्रभाव को लैटिन में पाठ द्वारा भी सुविधाजनक बनाया गया है, जो कि पारिश्रमिक के थोक के लिए समझ से बाहर है। गायन की लय पाठ द्वारा निर्धारित की गई थी। पाठ के विलोपन के उच्चारण की प्रकृति के कारण यह अस्पष्ट, अनिश्चित है।

कैथोलिक चर्च की मुख्य पूजा में ग्रेगोरियन जप के विभिन्न प्रकारों को एक साथ लाया गया था, जिसमें पाँच स्थिर तरीके शामिल थे:

किरी एलिसन (भगवान की दया है)

ग्लोरिया (महिमा)

क्रेडो (मेरा मानना \u200b\u200bहै)

सैंक्टस (पवित्र)

अग्नुस देई (भगवान का मेमना)।

समय के साथ, लोक संगीत के तत्वों ने भजनों, क्रमों और ट्रॉप्स के माध्यम से ग्रेगोरियन जप में रिसना शुरू कर दिया। यदि भजन गायकों और पादरी के एक पेशेवर गायक द्वारा गाया जाता था, तो भजन पहले parishioners द्वारा किया जाता था। वे आधिकारिक पूजा में सम्मिलित थे (उनके पास लोक संगीत की विशेषताएं थीं)। लेकिन जल्द ही द्रव्यमान के भजन भागों ने psalmodic वाले को दबाना शुरू कर दिया, जिसके कारण पॉलीफोनिक द्रव्यमान की उपस्थिति हुई।

पहला सीक्वेंस सालगिरह की धुन के लिए एक सबटेक्स्ट था ताकि मेलोडी की एक आवाज़ का एक अलग सिलेबल हो। सीक्वेंसिंग एक व्यापक शैली बनती जा रही है (सबसे लोकप्रिय हैं "वेनी, पवित्रा स्पिरिटस", "डाइस इरे", "स्टैबट मैटर")। "डाइस आयरे" का उपयोग बर्लिओज़, लिसस्टे, त्चिकोवस्की, राचमानिनॉफ़ (बहुत बार मृत्यु के प्रतीक के रूप में) द्वारा किया जाता था।

पॉलीफोनी के पहले उदाहरण मठों से आते हैं - ऑर्गनम (समानांतर पंद्रहवें या क्वार्ट्स में आंदोलन), गिमेल, फोबुरडॉन (समानांतर छठ तार), आचरण। संगीतकार: लियोनिन और पेरोटिन (12-13वीं शताब्दी - नोट्रे डेम कैथेड्रल)।

मध्य युग में धर्मनिरपेक्ष लोक संगीत के वाहक थे फ्रांस में मिम्स, बाजीगर, मिनीस्ट्रेल, जर्मन संस्कृति के देशों में स्पीलमैन, स्पेन में होहलर्स, रूस में बफून। ये यात्रा करने वाले कलाकार बहुमुखी स्वामी थे: उन्होंने गायन, नृत्य, विभिन्न उपकरणों को जादू, सर्कस कला और कठपुतली के साथ जोड़ा।

धर्मनिरपेक्ष संस्कृति का दूसरा पक्ष शूरवीर (दरबारी) संस्कृति (धर्मनिरपेक्ष सामंती प्रभुओं की संस्कृति) था। लगभग सभी महान लोग शूरवीर थे - गरीब योद्धाओं से लेकर राजा तक। एक विशेष शूरवीर संहिता बनाई जा रही है, जिसके अनुसार शूरवीर, साहस और वीरता के साथ, उत्तम शिष्टाचार होना चाहिए, शिक्षित होना चाहिए, उदार होना चाहिए, उदारता, ईमानदारी से सुंदर महिला की सेवा करनी चाहिए। शूरवीरों के जीवन के सभी पहलुओं को संगीत और काव्यात्मक कला में दर्शाया गया है, जो संकटमोचन (प्रोवेंस - दक्षिणी फ्रांस), ट्राउजर (उत्तरी फ्रांस), मिनीसिंगर्स (जर्मनी)। ट्रबलबैडर्स की कला मुख्य रूप से प्रेम गीतों से जुड़ी है। लव लिरिक्स की सबसे लोकप्रिय शैली एरिज़ोना थी (मीनिंगर्स के बीच - "मॉर्निंग सॉन्ग्स" - एल्ब्स)।

ट्रूवर्स के अनुभव का व्यापक उपयोग करते हुए ट्रूवर्स ने अपने स्वयं के मूल शैलियों का निर्माण किया है: "बुनाई वाले गीत", "मई गाने"। ट्राउडबॉर्स, ट्राउज़र्स और मिनिंगर्स के संगीत शैलियों का एक महत्वपूर्ण क्षेत्र गीत और नृत्य शैलियों था: रोंडो, बैलाड, वाइरेले (बचना रूपों), साथ ही साथ वीर महाकाव्य (फ्रेंच महाकाव्य "रोलाण्ड का गीत", जर्मन - "सॉंग ऑफ़" निबेलुंग्स ")। मंत्रमुग्ध करने वालों में क्रूसेडर गाने आम थे।

ट्रबलबैडर्स, ट्राउवर्स और मिनिंगिंगर की कला की विशेषताएं:

मोनोफोनिक मेलोडी और काव्य पाठ के बीच अटूट संबंध का एक परिणाम है, जो संगीत और काव्य कला के बहुत सार से आता है। मोनोफनी ने अपने स्वयं के अनुभवों की व्यक्तिगत अभिव्यक्ति के लिए भी बयान की सामग्री के एक व्यक्तिगत मूल्यांकन के लिए, अक्सर (व्यक्तिगत अनुभवों की अभिव्यक्ति को प्रकृति की तस्वीरों को रेखांकित करके बनाया गया था) के अनुरूप था।

मुख्य रूप से मुखर प्रदर्शन। वाद्ययंत्र की भूमिका महत्वपूर्ण नहीं थी: यह स्वर के माधुर्य को प्रस्तुत करते हुए, परिचयों, अंतर्विरोधों और पश्चगुल्मों के प्रदर्शन के लिए कम हो गया था।

पेशेवर के रूप में शूरवीर कला की बात करना अभी भी असंभव है, लेकिन पहली बार धर्मनिरपेक्ष संगीत-निर्माण की स्थितियों में, एक शक्तिशाली संगीत और काव्य दिशा अभिव्यंजक साधनों के एक विकसित परिसर और एक अपेक्षाकृत परिपूर्ण संगीत लेखन के साथ बनाया गया था।

X-XI सदियों से शुरू होने वाले परिपक्व मध्य युग की महत्वपूर्ण उपलब्धियों में से एक था, शहरों का विकास (बर्गर संस्कृति)। शहरी संस्कृति की मुख्य विशेषताएं चर्च विरोधी, स्वतंत्रता-प्रेमी अभिविन्यास, लोककथाओं के साथ संबंध, इसकी हँसी और कार्निवल चरित्र थे। गॉथिक वास्तुकला शैली विकसित हो रही है। नई पॉलीफोनिक शैलियों का गठन किया जा रहा है: 13-14 वीं से 16 वीं शताब्दी तक। - मोटिव (फ्रेंच - "शब्द" से। एक मोटिव के लिए, आम तौर पर एक ही समय में अलग-अलग ग्रंथों को व्यक्त करने वाली आवाज़ों की मधुर भंगिमा - अक्सर अलग-अलग भाषाओं में भी), मैड्रिगल (इतालवी से - "मूल भाषा में गीत" अर्थात इतालवी। ग्रंथ प्रेम-गीतात्मक, देहाती), कच्छ (इतालवी से - "शिकार" - शिकार को दर्शाते हुए पाठ पर आधारित एक मुखर टुकड़ा)।

Itinerant लोक संगीतकार एक खानाबदोश जीवन शैली से एक गतिहीन एक के लिए चलते हैं, पूरे शहर के ब्लॉकों को आबाद करते हैं और एक तरह का "संगीतकार कार्यशालाएं" बनाते हैं। 12 वीं शताब्दी की शुरुआत में, वैगेंट और गॉलिएड लोक संगीतकारों में शामिल हो गए - विभिन्न वर्गों (स्कूली बच्चों, भगोड़े भिक्षुओं, भटकते मौलवियों) से विचलित हो गए। अनपढ़ बाजीगरों के विपरीत - मौखिक परंपरा की कला के विशिष्ट प्रतिनिधि - आवारा और गोलगप्पे साक्षर थे: वे लैटिन और शास्त्रीय वर्चस्व के नियमों को जानते थे, संगीत - गीत (छवियों का चक्र) स्कूली विज्ञान और छात्र से जुड़ा हुआ है जीवन) और यहां तक \u200b\u200bकि जटिल रचनाएं जैसे आचरण और प्रेरणाएं ...

विश्वविद्यालय संगीत संस्कृति का एक महत्वपूर्ण केंद्र बन गए हैं। संगीत, या बल्कि, संगीत ध्वनिकी, खगोल विज्ञान, गणित, भौतिकी के साथ, क्वाड्रियम में प्रवेश किया, अर्थात। विश्वविद्यालयों में अध्ययन किए गए चार विषयों का एक चक्र।

इस प्रकार, मध्ययुगीन शहर में विभिन्न प्रकृति और सामाजिक अभिविन्यास की संगीत संस्कृति के केंद्र थे: लोक संगीतकारों, अदालती संगीत, मठों और गिरिजाघरों का संगीत, विश्वविद्यालय संगीत का अभ्यास।

मध्य युग का संगीत सिद्धांत धर्मशास्त्र से निकटता से जुड़ा था। कुछ संगीत-सैद्धांतिक ग्रंथों में जो हमारे पास आए हैं, संगीत को "चर्च के नौकर" के रूप में देखा गया था। प्रारंभिक मध्य युग के प्रमुख ग्रंथों में ऑगस्टाइन द्वारा 6 पुस्तकें "ऑन म्यूजिक", बोथियस द्वारा 5 पुस्तकें "संगीत की स्थापना" और अन्य शामिल हैं। इन ग्रंथों में एक बड़ा स्थान अमूर्त विद्वानों के मुद्दों, सिद्धांत को दिया गया था। संगीत की लौकिक भूमिका, और इसी तरह।

मध्ययुगीन झल्लाहट प्रणाली को चर्च पेशेवर संगीत कला के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित किया गया था - यही कारण है कि नाम "चर्च फ्रेट्स" को मध्यकालीन फ्रीट्स को सौंपा गया था। इयोनियन और आइओलियन मुख्य मोड के रूप में स्थापित किए गए थे।

मध्य युग के संगीत सिद्धांत ने हेक्साकार्ड के सिद्धांत को आगे बढ़ाया। प्रत्येक झल्लाहट में, 6 डिग्री अभ्यास में उपयोग किया जाता था (उदाहरण के लिए: डू, री, एमआई, एफए, सोल, ला)। X को तब टाला गया, क्योंकि पिता के साथ मिलकर, इसने एक बड़ा चौथा गठन किया, जिसे बहुत ही असंगत और आलंकारिक रूप से "संगीत में शैतान" कहा जाता था।

