संगीत स्कूलों के लिए विदेशों का संगीत साहित्य। टी

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शीर्षक: विदेशों का संगीत साहित्य

"विदेशों के संगीत साहित्य" पुस्तक के बारे में I. A. Prokhorov

आई। प्रोखोरोवा द्वारा संकलित "विदेशी देशों का संगीत साहित्य" नामक पाठ्यपुस्तक स्वतंत्र अध्ययन के लिए है। यह सामग्री की प्रस्तुति की संक्षिप्तता और पहुंच की व्याख्या करता है।

"म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" पुस्तक छात्रों को लघु आत्मकथाओं और प्रसिद्ध संगीतकारों के सर्वोत्तम कार्यों से परिचित कराएगी। बच्चे ऐसे प्रतिभाशाली लोगों के जीवन और कार्य के बारे में जान सकेंगे जैसे आई.एस. बाख, जे. हेडन, वी.ए. मोजार्ट, एल। बीथोवेन, एफ। शुबर्ट और एफ। चोपिन। I. प्रोखोरोवा ने प्रतिभाशाली संगीतकारों की कहानियों का बहुत अधिक विस्तार से वर्णन नहीं किया है, पाठ्यपुस्तक में आपको जीवन की मुख्य तिथियां, मूल, शीर्षक और शीर्षक, गतिविधि का क्षेत्र, पेशे की पसंद को प्रभावित करने वाली स्थितियां मिलेंगी। पुस्तक संगीतकारों के जीवन और कार्य के मुख्य चरणों, उनके सामाजिक-राजनीतिक विचारों के बारे में बताएगी।

प्रकाशन "विदेशी देशों का संगीत साहित्य" संगीत विद्यालयों के छात्रों के लिए है, हालांकि, हर कोई जो शास्त्रीय कार्यों के प्रति उदासीन नहीं है, इस पुस्तक में कुछ दिलचस्प मिलेगा। I. प्रोखोरोवा का पाठ कुछ संगीत और अतिरिक्त संगीत अवधारणाओं के स्पष्टीकरण से समृद्ध था, जो इसे कम अकादमिक बनाता है। संगीतकारों के जीवन का वर्णन करने वाला भाग उस काल के यूरोपीय देशों के ऐतिहासिक और सांस्कृतिक जीवन के संदर्भ में प्रस्तुत किया गया है। यह छात्रों को उन परिस्थितियों की गहरी और बड़ी समझ हासिल करने का अवसर देता है जिनमें महान संगीतकार रहते थे और काम करते थे।

चूंकि "म्यूजिकल लिटरेचर ऑफ फॉरेन कंट्रीज" पुस्तक घर पर पढ़ने के लिए है, इसमें मौजूद सभी सिम्फ़ोनिक कार्यों को चार-हाथ की व्यवस्था में पेश किया जाता है। यह ध्यान देने योग्य है कि बाख के काम के बारे में कहानी, जो कार्यक्रम के अनुसार, वर्ष के अंत में अध्ययन की जाती है, शुरुआत में पोस्ट की जाती है। प्रस्तुति के कालक्रम को बनाए रखने के लिए लेखक ने ऐसा कदम उठाया।

इस पुस्तक के लेखक को विश्वास है कि पाठ्यपुस्तक के नियमित उपयोग से छात्रों में लोकप्रिय और वैज्ञानिक संगीत साहित्य से स्वतंत्र रूप से परिचित होने की रुचि जागृत होगी। इसके अलावा, बच्चे अपने दृष्टि-पठन कौशल को विकसित और मजबूत करने में सक्षम होंगे, साथ ही चार हाथों में प्रदर्शन करने की आदत डाल सकेंगे।
अपने दम पर प्रसिद्ध टुकड़ों को सीखने से आप उन्हें अन्य बच्चों की उपस्थिति में पाठ के दौरान प्रदर्शन करने की अनुमति देंगे, जो समूह पाठों को अधिक सक्रिय बना देगा और शास्त्रीय संगीत की धारणा में काफी सुधार करेगा।

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ठेकेदारों से
यह पुस्तक 19वीं शताब्दी के अंतिम दशकों में शुरू होने वाले ऐतिहासिक काल के संगीत साहित्य पर एक पाठ्यपुस्तक है। ऐसी पाठ्यपुस्तक पहली बार दिखाई देती है: पाँचवाँ अंक समाप्त होता है, जैसा कि आप जानते हैं, के। डेब्यू और एम। रवेल के कार्यों के साथ।
पुस्तक में विभिन्न राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों की विशेषताएं शामिल हैं, जिन्होंने इसकी समग्र संरचना निर्धारित की है। पहला खंड उन सामान्य प्रक्रियाओं का विवरण देता है जो विभिन्न देशों की संगीत कला में और विभिन्न व्यक्तियों के संगीतकारों के काम में अपने तरीके से लागू की गई हैं। प्रत्येक बाद के खंड में किसी दिए गए देश की संगीत संस्कृति का अवलोकन होता है, साथ ही इस स्कूल के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों के काम के लिए समर्पित एक मोनोग्राफिक खंड होता है। केवल आई। स्ट्राविंस्की के काम के लिए समर्पित खंड इसकी संरचना में भिन्न है: इसमें एक परिचयात्मक समीक्षा शामिल नहीं है। और यह समझ में आता है: आखिरकार, विशेष परिस्थितियों के कारण अपना अधिकांश जीवन रूस के बाहर बिताने के बाद, स्ट्राविंस्की एक रूसी मास्टर बने रहे और किसी भी विदेशी स्कूल से संबंधित नहीं थे। हमारी सदी के लगभग सभी प्रमुख संगीतकारों पर उनके रचनात्मक सिद्धांतों का निर्णायक प्रभाव स्ट्राविंस्की को 20 वीं शताब्दी की संगीत कला के विकास की सामान्य तस्वीर से हटाने की अनुमति नहीं देता है। विदेशी संगीत साहित्य पर पाठ्यपुस्तक में इस मोनोग्राफिक अध्याय का समावेश स्कूल में पाठ्यक्रम की ख़ासियत के कारण भी है: 20 वीं शताब्दी के विदेशी संगीत का अध्ययन करने के समय तक, छात्र या तो व्यक्तित्व से परिचित नहीं थे या आई। स्ट्राविंस्की का संगीत। वे केवल चौथे वर्ष के अंत में संगीत कला के इस पृष्ठ की ओर रुख करेंगे, जहां संगीतकार के काम का केवल पहला, रूसी काल माना जाता है।

पाठ्यपुस्तक के संकलनकर्ताओं और लेखकों का ध्यान विचाराधीन अवधि की सामान्य संगीत-ऐतिहासिक प्रक्रियाओं को दिखाने और हमारी सदी के क्लासिक्स बनने वाले सबसे उत्कृष्ट कार्यों के विश्लेषण पर केंद्रित है। २०वीं शताब्दी की संगीत कला की घटनाओं की असाधारण जटिलता, उनकी असंगति, प्रतिच्छेदन और उनके तेजी से परिवर्तन को देखते हुए, समीक्षा अध्यायों ने पिछले अंक की तुलना में इस पुस्तक में बहुत बड़ा स्थान लिया। फिर भी, विषय के कार्यप्रणाली सिद्धांतों के अनुसार, संकलक ने संगीत कार्यों के विश्लेषण को ध्यान के केंद्र में रखने की कोशिश की, जो इस मामले में रचनात्मक तरीकों की विविधता, सोचने के तरीके, विभिन्न शैलीगत समाधानों को प्रकट करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं और हमारी सदी के उस्तादों की तकनीकों की रचना की बहुलता।

इस तथ्य को ध्यान में रखते हुए कि पुस्तक संगीत कला का एक विस्तृत चित्रमाला देती है, विश्लेषण कई मामलों में बहुत जटिल है (जो काफी हद तक सामग्री द्वारा ही पूर्व निर्धारित है), संकलक इस पाठ्यपुस्तक को न केवल प्रदर्शन करने वाले छात्रों को संबोधित करना संभव मानते हैं , बल्कि संगीत विद्यालयों के सैद्धांतिक विभाग भी। पुस्तक की सामग्री शैक्षिक प्रक्रिया में इसके लिए एक चयनात्मक दृष्टिकोण की अनुमति देती है; अध्यायों के अध्ययन की गहराई और विवरण स्वयं शिक्षकों द्वारा निर्धारित किया जाता है, जो छात्रों की तैयारी के स्तर, संगीत के नोट्स और रिकॉर्डिंग के साथ शैक्षिक प्रक्रिया के सामग्री उपकरण और इस भाग के लिए पाठ्यक्रम द्वारा आवंटित घंटों की संख्या पर निर्भर करता है। बेशक।
लेखकों की एक बड़ी टीम ने इस पुस्तक पर काम किया। इसलिए - सामग्री प्रस्तुत करने के विभिन्न तरीकों की अनिवार्यता; उसी समय, इसके लिए बहुत ही दृष्टिकोण में, संकलक ने समान कार्यप्रणाली सिद्धांतों को संरक्षित करने का प्रयास किया।

विषय
संकलक से
XX सदी की विदेशी संगीत कला के विकास के तरीके।
ऑस्ट्रिया की संगीत संस्कृति
गुस्ताव मालेर
स्वर रचनात्मकता। "भटकते अपरेंटिस के गीत"
सिम्फोनिक रचनात्मकता। पहली सिम्फनी
अर्नोल्ड शेनबर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
"वारसॉ के उत्तरजीवी"
अल्बान बर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
संगीत नाटक "वोज़ेक"
वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्टो
एंटोन वेबर।
जीवन और रचनात्मक पथ
जर्मनी में संगीत संस्कृति
रिचर्ड स्ट्रॉस
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता। सिम्फोनिक कविताएँ "डॉन जुआन" और "टिल उलेन्सपीगल"
पॉल हिंदेमिट
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता। सिम्फनी "कलाकार मैथिस"।
कार्ल ओआरएफ
जीवन और रचनात्मक पथ
कार्ल ऑर्फ़ के काम की मुख्य शैलियाँ और उनकी विशेषताएं।
ओपेरा "चतुर लड़की"
"कारमिना बुराना"
इगोर स्ट्राविंस्की
जीवन और रचनात्मक पथ
"भजन की सिम्फनी"
ओपेरा "ओडिपस द किंग"
फ्रांस की संगीत संस्कृति।
आर्थर वनगेर
जीवन और रचनात्मक पथ
नाटकीय और वक्तृत्वपूर्ण रचनात्मकता। ओरेटोरियो "जीन डी" आर्क दांव पर "
सिम्फोनिक रचनात्मकता। तीसरी सिम्फनी ("लिटर्जिकल")
डेरियस मिलो
जीवन और रचनात्मक पथ
मुखर और वाद्य, रचनात्मकता। "आग महल"
फ्रांसिस पुलेंक
जीवन और रचनात्मक पथ
ओपेरा "मानव आवाज"
स्पेन की संगीत संस्कृति
मैनुअल डी फला
जीवन और रचनात्मक पथ
बैले "लव द एंचेंट्रेस"
ओपेरा "लघु जीवन"

संगीत पुस्तकालय हमें खुशी है कि आपने हमारे संगीत पुस्तकालय में अपनी रुचि की सामग्री ढूंढ ली है और डाउनलोड कर ली है। पुस्तकालय लगातार नए कार्यों और सामग्रियों के साथ अद्यतन किया जाता है, और अगली बार आप निश्चित रूप से अपने लिए कुछ नया और दिलचस्प पाएंगे। परियोजना पुस्तकालय पाठ्यक्रम के आधार पर पूरा किया जाता है, साथ ही छात्रों के क्षितिज को पढ़ाने और विस्तार करने के लिए अनुशंसित सामग्री के आधार पर पूरा किया जाता है। छात्रों और शिक्षकों दोनों को यहां उपयोगी जानकारी मिलेगी। पुस्तकालय में पद्धति संबंधी साहित्य भी है। हमारे पालतू जानवर संगीतकार और कलाकार समकालीन कलाकार यहां आपको प्रमुख कलाकारों, संगीतकारों, प्रसिद्ध संगीतकारों की जीवनी के साथ-साथ उनके काम भी मिलेंगे। काम के खंड में, हम प्रदर्शन की रिकॉर्डिंग पोस्ट करते हैं जो आपको सीखने में मदद करेगी, आप सुनेंगे कि यह काम कैसा लगता है, उच्चारण और काम की बारीकियां। हम classON.ru पर आपका इंतजार कर रहे हैं। वी.एन.ब्रायंटसेवा जोहान सेबेस्टियन बाख 1685 - 1750 वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट 1756 - 1791 फ्रांज शुबर्ट 1797 - 1828 www.classON.ru जोसेफ हेडन 1732 - 1809 लुडविग वैन बीथोवेन 1770 - 1827 फ्रेडरिक चोपिन 1810 - 1949 रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा उसके बारे में लगभग X सदी ईसा पूर्व से अधिक से अधिक प्रचुर मात्रा में हो गए हैं। ललित कला विकसित हो रही है - और कलाकार संगीतकारों को चित्रित करते हैं जो धार्मिक समारोहों, सैन्य अभियानों, शिकार, गंभीर जुलूसों और गायन और वादन के साथ नृत्य करते हैं। ऐसी छवियां बची हैं, विशेष रूप से, मंदिरों की दीवारों और उत्खनन के दौरान पाए गए चीनी मिट्टी के फूलदानों पर। लेखन प्रकट होता है - और पांडुलिपियों के लेखक गीतों और भजनों के काव्य ग्रंथों का परिचय देते हैं, और संगीतमय जीवन के बारे में दिलचस्प जानकारी प्रदान करते हैं। समय के साथ, लेखक संगीत के बारे में दार्शनिक चर्चा, इसकी महत्वपूर्ण सामाजिक, शैक्षिक भूमिका सहित, साथ ही साथ इसकी भाषा के तत्वों के सैद्धांतिक अध्ययन पर बहुत ध्यान देते हैं। इस तरह की अधिकांश जानकारी प्राचीन विश्व के कुछ देशों में संगीत के बारे में संरक्षित की गई है, उदाहरण के लिए, प्राचीन चीन, प्राचीन भारत, प्राचीन मिस्र, विशेष रूप से तथाकथित प्राचीन देशों में - प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम, जहां यूरोपीय की नींव संस्कृति रखी गई2. परिचय प्राचीन काल से जे एस बाख के लिए संगीत प्रिय दोस्तों! पिछले साल आपके पास पहले से ही संगीत साहित्य का पाठ था। उन्होंने संगीत की भाषा के मुख्य तत्वों, कुछ संगीत रूपों और शैलियों के बारे में, संगीत की अभिव्यंजक और चित्रमय संभावनाओं के बारे में, ऑर्केस्ट्रा के बारे में बात की। उसी समय, सबसे अलग युगों के बारे में स्वतंत्र रूप से बातचीत की गई - या तो पुरातनता के बारे में, फिर आधुनिकता के बारे में, फिर हमसे कम या अधिक दूर गड्ढों में लौटना। और अब समय आ गया है कि कालक्रम के अनुसार - ऐतिहासिक - क्रम 1 में संगीत साहित्य से परिचित हों। प्राचीन ग्रीस में संगीत के बारे में प्राचीन विश्व के संगीत के बारे में जानकारी हमारे पास कैसे आई? पुरातनता की महान सांस्कृतिक और ऐतिहासिक भूमिका का पुख्ता सबूत यह है कि प्राचीन ग्रीस में आठवीं शताब्दी ईसा पूर्व में, सार्वजनिक खेलों का जन्म हुआ था - ओलंपिक खेल . और दो शताब्दियों के बाद, संगीत प्रतियोगिताएं वहां आयोजित की जाने लगीं - पाइथियन गेम्स, जिन्हें आधुनिक प्रतियोगिताओं के दूर के पूर्वज माना जा सकता है। कला के संरक्षक संत, सूर्य और प्रकाश के देवता, अपोलो के सम्मान में बनाए गए मंदिर में पाइथियन खेलों का आयोजन किया गया था। मिथकों के अनुसार, उन्होंने राक्षसी नाग अजगर को हराकर इन खेलों की स्थापना स्वयं की थी। यह ज्ञात है कि एक बार आर्गोस के सैकडस ने उन पर जीत हासिल की, औलोस पर बजाते हुए, ओबो के करीब एक वायु वाद्य यंत्र, अपोलो के संघर्ष के बारे में एक कार्यक्रम टुकड़ा, पायथन के साथ। प्राचीन ग्रीक संगीत का कविता, नृत्य के साथ एक विशिष्ट संबंध था , और रंगमंच। वीर महाकाव्य "इलियड" और "ओडिसी", महान कवि होमर को जिम्मेदार ठहराया, नरस्पेव थे। गायक आमतौर पर पौराणिक ऑर्फ़ियस की तरह, काव्य पाठ और संगीत दोनों के लेखक थे, और वे स्वयं गीत पर स्वयं के साथ थे। उत्सव में, पैंटोमिमिक इशारों के साथ कोरल नृत्य गीतों का प्रदर्शन किया गया। प्राचीन ग्रीक त्रासदियों और हास्य में, कोरस ने एक बड़ी भूमिका निभाई: उन्होंने कार्रवाई पर टिप्पणी की, खुदाई के प्रति अपना दृष्टिकोण व्यक्त किया। नतीजतन, संगीत की कला पहले से ही मौजूद थी। फोनोग्राफ के बाद, यांत्रिक रिकॉर्डिंग और ध्वनि के पुनरुत्पादन के लिए पहला उपकरण 1877 में आविष्कार किया गया था, अनुसंधान संगीतकारों ने दुनिया के उन हिस्सों की यात्रा करना शुरू कर दिया जहां कुछ जनजातियां अभी भी अपने आदिम जीवन शैली को बरकरार रखती हैं। ऐसी जनजातियों के प्रतिनिधियों से, उन्होंने फोनोग्राफ की मदद से गायन और वाद्य धुनों के नमूने रिकॉर्ड किए। लेकिन इस तरह की रिकॉर्डिंग, निश्चित रूप से, केवल एक मोटा विचार देती है कि प्राचीन काल में संगीत कैसा था। शब्द "कालक्रम" (इसका अर्थ है "समय में ऐतिहासिक घटनाओं का अनुक्रम") दो ग्रीक शब्दों - "क्रोनोस" ("समय") और "लोगो" ("शिक्षण") से आया है। 1 लैटिन शब्द "एंटीगुस" का अर्थ "प्राचीन" है। इससे व्युत्पन्न, "प्राचीन" की परिभाषा प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम के इतिहास और संस्कृति को संदर्भित करती है। 2 2 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा नायकों के कार्यों के लिए। आधुनिक संगीतविदों को प्राचीन दुनिया में संगीत का कुछ ज्ञान है और फिर भी अन्य कलाओं के इतिहासकारों से ईर्ष्या करते हैं। प्राचीन वास्तुकला, प्राचीन ललित कला, विशेष रूप से मूर्तिकला के शानदार स्मारकों की एक बड़ी संख्या के लिए, महान प्राचीन नाटककारों की त्रासदियों और हास्य के ग्रंथों के साथ कई पांडुलिपियों की खोज की गई है। लेकिन उसी युग में और बहुत बाद में बनाई गई संगीतमय कृतियाँ हमारे लिए अनिवार्य रूप से अज्ञात हैं। यह क्यों हुआ? तथ्य यह है कि संगीत संकेतन (नोटेशन) की पर्याप्त सटीक और सुविधाजनक प्रणाली का आविष्कार करना एक बहुत ही कठिन काम था, जिसे आप में से प्रत्येक ने संगीत सीखना शुरू करते समय महारत हासिल की थी। इसे हल करने में कई शताब्दियां लगीं। सच है, प्राचीन यूनानियों ने अक्षर संकेतन का आविष्कार किया था। उन्होंने वर्णमाला के कुछ अक्षरों के साथ संगीत मोड की डिग्री निर्दिष्ट की। लेकिन लयबद्ध संकेत (डैश से) हमेशा नहीं जोड़े जाते थे। केवल उन्नीसवीं शताब्दी ईस्वी के मध्य में वैज्ञानिकों ने अंततः इस संकेतन के रहस्यों को उजागर किया। हालांकि, अगर वे प्राचीन ग्रीक संगीत पांडुलिपियों में पिच में ध्वनियों के अनुपात को ठीक से समझने में सक्षम थे, तो अवधि में अनुपात केवल लगभग है। वास्तव में, बहुत कम ऐसी पांडुलिपियां मिली हैं, और उनमें केवल कुछ मोनोफोनिक कार्यों (उदाहरण के लिए, भजन) और, अधिक बार, उनके अंश के रिकॉर्ड हैं। पर्याप्त स्पष्टता। इसलिए, संगीतकारों ने लंबे समय से सहायक सहायता चिह्नों का उपयोग किया है। इन चिह्नों को मंत्रों के शब्दों के ऊपर रखा गया था और या तो अलग-अलग ध्वनियों या उनके छोटे समूहों को निरूपित किया गया था। उन्होंने पिच या अवधि में ध्वनियों के सटीक अनुपात का संकेत नहीं दिया। लेकिन अपनी शैली के साथ, उन्होंने कलाकारों को माधुर्य आंदोलन की दिशा की याद दिला दी, जो इसे दिल से जानते थे और इसे एक पीढ़ी से दूसरी पीढ़ी तक पहुंचाते थे। पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों में, जिनके संगीत पर भविष्य में इस पाठ्यपुस्तक में चर्चा की जाएगी, ऐसे संकेतों को नेवमा कहा जाता था। नेवमा का उपयोग प्राचीन कैथोलिक लिटर्जिकल मंत्रों की रिकॉर्डिंग में किया गया था - ग्रेगोरियन मंत्र। यह सामान्य नाम पोप ग्रेगरी I3 के नाम से लिया गया है। किंवदंती के अनुसार, छठी शताब्दी के अंत में उन्होंने इन मोनोफोनिक मंत्रों का मुख्य संग्रह संकलित किया। केवल पुरुषों और लड़कों द्वारा चर्च सेवाओं के दौरान प्रदर्शन करने के लिए डिज़ाइन किया गया - एकल और कोरस एक साथ, वे लैटिन 4 में प्रार्थना ग्रंथों में लिखे गए हैं। ग्रेगोरियन मंत्र की प्रारंभिक विक्षिप्त रिकॉर्डिंग को डिक्रिप्ट नहीं किया जा सकता है। लेकिन ११वीं शताब्दी में, इतालवी भिक्षु गुइडो डी'अरेज़ो ("अरेज़ो से") ने संकेतन का एक नया तरीका ईजाद किया। उन्होंने मठ में लड़कों को गाना सिखाया और उनके लिए आध्यात्मिक मंत्रों को याद करना आसान बनाना चाहते थे। यह पंक्ति इसके अनुरूप थी एक विशिष्ट ध्वनि और इस तरह रिकॉर्डिंग के अनुमानित ऊंचाई स्तर की स्थापना की। और गुइडो एक दूसरे से समान दूरी पर एक ही बार में चार समानांतर रेखाएं ("शासक") खींचने और उनके बीच और उनके बीच नेवमा रखने के विचार के साथ आया। तो पूर्वज आधुनिक संगीत कर्मचारियों का उदय हुआ - एक प्रकार का कड़ाई से पंक्तिबद्ध कैनवास, जिसने स्वरों और सेमिटोन में ध्वनियों के पिच अनुपात को सटीक रूप से इंगित करना संभव बना दिया। और साथ ही, संगीत संकेतन अधिक दृश्य बन गया - जैसे चित्र एक राग की गति, उसके झुकना शासकों के अनुरूप ध्वनि, गुइडो ने लैटिन अक्षरों से चिह्नित किया, उनके डिजाइन बाद में बदलने लगे और अंततः उन संकेतों में बदल गए जिन्हें कुंजी कहा जाता था। शासकों पर और उनके बीच "बैठना", समय के साथ, वे अलग-अलग नोटों में बदल गए, जिनके सिर पर पहले वर्गों का आकार था। प्रश्न और कार्य 1. वैज्ञानिकों के अनुसार सबसे पुराने वाद्य यंत्र कब बनाए गए थे? इसका क्या मतलब है? 2. फोनोग्राफ क्या है, इसका आविष्कार कब हुआ था और शोधकर्ताओं ने इसका उपयोग कैसे शुरू किया? 3. प्राचीन विश्व के किन देशों के संगीत के बारे में सबसे अधिक जानकारी सुरक्षित रखी गई है? मानचित्र पर निर्धारित करें - किस समुद्र के चारों ओर ऐसे तीन देश स्थित थे। 4. प्राचीन संगीत प्रतियोगिता - पाइथियन गेम्स - कब और कहाँ शुरू हुई? 5. प्राचीन यूनान में संगीत का किस कला से घनिष्ठ संबंध था? 6. प्राचीन यूनानियों ने किस संकेत का आविष्कार किया था? यह कैसे गलत है? "पोप" शीर्षक एक पादरी द्वारा वहन किया जाता है जो एक अंतरराष्ट्रीय आध्यात्मिक संगठन के रूप में कैथोलिक चर्च का प्रमुख होता है। कैथोलिक धर्म रूढ़िवादी और प्रोटेस्टेंटवाद के साथ ईसाई धर्मों में से एक है। 4 प्राचीन रोम के लोग लैटिन बोलते थे। 476 में रोमन साम्राज्य के पतन के बाद, लैटिन धीरे-धीरे बोली जाने लगी। उससे तथाकथित रोमांस भाषाएँ आईं - इतालवी, फ्रेंच, स्पेनिश, पुर्तगाली। ३ मध्य युग में कैसे सुविधाजनक संकेतन बनाया गया था (इस ऐतिहासिक काल की शुरुआत को ६ वीं शताब्दी ईस्वी माना जाता है), अक्षर संकेतन लगभग भुला दिया गया था। यह 3 नहीं था www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा नोटेशन के एक नए तरीके की अफवाहें - एक तरह के चमत्कार की तरह - पोप जॉन XIX तक पहुंच गई। उन्होंने गुइडो को बुलाया और एक आविष्कार की गई रिकॉर्डिंग से एक अज्ञात राग गाया। इसके बाद, समानांतर रेखाओं की संख्या कई बार बदली गई, ऐसा हुआ - अठारह तक भी बढ़ गया। केवल 17 वीं शताब्दी के अंत तक वर्तमान पांच-पंक्ति कर्मचारी "जीत" गए। कई अलग-अलग चाबियों का भी इस्तेमाल किया गया था। केवल उन्नीसवीं शताब्दी में तिहरा और बास फांक सबसे आम बन गए। गुइडो डी "आर्योज़ो के आविष्कार के बाद, एक और कठिन समस्या लंबे समय तक हल हो गई थी - संकेतन को कैसे सुधारें ताकि यह न केवल पिच में, बल्कि अवधि में भी ध्वनियों के सटीक अनुपात को इंगित करे। थोड़ी देर बाद, उन्होंने सोचा संकेतन प्रतीकों का उपयोग करना, आकार में भिन्न। सबसे पहले, इसमें कई सशर्त नियम जोड़े गए, जिससे व्यवहार में इसे लागू करना मुश्किल हो गया। और कई शताब्दियों के दौरान, एक अधिक सुविधाजनक संकेतन धीरे-धीरे विकसित हुआ - ठीक वही जो अब हम हैं उपयोग करना जारी रखें। 17 वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद, इसमें केवल विवरण में सुधार किया गया था। जिसे इतने लंबे समय से खोजा गया है, वह सबसे सरल बात लगती है: अवधि में एक पूरा नोट हमेशा दो हिस्सों के बराबर होता है - अन्य में रूपरेखा, एक आधा से दो चौथाई, एक चौथाई से दो आठवें, और इसी तरह। 16 वीं शताब्दी में बार ने उपायों को अलग करना शुरू कर दिया, और संगीत संकेतन की शुरुआत में समय हस्ताक्षर अनिवार्य था ई 17 वीं शताब्दी से। हालाँकि, तब न केवल संगीत पांडुलिपियाँ थीं, बल्कि मुद्रित संगीत भी थे। संगीत की छपाई के लिए छपाई के आविष्कार के तुरंत बाद - 15 वीं शताब्दी के अंत में शुरू हुआ। प्राचीन दुनिया में और मध्य युग में लंबे समय तक, संगीत आमतौर पर मोनोफोनिक था। केवल कुछ सरल अपवाद थे। उदाहरण के लिए, एक गायक ने एक वाद्य यंत्र बजाकर एक गीत गाया और उसे डब किया (अर्थात उसे उसी समय बजाया)। उसी समय, आवाज और यंत्र कभी-कभी थोड़ा फैल सकता है, एक दूसरे से विचलित हो सकता है और जल्द ही फिर से मिल सकता है। इस प्रकार, एक मोनोफोनिक ध्वनि धारा में, दो-आवाज वाली ध्वनि के "द्वीप" दिखाई दिए और गायब हो गए। लेकिन हमारे युग की पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर, पॉलीफोनिक संरचना लगातार विकसित होने लगी और बाद में पेशेवर संगीत कला में प्रमुख हो गई। यह जटिल और लंबा गठन मुख्य रूप से कैथोलिक चर्च संगीत के क्षेत्र पर केंद्रित था। मामला आविष्कार के साथ शुरू हुआ (किसके द्वारा - यह अज्ञात है) निम्नलिखित विधि। एक गायक (या कई गायकों) ने मुख्य स्वर गाया - ग्रेगोरियन मंत्र की धीमी गति से बहने वाला राग। और दूसरी आवाज सख्ती से समानांतर चलती है - बिल्कुल उसी लय में, केवल हर समय एक सप्तक, या एक चौथाई, या पांचवीं की दूरी पर। अब हमारे कानों में यह बहुत खराब लगता है, "खाली"। लेकिन एक हजार साल पहले, चर्च, गिरजाघर के मेहराब के नीचे जोर से बजने वाले इस तरह के गायन ने, चकित और प्रसन्न होकर, संगीत के लिए नई अभिव्यंजक संभावनाएं खोलीं। कुछ समय बाद, चर्च के संगीतकारों ने दूसरी आवाज के संचालन के अधिक लचीले और विविध तरीकों की तलाश शुरू कर दी। और फिर उन्होंने अधिक से अधिक कुशलता से तीन, चार वोटों को जोड़ना शुरू किया, बाद में कभी-कभी और भी अधिक वोट। प्रश्न और कार्य 1. व्यवहार में अक्षर संकेतन असुविधाजनक क्यों था? 2. गायकों के लिए मध्ययुगीन नुमाओं ने क्या प्रेरित किया? 3. ग्रेगोरियन मंत्र क्या है और इसे क्यों कहा जाता है? 4. गुइडो डी'अरोज़ो के आविष्कार के सार की व्याख्या करें। 