पुनर्जागरण की जर्मन संगीत कला। पुनरुद्धार का सार संगीत संस्कृति

रूसी संघ के शिक्षा मंत्रालय

मॉस्को स्टेट ओपन पेडागोगिकल यूनिवर्सिटी

उन्हें। एम। ए। शोलोखोवा

सौंदर्य शिक्षा विभाग

निबंध

"पुनर्जागरण का संगीत"

5 वीं (संख्या) पाठ्यक्रम के छात्र

पूर्णकालिक - पत्राचार विभाग

पोल्गेवा हुसोव पावलोवना

अध्यापक:

ज़त्सेपिना मारिया बोरिसोव्ना

मास्को 2005

पुनर्जागरण - मध्य युग से लेकर आधुनिक काल (XV-XVII सदियों) तक संक्रमण के दौरान पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों की संस्कृति के उत्कर्ष का युग। पुनर्जागरण की संस्कृति एक संकीर्ण वर्ग के चरित्र की नहीं है और अक्सर व्यापक जनता के मूड को दर्शाती है, संगीत संस्कृति में यह कई नए प्रभावशाली रचनात्मक स्कूलों का प्रतिनिधित्व करता है। इस अवधि की संपूर्ण संस्कृति का मुख्य वैचारिक मूल मानवतावाद था - एक स्वतंत्र और व्यापक रूप से विकसित होने के रूप में मनुष्य का एक नया, पहले अनदेखा विचार, असीमित प्रगति के लिए सक्षम। मनुष्य कला और साहित्य का मुख्य विषय है, पुनर्जागरण संस्कृति के सबसे महान प्रतिनिधियों की रचनात्मकता - एफ। पेट्रार्क और डी। बोकासियो, लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो, राफेल और टिटियन। इस युग की अधिकांश सांस्कृतिक हस्तियां स्वयं बहुमुखी प्रतिभाशाली लोग थे। इस प्रकार, लियोनार्डो दा विंची न केवल एक उत्कृष्ट कलाकार थे, बल्कि एक मूर्तिकार, वैज्ञानिक, लेखक, वास्तुकार, संगीतकार भी थे; माइकल एंजेलो न केवल एक मूर्तिकार के रूप में जाना जाता है, बल्कि एक चित्रकार, कवि, संगीतकार के रूप में भी जाना जाता है।

इस अवधि की विश्वदृष्टि और संपूर्ण संस्कृति का विकास प्राचीन मॉडलों के पालन द्वारा छापा गया था। संगीत में, नई सामग्री के साथ, नए रूप और विधाएं भी विकसित हो रही हैं (गाने, मैड्रिल, गाथागीत, ओपेरा, कैंटानास, ओटोरियस)।

मुख्य रूप से पुनर्जागरण संस्कृति की सभी अखंडता और पूर्णता के लिए, यह पुरानी के साथ नई संस्कृति के तत्वों की परस्पर क्रिया से जुड़ी विरोधाभासी विशेषताओं की विशेषता है। इस अवधि की कला में धार्मिक विषय न केवल मौजूद हैं, बल्कि विकसित करने के लिए भी जारी हैं। इसी समय, यह इतना रूपांतरित हो जाता है कि इसके आधार पर बनाए गए कार्यों को कुलीन और सामान्य लोगों के जीवन के शैली के दृश्यों के रूप में माना जाता है।

पुनर्जागरण की इतालवी संस्कृति विकास के कुछ चरणों से गुजरी: 14 वीं शताब्दी के अंत में उत्पन्न हुई, यह 15 वीं - 16 वीं शताब्दी के मध्य में अपने चरम पर पहुंच गई। XVI सदी की दूसरी छमाही में। देश की आर्थिक और राजनीतिक गिरावट के कारण एक दीर्घकालिक सामंती प्रतिक्रिया सामने आई है। मानवतावाद संकट में है। हालांकि, कला में गिरावट तुरंत स्पष्ट नहीं है: दशकों के लिए, इतालवी कलाकारों और कवियों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों ने उच्चतम कलात्मक मूल्य के कार्यों का निर्माण किया, विभिन्न रचनात्मक स्कूलों के बीच संबंधों का विकास, संगीतकारों के बीच देश से देश के लिए अनुभव का आदान-प्रदान। , अलग-अलग चैपल में काम करना, एक संकेत समय बन जाता है और हमें पूरे युग के सामान्य रुझानों के बारे में बात करने की अनुमति देता है।

पुनर्जागरण यूरोपीय संगीत संस्कृति के इतिहास के शानदार पन्नों में से एक है। जोसक्विन, ओब्रेचट, फिलिस्तीन, ओ। लास्सो, गेस्साल्डो के महान नामों का तारामंडल, जिन्होंने अभिव्यक्ति, पॉलीफोनी की समृद्धि, रूपों के पैमाने के रूप में संगीत रचनात्मकता के लिए नए क्षितिज खोले; पारंपरिक शैलियों के उत्कर्ष और गुणात्मक नवीकरण - मोटेट, मास; एक नई कल्पना की स्थापना, पॉलीफोनिक गीत रचनाओं के क्षेत्र में नए इंटोनेशन, वाद्य संगीत का तेजी से विकास, जो अधीनता के लगभग पांच शताब्दियों के बाद सामने आया: संगीत बजाने के अन्य रूप, सभी क्षेत्रों में व्यावसायिकता का विकास संगीत रचनात्मकता: संगीत कला की भूमिका और संभावनाओं पर विचारों में बदलाव, सौंदर्य के नए मानदंड का गठन: कला के सभी क्षेत्रों में वास्तव में उभरती हुई प्रवृत्ति के रूप में मानवतावाद - यह सब पुनर्जागरण के बारे में हमारे विचारों से जुड़ा हुआ है। पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति विज्ञान पर आधारित एक व्यक्तिगत सिद्धांत है। 15 वीं - 16 वीं शताब्दियों के पॉलीफोनिस्टों के असामान्य रूप से जटिल कौशल, उनकी गुणात्मक तकनीक हर रोज नृत्य की उज्ज्वल कला, धर्मनिरपेक्ष शैलियों के परिष्कार के साथ मिलकर बनाई गई थी। गीत और नाटक तेजी से अपने कामों में व्यक्त किए जाते हैं। इसके अलावा, लेखक का व्यक्तित्व, कलाकार की रचनात्मक व्यक्तित्व (यह न केवल संगीत कला की विशेषता है) उनमें अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट होता है, जो हमें पुनर्जागरण कला के प्रमुख सिद्धांत के रूप में मानवीकरण की बात करने की अनुमति देता है। एक ही समय में, बड़े पैमाने पर और प्रेरणा के रूप में इस तरह के बड़े शैलियों द्वारा प्रतिनिधित्व किया गया चर्च संगीत, कुछ हद तक पुनर्जागरण की कला में "गॉथिक" लाइन को जारी रखता है, जिसका उद्देश्य मुख्य रूप से पहले से मौजूद कैनन को फिर से बनाना है और इसके माध्यम से गौरवशाली है दिव्य।

लगभग सभी प्रमुख शैलियों का काम करता है, दोनों धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक, कुछ पहले से ज्ञात संगीत सामग्री पर आधारित हैं। यह मोटापे और विभिन्न धर्मनिरपेक्ष शैलियों, वाद्य व्यवस्था में एक मोनोफोनिक स्रोत हो सकता है; यह तीन-भाग की रचना से उधार ली गई दो आवाज़ें हो सकती हैं और इसमें एक ही या एक अलग शैली के नए कार्य को शामिल किया जा सकता है, और अंत में, एक पूर्ण तीन- या चार-भाग (मोटेट, मेड्रिगल, एक तरह की भूमिका निभा रहा है) एक बड़े रूप (मास) के काम का प्रारंभिक "मॉडल"।

प्राथमिक स्रोत समान रूप से लोकप्रिय, प्रसिद्ध मेलोडी (कोराले या धर्मनिरपेक्ष गीत) और किसी भी लेखक के काम (या उसमें से आवाज़ें) हैं, जो अन्य रचनाकारों द्वारा संसाधित किए जाते हैं और, तदनुसार, ध्वनि की विभिन्न विशेषताओं, एक अलग कलात्मक विचार के साथ संपन्न होते हैं।

एक उदाहरण की शैली में, उदाहरण के लिए, लगभग कोई काम नहीं होता है जिसमें कोई मूल मूल नहीं होता है। 15 वीं - 16 वीं शताब्दियों के रचनाकारों में से अधिकांश लोगों के पास प्राथमिक स्रोत भी हैं: उदाहरण के लिए, पैलेस्टिना में, सौ से अधिक लोगों की कुल संख्या में, हम केवल छह उधार-मुक्त आधार पर लिखे गए पाते हैं। ओ। लस्सो ने लेखक की सामग्री के आधार पर एक भी मास (58 में से) नहीं लिखा।

इसी समय, यह ध्यान दिया जा सकता है कि जिन सामग्रियों पर लेखक भरोसा करते हैं, उन पर प्राथमिक स्रोतों का चक्र काफी स्पष्ट रूप से इंगित किया गया है। जी। ड्यूफे, आई। ओकेगेम, जे। ओब्रेचट, फिलिस्तीना, ओ। लसो और अन्य एक-दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा करते दिखते हैं, बार-बार एक ही धुन का जिक्र करते हैं, हर बार उनसे ड्राइंग करते हुए, उनके कामों के लिए नए कलात्मक आवेग, पुनर्विचार पॉलीफोनिक रूपों के लिए प्रारंभिक इंटोनेशनल प्रोटोटाइप के रूप में धुन।

टुकड़ा प्रदर्शन करते समय, तकनीक का उपयोग किया गया था - पॉलीफोनी। पॉलीफोनी पॉलीफोनी है जिसमें सभी आवाजें समान हैं। सभी स्वर एक ही राग को दोहराते हैं, लेकिन अलग-अलग समय पर, एक प्रतिध्वनि की तरह। इस तकनीक को नकली पॉलीफोनी कहा जाता है।

15 वीं शताब्दी तक, "सख्त लेखन" की तथाकथित पॉलीफोनी आकार ले रही थी, नियम (आवाज-अग्रणी, आकार देना, आदि) जो उस समय के सैद्धांतिक ग्रंथों में तय किए गए थे और जन्म के अपरिवर्तनीय नियम थे चर्च संगीत का निर्माण।

एक और संयोजन, जब कलाकारों ने एक ही समय में विभिन्न धुनों और विभिन्न ग्रंथों का उच्चारण किया, तो इसे विपरीत पॉलीफोनी कहा जाता है। सामान्य तौर पर, "सख्त" शैली आवश्यक रूप से दो प्रकार की पॉलीफोनी में से एक को निर्धारित करती है: नकल या विपरीत। यह नकल और विपरीत पॉलीफोनी थी जिसने चर्च सेवाओं के लिए पॉलीफोनिक मोटेट्स और द्रव्यमान की रचना करना संभव बना दिया था।

मोटेट एक छोटा कोरल गीत है जो आमतौर पर कुछ लोकप्रिय राग से बना होता है, जो अक्सर पुराने चर्च की धुनों ("ग्रेगोरियन मंत्र" और अन्य कैनोनिकल स्रोतों, साथ ही लोक संगीत) में से एक होता है।

15 वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद से, कई यूरोपीय देशों की संगीत संस्कृति पुनर्जागरण में निहित अधिक से अधिक विशिष्ट विशेषताएं बन गई है। डच पुनर्जागरण के शुरुआती पॉलीफोनिस्टों में सबसे प्रमुख, गुइल्यूम ड्यूफे (डुफे) का जन्म 1400 के आसपास फ्लैंडर्स में हुआ था। उनके काम, वास्तव में, डच स्कूल ऑफ म्यूजिक के इतिहास में आधी शताब्दी से अधिक का प्रतिनिधित्व करते हैं, जिसने 15 वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही में आकार लिया।

ड्यूफे ने रोम में पीपल सहित कई चैपलों का निर्देशन किया, फ्लोरेंस और बोलोग्ना में काम किया, और अपने जीवन के अंतिम वर्षों को अपनी मूल कैम्ब्रि में बिताया। ड्यूफे की विरासत समृद्ध और प्रचुर मात्रा में है: इसमें लगभग 80 गाने (कक्ष शैलियों - वायरल, गाथागीत, रोंडो), लगभग 30 मोटिव (आध्यात्मिक सामग्री और धर्मनिरपेक्ष, "गीत"), 9 पूर्ण द्रव्यमान और उनके व्यक्तिगत भाग शामिल हैं।

एक उत्कृष्ट माधुर्यवादी, जिसने सख्त शैली के युग में दुर्लभ और मधुर की अभिव्यक्ति प्राप्त की, उसने स्वेच्छा से लोक धुनों की ओर रुख किया, उन्हें सबसे कुशल प्रसंस्करण के अधीन किया। ड्यूफे मास में बहुत सी नई चीजें लाता है: वह पूरे व्यापक की रचना का विस्तार करता है, कोरल ध्वनि के विपरीत का अधिक स्वतंत्र रूप से उपयोग करता है। उनकी कुछ सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ "द पेल फेस", "द आर्म्ड मैन" हैं, जिसमें गीत के मूल के समान नाम की उधार ली गई धुनों का उपयोग किया जाता है। विभिन्न संस्करणों में ये गीत, एक व्यापक-विषयगत-विषयगत आधार का गठन करते हैं जो एक साथ बड़े वर्ण चक्रों की एकता रखता है। एक उल्लेखनीय काउंटरपॉइंटिस्ट के पॉलीफोनिक विस्तार में, वे अपनी गहराई, पहले से अज्ञात सौंदर्य और अभिव्यंजक संभावनाओं में छिपे हुए प्रकट करते हैं। ड्यूफ़े की धुन सामंजस्यपूर्ण रूप से डच गीत की कोमलता को इटैलियन मधुरता और फ्रांसीसी अनुग्रह के साथ जोड़ती है। इसकी नकल पॉलीफनी कृत्रिमता और अव्यवस्था से रहित है। कभी-कभी दुर्लभता अत्यधिक हो जाती है, विकृति उत्पन्न होती है। यहां, न केवल कला के युवा, जो अभी तक संरचना का आदर्श संतुलन नहीं पाया है, परिलक्षित होता है, बल्कि सबसे मामूली साधनों द्वारा एक कलात्मक और अभिव्यंजक परिणाम प्राप्त करने के लिए कैम्ब्रियन मास्टर के प्रयास की विशेषता भी है।

ड्यूफे के युवा समकालीनों - जोहान्स ओकेगेम और जैकब ओब्रेचट का काम पहले से ही तथाकथित दूसरे डच स्कूल के रूप में जाना जाता है। दोनों संगीतकार अपने समय के महानतम व्यक्ति हैं, जिन्होंने 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में डच पॉलीफोनी के विकास को निर्धारित किया।

जोहान्स ओकेगेम (1425 - 1497) ने अपने जीवन का अधिकांश भाग फ्रांसीसी राजाओं की अध्यक्षता में काम किया। यूरोप के सामने ओकेगेम के सामने, ड्यूफे के नरम, मधुर गीत-संगीत से रोमांचित, उनके मसल्स और मोटिव्स का भोला-भाला और आर्कषक प्रकाश, पूरी तरह से अलग कलाकार दिखाई दिया - "एक भावुक आंख वाला बुद्धिवादी" और एक परिष्कृत तकनीकी कलम। , जो कभी-कभी गीतकारिता से बचते थे और संगीत में अधिक कब्जा करने के लिए प्रयास करते थे, उद्देश्य के कुछ सामान्य नियम हैं। उन्होंने पॉलीफोनिक पहनावा में मेलोडिक लाइनों के विकास में एक जबरदस्त कौशल की खोज की। उनके संगीत में कुछ गॉथिक विशेषताएं निहित हैं: कल्पना, अभिव्यक्ति का गैर-व्यक्तिगत चरित्र, आदि। उन्होंने "द आर्म्ड मैन", 13 मोटेट्स और 22 गानों को शामिल करते हुए 11 पूर्ण द्रव्यमान (और उनके कुछ हिस्सों को) बनाया। यह बड़ी पॉलीफोनिक शैलियाँ हैं जो अपने पहले स्थान पर हैं। ओकेगैम के कुछ गीतों ने समकालीनों के बीच लोकप्रियता हासिल की और एक से अधिक बार बड़े रूपों में पॉलीफोनिक व्यवस्था के लिए प्राथमिक आधार के रूप में सेवा की।

एक महान गुरु और शुद्ध पॉलीफोनिस्ट के रूप में ओकेगैम का रचनात्मक उदाहरण उनके समकालीनों और अनुयायियों के लिए बहुत महत्व रखता था: पॉलीफोनी प्रेरित सम्मान की विशेष समस्याओं पर उनका असम्बद्ध ध्यान, अगर प्रशंसा नहीं थी, तो यह एक किंवदंती को जन्म देती थी और एक हेलो के साथ उनका नाम घेरती थी।

15 वीं शताब्दी को अगली कड़ी से जोड़ने वालों में न केवल कालानुक्रमिक, बल्कि रचनात्मक विकास का सार भी, पहला स्थान, कोई संदेह नहीं, जैकब ओब्रचैट का है। उनका जन्म 1450 में बर्गन ऑप ज़ूम में हुआ था। ओब्रेट ने एंटवर्प, कंबराई, ब्रुग्स और अन्य के चैपल में काम किया, उन्होंने इटली में भी काम किया।

ओब्रेट की कलात्मक विरासत में 25 द्रव्यमान, लगभग 20 मोटिव, 30 पॉलीफोनिक गाने शामिल हैं। अपने पूर्ववर्तियों और पुराने समकालीनों से, उन्हें एक उच्च विकसित, यहां तक \u200b\u200bकि गुणसूत्र पॉलीफोनिक तकनीक, पॉलीफोनी के नकली-विहित तरीके भी विरासत में मिले। ओब्रेट के संगीत में, पूरी तरह से पॉलीफोनिक, हम कभी-कभी अवैयक्तिक भावनाओं की एक विशेष ताकत भी सुनते हैं, बड़ी और छोटी सीमाओं में विरोधाभासों की बोल्डनेस, काफी "सांसारिक", स्वर की प्रकृति और विशेष रूप से गठन की प्रकृति में लगभग हर रोज़ कनेक्शन। उसका विश्वदृष्टि गॉथिक होना बंद हो जाता है। वह जोस्किन डेस्प्रेस की दिशा में आगे बढ़ता है - संगीत कला में पुनर्जागरण का सच्चा प्रतिनिधि।

ओब्रेट शैली की विशेषता व्यक्तिगत विशेषताओं से है, जिसमें गॉथिक टुकड़ी से प्रस्थान, विरोध, भावनाओं की शक्ति और रोजमर्रा की जिंदगी के संबंध के साथ संबंध शामिल हैं।

इटली में 16 वीं शताब्दी का पहला तीसरा उच्च पुनर्जागरण की अवधि है, जो रचनात्मक उत्थान और अभूतपूर्व पूर्णता का समय है, लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो के महान कार्यों में सन्निहित है। एक निश्चित सामाजिक स्तर उभर रहा है, जिसके बल पर नाट्य प्रदर्शन और संगीत की छुट्टियां आयोजित की जाती हैं। विभिन्न कला अकादमियों की गतिविधियाँ विकसित हो रही हैं।

थोड़ी देर बाद, न केवल इटली, बल्कि जर्मनी, फ्रांस और अन्य देशों में भी संगीत की कला में उच्च समृद्धि का दौर शुरू होता है। संगीत रचनाओं के प्रसार के लिए संगीत संकेतन का आविष्कार बहुत महत्व रखता है।

पॉलीफोनिक स्कूल की परंपराएं अभी भी मजबूत हैं (विशेष रूप से, एक मॉडल पर निर्भरता का पहले जैसा अर्थ है), लेकिन विषयों की पसंद के लिए दृष्टिकोण बदल रहा है, कार्यों की भावनात्मक-आलंकारिक संतृप्ति बढ़ जाती है, और व्यक्तिगत, लेखक का सिद्धांत तीव्र होता है। ये सभी विशेषताएं इतालवी संगीतकार जोस्किन डेस्प्रेस के काम में पहले से ही स्पष्ट हैं, जो 1450 के आसपास बरगंडी में पैदा हुए थे और 15 वीं शताब्दी के अंत में - 15 वीं शताब्दी के अंत में डच स्कूल के सबसे महान संगीतकारों में से एक थे। एक उत्कृष्ट आवाज और श्रवण से संपन्न, अपनी किशोरावस्था से उसने चर्च के चर्च में अपनी मातृभूमि और अन्य देशों में एक कोरिस्टर के रूप में कार्य किया। उच्च वर्णिक कला के साथ इस प्रारंभिक और निकट संपर्क ने, पंथ संगीत के महान कलात्मक खजाने के सक्रिय और व्यावहारिक आत्मसात ने मोटे तौर पर उस दिशा को निर्धारित किया जिसमें भविष्य के प्रतिभाशाली मास्टर का व्यक्तित्व, उनकी शैली और शैली के हितों ने फिर आकार लिया।

अपने छोटे वर्षों में, Despres ने I Okegem के साथ रचना की कला का अध्ययन किया, जिसके साथ वे विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाने में भी सॉल्वर बन गए।