अमान्य रिकॉर्डिंग का व्यापक रूप से उपयोग किया गया था। Guido Aretinsky ने संगीत संकेतन प्रणाली में सुधार किया। उनके सुधार का सार इस प्रकार था: चार लाइनों की उपस्थिति, व्यक्तिगत लाइनों के बीच तीसरा अनुपात, कुंजी चिन्ह (मूल रूप से वर्णनात्मक) या लाइनों का रंग। उन्होंने स्केल के पहले छह डिग्री: ut, re, mi, fa, sol, la: के लिए शब्दांश पदनाम भी पेश किए।

मेन्सुरल नोटेशन पेश किया गया है, जहां एक निश्चित लयबद्ध माप प्रत्येक नोट (लैटिन मेन्सुरा - माप, माप) को सौंपा गया था। ड्यूरेशन का नाम: मैक्सिम, लौंगा, ब्रेविस इत्यादि।

XIV सदी - मध्य युग और पुनर्जागरण के बीच एक संक्रमणकालीन अवधि। XIV सदी के फ्रांस और इटली की कला को "अर्स नोवा" (लैटिन से - नई कला) नाम मिला, और इटली में इसने प्रारंभिक पुनर्जागरण के सभी गुणों को समाहित किया। मुख्य विशेषताएं: चर्च संगीत का विशेष रूप से शैलियों का उपयोग करने से इनकार करना और धर्मनिरपेक्ष मुखर और वाद्य चैंबर शैलियों (बैलड, कचा, मैड्रिगल) से अपील करना, रोजमर्रा की गीत लेखन के साथ अभिसरण, विभिन्न संगीत वाद्ययंत्रों का उपयोग। अर्स नोवा तथाकथित के विपरीत है। ars antiqua (अव्य। ars antiqua - पुरानी कला), जिसका अर्थ है XIV सदी की शुरुआत से पहले संगीत कला। अरसा नोवा के सबसे बड़े प्रतिनिधि गिलौम डे मचौत (14 वीं शताब्दी, फ्रांस) और फ्रांसेस्को लैंडिनो (14 वीं शताब्दी, इटली) थे।

इस प्रकार, मध्य युग की संगीत संस्कृति, सापेक्ष सीमित साधनों के बावजूद, प्राचीन विश्व के संगीत की तुलना में उच्च स्तर का प्रतिनिधित्व करती है और इसमें पुनर्जागरण में संगीत कला के शानदार उत्कर्ष के लिए आवश्यक शर्तें शामिल हैं।

संगीत मध्यम उम्र के ग्रेगोरियन ट्रबलबॉर्डर

संगीत, संगीत, पुनर्जागरण का संगीत संस्कृति

प्राचीन काल

प्राचीन ग्रीस की संगीत संस्कृति यूरोप की संगीत संस्कृति के विकास में पहला ऐतिहासिक चरण बनाती है। इसी समय, यह प्राचीन विश्व की संस्कृति की उच्चतम अभिव्यक्ति है और मध्य पूर्व की अधिक प्राचीन संस्कृतियों - मिस्र, सीरिया, फिलिस्तीन के साथ निस्संदेह लिंक का खुलासा करता है। हालांकि, इस तरह के सभी ऐतिहासिक कनेक्शनों के लिए, प्राचीन ग्रीस की संगीत संस्कृति किसी भी तरह से अन्य देशों द्वारा ट्रैवर्स किए गए पथ को दोहराती नहीं है: इसकी अपनी अनूठी उपस्थिति है, इसकी निर्विवाद उपलब्धियां हैं, जो इसे आंशिक रूप से यूरोपीय मध्य युग में स्थानांतरित करती हैं और फिर , एक हद तक, पुनर्जागरण के लिए।

अन्य प्रकार की कलाओं के विपरीत, प्राचीन दुनिया का संगीत इतिहास में उनके बराबर किसी भी रचनात्मक विरासत को नहीं छोड़ता था। आठ शताब्दियों के विशाल ऐतिहासिक खिंचाव पर - 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व से। द्वारा द्वारा 111 सदी एन। ईसा पूर्व - प्राचीन ग्रीक संगीत के केवल ग्यारह नमूने बिखरे हुए हैं, जो उस समय की धारणा में बच गए हैं। सच है, ये यूरोप में धुनों की पहली रिकॉर्डिंग हैं जो हमारे पास आई हैं।

प्राचीन ग्रीस की संस्कृति की सबसे महत्वपूर्ण संपत्ति, जिसके बाहर यह लगभग समकालीनों द्वारा कभी नहीं माना गया था और, तदनुसार, हम समझ नहीं सकते हैं, अन्य कलाओं के साथ संगीत की एकता है - प्रारंभिक अवस्था में या उनके साथ संश्लेषण में। - हेय दिवस में। संगीत कविता के साथ सहज रूप से जुड़ा हुआ है (इसलिए गीत), त्रासदी, संगीत और नृत्य में एक अनिवार्य भागीदार के रूप में संगीत - ये प्राचीन ग्रीक कलात्मक जीवन की विशेषता घटना हैं। प्लेटो, उदाहरण के लिए, वाद्य संगीत के बहुत महत्वपूर्ण था, नृत्य और गायन से स्वतंत्र, यह तर्क देते हुए कि यह केवल उपवास के लिए, बिना किसी हिचकिचाहट के और जानवरों के रोने को चित्रित करने के लिए उपयुक्त है:

"बांसुरी और सिटारा के एकल वादन के उपयोग में कुछ अत्यधिक बेस्वाद और केवल एक जादूगर के योग्य है।" ग्रीक त्रासदी की उत्पत्ति, एक उच्च और जटिल कला, पौराणिक कार्यों से, लोगों के विश्वासों से, पौराणिक कथाओं से आती है। महान संगीतकारों के बारे में प्राचीन ग्रीक मिथकों की उत्पत्ति - ऑर्फ़ियस, ओलम्प, मार्सीस - शुरुआती समय में वापस जाते हैं।

ग्रीस में प्रारंभिक संगीत संस्कृति के बारे में महत्वपूर्ण जानकारी होमरिक महाकाव्य द्वारा दी गई है, जो खुद संगीत प्रदर्शन से जुड़ी है: द इलियड, द ओडिसी।

U11-VI शताब्दियों में महाकाव्य कार्यों के एकल प्रदर्शन के साथ, विशेष कोरल शैलियों को भी जाना जाता है। क्रेते के द्वीप पर गीतों को प्लास्टिक आंदोलनों के साथ जोड़ा गया था, नृत्य के साथ (हाइपोर्मा); 7 वीं शताब्दी के बाद से स्पार्टा में कोरल शैलियों की व्यापक रूप से खेती की गई है। यह ज्ञात है कि स्पार्टन्स ने संगीत के लिए महान राज्य शैक्षिक महत्व दिया। संगीत कला का शिक्षण उनके लिए एक पेशेवर प्रकृति का नहीं था, बल्कि युवाओं की सामान्य शिक्षा की प्रणाली का हिस्सा था। इसके परिणामस्वरूप ग्रीक विचारकों द्वारा लोकाचार के सिद्धांत के परिणामस्वरूप उत्पन्न हुआ।

प्राचीन ग्रीस के संगीत और काव्य कला में एक नया चलन, जिसने उचित गीतात्मक विषयों और चित्रों को सामने रखा, Ionian Archilochus (VII सदी) के नाम के साथ जुड़ा हुआ है और अल्केस और सैप्पो के समलैंगिक स्कूल के सबसे बड़े "प्रतिनिधि" (बारी) पहली और छठी शताब्दी)। गीत की शुरुआत में वृद्धि हुई और उनके कार्यों में माधुर्य की भूमिका "गीत" शब्द से ली गई है।

6 वीं शताब्दी के गीत काव्य को कई शैली किस्मों द्वारा दर्शाया गया है: एलगी, भजन, विवाह गीत।

त्रासदी की क्लासिक शताब्दी ईसा पूर्व 5 वीं शताब्दी थी। ई.पू.: सबसे बड़ी त्रासदियों के काम Aeschylus (सी। 525-456), सोफोकल्स (सी। 496-, यूरिपिड्स (सी। 480-406)) यह ग्रीक कलात्मक संस्कृति के सबसे फूलों के समय, फिडियास की उम्र थी। और पॉलीक्लेटस, शास्त्रीय वास्तुकला के ऐसे स्मारक, एथेंस में पार्थेनन के रूप में, संपूर्ण प्राचीन दुनिया की कला में सर्वश्रेष्ठ सदी है। त्रासदियों के प्रदर्शन को सार्वजनिक त्योहार माना जाता था और गुलाम-मालिक समाज की सीमाओं के भीतर थे, अपेक्षाकृत। व्यापक लोकतांत्रिक चरित्र: थिएटर में सभी नागरिकों ने भाग लिया, जिन्होंने इसके लिए राज्य लाभ भी प्राप्त किया। दुखद मंच पर लोगों का प्रतिनिधित्व किया और उनकी ओर से बात की।

नाटककार कवि और संगीतकार दोनों थे; उसने सब कुछ खुद किया। उदाहरण के लिए, एशेकिलस ने खुद अपने नाटकों के प्रदर्शन में भाग लिया। बाद में, कवि, संगीतकार, अभिनेता, निर्देशक के कार्य तेजी से विभाजित हो गए। अभिनेता भी गायक थे। गायन गायन को प्लास्टिक आंदोलनों के साथ जोड़ा गया था।

हेलेनिस्टिक युग में, कला अब नागरिकों की कलात्मक गतिविधि से बाहर नहीं बढ़ती है: यह पूरी तरह से पेशेवर है।

वह सब कुछ जो प्राचीन ग्रीस में संगीत की कला के बारे में लिखा गया था और जिसे कई जीवित सामग्रियों से आत्मविश्वास के साथ आंका जा सकता है, माधुर्य के बारे में विचारों पर आधारित था (मुख्य रूप से काव्य शब्द से जुड़ा हुआ)। यह न केवल विशेष सैद्धांतिक कार्यों की सामग्री से, बल्कि सबसे बड़े ग्रीक विचारकों के सामान्य नैतिक और सौंदर्यवादी बयानों से भी स्पष्ट है। इस प्रकार, प्राचीन यूनानी संगीत कला की पूरी तरह से विशेषता मोनोफोननी का सिद्धांत पूरी तरह से पुष्टि करता है।

संगीत कला के बारे में प्राचीन निर्णयों में सबसे दिलचस्प है लोकाचार के तथाकथित सिद्धांत, प्लेटो द्वारा आगे रखा गया, अरस्तू द्वारा विकसित और गहरा। प्राचीन परंपरा राजनीति और संगीत के मुद्दों के एकीकरण को जोड़ती है, डोमन ऑफ एथेंस, सुकरात के शिक्षक और पेरिकल्स के दोस्त के नाम के साथ। यह उससे था कि प्लेटो ने योग्य नागरिकों के पालन-पोषण पर संगीत के लाभकारी प्रभाव का विचार लिया, जिसे उन्होंने "द स्टेट" और "लॉज़" किताबों में विकसित किया। प्लेटो अपनी आदर्श स्थिति में (अन्य कलाओं के बीच) एक युवा को एक साहसी, बुद्धिमान, गुणी और संतुलित व्यक्ति, यानी एक आदर्श नागरिक बनने के लिए शिक्षित करने में संगीत की भूमिका निभाता है। उसी समय, प्लेटो, एक ओर, जिमनास्टिक ("सुंदर शरीर आंदोलनों") के प्रभाव से संगीत के प्रभाव को जोड़ता है, और दूसरी ओर, वह दावा करता है कि माधुर्य और लय सभी को सबसे अधिक आत्मा को पकड़ती है और प्रोत्साहित करती है एक व्यक्ति सौंदर्य के मॉडल की नकल करता है जो संगीत कला उसे देती है।

