समकालीन जापानी कला। दोहरी परिप्रेक्ष्य: समकालीन जापानी कला

द हरमिटेज एक दिलचस्प प्रदर्शनी आयोजित करता है - जापान की समकालीन कला "मोनो-नो अवेयर। द चार्म ऑफ़ थिंग्स"।

मैं यह नहीं कह सकता कि मैं समकालीन कला का प्रशंसक हूं। मुझे यह अच्छा लगता है जब विचार करने के लिए कुछ होता है (व्यस्त ग्राफिक्स, या सजावटी और लागू कला, एथ्नोस मेरा सब कुछ है)। एक स्वच्छ अवधारणा की सुंदरता को स्वीकार करना मेरे लिए हमेशा मजेदार नहीं होता है। (मालेविच, क्षमा करें! मुझे काला वर्ग पसंद नहीं है!)

लेकिन आज मुझे इस प्रदर्शनी में मिला!

अनमोल, यदि आप सेंट पीटर्सबर्ग में हैं, कला में रुचि रखते हैं और अभी तक नहीं हैं, तो प्रदर्शनी 9 फरवरी तक खुली रहेगी! जाओ, क्योंकि यह दिलचस्प है!

जैसा कि मैंने पहले ही ऊपर लिखा था, अवधारणाएं मुझे बहुत आश्वस्त नहीं करती हैं। मैंने किसी तरह सोचा कि आधुनिक प्रदर्शनियों में जाने के एक साल बाद, एक या दो वस्तुएं मुझे सबसे अधिक लुभाती हैं। और बहुत सी चीजें मुझे इतनी नहीं छूती हैं कि मुझे उस समय के लिए खेद महसूस होता है जो मैंने बर्बाद किया। लेकिन यह किसी भी शैली में, किसी भी कला में, प्रतिभा और औसत दर्जे के अनुपात का प्रतिशत है, यह अच्छा है अगर यह दस में से एक है! लेकिन मुझे यह प्रदर्शनी पसंद आई।

जापानी कर्मचारी जनरल स्टाफ बिल्डिंग के प्रदर्शनी हॉल में रखे गए थे। पहली स्थापना जो आगंतुकों से मिलती है वह एक अविश्वसनीय भूलभुलैया है, जिसे फर्श पर नमक के साथ डाला जाता है। ग्रे फर्श, सफेद नमक, अविश्वसनीय रूप से बड़े करीने से चिह्नित अंतरिक्ष, एक क्षेत्र में बुना। एक बड़ा प्रदर्शनी हॉल, और एक सफेद आभूषण कुछ अद्भुत छोर की तरह फर्श पर फैला था। और आप समझते हैं कि यह कला कितनी अस्थायी है। प्रदर्शनी बंद हो जाएगी, भूलभुलैया एक झाड़ू के साथ बह जाएगी। मैंने फिल्म "लिटिल बुद्धा" देखी। और वहाँ, शुरुआत में, एक बौद्ध भिक्षु ने रंगीन रेत से एक जटिल आभूषण बिछाया। और फिल्म के अंत में, भिक्षु ने अपने ब्रश के साथ तेज आंदोलन किया और टाइटैनिक काम हवा में बिखरा हुआ था। यह था, तो हॉप, और नहीं। और वह कहता है, यहां और अब की सुंदरता की सराहना करें, सब कुछ क्षणभंगुर है। तो नमक के इस भूलभुलैया, वह आपके साथ एक बातचीत में प्रवेश करता है, आप उन सवालों का जवाब देना शुरू करते हैं जो वह आपको पहले रखता है। कलाकार - मोटो यमामोटो।

हां हां! यह इतना बड़ा भूलभुलैया है, क्या आपको पैमाने महसूस हुए?

दूसरी वस्तु जो मनोरम है, वह पॉलीइथाइलीन और काले राल यासुकी ओनिशी से बना विशाल गुंबद है। स्थान असामान्य रूप से तय किया गया है। राल के काले पतले असमान धागे पर, थोड़ा सरगर्मी, एक गुंबद ... या एक जटिल राहत के साथ एक पहाड़। जब आप अंदर जाते हैं, तो आपको डॉट्स का एक मोटिव पैटर्न दिखाई देता है - ऐसे स्थान जहां राल चिपक जाती है। यह हास्यास्पद है, जैसे कि काली बारिश चुपचाप आ रही है, और आप चंदवा के नीचे हैं।

आप इस तकनीक के साथ कैसे आए? मजेदार, हुह? लेकिन लाइव यह "जीवंतता" दिखता है, गुंबद आने वाले आगंतुकों द्वारा बनाई गई हवा से थोड़ा अलग है। और वस्तु के साथ आपकी बातचीत की भावना है। आप "गुफा" में प्रवेश कर सकते हैं, अंदर से देख सकते हैं कि यह कैसा है!

लेकिन इस धारणा को नहीं प्राप्त करने के लिए कि सब कुछ केवल काला और सफेद था, मैं यहां एक साथ जोड़े गए चित्र की कुछ और तस्वीरें पोस्ट करूंगा। ऐसे रंगीन अजीब प्लास्टिक कर्ल! और यह भी, आप इस कमरे के माध्यम से, हुप्स के अंदर चल सकते हैं, या आप बाहर से सब कुछ देख सकते हैं।

मुझे ये वस्तुएं सबसे ज्यादा पसंद आईं। बेशक, वैचारिक समकालीन कला जल्द ही अलग हो जाएगी, नए समय के अनुरूप। यह पुराने में नहीं लौटेगा, और जैसा अभी है वैसा ही नहीं रहेगा। यह बदल जाएगा। लेकिन यह समझने के लिए कि धारा क्या थी, यह प्रवाह कहां था और यह कहां से आया था, किसी को यह जानना चाहिए कि अब क्या हो रहा है। और उस पर शर्म न करें, अवधारणा मेरे लिए नहीं है, लेकिन इसे देखने और इसकी सराहना करने की कोशिश करें। हर समय की तरह कुछ प्रतिभाएँ होती हैं, लेकिन वे वहाँ हैं। और अगर प्रदर्शन एक प्रतिक्रिया पाते हैं, तो सब खो नहीं जाता है !!!

समकालीन जापानी कला "डबल पर्सपेक्टिव" की प्रदर्शनी आयोजित की जाएगी।

1. समकालीन जापानी कला में कई असामान्य चीजें हैं। उदाहरण के लिए, इज़ुमी काटो की ये पेंटिंग बिना ब्रश का इस्तेमाल किए हाथ से बनाई गई हैं।

2. पहली नज़र में, ऐसा लग सकता है कि ये साधारण प्रकाश बल्ब हैं। लेकिन गहरे अर्थ के साथ यह काम 38 वें समानांतर के लिए समर्पित है, जो उत्तर और दक्षिण कोरिया को अलग करता है।

3. बेशक, हर काम में कुछ गहरा अर्थ होता है जो सतह पर नहीं होता है, लेकिन अगर आपको यह नहीं मिलता है, तो आप बस प्रशंसा कर सकते हैं, उदाहरण के लिए, इस कुशलता से बनाए गए गुलाब की सुंदरता।

4. यह केनजी यानोब द्वारा काम किया जाता है कि कैसे एक व्यक्ति दुनिया के अंत तक जीवित रह सकता है

6. फुकुशिमा परमाणु ऊर्जा संयंत्र में दुर्घटना के बाद बनाई गई यह उनकी सबसे प्रसिद्ध कृति "चाइल्ड ऑफ द सन" है।

8. मकोतो आइडा "बोनसाई ऐ-चान"

9.यह भी समकालीन जापानी कला है

10. दिलचस्प परियोजना "लेनिन मास्को अपार्टमेंट्स में चाहता है"। योसीनोरी नीव, मस्कोवियों के घरों में लेनिन के व्यक्तित्व से जुड़ी जीवित वस्तुओं की तलाश कर रहे थे। सबसे अजीब बात यह है कि यह एक रूसी नहीं था जो यह कर रहा था, बल्कि एक जापानी।

14. वैसे, इस काम के लिए भरवां असली चूहों का इस्तेमाल किया गया था।

15. ये तस्वीरें लोगों के डर को दिखाती हैं

16 नवंबर 2013 के बाद से हरमिटेज ने "मोनो नो अवेयर। चीजों का आकर्षण। समकालीन जापानी कला" प्रदर्शनी खोली है। राजकीय हर्मिटेज संग्रहालय द्वारा रूस में जापानी दूतावास के सहयोग से तैयार किए गए सामान्य कर्मचारी भवन के पूर्वी विंग के भवन में रखा गया यह प्रतिष्ठान, पिछले कुछ समय में जापानी कलाकारों द्वारा बनाई गई स्थापना, मूर्तिकला, वीडियो कला, तस्वीरें प्रस्तुत करता है। वर्षों और भूमि के उगते सूर्य के सदियों पुराने कला इतिहास में एक नया पृष्ठ भरने के लिए डिज़ाइन किया गया ... उनके नाम, जिन्हें उनकी मातृभूमि में जाना जाता है, वे अभी भी रूसी और यूरोपीय जनता के लिए व्यावहारिक रूप से अज्ञात हैं: केन्यूजी टेपी, केंगो किटो, कुवाकुबो रायोटा, मसाया चिबा, मोजी यामामोटो, ओनिशी वासुकी, रीको शिगा, सूडा योशीहिरो, शिनिशिरो कानो, हिरोकी मोरीता और अन्य। हीराकी सावा ...