इसके बाद, जोस्किन डेस्प्रेस ने उस समय मौजूद सभी संगीत शैलियों पर अपना हाथ आज़माया, जो भजन, प्रेरणा, द्रव्यमान, द पैशन ऑफ़ द लॉर्ड के लिए संगीत, सेंट मैरी और धर्मनिरपेक्ष गीतों के सम्मान में रचनाओं का निर्माण किया।

डेस्प्रेस की रचनाओं में सबसे पहली बात जो आंख को पकड़ती है, वह है स्ट्राइकिंग काउंटरपॉइंट तकनीक, जो लेखक को एक सच्चे काउंटरपॉइंट-गुण को समझने की अनुमति देती है। हालांकि, सामग्री की अपनी पूर्ण निपुणता के बावजूद, डेस्प्रेस ने बहुत धीरे-धीरे लिखा, बहुत समीक्षकों ने उनके कार्यों पर विचार किया। रचनाओं के परीक्षण प्रदर्शन के दौरान, उन्होंने उनमें बहुत सारे बदलाव किए, एक त्रुटिहीन व्यंजना को प्राप्त करने की कोशिश की, जिसे उन्होंने कभी-भी समय के प्रति-विरोध में बलिदान नहीं किया।

केवल पॉलीफोनिक रूपों का उपयोग करते हुए, कुछ मामलों में संगीतकार ऊपरी आवाज़ को असामान्य रूप से सुंदर रूप से बहने वाली धुन देता है, धन्यवाद जिससे उसका काम न केवल व्यंजना से, बल्कि माधुर्य से भी प्रतिष्ठित होता है।

सख्त प्रतिपक्ष से परे जाने की इच्छा न करते हुए, डेस्प्रेस उन्हें तैयार करता है, जैसा कि असहमति को नरम करने के लिए, व्यंजन के रूप में पिछले व्यंजन में एक असंगत नोट का उपयोग करके किया गया था। Despres भी काफी सफलतापूर्वक संगीत अभिव्यक्ति को बढ़ाने के साधन के रूप में विसंगतियों का उपयोग करता है।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि जे। डेस्प्रेस को न केवल एक प्रतिभाशाली प्रतिरूपवादी और संवेदनशील संगीतकार माना जा सकता है, बल्कि एक उत्कृष्ट कलाकार भी है, जो अपने कार्यों में भावनाओं और विभिन्न मनोदशाओं के सबसे सूक्ष्म रंगों को व्यक्त करने में सक्षम है।

15 वीं शताब्दी के इतालवी और फ्रांसीसी पॉलीफोनिस्ट की तुलना में जोस्किन तकनीकी रूप से और सौंदर्यशास्त्र से अधिक मजबूत था। इसीलिए, विशुद्ध रूप से संगीत क्षेत्र में, उन्होंने अपने प्रभाव का अनुभव करने की तुलना में उन्हें बहुत अधिक प्रभावित किया। अपनी मृत्यु तक, डेस्प्रेस ने रोम, फ्लोरेंस, पेरिस में सर्वश्रेष्ठ चैपल का निर्देशन किया। वह हमेशा अपने काम के लिए समान रूप से समर्पित रहे हैं, संगीत के प्रसार और मान्यता में योगदान करते हैं। वह डच रहा, "कोंडे से मास्टर।" और कोई फर्क नहीं पड़ता कि विदेशी उपलब्धियों और सम्मान कितने शानदार थे, यहां तक \u200b\u200bकि "संगीत के स्वामी" को प्रदान की गई जीवन शक्ति के साथ (जैसा कि उनके समकालीनों ने उन्हें बुलाया), उन्होंने, पृथ्वी की अपरिवर्तनीय "कॉल" का पालन करते हुए, पहले से ही अपने घटते वर्षों में वापस लौट आए। Scheldt के बैंकों और मामूली रूप से एक कैनन के रूप में अपने जीवन को समाप्त कर दिया ...

इटली में, उच्च पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों का विकास हुआ। मुखर शैलियाँ दो मुख्य दिशाओं में विकसित होती हैं - उनमें से एक रोजमर्रा के गीत और नृत्य (फेरोटोला, विलेनेला, आदि) के करीब है, दूसरा पॉलीफोनिक परंपरा (मैड्रिगल) के साथ जुड़ा हुआ है।

मद्रिगल ने एक विशेष संगीत और काव्यात्मक रूप में संगीतकार की व्यक्तित्व की अभिव्यक्ति के लिए असाधारण अवसर प्रदान किए। उनके गीत, शैली के दृश्यों की मुख्य सामग्री। वेनिस संगीत में मंचीय संगीत की विधाएँ फली-फूलीं (प्राचीन त्रासदी को पुनर्जीवित करने का प्रयास)। वाद्य रूपों (ल्यूट, विहुएला, अंग और अन्य उपकरणों के लिए टुकड़े) ने स्वतंत्रता प्राप्त की।

संदर्भ की सूची:

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XV-XVII सदियों की अवधि में संगीत।

मध्य युग में, संगीत चर्च का विशेषाधिकार था, इसलिए अधिकांश संगीत कार्य पवित्र थे, जो चर्च मंत्रों (ग्रेगोरियन जप) पर आधारित थे, जो ईसाई धर्म की शुरुआत से स्वीकारोक्ति का हिस्सा रहे हैं। 6 वीं शताब्दी की शुरुआत में, पोप ग्रेगरी I की प्रत्यक्ष भागीदारी के साथ पंथ की धुनों को अंतत: विहित किया गया। ग्रेगोरियन जप पेशेवर गायकों द्वारा किया गया था। चर्च संगीत द्वारा पॉलीफनी के विकास के बाद, ग्रेगोरियन जप पॉलीफोनिक पंथ कार्यों (द्रव्यमान, मोटेट्स, आदि) का विषयगत आधार बना रहा।

यद्यपि संगीत काफी हद तक धार्मिक रहा, लेकिन समाज पर चर्च के नियंत्रण के कमजोर पड़ने ने संगीतकारों और कलाकारों को अपनी प्रतिभा को व्यक्त करने की अधिक स्वतंत्रता दी।

प्रिंटिंग प्रेस के आविष्कार के साथ, शीट संगीत को प्रिंट और वितरित करना संभव हो गया, और इस क्षण से शुरू होता है जिसे हम शास्त्रीय संगीत कहते हैं।

इस अवधि के दौरान, नए संगीत वाद्ययंत्र दिखाई दिए। सबसे लोकप्रिय उपकरण ऐसे उपकरण बन गए, जिन पर संगीत प्रेमी विशेष कौशल की आवश्यकता के बिना आसानी से और बस खेल सकते थे।

यह इस समय था कि वायोला दिखाई दिया - वायलिन के अग्रदूत। मालियों के लिए धन्यवाद (गर्दन के पार लकड़ी की पट्टियाँ), इसे खेलना आसान था, और इसकी आवाज़ शांत, कोमल और छोटे हॉल में अच्छी लगती थी।

पवन उपकरण भी लोकप्रिय थे - ब्लॉक बांसुरी, बांसुरी और हॉर्न। सबसे कठिन संगीत नव निर्मित हार्पसीकोर्ड, वर्जिनिनेला (एक छोटे आकार के साथ एक अंग्रेजी हार्पसीकोर्ड) और अंग के लिए लिखा गया था। उसी समय, संगीतकार सरल संगीत की रचना करना नहीं भूले, जिन्हें उच्च प्रदर्शन कौशल की आवश्यकता नहीं थी। उसी समय, संगीत संकेतन में परिवर्तन हुए: इतालवी ओतावियानो पेट्रुकी द्वारा आविष्कार किए गए मोबाइल धातु पत्रों द्वारा भारी लकड़ी के मुद्रण ब्लॉकों को बदल दिया गया। प्रकाशित संगीत रचनाएं तेजी से बिक गईं, अधिक से अधिक लोग संगीत में शामिल होने लगे।

मस्ट वॉच: इटली में शास्त्रीय संगीत के इतिहास की प्रमुख घटनाएं।

क्वाट्रोसेंटो (XV सदी) मुख्य रूप से दृश्य कला, वास्तुकला और साहित्य में शास्त्रीय कला (ग्रीक और लैटिन) के पुनरुद्धार की विशेषता है। हालांकि, संगीत यूनानी पुरातनता के बारे में दस्तावेजों की कमी के कारण और, इसलिए, मॉडल, संगीत के क्षेत्र में इस तरह के पुनरुद्धार के बारे में नहीं कहा जा सकता है। इस कारण से, के साथ शुरूXIV सदी। पॉलीफोनी की औपचारिक दिशाओं को गुणा और विस्तारित करने के मार्ग के साथ संगीत का विकास जारी रहा। बस अंत की ओरXVI सदी, जब सामान्य पुनरुद्धार धीरे-धीरे अपना प्रभामंडल खोने लगा, संगीत में तथाकथित फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल, या इटली में बर्गंडियन-फ्लेमिश स्कूल के गठन के साथ, शास्त्रीय दिशा का एक निश्चित पुनरुद्धार था।

स्वर संगीत: फ्लेमिश स्कूल

एक संगीत निर्देशन के रूप में फ्लेमिश स्कूल जो पुनर्जागरण के दौरान प्रबल हुआ और उत्तरी फ्रांस और आधुनिक बेल्जियम के क्षेत्रों में पैदा हुआ, लगभग 1450 से 16 वीं शताब्दी के अंत तक विकसित हुआ। विशेषज्ञों ने इस दिशा के विकास में दो प्रमुख प्रमुख चरणों के बीच लेखकों की छह पीढ़ियों की गणना की है: बर्गंडियन-फ्लेमिश और फ्रेंको-फ्लेमिश। दोनों चरणों के प्रतिनिधि मूल रूप से फ़्लैंडर्स के थे, लेकिन एक पूरे के रूप में स्कूल प्रकृति में अंतरराष्ट्रीय था, क्योंकि ज्यादातर मामलों में संगीतकारों की गतिविधियां विदेशों में हुईं और उनकी शैली जल्दी से पूरे यूरोप में फैल गई। अक्सर फ्लेमिश स्कूल को डच कहा जाता है, जो बर्गंडियन, फ्लेमिश, फ्रेंको-फ्लेमिश और एंग्लो-फ्रेंच-फ्लेमिश दिशाओं को सामान्य करता है। पहले से ही 16 वीं शताब्दी की शुरुआत से। नई भाषा ने फ्रांस, जर्मनी, इटली, इंग्लैंड और स्पेन में व्यापक प्रतिक्रिया दी और व्यक्तिगत देशों में नए रूपों और शैलियों के जन्म का निर्धारण किया, जो व्यक्तिगत राष्ट्रीय परंपराओं को दर्शाता है। हालांकि, XVI सदी के दूसरे छमाही में। ये वही फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार पहले से ही न केवल व्यक्तिगत यूरोपीय संगीत परंपराओं के सबसे बड़े प्रतिनिधियों (इटली में, उदाहरण के लिए, लुका मार्जेनियो, जे। फिलस्ट्रिना और सी। मोंटेवेर्डी जैसे लेखकों के साथ टकराव की स्थिति में होने के लिए मजबूर थे), लेकिन यह भी उनके स्वाद और शैली का पालन करने के लिए।

फ्लेमिश स्कूल में निहित शैलियों और अभिव्यंजक साधनों की जटिलता और विविधता के बावजूद, यह अभी भी ठेठ और अजीब घटनाओं को एकल करने के लिए संभव है, उदाहरण के लिए, काउंटरपॉइंट कपड़े के सभी हिस्सों के आदर्श तुल्यता (जोस्किन) के आधार पर एक शैली का निर्माण वर्णन) और संरचना के लिए जैविक संरचना देने के साधन के रूप में सख्त नकल के उपयोग पर। निबंध। काउंटरपॉइंट के सबसे जटिल तरीकों का उपयोग फ्लेमिश स्कूल की सौंदर्यवादी अवधारणा में फिट बैठता है। इस प्रवृत्ति के रचनाकारों ने एक नई पॉलीफोनिक शैली बनाई - तथाकथित ऑस्ट्रियर शैली। स्कूल की प्रमुख विधाएँ हैं- द्रव्यमान, मोटेट, पॉलीफोनिक चान्सन, मैड्रिगल, फ्रेटटोला, विलेनेला, कैनज़ोनेटा। स्कूल के संगीतकारों द्वारा विकसित पॉलीफोनिक रचना के सिद्धांत बाद की पीढ़ियों के लिए सार्वभौमिक बन गए। 15 वीं - 16 वीं शताब्दी के कुछ सबसे बड़े यूरोपीय संगीतकार फ्लेमिश स्कूल के हैं। ये हैं जोहान्स ओकेगेम, जैकब ओब्रेट, हेनरिक इसक, जोसक्विन डेस्प्रेस, पियरे डी ला रुए, जीन मटन, एड्रिएन विलेर्ट, निकोलस गोमबर्ट, जैकब आर्कडेल्ट, फिलिप मोंटे, जैकोबस डी केर्ल, ऑरलैंडो डी लास्सो, जियास डी वर्ट, जैकब रेनेयर मैके। ।

गिलौम डूफे

बरगंडियन-फ्लेमिश स्कूल के प्रमुख, गुइलियूम ड्यूफे (लगभग 1400 - 1474, कंबराई), ने कैंबरी में गिरजाघर में एक लड़के के रूप में गाया; 1420 में वे इटली में बस गए और पेसारो और रिमिनी में माल्टास्टा परिवार में शामिल हो गए; फिर 1428 से 1433 तक उन्होंने रोम में पीपल की चौपाल में गाया, फिर फ्लोरेंस और बोलोग्ना में, जहां पोप अशांति के कारण छिप गया; 1437 से 1444 तक उन्होंने सवॉय के लुइस के दरबार में सेवा की और अंत में कंबराई लौट आए। महान संस्कृति के व्यक्ति, ड्यूफ़, ने संगीत कला की सभी समकालीन उपलब्धियों का अध्ययन किया और लागू किया, पहली बार सख्त तकनीक और सामंजस्यपूर्ण स्पष्टता और मधुर माधुर्य का संश्लेषण किया। उनकी रचनात्मक विरासत में 9 पूर्ण द्रव्यमान, 32 मोटेट्स, भजन, एंटीफ़ोन और द्रव्यमान के 37 टुकड़े हैं। उनकी युवा जनता (छोड़नासनोती,छोड़नासनोतीएंटोनीवीनेंसिस) 3-स्वर द्रव्यमान के प्रकार के अनुसार रचना की गई, जिसमें ऊपरी स्वर निचले दो पर मधुरता से रहता है। हालांकि, मास के साथ शुरू छोड़नाकापुट(लगभग 1440) और बाद के महीनों में सेलाचेहराएयपीला,एल 'होमीअरमे,एवेन्यूरेजिनापुलावतथा ईसीसीईएनोइलाडोमिनीसंगीतकार उपयोग करता है कैंटुदृढ़(lat; - शाब्दिक रूप से एक मजबूत राग), जिसमें सामान्य के विभिन्न वर्गों को एक सामान्य राग के विषय पर विकसित किया जाता है, जिसे ग्रेगोरियन या अतिरिक्त-लिटिरिकल रेपर्टोअर से उधार लिया जाता है या नए सिरे से तैयार किया जाता है। माधुर्य की कृपा से, पॉलीफोनिक प्रसंस्करण की महारत, जन एवेन्यूरेजिनापुलाव उसका सबसे अच्छा काम है।

पवित्र और प्रशंसनीय राजनीतिक पहलुओं में, ड्यूफे ग्रंथों की विविधता के संदर्भ में और आइसोरैमी के संदर्भ में अपने पूर्ववर्तियों के पथ का अनुसरण करते हैं, जो कि हालांकि, बर्गियन संगीतकार के प्रेरणा के कार्यों में अनन्य नहीं है, जो कभी-कभी पसंद करते हैं छूट में फ्री स्टाइल सबसे प्रसिद्ध मोटेट्स में से, वासिलिसाफलस्वरूपगौड(क्लियोफ मालाटस्टा को समर्पित), अपोस्टोलोग्लोरीओसो (पात्राों में संतअंड्रिया के अभिषेक के लिए, जहां माल्टास्टा द्वीपसमूह था) Ecclesiaemiliantus (1431 में यूजीन चतुर्थ के पोप सिंहासन के प्रवेश के लिए), निपोरनारसारुमफ्लोरेस(1486 में फ्लोरेंटाइन कैथेड्रल के अभिषेक के लिए)।

गीत, नामकरण की एक बहुतायत द्वारा विशेषता, आमतौर पर 3 आवाज़ों के लिए लिखा गया था; 2 ऊपरी आवाज़ों ने मेलोडिक लाइन का नेतृत्व किया, और निचले ने इसे सामंजस्यपूर्ण रूप से समर्थन किया। यह स्पष्ट रूप से गाथागीत, रोंडो या वायरल ( विदाईम 'अमूर,सेलाचेहराएयपीला,पुनर्विक्रेताओंnous,बॉनपत्रिकाएँ,बॉनmois,सी। ईमियाँडेमाई,मेरी सुंदरबेगमस्मारिका,सोमवारझंकारएमी); कुछ canzones इतालवी में हैं: दोनायअर्दंतीरे,डोनाजेंटिल,लाडोल्सेविस्टा और कमाल कर सकते हैं एरिज़ोना कगारबेलाफ्रांसेस्को पेटरका के शब्दों में।

जोहान्स ओकगेम

जोहान्स ओकेग्म (लगभग 1420/25 ट्रेमोंडे, फ़्लैंडर्स - 1497, टूर्स) ने फ्रांसीसी राजा के चैपल में 40 से अधिक वर्षों तक सेवा की। बहुत सम्मान और मान्यता मिली; दौरे पर सेंट-मार्टिन के अभय के कोषाध्यक्ष थे, अर्थात् राज्य में सर्वोच्च पदों में से एक, वित्तीय लोगों सहित कई विशेषाधिकारों का आनंद लिया।

उन्हें उनके समकालीनों द्वारा एक अग्रणी संगीतकार माना जाता था और फ्लेमिश स्कूल की दूसरी पीढ़ी के केंद्रीय व्यक्ति हैं, जिन्होंने जी। ड्यूफ़े का अनुसरण किया और जे। डेस्प्रेस से पहले (जिन्होंने प्रसिद्ध लिखा था) उत्थान, खेद)। ओकेगेम सख्ती से स्टाइल पॉलीफनी का प्रतिनिधि है। उन्होंने एंड-टू-एंड इमीटेशन की तकनीक को समृद्ध किया, कोरल शैली में पूर्ण-ध्वनि वाले 4-स्वर को मंजूरी दी ए कैपेला (कोई वाद्य संगत नहीं)। उनकी रचनात्मक विरासत में 19 जन हैं (जिनमें से केवल 10 पूर्ण हैं, बाकी में कोई साधारण वर्ग नहीं हैं), अध्यादेश प्रकाशित किया गया था, Requiem, एक दर्जन मोटिव्स, लगभग 20 चैंसन, साथ ही किसी भी टोन का एक मास '', जो स्केल के विभिन्न पैरों से किया जा सकता है। इससे पता चलता है कि संगीतकार गणितीय गणनाओं पर आधारित अपने काम करता है।

जोस्किन डेस्प्रेस

जोसकिन डेस्प्रेस (1440 में पिकाडे में वर्मांडोइस - 1521, कोंडे-सुर-एल'एसको, वैलेंसियेंसेस), 1459 से 1472 तक वह मिलान के कैथेड्रल में एक गाना बजानेवालों में थे, बाद में ड्यूक ऑफ मालियाज़ो मारिया सोरज़ा और चैपल में प्रवेश किया। 1479 से, सभी संभावना में, कार्डिनल एसकेनियो सेफोर्ज़ा की सेवा में था (इसलिए उसका उपनाम जोस्किन डी'स्कैनियो)। 1486 से 1494 तक उन्होंने पोप चैपल में गाया, और 1503 में उन्होंने फेरारा में ड्यूक एरकोल I डी'एस्ट की सेवा में प्रवेश किया; फिर फ्रांस में बस गए और 1515 तक लुई XII के दरबार में सेवा की; हाल के वर्षों में वह कोंडे की राजधानी में एक कैनन-प्रीबेंडरी था। वह हैब्सबर्ग अदालत और ऑस्ट्रिया के मार्गरेट के साथ जुड़ा हुआ था, जिसने नीदरलैंड में लगाया था। जोसकिन डेस्प्रेस की प्रसिद्धि, जिसे उन्होंने अपने जीवनकाल में पहले ही भोगा था, की आवृत्ति से अनुमान लगाया जाता है, जिसके साथ उनका नाम प्रिंट प्रकाशनों में पाया जाता है, विशेषकर 16 वीं शताब्दी के पहले दो दशकों में, साथ ही साथ इसकी तुलना फ्लोरेंटाइन लेखक ने की Cosimo Bartoli उनके और माइकल एंजेलो Buonarroti के बीच स्थापित ...