"विश्लेषण करते हुए कि गीत में वास्तव में क्या सुंदर है, प्लेटो को पता चलता है कि इसे शब्दों, सामंजस्य और लय से देखा जाना चाहिए। अपने समय के विचारों के अनुसार, वह उन सभी साधनों को खारिज कर देता है जो शोकाकुल और सुकून देने वाले होते हैं, और डोरियन और फ्रायज़ेन नाम रखते हैं अकेले इसी तरह, दार्शनिक संगीत वाद्ययंत्रों के बीच केवल किफ़ारा और लिरे को पहचानते हैं, जो अन्य सभी के नैतिकता को नकारते हैं। इस प्रकार, प्लेटो के दृष्टिकोण से लोकाचार, कला का काम नहीं है, न कि इसकी कल्पना, और यह भी नहीं। सिस्टम अभिव्यंजक का अर्थ है, लेकिन केवल साधन या उपकरण का समय, जिसके लिए एक निश्चित नैतिक गुण है, जैसा कि तय किया गया था।

अरस्तू ने संगीत के उद्देश्य को अधिक व्यापक रूप से देखते हुए तर्क दिया कि इसे एक नहीं, बल्कि कई उद्देश्यों और लाभ के साथ उपयोग किया जाना चाहिए: शिक्षा के लिए) I), शुद्धि के लिए 2), 3) बौद्धिक मनोरंजन के लिए, अर्थात सख्त गतिविधि से शांत और आराम करना ... इससे यह स्पष्ट है, - अरस्तू जारी है, - कि यद्यपि आप सभी साधनों का उपयोग कर सकते हैं, लेकिन उन्हें उसी तरह से लागू नहीं किया जाना चाहिए "0 वह संगीत के प्रभाव की प्रकृति का न्याय करता है इस तरह मानस पर:

“लय और माधुर्य क्रोध और नम्रता, साहस और संयम और सभी विपरीत गुणों के साथ-साथ अन्य नैतिक गुणों के वास्तविकता प्रदर्शनों के सबसे करीब होते हैं। यह अनुभव से स्पष्ट है: जब हम अपने कान के साथ ताल और राग का अनुभव करते हैं, तो हमारा मानसिक मूड भी बदल जाता है। वास्तविकता का अनुकरण करने वाली धारणा को देखते हुए एक उदास या हर्षित मनोदशा का अनुभव करने की आदत इस तथ्य की ओर ले जाती है कि हम उसी भावनाओं का अनुभव करना शुरू करते हैं जब [हर रोज़] सच्चाई का सामना करना पड़ता है। और अंत में, अरस्तू। निम्नलिखित निष्कर्ष पर आता है: "... संगीत आत्मा के नैतिक पक्ष पर एक निश्चित प्रभाव को बढ़ाने में सक्षम है; और चूंकि संगीत में ऐसे गुण हैं, इसलिए, जाहिर है, इसे युवाओं को शिक्षित करने के लिए कई विषयों में शामिल किया जाना चाहिए। "

दार्शनिक और गणितज्ञ पाइथागोरस (VI सदी ईसा पूर्व) को लंबे समय से पहले ग्रीक विचारक का अर्थ सौंपा गया है जिन्होंने संगीत के बारे में लिखा था। उन्हें एक स्ट्रिंग को विभाजित करके प्राप्त किए गए विशुद्ध रूप से गणितीय संबंधों के आधार पर संगीत अंतराल (व्यंजन और विसंगतियों) के सिद्धांत के प्रारंभिक विकास का श्रेय दिया जाता है। सामान्य तौर पर, पाइथागोरस - प्राचीन प्राच्य संस्कृतियों (सभी मिस्र के अधिकांश) के मॉडल के बाद - संख्याओं और अनुपातों के लिए जादुई महत्व देते हैं, विशेष रूप से, संगीत से जादुई और चिकित्सा गुणों को प्राप्त करते हैं। अंत में, अमूर्त सट्टा निर्माणों के माध्यम से, पाइथागोरस तथाकथित "गोले के सद्भाव" के विचार में आया, यह विश्वास करते हुए कि स्वर्गीय निकायों, कुछ संख्यात्मक ("हार्मोनिक" अनुपातों में आपस में होने के नाते, ध्वनि और उत्पादन करना चाहिए) " चलते समय स्वर्गीय सद्भाव ”।

लोकाचार के सिद्धांत के रूप में, फिर बाद में नियोप्लाटोनिस्ट्स, विशेष रूप से प्लोटिनस (तृतीय शताब्दी), ने इसे धार्मिक-रहस्यमय भावना में बदल दिया, जो कि उस प्राचीन पथिक से वंचित था, जो कभी ग्रीस में निहित था। यहां से, सीधे धागे मध्य युग के सौंदर्यवादी विचारों तक फैलते हैं। दास प्रणाली के विघटन के युग में प्राचीन संस्कृति की गिरावट ईसाई कला के सफल विकास के लिए अनुकूल है, पिछली शताब्दी में रोम के सौंदर्यशास्त्र और संगीत अभ्यास के विपरीत कई मामलों में। इस बात से इनकार नहीं किया जा सकता है कि पुरातनता की विरासत और उसके बाद के समय के सौंदर्यवादी विचारों के विकास के बीच कुछ संबंध, दो युगों के मोड़ पर बन सकते हैं।

चिकित्सा संगीत संस्कृति

पश्चिमी यूरोप की संगीत संस्कृति के विकास में, मध्य युग की एक लंबी और विस्तृत ऐतिहासिक अवधि पर विचार करना मुश्किल है, यहां तक \u200b\u200bकि एक सामान्य कालानुक्रमिक ढांचे के साथ एक बड़े युग के रूप में भी। मध्य युग का पहला, प्रारंभिक बिंदु - 476 में पश्चिमी रोमन साम्राज्य के पतन के बाद - आमतौर पर 6 वीं शताब्दी के रूप में नामित किया गया है। इस बीच, संगीत कला का एकमात्र क्षेत्र जो लिखित स्मारकों को छोड़ दिया, 12 वीं शताब्दी तक, केवल ईसाई चर्च का संगीत था। दूसरी शताब्दी से शुरू होने वाली लंबी ऐतिहासिक तैयारी के आधार पर, इसके साथ जुड़ी घटनाओं का पूरा अजीबोगरीब परिसर था और इसमें पश्चिमी यूरोप से परे पूर्वी फिलिस्तीन, सीरिया, अलेक्जेंड्रिया तक फैले दूर के स्रोत शामिल थे। इसके अलावा, मध्य युग की चर्च की संगीत संस्कृति ने किसी तरह प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम की विरासत को नहीं छोड़ा, हालांकि "चर्च के पिता" और बाद के सिद्धांतकारों ने संगीत के बारे में लिखा था, कई मामलों में ईसाई चर्च की कला का विरोध किया था। पुरातनता का बुतपरस्त कलात्मक दुनिया।

दूसरा सबसे महत्वपूर्ण मील का पत्थर, मध्य युग से पुनर्जागरण तक संक्रमण को चिह्नित करता है, पश्चिमी यूरोप में एक साथ नहीं होता है: इटली में - 15 वीं शताब्दी में, फ्रांस में - 16 वीं में; अन्य देशों में, मध्ययुगीन और पुनर्जागरण की प्रवृत्ति के बीच संघर्ष अलग-अलग समय पर होता है। वे सभी मध्य युग की एक अलग विरासत के साथ पुनर्जागरण के करीब पहुंच रहे हैं, विशाल ऐतिहासिक अनुभव से अपने स्वयं के निष्कर्षों को रेखांकित किया है। यह काफी हद तक मध्ययुगीन कलात्मक संस्कृति के विकास में एक महत्वपूर्ण परिवर्तन की सुविधा थी, जो 11 वीं -12 वीं शताब्दियों में शुरू हुई थी और नई सामाजिक-ऐतिहासिक प्रक्रियाओं (शहरों की वृद्धि, क्रूसेड्स, नए सामाजिक स्तर की उन्नति,) के कारण हुई थी। धर्मनिरपेक्ष संस्कृति के पहले मजबूत केंद्र, आदि)।

हालांकि, कालानुक्रमिक पहलुओं की सभी सापेक्षता या गतिशीलता के साथ, अतीत के साथ अपरिहार्य आनुवंशिक कनेक्शन और भविष्य में संक्रमण की असमानता के साथ, पश्चिमी यूरोपीय मध्य युग की संगीत संस्कृति महत्वपूर्ण घटनाओं और प्रक्रियाओं की विशेषता है जो अद्वितीय हैं। यह अन्य स्थितियों और अन्य समयों में अकल्पनीय है। यह, सबसे पहले, पश्चिमी यूरोप में कई जनजातियों और लोगों के आंदोलन और अस्तित्व में ऐतिहासिक विकास के विभिन्न चरणों, संरचनाओं और विभिन्न राजनीतिक प्रणालियों की बहुलता, और इस सब के साथ, कैथोलिक चर्च की संपूर्ण इच्छा को पूरे विशाल को एकजुट करने के लिए , तूफानी, कई-पक्षीय दुनिया, न केवल सामान्य वैचारिक सिद्धांत, बल्कि संगीत संस्कृति के सामान्य सिद्धांत भी हैं। दूसरे, यह पूरे मध्य युग में संगीत संस्कृति का अनिवार्य द्वंद्व है: चर्च कला ने पूरे यूरोप में लोक संगीत की विविधता के लिए अपने कैनन का विरोध किया। I-XIII सदियों में, धर्मनिरपेक्ष संगीत और काव्यात्मक रचनात्मकता के नए रूप पहले से ही पैदा हुए थे और चर्च संगीत काफी हद तक बदल गया था। लेकिन ये नई प्रक्रियाएँ विकसित सामंतवाद की स्थितियों में पहले से ही थीं।

जैसा कि आप जानते हैं, मध्ययुगीन संस्कृति, मध्यकालीन शिक्षा, मध्ययुगीन कला का विशेष चरित्र ईसाई चर्च पर निर्भरता से काफी हद तक निर्धारित होता है।

रोमन साम्राज्य की उच्च शक्ति की ऐतिहासिक परिस्थितियों में भी ईसाई चर्च का संगीत अपने मूल रूपों में आकार ले चुका था। पृथ्वी पर किए गए हर चीज के लिए उच्चतम प्रतिशोध में विश्वास, साथ ही क्रूस पर चढ़ाए गए मसीह के बलिदान द्वारा मानव जाति के पापों के लिए प्रायश्चित का विचार जनता को मोहित करने में सक्षम था।

प्रमुख ईसाई चर्च के अनुष्ठान मंत्र के रूप में ग्रेगोरियन जप की ऐतिहासिक तैयारी लंबी और विविध थी।

