चैंबर वाद्य शैली लघु खेल। वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट

एक छोटे से कमरे में कलाकारों के एक छोटे समूह द्वारा किया जाता है।

"चैम्बर संगीत" शब्द पहली बार 1555 में एन.आई. विएन-चेन-टी-सं। XVI-XVII सदियों में, "का-मेर-नोय" ना-ज़ी-वा-ली-सेक्युलर संगीत-कू (इन-कैल-एन, 17 वीं शताब्दी के बाद से भी सेंट-आरयू-मेन-ताल-एनयूयू में,) घर-मुहब्बत में ध्वनि-चव-श्यु-उन स्थितियों-vi-y और दो पर; 17 वीं -18 वीं शताब्दियों में अधिकांश देशों में Eu-ro-py प्रांगण में म्यू-ज़ी-कान-ते नो-सी-ली नाम "का-मेर-म्यू-ज़ी-कान-टूव" रूस, रूस में यह XVIII में सार-सेंट-इन-वा-लो का नाम है - शुरुआती XIX शताब्दियों में, अव-सेंट-री और जर्मनी में इन-स्ट्रू-मेन-टा-सूचियों के लिए एक मानद नाम के रूप में इसलिए रखा गया-नहीं -ल्स-नो-नो)। 18 वीं शताब्दी में, चैम्बर संगीत zvu-cha-la in ve-li-kosvetsky sa-lo-nakh, 19 वीं सदी की शुरुआत से zn-to-kov और lu-bi-te-lei के एक संकीर्ण दायरे में -वा-वहाँ सार्वजनिक-निजी कक्ष-संगीत कार्यक्रम थे, 19 वीं शताब्दी के मध्य तक वे यूरोपीय संगीतमय जीवन का हिस्सा बन गए थे। Ras-pro-st-ra-no-public-private-concerts ka-mer-ny-mi is-pol-no-te-la-mi से प्रोफेशनल म्यू-ज़ी-कान-टूव को बुलाना शुरू किया, प्रदर्शन कॉन्सर्ट में हाफ-नो-नो चैम्बर म्यूजिक के उपयोग के साथ। Us-to-chy-ty-py ka-mer-no-go-samb-la: du-et, trio, quar-tete, quin-tete, sext-stet, sep-tete, ok-tete, but - नहीं, डे-ची-मेथ। In-cal-ny en-sambl, ko-to-ro-go की संरचना में, यह करीब- zi-tel में प्रवेश करती है, लेकिन 10 से 20 तक आधा-नी-ते-लेई है, जैसा कि दाईं-vi lo, na-zy-va-sya ka-mer-nym chor; in-st-ru-ment-tal-ny-sambl, volume-e-di-nyayu-shih 12 is is-full-no-te-lei, - ka-mer-nym or-ke-st-रम ( gran-ni-tsy बीच-zh-du ka-mer-nym और छोटे सिम्-फ़ोनिक या के-स्ट-रम-न-ओप-डी-लेन-एन)।

चैम्बर संगीत का सबसे विकसित इन-स्ट-रू-मेंट-टैल-नैया रूप चक्रीय सह-ना-ता है (17 वीं -18 वीं शताब्दी में - तीनों-सह-ना-ता, नमक-नाया सह-ना-ता बिना co-pro-w-de-nia या co-pro-w-de-ni बास के साथ con-t-nuo; क्लासिक चित्र -cy - A. Ko-rel-li, I.S.Ba-ha) पर। 18 वीं शताब्दी के दूसरे भाग में जे। हेडन, के। डाइट-टर्स-डॉर-फादर, एल। बोके-की-री-नी, वी.ए.मो-त्सर-ता सफ़ोर-मी-रो-वीए - वहाँ शैलियों थे क्लासिक को-ना-टाइ (सोल-नोय और ए-साम्ब-ले-वॉय), तिकड़ी, क्वार-ते-टा, क्विन-ते-टा (एक-कोई-समय-नहीं के साथ ती-पी-ज़ा-क्यू -हेर और पोल-नी-टेल-एस-एस एस), हम-ता-नो-आरा-लास-ओप-डी-लेन-नैया कनेक्शन के बीच हा-रक-ते-रम से लो-ज़े-निया का zh-doy पार्टी और संभवतः nos-mi inst-st-ru-men-ta, ko-ro-go के लिए वह pre-na-zn-che-na (इससे पहले-जाने-जाने-का-लॉस उपयोग-पूर्ण- एक और एक ही सह-ची-न-निया अलग-अलग सौ-वा-मील आवृत्ति-सेंट-रू-मेन-टूव) का नेस। 19 वीं शताब्दी के 1-हाफ में इतनी ची-निया-ली एल वैन बेथ के इन-सेंट-रू-में-टेल-नो-गो-एन-सांब-ला (धनुष-से-गो क्वार-ते-ता) के लिए। -हो-वेन, एफ। शु-बर्ट, एफ। मेन-डेल-बेटा, आर शु-मैन और कई अन्य कॉम-ज़ी-टू-रे। 19 वीं सदी के उत्तरार्ध में, चैम्बर संगीत के उदाहरण आई। ब्राह्म्स, ई। ग्रिज, एस। फ्रैंक, बी स्मे-ता-ना, ए। डावर-जैक्स द्वारा XX सदी में बनाए गए थे - के। डी-बस-सी, एम। रा-वेल, पी। हिन-डी-माइट, एल। जनसेक-, बी बार-टोक, आदि।

रूस में, 1770 के दशक से kamernoe mu-zi-tsi-ro-va-ras-pro-stra-ni-el; पहला इन-सेंट-रूब-मेन-टैल-एन एन-सांब-ली ना-पाई-सल डीएस बॉर्ट-न्यान-आकाश। पीए चाकोव-स्को और एपी बो-र-दी के रचनात्मक कार्यों में ए.ए.अलीब-ए-वा, एम.आई.ग्लिन-की और डॉस-टाइग-ला विए-सो-चा-शी-लेगो आर्ट स्तर द्वारा चैम्बर संगीत का और विकास। -ना। Ud-la-li ka-mer-no-mu a-samb-lyu S. I. Ta-ne-ev, A. K. Gla-zun-nov, S. V. Rakh -man-ni-nov, N. Ya। Myas-kov। -sky, डीडी शोस-टा-कोविच, एसएस प्रो-कोफ-एव। ऐतिहासिक विकास की प्रक्रिया में, चैम्बर संगीत की शैली में काफी बदलाव आया है, सिम-फ़ोनी-चे-स्किम वायर-टु-ओज़-नो-कॉन्सर्ट-एनआईएम (सिम-फ़ो-नी-ज़ार-क्वार-ते के करीब) बेट-हो-वे-ना, च्ये-कोव-स्को-गो, क्वार-ते-टूव और क्विन-टी-टूव - शू-मैन-ना और ब्रह्म-सा में सह-ना में संगीत समारोह की विशेषताएं वायलिन और पियानो के लिए -takh: नंबर 9 "Krey-tse-ro- howl" बेट-हो-वे-ना, तो ना-ते-ते फ्रें-का, नंबर 3 ब्रम्हा, नंबर 3 ग्रि-हा)।

दूसरी ओर, XX सदी में, बड़े-शू-थ-थ-एल-थ-सेंट के लिए वाइड-आरओ-कुछ दौड़-प्रो-कंट्री नॉट-नी-प्राप्त-ची-ली सिम-फोन और संगीत कार्यक्रम। -va-in-st-ru-men-tov, जो अलग-अलग तरह के हो गए हैं-लेकिन-शैली-मील ka-mer-zh-DV: ka-mer-naya sim -phony (उदाहरण के लिए, Shos- की 14 वीं सिम्फनी) ta-ko-vi-cha), "संगीत के लिए ..." (स्ट्रिंग्स के लिए संगीत, बीट- और चे-ले-स्ट्स बार-टू-का), कॉन्सर्ट-टी-लेकिन, आदि। चैम्बर संगीत की एक विशेष शैली इन-सेंट-आरयू-मेंट-टैल-एन-निया-टाइ-रे (XIX-XX सदियों में, वे शायद ही कभी-ए-दी-न्य-सया हैं)। उनमें से हैं: पियानो "गाने बिना शब्दों के" मेन-डेल-सो-ना, पीज़-सी शु-मा-ना, वाल-सी, नोक-ट्यूर-एनएस, प्री-पीपल और एटू-डाई एफ शो-पी- ना, का-डायमेंशनल पियानो संयोजन एक छोटे रूप में AN Skrya-bin, Rakh-ma-ni-no-va, N. K Met-no-ra, पियानो के टुकड़े Chai-kov-sko-go, Pro-Coffee-e -वा, घरेलू और विदेशी-बेज कॉम-ज़ी-टू-खाई के विभिन्न इन-सेंट-बर्बाद-मेन-टोस के लिए कई टुकड़े।

18 वीं शताब्दी के अंत से और विशेष रूप से 19 वीं शताब्दी में, ज़ा-न्य-ला और आवाज़-कला-नाया चैम्बर संगीत (गीत और रो-मन-सा की शैलियों) के लिए एक प्रमुख स्थान प्रमुख रहा है। Kom-po-zi-to-ry-ro-man-ti-ki ने इन-कैल-नोई मिन-निया-त्य-री की शैली के साथ-साथ पे-सेन-नी साइकल ("पूर्व-लाल असहाय) की शैली को पेश किया। एन-ची-हा "और" विंटर तरीका "एफ शु-बेर-टा द्वारा," लव इस तरह से "आर शु-मैन और अन्य द्वारा)। 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, मैं ब्राह्मणों ने चैंबर संगीत के लिए बहुत ध्यान दिया, एक्स-वॉल-एफए का-मेर-वॉय-काल-एनईआर शैलियों के लिए nya- चाहे-इन-लो-इन-लो- ज़ेनी। शी-रो-रूस में गीत-नी और रो-मैन-सा-पो-लू-ची-ली की शैली का कुछ विकास, कलात्मक ऊंचाइयां उन तक पहुंचीं। एम.आई. ग्लिन-का, पीआई चाकोव-आकाश, एपी बो-आरओ- दीन, सांसद मु-सोर्ग-आकाश, एनए रिम-आकाश-कोर-सा-कोव, एस वी। राख-मानव-नी-नोव, एस.एस. प्रो-कोफ-एव, डी। डी। शोस-ता-कोविच, जी। वी। स्वीर-दोव।