फ्लेमिंग्स की तीसरी पीढ़ी के लेखक, उन्होंने पाठ की एक नई समझ का रास्ता खोला, शब्द और संगीत के बीच घनिष्ठता स्थापित करने और अभिव्यक्ति की निरंतर खोज के साथ रचनात्मक प्रक्रियाओं की सख्त जटिलता को जोड़ने का रास्ता खोला।

उनकी सूची में शामिल 18 में से कुछ जन पारंपरिक तकनीक में रचे गए हैं। कैंटीनदृढ़एवेन्यूमैरिसस्टेला,डेऊष्माविरोइन,छोड़नाडिदादी,डी 'संयुक्त राष्ट्र संघaulireआमेर,फैज़ेंटपछतावा,गौडेमस,अत्यंत बलवान आदमीduxफेरारिया,लापपितापुनमील,एल 'होमीअरमानसेक्सटोनीएल 'होमीअरमानसुपरस्वरसंगीत,पंगेसामान्यऔर आदि।)।

जोसेक्विन के काम में परिष्कृत अभिव्यक्तियाँ मोटेट्स (लगभग 85) में निहित हैं, जिनमें से अधिकांश, जाहिरा तौर पर, परिपक्व अवधि, विशेष रूप से धर्मनिरपेक्ष (लगभग 70) रचनाओं से संबंधित हैं। उनके कामों के बीच, यह भी उल्लेख किया जाना चाहिए, तथाकथित ठोस रूपों के कनेक्शन से मुक्त ( फार्मफिक्स) (विदाईएमईएसamours,बर्जरेटसेवॉयेन,एनl 'ओंब्रेd 'संयुक्त राष्ट्रbuiss-नेट पर उपलब्ध,एमएगुलदस्तारीत,मिलपछतावा,छोटाकाम करनेवाला) और एक इटैलियन स्टाइल फ्रेटोला ( एलग्रिलोइवरदानकैंटोर,Scaramellaवाअल्लागुएरा,मेंतेअधिवासस्पैरवी) का है। एक सुंदर रचना विशेष ध्यान देने योग्य है Deplorazione - मोलिनेट के पाठ पर जोहान्स ओकेगेम की मृत्यु पर अफसोस।

निकोलस गोम्बर्ट और एड्रिएन विलेर्ट

16 वीं शताब्दी का संगीतकार। फ्लेमिश स्कूल की चौथी पीढ़ी, निकोलस गोम्बर्ट (लगभग 1500, ब्रुग्स? - 1556, टुर्नाई?) ने सम्राट चार्ल्स वी की निजी चैपल में सेवा की, जिनके साथ वे स्पेन, इटली, जर्मनी और ऑस्ट्रिया के माध्यम से एक लंबी यात्रा पर गए। 1640 से, शायद, वह टुर्नाई में रहता था, क्योंकि वह फ्लेमिश काउंटरपॉइंट की परंपरा का एक कैनन था, डेस्प्रेस का एक छात्र, गोम्बर्ट ने अपने कामों में हासिल किया (10 द्रव्यमान, लगभग 160 मोट्स, 8 मैग्नेट, लगभग 60 चैंसन) उच्चतम तकनीकी और समकालीन स्तर, अगली पीढ़ी के समकालीन संगीतकारों और संगीतकार पर एक मजबूत प्रभाव प्रदान करते हैं। उनकी शैली में निरंतर नकल और सभी आवाज़ों की लगभग निरंतर भागीदारी की विशेषता है। निकोलस गोम्बर्ट के आध्यात्मिक कार्य के लिए, एक सख्त और लेकोनिक शैली विशिष्ट है, यह संगीतकार के धर्मनिरपेक्ष कार्यों की तुलना में बहुत अधिक है।

एड्रियन विल्र्ट (लगभग 1490, ब्रुग्स - 1560, वेनिस), फ़्लैंडर्स के मूल निवासी, इटली में एक गाना बजानेवालों में थे, पहले फेरारी में ड्यूक अल्फोंसो डी'एस्टे के दरबार में, फिर मिलान में आर्कबिशप हिप्पोलिटस II के चैपल में डी ' एस्टे और, अंत में, सेंट मार्क के चैपल कैथेड्रल में एक कंडक्टर के रूप में (1527 से उनकी मृत्यु तक)। वेनिस में सेवा के इन अपूर्ण 35 वर्षों में, शिक्षण अभ्यास को उनकी रचना गतिविधि में जोड़ा गया था: इटली में पहली बार, उन्होंने फ्लेमिश तकनीक को सिखाना शुरू किया, जो उनके आसपास एक वास्तविक स्कूल का समूह था। पवित्र संगीत के क्षेत्र में, उन्होंने 9 द्रव्यमान और 850 से अधिक मोटिव्स लिखे, जिसकी रचना में उन्होंने खुद को एक वास्तविक गुरु, सभी ज्ञात विधियों में एक विशेषज्ञ दिखाया: फ्लेमिश परंपरा के प्रति उनके लगाव के अलावा ( कैंटीनदृढ़, कम्पोनेंट की रचना), उन्होंने इतालवी धर्मनिरपेक्ष संगीत और पॉलीफोनिक रिकॉर्डिंग के सभी तरीकों में रुचि दिखाई। उसके स्तोत्रों में शिकार से पका हुआ भोजनspezzati(1550) 8-स्वर गायन के साथ, दो गायकों के विरोध का प्रभाव हड़ताली है। विल्लर्ट के छात्रों में, के। रोरेट को महान अधिकार प्राप्त थे, सेंट मार्क के कैथेड्रल में उनके उत्तराधिकारी, 5 द्रव्यमान के लेखक, 87 मोटिव, पैशनदूसराएसजियोवानी, 116 मैड्रिड, साथ ही जी। सार्कलिनो, सेंट मार्क के कैथेड्रल के कंडक्टर, शिक्षक और संगीतकार भी हैं, जो मुख्य रूप से सद्भाव पर ग्रंथों के लिए जाने जाते हैं, ए। गैब्रियल।

ऑरलैंडो डी लास्सो

ऑरलैंडो डि लासो या रोलैंड डी लासस (1530/32, मोन्स, नीनो - 1594, मोनाको) की संगीत शिक्षा के बारे में जानकारी नहीं बची है। उनके शिक्षकों के नाम अज्ञात हैं, लेकिन यह स्पष्ट है कि वे अपने समय के प्रमुख संगीतकारों से परिचित थे और उनके काम से प्रभावित थे। एक लड़के के रूप में, वह सिसिली एफ। गोंजागा के वाइसराय में एक कोरिस्टर था। फिर वह नेपल्स में (1549 से) और अंत में, रोम में लेटरानो में सेंट जॉन के कैथेड्रल के चैपल के कंडक्टर के रूप में समाप्त हुआ। अपनी मातृभूमि, साथ ही इंग्लैंड और फ्रांस की यात्रा करने के बाद, लास्सो 1557 में म्यूनिख में बस गया, पहले बावरिया के ड्यूक अल्बर्ट वी के चैपल में एक टेनर के रूप में, और फिर 1562-1563 में। एक कंडक्टर के रूप में। ड्यूक के यूरोप की यात्रा पर जाने के बाद, लास्सो ने एक साथ दूसरे देशों के संगीतकारों के संगीत के अनुभव का अध्ययन किया, और महान प्रांगणों का लाभ उठाया।

उनके विशाल कार्य युग के लगभग सभी संगीत शैलियों को शामिल करते हैं, उन्होंने 700 मोटेट्स, 58 द्रव्यमान, सिर्फ 200 मद्रिगल्स, 33 खलनायक, 90 से अधिक जर्मन की रचना की झूठ बोलालगभग 150 चांसन। लास्सो ने उस क्षण से छपाई के विशेषाधिकार का आनंद लिया, जब उन्होंने 1556 में एवर (एंटवर्प) में प्रकाशित अपने पहले गानों का संग्रह लिखा; 5 आवाज़ों के लिए मैड्रिड की पहली पुस्तक 1555 में ए गार्डगो द्वारा वेनिस में प्रकाशित की गई थी। लास्सो के काम में फ्लेमिश, इतालवी और जर्मन परंपराओं के संश्लेषण के निशान मिल सकते हैं। जे.पी. फिलिस्तीन लास्सो के साथ मिलकर, उनकी पीढ़ी के लिए एक आंकड़ा; पवित्र संगीत के क्षेत्र में, 2-8 स्वरों के लिए लिखा गया एक द्रव्यमान द्रव्यमान की तुलना में सर्वोपरि है। इस शैली में, लास्सो यह दिखाने में कामयाब रहा कि संगीत पाठ को अपनी अभिव्यंजक सामग्री के सार से निकाल सकता है, बिना उसकी आज्ञा के। पागलों के साधनों पर पूरी तरह से महारत हासिल करने के बाद, उन्होंने अपनी कला की सभी सूक्ष्मता के साथ, पाठ के वर्णनात्मक और भावनात्मक अर्थ की थोड़ी बारीकियों पर प्रकाश डाला। इस तरह की महारत के परिणाम को कार्यों के क्रोमेटिक रूप से परिष्कृत हार्मोनिक प्रोफाइल और तालबद्ध विरोधाभासों और मधुर रेखाओं की मौलिकता और विशिष्टता से सराहना की जा सकती है।

उनकी विरोधाभासी भाषा ने किसी तरह से एकरसता की पुनरावृत्ति शैली का पूर्वाभास किया जो उनकी मृत्यु के बाद के दशक में हुई थी।

इटली में स्वर कला के रूप: मैड्रिडल

15 वीं और 16 वीं शताब्दी के दौरान इटली में संगीतमय जीवन। प्रबुद्ध धनी घरों के संरक्षण द्वारा समर्थित: मेडीसी इन फ्लोरेंस, एस्टे इन फेरारी और सेफोर्ज़ा इन मिलान। इन प्रसिद्ध परिवारों से कला के संरक्षक कला और कलाकारों दोनों के लिए सच्चे प्यार से प्रेरित थे। यह प्यार आर्थिक सहायता, आदेशों के प्रावधान, अकादमियों की स्थापना में प्रकट हुआ था। आर्थिक सहायता से कलात्मक जीवन पूरे जोरों पर था। ऐसे अनुकूल वातावरण में मदारीलाल का स्वर्ण युग शुरू हुआ। धार्मिक रूप से, यह फलने-फूलने वाले धर्मनिरपेक्ष मुखर पॉलीफोनी के विकास के लिए एक महत्वपूर्ण शर्त बन गई, जो कि स्थानीय परंपरा में निहित है, अर्थात्, पॉलीफोनिक गीत फ्रेटोला के उद्भव के लिए।

फ्रूटोला

एक लोक गायन शैली जिसने 16 वीं शताब्दी के इटालियन संगीत में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, फ्रूटोला, जिसे बर्डज़ेलेटा या स्ट्रोमबोटो भी कहा जाता है, को 15 वीं शताब्दी के अंत से गाया जाता है। यह आम तौर पर एक सरल लयबद्ध और मधुर आंदोलन के साथ 4 आवाजों के लिए बनाया गया था, एक आसानी से याद करने वाली धुन के साथ। फ्रूटोला का व्यापक रूप से मंटुआ में इसाबेला डी'एस्ट के दरबार में प्रदर्शन किया गया था, जहाँ एम। कारा, बी। ट्रोमेम्बिनो, एम। पेज़ांती ने इसके उत्कर्ष में योगदान दिया। यहाँ से, फ्रेटटोला इटली में अन्य पैतृक महल में समाप्त हो गया। परिष्कार के अपने सभी ढोंगों के लिए, फ्रेटटोला इस अर्थ में महत्वपूर्ण थे कि काव्य पाठ को सरल रूप और जीवंत लय के साथ आसानी से जोड़ा गया था। फ्रूटोला ने पेशेवर संगीत से एक पॉलीफोनिक रिकॉर्डिंग को अपनाया, इसे सभी बौद्धिकता से मुक्त किया: नकल काउंटरपॉइंट के बजाय, फ्रॉटटोला ने सटीक लय के आधार पर धुनों का इस्तेमाल किया जो सीधे कविता के पाठ से होती है। वरीयता लय को दी गई थी, माधुर्य में यह ऊपरी आवाज के लिए स्पष्ट रूप से अभिप्रेत थी, जो आवाज और ल्यूट के लिए क्षणिकाओं में भी स्पष्ट थी।

मद्रिगल और उसका विकास

पुनर्जागरण का मैड्रिगल 1530 के आसपास विकसित हुआ, जब काउंटरपॉइंट का उपयोग करने वाला फ्लेमिश मैस्ट्रोस एक प्रमुख ऊपरी आवाज के साथ कॉर्ड सद्भाव पर आधारित इटालियन फ्रेटोला के प्रभाव में आया। पुनर्जागरण में, मेड्रिगल में, शब्द और संगीत के बीच का संबंध घनिष्ठ और गहरा हो जाता है: यदि पहले नमूनों में के। फेस्टा, एफ। वेरडेलो, जे। आर्कोडेल्ट ने संगीत की एक स्वायत्त रचनात्मक सद्भाव की खोज करने से इनकार नहीं किया, तो ए। विलेर्ट, सी। डी। रोयोर, एफ। डी। मोंटे, ऑरलैंडो डी लास्सो पहले से ही अपने मद्रिगल्स में पाठ के रंगों को दिखाने के लिए प्रयासरत हैं, इस क्रोमैटिज़्म, काउंटरपॉइंट, सद्भाव, टिमब्रे का उपयोग करते हुए।

अपने इतिहास में, मैड्रिगल लगभग सभी सौंदर्य ऊंचाइयों तक पहुंच गया, लेकिन 17 वीं शताब्दी के मध्य में। इसके विकास को समाप्त करता है। उनकी कुछ विशेषताएं (उदाहरण के लिए, मौखिक और संगीत आयामों के बीच निकटतम संबंध) अन्य रूपों में पारित हुई, विशेष रूप से, एक कक्ष कैंटाटा में।

मदृग का अपोजी: लुका मार्जेनियो

लुका मार्न्ज़ियो (लगभग 1553, ब्रेशिया के पास कोकागेलियो - 1599, रोम) मुख्य रूप से रोम में रहते थे, सबसे पहले वे कार्डिनल क्रिस्टोफर मद्रूज़ो (1572 - 1578) की सेवा में थे, और फिर लुइगी डी-एस्टे (1578 - 1585)। 1589 में उन्होंने फ्लोरेंस में क्रिस्टीना डी लोरेना के साथ फर्डिनेंड डी मेडिसी के विवाह समारोह में भाग लिया। इस अवसर पर उन्होंने दो योगों की रचना की: लागाराफ्रासरस्वतीइपियरडी तथा द्वितीयकॉम्बैटिमेंटोकविवरडिअपोलो... उसी वर्ष, मार्जेनियो रोम लौट आया और कार्डिनल मोंटाल्टो की सेवा में प्रवेश किया। 1595 में, वह पोलिश राजा सिगिस्मंड III के नियंत्रण में आया, लेकिन इस देश में उसके रहने के बारे में विश्वसनीय जानकारी संरक्षित नहीं की गई है। 1598 में, मार्जेनियो वेनिस में था, और एक साल बाद - रोम में (संभवतः पीपल चैपल के संगीतकार के रूप में), जहां उसकी मृत्यु हो गई। मार्जेनियो की प्रसिद्धि मुख्य रूप से मैड्रिड की रचना से जुड़ी है। 16 वीं शताब्दी के काउंटरपॉइंट के सबसे जटिल रिकॉर्डिंग का कुशल उपयोग। कलात्मक अभिव्यक्ति के नए साधनों की खोज में योगदान दिया। मारेंजी। उन्होंने 419 मैड्रिगल्स (जिन्होंने 4 आवाज़ों के लिए गीतों की किताब, 5 आवाज़ों के लिए 9 किताबें, 6 आवाज़ों और अन्य संस्करणों के लिए 6 किताबें) लिखीं; इसके अलावा, वह अति सुंदर खलनायकों (5 पुस्तकों में 118) के मालिक हैं, जो कि मैड्रिड की तरह, इटली के बाहर व्यापक रूप से जाना जाता था। लुका मार्जेनियो की आध्यात्मिक रचनात्मकता कम महत्वपूर्ण नहीं है (77 मोटेट्स ज्ञात हैं)।

अभिव्यक्ति और सस्वर पाठ: Gesualdo

वेलोसा के राजकुमार कार्लो गेस्काल्डो (लगभग 1560-1613, नेपल्स) और अपनी मां की ओर से कार्ल बैरोमीटरो के भतीजे, दो घटनाओं के लिए विशेष रूप से प्रसिद्ध हो गए: उनकी युवा पत्नी मारिया डी'अवलोस की हत्या, जो 1590 में अपने प्रेमी फैब्रीज़ियो कारफा से पकड़ा गया था। , और 1594 में ड्यूक अल्फोंसो II की भतीजी एलोनोर डी'स्टे से उनकी दूसरी शादी फेरारा में स्थानांतरित हो गई, गेसुएलडेनो ने पुनर्जागरण में एकमात्र संगीत अकादमी में प्रवेश किया, जिसमें टी। टेटो, जीवी गुआरिनी, डी। लुडज़स्की और जे। । डे वर्थ ने काम किया। एक सनकी कल्पना और विशुद्ध रूप से व्यक्तिगत रचनात्मकता के साथ एक संगीतकार, Gesualdo ने 5 आवाज़ों के लिए मैड्रिड की 6 किताबें लिखीं (पहले 4 को 1594 और 1596 के बीच फेरारी में प्रकाशित किया गया था, अंतिम 2 - नेपल्स में 1611 में Gesualdo में), मोटेट्स की 2 किताबें और जिम्मेदारियों की एक पुस्तक; कुछ 6-वॉयस मृगल्स 1626 में एम। एफ्रेम द्वारा प्रकाशित किए गए थे; 5-वॉयस कैनज़ोनेटा गेसुल्डो नेना को उनकी 8 वीं पुस्तक में शामिल किया गया ओटावाओलिब्रोडिमृगाली (1628) है। गेसुआल्डो के मैड्रिगल्स को एक अभिव्यक्तिवादी अभिविन्यास की विशेषता है, जो कि छायावाद और प्रकाश के निरंतर विकल्प में, अप्रत्याशित वर्णव्यवस्था में, असंगति के अचानक परिवर्तन में प्रकट होता है; उनके कामों में ध्वनि की अभिव्यक्ति पर बल देने वाले मुखर शैली द्वारा जोर दिया गया है, जो उनके समकालीन के। मोंटेवेर्डी के अनुभव से बहुत दूर है।

पवित्र स्वर संगीत: फिलिस्तीन

Giovanni Pier Luigi Palestrina (1525 -1594, रोम) ने रोम में सांता मारिया मैगीगोर के बेसिलिका में गाया। 1544 में उन्होंने फिलिस्तीन के कैथेड्रल में आयोजक और गायन शिक्षक के रूप में कार्य किया। 1551 से उन्होंने रोम में पोप जूलियस III के अध्यापक के रूप में काम किया, बाद में (1555) सिस्टिन चैपल में एक गायक बन गए, लेकिन उसी वर्ष शादी के कारण उन्हें अपना पद छोड़ने के लिए मजबूर होना पड़ा। 1555 से 1560 तक उन्होंने लेटरानो में सैन जॉन के बेसिलिका के चैपल का निर्देशन किया और 1561 से 1566 तक। सांता मारिया मैगीगोर में। रोमन कॉलेज में एक अवधि के लिए सेवा करने और कार्डिनल हिप्पोलिटस डी'स्टे के साथ, 1571 में वह सांता मारिया मैगीगोर के चैपल के नेतृत्व में लौट आए, जहां वह अपनी मृत्यु तक बने रहे। अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, जियोवन्नी पेलस्ट्रीना अपने कामों के प्रकाशन में लगी हुई थी (यह व्यवसाय उनके बेटे द्वारा जारी रखा गया था), जिससे उनकी प्रसिद्धि अपनी मातृभूमि से परे चली गई और पूरे यूरोप में फैल गई। फिलिस्तीन की आध्यात्मिक विरासत में 104 जनसमूह शामिल हैं (शेष के लिए लेखक का अधिकार संदेह में है), 300 से अधिक मोटिवेट और कई लिटर्जिकल मंत्र (79 भजन, 35 भव्य, लम्हें, मुकुट, 68 प्रस्ताव) छुरा घोंपामेटर), एक बहुत ही निरंकुश धर्मनिरपेक्ष विरासत: 140 मद्रिगल्स। 1581 और 1594 में। आध्यात्मिक पागलों की दो पुस्तकें प्रकाशित की गईं, जिनमें से दूसरी को कहा जाता है प्रियेअल्लाकगार.

फिलिस्तीन शैली

फिलिस्तीन की रचनात्मकता का शिखर द्रव्यमान है, जो शायद ही कभी सबसे विशिष्ट फ्लेमिश पॉलीफनी तकनीकों का उपयोग करता है, जैसे: कैंटीनदृढ़ और कैनन; बहुत अधिक बार संगीतकार नकल और विरोधाभास का समर्थन करता है। 16 वीं शताब्दी में अपने पूर्ण फूल की अवधि की पॉलीफोनिक भाषा में पूरी तरह से महारत हासिल करते हुए, फिलिस्तीन ने एक हार्मोनिक आधार पर एक उच्च विकसित पॉलीफोनिक कला का निर्माण किया।

फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल के लेखन को पूर्णता के लिए सम्मानित किया जाता है: स्वर की गुणवत्ता और अनुपात पर अधिक ध्यान दिया जाता है और स्वर की जटिलता, सरलता, शुद्धता और पाठ पाठ की उत्तलता प्राप्त की जाती है। 1560 के बाद से फिलिस्तीन इस दिशा में काम कर रहा है, जब उसे ट्रेंट काउंसिल के निर्णयों के अनुसार पवित्र संगीत लाने का निर्देश दिया गया (यह घटना तब प्रसिद्ध हो गई जब प्रसिद्ध पोप मार्सेलो ने परिषद के प्रतिभागियों को मजबूर कर दिया, जो चाहते थे पॉलीफोनी को छोड़ दें, पवित्र संगीत के रूपों को संरक्षित करने के लिए)।

फिलिस्तीना शैली, जिसे एंटिक '' भी कहा जाता है, काउंटरपॉइंट के अध्ययन के लिए एक मॉडल था, और 19 वीं शताब्दी में। सेसिलियन आंदोलन के रूप में माना जाता था, पूर्णता के उच्चतम डिग्री के पवित्र संगीत ''।

शास्त्रीय, मापा शैली भी संगीतकार (पागल) के धर्मनिरपेक्ष कार्यों में अंतर्निहित है, और इस मामले में भी, फिलिस्तीन ने परेशान करने वाली गहन खोजों से परहेज किया, जो कि देर से सिनेक्स्टेंटो के अन्य रचनाकारों को दिया गया था।

विनीशियन संगीत: ए। और जे। गेब्रियल

दस्तावेजों के अनुसार, वेनिस में संगीत का जीवन सेंट मार्क के चैपल में केंद्रित था, जिसमें आयोजकों ने काम किया था और जिसमें एक गायन स्कूल स्थापित किया गया था। 16 वीं शताब्दी में संगीतमय वेनिस। प्रमुख संगीतकारों को आकर्षित करने वाला एक प्रमुख केंद्र था; प्रतिष्ठित संगीत प्रकाशक (पेत्रुकी, स्कॉटो, जियोर्डानो) भी वहाँ रहते थे। वेनिस में इस अवधि के दौरान संगीतकारों में फ्लेमिंग्स ए। विल्र्ट ने काम किया, जिन्होंने 1527 से 1562 तक डुकल चैपल का निर्देशन किया, और एफ वेरडेलो ने। सबसे प्रसिद्ध संगीतकारों में से, वेनिस गैब्रियल का उल्लेख किया जाना चाहिए।

एंड्रिया गेब्रियल

एंड्रिया गैब्रिएली के जीवन के पहले चरण के बारे में जानकारी, आयोजक और संगीतकार (लगभग 1510/33 - 1585, वेनिस), विरोधाभासी है। सभी संभावना में, वह ए। विलेर्ट का छात्र था। 1564 में, गैब्रिएली को सेंट मार्क के कैथेड्रल में एनीबेल पैडोवानो से दूसरे जीव का पद मिला, और 1585 में वह के। मेरुलो के बाद मुख्य संगठक बन गए, एक पद प्राप्त किया जो उनके भतीजे गियोवन्नी द्वारा उनके लिए विनम्र रूप से जीता गया था मुकाबला। गेब्रियल ने अपने अंतरराष्ट्रीय संपर्कों और प्रिंट में कामों के प्रसार (130 से अधिक प्रेरणा, 170 पागल, लगभग 70 वाद्य यंत्र, आदि के बारे में) में काम करने के लिए यूरोप में बहुत प्रसिद्धि पाई। कई इटालियंस, जर्मन और डच संगीतकारों के अलावा, उदाहरण के लिए एच.डी. हसलर और जी। ईचिंगर; उसके साथ हां पी। स्वेलिंक का भी अध्ययन किया।

एंड्रिया गैब्रिएली को वेनीशियन कई कोरल स्कूल का निर्माता माना जाता है, इसलिए इसका नामकरण उस नामांकित गेब्रियल के व्यापक उपयोग के कारण किया गया है, जिन्होंने अक्सर एकल आवाज़ और वाद्ययंत्र (झुका हुआ और पीतल) पेश किया था, जो दो अंगों की संगतता से प्रवर्धित था। 1587 में प्रकाशित एक संग्रह में बड़े बहु-कोरल काम (विभाजित गायन के साथ) शामिल हैं ( Concerti, - संगीत कार्यक्रम)। इसमें उनके भतीजे जियोवानी द्वारा भी इसी तरह के काम शामिल हैं। बहुत अधिक शैली में, गैब्रियल ने कई धर्मनिरपेक्ष कार्यों को भी लिखा, जिसमें प्रसिद्ध भी शामिल हैं बटाग्लियाप्रतिसोनारd 'इस्ट्रामentiएफाईटो (, पवन उपकरणों पर प्रदर्शन के लिए लड़ाई '', 1587 के बाद के मरणोपरांत संरक्षित; प्रतिलेखन लाछापामार -, युद्ध '' - के। जेनेक)।

गेब्रियल के काम में मुखर वाद्य संगीत की तुलना में कम महत्व है, लेकिन जी फ्रेशोबाल्दी की संगीतकार शैली के विकास के लिए उनकी गुणात्मक तकनीक में से एक के रूप में कार्य किया। ए। गैब्रियल ने 6-वॉयस मास (1572) की किताब, 5 वॉयस के लिए मोटिवेट की 15 किताबें (1565) और 4 आवाज (1576), 6 आवाज (1583) के लिए डेविड के स्तोत्र की एक किताब, 3-6 की 7 किताबें प्रकाशित कीं। -विकास पागलखाना, कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स के लिए रचनाओं की 6 किताबें और धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक सामग्री के कई मुखर काम करता है। सोफोकल्स, ओडिपस द ज़ार '' की त्रासदियों के लिए गायकों का एक संग्रह, जिसका अनुवाद ओ गिउस्टिनी ने किया था और ए। पलादियो (1585) द्वारा विसेंज़ा में निर्मित टीट्रो ओलम्पिको के उद्घाटन के अवसर पर किया गया था, मरणोपरांत प्रकाशित किया गया था।

जियोवानी गैब्रियल

जियोवन्नी गेब्रियल (लगभग 1554/57 - 1612, वेनिस) - एंड्रिया के भतीजे और शिष्य, जिसके बाद वह 1586 में सेंट मार्क कैथेड्रल में पहले आयोजक बने, अपनी मृत्यु तक अपनी स्थिति बनाए रखी। थोड़ा अपने जीवन के बारे में जाना जाता है: सबूत है, अन्य मामलों में विवादास्पद है, कि 1575 से 1579 तक वह मोनाको में सेवा कर सकता था। एक समय में, गैब्रियल पूरे यूरोप में जाना जाता था और, एक चाचा के रूप में, संगीतकारों को स्वीकार करता था, जो बाद में उनके स्कूल में प्रसिद्ध (उनमें से जी। शूत्ज़ के रूप में) हो गए। इसके अलावा, वह जी.एल. हालांकि, हस्लर व्यक्तिगत रूप से एम। प्रीटोरियस से परिचित नहीं थे, जिन्होंने अपने ग्रंथ में गैब्रियल के संगीत का व्यापक रूप से विज्ञापन किया था सिंटगवासंगीत.

जियोवानी ने अपने चाचा द्वारा विकसित किए गए निर्देशों का पालन किया, लेकिन एक महान प्रर्वतक साबित हुआ, खासकर वाद्य संगीत के क्षेत्र में। उनके कैन्ज़ोन्स डा सोनार (वाद्य के टुकड़े) में, आवाज़ों की संख्या 6 से 20 तक भिन्न होती है (वह सोनाटा शब्द का उपयोग करने वाले पहले व्यक्ति थे): उनकी सोनाटा सोनाटा पियान ई फ़ोर्ट (1597) सबसे अच्छी तरह से जानी जाती हैं। अंग के लिए रचनाएं कम महत्व की हैं। मुखर धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक रचनाओं में, उन्होंने एंड्रिया की तुलना में एक उच्च तकनीक का प्रदर्शन किया। दो संग्रह प्रिंट में दिखाई दिए। सकराईसिम्फ़ोनिया (1597 और 1625)। संग्रह में क्रमशः 44 और 32 रचनाएँ हैं।

जर्मन राष्ट्रीय संगीत

राष्ट्रीय जर्मन संगीत में लिड (गीत) जैसी घटना की विशेषता है। मिनेसिंगर्स के मोनोडी कार्य में, एक आध्यात्मिक प्रकृति के लोक धुनों का उपयोग किया गया था, जिसे एक लूथरन मंत्र में बदल दिया जा सकता था। यह झूठ के इतिहास के लिए है, जो विकास के विभिन्न चरणों से गुजरा है, कि 15 वीं - 16 वीं शताब्दी में गठन होता है। मित्सिंगांग (गायन के स्वामी) का संगीतमय और काव्य विद्यालय, जो XIV सदी के अंत में दिखाई दिया। शहरी निगमों में होने वाले मेइस्टरिंगर्स की गतिविधियों को एक स्पष्ट रूप से विकसित समारोह और कठोर मानदंडों का एक समूह (टेबुलेटर '' नामक एक संग्रह में शामिल) द्वारा विनियमित किया गया था, जो ग्रंथों और धुनों की रचना का सबसे छोटा विवरण स्थापित करता है। रिचर्ड वैगनर के ओपेरा के बड़े हिस्से में शुक्रिया अदा करने वाले सबसे प्रसिद्ध मेइस्टिंगर्स में से एक, द मेइस्टरिंगर्स ऑफ नूरेमबर्ग, हंस सैक्स (1494-1576) थे, जिन्होंने 6,000 से अधिक गीतों की रचना की थी।

15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। पॉलीफोनिक जर्मन गीत की शैली उत्पन्न हुई ( झूठ बोला), जो सिनेक्सेटो में अपनी पूर्ण खिल तक पहुंच गया (प्रेस के माध्यम से इसके वितरण के लिए भी धन्यवाद)। इस रूप ने लूथरन जप में कई पॉलीफोनिक विकास को प्रेरित किया। 15 वीं शताब्दी में पहली जर्मन पॉलीफोनिस्ट। आमतौर पर एडम वॉन फुलड और हेनरिक फिनक को कहा जाता है, जिन्होंने फ्लेमिश पैटर्न की ओर रुख किया। ऑस्ट्रियन जी। हॉफिनर, आयोजक मैक्सिमिलियन I और फ्लेमिश जी। इसाक की गतिविधियों का बहुत महत्व था। T. Stolzer और विशेष रूप से Swiss L. Senfl के आंकड़े एक ही तरह से खड़े हैं।

16 वीं शताब्दी का प्रोटेस्टेंट सुधार कोरेल्स के उद्भव को निर्धारित किया और फ्लेमिश स्कूल के प्रभाव में रहे संगीतकारों द्वारा विशुद्ध रूप से जर्मन साहित्यिक रूपों के विकास की नींव रखी।

सदी के उत्तरार्ध में, प्रमुख व्यक्ति ओरलैंडो डी लास्सो थे, जिन्होंने म्यूनिख अदालत में सेवा की: उनके माध्यम से इतालवी स्कूल का प्रभाव बढ़ता गया, उन्होंने मैड्रिगल, कैनज़ोनेटा, विलेनेला और पॉलीफोनिक शैली के प्रसार में योगदान दिया। इस अवधि के दौरान, सबसे महत्वपूर्ण लियोन्हार्ड लेचनर और हंस लियो हस्लर जैसे संगीतकार थे। बाद में, जैसे ए। प्रिटोरियस, आई। एकार्ड, जैकब हेंडेल और अन्य ने बाद में जर्मनी में वेनिस की बहुपत्नी शैली के प्रसार में महत्वपूर्ण योगदान दिया।

फ्रेंच राष्ट्रीय संगीत

उस युग के फ्रांसीसी संगीत के क्षेत्र में जो परिवर्तन हुए, वे बर्गंडियन-फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल के प्रोफाइल से अलग करना मुश्किल है। फिर भी, कोई भी फ्रेंच चैन की नवीनता पर ध्यान नहीं दे सकता है, जिसके निर्माण का श्रेय जे। बेनचुआ को दिया जाता है; हम पॉलीफेनिक कैनाज़ोन की एक नई शैली के बारे में बात कर रहे हैं, जो इटली में एफ लैंडिनी और इंग्लैंड में डी। डंस्टेबल की उपलब्धियों से प्रभावित थी। XVI सदी में। फ्रांसीसी अदालत के वैभव में, क्लोडेन सेर्मिसी और क्लेमेंट जेनक्विन, नई शैली के सबसे बड़े प्रतिनिधि, जिन्होंने सार्वभौमिक प्रसिद्धि का आनंद लिया (संगीत संकेतन के प्रसार के लिए धन्यवाद सहित), काम किया। कैनज़ोना प्रतियोगिता से बाहर था, और केवल 16 वीं शताब्दी के अंत में। यह वूडविले द्वारा दबाया गया था (जिसमें से वायुडेकौर )

नए नृत्यों के प्रसार के साथ, योजना के अनुसार बनाई गई लुट के लिए रचनाओं का एक व्यापक प्रदर्शन वायुडेकौर; उसी समय, अंग संगीत में तेजी से वृद्धि हुई (जे टिट्लुज़ और जी। कॉस्टेल), जिसने कीबोर्ड उपकरणों के विकास को जन्म दिया। अंत में, बैले की उपस्थिति का उल्लेख करना आवश्यक है, जो उत्पादन के साथ फ्रांस आया था बैलेहास्यडेलारोयने1581 में इम्प्रेसारियो, कोरियोग्राफर और इतालवी मूल के संगीतकार वी। बाल्टाजारिनी द्वारा किया गया।

अंग्रेजी राष्ट्रीय संगीत

बारहवीं - XIII सदियों में पॉलीफोनी के महत्वपूर्ण फूल। जॉन डंस्टेबल (लगभग 1380 - 1453, लंदन) के काम से पुनर्जागरण में ताज पहनाया गया, जिन्होंने मुख्य रूप से विदेश में काम किया और फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल के प्रतिनिधियों पर ध्यान देने योग्य प्रभाव पड़ा। जी। डुफे और जे। बेनशोईस। डंस्टेबल फ्रांसीसी के लेखन को संयोजित करने में कामयाब रहे आर्सनया तारा (इसके जटिल प्रतिवाद और लय के साथ) अंग्रेजी परंपराओं के साथ। उनकी रचनाओं से, लगभग 60 कृतियाँ हमारे सामने आ गई हैं, जिनमें 2 जन, 14 खंड, 28 अभिप्राय और 5 मंत्र (जिनमें से एक बहुत प्रसिद्ध है हेरोज़ाबेला) का है। उनके योग्य अनुयायी थे एल पावर और आर। फेयरफैक्स, पवित्र संगीत के लेखक (लैटिन पाठ में) और हल्के धर्मनिरपेक्ष नाटकों (अंग्रेजी या फ्रेंच परीक्षण में), साथ ही जे। टैवर्नर। के। ताई, टी। टालिस और आर। व्हाइट के रूप में इस तरह के एक लेखक ने संगीतमय रूपों को अलग करने में कामयाब रहे जो कि सुधारित अंग्रेजी लिटर्गी (गान, सेवा, आदि) के लिए विशिष्ट बन गए हैं।

क्वीन एलिजाबेथ I के प्रवेश के साथ, अंग्रेजी संगीत का विकास हुआ। बाद में खुद को संप्रभु द्वारा अदालत में प्रोत्साहित किया गया था, जिन्होंने आधुनिक इतालवी स्कूलों के साथ संपर्क बनाए रखा, जिसके सिद्धांतों पर अधिकांश अंग्रेजी मैड्रिड बनाए गए थे: पहले आयरे (azzonetta और इतालवी फ्रेटोला से संबंधित), फिर केच (kchacha) और gli ( उल्लास - गीत)।

विलियम बर्ड

विलियम बर्ड (? १५४३ - १६२३, स्टोंडन मैसी, एसेक्स) लिंकन कैथेड्रल में और इंग्लैंड के एलिजाबेथ प्रथम के रॉयल चैपल में आयोजक थे। 1575 में, टी। टालिस के साथ, उन्होंने 21 वर्षों की अवधि के लिए इंग्लैंड में मुद्रण पर एकाधिकार प्राप्त किया। विलियम बर्ड निस्संदेह 17 वीं सदी की सबसे बड़ी अंग्रेजी संगीतकार हैं, जो इतालवी की तुलना में फ्लेमिश परंपरा के करीब एक शैली में लिखते हैं। 1575, 1589 और 1591 में। Byrd ने 3 पुस्तकें जारी की हैं छावनीSaccrae(पवित्र मंत्र)। पहली किताब में केवल टालिस का लेखन है। फिर 1605 और 1607 में। दो किताबें दिखाई देती हैं धीरे-धीरे होने वाला; तीन द्रव्यमान, संभवतः 1592-1595 की अवधि से, जो अमीर और घने पॉलीफोनिक कपड़े की विशेषता है।

बायरड की शैली लचीली है और संयम और संक्षिप्तता की इच्छा से प्रेरित है। कैथोलिक चर्च के प्रति प्रतिबद्धता ने एंग्लिकन पंथ के लिए बर्ड को संगीत की रचना करने से नहीं रोका: वह उसका मालिक है वाह् भई वाहसर्विस(बड़ी सेवा सर्वश्रेष्ठ नौकरियों में से एक है) कमसर्विस (छोटी सेवा), एक दर्जन पूर्ण ध्वनि वाले एंथम और बहुत कुछ। सेक्युलर संगीत में वॉल्यूम, स्तोत्र, सॉनेट और गाने शामिल हैं '' ( भजन,बेटों,इगीतकाउदासीतथापिएटी, १५ ९), धार्मिक और नैतिक विषयों पर रचनाएँ, जो कि प्रयोग के लिए अभिप्रेत नहीं हैं, और गीतकासुंदरीप्रकृति(1589, विभिन्न गीत)। वाद्य विरासत भी बहुत रुचि है, जिसमें कल्पनाएं, नृत्य, विविधताएं, कुंवारी के लिए वर्णनात्मक टुकड़े, संघ और वायला के लिए कई टुकड़े शामिल हैं।

स्पेनिश राष्ट्रीय संगीत

13 वीं - 14 वीं शताब्दी के पॉलीफोनिक संगीत के लिए साक्ष्य। में निहित कोडिचीडेलासहुलगसहालांकि, 15 वीं शताब्दी के पहले छमाही के कार्यों के बारे में। कुछ पता नहीं। फिर भी, 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, संगीत का तेजी से विकास हुआ: जुआन डे एनसिना (1468 - 1529) द्वारा विलनियोस और रोमांस के आध्यात्मिक कार्यों, साथ ही साथ अन्य संगीतकारों द्वारा काम किया गया जिन्होंने प्रसिद्ध पैलेस संग्रह '' (कॉस्टेरियो डे) को संकलित किया। पलासियो '') और अन्य संग्रह। Cinquecento Cristobal de Morales (लगभग 1500 - 1553), थॉमस लुइस डी विक्टोरिया और फ्रांसिस्को ग्युरेरो (1528 - 1599) की सबसे बड़ी व्यक्तित्व - XVI सदी में यूरोप के पवित्र मुखर संगीत के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधियों में से एक। एंटोनियो डी कैबेज़न (1528-1566) द्वारा अंग संगीत का भी बहुत महत्व था। विहुएला के लिए समृद्ध सजावटी रचनाएँ लुइस मिलान (लगभग 1500 - 1561 के बाद), लुइस डी नारवाज़ (लगभग 1500 - 1555 के बाद), अलोंसो डी मुद्रा (लगभग 1508 - 1580) और कई अन्य लोगों द्वारा लिखी गई थीं।

थॉमस लुइस डी विक्टोरिया

थॉमस लुइस डे विक्टोरिया (लगभग 1550, एविला - 1611, मैड्रिड) को कॉलेज जर्मन के अध्ययन के लिए रोम भेजा गया था। उनके शिक्षक जे.पी. फिलिस्तीन रहे होंगे। 1569 में, थॉमस लुइस डी विक्टोरिया को सांता मारिया डि मोनसेराटो चैपल का आयोजक और उप-कंडक्टर नियुक्त किया गया था। 1573 से 1578 तक उन्होंने रोमन सेमिनरी और सेंट अपोलिनारिस के चर्च में सेवा की। 1575 में उन्हें ठहराया गया था। 1579 में उन्होंने महारानी मारिया की सेवा में प्रवेश किया। 1596 से 1607 तक, लुइस डी विक्टोरिया मैड्रिड में डेसालसस रियलिस मठ के पादरी थे। विशेष रूप से आध्यात्मिक कार्यों के लेखक, थॉमस लुइस डी विक्टोरिया ने 20 द्रव्यमान, 50 मोटिव्स लिखे। संगीतकार ने सर्वश्रेष्ठ माना ऑफ़िसियमHebdomadaeसनोते 4 के लिए - 8 वोट (1585) और ऑफ़िसियमडिफंक्टेरम 6 आवाजों (1605) के लिए। उन्होंने एक गंभीर, उदात्त शैली को महान भावनात्मक अभिव्यंजना के साथ जोड़ा, जिसने उन्हें 16 वीं शताब्दी के महान स्पेनिश पॉलीफोनिस्ट बना दिया।

पुनः प्रवर्तन (फ्रेंच। पुनर्जागरण काल) - XV-XVI सदियों में पश्चिमी यूरोप के सांस्कृतिक और ऐतिहासिक जीवन में एक युग। (इटली में - XIV-XVI सदियों)। यह पूंजीवादी संबंधों के उद्भव और विकास, राष्ट्रों, भाषाओं, राष्ट्रीय संस्कृतियों के गठन की अवधि है। पुनरुत्थान महान भौगोलिक खोजों का समय है, मुद्रण का आविष्कार, विज्ञान का विकास।

युग को इसके संबंध में नाम मिला पुनः प्रवर्तनदिलचस्पी है एंटीक कला, जो उस समय के सांस्कृतिक आंकड़ों के लिए आदर्श बन गई। संगीतकार और संगीत सिद्धांतकार - जे। टेनटोरिस, जे। सेलारिनो और अन्य - प्राचीन यूनानी संगीत ग्रंथों का अध्ययन करते हैं; जोसकिन डेस्प्रेस के संगीत कार्यों में, जो माइकल एंजेलो की तुलना में है, "प्राचीन यूनानियों की खोई पूर्णता बढ़ गई है"; जो 16 वीं शताब्दी के अंत में दिखाई दिया - 17 वीं शताब्दी के प्रारंभ में ओपेरा प्राचीन नाटक के नियमों पर केंद्रित है।

पुनर्जागरण कला का आधार था मानवतावाद(लाट से। "मानवीय" - मानवीय, परोपकारी) - एक ऐसा विचार जो किसी व्यक्ति को उच्चतम मूल्य की घोषणा करता है, वास्तविकता की घटनाओं के अपने स्वयं के आकलन के लिए मानव अधिकार का बचाव करता है, वैज्ञानिक ज्ञान और कला में पर्याप्त प्रतिबिंब की आवश्यकता को सामने रखता है। वास्तविकता की घटना। पुनर्जागरण के विचारकों ने मध्य युग के धर्मशास्त्र का विरोध किया, जिसमें सांसारिक भावनाओं और हितों के साथ एक व्यक्ति का नया आदर्श था। उसी समय, पिछले युग की विशेषताओं को पुनर्जागरण की कला में रखा गया था (संक्षेप में धर्मनिरपेक्ष होने के नाते, इसमें मध्ययुगीन कला की छवियों का उपयोग किया गया था)।

पुनर्जागरण भी व्यापक सामंतवाद विरोधी और कैथोलिक विरोधी धार्मिक आंदोलनों का समय था (बोहेमिया में हुसाइट, जर्मनी में लूथरवाद, फ्रांस में केल्विनवाद)। ये सभी धार्मिक आंदोलन आम अवधारणा से एकजुट हैं ” प्रोटेस्टेंट"या" सुधार»).

पुनर्जागरण के दौरान, कला (संगीत सहित) ने जबरदस्त सामाजिक प्रतिष्ठा का आनंद लिया और अत्यधिक व्यापक हो गए। ललित कला (एल। दा। विंची, राफेल, माइकल एंजेलो, जान वान आइक, पी। ब्रूगल और अन्य), वास्तुकला (एफ। ब्रुनलेस्की, ए। पल्लदियो), साहित्य (डांटे, एफ। पेट्रैर्का, एफ। रबेलिस, एम। सर्वेंट्स) , डब्ल्यू। शेक्सपियर), संगीत।

पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति की विशेषता विशेषताएं:

त्वरित विकास पंथ निरपेक्ष संगीत (व्यापक धर्मनिरपेक्ष शैलियों: पागल, फ्रॉटल, खलनायक, फ्रेंच "चान्सन", अंग्रेजी और जर्मन पॉलीफोनिक गाने), पुराने चर्च संगीत संस्कृति पर इसके हमले, जो धर्मनिरपेक्ष के साथ समानांतर में मौजूद थे;

वास्तविक संगीत में रुझान: नए भूखंड, मानवतावादी विचारों के अनुरूप चित्र और, परिणामस्वरूप, संगीत अभिव्यक्ति के नए साधन;

लोक मधुर संगीत के एक टुकड़े की अग्रणी शुरुआत के रूप में। लोक गीतों को एक कैंटस फर्मस (मुख्य, पॉलीफोनिक कार्यों में टेनर में अपरिवर्तित राग) और पॉलीफोनिक संगीत (चर्च संगीत सहित) में उपयोग किया जाता है। माधुर्य चिकना, अधिक लचीला, मधुर हो जाता है, क्योंकि मानव अनुभवों का प्रत्यक्ष व्यक्तकर्ता है;

शक्तिशाली विकास पॉलीफोनिक संगीत, incl। तथा " सख्त शैली"(नई तो -" शास्त्रीय गायन पॉलीफोनी", इसलिये मुखर और कोरल प्रदर्शन पर केंद्रित)। सख्त शैली स्थापित नियमों का अनिवार्य पालन करती है (सख्त शैली के नियम इतालवी जी। टारलिनो द्वारा तैयार किए गए थे)। ऑस्ट्रियर मास्टर्स ने काउंटरपॉइंट, नकल और कैनन की तकनीक में महारत हासिल की। सख्त लेखन डायटोनिक चर्च मोड की प्रणाली पर आधारित था। सामंजस्य में, व्यंजन हावी हैं, विशेष नियमों द्वारा विसंगतियों का उपयोग सख्ती से सीमित था। प्रमुख और मामूली तराजू और समय प्रणाली बनाई जाती है। विषयगत आधार ग्रेगोरियन मंत्र था, लेकिन धर्मनिरपेक्ष धुनों का भी उपयोग किया गया था। ऑस्ट्रियर शैली की धारणा पुनर्जागरण के सभी पॉलीफोनिक संगीत को शामिल नहीं करती है। यह मुख्य रूप से फिलिस्तीन और ओ.लासो की पॉलीफोनी पर केंद्रित है;

संगीतकार के एक नए प्रकार का गठन - पेशेवर, जिन्होंने एक व्यापक विशेष संगीत शिक्षा प्राप्त की। "संगीतकार" की अवधारणा पहली बार दिखाई देती है;

राष्ट्रीय संगीत स्कूलों का गठन (अंग्रेजी, डच, इतालवी, जर्मन, आदि);

पर पहले कलाकारों की उपस्थिति ल्यूट, वायोला, वायलिन, हार्पसीकोर्ड, अंग;शौकिया संगीत बनाने का उत्कर्ष;

संगीत मुद्रण का उद्भव।

पुनर्जागरण के प्रमुख संगीत शैलियों

पुनर्जागरण के प्रमुख संगीत सिद्धांतकार:

जोहान टिंकटोरिस (1446 - 1511),

ग्लेरियन (1488 - 1563),

जोसेफो सेर्लिनो (1517 - 1590)।

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परिचय

1.2 फ्रांस

१.३ इटली

1.3.2 विनीशियन स्कूल

1.4 इंग्लैंड

1.5 जर्मनी

1.6 स्पेन

2. संगीत सौंदर्यशास्त्र

२.४ मित्सिंगिंगर और उनकी कला

निष्कर्ष

संदर्भ की सूची

परिचय

पुनर्जागरण या पुनर्जागरण (फ्रेंच पुनर्जागरण), यूरोपीय लोगों की संस्कृति के इतिहास में एक महत्वपूर्ण मोड़ है। पुनर्जागरण की परिभाषित विश्वदृष्टि, मध्ययुगीन निरंकुशता (एक निरपेक्ष, पूर्ण, उच्चतम अस्तित्व, सभी जीवन और किसी भी अच्छे के स्रोत के रूप में भगवान की समझ पर आधारित एक दार्शनिक अवधारणा) के विपरीत, मानवतावाद बन गया (लैटिन मानवता से - "मानव", "मानवीय")। मानव व्यक्ति का व्यक्तिगत मूल्य सामने आया, आसपास की दुनिया के बारे में जागरूकता में रुचि और वास्तविकता का वास्तविक प्रतिबिंब बढ़ा। मानवतावादियों ने प्राचीनता में एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति के आदर्श की मांग की, और प्राचीन ग्रीक और रोमन कला ने उन्हें कलात्मक रचनात्मकता के लिए एक मॉडल के रूप में सेवा दी। प्राचीन संस्कृति को "पुनर्जीवित" करने की इच्छा ने इस युग को अपना नाम दिया, मध्य युग और नई आयु (17 वीं शताब्दी के मध्य से वर्तमान दिन तक) के बीच की अवधि।

15 वीं शताब्दी की पहली छमाही को संगीत में पुनर्जागरण की शुरुआत के रूप में जाना जाता है। इस समय, सद्भाव और सुंदरता के पुनर्जागरण आदर्श, तथाकथित सख्त शैली के आदर्श का गठन किया गया था। अन्य प्रकार की कलाओं के विपरीत, पुनर्जागरण संगीत के मुख्य आदर्श और मानदंड प्राचीनता के आदर्श नहीं थे, क्योंकि प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम की संगीतमय धारणा XIII-XVI सदियों से थी। अभी तक पूरी तरह से विघटित और विश्लेषण नहीं किया गया है। इसलिए, सबसे अधिक बार, इस युग के संगीत कार्यों की नींव पुरातनता के काव्यात्मक, साहित्यिक कार्य थे। इसलिए, उदाहरण के लिए, XVI सदी के अंत तक। ऑपरेटिव कार्यों में पुरातनता के कैनन शामिल थे। संगीत में, कला के अन्य रूपों की तरह, दुनिया की विविधता को चित्रित करने की प्रवृत्ति बढ़ रही है, और विविधता के विचार को पूरे के सभी तत्वों के सद्भाव और आनुपातिकता की इच्छा के साथ जोड़ा जाता है। संगीत की सामाजिक स्थिति पर पुनर्विचार होता है - एक लोकतांत्रिक दर्शक दिखाई देता है, शौकिया संगीत का व्यापक प्रसार होता है - न केवल प्रसिद्ध संगीतकारों द्वारा, बल्कि व्यक्तिगत रचनाओं द्वारा भी टुकड़ों का प्रदर्शन। इस प्रकार, यह पुनर्जागरण में था कि हर रोज़ और पेशेवर धर्मनिरपेक्ष संगीत रचनात्मकता के उत्कर्ष के लिए प्राथमिकताएं, जो जीवन की पुष्टि, जीवन की खुशी, मानवतावाद और हल्की छवियों के चरित्र को विकसित करती हैं।

उसी समय, संगीत संकेतन में परिवर्तन हुए: भारी लकड़ी के मुद्रण ब्लॉकों को इतालवी ओतावियानो पेट्रुकी द्वारा आविष्कार किए गए चल धातु पत्रों द्वारा बदल दिया गया। प्रकाशित संगीत रचनाएं तेजी से बिक गईं, अधिक से अधिक लोग संगीत में शामिल होने लगे।

इस अवधि के संगीत कार्यों को महान मधुरता, गीत लेखन द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, जो लोक संगीत में निहित था; कुछ निश्चित गाने उनकी मूल भाषा में लिखे गए थे, लैटिन नहीं।

संगीत की मुख्य विशेषताएं माधुर्य और एक निश्चित लय थीं, जो मध्य युग की तुलना में अधिक लचीलेपन और अभिव्यक्ति से प्रतिष्ठित थीं। पॉलीफोनी के उद्भव को मुख्य रूप से इस तथ्य से समझाया गया था कि संगीतकार, संगीतकार, कलाकार, और गायक को संगीत की कार्रवाई की स्वतंत्रता थी, गाने में उनकी आत्मा, भावनात्मक मनोदशा, व्याख्या का अधिकार, भावनाओं और आंतरिक के अनुसार अपने स्वयं के रूपों का आविष्कार करना था। राज्य।

इस युग में महान महत्व का आवंटन और अनुमोदन (विशेष रूप से 15 वीं -16 वीं शताब्दियों में, नाबालिग - उदास, शांत, उदास) की तुलना में प्रमुख पैमाने (हल्का, अधिक हर्षित, आक्रामक) का अनुमोदन था।

गीत को विशेष रूप से एक ल्यूट की संगत में विकसित किया गया था या पॉलीफोनिक रूप में प्रदर्शन किया गया था।

पुनर्जागरण के दौरान, वाद्य संगीत विकसित हुआ। वे अक्सर एक विषय में विभिन्न उपकरणों को जोड़ते थे। उसी समय, नृत्य रूपों और धुनों को संरक्षित और सुधार दिया गया था, जिन्हें स्वीट्स में जोड़ा गया था। पहला वाद्य काम दिखाई दिया, जो थे, जैसा कि यह था, एक स्वतंत्र चरित्र, विविधताएं, प्रस्तावना, कल्पनाएं।

साथ ही वास्तुकला, मूर्तिकला, चित्रकला, पुनर्जागरण की संगीत कला एक धर्मनिरपेक्ष चरित्र और XIV-XVI सदियों से प्रतिष्ठित थी। राष्ट्रीय संगीत स्कूलों का गठन है।

1. नवजागरण की संगीत संस्कृति

पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति विज्ञान पर आधारित एक व्यक्तिगत सिद्धांत है। 15 वीं -16 वीं शताब्दियों के पॉलीफोनिस्टों के असामान्य रूप से जटिल कौशल, उनकी सदाचार तकनीक ने हर रोज़ नृत्य की उज्ज्वल कला, धर्मनिरपेक्ष शैलियों के परिष्कार के साथ मिलकर काम किया। गीत और नाटक अपने कामों में अधिक से अधिक अभिव्यक्त हो रहे हैं। इसके अलावा, लेखक का व्यक्तित्व, कलाकार की रचनात्मक व्यक्तित्व (यह न केवल संगीत कला की विशेषता है) उनमें अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट होता है, जो हमें पुनर्जागरण कला के प्रमुख सिद्धांत के रूप में मानवीकरण की बात करने की अनुमति देता है। एक ही समय में, बड़े पैमाने पर और प्रेरणा के रूप में इस तरह के बड़े शैलियों द्वारा दर्शाया गया चर्च संगीत, कुछ हद तक पुनर्जागरण की कला में "गोथिक" रेखा को जारी रखता है, जिसका उद्देश्य मुख्य रूप से पहले से मौजूद कैनन को फिर से बनाना है, और इसके माध्यम से गौरवशाली है। दिव्य।

15 वीं शताब्दी तक, "सख्त लेखन" की तथाकथित पॉलीफोनी आकार ले रही थी, नियम (आवाज-अग्रणी, आकार देने, आदि) जो उस समय के सैद्धांतिक ग्रंथों में तय किए गए थे और जन्म का अपरिवर्तनीय नियम थे चर्च संगीत का निर्माण। संगीतकार ने अपने द्रव्यमान की रचना की, उधार की धुनों का उपयोग करते हुए (ग्रेगोरियन मंत्र और अन्य विहित स्रोत, साथ ही लोक संगीत) - तथाकथित कैंटस फर्म - मुख्य विषयगतवाद के रूप में, पॉलीफोनिक लेखन की तकनीक को बहुत महत्व देते हुए, जटिल, कभी-कभी परिष्कृत प्रतिरूप। । इसी समय, प्रचलित मानदंडों को अद्यतन करने और उन पर काबू पाने की एक सतत प्रक्रिया थी, जिसके संबंध में धर्मनिरपेक्ष शैलियों धीरे-धीरे महत्व प्राप्त कर रही हैं।

इसलिए, जैसा कि आप देख सकते हैं कि संगीत कला के विकास के इतिहास में पुनर्जागरण काल \u200b\u200bएक कठिन अवधि है, इसलिए, व्यक्तिगत व्यक्तियों और देशों पर ध्यान देते हुए इसे और अधिक विस्तार से विचार करना उचित लगता है।

1.1 नीदरलैंड्स पॉलीफोनिक स्कूल

नीदरलैंड यूरोप के उत्तर-पश्चिम में एक ऐतिहासिक क्षेत्र है (उनका क्षेत्र वर्तमान उत्तर-पूर्व फ्रांस, दक्षिण-पश्चिम हॉलैंड, बेल्जियम, लक्जमबर्ग में शामिल है)। XV सदी तक। नीदरलैंड एक उच्च आर्थिक और सांस्कृतिक स्तर पर पहुंच गया है और व्यापक व्यापार संबंधों के साथ एक समृद्ध यूरोपीय देश बन गया है। नीदरलैंड में विज्ञान, संस्कृति, कला का उत्कर्ष भी देश के आर्थिक विकास की तीव्रता के कारण हुआ। चित्रकला की शानदार उपलब्धियों के साथ, संगीत ने जबरदस्त सफलता हासिल की है। नीदरलैंड में व्यावसायिक रचना लोककथाओं के साथ घनिष्ठ संबंध में विकसित हुई, जिसकी एक लंबी, समृद्ध परंपरा थी। यह यहां था कि डच पॉलीफोनिक स्कूल का गठन किया गया था - पुनर्जागरण संगीत की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक। डच पॉलीफोनी की उत्पत्ति अंग्रेजी, फ्रेंच, जर्मन और इतालवी गीत लेखन में पाई जा सकती है। उसी समय, डच ने कई राष्ट्रीय स्कूलों के अनुभव को सामान्य किया और एक मूल स्वर-कोरल पॉलीफोनिक शैली बनाई, जो सख्त लेखन के विकास में एक महत्वपूर्ण चरण बन गया। यहां नकल का आविष्कार किया गया था - एक आवाज में एक राग का दोहराव तुरंत दूसरी आवाज के बाद। (बाद में, बाख के समय में, नकल पॉलीफोनी के उच्चतम रूप के धुएं की नींव का निर्माण करेगी।) डच मास्टर ने 15 वीं -16 वीं शताब्दी के कैनन में नकल का इस्तेमाल किया था। इस तरह के कैनन बनाने की कला में, डच सदाचारियो ने बहुत सरलता और तकनीकी आविष्कार दिखाया। संगीतकार ने स्कोर में अंकित किया: "बिना विचारे चिल्लाओ।" इसका मतलब था कि इस टुकड़े को सभी ठहरावों को छोड़ कर प्रदर्शन किया जा सकता है। "रात को दिन में बदल दें" - कलाकारों को यह अनुमान लगाना होगा कि काले नोट को सफेद और इसके विपरीत पढ़ा जा सकता है। और टुकड़ा सामान्य रिकॉर्डिंग और रूपांतरित में समान रूप से अच्छा लगेगा। संगीतकार ओकेगेम ने 36-आवाज़ के कैनन की रचना की - चार नौ-आवाज़ वाले कैनन का एक संगीतमय गगनचुंबी भवन।

एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि और डच स्कूल के संस्थापकों में से एक गिलोयूम डुफे (1400-1474) (ड्यूफे) (लगभग 1400 - 11/27/1474), एक फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार हैं। यह वह था जिसने डच संगीत (लगभग 1400-1474) में पॉलीफोनिक परंपरा की नींव रखी थी। गिलियूम ड्यूफे का जन्म फ्लैंडर्स (नीदरलैंड के दक्षिण में एक प्रांत) के कंबराई में हुआ था और कम उम्र से ही एक चर्च गाना बजानेवालों में गाया जाता था। समानांतर में, भविष्य के संगीतकार ने रचना में निजी सबक लिया। अपनी युवावस्था में, ड्यूफ़े इटली गए, जहाँ उन्होंने अपनी पहली रचनाएँ लिखीं - गाथागीत और मोटेट्स। 1428-1437 के वर्षों में। उन्होंने रोम में एक गायक के रूप में कार्य किया; इन वर्षों के दौरान उन्होंने इटली और फ्रांस की यात्रा की। 1437 में संगीतकार को ठहराया गया था। ड्यूक ऑफ सवॉय (1437-1439) के दरबार में, उन्होंने समारोहों और छुट्टियों के लिए संगीत तैयार किया। ड्यूफे को महान व्यक्तियों द्वारा बहुत सम्मान दिया गया था - उनके प्रशंसकों में थे, उदाहरण के लिए, मेडिसी युगल (इतालवी शहर फ्लोरेंस के शासक)। 1445 के बाद से कैंबरी में कैथेड्रल के संगीत गतिविधियों के निदेशक और निदेशक। आध्यात्मिक (3-, 4-स्वर जनता, मोटेट्स), साथ ही धर्मनिरपेक्ष

(3-, 4-आवाज़ वाले फ्रेंच चैंसन, इटैलियन गाने, गाथागीत, रोंडो) लोक पॉलीफोनी और पुनर्जागरण की मानवतावादी संस्कृति से जुड़ी शैलियों। यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को अवशोषित करने वाले ड्यूफे की कला ने यूरोपीय पॉलीफोनिक संगीत के आगे के विकास पर बहुत प्रभाव डाला। वह संगीत के एक सुधारक भी थे (ड्यूफे को सफेद सिर वाले नोटों को पेश करने का श्रेय दिया जाता है)। ड्यूफे की संपूर्ण रचनाएँ रोम में प्रकाशित हुईं (6 खंड।, 1951-66)। डूफ़े संगीतकार के बीच पहले थे जिन्होंने मास को एक अभिन्न संगीत रचना के रूप में लिखना शुरू किया। चर्च संगीत बनाने के लिए एक असाधारण प्रतिभा की आवश्यकता होती है: ठोस, भौतिक साधनों द्वारा अमूर्त, गैर-भौतिक अवधारणाओं को व्यक्त करने की क्षमता। कठिनाई इस तथ्य में निहित है कि ऐसी रचना, एक तरफ, श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ती है, और दूसरी ओर, ईश्वरीय सेवा से विचलित नहीं होती है, प्रार्थना पर गहराई से ध्यान केंद्रित करने में मदद करती है। ड्यूफे के कई जन प्रेरित हैं, आंतरिक जीवन से भरे हुए हैं; वे एक पल के लिए दिव्य रहस्योद्घाटन के घूंघट को खोलने में मदद करते हैं।

अक्सर, एक द्रव्यमान का निर्माण करते समय, ड्यूफ़े ने एक प्रसिद्ध राग लिया, जिसमें उन्होंने अपना जोड़ा। इस तरह के उधार पुनर्जागरण की विशेषता है। यह बहुत महत्वपूर्ण माना जाता था कि मास का आधार एक परिचित माधुर्य पर आधारित होना चाहिए, जो कि उपासक पॉलीफोनिक टुकड़े में भी आसानी से पहचान सकते हैं। ग्रेगोरियन जप का एक टुकड़ा अक्सर इस्तेमाल किया जाता था; धर्मनिरपेक्ष कार्यों को भी बाहर नहीं किया गया था। चर्च संगीत के अलावा, ड्यूफे ने धर्मनिरपेक्ष ग्रंथों के लिए मोटिव की रचना की। उन्होंने उनमें जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का भी इस्तेमाल किया।

15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के डच पॉलीफोनिक स्कूल के प्रतिनिधि। जोसकिन डेस्प्रेस (लगभग 1440-1521 या 1524) था, जिसका अगली पीढ़ी के रचनाकारों के काम पर बहुत प्रभाव था। अपनी युवावस्था में, उन्होंने कंबराई में एक चर्च गाना बजानेवालों के रूप में सेवा की, ओकेगेम से संगीत की शिक्षा ली। बीस साल की उम्र में, युवा संगीतकार इटली आए, मिलान में सॉफ़्ज़ा के डुक के साथ और रोम में पापल चैपल में गाया। इटली में, Despres ने शायद संगीत की रचना शुरू की। XVI सदी की शुरुआत में। वह पेरिस चला गया। उस समय तक, डेस्प्रेस पहले से ही जाना जाता था, और उन्हें फ्रांसीसी राजा लुई XII द्वारा अदालत संगीतकार के पद पर आमंत्रित किया गया था। 1503 के बाद से, डेस्प्रेस इटली में फेरारा शहर में ड्यूक के दरबार में फिर से बस गए

डी "एस्टे। डेस्प्रेस ने बहुत रचना की, और उनके संगीत ने जल्दी से व्यापक हलकों में मान्यता प्राप्त की: यह बड़प्पन और आम लोगों दोनों द्वारा प्यार किया गया था। संगीतकार ने न केवल चर्च काम किया, बल्कि धर्मनिरपेक्ष भी बनाया। विशेष रूप से, वह। इतालवी लोक गीतों की शैली - फ्रेटोल (यह फ्रूटोला, फ्रेटा से - "भीड़"), जो एक नृत्य लय और एक तेज गति की विशेषता है। चर्चों ने चर्च संगीत में धर्मनिरपेक्ष कार्यों की विशेषताएं पेश की: ताजा, जीवंत रूप से कड़ाई से टूट गया। टुकड़ी और खुशी और पूर्णता की भावना का कारण बनती है। संगीतकार कभी भी असफल नहीं हुआ है। डेस्प्रेस की पॉलीफोनिक तकनीक परिष्कार द्वारा प्रतिष्ठित नहीं है। उनकी रचनाएँ सरलता से सरल हैं, लेकिन वे लेखक की शक्तिशाली बुद्धि को महसूस करते हैं। यही रहस्य है। उनके कामों की लोकप्रियता।

गिलौम ड्यूफे के युवा समकालीन जोहान्स (जीन) ओकेगेम (लगभग 1425-1497) और जैकब ओब्रच थे। ड्यूफे की तरह, ओकेगम मूल रूप से फ्लैंडर्स से था। अपने पूरे जीवन उन्होंने कड़ी मेहनत की; संगीत रचना के अलावा, उन्होंने चैपल के प्रमुख के रूप में कार्य किया। संगीतकार ने पंद्रह द्रव्यमान, तेरह मोटेट्स, बीस से अधिक चान्सन बनाए। ओकेगेम के कार्यों में गंभीरता, एकाग्रता, चिकनी मधुर रेखाओं के दीर्घकालिक विकास की विशेषता है। उन्होंने पॉलीफोनिक तकनीक पर बहुत ध्यान दिया, द्रव्यमान के सभी हिस्सों को समग्र रूप से माना। उनके गीतों में संगीतकार की रचनात्मक लिखावट का भी अनुमान लगाया गया है - वे लगभग धर्मनिरपेक्षता से रहित हैं, चरित्र में वे मोटिवेट्स की अधिक याद दिलाते हैं, और कभी-कभी जनता के टुकड़े भी। जोहान्स ओकेगम को घर और बाहर दोनों जगह सम्मान दिया गया था (उन्हें फ्रांस के राजा का सलाहकार नियुक्त किया गया था)। जेकब ओब्रेच नीदरलैंड के विभिन्न शहरों के कैथेड्रल में एक चौकीदार था, जो चैपल का नेतृत्व करते थे; कई वर्षों के लिए उन्होंने फेरारा (इटली) में ड्यूक डीएस्ट के दरबार में सेवा की। वह पच्चीस जन, बीस मोटिव, तीस चैंसन के लेखक हैं। अपने पूर्ववर्तियों की उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, ओब्रेच ने बहुत सी नई चीजें लाईं। पॉलीफोनिक परंपरा में। उनका संगीत विरोधाभासों से भरा है, यहां तक \u200b\u200bकि जब संगीतकार पारंपरिक चर्च शैलियों को संबोधित करता है।

ऑरलैंडो लास्सो की रचनात्मकता की बहुमुखी प्रतिभा और गहराई। डच पुनर्जागरण संगीत का इतिहास पूरा करना ऑरलैंडो लासो (असली नाम और उपनाम रोलैंड डी लासो, लगभग 1532-1594) का काम है, जिसे उनके समकालीन "बेल्जियन ऑर्फियस" और "संगीत के राजकुमार" ने बुलाया था। लासो का जन्म मॉन्स (फ़्लैंडर्स) में हुआ था। बचपन से, उन्होंने चर्च के गाना बजानेवालों में गाया, एक अद्भुत आवाज के साथ parishioners हड़ताली। इटली के शहर मंटुआ के ड्यूक गोंजागा ने गलती से युवा गायक को सुना और उसे अपने चैपल में आमंत्रित किया। मंटुआ के बाद, लास्सो ने नेपल्स में थोड़े समय के लिए काम किया, और फिर रोम चले गए - वहाँ उन्होंने कैथेड्रल में से एक के चैपल के प्रमुख का पद प्राप्त किया। पच्चीस वर्ष की आयु तक, लासो को पहले से ही एक संगीतकार के रूप में जाना जाता था, और उनके काम संगीत प्रकाशकों के बीच मांग में थे। 1555 में, पहला संग्रह प्रकाशित किया गया था, जिसमें मोटेट्स, मैड्रिगल्स और चेसन शामिल थे। लास्सो ने अपने पूर्ववर्तियों (डच, फ्रेंच, जर्मन और इतालवी रचनाकारों) द्वारा बनाए गए सभी सर्वश्रेष्ठ का अध्ययन किया, और अपने काम में अपने अनुभव का इस्तेमाल किया। एक असाधारण व्यक्ति होने के नाते, लास्सो ने चर्च संगीत के अमूर्त चरित्र को पार करने के लिए, इसे व्यक्तित्व प्रदान करने के लिए प्रयास किया। इस उद्देश्य के लिए, संगीतकार ने कभी-कभी शैली और रोजमर्रा के उद्देश्यों (लोक गीतों, नृत्यों के विषय) का उपयोग किया, इस प्रकार चर्च और धर्मनिरपेक्ष परंपराओं को एक साथ लाया। लास्सो ने बड़ी भावुकता के साथ पॉलीफोनिक तकनीक की जटिलता को संयुक्त किया। वे विशेष रूप से मैड्रिड में सफल रहे थे, जिसके ग्रंथों में पात्रों के दिमाग की स्थिति का पता चला था, उदाहरण के लिए, आंसू ऑफ सेंट पीटर "(1593) इतालवी कवि लुइगी ट्रानज़िलो के छंदों पर। संगीतकार ने अक्सर इसके लिए लिखा था। बड़ी संख्या में आवाजें (पांच से सात), इसलिए उनके काम करना मुश्किल है। 1556 के बाद से, ऑरलैंडो लास्सो म्यूनिख (जर्मनी) में रहते थे, जहां उन्होंने चैपल का नेतृत्व किया, अपने जीवन के अंत में संगीत और कलात्मक हलकों में उनका अधिकार था। बहुत अधिक, और उसकी प्रसिद्धि पूरे यूरोप में फैल गई।

डच पॉलीफोनिक स्कूल का यूरोप की संगीत संस्कृति के विकास पर बहुत प्रभाव था। डच रचनाकारों द्वारा विकसित पॉलीफोनी के सिद्धांत सार्वभौमिक हो गए हैं, और उनके काम में 20 वीं शताब्दी के संगीतकारों द्वारा कई कलात्मक तरीकों का उपयोग किया गया है।

1.2 फ्रांस

फ्रांस के लिए, 15 वीं -16 वीं शताब्दी महत्वपूर्ण परिवर्तन का युग बन गई: 15 वीं शताब्दी के अंत तक इंग्लैंड के साथ सौ साल का युद्ध (1337-1453) समाप्त हो गया। राज्य का एकीकरण पूरा हुआ; 16 वीं शताब्दी में, देश ने कैथोलिक और प्रोटेस्टेंट के बीच धार्मिक युद्धों का अनुभव किया। एक पूर्ण राजतंत्र के साथ एक मजबूत राज्य में, अदालत के उत्सव और लोक त्योहारों की भूमिका बढ़ गई। इसने कला के विकास में योगदान दिया, विशेष रूप से इस तरह के कार्यक्रमों के साथ संगीत। मुखर और वाद्य कलाकारों की संख्या (चैपल और कॉन्सर्ट), जिसमें कलाकारों की एक महत्वपूर्ण संख्या शामिल थी, बढ़ गई। इटली में सैन्य अभियानों के दौरान, फ्रांसीसी इतालवी संस्कृति की उपलब्धियों से परिचित हो गए। उन्होंने इतालवी पुनर्जागरण के विचारों को गहराई से महसूस किया और स्वीकार किया - मानवतावाद, जीवन का आनंद लेने के लिए, उनके आसपास की दुनिया के साथ सद्भाव के लिए प्रयास करते हुए।

यदि इटली में संगीत का पुनर्जागरण मुख्य रूप से द्रव्यमान के साथ जुड़ा हुआ था, तो फ्रांसीसी संगीतकारों ने चर्च संगीत के साथ, धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत - चानसन पर विशेष ध्यान दिया। फ्रांस में रुचि 16 वीं शताब्दी के पहले भाग में उत्पन्न हुई, जब क्लेमेंट जैनेस्पिन (लगभग 1485-1558) द्वारा संगीत के टुकड़ों का संग्रह प्रकाशित किया गया था। यह यह संगीतकार है जिसे शैली के रचनाकारों में से एक माना जाता है।

एक बच्चे के रूप में, जेनेक्विन ने अपने गृहनगर चेटेलेरॉल्ट (मध्य फ्रांस) में एक चर्च गाना बजानेवालों में गाया। बाद में, जैसा कि संगीत के इतिहासकारों का सुझाव है, उन्होंने डच मास्टर जोस्किन डेस्प्रेज़ के साथ या उनके प्रवेश से एक संगीतकार के साथ अध्ययन किया। एक पुजारी का समन्वय प्राप्त करने के बाद, ज़ेनेकेन ने एक गाना बजानेवालों और निर्देशक के रूप में काम किया; फिर उन्हें ड्यूक ऑफ़ गुइज़ द्वारा सेवा में आमंत्रित किया गया। 1555 में संगीतकार रॉयल चैपल के गायक बन गए, और 1556-1557 में। - शाही दरबारी संगीतकार।

क्लेमेंट जीननेकिन ने दो सौ और अस्सी चान्सन बनाए (1530 और 1572 के बीच प्रकाशित); चर्च संगीत लिखा - जनता, मोटेट्स, भजन। उनके गीत अक्सर चित्रात्मक होते थे। लड़ाई की तस्वीरें ("मारिग्नानो की लड़ाई", "रेंटा की लड़ाई"), शिकार के दृश्य ("द हंट"), प्रकृति की छवियां ("बर्डसॉन्ग", "नाइटिंगेल"), हर रोज़ के दृश्य ("महिला बकवास") श्रोता के मन की आंखों के सामने से गुजरें ... अद्भुत जीवंतता के साथ, संगीतकार पेरिस में रोज़मर्रा के जीवन के माहौल को "स्क्रीम ऑफ़ पेरिस" में व्यक्त करने में कामयाब रहे: उन्होंने पाठ में विक्रेताओं के उद्गार प्रस्तुत किए। Janequin ने लगभग व्यक्तिगत आवाज़ और जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों के लिए लंबे और बहने वाले विषयों का उपयोग नहीं किया, रोल कॉल, पुनरावृत्ति, ओनोमेटोपोइया को प्राथमिकता दी।

फ्रांसीसी संगीत की एक और दिशा सुधार के पैन-यूरोपीय आंदोलन से जुड़ी है। चर्च सेवाओं में, फ्रेंच प्रोटेस्टेंट (ह्यूजेनोट्स) ने लैटिन और पॉलीफनी को छोड़ दिया। पवित्र संगीत ने अधिक खुले, लोकतांत्रिक चरित्र का अधिग्रहण किया है। इस संगीत परंपरा के प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक क्लाउड गुडीमेल (1514 और 1520-1572 के बीच) था - बाइबिल ग्रंथों और प्रोटेस्टेंट मंत्रों पर भजन के लेखक।

फ्रेंच पुनर्जागरण की मुख्य संगीत शैलियों में से एक है चेसन (फ्रांसीसी गीत - "गीत")। इसकी उत्पत्ति लोक कला में है (मध्यकालीन किंवदंतियों के तुकांत छंदों को संगीत में स्थानांतरित कर दिया गया था), मध्ययुगीन संकटमोचनों और पतलून की कला में। सामग्री और मनोदशा के संदर्भ में, गीत बहुत विविध हो सकते हैं - प्रेम गीत, रोजमर्रा, हास्य, व्यंग्य आदि थे। रचनाकारों ने लोक कविताओं और आधुनिक कविता को ग्रंथ के रूप में लिया।

१.३ इटली

पुनर्जागरण की शुरुआत के साथ, इटली में फैले विभिन्न उपकरणों पर हर रोज संगीत-निर्माण; संगीत प्रेमियों की मंडलियां उठीं। संगीत और सामाजिक जीवन के नए रूप दिखाई दिए - संगीत अकादमियों और पेशेवर संगीत शैक्षणिक संस्थानों में एक नए प्रकार के - रूढ़िवादी। पेशेवर क्षेत्र में, सबसे शक्तिशाली स्कूलों में से दो का गठन किया गया था: रोमन और विनीशियन।

16 वीं शताब्दी में, संगीत मुद्रण पहले फैल गया, और 1501 में विनीशियन पुस्तक के प्रिंटर ओतावियानो पेट्रुकी ने हारमोनिस मसल्स ओडेकोटन को प्रकाशित किया, जो धर्मनिरपेक्ष संगीत का पहला प्रमुख संग्रह था। यह संगीत के प्रसार में एक क्रांति थी, और अगली शताब्दी में फ्रेंको-फ्लेमिश शैली में यूरोप की प्रमुख संगीत भाषा बनने में भी योगदान दिया, जैसा कि, एक इतालवी के रूप में, पेत्रुकी ने अपने संग्रह में मुख्य रूप से फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकारों के संगीत को शामिल किया था। । इसके बाद, उन्होंने इतालवी रचनाकारों द्वारा धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक दोनों तरह के कई काम प्रकाशित किए।

पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों की भूमिका बढ़ गई। XIV सदी में। मैड्रिगल इतालवी संगीत में दिखाई दिया (लाट से। मैट्रिक्स - "मूल भाषा में गीत")। इसका गठन लोक (चरवाहा के) गीतों के आधार पर किया गया था। मैड्रिगल्स दो या तीन आवाजों के लिए गाने थे, अक्सर बिना वाद्य संगत के। मैड्रिगल अपने विकास के शिखर पर पहुंच गया और युग का सबसे लोकप्रिय संगीत शैली बन गया। ट्रेसेन्टो समय के पहले और सरल मृगों के विपरीत, पुनर्जागरण के मृगों को कई (4-6) आवाजों के लिए लिखा गया था, अक्सर उनके निर्माता विदेशी थे जो प्रभावशाली उत्तरी परिवारों की अदालतों में सेवा करते थे। Madrigalists उच्च कला बनाने के लिए प्रयासरत हैं, अक्सर मध्य युग के महान इतालवी कवियों की संशोधित कविता का उपयोग करते हुए: फ्रांसेस्को पेटरका, जियोवन्नी बोकाशियो और अन्य। मैड्रिगल की सबसे विशिष्ट विशेषता सख्त संरचनात्मक कैनन की अनुपस्थिति थी, मूल सिद्धांत विचारों और भावनाओं की स्वतंत्र अभिव्यक्ति थी।

विनीशियन स्कूल सिप्रियानो डी रोरे के प्रतिनिधि और फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल रोलैंड डी लासस (ऑरलैंडो डी लास्सो) के प्रतिनिधि के रूप में, अपने इतालवी रचनात्मक जीवन के दौरान, बढ़ती वर्णव्यवस्था, सद्भाव, लय, बनावट और अन्य साधनों के साथ प्रयोग किया। संगीतमय अभिव्यक्ति। उनका अनुभव जारी रहेगा और कार्लो गेसुआल्डो के तरीके से समाप्त होगा। पंद्रहवीं शताब्दी के दौरान, संगीतकार शायद ही कभी इस शैली में आए; उनकी रुचि केवल 16 वीं शताब्दी में पुनर्जीवित हुई। 16 वीं शताब्दी के मैड्रिगल की एक विशिष्ट विशेषता संगीत और कविता के बीच घनिष्ठ संबंध है। काव्य स्रोत में वर्णित घटनाओं को दर्शाते हुए संगीत ने लचीले ढंग से पाठ का अनुसरण किया। समय के साथ, अजीब मधुर प्रतीकों का विकास हुआ, निविदा आहों, आँसू, आदि को दर्शाते हुए, कुछ रचनाकारों की रचनाओं में, प्रतीकवाद दार्शनिक था, उदाहरण के लिए, गेसुल्डो डी वेनोसा के पागल में "मरो, दुखी" (1611)। शैली का विषम दिन XVI-XVII सदियों के मोड़ पर आता है। कभी-कभी, गीत के प्रदर्शन के साथ, इसके कथानक को निभाया जाता था। मद्रिगल मद्रिगल कॉमेडी (हास्य नाटक के पाठ पर आधारित वर्ण रचना) का आधार बन गया, जिसने ओपेरा की उपस्थिति को तैयार किया।

1.3.1 रोमन पॉलीफोनिक स्कूल

जियोवन्नी डी फिलिस्तीना (1525-1594)। रोमन स्कूल के प्रमुख जिओवानी पिय्लुइगी दा पाल्स्त्रिना थे, जो पुनर्जागरण के महानतम रचनाकारों में से एक थे। उनका जन्म इतालवी शहर फिलीस्तीन में हुआ था, जिसके नाम से उन्हें अपना उपनाम मिला। बचपन से, फिलिस्तीन ने चर्च गाना बजानेवालों में गाया, और वयस्कता तक पहुंचने के बाद, उन्हें रोम में सेंट पीटर की बेसिलिका में कंडक्टर (गायक नेता) के पद पर आमंत्रित किया गया; बाद में उन्होंने सिस्टिन चैपल (पोप के कोर्ट चैपल) में सेवा की।

कैथोलिक धर्म के केंद्र रोम ने कई प्रमुख संगीतकारों को आकर्षित किया है। अलग-अलग समय पर डच मास्टर्स, पॉलीफोनिस्ट गुइल्यूम ड्यूफे और जोस्किन डेस्प्रेस ने यहां काम किया। उनकी अच्छी तरह से विकसित रचना तकनीक कभी-कभी ईश्वरीय सेवा के पाठ की धारणा के साथ हस्तक्षेप करती है: यह आवाज़ों के अति सुंदर अंतराल के पीछे खो गई और शब्द, वास्तव में, सुना नहीं गए थे। इसलिए, चर्च के अधिकारी ऐसे कामों से सावधान थे और ग्रेगोरियन मंत्रों के आधार पर मोनोफोन की वापसी की वकालत की। कैथोलिक चर्च की ट्रेंट काउंसिल (1545-1563) में भी चर्च के संगीत में पॉलीफनी की अनुमति के सवाल पर चर्चा की गई थी। पोप के करीबी, फिलिस्तीन ने चर्च के नेताओं को काम की संभावना के बारे में आश्वस्त किया, जहां रचना तकनीक पाठ की समझ के साथ हस्तक्षेप नहीं करेगी। सबूत के रूप में, उन्होंने पोप मार्सेलो के मास (1555) की रचना की, जो हर शब्द की स्पष्ट और अभिव्यंजक ध्वनि के साथ जटिल पॉलीफोनी को जोड़ती है। इस प्रकार, संगीतकार ने "पॉलीफोनिक संगीत" को चर्च के अधिकारियों के उत्पीड़न से बचाया। 1577 में, संगीतकार को धीरे-धीरे सुधार पर चर्चा करने के लिए आमंत्रित किया गया था - कैथोलिक चर्च के पवित्र मंत्रों का संग्रह। 80 के दशक में। फिलिस्तीन को ठहराया गया, और 1584 में वह सोसाइटी ऑफ मास्टर्स ऑफ म्यूजिक के सदस्य बने - संगीतकारों का एक संघ सीधे पोप के अधीनस्थ।

फिलिस्तीन की रचनात्मकता एक उज्ज्वल दृष्टिकोण के साथ है। उनके द्वारा बनाए गए कार्यों ने उनके समकालीनों को उच्चतम कौशल और संख्या (एक सौ से अधिक द्रव्यमान, तीन सौ मोटपे, एक सौ पागल) के साथ चकित किया। संगीत की जटिलता कभी भी इसकी धारणा के लिए बाधा नहीं रही है। संगीतकार को पता था कि रचनाओं के परिष्कार और श्रोता तक उनकी पहुँच के बीच एक बीच का रास्ता कैसे निकाला जाए। फिलिस्तीन ने एक मुख्य कार्य को विकसित करने में मुख्य रचनात्मक कार्य देखा। उनके मंत्रों में प्रत्येक आवाज़ स्वतंत्र रूप से विकसित होती है, लेकिन एक ही समय में बाकी के साथ एक ही पूरी होती है, और अक्सर आवाज़ें जीवा के सुंदर संयोजन को जोड़ती हैं। अक्सर ऊपरी आवाज़ का माधुर्य दूसरों के ऊपर मंडराता है, जो पॉलीफोनी के "गुंबद" को दर्शाता है; सभी आवाज़ें तरल और विकसित होती हैं।

अगली पीढ़ी के संगीतकारों ने जियोवानी दा फिलिस्तीना की कला को अनुकरणीय, शास्त्रीय माना। 17 वीं -18 वीं शताब्दी के कई उत्कृष्ट रचनाकारों ने उनके कार्यों पर अध्ययन किया।

1.3.2 विनीशियन स्कूल

पुनर्जागरण संगीत की एक और दिशा विनीशियन स्कूल के रचनाकारों के काम से जुड़ी हुई है, जिसके संस्थापक एड्रियन विलेर्ट (लगभग 1485-1562) थे। उनके छात्रों में आयोजक और संगीतकार एंड्रिया गैब्रियल (1500 से 1520 के बीच - 1586 के बाद), संगीतकार साइप्रियन डी पोप (1515 या 1516-1565) और अन्य संगीतकार शामिल थे। जबकि फिलिस्तीन की रचनाओं में स्पष्टता और सख्त संयम की विशेषता है, विलार्ट और उनके अनुयायियों ने एक रसीला नृत्य शैली विकसित की। चारों ओर ध्वनि प्राप्त करने के लिए, तिमिर बजाते हुए, उन्होंने मंदिर के विभिन्न स्थानों में स्थित अपनी रचनाओं में कई गायकों का इस्तेमाल किया। गायकों के बीच रोल कॉल के उपयोग ने चर्च के स्थान को अभूतपूर्व प्रभावों से भरना संभव बना दिया। इस दृष्टिकोण ने युग के मानवतावादी आदर्शों को समग्र रूप से प्रतिबिंबित किया - अपनी प्रफुल्लता, स्वतंत्रता और स्वयं विनीशियन कलात्मक परंपरा के साथ - सब कुछ उज्ज्वल और असामान्य के लिए अपने प्रयास के साथ। विनीशियन स्वामी के कामों में, संगीत भाषा भी अधिक जटिल हो गई: यह कॉर्ड्स के बोल्ड संयोजनों, अप्रत्याशित सामंजस्य से भरी हुई थी।

एक हड़ताली पुनर्जागरण का आंकड़ा कार्लो गेसुल्डो डी वेनोसा (लगभग 1560-1613) था, जो कि वेनेसा शहर का राजकुमार है, जो धर्मनिरपेक्ष पागलखाना के सबसे बड़े आकाओं में से एक है। उन्होंने एक परोपकारी, लुट कलाकार, संगीतकार के रूप में ख्याति प्राप्त की। प्रिंस गेसुआल्डो इतालवी कवि टोरकोटो टैसो के दोस्त थे; अभी भी दिलचस्प पत्र हैं जिनमें दोनों कलाकार साहित्य, संगीत और ललित कला के मुद्दों पर चर्चा करते हैं। तासो गेसुअलदो डी वेनोसा की कविताओं में से कई संगीत के लिए सेट किए गए थे - यह है कि बहुत सारे कलात्मक पागल कितने दिखाई देते हैं। दिवंगत पुनर्जागरण के प्रतिनिधि के रूप में, संगीतकार ने एक नए प्रकार का मैड्रिगल विकसित किया, जहां भावनाएं पहले स्थान पर थीं - हिंसक और अप्रत्याशित। इसलिए, उनके कार्यों में वॉल्यूम में परिवर्तन, स्वर के समान और यहां तक \u200b\u200bकि सॉब्स, तेज-ध्वनि वाले कॉर्ड, टेम्पो परिवर्तनों के विपरीत विशेषता है। इन तकनीकों ने गेस्साल्डो के संगीत को एक अभिव्यंजक, कुछ हद तक विचित्र चरित्र दिया, यह चकित कर दिया और साथ ही समकालीनों को आकर्षित किया। Gesualdo di Venosa की विरासत में पॉलीफोनिक मैड्रिगल्स के सात संग्रह शामिल हैं; आध्यात्मिक कार्यों के बीच - "पवित्र मंत्र"। उनका संगीत आज श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ता।

1.4 इंग्लैंड

पुनर्जागरण के दौरान इंग्लैंड का सांस्कृतिक जीवन सुधार के साथ निकटता से जुड़ा था। 16 वीं शताब्दी में, प्रोटेस्टेंटवाद पूरे देश में फैल गया। कैथोलिक चर्च ने अपना प्रमुख स्थान खो दिया, एंग्लिकन चर्च एक राज्य बन गया, जिसने कैथोलिक धर्म के कुछ हठधर्मिता (मूल प्रावधानों) को मान्यता देने से इनकार कर दिया; अधिकांश मठों का अस्तित्व समाप्त हो गया। इन घटनाओं ने संगीत सहित अंग्रेजी संस्कृति को प्रभावित किया।

अंग्रेजी पुनर्जागरण संगीत कला ने 15 वीं शताब्दी के पहले भाग में शानदार उपस्थिति दर्ज की, जो जॉन डंस्टेबल के अद्वितीय रचनात्मक व्यक्तित्व को आगे लाती है, जिसने महाद्वीप पर एक मजबूत छाप बनाई। डंस्टेबल का काम मध्य युग के संगीत और पुनर्जागरण की पॉलीफोनी के बीच एक महत्वपूर्ण कड़ी है। पश्चिमी यूरोप में पॉलीफोनी के विकास के लिए उनके कार्यों की आम तौर पर मान्यता प्राप्त ऐतिहासिक भूमिका भी पॉन्फोनी की महत्वपूर्ण परंपरा (मध्ययुगीन इंग्लैंड में गठित), पूर्वजों द्वारा विरासत में मिली और विकसित की गई थी। उनके अलावा, 15 वीं शताब्दी में, कई अंग्रेजी रचनाकारों के नाम ज्ञात थे, जिन्होंने मोटिव, जन के हिस्से, कभी-कभी चांसन और गाथागीत बनाए। उनमें से कुछ महाद्वीप पर काम करते थे, कुछ ड्यूक ऑफ बरगंडी के चैपल का हिस्सा थे। इनमें से, लिंडेल पावर इंग्लैंड में पहली जनता का मालिक है - डंस्टेबल मास के साथ। उनके समकालीन जे। बेदींघम, वन, जे। बेनेट, आर। मॉर्टन थे। 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, जे। बैनास्टर, डब्ल्यू। लेम्बो, आर। डेवी, डब्ल्यू। फ्राई सक्रिय थे। उनमें से ज्यादातर चैपल में गायक थे और बहुत सारे चर्च संगीत लिखे। दोनों मुख्य शैलियों की पसंद और पॉलीफोनिक कौशल के निरंतर विकास में, वे बड़े पैमाने पर डच स्कूल के साथ विलय कर गए, जिसने बदले में डंस्टेबल की शैली उदाहरण के लिए कोई छोटी राशि नहीं ली।

16 वीं शताब्दी में, इंग्लैंड की संगीत कला एक महत्वपूर्ण विविधता तक पहुंचती है। लैटिन ग्रंथों पर कैथोलिक संगीत और आध्यात्मिक गतियों के पारंपरिक रूपों के साथ, अंग्रेजी में मोनोफोनिक भजन सदी के मध्य से ही लिखे गए हैं - सुधार की एक विशिष्ट घटना। यह उत्सुक है कि वही जॉन मर्बेक (लगभग 1510-1585), जिन्होंने विनचेस्टर के बिशप की सेवा में लैटिन मोटिव बनाए, 1549 में अंग्रेजी ग्रंथों पर भजन का पहला संग्रह प्रकाशित किया। उनके साथ सदी के पहले छमाही में अंग्रेजी पॉलीफोनिस्ट, बड़े रूपों के लेखक जॉन टावनर, जॉन रेडफोर्ड, निकोला लुडफोर्ड; क्रिस्टोफर थाय, थॉमस टालिस, रॉबर्ट व्हाइट का रचनात्मक जीवन थोड़ा लंबा चला।

इसी समय, नए युग के मानवतावादी नींव ने 16 वीं शताब्दी में इंग्लैंड में मुखर और वाद्य दोनों रूपों में धर्मनिरपेक्ष संगीत कला के पहले उच्च फूल का नेतृत्व किया। अंग्रेजी रचनाकारों की नई पीढ़ियों, जिन्होंने 16 वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में प्रदर्शन किया और 17 वीं शताब्दी के पहले दशकों पर कब्जा कर लिया, ने अंग्रेजी पागलवादियों का स्कूल बनाया। और उन्होंने वाद्य संगीत के एक नए क्षेत्र की नींव भी रखी - कुंवारी (एक प्रकार का हार्पसीकोर्ड) के टुकड़े, जो 17 वीं शताब्दी में पहले से ही व्यापक हो गया था।

मैड्रिड के अंग्रेजी लेखक विलियम बर्ड (1543 या 1544-1623), थॉमस मॉर्ले (1557-1603), जॉन विल्बी (1574-1638) और अन्य ने शुरू में आधुनिक इतालवी मॉडल (मैड्रिगल, जैसा कि आप जानते हैं, पर कुछ हद तक भरोसा किया था) इटली), विशेष रूप से मार्जेनियो पर, लेकिन फिर उन्होंने अपनी मौलिकता की खोज की - यदि शैली की व्याख्या में नहीं, तो पॉलीफनी की प्रकृति में। पॉलीफोनी के विकास में देर से मंच पर उत्पन्न होने के बाद, 17 वीं शताब्दी की नई शैली के लिए बहुत ही महत्वपूर्ण मोड़ पर, अंग्रेजी मैड्रिगल इतालवी की तुलना में पॉलीफोनी बनावट के मामले में अधिक सरल है, अधिक होमोफोनिक, कभी-कभी नृत्य की मनमोहक विशेषताएं भी। । डंस्टेबल के समय के विपरीत, 16 वीं शताब्दी के अंत तक अंग्रेजी पॉलीफोनिक स्कूल मुख्य रूप से राष्ट्रीय हित में है (इसकी परंपराएं 17 वीं शताब्दी में प्रेषित होती हैं और परसेल तक पहुंचती हैं), लेकिन, अपने तरीके से आगे बढ़ते हुए, इसका अब कोई ध्यान देने योग्य प्रभाव नहीं है। पश्चिमी यूरोप की संगीत कला।

पुनर्जागरण के अंग्रेजी थिएटर में संगीत की महत्वपूर्ण भूमिका को नोट करना भी आवश्यक है। यह भूमिका अपने समय में विशिष्ट है: एक लंबे समय के लिए इंग्लैंड में एक ओपेरा के उद्भव के लिए कोई शर्त नहीं थी, और कुछ भी अभी तक तैयार नहीं किया था। नाटक थियेटर में मुख्य रूप से रोजमर्रा की जिंदगी की घटना के रूप में देखा जाता है (लेकिन आंतरिक रूप से नाटकीय घटक के रूप में नहीं), और "मुखौटे" की शैली में शाही कोर्ट में शानदार प्रदर्शन, शानदार प्रभाव, बैले दृश्यों, गायन के संयोजन में भाग लिया। वाद्य अंश, और काव्य पाठ।

शेक्सपियर के नाटकों में, एक्शन के दौरान, कुछ शब्दों या नृत्यों के लिए लोकप्रिय धुनें जो तब प्रसिद्ध थीं, जैसे कि, उदाहरण के लिए, गेलियार्ड, अक्सर कहा जाता है। संगीत उनके लिए एक्शन की पृष्ठभूमि बन गया, एक प्रकार का "वातावरण", कुछ मनोवैज्ञानिक बारीकियों में लाया गया, यही वजह है कि शेक्सपियर को रोजमर्रा की शैलियों से अधिक की आवश्यकता नहीं थी।

इसी समय, ऑक्सफोर्ड और कैम्ब्रिज विश्वविद्यालयों में संगीत विभाग खोले गए।

1.5 जर्मनी

XVI सदी तक। जर्मनी में पहले से ही एक समृद्ध लोककथा थी, जो मुख्य रूप से मुखर थी। संगीत हर जगह बजता है: उत्सव में, चर्च में, सामाजिक कार्यक्रमों में और सैन्य शिविर में। किसान युद्ध और सुधार के कारण लोकगीतों में एक नया उछाल आया। कई अभिव्यक्त लुथरन भजन हैं, जिनमें से लेखक अज्ञात है। कोरल गायन लूथरन पूजा का एक अभिन्न रूप बन गया है। प्रोटेस्टेंट जप ने सभी यूरोपीय संगीत के बाद के विकास को प्रभावित किया। लेकिन सबसे पहले, स्वयं जर्मनों की संगीतमयता पर, जो आज संगीत शिक्षा को प्राकृतिक विज्ञान से कम महत्वपूर्ण नहीं मानते हैं - अन्यथा एक पॉलीफोनिक गाना बजानेवालों में कैसे भाग लिया जाए?

16 वीं शताब्दी में जर्मनी में संगीत के विभिन्न प्रकार। amazes: बैले और ओपेरा का मंचन श्रोवटाइड में किया गया था। K. Paumann, P. Hofheimer जैसे नामों का उल्लेख करना असंभव नहीं है। ये ऐसे संगीतकार हैं जिन्होंने मुख्य रूप से अंग के लिए धर्मनिरपेक्ष और चर्च संगीत की रचना की है। वे उत्कृष्ट फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार, डच स्कूल ओ.लासो के प्रतिनिधि से जुड़े हुए हैं। उन्होंने कई यूरोपीय देशों में काम किया है। पुनर्जागरण के विभिन्न यूरोपीय संगीत स्कूलों की उपलब्धियों को सामान्यीकृत और नवीन रूप से विकसित किया। पंथ और धर्मनिरपेक्ष कोरल संगीत के मास्टर (2000 से अधिक रचनाएँ।)।

लेकिन जर्मन संगीत में असली क्रांति हेनरिक श्ट्ज़ (1585-1672), संगीतकार, कंडक्टर, आयोजक, शिक्षक द्वारा की गई थी। रचना के राष्ट्रीय विद्यालय के संस्थापक, I.S के पूर्ववर्तियों में सबसे बड़े। बाख। शूत्ज़ ने पहला जर्मन ओपेरा डाफ्ने (1627), ओपेरा-बैले ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस (1638) लिखा; मैड्रिगल्स, आध्यात्मिक कैंटाटा-ओटोरियो रचनाएं ("जुनून", संगीत, मोटेल्स, भजन, आदि)।

सुधार आंदोलन के संस्थापक मार्टिन लूथर (1483-1546) का मानना \u200b\u200bथा कि चर्च संगीत के सुधार की आवश्यकता थी। संगीत, सबसे पहले, पूजा में पैरिशियन की अधिक सक्रिय भागीदारी को बढ़ावा देना चाहिए (पॉलीफोनिक रचनाओं को निष्पादित करते समय यह असंभव था), और दूसरी बात, यह बाइबिल की घटनाओं (जो लैटिन में सेवा के संचालन में बाधा थी) के लिए सहानुभूति उत्पन्न करनी चाहिए। इस प्रकार, चर्च गायन पर निम्नलिखित आवश्यकताओं को लागू किया गया था: सरलता और माधुर्य की स्पष्टता, यहां तक \u200b\u200bकि ताल, मंत्र का स्पष्ट रूप। इस आधार पर, प्रोटेस्टेंट मंत्र का उदय हुआ - जर्मन पुनर्जागरण के चर्च संगीत की मुख्य शैली। 1522 में, लूथर ने नए नियम का जर्मन में अनुवाद किया, और अब उनकी मूल भाषा में सेवाओं का संचालन संभव हो गया।

लूथर ने खुद, साथ ही साथ अपने दोस्त, जर्मन संगीत सिद्धांतकार जोहान वाल्टर (1490-1570) ने कोरल के लिए धुनों के चयन में सक्रिय भाग लिया। ऐसी धुनों के मुख्य स्रोत लोक आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष गीत थे - व्यापक रूप से ज्ञात और समझने में आसान। लूथर ने स्वयं कुछ कोरलों के लिए धुनों की रचना की। उनमें से एक, "भगवान हमारा समर्थन है," 16 वीं शताब्दी के धार्मिक युद्धों की अवधि के दौरान सुधार का प्रतीक बन गया।

1.6 स्पेन

लंबे समय तक, स्पेन का संगीत चर्च के प्रभाव में था, जिसमें सामंती-कैथोलिक प्रतिक्रिया नाराज थी। जैसा कि संगीत पर काउंटर-रिफॉर्म के हमले के रूप में ऊर्जावान था, पापी पूरी तरह से अपने पूर्व पदों को प्राप्त करने में सफल नहीं हुआ। बुर्जुआ संबंधों की स्थापना ने नए आदेश तय किए।

स्पेन में, 16 वीं शताब्दी में पुनर्जागरण के संकेत स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे, और इसके लिए आवश्यक शर्तें, जाहिर है, पहले भी उत्पन्न हुई थीं। यह ज्ञात है कि पहले से ही 15 वीं शताब्दी में स्पेन और इटली के बीच स्पेनिश चैपल और गायक-संगीतकार के बीच लंबे और मजबूत संगीत संबंध थे, जो कि उनका हिस्सा थे - और रोम में पोप चैपल, साथ ही साथ चैपल बरगंडी के ड्यूक और मिलान में Sforza के ड्यूक, दूसरों को यूरोपीय संगीत केंद्रों का उल्लेख नहीं करने के लिए। 15 वीं शताब्दी के अंत के बाद से, स्पेन, जैसा कि आप जानते हैं, ऐतिहासिक परिस्थितियों के एक सेट के लिए धन्यवाद (सामंजस्य की समाप्ति, अमेरिका की खोज, यूरोप के भीतर नए वंशीय संबंध), पश्चिमी यूरोप में बहुत ताकत हासिल की, जबकि शेष एक ही समय में एक रूढ़िवादी कैथोलिक राज्य और विदेशी क्षेत्रों की जब्ती में काफी आक्रामकता दिखा रहा है (जो इटली ने तब पूर्ण माप में अनुभव किया था)। पहले की तरह, 16 वीं शताब्दी के सबसे बड़े स्पेनिश संगीतकार चर्च की सेवा में थे। तब वे मदद नहीं कर सकते थे लेकिन अपनी स्थापित परंपराओं के साथ डच पॉलीफोनिक स्कूल के प्रभाव का अनुभव कर सकते थे। यह पहले ही कहा जा चुका है कि इस स्कूल के उत्कृष्ट प्रतिनिधियों ने एक से अधिक बार स्पेन का दौरा किया है। दूसरी ओर, स्पेनिश स्वामी, कुछ अपवादों के साथ, लगातार इतालवी और डच संगीतकारों से मिले, जब उन्होंने स्पेन छोड़ दिया और रोम में काम किया।

लगभग सभी प्रमुख स्पेनिश संगीतकारों ने जल्द ही या बाद में खुद को पोप चैपल में पाया और इसकी गतिविधियों में भाग लिया, जिससे इसकी रूढ़िवादी अभिव्यक्ति में सख्त पॉलीफोनी की जड़ परंपरा को और भी मजबूती से आत्मसात किया। सबसे बड़ा स्पेनिश संगीतकार क्रिस्टोबाल डी मोरेल्स (1500 या 1512-1553), अपने देश के बाहर महिमाशाली, 1535-1545 में रोम में पीपल चैपल में था, जिसके बाद उसने टोलेडो में मेट्रिसा का नेतृत्व किया, और फिर मलागा में कैथेड्रल चैपल।

मोरालेस एक प्रमुख पॉलीफोनिस्ट था, जो आम जनता, मोटेट्स, भजनों और अन्य गायन का लेखक था, जो ज्यादातर कोरल काम करता था। उनके काम की दिशा स्वदेशी स्पेनिश परंपराओं और उस समय के डच और इटालियंस के पॉलीफोनिक कौशल के संश्लेषण के आधार पर विकसित हुई। कई वर्षों (1565-1594) के लिए, स्पेनिश मास्टर्स की अगली पीढ़ी के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधि, थॉमस लुइस डी विक्टोरिया (सी। 1548-1611), रोम में रहते थे और काम करते थे, जो परंपरा से, लेकिन बहुत सटीक रूप से जिम्मेदार नहीं हैं। फिलिस्तीनी स्कूल के लिए। संगीतकार, गायक, आयोजक, बैंडमास्टर, विक्टोरिया ने एक कैपेला पॉलीफोनी की सख्त शैली में मैसर्स, मोटेट्स, स्तोत्र और अन्य पवित्र रचनाओं की रचना की, जो डच की तुलना में फिलिस्तीन के करीब था, लेकिन अभी भी फिलिस्तीनियों के समान नहीं है - स्पेनिश मास्टर कम सख्त थे संयम और अधिक अभिव्यक्ति। इसके अलावा, विक्टोरिया के बाद के कार्यों में, पॉलिचोरियन, कंसर्टनेस, टिम्ब्रे कंट्रास्ट्स और अन्य नवाचारों के पक्ष में "फिलिस्तीनी परंपरा" को तोड़ने की भी इच्छा है, जिससे उनके मूल वेनिस स्कूल से अधिक होने की संभावना है।

अन्य स्पैनिश संगीतकार, जो मुख्य रूप से पवित्र संगीत के क्षेत्र में काम करते थे, रोम में पीपल चैपल के अस्थायी गायक भी हुए। 1513-1523 में ए। डी रिबेरा चैपल के सदस्य थे, 1536 ई। से एस्कोबेडो वहां एक गायक थे, 1507-1539 में - एक्स एस्क्रीबानो, थोड़ी देर बाद - एम। रोबेल्डो। उन सभी ने एक सख्त शैली में पॉलीफोनिक पवित्र संगीत लिखा। केवल फ्रांसिस्को गुरेरो (1528-1599) हमेशा स्पेन में रहते हैं और काम करते हैं। फिर भी, उनकी जनता, प्रेरणा, गीतों ने देश के बाहर सफलता का आनंद लिया, अक्सर वाद्ययंत्र अनुकूलन के लिए सामग्री के रूप में luteists और vihuelists का ध्यान आकर्षित किया।

धर्मनिरपेक्ष मुखर शैलियों में, सबसे आम स्पेन में पॉलीफोनिक गीत का विलनियो-जीनस था, कभी-कभी कुछ अधिक पॉलीफोनिक, फिर, अधिक बार, होमोफ़ोन की ओर गुरुत्वाकर्षण, रोजमर्रा की जिंदगी से उत्पन्न हुआ, लेकिन पेशेवर रूप से विकसित हुआ। हालांकि, किसी को वाद्य संगीत से अलग किए बिना इस शैली के सार के बारे में बोलना चाहिए। 16 वीं शताब्दी के विलनियो - सबसे अधिक बार विहुला या लुटे जाने के लिए एक गीत, अपने चुने हुए वाद्य के लिए एक प्रमुख कलाकार और संगीतकार का निर्माण।

और अनगिनत विलनियाकोस में, और स्पेन के रोजमर्रा के संगीत में सामान्य रूप से, राष्ट्रीय मधुरता असामान्य रूप से समृद्ध और विशेषता है - एक प्रकार, जो इटालियन, फ्रेंच और इससे भी अधिक जर्मन से अपने मतभेदों को बरकरार रखता है, धुन। स्पेनिश माधुर्य ने सदियों से न केवल राष्ट्रीय, बल्कि हमारे समय तक विदेशी रचनाकारों का ध्यान आकर्षित करते हुए, सदियों के माध्यम से अपनी खुद की इस विशेषता को आगे बढ़ाया है। न केवल इसकी घुसपैठ संरचना अजीब है, लेकिन ताल गहराई से अजीब है, अलंकरण और आशुरचनात्मक तरीके मूल हैं, नृत्य आंदोलनों के साथ संबंध बहुत मजबूत है। फ्रांसिस्को डी सेलिनास "सेवन बुक्स ऑन म्यूजिक" (1577) के उपर्युक्त व्यापक काम में, कई कास्टेलियन धुन हैं जिन्होंने मुख्य रूप से लयबद्ध पक्ष से सीखा संगीतकार का ध्यान आकर्षित किया। ये लघु मधुर अंश, कभी-कभी केवल तीसरे की सीमा को कवर करते हैं, आश्चर्यजनक रूप से उनकी लय में दिलचस्प होते हैं: विभिन्न संदर्भों में लगातार समन्वय, ताल में तेज रुकावट, प्राथमिक मोटर गतिविधि की पूर्ण अनुपस्थिति, लयबद्ध भावना की सामान्य निरंतर गतिविधि में, कोई जड़ता नहीं यह! समान गुणों को लोक परंपरा से धर्मनिरपेक्ष मुखर शैलियों से लिया गया था, सभी विलनियो के अधिकांश और अन्य वैप्युला गीत की किस्में।

स्पेन में वाद्य शैली व्यापक रूप से और स्वतंत्र रूप से आयोजक एंटोनियो डी कैबेज़न (1510-1566), साथ ही साथ उनके कामों के असंख्य के साथ शानदार विहुइलिस्टों की एक पूरी आकाशगंगा का नेतृत्व करती है, जो मुखर रूप से जुड़ी हुई हैं। विभिन्न उत्पत्ति की धुन (लोकगीतों और नृत्य से आध्यात्मिक रचनाओं तक)। हम विशेष रूप से पुनर्जागरण के वाद्य संगीत पर अध्याय में उनके लिए लौटेंगे, ताकि इसके सामान्य विकास में उनकी जगह का निर्धारण किया जा सके।

स्पेनिश संगीत थिएटर के इतिहास में शुरुआती चरण भी 16 वीं शताब्दी के हैं, जो कवि और संगीतकार जुआन डेल एनसिना की पहल पर पिछली शताब्दी के अंत में शुरू हुआ था और एक नाटक थियेटर के रूप में लंबे समय तक अस्तित्व में था विशेष रूप से डिज़ाइन किए गए स्थानों में संगीत की बड़ी भागीदारी।

अंत में, स्पैनिश संगीतकारों की विद्वतापूर्ण गतिविधि ध्यान देने योग्य है, जिनमें से रमिस डी पारेजा को उस समय के स्पेनिश लोककथाओं के अपने अद्वितीय विचार के लिए उनके सैद्धांतिक विचारों और फ्रांसिस्को सेलिनास की प्रगति के लिए पहले से ही मूल्यांकन किया गया था। आइए हम कई स्पेनिश सिद्धांतकारों का भी उल्लेख करते हैं जिन्होंने विभिन्न उपकरणों पर प्रदर्शन के सवालों के लिए अपना काम समर्पित किया है। संगीतकार, कलाकार (वायलन पर - बास वियोला दा गाम्बा), बैंडमास्टर डिएगो ओर्टिज़ ने रोम में अपने ग्रंथ ग्लोस 1553 में प्रकाशित किया है, जिसमें उन्होंने कलाकारों की टुकड़ी (वायोलोन और हार्पसीकोर्ड) में कामचलाऊ बदलाव के नियमों के बारे में विस्तार से बताया। थॉमस डी सैंक्टा मारिया ने वलाडोलिड के ग्रंथ "द आर्ट ऑफ प्लेइंग फैंटेसी" (1565) में प्रकाशित किया - अंग पर कामचलाऊ व्यवस्था के अनुभव को सामान्य रूप से सामान्य करने का प्रयास: जुआन बरमूडो, जिन्होंने ग्रेनाडा में अपने "संगीत वाद्ययंत्र की घोषणा" (1555) जारी की। , इसमें शामिल हैं, उपकरणों के बारे में जानकारी और उन्हें बजाने के अलावा, संगीत लेखन के कुछ प्रश्न (उन्होंने आपत्ति की, विशेष रूप से, पॉलीफोनी के अधिभार के लिए)।

इस प्रकार, स्पेनिश संगीत कला एक पूरे के रूप में (अपने सिद्धांत के साथ) निस्संदेह 16 वीं शताब्दी में अपने पुनर्जागरण का अनुभव किया, इस स्तर पर अन्य देशों के साथ कुछ कलात्मक संबंधों का खुलासा किया, और स्पेन की ऐतिहासिक परंपराओं और सामाजिक आधुनिकता के कारण महत्वपूर्ण अंतर।

2. संगीत सौंदर्यशास्त्र

2.1 शैलियों और वाद्य संगीत के रूपों का विकास

पुनर्जागरण संगीत ओपेरा meistersinger

हम एक स्वतंत्र कला रूप के रूप में वाद्य संगीत के निर्माण के पुनर्जागरण का श्रेय देते हैं। इस समय, कई वाद्ययंत्र टुकड़े, विविधताएं, प्रस्तावना, कल्पनाएं, रोंडो और टोकाटा दिखाई दिए। वायलिन, हार्पसीकोर्ड, अंग धीरे-धीरे एकल उपकरणों में बदल गए। उनके लिए लिखे गए संगीत ने न केवल संगीतकार के लिए, बल्कि कलाकार के लिए भी प्रतिभा दिखाना संभव कर दिया। सदाचार (तकनीकी कठिनाइयों का सामना करने की क्षमता) की सराहना की गई, जो धीरे-धीरे अपने आप में एक अंत बन गया और कई संगीतकारों के लिए एक कलात्मक मूल्य बन गया। 17 वीं -18 वीं शताब्दियों के रचनाकारों ने आमतौर पर न केवल संगीत की रचना की, बल्कि वाद्य यंत्रों को भी बजाया और पांडित्यपूर्ण गतिविधि में लगे रहे। कलाकार की भलाई काफी हद तक विशिष्ट ग्राहक पर निर्भर करती थी। एक नियम के रूप में, प्रत्येक गंभीर संगीतकार ने एक सम्राट या एक धनी अभिजात वर्ग के दरबार में जगह पाने की मांग की (बड़प्पन के कई सदस्यों के पास अपने स्वयं के ऑर्केस्ट्रा या ओपेरा हाउस थे), या एक मंदिर में। इसके अलावा, अधिकांश संगीतकार आसानी से चर्च के संगीत-निर्माण को एक धर्मनिरपेक्ष संरक्षक के साथ सेवा के साथ जोड़ते हैं।

इतालवी और फ्रांसीसी रचनाकारों के बीच 14 वीं -15 वीं शताब्दियों के कई मुखर कार्यों का चरित्र मुखर की तुलना में अधिक महत्वपूर्ण है (रेंज के संदर्भ में, आवाज-अग्रणी का चरित्र, मौखिक पाठ के साथ सहसंबंध या हस्ताक्षरित शब्दों की कमी)। यह पूरी तरह से इतालवी कैचा आर्स नोवा पर लागू होता है, फ्रांस में "संक्रमणकालीन" अवधि के कई कार्यों के लिए (17 वीं शुरुआत में)। संगीत संकेतन में कुछ उपकरणों के उपयोग के कोई प्रत्यक्ष संकेत नहीं हैं। जाहिर है, यह उनकी क्षमताओं के आधार पर कलाकारों की इच्छा पर छोड़ दिया गया था, खासकर जब से लेखक खुद आमतौर पर उनके बीच थे।

सिद्धांत रूप में, प्रत्येक मुखर कार्य - एक द्रव्यमान का हिस्सा, मोटेट, चान्सन, फ्रेटोला, मेड्रिगल (सिस्टिन चैपल के लिए आम जनता के अपवाद के साथ, जहां उपकरणों की भागीदारी की अनुमति नहीं थी) - व्यवहार में या तो दोहरीकरण के साथ प्रदर्शन किया जा सकता है उपकरणों के साथ मुखर भागों, या आंशिक रूप से (एक या दो आवाज) केवल उपकरणों के साथ, या पूरी तरह से एक अंग या उपकरणों के समूह पर। यह मूल रूप से एक स्थिर प्रकार का प्रदर्शन नहीं था, अर्थात् मूल द्वारा पॉलीफोनी मुखर में उपकरणों को पेश करने की प्रक्रिया। यह इस प्रकार है, उदाहरण के लिए, "अंग द्रव्यमान" उत्पन्न हुआ - एक मध्यवर्ती, संक्रमणकालीन घटना। उन रचनाओं में जहां ऊपरी आवाज महत्व में थी (जैसा कि अक्सर ड्यूफे या बेंसुआ के साथ होता था), वाद्ययंत्रों का उपयोग सबसे अधिक संभावना स्वरों के साथ "मेलोडी" या एक हार्मोनिक बास के साथ जुड़ा हुआ था। लेकिन डच स्कूल के विशेष रूप से विकसित पॉलीफोनी में भागों के "बराबरी" के साथ, कोई भी मान सकता है (उदाहरण के लिए, चानसन में) मुखर और वाद्य बलों के किसी भी अनुपात, उपकरणों के एक समूह द्वारा पूरे टुकड़े के प्रदर्शन तक। । उसी समय, किसी को कुछ अन्य विशेष संभावनाओं को ध्यान में रखना चाहिए जो संगीत संकेतन में दर्ज नहीं हैं। यह ज्ञात है कि अंग पर, उदाहरण के लिए, पहले से ही 15 वीं शताब्दी में, अनुभवी कलाकारों, जब एक गीत को संसाधित करते हैं, तो "रंगीन" (सजाया)। शायद वाद्य यंत्र, स्वर संगीत के प्रदर्शन में एक या अन्य भागीदारी के साथ, अपने हिस्से में कामचलाऊ सजावट भी जोड़ सकते हैं, जो विशेष रूप से स्वाभाविक था अगर लेखक खुद अंग पर बैठे। इस सब के बाद, यह आश्चर्य की बात नहीं है कि 16 वीं शताब्दी में, जब वाद्य शैली पहले से ही आकार ले रही थी, तो पॉलीफोनिक "प्रति कैंटेयर ओ सोनारे" ("गायन या वादन के लिए") के साथ काम करता है। यह अंततः मौजूदा अभ्यास की पूर्ण स्वीकृति थी!

रोजमर्रा के संगीत में, विशेष रूप से नृत्य में, अगर वे गीत पर नहीं गए (स्पेन में, गीत और नृत्य का संयोजन अक्सर होता है), वाद्य बने रहे, इसलिए बोलने के लिए, मुखर नमूनों से मुक्त, लेकिन शैली के आधार से जुड़ा हुआ प्रत्येक नृत्य, लय और प्रकार के आंदोलन। इस तरह की कला का समन्वय अभी भी लागू था।

अविभाज्य घटनाओं के इस सामान्य द्रव्यमान से, संगीत की धारणा में परिलक्षित नहीं होने वाले अभ्यास से, मुखर और वाद्य सिद्धांतों को आत्मसात करने की लंबे समय से चली आ रही प्रक्रिया से, समय के साथ वाद्य शैलियों का विकास उचित रूप से शुरू हुआ। यह केवल १५ वीं शताब्दी में मुश्किल से रेखांकित किया गया था, यह १६ वीं शताब्दी के दौरान मूर्त हो गया, स्वतंत्रता का मार्ग अभी भी लंबा था, और केवल कुछ रूपों (कामचलाऊ) में संगीत लेखन का वाद्यवाद वास्तव में दिखाई देता है। आत्मनिर्णय के लिए वाद्य संगीत के पथ के पहले चरणों में, अपनी स्वयं की विशिष्ट प्रवृत्ति वाले दो शैली क्षेत्रों की पहचान की गई थी। उनमें से एक मुख्य रूप से पॉलीफोनिक, "अकादमिक" परंपरा के साथ जुड़ा हुआ है, बड़े रूपों के साथ। दूसरा रोजमर्रा के संगीत, गीत और नृत्य की परंपरा पर आधारित है। पहले को मुख्य रूप से अंग के लिए रचनाओं द्वारा दर्शाया गया है, दूसरा - मुख्य रूप से लुटे हुए प्रदर्शनों की सूची द्वारा। उनके बीच कोई अगम्य रेखा नहीं है। हम केवल कुछ परंपराओं की प्रबलता के बारे में बात कर सकते हैं, हालांकि, संपर्क के स्पष्ट बिंदुओं के साथ। इस प्रकार, ल्यूट के लिए काम करता है, पॉलीफोनिक उपकरणों को बाहर नहीं किया जाता है, और गीतों पर बदलाव जल्द ही अंग संगीत में दिखाई देते हैं। दोनों उपकरणों पर, कामचलाऊ रूपों का विकास शुरू होता है, जिसमें इस उपकरण की विशिष्टता सबसे स्पष्ट रूप से स्पष्ट है - मुखर नमूनों से लगभग पूर्ण स्वतंत्रता के साथ। साधनवाद की ये सामान्य सफलताएँ एक लंबी तैयारी के बाद हासिल हुईं, जो पुनर्जागरण के समय ठीक-ठीक हुई और उस समय के संगीत के बहुत अभ्यास में निहित थी।

2.2 पुनर्जागरण के संगीत वाद्ययंत्र

पुनर्जागरण के दौरान, संगीत वाद्ययंत्र की संरचना में काफी विस्तार हुआ, मौजूदा तारों और हवाओं में नई किस्मों को जोड़ा गया। उनमें से, एक विशेष स्थान पर उल्लंघनों का कब्जा है - झुके हुए तारों का एक परिवार, उनकी सुंदरता और ध्वनि की कुलीनता के साथ। रूप में, वे आधुनिक वायलिन परिवार (वायलिन, वायोला, सेलो) के उपकरणों से मिलते-जुलते हैं और यहां तक \u200b\u200bकि उनके पूर्ववर्तियों को भी माना जाता है (वे 18 वीं शताब्दी के मध्य तक संगीत अभ्यास में जुटे थे)। हालांकि, अंतर और महत्वपूर्ण, अभी भी है। हिंसा में तारों को गूंजने की एक प्रणाली है; एक नियम के रूप में, उनमें से कई मुख्य हैं (छह से सात)। प्रतिध्वनित तारों के कंपन से वायोला ध्वनि नरम, मखमली हो जाती है, लेकिन वाद्य यंत्र का ऑर्केस्ट्रा में उपयोग करना मुश्किल होता है, क्योंकि यह बड़ी संख्या में तारों के कारण क्रम से बाहर हो जाता है। लंबे समय तक, वायोला की आवाज़ को संगीत में परिष्कार का एक उदाहरण माना जाता था। वायोला परिवार में तीन मुख्य प्रकार हैं। वियोला दा गाम्बा एक बड़ा वाद्य यंत्र है जिसे कर्ता अपने पैरों से लंबवत रखा जाता है और अपने पैरों से दबाया जाता है (इतालवी शब्द गाम्बा का अर्थ है "घुटने")। दो अन्य किस्में - वियोला दा ब्राकियो (इतालवी ब्राकियो से - "प्रकोष्ठ") और उल्लंघन डी "एडिड (fr। वायोल डी" अमौर - "वाइला ऑफ लव") क्षैतिज रूप से उन्मुख थे, और जब खेला जाता है, तो उन्हें कंधे के खिलाफ दबाया जाता था। वायोला दा गाम्बा अपनी आवाज़ की सीमा में एक वायलनचेलो के करीब है, वायोला दा ब्रोकियो - एक वायलिन के लिए, और वायोला डी "क्यूपिड" एक वायोला के लिए। यह 14 वीं शताब्दी के अंत में मध्य पूर्व से यूरोप में आया था। 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में इस वाद्ययंत्र के लिए एक विशाल प्रदर्शनों की सूची थी, सबसे पहले, गीतों को ल्यूट की संगत के लिए प्रस्तुत किया गया था। ल्यूट का एक छोटा शरीर है, ऊपरी भाग सपाट है, और निचला हिस्सा गोलार्ध जैसा दिखता है। एक विस्तृत गर्दन एक फ्रेटबोर्ड से जुड़ी होती है, जिसे फ्रीट्स द्वारा अलग किया जाता है, और इंस्ट्रूमेंट का सिर लगभग एक समकोण पर वापस मुड़ा हुआ होता है। जोड़े में समूहीकृत, और ध्वनि दोनों उंगलियों और एक विशेष प्लेट के साथ उत्पन्न होती है - एक पिक। 16 वीं शताब्दी में, विभिन्न प्रकार के कीबोर्ड उभरे, ऐसे उपकरणों के मुख्य प्रकार - हार्पसीकोर्ड, क्लैविकॉर्ड, हार्पसीकोर्ड, हार्पसीकोर्ड, और वर्जिन - पुनर्जागरण संगीत में सक्रिय रूप से उपयोग किया गया था, लेकिन उनका असली उत्कर्ष बाद में आया।

2.3 ओपेरा का जन्म (फ्लोरेंटाइन कैमरेटा)

पुनर्जागरण के अंत को संगीत के इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण घटना द्वारा चिह्नित किया गया था - ओपेरा का जन्म।

मानवतावादियों, संगीतकारों और कवियों का एक समूह फ्लोरेंस में अपने नेता काउंट जियोवानी डी बर्दी (1534-1612) के तत्वावधान में इकट्ठा हुआ। समूह को "कैमरेटा" कहा जाता था, इसके मुख्य सदस्य गिउलिओ कैसैनी, पिएत्रो स्ट्रोज़ी, विन्सेन्ज़ो गैलीली (खगोलशास्त्री गैलीलियो गैलीली के पिता), गिलोरामो मेई, एमिलियो डी कैवलियरी और ओतावियो रिनुसिनी थे।

समूह की पहली प्रलेखित बैठक 1573 में हुई, और "फ्लोरेंटाइन कैमरेटा" के काम के सबसे सक्रिय वर्ष 1577-1582 थे।

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