4 वीं शताब्दी के अंत में, जैसा कि ज्ञात है, पश्चिमी (रोम) और पूर्वी (बाइज़ेंटियम) में रोमन साम्राज्य का विभाजन हुआ, जिसका ऐतिहासिक भाग्य बाद में अलग हो गया। इस प्रकार, पश्चिमी और पूर्वी चर्च अलग-थलग पड़ गए, क्योंकि उस समय तक ईसाई धर्म राज्य बन गया था।

रोमन साम्राज्य के विभाजन और ईसाई चर्च के दो केंद्रों के निर्माण के साथ, विलक्षण कला के मार्ग, जो अंतिम गठन की प्रक्रिया में थे, काफी हद तक पश्चिम और पूर्व में भी अलग-थलग पड़ गए।

रोम ने अपने तरीके से हर चीज पर काम किया, जो ईसाई चर्च के पास था।

परिणामस्वरूप, चर्च की धुनें, चयनित, कैनोनीकृत, चर्च वर्ष के भीतर वितरित की गईं, पोप ग्रेगरी (कम से कम उनकी पहल पर) के तहत संकलित की गईं। आधिकारिक कोड एंटीपोनरी है। इसमें शामिल कोरल धुनों को नाम मिला ग्रेगरी राग और कैथोलिक चर्च के प्रचलित गायन का आधार बन गया। ग्रेगोरियन मंत्रों का सेट बहुत बड़ा है।

11 वीं -12 वीं शताब्दियों से ग्रेगोरियन के जप और फिर पुनर्जागरण में, पॉलीफोनिक रचनाओं के निर्माण के प्रारंभिक आधार के रूप में कार्य किया गया, जिसमें पंथ की धुनों ने सबसे विविध विकास प्राप्त किया।

जितना अधिक रोमन चर्च ने यूरोप में अपने प्रभाव क्षेत्र का विस्तार किया, उतना ही ग्रेगोरियन मंत्र रोम से उत्तर और पश्चिम में फैल गया।

संगीत संकेतन का सुधार इतालवी संगीतकार, सिद्धांतकार और शिक्षक गुइडो डी "आरेज़ो द्वारा 11 वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही में किया गया था।

मूल विचार की अपनी सादगी और जैविक प्रकृति में गुइडो का सुधार मजबूत था: उन्होंने चार पंक्तियों को आकर्षित किया और, उन पर या उनके बीच में नेवमास रखते हुए, उन्हें सभी सटीक उच्च ऊंचाई वाले अर्थ दिए। आरज़ो के गुइडो का एक और नवाचार, अनिवार्य रूप से उसका आविष्कार भी, एक निश्चित छह-चरण पैमाने का विकल्प था (do-re-mi-fa-sol-la)।

11 वीं शताब्दी के अंत के बाद से, 12 वीं में और विशेष रूप से 13 वीं शताब्दी में, पश्चिमी यूरोप के कई देशों के संगीतमय जीवन और संगीत रचनात्मकता में एक नए आंदोलन के संकेत सामने आए हैं - पहले कम ध्यान देने योग्य, फिर अधिक से अधिक मूर्त रूप से - संगीत संस्कृति के मूल मध्ययुगीन रूपों से, कलात्मक स्वाद और रचनात्मक विचार का विकास संगीत रचनात्मकता के विभिन्न सिद्धांतों को अन्य, अधिक प्रगतिशील प्रकार के संगीत-निर्माण के लिए जाता है।

बारहवीं-तेरहवीं शताब्दियों में, ऐतिहासिक पूर्वापेक्षाएँ धीरे-धीरे न केवल नए रचनात्मक रुझानों के अलावा, बल्कि पूरे पश्चिमी यूरोप में उनके ज्ञात प्रसार के लिए भी पैदा हुईं। इस प्रकार, एक मध्ययुगीन उपन्यास या कहानी जो बारहवीं-तेरहवीं शताब्दियों में फ्रांसीसी धरती पर आकार लेती थी, वह केवल फ्रांसीसी घटना नहीं थी। ट्रिस्टन और इसोल्डे के बारे में उपन्यास के साथ-साथ औसीस और निकोलेट की कहानी, पारसीफाल और गरीब हेनरी ने साहित्य के इतिहास में प्रवेश किया। वास्तुकला में नई, गॉथिक शैली, फ्रांस में शास्त्रीय उदाहरणों (पेरिस, चार्टर्स, रिम्स में कैथेड्रल) द्वारा प्रस्तुत की गई, इसकी अभिव्यक्ति जर्मन और चेक शहरों में भी हुई, इंग्लैंड में, आदि।

12 वीं शताब्दी से प्रोवेंस में शुरू होने वाले धर्मनिरपेक्ष संगीत और काव्य गीतों की पहली फुलवारी, फिर उत्तरी फ्रांस पर कब्जा कर लिया, स्पेन में जवाब दिया, और बाद में जर्मन मिनेसैंग में अभिव्यक्ति पाई। इन धाराओं और उनमें से प्रत्येक की सभी मौलिकता के साथ, एक नई नियमितता भी प्रकट हुई थी, इसके व्यापक पैमाने पर युग की विशेषता। उसी तरह, अपने पेशेवर रूपों में पॉलीफनी का उद्भव और विकास - शायद उस समय संगीत विकास का सबसे महत्वपूर्ण पहलू - न केवल फ्रांसीसी रचनात्मक स्कूल और, इसके अलावा, केवल संगीतकारों के एक समूह की भागीदारी के साथ हुआ कैथेड्रल ऑफ़ नोट्रे डेम से, चाहे उनकी योग्यता कितनी भी महान क्यों न हो।

दुर्भाग्य से, हम मध्ययुगीन संगीत के तरीकों को कुछ चुनिंदा रूप से देखते हैं। सूत्रों की स्थिति के अनुसार, विशिष्ट कनेक्शन का पता लगाना असंभव है, उदाहरण के लिए, ब्रिटिश द्वीपों में इसके स्रोतों और महाद्वीप पर इसके रूपों के बीच, विशेष रूप से, प्रारंभिक अवस्था में, पॉलीफोनी के विकास में।

मध्यकालीन शहर अंततः महत्वपूर्ण सांस्कृतिक केंद्र बन गए। यूरोप में पहले विश्वविद्यालयों की स्थापना हुई (बोलोग्ना, पेरिस)। शहरी निर्माण का विस्तार, समृद्ध कैथेड्रल बनाए गए थे, और बेहतरीन कोरल गायकों की भागीदारी के साथ बड़ी धूमधाम के साथ उनमें दिव्य सेवाओं का प्रदर्शन किया गया था (वे बड़े चर्चों में - विशेष स्कूलों - मेट्रीज़ में प्रशिक्षित किए गए थे)। मध्य युग (और विशेष रूप से संगीत छात्रवृत्ति) की विलक्षण छात्रवृत्ति विशेषता केवल मठों में केंद्रित नहीं थी। नए रूप, चर्च संगीत की एक नई शैली निस्संदेह मध्यकालीन शहर की संस्कृति से जुड़ी हुई है। यदि वे आंशिक रूप से सीखा संगीतकारों-भिक्षुओं (जैसे कि सेंट-अमंद के हक्सबल और अरेज़ो के गुइडो) की पिछली गतिविधियों द्वारा तैयार किए गए थे, यदि पॉलीफोनी के शुरुआती उदाहरण फ्रांस के मठवासी स्कूलों से आते हैं, विशेष रूप से चार्टर्स के मठों से और लिमोज, यह अभी भी 12 वीं - 13 वीं शताब्दी में पेरिस में पॉलीफोनी के नए रूपों के विकास के अनुरूप है।

मध्ययुगीन संगीत संस्कृति की एक अलग, बहुत महत्वपूर्ण परत शुरू में गतिविधियों के साथ जुड़ी हुई है, हितों की एक श्रृंखला और यूरोपीय शिष्टता की एक प्रकार की विचारधारा। पूर्व की ओर धर्मयुद्ध, लंबी दूरी पर भारी आंदोलन, लड़ाई, शहरों की घेराबंदी, नागरिक संघर्ष, साहसिक, जोखिम भरे कारनामे, विदेशी भूमि पर विजय, पूर्व के विभिन्न लोगों के साथ संपर्क, उनके रीति-रिवाजों, जीवन शैली, संस्कृति, पूरी तरह से असामान्य। छाप - यह सब शूरवीरों-अपराधियों की एक नई विश्वदृष्टि के लिए अपनी छाप छोड़ गया। जब शिष्टता का हिस्सा अनुकूल शांतिपूर्ण परिस्थितियों में मौजूद था, तो नाइट लेडीज़ के सम्मान और निश्चित रूप से उनके प्यार और मानदंडों के आदर्श के साथ नाइटली सम्मान (बेशक, सामाजिक रूप से सीमित) की पहले से मौजूद धारणा। इसके साथ जुड़े व्यवहार का। यह तब था जब ट्रबल के संगीत और काव्य कला ने अपना प्रारंभिक विकास प्राप्त किया, जो कि यूरोप में लिखित धर्मनिरपेक्ष गायन गीतों के नमूनों में पहला था।

मध्ययुगीन संगीत संस्कृति की अन्य परतें मौजूद रहीं, लोक जीवन से जुड़ी, भटकते संगीतकारों की गतिविधियों के साथ, उनके पर्यावरण और जीवन के तरीके में आने वाले बदलावों के साथ।

9 वीं से 14 वीं शताब्दी तक, मध्य युग के भटकने वाले लोक संगीतकारों के बारे में जानकारी अधिक से अधिक प्रचुर और निश्चित हो जाती है। ये बाजीगर, माइनरट्रेल, स्पीलमैन - जैसा कि उन्हें अलग-अलग समय पर और विभिन्न क्षेत्रों में बुलाया जाता था - लंबे समय तक अपने समय की धर्मनिरपेक्ष संगीत संस्कृति के एकमात्र प्रतिनिधि थे और इस तरह उन्होंने एक महत्वपूर्ण ऐतिहासिक भूमिका निभाई। बहुत हद तक, यह उनके संगीत अभ्यास, उनकी गीत परंपराओं के आधार पर था कि 12 वीं -13 वीं शताब्दी के धर्मनिरपेक्ष गीतों के शुरुआती रूपों का गठन किया गया था। वे, ये यात्रा करने वाले संगीतकार, संगीत वाद्ययंत्र के साथ भाग नहीं लेते थे, जबकि चर्च ने या तो उनकी भागीदारी को अस्वीकार कर दिया था, या इसे बड़ी मुश्किल से लिया था। समय के साथ, विभिन्न पवन उपकरणों (तुरही, सींग, बांसुरी, पान बांसुरी, बैगपाइप) के अलावा, वीणा (पूर्वजों से), तिल (सेल्टिक उपकरण), झुके हुए उपकरणों की किस्में, भविष्य के वायलिन के पूर्वजों - रीबब , विले, फिदेल (संभवतः, पूर्व से)।