5. गुइडो के आविष्कार के बाद हल की जाने वाली अगली समस्या क्या थी? सदी के चर्च संगीतकार पेरोटिन। वह गायन कला के एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि थे - पेरिसियन स्कूल ऑफ नोट्रे डेम (स्कूल ऑफ नॉट्रे डेम) अवर लेडी।) पेरोटिन के मंत्र उल्लेखनीय सुंदरता की एक इमारत में लग रहे थे। उपन्यास "नोट्रे डेम कैथेड्रल।" संगीत में पॉलीफोनी कैसे विकसित हुई इस तरह पॉलीफोनी का विकास शुरू हुआ। ग्रीक भाषा से अनुवादित, इस शब्द का अर्थ है "पॉलीफोनी" लेकिन पॉलीफोनी केवल एक प्रकार की पॉलीफोनी है जिसमें दो या दो से अधिक समान आवाजें एक साथ सुनाई देती हैं, इसके अलावा, उनमें से प्रत्येक की अपनी स्वतंत्र मधुर रेखा होती है। क्या एक आवाज मुख्य राग की ओर ले जाती है, जबकि अन्य इसके अधीन हैं (इसके साथ, इसके साथ), तो यह समरूपता है - दूसरा। अंकन के सुधार के लिए धन्यवाद, धीरे-धीरे, विशेष रूप से 13 वीं शताब्दी के बाद से, संगीत पांडुलिपियों को समझना शुरू हो गया अधिक से अधिक सटीक। इससे न केवल संगीत संस्कृति के बारे में जानकारी प्राप्त करना संभव हो गया, बल्कि पिछले युगों के संगीत से भी परिचित होना संभव हो गया। यह कोई संयोग नहीं है कि संगीत कला के इतिहास में एक महत्वपूर्ण चरण पॉलीफोनी के विकास की शुरुआत के साथ अंकन की सफलताएं मेल खाती हैं। 4 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक प्रमुख संगीत शैली बन गई है। कॉमन मास 5 में लैटिन प्रार्थना ग्रंथों पर आधारित छह मुख्य मंत्र शामिल हैं। ये हैं "किरियो एलिसन" ("भगवान, दया करो"), "ग्लोरिया" ("महिमा"), "पंथ" ("मुझे विश्वास है"), "संक्टस" ("पवित्र"), "बेनेडिक्टस" ("धन्य" ) और "अग्नुस देई" ("भगवान का मेमना")। मूल रूप से, ग्रेगोरियन मंत्र जनता में मोनोफोनिक लग रहा था। लेकिन लगभग १५वीं शताब्दी तक, मास जटिल पॉलीफोनिक भागों के एक चक्र में बदल गया था। साथ ही, नकल का उपयोग बहुत कुशलता से किया जाने लगा। लैटिन से अनुवादित "इमिटेटियो" का अर्थ है "नकल"। संगीत में, आप कभी-कभी अतिरिक्त-संगीत ध्वनियों की नकल कर सकते हैं, उदाहरण के लिए, एक कोकिला का रोमांच, एक कोयल का बांग, समुद्र की लहरों की आवाज़। तब इसे ओनोमेटोपोइया या ध्वनि दृश्य कहा जाता है। और संगीत में अनुकरण एक ऐसी तकनीक है, जब एक स्वर में समाप्त होने वाले माधुर्य के बाद, दूसरी आवाज सटीक रूप से (या बिल्कुल सटीक नहीं) इसे दूसरी ध्वनि से दोहराती है। तब अन्य आवाजें उसी तरह प्रवेश कर सकती हैं। होमोफोनिक संगीत में, नकल संक्षिप्त रूप से दिखाई दे सकती है। और पॉलीफोनिक संगीत में यह विकास के मुख्य तरीकों में से एक है। यह मधुर गति को लगभग निरंतर बनाने में मदद करता है: सभी आवाजों में एक साथ विराम और ताल पॉलीफोनिक संगीत में केवल दुर्लभ अपवादों के रूप में पाए जाते हैं। अन्य पॉलीफोनिक तकनीकों के साथ नकल को मिलाकर, संगीतकारों ने अपने बड़े पैमाने पर बड़े कोरल काम किए, जिसमें चार या पांच आवाज एक जटिल ध्वनि कपड़े में जुड़ी हुई हैं। इसमें, ग्रेगोरियन मंत्र का माधुर्य पहले से ही कठिन है और प्रार्थना के शब्दों को सुनना उतना ही कठिन है। यहां तक ​​​​कि जनता भी दिखाई दी, जहां लोकप्रिय धर्मनिरपेक्ष गीतों की धुनों को मुख्य के रूप में इस्तेमाल किया गया था। इस स्थिति ने सर्वोच्च कैथोलिक चर्च के अधिकारियों को चिंतित कर दिया। १६वीं शताब्दी के मध्य में, यह चर्च सेवाओं के दौरान पॉलीफोनिक गायन पर पूरी तरह से प्रतिबंध लगाने जा रहा था। लेकिन इस तरह का प्रतिबंध उल्लेखनीय इतालवी संगीतकार फिलिस्तीन के लिए धन्यवाद नहीं हुआ, जिन्होंने अपना लगभग पूरा जीवन रोम में बिताया और पोप दरबार के करीब थे (उनका पूरा नाम जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीन है, जो कि "फिलिस्तीन से" है - ए रोम के पास छोटा शहर)। अपने जनसमूह के साथ फिलिस्तीन (और उन्होंने उनमें से सौ से अधिक लिखा) एक पॉलीफोनी बनाने में कामयाब रहे। चूंकि संगत में राग-हार्मोनिक आधार होता है, संगीत प्रस्तुति के होमोफ़ोनिक गोदाम को होमोफ़ोनिक-हार्मोनिक भी कहा जाता है। प्रश्न और कार्य 1. संगीत पांडुलिपियों को कब से अधिक से अधिक सटीक रूप से समझा गया है? 2. संगीत कला के इतिहास में कौन सा महत्वपूर्ण नया चरण अंकन की सफलताओं के साथ मेल खाता है? 3. कब, किस संगीत में और किन धुनों के आधार पर पॉलीफोनी लगातार बनने लगी? 4. समानांतर दो-आवाज क्या थी? कई समानांतर क्वार्ट्स, पांचवें और सप्तक को एक साथ गाएं। 5. पॉलीफोनी और होमोफोनी में क्या अंतर है? पॉलीफोनी का विकास कैसे हुआ जबकि चर्च गायन में पॉलीफोनी का विकास शुरू हुआ, धर्मनिरपेक्ष संगीत में मोनोफोनी हावी रही। उदाहरण के लिए, मोनोफोनिक गीतों की कई रिकॉर्डिंग को डिक्रिप्ट किया गया है, जो बारहवीं-XIV सदियों में मध्ययुगीन कवियों-गायकों द्वारा रचित और प्रस्तुत किए गए थे। फ्रांस के दक्षिण में, प्रोवेंस में, उन्हें परेशान करने वाले कहा जाता था, फ्रांस के उत्तर में - ट्रौवर्स, जर्मनी में - मिनेसिंगर्स। उनमें से कई प्रसिद्ध शूरवीर थे और अपने गीतों में वे अक्सर "सुंदर महिला" की सुंदरता और गुण गाते थे जिनकी वे पूजा करते थे। इन कवियों-गायकों के गीतों की धुन अक्सर लोक धुनों के करीब होती थी, जिसमें नृत्य भी शामिल थे, और लय काव्य पाठ की लय के अधीन थी। बाद में, XIV-XVI सदियों में, "शिल्पकारों में से जर्मन कवि-गायक, जिन्होंने खुद को मिस्टरिंगर्स (" मास्टर गायक ") कहा, कार्यशालाओं में एकजुट हुए। चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष एकरसता एक-दूसरे से अलग नहीं हुए। ग्रेगोरियन मंत्र में पवित्र मंत्रों में जोड़े गए, धर्मनिरपेक्ष गीतों का प्रभाव ध्यान देने योग्य हो गया (उदाहरण के लिए, परेशानी और ट्रौवर्स के गीत)। उसी समय, 13 वीं शताब्दी के अंत तक, फ्रांस में विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक कार्य दिखाई दिए, जहां सभी आवाजों के हिस्से एक गीत प्रकृति की धुनों पर आधारित थे, और ग्रंथों की रचना लैटिन में नहीं, बल्कि फ्रेंच में की गई थी। समय के साथ, कैथोलिक चर्च संगीत में, चर्च की छुट्टियों के लिए समर्पित विशेष जनता अभी भी है। याद रखें कि चक्र है एक सामान्य अवधारणा द्वारा एकजुट कई अलग-अलग हिस्सों (या नाटकों) का एक काम। 7 Cadenza (ताल) - संगीत के पूरे टुकड़े या उसके खंड को पूरा करने वाला मधुर और हार्मोनिक कारोबार। 5 6 5 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में शिक्षा यह साबित करने के लिए कि पॉलीफोनिक रचनाएं, बहुत कुशल रहते हुए, 4 ध्वनि पारदर्शी और लिटर्जिकल ग्रंथों को स्पष्ट रूप से सुना जा सकता है। फिलिस्तीन का संगीत तथाकथित कठोर शैली के पुराने कोरल पॉलीफोनी की चोटियों में से एक है। वह हमें प्रबुद्ध उदात्त चिंतन की दुनिया में ले जाती है - मानो एक सम, शांत करने वाली चमक बिखेर रही हो। कवि, संगीतकार, वैज्ञानिक और कला प्रेमी। संगत के साथ एक नए प्रकार के अभिव्यंजक एकल गायन को बनाने और इसे नाट्य क्रिया के साथ संयोजित करने के विचार से वे मोहित हो गए। इस तरह से पहले ओपेरा का जन्म हुआ, जिसके कथानक प्राचीन पौराणिक कथाओं से लिए गए थे। सबसे पहले डाफ्ने है, जिसे संगीतकार जैकोपो पेरी (हां कोरिया के साथ) और कवि ओ। रिनुकिनी द्वारा रचित किया गया है। यह 1597 में फ्लोरेंस में किया गया था (पूरी तरह से काम नहीं बचा है)। प्राचीन ग्रीक पौराणिक कथाओं में, डाफ्ने नदी देवता लाडोन की बेटी और पृथ्वी गैया की देवी है। अपोलो की खोज से भागते हुए, उसने देवताओं से मदद के लिए प्रार्थना की और उसे लॉरेल (ग्रीक में "डैफ्ने" - "लॉरेल") - अपोलो के पवित्र वृक्ष में बदल दिया गया। चूंकि अपोलो को कला का संरक्षक देवता माना जाता था, पाइथियन खेलों के विजेताओं ने पाइथियन खेलों के विजेताओं को लॉरेल माल्यार्पण के साथ ताज पहनाया, जिसमें से अपोलो को संस्थापक माना जाता था। लॉरेल पुष्पांजलि और लॉरेल की एक अलग शाखा जीत, महिमा और पुरस्कारों का प्रतीक बन गई है। 1600 में रचित अन्य दो ओपेरा (एक जे। पेरी द्वारा, दूसरा जी। कैकिनी द्वारा), दोनों को यूरीडाइस कहा जाता है, क्योंकि दोनों एक ही काव्य पाठ का उपयोग करते हैं जो महान गायक ऑर्फियस के प्राचीन ग्रीक मिथक पर आधारित है। पहले इतालवी ओपेरा महलों और महान व्यक्तियों के घरों में प्रदर्शित किए गए थे। ऑर्केस्ट्रा में कुछ पुराने यंत्र शामिल थे। इसका नेतृत्व एक संगीतकार ने किया था जिसने हार्पसीकोर्ड (हार्पसीकोर्ड के लिए इतालवी नाम) बजाया था। अभी तक कोई प्रस्ताव नहीं था, और तुरही धूमधाम ने प्रदर्शन की शुरुआत की घोषणा की। और मुखर भागों में, सस्वर पाठ प्रबल था, जिसमें संगीत का विकास काव्य पाठ के अधीन था। जल्द ही, हालांकि, संगीत ने ओपेरा में एक तेजी से स्वतंत्र और महत्वपूर्ण अर्थ हासिल करना शुरू कर दिया। यह काफी हद तक पहले उत्कृष्ट ओपेरा संगीतकार - क्लाउडियो मोंटेवेर्डी के कारण है। उनका पहला ओपेरा, ऑर्फ़ियस, 1607 में मंटुआ में मंचित किया गया था। उसका नायक फिर से वही महान गायक है, जिसने अपनी कला से अधोलोक के देवता पाताल लोक को प्रसन्न किया, और उसने ऑर्फियस की प्यारी पत्नी यूरीडाइस को पृथ्वी पर छोड़ दिया। लेकिन पाताल लोक की स्थिति - अपने राज्य को छोड़ने से पहले कभी यूरीडाइस को देखने के लिए नहीं - ऑर्फियस ने उल्लंघन किया और फिर से, पहले से ही हमेशा के लिए, उसे खो दिया। मोंटेवेर्डी के संगीत ने इस दुखद कहानी को एक अभूतपूर्व गेय और नाटकीय अभिव्यक्ति दी है। मोंटेवेर्डी के ऑर्फ़ियस में मुखर भाग, गायन, आर्केस्ट्रा के एपिसोड चरित्र में बहुत अधिक विविध हो गए। इस काम में, एक मधुर एरियोस शैली ने आकार लेना शुरू किया - इतालवी ओपेरा संगीत का सबसे महत्वपूर्ण विशिष्ट गुण। फ्लोरेंस के उदाहरण के बाद, ओपेरा की रचना और प्रदर्शन न केवल मंटुआ में, बल्कि रोम, वेनिस, नेपल्स जैसे इटली के शहरों में भी किया जाने लगा। अन्य यूरोपीय देशों में नई शैली में रुचि पैदा होने लगी, और उनके प्रश्न और कार्य 1. ट्रौबाडोर्स, ट्रौवर्स, मिनेसिंगर और मिस्टरसिंगर कौन हैं? 2. क्या पुराने चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष गीत की धुनों के बीच कोई संबंध है? 3. नियमित द्रव्यमान के मुख्य भाग क्या हैं? 4. संगीत में ओनोमेटोपोइया के उदाहरण दीजिए। 5. संगीत में अनुकरण क्या है? 6. फिलिस्तीन ने अपने जनसमूह में क्या हासिल किया? ओपेरा का जन्म। ओरेटोरियो और कैंटटा १७वीं शताब्दी की शुरुआत से ठीक पहले - ऐतिहासिक काल की पहली शताब्दी जिसे न्यू एज कहा जाता है - संगीत की कला में अत्यधिक महत्व की एक घटना हुई: ओपेरा का जन्म इटली में हुआ था। लंबे समय से विभिन्न नाट्य प्रदर्शनों में संगीत बजाया गया है। उनमें, वाद्य और कोरल नंबरों के साथ, व्यक्तिगत मुखर एकल, उदाहरण के लिए, गाने, किए जा सकते हैं। और ओपेरा में, गायक और गायक अभिनेता और अभिनेत्री बन गए। उनके गायन, एक ऑर्केस्ट्रा के साथ, मंच की कार्रवाई के साथ, प्रदर्शन की मुख्य सामग्री को व्यक्त करना शुरू कर दिया। यह दृश्यों, वेशभूषा और अक्सर नृत्य - बैले द्वारा पूरक होता है। इस प्रकार, ओपेरा में, संगीत ने विभिन्न कलाओं के घनिष्ठ सहयोग का नेतृत्व किया है। इसने उसके लिए नए महान कलात्मक अवसर खोले। ओपेरा गायकों और गायकों ने एक अभूतपूर्व शक्ति के साथ लोगों के व्यक्तिगत भावनात्मक अनुभवों को व्यक्त करना शुरू कर दिया - हर्षित और दुखद दोनों। उसी समय, ओपेरा में सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यंजक साधन आर्केस्ट्रा संगत के साथ एकल गायन आवाज का होमोफोनिक संयोजन था। और अगर 17 वीं शताब्दी तक पश्चिमी यूरोप में पेशेवर संगीत मुख्य रूप से चर्च में विकसित हुआ, और सबसे बड़ी शैली जन थी, तो संगीत थिएटर मुख्य केंद्र बन गया, और सबसे बड़ी शैली ओपेरा थी। १६वीं शताब्दी के अंत में, सर्कल ६ इतालवी शहर फ्लोरेंस में इकट्ठा हुआ www.classON.ru शासकों ने इसे रूस में अपनी कला शिक्षा के लिए बच्चों को आमंत्रित करने के लिए इतालवी संगीतकारों को उनकी अदालत सेवा में आमंत्रित करने के लिए एक रिवाज के रूप में लिया। इसने इस तथ्य में योगदान दिया कि इतालवी संगीत लंबे समय तक यूरोप में सबसे प्रभावशाली रहा। फ्रांस में, 17 वीं शताब्दी में, इसका अपना राष्ट्रीय ओपेरा दिखाई दिया, जो इतालवी से अलग था। इसके संस्थापक जीन-बैप्टिस्ट एल यूल हैं और इतालवी मूल के हैं। फिर भी, उन्होंने फ्रांसीसी संस्कृति की ख़ासियत को सही ढंग से महसूस किया और एक अजीबोगरीब फ्रांसीसी ओपेरा शैली बनाई। लुली के ओपेरा में, एक ओर, एक बड़े स्थान पर, एक सस्वर चरित्र के सस्वर पाठ और छोटे अरिया द्वारा, और दूसरी ओर, बैले नृत्य, गंभीर मार्च और स्मारकीय गायक मंडलियों द्वारा लिया गया था। पौराणिक कथानकों, भव्य परिधानों, नाट्य यंत्रों की सहायता से जादुई चमत्कारों के चित्रण के साथ, यह सब फ्रांसीसी राजा लुई XIV के शासनकाल के दौरान दरबारी जीवन के वैभव और वैभव के अनुरूप था। जर्मनी में पहला ओपेरा, डाफ्ने (1627), पूर्व-बाख युग के महानतम जर्मन संगीतकार हेनरिक शुट्ज़ द्वारा बनाया गया था। लेकिन उसका संगीत नहीं बचा है। और देश में ओपेरा शैली के विकास के लिए कोई शर्तें नहीं थीं: उन्होंने वास्तव में केवल 19 वीं शताब्दी की शुरुआत के साथ आकार लिया। और शुट्ज़ के काम में, आध्यात्मिक ग्रंथों पर अभिव्यंजक मुखर और वाद्य रचनाओं द्वारा मुख्य स्थान पर कब्जा कर लिया गया था। 1689 में, उल्लेखनीय प्रतिभा संगीतकार हेनरी पुरसेल द्वारा लंदन में पहला अंग्रेजी ओपेरा "डिडो एंड एनीस" प्रदर्शित किया गया था। इस ओपेरा का संगीत हार्दिक गीत, काव्यात्मक कल्पना और रंगीन लोक चित्रों के साथ मनोरम है। हालाँकि, लगभग दो शताब्दियों तक पर्सेल की मृत्यु के बाद, अंग्रेजी संगीतकारों के बीच कोई उत्कृष्ट संगीत निर्माता नहीं थे। XVI-XVII सदियों के मोड़ पर, एक साथ ओपेरा के साथ और इटली में भी और आर ओ डी और एल और एस ओ आर और आर और आई और बिल्ली के साथ। यह ओपेरा के बारे में इस तथ्य से है कि एकल कलाकार, गाना बजानेवालों और ऑर्केस्ट्रा भी उनके प्रदर्शन में भाग लेते हैं, और तथ्य यह है कि वे अरिया, गायन, मुखर पहनावा, गायन, आर्केस्ट्रा एपिसोड भी ध्वनि करते हैं। लेकिन ओपेरा में, हम घटनाओं (साजिश) के विकास के बारे में सीखते हैं, न केवल एकल कलाकार जो गाते हैं, बल्कि यह भी कि वे क्या करते हैं और सामान्य रूप से मंच पर क्या होता है। और ओटोरियो और कैंटटा में कोई स्टेज एक्शन नहीं है। वे बिना वेशभूषा और सजावट के, एक संगीत कार्यक्रम में प्रस्तुत किए जाते हैं। लेकिन ओटोरियो और कैंटटा के बीच एक अंतर भी है, हालांकि हमेशा स्पष्ट नहीं होता है। आमतौर पर ओटोरियो एक अधिक विकसित धार्मिक कथानक के साथ एक बड़ा टुकड़ा होता है। यह अक्सर महाकाव्य-नाटकीय होता है। इस संबंध में, गायक-कथाकार के कथात्मक भाग को अक्सर वाक्पटु में शामिल किया जाता है। एक विशेष प्रकार का आध्यात्मिक भाषण - "जुनून", या "निष्क्रिय" (लैटिन से अनुवादित - "पीड़ा")। जुनून यीशु मसीह की पीड़ा और मृत्यु के बारे में बताता है, जिसे क्रूस पर चढ़ाया गया था। 7 www.classON.ru मौखिक पाठ की सामग्री के आधार पर रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा को आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष में विभाजित किया गया है। १७वीं शताब्दी में और १८वीं शताब्दी की शुरुआत में, इटली में कई छोटे, कक्ष कैंटटास उत्पन्न हुए। उनमें दो या तीन अरियाओं के साथ बारी-बारी से दो या तीन पाठ शामिल थे। भविष्य में, मुख्य रूप से गंभीर चरित्र के कैंटटा व्यापक हो गए। विभिन्न निर्माणों के आध्यात्मिक कैंटटा और "जुनून" जर्मनी में सबसे अधिक विकसित हुए थे। एरियस, और यह एक कलाप्रवीण व्यक्ति मार्ग आंदोलन को तैनात करने के लिए आकर्षक है। कोरेली और विवाल्डी की विरासत में, एक महान स्थान तीनों सोनाटा की शैली का है। अधिकांश तिकड़ी सोनाटा में, दो मुख्य भाग वायलिन द्वारा बजाए जाते हैं, और तीसरा भाग, संगत भाग, हार्पसीकोर्ड या अंग होता है, जिसमें बास की आवाज़ सेलो या बेसून द्वारा दोगुनी की जाती है। तिकड़ी सोनाटा के बाद वायलिन के लिए सोनाटा या हार्पसीकोर्ड के साथ अन्य वाद्य यंत्र था। और कॉन्सर्टो ग्रोसो - ऑर्केस्ट्रा के लिए एक संगीत कार्यक्रम (पहला - स्ट्रिंग)। इन शैलियों के कई कार्यों को पुराने सोनाटा के रूप में चित्रित किया गया है। यह आमतौर पर धीमी-तेज-धीमी-तेज गति के साथ चार-भाग का चक्र होता है। कुछ समय बाद, पहले से ही 18 वीं शताब्दी में, विवाल्डी ने वायलिन और कुछ अन्य वाद्ययंत्रों के लिए एक ऑर्केस्ट्रा के साथ गायन करना शुरू किया। वहाँ एक तीन-भाग चक्र स्थापित किया गया था: "तेज़-धीमा-तेज़"। प्रश्न और कार्य 1. ओपेरा का जन्म कहाँ और कब हुआ था? बताएं कि ओपेरा संगीत के साथ नाट्य प्रदर्शन से कैसे अलग है। 2. ओपेरा संगीत में अभिव्यक्ति का कौन सा माध्यम सबसे महत्वपूर्ण है? 3. क्लाउडियो मोंटेवेर्डी के पहले ओपेरा का नाम क्या है, और उनके संगीत में कौन से गुण प्रकट हुए? 4. हमें पुराने फ्रांसीसी ओपेरा की ख़ासियत के बारे में बताएं। 5. जर्मनी में लिखा गया पहला ओपेरा और इंग्लैंड में पहला ओपेरा कौन सा है? 6. ऑरेटोरियो और कैंटटा और ओपेरा के बीच मुख्य अंतर क्या है? 7. जुनून (निष्क्रिय) क्या हैं? प्राचीन मिस्र में अंग ने अपना लंबा इतिहास शुरू किया। १७वीं शताब्दी तक, यह व्यापक कलात्मक संभावनाओं वाला एक बहुत ही जटिल साधन बन गया था। छोटे-छोटे अंग तो निजी घरों में भी मिल जाते थे। उनका उपयोग प्रशिक्षण सत्रों के लिए किया जाता था, वे लोक गीतों और नृत्यों की धुनों पर विविधताएं बजाते थे। और पाइपों की जगमगाती पंक्तियों के साथ बड़े अंग, नक्काशी से सजाए गए लकड़ी के शरीर के साथ, जैसा कि वे अब करते हैं, चर्चों और गिरजाघरों में। आजकल, कई कॉन्सर्ट हॉल में अंग भी पाए जाते हैं। आधुनिक अंगों में, कई हजार पाइप और सात कीबोर्ड (मैनुअल) होते हैं, जो एक के ऊपर एक स्थित होते हैं - जैसे सीढ़ियाँ। बहुत सारे पाइप हैं क्योंकि वे समूहों - रजिस्टरों में विभाजित हैं। ध्वनि का एक अलग रंग (टिम्ब्रे) प्राप्त करने के लिए रजिस्टरों को विशेष लीवर के साथ चालू और बंद किया जाता है। अंग भी एक पेडल से लैस हैं। यह एक संपूर्ण फ़ुट कीबोर्ड है जिसमें कई बड़ी कुंजियाँ होती हैं। अपने पैरों से उन पर दबाव डालकर, ऑर्गेनिस्ट लंबे समय तक बास ध्वनियों को निकाल सकता है और बनाए भी रख सकता है (ऐसी निरंतर ध्वनियों को पेडल या ऑर्गन पॉइंट भी कहा जाता है)। समय की समृद्धि के संदर्भ में, यदि संभव हो तो, सबसे हल्के पियानोसिमो की तुलना गरजने वाले फोर्टिसिमो के साथ करने के लिए, संगीत वाद्ययंत्रों के बीच अंग का कोई समान नहीं है। 17 वीं शताब्दी में, जर्मनी में अंग कला विशेष रूप से उच्च फूल पर पहुंच गई। अन्य देशों की तरह, जर्मन चर्च के आयोजक संगीतकार और कलाकार दोनों थे। उन्होंने न केवल आध्यात्मिक मंत्रोच्चार किया, बल्कि एकल प्रदर्शन भी किया। उनमें से कई प्रतिभाशाली गुणी और सुधारक थे जिन्होंने अपने खेल से लोगों की पूरी भीड़ को आकर्षित किया। उनमें से सबसे उल्लेखनीय में से एक डिट्रिच बक्सटेहुड है। युवा जोहान सेबेस्टियन बाख दूसरे शहर से पैदल उनका नाटक सुनने आया था। बक्सटेहुड के विविध और व्यापक कार्यों में, उस समय के मुख्य प्रकार के अंग संगीत का प्रतिनिधित्व किया जाता है। एक ओर, ये प्रस्तावनाएँ, कल्पनाएँ और १७वीं शताब्दी के वाद्य संगीत, इसकी शैलियों और रूपों के बारे में हैं। लंबे समय तक, वाद्य यंत्रों का उपयोग अक्सर मुखर कार्यों में या नृत्यों के साथ आवाजों के कुछ हिस्सों की नकल करने के लिए किया जाता था। मुखर रचनाओं की वाद्य व्यवस्था भी आम थी। वाद्य संगीत का स्वतंत्र विकास केवल १७वीं शताब्दी में तेज हुआ। साथ ही, मुखर पॉलीफोनी में विकसित होने वाली कलात्मक तकनीकों का विकास जारी रहा। वे गीत और नृत्य पर आधारित एक होमोफोनिक गोदाम के तत्वों से समृद्ध थे। उसी समय, ओपेरा संगीत की अभिव्यंजक उपलब्धियों ने वाद्य रचनाओं को प्रभावित करना शुरू कर दिया। वायलिन, शानदार गुणी क्षमताओं के साथ, एक बहुत ही मधुर आवाज है। और यह इटली में ओपेरा की मातृभूमि में था, वायलिन संगीत विशेष रूप से सफलतापूर्वक विकसित होना शुरू हुआ। 17 वीं शताब्दी के अंत में, आर्कान्जेलो कोरेली की रचनात्मकता फली-फूली और एंटोनियो विवाल्डी की रचनात्मक गतिविधि शुरू हुई। इन प्रख्यात इतालवी संगीतकारों ने वायलिन की भागीदारी और अग्रणी भूमिका के साथ कई वाद्य कृतियों का निर्माण किया है। उनमें, वायलिन ओपेरा रूम 8 www.classON.ru में मानव आवाज के रूप में स्पष्ट रूप से गा सकता है रूसी कला टोकाटा के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। उनमें, पॉलीफोनिक एपिसोड स्वतंत्र रूप से कामचलाऊ - मार्ग और कॉर्डल वाले के साथ वैकल्पिक होते हैं। दूसरी ओर, ये अधिक सख्ती से निर्मित टुकड़े हैं जो फ्यूग्यू के उद्भव का कारण बने - नकली पॉलीफोनी का सबसे जटिल रूप। बक्सटेहुड ने कोरल प्रस्तावना के रूप में प्रोटेस्टेंट कोरल के कई अंग अनुकूलन भी किए। ग्रेगोरियन मंत्र के विपरीत, यह आध्यात्मिक मंत्रों का सामान्य नाम है, लैटिन में नहीं, बल्कि जर्मन में। वे 16 वीं शताब्दी में प्रकट हुए, जब एक नए प्रकार का ईसाई सिद्धांत - प्रोटेस्टेंटवाद - कैथोलिक धर्म से अलग हो गया। प्रोटेस्टेंट मंत्र का मधुर आधार जर्मन लोक गीत थे। १७वीं शताब्दी में, अंग के समर्थन से सभी पैरिशियनों के कोरस द्वारा प्रोटेस्टेंट मंत्र का प्रदर्शन किया गया था। ऐसी कोरल व्यवस्थाओं के लिए, ऊपरी स्वर में एक राग के साथ चार-भाग वाली राग संरचना विशिष्ट होती है। इसके बाद, इस तरह के एक गोदाम को एक कोरल कहा जाने लगा, भले ही यह एक वाद्य यंत्र में पाया गया हो। आयोजकों ने तार वाले कीबोर्ड वाद्ययंत्र भी बजाए और उनकी रचना की। इन वाद्ययंत्रों के कार्यों का सामान्य नाम क्लैवियर संगीत है। तार वाले कीबोर्ड उपकरणों के बारे में पहली जानकारी XIV-XV सदियों की है। १७वीं शताब्दी तक, हार्पसीकोर्ड इनमें से सबसे आम हो गया था। तो इसे फ्रांस में कहा जाता है, इटली में इसे चेम्बालो कहा जाता है, जर्मनी में - किलफ्लुगेल, इंग्लैंड में - हार्पसीकोर्ड। फ्रांस में छोटे उपकरणों का नाम एपिनेट है, इटली में - इंग्लैंड के स्पिनेट्स के लिए - वर्जिन। हार्पसीकोर्ड पियानो का पूर्वज है, जो 18 वीं शताब्दी के मध्य में उपयोग में आने लगा। जब आप हार्पसीकोर्ड की चाबियों को दबाते हैं, तो छड़ पर लगे पंख या चमड़े की जीभ, जैसे थे, तार तोड़ देते हैं। यह अचानक, सुरीली और एक ही समय में थोड़ी सरसराहट की आवाज निकलती है। हार्पसीकोर्ड पर, ध्वनि की ताकत चाबियों पर प्रहार की ताकत पर निर्भर नहीं करती है। इसलिए, इसका उपयोग अर्धचंद्राकार और डिमिनुएन्डोस के लिए नहीं किया जा सकता है - पियानो के विपरीत, जो स्ट्रिंग्स को हथौड़े से मारने के साथ चाबियों के अधिक लचीले कनेक्शन के लिए संभव है। हार्पसीकोर्ड में दो या तीन कीबोर्ड हो सकते हैं और इसमें एक उपकरण होता है जो आपको ध्वनि का रंग बदलने की अनुमति देता है। एक अन्य छोटे कीबोर्ड यंत्र की ध्वनि, क्लैविकॉर्ड, हार्पसीकोर्ड की ध्वनि से कमजोर होती है। लेकिन दूसरी ओर, क्लैविकॉर्ड पर अधिक मधुर वादन संभव है, क्योंकि इसके तार नहीं तोड़े जाते हैं, बल्कि धातु की प्लेटों को उन पर दबाया जाता है। प्राचीन हार्पसीकोर्ड संगीत की मुख्य शैलियों में से एक कई भागों का एक सूट है, जो आकार में पूर्ण है, एक कुंजी में लिखा गया है। प्रत्येक भाग आमतौर पर एक नृत्य आंदोलन का उपयोग करता है। पुराने सूट का आधार अलग-अलग चार नृत्यों से बना है, हमेशा सटीक रूप से निश्चित नहीं, राष्ट्रीय मूल। यह एक इत्मीनान से (शायद मूल रूप से जर्मनी से), एक अधिक मोबाइल झंकार (मूल रूप से फ्रांस से), एक धीमी सरबांडा (मूल रूप से स्पेन से) और एक तेज गिग (मूल रूप से आयरलैंड या इंग्लैंड से) है। 