शब्द "मोनो-नो अवेयर", जो 10 वीं शताब्दी के बाद से मौजूद है, का अनुवाद "किसी चीज़ के आकर्षण" या "किसी चीज़ में प्रसन्नता" के रूप में किया जा सकता है, और यह पंचांग और निरर्थकता के बौद्ध विचार से जुड़ा हुआ है होने का। एक व्यक्ति के आस-पास की सामग्री और आध्यात्मिक वस्तुएं अपने आप में एक अद्वितीय, क्षणभंगुर आकर्षण (अवेयर) अजीबोगरीब चीज़ों को छुपाती हैं। आंतरिक रूप से प्रतिक्रिया देने के लिए, इस आकर्षण को खोजने और महसूस करने के लिए एक व्यक्ति और सभी कलाकारों के ऊपर, एक संवेदनशील दिल होना चाहिए। समकालीन कलाकारों में सामग्रियों की एक सूक्ष्म भावना होती है जिसमें अर्थ की आंतरिक सादगी चमकती है। कुछ विषयों और उद्देश्यों के लिए जानबूझकर खुद को सीमित करते हुए, वे एक नए स्तर पर प्राचीन जापानी कलात्मक तकनीकों का उपयोग करते हैं।

जापान में, जैसा कि रूस में, समकालीन कला पश्चिम से, बाहर से शुरू की गई एक घटना है, हमेशा समझ में नहीं आती है और अस्वीकृति का कारण बनती है। दोनों संस्कृतियों ने एंग्लो-अमेरिकन शब्द को समकालीन कला को नवसंस्कृत सांस्कृतिक उधार के प्रतीक के रूप में माना। 1970 के दशक में जापान में, जैसा कि 1990 के दशक में रूस में था, कलाकारों को बाहरी लोगों की तरह महसूस होता था। वे पश्चिम में काम करने के लिए गए, लेकिन अभी भी 1970 के दशक में जापान में "समकालीन कला" शब्द सकारात्मक लग रहा था, जिससे युवा पीढ़ी को त्रासदी और गिरावट के साथ जुड़े "युद्ध के बाद की कला" की परिभाषा भूल गई।

पश्चिमी अर्थों में समकालीन कला का सच्चा फूल 1980 के दशक के अंत में आया था, जब दीर्घाओं को न केवल गिंजा में, बल्कि टोक्यो के अन्य हिस्सों में भी खोला गया था। 1989 में, हिरोशिमा में पहला समकालीन कला संग्रहालय स्थापित किया गया था, और 1990 के दशक में जल्द ही टोक्यो संग्रहालयों का उद्घाटन हुआ। उस समय से, राष्ट्रीय स्तर पर समकालीन कला की घटना की एक क्रमिक मान्यता और सांस्कृतिक रोजमर्रा के जीवन में इसके प्रवेश की शुरुआत हुई। अगला कदम राष्ट्रीय द्विवार्षिक और त्रिवार्षिक का आयोजन था।

मीडिया तकनीकों के कुल वर्चस्व के युग में, जापानी कलाकार अपना ध्यान देशी सामग्रियों पर, अपने स्पर्श पर, उन्हें सुनने पर केंद्रित करते हैं। प्रदर्शनी स्थापना के लिए बहुत रुचि है, जिसके बीच रयोटा कुवाकुबो (बी। 1971) का काम, संरचना में सरल, लेकिन कार्रवाई में जटिल है, जहां मुख्य भूमिका छाया द्वारा निभाई जाती है। कलाकार वस्तुओं को रेखांकित करता है और एक अद्भुत चलती बहुरूपदर्शक बनाता है। Kaneuji Teppai (b। 1978) रोजमर्रा की घरेलू सामग्री से अप्रत्याशित डिजाइन प्रस्तुत करता है। उन्होंने जो वस्तुएं एकत्रित कीं, जिनके अलग-अलग रंग और उद्देश्य हैं, वे विचित्र आकृतियों में तब्दील हो जाती हैं, जो आधुनिक चित्रों या रेशम पर जापानी चित्रों से बर्फ से ढके हुए परिदृश्य में बदल जाती हैं।

वीडियो कार्यों में और "पाया वस्तु" की शैली में "सामग्री चयन" हिरोकी मोरिता (1973), और शिनिशिरो कानो (b। 1982) और मसाया चिबा (b। 1980) द्वारा बनाई गई हैं। कलाकारों द्वारा संकलित बहुत अभियोगी "भौतिक चयन" की क्षमता, बौद्ध धर्म के लिए पारंपरिक और हर चीज के आधुनिकीकरण के लिए वापस जाती है, इस विचार के साथ कि प्रत्येक प्राणी में और हर वस्तु में - एक व्यक्ति से घास के एक छोटे ब्लेड तक - बुद्ध प्रकृति रखी है। वे सुंदरता और आकर्षण के रूप में मानी जाने वाली चीजों के आंतरिक सार पर भी ध्यान देते हैं।

Kengo Quito (b। 1977) द्वारा स्थापित, हुप्स से बना है, एक मूर्तिकला की तरह एक ही समय में है और डिस्कनेक्ट किए गए विमानों, प्राथमिक रंगों और परिप्रेक्ष्य के साथ एक बड़ी पेंटिंग है। इसमें अंतरिक्ष हमारी आंखों के सामने एक विमान में बदल जाता है, जो कला के इन सभी संकेतों और प्रतीकों को अंतहीन रूप से कॉपी करना संभव बनाता है जो वास्तविकता से अपना संबंध खो चुके हैं।

वे अपने प्रतिष्ठानों में यासुकी ओनिशी (1979) और मोजी यामामोटो (1966) के स्थान के साथ कुछ अलग काम करते हैं। मानो इन सभी अलग-अलग दृष्टिकोणों को सरलता के साथ जोड़कर, योशीहिरो सुदा (b। 1969) ने प्रदर्शनी स्थल पर कम से कम आक्रमण शुरू किया, जो कि वास्तविक रूप से दिखने वाले लकड़ी के पौधों में विवेकपूर्ण तरीके से लगाते हैं।

प्रदर्शनी "मोनो नो अवेयर। द चार्म ऑफ़ थिंग्स। कंटेम्परेरी आर्ट ऑफ़ जापान" को समकालीन कला विभाग द्वारा हरमिटेज 20/21 परियोजना के हिस्से के रूप में तैयार किया गया है। मिखाइल बी। पिओत्रोव्स्की के अनुसार, राज्य के हरमिटेज के महानिदेशक: "परियोजना के उद्देश्य XX-XXI सदियों की कला संग्रह, प्रदर्शन, अध्ययन कला हैं। हरमिटेज 20/21 उन लोगों को संबोधित किया जाता है जो अपने साथ रखना चाहते हैं। समय - एमेच्योर और पेशेवर, परिष्कृत पारखी और सबसे युवा दर्शक। "

प्रदर्शनी के क्यूरेटर दिमित्री युरेविच ओज़ेरकोव हैं, जो कि राज्य के हरमिटेज के समकालीन कला विभाग के प्रमुख हैं, दर्शन के उम्मीदवार हैं, और समकालीन कला विभाग के उप प्रमुख एकातेरिना व्लादिमीरोवाना लोपाटकिना हैं। प्रदर्शनी के वैज्ञानिक सलाहकार अन्ना वासिलिवेना सेवलीव्वा हैं, जो कि ओरिएंटल डिपार्टमेंट ऑफ स्टेट हर्मिटेज में शोधकर्ता हैं। प्रदर्शनी के लिए एक सचित्र विवरणिका तैयार की गई है; पाठ का लेखक डी। यू है। Ozerkov।

जापानी कला में स्टेट हर्मिटेज के संग्रह में एक महत्वपूर्ण स्थान है और इसमें लगभग 10,000 काम हैं: संग्रहालय में रंग की लकड़ी की 1,500 चादरें हैं, जिनमें 18 वीं -20 वीं शताब्दी के मध्य के जापानी उत्कीर्णन के प्रसिद्ध स्वामी द्वारा काम शामिल हैं; चीनी मिट्टी के बरतन और चीनी मिट्टी की चीज़ें (2000 से अधिक प्रदर्शन) का संग्रह; 16 वीं -20 वीं शताब्दी के वार्निश; कपड़े और सूट के नमूने। हर्मिटेज के जापानी कला के संग्रह का सबसे मूल्यवान हिस्सा नेट्सक संग्रह, 17 वीं -19 वीं शताब्दियों की एक लघु मूर्तिकला, 1,000 से अधिक कार्यों की संख्या है।

समकालीन जापानी कला दृश्य पूरी तरह से भूमंडलीकृत लगता है। कलाकार टोक्यो और न्यूयॉर्क के बीच यात्रा करते हैं, उनमें से लगभग सभी ने यूरोपीय या अमेरिकी शिक्षा प्राप्त की, उनका काम अंतरराष्ट्रीय कला अंग्रेजी में बोला जाता है। हालांकि, यह तस्वीर पूरी तरह से दूर है।

राष्ट्रीय आकार और रुझान सबसे अधिक मांग वाली वस्तुओं में से एक साबित हो रहे हैं, जिसे जापान को कलात्मक विचारों और कार्यों के लिए वैश्विक बाजार में पेश करना है।

विमान संचालन। कैसे सुपरफ्लैट करंट अमेरिकी गीक कल्चर और पारंपरिक जापानी पेंटिंग को जोड़ती है

यदि पश्चिमी दुनिया में लगभग सभी के लिए (सिवाय, शायद, उत्तर आधुनिकता के सबसे प्रबल सिद्धांतकार) उच्च और जन संस्कृति के बीच की सीमा अभी भी प्रासंगिक है, यद्यपि समस्याग्रस्त है, तो जापान में ये दुनिया पूरी तरह से मिश्रित हैं।

इसका एक उदाहरण ताकाशी मुराकामी है, जो स्ट्रीमिंग उत्पादन के साथ दुनिया की सर्वश्रेष्ठ दीर्घाओं में प्रदर्शनियों को सफलतापूर्वक जोड़ती है।