सभी संभावना में, इन मध्यकालीन अभिनेताओं, संगीतकारों, नर्तकियों, कलाबाजों (अक्सर एक व्यक्ति में), जिन्हें बाजीगर या इसी तरह के अन्य नामों से बुलाया जाता है, उनकी अपनी सांस्कृतिक और ऐतिहासिक परंपराएं थीं जो दूर के समय में वापस डेटिंग करती थीं। वे कई पीढ़ियों के बाद अपना सकते हैं - प्राचीन रोमन अभिनेताओं की संक्रांत कला की विरासत, जिनके वंशज, हिस्टरेन्स और माइम्स कहलाते हैं, जो लंबे समय तक भटकते हुए मध्ययुगीन यूरोप में घूमते रहे। सेल्टिक (बर्ड्स) और जर्मनिक महाकाव्यों के सबसे पुराने अर्ध-प्रतिनिधि प्रतिनिधि भी किसी तरह से अपनी परंपराओं से बाजीगरों को पारित कर सकते थे, हालांकि वे उनके लिए वफादार नहीं रह पाए थे, फिर भी उन्होंने खुद के लिए उनसे कुछ सीखा। किसी भी स्थिति में, 9 वीं शताब्दी तक, जब पहले से ही उल्लंघनों और मेलों के उल्लेखों को बाजीगरों की रिपोर्टों द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है, तो इन बाद को आंशिक रूप से महाकाव्य के कलाकारों के रूप में जाना जाता है। जगह-जगह से घूमते हुए, बाजीगर आंगन में (जहां वे कुछ तिथियों के लिए झुंड में) उत्सवों पर, गांवों में, और कभी-कभी चर्च में भी जाते हैं। मध्य युग की कविताओं, उपन्यासों और गीतों में, त्यौहारों में, खुली हवा में तमाम तरह के तमाशों के संगठन में बाजीगरों की भागीदारी के बारे में अक्सर उल्लेख किया जाता है। जब तक चर्चों या कब्रिस्तानों में प्रमुख छुट्टियों पर आयोजित ये प्रदर्शन, केवल लैटिन में प्रदर्शन किए गए, मठवासी स्कूलों के छात्र और युवा मौलवी प्रदर्शन में भाग ले सकते थे। लेकिन 13 वीं शताब्दी तक, लैटिन को स्थानीय लोक भाषाओं द्वारा बदल दिया गया था - और फिर इटनेरेंट संगीतकारों ने आध्यात्मिक प्रदर्शनों में हास्य भूमिका और एपिसोड का दावा किया, किसी तरह अभिनेताओं की संख्या में टूट गए, और फिर अपने चुटकुलों से सफलता हासिल की। दर्शक और श्रोता। यह मामला था, उदाहरण के लिए, स्ट्रासबर्ग, रॉयन, रिम्स, कंबराई के कैथेड्रल में। छुट्टियों पर प्रस्तुत की जाने वाली "कहानियों" में क्रिसमस और ईस्टर की "क्रियाएं", "विलाप की मरियम", "बुद्धिमान और मूर्ख कुंवारी लड़कियों की कहानी," आदि प्रदर्शनों में लगभग हर जगह, अपने आगंतुकों को खुश करने के लिए एक या अधिक थे। अन्य हास्य एपिसोड बुरी ताकतों की भागीदारी या नौकरों के कारनामों और टिप्पणियों से जुड़े हैं। यहां उनके पारंपरिक भैंसे के साथ बाजीगरों की संगीत क्षमताओं को अभिनय करने की गुंजाइश खुल गई।

कई टकसालों ने एक विशेष भूमिका निभाई, जब उन्होंने परेशान करने वालों के साथ सहयोग करना शुरू किया, हर जगह उनके संरक्षक शूरवीरों के साथ, उनके गीतों के प्रदर्शन में भाग लिया और कला के नए रूपों को सीखा।

नतीजतन, "भटकते हुए लोगों", जुग्लर्स, स्पीलमैन, मिनस्ट्रेल्स का बहुत ही वातावरण, समय के साथ महत्वपूर्ण परिवर्तनों का अनुभव करते हुए, किसी भी तरह से रचना में एकीकृत नहीं रहा। यह भी नई ताकतों - साक्षर की आमद से सुगम था, लेकिन समाज में अपनी स्थिर स्थिति को खो दिया, अर्थात्, अनिवार्य रूप से क्षुद्र पादरियों, itinerant विद्वानों, और भगोड़े भिक्षुओं से हारे हुए। 11 वीं -12 वीं शताब्दी में फ्रांस (और फिर अन्य देशों में) में आने वाले अभिनेताओं और संगीतकारों के रैंकों में दिखाई देने के बाद, उन्हें योनि और गोलियॉज़ के नाम प्राप्त हुए। उनके साथ, नए जीवन विचारों और आदतों, साक्षरता, कभी-कभी एक प्रसिद्ध विचलन भी बाजीगरी की परतों में आ गया।

13 वीं शताब्दी के अंत के बाद से, अपने अधिकारों की रक्षा करने, समाज में अपनी जगह निर्धारित करने, पेशेवर परंपराओं को बनाए रखने और उन्हें अपने छात्रों को पास करने के लिए विभिन्न यूरोपीय केंद्रों में क्षेत्रपाल, बाजीगर, minstrels के गिल्ड संघों का गठन किया गया है। 1288 में ब्रदरहुड ऑफ सेंट। निकोलस ", जो संगीतकारों को एकजुट करता है, 1321 में" ब्रदरहुड ऑफ सेंट। जूलियन ”पेरिस में स्थानीय minstrels के गिल्ड संगठन था। इसके बाद, इंग्लैंड में "शाही टकसाल" का एक गिल्ड बनाया गया। गिल्ड संरचना में यह परिवर्तन, संक्षेप में, मध्ययुगीन युग के इतिहास को समाप्त कर देता है। लेकिन भटकने वाले संगीतकार अपने भाईचारे, गिल्ड, कार्यशालाओं में पूरी तरह से बसे हुए हैं। XIV, XV, XVI शताब्दियों में उनका भटकना जारी रहा, एक विशाल क्षेत्र को कवर किया और अंततः दूर के क्षेत्रों के बीच नए संगीतमय और रोजमर्रा के कनेक्शन बनाए।

पाइप्स, ट्रूवर्स, मिनिंगर्स

ट्राइडबैडर्स की कला, जो बारहवीं शताब्दी के प्रोवेंस में उत्पन्न हुई थी, संक्षेप में, केवल एक विशेष रचनात्मक आंदोलन की शुरुआत थी, अपने समय की विशेषता और लगभग पूरी तरह से कलात्मक रचनात्मकता के नए, धर्मनिरपेक्ष रूपों के विकास से जुड़ी। तब धर्मनिरपेक्ष कलात्मक संस्कृति के शुरुआती दौर में प्रोवेंस का पक्ष लिया गया: अतीत में लोगों के प्रवास के दौरान अपेक्षाकृत कम तबाही और आपदाएं, पुरानी शिल्प परंपराएं और व्यापार संबंध जो लंबे समय तक संरक्षित रहे हैं। ऐसी ऐतिहासिक परिस्थितियों में, एक शूरवीर संस्कृति ने आकार लिया।

प्रारंभिक धर्मनिरपेक्ष कला के विकास की एक अजीब प्रक्रिया, जो प्रोवेनकल नाइटहुड की कलात्मक पहल पर पैदा होती है, लोक गीत के मधुर स्रोतों पर काफी हद तक फ़ीड करती है और शहरवासियों के एक व्यापक दायरे में फैलती है, तदनुसार विषय के अर्थ में विकसित होती है आलंकारिक सामग्री।

11 वीं शताब्दी के अंत से लगभग दो शताब्दियों के लिए संकटमोचनों की कला विकसित हुई है। बारहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, पतलून के नाम पहले से ही फ्रांस के उत्तर में कवियों-संगीतकारों के रूप में जाने जाते थे, अरपस में, शैम्पेन में। 13 वीं शताब्दी में, ट्रॉटबैडोर्स की गतिविधि अधिक तीव्र हो जाती है, जबकि प्रोवेनकल ट्राउडबॉर्स की कला अपना इतिहास समाप्त कर देती है।

कुछ हद तक ट्रूवर्स को ट्रिब्यूटर्स की रचनात्मक परंपरा विरासत में मिली, लेकिन साथ ही उनके काम अधिक स्पष्ट रूप से नाइट के साथ नहीं, बल्कि अपने समय की शहरी संस्कृति के साथ जुड़े थे। हालांकि, संकटमोचनों के बीच विभिन्न सामाजिक हलकों के प्रतिनिधि थे। तो, पहले संकटमोचक थे: गिलियूम VII, काउंटर्स ऑफ काउंटर्स, ड्यूक ऑफ एक्विटाइन (1071 - 1127) - और गरीब गेसकॉन मार्केब्र्यून।

जैसा कि आप जानते हैं, प्रोवेनकल ट्राउडबॉर्ग्स, आमतौर पर बाजीगरों के साथ सहयोग करते थे, जो उनके साथ यात्रा करते थे, अपने गाने या उनके गायन के साथ प्रदर्शन करते थे, जैसे कि एक ही समय में एक नौकर और एक सहायक के कर्तव्यों का संयोजन। परेशान करने वाले ने संगीत के टुकड़े के संरक्षक और कलाकार के रूप में बाजीगर के रूप में काम किया।

संकटमोचनों की संगीत और काव्यात्मक कला में, कविता-गीत की कई विशिष्ट शैली किस्में निकलती हैं: अल्बा (भोर का गीत), चराई, सरवेंटा, क्रूसेडर्स के गीत, गीत-संवाद, गीत, नृत्य गीत। यह सूची एक सख्त वर्गीकरण नहीं है। प्रेम गीत एल्बम, चरागाह और नृत्य गीतों में सन्निहित हैं।

सिरवेंटा एक बहुत स्पष्ट पदनाम नहीं है। किसी भी मामले में, यह एक गीतात्मक गीत नहीं है। एक शूरवीर, एक योद्धा, एक साहसी संकटमोचक के चेहरे से आवाज़ आती है, यह कुछ समकालीनों या घटनाओं पर एक संपूर्ण वर्ग के उद्देश्य से व्यंग्यपूर्ण, अभियोगात्मक हो सकता है। बाद में, गाथागीत और रोंडो की शैलियाँ दिखाई दीं।

जैसा कि विशेष अध्ययनों की सामग्री के आधार पर आंका जा सकता है, संकटमोचनों की कला को अंततः अतीत की परंपराओं, या संगीत और काव्यात्मक रचनात्मकता के अन्य समकालीन रूपों से अलग नहीं किया जाता है।

पश्चिमी यूरोप में संगीत और काव्य गीतों के पहले रूपों और XIII में संगीत रचनात्मकता की अत्यधिक पेशेवर दिशाओं के बीच, ट्रोबैबर्ड्स की कला एक महत्वपूर्ण कनेक्टिंग लिंक के रूप में कार्य करती है। XIV सदियों। बाद में इस कला के प्रतिनिधियों ने खुद को पहले से ही संगीत पेशेवर बनाने की ओर अग्रसर किया, एक नए संगीत कौशल की नींव रखने में महारत हासिल की।