17 वीं शताब्दी के अंत से, पेरिस के हार्पसीकोर्डिस्टों के उदाहरण के बाद, सुइट्स को मिनुएट, गावोटे, ब्यूर और पेस्पियर जैसे फ्रांसीसी नृत्यों के साथ पूरक किया जाने लगा। उन्हें मुख्य नृत्यों के बीच डाला गया, जिससे इंटरमीडिया खंड (लैटिन में "intg" का अर्थ "बीच") होता है। प्राचीन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड संगीत अनुग्रह, अनुग्रह, छोटे मधुर अलंकरणों की एक बहुतायत, जैसे कि मोर्डेंटेस और ट्रिल द्वारा प्रतिष्ठित है। फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड शैली फ्रांकोइस कूपरिन (1668 - 1733) के काम में फली-फूली, जिसका नाम ग्रेट रखा गया। उन्होंने लगभग ढाई सौ नाटकों की रचना की और उन्हें सत्ताईस सुइट्स में मिला दिया। विभिन्न कार्यक्रम नामों वाले नाटक धीरे-धीरे उनमें हावी होने लगे। अक्सर, ये महिलाओं के लघु हार्पसीकोर्ड चित्रों की तरह होते हैं - कुछ चरित्र विशेषता, उपस्थिति, आचरण के अच्छी तरह से लक्षित ध्वनि रेखाचित्र। उदाहरण के लिए, नाटक "ग्लॉमी", "टचिंग", "एजाइल", "एब्सेंट-माइंडेड", "शरारती" हैं। उनके महान समकालीन जोहान सेबेस्टियन बाख ने फ्रेंच हार्पसीकोर्ड संगीत में बहुत रुचि दिखाई, जिसमें फ्रांकोइस कूपरिन के नाटक भी शामिल थे। प्रश्न और कार्य 1. वाद्य विधाओं का स्वतंत्र विकास कब तेज हुआ? 2. आपका पसंदीदा वाद्य यंत्र आर्कान्जेलो कोरेली और एंटोनियो विवाल्डी क्या है। 3. हमें अंग की संरचना के बारे में बताएं। 4. किस देश में अंग कला विशेष रूप से उच्च स्तर पर पहुंच गई है? प्रोटेस्टेंट कोरल क्या है? 5. हार्पसीकोर्ड की संरचना के बारे में बताएं। पुराने हार्पसीकोर्ड सूट के मुख्य भागों में कौन से नृत्य आंदोलनों का उपयोग किया जाता है? इसलिए, पाठ्यपुस्तक के परिचयात्मक खंड में प्राचीन काल से संगीत की दुनिया की कुछ महत्वपूर्ण घटनाओं का संक्षेप में परिचय दिया गया है। यह 18वीं और 19वीं शताब्दी में काम करने वाले महान पश्चिमी यूरोपीय संगीतकारों की विरासत से परिचित होने में मदद करने के लिए एक ऐतिहासिक "भ्रमण" था। कुछ समय के लिए, क्लैवियर को सभी कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स के लिए म्यूजिक कहा जाता था, जिसमें कीबोर्ड-विंड इंस्ट्रूमेंट - ऑर्गन भी शामिल था। 8 9 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जीवन पथ जोहान रॉड, परिवार, बचपन। जोहान सेबेस्टियन बाख का जन्म 1685 में थुरिंगिया में हुआ था - मध्य जर्मनी के क्षेत्रों में से एक, छोटे से शहर ईसेनाच में, जो जंगलों से घिरा हुआ है। थुरिंगिया में, उस समय, तीस साल के युद्ध (1618-1648) के गंभीर परिणाम, जिसमें यूरोपीय शक्तियों के दो बड़े समूह आपस में भिड़ गए थे, अभी भी महसूस किए गए थे। यह विनाशकारी युद्ध जोहान सेबेस्टियन के पूर्वजों के जीवित रहने के लिए हुआ, जो जर्मन शिल्प और किसान पर्यावरण से निकटता से जुड़े थे। उनके परदादा, वीट नाम के एक बेकर थे, लेकिन उन्हें संगीत से इतना प्यार था कि उन्होंने कभी भी एक ज़ीरो के साथ भाग नहीं लिया - एक मेन्डोलिन के समान एक उपकरण, यहां तक ​​​​कि आटा पीसने के दौरान चक्की की यात्रा के दौरान भी बजाना। और उनके वंशजों में, जो थुरिंगिया और आसपास के क्षेत्रों में बस गए, इतने सारे संगीतकार थे कि इस पेशे का अभ्यास करने वाले सभी लोग वहां "बाख" कहलाते थे। ये चर्च के आयोजक, वायलिन वादक, बांसुरी वादक, तुरही बजाने वाले थे, उनमें से कुछ ने रचना करने की प्रतिभा दिखाई। वे शहर की नगर पालिकाओं और छोटी रियासतों और डचियों के शासकों के दरबार में सेवा में थे, जिसमें जर्मनी खंडित था। सेबस्टियन बाख १६८५-१७५० तीन सौ साल से अधिक पुराने इस महान जर्मन संगीतकार के संगीत का भाग्य अद्भुत है। अपने जीवनकाल के दौरान, उन्हें मुख्य रूप से एक वाद्य यंत्र और संगीत वाद्ययंत्र के पारखी के रूप में पहचान मिली, और उनकी मृत्यु के बाद उन्हें लगभग कई दशकों तक भुला दिया गया। लेकिन फिर धीरे-धीरे वे उसके काम को फिर से खोजने लगे और उसे एक अनमोल कलात्मक खजाने के रूप में प्रशंसा करने लगे, कौशल में नायाब, गहराई और सामग्री की मानवता में अटूट। "एक धारा मत बनो! "समुद्र उसका नाम होना चाहिए।" यह वही है जो एक अन्य संगीत प्रतिभा, बीथोवेन ने बाख के बारे में कहा था। बाख अपने कार्यों का केवल एक बहुत छोटा हिस्सा स्वयं प्रकाशित करने में कामयाब रहे। अब उनमें से एक हजार से अधिक प्रकाशित हो चुके हैं (कई और खो गए हैं)। बाख की कृतियों का पहला पूरा संग्रह उनकी मृत्यु के सौ साल बाद जर्मनी में प्रकाशित होना शुरू हुआ, और इसमें छियालीस वॉल्यूम लगे। और यह भी मोटे तौर पर गणना करना असंभव है कि कितना मुद्रित होता है और बाख के संगीत के कितने अलग-अलग संस्करण विभिन्न देशों में मुद्रित होते रहते हैं। इसकी लगातार मांग इतनी बड़ी है। इसके लिए न केवल विश्व संगीत कार्यक्रम में, बल्कि शैक्षिक में भी एक व्यापक और सम्मानजनक स्थान रखता है। जोहान सेबेस्टियन बाख सचमुच संगीत में शामिल सभी लोगों के शिक्षक बने हुए हैं। वह एक गंभीर और सख्त शिक्षक है, उसे पॉलीफोनिक कार्यों को करने की कला में महारत हासिल करने के लिए ध्यान केंद्रित करने की क्षमता की आवश्यकता होती है। लेकिन जो लोग कठिनाइयों से नहीं डरते और उनकी आवश्यकताओं के प्रति चौकस रहेंगे, वे उसकी गंभीरता के पीछे बुद्धिमान और हार्दिक दया महसूस करेंगे, जिसे वह अपनी सुंदर अमर रचनाओं से सिखाता है। ईसेनच में हाउस, जहां जेएस बाख का जन्म 9 "बाख" जर्मन से अनुवाद में "धारा" के रूप में हुआ था। 10 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जोहान सेबेस्टियन के पिता ईसेनाच में एक वायलिन वादक, शहर और दरबारी संगीतकार थे। उसने अपने सबसे छोटे बेटे को संगीत पढ़ाना शुरू किया और उसे एक चर्च स्कूल में भेज दिया। एक सुंदर ऊँची आवाज़ के साथ, लड़के ने स्कूल गाना बजानेवालों में गाया। जब वे दस वर्ष के थे, तभी उनके माता-पिता का देहांत हो गया। पड़ोसी शहर ओहरड्रफ में चर्च के आयोजक बड़े भाई ने अनाथ की देखभाल की। उसने अपने छोटे भाई को स्थानीय लिसेयुम भेजा और उसे स्वयं अंग का पाठ पढ़ाया। बाद में जोहान सेबेस्टियन वीणा वादक, वायलिन वादक और वायलिन वादक भी बन गए। और बचपन से ही उन्होंने विभिन्न लेखकों के कार्यों को फिर से लिखते हुए, अपने दम पर संगीत रचना में महारत हासिल की। उन्हें अपने बड़े भाई से गुप्त रूप से चांदनी रातों में एक संगीत पुस्तक को फिर से लिखना पड़ा, जिसमें उनकी विशेष रुचि थी। लेकिन जब लंबा कठिन काम पूरा हो गया, तो उन्होंने इसका पता लगाया, जोहान सेबेस्टियन से उनके अनधिकृत कार्य के लिए नाराज हो गए और बेरहमी से पांडुलिपि को उनसे दूर ले गए। एक स्वतंत्र जीवन की शुरुआत। लूनबर्ग। पंद्रह साल की उम्र में, जोहान सेबेस्टियन ने एक निर्णायक कदम उठाया - वह दूर उत्तरी जर्मन शहर लूनबर्ग चले गए, जहां उन्होंने एक गायन विद्वान के रूप में मठ चर्च में स्कूल में प्रवेश किया। स्कूल के पुस्तकालय में, वह जर्मन संगीतकारों के कार्यों की बड़ी संख्या में पांडुलिपियों से परिचित होने में सक्षम था। लूनबर्ग और हैम्बर्ग में, जहां वे देश की सड़कों पर चलते थे, कोई भी प्रतिभाशाली जीवों के खेल को सुन सकता था। यह संभव है कि हैम्बर्ग में, जोहान सेबेस्टियन ने ओपेरा हाउस का दौरा किया - उस समय जर्मनी में एकमात्र ऐसा था जिसने इतालवी में नहीं, बल्कि जर्मन में प्रदर्शन दिया था। उन्होंने तीन साल बाद सफलतापूर्वक स्कूल से स्नातक किया और अपनी जन्मभूमि के करीब नौकरी की तलाश शुरू कर दी। वीमर। तीन शहरों में वायलिन वादक और ऑर्गनिस्ट के रूप में संक्षिप्त रूप से सेवा करने के बाद, 1708 में बाख, पहले से ही विवाहित होने के कारण, वीमर (थुरिंगिया) में नौ साल के लिए बस गए। वहाँ वह ड्यूक के दरबार में एक ऑर्गनिस्ट थे, और फिर उप-कंडक्टर (चैपल के प्रमुख के सहायक - गायकों और वादकों का एक समूह)। एक किशोर के रूप में, ओहरड्रफ में, बाख ने संगीत की रचना करना शुरू किया, विशेष रूप से, अंग के लिए प्रोटेस्टेंट कोरल की व्यवस्था करना, उनका पसंदीदा वाद्य यंत्र। और वीमर में, उनके कई अद्भुत परिपक्व अंग कार्य दिखाई दिए, जैसे कि डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू, सी माइनर में पासकाग्लिया 10, कोरल प्रील्यूड्स। उस समय तक, बाख एक नायाब अंग और हार्पसीकोर्ड वादक और सुधारक बन गए थे। इसकी पुष्टि निम्नलिखित मामले से होती है। एक बार बाख सक्सोनी की राजधानी ड्रेसडेन गए, जहाँ उन्होंने उनके और लुई मारचंद, प्रसिद्ध फ्रांसीसी जीव और हार्पसीकोर्डिस्ट के बीच एक प्रतियोगिता की व्यवस्था करने का फैसला किया। लेकिन बाद वाले ने पहले ही सुना था कि बाख ने अद्भुत रचनात्मक सरलता के साथ हार्पसीकोर्ड पर कैसे सुधार किया, ड्रेसडेन को चुपके से छोड़ने के लिए जल्दबाजी की। प्रतियोगिता नहीं हुई। वीमर दरबार में, इतालवी और फ्रांसीसी संगीतकारों के कार्यों से परिचित होने का अवसर मिला। बाख ने अपनी उपलब्धियों को बड़ी रुचि और कलात्मक पहल के साथ माना। उदाहरण के लिए, उन्होंने एंटोनियो विवाल्डी द्वारा वायलिन कॉन्सर्टो के लिए हार्पसीकोर्ड और ऑर्गन के लिए कई मुफ्त ट्रांसक्रिप्शन किए। इस तरह संगीत कला के इतिहास में पहला क्लैवियर संगीत कार्यक्रम पैदा हुआ। वीमर में तीन साल के लिए, बाख को हर चौथे रविवार को एक नया आध्यात्मिक कैंटटा लिखना था। इस प्रकार कुल मिलाकर तीस से अधिक रचनाएँ उत्पन्न हुईं। हालाँकि, जब वृद्ध कोर्ट बैंडमास्टर की मृत्यु हो गई, जिनके कर्तव्यों का पालन वास्तव में बाख ने किया था, तो रिक्त पद उन्हें नहीं, बल्कि मृतक के औसत दर्जे के बेटे को दिया गया था। इस अन्याय से क्षुब्ध बाख ने अपना त्याग पत्र सौंप दिया। "अपमानजनक मांग" के लिए उन्हें घर में नजरबंद रखा गया था। लेकिन उन्होंने अपने दम पर जिद करते हुए साहसी, गर्वित दृढ़ता दिखाई। और एक महीने बाद ड्यूक को अनिच्छा से एक "निर्दयी आदेश" देना पड़ा, ताकि विद्रोही संगीतकार को मुक्त किया जा सके। कोथेन। 1717 के अंत में, बाख और उनका परिवार कोथेन चले गए। कोर्ट बैंडमास्टर का स्थान उन्हें थुरिंगिया के बगल में एक छोटे से राज्य के शासक, एनहाल्ट कोथेन्स्की के राजकुमार लियोपोल्ड द्वारा पेश किया गया था। वह एक अच्छा संगीतकार था - उसने गाया, हार्पसीकोर्ड और वायोला दा गाम्बा बजाया 11. राजकुमार ने अपने नए कंडक्टर को अच्छी वित्तीय सहायता प्रदान की और उसके साथ बहुत सम्मान के साथ व्यवहार किया। बाख के कर्तव्यों, जिसमें उन्हें अपेक्षाकृत कम समय लगा, में अठारह गायकों और वादकों के एक गायक मंडल का नेतृत्व करना, राजकुमार के साथ और खुद वीणा बजाना शामिल था। कोथेन में उत्पन्न हुए विभिन्न उपकरणों के लिए कई बाख काम करता है। क्लैवियर संगीत को बहुत ही विविध तरीके से प्रस्तुत किया जाता है। एक ओर, ये शुरुआती लोगों के लिए टुकड़े हैं - पासकाग्लिया - स्पेनिश मूल का एक धीमा, तीन-स्ट्रोक नृत्य। इसके आधार पर, बास में कई बार दोहराए गए माधुर्य के साथ विविधताओं के रूप में वाद्य यंत्रों का उदय हुआ। १० ११ वियोला दा गाम्बा एक प्राचीन वाद्य यंत्र है जो सेलो जैसा दिखता है। 11 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा छोटे प्रस्ताव, दो-भाग और तीन-भाग के आविष्कार। उन्हें बाख ने अपने सबसे बड़े बेटे विल्हेम फ्रीडेमैन के साथ प्रशिक्षण के लिए लिखा था। दूसरी ओर, यह एक स्मारकीय कार्य के दो खंडों में से पहला है - "द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर", जिसमें कुल 48 प्रस्तावनाएँ और फ़्यूज़ शामिल हैं, और कॉन्सर्ट योजना की एक बड़ी रचना - "क्रोमैटिक फ़ैंटेसी एंड फ़्यूग्यू"। कोथेन काल में क्लैवियर सुइट्स के दो संग्रहों का निर्माण भी शामिल है, जिन्हें "फ्रेंच" और "इंग्लिश" के रूप में जाना जाता है। प्रिंस लियोपोल्ड बाख को अपने साथ पड़ोसी राज्यों की यात्राओं पर ले गए। 1720 में जब जोहान सेबेस्टियन इस तरह की यात्रा से लौटे, तो उन्हें दुख हुआ - उनकी पत्नी मारिया बारबरा की अभी-अभी मृत्यु हुई थी, चार बच्चों को छोड़कर (तीन और जल्दी मर गए)। डेढ़ साल बाद, बाख ने फिर से शादी की। उनकी दूसरी पत्नी, अन्ना मगदलीना की आवाज बहुत अच्छी थी और वह बहुत संगीतमय थी। उसके साथ अध्ययन करते हुए, बाख ने अपने नाटकों से और आंशिक रूप से अन्य लेखकों के नाटकों से दो क्लैवियर "नोटबुक" की रचना की। अन्ना मगदलीना जोहान सेबेस्टियन की एक दयालु और देखभाल करने वाली जीवन साथी थी। उसने उसे तेरह बच्चे पैदा किए, जिनमें से छह वयस्क होने तक जीवित रहे। लीपज़िग। 1723 में, बाख पड़ोसी थुरिंगिया के सैक्सोनी के एक बड़े वाणिज्यिक और सांस्कृतिक केंद्र लीपज़िग में चले गए। उन्होंने प्रिंस लियोपोल्ड के साथ अच्छे संबंध बनाए रखे। लेकिन कोथेन में, संगीत गतिविधि की संभावनाएं सीमित थीं - न तो कोई बड़ा अंग था, न ही कोई गाना बजानेवालों। इसके अलावा, बाख के बड़े बेटे बड़े हो रहे थे, जिन्हें वह अच्छी शिक्षा देना चाहता था। लीपज़िग में, बाख ने कैंटर का पद ग्रहण किया - लड़कों के गाना बजानेवालों के प्रमुख और गायन विद्यालय के शिक्षक; सेंट थॉमस (टॉमस्किर्चे) के चर्च में। उन्हें कई शर्मनाक शर्तों को स्वीकार करना पड़ा, उदाहरण के लिए "बर्गोमास्टर की अनुमति के बिना शहर नहीं छोड़ना।" बाख के कैंटर पर और भी कई ज़िम्मेदारियाँ थीं। उन्हें एक छोटे से स्कूल गाना बजानेवालों और एक बहुत छोटे ऑर्केस्ट्रा (या बल्कि, एक पहनावा) में विभाजित करना पड़ा ताकि संगीत दो चर्चों में सेवाओं के साथ-साथ शादियों, अंत्येष्टि और विभिन्न त्योहारों में भी सुनाई दे। और सभी बॉय कोरिस्टर में संगीत की अच्छी प्रतिभा नहीं थी। स्कूल का घर गंदा था, उपेक्षित था, विद्यार्थियों को खराब खाना खिलाया जाता था और खराब कपड़े पहने जाते थे। इस सब के लिए, बाख, जिसे एक ही समय में लीपज़िग "संगीत निर्देशक" माना जाता था, ने एक से अधिक बार चर्च अधिकारियों और शहर सरकार (मजिस्ट्रेट) का ध्यान आकर्षित किया। लेकिन बदले में उन्हें बहुत कम वित्तीय सहायता मिली, लेकिन बहुत सी छोटी-छोटी आधिकारिक ताने और फटकार। अपने छात्रों के साथ, उन्होंने न केवल गायन का अध्ययन किया, बल्कि वाद्ययंत्र भी बजाया, इसके अलावा, उन्होंने अपने खर्च पर उनके लिए एक लैटिन शिक्षक को काम पर रखा। लीपज़िग में सेंट थॉमस चर्च और स्कूल (बाएं)। (एक पुराने उत्कीर्णन से)। कठिन जीवन परिस्थितियों के बावजूद, बाख उत्साह से रचनात्मकता में लगे हुए थे। सेवा के पहले तीन वर्षों के दौरान, उन्होंने लगभग हर हफ्ते गाना बजानेवालों के साथ एक नया आध्यात्मिक कैंटटा बनाया और सीखा। कुल मिलाकर, इस शैली में बाख की लगभग दो सौ रचनाएँ बची हैं। और उनके कई दर्जन सेक्युलर कैंटटा भी जाने जाते हैं। वे, एक नियम के रूप में, स्वागत और बधाई देने वाले, विभिन्न महान व्यक्तियों को संबोधित थे। लेकिन उनमें से एक कॉमिक ओपेरा के एक दृश्य के समान, लीपज़िग में लिखी गई कॉमिक "कॉफ़ी कैंटाटा" जैसा अपवाद है। यह बताता है कि कैसे एक युवा, जीवंत लिज़ेन कॉफी के लिए एक नए फैशन का शौकीन है, अपने पिता की इच्छा और चेतावनियों के खिलाफ, पुराने बड़बड़ाहट वाले शेलेंड्रियन। लीपज़िग में, बाख ने अपनी सबसे उत्कृष्ट स्मारकीय मुखर और वाद्य रचनाएँ बनाईं - "जॉन के लिए जुनून", "सेंट मैथ्यू के लिए जुनून" 12 और मास इन बी माइनर, जो सामग्री में उनके करीब है, साथ ही साथ बड़ी संख्या में दूसरे खंड "वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर", जॉन और मैथ्यू (साथ ही मार्क और ल्यूक) का एक संग्रह सहित विभिन्न वाद्य कार्य - यीशु मसीह की शिक्षाओं के अनुयायी, जिन्होंने सुसमाचारों को संकलित किया - उनके सांसारिक जीवन, कष्टों के बारे में कहानियां ("जुनून") और मृत्यु। ग्रीक से अनुवादित "सुसमाचार" का अर्थ है "सुसमाचार"। 12 12 www.classON.ru रूसी कला "द आर्ट ऑफ द फ्यूग्यू" के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। उन्होंने ड्रेसडेन, हैम्बर्ग, बर्लिन और अन्य जर्मन शहरों की यात्रा की, वहां अंग बजाया, नए उपकरणों का परीक्षण किया। दस से अधिक वर्षों के लिए, बाख ने संगीत के लीपज़िग कॉलेजियम का नेतृत्व किया, एक समाज जो विश्वविद्यालय के छात्रों और संगीत प्रेमियों - वादक और गायकों से बना था। बाख के निर्देशन में, उन्होंने धर्मनिरपेक्ष प्रकृति के कार्यों से सार्वजनिक संगीत कार्यक्रम दिए। संगीतकारों के साथ संवाद करते हुए, वह किसी भी अहंकार के लिए विदेशी थे और उन्होंने अपने दुर्लभ कौशल के बारे में कहा: "मुझे कड़ी मेहनत करनी पड़ी, जो भी उतना ही मेहनती होगा, वही हासिल करेगा"। बहुत सारी चिंताएँ, लेकिन बहुत सारी खुशियाँ भी बाख को उनके बड़े परिवार द्वारा लाई गईं। उसके घेरे में, वह पूरे घरेलू संगीत समारोहों की व्यवस्था कर सकता था। उनके चार पुत्र प्रसिद्ध संगीतकार बने। ये विल्हेम फ्रीडेमैन और कार्ल फिलिप इमानुएल (मारिया बारबरा के बच्चे), जोहान क्रिस्टोफ फ्रेडरिक और जोहान क्रिश्चियन (अन्ना मैग्डेलेना के बच्चे) हैं। वर्षों से, बाख का स्वास्थ्य बिगड़ता गया। उनकी दृष्टि तेजी से बिगड़ गई। 1750 की शुरुआत में, उनकी दो असफल आंखों की सर्जरी हुई, वे अंधे हो गए और 28 जुलाई को उनकी मृत्यु हो गई। जोहान सेबेस्टियन बाख ने एक कठिन और मेहनती जीवन जिया, जो शानदार रचनात्मक प्रेरणा से प्रकाशित हुआ। उसने एक महत्वपूर्ण भाग्य नहीं छोड़ा, और अन्ना मगदलीना की मृत्यु दस साल बाद गरीबों के लिए एक नर्सिंग होम में हुई। और बाख की सबसे छोटी बेटी रेजिना सुज़ाना, जो 19वीं "सदी तक जीवित रही, को निजी दान द्वारा गरीबी से बचाया गया, जिसमें बीथोवेन ने एक बड़ा हिस्सा लिया। रचनात्मकता बाख का संगीत उनके मूल देश की संस्कृति से जुड़ा है। उन्हें कभी भी ऐसा करने का मौका नहीं मिला। जर्मनी के बाहर यात्रा करें। लेकिन उन्होंने उत्साहपूर्वक जर्मन और विदेशी दोनों संगीतकारों के कार्यों का अध्ययन किया। अपने काम में, उन्होंने शानदार ढंग से सामान्यीकृत और यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को समृद्ध किया। अधिकांश कैंटटा, "सेंट जॉन पैशन", "सेंट मैथ्यू पैशन" , मास इन बी माइनर और आध्यात्मिक ग्रंथों पर कई अन्य कार्य बाख द्वारा न केवल एक चर्च संगीतकार के कर्तव्य या अभ्यस्त रिवाज से लिखे गए थे, बल्कि एक ईमानदार धार्मिक भावना से गर्म थे। वे मानवीय दुखों के लिए करुणा से भरे हुए हैं, की समझ के साथ। मानवीय खुशियाँ। समय के साथ, वे मंदिरों से बहुत आगे निकल गए और विभिन्न राष्ट्रीयताओं और धर्मों के श्रोताओं को गहराई से प्रभावित करना बंद नहीं करते। बाख के आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष कार्य उनकी सच्ची मानवता के साथ वे एक दूसरे से संबंधित हैं। वे संगीतमय छवियों की एक पूरी दुनिया बनाते हैं। बाख का नायाब पॉलीफोनिक कौशल होमोफोनिक-हार्मोनिक साधनों से समृद्ध है। उनके मुखर विषयों को विकास के वाद्य तरीकों से व्यवस्थित रूप से अनुमति दी जाती है, और वाद्य विषयों को अक्सर भावनात्मक रूप से संतृप्त किया जाता है, जैसे कि कुछ महत्वपूर्ण गाया जाता है और शब्दों के बिना उच्चारण किया जाता है। Organ13 के लिए D माइनर में Toccata और Fugue यह अत्यधिक लोकप्रिय कार्य इच्छाशक्ति के एक परेशान करने वाले लेकिन साहसी रोने के साथ शुरू होता है। इसे तीन बार सुना जाता है, एक सप्तक से दूसरे सप्तक में उतरते हुए, और निचले रजिस्टर में एक गड़गड़ाहट की आवाज की ओर जाता है। इस प्रकार, टोकाटा की शुरुआत में, एक गहरा छायांकित, भव्य ध्वनि स्थान को रेखांकित किया गया है। 1 एडैगियो प्रश्न और कार्य 1. बाख के संगीत का भाग्य इतना असामान्य क्यों है? 2. हमें बाख की मातृभूमि, उनके पूर्वजों और उनके बचपन के बारे में बताएं। 3. बाख का स्वतंत्र जीवन कब और कहाँ शुरू हुआ? 4. वीमर में बाख की गतिविधि कैसे आगे बढ़ी और इसका अंत कैसे हुआ? 5. कोथेन में बाख के जीवन और इन वर्षों के उनके कार्यों के बारे में बताएं। 6. बाख कौन से वाद्य यंत्र बजाते थे और उनका पसंदीदा वाद्य यंत्र कौन सा था? 7. बाख ने लीपज़िग जाने का फैसला क्यों किया, और वहाँ उसे किन कठिनाइयों का सामना करना पड़ा? 