मुराकामी प्रदर्शनी "इट विल बी टेंडर रेन" के एक दौरे की रिकॉर्डिंग

हालांकि, लोकप्रिय संस्कृति के साथ मुराकामी का संबंध - और जापान के लिए यह मुख्य रूप से मंगा और एनीमे (ओटाकू) के प्रशंसकों की संस्कृति है - और अधिक जटिल है। दार्शनिक हिरोकी अजूमा एक प्रामाणिक जापानी घटना के रूप में ओटकू की समझ की आलोचना करते हैं। ओटाकु खुद को 17 वीं - 19 वीं शताब्दी के ईदो काल की परंपराओं से सीधे संबंधित मानते हैं - अलगाववाद और आधुनिकीकरण की अस्वीकृति का युग। अज़ुमा का तर्क है कि ओटाकू आंदोलन - मंगा, एनीमेशन, ग्राफिक उपन्यास, कंप्यूटर गेम से बंधा हुआ - केवल अमेरिकी संस्कृति के आयात के परिणामस्वरूप युद्ध के बाद के अमेरिकी कब्जे के संदर्भ में उभरा हो सकता है। मुराकामी और उनके अनुयायियों की कला ने ओटाकू को पॉप कला तकनीकों के साथ फिर से जोड़ा और परंपरा की प्रामाणिकता के राष्ट्रवादी मिथक को खत्म कर दिया। यह "जापानीकृत अमेरिकी संस्कृति के पुन: अमेरिकीकरण" का प्रतिनिधित्व करता है।

कला इतिहास के दृष्टिकोण से, सुपरफ्लैट शुरुआती जापानी ukiyo-e पेंटिंग के सबसे करीब है। इस परंपरा में सबसे प्रसिद्ध काम है कटुशिका होकुसाई (1823-1831) द्वारा उत्कीर्ण "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा"।

पश्चिमी आधुनिकतावाद के लिए, जापानी चित्रकला की खोज एक सफलता थी। इसने हमें चित्र को एक विमान के रूप में देखने की अनुमति दी और इसे इस विशेषता को पार करने के लिए नहीं, बल्कि इसके साथ काम करने की अनुमति दी।

प्रदर्शन का पायनियर। 1950 के दशक की जापानी कला का आज क्या मतलब है?

अकीरा कनाम और काज़ुओ शिरगी की रचनात्मक प्रक्रिया का दस्तावेजीकरण

सुपरफ्लैट ने केवल 2000 के दशक में आकार लिया। लेकिन विश्व कला के लिए महत्वपूर्ण कला कार्यक्रम जापान में बहुत पहले शुरू हुआ था - और पश्चिम की तुलना में पहले भी।

पिछली सदी के 60 और 70 के दशक में कला का एक प्रदर्शन हुआ। जापान में, प्रदर्शन अर्द्धशतक में दिखाई दिया।

पहली बार, गुटई समूह ने अपना ध्यान स्व-निहित वस्तुओं से विनिर्माण क्षेत्र में स्थानांतरित कर दिया है। यहाँ से यह कला की वस्तु को एक पंचांगीय घटना के पक्ष में छोड़ने का एक कदम है।

यद्यपि गुताई के व्यक्तिगत कलाकार (और बीस वर्षों में उनमें से 59 थे) एक अंतर्राष्ट्रीय संदर्भ में सक्रिय रूप से मौजूद थे, जापानी युद्ध के बाद की कला को सामान्य रूप से सामूहिक गतिविधि के रूप में समझना पश्चिम में काफी पहले शुरू हुआ था। 2013 में बूम आया: न्यूयॉर्क और लॉस एंजिल्स में छोटी दीर्घाओं में कई प्रदर्शनियाँ, "टोक्यो 1955-1970: एक नया अवं-मम्मा" MOMA में और बड़े पैमाने पर ऐतिहासिक भूतलक्षी "गुताई: स्प्लेंडर प्लेग्राउंड" गुगेनहाइम संग्रहालय में। मॉस्को द्वारा जापानी कला का आयात इस प्रवृत्ति को लगभग तत्काल जारी रखता है।

यह स्पष्ट है कि ये पूर्वव्यापी प्रदर्शन कितना आधुनिक दिखते हैं। उदाहरण के लिए, गुगेनहाइम संग्रहालय में प्रदर्शनी का मुख्य उद्देश्य सदमासा मोनागी के कार्य (जल) पुनर्निर्माण है, जिसमें संग्रहालय के रोटुंडा के स्तर को पॉलीथीन पाइपों के साथ रंगीन पानी से जोड़ा जाता है। वे ब्रश स्ट्रोक से मिलते-जुलते हैं, जो कैनवास से फटे हुए हैं, और "कंक्रीस" (जैसा कि समूह का नाम जापानी से अनुवादित है) पर गुटई के केंद्रीय फोकस के उदाहरण के रूप में काम करते हैं, उन वस्तुओं की भौतिकता जिसके साथ कलाकार काम करते हैं।

कई गुताई प्रतिभागियों ने निहॉन्गा की शास्त्रीय पेंटिंग से संबंधित शिक्षा प्राप्त की, कई जीवनी रूप से ज़ेन बौद्ध धर्म के धार्मिक संदर्भ से बंधे हैं, इसकी विशेषता जापानी सुलेख से है। उन सभी को प्राचीन परंपराओं के लिए एक नया, प्रक्रियात्मक या भागीदारीपूर्ण दृष्टिकोण मिला। काज़ुओ शिरगा ने यह बताया कि कैसे उन्होंने अपने मोनोक्रोमैटिक रंगों को आकर्षित किया जो रोसचेनबर्ग को अपने पैरों के साथ प्रत्याशित करते थे, और यहां तक \u200b\u200bकि सार्वजनिक रूप से चित्र भी बनाए।

मिनोरू योशिदा ने जापानी प्रिंट से फूलों को साइकेडेलिक ऑब्जेक्ट में बदल दिया - इसका एक उदाहरण बिसेक फ़्लॉवर है, जो दुनिया में पहली काइनेटिक (चलती) मूर्तियों में से एक है।

गुगेनहाइम संग्रहालय में प्रदर्शनी के क्यूरेटर इन कार्यों के राजनीतिक महत्व के बारे में बात करते हैं:

"गुटई ने नि: शुल्क व्यक्तिगत कार्रवाई, दर्शकों की उम्मीदों के विनाश और यहां तक \u200b\u200bकि सामाजिक निष्क्रियता और अनुरूपता का मुकाबला करने के तरीके के रूप में मूर्खता का प्रदर्शन किया, जो दशकों से सैन्यवादी सरकार को एक महत्वपूर्ण सामूहिक प्रभाव हासिल करने की अनुमति देता है, चीन और अमेरिका पर आक्रमण करता है। फिर द्वितीय विश्व युद्ध में शामिल हों। ”

अच्छा और बुद्धिमान। 1960 के दशक में कलाकारों ने जापान को अमेरिका के लिए क्यों छोड़ दिया

गुटई युद्ध के बाद के जापान में शासन के अपवाद थे। अवांट-गार्डे समूह हाशिए पर रहे, कला जगत सख्ती से पदानुक्रमित था। मान्यता का मुख्य मार्ग क्लासिक कलाकारों के मान्यता प्राप्त संघों द्वारा आयोजित प्रतियोगिताओं में भाग लेना था। इसलिए, कई ने पश्चिम के लिए छोड़ना और अंग्रेजी-भाषा कला प्रणाली में एकीकृत करना पसंद किया।

यह महिलाओं के लिए विशेष रूप से कठिन था। प्रगतिशील गुटई में भी, उनकी उपस्थिति का हिस्सा पांचवें तक भी नहीं पहुंच पाया। हम पारंपरिक संस्थानों के बारे में क्या कह सकते हैं, जिनके लिए एक विशेष शिक्षा की आवश्यकता थी। साठ के दशक तक, लड़कियों ने पहले ही इस पर अधिकार प्राप्त कर लिया था, हालांकि, कला सिखाने (यदि यह सजावटी के बारे में नहीं था, जो कौशल सेट का हिस्सा था रिओसाई केंबो - एक अच्छी पत्नी और एक समझदार माँ) सामाजिक रूप से एक-दूसरे पर फिदा थी।

योको ओनो। टुकड़ा काट दिया

संयुक्त राज्य अमेरिका में टोक्यो से पांच शक्तिशाली जापानी कलाकारों के उत्प्रवास की कहानी मिडोरी योशिमोटो "इनटू परफॉरमेंस: जापानी वुमन आर्टिस्ट्स इन न्यू यॉर्क" के एक अध्ययन का विषय था। अपने करियर की शुरुआत में याओई कुसमा, ताकाको सेतो, मीको शियोमी और शिगेको कुबोटा ने न्यूयॉर्क जाने का फैसला किया और वहां जापानी कला की परंपराओं को आधुनिक बनाने सहित काम किया। केवल योको ओनो संयुक्त राज्य अमेरिका में बड़े हुए - लेकिन उन्होंने भी जानबूझकर जापान लौटने से इनकार कर दिया, 1962-1964 में अल्प प्रवास के दौरान टोक्यो की कलात्मक पदानुक्रम से मोहभंग हो गया।

ओनो इन पांचों में सबसे प्रसिद्ध हो गया - न केवल जॉन लेनन की पत्नी के रूप में, बल्कि महिला शरीर की वस्तुकरण के लिए समर्पित प्रोटो-फेमिनिस्ट प्रदर्शनों के लेखक के रूप में भी। कट पीस ओनो के बीच स्पष्ट समानताएं हैं, जिसमें दर्शक कलाकार के कपड़ों के टुकड़े काट सकते हैं, और मरीना अब्रामोविच की "प्रदर्शन दादी" द्वारा "रिदम 0"।

छोटे पैरों पर। तदाशी सुजुकी द्वारा लेखक के अभिनय प्रशिक्षण को कैसे पास किया जाए

ओहनो और गुटई के मामले में, लेखकों से अलग उनके काम के तरीके और विषय अंतरराष्ट्रीय स्तर पर महत्वपूर्ण हो गए। निर्यात के अन्य रूप हैं - जब कलाकार के कामों को अंतर्राष्ट्रीय क्षेत्र में रुचि के साथ माना जाता है, लेकिन विधि की उधार इसकी विशिष्टता के कारण नहीं होती है। सबसे चौकाने वाला मामला तदाशी सुजुकी की अभिनय प्रशिक्षण प्रणाली है।