17 वीं शताब्दी की शुरुआत तक, वियना यूरोप के सबसे बड़े संगीत केंद्रों में से एक बन गया। इतालवी, चेक, पोलिश, जर्मन और फिर रूसी संस्कृतियों के साथ संबंधों ने ऑस्ट्रियाई संगीत और प्रदर्शन कला कला को एक विशेष स्वाद दिया। 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में वियना शास्त्रीय स्कूल का उद्भव सामान्य रूप से यूरोपीय कला में सबसे अग्रणी प्रवृत्ति बन गया। लोक परंपराओं को उनके विकास के लिए पर्याप्त गुंजाइश मिली है। संगीत का क्षेत्र संगीत और नृत्य के साथ एक नाटकीय प्रदर्शन है, जुलूस - कार्निवल, गलियों में सेरेनेड, वर्गों और सिनेमाघरों में शानदार अदालत प्रदर्शन। "स्कूल ओपेरा" काफी लोकप्रियता हासिल कर रहे हैं, मठ और कैथेड्रल रहस्य और धार्मिक ओपेरा के मंचन में प्रतिस्पर्धा करते हैं। इस तरह के सर्वव्यापी, समाज के विभिन्न हिस्सों में संगीत के व्यापक वितरण ने किसी अन्य देश में ऐसा विकास प्राप्त नहीं किया है।

कड़े उपकरणों में से वायलिन और वायोला सबसे लोकप्रिय थे। ऑस्ट्रिया में पेशेवर संगीत शिक्षा के शुरुआती केंद्र विश्वविद्यालय, अदालत और चर्च चैपल थे। यूरोप के सबसे अच्छे चैपल में से एक वियना में हाप्सबर्ग कोर्ट चैपल (इतालवी संगीतकार एंटोनियो सालियरी इस चैपल के नेताओं में से एक हैं)। अन्य शहरों में भी चैपल दिखाई दिए। लियोपोल्ड और वोल्फगैंग अमेडस मोजार्ट के नाम साल्ज़बर्ग चैपल के साथ जुड़े हुए हैं।

17 वीं शताब्दी के ऑस्ट्रियाई वाद्य संगीत में मुख्य शैलियां वाद्य सूट, कंसर्टो ग्रोसो, तीनों सोनाटा की शैली हैं।

जोहान हेनरिक श्मलेज़र (1623 - 1680) - ऑस्ट्रियाई वायलिन वादक और संगीतकार। उनका नाम एक नए प्रकार के वायलिन वादक के उद्भव से जुड़ा हुआ है - एकल गुणी। वह ऑस्ट्रिया में तीनों सोनाटा की इतालवी परंपरा को विकसित करने वाले पहले लोगों में से एक थे। शमेलर का सबसे महत्वपूर्ण काम छह सोनाटा का संग्रह है, जहां वह दोहरे नोटों और जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग करता है।

हेनरिक बीबर (1644 - 1704) - ऑस्ट्रियाई वायलिन वादक और संगीतकार, छात्र और श्मलेज़र के अनुयायी। 17 वीं शताब्दी की वायलिन कला का सबसे बड़ा स्वामी। कई कार्यों में, सबसे मूल्यवान 15 वायलिन सोनाटा (क्रमादेशियों सहित) का एक चक्र है, जिसमें स्कोर्डेटुरा, डबल नोट्स और अन्य तकनीकों की पुण्योसो वायलिन तकनीक का उपयोग किया जाता है। बीब ने ओनोमेटोपोइक प्रभावों को श्रद्धांजलि अर्पित की जो एक नाइटिंगेल, कोयल, मुर्गा, बटेर, साथ ही एक मेंढक, चिकन और बिल्ली के रोने की गायन की नकल करता है। सोलो वायलिन के लिए पेसाकागेलिया 17 वीं शताब्दी से वायलिन तकनीक का एक विश्वकोश है।

कार्ल डिटर्सडॉर्फ (1739 - 1799)- 18 वीं शताब्दी के सबसे प्रमुख ऑस्ट्रियाई वायलिन वादक और संगीतकार। उनकी प्रदर्शन कला का स्तर असामान्य रूप से अधिक था। उन्होंने चौदह वायलिन संगीत कार्यक्रम, दो वायलिन और सेलो के लिए बारह डायवर्टिसेमेंट, कई सिम्फनी, चैम्बर और ओपेरा संगीत तैयार किए। जे। हेडन के साथ, वह एकल वायलिन के साथ शास्त्रीय चौकड़ी शैली के निर्माता बने।

वियना की संगीत संस्कृति ने जे। हेडन और डब्ल्यू। मो।

जोसेफ हेडन (1732 - 1809) - उन रचनाकारों में से एक जिनके काम में वायलिन नए तरीके से बजता था। हेडन के लिए वायलिन उनके पसंदीदा उपकरणों में से एक है। हेडन ने कई प्रकार की शैलियों और रूपों में संगीत लिखा था, लेकिन वाद्य संगीत (सिम्फोनिक और चैंबर) के विकास में हेडन का मुख्य महत्व है। वह नौ वायलिन कंसर्ट (चार जीवित), बारह वायलिन सोनाटा, वायलिन और वाइला के लिए छह युगल, अस्सी से अधिक तार चौकियां, तिकड़ी, डायवर्टिसमेंट और अन्य निर्माण कार्यों सहित बड़ी संख्या में काम करता है। उनकी सिम्फनी में, मुख्य भूमिका पहले वायलिन द्वारा निभाई जाती है, जिन्हें लगभग सभी विषयगत सामग्री सौंपी जाती है।

उनके शुरुआती सोनटास, चौकड़ी और कॉन्सर्ट वीर शैली और तकनीक के उदाहरण हैं। रोकोको तत्व सबसे स्पष्ट रूप से हेडन के मिनुएट्स में प्रकट होते हैं, जैसा कि मोजार्ट में नोट किया जा सकता है।

चौकड़ी।हेडन ने चौकड़ी संगीत की शैली में वही भूमिका निभाई जैसी कि सिम्फोनिक संगीत में, यानी वह इस शैली के संस्थापकों में से एक थे। हेडन ने अपने पूरे करियर में चौके लिखे, लेकिन उनमें से सर्वश्रेष्ठ 80 और 90 के दशक के हैं।

हेडन की चौकड़ी होम म्यूजिक मेकिंग से बढ़ी, जिसमें चौकड़ी बजाना बेहद आम था। हालांकि, संगीत सामग्री की गहराई और चमक के साथ-साथ रूप की पूर्णता के लिए धन्यवाद, हेडन की चौकियां घर के संगीत जीवन की संकीर्ण सीमाओं से परे चली गई हैं, और संगीत कार्यक्रम के जीवन में एक आवश्यक भूमिका निभाती हैं।

उनके पास अब तथाकथित "वीर" शैली का बाहरी श्रंगार नहीं है, सैलून संगीत का सजावटी वैभव। वे लोक नृत्य और लोक गीत की धुनों की सादगी को समवेत स्वरों की एक उल्लेखनीय महारत और रूप के परिष्कार के साथ जोड़ते हैं। कई चौकड़ी के मज़ेदार, उत्साह और लोक हास्य ने रूढ़िवादी आलोचकों से एक नकारात्मक रवैया भी उकसाया, जो हेडन की चौकड़ी में देखा गया था "का अपमान

संगीत "," स्व-भोग "। लेकिन केवल हर्षित उत्साह ही हेडन के चैम्बर संगीत की विशेषता नहीं है। उनके चतुर्थांश में, मनोदशा और भावनाओं के क्रम अलग-अलग होते हैं - हल्के गीतों से लेकर शोकपूर्ण, यहां तक \u200b\u200bकि दुखद भावनाओं तक।

चौकड़ी में, हैडन का नवाचार कभी-कभी सिम्फनी की तुलना में भी अधिक साहसी होता है। ऊपरी आवाज़ के रूप में पहले वायलिन के प्रमुख महत्व के बावजूद, सभी चार वाद्ययंत्र कलाकारों की टुकड़ी की समग्र बनावट में एक स्वतंत्र भूमिका निभाते हैं। कई कार्यों में, विषयों के माध्यमिक कार्यान्वयन और उनके विकास के दौरान, सभी चार उपकरणों को पेश किया जाता है, जो एक सक्रिय भूमिका निभाते हैं। यह चौकड़ी बनावट को एक होमोफोनिक-हार्मोनिक आधार पर एक विशिष्ट पॉलीफोनिकता देता है, पूरे संगीत कपड़े को मोबाइल बनाता है। अपने चौकड़ी में, हेडन भी स्वेच्छा से विशेष रूप से पॉलीफोनिक रूपों का उपयोग करता है। इस प्रकार, चतुर्थांश के फ़ाइनल कभी-कभी फ़्यूज़ होते हैं। यह व्यापक रूप से माना जाता है कि बीथोवेन सबसे पहले अपने आखिरी विरोध में चौकड़ी की शैली में फॉग को पेश करने वाले थे। लेकिन, जाहिर है, हेडन ने बीथोवेन से पहले ऐसा किया था!

उनके कुछ चतुर्थांशों में, मध्य भागों को फिर से व्यवस्थित किया जाता है, अर्थात, मिनेट दूसरा (और तीसरा भाग नहीं है, जैसा कि प्रथागत था), और धीमा भाग तीसरे स्थान पर है, समापन से पहले। मध्य भागों के क्रम में यह परिवर्तन चक्र के अंतिम भागों की प्रकृति और इसके विपरीत के सिद्धांत से जुड़े डिजाइन विचारों के कारण है, जो चक्रीय रूप को रेखांकित करता है। एक सिम्फनी की शैली में, बीथोवेन के नौवें सिम्फनी में पहली बार दो मध्य भागों का पुनर्व्यवस्थापन किया गया था।

इसके अलावा, "रूसी" चौकड़ी में (इन चौकड़ी को रूसी ग्रैंड ड्यूक पॉल, फिर सिंहासन के उत्तराधिकारी को समर्पित किया गया था) में 1781 में हेडन के बजाय हेडरो ने scherzo और scherandando का परिचय दिया, जिनमें से कुछ में दूसरा भाग है चक्र का। आम तौर पर स्वीकार किए जाते हैं कि बेथोवेन ने सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र में पहली बार मीनू के बजाय शिर्ज़ो को पेश किया, केवल सिम्फनी और सोनटास के संबंध में सच है, लेकिन चौकड़ी के लिए नहीं।

हेडन के कई चौकड़ी, तिकड़ी और अन्य पहनावा वाद्य यंत्र चैम्बर संगीत के क्षेत्र में शास्त्रीय विरासत के एक महत्वपूर्ण, महत्वपूर्ण और कलात्मक रूप से मूल्यवान भाग का प्रतिनिधित्व करते हैं।

हेडन के काम में, शास्त्रीय वायलिन सोनाटा और वायलिन कंसर्ट का गठन होता है।

हेडन पेशेवर और लोक परंपराओं को संश्लेषित करने में कामयाब रहे, अपने संगीत में लोक स्वर और लय का परिचय दिया।

विनीज़ शास्त्रीय स्कूल के सबसे महान प्रतिनिधियों में से एक होने के नाते, हेडन ने अपने संगीत में व्यापक रूप से इस्तेमाल किया और विभिन्न राष्ट्रीय तत्वों के संयोजन में ऑस्ट्रियाई संगीत लोककथाओं को अपनी संपूर्णता और विविधता में बदल दिया: दक्षिण जर्मन, हंगेरियन, स्लाविक। स्लाव मूल के लोक विषयों में, हेडन ने क्रोएशियाई लोक विषयों का व्यापक उपयोग किया। अक्सर उन्होंने वास्तविक लोक धुनों की ओर रुख किया, लेकिन अधिक बार उन्होंने लोक गीतों और नृत्यों की भावना में अपनी धुनें बनाईं।

ऑस्ट्रियाई लोकगीत हेडन के काम में इतनी गहराई से अंतर्निहित हो गए हैं कि यह उनका "दूसरा स्वभाव" बन गया है। स्वयं द्वारा रचित कई धुनें

हेडन लोकप्रिय हो गया और उन लोगों द्वारा भी गाया गया, जो अपने निर्माता का नाम नहीं जानते थे।

हेडन के वाद्य संगीत (एकल, कक्ष और सिम्फोनिक) में, सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र को एक पूर्ण और परिपूर्ण शास्त्रीय अवतार मिला है। काम के सभी चार भागों, एक एकल कलात्मक अवधारणा में एकजुट होकर, जीवन के विभिन्न पहलुओं को व्यक्त करते हैं। आमतौर पर पहला आंदोलन (सोनाटा एलेग्रो) सबसे नाटकीय, आवेगी है; दूसरा भाग (धीमा) अक्सर गेय भावनाओं, शांत चिंतन का क्षेत्र है; तीसरा आंदोलन (मीनू) नृत्य का माहौल लाता है और 17 वीं -18 वीं शताब्दी के नृत्य सूट के साथ सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र को जोड़ता है; चौथे भाग (अंतिम) में शैली और रोजमर्रा की जिंदगी शामिल है और विशेष रूप से लोक गीत और नृत्य संगीत के करीब है। हेडन के संगीत का सामान्य रूप से काम करता है (कुछ अपवादों के साथ) में एक शैली और हर रोज का चरित्र है, न केवल चक्र के तीसरे और चौथे भाग का संगीत, बल्कि पहले दो भी, नृत्य और गीत लेखन के साथ अनुमति है। लेकिन एक ही समय में, प्रत्येक भाग का अपना प्रमुख अग्रणी नाटकीय कार्य होता है और क्रमिक विकास में भाग लेता है, पूरे काम के विचार का खुलासा करता है।

डब्ल्यू। ए। मोजार्ट (1756 - 1791) प्रसिद्ध संगीतकार, वायलिन वादक और संगीतकार लियोपोल्ड मोजार्ट के परिवार में पैदा हुआ था। मोजार्ट की संगीत प्रतिभा बहुत कम उम्र में ही प्रकट हो गई थी, जब वह लगभग तीन साल का था। उनके पिता लियोपोल्ड प्रमुख यूरोपीय संगीत शिक्षकों में से एक थे। उनकी पुस्तक द एक्सपीरियंस ऑफ ए सॉलिड वायलिन स्कूल 1756 में प्रकाशित हुई, मोजार्ट के जन्म का वर्ष, कई संस्करणों से गुजरा और कई भाषाओं में उनका अनुवाद हुआ, जिसमें रूसी भी शामिल थी। वोल्फगैंग के पिता ने हार्पसीकोर्ड, वायलिन और अंग खेलने की मूल बातें सिखाईं।

वायलिन पर मोजार्ट के खेलने की पहली जानकारी 4 साल की उम्र से है। पहला वायलिन काम करता है - वायलिन और क्लैवियर के लिए 16 सोनाटा। उन्होंने वायलिन के लिए 6-7 संगीत कार्यक्रम बनाए, वायलिन और वायोला के लिए एक कॉन्सर्ट सिम्फनी, दो वायलिन के लिए एक कॉन्सर्टोन, दो कॉन्सर्ट रोंडो, एडागियो और एंडेंटे, 35 वायलिन सोनाटा, वायलिन के लिए दो युगल और वायोला, दो वायलिन के लिए एक युगल, तीनों। चौकड़ी, डायवर्टिसमेंट और अन्य चैंबर काम करता है।

Es-Dur कॉन्सर्ट की प्रामाणिकता अभी भी संदेह में है। अंतिम एकल वायलिन कॉन्सर्ट डी-डूर कॉन्सर्ट था, जिसे 7 नंबर के रूप में जाना जाता है। उन्होंने इसे अपनी बहन के जन्मदिन के लिए बनाया और पहली बार इसे प्रदर्शित किया। यह एक वायलिन वादक के रूप में मोजार्ट की अंतिम सार्वजनिक प्रस्तुतियों में से एक थी। कॉन्सर्ट का इतिहास असामान्य है। लगभग 130 वर्षों तक, यह कार्य अज्ञात रहा। 1835 में, बेओ के लिए एक ऑटोग्राफ की गई कॉपी बनाई गई थी। मूल गायब हो गया, और केवल बर्लिन लाइब्रेरी में एक और प्रतिलिपि मिली। दोनों प्रतियां लगभग समान थीं, संगीत कार्यक्रम प्रकाशित किया गया था और पहली बार 1907 में कई कलाकारों द्वारा प्रस्तुत किया गया था।

मोजार्ट के काम की एक विशिष्ट विशेषता गहरी भावुकता के साथ सख्त, स्पष्ट रूपों का एक अद्भुत संयोजन है। उनके काम की विशिष्टता इस तथ्य में निहित है कि उन्होंने अपने युग में मौजूद सभी रूपों और शैलियों में न केवल लिखा था, बल्कि उनमें से प्रत्येक में उन्होंने स्थायी महत्व के कामों को छोड़ दिया। मोजार्ट का संगीत विभिन्न राष्ट्रीय संस्कृतियों (विशेष रूप से इतालवी) के साथ कई कनेक्शनों का खुलासा करता है, हालांकि, यह राष्ट्रीय विनीज़ मिट्टी से संबंधित है और महान संगीतकार के रचनात्मक व्यक्तित्व की मुहर है।

मोजार्ट सबसे महान मेलोडिस्ट में से एक है। इसकी धुन ऑस्ट्रियाई और जर्मन लोक गीतों की विशेषताओं को इतालवी केंटीलिना की मधुरता के साथ जोड़ती है। इस तथ्य के बावजूद कि उनके कार्यों को कविता और सूक्ष्म अनुग्रह द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, वे अक्सर एक साहसी प्रकृति की धुनों को शामिल करते हैं, जिसमें महान नाटकीय पथ और विपरीत तत्व होते हैं।

W.A.Mozart के वायलिन कार्य के महत्व को कम करके आंका नहीं जा सकता है। इसने न केवल विनीज़ स्कूल, बल्कि अन्य देशों के रचनाकारों को भी प्रभावित किया। उनकी रचनाएं वायलिन की व्याख्या के उदाहरण के रूप में काम करती हैं, इसकी अभिव्यंजक क्षमताओं के उपयोग का एक उदाहरण है। मोजार्ट से वायलिन कंसर्ट के सिम्फनीलाइजेशन की लाइन आती है, कॉन्सर्ट इंस्ट्रूमेंट के रूप में वायलिन का कलात्मक उपयोग।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के वाद्य संगीत के क्षेत्र में, मोजार्ट, जिन्होंने पुरानी पीढ़ी के न केवल मैनहेम और विनीज़ स्वामी के सर्वोत्तम उपलब्धियों का इस्तेमाल किया और उन्हें अभिव्यक्त किया, बल्कि हेडन के रचनात्मक अनुभव भी उच्चतम शिखर पर पहुंच गए। दोनों महान संगीतकार अलग-अलग पीढ़ियों के थे, और यह स्वाभाविक है कि मोजार्ट ने अपने कौशल को बनाने की प्रक्रिया में, हेडन के कामों से अध्ययन किया, जिसे उन्होंने बहुत महत्व दिया। लेकिन मोजार्ट का रचनात्मक विकास हेडन के विकास की तुलना में बहुत अधिक तेजी से हुआ, जिसके सबसे अच्छे काम (लंदन सिम्फनीज, अंतिम चौकड़ी, oratorios) मोजार्ट की मृत्यु के बाद लिखे गए थे। फिर भी, मोजार्ट के अंतिम तीन सिम्फनी (1788), साथ ही साथ उनके पहले के सिम्फनी और चैम्बर के कुछ कार्य, ऐतिहासिक रूप से भी यूरोपीय वाद्य यंत्रवाद के अधिक परिपक्व चरण का प्रतिनिधित्व करते हैं, यहां तक \u200b\u200bकि हेडन की पिछली कृतियों की तुलना में।

लुडविग वैन बीथोवेन (1770 - 1827) प्रबुद्धता के समय के चैम्बर-इंस्ट्रूमेंटल पहनावा के शैलीगत विकास में अगला सबसे महत्वपूर्ण चरण लुडविग वैन बीथोवेन के काम से जुड़ा हुआ है। 1787 में, वियना में रहते हुए, उन्होंने मोजार्ट का दौरा किया और उन्हें अपनी कला की प्रशंसा की। वियना में अपनी अंतिम चाल के बाद, बीथोवेन ने आई। हेडन के साथ एक संगीतकार के रूप में सुधार किया। वियना, प्राग, बर्लिन, ड्रेसडेन और बुडा में युवा बीथोवेन के संगीत कार्यक्रम में बहुत बड़ी सफलता मिली। बीथोवेन एक कलाकार और संगीतकार के रूप में व्यापक पहचान हासिल कर रहे हैं। 18 वीं शताब्दी की शुरुआत तक वह पियानो और विभिन्न चैम्बर वाद्य यंत्रों के लिए कई रचनाओं के लेखक थे।

वियना शास्त्रीय स्कूल के प्रतिनिधि। संगीतकार ने अपने समय में सभी शैलियों में लिखा, जिसमें ओपेरा, बैले, नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत, नृत्य रचनाएं शामिल थीं। लेकिन उनकी विरासत में सबसे महत्वपूर्ण हैं वाद्य यंत्र: पियानो, वायलिन और सेलो सोनटास, पियानो के लिए संगीत कार्यक्रम, वायलिन, चौकड़ी, ओवरहाइंड, सिम्फनी

एल। बीथोवेन, हेडन और मोजार्ट के बाद, शास्त्रीय संगीत के रूपों को विकसित किया, मुख्य और माध्यमिक भागों की व्याख्या में उन्होंने विपरीत के सिद्धांत के रूप में इसके विपरीत के सिद्धांत को सामने रखा। बीथोवेन के पास वायलिन और वायोला का स्वामित्व है। सबसे प्रारंभिक रचनाओं में से एक - "द मैरिज ऑफ फिगारो" विषय पर वायलिन भिन्नताएं, वायोला और पियानो के लिए निशाचर। एल। बीथोवेन द्वारा वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्ट, विश्व संगीत संस्कृति में वायलिन के संगीत का शिखर है। झुके हुए तारों के लिए, बीथोवेन ने वायलिन, सेलो और पियानो के लिए एक त्रिस्तरीय संगीत कार्यक्रम बनाया, ऑर्केस्ट्रा के साथ दो, वायलिन के लिए दो रोमांस, दस वायलिन सोनाटा (5 वां - "स्प्रिंग", 9 वां - "क्रेटज़र"), सेलो और पियानो के लिए पांच सोनाटा, सेलो के लिए विविधताएं। और पियानो (हैंडेल और मोजार्ट द्वारा थीम पर), सोलह चौकड़ी, वायलिन, सेलो और पियानो के लिए तिकड़ी का एक संग्रह। कोई भी एल। बीथोवेन के सिम्फोनिक संगीत को याद नहीं कर सकता है: नौ सिम्फनी, सिम्फोनिक ओवरराइड्स "कोरिओलेनस" और "एग्मोंट", जो ऑर्केस्ट्रल संगीत के प्रदर्शनों में मजबूती से प्रवेश कर चुके हैं।

वाद्य और, सब से ऊपर, लुडविग वैन बीथोवेन के सिम्फोनिक कार्य में एक स्पष्ट प्रोग्रामेटिक चरित्र है। बीथोवेन की वीर कृतियों की मुख्य सामग्री को शब्दों में व्यक्त किया जा सकता है: "संघर्ष से जीत तक।" जीवन के अंतर्विरोधों के बीच द्वंद्वात्मक संघर्ष बीथोवेन में एक उज्ज्वल कलात्मकता पाता है

अवतार, विशेष रूप से सोनाटा रूप के कामों में - सिम्फनी, ओवेरियन, सोनाटा, चौकड़ी, आदि। लुडविग वान बीथोवेन ने विरोधाभासी विषयों के विरोध और विकास के साथ-साथ व्यक्तिगत विषयों के भीतर विरोधाभासी तत्वों के आधार पर व्यापक रूप से सोनाटा के सिद्धांत को विकसित किया। वियना शास्त्रीय स्कूल में बीथोवेन के तत्काल पूर्ववर्तियों के कार्यों की तुलना में - डब्ल्यूए मोजार्ट और जे। हेडन - बीथोवेन के सिम्फनी और सोनटास अपने बड़े पैमाने पर निर्माण के लिए बाहर खड़े हैं, मुख्य विषयगत सामग्री गहन विस्तारित विकास, फार्म के वर्गों के बीच संबंध को जन्म देती है। गहरे, विपरीत एपिसोड के बीच विरोधाभास अधिक तीव्र हो जाते हैं।, थीम। हेथन द्वारा अनुमोदित ऑर्केस्ट्रल रचना से बीथोवेन आगे बढ़े, और केवल इसे थोड़ा विस्तारित किया, लेकिन साथ ही उन्होंने ऑर्केस्ट्रा ध्वनि, उज्ज्वल विरोधाभासों की विशाल शक्ति हासिल की। लुडविग वान बीथोवेन ने पुराने मीनू को बदल दिया, जो सिम्फनी और सोनटास का एक हिस्सा था, एक विद्वान में, इस "मज़ाक" को एक व्यापक अभिव्यंजक सीमा दे रहा था - शक्तिशाली स्पार्कलिंग मज़े से (चिंता और चिंता की अभिव्यक्ति के लिए) 5 वीं सिम्फनी)। एक विशेष भूमिका सिम्फनी और फाइनल (ओवरक्ल्यूज़), सिम्फ़नी और सोनिका में कोड्स को दी गई है; वे विजयी भावनाओं को व्यक्त करने के लिए हैं।

बीथोवेन का काम विश्व कला के इतिहास की चोटियों में से एक है। उनका सारा जीवन और काम संगीतकार के व्यक्तित्व का बोलता है, जिन्होंने एक प्रतिभाशाली, विद्रोही स्वभाव के साथ एक प्रतिभाशाली संगीत प्रतिभा को मिलाया, एक दृढ़ इच्छाशक्ति और आंतरिक एकाग्रता को अपार करने की क्षमता के साथ संपन्न हुआ। सार्वजनिक कर्तव्य की चेतना पर आधारित उच्च विचारधारा, एक नागरिक संगीतकार के रूप में बीथोवेन की पहचान थी। महान फ्रांसीसी क्रांति के समकालीन, बीथोवेन ने अपने काम में इस युग के महान लोकप्रिय आंदोलनों, इसके सबसे प्रगतिशील विचारों को प्रतिबिंबित किया। क्रांतिकारी युग ने बीथोवेन के संगीत की सामग्री और अभिनव दिशा को निर्धारित किया। क्रांतिकारी वीरता बीथोवेन की मुख्य कलात्मक छवियों में से एक में परिलक्षित होती थी - एक संघर्षशील, पीड़ित और अंततः विजयी वीर व्यक्तित्व।

एक सच्चे नवप्रवर्तक, एक नायाब सेनानी, उन्होंने आश्चर्यजनक रूप से सरल, स्पष्ट संगीत में बोल्ड वैचारिक अवधारणाओं को अपनाया, जो श्रोताओं के व्यापक हलकों की समझ के लिए सुलभ थे। युग, पीढ़ियां बदलती हैं और बीथोवेन का अमर संगीत आज भी लोगों के दिलों को रोमांचित और आनंदित करता है।

MBU DO "सिम्फ़रोपोल डिस्ट्रिक्ट चिल्ड्रेन स्कूल"

कोल्चुगिनो शाखा

रिपोर्ट good

विषय पर: "शास्त्रीय संगीतकारों की रचनाओं में चैम्बर वाद्य संगीत की शैली "

द्वारा पूर्ण: संगतकार

फिरोजवा नतालिया अलेक्जेंड्रोवना

2015

शास्त्रीय संगीतकारों की रचनाओं में चैम्बर वाद्य संगीत की शैली

चैंबर वाद्य संगीत हमेशा एक सूक्ष्म मामला रहा है, अपने समकालीन युग की सभी घटनाओं के लिए उत्तरदायी और उत्तरदायी: क्रांतियों (सामाजिक और सांस्कृतिक), वैश्विक सामाजिक और राजनीतिक घटनाओं, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, विभिन्न क्षेत्रों में नए रुझानों और प्रवृत्तियों का उद्भव। कला का। XXI सदी कोई अपवाद नहीं थी। इस स्तर पर, आधुनिक कक्ष वाद्य संगीत में मुख्य प्रवृत्तियों में से एक है संश्लेषण, शब्द की व्यापक अर्थों में: कला का संश्लेषण, विभिन्न शैलियों का संश्लेषण और संगीत की दिशाएं - यही है, संवाद और लचीलेपन के अर्थ में संश्लेषण। संगीत

स्थान।

एक संगीत शैली के रूप में अपनी विशिष्टता के कारण, सबसे पहले, सुनने वाले और संगीतकार की आंतरिक दुनिया में, यह इस शैली का क्षेत्र था जो व्यावहारिक रूप से दोनों अतीत की दार्शनिक और सौंदर्य संबंधी अवधारणाओं की पूरी विस्तृत श्रृंखला को समायोजित करने में सक्षम था। और नया, और मनोविज्ञान के साथ संगीत कला का हालिया संबंध, इसकी सभी जटिलता, विविधता और, कुछ मामलों में, अस्पष्टता, अपने श्रोता, पारखी, कलाकार को खोजने के लिए