8. हमें संगीतकार के रूप में बाख और लीपज़िग में एक कलाकार के रूप में बाख की गतिविधियों के बारे में बताएं। उनके द्वारा वहां बनाए गए कार्यों के नाम बताइए। टोकाटा (इतालवी में "टोककाटा" - "टच", "ब्लो" क्रिया "टोकरे" "टू टच", "टू टच") से कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स के लिए एक कलाप्रवीण व्यक्ति है। १३ १३ www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा आगे शक्तिशाली "घुमावदार" गुणी मार्ग और चौड़ी राग तरंग "फट" सुनाई देती है। वे कई बार रुककर अलग हो जाते हैं और विस्तारित जीवाओं पर रुक जाते हैं। तीव्र और धीमी गति का यह मेल हिंसक तत्वों के साथ लड़ाई के बीच सतर्क राहत जैसा दिखता है। और स्वतंत्र रूप से, तात्कालिक रूप से निर्मित टोकाटा के बाद, एक फ्यूगू लगता है। यह एक विषय के अनुकरणीय विकास पर केंद्रित है, जिसमें अस्थिर सिद्धांत मौलिक ताकतों पर अंकुश लगाता है: 2 एलेग्रो मॉडरेटो व्यापक रूप से सामने आने पर, फ्यूग्यू एक कोड में विकसित होता है - अंतिम, अंतिम खंड। यहाँ फिर से टोकाटा का कामचलाऊ तत्व टूट जाता है। लेकिन वह अंततः तनावपूर्ण अनिवार्य टिप्पणियों से शांत हो जाती है। और पूरे काम की आखिरी सलाखों को अडिग मानव इच्छा की कठोर और सम्मानजनक जीत के रूप में माना जाता है। कोरल प्रस्तावना बाख के अंग कार्यों के एक विशेष समूह का गठन करती है। उनमें से, अपेक्षाकृत छोटे गेय नाटकों की एक संख्या उनकी गहरी अभिव्यक्ति द्वारा प्रतिष्ठित है। उनमें, कोरल के माधुर्य की ध्वनि स्वतंत्र रूप से विकसित होने वाली आवाजों से समृद्ध होती है। इस प्रकार, उदाहरण के लिए, बाख की उत्कृष्ट कृतियों में से एक, एफ माइनर में कोरल प्रस्तावना का वर्णन किया गया है। क्लैवियर संगीत आविष्कार बाख ने अपने सबसे बड़े बेटे विल्हेम फ्रीडेमैन को पढ़ाते समय उन सरल टुकड़ों के कई संग्रह संकलित किए जिन्हें उन्होंने बनाया था। इनमें से एक संग्रह में, उन्होंने पंद्रह दो-भाग पॉलीफोनिक टुकड़ों को पंद्रह चाबियों में रखा और उन्हें "आविष्कार" कहा। लैटिन से अनुवादित, "आविष्कार" शब्द का अर्थ है "आविष्कार", "आविष्कार"। नौसिखिए संगीतकारों द्वारा प्रदर्शन के लिए उपलब्ध बाख के दो-भाग के आविष्कार वास्तव में उनकी पॉलीफोनिक सरलता और साथ ही कलात्मक अभिव्यक्ति के लिए उल्लेखनीय हैं। तो, सी मेजर में पहला दो-भाग का आविष्कार एक शांत, विवेकपूर्ण प्रकृति के एक छोटे, सहज और अनछुए विषय से पैदा हुआ है। ऊपरी आवाज इसे गाती है और तुरंत एक और सप्तक में _ दोहराती है - निचला एक: 14 www.classON.ru रूसी कला लोचदार गेंदों के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा रोल। दोहराव (नकल) के दौरान, ऊपरी आवाज मधुर गति को जारी रखती है। यह बास में थीम का विरोध पैदा करता है। इसके अलावा, यह विरोध - एक ही मधुर पैटर्न के साथ - कभी-कभी तब लगता है जब विषय एक या दूसरी आवाज में फिर से प्रकट होता है (बार 2-3, 7-8, 8-9)। ऐसे मामलों में, विपक्ष को बनाए रखा जाता है (अनर्गल लोगों के विपरीत, जो हर बार विषय को पूरा करने पर नए सिरे से बनाए जाते हैं)। अन्य पॉलीफोनिक कार्यों की तरह, इस आविष्कार में ऐसे खंड हैं जहां विषय अपने पूर्ण रूप में ध्वनि नहीं करता है, लेकिन केवल इसके व्यक्तिगत मोड़ का उपयोग किया जाता है। इस तरह के अनुभागों को विषय के रनों के बीच रखा जाता है और उन्हें अंतराल कहा जाता है। सी मेजर में आविष्कार की सामान्य अखंडता एक विषय पर आधारित विकास द्वारा दी गई है, जो पॉलीफोनिक संगीत की विशेषता है। टुकड़े के बीच में, मुख्य कुंजी से प्रस्थान किया जाता है, और अंत में यह वापस आ जाता है। इस आविष्कार को सुनकर, कोई भी कल्पना कर सकता है कि दो छात्र एक-दूसरे को और अधिक अभिव्यक्ति के साथ बेहतर ढंग से बताने की कोशिश करते हुए, पाठ को पूरी लगन से दोहराते हैं। इस टुकड़े में, जो संरचना में सी प्रमुख आविष्कार के समान है, एक विशेष तकनीक एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है। विषय के प्रारंभिक परिचय के बाद ऊपरी आवाज में, निचली आवाज न केवल इसकी नकल करती है, बल्कि इसकी निरंतरता (विपक्ष) भी करती है। तो कुछ समय के लिए एक निरंतर विहित और शमन, और लिकानॉन है। साथ ही दो-भाग के आविष्कारों के साथ, बाख ने एक ही चाबियों में पंद्रह तीन-भाग पॉलीफोनिक टुकड़े बनाये। उसने उनका नाम लिया! "सिम्फनीज़" (ग्रीक से अनुवादित - "व्यंजन")। पुराने दिनों में, पॉलीफोनिक वाद्य कार्यों को अक्सर ऐसा कहा जाता था। लेकिन बाद में इन नाटकों को तीन-भाग का आविष्कार कहना स्वीकार किया जाने लगा। वे पॉलीफोनिक विकास की अधिक जटिल तकनीकों का उपयोग करते हैं। सबसे उल्लेखनीय उदाहरण एफ माइनर (नौवां) में तीन-भाग का आविष्कार है। यह एक साथ दो विपरीत विषयों से शुरू होता है। उनमें से एक का आधार, एक बास आवाज में लग रहा है, रंगीन सेमिटोन के साथ एक मापा तनाव वंश है। पुराने ओपेरा से दुखद एरिया में इस तरह की चाल आम है। यह दुष्ट भाग्य, भाग्य की उदास आवाज की तरह है। शोकपूर्ण उद्देश्य-आहें मध्य में दूसरे विषय में व्याप्त हैं, पूरी तरह से आवाज: भविष्य में, इन दो विषयों को तीसरे विषय के साथ और भी अधिक हार्दिक विनती करने वाले विस्मयादिबोधक के साथ घनिष्ठ रूप से जोड़ा जाता है। नाटक के अंत तक, दुष्ट भाग्य की आवाज अक्षम्य रहती है। लेकिन इंसानी दुख की आवाजें थमने का नाम नहीं ले रही हैं। उनमें मानवीय आशा की एक अमिट चिंगारी चमकती है। और यह अंतिम एफ प्रमुख तार में एक पल के लिए चमकता है। ईसेनच 15 में बाख के घर में बी माइनर हार्पसीकोर्ड में बाख की "सिम्फनी" भी गेय अंतर्दृष्टि से प्रतिष्ठित है। Www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा (तीन-भाग आविष्कार संख्या 15)। अपने आविष्कारों और "सिम्फनी" की पांडुलिपि की प्रस्तावना में बाख ने कहा कि उन्हें "खेलने का मधुर तरीका" विकसित करने में मदद करनी चाहिए। हार्पसीकोर्ड पर, यह पूरा करना मुश्किल था। इसलिए, बाख ने अपने छात्रों के साथ कक्षा में घर पर, एक और तार वाले कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट - क्लैविकॉर्ड का उपयोग करना पसंद किया। इसकी कमजोर आवाज संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शन के लिए अनुपयुक्त है। लेकिन, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, हार्पसीकोर्ड के विपरीत, क्लैविकॉर्ड के तार नहीं तोड़े जाते हैं, लेकिन धातु की प्लेटों द्वारा धीरे से जकड़े जाते हैं। यह ध्वनि की मधुरता में योगदान देता है और गतिशील रंगों की अनुमति देता है। इस प्रकार, बाख, जैसा कि यह था, पियानो पर एक मधुर और सुसंगत आवाज-अग्रणी की संभावनाओं का पूर्वाभास करता था - एक ऐसा उपकरण जो उसके समय में अभी भी डिजाइन में अपूर्ण था। और महान संगीतकार की इस इच्छा को सभी आधुनिक पियानोवादकों को याद रखना चाहिए। कौरंटा फ्रांसीसी मूल का तीन भागों वाला नृत्य है। लेकिन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड झंकार के लिए, एक निश्चित लयबद्ध परिष्कार और तौर-तरीके विशिष्ट थे। सी माइनर में बाख के सुइट में कौरेंट इस नृत्य शैली की इतालवी विविधता के समान है - अधिक जीवंत और चुस्त। यह दो आवाज़ों के लचीले संयोजन से सुगम होता है, जो एक-दूसरे को उत्तेजित करते प्रतीत होते हैं: सी माइनर में "फ्रेंच सूट" बाख द्वारा क्लैवियर सुइट्स के तीन संग्रहों के अलग-अलग नाम हैं। उन्होंने खुद तीसरे संग्रह में शामिल छह सुइट्स को "पार्टिटास" कहा (सूट का नाम "पार्टिटा" न केवल उनके कार्यों में पाया जाता है14)। और दो अन्य संग्रह - प्रत्येक में छह टुकड़े - बाख की मृत्यु के बाद "फ्रांसीसी सूट" और "अंग्रेजी सूट" कहलाने लगे, जो स्पष्ट रूप से स्पष्ट नहीं हैं। फ्रेंच सूट का दूसरा भाग सी नाबालिग की कुंजी में लिखा है। पुराने सुइट्स में स्थापित परंपरा के अनुसार, इसमें चार मुख्य भाग शामिल हैं - अल्लेमांडो, कौरंटा, सरबांडा और गिग, साथ ही दो और इंटरमीडिया भाग - आरिया और मिनुएट, जो सरबांडा और गिग के बीच डाले गए हैं। अल्लेमांडे एक ऐसा नृत्य है जो 16वीं-17वीं शताब्दी में कई यूरोपीय देशों - इंग्लैंड, नीदरलैंड, जर्मनी, फ्रांस और इटली में बनाया गया था। इसलिए, उदाहरण के लिए, पुराना जर्मन अल्लेमैंड एक भारी समूह नृत्य था। लेकिन, क्लैवियर सुइट्स में प्रवेश करने के बाद, 18 वीं शताब्दी तक ऑलमैंड ने अपनी नृत्य विशेषताओं को लगभग खो दिया। अपने "पूर्वजों" से उसने चार या दो तिमाहियों के आकार के साथ केवल एक इत्मीनान से, क्रमिक कदम रखा। यह अंततः एक शिथिल निर्मित प्रस्तावना में बदल गया। यह सी माइनर में बाख के सूट से एक ब्रूडिंग गीत प्रस्तावना और एलेमैंड की तरह दिखता है। तीन आवाजें अक्सर यहां अपनी पंक्तियों का नेतृत्व करती हैं। लेकिन कभी-कभी एक चौथी आवाज उनसे जुड़ जाती है। साथ ही, सबसे मधुर आवाज सबसे ऊपर है: सरबांडे एक तीन-भाग वाला स्पेनिश नृत्य है। एक बार वह तेज, मनमौजी था, और बाद में धीमा, गंभीर, अक्सर शोक जुलूस के करीब हो गया। बाख के सुइट से सरबंदे को तीन-भाग वाले गोदाम में शुरू से अंत तक रखा जाता है। मध्यम और निचली आवाज़ों की गति हर समय सख्त और केंद्रित होती है (तिमाही और आठवीं प्रबल होती है)। और ऊपरी आवाज की गति बहुत अधिक स्वतंत्र और मोबाइल है, बहुत अभिव्यंजक है। यहां सोलहवीं प्रबल होती है, अक्सर व्यापक अंतराल (पांचवें, छठे, सातवें) पर चालें होती हैं। इस प्रकार संगीत प्रस्तुति की दो विपरीत परतें बनती हैं, एक लयात्मक रूप से तीव्र ध्वनि बनाई जाती है15: "भागों में विभाजित" - "पार्टिता" शब्द का इतालवी भाषा से अनुवाद किया गया है (क्रिया "पार्टेयर" से - "विभाजित करने के लिए")। सरबंद में, प्रमुख ऊपरी आवाज दूसरों के साथ इतना विपरीत नहीं है, बल्कि उन्हें पूरा करती है। १४ १५ १६ www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू, सी मेजर में वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर प्रील्यूड और फ्यूग्यू के पहले खंड से, सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू, प्रील्यूड और फ्यूग्यू में सी शार्प मेजर, प्रील्यूड और फ्यूग्यू इन सी शार्प माइनर - और इसी तरह एक सप्तक में शामिल सभी बारह सेमीटोन के लिए। परिणाम सभी प्रमुख और छोटी कुंजियों में कुल 24 दो-भाग चक्र "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" है। बाख के वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के दोनों खंडों का निर्माण इस प्रकार किया गया है (कुल 48 प्रस्तावनाएँ और फ्यूग्यूज़)। इस भव्य काम को संगीत कला की दुनिया में सबसे महान में से एक माना जाता है। इन दो खंडों के प्रस्तावना और फ्यूग्यू सभी पेशेवर पियानोवादकों के शैक्षिक और संगीत कार्यक्रम दोनों में शामिल हैं। बाख के समय, ट्यूनिंग कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स में समान स्वभाव को धीरे-धीरे स्थापित किया गया था - एक सप्तक का बारह बराबर सेमीटोन में विभाजन। पहले, अनुकूलन प्रणाली अधिक जटिल थी। उसके साथ, तीन या चार से अधिक वर्णों वाली चाबियों में, कुछ अंतराल और राग धुन से बाहर लग रहे थे। इसलिए, संगीतकार इस तरह के स्वरों का उपयोग करने से बचते हैं। द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में बाख ने सबसे पहले शानदार ढंग से साबित किया कि समान स्वभाव के साथ सभी 24 चाबियों का समान सफलता के साथ उपयोग किया जा सकता है। इसने संगीतकारों के लिए नए क्षितिज खोले, उदाहरण के लिए, एक कुंजी से दूसरी कुंजी में संशोधन (संक्रमण) करने की क्षमता में वृद्धि हुई। द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में, बाख ने दो-भाग चक्र "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" के प्रकार की स्थापना की। प्रस्तावना स्वतंत्र रूप से बनाई गई है। इसमें होमोफोनिक-हार्मोनिक स्वभाव और आशुरचना द्वारा एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई जा सकती है। यह एक सख्ती से पॉलीफोनिक टुकड़े के रूप में फ्यूगू के विपरीत बनाता है। इसी समय, "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" चक्र के कुछ हिस्सों को न केवल एक सामान्य tonality द्वारा एकजुट किया जाता है। उनके बीच, प्रत्येक मामले में, सूक्ष्म आंतरिक संबंध अपने तरीके से प्रकट होते हैं। इन सामान्य विशिष्ट विशेषताओं को वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रस्तावना और फ्यूग्यू में खोजा जा सकता है। प्रस्तावना में दो मुख्य भाग होते हैं। पहले जितना अधिक बड़ा होता है, दोनों हाथों में सोलहवें की एक त्वरित, सम गति से पूरी तरह से भर जाता है। यह अंदर से अभिव्यंजक मधुर और हार्मोनिक तत्वों से भरा है। ऐसा लगता है जैसे, बैंकों द्वारा तंग, एक बेचैन धारा उठ रही है: गिग एक तेज, दिलेर नृत्य है, जिसकी उत्पत्ति आयरलैंड और इंग्लैंड से हुई है। पुराने दिनों में अंग्रेजी नाविकों को नृत्य करना पसंद था। सुइट्स में, टमटम आमतौर पर अंतिम, अंतिम भाग होता है। अपने सी नाबालिग जिग्यू में, बाख अक्सर दो आवाजों के बीच विहित नकल की तकनीक का उपयोग करता है (जैसा कि एफ प्रमुख में आविष्कार में)। इस नाटक की प्रस्तुति को "उछलते" बिंदीदार ताल के माध्यम से और इसके माध्यम से प्रसारित किया जाता है: अल्लेमैंड और कौरंटा के बीच के विपरीत की तुलना में, सरबांडा और गीगा के बीच का अंतर तेज है। लेकिन उनके बीच डाले गए दो अतिरिक्त भागों द्वारा इसे नरम किया जाता है। "एरिया" नामक भाग, ओपेरा में एक एकल मुखर संख्या जैसा नहीं है, बल्कि एक शांत, सरल-दिमाग वाला गीत है। अगला मिनुएट एक फ्रांसीसी नृत्य है जो गतिशीलता को अनुग्रह के साथ जोड़ता है। तो इस सूट में, एक ही सामान्य तानवाला के साथ, सभी भागों की तुलना एक लाक्षणिक संबंध में अलग-अलग तरीकों से की जाती है। घोल के आयाम मुख्यतः तीन-पास हैं। १८वीं शताब्दी में, यह मुख्य रूप से ३/८, ६/८, ९/८, १२/८ है। १६ १७ www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा मध्यम आवाज, स्पष्ट, राहत, लोचदार नृत्य ताल के साथ अच्छी तरह से याद की गई थीम: ११ मॉडरेटो ऊर्जावान दृढ़ता को विषय में अनुग्रह के साथ जोड़ा जाता है, मजबूत-इच्छाशक्ति के माध्यम से आप कर सकते हैं धूर्त शरारत देखें। यह आगे विविध और गतिशील विकास के अवसर प्रदान करता है। विकास की शुरुआत में, विषय हल्का लगता है - केवल एक बार यह एक प्रमुख कुंजी (ई फ्लैट प्रमुख) में किया जाता है। मुख्य कुंजी (सी माइनर) में विषय के तीन मुख्य चालन के पुनरावर्तन में, बास में दूसरा, इतना शक्तिशाली दायरा प्राप्त करता है कि यह प्रस्तावना में प्राकृतिक शक्तियों के उग्र होने को याद करता है। और एक और, फ्यूग्यू थीम का अंतिम संचालन एक प्रबुद्ध पूर्व-प्रमुख राग के साथ समाप्त होता है। प्रस्तावना और फ्यूग्यू के अंत के बीच यह समानता चक्र के विपरीत भागों के आंतरिक भावनात्मक संबंध को प्रकट करती है। शक्तिशाली ऊर्जा संचित होने के कारण, पहले खंड के अंत में यह धारा अतिप्रवाह लगती है और अगले खंड की शुरुआत में और भी तेज हो जाती है, जो अपने रास्ते में सब कुछ खत्म करने की धमकी देती है। प्रस्तावना के इस चरमोत्कर्ष को गति के सबसे तेज़ (पेस्टो) में परिवर्तन और एक पॉलीफोनिक तकनीक के उपयोग द्वारा चिह्नित किया जाता है - एक दो-भाग वाला कैनन। लेकिन राग के अनिवार्य प्रहारों और पाठ के महत्वपूर्ण वाक्यांशों द्वारा उग्र तत्व को अचानक रोक दिया जाता है। यहां गति का दूसरा परिवर्तन होता है - सबसे धीमी गति से (अडागियो)। और प्रस्तावना के अंतिम सलाखों में गति के तीसरे परिवर्तन के बाद मध्यम तेज़ A11eggo में, बास में टॉनिक अंग बिंदु धीरे-धीरे दाहिने हाथ में सोलहवें नोटों की गति को धीमा कर देता है। यह धीरे-धीरे फैलता है और सी प्रमुख जीवा पर जम जाता है। शांत और शांत हो जाता है। प्रस्तावना के इस तरह के एक स्वतंत्र, कामचलाऊ समापन के बाद, ध्यान एक अलग, विपरीत योजना की ओर जाता है। तीन-भाग का फ्यूग्यू शुरू होता है। लैटिन और इतालवी में इस शब्द का अर्थ है "भागो", "उड़ान", "तेज प्रवाह"। संगीत में, एक फ्यूग्यू एक जटिल पॉलीफोनिक काम है, जहां आवाजें एक-दूसरे के साथ मिलकर गूंजती प्रतीत होती हैं। अधिकांश फ्यूग्यू एक विषय पर आधारित होते हैं। दो के साथ फ़्यूज़, तीन और चार विषयों के साथ भी कम बार सामना करना पड़ता है। और स्वरों की संख्या के अनुसार दो, तीन, चार और पांच स्वरों के भगोड़े होते हैं। किसी एक स्वर में मुख्य कुंजी में विषय की प्रस्तुति के साथ एक-अंधेरे फ़्यूज़ शुरू होते हैं। फिर विषय को अन्य आवाजों के साथ वैकल्पिक रूप से अनुकरण किया जाता है। इस प्रकार फ्यूगू का पहला खंड बनता है - प्रदर्शनी। दूसरे खंड में - विकास - विषय केवल अन्य कुंजियों में दिखाई देता है। और तीसरे, अंतिम खंड में - reprise9 - इसे फिर से मुख्य कुंजी में किया जाता है, लेकिन इसे अब एक स्वर में प्रस्तुत नहीं किया जाता है। प्रदर्शनी निश्चित रूप से यहां दोहराई नहीं गई है। फ्यूग्यू में बनाए रखा विरोध और अंतराल का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। बाख का सी माइनर फ्यूग्यू, जिसके बारे में हम बात कर रहे हैं, शुरू होता है, फ्यूग्यू में दिखाई देता है - पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप - पूर्ण परिपक्वता तक पहुंच गया और बाख के काम में सबसे चमकदार फूल आया। 19 वीं शताब्दी के प्रसिद्ध रूसी संगीतकार और पियानोवादक एंटोन ग्रिगोरिविच रुबिनस्टीन ने अपनी पुस्तक म्यूजिक एंड इट्स रिप्रेजेंटेटिव्स में, वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर की प्रशंसा करते हुए लिखा, कि कोई भी वहां "धार्मिक, वीर, उदासीन, राजसी, शोकाकुल, विनोदी के भगोड़े" पा सकता है। , देहाती, नाटकीय चरित्र; केवल एक चीज में वे सभी एक जैसे हैं - सुंदरता में ... ”जोहान सेबेस्टियन बाख के समकालीन महान जर्मन संगीतकार जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल (1685-1759), पॉलीफोनी के एक उल्लेखनीय मास्टर, कलाप्रवीण व्यक्ति थे। उसकी किस्मत अलग थी। उन्होंने अपना अधिकांश जीवन जर्मनी के बाहर बिताया, एक देश से दूसरे देश में चले गए (वे कई दशकों तक इंग्लैंड में रहे)। 18 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा हैंडेल कई ओपेरा, oratorios और विभिन्न वाद्य कार्यों के लेखक हैं। संगीत प्रश्नों और कार्यों में शास्त्रीय शैली के गठन के बारे में 1. बाख के आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष कार्यों में क्या समानता है? 2. डी माइनर में ऑर्गन के लिए टोकाटा और फ्यूग्यू के आलंकारिक चरित्र के बारे में बताएं। 3. बाख के आविष्कारों के उन विषयों को गाएं जिन्हें आप जानते हैं। प्रतिपक्ष क्या कहलाता है जब इसे प्रतिधारित कहा जाता है? 4. पॉलीफोनिक पीस में इंटरल्यूड क्या होता है? किस नकल को विहित या कैनन कहा जाता है? 5. सी माइनर में "फ्रेंच सूट" के मुख्य भागों का नाम और वर्णन करें। 6. बाख का वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर कैसे बनाया जाता है? 7. प्रस्तावना और भगोड़े में मुख्य अंतर क्या है? इसे द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रस्तावना और फ्यूग्यू के साथ दिखाएं। क्या उनमें भी कोई समानता है? संगीत थिएटर १८वीं शताब्दी, विशेष रूप से इसका मध्य और दूसरा भाग, यूरोपीय संगीत कला के सभी क्षेत्रों में बड़े बदलाव का समय था। इस शताब्दी की शुरुआत के साथ, दो शैलियों धीरे-धीरे इतालवी ओपेरा में उभरीं - ओपेरा-सीरिया (गंभीर) और ओपेरा-बफा (कॉमिक)। ओपेरा-सीरिया में, पौराणिक और ऐतिहासिक भूखंड अभी भी प्रबल थे, जिसमें तथाकथित "उच्च" नायक दिखाई दिए - पौराणिक देवता, प्राचीन राज्यों के राजा, महान कमांडर। और ओपेरा बफा में, भूखंड मुख्य रूप से हर रोज समकालीन हो गए हैं। यहां के नायक सामान्य लोग थे जिन्होंने ऊर्जावान और जीवन-रूप से विश्वसनीय अभिनय किया। जियोवानी बतिस्ता पेर्गोलेसी की द मेड-लेडी, जो 1733 में नेपल्स में जनता के सामने आई, एक बफा ओपेरा का पहला उत्कृष्ट उदाहरण था। नायिका - सर्पिना की एक उद्यमी नौकर - चतुराई से अपने क्रोधी गुरु उबेरतो से खुद से शादी करती है और खुद एक रखैल बन जाती है। कई शुरुआती इतालवी बफा ओपेरा की तरह, द मेड-लेडी को मूल रूप से पेर्गोलेसी द्वारा गर्व कैदी ओपेरा श्रृंखला के कृत्यों के बीच एक मंच अंतराल के रूप में प्रदर्शित किया गया था (याद रखें कि अंतराल के लिए लैटिन शब्द अंतराल का अर्थ है)। जल्द ही, "द मेड-लेडी" ने एक स्वतंत्र कार्य के रूप में कई देशों में बहुत प्रसिद्धि प्राप्त की। फ्रांस में, कॉमिक ओपेरा का जन्म 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में हुआ था। यह पेरिस के मेलों में थिएटरों में दिए गए संगीत के साथ मज़ेदार, विनोदी हास्य प्रदर्शन से उत्पन्न हुआ। और एक कॉमिक ओपेरा में बदलने के लिए, जहां पात्रों की मुख्य विशेषताएं मुखर संख्याएं थीं, इतालवी ओपेरा-बफा के उदाहरण ने फ्रांसीसी निष्पक्ष हास्य की मदद की। पेरिस में इतालवी "बफ़न" के ओपेरा मंडली के प्रदर्शन इसके लिए आवश्यक थे, जब फ्रांस की राजधानी "द मेड-लेडी" पेर्गोलेसी द्वारा सचमुच मंत्रमुग्ध हो गई थी। इतालवी ओपेरा-बफा के विपरीत, फ्रांसीसी कॉमिक ओपेरा में, एरियस नंबर वैकल्पिक रूप से पाठ के साथ नहीं, बल्कि बोले गए संवादों के साथ होते हैं। ज़िंग-स्पील भी बनाया गया है - जर्मन और ऑस्ट्रियाई किस्म के कॉमिक ओपेरा, जो दूसरे प्रमुख कार्यों में दिखाई दिए वोकल और वाद्य काम "जॉन के लिए जुनून", "जुनून फॉर सेंट मैथ्यू" मास इन बी नाबालिग आध्यात्मिक कैंटैटस (लगभग 200 बच गया) और धर्मनिरपेक्ष कैंटटास (20 से अधिक संरक्षित) ऑर्केस्ट्रा काम करता है 4 सूट ("ओवरचर") 6 "ब्रेंडेनबर्ग कॉन्सर्टो" एक कक्ष ऑर्केस्ट्रा के साथ एकल वाद्ययंत्रों के लिए संगीत कार्यक्रम हार्पसीकोर्ड के लिए 7 संगीत कार्यक्रम दो के लिए 3 संगीत कार्यक्रम, दो तीन हार्पसीकोर्ड के लिए 2 वायलिन संगीत कार्यक्रम दो वायलिन झुके हुए वाद्ययंत्रों के लिए काम करते हैं 3 सोनाटा और 3 पार्टिटास एकल वायलिन के लिए संग्रह "स्मॉल प्रील्यूड्स एंड फ्यूग्स" 15 दो-भाग आविष्कार और 15 तीन-भाग आविष्कार ("सिम्फनी") "वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर" 6 "फ्रांसीसी के 48 प्रस्ताव और फ्यूग्स किख "और 6" अंग्रेजी "सूट 6 सूट (पार्टिटास)" इतालवी संगीत कार्यक्रम "सोलो हार्पसीकोर्ड के लिए" रंगीन फंतासी और फ्यूग्यू "" द आर्ट ऑफ फ्यूग्यू "19 www.classON.ru मध्य में रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा- 18वीं सदी17. हास्य ओपेरा की सभी किस्मों की संगीत भाषा लोक गीत और नृत्य धुनों के साथ घनिष्ठ संबंध की विशेषता है। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, महान जर्मन संगीतकार क्रिस्टोफ विलीबाल्ड ग्लक (1714-1787) द्वारा गंभीर ऑपरेटिव शैलियों में मौलिक सुधार किया गया था। उन्होंने अपना पहला सुधारवादी ओपेरा ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस (1762) को प्रसिद्ध प्राचीन ग्रीक गायक के बारे में एक कथानक पर लिखा था, जो कि पहले से ही शुरू होने वाले ओपेरा में कई बार इस्तेमाल किया जा चुका है (इस पर परिचय में चर्चा की गई थी)। ओपेरा में अपने सुधार के लिए ग्लक ने एक कठिन रास्ता अपनाया। उन्हें कई यूरोपीय देशों - जर्मनी, ऑस्ट्रिया, डेनमार्क के साथ-साथ चेक गणराज्य का दौरा करने का मौका मिला, जिसमें इटली के साथ-साथ स्लावों का निवास था - इंग्लैंड में। वियना में मजबूती से बसने से पहले, ग्लक ने मिलान, वेनिस, नेपल्स, लंदन, कोपेनहेगन, प्राग और अन्य शहरों में थिएटरों के चरणों में अपनी 17 ओपेरा-श्रृंखला का मंचन किया। इस शैली के ओपेरा कई यूरोपीय देशों के कोर्ट थिएटरों में प्रदर्शित किए गए। अपवाद फ्रांस था। वहां, 18 वीं शताब्दी के मध्य में, उन्होंने केवल पारंपरिक फ्रांसीसी शैली में गंभीर ओपेरा की रचना और मंचन करना जारी रखा। लेकिन ग्लक ने प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकार जीन-बैप्टिस्ट लुली और जीन-फिलिप रमेउ के ओपेरा स्कोर का ध्यानपूर्वक अध्ययन किया। इसके अलावा, ग्लक ने वियना में फ्रेंच कॉमिक ओपेरा की नई शैली में आठ कार्यों को लिखा और सफलतापूर्वक मंचित किया। वह निस्संदेह जर्मन और ऑस्ट्रियाई गायकों के साथ इतालवी बफा ओपेरा से अच्छी तरह परिचित थे। इस सभी ज्ञान ने ग्लक के लिए गंभीर ओपेरा की रचना के पहले से ही पुराने सिद्धांतों को निर्णायक रूप से अद्यतन करना संभव बना दिया। अपने सुधारवादी ओपेरा में, पहले वियना में और फिर पेरिस में, ग्लक ने नायकों के भावनात्मक अनुभवों को बहुत अधिक सच्चाई और नाटकीय तनाव, दक्षता के साथ व्यक्त करना शुरू किया। उन्होंने अरियस में गुणी अंशों को ढेर करने से इनकार कर दिया, और सस्वर पाठ की अभिव्यक्ति को तेज कर दिया। उनके ओपेरा संगीत और मंच विकास के मामले में अधिक उद्देश्यपूर्ण बन गए, रचना में अधिक सामंजस्यपूर्ण। तो संगीत की भाषा में और नए हास्य और सुधारित गंभीर ओपेरा के निर्माण में, नई, शास्त्रीय शैली की महत्वपूर्ण विशिष्ट विशेषताओं की पहचान की गई - विकास की सक्रिय प्रभावशीलता, अभिव्यक्तिपूर्ण साधनों की सादगी और स्पष्टता, रचनात्मक सद्भाव, सामान्य महान और संगीत का उत्कृष्ट चरित्र। इस शैली ने धीरे-धीरे 18वीं शताब्दी में यूरोपीय संगीत में आकार लिया, 1770-1780 तक परिपक्व हुई और 19वीं शताब्दी के दूसरे दशक के मध्य तक हावी रही। यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि "क्लासिक" की परिभाषा का एक और व्यापक अर्थ हो सकता है। "शास्त्रीय" (या "क्लासिक्स") को संगीत और कला के अन्य कार्यों को भी कहा जाता है जिन्हें अनुकरणीय, उत्तम, नायाब के रूप में मान्यता मिली है - उनकी रचना के समय की परवाह किए बिना। इस अर्थ में, 16 वीं शताब्दी के इतालवी संगीतकार फिलिस्तीन, प्रोकोफिव के ओपेरा, और 20 वीं शताब्दी के रूसी संगीतकारों द्वारा शोस्ताकोविच की सिम्फनी को शास्त्रीय, या क्लासिक्स कहा जा सकता है। वाद्य संगीत ग्लक के ओपेरा सुधार के समान व्यापक अंतरराष्ट्रीय आधार पर, 18 वीं शताब्दी में वाद्य संगीत का गहन विकास हुआ। यह कई यूरोपीय देशों के संगीतकारों के संयुक्त प्रयासों से किया गया था। गीत और नृत्य पर भरोसा करते हुए, संगीत की भाषा की शास्त्रीय स्पष्टता और गतिशीलता को विकसित करते हुए, उन्होंने धीरे-धीरे चक्रीय वाद्य कार्यों की नई शैलियों का निर्माण किया - जैसे शास्त्रीय सिम्फनी, शास्त्रीय सोनाटा, शास्त्रीय स्ट्रिंग चौकड़ी। उनमें सोनाटा रूप को बहुत महत्व मिला। इसलिए, वाद्य चक्रों को सोनाटा या सोनाटा-सिम्फोनिक कहा जाता है। सोनाटा रूप। आप पहले से ही जानते हैं कि पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप फ्यूग्यू है। और सोनाटा रूप होमोफोनिक हार्मोनिक संगीत का उच्चतम रूप है, जहां पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग कभी-कभी ही किया जा सकता है। इनकी रचना से ये दोनों रूप एक दूसरे से मिलते जुलते हैं। फ्यूगू के रूप में, सोनाटा रूप में तीन मुख्य खंड हैं: प्रदर्शनी, विस्तार, और आश्चर्य। लेकिन उनके बीच महत्वपूर्ण अंतर भी हैं। सोनाटा फॉर्म और फ्यूग्यू के बीच मुख्य अंतर तुरंत एक्सपोजिशन 18 में दिखाई देता है। फ्यूग्यू का भारी बहुमत पूरी तरह से एक थीम पर बनाया गया है, जो एक्सपोज़िशन में प्रत्येक में वैकल्पिक रूप से आयोजित किया जाता है। यह जर्मन शब्द "सिंगन" ("गाने के लिए" से आता है। ") और" स्पील "(" नाटक ") ... १८ लैटिन मूल के शब्द का अर्थ है "प्रस्तुति", "शो"। 