रूस में भी सुजुकी थिएटर को पसंद किया जाता है - और यह आश्चर्य की बात नहीं है। आखिरी बार वह हमारे साथ 2016 में यूरिपिड्स के ग्रंथों पर आधारित नाटक "ट्रोजन्स" के साथ था, और 2000 के दशक में वह शेक्सपियर और चेखव की प्रस्तुतियों के साथ कई बार आया था। सुज़ुकी ने नाटकों की कार्रवाई को वर्तमान जापानी संदर्भ में स्थानांतरित किया और ग्रंथों की गैर-स्पष्ट व्याख्या की पेशकश की: उन्होंने इवानोवो में यहूदी-विरोधी की खोज की और इसकी तुलना चीनियों के प्रति जापान के बर्खास्तगी वाले रवैये से की, राजा लीयर की कार्रवाई को एक जापानी में स्थानांतरित कर दिया। पागलखाना।

सुज़ुकी ने रूसी थिएटर स्कूल के विरोध में अपना सिस्टम बनाया। 19 वीं शताब्दी के अंत में, तथाकथित मीजी काल के दौरान, आधुनिक साम्राज्यवादी जापान ने विपक्षी आंदोलनों के उदय का अनुभव किया। परिणाम पहले से बंद संस्कृति का एक बड़ा पश्चिमीकरण था। आयातित रूपों में स्टैनिस्लावस्की प्रणाली थी, जो अभी भी जापान में (और रूस में) निर्देशन के मुख्य तरीकों में से एक है।

सुजुकी व्यायाम

साठ के दशक में, जब सुजुकी ने अपने करियर की शुरुआत की, थीसिस, जो कि उनकी शारीरिक विशेषताओं के कारण, जापानी अभिनेताओं को पश्चिमी ग्रंथों से भूमिकाओं के लिए अभ्यस्त नहीं किया जा सकता था, जो कि तत्कालीन प्रदर्शनों से भरा हुआ था, अधिक से अधिक व्यापक हो गया। युवा निर्देशक सबसे ठोस विकल्प पेश करने में कामयाब रहे।

व्यायाम की सुजुकी प्रणाली, जिसे लेग ग्रामर कहा जाता है, इसमें बैठने के दर्जनों तरीके शामिल हैं, यहां तक \u200b\u200bकि खड़े होने और चलने के लिए भी।

उनके अभिनेता आम तौर पर नंगे पांव खेलते हैं और ऐसा लगता है, गुरुत्वाकर्षण के केंद्र के कम होने के कारण, जमीन पर जितना संभव हो उतना भारी। सुज़ुकी ने आधुनिक उपकरणों से भरे पुराने जापानी घरों में, तोगा गाँव में उनके प्रदर्शन में उन्हें और विदेशी प्रतिभागियों को पढ़ाया। उनकी मंडली एक साल में केवल 70 प्रदर्शन करती है, और बाकी समय वे रहते हैं, लगभग कभी भी गांव नहीं छोड़ते हैं और व्यक्तिगत मामलों के लिए समय नहीं है - केवल काम करते हैं।

टोगा सेंटर 1970 के दशक का है और निर्देशक के अनुरोध पर विश्व प्रसिद्ध वास्तुकार अराता इज़ोज़का द्वारा डिजाइन किया गया था। सुज़ुकी की प्रणाली पितृसत्तात्मक और रूढ़िवादी लग सकती है, लेकिन वह खुद तोगरा के बारे में विकेंद्रीकरण के आधुनिक संदर्भ में बात करती है। 2000 के दशक के मध्य में, सुजुकी ने राजधानी से क्षेत्रों में कला के निर्यात और स्थानीय स्तर पर उत्पादन बिंदुओं को व्यवस्थित करने के महत्व को समझा। निर्देशक के अनुसार, जापान का नाटकीय नक्शा रूसी एक के समान कई मायनों में है - कला टोक्यो और कई छोटे केंद्रों में केंद्रित है। रूसी रंगमंच एक ऐसी कंपनी से भी लाभान्वित होगा जो नियमित रूप से छोटे शहरों में दौरे पर जाती है और जो राजधानी से दूर है।

फूलों का जाल। आधुनिक थिएटर ने नो और काबुकी सिस्टम में क्या संसाधन खोजे हैं?

सुज़ुकी विधि दो प्राचीन जापानी परंपराओं से विकसित होती है - लेकिन काबुकी भी। यह न केवल यह है कि इस प्रकार के थिएटर को अक्सर चलने की कला के रूप में जाना जाता है, बल्कि अधिक स्पष्ट विवरणों में भी। सुजुकी अक्सर सभी भूमिकाएं निभाने वाले पुरुषों के शासन का पालन करती है, उदाहरण के लिए, विशिष्ट स्थानिक समाधानों का उपयोग करती है, उदाहरण के लिए, काबुकी पैटर्न के हनामिची ("फूलों का रास्ता") - एक मंच जो सभागार के इंटीरियर में मंच से चलता है। वह फूलों और स्क्रॉल जैसे काफी पहचानने योग्य प्रतीकों का भी शोषण करता है।

बेशक, वैश्विक दुनिया में, जापानी के विशेषाधिकार का सवाल नहीं है कि वे अपने राष्ट्रीय रूपों का उपयोग करें।

हमारे समय के सबसे महत्वपूर्ण निर्देशकों में से एक, अमेरिकी रॉबर्ट विल्सन का रंगमंच, लेकिन उससे उधार पर बनाया गया है।

वह न केवल मास्क और मेकअप का उपयोग करता है जो जापान के सामान्य दर्शकों को याद दिलाता है, बल्कि आंदोलन के अधिकतम मंदी और हाव-भाव की आत्मनिर्भरता के आधार पर अभिनय के तरीकों को भी उधार लेता है। अत्याधुनिक लाइटिंग स्कोर और मिनिमिस्ट म्यूजिक (विल्सन के सबसे प्रसिद्ध कामों में से एक फिलिप बीच के आइंस्टीन का एक निर्माण है) का संयोजन करते हुए, विल्सन मूल रूप से उत्पत्ति और प्रासंगिकता के संश्लेषण का उत्पादन करते हैं जो समकालीन कला के लिए बहुत प्रयास करते हैं। ।

रॉबर्ट विल्सन। "आइंस्टीन ऑन द बीच"

आधुनिक नृत्य के स्तंभों में से एक - बुटोह, का शाब्दिक अनुवाद है - अंधेरे का नृत्य, नोह और काबुकी से विकसित हुआ। 1959 में कोरियोग्राफर काजुओ ओनो और तात्सुमी हिजिकाटा द्वारा आविष्कार किया गया था, जो गुरुत्वाकर्षण के निम्न केंद्र से आकर्षित होकर पैरों पर ध्यान केंद्रित करता था, लेकिन बोड आयाम में दर्दनाक सैन्य अनुभव के बारे में सोच का एक हस्तांतरण था।

“उन्होंने एक बीमार, ढहते हुए, यहां तक \u200b\u200bकि राक्षसी, राक्षसी शरीर दिखाया।<…> आंदोलन धीमा है, फिर जानबूझकर तेज, विस्फोटक है। इसके लिए, एक विशेष तकनीक का उपयोग किया जाता है, जब आंदोलन को बाहर किया जाता है जैसे कि मुख्य मांसपेशियों की भागीदारी के बिना, कंकाल की हड्डी के लीवर के कारण, "नृत्य इतिहासकार इरीना सिरोटकिना ने बॉह मुक्ति के इतिहास में बुटोह का वर्णन किया, इसे संबद्ध किया। बैले मानदंडों से प्रस्थान के साथ। वह बुथो की तुलना 20 वीं शताब्दी के शुरुआती नर्तकियों और कोरियोग्राफरों की प्रथाओं - इसाडोरा डंकन, मार्था ग्राहम, मैरी विगमैन से करती है और बाद के "उत्तर आधुनिक" नृत्य के प्रभाव के बारे में बात करती है।

बुटोह परंपरा के आधुनिक उत्तराधिकारी कात्सुरा कान के नृत्य की खुशबू

आज ब्यूटोह अपने मूल रूप में अब एवांट-गार्डे प्रथा नहीं है, बल्कि एक ऐतिहासिक पुनर्निर्माण है।

हालांकि, ओनो, हिजिकाटा और उनके अनुयायियों द्वारा विकसित आंदोलनों की शब्दावली समकालीन कोरियोग्राफरों के लिए एक महत्वपूर्ण संसाधन बनी हुई है। पश्चिम में, इसका उपयोग दिमित्रिस पापायोन्नौ, एंटोन अडासिंस्की और यहां तक \u200b\u200bकि द वीकेंड के "बिलॉन्ग टू द वर्ल्ड" के लिए वीडियो में किया जाता है। जापान में, बुटोह परंपरा का उत्तराधिकारी, उदाहरण के लिए, साबूरो टेसीगावारा है, जो अक्टूबर में रूस आएगा। यद्यपि वह स्वयं अंधेरे के नृत्य के साथ समानताएं मिटाता है, आलोचकों को काफी पहचानने योग्य संकेत मिलते हैं: एक प्रतीत होता है कि शरीर का कमजोर होना, नाजुकता और एक कदम की नीरवता। सच है, वे पहले से ही उत्तर आधुनिक कोरियोग्राफी के संदर्भ में रखे गए हैं - इसके उच्च गति के साथ, जॉगिंग, पोस्ट-इंडस्ट्रियल शोर संगीत के साथ काम करते हैं।

सबुरो टेसीगावारा। कायापलट

स्थानीय रूप से वैश्विक। समकालीन जापानी कला अभी भी पश्चिमी कला के समान क्यों है?