चैम्बर संगीत की उत्पत्ति मध्य युग में हुई। में "चैंबर म्यूजिक" शब्द स्वीकृत हैझीवी- XVII सदियों, और पहली बार यह शब्द 1635 में इतालवी संगीतकार जो अरिगोनी के संग्रह में दिखाई दिया। चर्च और चैम्बर संगीत के बीच का अंतर 16 वीं शताब्दी के मध्य में मुखर शैलियों में रेखांकित किया गया था। चैम्बर संगीत का सबसे पहला ज्ञात उदाहरण "L" anticamusicaridottaallamoderna "निकोलो विसेन्टिनो (1555), वेनिस जी। अरिगोनी ने मुखर" कंसर्टिडैकेमरा "प्रकाशित किया। 17 वीं शताब्दी में," चैम्बर संगीत "का नाम वाद्य संगीत तक बढ़ाया गया। और चैम्बर वाद्य संगीत शैली में भिन्न नहीं थे: उनके बीच शैलीगत अंतर केवल 18 वीं शताब्दी में स्पष्ट रूप से उभरा था II Kvants ने 1752 में लिखा था कि चैम्बर संगीत "चर्च शैली की तुलना में अधिक एनीमेशन और विचारों की स्वतंत्रता" की मांग करता है। उच्चतम वाद्य रूप चक्रीय था। सोनाटा (सोनाटाडाकामेरा), डांस सूट के आधार पर बनाई गई। - सोलो सोनाटा (बेदाग या बासोकॉप्टू संगत के साथ) तीनों सोनाटा और सोलोस के शास्त्रीय नमूने (के साथ) बैसकॉप्टू) सोनतास को ए। कोरेली ने बनाया था। XVII-XVIII सदियों के मोड़ पर। कॉन्सर्टग्रासो की एक शैली उत्पन्न हुई, सबसे पहले चर्च और कक्ष की किस्मों में भी विभाजित हुई। ए। कोरेली में, उदाहरण के लिए, यह विभाजन बहुत स्पष्ट है - उनके द्वारा बनाई गई 12 संगीत कार्यक्रम (ऑप 7) में से 6 चर्च शैली में, और 6 - कक्ष शैली में लिखे गए हैं। वे अपने स्वयं के पुत्रदास दचीसा और डकमेरा की सामग्री के समान हैं। XVIII सदी के मध्य तक। चर्च और चैम्बर शैलियों में विभाजन धीरे-धीरे अपना अर्थ खो रहा है, लेकिन चैम्बर और कॉन्सर्ट संगीत (आर्केस्ट्रा और कोरल) के बीच का अंतर अधिक से अधिक स्पष्ट हो जाता है।

18 वीं शताब्दी के मध्य में। जे। हेडन, के। डिटर्सडॉर्फ, एल। बोचेरिनी, डब्लू। ए। मोजार्ट के कार्यों में शास्त्रीय प्रकार के वाद्य यंत्रों का गठन किया गया था - सोनाटा, तिकड़ी, चौकड़ी, आदि।

समृद्ध अभिव्यंजक संभावनाओं को ध्यान में रखते हुए, वाद्य कलाकारों की टुकड़ी (विशेष रूप से धनुष चौकड़ी) ने लगभग सभी संगीतकारों का ध्यान आकर्षित किया और सिम्फोनिक शैली का एक प्रकार का "चैम्बर शाखा" बन गया। इसलिए, पहनावा 17 वीं -20 वीं शताब्दी की संगीत कला की सभी मुख्य दिशाओं को दर्शाता है। - क्लासिकलिज़्म (जे। हेडन, एल। बोचेरिनी, डब्लू। ए। मोजार्ट, एल। वैन बीथोवेन) और रोमांटिकतावाद (एफ। शुबर्ट, एफ। मेंडेलसोहन, आर। शुमान, आदि) से अल्ट्रामॉडर्न एब्स्ट्रैक्शनिस्ट मूवमेंट्स। 19 वीं शताब्दी के दूसरे भाग में। XX चैम्बर में इंस्ट्रूमेंटल चैंबर म्यूजिक के उत्कृष्ट उदाहरण आई। ब्राह्मस, ए। डावैक, बी। स्मेताना, ई। ग्रीग, एस। फ्रैंक द्वारा बनाए गए थे। - के। डेबूसि, एम। रवेल, एम। रेगर, पी। हिंदमिथ, एल। जनसेक, बी। बार्टोक, बी। ब्रेटन और अन्य।

रूसी संगीतकारों ने चैम्बर वाद्य संगीत में बहुत बड़ा योगदान दिया। रूस में, 70 के दशक में चैम्बर संगीत का प्रसार शुरू हुआ। XIX सदी पहला वाद्य पहनावा D.S.Bortnyansky द्वारा लिखा गया था। चेम्बर संगीत को ए। ए। अलेब्येव और एम। आई। ग्लिंका द्वारा आगे विकसित किया गया और कला के उच्चतम स्तर पर पहुंच गया। पी। आई। त्चिकोवस्की और ए। पी। बोरोडिन के कार्यों में स्तर: उनके चैम्बर कार्यों की विशेषता एक स्पष्ट राष्ट्रीय सामग्री, मनोवैज्ञानिकता है। ए.के. ग्लेज़ुनोव और एस.वी. रचमेनिनोव के चैम्बर सदृश पर बहुत ध्यान दिया गया था, और एस.आई.टेनीव के लिए यह मुख्य प्रकार की रचनात्मकता बन गया। सोवियत संगीतकारों की चैंबर वाद्य विरासत असाधारण रूप से समृद्ध और विविधतापूर्ण है: इसकी मुख्य लाइनें गीत-नाटकीय (एन। हां। मायस्कॉवस्की), दुखद (डी। डी। शोस्ताकोविच), गीत-महाकाव्य (एस.एस. प्रोटोफॉइवी), ए। आई। खाचरतन और लोक शैली हैं।

यह याद रखने योग्य है कि आधुनिक कक्ष वाद्य संगीत अपने गठन की तीन अवधियों से गुजरा है:

1450 से 1650 तक की पहली अवधि, जिसे वायला और अन्य परिवारों के वाद्ययंत्र बजाने की तकनीक के विकास की विशेषता थी, मुक्त शैली की निरंतर प्रबलता के साथ विशुद्ध वाद्य संगीत का क्रमिक पृथक्करण। इस अवधि के बचे हुए कार्यों में, विशेष रूप से एक आवाज के बिना वाद्य रचनाओं के लिए लिखे गए, ओरोवेलो गिबन्स (1610) की कल्पनाएं और कैनोज़ोन हैं, गियोवन्नी गेब्रियल (1615) द्वारा सोनाटा;

1650 से 1750 तक की दूसरी अवधि तीनों पुत्रों की शैली के प्रसार द्वारा चिह्नित की गई थी (आमतौर पर वे दो वायलिनों के लिए और एक क्लियोयर के साथ एक सेलो जो एक हार्मोनिक आधार प्रदान करते थे) और अन्य कलाकारों की टुकड़ी, दोनों वाद्य और आवाज के साथ, जो थे आवश्यक रूप से तथाकथित डिजिटल बास (तार) कीबोर्ड साधन के साथ। तिकड़ी के स्वामी इस अवधि के सोनाटा हैं - आर्कगेलोकोरेली, हेनरी पुरसेल, जी। हेन्डेल;

1750 से वर्तमान तक की तीसरी अवधि, दो वायलिन, वायोला और सेलो से मिलकर एक स्ट्रिंग चौकड़ी पर हावी है।

आज, एक नियम के रूप में, चैंबर-इंस्ट्रूमेंटल संगीत कक्ष संयोजन द्वारा किया जाता है निम्नलिखित संयोजन में:

सोलो इंस्ट्रूमेंट (तार या हवा) और पियानो;

पियानो युगल (दो पियानो या पियानो चार हाथ);

स्ट्रिंग तिकड़ी (वायलिन, वायोला और सेलो); पियानो तिकड़ी (वायलिन, सेलो और पियानो);

स्ट्रिंग चौकड़ी (दो वायलिन, वायोला और सेलो);

पियानो चौकड़ी (वायलिन, वायोला, सेलो और पियानो);

स्ट्रिंग पंचक (स्ट्रिंग चौकड़ी प्लस viola और या सेलो);

पियानो पंचक (पियानो प्लस स्ट्रिंग चौकड़ी) और अन्य।

XVIII सदी के दौरान। तेजी से विकास हुआवाद्य प्रदर्शन संस्कृति... सदी की पहली छमाही में चैम्बर वाद्य संगीत का विकास आमंत्रित विदेशी संगीतकारों के प्रदर्शन से जुड़ा था जिन्होंने रूसी अभिजात वर्ग को सिखाया था। इस प्रकार, अभिजात वर्ग के वातावरण में वाद्यवाद फैल गया। 80 के दशक में - 90 के दशक में। रूसी चैम्बर वाद्य संगीत के पहले उदाहरण दिखाई देते हैं: रूसी संगीतकारों ने एकल सोनाटा, विविधताओं और चैम्बर कलाकारों की टुकड़ी का विकास किया। यह वाद्य क्षेत्र में है कि संगीत की बौद्धिक सामग्री प्रकट होती है .. पीटर I के युग में, रूस में वाद्य संगीत फिर से शुरू होता है, लेकिन पहले से ही मजबूत पश्चिमी प्रभाव के तहत।

चेंबर वाद्य संगीत की आधुनिक शैली आखिरकार विनीज़ क्लासिक्स - जे। हेडन, डब्ल्यू। ए। मोजार्ट, एल। वैन बीथोवेन की रचनाओं में बनाई गई। यह एक सोनाटा, तिकड़ी, चौकड़ी, पंचक, पहनावा है, जिसमें एक बड़ा स्थान स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों को दिया गया है।

चेम्बर वाद्य संगीत ने संगीत रचनात्मकता की अन्य किस्मों की शैलीगत विशेषताओं को अवशोषित किया। पहले से ही एल वैन बीथोवेन ने कई तरह से अपने चतुर्थांश को सिम्फनीाइज़ किया, उन्हें रूप और सामग्री दोनों के क्षेत्र में अधिक महत्वाकांक्षी बना दिया। और वायलिन और पियानो के लिए उनकी प्रसिद्ध "क्रेटज़र सोनाटा" अपनी भावनात्मक तीव्रता, संगीत छवियों की स्मारकीयता में वास्तव में एक सिम्फोनिक कार्य है। रोमांटिक संगीतकार एफ। शुबर्ट, एफ। मेंडेलसोहन, आर। शुमन, आई। ब्राह्म की रचनाओं में गेय शुरुआत (विशेष रूप से लघुचित्रों की शैली में) असामान्य रूप से मजबूत थी ("एफ। मेंडेलसोहन द्वारा शब्दों के बिना गीत")।

रूसी संगीतकारों की रचनाओं में, चैंबर वाद्य संगीत की शैलियों की व्याख्या बहुत ही अजीब और गहरे राष्ट्रीय तरीके से की गई थी। रूसी लोक उप आवाज के तत्वpolyphonyसंगठित रूप से और स्वाभाविक रूप से पी। त्चिकोवस्की की तिकड़ी और चौकड़ी में ए.पी. बोरोडिन और ए.के. ग्लज़ुनोव की चौकड़ी में खुद को बदल दिया। पीआई त्चिकोवस्की ने वाद्य यंत्रों के लिए अपेक्षाकृत कम संख्या में कार्य बनाए: तीन तार चौकड़ी (एक की गिनती जल्दी नहीं, एक कंजर्वेटरी में अध्ययन के वर्षों के दौरान लिखी गई और एक सीरियल नंबर नहीं मिला), जो लेखक द्वारा एक पांच के दौरान बनाई गई थीं। वर्ष (1871-1875), पियानो तिकड़ी और स्ट्रिंग सेक्सेट। दूसरी चौकड़ी, जो संयोग से, लेखक के पसंदीदा कार्यों में से एक थी, लोक-शैली और व्यक्तिगत-गीतात्मक सिद्धांतों को भी जोड़ती है।

रूस में 1900-1917 की अवधि में, वाद्य संगीत ने रूसी संगीतकारों का ध्यान आकर्षित किया। हम कह सकते हैं कि इससे पहले उन्होंने अपने काम में इतनी महत्वपूर्ण जगह नहीं ली थी। ए। ग्लेज़ुनोव, एस। तनिव, एस। राचमानिनोव, ए। स्क्रिपबिन, ए। लयाडोव, ए। आरेंस्की, एस। ल्यपुनोव, एन। मेड्नर, शुरुआत में। एस। प्रोकोफीव ने अपनी सामग्री, शैलीगत के साथ विस्मित करने वाले वाद्य यंत्रों की एक बड़ी संख्या का निर्माण किया। और शैली विविधता। सबसे पहले, इसे कॉन्सर्ट शैली के विकास पर ध्यान दिया जाना चाहिए, जो कुछ रचनाकारों के बीच भी आना शुरू हुआ, "सिम्फनी (एस। राचमानिनोव, एस। प्रोकोफिअव द्वारा पियानो पियानो) इस समय कई वायलिन संगीत कार्यक्रम नहीं थे।

कालानुक्रमिक सूची ए.एस. आर्नेस्की (1901) द्वारा एक संगीत कार्यक्रम के साथ खुलती है, इस काम में पी। आई। त्चिकोवस्की की परंपराएं जारी हैं; इसके बाद ए.के. ग्लेज़ुनोव (1904) और एस.एम. लायपुनोव (1915) के संगीत कार्यक्रम हुए। एम। ए। बालाकिरेव और ए। के। ग्लेज़ुनोव का प्रभाव बाद के कार्यों में परिलक्षित हुआ।

क्रोनोलॉजिकल रूप से, इस अवधि के रूसी वायलिन के विकास को वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए फर्स्ट कॉन्सर्टो द्वारा एस। प्रोकोफिव (1915-1917) द्वारा पूरा किया गया है। कॉन्सर्ट प्लान का एक प्रमुख काम - द सूट फॉर वायलिन और ऑर्केस्ट्रा (1909) - S.I.Teeeev द्वारा लिखा गया था। उपर्युक्त रचनाओं की इतनी कम संख्या के साथ, वास्तविक कृतियाँ हैं - ए ग्लेज़ुनोव का कंसर्टो, एस। प्रोकोफ़िएव का पहला कॉन्सर्ट, जो विश्व वायलिन क्लासिक्स के स्वर्ण कोष में शामिल हैं। 20 वीं शताब्दी के पहले दशक रूसी सोनाटा के उत्तराधिकारी थे, हालांकि, मुख्य रूप से पियानो के लिए।

वायलिन और पियानो के लिए बहुत सारे सोनटास भी लिखे गए थे, हालांकि उनमें से ए स्क्रिपियन या एस। प्रोकोफीव द्वारा पियानो सोनटास जैसी उत्कृष्ट घटनाएं नहीं थीं। इस अवधि के वायलिन सोनाटा के भारी बहुमत के पास एक अभिनव चरित्र नहीं है, जो युगीन-अकादमिक अर्थों में रूसी क्लासिक्स की परंपराओं को निष्क्रिय रूप से जारी रखता है। सी। ए। कुई (1911) द्वारा ऐसा सोनाटा है, जिसने उस समय कोई प्रतिक्रिया नहीं दी; इस तरह के "Belyaevites" के छक्के हैं - VI Malishevsky, AA Winkler, जिसमें कुछ आकर्षक पृष्ठ "अकादमिक" भलाई और शैलीगत चिकनाई की समग्र तस्वीर का उल्लंघन नहीं करते हैं।

ये व्यंजनापूर्ण हैं, लेकिन बहुत कम मौलिक रचनाएँ हैं, जिनमें राष्ट्रीयता और शैली के संदर्भ में तटस्थ विषय हैं, हालांकि रूसी अंतरंगता भी सामने आती है। एएफ गेडिक द्वारा वायलिन सोनाटा "बाक" शुरुआत से बेलीविट्स के काम से अलग-अलग है। एल। वी। निकोलेव की मधुर सुखद सोनाटा ने वायलिन वादकों (जो सोवियत संघ में जीवित बची थीं) के बीच तुलनात्मक रूप से बहुत लोकप्रियता हासिल की।

इस शैली के वायलिन कार्यों के बीच, जी.वी. काटोइरे, एक नाजुक और परिष्कृत कलाकार द्वारा दो सोनाटा को अलग किया जाना चाहिए। जी। कातोइरे की रचनाओं की जड़ें पी। त्चिकोवस्की, एस। तान्येव, ए। ग्लेज़ुनोव के संगीत में एक प्रभावशाली संयोजन में शैलीवादी तत्वों और ए स्क्रिपबिन के शैलीगत तत्वों के साथ हैं। वायलिन और पियानो, ऑप के लिए ग्रैंड सोनाटा। 15 जी। कैटोइरे, उत्तेजित कविता मैं भाग के साथ, "बरकॉर्ले" और इंप्रेशनिस्ट फिनाले (शानदार "अप्स") द्वारा छांटे गए, को उस युग की रूसी गायिका सोनाटा की शैली के विकास में चोटियों में से एक के रूप में मूल्यांकन किया जाना चाहिए।

एमएफ गेंसिन द्वारा सोनाटा में एक उदास विषयवादी स्वर है, जिसमें यहूदी लोक गीत के अंतःकरण को उत्तम क्रोमैटाइज्ड हारमोनियों के फ्रेम में दिया गया है। सबसे अच्छा रूसी वायलिन सोनाटा में से एक - सोनाटा ऑप। एन.के. मेडनर द्वारा 21 एच-मोल (1909-1910)। छोटे रूप काफी विकसित हो रहे हैं, लेकिन उनमें, शैली और शैलीगत विविधता के संदर्भ में, वायलिन साहित्य पियानो साहित्य से काफी कम है। इसमें प्रमुख स्थान गेय और शैली के नाटकों - रोमांस, एलिगेंस, "प्रतिबिंब", "सपने", मज़ाकुरस और वॉल्टेज़ द्वारा कब्जा कर लिया गया है, कभी-कभी अंतरंग गीत और सैलून के स्पर्श के साथ।

लयात्मक और शैली की दृष्टि से, रोमांस की धुनों की ओर झुकाव के साथ, ए। अर्सेंस्की "प्रेस्डेलियर" के नाटक, वायलिन और पियानो के लिए 6 रेखाचित्र, ए। टी। ग्रीचानिनोव "लोलाबी", "प्रतिबिंब", "पछतावा" - ऑप। ९, १ull ९ ५, एफ। अकिमेंको "लोलाबी", १ ९ ०२, जे। विटोला "टू पीस", "रोमांस", एस। बरमोटिन "प्रील्यूड", "लिटिल पोम", "लोलाबाई", "शार्ज़ांडो", इलोगा, मज़ुरका , एलीगेंट, ओरिएंटल पिक्चर, लिटिल वाल्ट्ज। छोटे रूपों में सबसे कलात्मक रूप से महत्वपूर्ण वायलिन के टुकड़े ए.के. ग्लज़ुनोव के हैं, ये "मेडिटेशन" और "मज़ूर-ओबेरेक" हैं, लेखक द्वारा स्वयं और वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए व्यवस्थित किया गया है। "मेडिटेशन" वायलिन वादकों द्वारा संगीत समारोहों में किए गए प्रदर्शनों की सूची में शामिल हो गया।

कई वायलिन के टुकड़े एन। के। मेडनर द्वारा लिखे गए थे: 3 निशाचर (ऑप। 16, 1907), 2 कैनज़ोन (ऑप। 43, 1924)।

20 वीं शताब्दी के शुरुआती प्रमुख रूसी रचनाकारों में से अधिकांश ने चेंबर के कलाकारों की टुकड़ी को श्रद्धांजलि दी और कुछ के लिए, चैम्बर संगीत रचनात्मकता का मुख्य रूप बन गया (S.I.Taneev)। इसी समय, यह इंगित करना आवश्यक है कि यह वाद्य यंत्र के क्षेत्र में था कि 19 वीं शताब्दी के रूसी क्लासिक्स की परंपराएं विशेष रूप से स्थिर हो गईं और, शायद, अकादमिकता की प्रवृत्ति विशेष रूप से खुद को प्रकट करती हैं बल।

ए। ग्लेज़ुनोव के अपवाद के साथ, बिलीव सर्कल के रचनाकारों के सभी काम बेहद अकादमिक थे। संगीत के इस क्षेत्र को नए रुझानों द्वारा कब्जा नहीं किया गया है। I.F. Stravinsky (1914) द्वारा स्ट्रिंग चौकड़ी के लिए तीन टुकड़े लगभग एक अपवाद थे। चैंबर के सदृश शैलियों ने बेलीएव सर्कल के कई संगीतकारों को आकर्षित किया। इस अवधि के चैम्बर साहित्य में, पी। त्चिकोवस्की के मजबूत प्रभाव प्रकट हुए थे। वे 2 चौकड़ी और 2 पियानो तिकड़ी में एएस आर्नेस्की पर बहुत ध्यान देने योग्य हैं। द फर्स्ट पियानो तिकड़ी (1894) विशेष रूप से लोकप्रिय थी, जो अपने रोमांटिक मेलोडी और एलिगियाक मूड के साथ मनोरम थी।

अब तक, सबसे व्यापक कामों में से एक, व्यापक रूप से अभ्यास करने में उपयोग किया जाता है, एस। वी। राचमानिनॉफ द्वारा एलिगियाक ट्रियो नंबर 2 (डी-मोल) रहता है, पी। आई। त्चैकोवस्की (1893) की स्मृति को समर्पित है। राचमानिनोव ने इसे बहुत करीब दिया। Tchaikovsky पियानो तिकड़ी। इसके वैचारिक और कलात्मक महत्व में समकालीन चैम्बर वाद्य संगीत, सिम्फोनिक संगीत के साथ काफी सराहनीय बन गया है; सिम्फनी, हालांकि, अक्सर चैम्बर शैलियों के करीब होती है, जैसे, उदाहरण के लिए, डी। डी। शोस्तकोविच द्वारा 14 वीं और 15 वीं सिम्फनी।

चैंबर वाद्य संगीत कलाकारों के एक छोटे कलाकारों के लिए है। यह सिम्फनी शैली में कई लोगों की आकांक्षाओं की सामान्यीकरण अभिव्यक्ति के विपरीत, एक व्यक्ति के रूप में आंतरिक दुनिया पर ध्यान देने की विशेषता है। सिम्फनी की स्मारकीय प्रकृति, वाद्य संगीत के सशक्त रूप से प्रभावी गुण, चैम्बर संगीत के लिए सैद्धांतिक रूप से महत्वपूर्ण हैं। बल्कि, इसके विपरीत, यह व्यक्तिगत पार्टियों की महान स्वतंत्रता और पहनावा के प्रत्येक सदस्य की रचनात्मक गतिविधि के साथ अर्थपूर्ण अर्थ की अर्थव्यवस्था द्वारा प्रतिष्ठित है। प्रारंभ में, चैंबर संगीत का उद्देश्य श्रोताओं के एक संकीर्ण दायरे के लिए था और अक्सर घर पर प्रदर्शन किया जाता था, बाद में छोटे विशेष कॉन्सर्ट हॉल में।

चैंबर संगीत इंस्ट्रूमेंटेशन के प्रमुख कार्य, गुण का एक निश्चित अनुपात निर्धारित करता है, जिसके कारण कभी-कभी शैलियों के इंट्रा-शैलीगत उन्नयन मुख्य मात्रात्मक मापदंडों के संबंध में केवल एक ऑर्डरिंग अभिविन्यास प्राप्त करते हैं।

अपने वैचारिक और कलात्मक महत्व में समकालीन चैम्बर वाद्य संगीत, सिम्फोनिक संगीत के साथ काफी सराहनीय बन गया है; सिम्फनी अक्सर चैम्बर शैलियों के करीब होती है, जो एम। खलिटोवा के कार्यों में स्पष्ट रूप से दिखाई देती है।

पूर्वी यूरोपीय संगीत में, और आज क्रीमियन तातार संगीत को इसके लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है, साथ ही साथ राष्ट्रीय रचना स्कूलों के गठन के संबंध में, एक राष्ट्रीय आधार पर चैम्बर शैलियों का अनुकूलन पिछली शताब्दी के मध्य से अधिक सक्रिय रूप से प्रकट हुआ है। वर्तमान तक। इसलिए, चैंबर संगीत की पारंपरिक शैलियों को लंबे समय तक यहां संरक्षित किया जाता है, और, परिणामस्वरूप, शास्त्रीय कक्ष में रुचि, जैसे, उदाहरण के लिए, एम। खलितोवा के कार्यों में: संगीत कार्यक्रम "अशोक-नाम", के लिए संगीत कार्यक्रम। तुरही और ऑर्केस्ट्रा "डेमेरड्ज़ी के पैर में", "सेलो और ऑर्केस्ट्रा के लिए एपिटैफ़" और अन्य।

कैसियो एसए -46 डिजिटल सिंथेसाइज़र, अपने छोटे आकार और केवल 32 चाबियों के बावजूद, केवल एक खिलौना नहीं है, बल्कि शुरुआती के लिए एक पूर्ण संगीत वाद्ययंत्र है। सबसे पहले, इसमें एक ठोस 8-नोट पॉलीफोनी है और सभी 100 निर्मित बिल्ट-इन और 50 स्टाइल्स में शानदार आवाज़ है। और दूसरी बात, इस मॉडल का मिनी कीबोर्ड बच्चों की उंगलियों के लिए बढ़िया है।

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नोट 16 एल के लिए नोटबुक। RHYTHM JAZZ / A4 (205 * 280 मिमी), एक रंग ब्लॉक, ऑफसेट 65 ग्राम, पूर्ण रंग। कवर, ऑफसेट पेपर 120 ग्राम। बन्धन - लंबी तरफ स्टेपल /

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कैसियो एसए -47 डिजिटल सिंथेसाइज़र, अपने छोटे आकार और केवल 32 कुंजी के बावजूद, केवल एक खिलौना नहीं है, बल्कि शुरुआती के लिए एक पूर्ण संगीत वाद्ययंत्र है। सबसे पहले, इसमें एक ठोस 8-नोट पॉलीफोनी है और सभी 100 निर्मित बिल्ट-इन और 50 स्टाइल्स में शानदार आवाज़ है। और दूसरी बात, इस मॉडल का मिनी कीबोर्ड बच्चों की उंगलियों के लिए बढ़िया है।

आपकी पसंदीदा ध्वनि का एक स्पर्श: पियानो / अंग स्विच बटन आपको त्वरित ध्वनि चयन देता है। स्विच करने के लिए, बस बटन दबाएं।

100 टन का एक व्यापक प्रदर्शन उत्कृष्ट गुणवत्ता प्रदान करता है।

हर स्वाद के लिए धुन: 100 सीखने की धुन आपको विभिन्न शैलियों में महारत हासिल करने का मौका देती है।

स्पष्ट और उपयोगकर्ता के अनुकूल: एलसीडी डिस्प्ले सभी उपकरण कार्यों के लिए त्वरित पहुँच प्रदान करता है।

सही ताल चुनें। ड्रम पैड डिजिटल ड्रमिंग की दुनिया का एक बेहतरीन परिचय हैं। एक अलग ड्रम या पर्क्यूशन के लिए पांच बटन, ताल बजाना आसान बनाते हैं और आपको एक टैप से एकल करने की अनुमति देते हैं।

दाहिने हाथ को मास्टर करने के लिए राग बंद करने की क्षमता एक प्रभावी तरीका है। सीखने के लिए 10 रचनाएँ पेश की जाती हैं।

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44-कुंजी कैसियो एसए -76 डिजिटल सिंथेसाइज़र सभी शुरुआती लोगों को एक अद्वितीय संगीत अनुभव प्रदान करता है। 100 टन, 50 शैलियों, सीखने के लिए अंतर्निहित गाने, ऐसे सिंथेसाइज़र के लिए गंभीर 8-नोट पॉलीफोनी के साथ नवीनतम साउंड प्रोसेसर, साथ ही एक एलसीडी डिस्प्ले जो पहले चरणों से 2-लाइन नोटेशन को समझने में मदद करता है - यह सब बनाता है एक नौसिखिया संगीतकार के लिए एक उत्कृष्ट सहायक उपकरण।

आपकी पसंदीदा ध्वनि का एक स्पर्श: पियानो / अंग स्विच बटन आपको त्वरित ध्वनि चयन देता है। स्विच करने के लिए, बस बटन दबाएं।

100 टन का एक व्यापक प्रदर्शन उत्कृष्ट गुणवत्ता प्रदान करता है।

हर स्वाद के लिए धुन: 100 सीखने की धुन आपको विभिन्न शैलियों में महारत हासिल करने का मौका देती है।

स्पष्ट और उपयोगकर्ता के अनुकूल: एलसीडी डिस्प्ले सभी उपकरण कार्यों के लिए त्वरित पहुँच प्रदान करता है।

सही ताल चुनें। ड्रम पैड डिजिटल ड्रमिंग की दुनिया का एक बेहतरीन परिचय हैं। एक अलग ड्रम या पर्क्यूशन के लिए पांच बटन, ताल बजाना आसान बनाते हैं और आपको एक टैप से एकल करने की अनुमति देते हैं।

दाहिने हाथ को मास्टर करने के लिए राग बंद करने की क्षमता एक प्रभावी तरीका है। सीखने के लिए 10 रचनाएँ पेश की जाती हैं।

वक्ताओं: 2 x 0.8 डब्ल्यू

पावर एडाप्टर शामिल नहीं है।

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एर्नी बॉल हाइब्रिड स्लिंकी सेट सुपर स्लिंकी और रेगुलर स्लिंकी स्ट्रिंग्स का सही संयोजन है। इन तारों का उपयोग विद्युत-ध्वनिक गिटार पर भी किया जा सकता है। एर्नी बॉल स्ट्रिंग्स को उनकी ताकत, विश्वसनीयता और स्थायित्व सुनिश्चित करने के लिए उच्चतम गुणवत्ता मानकों और विनिर्माण प्रक्रिया प्रौद्योगिकी के लिए निर्मित किया जाता है।

एर्नी बॉल हाइब्रिड स्लिंकी एक स्टील हेक्स कोर है जिसमें निकल प्लेटेड स्टील रैपिंग है। तार विशेष रूप से कठोर उच्च कार्बन स्टील से बने होते हैं, जो एक अच्छी तरह से संतुलित ध्वनि प्रजनन प्रदान करता है और आपके उपकरण की क्षमताओं को पूरी तरह से खोल देता है।

कोर: स्टील

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एर्नी बॉल रीइनफोर्सड प्लेन (आरपीएस) श्रृंखला स्लिंकी स्ट्रिंग्स का एक प्रबलित संस्करण है। पहले तीन स्ट्रिंग्स में एक विशेष कांस्य घुमावदार होता है, जो गेंदों को बन्धन के घुमाव को सुरक्षित करता है - यह उन्हें अंधा करने से रोकता है, जो दुर्भाग्य से, काफी सामान्य है। आखिरी तीन तार निकल घाव श्रृंखला से तार के गुणों के समान हैं। हाइब्रिड स्लिंकी आरपीएस निकेल वाउंड स्ट्रिंग्स को विशेष रूप से विकसित सामग्रियों से बनाया गया है, जिससे उन्हें टूटने का प्रतिरोध करने में काफी मुश्किल होती है, जो बदले में उनके स्थायित्व की गारंटी देता है। और यह सब एर्नी बॉल स्ट्रिंग्स के हस्ताक्षर उज्ज्वल और समृद्ध ध्वनि की बाधा के लिए नहीं है, जो दुनिया भर के संगीतकारों को अपना अनूठा रचनात्मक स्थान बनाने में मदद करते हैं।

स्ट्रिंग गेज: 9-11-16-26-36-46
घुमावदार: निकल चढ़ाया हुआ स्टील
कोर: स्टील

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देशी इंस्ट्रूमेंट कोमल ऑडियो 6 में वह सब कुछ है जो आपको रिकॉर्ड करना, बजाना और संगीत प्रदर्शन करना है। अपेक्षाकृत छोटे, मजबूत धातु के मामले में, चार एनालॉग I / O, डिजिटल I / O हैं। दो माइक्रोफोन इनपुट

शायद हर कोई संगीत के प्रति उदासीन नहीं है। यह मानवता के साथ अविभाज्य रूप से जुड़ा हुआ है, यह वास्तव में निर्धारित करना असंभव है जब किसी व्यक्ति ने इसे देखना सीखा। सबसे अधिक संभावना है, यह तब हुआ जब हमारे पूर्वज, अपनी भावनाओं को व्यक्त करने की कोशिश कर रहे थे, फर्श मारा। फिर, आदमी और संगीत का अटूट संबंध है, आज इसके कई शैलियों, शैलियों और दिशाएं हैं। यह लोकगीत, आध्यात्मिक और अंत में, शास्त्रीय वाद्य - सिम्फोनिक और चैम्बर संगीत है। लगभग हर कोई जानता है कि यह दिशा क्या है, चैम्बर संगीत कैसे मौजूद है, लेकिन इसके अंतर और विशेषताएं क्या हैं - कुछ। आइए लेख में बाद में इसका पता लगाने की कोशिश करें।

चैम्बर संगीत का इतिहास

चैम्बर संगीत का इतिहास मध्य युग का है। 16 वीं शताब्दी में, चर्च गिरिजाघरों से आगे बढ़ना शुरू हुआ। कुछ लेखकों ने उन कार्यों को लिखना शुरू कर दिया जो चर्च की दीवारों के बाहर प्रदर्शनकारियों के एक छोटे से चक्र के लिए किए गए थे। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि पहले ये केवल मुखर भाग थे, और कक्ष वाद्य संगीत बहुत बाद में दिखाई दिए। लेकिन पहले बातें पहले।

चैंबर संगीत मंत्रमुग्ध कर रहा है। यह नाम इतालवी शब्द कैमरा ("कमरा") से आया है, शायद सभी को याद है। चर्च और नाटकीय संगीत के विपरीत, चैंबर संगीत मूल रूप से श्रोताओं के एक संकीर्ण सर्कल के लिए एक छोटे समूह द्वारा घर के अंदर प्रदर्शन करने का इरादा था। एक नियम के रूप में, प्रदर्शन घर पर हुआ, और बाद में छोटे कॉन्सर्ट हॉल में। 18 वीं -19 वीं शताब्दी में चैंबर वाद्य संगीत लोकप्रियता में अपने चरम पर पहुंच गया, जब अमीर घरों के सभी रहने वाले कमरों में इसी तरह के संगीत कार्यक्रम आयोजित किए गए थे। बाद में, कुलीनों ने भी संगीतकारों के पूर्णकालिक पदों की शुरुआत की।

चैंबर संगीत छवियों

प्रारंभ में, चैम्बर संगीत का उद्देश्य उन लोगों के एक छोटे से चक्र के सामने किया जाना था जो इसके पारखी और विशेषज्ञ थे। और जिस कमरे में संगीत कार्यक्रम हुआ, उसके आकार ने कलाकारों और श्रोताओं को एक-दूसरे से निकटता से संपर्क करने की अनुमति दी। इस सबने अपनेपन का एक अनूठा माहौल बनाया। शायद इसीलिए इस तरह की कला को गीतात्मक भावनाओं और मानव अनुभवों की विभिन्न बारीकियों को खोजने की उच्च क्षमता की विशेषता है।

चैम्बर संगीत की शैलियों को लैकोनिक की मदद से संचरण के लिए यथासंभव सटीक रूप से डिज़ाइन किया गया है, लेकिन एक ही समय में अच्छी तरह से सत्यापित साधन। इसके विपरीत, जहां उपकरण के समूहों द्वारा भागों का प्रदर्शन किया जाता है, ऐसी रचनाओं में प्रत्येक उपकरण के लिए इसका अपना भाग लिखा जाता है, और ये सभी व्यावहारिक रूप से एक दूसरे के बराबर होते हैं।

चेंबर वाद्य यंत्र के प्रकार

इतिहास के विकास के साथ, चैम्बर संगीत भी विकसित हुआ। इस तरह की दिशा में कलाकारों के संबंध में कुछ ख़ासियत होनी चाहिए, इसके लिए प्रमाण की आवश्यकता नहीं है। आधुनिक वाद्य यंत्र हैं:

• युगल (दो कलाकार);
• तीनों (तीन सदस्य);
• चतुर्थांश (चार);
• पंचक (पांच);
• sextets (छह);
• सेप्टेट्स (सात);
• अष्टक (आठ)
• nonets (नौ);
• डेसीमेट (दस)।

इसी समय, वाद्य रचना बहुत विविध हो सकती है। इसमें दोनों तार और केवल तार शामिल हो सकते हैं या केवल हवाओं को एक समूह में शामिल किया जा सकता है। और मिश्रित कक्ष पहनावा हो सकता है - पियानो विशेष रूप से अक्सर उनमें शामिल होता है। सामान्य तौर पर, उनकी रचना केवल एक चीज तक सीमित होती है - संगीतकार की कल्पना, और यह अक्सर असीमित होती है। इसके अलावा, कक्ष ऑर्केस्ट्रा भी हैं - सामूहिक, जिसमें 25 से अधिक संगीतकार शामिल नहीं हैं।

वाद्य चैम्बर संगीत शैलियों

चैम्बर संगीत की समकालीन शैलियों का निर्माण डब्ल्यूए मोजार्ट, एल। बेथोवेन, आई। हेडन जैसे महान संगीतकारों के कार्यों के प्रभाव में किया गया था। यह ऐसे स्वामी थे जिन्होंने ऐसे कार्यों का निर्माण किया जो सामग्री शोधन और भावनात्मक गहराई के मामले में नायाब थे। सोनतस, युगल, तिकड़ी, चौकड़ी और पंचक को एक बार 19 वीं सदी के सबसे प्रसिद्ध प्रेमकथाओं के लिए श्रद्धांजलि दी गई: एफ। मेंडेलसोहन, आर। शुमान, एफ। शुबर्ट, एफ। चोपिन। इसके अलावा, वाद्ययंत्र लघुचित्र (निशाचर, इंटरमेजो) की शैली ने उस समय काफी लोकप्रियता हासिल की।

चैंबर कॉन्सर्ट, सुइट्स, फ्यूजेस, कैंटैटस भी हैं। 18 वीं शताब्दी में, चैम्बर संगीत शैलियों बहुत विविध थे। इसके अलावा, उन्होंने अन्य प्रवृत्तियों और शैलियों की शैलीगत विशेषताओं को अवशोषित किया। उदाहरण के लिए, एल। बेथोवेन इस तरह की घटना की सीमाओं को धक्का देने का प्रयास करते हैं क्योंकि चैम्बर संगीत इतना स्पष्ट रूप से पता लगाया जाता है कि क्रेटज़र सोनाटा की तरह उनका काम किसी भी तरह से अपनी स्मारकीय और भावनात्मक तीव्रता में सहानुभूतिपूर्ण रचनाओं से हीन नहीं है।

मुखर चैम्बर संगीत शैलियों

19 वीं शताब्दी में, मुखर चैम्बर संगीत को अपार लोकप्रियता मिली। कला गीत और रोमांस की जो नई विधाएँ उभर कर सामने आईं, उन्हें आर.सुमन्न, एफ। शुबर्ट, आई। ब्राह्म्स जैसे श्रद्धांजलि दी गई। रूसी संगीतकारों ने चैम्बर संगीत कार्यों के विश्व संग्रह में एक अमूल्य योगदान दिया है। M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, M. P. Mussorgsky, M. A. Rimsky-Korsakov के शानदार रोमांस आज भी किसी को भी उदासीन नहीं छोड़ते हैं। छोटे टुकड़ों के अलावा, चेंबर ओपेरा की एक शैली भी है। इसका मतलब है कि कलाकारों की एक छोटी संख्या की उपस्थिति और उत्पादन के लिए एक बड़े कमरे की आवश्यकता नहीं है।

चैंबर संगीत आज

बेशक, आज व्यावहारिक रूप से कोई घर नहीं है, जहां पिछली शताब्दियों में, चेंबर के लोग लोगों के सीमित घेरे से घिरे रहते हैं। हालांकि, मौजूदा रूढ़ियों के विपरीत, यह दिशा बहुत लोकप्रिय है। दुनिया भर के अंग और चैम्बर संगीत के हॉल शास्त्रीय रचनाकारों और समकालीन लेखकों द्वारा दोनों कार्यों के लाखों प्रशंसकों को इकट्ठा करते हैं। त्योहारों को नियमित रूप से आयोजित किया जाता है जहां प्रसिद्ध और उभरते कलाकार अपनी कला को साझा करते हैं।