20 www.classON.ru रूस आवाज में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। और सोनाटा के रूप में, एक नियम के रूप में, दो मुख्य विषय दिखाई देते हैं, कमोबेश चरित्र में भिन्न होते हैं। पहले मुख्य भाग का विषय लगता है, बाद में पार्श्व भाग का विषय प्रकट होता है। केवल किसी भी मामले में "माध्यमिक" की परिभाषा को "माध्यमिक" के रूप में नहीं समझा जाना चाहिए। क्योंकि वास्तव में सोनाटा रूप में पार्श्व भाग का विषय मुख्य भाग के विषय से कम महत्वपूर्ण नहीं है। यहां "माध्यमिक" शब्द का उपयोग किया गया है, क्योंकि पहले के विपरीत, प्रदर्शनी में यह आवश्यक रूप से मुख्य कुंजी में नहीं, बल्कि दूसरे में, जैसे कि द्वितीयक में लगता है। शास्त्रीय संगीत में, यदि प्रदर्शनी में मुख्य भाग प्रमुख है, तो द्वितीयक भाग प्रमुख की कुंजी में प्रस्तुत किया जाता है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी प्रमुख है, तो द्वितीयक भाग की कुंजी जी है प्रमुख)। यदि प्रदर्शनी में मुख्य भाग छोटा है, तो द्वितीयक भाग को समानांतर मेजर में प्रस्तुत किया जाता है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी माइनर में है, तो द्वितीयक भाग की कुंजी ई फ्लैट मेजर में है)। मुख्य और द्वितीयक लॉट के बीच या तो एक छोटा बंडल या एक लिंकिंग पार्टी रखी जाती है। एक स्वतंत्र, मधुर राहत विषय यहां दिखाई दे सकता है, लेकिन मुख्य भाग के विषय के स्वर अधिक बार उपयोग किए जाते हैं। लिंक वाला हिस्सा साइड वाले हिस्से में संक्रमण की भूमिका निभाता है, यह साइड वाले हिस्से की कुंजी में बदल जाता है। इस प्रकार, तानवाला स्थिरता बिगड़ा हुआ है। अफवाह कुछ नए "संगीत कार्यक्रम" की शुरुआत की उम्मीद करने लगती है। यह पक्ष पार्टी के विषय के उद्भव के रूप में सामने आता है। कभी-कभी प्रदर्शनी एक परिचय से पहले हो सकती है। और साइड गेम के बाद, या तो एक छोटा निष्कर्ष या एक संपूर्ण अंतिम गेम, अक्सर एक स्वतंत्र विषय के साथ, लगता है। इस तरह से प्रदर्शनी समाप्त होती है, पार्श्व भाग की तानवाला को मजबूत करती है। संगीतकार के निर्देश पर पूरी प्रदर्शनी को दोहराया जा सकता है। विकास सोनाटा रूप का दूसरा खंड है। इसमें, प्रदर्शनी से परिचित विषय नए संस्करणों में दिखाई देते हैं, वैकल्पिक और विभिन्न तरीकों से तुलना करते हैं। इस तरह की बातचीत में अक्सर पूरे विषय शामिल नहीं होते हैं, लेकिन मकसद और वाक्यांश उनसे अलग होते हैं। यही है, विकास में विषय हैं, जैसे कि, अलग-अलग तत्वों में विभाजित, उनमें निहित ऊर्जा को प्रकट करना। इसी समय, स्वरों का लगातार परिवर्तन होता है (मुख्य स्वर शायद ही कभी और संक्षेप में यहां छुआ जाता है)। विभिन्न स्वरों में प्रकट होकर, विषयों और उनके तत्वों को एक नए तरीके से प्रकाशित किया जाता है, नए दृष्टिकोण से दिखाया जाता है। एक बार जब विकास में विकास चरम सीमा पर महत्वपूर्ण तनाव तक पहुँच जाता है, तो इसका पाठ्यक्रम दिशा बदल देता है। इस खंड के अंत में, मुख्य कुंजी पर वापसी तैयार की जाती है, और पुनरावृत्ति की बारी आती है। सोनाटा फॉर्म का तीसरा खंड रीप्राइज है। यह मुख्य भाग की मुख्य कुंजी की वापसी के साथ शुरू होता है। कनेक्टिंग पार्टी एक नई कुंजी की ओर नहीं ले जाती है। इसके विपरीत, यह मुख्य स्वर को पुष्ट करता है जिसमें द्वितीयक और अंतिम दोनों भागों को अब दोहराया जाता है। तो आश्चर्य, अपनी तानवाला स्थिरता के साथ, विकास की अस्थिर प्रकृति को संतुलित करता है और संपूर्ण को एक उत्कृष्ट सामंजस्य प्रदान करता है। कभी-कभी अंतिम निर्माण - कोडा (लैटिन शब्द "पूंछ" से व्युत्पन्न) द्वारा पुनरावर्तन को पूरक किया जा सकता है। इसलिए, जब एक फ्यूगू लगता है, तो हमारा ध्यान एक विषय द्वारा सन्निहित एक संगीत विचार को सुनने, सोचने और महसूस करने पर केंद्रित होता है। जब एक टुकड़ा सोनाटा रूप में खेला जाता है, तो हमारे कान दो मुख्य (और पूरक) विषयों के जुड़ाव और बातचीत का पालन करते हैं - जैसे कि विभिन्न संगीत कार्यक्रमों का विकास, संगीत क्रिया। इन दो संगीत रूपों की कलात्मक संभावनाओं के बीच यही मुख्य अंतर है। शास्त्रीय सोनाटा (सोनाटा-सिम्फोनिक) चक्र। अठारहवीं शताब्दी के अंतिम तीसरे के आसपास, शास्त्रीय सोनाटा चक्र ने अंततः संगीत में आकार ले लिया। पहले, सूट के रूप में वाद्य कार्यों का प्रभुत्व था, जहां धीमी और तेज भागों को वैकल्पिक किया गया था, और पुराने सोनाटा का रूप, जो इसके करीब था। अब, शास्त्रीय सोनाटा चक्र में, भागों की संख्या सटीक रूप से निर्धारित की गई है (आमतौर पर तीन या चार), लेकिन उनकी सामग्री अधिक जटिल हो गई है। पहला आंदोलन आमतौर पर सोनाटा रूप में लिखा जाता है, जिसकी चर्चा पिछले पैराग्राफ में की गई थी। वह तेज या मध्यम तेज गति से चलती है। सबसे अधिक बार यह A11eggo है। इसलिए, इस तरह के हिस्से को आमतौर पर सोनाटा रूपक कहा जाता है। इसमें संगीत अक्सर एक ऊर्जावान, प्रभावी चरित्र, अक्सर तनावपूर्ण, नाटकीय होता है। दूसरा आंदोलन हमेशा गति और सामान्य चरित्र में पहले के विपरीत होता है। अक्सर यह धीमा, सबसे गेय और मधुर होता है। लेकिन यह अलग हो सकता है, उदाहरण के लिए, एक इत्मीनान से वर्णन या नृत्य-सुंदर के समान। तीन-भाग चक्र में, अंतिम, तीसरा भाग, समापन फिर से तेज होता है, आमतौर पर अधिक तेज, लेकिन तुलना में विकास में कम आंतरिक रूप से तनावपूर्ण होता है पहले के साथ। शास्त्रीय सोनाटा चक्रों (विशेष रूप से सिम्फनी) के फाइनल में अक्सर भीड़-भाड़ वाली उत्सव की मस्ती के चित्र होते हैं, और उनके विषय लोक गीतों और नृत्यों के करीब होते हैं। इस मामले में, रोंडो आकार (फ्रांसीसी "रोंडे" - "सर्कल" से) का अक्सर उपयोग किया जाता है। जैसा कि आप जानते हैं, यहां पहला खंड (बचाव) कई बार दोहराया जाता है, नए खंडों (एपिसोड) के साथ बारी-बारी से। 21 www.classON.ru रूस में बच्चों की कला शिक्षा उनका पहला ओपेरा? 3. शास्त्रीय शैली कब तक परिपक्व हुई और संगीत में किस समय तक हावी रही? "क्लासिक" की परिभाषा के दो अर्थों के बीच अंतर स्पष्ट करें। 4. फ्यूग्यू और सोनाटा फॉर्म के बीच सामान्य निर्माण में क्या समानताएं हैं? उनके बीच मुख्य अंतर क्या है? 5. सोनाटा रूप के मुख्य और अतिरिक्त खंड क्या हैं? इसका आरेख बनाइए। 6. सोनाटा के रूप के मुख्य और द्वितीयक भाग एक दूसरे से उसके प्रदर्शन और उसके पुनरावर्तन में कैसे संबंधित हैं? 7. सोनाटा रूप में विकास के लिए विशिष्ट क्या है? 8. शास्त्रीय सोनाटा चक्र के भागों का वर्णन करें। 9. कलाकारों की संरचना के आधार पर शास्त्रीय सोनाटा चक्रों के मुख्य प्रकारों के नाम बताइए। यह सब चार-भाग चक्रों के कई फाइनल को भी अलग करता है। लेकिन उनमें चरम भागों (पहले और चौथे) के बीच में दो मध्य भाग रखे जाते हैं। एक - धीमा - आमतौर पर सिम्फनी में दूसरा और चौकड़ी में तीसरा होता है। अठारहवीं शताब्दी की शास्त्रीय सिम्फनी का तीसरा आंदोलन मिनुएट है, जो चौकड़ी में दूसरे स्थान पर आता है। तो, हमने "सोनाटा", "चौकड़ी", "सिम्फनी" शब्दों का उल्लेख किया। इन चक्रों के बीच का अंतर कलाकारों की संरचना पर निर्भर करता है। एक विशेष स्थान सिम्फनी से संबंधित है - ऑर्केस्ट्रा के लिए एक टुकड़ा जिसका उद्देश्य कई श्रोताओं के सामने एक बड़े कमरे में प्रदर्शन करना है। इस अर्थ में, सिम्फनी संगीत कार्यक्रम के करीब है - एक ऑर्केस्ट्रा के साथ एकल वाद्य यंत्र के लिए तीन-भाग का काम। सबसे आम कक्ष वाद्य चक्र सोनाटा (एक या दो उपकरणों के लिए), तिकड़ी (तीन उपकरणों के लिए), चौकड़ी (चार उपकरणों के लिए), पंचक (पांच उपकरणों के लिए) 19 हैं। सोनाटा रूप और सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र, संगीत में संपूर्ण शास्त्रीय शैली की तरह, 18 वीं शताब्दी में बनाया गया था, जिसे "ज्ञान का युग" (या "ज्ञान का युग") कहा जाता है, साथ ही साथ "आयु" कारण"। इस सदी में, विशेष रूप से इसके दूसरे भाग में, तथाकथित "थर्ड एस्टेट" के प्रतिनिधियों को कई यूरोपीय देशों में पदोन्नत किया गया था। ये वे लोग थे जिनके पास बड़प्पन या पादरियों की कोई उपाधि नहीं थी। उन्होंने अपनी सफलताओं का श्रेय अपने काम और पहल को दिया। उन्होंने "प्राकृतिक मनुष्य" के आदर्श की घोषणा की, जिसे प्रकृति ने स्वयं रचनात्मक ऊर्जा, उज्ज्वल दिमाग और गहरी भावनाओं से संपन्न किया। यह आशावादी लोकतांत्रिक आदर्श संगीत और कला और साहित्य के अन्य रूपों में अपने तरीके से परिलक्षित होता था। उदाहरण के लिए, प्रबुद्धता की शुरुआत में मानव मन और अथक हाथों की जीत को 1719 में प्रकाशित अंग्रेजी लेखक डैनियल डेफो, द लाइफ एंड अमेजिंग एडवेंचर्स ऑफ रॉबिन्सन क्रूसो के प्रसिद्ध उपन्यास द्वारा महिमामंडित किया गया था। जोज़ेफ़ हेडन १७३२-१८०९ संगीत में शास्त्रीय शैली अपनी परिपक्वता और जोसेफ हेडन, वोल्फगैंग एमेडियस मोजार्ट और लुडविग वैन बीथोवेन के कार्यों में उच्च फूल तक पहुंच गई। उनमें से प्रत्येक के जीवन और कार्य ने ऑस्ट्रिया की राजधानी वियना में एक लंबा समय बिताया। इसलिए, हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन को विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। ऑस्ट्रिया एक बहुराष्ट्रीय साम्राज्य था। इसमें ऑस्ट्रियाई लोगों के साथ, जिनकी मूल भाषा जर्मन है, हंगरी और विभिन्न स्लाव लोग रहते थे, जिनमें चेक, सर्ब, क्रोट शामिल थे। उनके गीत और प्रश्न और कार्य 1. १८वीं शताब्दी के हास्य ओपेरा की राष्ट्रीय किस्मों के नाम लिखिए। इतालवी ओपेरा बफा के निर्माण और फ्रांसीसी कॉमिक ओपेरा के निर्माण में क्या अंतर है? 2. महान ऑपरेटिव सुधारक क्रिस्टोफ विलीबाल्ड ग्लक की गतिविधि किन देशों और शहरों से जुड़ी हुई थी? उन्होंने किस प्लॉट पर लिखा?अन्य चैम्बर एनसेम्बल इंस्ट्रुमेंटल साइकल का नाम - सेक्सेट (6), सेप्टेट (7), ऑक्टेट (8), नोनेट (9), डेसीमेट (10)। "कक्ष संगीत" की परिभाषा इतालवी शब्द "कैमरा" - "कमरा" से आई है। 19 वीं शताब्दी तक, कई वाद्ययंत्रों की रचनाएँ अक्सर घर पर की जाती थीं, अर्थात उन्हें "कमरे के संगीत" के रूप में समझा जाता था। 19 22 www.classON.ru रूसी कला नृत्य की धुन के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा को गांवों और शहरों दोनों में सुना जा सकता था। वियना में, लोक संगीत हर जगह बजता था - केंद्र में और बाहरी इलाके में, सड़कों के चौराहे पर, सार्वजनिक उद्यानों और पार्कों में, रेस्तरां और पब में, अमीर और गरीब निजी घरों में। वियना भी पेशेवर संगीत संस्कृति का एक प्रमुख केंद्र था जो शाही दरबार, कुलीन 1 के चैपल और कुलीन सैलून, कैथेड्रल और चर्चों के आसपास केंद्रित था। ऑस्ट्रियाई राजधानी में, इतालवी ओपेरा-सीरिया की खेती लंबे समय से की जाती है, यहां, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, ग्लक ने अपना ऑपरेटिव सुधार शुरू किया। दरबार के उत्सवों में संगीत बहुतायत से होता था। लेकिन विनीज़ भी स्वेच्छा से संगीत के साथ मीरा शो में शामिल हुए, जिससे सिंगस्पिल्स का जन्म हुआ, और उन्हें नृत्य करना बहुत पसंद था। तीन महान विनीज़ संगीत क्लासिक्स में से, हेडन सबसे पुराना है। मोजार्ट के जन्म के समय वह 24 वर्ष का था और बीथोवेन के जन्म के समय 38 वर्ष का था। हेडन ने एक लंबा जीवन जिया। वह लगभग दो दशकों तक शुरुआती मृतक मोजार्ट से बच गया और तब भी जीवित था जब बीथोवेन ने पहले ही अपने अधिकांश परिपक्व कार्यों का निर्माण कर लिया था। निजी राजसी रंगमंच के लिए, उन्होंने सेरिया, बफा की शैलियों में दो दर्जन से अधिक ओपेरा लिखे, साथ ही कठपुतली द्वारा किए गए प्रदर्शन के लिए कई "कठपुतली" ओपेरा भी लिखे। लेकिन उनके मुख्य रचनात्मक हितों और उपलब्धियों का क्षेत्र सिम्फोनिक और चैम्बर 2 वाद्य संगीत है। कुल मिलाकर, ये ८०० से अधिक रचनाएँ हैं३। उनमें से, 100 से अधिक सिम्फनी, 80 से अधिक स्ट्रिंग चौकड़ी और 60 से अधिक क्लैवियर सोनाटा विशेष रूप से महत्वपूर्ण हैं। उनके परिपक्व नमूनों में, महान ऑस्ट्रियाई संगीतकार के आशावादी दृष्टिकोण को सबसे बड़ी पूर्णता, चमक और मौलिकता के साथ प्रकट किया गया था। केवल कभी-कभी यह उज्ज्वल दृष्टिकोण एक उदास मनोदशा से निर्धारित होता है। वे हमेशा हेडन के जीवन के अटूट प्रेम, उत्सुक अवलोकन, हंसमुख हास्य, सरल, स्वस्थ और साथ ही आसपास की वास्तविकता की काव्यात्मक धारणा से दूर हो जाते हैं। जीवन पथ प्रारंभिक बचपन। रोरौ और हैनबर्ग। फ्रांज जोसेफ हेडन का जन्म 1732 में ऑस्ट्रिया के पूर्व में स्थित रोरौ गांव में हंगेरियन सीमा के पास और वियना से ज्यादा दूर नहीं हुआ था। हेडन के पिता एक कुशल कोचमैन थे, उनकी माँ ने रोरौ के मालिक, गिनती की संपत्ति पर एक रसोइया के रूप में काम किया। उनके सबसे बड़े बेटे जोसेफ, जिन्हें परिवार में प्यार से सेपरल कहा जाता था, को उनके माता-पिता ने शुरुआत में ही मेहनती, साफ-सुथरा और साफ-सुथरा रहना सिखाया था। हेडन के पिता नोटों को बिल्कुल नहीं जानते थे, लेकिन उन्हें वीणा बजाते हुए गाना पसंद था, खासकर जब उनके साथ। एक छोटे से घर में मेहमान इकट्ठे हुए। सेपरल ने एक स्पष्ट, सुरीली आवाज के साथ गाया, संगीत के लिए एक अद्भुत कान का खुलासा किया। और जब लड़का केवल पाँच वर्ष का था, तो उसे पड़ोसी शहर हैनबर्ग में एक दूर के रिश्तेदार के पास भेजा गया, जो चर्च स्कूल और गाना बजानेवालों का नेतृत्व करता था। हैनबर्ग में, सेपरल ने गाना बजानेवालों में पढ़ना, लिखना, गिनना, गाना सीखा, और क्लैविकॉर्ड और वायलिन बजाने के कौशल में भी महारत हासिल करना शुरू कर दिया। लेकिन एक अजीब परिवार में उनके लिए जीवन आसान नहीं था। वर्षों बाद, उन्होंने याद किया कि उस समय उन्हें "भोजन से अधिक मैलेट" प्राप्त हुए थे। जैसे ही सेपरल हैनबर्ग पहुंचे, उन्हें बताया गया कि संगीत के साथ उसी चर्च जुलूस में भाग लेने के लिए टिमपनी को कैसे हराया जाए। लड़के ने एक छलनी ली, उसके ऊपर कपड़े का एक टुकड़ा खींचा और लगन से व्यायाम करने लगा। उन्होंने सफलतापूर्वक अपने कार्य का सामना किया। जुलूस का आयोजन करते समय ही उन्हें बहुत छोटे कद के व्यक्ति की पीठ पर वाद्य यंत्र टांगना पड़ता था। और वह कुबड़ा था, जिसने दर्शकों को हंसाया। वियना के सेंट स्टीफंस कैथेड्रल के चैपल में। पारगमन में हैनबर्ग का दौरा करते हुए, विनीज़ कैथेड्रल कंडक्टर और कोर्ट संगीतकार जॉर्ज रॉयटर ने उत्कृष्ट संगीत क्षमता की ओर ध्यान आकर्षित किया, हेडन एक ईमानदारी से धार्मिक व्यक्ति थे। वह आध्यात्मिक ग्रंथों पर कई जनसमूह और अन्य मुखर और वाद्य कार्यों के लेखक हैं। 23 www.classON.ru रूस सेपरल में बच्चों की कला शिक्षा। इसलिए १७४० में आठ वर्षीय हेडन ने खुद को ऑस्ट्रिया की राजधानी में पाया, जहां उन्हें सेंट स्टीफन के कैथेड्रल (मुख्य) कैथेड्रल के चैपल में एक कोरिस्टर के रूप में स्वीकार किया गया था। खुद कर रहा हूँ। स्वतंत्र जीवन की कठिन शुरुआत। जब, अठारह वर्ष की आयु तक, युवक की आवाज टूटने लगी - यह अस्थायी रूप से कर्कश हो गई और लचीलापन खो दिया, उसे बेरहमी से और बेरहमी से चैपल से बाहर निकाल दिया गया। आश्रय और साधनों के बिना खुद को पाकर, वह भूख और ठंड से मर सकता था, अगर उसे कुछ समय के लिए एक परिचित गायक द्वारा आश्रय नहीं दिया गया था, जो अपनी पत्नी और बच्चे के साथ छत के नीचे एक छोटे से कमरे में रहता था। हेडन ने किसी भी संगीतमय काम को करना शुरू कर दिया: उन्होंने नोटों को फिर से लिखा, गायन में पेनी सबक दिया, क्लैवियर बजाना, स्ट्रीट वाद्य यंत्रों में एक वायलिन वादक के रूप में भाग लिया, जो किसी भी शहरवासी के सम्मान में रात में सेरेनेड का प्रदर्शन करता था। अंत में वह वियना के केंद्र में एक घर की छठी और आखिरी मंजिल पर एक छोटा कमरा किराए पर लेने में सक्षम था। कमरे से हवा चली, चूल्हा नहीं था, और सर्दियों में पानी अक्सर जम जाता था। हेडन दस साल तक ऐसी ही दुर्दशा में रहे। लेकिन वे निराश नहीं हुए और उत्साहपूर्वक अपनी पसंदीदा कला में लगे रहे। "जब मैं अपने बूढ़े, कीड़े-मकोड़े खाकर बैठ गया," उन्होंने बुढ़ापे में याद किया, "मैंने किसी राजा की खुशी से ईर्ष्या नहीं की।" हेडन को अपने जीवंत, हंसमुख चरित्र से रोजमर्रा की कठिनाइयों को दूर करने में मदद मिली। एक बार, उदाहरण के लिए, रात में उन्होंने अपने साथी संगीतकारों को वियना की सड़कों में से एक पर एकांत कोने में रखा, और उनके संकेत पर सभी ने जो कुछ भी पसंद किया वह खेलना शुरू कर दिया। परिणाम एक "बिल्ली संगीत कार्यक्रम" था, जिससे आसपास के निवासियों में हलचल मच गई। दो संगीतकारों को पुलिस के पास ले जाया गया, लेकिन निंदनीय "सेरेनेड" के भड़काने वाले को दूर नहीं किया गया। लोकप्रिय हास्य अभिनेता से मिलने के बाद, हेडन ने लंगड़ा दानव सिंगस्पील की रचना करने के लिए उनके साथ सहयोग किया और एक छोटी राशि अर्जित की। , एक फुटमैन के रूप में उनकी सेवा की। धीरे-धीरे हेडन ने एक शिक्षक और संगीतकार दोनों के रूप में वियना में ख्याति प्राप्त करना शुरू कर दिया। वह प्रसिद्ध लोगों से मिले; संगीतकार और संगीत प्रेमी। एक प्रमुख अधिकारी के घर पर, उन्होंने चैम्बर पहनावा के प्रदर्शन में भाग लेना शुरू किया और अपने देश की संपत्ति पर संगीत कार्यक्रमों के लिए अपनी पहली स्ट्रिंग चौकड़ी बनाई। हेडन ने अपनी पहली सिम्फनी 1759 में लिखी, जब उन्हें अपने निपटान में एक छोटा ऑर्केस्ट्रा मिला, जो काउंट मॉर्सिन के चैपल का प्रमुख बन गया। गिनती ने अपने स्थान पर केवल एकल संगीतकारों को रखा। एक विनीज़ हेयरड्रेसर की बेटी से शादी करने वाले हेडन को इसे गुप्त रखना पड़ा। लेकिन यह केवल 1760 तक जारी रहा, जब वियना में, शानदार इमारतों और स्थापत्य कलाकारों के साथ एक बड़ा खूबसूरत शहर, लड़के पर नए ज्वलंत छापों की एक लहर बह गई। चारों ओर बहुराष्ट्रीय लोक संगीत बज रहा था। गिरजाघर में और शाही दरबार में, जहाँ चैपल ने भी प्रदर्शन किया, गंभीर मुखर और वाद्य कार्य किए गए। लेकिन अस्तित्व की स्थितियां फिर से कठिन हो गईं। क्लासेज, रिहर्सल और परफॉर्मेंस में बॉयज-कोरिस्ट काफी थके हुए थे। उन्हें कम खिलाया जाता था, वे लगातार आधे भूखे रहते थे। उन्हें उनके मज़ाक के लिए कड़ी सजा दी गई थी। लिटिल हेडन ने गायन, क्लैवियर और वायलिन बजाने की कला का परिश्रमपूर्वक अध्ययन करना जारी रखा और वह वास्तव में संगीत रचना करना चाहते थे। हालांकि, रॉयटर ने इस पर ध्यान नहीं दिया। अपने स्वयं के व्यवसाय में बहुत व्यस्त, उन्होंने हेडन के चैपल में रहने के सभी नौ वर्षों में उन्हें केवल दो रचना पाठ दिए। लेकिन यूसुफ ने हठपूर्वक अपने लक्ष्य का पीछा किया, लगन से। कई वर्षों बाद उन्होंने "द न्यू लेम डेविल" नामक एक और गीत लिखा। 20 24 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, गिनती के भौतिक मामलों को हिलाकर रख दिया और उन्होंने अपने चैपल को खारिज कर दिया। हेडन की शादी असफल रही। उनका चुना हुआ एक कठिन, झगड़ालू चरित्र से प्रतिष्ठित था। वह अपने पति के रचना मामलों में बिल्कुल भी दिलचस्पी नहीं ले रही थी - इस हद तक कि उसने अपने कामों की पांडुलिपियों से पैपिलोट्स और पाटे के लिए पेटी बनाई। कुछ साल बाद हेडन अपनी पत्नी से अलग रहने लगे। उनके कोई संतान नहीं थी। एस्टरहाज़ी के राजकुमारों के चैपल में। १७६१ में, एक धनी हंगेरियन; प्रिंस पाल एंटल एस्टरहाज़ी ने हेडन को वाइस कपेलमिस्टर के रूप में ईसेन स्टैड को आमंत्रित किया। उसी क्षण से, एस्टरहाज़ी परिवार के साथ हेडन की सेवा शुरू हुई, जो तीन दशकों तक चली। पांच साल बाद, वह इस पद पर रहने वाले एक बुजुर्ग संगीतकार की मृत्यु के बाद कपेलमिस्टर बन गए। पाला अंतला के उत्तराधिकारी, जिनकी 1762 में मृत्यु हो गई, उनके भाई मायक्लोस 1, का नाम मैग्निफिकेंट रखा गया, जो विलासिता और महंगे मनोरंजन के प्रति प्रतिबद्धता से प्रतिष्ठित थे। कुछ साल बाद, उन्होंने अपने निवास को ईसेनस्टेड से 126 कमरों के एक नए देश के महल में स्थानांतरित कर दिया, इसे एक विशाल पार्क से घेर लिया, 400 सीटों के साथ एक ओपेरा हाउस और पास में एक कठपुतली थियेटर का निर्माण किया, और चैपल में संगीतकारों की संख्या में काफी वृद्धि की। . इसमें काम करने से हेडन को अच्छी सामग्री का समर्थन मिला, और इसके अलावा, अपने नए कार्यों के आर्केस्ट्रा प्रदर्शन को निर्देशित करते हुए, बहुत कुछ लिखने और तुरंत अभ्यास में खुद को परखने का अवसर मिला। एस्टरहेज़ में (जैसा कि नई रियासत कहा जाता था), अक्सर भीड़ भरे स्वागत समारोह आयोजित किए जाते थे, अक्सर उच्च रैंकिंग वाले विदेशी मेहमानों की भागीदारी के साथ। इसके लिए धन्यवाद, हेडन का काम धीरे-धीरे ऑस्ट्रिया के बाहर जाना जाने लगा। लेकिन इस सब में, जैसा कि वे कहते हैं, और सिक्के का दूसरा पहलू भी था। सेवा में प्रवेश करने पर, हेडन ने एक अनुबंध पर हस्ताक्षर किए, जिसके अनुसार वह एक प्रकार का संगीत सेवक बन गया। हर दिन, रात के खाने से पहले और बाद में, राजकुमार के आदेशों को सुनने के लिए, उसे एक पाउडर विग और सफेद मोज़ा में महल के सामने उपस्थित होना पड़ता था। अनुबंध ने हेडन को तत्काल "कोई भी संगीत लिखने के लिए बाध्य किया, जो उनकी आधिपत्य की इच्छा है, किसी को कोई नई रचना नहीं दिखाने के लिए, और इससे भी अधिक किसी को भी उन्हें लिखने की अनुमति नहीं देने के लिए, लेकिन उन्हें पूरी तरह से अपने प्रभुत्व के लिए रखने के लिए और कुछ भी लिखने के लिए नहीं किसी के लिए भी उसकी जानकारी और अनुग्रह की अनुमति के बिना। ”… इसके अलावा, हेडन को चैपल में आदेश और संगीतकारों के व्यवहार का पालन करना, गायकों को सबक देना और उपकरणों और नोट्स की सुरक्षा के लिए जिम्मेदार होना आवश्यक था। वह किसी महल में नहीं रहता था, बल्कि पड़ोस के गाँव में, एक छोटे से घर में रहता था। ईसेनस्टेड से, रियासत सर्दियों में वियना चली जाती थी। और एस्टरहाज़ा से हेडन कभी-कभार ही राजकुमार के साथ या विशेष अनुमति से राजधानी तक पहुँच सकते थे। Eisenstadt और Esterhase में बिताए गए वर्षों में, हेडन एक शुरुआती संगीतकार से एक महान संगीतकार के रूप में चले गए, जिसका काम उच्च कलात्मक पूर्णता तक पहुंच गया और न केवल ऑस्ट्रिया में, बल्कि इसकी सीमाओं से परे भी मान्यता प्राप्त हुई। इस प्रकार, छह "पेरिसियन सिम्फनीज़" (नंबर 82-87) उनके द्वारा फ्रांस की राजधानी से आदेश द्वारा लिखे गए थे, जहां उन्हें 1786 में सफलता के साथ प्रदर्शित किया गया था। वियना में वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट के साथ हेडन की मुलाकात 1780 के दशक की है। दोनों महान संगीतकारों के काम पर मैत्रीपूर्ण तालमेल का लाभकारी प्रभाव पड़ा। समय के साथ, हेडन अपनी आश्रित स्थिति के बारे में अधिक जागरूक हो गए। 