टेसीगावारा और उनके कई सहयोगियों के काम व्यवस्थित रूप से सर्वश्रेष्ठ पश्चिमी समकालीन नृत्य समारोहों के कार्यक्रमों में फिट होते हैं। यदि आप जापानी थियेटर में सबसे बड़े वार्षिक शो फेस्टिवल / टोक्यो में दिखाए गए प्रदर्शनों और कार्यक्रमों के विवरणों के माध्यम से स्किम करते हैं, तो यूरोपीय रुझानों से मूलभूत अंतरों को नोटिस करना मुश्किल होगा।

साइट-विशिष्टता केंद्रीय विषयों में से एक बन जाती है - जापानी कलाकार टोक्यो के रिक्त स्थान का पता लगाते हैं, गगनचुंबी इमारतों के रूप में पूंजीवाद के थक्के से लेकर ओटाकू एकाग्रता के सीमांत क्षेत्रों तक।

एक अन्य विषय अंतर-जनवादी गलतफहमी का विस्तार है, रंगमंच को अलग-अलग उम्र के लोगों की बैठक और संगठित संचार का स्थान माना जाता है। तोशिकी ओकाडा और अकीरा तनयामा द्वारा उन्हें समर्पित परियोजनाओं को कई यूरोपीय प्रदर्शन कला उत्सवों में से एक पंक्ति में कई वर्षों के लिए वियना लाया गया है। 2000 के दशक के अंत तक मंच पर वृत्तचित्र सामग्री और व्यक्तिगत कहानियों के हस्तांतरण में कुछ भी नया नहीं था, लेकिन वियना महोत्सव के क्यूरेटर ने इन परियोजनाओं को एक अन्य संस्कृति के साथ लाइव, पॉइंट संपर्क के अवसर के रूप में जनता के सामने पेश किया।

एक और मुख्य रेखा दर्दनाक अनुभव विकास है। जापानियों के लिए, यह गुलाग या प्रलय से नहीं, बल्कि हिरोशिमा और नागासाकी की बमबारी से जुड़ा है। थिएटर उसे लगातार संदर्भित करता है, लेकिन सभी आधुनिक जापानी संस्कृति के उत्पत्ति के क्षण के रूप में परमाणु विस्फोटों के बारे में सबसे शक्तिशाली बयान अभी भी ताकाशी मुराकामी का है।

"लिटिल बॉय: द आर्ट्स ऑफ़ जापान एक्सप्लोडिंग सबल्चर" न्यूयॉर्क में उनकी 2005 की क्यूरेटेड परियोजना का शीर्षक है। "लिटिल बॉय" - रूसी में "बच्चा" - 1945 में जापान पर गिराए गए बमों में से एक का नाम है। प्रमुख चित्रकारों, विशिष्ट पुराने खिलौनों, और यादगार वस्तुओं से सैकड़ों मंगा कॉमिक्स को गोडज़िला से हैलो किट्टी के लिए प्रेरित करते हुए, मुराकामी ने संग्रहालय में अंतरिक्ष में प्यारा - कौवाई की एकाग्रता को धक्का दिया है। समानांतर में, उन्होंने एनिमेशन का चयन किया, जिसमें केंद्रीय चित्र विस्फोटों, नंगे पृथ्वी, नष्ट शहरों की तस्वीरें थे।

यह विरोध PTSD के साथ सामना करने के तरीके के रूप में जापानी संस्कृति के infantization के बारे में पहला बड़े पैमाने पर बयान था।

अब यह निष्कर्ष पहले से ही स्पष्ट लगता है। इनहिको योमोटा की कावई का अकादमिक अध्ययन इस पर आधारित है।

बाद में दर्दनाक ट्रिगर भी होते हैं। सबसे महत्वपूर्ण - 11 मार्च, 2011 की भूकंप और सुनामी की घटनाओं के कारण, जो फुकुशिमा परमाणु ऊर्जा संयंत्र में एक बड़ी दुर्घटना का कारण बना। फेस्टिवल / टोक्यो -2018 में, छह प्रदर्शनों का एक पूरा कार्यक्रम एक प्राकृतिक और तकनीकी आपदा के परिणामों को समझने के लिए समर्पित था; वे सोलंकी में प्रस्तुत किए गए कार्यों में से एक के लिए विषय बन गए। यह उदाहरण स्पष्ट रूप से दिखाता है कि पश्चिमी और जापानी कला में महत्वपूर्ण तरीकों का शस्त्रागार मौलिक रूप से अलग नहीं है। हारुकी इशी तीन टेलीविज़न की स्थापना करता है, जो भूकंप टेलीविजन कार्यक्रमों के उच्च-टेम्पो संपादित और लूप किए गए फुटेज को बाहर निकालता है।

"काम 111 वीडियो से बना है, जिसे कलाकार समाचार में दैनिक देखता था जब तक कि वह जो कुछ भी देखता था वह कल्पना के रूप में माना जाता था," क्यूरेटर बताते हैं। न्यू जापान एक उल्लेखनीय उदाहरण है कि कला मिथक-आधारित व्याख्या का विरोध नहीं करती है, लेकिन एक ही समय में एक महत्वपूर्ण आंख से पता चलता है कि वही व्याख्या किसी भी मूल की कला के लिए प्रासंगिक हो सकती है। क्यूरेटर जापानी परंपरा के आधार के रूप में चिंतन के बारे में बात करते हैं, लाओ त्ज़ु के उद्धरणों पर चित्र बनाते हैं। उसी समय, जैसे कि कोष्ठक को छोड़ कर कि लगभग सभी समकालीन कला "प्रेक्षक प्रभाव" पर केंद्रित है (यह प्रदर्शनी का नाम है) - चाहे वह परिचित घटना की धारणा के नए संदर्भों को बनाने के रूप में हो या पर्याप्त धारणा की संभावना का प्रश्न।

काल्पनिक समुदाय वीडियो कलाकार हरयुकी इशी द्वारा किया गया एक और काम है

खेल

हालांकि, किसी को यह नहीं सोचना चाहिए कि 2010 के जापान प्रगतिशीलता की एकाग्रता है।

अच्छे पुराने परंपरावाद और प्राच्यवादी विदेशीवाद के प्रेम की आदतें अभी तक दूर नहीं हुई हैं। "थिएटर ऑफ़ विरजन्स" रूसी रूढ़िवादी पत्रिका "पीटीजेडह" में जापानी थिएटर "तकाज़ुका" के बारे में एक बल्कि प्रसन्न लेख का नाम है। 19 वीं शताब्दी के अंत में तकारेज़ुका पर्यटकों को एक ही नाम के दूरस्थ शहर में आकर्षित करने के लिए एक व्यावसायिक परियोजना के रूप में दिखाई दिया, जो गलती से एक निजी रेलवे का टर्मिनल स्टेशन बन गया। थियेटर में केवल अविवाहित लड़कियां ही खेलती हैं, जो रेलवे के मालिक की योजना के अनुसार, शहर में पुरुष दर्शकों को लुभाने वाली थीं। आज तकराज़ुका एक उद्योग के रूप में काम करता है - अपने स्वयं के टीवी चैनल, एक व्यस्त संगीत कार्यक्रम और एक स्थानीय मनोरंजन पार्क के साथ। लेकिन केवल अविवाहित लड़कियों को अभी भी मंडली में रहने का अधिकार है - चलो आशा करते हैं, कम से कम वे कौमार्य की जांच नहीं करते हैं।

हालांकि, ताकराज़ुका क्योटो में तोजी डीलक्स क्लब की तुलना में ताल करता है, जिसे जापानी रंगमंच भी कहते हैं। वे पूरी तरह से जंगली हैं, को देखते हुए विवरण न्यू यॉर्कर के स्तंभकार इयान बुरुमा, स्ट्रिपटीज़ शो: मंच पर कई नग्न लड़कियाँ जननांगों के प्रदर्शन को सार्वजनिक अनुष्ठान में बदल देती हैं।

कई कलात्मक प्रथाओं की तरह, यह शो प्राचीन किंवदंतियों पर आधारित है (एक मोमबत्ती और एक आवर्धक कांच की मदद से, दर्शकों के पुरुष "मातृ देवी अमातरासु के रहस्य") की खोज कर सकते हैं, और लेखक ने खुद को याद दिलाया था। नहीं की परंपरा।

हम पाठक के लिए ताकराज़ुकी और टूजी के लिए पश्चिमी एनालॉग्स की खोज छोड़ देंगे - उन्हें ढूंढना मुश्किल नहीं है। आइए हम केवल ध्यान दें कि उत्पीड़न की ऐसी प्रथाओं का मुकाबला करना ठीक है कि समकालीन कला का एक महत्वपूर्ण हिस्सा निर्देशित है - पश्चिमी और जापानी दोनों, सुपरफ्लैट से बुटोह नृत्य तक।

जापानी ने 9 वीं -12 वीं शताब्दी में, हेइयन युग (794-1185) में चीजों में छिपी हुई सुंदरता की खोज की और इसे "मोनो नो अवेयर" (जापानी 物 哀 れ れ も (も の hidden わ)) की विशेष अवधारणा के साथ नामित कियाれ)), जिसका अर्थ है "दुख की बातें।" "चीजों का आकर्षण" जापानी साहित्य में सुंदरता की शुरुआती परिभाषाओं में से एक है, यह शिंतो विश्वास से जुड़ा है कि प्रत्येक चीज का अपना देवता है - कामी - और इसका अपना अनूठा आकर्षण है। अवारे चीजों का आंतरिक सार है, जो आनंद, उत्साह का कारण बनता है।