ऐसा है एडम डे ला हाल (१२३ 12-१२३ last - १२) 12), अंतिम उपद्रवियों में से एक, अर्रास का मूल निवासी, फ्रांसीसी कवि, संगीतकार, १३ वीं शताब्दी के उत्तरार्ध का नाटककार। 1271 से उन्होंने काउंट रॉबर्ट d "Artois के दरबार में सेवा की, जिनके साथ वह 1282 में नेपल्स के राजा, सिसिली के राजा अंजु के चार्ल्स के पास चले गए। नेपल्स में रहने के दौरान," गेम ऑफ रॉबिन एंड मैरियन "था बनाया - कवि-संगीतकार का सबसे बड़ा और सबसे महत्वपूर्ण काम।

इस तरह के काम XU111 सदी के फ्रांसीसी संगीत कॉमेडी के जन्म का प्रागितिहास हैं। और 19 वीं सदी के ओपेरा।

१२ वीं -१३ वीं शताब्दियों में जर्मनी में ट्रम्पबोर की कला के नमूने आए, और वहाँ रुचि को आकर्षित किया; गीतों का जर्मन में अनुवाद किया जाता है, यहां तक \u200b\u200bकि धुनों को कभी-कभी नए शब्दों के साथ ओवरटोन किया जाता है। 12 वीं सदी के उत्तरार्ध (15 वीं की शुरुआत तक बहुत ही सही) से विकास स्थानीय नाइटली संस्कृति के कलात्मक अवतार के रूप में फ्रेंच ट्रैपडाउन के संगीत और काव्य कला में इस रुचि को समझता है, जो इसे समझने योग्य है, विशेष रूप से शुरुआती मिनिंगिंगर के बीच।

मीनिंगर्स की कला लगभग एक सदी बाद, एक अलग देश में, जहां एक नए, विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष विश्वदृष्टि के गठन के लिए ऐसी कोई ठोस नींव नहीं थी, परेशानियों की कला से लगभग एक सदी बाद विकसित हुई।

मिनेसैंग के सबसे बड़े प्रतिनिधि वाल्टर वॉन डेर वोगेलवीड, कवि, पार्सिफल के लेखक, वोल्फ्राम वॉन एशेनबैच थे। इस प्रकार, वैगनर की "तन्हाहुसर" की कहानी ऐतिहासिक तथ्यों पर आधारित है।

हालांकि, अदालतों में सेवा और प्रदर्शन जर्मन मीनिंगर्स की गतिविधियों तक सीमित नहीं थे: यह उनमें से सबसे उत्कृष्ट था जिन्होंने अपने जीवन का एक महत्वपूर्ण हिस्सा दूर भटकने में बिताया।

तो, मिनसैंग की कला एकतरफा नहीं है: यह विभिन्न प्रवृत्तियों को जोड़ती है, और एक समग्र के रूप में मधुर पक्ष काव्यात्मक की तुलना में अधिक प्रगतिशील है। मिनसिंगर्स के बीच गीतों की शैली विविधता कई तरह से है, जो प्रोवेनकल ट्राउडबॉर्ब्स द्वारा खेती की गई थी: क्रुसेडर्स के गीत, विभिन्न प्रकार के प्रेम-गीत, नृत्य की धुनें।

दिवंगत मध्य युग के पवित्र संगीत का भी विकास जारी है। पॉलीफोनिक संगीत प्रस्तुति व्यापक रूप से विकसित हुई थी।

पॉलीफोनिक लेखन का विकास, जो पहले चर्च कला के लिए विशेषता था, आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष दोनों के लिए नए संगीत शैलियों को शामिल किया गया। पॉलीफोनी की सबसे व्यापक शैली बन रही है अभिप्रेरित करना।

मोएट, जिसका भविष्य बहुत अच्छा था, ने बहुत ही तीव्रता से XIII सदी में विकसित किया। इसकी उत्पत्ति पिछली शताब्दी की है, जब यह नोट्रे डेम स्कूल की रचनात्मक गतिविधियों के सिलसिले में पैदा हुई थी और पहले इसका एक उद्देश्य था।

13 वीं शताब्दी का एक प्रेरक छोटा या मध्यम आकार का एक पॉलीफोनिक (आमतौर पर तीन-भाग) टुकड़ा है। मोटेट की शैली विशेषता एक तैयार मेलोडिक नमूने (चर्च की धुनों से, धर्मनिरपेक्ष गीतों से) पर प्रारंभिक निर्भरता थी, जिस पर एक अलग प्रकृति की अन्य आवाज़ें और यहां तक \u200b\u200bकि कभी-कभी विभिन्न मूल की परतें होती थीं। परिणाम विभिन्न गीतों के साथ विभिन्न धुनों का एक संयोजन था।

साधन (viels, psalterium, organ) कुछ विशेष गतियों के प्रदर्शन में भाग ले सकते हैं। अंत में, XIII सदी में, रोज़ पॉलीफनी का एक अजीब रूप, जिसे रोंडेल, रोटा, आरयू (पहिया) नाम मिला, ने लोकप्रियता हासिल की। यह एक कॉमिक कैनन है, जो मध्ययुगीन क्षेत्ररक्षकों के लिए जाना जाता था।

13 वीं शताब्दी के अंत तक, फ्रांसीसी संगीत कला काफी हद तक पश्चिमी यूरोप में स्वर स्थापित कर रही थी। ट्राइडबैडर्स और ट्राउवर्स की संगीत और काव्य संस्कृति, साथ ही पॉलीफोनी के विकास में महत्वपूर्ण चरणों ने आंशिक रूप से अन्य देशों की संगीत कला को प्रभावित किया। संगीत के इतिहास में, 13 वीं शताब्दी (लगभग 1230 के दशक से) ने पदनाम "एग्स एंटीक" ("पुरानी कला") प्राप्त किया।

फ्रांस में एआरएस नोवा। गिलोय मशीन

1320 के आसपास, फिलिप डी विट्री के संगीत सैद्धांतिक काम, एज नोवा, पेरिस में बनाया गया था। ये शब्द - "न्यू आर्ट" - पंखों वाला निकला: उनमें से "एग नोवा का युग" की परिभाषा आई, जिसे अभी भी XIV सदी के फ्रांसीसी संगीत के लिए संदर्भित किया जाता है। अभिव्यक्तियाँ "नई कला", "नया स्कूल", "नए गायक" अक्सर फिलिप डे विट्री के समय का सामना करना पड़ा, न केवल सैद्धांतिक कार्यों में। चाहे सिद्धांतकारों ने नए रुझानों का समर्थन किया या उनकी निंदा की, चाहे पोप ने उनकी निंदा की, हर जगह संगीत कला के विकास में कुछ नया था, जो कि पॉलीफोनी के विकसित रूपों के उद्भव से पहले मौजूद नहीं था।

फ्रांस में एज नोवा का सबसे बड़ा प्रतिनिधि गिलौम डे मैकहॉट था- अपने समय के एक प्रसिद्ध कवि और संगीतकार, जिनकी रचनात्मक विरासत का साहित्य के इतिहास में भी अध्ययन किया गया है।

कोई फर्क नहीं पड़ता कि पॉलीफोनिक रूपों के आगे के विकास को XIV सदी में कितना जटिल हो गया, संगीत और काव्यात्मक कला की रेखा, परेशानियों और परेशानियों से आने वाली, फ्रेंच एर्स नोवा के वातावरण में पूरी तरह से खो नहीं गई थी। यदि फिलिप डी विट्री मुख्य रूप से एक संगीतज्ञ थे, और गिलियूम डी मैकहॉट बन गए फ्रांसीसी कवियों के गुरु, फिर भी, वे दोनों कवि-संगीतकार थे, इस अर्थ में, जैसा कि यह था, उन्होंने 13 वीं शताब्दी के संकटों की परंपरा को जारी रखा। अंत में, इतना लंबा समय फिलिप डी विट्री की रचनात्मक गतिविधि को अलग नहीं करता है, जिन्होंने 1313-1314 के आसपास संगीत रचना शुरू की, और यहां तक \u200b\u200bकि मैकहॉट की गतिविधि (1320-1330 से) - एडम के रचनात्मक जीवन के अंतिम वर्षों से डे ला हैल (दिमाग, 1286 या 1287 में)।

Guillaume ds Machaut की ऐतिहासिक भूमिका अधिक महत्वपूर्ण है। उसके बिना, फ्रांस में कोई भी अरस नोवा नहीं होगा। यह उनकी संगीत और काव्य रचनात्मकता, प्रचुर, मूल, बहु-शैली थी, जिसने इस युग की मुख्य विशेषताओं को केंद्रित किया। उनकी कला में, यह है कि एक तरफ लाइनों को एकत्र किया जाता है, गुजरता है, एक तरफ ट्रैपबैडरों और पतलून के संगीत और काव्य संस्कृति से, इसके लंबे समय तक गाने के आधार पर, दूसरे पर, पॉलीफोनी के फ्रांसीसी स्कूलों से X11-X111 सदियों।

दुर्भाग्य से, हम 1323 तक मचौत के जीवन पथ के बारे में कुछ भी नहीं जानते हैं। यह केवल ज्ञात है कि उनका जन्म 1300 के आसपास मचौत में हुआ था। वे एक व्यापक रचना के एक उच्च शिक्षित कवि और संगीतकार के रूप में अपने शिल्प के सच्चे स्वामी थे। निस्संदेह उच्च प्रतिभा के साथ, उन्हें निश्चित रूप से, साहित्यिक और संगीत गतिविधि के लिए पूरी तरह से तैयारी प्राप्त करनी चाहिए। पहली तारीख जिसके साथ मचौट की जीवनी का तथ्य जुड़ा हुआ है, वह 1322 - 1323 है, जब राजा के दरबार में उनकी सेवा शुरू हुई थी। तब शाही सचिव)। बीस से अधिक वर्षों के लिए, मचौत बोहेमिया के राजा के दरबार में था, कभी-कभी प्राग में, फिर अपने अभियानों, यात्रा, उत्सव, शिकार आदि में लगातार भाग लेते हुए, जन \u200b\u200bलक्ज़मबर्ग के रिटिन्यू में वह प्रमुख केंद्रों का दौरा करने के लिए हुआ। इटली, जर्मनी, पोलैंड। सभी संभावना में, इस सभी ने गिलियूम डे मैकहॉट को कई छापें दीं और अपने जीवन के अनुभव को पूरी तरह से समृद्ध किया। 1346 में बोहेमिया के राजा की मृत्यु के बाद, वह फ्रांसीसी राजा जॉन द गुड और चार्ल्स वी की सेवा में थे, और उन्होंने रिम्स के कैथेड्रल ऑफ नोट्रे डेम में एक कैनन भी प्राप्त किया। इसने एक कवि के रूप में उनकी प्रसिद्धि में योगदान दिया। अपने जीवनकाल के दौरान मचौत को बहुत महत्व दिया गया था, और 1377 में उनकी मृत्यु के बाद उन्हें उनके समकालीनों द्वारा शानदार युगों में महिमामंडित किया गया था। मचौत का फ्रांसीसी कविता पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव था, एक पूरे स्कूल का निर्माण किया, जो कि उनके द्वारा विकसित कविता के रूपों की विशेषता है।

शैलियों के बहुपक्षीय विकास के साथ मचौत की संगीत और काव्य रचनात्मकता का पैमाना, उनके पदों की स्वतंत्रता, जिसका फ्रांसीसी कवियों पर गहरा प्रभाव पड़ा, संगीतकार का उच्च कौशल - यह सब उन्हें इस तरह का पहला प्रमुख व्यक्तित्व बनाता है। संगीत कला का इतिहास।