1790 की पहली छमाही में लिखे गए वियना में एस्टरहाज़ी के दोस्तों को लिखे गए उनके पत्रों में ऐसे वाक्यांश हैं: "अब - मैं अपने जंगल में बैठता हूं - परित्यक्त - एक गरीब अनाथ की तरह - लगभग लोगों की कंपनी के बिना - उदास ... एस्टरहाज़ी के अंतिम राजकुमारों के पास विशाल सम्पदा थी, उनके पास कई नौकर थे और उन्होंने अपने महलों में शाही जीवन के समान जीवन व्यतीत किया। विशेष २५ www.classON.ru दिनों तक रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा मुझे नहीं पता था कि मैं कंडक्टर था या कंडक्टर ... हर समय गुलाम रहना दुखद है ... ”भाग्य में एक नया मोड़ . इंग्लैंड की यात्रा। 1790 के पतन में मिक्लोस एस्टरहाज़ी की मृत्यु हो गई। वह एक प्रबुद्ध संगीत प्रेमी थे, उन्होंने स्ट्रिंग वाद्ययंत्र बजाया और मदद नहीं कर सके लेकिन हेडन जैसे "संगीत सेवक" की अपने तरीके से सराहना की। राजकुमार ने उन्हें एक बड़ी आजीवन पेंशन दी। संगीत के प्रति उदासीन मिक्लोस के उत्तराधिकारी अंटल ने चैपल को खारिज कर दिया। लेकिन चाहते थे कि प्रसिद्ध संगीतकार को उनके कोर्ट बैंडमास्टर के रूप में सूचीबद्ध किया जाए, उन्होंने हेडन को नकद भुगतान भी बढ़ा दिया, जो इस प्रकार, आधिकारिक कर्तव्यों से मुक्त हो गए और खुद को पूरी तरह से निपटा सकते थे। हेडन संगीत रचना करने के इरादे से वियना चले गए, और पहले तो उन्होंने अन्य देशों की यात्रा करने के प्रस्तावों से इनकार कर दिया। लेकिन फिर वह इंग्लैंड की लंबी यात्रा करने के प्रस्ताव पर सहमत हुए और 1791 की शुरुआत में लंदन पहुंचे। इसलिए, पहले से ही अपने साठवें जन्मदिन के करीब, हेडन ने पहली बार समुद्र को अपनी आँखों से देखा और पहली बार खुद को दूसरे राज्य में पाया। ऑस्ट्रिया के विपरीत, जो अभी भी अपने क्रम में सामंती-कुलीन था, इंग्लैंड लंबे समय से एक बुर्जुआ देश था, और संगीत सहित, जनता, लंदन में जीवन वियना से बहुत अलग था। लंदन में, कई औद्योगिक और वाणिज्यिक उद्यमों के साथ एक विशाल शहर, महलों और कुलीनों के सैलून में आमंत्रित चयनित व्यक्तियों के लिए संगीत कार्यक्रम प्रबल नहीं हुए, बल्कि सार्वजनिक हॉल में आयोजित किए गए, जहां हर कोई शुल्क के लिए आया था। इंग्लैंड में हेडन का नाम पहले से ही महिमा की आभा से घिरा हुआ था। प्रसिद्ध संगीतकारों और गणमान्य व्यक्तियों दोनों ने उन्हें न केवल एक समान माना, बल्कि विशेष सम्मान के साथ भी। उनके नए काम, जिसमें उन्होंने एक कंडक्टर के रूप में काम किया, उत्साह के साथ मिले और उदारता से भुगतान किया गया। हेडन ने 40-50 लोगों का एक बड़ा ऑर्केस्ट्रा आयोजित किया, जो कि एस्टरहाज़ी चैपल के आकार का दोगुना है। ऑक्सफोर्ड यूनिवर्सिटी ने उन्हें संगीत में डॉक्टरेट की मानद उपाधि से सम्मानित किया। हेडन डेढ़ साल बाद वियना लौट आए। रास्ते में उन्होंने जर्मन शहर बॉन का दौरा किया। वहां उन्होंने पहली बार युवा लुडविग वैन बीथोवेन से मुलाकात की, जो जल्द ही हेडन के साथ अध्ययन करने के इरादे से वियना चले गए। लेकिन बीथोवेन ने उनसे लंबे समय तक सबक नहीं लिया। उम्र और स्वभाव में बहुत भिन्न दो संगीत प्रतिभाओं को तब वास्तविक पारस्परिक समझ नहीं मिली। हालांकि, बीथोवेन ने प्रकाशित होने पर अपने तीन पियानो सोनाटा (नंबर 1-3) को हेडन को समर्पित कर दिया। हेडन की इंग्लैंड की दूसरी यात्रा 1794 में शुरू हुई और डेढ़ साल से भी अधिक समय तक चली। सफलता फिर से विजयी थी। बनाए गए कार्यों की भीड़ से; इन यात्राओं के दौरान और उनके संबंध में, बारह तथाकथित "लंदन सिम्फनीज़" विशेष रूप से महत्वपूर्ण थे। जीवन और कार्य के अंतिम वर्ष। एस्टरहाज़ी का अगला राजकुमार, मिक्लोस II, अपने पूर्ववर्ती की तुलना में संगीत में अधिक रुचि रखता था। इसलिए, हेडन कभी-कभी वियना से ईसेनस्टेड आने लगे और राजकुमार के आदेश पर कई लोगों को लिखा। हाल के वर्षों में संगीतकार की मुख्य कृतियाँ - दो स्मारकीय व्याख्यान "द क्रिएशन ऑफ़ द वर्ल्ड" और "द सीज़न्स" - वियना में जबरदस्त सफलता के साथ प्रदर्शित किए गए (एक 1799 में, दूसरा 1801 में)। प्राचीन अराजकता का चित्रण, जिसमें से दुनिया तब उभरती है, पृथ्वी का निर्माण, पृथ्वी पर जीवन का जन्म और मनुष्य का निर्माण - ऐसा इन भाषणों में से पहले की सामग्री है। दूसरे भाषण के चार भाग ("वसंत", "ग्रीष्मकालीन", "शरद ऋतु", "शीतकालीन") ग्रामीण प्रकृति और किसान जीवन के उपयुक्त संगीत रेखाचित्रों से बने हैं। 26 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा 1803 के बाद हेडन ने और कुछ नहीं लिखा। वह चुपचाप अपना जीवन व्यतीत करता था, महिमा और सम्मान से घिरा हुआ था। नेपोलियन युद्धों की ऊंचाई पर, 1809 के वसंत में हेडन की मृत्यु हो गई, जब फ्रांसीसी ने वियना में प्रवेश किया। सेलोस और डबल बास। वुडविंड वाद्ययंत्रों के समूह में बांसुरी, ओबो, शहनाई और बासून होते हैं। 21 हेडन के पीतल के वाद्ययंत्रों का समूह फ्रेंच हॉर्न और तुरही से बनता है, और टक्कर से उन्होंने केवल टिमपनी का इस्तेमाल किया और केवल आखिरी, बारहवीं लंदन सिम्फनी में उन्होंने एक त्रिकोण जोड़ा, झांझ और एक ढोल। प्रश्न और कार्य 1. किन तीन महान संगीतकारों को विनीज़ संगीत क्लासिक्स कहा जाता है? यह परिभाषा क्या समझाती है? 2. हमें 18वीं शताब्दी में वियना के संगीतमय जीवन के बारे में बताएं। 3. हेडन के काम में मुख्य संगीत विधाएँ क्या हैं। 4. हेडन का बचपन और युवावस्था कहाँ और कैसे थी? 5. हेडन ने अपने स्वतंत्र मार्ग की शुरुआत कैसे की? 6 .. एस्टरहाज़ी के राजकुमारों के चैपल में उनकी सेवा के दौरान हेडन का जीवन और कार्य कैसे चला गया? 7. हमें हेडन की इंग्लैंड यात्राओं और उनके जीवन के अंतिम वर्षों के बारे में बताएं। सिम्फोनिक रचनात्मकता जब 1759 में हेडन ने अपनी पहली सिम्फनी लिखी, तो इस शैली में कई काम पहले से मौजूद थे और बनाए जाते रहे। वे इटली, जर्मनी, ऑस्ट्रिया और अन्य यूरोपीय देशों में उत्पन्न हुए। 18 वीं शताब्दी के मध्य में, उदाहरण के लिए, सिम्फनी, जो जर्मन शहर मैनहेम में रचित और प्रदर्शन किया गया था, जिसमें उस समय के लिए सबसे अच्छा ऑर्केस्ट्रा था, ने सार्वभौमिक प्रसिद्धि प्राप्त की। तथाकथित "मैनहेम स्कूल" के संगीतकारों में कई चेक थे। सिम्फनी के पूर्वजों में से एक तीन-भाग इतालवी ओपेरा ओवरचर है (टेम्पो द्वारा भागों के अनुपात के साथ: "तेज़-धीमी-तेज़")। प्रारंभिक ("पूर्व-शास्त्रीय") सिम्फनी में, भविष्य की शास्त्रीय सिम्फनी का मार्ग अभी भी प्रशस्त किया जा रहा था, जिसकी विशिष्ट विशेषताएं आलंकारिक सामग्री का महत्व और रूप की पूर्णता थीं। इस रास्ते को अपनाते हुए, हेडन ने 1780 के दशक में अपनी परिपक्व सिम्फनी की रचना शुरू की। और एक ही समय में, अभी भी बहुत युवा मोजार्ट की परिपक्व सिम्फनी दिखाई दी, जो कलात्मक कौशल की ऊंचाइयों पर तेजी से आगे बढ़ रही थी। हेडन ने अपनी लंदन सिम्फनी बनाई, जिसने मोजार्ट की असामयिक मृत्यु के बाद इस शैली में उनकी उपलब्धियों का ताज पहनाया, जिसने उन्हें गहराई से हिला दिया। हेडन की परिपक्व सिम्फनी ने चार-आंदोलन चक्र की निम्नलिखित विशिष्ट संरचना की स्थापना की: एक सोनाटा रूपक, एक धीमी गति, एक मीनू और एक समापन (आमतौर पर एक रोंडो या सोनाटा रूपक के रूप में)। उसी समय, चार समूहों के वाद्ययंत्रों के ऑर्केस्ट्रा की शास्त्रीय रचना इसकी मुख्य विशेषताओं में निर्धारित की गई थी। अग्रणी समूह स्ट्रिंग समूह है। इसमें वायलिन, वायलस शामिल हैं; हेडन हमेशा शहनाई का उपयोग नहीं करते थे। यहां तक ​​कि उनके "लंदन सिम्फनीज़" में भी वे केवल पांच (बारह में से) में ही ध्वनि करते हैं। 21 27 www.classON.ru रूस में बच्चों की कला शिक्षा इस सिम्फनी को "सैन्य" के रूप में जाना जाता है। हेडन की कुछ अन्य सिम्फनी के शीर्षक भी हैं। ज्यादातर मामलों में, वे संगीतकार द्वारा स्वयं नहीं दिए जाते हैं और केवल एक विशेष विवरण को चिह्नित करते हैं, अक्सर चित्रमय, उदाहरण के लिए, "चिकन" सिम्फनी के धीमे हिस्से में क्लकिंग की नकल या "घड़ी" के धीमे हिस्से में "टिकिंग"। "सिम्फनी। एफ-शार्प माइनर में सिम्फनी के साथ एक खास कहानी जुड़ी हुई है, जिसे फेयरवेल नाम दिया गया था। इसका एक अतिरिक्त पाँचवाँ भाग है (अधिक सटीक रूप से, एडैगियो प्रकार के कोड)। इसके प्रदर्शन के दौरान, ऑर्केस्ट्रा के सदस्य एक-एक करके अपने कंसोल पर मोमबत्तियां डालते हैं, अपने वाद्ययंत्र लेते हैं और चले जाते हैं। केवल दो वायलिन वादक बचे हैं, जो चुपचाप और उदास रूप से आखिरी बार बजाना समाप्त करते हैं और चले जाते हैं। इसके लिए निम्नलिखित स्पष्टीकरण है। मानो एक गर्मियों में प्रिंस मिक्लोस I ने एस्टरहाज़ा में अपने चैपल के संगीतकारों को सामान्य से अधिक समय तक हिरासत में लिया। और वे जल्द से जल्द छुट्टी पाना चाहते थे ताकि वे अपने परिवारों को देख सकें जो ईसेनस्टेड में रहते थे। और फेयरवेल सिम्फनी के असामान्य दूसरे समापन ने इन परिस्थितियों का संकेत दिया। सिम्फनी के अलावा, हेडन के पास ऑर्केस्ट्रा के लिए कई अन्य काम हैं, जिसमें सौ से अधिक अलग-अलग मिनट शामिल हैं। और अचानक सब कुछ खुशी से बदल जाता है: सोनाटा रूपक का प्रदर्शन शुरू होता है। धीमी गति के बजाय - तेज (एलेग्रो कॉन स्पिरिटो - "फास्ट, प्रेरणा के साथ"), भारी बास यूनिसन के बजाय - उच्च रजिस्टर में जी और ए फ्लैट की समान ध्वनियों से, मोबाइल का पहला मकसद, संक्रामक रूप से हंसमुख, नृत्य विषय के मुख्य भाग का जन्म होता है। मुख्य कुंजी में निर्धारित इस विषय के सभी उद्देश्य, पहली ध्वनि की पुनरावृत्ति के साथ शुरू होते हैं - जैसे कि एक उत्कट रौंद के साथ: ई-फ्लैट प्रमुख में सिम्फनी यह हेडन द्वारा बारह "लंदन सिम्फनीज़" में से ग्यारहवां है। इसकी मुख्य कुंजी ई फ्लैट मेजर में है। इसे टिमपनी ट्रेमोलो सिम्फनी 22 के नाम से जाना जाता है। सिम्फनी चार भागों में है। पहला भाग धीमे परिचय के साथ शुरू होता है। टॉनिक के लिए ट्यून किए गए टिमपनी का कांपोलो ("बीट") चुपचाप लगता है। यह दूर की गड़गड़ाहट की तरह है। फिर परिचय का विषय चिकनी चौड़ी "लीजेज" में सामने आता है। सबसे पहले इसे सेलो, डबल बेस और बेससून द्वारा ऑक्टेव यूनिसन में बजाया जाता है। ऐसा लगता है जैसे कोई रहस्यमयी परछाईं चुपचाप तैर रही हो, कभी रुक रही हो। इसलिए वे हिचकिचाते हैं और स्थिर हो जाते हैं: परिचय के अंतिम सलाखों में, जी और ए-फ्लैट की आसन्न ध्वनियों पर कई बार एकरूपता, कान को उम्मीद करते हुए - आगे क्या होगा? तार वाले पियानो वाद्ययंत्रों द्वारा थीम के दो बार के प्रदर्शन को पूरे ऑर्केस्ट्रा में नृत्य की मस्ती की हिंसक गड़गड़ाहट से पूरित किया जाता है। यह गड़गड़ाहट तेजी से दौड़ती है, और कनेक्टिंग पार्टी में रहस्य की एक छाया फिर से प्रकट होती है। तानवाला स्थिरता बिगड़ा हुआ है। मॉड्यूलेशन बी-फ्लैट मेजर (ई-फ्लैट मेजर में प्रमुख) में होता है - साइड वाले हिस्से की कुंजी। कनेक्टिंग भाग में कोई नया विषय नहीं है, लेकिन टिमपनी विषय का मूल मकसद सुना जाता है - गोलार्द्ध त्वचा के साथ उनके ऊपर फैला हुआ है, जो दो छड़ियों से मारा जाता है। प्रत्येक गोलार्द्ध केवल एक पिच की ध्वनि उत्पन्न कर सकता है। शास्त्रीय सिम्फनी में, आमतौर पर दो गोलार्द्धों का उपयोग किया जाता है, जो टॉनिक और प्रभावशाली होते हैं। 22 28 www.classON.ru मुख्य भाग की रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा और परिचय के विषय का एक दूर का अनुस्मारक: प्रदर्शनी पक्ष भाग (बी-फ्लैट प्रमुख) की tonality की पुष्टि के साथ समाप्त होती है। प्रदर्शनी दोहराई जाती है, और आगे का विकास होता है। यह मुख्य भाग के विषय से अलग किए गए उद्देश्यों के पॉलीफोनिक अनुकरणीय और तानवाला-हार्मोनिक विकास से भरा है। साइड बैच का विषय विकास के अंत में प्रकट होता है। यह पूरी तरह से डी फ्लैट मेजर की कुंजी में किया जाता है, मुख्य से बहुत दूर, यानी ऐसा प्रतीत होता है जैसे कि एक नई, असामान्य रोशनी में। और एक दिन (फरमेटा के साथ एक सामान्य विराम के बाद) बास में रहस्यमय परिचय के स्वर दिखाई देते हैं। विकास मुख्य रूप से पियानो और पियानोसिमो लगता है, और केवल कभी-कभी - sforzando के व्यक्तिगत उच्चारण के साथ फोर्ट और फोर्टिसिमो। यह रहस्य की छाप को बढ़ाता है। उनके विकास में मुख्य भाग के विषय से मकसद कभी-कभी एक शानदार नृत्य जैसा दिखता है। कोई कल्पना कर सकता है कि यह किसी रहस्यमयी रोशनी का नृत्य है, जो कभी-कभी चमकीला चमकता है। ई-फ्लैट मेजर की कुंजी में न केवल मुख्य भाग, बल्कि साइड भाग को भी दोहराया जाता है, और कनेक्टिंग भाग को छोड़ दिया जाता है। कोड में कुछ रहस्य प्रकट होता है। यह शुरू होता है, परिचय की तरह, एडैगियो की गति के साथ, टिमपनी के शांत कंपन, और एकसमान की धीमी चाल के साथ। लेकिन जल्द ही, पहले आंदोलन के अंत में, तेज गति, तेज स्वर और हंसमुख नृत्य "स्टॉम्पिंग" वापस आ जाता है। सिम्फनी का दूसरा आंदोलन - एंडांटे - दो विषयों पर भिन्नता है - सी माइनर में एक गाना और सी मेजर में एक गाना और मार्च। इन तथाकथित दोहरे रूपों का निर्माण इस प्रकार है: पहले और दूसरे विषय प्रस्तुत किए जाते हैं, फिर अनुसरण करते हैं: पहले विषय का पहला रूपांतर, दूसरे विषय का पहला रूपांतर, पहले विषय का दूसरा रूपांतर, दूसरा दूसरे विषय की सामग्री के आधार पर दूसरे विषय और कोड की भिन्नता। आज तक, शोधकर्ता पहले विषय की राष्ट्रीयता के बारे में तर्क देते हैं। क्रोएशियाई संगीतकारों का मानना ​​​​है कि यह एक क्रोएशियाई लोक गीत है, और हंगेरियन संगीतकारों का मानना ​​​​है कि यह एक हंगेरियन गीत है। सर्ब, बल्गेरियाई, डंडे भी इसमें अपनी राष्ट्रीय विशेषताएं पाते हैं। इस विवाद को निश्चित रूप से हल नहीं किया जा सकता है, क्योंकि साइड पार्ट की ऐसी थीम की रिकॉर्डिंग फिर से एक मजेदार डांस है। लेकिन मुख्य पार्टी की तुलना में, वह इतनी ऊर्जावान नहीं है, बल्कि अधिक सुंदर, स्त्री है। राग वायलिन द्वारा ओबो के साथ बजाया जाता है। एक विशिष्ट वाल्ट्ज संगत इस विषय को लैंडर के करीब लाती है - ऑस्ट्रियाई और दक्षिण जर्मन नृत्य, वाल्ट्ज के पूर्वजों में से एक: 29 www.classON.ru एक पुराने राग और उसके शब्दों की रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा नहीं रही है मिला। जाहिर है, इसमें कई स्लाव और हंगेरियन धुनों की विशेषताएं विलीन हो गईं; यह, विशेष रूप से, बढ़े हुए सेकंड (ई-फ्लैट - फैडीज़) के लिए एक तरह का कदम है: दूसरे विषय के रूपांतर वीर मार्चिंग गति को फिर से शुरू करते हैं, जो कि कलाप्रवीण व्यक्ति मार्ग से अलंकृत होते हैं - बांसुरी की कृपा। और बड़े कोड में, "म्यूजिकल इवेंट्स" के विकास में अप्रत्याशित मोड़ आते हैं। सबसे पहले, मार्चिंग थीम एक सौम्य, पारदर्शी ध्वनि में बदल जाती है। फिर बिंदीदार लय के साथ इससे अलग एक मकसद तीव्रता से विकसित होता है। यह ई-फ्लैट मेजर में कुंजी की अचानक उपस्थिति की ओर जाता है, जिसके बाद सी मेजर में मार्चिंग थीम का अंतिम प्रदर्शन उज्ज्वल और गंभीर रूप से लगता है। सिम्फनी का तीसरा आंदोलन - मिनुएट - मूल रूप से एक उच्च समाज नृत्य के औपचारिक चलने को जोड़ती है जिसमें माधुर्य में व्यापक छलांग और तालमेल होता है: मेलोडी और दूसरा, प्रमुख विषय। पहले के साथ तुलना में, साथ ही साथ इसके साथ कुछ समानता है - चौथी बीट, माधुर्य की आरोही और फिर अवरोही दिशा और बढ़ी हुई IV डिग्री (fadiez): इस सनकी विषय में चिकनी, शांत गति पर जोर दिया गया है तिकड़ी - पहले खंड और उसके सटीक दोहराव के बीच स्थित मिनुएट का मध्य खंड23: पियानो और पियानोसिमो स्ट्रिंग्स के साथ पहली थीम की प्रस्तुति कुछ असामान्य घटनाओं के बारे में एक कहानी की शुरुआत की तरह एक इत्मीनान से कथन की तरह लगती है। उनमें से पहला दूसरे, मार्चिंग थीम की अचानक जोरदार प्रस्तुति प्रतीत हो सकता है, जिसमें स्ट्रिंग समूह में पवन यंत्र जोड़े जाते हैं। पहले विषय के पहले रूपांतर में कथा स्वर को बरकरार रखा गया है। लेकिन शोकाकुल और सावधान आवाजें इसकी आवाज में शामिल हो जाती हैं। दूसरे विषय के पहले संस्करण में, एकल वायलिन राग को सनकी पैटर्न वाले अंशों के साथ रंग देता है। पहले विषय के दूसरे रूपांतर में, कथा अचानक एक तूफानी, उत्तेजित चरित्र पर ले जाती है (टिम्पनी सहित सभी उपकरणों का उपयोग किया जाता है)। दूसरे में, मिनुएट (या बल्कि, 1 वर्ण में इसके अत्यधिक सूक्ष्म रूप से विचित्र खंड) लोक-रोजमर्रा के विषयों के विपरीत है, एक ओर, सिम्फनी के पहले और दूसरे भाग, और दूसरी ओर, इसके अंतिम, चौथा आंदोलन - समापन। यहां, जैसा कि शास्त्रीय सोनाटा रूपक में होना चाहिए, प्रदर्शनी ई फ्लैट प्रमुख की मुख्य कुंजी में मुख्य भाग प्रस्तुत करती है, बी फ्लैट प्रमुख की प्रमुख कुंजी में द्वितीयक भाग, और दोनों को फिर से ई फ्लैट में ध्वनि देता है प्रमुख। हालांकि, पार्श्व भाग में, लंबे समय तक, आर्केस्ट्रा कार्यों का मध्य खंड आमतौर पर तीन उपकरणों द्वारा किया जाता था। यहीं से "तिकड़ी" नाम आता है। 23 30 www.classON.ru बच्चों के लिए रूसी कला के क्षेत्र में एक बिल्कुल नया विषय दिखाई देता है। यह मुख्य पार्टी के विषय पर आधारित है। फ्रांसीसी शब्द "रोंडे" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "सर्कल" या "गोल नृत्य"। प्रश्न और कार्य 1. हेडन और मोजार्ट अपनी परिपक्व सिम्फनी बनाने के लिए कब आए? 2. हेडन सिम्फनी में आमतौर पर कौन से भाग होते हैं? हेडन के ऑर्केस्ट्रा में वाद्ययंत्र समूह क्या हैं? 3. हेडन की सिम्फनी के बारे में आप क्या नाम जानते हैं? 4. ई फ्लैट मेजर में हेडन की सिम्फनी को "वृषभ के कंपन के साथ" क्यों कहा जाता है? यह किस सेक्शन से शुरू होता है? 5. इस सिम्फनी के पहले आंदोलन में सोनाटा रूप के मुख्य विषयों का वर्णन करें। 6. सिम्फनी का दूसरा भाग किस रूप में और किन विषयों पर लिखा गया है? 7. तीसरे भाग के मुख्य विषयों और खंडों का वर्णन करें। 8. फाइनल में मुख्य और माध्यमिक खेलों के विषयों के बीच संबंध की ख़ासियत क्या है? सिम्फनी के पहले आंदोलन और उसके समापन में संगीत के चरित्र के बीच क्या संबंध है? इस प्रकार, यह पता चला है कि पूरा अंत एक विषय पर आधारित है। संगीतकार - जैसे कि एक जटिल खेल में - या तो पूरी तरह से विषय को फिर से शुरू करता है, या कुशलता से इसके रूपों और व्यक्तिगत तत्वों को जोड़ता है। और वह खुद जटिल है। आखिरकार, इसमें पहले एक हार्मोनिक आधार दिखाई देता है - दो फ्रांसीसी सींगों का तथाकथित "सुनहरा मार्ग" - शिकार के सींगों का एक विशिष्ट संकेत। और उसके बाद ही एक नृत्य राग, जो क्रोएशियाई लोक गीतों के करीब है, इस आधार पर आरोपित किया जाता है। यह एक ध्वनि पर "स्टॉम्पिंग" से शुरू होता है, और बाद में इस मकसद को कई बार दोहराया जाता है, नकल की जाती है, एक आवाज से दूसरी आवाज में गुजरती है। यह पहले भाग के मुख्य विषय के प्रारंभिक विषय की याद दिलाता है और इसे वहां कैसे विकसित किया जाता है। इसके अलावा, संगीतकार ने फिनाले में उसी गति का संकेत दिया - एलेग्रो कॉन स्पिरिटो। तो समापन में, एक हंसमुख लोक नृत्य का तत्व अंत में राज करता है। लेकिन यहां इसका एक विशेष चरित्र है - यह एक जटिल गोल नृत्य, एक समूह नृत्य जैसा दिखता है, जिसमें नृत्य को गीत और चंचल क्रिया के साथ जोड़ा जाता है। इसकी पुष्टि इस तथ्य से होती है कि प्रदर्शनी में मुख्य भाग को मुख्य कुंजी में दो अतिरिक्त बार दोहराया जाता है - एक छोटे संक्रमणकालीन प्रकरण के बाद और द्वितीयक भाग के बाद। यानी यह एक सर्कल में घूमते हुए नए सिरे से लगता है। और यह रोंडो रूप की विशेषताओं को सोनाटा रूप में लाता है। वही शब्द "रोंडो", जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, क्लैवियर रचनात्मकता जब हेडन ने अपने क्लैवियर कार्यों का निर्माण किया, तो पियानो ने धीरे-धीरे हार्पसीकोर्ड और क्लैविकॉर्ड को संगीत अभ्यास से बदल दिया। हेडन ने इन पुराने कीबोर्ड उपकरणों के लिए अपने शुरुआती काम लिखे, और बाद के संस्करणों में उन्होंने "हार्पसीकोर्ड या पियानो के लिए" और अंत में, कभी-कभी केवल "पियानो के लिए" इंगित करना शुरू किया। उनके क्लैवियर कार्यों में, सबसे महत्वपूर्ण स्थान एकल सोनाटा का है। पहले, यह माना जाता था कि हेडन के पास उनमें से केवल 52 थे लेकिन फिर, शोधकर्ताओं की खोजों के लिए धन्यवाद, यह संख्या बढ़कर 62 हो गई। इनमें से सबसे प्रसिद्ध डी मेजर और ई माइनर में सोनाटा हैं। डी मेजर में सोनाटा मुख्य भाग का विषय है, जो इस सोनाटा का पहला आंदोलन शुरू करता है, एक नृत्य है जो हर्ष और उल्लास के साथ बचकाना शरारती सप्तक छलांग, अनुग्रह नोट्स, मोर्डेंट और ध्वनियों की पुनरावृत्ति के साथ है। इस तरह के संगीत को ऑपेराबफा में बजाने की भी कल्पना की जा सकती है: पिछले संस्करणों में ये सोनाटा "नंबर 37" और "नंबर 34" के रूप में मुद्रित होते हैं, और बाद के संस्करणों में - "नंबर 50" और "नंबर 53" के रूप में मुद्रित होते हैं। २४ ३१ www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा लेकिन साइड पार्टी के विषय का विकास मुख्य पार्टी से शरारती छलांगों द्वारा किया जाता है, और फिर - कनेक्टिंग पार्टी से एक उग्र मार्ग आंदोलन। यह अधिक तनावपूर्ण, व्यापक हो जाता है और अचानक जल्दी शांत हो जाता है - जैसे कि किसी तात्कालिक निर्णय से। उसके बाद, एक लापरवाही से नृत्य के समापन भाग के साथ प्रदर्शनी समाप्त होती है। विकास में एक