- वासी या वागामी।
मैनुअल पेपर बनाना। मध्ययुगीन जापानी ने केवल अपने व्यावहारिक गुणों के लिए ही नहीं, बल्कि अपनी सुंदरता के लिए भी washi की सराहना की। वह अपनी सूक्ष्मता के लिए प्रसिद्ध थी, लगभग पारदर्शिता, जो, हालांकि, उसे अपनी ताकत से वंचित नहीं करती थी। वाजी को कोजो (शहतूत) के पेड़ की छाल और कुछ अन्य पेड़ों से बनाया जाता है।
वॉशि पेपर को सदियों से संरक्षित किया गया है, जैसा कि पुराने जापानी सुलेख, चित्रों, स्क्रीन, उत्कीर्णन के संस्करणों और संस्करणों द्वारा किया गया है जो सदियों से आज तक जीवित हैं।
वास्या का पेपर रेशेदार होता है, यदि आप एक माइक्रोस्कोप के माध्यम से देखते हैं, तो आप स्लिट देखेंगे जिसके माध्यम से हवा और सूर्य के प्रकाश में प्रवेश होता है। इस गुणवत्ता का उपयोग स्क्रीन और पारंपरिक जापानी लालटेन के निर्माण में किया जाता है।
वाशरी के स्मृति चिन्ह यूरोपीय लोगों में बहुत लोकप्रिय हैं। इस कागज से कई छोटे और उपयोगी आइटम बनाये जाते हैं: पर्स, लिफाफे, पंखे। वे एक ही समय में काफी मजबूत और हल्के होते हैं।

- गोही।
पेपर स्ट्रिप्स से बना मस्कट। गोही एक शिन्तो पुजारी की एक रस्मी छड़ है, जिसमें कागज़ की झालरें लगी होती हैं। शिन्तो तीर्थ के प्रवेश द्वार पर कागज की वही पट्टियाँ लटकाई जाती हैं। शिंटोवाद में कागज की भूमिका पारंपरिक रूप से बहुत शानदार रही है, और एक गूढ़ अर्थ हमेशा कागज उत्पादों से जुड़ा रहा है। और यह विश्वास कि प्रत्येक वस्तु, प्रत्येक घटना, यहां तक \u200b\u200bकि शब्दों में, एक कामी भी शामिल है - एक देवता - भी गोही के रूप में इस तरह की लागू कला की उपस्थिति की व्याख्या करता है। शिंटोवाद कुछ मायनों में हमारे बुतपरस्ती के समान है। शिंटोवादियों के लिए, कामी विशेष रूप से ऐसी किसी भी चीज़ में बसने के लिए तैयार है जो असामान्य हो। उदाहरण के लिए, कागज में। और इससे भी अधिक गोही में एक पेचीदा ज़िगज़ैग में मुड़ गया, जो आज शिंटो मंदिरों के प्रवेश द्वार के सामने लटका हुआ है और मंदिर में एक देवता की उपस्थिति का संकेत देता है। गोही को मोड़ने के लिए 20 विकल्प हैं, और जो विशेष रूप से असामान्य हैं वे कामी को आकर्षित करेंगे। अधिकांश भाग के लिए, गोही सफेद है, लेकिन सुनहरे, चांदी और कई अन्य रंगों में भी हैं। 9 वीं शताब्दी के बाद से, जापान में बाउट शुरू होने से पहले सूमो पहलवानों के बेल्ट पर गोही को मजबूत करने का एक रिवाज रहा है।

- अनसमा।
यह कागज की गुड़िया बनाना है। 19 वीं शताब्दी में, समुराई पत्नियों ने कागज से गुड़िया बनाई, जिसे बच्चों ने खेला, उन्हें अलग-अलग कपड़े पहनाए। ऐसे समय में जब खिलौने नहीं थे, तब बच्चों, माँ, बड़ी बहन, बच्चे और दोस्त की भूमिका "बच्चों" के लिए अनीसामा ही एकमात्र संवाहक था।
गुड़िया को जापानी वॉशी पेपर से रोल किया गया है, बाल crumpled कागज से बना है, स्याही से रंगा हुआ है और गोंद के साथ कवर किया गया है, जो इसे एक चमक देता है। एक विशिष्ट विशेषता एक लम्बी चेहरे पर एक प्यारा सा नाक है। आज, यह सरल खिलौना, जिसमें कुशल हाथों के अलावा कुछ भी नहीं चाहिए, पहले की तरह ही निर्मित होता रहता है।

- ओरिगामी।
फोल्डिंग पेपर के आंकड़ों की प्राचीन कला (जापानी paper 紙 literally, शाब्दिक: "फोल्ड पेपर")। ओरिगेमी कला की जड़ें प्राचीन चीन में हैं, जहां कागज का आविष्कार किया गया था। मूल रूप से, ओरिगामी का उपयोग धार्मिक उद्देश्यों के लिए किया गया था। लंबे समय तक, यह कला फॉर्म केवल उच्च वर्गों के प्रतिनिधियों के लिए उपलब्ध था, जहां अच्छे फॉर्म का संकेत पेपर फोल्डिंग तकनीक की महारत थी। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, ओरिगेमी पूर्व से परे चला गया और अमेरिका और यूरोप में समाप्त हो गया, जहां इसे तुरंत अपने प्रशंसकों को मिला। क्लासिक ओरिगेमी को कागज की एक वर्ग शीट से मुड़ा हुआ है।
यहां तक \u200b\u200bकि सबसे जटिल उत्पाद की तह योजना को स्केच करने के लिए आवश्यक पारंपरिक प्रतीकों का एक निश्चित सेट है। 20 वीं शताब्दी के मध्य में प्रसिद्ध जापानी गुरु अकीरा योशीजावा द्वारा अधिकांश पारंपरिक संकेतों को व्यवहार में लाया गया था।
क्लासिक ओरिगेमी एक वर्ग के उपयोग को निर्धारित करता है, समान रूप से गोंद या कैंची के बिना कागज की रंगीन शीट। समकालीन कला रूप कभी-कभी इस कैनन से विचलित हो जाते हैं।

- किरिगामी।
किरिगामी कैंची का उपयोग करके कई बार मुड़ा हुआ कागज की एक शीट से विभिन्न आकृतियों को काटने की कला है। एक ओरिगामी प्रकार जो एक मॉडल बनाने की प्रक्रिया में कैंची और कागज काटने का उपयोग करने की अनुमति देता है। यह किरिगामी और अन्य कागज तह तकनीकों के बीच मुख्य अंतर है, जिसे नाम में बल दिया गया है: 切 u (किरू) - काटने के लिए, 紙 (गामी) - कागज। बचपन में, हम सभी को स्नोफ्लेक्स काटना पसंद था - किरिगामी का एक प्रकार, आप इस तकनीक में न केवल स्नोफ्लेक्स, बल्कि विभिन्न आंकड़े, फूल, माला और कागज से बने अन्य सुंदर चीजों को काट सकते हैं। इन उत्पादों का उपयोग प्रिंट के लिए स्टेंसिल, सजाने के एल्बम, पोस्टकार्ड, फोटो फ्रेम, फैशन डिजाइन, इंटीरियर डिजाइन और अन्य विभिन्न सजावट में किया जा सकता है।

- इकेबाना।
इकेबाना, (जापानी में जैप け け い い या け J in,) का अर्थ है "- जीवन," बन "- फूल, या" फूल जो रहते हैं। " फूलों की व्यवस्था की जापानी कला जापानी लोगों की सबसे सुंदर परंपराओं में से एक है। इकेबाना की रचना करते समय, फूलों के साथ-साथ शाखाओं, पत्तियों और शूट का उपयोग किया जाता है। मूल सिद्धांत उत्तम सादगी का सिद्धांत है, जिसे प्राप्त करने के लिए वे पौधों की प्राकृतिक सुंदरता पर जोर देने की कोशिश करते हैं। इकेबाना एक नए प्राकृतिक रूप का निर्माण है जिसमें फूल की सुंदरता और रचना को बनाने वाले गुरु की आत्मा की सुंदरता सौहार्दपूर्वक संयुक्त हैं।
आज जापान में 4 सबसे बड़े इकेबाना स्कूल हैं: इकेनोबो, कोरियो, ओहारा, सोगेट्सु। उनके अलावा, इन स्कूलों में से एक का पालन करने के लिए लगभग एक हजार अलग-अलग दिशाएं और रुझान हैं।

- ओरीबाना।
17 वीं शताब्दी के मध्य में, ओहरा के दो स्कूल (इकबाना का मुख्य रूप - ओरिबाना) और कोरियो (मुख्य रूप - सेस्का) इकेनबो से चले गए। वैसे, Ohara स्कूल अभी भी केवल Oribana का अध्ययन करता है। जैसा कि जापानी कहते हैं, यह बहुत महत्वपूर्ण है कि ओरिगेमी ओरिओमी में नहीं बदल जाता है। जापानी में गोमी का अर्थ है कचरा। आखिरकार, यह कैसे होता है, कागज के एक टुकड़े को मोड़ दिया, और फिर इसके साथ क्या करना है? ओरीबाना आंतरिक सजावट के लिए गुलदस्ते के लिए बहुत सारे विचार प्रदान करता है। ORIBANA \u003d ORIGAMI + IKEBANA

- गलत।
एक प्रकार की ललित कला जो फूलों से पैदा होती है। हमारी पुष्प विज्ञान आठ साल पहले दिखाई दी थी, हालांकि यह जापान में छह सौ से अधिक वर्षों से मौजूद है। मध्य युग में एक बार, समुराई एक योद्धा का रास्ता समझ गया। और गलती उस रास्ते का हिस्सा थी, जैसे चित्रलिपि लिखना और तलवार चलाना। गलती का अर्थ यह था कि पल (सटोरिए) में कुल उपस्थिति की स्थिति में, मास्टर ने सूखे फूलों (दबाए गए फूलों) की एक तस्वीर बनाई। तब यह चित्र एक कुंजी के रूप में काम कर सकता था, जो उन लोगों के लिए एक मार्गदर्शक था जो मौन में प्रवेश करने के लिए तैयार थे और उस बहुत सटोरिए का अनुभव करते थे।
कला का सार "गलत है" यह है कि फूलों, जड़ी-बूटियों, पत्तियों, प्रेस के नीचे छाल को इकट्ठा करके और उन्हें आधार पर चिपकाकर, लेखक पौधों की मदद से वास्तव में "पेंटिंग" काम करता है। दूसरे शब्दों में, वह गलत है - यह पौधों के साथ पेंटिंग है।
फूलवादियों की कलात्मक रचनात्मकता सूखे पौधे सामग्री के आकार, रंग और बनावट के संरक्षण पर आधारित है। जापानी ने "गलत" चित्रों को बर्नआउट और अंधेरे से बचाने के लिए एक तकनीक विकसित की है। इसका सार यह है कि कांच और पेंटिंग के बीच हवा को बाहर निकाला जाता है और एक वैक्यूम बनाया जाता है, जो पौधों को खराब होने से बचाता है।
न केवल इस कला की गैर-पारंपरिक प्रकृति से, बल्कि पौधों के गुणों की कल्पना, स्वाद, ज्ञान दिखाने के अवसर से आकर्षित किया। फूलवादी आभूषण, परिदृश्य, अभी भी जीवन, चित्र और विषय चित्र बनाते हैं।

- बोनसाई
बोनसाई, एक घटना के रूप में, एक हजार साल पहले चीन में दिखाई दिया, लेकिन यह संस्कृति केवल जापान में अपने चरम पर पहुंच गई। (बोन्साई - जापानी 盆栽 लिट। "प्लांट इन ए पॉट") - लघु में एक वास्तविक पेड़ की एक सटीक प्रति बढ़ने की कला। ये पौधे कई शताब्दियों ईसा पूर्व बौद्ध भिक्षुओं द्वारा उगाए गए थे और बाद में स्थानीय कुलीनों की गतिविधियों में से एक बन गए।
बोन्साई ने जापानी घरों और उद्यानों को सजाया। टोकुगावा युग में, पार्क डिजाइन ने एक नया प्रोत्साहन प्राप्त किया: बढ़ते हुए अजीनल और मेपल धनी के लिए शगल बन गए। बौना पौधा बढ़ रहा है (हची-नो-की - "पॉटेड ट्री") भी विकसित हुआ, लेकिन उस समय के बोन्साई बहुत बड़े थे।
आजकल बोन्साई के लिए साधारण पेड़ों का उपयोग किया जाता है, वे लगातार छंटाई और विभिन्न अन्य तरीकों के लिए छोटे धन्यवाद बन जाते हैं। इस मामले में, जड़ प्रणाली के आकार का अनुपात, कटोरे की मात्रा से सीमित है, और बोन्साई का जमीन का हिस्सा प्रकृति में एक वयस्क पेड़ के अनुपात से मेल खाता है।

- मिज़ुहिकी।
मैक्रों का एनालॉग। यह विशेष डोरियों से विभिन्न समुद्री मील बांधने और उनसे पैटर्न बनाने की एक प्राचीन जापानी लागू कला है। कला के ऐसे कार्यों में अनुप्रयोगों की एक विस्तृत श्रृंखला थी - उपहार कार्ड और पत्र से लेकर हेयर स्टाइल और हैंडबैग तक। वर्तमान में, गिफ़्ट इंडस्ट्री में मिज़ुकी का बहुत व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है - जीवन में हर घटना के लिए, एक उपहार को बहुत विशिष्ट तरीके से लपेटा और बांधा जाना चाहिए। मिज़ुखी की कला में बहुत सी गाँठें और रचनाएँ हैं, और हर जापानी उन्हें दिल से नहीं जानता है। बेशक, सबसे आम और सरल समुद्री मील हैं जो सबसे अधिक बार उपयोग किए जाते हैं: जब बच्चे के जन्म पर बधाई हो, शादी या स्मारक, जन्मदिन या विश्वविद्यालय के प्रवेश पर।

- कुमिहिमो।
कुमहिमो एक जापानी ब्रैड बुनाई है। धागे बुनाई करते समय, रिबन और लेस प्राप्त होते हैं। इन लेस को विशेष मशीनों - मरुदई और ताकादाई पर बुना जाता है। मरुदई करघा का उपयोग गोल लेस बुनने के लिए किया जाता है, जबकि तकाडाई करघा का उपयोग सपाट लेस बुनने के लिए किया जाता है। जापानी में कुमहिमो का अर्थ है "बुनाई रस्सियां" (कुमी - बुनाई, एक साथ तह, हेओ - रस्सी, फीता)। इस तथ्य के बावजूद कि इतिहासकार इस बात पर ज़ोर देते हैं कि इस तरह की बुनाई स्कैंडिनेवियाई और एंडीज़ के निवासियों के बीच पाई जा सकती है, कुमहिमो की जापानी कला वास्तव में बुनाई के सबसे प्राचीन प्रकारों में से एक है। इसका पहला उल्लेख 550 से पहले का है, जब बौद्ध धर्म पूरे जापान में फैला था और विशेष समारोहों में विशेष सजावट की आवश्यकता होती थी। बाद में, कुमहिमो लेस को महिलाओं के किमोनो पर ओबी बेल्ट के लिए फिक्सर के रूप में इस्तेमाल किया जाने लगा, हथियारों के पूरे समुराई शस्त्रागार "पैकिंग" के लिए रस्सियों के रूप में (समुराई ने अपने कवच और घोड़े के कवच को बाँधने के लिए सजावटी और कार्यात्मक प्रयोजनों के लिए कुमहिमो का इस्तेमाल किया) और भारी वस्तुओं को बांधने के लिए भी।
आधुनिक कुमहिमो के विभिन्न पैटर्न होममेड कार्डबोर्ड करघे पर बहुत आसानी से बुने जाते हैं।

- कोमोनो।
अपने कार्यकाल की सेवा के बाद किमोनो के अवशेष क्या हैं? क्या आपको लगता है कि वे इसे फेंक रहे हैं? ऐसा कुछ नहीं है! जापानी ऐसा कभी नहीं करेंगे। किमोनो एक महंगी चीज है। इसे फेंकना बहुत आसान है यह अकल्पनीय और असंभव है ... किमोनो के अन्य प्रकार के पुन: उपयोग के साथ, शिल्पकार ने छोटे स्क्रैप से छोटे स्मृति चिन्ह बनाए। ये बच्चों, गुड़िया, ब्रोच, माला, महिलाओं के गहने और अन्य उत्पादों के लिए छोटे खिलौने हैं, पुराने किमोनो का उपयोग छोटी प्यारी चीजें बनाने के लिए किया जाता है, जिन्हें सामूहिक रूप से "कोमोनो" कहा जाता है। किमोनो की राह को जारी रखने वाली छोटी चीजें, जो खुद का जीवन संवारेंगी। कोमनो शब्द का यही अर्थ है।

- कंजशी।
हेयरपिन को सजाने की कला (ज्यादातर अक्सर फूलों (तितलियों, आदि) से बने कपड़े (मुख्य रूप से रेशम) से बने जापानी जापानी सांझी (कजाशी) पारंपरिक जापानी महिलाओं के केश विन्यास के लिए एक लंबा हेयरपिन है। वे लकड़ी, वार्निश, चांदी से बने होते थे। , पारंपरिक चीनी और जापानी हेयर स्टाइल में इस्तेमाल किया जाता है। 400 साल पहले, जापान में महिलाओं के केश विन्यास की शैली बदल गई: महिलाओं ने पारंपरिक रूप से अपने बालों को कंघी करना बंद कर दिया - तारेगामी (लंबे सीधे बाल) और इसे जटिल और विचित्र रूपों में स्टाइल करना शुरू कर दिया। - निहंगामी। विभिन्न वस्तुओं का उपयोग किया गया - हेयरपिन, लाठी, कंघी। यह तब भी था कि एक साधारण कंघी-कंघी कुशी असाधारण सुंदरता का एक सुरुचिपूर्ण गौण में बदल जाती है, जो कला का एक वास्तविक काम बन जाता है। जींस महिलाओं की पारंपरिक पोशाक कलाई के गहने की अनुमति नहीं देती है। और हार, इसलिए बाल सजावट आत्म-अभिव्यक्ति के लिए मुख्य सौंदर्य और क्षेत्र था - साथ ही बटुए के स्वाद और मोटाई का प्रदर्शन करना मालिक को बीका। प्रिंटों पर, आप देख सकते हैं - यदि आप बारीकी से देखते हैं - कैसे जापानी महिलाओं ने आसानी से अपने केशविन्यास में बीस महंगी कानाशियों को लटका दिया।
वर्तमान में, युवा जापानी महिलाओं के बीच कर्णशी का उपयोग करने की परंपरा का पुनरुद्धार है जो अपने केशविन्यास में परिष्कार और लालित्य जोड़ना चाहते हैं, आधुनिक हेयरपिन को सिर्फ एक या दो dainty हस्तनिर्मित फूलों से सजाया जा सकता है।

- किनुसिगा।
जापान से अद्भुत प्रकार की सुईवर्क। किनुसिगा (usa 彩画) बैटिक और पैचवर्क के बीच एक क्रॉस है। मुख्य विचार यह है कि पुराने रेशम कीमोनो से, टुकड़ों को नए चित्रों में इकट्ठा किया जाता है - कला के सच्चे काम।
सबसे पहले, कलाकार कागज पर एक स्केच बनाता है। फिर इस ड्राइंग को एक लकड़ी के तख़्त में स्थानांतरित किया जाता है। पैटर्न के समोच्च को खांचे, या खांचे के साथ काटा जाता है, और फिर एक पुराने रेशम कीमोनो से, रंग और टोन में मेल खाने वाले छोटे पैच काट दिए जाते हैं, और इन पैच के किनारों को खांचे में भर दिया जाता है। जब आप ऐसी तस्वीर देखते हैं, तो आपको लगता है कि आप एक तस्वीर देख रहे हैं, या यहां तक \u200b\u200bकि खिड़की के बाहर का परिदृश्य देख रहे हैं, वे इतने यथार्थवादी हैं।