मैकहॉट की रचनात्मक विरासत विशाल और विविध है। उसने मोटेट्स, रोड़े, रोंडो, कैनन आदि बनाए।

मचौत के बाद, जब उनका नाम कवियों और संगीतकारों द्वारा अत्यधिक पूजनीय था, और प्रभाव किसी तरह दोनों द्वारा महसूस किया गया था, उन्हें फ्रांसीसी संगीतकारों के बीच वास्तव में कोई बड़ा उत्तराधिकारी नहीं मिला। उन्होंने अपने अनुभव से बहुत कुछ सीखा, एक पॉलीफोनिस्ट के रूप में, अपनी तकनीक में महारत हासिल की, उसी तरह की शैलियों की खेती करते रहे, लेकिन उन्होंने अपनी कला को कुछ हद तक परिष्कृत किया, विवरणों को अधूरा करते हुए।

पुनर्जागरण काल

पश्चिमी यूरोप की संस्कृति और कला के लिए पुनर्जागरण का स्थायी महत्व लंबे समय से इतिहासकारों द्वारा मान्यता प्राप्त है और सामान्य ज्ञान बन गया है। पुनर्जागरण संगीत को कई नए और प्रभावशाली रचनात्मक स्कूलों द्वारा प्रस्तुत किया गया है, 14 वीं शताब्दी में फ्लोरेंस में फ्रांसेस्को लैंडिनी के शानदार नाम, 15 वीं शताब्दी में गिलियूम ड्यूफे और जोहान्स ओकेगेम, 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में जोसकिन शेक्सपियर और एक आकाशगंगा पुनर्जागरण के परिणामस्वरूप औस्टेयर शैली की क्लासिक्स - फिलिस्तीन, ऑरलैंडो लास्सो।

इटली में, XIV सदी में संगीत की कला के लिए एक नए युग की शुरुआत हुई। डच स्कूल ने आकार लिया और 15 वीं तक अपनी पहली चोटियों तक पहुंच गया, जिसके बाद इसका विकास लगातार जारी रहा, और एक तरह से या किसी अन्य के प्रभाव ने अन्य राष्ट्रीय स्कूलों के स्वामी पर कब्जा कर लिया। पुनर्जागरण के संकेत 16 वीं शताब्दी में फ्रांस में स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे, हालांकि उनकी रचनात्मक उपलब्धियां पिछली शताब्दियों में भी महान और निर्विवाद थीं। जर्मनी, इंग्लैंड और कुछ अन्य देशों में पुनर्जागरण की कक्षा के भीतर कला का उदय 16 वीं शताब्दी में हुआ।

तो, पश्चिमी यूरोपीय देशों की संगीत कला में, पुनर्जागरण की स्पष्ट विशेषताएं दिखाई देती हैं, यद्यपि कुछ असमानता के साथ, XIV-XVI सदियों के भीतर। पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति, विशेष रूप से संगीत की संस्कृति, निस्संदेह मध्य युग के अंत की सर्वश्रेष्ठ रचनात्मक उपलब्धियों से दूर नहीं हुई। पुनर्जागरण के युग की ऐतिहासिक जटिलता इस तथ्य में निहित थी कि सामंती व्यवस्था अभी भी लगभग हर जगह यूरोप में संरक्षित थी, और समाज के विकास में महत्वपूर्ण परिवर्तन हो रहे थे, जिसने कई मायनों में एक नए युग की शुरुआत तैयार की। यह सामाजिक-आर्थिक क्षेत्र, राजनीतिक जीवन में, समकालीनों के क्षितिज का विस्तार करने में व्यक्त किया गया था - भौगोलिक, वैज्ञानिक, कलात्मक, चर्च की आध्यात्मिक तानाशाही पर काबू पाने में, मानवतावाद के उदय में, एक महत्वपूर्ण आत्म-जागरूकता का विकास व्यक्ति। दुनिया की एक नई धारणा के संकेत विशेष रूप से जीवंतता के साथ उभरे और फिर विभिन्न कलाओं के प्रगतिशील आंदोलन में कलात्मक सृजन में मजबूती से स्थापित हो गए, जिसके लिए पुनर्जागरण की गंध पैदा करने वाले "मन की क्रांति" बेहद महत्वपूर्ण थी।

इसमें कोई संदेह नहीं है कि "पुनर्जागरण" में मानवतावाद ने अपने समय की कला में विशाल ताज़ी ताकतों को समझा, नए विषयों की खोज के लिए कलाकारों को प्रेरित किया और बड़े पैमाने पर छवियों की प्रकृति और उनके कार्यों की सामग्री का निर्धारण किया। संगीत कला के लिए, मानवतावाद का अर्थ था, सबसे पहले, किसी व्यक्ति की भावनाओं में गहरापन, उनके लिए एक नए सौंदर्य मूल्य की मान्यता। इसने संगीत विशिष्टता के सबसे मजबूत गुणों की पहचान और कार्यान्वयन में योगदान दिया।

एक पूरे के रूप में पूरे युग के लिए, विशेष रूप से मुखर पॉलीफोनी में मुखर शैलियों की एक स्पष्ट प्रबलता, विशेषता है। केवल बहुत धीरे-धीरे, धीरे-धीरे, वाद्य संगीत कुछ स्वतंत्रता प्राप्त करता है, लेकिन मुखर रूपों और रोजमर्रा के स्रोतों (नृत्य, गीत) पर इसकी प्रत्यक्ष निर्भरता थोड़ी देर बाद ही दूर हो जाएगी। प्रमुख संगीत शैली मौखिक पाठ से जुड़ी हुई हैं।

14 वीं से 16 वीं शताब्दी के अंत तक चली संगीत कला का महान मार्ग, किसी भी तरह से सरल और सीधा नहीं था, जैसे कि पुनर्जागरण की पूरी आध्यात्मिक संस्कृति केवल विकसित नहीं हुई थी और पूरी तरह से एक सीधी रेखा के साथ थी। संगीत की कला, साथ ही साथ संबंधित क्षेत्रों में, अपनी "गॉथिक लाइन" थी, और मध्य युग की अपनी खुद की, स्थिर और दृढ़ विरासत।

पश्चिमी यूरोपीय देशों की संगीत कला ने इतालवी, डच, फ्रेंच, जर्मन, स्पैनिश, अंग्रेजी और अन्य रचनात्मक स्कूलों की विविधता में एक नई सीमा के साथ संपर्क किया, और साथ ही साथ स्पष्ट रूप से सामान्य प्रवृत्ति के साथ। सख्त शैली का एक क्लासिक पहले से ही बनाया गया था, पॉलीफोनी का एक प्रकार का "सामंजस्य" चल रहा था, होमोफोनिक लेखन की ओर आंदोलन तेज हो गया, कलाकार की रचनात्मक व्यक्तित्व की भूमिका बढ़ गई, रोजमर्रा के संगीत का महत्व और उच्च-स्तरीय पेशेवर पर इसका प्रभाव। कला अधिक मजबूत हो गई, धर्मनिरपेक्ष संगीत शैलियों को आलंकारिक रूप से समृद्ध किया गया और इतालवी मैड्रिड को अलग किया गया), युवा वाद्य संगीत स्वतंत्रता की दहलीज पर पहुंच रहा था। 17 वीं शताब्दी ने यह सब सीधे 16 वीं शताब्दी से लिया - पुनर्जागरण की विरासत के रूप में।

इटली में एआरएस नोवा। फ्रैंचियो लांडिनी

XIV सदी (ट्रेसेंटो) की इतालवी संगीत कला ताजगी का एक समग्र अद्भुत प्रभाव पैदा करती है, जैसे कि एक नई, बस उभरती शैली का युवा। Ars का संगीत इटली में नया है, अपनी पूरी तरह से इतालवी प्रकृति के लिए आकर्षक और मजबूत और उसी समय की फ्रांसीसी कला से इसका अंतर। Ars nova in Italy - पहले से ही पुनर्जागरण की भोर, इसकी महत्वपूर्ण पूर्वाभास। यह संयोग से नहीं था कि फ्लोरेंस एर्स नोवा के इतालवी प्रतिनिधियों की रचनात्मक गतिविधि का केंद्र बन गया, जिसका महत्व मानवतावादी दिशा के नए साहित्य के लिए, और काफी हद तक - कलाकृतियों के लिए - दोनों के लिए सबसे महत्वपूर्ण था। ।

अर्स नोवा अवधि 1920 के दशक से लेकर 1980 के दशक तक 14 वीं शताब्दी तक फैला है, और इटली में धर्मनिरपेक्ष संगीत रचनात्मकता के पहले वास्तविक उत्कर्ष द्वारा चिह्नित है। इतालवी Ars novaa आध्यात्मिक कार्यों पर धर्मनिरपेक्ष की निर्विवाद प्रधानता की विशेषता है। ज्यादातर मामलों में, ये संगीत के बोल या किसी प्रकार की शैली के टुकड़े के नमूने हैं।

एर्स नोवा आंदोलन के केंद्र में, प्रमुख समकालीनों पर एक मजबूत छाप छोड़ने वाले एक समृद्ध और बहुमुखी प्रतिभा के कलाकार फ्रांसेस्को लैंडिनी का आंकड़ा उच्च उठता है।

लैंडिनी का जन्म फ़िशोल में फ्लोरेंस के पास एक चित्रकार के परिवार में हुआ था। बचपन में चेचक आने के बाद, वह हमेशा के लिए अंधा हो गया। विलानी के अनुसार, उन्होंने संगीत का शुरुआती अध्ययन किया (पहले गायन और फिर तार और अंग खेलना)। उनका संगीत विकास अद्भुत गति से आगे बढ़ा और उनके आसपास के लोगों को आश्चर्यचकित कर दिया। उन्होंने कई उपकरणों के डिजाइन का पूरी तरह से अध्ययन किया, सुधार किए और नए डिजाइन का आविष्कार किया। इन वर्षों में, फ्रांसेस्को लैंडिनी ने सभी समकालीन इतालवी संगीतकारों को पीछे छोड़ दिया है।

वह विशेष रूप से अंग खेलने के लिए प्रसिद्ध थे, जिसके लिए उन्होंने पेट्रार्क की उपस्थिति में 1364 में वेनिस में लॉरेल के साथ ताज पहनाया था। आधुनिक शोधकर्ताओं ने 1365-1370 के वर्षों के अपने शुरुआती कार्यों का श्रेय दिया है। 1380 के दशक में, एक संगीतकार के रूप में लैंडिनी की प्रसिद्धि ने पहले ही अपने सभी इतालवी समकालीनों की सफलताओं को ग्रहण कर लिया था। लैंडिनी की फ्लोरेंस में मृत्यु हो गई और उसे सैन लोरेंजो के चर्च में दफनाया गया; तारीख उनके मकबरे पर अंकित है: 2 सितंबर, 1397।

आज 154 Landini रचनाएँ जानी जाती हैं। गाथागीत उनके बीच पहले से ही हैं।

लांडिनी का काम अनिवार्य रूप से इटली के अरस नोवा काल को पूरा करता है। इसमें कोई संदेह नहीं है कि लैंडिनी की कला के सामान्य स्तर और उनके गुणों की विशेषता उन्हें प्रांतीय, आदिम, विशुद्ध रूप से वंशानुगत नहीं माना जा सकता है।

11 वीं शताब्दी के अंतिम दो दशकों में, इटली की संगीत कला में परिवर्तन हुए हैं, जो पहले अर्स नोवा की स्थिति की अखंडता का उल्लंघन करते हैं, और फिर उनके युग का अंत करते हैं। XU सदी की कला एक नए ऐतिहासिक काल से संबंधित है।

यूरोप में मध्य युग की पेशेवर संगीत संस्कृति मुख्य रूप से चर्च के साथ जुड़ी हुई है, जो कि पंथ संगीत के क्षेत्र के साथ है। धार्मिकता से भरी कला विहित और हठधर्मी है, लेकिन, फिर भी, यह जमी नहीं है, यह भगवान की सेवा करने के लिए सांसारिक घमंड से बदल दिया है। फिर भी, इस तरह के "सर्वोच्च" संगीत के साथ, लोकगीत और पुनरावृत्त संगीतकारों का काम था, साथ ही साथ शिष्टता की महान संस्कृति भी थी।

प्रारंभिक मध्य युग की आध्यात्मिक संगीत संस्कृति

शुरुआती मध्य युग में, पेशेवर संगीत केवल कैथेड्रल और गायन स्कूलों में ही सुनाई देता था जो उनके साथ थे। पश्चिमी यूरोप के मध्य युग की संगीत संस्कृति का केंद्र इटली की राजधानी थी - रोम - बहुत शहर जहां "सर्वोच्च चर्च प्राधिकरण" स्थित थे।

590-604 में, पोप ग्रेगरी प्रथम ने पंथ गायन में सुधार किया। उन्होंने ग्रेगोरियन एंटिफोनारियस संग्रह में विभिन्न मंत्रों का आयोजन और संग्रह किया। ग्रेगरी I के लिए धन्यवाद, एक दिशा जिसे ग्रेगोरियन जाप कहा जाता है, पश्चिमी यूरोपीय पवित्र संगीत में बनाई गई है।

कोरल - यह, एक नियम के रूप में, एक-स्वर जप है, जो यूरोपीय और मध्य पूर्वी लोगों की सदियों पुरानी परंपराओं को दर्शाता है। यह एक चिकनी मोनोफोनिक माधुर्य था जिसे कैथोलिक धर्म की नींव और एक एकल इच्छा की स्वीकृति के लिए परिशियनों का मार्गदर्शन करने के लिए कहा जाता था। ज्यादातर कोरले गाना बजानेवालों द्वारा किया गया था, और केवल कुछ हिस्सों एकल कलाकारों द्वारा प्रदर्शन किया गया था।

ग्रेगोरियन जप का आधार डायटॉनिक मोड की आवाज़ के साथ एक क्रमिक आंदोलन था, लेकिन कभी-कभी एक ही कोरले में धीमे, कठोर भजन और अलग-अलग सिलेबल्स के मधुर गायन भी होते थे।

इस तरह की धुनों का प्रदर्शन सिर्फ किसी पर भरोसा नहीं करता था, क्योंकि इसमें गायकों से पेशेवर गायन कौशल की आवश्यकता थी। संगीत की तरह, लैटिन में मंत्रों का पाठ, जो कई पारिश्रमिकों के लिए समझ से बाहर है, विनम्रता, वास्तविकता से अलगाव, चिंतन। अक्सर, संगीत की लयबद्ध व्यवस्था भी पाठ का पालन करने पर निर्भरता से वातानुकूलित थी। ग्रेगोरियन जप को आदर्श संगीत के रूप में नहीं लिया जा सकता है, बल्कि यह प्रार्थना पाठ का एक मंत्र है।

द्रव्यमान - मध्य युग के संगीतकार संगीत की मुख्य शैली

कैथोलिक प्रार्थना - चर्च की मुख्य सेवा। उन्होंने ग्रेगोरियन गायन के ऐसे प्रकारों को संयुक्त किया:

• एंटीफोनिक (जब दो गायक बारी-बारी से गाते हैं);
• उत्तरदायी (वैकल्पिक एकल गायक और गाना बजानेवालों)।

समुदाय ने केवल आम प्रार्थनाएं गाने में भाग लिया।
बाद में, बारहवीं शताब्दी में। भजन (स्तोत्र), दृश्य, द्रव्यमान द्रव्यमान में प्रकट हुए। वे तुकबंदी के साथ अतिरिक्त पाठ थे (मुख्य कोरले के विपरीत) और एक विशेष राग। इन धार्मिक तुकांत ग्रंथों को पारिश्रमिकियों द्वारा याद किया गया था। भिक्षुओं के साथ गाते हुए, उन्होंने राग को विविधता दी और लोक के तत्वों को पवित्र संगीत में रिसना शुरू किया और लेखक की रचनात्मकता के लिए एक अवसर के रूप में कार्य किया (नोटकर ज़िका और टोकेलन मोंक - सेंट गोलेने मठ)। बाद में, इन धुनों ने आम तौर पर भजन भागों को दबा दिया और ग्रेगोरियन मंत्र की ध्वनि को काफी समृद्ध किया।

पॉलीफोनी के पहले उदाहरण मठों से उत्पन्न होते हैं, जैसे कि ऑर्गन - समांतर क्वार्ट्स में आंदोलन या पंद्रहवें, गिमेल, फोबोरडन - छठे जीवाणुओं में चालन, चालन। इस तरह के संगीत के प्रतिनिधि हैं लियोनिन और पेरोटिन (नोट्रे डेम कैथेड्रल - XII-XIII सदियों)।

मध्य युग की सेक्युलर संगीत संस्कृति

मध्य युग की संगीत संस्कृति के धर्मनिरपेक्ष पक्ष का प्रतिनिधित्व फ्रांस में किया गया था - बाजीगर, mimes, minstrels , जर्मनी में - क्षेत्रपाल, स्पेन में - होलर, रूस में - मूर्खों... वे सभी यात्रा करने वाले कलाकार थे और अपने काम के वाद्य यंत्रों, गायन, नृत्य, जादू, कठपुतली, सर्कस कला में संयुक्त थे।

धर्मनिरपेक्ष संगीत का एक अन्य घटक शूरवीर था, तथाकथित दरबारी संस्कृति ... एक विशेष नाइट कोड बनाया गया था, जिसमें कहा गया था कि प्रत्येक शूरवीर के पास न केवल साहस और साहस होना चाहिए, बल्कि अति सुंदर शिष्टाचार, शिक्षा और सुंदर महिला के प्रति वफादार होना चाहिए। शूरवीरों के जीवन के ये सभी पहलू कार्य में परिलक्षित होते हैं troubadours (दक्षिणी फ्रांस - प्रोवेंस), परेशान करनेवाला (उत्तरी फ्रांस), खान में काम करनेवाला(जर्मनी)।

उनके काम को मुख्य रूप से प्रेम गीतों में प्रस्तुत किया गया है, जिनमें से सबसे व्यापक शैली एरिजोना (एल्ब्स - मिनिंगर्स द्वारा "मॉर्निंग सॉन्ग्स") थी। पतलून के अनुभव को व्यापक रूप से लागू करते हुए, पतलून ने अपने स्वयं के शैलियों का निर्माण किया: "मई गाने", "बुनाई गीत"।

दरबारी संस्कृति के प्रतिनिधियों की संगीत शैलियों का सबसे महत्वपूर्ण क्षेत्र गीत और नृत्य शैलियों था, जैसे रोंडो, विरेले, बैलाड, वीर महाकाव्य। साधनों की भूमिका बहुत ही निरर्थक थी, यह एक परिचय, एक अंत: करण, एक प्रस्तावना के साथ मुखर धुनों के फ्रेमिंग के लिए उबला हुआ था।

परिपक्व मध्य युग XI-XIII सदियों।

परिपक्व मध्य युग की एक विशेषता विशेषता विकास है बर्गर संस्कृति ... उनका ध्यान चर्च-विरोधी, मुक्त-चिंतन, हँसी और कार्निवल लोककथाओं से जुड़ाव था। पॉलीफोनी की नई विधाएं दिखाई देती हैं: एक मोटिव, जिसे स्वरों की मधुर भंगिमा की विशेषता होती है, इसके अलावा, विभिन्न ग्रंथों को एक साथ ही और यहां तक \u200b\u200bकि विभिन्न भाषाओं में गाया जाता है; मैड्रिगल मूल भाषा (इतालवी) में एक गीत है, काचा एक मुखर टुकड़ा है जिसमें एक पाठ है जिसमें शिकार का वर्णन है।

12 वीं शताब्दी के बाद से, वैगेंट और गोलियॉ लोक कला में शामिल हो गए, जो बाकी के विपरीत थे, साक्षर थे। विश्वविद्यालय मध्य युग की संगीत संस्कृति के वाहक बन गए। चूंकि मध्य युग की आधुनिक प्रणाली पवित्र संगीत के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित की गई थी, इसलिए उन्हें चर्च मोड (आयोनियन मोड, आइओलियन मोड) कहा जाने लगा।

हेक्साकार्ड्स के सिद्धांत को भी आगे रखा गया था - केवल 6 डिग्री का उपयोग फ्रेट में किया गया था। मॉन्क गुइडो एरींटस्की ने नोटों की रिकॉर्डिंग के लिए एक अधिक आदर्श प्रणाली बनाई, जिसमें 4 लाइनों की उपस्थिति थी, जिसके बीच एक तीसरा अनुपात और लाइनों का एक महत्वपूर्ण चिह्न या रंग था। उन्होंने चरणों का शब्दांश नाम भी प्रस्तुत किया, अर्थात्, चरणों की ऊंचाई को अक्षरों के संकेतों द्वारा इंगित किया जाने लगा।

Ars Nova XIII-XV शतक

मध्य युग और पुनर्जागरण के बीच संक्रमण काल \u200b\u200bXIV सदी था। फ्रांस और इटली में इस अवधि को अर्स नोवा कहा जाता था, अर्थात "नई कला"। कला में नए प्रयोगों का समय आ गया है। रचनाकारों ने रचनाओं की रचना शुरू की, जिसकी लय पिछले वाले (फिलिप डे विट्री) की तुलना में बहुत अधिक जटिल हो गई।

इसके अलावा, पवित्र संगीत के विपरीत, यहां अर्धवृत्त पेश किए गए थे, जिसके परिणामस्वरूप यादृच्छिक किरणें उत्पन्न हुईं और स्वर में गिरावट आई, लेकिन यह अभी तक मॉड्यूलेशन नहीं है। इस तरह के प्रयोगों के परिणामस्वरूप, ऐसे काम प्राप्त किए गए जो दिलचस्प हैं, लेकिन हमेशा व्यर्थ से दूर हैं। उस समय के सबसे प्रतिभाशाली प्रायोगिक संगीतकार सोलाज़ थे। मध्य युग की संगीत संस्कृति प्राचीन दुनिया की संस्कृति की तुलना में अधिक विकसित है, सीमित साधनों के बावजूद और पुनर्जागरण में संगीत के फूल के लिए आवश्यक शर्तें शामिल हैं।