बार फिर से काफी चहल-पहल है। यहाँ सप्तक मुख्य भाग के विषय से छलांग लगाता है, बाएं हाथ की ओर बढ़ते हुए, और भी अधिक शरारती बना दिया जाता है, और मार्ग की गति प्रदर्शनी में पार्श्व भाग के विषय के विकास की तुलना में और भी अधिक तनाव और व्यापक दायरे तक पहुँच जाती है। पुनरावृत्ति में, मुख्य कुंजी (डी मेजर) में माध्यमिक और अंतिम भागों की आवाज़ हर्षित मनोदशा के प्रभुत्व को मजबूती से मजबूत करती है। सबसे मजबूत कंट्रास्ट सोनाटा में शॉर्ट सेकेंड मूवमेंट द्वारा लाया जाता है, जो चरित्र में धीमा और संयमित होता है। यह डी माइनर में इसी नाम की कुंजी में लिखा होता है। संगीत में, सरबंद के भारी चलने को सुना जा सकता है - एक प्राचीन नृत्य जो अक्सर शोक जुलूस का चरित्र प्राप्त करता था। और त्रिगुणों और बिंदीदार लयबद्ध आकृतियों के साथ अभिव्यंजक मधुर विस्मयादिबोधक में हंगेरियन जिप्सियों की दुखद धुनों से समानता है: सोलहवीं के मीरा, उधम मचाते मार्ग कनेक्टिंग भाग को भरते हैं। और साइड पार्ट (ए मेजर की कुंजी में) का विषय भी एक नृत्य है, केवल अधिक संयमित, सुंदर: 32 www.classON.ru ई माइनर में रूसी कला सोनाटा के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा 1780 के दशक की शुरुआत में हेडन पहली बार लंदन में एक संगीत कार्यक्रम यात्रा करने का निमंत्रण मिला ... उन्होंने इसके लिए लगन से तैयारी की, लेकिन एस्टरहाज़ी चैपल में अपने आधिकारिक कर्तव्यों के कारण इसे लागू नहीं कर सके। यह संभव है कि दूर की "विदेशी" यात्रा के सपने और उनसे जुड़े अनुभव उस समय उभरे ई माइनर सोनाटा में परिलक्षित हों। यह कुछ मामूली हेडन सोनाटास में से एकमात्र है, जहां पहले आंदोलन में एक स्पष्ट गीतात्मक चरित्र को बहुत तेज गति के साथ जोड़ा जाता है। इस आंदोलन के मुख्य भाग का विषय, जिसके साथ सोनाटा शुरू होता है: लेकिन हेडन की आशावादी कला में, जीवन के उज्ज्वल तरीकों से मृत्यु की उदास छवि को हमेशा जीत लिया जाता है, यह भी अजीब है। और इस सोनाटा के डी माइनर में दूसरा आंदोलन, टॉनिक पर नहीं, बल्कि प्रमुख राग पर समाप्त होता है, तुरंत तेज डी मेजर फाइनल 25 से गुजरता है। फाइनल को रोंडो के रूप में बनाया गया है, जहां मुख्य विषय - बचना (डी मेजर की मुख्य कुंजी में) - तीन बार दोहराया जाता है, और इसके दोहराव के बीच बदलते खंड होते हैं - एपिसोड: डी माइनर में पहला एपिसोड, और दूसरा जी मेजर में। यहाँ केवल पहले, डी माइनर एपिसोड में, दुखद यादें फिसल जाती हैं - मध्य भाग की एक प्रतिध्वनि। दूसरा, जी प्रमुख एपिसोड पहले से ही लापरवाही से हर्षित है और एक ही नोट पर दाएं और बाएं हाथों के कॉमिक "रोल कॉल" की ओर जाता है। और अंतिम उड़ान का मुख्य विषय हेडन के काम में सबसे हंसमुख में से एक है: यहां विषय के प्रारंभिक वाक्यांश दो तत्वों के संयोजन से बने हैं। बास में, बाएं हाथ में, पियानो मामूली टॉनिक ट्रायड ध्वनि के साथ चलता है जैसे कि कहीं दूर जाने के लिए कॉल करता है। और वहीं दाहिने हाथ में कांपते हुए, जैसे कि संदेह करना, झिझकना मकसद-उत्तर का पालन करना। विषय का सामान्य आंदोलन नरम, लहराती, लहराती है। इसके अलावा, पहले आंदोलन का आकार - 6/8 - बारकारोल शैली के लिए विशिष्ट है - "पानी पर गाने" 26। कनेक्टिंग भाग में, जी मेजर में ई माइनर के समानांतर मॉडुलन होता है - माध्यमिक और अंतिम भागों की कुंजी। कनेक्टिंग और अंतिम भाग, सोलहवीं के चलते हुए मार्ग से भरे हुए, साइड वाले हिस्से को फ्रेम करते हैं - उज्ज्वल, स्वप्निल, यह इतालवी शब्द "अट्टाका सबिटो इल फिनाले" से संकेत मिलता है, जिसका अर्थ है "तत्काल समापन शुरू करना।" मूल रूप से, विनीशियन गोंडोलियर्स के गीतों को बारकारोल कहा जाता था। शैली का नाम इतालवी शब्द "बार्का" - "नाव" से आया है। 25 26 33 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा ऊपर की ओर बढ़ती हुई प्रतीत होती है: प्रकृति, संकेतों की ध्वनि के साथ, जैसे कि वापस रास्ते में बुला रही हो, हृदय हर्षित चिंता में फड़फड़ाने लगा! और यहाँ, जीवा संक्रमण के बाद, तीसरे आंदोलन (अंतिम) का मुख्य विषय उठता है। यह रोंडो फॉर्म का एक परहेज है जिसमें फिनाले लिखा जाता है। यह एक प्रेरित गुजरने वाले गीत की तरह दिखता है जो मूल भूमि पर "पूर्ण पाल" को चलाने में मदद करता है: तो, रोंडो फॉर्म की योजना, समापन में इस प्रकार है: बचना (ई नाबालिग), पहला एपिसोड (ई प्रमुख), बचना (ई माइनर), दूसरा एपिसोड (ई मेजर), बचना (ई माइनर)। दोनों एपिसोड एक दूसरे के साथ एक परहेज और मधुर संबंध से जुड़े हुए हैं। जब कनेक्टिंग, साइड और अंतिम भाग ध्वनि करते हैं, तो कल्पना आकर्षक चित्र खींचती है - एक टेलविंड कितनी स्वतंत्र रूप से चलती है, कितनी तेजी से गति खुशी से आगे बढ़ती है। इसके अलावा, विकास में, मुख्य, कनेक्टिंग और अंतिम भागों की सामग्री पर निर्मित, छोटी चाबियों में विचलन प्रबल होता है। मुख्य में, अर्थात् प्रमुख में नहीं, बल्कि लघु कुंजी में, द्वितीयक भाग और समापन भाग, जो अधिक व्यापक हो गया है, पुनरावृत्ति में ध्वनि। फिर भी, अज्ञात दूरी में प्रयास करने से दुख और आध्यात्मिक संदेह अंततः पराजित हो जाते हैं। यह पहले आंदोलन के अंतिम सलाखों का अर्थ है, जहां मुख्य भाग के विषय की आमंत्रित शुरुआत एक उल्लेखनीय तरीके से दोहराई जाती है। सोनाटा का दूसरा आंदोलन, जी मेजर में धीमा, एक प्रकार का वाद्य यंत्र है, जो एक हल्के चिंतनशील मनोदशा से प्रभावित होता है। उसका हल्का रंगरूप चिड़ियों के चहकने की गूँज से भरा है, ब्रूक्स का बड़बड़ाहट: प्रश्न और कार्य 1. हेडन के क्लैवियर संगीत की मुख्य शैली का नाम बताइए। कितने सोनाटा ज्ञात हैं? 2. डी मेजर में सोनाटा के पहले आंदोलन के मुख्य वर्गों का वर्णन करें। क्या इस भाग में मुख्य और पार्श्व भागों के बीच कोई संबंध है? 3. दूसरा आंदोलन डी मेजर में सोनाटा के संगीत में क्या अंतर जोड़ता है? इसका अंत से क्या संबंध है? 4. हमें ई माइनर में सोनाटा के पहले आंदोलन के मुख्य भाग के विषय की संरचना और चरित्र की ख़ासियत के बारे में बताएं। इस भाग के शेष विषयों और अनुभागों को परिपक्व करें और उनका वर्णन करें। 5. ई नाबालिग में सोनाटा के दूसरे आंदोलन का चरित्र क्या है? 6. ई माइनर में सोनाटा के फिनाले के आकार और इसके मुख्य विषय की प्रकृति के बारे में बताएं। प्रमुख कार्य 100 से अधिक सिम्फनी (104) विभिन्न वाद्ययंत्रों और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत कार्यक्रमों की श्रृंखला 80 से अधिक चौकड़ी (दो वायलिन, वायोला और सेलो के लिए) (83) 62 क्लैवियर सोनाटा दुनिया का निर्माण और सीज़न ऑरेटोरियो 24 ओपेरा स्कॉटिश और आयरिश की व्यवस्था गीत हालांकि, शांतिपूर्ण आराम के रूप में मीठा कहीं दूर है, 34 www.classON.ru की छाती में रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा कई शैलियों में लिखी गई है - उनकी सिम्फनी, वाद्य संगीत कार्यक्रम, विभिन्न कक्ष पहनावा, पियानो सोनाटा, ऑर्केस्ट्रा . मोजार्ट की असाधारण रूप से शुरुआती और तेजी से विकसित होने वाली असाधारण प्रतिभा उनके नाम के आसपास पैदा हुई; पौराणिक "संगीत चमत्कार" का प्रभामंडल। उज्ज्वल विशेषता; एएस पुश्किन ने उन्हें नाटक ("लिटिल ट्रेजेडी") "मोजार्ट और सालियरी" में एक प्रेरित कलाकार के रूप में दिया। N.A.Rimsky Korsakov द्वारा नामांकित ओपेरा इसके आधार पर लिखा गया था 27। मोजार्ट पी। I. त्चिकोवस्की 28. वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट 1756-1791 लाइफ पाथ फैमिली। बचपन। वोल्फगैंग एमेडियस मोजार्ट का जन्मस्थान, जिसका जन्म जनवरी 1756 में हुआ था, ऑस्ट्रियाई शहर साल्ज़बर्ग है। यह तेजी से साल्ज़ाच नदी के पहाड़ी किनारे पर सुरम्य रूप से फैला हुआ है, जिसने आल्प्स की पूर्वी तलहटी में अपना बिस्तर बिछाया है। साल्ज़बर्ग एक छोटी रियासत की राजधानी थी, जिसके शासक को आर्कबिशप के रूप में नियुक्त किया गया था। वोल्फगैंग एमॅड्यूस के पिता, लियोपोल्ड मोजार्ट, उनके चैपल में थे। वह एक गंभीर और उच्च शिक्षित संगीतकार थे - एक विपुल संगीतकार, वायलिन वादक, आयोजक, शिक्षक। उनके द्वारा प्रकाशित "स्कूल ऑफ वायलिन प्लेइंग" रूस सहित कई देशों में वितरित किया गया था। लियोपोल्ड और उनकी पत्नी अन्ना मारिया के सात बच्चों में से केवल दो ही जीवित रहे - सबसे छोटा बेटा वोल्फगैंग एमेडियस और बेटी मारिया अन्ना (नैनर्ल), जो बड़ी थी! साढ़े चार साल भाई। जब उनके पिता ने नाननेरल को हार्पसीकोर्ड पढ़ाना शुरू किया, जिनके पास उत्कृष्ट क्षमताएं थीं, तो उन्होंने जल्द ही तीन वर्षीय वोल्फगैंग के साथ अध्ययन करना शुरू कर दिया, उन्हें एक सूक्ष्म कान और एक अद्भुत संगीत स्मृति के साथ देखा, चार साल तक लड़के ने पहले ही कोशिश की थी संगीत रचना करने के लिए, और उनके पहले जीवित हार्पसीकोर्ड के टुकड़े उनके पिता द्वारा रिकॉर्ड किए गए थे जब लेखक केवल पांच वर्ष का था। इस बारे में एक कहानी है कि कैसे चार वर्षीय वोल्फगैंग ने क्लैवियर कॉन्सर्टो की रचना करने की कोशिश की। उन्होंने कलम के साथ अपनी उंगलियों पर स्याही के कुएं को डुबोया और संगीत के कागज पर धब्बा लगा दिया। जब मेरे पिता ने इस बचकानी रिकॉर्डिंग को ब्लॉट्स के माध्यम से देखा, तो उन्होंने इसमें एक निस्संदेह संगीत अर्थ खोजा। सबसे महान संगीत प्रतिभाओं में से एक, ऑस्ट्रियाई संगीतकार वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट केवल 35 वर्ष जीवित रहे। इनमें से उन्होंने तीस वर्षों तक संगीत की रचना की और 600 से अधिक कार्यों को पीछे छोड़ते हुए विश्व कला के स्वर्ण कोष में अमूल्य योगदान दिया। अपने जीवनकाल के दौरान मोजार्ट के रचनात्मक उपहार का सबसे वफादार, उच्चतम मूल्यांकन उनके बड़े समकालीन जोसेफ हेडन द्वारा दिया गया था। "... आपका बेटा, - उसने एक बार वोल्फगैंग एमेडियस के पिता से कहा था, - सबसे बड़ा संगीतकार है जिसे मैं व्यक्तिगत रूप से और नाम से जानता हूं; उसके पास स्वाद है, और इसके अलावा, रचना में सबसे बड़ा ज्ञान है।" हेडन और मोजार्ट का संगीत, जिसे विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है, दुनिया की एक आशावादी, सक्रिय-प्रभावी धारणा से संबंधित है, अपनी काव्यात्मकता और गहराई के साथ भावनाओं को व्यक्त करने में सादगी और स्वाभाविकता का संयोजन। साथ ही, उनके कलात्मक हितों के बीच एक महत्वपूर्ण अंतर है। हेडन लोक-रोज़ और गीत-महाकाव्य छवियों के करीब है, और मोजार्ट के लिए - वास्तव में गीत और गीत-नाटकीय छवियां। मोजार्ट की कला विशेष रूप से किसी व्यक्ति के भावनात्मक अनुभवों के प्रति संवेदनशीलता के साथ-साथ विभिन्न मानवीय पात्रों के अवतार में सटीकता और जीवंतता को आकर्षित करती है। इसने उन्हें एक अद्भुत ओपेरा संगीतकार बना दिया। उनके ओपेरा, और सबसे ऊपर ले नोज़े डि फिगारो, डॉन जुआन और द मैजिक फ्लूट, को तीसरी शताब्दी के लिए अपरिवर्तनीय सफलता मिली है, जिसका मंचन सभी संगीत थिएटरों के चरणों में किया जा रहा है। विश्व संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शनों की सूची में सबसे सम्माननीय स्थानों में से एक पर मोजार्ट के कार्यों का कब्जा है। सालियरी ने मोजार्ट को ईर्ष्या से जहर देने वाला संस्करण केवल एक किंवदंती है। त्चिकोवस्की ने मोजार्ट द्वारा पियानो के चार टुकड़ों की रचना की और उनसे मोजार्टियाना सूट की रचना की। 27 28 35 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक वायलिन संगीत कार्यक्रम का प्रदर्शन करेगी ... रुमाल से ढके हुए कीबोर्ड को बजाएं और साथ ही अगर यह उसकी आंखों के सामने हो, तो दूर से वह नाम लेगा सभी ध्वनियाँ जो एक-एक करके या कॉर्ड में क्लैवियर या किसी अन्य वाद्ययंत्र पर बजायी जाएंगी, या वस्तुओं द्वारा प्रकाशित की जाएंगी - एक घंटी, एक गिलास, एक घड़ी। अंत में, वह न केवल हार्पसीकोर्ड पर, बल्कि अंग पर भी तब तक सुधार करेगा जब तक श्रोता इसे चाहते हैं, और किसी भी, यहां तक ​​​​कि सबसे कठिन, चाबियाँ जो उसके नाम पर होंगी ... "पहली संगीत यात्राएं . लियोपोल्ड मोजार्ट ने अपने प्रतिभाशाली बच्चों के साथ प्रमुख संगीत केंद्रों में संगीत कार्यक्रम शुरू करने का फैसला किया। पहली यात्रा - जर्मन शहर म्यूनिख के लिए - 1762 की शुरुआत में हुई, जब वोल्फगैंग मुश्किल से छह साल का था। छह महीने बाद, मोजार्ट परिवार वियना चला गया। वहाँ वोल्फगैंग और नाननेरल ने शाही दरबार में प्रदर्शन किया, एक शानदार सफलता थी, उपहारों की बौछार की गई। 1763 की गर्मियों में, मोजार्ट्स ने पेरिस और लंदन की लंबी यात्रा की। लेकिन पहले उन्होंने कई जर्मन शहरों का दौरा किया, और वापस रास्ते में - फिर से पेरिस में, साथ ही एम्स्टर्डम, द हेग, जिनेवा और कई अन्य शहरों में। छोटे मोजार्ट्स के प्रदर्शन, विशेष रूप से वोल्फगैंग ने, सबसे शानदार शाही दरबारों में भी, हर जगह आश्चर्य और प्रशंसा का कारण बना। उस समय के रिवाज के अनुसार, वोल्फगैंग एक ज़ब्लोट और एक पाउडर विग के साथ कशीदाकारी सूट में एक महान दर्शकों के सामने आया, लेकिन एक ही समय में विशुद्ध रूप से बचकाना सहजता के साथ व्यवहार किया, उदाहरण के लिए, वह अपने घुटनों पर महारानी के लिए कूद सकता था . लगातार 4-5 घंटे तक चलने वाले संगीत कार्यक्रम युवा संगीतकारों के लिए बहुत थकाऊ थे, और जनता के लिए वे एक तरह के मनोरंजन में बदल गए। यहाँ एक घोषणा में कहा गया है: "... बारहवें वर्ष में एक लड़की और सातवें वर्ष में एक लड़का हार्पसीकोर्ड पर एक संगीत कार्यक्रम बजाएगा। .. इसके अलावा, लड़का 36 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा संगीत कार्यक्रम का दौरा तीन साल से अधिक समय तक चला और वोल्फगैंग को कई अलग-अलग छापें लाईं। उन्होंने बड़ी संख्या में वाद्य और मुखर कार्यों को सुना, कुछ उत्कृष्ट संगीतकारों से मुलाकात की (लंदन में, जोहान सेबेस्टियन बाख, जोहान क्रिश्चियन के सबसे छोटे बेटे के साथ)। प्रदर्शनों के बीच, वोल्फगैंग ने उत्साहपूर्वक रचना का अध्ययन किया। वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए उनके चार सोनाटा पेरिस में प्रकाशित हुए थे, जो दर्शाता है कि ये सात साल के लड़के द्वारा किए गए काम हैं। लंदन में, उन्होंने अपनी पहली सिम्फनी लिखी। साल्ज़बर्ग लौटें और वियना में रहें। पहला ओपेरा। 1766 के अंत में, पूरा परिवार साल्ज़बर्ग लौट आया। वोल्फगैंग ने अपने पिता के मार्गदर्शन में व्यवस्थित रूप से रचना तकनीक का अध्ययन करना शुरू किया। मोजार्ट्स ने पूरे 1768 में वियना में बिताया। थिएटर के साथ एक अनुबंध के तहत, बारह वर्षीय वोल्फगैंग ने तीन महीने में इतालवी मॉडल के बाद ओपेरा-बफा "इमेजिनरी सिंपलटन" लिखा। पूर्वाभ्यास शुरू हुआ, लेकिन प्रदर्शन स्थगित कर दिया गया और फिर पूरी तरह से रद्द कर दिया गया (शायद ईर्ष्या की साज़िशों के कारण)। यह केवल अगले वर्ष साल्ज़बर्ग में हुआ। विएना में, वोल्फगैंग ने पांच सिम्फनी सहित कई अन्य संगीत तैयार किए, और नए चर्च के अभिषेक में सफलतापूर्वक अपना गंभीर मास आयोजित किया। इटली की यात्रा। १७६९ के अंत से १७७३ की शुरुआत तक, वोल्फगैंग एमॅड्यूस ने अपने पिता के साथ इटली भर में तीन लंबी यात्राएँ कीं। इस "संगीत की भूमि" में युवा मोजार्ट ने रोम, नेपल्स, मिलान, फ्लोरेंस सहित एक दर्जन से अधिक शहरों में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शन किया। उन्होंने अपनी सिम्फनी का संचालन किया, हार्पसीकोर्ड, वायलिन और अंग बजाया, पूर्व निर्धारित विषयों पर तात्कालिक सोनाटा और फ्यूग्यूज़, प्रीसेट ग्रंथों पर एरियस, उत्कृष्ट रूप से कठिन कार्यों को दृष्टि से खेला और उन्हें अन्य चाबियों में दोहराया। उन्होंने दो बार बोलोग्ना का दौरा किया, जहां कुछ समय के लिए उन्होंने प्रसिद्ध शिक्षक - सिद्धांतकार और संगीतकार पाद्रे मार्टिनी से सबक लिया। कठिन परीक्षा (जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग करके एक पॉलीफोनिक रचना लिखी गई) को शानदार ढंग से झेलने के बाद, चौदह वर्षीय मोजार्ट को एक विशेष अपवाद के रूप में बोलोग्ना फिलहारमोनिक अकादमी का सदस्य चुना गया था। और चार्टर के अनुसार, केवल संगीतकार जो बीस वर्ष की आयु तक पहुँच चुके थे और इस प्रतिष्ठित संस्थान में पूर्व अनुभव के साथ ही इसमें अनुमति दी गई थी। रोम में, वेटिकन (पोपल निवास) 29 में सिस्टिन चैपल का दौरा करने के बाद, मोजार्ट ने एक बार 17 वीं शताब्दी के इतालवी संगीतकार ग्रेगोरियो एलेग्री द्वारा दो गायकों के लिए एक बड़ा पॉलीफोनिक पवित्र कार्य सुना। इस काम को पोप की संपत्ति माना जाता था और इसे कॉपी या पुनर्वितरित करने की अनुमति नहीं थी। लेकिन मोजार्ट ने पूरे जटिल कोरल स्कोर को स्मृति से लिखा, और पोप कोरिस्टर ने रिकॉर्डिंग की सटीकता की पुष्टि की। इटली - न केवल संगीत का, बल्कि ललित कला और वास्तुकला का भी एक महान देश - ने मोजार्ट को कलात्मक छापों की एक बहुतायत दी। ओपेरा हाउस में जाकर वह विशेष रूप से रोमांचित थे। युवक ने इतालवी ओपेरा शैली में इतनी महारत हासिल की कि उसने कुछ ही समय में तीन ओपेरा लिखे, जिनका मिलान में बड़ी सफलता के साथ मंचन किया गया। ये दो ओपेरा-श्रृंखला हैं - "मिथ्रिडेट्स, पोंटस के राजा" और "लुसियस सुल्ला" - और पौराणिक कथानक "एस्कानियो इन अल्बा" ​​30 पर एक देहाती ओपेरा। वियना, म्यूनिख, मैनहेम, पेरिस की यात्राएं। अपनी शानदार रचनात्मक और संगीतमय सफलताओं के बावजूद, वोल्फगैंग एमेडियस ने इतालवी राज्यों के किसी भी शासक के दरबार में सेवा प्राप्त करने का प्रबंधन नहीं किया। मुझे साल्ज़बर्ग लौटना पड़ा। यहाँ, मृत आर्चबिशप के बजाय, एक नए, अधिक निरंकुश और असभ्य शासक ने शासन किया। पिता और पुत्र मोजार्ट्स के लिए, जो उनकी सेवा में थे, नई यात्राओं के लिए छुट्टी प्राप्त करना अधिक कठिन हो गया। और ओपेरा हाउस, जिसके लिए मोजार्ट रचना करना चाहते थे, साल्ज़बर्ग में उपलब्ध नहीं था, और संगीत गतिविधि की अन्य संभावनाएं सीमित थीं। दो संगीतकारों की वियना यात्रा केवल इस तथ्य के लिए संभव थी कि साल्ज़बर्ग आर्कबिशप स्वयं ऑस्ट्रिया की राजधानी का दौरा करना चाहते थे। उसने अनिच्छा से मोजार्ट्स को यात्रा करने की अनुमति दी; म्यूनिख, जहां युवा संगीतकार के नए ओपेरा-बफ का मंचन किया गया था। और अगली यात्रा के लिए, केवल वोल्फगैंग एमॅड्यूस ही बड़ी कठिनाई से अनुमति प्राप्त करने में सफल रहा। उनके पिता को साल्ज़बर्ग में रहने के लिए मजबूर किया गया था, और उनकी माँ उनके बेटे के साथ चली गईं। पहला लंबा पड़ाव जर्मन शहर मैनहेम में हुआ। यहाँ वोल्फगैंग एमेडियस और अन्ना मारिया का उनके घर में सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के एक नेता द्वारा गर्मजोशी से स्वागत किया गया था, जो उस समय के पूर्व-शास्त्रीय मैनहेम कंपोज़िंग स्कूल के प्रतिनिधि थे। मैनहेम में, मोजार्ट माइकल एंजेलो सहित इतालवी कलाकारों द्वारा रचित। 30 पोंटिक साम्राज्य काला सागर पर एक प्राचीन राज्य है, मुख्य रूप से वर्तमान तुर्की तट ("पोंटस यूक्सिन", यानी "मेहमानी समुद्र", काला सागर के लिए प्राचीन यूनानी नाम)। लुसियस सुल्ला एक प्राचीन यूनानी सैन्य और राजनीतिक नेता हैं। देहाती (इतालवी शब्द "पास्टोर" - "चरवाहा" से) एक साजिश के साथ एक काम है जो प्रकृति की गोद में जीवन को आदर्श बनाता है। सिस्टिन चैपल - वेटिकन में पोप का होम चर्च; इसे 15वीं शताब्दी में पोप सिक्सटस IV के तहत बनाया गया था। चैपल की दीवारों और छत को महान लोगों द्वारा चित्रित किया गया है 29 37 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, संगीत शैली की परिपक्वता द्वारा चिह्नित कई काम, सभी वाद्य यंत्रों में से अधिकांश। लेकिन यहां भी वोल्फगैंग एमेडियस के लिए कोई स्थायी नौकरी नहीं थी। 1778 के वसंत में, मोजार्ट और उनकी मां पेरिस पहुंचे। हालांकि, वहां वास्तविक पहचान हासिल करने और एक प्रमुख स्थान बनने की उम्मीदें पूरी नहीं हुईं। फ्रांस की राजधानी में, चमत्कारिक बच्चा, यह प्रतीत होता है कि जीवित खिलौना, पहले ही भुला दिया गया है, और वे युवा संगीतकार की खिलती हुई प्रतिभा को पहचानने में विफल रहे। मोजार्ट या तो संगीत कार्यक्रमों की व्यवस्था के साथ, या एक ओपेरा के लिए एक आदेश प्राप्त करने के साथ भाग्यशाली नहीं था। वह सबक से दयनीय कमाई पर रहता था, थिएटर के लिए वह केवल छोटे बैले "ट्रिंकेट" के लिए संगीत लिख सकता था। उनकी कलम के नीचे से नई अद्भुत रचनाएँ निकलीं, लेकिन उन्होंने तब गंभीरता से ध्यान आकर्षित नहीं किया। और गर्मियों में, वोल्फगैंग एमेडियस को एक गंभीर दुःख का सामना करना पड़ा: उसकी माँ बीमार पड़ गई और उसकी मृत्यु हो गई। अगले साल की शुरुआत में, मोजार्ट साल्ज़बर्ग लौट आया। ओपेरा "आइडोमेनियो"। आर्कबिशप के साथ तोड़ो और वियना चले जाओ। आने वाले वर्षों की सबसे महत्वपूर्ण घटनाएं मोजार्ट के लिए म्यूनिख में क्रेते के राजा ओपेरा इडोमेनियो का निर्माण और मंचन और इसकी महान सफलता थी। यहां इटालियन ओपेरा-सीरिया के सर्वोत्तम गुणों को ग्लक के ओपेरा सुधार के सिद्धांतों के साथ जोड़ा गया है। इसने मोजार्ट की जीवंत मूल ऑपरेटिव कृतियों के उद्भव का मार्ग प्रशस्त किया। ... यह 1781 था। मोजार्ट 25 साल के हैं। वह नए रचनात्मक विचारों से भरी साढ़े तीन सौ रचनाओं के लेखक हैं। और साल्ज़बर्ग के आर्कबिशप के लिए, वह केवल एक संगीत सेवक है, जिसे अभिमानी और दमनकारी मालिक तेजी से दमन और अपमानित कर रहा है, उसे "रसोइयों के ऊपर, लेकिन अभावों के नीचे" कमरे में मेज पर बैठने के लिए मजबूर करता है। बिना अनुमति के या तो कहीं निकल जाना या कहीं परफॉर्म करना... यह सब मोजार्ट के लिए असहनीय हो गया, और उसने त्याग पत्र प्रस्तुत किया। आर्चबिशप ने दो बार उसे शाप और अपमान के साथ मना कर दिया, और उसके करीबी दोस्त ने संगीतकार को बेरहमी से दरवाजे से बाहर निकाल दिया। लेकिन वह मानसिक आघात का अनुभव कर अपने निर्णय पर अडिग रहा। मोजार्ट एक दरबारी संगीतकार की आर्थिक रूप से सुरक्षित लेकिन आश्रित स्थिति के साथ गर्व से टूटने वाले पहले महान संगीतकार बन गए। वियना: अंतिम दशक। मोजार्ट वियना में बस गए। केवल कभी-कभार ही उन्होंने ऑस्ट्रिया की राजधानी को थोड़े समय के लिए छोड़ दिया, उदाहरण के लिए, प्राग में अपने ओपेरा डॉन जुआन के पहले उत्पादन के संबंध में या जर्मनी में दो संगीत कार्यक्रमों के दौरान। 