- तेमरी।
ये पारंपरिक जापानी ज्यामितीय कशीदाकारी गेंदें हैं, जिन्हें सबसे सरल टांके के साथ बनाया गया है, जो एक समय में एक बच्चे के खिलौने के रूप में सेवा करते थे, और अब लागू कला का एक रूप बन गए हैं, जिसमें न केवल जापान में, बल्कि दुनिया भर में कई प्रशंसक हैं। यह माना जाता है कि एक लंबे समय से पहले, इन उत्पादों को मनोरंजन के लिए समुराई की पत्नियों द्वारा बनाया गया था। बहुत शुरुआत में, वे वास्तव में एक गेंद खेलने के लिए एक गेंद के रूप में उपयोग किए जाते थे, लेकिन कदम से कदम उन्होंने कलात्मक तत्वों को प्राप्त करना शुरू कर दिया, बाद में सजावटी गहने में बदल गए। इन गेंदों की नाजुक सुंदरता पूरे जापान में जानी जाती है। और आज, रंगीन, ध्यान से बने उत्पाद जापानी लोक शिल्प के प्रकारों में से एक हैं।

- यूबिनुकी।
जापानी थिम्बल्स, जब हाथ से सिलाई या कशीदाकारी करते हैं, तो उन्हें काम करने वाले हाथ की मध्यमा उंगली के मध्य भाग में लगाया जाता है, उँगलियों की मदद से सुई को वांछित दिशा दी जाती है, और मध्यमा की उंगली में सुई से छेद किया जाता है काम। प्रारंभ में, जापानी yubinuki thimbles काफी सरल रूप से बनाए गए थे - कई परतों में लगभग 1 सेमी चौड़ा घने कपड़े या चमड़े की एक पट्टी को कसकर उंगली के चारों ओर लपेटा गया था और कई सरल सजावटी टांके के साथ एक साथ बांधा गया था। चूंकि स्कर्ट हर घर में एक आवश्यक वस्तु थी, इसलिए उन्हें रेशम के धागे के साथ ज्यामितीय कढ़ाई से सजाया जाने लगा। रंगीन और जटिल पैटर्न टांके के बीच की जगह से बनाए गए थे। एक साधारण रोजमर्रा की वस्तु से Yubinuki भी "प्रशंसा" के लिए एक वस्तु में बदल गया है, रोजमर्रा की जिंदगी का एक अलंकरण।
यूबिनुकी अभी भी सिलाई और कढ़ाई में उपयोग किया जाता है, लेकिन उन्हें हाथों पर किसी भी उंगली पर पहना जा सकता है, जैसे सजावटी छल्ले। यूबिनुकी-शैली की कढ़ाई का उपयोग विभिन्न अंगूठी के आकार की वस्तुओं को सजाने के लिए किया जाता है - नैपकिन के छल्ले, कंगन, टेमरी होल्डर, कशीदाकारी स्कर्ट, और एक ही शैली में कशीदाकारी पेंसिल भी हैं। टेम्परी पैटर्न टेरी कढ़ाई के लिए प्रेरणा का एक बड़ा स्रोत हो सकता है।

- सुबीकोगा या सुमी।
जापानी स्याही पेंटिंग। चित्रकला की इस चीनी शैली को 14 वीं शताब्दी में जापानी कलाकारों द्वारा और 15 वीं शताब्दी के अंत तक अपनाया गया था। जापानी चित्रकला की मुख्य धारा बन गई। सुइबोकोगा मोनोक्रोम है। यह काली स्याही (सुमी), लकड़ी का कोयला का एक ठोस रूप या कालिख से बना, चीनी स्याही के उपयोग की विशेषता है, जो स्याही में जमी है, पानी से पतला है, और कागज या रेशम पर ब्रश करता है। मोनोक्रोम कलाकार को तानवाला विकल्पों का एक अंतहीन विकल्प प्रदान करता है जिसे चीनी लंबे समय तक स्याही के "रंगों" के रूप में मान्यता देते हैं। सुइबोकागा कभी-कभी वास्तविक रंगों के उपयोग की अनुमति देता है, लेकिन इसे सूक्ष्म, पारदर्शी स्ट्रोक तक सीमित करता है जो हमेशा स्याही लाइन के अधीन रहते हैं। स्याही की पेंटिंग सुलेख की कला के साथ साझा करती है जैसे कि आवश्यक रूप से नियंत्रित अभिव्यक्ति और रूप की तकनीकी महारत। स्याही चित्रण की गुणवत्ता को सुलेख के रूप में कम किया जाता है, स्याही के साथ खींची गई रेखा को फाड़ने की अखंडता और प्रतिरोध के रूप में, जो कि यह था, अपने आप पर कला का एक काम रखती है, जिस तरह हड्डियां उन पर ऊतक रखती हैं।

- एतागामी।
तैयार पोस्टकार्ड (ई - चित्र, टैग - पत्र)। अपने हाथों से पोस्टकार्ड बनाना आमतौर पर जापान में एक बहुत लोकप्रिय गतिविधि है, और छुट्टी से पहले इसकी लोकप्रियता और भी अधिक बढ़ जाती है। जापानी अपने दोस्तों को पोस्टकार्ड भेजना पसंद करते हैं, और वे उन्हें भी प्राप्त करना पसंद करते हैं। यह विशेष रिक्त पर एक प्रकार का त्वरित पत्र है, इसे बिना लिफाफे के डाक द्वारा भेजा जा सकता है। ईटगामी में कोई विशेष नियम या तकनीक नहीं हैं, विशेष प्रशिक्षण के बिना कोई भी इसे कर सकता है। एतागामी मूड, इंप्रेशन को सही ढंग से व्यक्त करने में मदद करता है, यह एक हस्तनिर्मित पोस्टकार्ड है जिसमें एक तस्वीर और एक छोटा पत्र होता है, जो प्रेषक की भावनाओं को व्यक्त करता है, जैसे कि गर्मी, जुनून, देखभाल, प्यार, आदि। वे इन कार्डों को छुट्टियों के लिए और उसी तरह भेजते हैं, जिसमें मौसमों, कार्यों, सब्जियों और फलों, लोगों और जानवरों का चित्रण होता है। यह चित्र जितना सरल है, उतना ही दिलचस्प लगता है।

- फुरोशिकी।
जापानी पैकेजिंग तकनीक या तह कपड़े की कला। फ़रोशिकी ने लंबे समय तक जापानियों के जीवन में प्रवेश किया। कामाकुरा-मुरोमाची अवधि (1185 - 1573) के प्राचीन स्क्रॉल महिलाओं के कपड़ों के बंडलों को ढँकने के लिए थे, जिनके सिर पर कपड़े थे। यह दिलचस्प तकनीक जापान में 710 - 794 ईस्वी की है। शब्द "फरोशिकी" का शाब्दिक अर्थ "बाथ मैट" होता है और यह कपड़े का एक चौकोर टुकड़ा होता है जिसे सभी आकृतियों और आकारों की वस्तुओं को लपेटने और ले जाने के लिए इस्तेमाल किया जाता था।
पुराने दिनों में, जापानी स्नान (furo) में, यह हल्के कपास कीमोनो में चलने के लिए प्रथागत था, जिसे आगंतुक घर से अपने साथ लाते थे। बथुए एक विशेष गलीचा (शकी) भी लाया, जिस पर वह अविवाहित रहते हुए खड़ा था। "स्नान" किमोनो में परिवर्तित होने के बाद, आगंतुक अपने कपड़ों को गलीचे से लपेटता है, और स्नान के बाद उसे घर लाने के लिए एक गीले किमोनो को गलीचे में लपेटता है। इस प्रकार, स्नान चटाई एक बहुक्रियाशील बैग बन गया है।
फ़रोशिकी का उपयोग करना बहुत आसान है: कपड़े उस वस्तु का आकार लेता है जिसे आप लपेटते हैं, और हैंडल लोड को ले जाने में आसान बनाते हैं। इसके अलावा, एक उपहार को कठोर कागज में नहीं लपेटा जाता है, लेकिन एक नरम, बहुस्तरीय कपड़े में, विशेष अभिव्यक्तता प्राप्त करता है। किसी भी अवसर, रोज़ या छुट्टी के लिए फ़ॉरोशिकी को तह करने की कई योजनाएँ हैं।

- अमिगुरुमी
छोटे नरम जानवरों और मानव जीवों को बुनाई या काट-छाँट करने की जापानी कला। अमिगुरुमी (जापानी 編 ur ur literally, शाब्दिक रूप से: "बुना हुआ-लिपटे") सबसे अधिक बार प्यारे जानवर होते हैं (जैसे भालू, बन्नी, बिल्ली, कुत्ते, आदि), छोटे आदमी, लेकिन वे भी मानव गुणों से संपन्न निर्जीव वस्तु हो सकते हैं। । उदाहरण के लिए, कप केक, टोपी, हैंडबैग और अन्य। अमिगुरुमी बुना हुआ या बुना हुआ या क्रोकेटेड है। हाल ही में, crocheted amigurumi अधिक लोकप्रिय और अधिक आम हो गया है।
एक साधारण बुनाई विधि द्वारा यार्न से बुना हुआ है - एक सर्पिल में और, यूरोपीय बुनाई विधि के विपरीत, सर्कल आमतौर पर जुड़े नहीं होते हैं। सूती की मोटाई के सापेक्ष एक छोटे आकार में बहुत घने कपड़े बनाने के लिए उन्हें छोटे आकार में भी क्रोकेश किया जाता है। अमिगुरुमी अक्सर कुछ हिस्सों से बनाया जाता है और फिर जुड़ा होता है, कुछ एमिगुरुमी के अपवाद के साथ, जिसमें कोई अंग नहीं होता है, लेकिन केवल एक सिर और धड़ होता है, जो एक पूरे बनाते हैं। अंगों को कभी-कभी प्लास्टिक के टुकड़ों से भरा जाता है ताकि उन्हें जीवित वजन दिया जा सके, जबकि शरीर के बाकी हिस्सों को फाइबर से भरा होता है।
अमिगुरुमी के सौंदर्यशास्त्र के प्रसार को उनकी क्यूटनेस ("कवई") द्वारा प्रचारित किया जाता है।