1782 में उन्होंने कॉन्स्टेंस वेबर से शादी की, जो अपने हंसमुख स्वभाव और संगीत से प्रतिष्ठित थे। बच्चे एक के बाद एक पैदा हुए (लेकिन छह में से चार बच्चों के रूप में मर गए)। अपने क्लैवियर संगीत के एक कलाकार के रूप में संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शन से मोजार्ट की कमाई, कामों के प्रकाशन और ओपेरा के प्रदर्शन से अनियमित थी। इसके अलावा, मोजार्ट, एक दयालु, भोला और अव्यवहारिक व्यक्ति होने के नाते, यह नहीं जानता था कि मौद्रिक मामलों को विवेकपूर्ण तरीके से कैसे प्रबंधित किया जाए। १७८७ के अंत में एक अदालत कक्ष संगीतकार की मामूली भुगतान की स्थिति में नियुक्ति, जिसे केवल नृत्य संगीत लिखने का निर्देश दिया गया था, पैसे की अक्सर महसूस की जाने वाली आवश्यकता से नहीं बचा। इन सबके लिए, वियना के दस वर्षों में, मोजार्ट ने ढाई सौ से अधिक नए काम किए। उनमें से, कई शैलियों में उनकी सबसे शानदार कलात्मक उपलब्धियां चमक गईं। विएना में मोजार्ट की शादी के वर्ष में, उनके गायन गीत "द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो", स्पार्कलिंग का बड़ी सफलता के साथ मंचन किया गया था; हास्य 31. और ओपेरा बफा "द मैरिज ऑफ फिगारो", मूल द्वारा; "हंसमुख नाटक" "डॉन जुआन" और ओपेरा "द मैजिक फ्लूट" की शैली, जो हाल के विनीज़ वर्षों में उत्पन्न हुई, संगीत थिएटर द्वारा हासिल की गई उच्चतम ऊंचाइयों में से हैं! उसकी कहानी। मोजार्ट ने 1788 की गर्मियों में जी माइनर (नंबर 40) सहित, उनकी तीन सर्वश्रेष्ठ सिम्फनी, जो अंतिम निकलीं, ने लिखा। उसी दशक में, संगीतकार द्वारा कई अन्य वाद्य कृतियाँ दिखाई दीं - चार-भाग आर्केस्ट्रा "लिटिल नाइट सेरेनेड", कई पियानो संगीत कार्यक्रम, सोनाटा और विभिन्न कक्ष पहनावा। मोजार्ट ने अपनी छह स्ट्रिंग चौकड़ी हेडन को समर्पित की, जिनके साथ उन्होंने मधुर मित्रता विकसित की। इन वर्षों के दौरान, मोजार्ट ने बाख और हैंडेल के कार्यों का बहुत रुचि के साथ अध्ययन किया। मोजार्ट का सबसे हालिया काम गाना बजानेवालों, एकल कलाकारों और ऑर्केस्ट्रा के लिए मृतक के लिए रिक्वेम, मास है। जुलाई 1791 में, उन्हें एक ऐसे व्यक्ति द्वारा संगीतकार के लिए नियुक्त किया गया था जो अपना नाम नहीं देना चाहता था। यह रहस्यमय लग रहा था, अंधेरे पूर्वाभास को जन्म दे सकता है। केवल कुछ वर्षों के बाद ही यह स्पष्ट हो गया कि यह आदेश विनीज़ काउंट से आया है, जो किसी और के काम को खरीदना चाहता था और उसे अपना बना कर देना चाहता था। गंभीर रूप से बीमार, मोजार्ट पूरी तरह से Requiem को पूरा करने में असमर्थ था। संगीतकार के छात्रों में से एक ने इसे ड्राफ्ट के आधार पर समाप्त किया। एक कहानी है कि 5 दिसंबर, 1791 की रात को महान संगीतकार की मृत्यु की पूर्व संध्या पर, दोस्तों ने उनके साथ अभी भी अधूरे काम के कुछ हिस्सों को गाया था। रिक्विम में शोकाकुल डिजाइन के अनुसार, मोजार्ट के संगीत की प्रेरित गेय और नाटकीय अभिव्यक्ति ने एक विशेष उदात्तता और गंभीरता हासिल कर ली है। धन की कमी के कारण, मोजार्ट को 31 32 सेराग्लियो के लिए एक आम कब्र में दफनाया गया था - अमीर प्राच्य रईसों के घरों में महिला आधा। लैटिन शब्द "requiem" का अर्थ है "आराम"। 38 www.classON.ru रूस में बच्चों की कला शिक्षा खराब है, और उनके दफनाने का सही स्थान अज्ञात है। सुज़ैन के लिए काउंटेस ने अपनी पोशाक पहनी थी। अपनी पत्नी से शर्मिंदा, अल्माविवा को अब शादी का जश्न मनाने के लिए फिगारो और सुज़ैन के साथ हस्तक्षेप नहीं करने के लिए मजबूर होना पड़ता है, जो सभी प्रकार की अप्रत्याशित घटनाओं से भरे "पागल दिन" को खुशी और खुशी से समाप्त करता है। ओपेरा एक ओवरचर के साथ शुरू होता है, जो बहुत लोकप्रिय हो गया है और अक्सर सिम्फनी कॉन्सर्टो 34 में किया जाता है। कई अन्य दृश्यों के विपरीत, यह ओवरचर ओपेरा से ही थीम का उपयोग नहीं करता है। यहाँ, बाद की कार्रवाई की सामान्य मनोदशा, इसकी आकर्षक तेज़ी और प्रफुल्लित प्रफुल्लता, स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई है। ओवरचर सोनाटा के रूप में लिखा गया है, लेकिन विस्तार के बिना, जिसे प्रदर्शनी और आश्चर्य के बीच एक छोटी सी कड़ी से बदल दिया गया है। एक ही समय में, पाँच विषय स्पष्ट रूप से बाहर खड़े होते हैं, जल्दी से एक दूसरे की जगह लेते हैं। उनमें से पहला और दूसरा मुख्य पक्ष है, तीसरा और चौथा पक्ष पक्ष है, पांचवां अंतिम पक्ष है। वे सभी ऊर्जावान हैं, लेकिन साथ ही प्रत्येक का अपना विशेष चरित्र है। मुख्य भाग का पहला विषय, तार और बेसून द्वारा एक साथ बजाया जाता है, शरारती चपलता के साथ तेजी से आगे बढ़ता है: प्रश्न और कार्य 1. मोजार्ट के संगीत का हेडन के संगीत से क्या संबंध है? इन दो विनीज़ क्लासिक्स की कलात्मक रुचियों में क्या अंतर है? 2. वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट के परिवार और प्रारंभिक बचपन के बारे में बताएं। 3. एक युवा लड़के के रूप में मोजार्ट ने किन देशों और शहरों में प्रदर्शन किया? ये प्रदर्शन कैसे चले? 4. मोजार्ट ने अपना पहला ओपेरा बफा किस उम्र में लिखा था? इसे क्या कहा जाता था और इसे कहाँ स्थापित किया गया था? 5. हमें युवा मोजार्ट की इटली यात्राओं के बारे में बताएं। 6. मोजार्ट ने बाद में किन शहरों का दौरा किया? क्या उनकी पेरिस यात्रा सफल रही? 7. साल्ज़बर्ग के आर्कबिशप के साथ मोजार्ट के ब्रेक के बारे में बताएं। 8. मोजार्ट के जीवन और कार्य के अंतिम दशक का वर्णन करें। इस काल में उनके द्वारा रचित प्रमुख कृतियाँ कौन-सी हैं। ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" मोजार्ट के ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" का प्रीमियर 1786 में वियना में हुआ था। पहले दो प्रदर्शन संगीतकार द्वारा स्वयं हार्पसीकोर्ड में आयोजित किए गए थे। सफलता बहुत बड़ी थी, लेकिन एक दोहराना के लिए उपाय दोहराया गया था। चार कृत्यों में इस ओपेरा का लिब्रेट्टो (मौखिक पाठ) इतालवी में लोरेंजो दा पोंटे द्वारा फ्रांसीसी लेखक ब्यूमर्चैस "क्रेजी डे, या द मैरिज ऑफ फिगारो" की कॉमेडी पर आधारित लिखा गया था। 1875 में पी। आई। त्चिकोवस्की ने इस लिब्रेट्टो का रूसी में अनुवाद किया, और उनके अनुवाद में ओपेरा हमारे देश में किया जाता है। Mozart ने Le Nozze di Figaro को एक बफो ओपेरा कहा। लेकिन यह केवल मनोरंजक स्थितियों वाली मनोरंजक कॉमेडी नहीं है। संगीत द्वारा मुख्य पात्रों को विविध जीवित मानव पात्रों के रूप में चित्रित किया गया है। और ब्यूमर्चैस के नाटक का मुख्य विचार मोजार्ट के करीब था। इसके लिए यह तथ्य निहित है कि काउंट अल्माविवा फिगारो का नौकर और उसकी दुल्हन, नौकर सुज़ैन, अपने शीर्षक वाले स्वामी की तुलना में अधिक चालाक और अधिक सभ्य निकला, जिसकी साज़िशों को वे चतुराई से प्रकट करते हैं। द काउंट ने खुद सुज़ैन को पसंद किया, और वह उसकी शादी को स्थगित करने की कोशिश कर रहा है। लेकिन फिगारो और सुज़ैन ने उन सभी बाधाओं को दूर कर दिया, जो गिनती की पत्नी और युवा पृष्ठ चेरुबिनो 33 को अपनी ओर आकर्षित करते हैं। अंत में, वे इसे व्यवस्थित करते हैं ताकि शाम को बगीचे में गिनती को दूसरा, धूमधाम मिले व्यापकता के साथ: पृष्ठ के बाद - एक कुलीन व्यक्ति की सेवा में होने वाला एक लड़का या कुलीन मूल का युवक। मुख्य पार्टी की कनेक्टिंग थीम, भरी हुई पार्टी मुख्य रूप से भिन्न होती है, आइए हम याद दिला दें कि "ओवरचर" शब्द फ्रांसीसी क्रिया "ओवरिर" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "खोलना", "शुरू करना"। 33 34 39 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बड़े पैमाने पर मार्ग के साथ बोल्ड चिल्ड्रन एजुकेशन, साइड पार्ट का पहला विषय दिखाई देता है, जिसकी धुन वायलिन द्वारा बजाई जाती है। विषय में लयबद्ध रूप से सनकी, थोड़ा सनकी, लेकिन लगातार चरित्र है: मुखर संख्याएं। तो, फिगारो की पार्टी में पहला एकल नंबर (उसे बैरिटोन को सौंपा गया है) - एक छोटा अरिया (कैवटीना) - सुज़ैन द्वारा अपने मंगेतर को सूचित करने के ठीक बाद लगता है कि गिनती उसे प्रेमालाप के साथ करना शुरू कर देती है। इस संबंध में, फिगारो ने मिनुएट के आंदोलन में एक राग का मजाक उड़ाया - एक वीर उच्च समाज नृत्य (कैवटीना के तीन-भाग प्रतिशोध के चरम खंड): माध्यमिक भाग का दूसरा विषय निर्णायक विस्मयादिबोधक याद दिलाता है: और विषय अंतिम भाग का सबसे संतुलित है, जैसे कि सब कुछ सुलझाना: रीप्राइज़ में, माध्यमिक और अंतिम खेल पहले से ही रीमा ज़ोर की मूल मात्रा में दोहराए जाते हैं। उनके साथ कोडा होता है, जो ओवरचर के हंसमुख और जीवंत चरित्र पर और जोर देता है। मोजार्ट के इस ओपेरा में, मुखर पहनावा एक बड़ा स्थान रखता है, मुख्य रूप से युगल (दो पात्रों के लिए) और टरसेट (तीन पात्रों के लिए)। वे एक हार्पसीकोर्ड के साथ सस्वर पाठ द्वारा अलग होते हैं। और दूसरा, तीसरा और अंतिम, चौथा, फाइनल के साथ समाप्त होता है - छह से ग्यारह वर्णों की भागीदारी के साथ बड़े पहनावा। गतिशील विकास में नमक क्रियाओं को अलग-अलग तरीकों से शामिल किया जाता है। और कैवटीना के मध्य भाग में, संयमित आंदोलन को एक तेज, एक सुरुचिपूर्ण तीन-बीट राग - एक ऊर्जावान दो-बीट द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। यहां फिगारो पहले से ही निर्णायक रूप से अपने मालिक की कपटी "योजनाओं को रोकने के लिए हर कीमत पर अपना इरादा व्यक्त करता है: 40 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा फिगारो की पार्टी में सबसे प्रसिद्ध संख्या उनकी एरिया है" फ्रिस्की, घुंघराले बालों वाली , प्यार में लड़का।" यह युवा पृष्ठ चेरुबिनो को संबोधित है। उसने गलती से सुना कि कैसे गिनती सुज़ैन को अपने प्यार का इजहार करने की कोशिश कर रही थी, और इस तरह के एक अवांछित गवाह को सैन्य सेवा में जाने का आदेश दिया गया था। अपने एरिया में, फिगारो खुशी से और मजाकिया ढंग से स्थिति को ताना मारता है, एक युवक के लिए कठोर सैन्य जीवन की तस्वीरें खींचता है, जो अदालती जीवन से लाड़ प्यार करता है। यह संगीत में "जंगली" धूमधाम चाल के साथ दिलेर नृत्य के कुशल संयोजन द्वारा परिलक्षित होता है। यह रोंडो के रूप में तीन बार बजने वाला परहेज है: एक अन्य गीत चरित्र "हॉट ब्लड एक्साइट्स द हार्ट" का एक छोटा सा एरिया है। यह कोमल भावनाओं का एक अधिक संयमित स्वीकारोक्ति है, जो खुद काउंटेस को डरपोक रूप से संबोधित करती है: सुज़ैन (सोप्रानो) को कई पहनावाओं में ऊर्जावान, निपुण और साधन संपन्न के रूप में चित्रित किया गया है, इसमें फिगारो से नीच नहीं है। साथ ही, चौथे अधिनियम से हल्की स्वप्निल अरिया में उनकी छवि को सूक्ष्म रूप से काव्यात्मक रूप दिया गया है। इसमें, सुज़ैन मानसिक रूप से फिगारो के लिए एक निविदा अपील को संबोधित करती है: जैसा कि खुद चेरुबिनो के लिए (उसका हिस्सा एक कम महिला आवाज - मेज़ो-सोप्रानो द्वारा किया जाता है), उसे दो अरिया में एक उत्साही युवक के रूप में चित्रित किया गया है, जो अभी भी खुद को समझने में असमर्थ है। भावनाओं, हर कदम के साथ प्यार में पड़ने के लिए तैयार। उनमें से एक हर्षित और कांपती हुई अरिया है "बताने के लिए, मैं समझा नहीं सकता"। मधुरता को लय के साथ जोड़ा जाता है, जैसे कि रुक-रुक कर उत्साह के साथ स्पंदन: 41 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा प्रश्न और कार्य 1. मोजार्ट के ओपेरा ले नोज़े डि फिगारो का प्रीमियर कब और कहाँ हुआ था? 2. इसका लिब्रेट्टो किस कॉमेडी के लिए लिखा गया है? 3. इस टुकड़े का मुख्य विचार क्या है? 4. ओपेरा के लिए ओवरचर कैसे आयोजित किया जाता है? 5. फिगारो के हिस्से में दो एकल संख्याओं की विशेषताओं के बारे में बताएं। 6. चेरुबिनो की पार्टी को कौन सा वोट सौंपा गया है? उनके अरियास की धुन गाओ। 7. सुज़ैन को पहनावे में कैसे और कैसे - चौथे अधिनियम से आरिया में चित्रित किया गया है? चौथी भिन्नता (बाएं हाथ को दाईं ओर फेंकने के साथ), इसके विपरीत, अधिक साहसपूर्वक व्यापक है। पांचवीं भिन्नता, जहां एंडांटे ग्राज़ियोसो के प्रारंभिक अनहेल्दी टेम्पो को बहुत धीमी गति से बदल दिया जाता है - एडैगियो, रंगातुरा के साथ रंगा हुआ एक मधुर वाद्य यंत्र है। और फिर टेम्पो का तेज (एलेग्रो) में परिवर्तन अंतिम, छठे रूपांतर के हंसमुख नृत्य चरित्र से मेल खाता है। सोनाटा का दूसरा आंदोलन मिनुएट है। हमेशा की तरह, यह पहले आंदोलन के संगीत के पुनरावर्तन में सटीक दोहराव के साथ, तीन-भाग के पुनरावर्तन रूप में संरचित है। उनके बीच मध्य भाग (तिकड़ी) 35 है। मिनुएट के सभी हिस्सों में, मर्दाना निर्णायक और प्रभावशाली व्यापक स्वरों को स्त्री स्वरों के साथ जोड़ा जाता है जो अभिव्यक्तिपूर्ण गीतात्मक विस्मयादिबोधक-पते के समान कोमल और चिकनी होते हैं। ए मेजर में सोनाटा क्लेवियर मोजार्ट के प्रसिद्ध सोनाटा इन ए मेजर, जिसे आमतौर पर "तुर्की मार्च सोनाटा" कहा जाता है, एक असामान्य रूप से निर्मित चक्र है। यहां पहला आंदोलन सोनाटा रूपक नहीं है, बल्कि एक हल्के और शांत, सहज रूप से सुंदर विषय पर छह भिन्नताएं हैं। यह एक ऐसे गीत की तरह दिखता है जिसे विनीज़ संगीतमय जीवन में एक अच्छे, शांतिपूर्ण मूड में गुनगुनाया जा सकता है। इसकी धीमी गति से चलने वाली लय सिसिली के आंदोलन से मिलती-जुलती है - एक पुराना इतालवी नृत्य या नृत्य गीत: संगीतकार ने सोनाटा (समापन) के तीसरे आंदोलन को "ए 11 ए टर्का" - "तुर्की जीनस में" कहा। बाद में, इस फाइनल को "तुर्की मार्च" नाम दिया गया। तुर्की लोक और पेशेवर संगीत की स्वर संरचना के साथ कुछ भी समान नहीं है, जो यूरोपीय कान के लिए असामान्य है। लेकिन 18 वीं शताब्दी में यूरोपीय, मुख्य रूप से नाट्य संगीत, मार्च के लिए एक फैशन पैदा हुआ, जिसे पारंपरिक रूप से "तुर्की" कहा जाता है। वे "जनिसरी" ऑर्केस्ट्रा के समय के रंग का उपयोग करते हैं, जिसमें हवा और ताल वाद्य यंत्र प्रमुख हैं - बड़े और छोटे ड्रम, झांझ, एक त्रिकोण। जनिसरियों को तुर्की सेना की पैदल सेना इकाइयों के सैनिक कहा जाता था। यूरोपीय लोगों द्वारा उनके मार्च के संगीत को जंगली, शोर, "बर्बर" माना जाता था। विविधताओं के बीच कोई तीव्र विरोधाभास नहीं हैं, लेकिन उन सभी का एक अलग चरित्र है। पहली भिन्नता में, एक सुरुचिपूर्ण सनकी मधुर आंदोलन प्रबल होता है, दूसरे में, सुंदर चंचलता को एक विनोदी छाया के साथ जोड़ा जाता है (बाएं हाथ के हिस्से में "शरारती" अनुग्रह नोट उल्लेखनीय हैं)। तीसरी भिन्नता - केवल एक प्रमुख में नहीं, बल्कि एक नाबालिग में लिखी गई - समान रूप से चलती हुई थोड़ी उदास मधुर आकृतियों से भरी हुई है, जैसे कि कोमल शर्म के साथ: तिकड़ी के अंत में पदनाम "मिनुएटो दा कैपो" है। इतालवी - "सिर से", "शुरुआत से।" 35 "दा कैपो" 42 से अनुवादित www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा फाइनल एक असामान्य रूप में लिखा गया है। इसे कोरस (एक प्रमुख में) के साथ तीन-भाग के रूप में परिभाषित किया जा सकता है। बार-बार कोरस फिनाले को रोंडो कैरेक्टर देता है। पहला आंदोलन - हल्के "भंवर" उद्देश्यों के साथ (एक नाबालिग में) - और मध्य आंदोलन - एक मधुर मार्ग आंदोलन (एफ-तेज नाबालिग) के साथ - स्वाभाविक रूप से एक स्पष्ट मार्चिंग कदम के साथ सुंदर नृत्य को जोड़ती है: लंबे समय तक, यह था माना जाता है कि मोजार्ट ने 1778 साल की गर्मियों में पेरिस में सोनाटा की रचना ए मेजर में की थी। लेकिन फिर उन्हें जानकारी मिली कि यह कुछ साल बाद वियना में हुआ था। इस तरह की जानकारी और भी अधिक प्रशंसनीय है क्योंकि 1782 में मोजार्ट के गाने "द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" का प्रीमियर हुआ था। इसमें, कार्रवाई तुर्की में होती है, और ओवरचर के संगीत में, और दो मार्चिंग गायकों में, "जनिसरी" संगीत की नकल ध्यान देने योग्य है। इसके अलावा, यह शोर है; ए मेजर में "जनिसरी" कोड को फोर्ज करते हुए, मोजार्ट ने सीनेट को केवल 1784 में समापन में जोड़ा जब काम प्रकाशित हुआ था। यह भी उल्लेखनीय है कि सोनाटा में, द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो में, एक महान भूमिका गीत और मार्च की शैलियों की है। इस सब में, मोजार्ट की बहुत विशेषता, नाट्य संगीत के साथ वाद्य संगीत का संबंध प्रकट हुआ। प्रश्न और कार्य 1. मोजार्ट के सोनाटा में ए मेजर में चक्र की मौलिकता क्या है? इस लेख के पहले भाग में हमें विषय की प्रकृति और उस पर छह भिन्नताओं के बारे में बताएं। 2. सोनाटा के दूसरे आंदोलन में किस नृत्य शैली का प्रयोग किया जाता है? 3. बताएं कि ए मेजर में सोनाटा के समापन को तुर्की मार्च क्यों कहा जाता है। इसके निर्माण की विशेषता क्या है? उनके मुख्य विषयों को गाएं। 4. मोजार्ट का कौन सा संगीत और नाट्य कार्य उनके "तुर्की मार्च" के संगीत के साथ प्रतिध्वनित होता है? जी माइनर में सिम्फनी 1788 में वियना में लिखी गई, जी माइनर में सिम्फनी! (नंबर 40) महान संगीतकार की सबसे प्रेरित कृतियों में से एक है। सिम्फनी का पहला आंदोलन बहुत तेज गति से सोनाटा रूपक है। यह मुख्य भाग के विषय के साथ शुरू होता है, जो तुरंत एक गोपनीय, ईमानदार गीतात्मक स्वीकारोक्ति के रूप में मोहित हो जाता है। इसे वायलिन द्वारा बाकी तार वाले वाद्ययंत्रों की मधुरता से बजने वाली संगत में गाया जाता है। इसकी धुन उसी उत्तेजित लय को पहचानती है जैसे द मैरिज ऑफ फिगारो से चेरुबिनो के पहले एरिया की शुरुआत में (उदाहरण 37 देखें)। लेकिन अब यह अधिक "वयस्क", गंभीर और साहसी गीत है: कोरस (एक प्रमुख में) तीन बार लगता है, यह एक तरह का "जनिसरी शोर कोरस" है, बाएं हाथ के हिस्से में आप की नकल सुन सकते हैं एक ड्रम रोल: इस संबंध में, "तुर्की मार्च" को कभी-कभी "तुर्की शैली में रोंडो" ("रोंडो अल्ला टर्का") कहा जाता है। 36 43 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक छोटा सा विकास)। लेकिन इसमें कोई विरोधाभास नहीं है, सभी सामान्य प्रकाश मूड का पालन करते हैं, जो शुरू से ही मुख्य भाग में परिभाषित किया गया है, जो स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों पर लगता है: चरित्र की मर्दानगी को जोड़ने वाले हिस्से में बढ़ाया जाता है, जिसमें मुख्य भाग होता है विकसित होता है। बी फ्लैट मेजर में जी माइनर के समानांतर मॉडुलन होता है - साइड वाले हिस्से की कुंजी। इसका विषय मुख्य विषय की तुलना में हल्का, अधिक सुंदर और स्त्रीलिंग है। यह रंगीन स्वरों के साथ-साथ स्ट्रिंग्स और वुडविंड इंस्ट्रूमेंट्स के समय के प्रत्यावर्तन द्वारा रंगीन है: सातवें माप में, दो बत्तीस सेकंड के नोटों का एक आसानी से "फड़फड़ाने वाला" आंकड़ा यहां दिखाई देता है। भविष्य में, यह या तो सभी विषयों की मधुर पंक्तियों में प्रवेश करता है, या जैसे कि उनके चारों ओर लपेटता है, विभिन्न उपकरणों के लिए अलग-अलग रजिस्टरों में दिखाई देता है। ये जैसे भी थे, शांतिपूर्ण प्रकृति की आवाज़ों की गूँज हैं। केवल कभी-कभी थोड़े परेशान होते हैं, उन्हें अब करीब, अब दूर में सुना जाता है। स्थापित परंपरा के अनुसार, सिम्फनी का तीसरा आंदोलन मिनुएट है। लेकिन इसमें केवल मध्य भाग ही स्पष्ट रूप से पारंपरिक है - तिकड़ी। अपनी सहज गति, स्वरों की मधुरता और जी मेजर की तानवाला के साथ, तिकड़ी इस मिनुएट के जी माइनर मुख्य, चरम खंडों को बंद कर देती है, जो कुल मिलाकर गीत-नाटकीय तनाव के मामले में असामान्य है। ऐसा लगता है कि एंडांटे में सन्निहित प्रकृति के शांत चिंतन के बाद, मुझे अब मानसिक चिंताओं और चिंताओं की दुनिया में लौटना पड़ा, जो सिम्फनी के पहले आंदोलन में व्याप्त थी। यह सिम्फनी की मुख्य कुंजी की वापसी से मेल खाती है - जी नाबालिग: अंतिम भाग में ऊर्जा का एक नया विस्फोट होता है। यहां प्रमुख भूमिका मुख्य पार्टी के विषय के पहले - तीन-ध्वनि - मकसद के बार-बार और लगातार विकास से संबंधित है। पूरी तरह से अजीबोगरीब विकास की शुरुआत के साथ, बादल खतरनाक रूप से इकट्ठा होते दिख रहे हैं। प्रकाश बी-फ्लैट प्रमुख से, एक तेज मोड़ एफ-तेज नाबालिग की उदास, दूर की कुंजी में बना है। मुख्य बैच का विषय विकास में नाटकीय रूप से विकसित हो रहा है। यह कई स्वरों से गुजरता है, अलग-अलग वाक्यांशों और उद्देश्यों में टूट जाता है, और अक्सर ऑर्केस्ट्रा की विभिन्न आवाज़ों में उनकी नकल की जाती है। इस विषय का पहला मकसद बहुत तीव्रता से धड़कता है। लेकिन अंत में, इसका स्पंदन कमजोर हो जाता है, इसके कंपन को रोकता है, और एक पुनरावर्तन होता है। हालाँकि, विकास में प्राप्त उच्च नाटकीय तीव्रता का प्रभाव पहले भाग के इस खंड में परिलक्षित होता है। यहां कनेक्टिंग पार्ट की लंबाई काफी बढ़ जाती है, इससे साइड की प्रेजेंटेशन होती है और फाइनल पार्ट्स अब मेजर में नहीं, बल्कि जी माइनर की मेन की में होते हैं, जो उनकी आवाज को और नाटकीय बनाता है। सिम्फनी का दूसरा आंदोलन एंडांटे इन ई फ्लैट मेजर है। यह अपनी कोमल और कोमल शांति के साथ गीत-नाटकीय पहले आंदोलन के विपरीत है। एंडांटे रूप भी सोनाटा है (जी नाबालिग मुख्य कुंजी है और सिम्फनी का चौथा आंदोलन है - समापन बहुत तेज गति से चल रहा है। समापन सोनाटा रूप में लिखा गया है। मुख्य भाग का विषय इस भाग में अग्रणी है सिम्फनी का सबसे चमकदार मोजार्ट वाद्य विषय। लेकिन अगर पहले भाग में विषय एक कोमल और कांपते हुए गीतात्मक स्वीकारोक्ति की तरह लगता है, तो समापन का विषय एक भावुक गीत और नाटकीय अपील है, जो साहस से भरा है और हम 44 www.classON.ru विकास का फैसला करेंगे। 3. सिम्फनी के दूसरे और तीसरे आंदोलनों में संगीत की क्या विशेषता है? 4. सिम्फनी के समापन में प्रमुख विषय क्या है? इसका चरित्र पहले आंदोलन के मुख्य भाग के विषय के चरित्र से कैसे भिन्न है? 5. फिनाले के मुख्य खेल की थीम को कैसे संरचित किया गया है? विकास में विकास किस पर आधारित है? प्रमुख कृतियाँ यह ज्वलंत अपील रागों की आवाज़ के अनुसार राग के तेज़ उतार-चढ़ाव द्वारा बनाई गई है, एक ध्वनि के चारों ओर चक्कर लगाने वाली ऊर्जावान मधुर आकृतियाँ इसके आवेग का जवाब देती हैं। सिम्फनी के पहले आंदोलन के रूप में, समापन के माध्यमिक भाग का सुंदर विषय विशेष रूप से प्रदर्शनी में उज्ज्वल लगता है जब इसे बी-फ्लैट मेजर में प्रदर्शित किया जाता है: 19 ओपेरा रिक्विम लगभग 50 सिम्फनी के लिए 27 संगीत कार्यक्रम क्लैवियर और ऑर्केस्ट्रा के लिए 5 संगीत कार्यक्रम वायलिन और ऑर्केस्ट्रा बांसुरी, शहनाई, बेसून, फ्रेंच हॉर्न, वीणा स्ट्रिंग चौकड़ी (20 से अधिक) के साथ ऑर्केस्ट्रा के लिए संगत के साथ संगीत कार्यक्रम मुख्य भाग के विषय के दूसरे तत्व पर आधारित है। समापन के विकास में, मुख्य खेल के विषय का पहला, प्रेरक तत्व विशेष रूप से गहन रूप से विकसित हो रहा है। विकास के हार्मोनिक और पॉलीफोनिक तरीकों की एकाग्रता से उच्च नाटकीय तनाव प्राप्त किया जाता है - कई टन और नकली रोल कॉल में आयोजित करना। रीप्राइज में जी माइनर की मेन की में सेकेंडरी पार्ट का परफॉर्मेंस उदासी से थोड़ा छायांकित होता है। और मुख्य भाग (सकारात्मक, ऊर्जावान आंकड़े) के विषय का दूसरा तत्व, जैसा कि प्रदर्शनी में है, पुनरावृत्ति में अंतिम भाग के आधार पर लगता है। नतीजतन, इस सरल Matsart के निर्माण में समापन पूरे सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र का एक उज्ज्वल गीत-नाटकीय शिखर बनाता है, जो छवि के माध्यम से विकास की उद्देश्यपूर्णता में अभूतपूर्व है। लुडविग वैन बीथोवेन 1770-1827 महान जर्मन संगीतकार लुडविग वैन बीथोवेन तीन शानदार संगीतकारों में सबसे छोटे हैं जिन्हें विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। बीथोवेन 17वीं और 19वीं शताब्दी के मोड़ पर, जबरदस्त सामाजिक परिवर्तन और उथल-पुथल के युग में पहले से ही जीवित और सृजन करने के लिए हुआ था। उनकी युवावस्था समय, प्रश्न और कार्य 1 के साथ मेल खाती थी। मोजार्ट ने जी माइनर नंबर 40 में सिम्फनी कब और कहाँ बनाई? 45 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा