19 वीं सदी के सर्वश्रेष्ठ संगीतकार। उत्कृष्ट रूसी और विदेशी रचनाकारों का काम करता है

"संगीतकार" शब्द पहली बार 16 वीं शताब्दी में इटली में दिखाई दिया था, और तब से इसका उपयोग ऐसे व्यक्ति को निरूपित करने के लिए किया जाता है जो संगीत की रचना करने में लगे हुए हैं।

19 वीं सदी के संगीतकार

19 वीं शताब्दी में, विनीज़ संगीत विद्यालय का प्रतिनिधित्व फ्रांज पीटर शुबर्ट जैसे उत्कृष्ट संगीतकार ने किया था। उन्होंने स्वच्छंदतावाद की परंपराओं को जारी रखा और संगीतकारों की एक पूरी पीढ़ी को प्रभावित किया। शुबर्ट ने 600 से अधिक जर्मन रोमांस बनाए हैं, जो इस शैली को अगले स्तर तक ले जाते हैं।

फ्रांज पीटर शुबर्ट

एक और ऑस्ट्रियाई, जोहान स्ट्रॉस, अपने ओपेरा और नृत्य चरित्र के हल्के संगीत रूपों के लिए प्रसिद्ध हो गए। यह वह था जिसने वियना में वाल्ट्ज को सबसे लोकप्रिय नृत्य बनाया, जहां अभी भी गेंदें आयोजित की जाती हैं। इसके अलावा, उनकी विरासत में पोलाक, क्वाड्रिल, बैले और ओपेरा शामिल हैं।

जोहान स्ट्रॉस

19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के संगीत में आधुनिकता का एक प्रमुख प्रतिनिधि जर्मन रिचर्ड वैगनर थे। उनके ओपेरा ने आज तक अपनी प्रासंगिकता और लोकप्रियता नहीं खोई है।

गिउसेप्पे वर्डी

वैगनर को इतालवी संगीतकार Giuseppe Verdi के राजसी चित्र के साथ जोड़ा जा सकता है, जो ऑपरेटिव परंपराओं के प्रति वफादार रहे और इतालवी ओपेरा को एक नई सांस दी।

पीटर इलिच Tchaikovsky

19 वीं शताब्दी के रूसी रचनाकारों में, पायोत्र इलिच त्चिकोवस्की का नाम आता है। उन्हें एक अनूठी शैली की विशेषता है जो ग्लिंका की रूसी विरासत के साथ यूरोपीय सिम्फोनिक परंपराओं को जोड़ती है।

20 वीं सदी के संगीतकार

सर्गेई वसीलीविच रहमानिनोव

सर्गेई वासिलिविच राचमानिनोव को 19 वीं सदी की शुरुआत में, 20 वीं शताब्दी के अंत में सबसे चमकदार रचनाकारों में से एक माना जाता है। उनकी संगीत शैली रोमांटिकतावाद की परंपराओं पर आधारित थी और एवेंट-गार्डे आंदोलनों के समानांतर मौजूद थी। यह उनके व्यक्तित्व और एनालॉग्स की कमी के लिए है कि उनके काम को दुनिया भर के आलोचकों ने बहुत सराहा।

इगोर फेडोरोविच स्ट्रविंस्की

20 वीं शताब्दी का दूसरा सबसे प्रसिद्ध संगीतकार इगोर फेडोरोविच स्ट्रविंस्की है। मूल रूप से रूसी, वह फ्रांस, और फिर संयुक्त राज्य अमेरिका में चले गए, जहां उन्होंने अपनी प्रतिभा पूरी ताकत से दिखाई। स्ट्रविंस्की एक नवोन्मेषक है, लय और शैलियों के साथ प्रयोग करने से नहीं डरता। उनके काम में, रूसी परंपराओं, विभिन्न अवांट-गार्ड आंदोलनों के तत्वों और एक अनूठी व्यक्तिगत शैली का प्रभाव पता लगाया जाता है, जिसके लिए उन्हें "संगीत में पिकासो" कहा जाता है।

इस लेख में चर्चा की गई किसी भी संगीतकार को शास्त्रीय संगीत का सबसे बड़ा संगीतकार आसानी से कहा जा सकता है जो कभी भी अस्तित्व में था।

यद्यपि कई शताब्दियों में बनाए गए संगीत की तुलना करना असंभव है, ये सभी संगीतकार अपने समकालीनों की पृष्ठभूमि के खिलाफ बहुत स्पष्ट रूप से खड़े हैं। अपने कामों में, वे शास्त्रीय संगीत की सीमाओं का विस्तार करने के लिए प्रयासरत थे, इसमें नई ऊंचाइयों तक पहुंचने के लिए जो पहले नहीं पहुंच पाए थे।

नीचे सूचीबद्ध शास्त्रीय संगीत के सभी महान संगीतकार पहले स्थान के योग्य हैं, इसलिए सूची को संगीतकार के महत्व से नहीं बल्कि आपके संदर्भ के लिए जानकारी के रूप में प्रस्तुत किया जाता है।

विश्व क्लासिक्स के लिए, बीथोवेन एक बहुत महत्वपूर्ण व्यक्ति है। दुनिया में सबसे अधिक प्रदर्शन करने वाले रचनाकारों में से एक। उन्होंने अपने समय के सभी मौजूदा शैलियों में अपने कामों की रचना की। यह संगीत में रोमांटिकतावाद की अवधि का एक अग्रदूत है। इंस्ट्रूमेंटल कार्यों को लुडविग वैन बीथोवेन द्वारा छोड़ी गई पूरी विरासत के सबसे महत्वपूर्ण के रूप में मान्यता प्राप्त है।

विश्व संगीत इतिहास में सबसे महान संगीतकार और आयोजक। बारोक युग का एक प्रतिनिधि है। अपने पूरे जीवन में, उन्होंने एक हजार से अधिक रचनाएं लिखीं, हालांकि, उनके जीवनकाल में, केवल एक दर्जन के बारे में प्रकाशित किया गया था। उन्होंने ओपेरा के अपवाद के साथ अपने समय की सभी शैलियों में काम किया। वह संगीत में सबसे प्रसिद्ध बाख वंश का संस्थापक है।

संगीतकार और कंडक्टर, ऑस्ट्रिया के एक गुणी और वायलिन वादक, एक अविश्वसनीय संगीत स्मृति और अद्भुत कान थे। उन्होंने कम उम्र से बनाना शुरू कर दिया और संगीत की सभी शैलियों में उत्कृष्ट प्रदर्शन किया, जिसके लिए उन्हें इतिहास में शास्त्रीय संगीत के महान संगीतकारों में से एक के रूप में मान्यता प्राप्त है।

मोज़ार्ट का सबसे रहस्यमय और रहस्यमय काम - "Requiem", लेखक द्वारा कभी पूरा नहीं किया गया था। इसका कारण पैंतीस साल की उम्र में अचानक मौत थी। उनके छात्र फ्रैंज सुसमीयर द्वारा "रिक्वेमी" पर पूरा काम।

महान जर्मन संगीतकार, नाटककार, कंडक्टर और दार्शनिक। उन्नीसवीं और बीसवीं शताब्दी के मोड़ पर आधुनिकतावाद और सामान्य रूप से संपूर्ण यूरोपीय संस्कृति पर उनका बहुत प्रभाव पड़ा।

बावरिया के लुडविग II के आदेश से वैगनर के विचारों के अनुसार बेयरुथ में एक ओपेरा हाउस बनाया गया था। यह विशेष रूप से संगीतकार के कार्यों के लिए अभिप्रेत था। वैगनर के संगीत नाटक इसमें आज तक चलते हैं।

रूसी संगीतकार, कंडक्टर और संगीत समीक्षक दुनिया के सर्वश्रेष्ठ मेलोडिस्टों में से एक हैं। उनके काम ने विश्व स्तर के विकास में बहुत बड़ा योगदान दिया है। शास्त्रीय संगीत प्रेमियों के बीच, वह बहुत लोकप्रिय संगीतकार हैं। अपनी रचनाओं में, प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की ने पश्चिमी परंपराओं की शैली को रूसी परंपराओं के साथ सफलतापूर्वक जोड़ा।

ऑस्ट्रिया से महान संगीतकार, और कंडक्टर, और वायलिन वादक, और "वाल्ट्ज के राजा" दुनिया के सभी लोगों द्वारा मान्यता प्राप्त हैं। उनका काम हल्के नृत्य संगीत और ओपेरा को समर्पित था। उनकी विरासत में, पांच सौ से अधिक वॉल्टेज, क्वाड्रिल, पोल्का, और कई ओपेरा और बैले भी हैं। उन्नीसवीं शताब्दी में, स्ट्रॉस के लिए धन्यवाद, वाल्ट्ज ने वियना में अविश्वसनीय लोकप्रियता हासिल की।

इतालवी संगीतकार, गुणी गिटारवादक और वायलिन वादक। संगीत इतिहास में एक बहुत ही उज्ज्वल और असामान्य व्यक्तित्व, वह संगीत की विश्व कला में एक मान्यता प्राप्त प्रतिभा है। इस महापुरुष की सारी रचनात्मकता किसी तरह से रहस्य में डूबी हुई थी, जिसका श्रेय स्वयं पगनिनी को था। उन्होंने अपनी रचनाओं में नए, पहले से अज्ञात प्रकार की वायलिन तकनीक की खोज की। वह संगीत में रूमानियत के संस्थापकों में से एक हैं।

शास्त्रीय संगीत के इन सभी महान संगीतकारों ने इसके विकास और संवर्धन पर बहुत प्रभाव डाला है। समय और संपूर्ण पीढ़ियों द्वारा परीक्षण किया गया उनका संगीत आज की मांग है, शायद अपने जीवनकाल के दौरान बहुत अधिक हद तक। उन्होंने अमर कृतियों का निर्माण किया, जो आने वाली पीढ़ियों के लिए जीना और गुजरना जारी रखते हैं, भावनाओं और भावनाओं को लेकर चलते हैं जो आपको शाश्वत के बारे में सोचते हैं।

तो, लुडविग वैन बीथोवेन को तीसरी शताब्दी के सबसे महान रचनाकारों में से एक माना गया है। उनकी रचनाएँ सबसे परिष्कृत श्रोताओं की आत्मा और दिमाग पर एक गहरी छाप छोड़ती हैं। एक समय में एक वास्तविक सफलता संगीतकार की 9 वीं डी मामूली सिम्फनी का प्रीमियर थी, जिसके समापन में शिलर ध्वनियों के पाठ के लिए प्रसिद्ध कोरल "ओड टू जॉय" था। आधुनिक फिल्मों में से एक संपूर्ण सिम्फनी का एक अच्छा असेंबल प्रस्तुत करता है। यह सुनिश्चित करें कि आपने इसे देख किया!

डी। वैन में बीथोवेन सिम्फनी नंबर 9 में मामूली (वीडियो संपादन)

सर्गेई वसीलीविच रहमानिनोव

सर्गेई वासिलिविच राचमानिनॉफ एक रूसी संगीतकार, पियानोवादक और कंडक्टर हैं।

4 संगीत कार्यक्रम, पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए "पैंगिनी के एक विषय पर रैप्सोडी" (1934), पियानो के लिए प्रस्तावना, चित्र-चित्र, 3 सिम्फनी (1895-1936), फंतासी "क्लिफ" (1893), कविता "आइल ऑफ द डेड"। (1909), ऑर्केस्ट्रा के लिए सिम्फोनिक डांस (1940), कैंट्टा स्प्रिंग (1902), कोरस और ऑर्केस्ट्रा के लिए कविता बेल्स (1913), ओपेरा एलेको (1892), लोभी नाइट, फ्रांसेस्का डी रिमिनी (दोनों 1904), रोमांस।

एक संगीतकार और गुणी पियानोवादक सर्गेई वासिलीविच रचमैनॉफ के काम में, रूसी और यूरोपीय कला की परंपराएं सामंजस्यपूर्ण रूप से संयुक्त हैं। अधिकांश संगीतकारों और श्रोताओं के लिए, राचमानिनॉफ की रचनाएं रूस का एक कलात्मक प्रतीक हैं। सर्गेई राचमानिनॉफ के काम में विशेष बल के साथ मातृभूमि का विषय सन्निहित है। उनके संगीत में गीत-चिंतनशील मनोदशाओं, अथाह मधुरता, समृद्धि और सांस लेने की स्वतंत्रता - लयबद्ध ऊर्जा के साथ रोमांटिक पाथोस संयुक्त है। Rachmaninoff का संगीत यूरोप के उत्तरार्ध के रोमांटिकतावाद का एक महत्वपूर्ण हिस्सा है। 1917 के बाद, Rachmaninoff को विदेश में रहने के लिए मजबूर किया गया - स्विट्जरलैंड और संयुक्त राज्य अमेरिका में। उनकी रचना और विशेष रूप से प्रदर्शन करने वाली गतिविधियां एक घटना बन गईं, जिसके बिना 20-40 के दशक में पश्चिम के सांस्कृतिक जीवन की कल्पना करना असंभव है। XX सदी।

राचमानिनॉफ की विरासत में ओपेरा और सिम्फनी, चैंबर वोकल और कोरल संगीत शामिल हैं, लेकिन संगीतकार ने पियानो के लिए सबसे अधिक लिखा है। उन्होंने शक्तिशाली, स्मारक पुण्य की ओर प्रवृत्त किया, पियानो को रंगों की समृद्धि में सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की तुलना करने के लिए प्रयास किया।

Rachmaninoff का काम विभिन्न युगों और संस्कृतियों को जोड़ता है। यह रूसी संगीतकारों को यूरोपीय परंपराओं के साथ अपने गहरे संबंध को महसूस करने की अनुमति देता है, और पश्चिमी संगीतकारों के लिए, रचमैनिनॉफ़ रूस को खोलता है - अपनी वास्तविक आध्यात्मिक संपत्ति को दर्शाता है।

रिचर्ड स्ट्रॉस

रिचर्ड स्ट्रॉस दिवंगत रोमांटिक युग के एक जर्मन संगीतकार हैं, जो विशेष रूप से अपनी सहज कविताओं और ओपेरा के लिए प्रसिद्ध हैं। वह एक उत्कृष्ट कंडक्टर भी थे।

रिचर्ड स्ट्रॉस की शैली चोपिन, शुमान, मेंडेलसोहन की रचनाओं से गंभीर रूप से प्रभावित थी। रिचर्ड वैगनर के संगीत से प्रभावित होकर स्ट्रॉस ने ओपेरा का रुख किया। इस तरह का पहला काम गुंतराम (1893) है। यह एक रोमांटिक टुकड़ा है; उनकी संगीत की भाषा सरल है, धुन सुंदर और मधुर है।

1900 से, ओपेरा रिचर्ड स्ट्रॉस के काम में अग्रणी शैली बन गया है। संगीत की भाषा की सरलता और स्पष्टता से संगीतकार की रचनाएँ प्रतिष्ठित होती हैं, जिसमें लेखक रोजमर्रा की नृत्य शैलियों का उपयोग करता था।

स्ट्रॉस की रचनात्मक गतिविधि सत्तर से अधिक वर्षों तक चली। संगीतकार देर से रोमांटिक के रूप में शुरू हुआ, फिर अभिव्यक्तिवाद में आया और आखिरकार नवशास्त्रवाद की ओर मुड़ गया।

अलेक्जेंडर निकोलेविच स्क्रिपान

बचपन से, वह पियानो की आवाज़ के लिए तैयार था। और तीन साल की उम्र में वह पहले से ही साधन पर घंटों बैठे थे, इसे एक जीवित प्राणी के रूप में मानते थे। मॉस्को कंज़र्वेटरी से स्नातक होने के बाद, अलेक्जेंडर ने संगीत कार्यक्रम और शिक्षण देना शुरू किया, लेकिन गतिविधि की रचना करने की इच्छा अधिक मजबूत थी। वह रचना करना शुरू करता है और उसके कार्यों को तुरंत अन्य पियानोवादकों के प्रदर्शनों में शामिल किया जाता है।

"कला को उत्सवपूर्ण होना चाहिए," उन्होंने कहा, "उत्थान, स्फूर्तिदायक होना चाहिए।" वास्तव में, उनका संगीत इतना साहसी, नया और असामान्य था कि 21 मार्च, 1903 को मॉस्को में उनका प्रदर्शन एक प्राकृतिक घोटाले में बदल गया। किसी ने प्रशंसा की, किसी ने ज़ोर दिया और सीटी बजाया ... लेकिन स्क्रिबिन शर्मिंदा नहीं था: उसे एक मसीहा की तरह महसूस हुआ, एक नए धर्म के एक हेराल्ड - कला। वह अपनी परिवर्तनकारी शक्ति में विश्वास करते थे। उन्होंने उस समय एक ग्रहों के पैमाने पर फैशनेबल सोचा था। स्क्रिबिन का रहस्यमय दर्शन उनकी संगीतमय भाषा में परिलक्षित होता है, विशेष रूप से अभिनव सामंजस्य में जो पारंपरिक टॉनिक की सीमाओं से बहुत आगे निकल जाता है।

स्क्रिपियन ने एक नई सिंथेटिक शैली का सपना देखा, जहां न केवल आवाज़ और रंग विलीन हो जाएंगे, बल्कि नृत्य की गंध और प्लास्टिसिटी भी होगी। लेकिन योजना अधूरी रह गई। 14 अप्रैल (27), 1915 को मास्को में स्क्रिबिन की मृत्यु हो गई। उनका जीवन, एक प्रतिभा का जीवन छोटा और उज्ज्वल था।

सर्गेई प्रोकोफिअव

सर्गेई प्रोकोफिव एक रूसी और सोवियत संगीतकार है, जो 20 वीं शताब्दी के सबसे प्रसिद्ध रचनाकारों में से एक है।

"संगीतकार" की परिभाषा प्रोकोफ़िएव के लिए "मनुष्य" के रूप में स्वाभाविक थी।

प्रोकोफ़िएव के संगीत में, कोई भी विशिष्ट प्रोकोफ़िएव की तीव्र रूप से अप्रिय सामंजस्य, वसंत की लय, जानबूझकर शुष्क, साहसी मोटर सुन सकता है। आलोचना ने तुरंत प्रतिक्रिया व्यक्त की: "युवा लेखक, जिसने अभी तक अपनी कलात्मक शिक्षा पूरी नहीं की है, आधुनिकतावादियों की चरम दिशा से संबंधित है, अपने साहस में आधुनिक फ्रांसीसी से बहुत आगे निकल जाता है।"

युवा प्रोकोफ़िएव के कई समकालीनों और यहां तक \u200b\u200bकि उनके काम के शोधकर्ताओं ने उनके संगीत में एक "गेय धारा" की अनदेखी की, जो तेज-व्यंग्यपूर्ण, विचित्र, व्यंग्यात्मक छवियों के माध्यम से अपना रास्ता बना रहे हैं, जानबूझकर किसी न किसी, भारी लय के माध्यम से। और उनमें से कई हैं, इन लयात्मक, शर्मीली अंतर्मुखी पियानो चक्र "बेड़े" और "सरकस्म" में, दूसरा सोनाटा के पहले आंदोलन के एक साइड थीम में, बालमोंट, अपुख्तिन, अखमातोवा द्वारा छंदों के लिए।

प्रोकोफ़िएव के बारे में कोई भी कह सकता है: महान संगीतकार ने जीवन के महान ट्रांसफार्मरों के बीच अपना स्थान पाया।

मिलि बलकिरेव

मिली बलकैरव - रूसी संगीतकार, पियानोवादक, कंडक्टर (1836 / 37-1910)

"ताकतवर मुट्ठी" का गठन किया गया था - समान विचारधारा वाले लोगों का एक समुदाय, जिसने रूसी संगीत को एक अद्भुत राशि दी।

सर्कल में बालाकिरव के नेतृत्व को उनके त्रुटिहीन स्वाद, स्पष्ट विश्लेषणात्मक दिमाग और संगीत सामग्री की एक बड़ी मात्रा के ज्ञान द्वारा सुविधाजनक बनाया गया था। चक्र में मनोदशा शासन करती है, जो उस समय के आलोचकों में से एक द्वारा व्यक्त की गई थी: "संगीत पहाड़ों को स्थानांतरित कर सकता है।" बालाकिरव का स्वभाव बहुत ऊर्जावान और आकर्षक था। सर्कल में, उन्होंने जल्दी से आयोजक की भूमिका निभाई।

उन्होंने सर्कल को एक तरह की रचनात्मकता के रूप में माना: उन्होंने युवा रचनाकारों को "प्रभावित" किया। उनसे उन्होंने रूस के भविष्य के संगीतमय पैलेट की रचना की।

धीरे-धीरे, एक मुफ्त संगीत विद्यालय का विचार बालाकिरव के पास आया।

1862 में, फ्री म्यूजिक स्कूल खोला और अपना पहला संगीत कार्यक्रम दिया। बलकिरेव ने एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के कंडक्टर के रूप में प्रदर्शन किया।

उन्होंने खुद बहुत कुछ लिखा था, लेकिन उन्होंने जो कुछ भी बनाया था उससे रचनात्मक संतुष्टि महसूस नहीं की। जैसा कि सीज़र कुई ने लिखा, "जब तक उनकी मृत्यु नहीं हुई, उन्होंने कहा कि हमने उनके पंख के नीचे जो लिखा था, वह अच्छा था।"

ग्लेज़ुनोव अलेक्जेंडर कोन्स्टेंटिनोविच

अलेक्जेंडर ग्लेज़ुनोव - रूसी और सोवियत संगीतकार (1865-1936)

Glazunov 19 वीं सदी के अंत और 20 वीं सदी की शुरुआत में सबसे बड़े रूसी संगीतकारों में से एक है। शक्तिशाली मुट्ठीदार और त्चिकोवस्की की परंपराओं को जारी रखते हुए, उन्होंने अपने काम में रूसी संगीत के गीत-महाकाव्य और गीत-नाटकीय शाखाओं को जोड़ा। ग्लेज़ुनोव की रचनात्मक विरासत में, मुख्य स्थानों में से एक विभिन्न शैलियों के सिम्फोनिक संगीत से संबंधित है। यह रूसी महाकाव्य, देशी प्रकृति के चित्रों, रूसी वास्तविकता, स्लाव और पूर्वी लोगों के गीत के चित्रों को दर्शाता है। Glazunov के कार्यों को संगीत विषयों की राहत, ऑर्केस्ट्रा की पूर्ण और स्पष्ट ध्वनि, पॉलीफोनिक तकनीक का व्यापक उपयोग (उन्होंने विभिन्न विषयों के साथ-साथ ध्वनि का उपयोग किया, नकल और विविधता के विकास का संयोजन) द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है। ग्लेज़ुनोव के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में वायलिन और ऑर्केस्ट्रा (1904) के लिए कॉन्सर्टो भी है।

चेंजर वाद्य संगीत के साथ-साथ बैले शैली (रेमोंडा। 1897, आदि) में ग्लेज़ुनोव का योगदान महत्वपूर्ण है। Tchaikovsky की परंपराओं के बाद, Glazunov ने बैले में संगीत की भूमिका को गहरा किया, इसकी सामग्री को समृद्ध किया। ग्लेज़ुनोव रूसी, चेक, ग्रीक भजन और गीतों की व्यवस्था के लिए जिम्मेदार है। उन्होंने ओपेरा "प्रिंस इगोर" को रिमस्की-कोर्साकोव के साथ मिलकर पूरा किया, और स्मृति से बोरोडिन के तीसरे सिम्फनी के पहले भाग को रिकॉर्ड किया। एम। आई। ग्लिंका के कार्यों के प्रकाशन की तैयारी में भाग लिया। रूसी और विदेशी संगीतकारों द्वारा कई प्रकार के मार्सिलेज़ (1917) का मंचन किया गया।

निकोले याकोवलेविच मायस्कॉवस्की

निकोलाई मायस्कॉव्स्की - रूसी और सोवियत संगीतकार (1881-1950)।

प्रोकोफिव और स्ट्राविन्स्की के साथ, निकोलाई याकोवलेविच मायस्कॉवस्की उन रचनाकारों में से थे, जिन्होंने पूर्व-क्रांतिकारी अवधि में रूस के रचनात्मक बुद्धिजीवियों के मूड को प्रतिबिंबित किया। उन्होंने पुराने विशेषज्ञों के अधिकारों पर अक्टूबर के बाद रूस में प्रवेश किया, और, अपने आसपास के प्रकार के खिलाफ निर्देशित आतंक को देखकर, वे परिसरों की भावना से छुटकारा नहीं पा सके। फिर भी, उन्होंने ईमानदारी से (या लगभग ईमानदारी से) बनाई, उनके आसपास की वास्तविकता को दर्शाती है।

उस समय के प्रेस ने लिखा: “सत्ताईसवीं सिम्फनी एक सोवियत कलाकार का काम है। आप इसके बारे में एक मिनट के लिए मत भूलना ”। उन्हें सोवियत सिम्फनी स्कूल का प्रमुख माना जाता है। मायास्कोवस्की की संगीत रचनाएं उनके समय को दर्शाती हैं, कुल मिलाकर उन्होंने 27 सिम्फनी, 13 चौकड़ी, 9 पियानो सोनाटा और अन्य रचनाएं लिखीं, जिनमें से कई सोवियत संगीत में मील का पत्थर बन गईं। संगीतकार को बौद्धिक और भावनात्मक सिद्धांतों के एक संलयन की विशेषता थी। Myaskovsky का संगीत मूल है, जो विचार की एकाग्रता द्वारा और उसी समय, जुनून की तीव्रता से चिह्नित है। हमारे समय में, कोई भी एन मायस्कॉवस्की के काम से अलग तरीके से संबंधित हो सकता है, लेकिन निस्संदेह, उसकी सत्ताईस में से सात ने पूरी तरह से सोवियत युग के जीवन को प्रतिबिंबित किया।

निकोले रिमस्की-कोर्साकोव

निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव - रूसी संगीतकार (1844-1908)

महान संगीतकार एन। रिमस्की-कोर्साकोव का काम लगभग पूरी तरह से 19 वीं शताब्दी से संबंधित है, 20 वीं शताब्दी में सुई की तरह चुभने वाला: वह आठ साल तक इस सदी में रहा और काम किया। संगीतकार, एक पुल की तरह, दो सदियों के विश्व संगीत को जोड़ता है। रिमस्की-कोर्साकोव का आंकड़ा भी दिलचस्प है क्योंकि वह अनिवार्य रूप से स्व-सिखाया गया था।

जॉर्जी वासिलिविच स्विरिदोव

जॉर्जी वासिलीविच स्विरिडोव - सोवियत संगीतकार, पियानोवादक (1915-1998)।

अपनी सादगी के कारण, जार्ज सोविरिडोव का संगीत अन्य संगीतकारों के कार्यों से अलग होना आसान है। लेकिन यह सादगी अधिकता के समान है। Sviridov के संगीत में स्पष्ट रूप से स्पष्टता है, लेकिन यह संक्षेप में अभिव्यंजक है, न कि विभिन्न रूपों के साथ रंग में। उसके पास एक समृद्ध आंतरिक दुनिया है, उसकी वास्तविक भावनाएं संयमित हैं ... Sviridov के संगीत को समझना आसान है, जिसका अर्थ है कि यह अंतर्राष्ट्रीय है, लेकिन साथ ही साथ गहरी देशभक्ति, चूंकि मातृभूमि का विषय लाल धागे की तरह इसके माध्यम से चलता है। जी। श्वेरीदोव, अपने शिक्षक डी। शोस्तकोविच के अनुसार, "एक नई संगीत भाषा का आविष्कार करने से कभी नहीं थकते", "नए दृश्य साधनों" की तलाश में। इसलिए, उन्हें 20 वीं शताब्दी के सबसे दिलचस्प लेखकों में से एक माना जाता है।

अक्सर जी स्वविरडोव को एक संगीतकार के रूप में जाना जाता था, जिनके मुखर काम करना मुश्किल है। दशकों से, संगीत अपने रचनात्मक स्टोरहाउस में जमा हो रहा है, इसके कलाकारों की प्रतीक्षा कर रहा है। Sviridov के संगीत के लिए पारंपरिक प्रदर्शन शैली अक्सर फिट नहीं होती थी; संगीतकार ने खुद कहा कि उनके मुखर संगीत की नवीनता और जटिलता इस तथ्य के कारण है कि भाषण में लगातार सुधार हो रहा है। इस संबंध में, उन्होंने अपने समय के अभिनेताओं और कवियों में पुराने, एक बार प्रसिद्ध और फैशनेबल को याद किया। "आज, - Sviridov ने कहा, - वे हम पर इतनी मजबूत छाप नहीं डालेंगे। उनका भाषण हमें कभी-कभार, कभी-कभार, कभी-कभी बहुत ही सरल लगता है। कवि इगोर सेवरानिन कल्पना और शब्दावली दोनों में आधुनिक थे, और अब उन्हें एक संग्रहालय के रूप में माना जाता है। " भाषण की नई विशेषताओं में अक्सर गायकों के साथ हस्तक्षेप होता था, लेकिन यह इस दिशा में था, Sviridov के अनुसार, कि एक को काम करना चाहिए।

Sviridov से पहले शायद किसी ने भी मुखर शैलियों के विकास और संवर्धन के लिए इतना कुछ नहीं किया था - oratorio, Cantata, chorus, romance ... यह G. Sviridov को प्रमुख रचनाकारों में न केवल एक रूसी बल्कि वैश्विक स्तर पर भी शामिल करता है।

इगोर स्ट्राविंस्की

स्ट्राविंस्की इगोर फेडोरोविच - रूसी संगीतकार, कंडक्टर (1882-1971)।

स्ट्राविन्स्की ने अपना अधिकांश जीवन रूस के बाहर बिताया, लेकिन उन्होंने कभी रूसी संगीतकार बनना बंद नहीं किया। उन्होंने रूसी संस्कृति और रूसी भाषा से प्रेरणा ली। और उन्होंने वास्तव में विश्वव्यापी ख्याति प्राप्त कर ली। स्ट्राविंस्की नाम था और उन लोगों के कानों में भी रहता है जिनकी संगीत में बहुत कम रुचि है। उन्होंने 20 वीं शताब्दी की संगीत संस्कृति के विश्व इतिहास में आधुनिकता और कर्कश प्राचीनता की संगीत परंपराओं के संयोजन के एक महान मास्टर के रूप में प्रवेश किया।

स्ट्रविंस्की के कार्यों ने स्थापित ढांचे को तोड़ दिया, लोककथाओं के प्रति दृष्टिकोण को बदल दिया। उन्होंने यह समझने में मदद की कि आधुनिकता के प्रिज्म के माध्यम से माना जाने वाला एक लोक गीत किस संगीतकार के हाथों में आता है। 20 वीं शताब्दी के अंत में स्ट्राविन्स्की के रूप में इस तरह के संगीतकारों के लिए धन्यवाद, लोकगीत की प्रतिष्ठा बढ़ी और एथनो संगीत विकसित हुआ।

कुल में, संगीतकार बैले थिएटर के लिए आठ आर्केस्ट्रा का स्कोर लिखा: "Firebird", "Petrushka", "स्प्रिंग के अनुष्ठान", "अपोलो Musaget", "परी किस" को "प्लेइंग कार्ड्स", "Orpheus" " अगोन ”। उन्होंने गायन के साथ तीन बैले कार्य भी बनाए: "बाइका", "पुलिसेला", "लेस नोचेस"।

तनीव सर्गेई इवानोविच

रोमांटिक संगीतवाद

तानेव सर्गेई इवानोविच - रूसी संगीतकार, पियानोवादक, शिक्षक (1856-1915)।

इस महान संगीतकार और शिक्षक का नाम आज शायद ही कभी उल्लेख किया गया हो, लेकिन करीब से जांच करने पर, यह वास्तविक सम्मान पैदा करता है। वे एक संगीतकार के रूप में प्रसिद्ध नहीं हुए, लेकिन अपना पूरा जीवन मॉस्को कंज़र्वेटरी के लिए समर्पित कर दिया, निस्संदेह उत्कृष्ट संगीतकारों को एस। रचामिनोव, ए। स्क्रिपन, एन मेड्टनर, आर। ग्लेर, के। इग्मुइनोव और अन्य के रूप में शिक्षित किया। पी। त्चिकोवस्की के एक छात्र, एस। तनयेव ने एक पूरे स्कूल का निर्माण किया, जिसने दुनिया भर के रचनाकारों से रूसी और सोवियत संगीतकारों को अलग किया। उनके सभी छात्रों ने तन्वी की सिम्फनी की परंपराओं को जारी रखा। 19 वीं और 20 वीं शताब्दी के मोड़ पर कई प्रसिद्ध लोग, जैसे कि लियो टॉल्स्टॉय, ने उन्हें अपना दोस्त कहा और उनके साथ संवाद करना एक सम्मान माना।

तनयदेव की तुलना सुकरात से की जा सकती है, जिन्होंने गंभीर दार्शनिक कृतियों को लिखे बिना कई छात्रों को पीछे छोड़ दिया।

तन्नेव ने कई संगीत सिद्धांत विकसित किए, एक अनूठा काम "सख्त लेखन का एक चल काउंटर" (1889-1906) और इसकी अगली कड़ी "टीचिंग फॉर द कैनन" (90 के दशक -1915)। हर कलाकार, कला को अपना जीवन देता है, सपने देखता है कि उसका नाम वंशजों द्वारा नहीं भुलाया जाएगा। अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, तनयदेव बहुत चिंतित थे कि उन्होंने कुछ ऐसे काम लिखे जो प्रेरणा से पैदा हुए होंगे, हालाँकि उन्होंने बहुत और गहनता से लिखा था। 1905 से 1915 तक उन्होंने कई कोरल और वोकल साइकल, चैंबर इंस्ट्रुमेंटल पीस लिखे।

दिमित्री दिमित्रिकिच शोस्ताकोविच

दिमित्री दिमित्रिच शोस्तकोविच - सोवियत संगीतकार, पियानोवादक (1906-1975)।

बिना शक के शोस्ताकोविच 20 वीं सदी के सबसे महान संगीतकार थे। समकालीन जो उन्हें करीब से जानते थे, ने तर्क दिया कि उन्होंने कुछ इस तरह से तर्क दिया: अगर वंशज अभी भी संगीत कार्यों से आपके बारे में जानेंगे तो परेशान क्यों होंगे? शोस्ताकोविच ने अधिकारियों के साथ संबंधों को नहीं बढ़ाया। लेकिन संगीत में, उन्होंने व्यक्तिगत हिंसा का विरोध किया।

उन्होंने सिम्फनी नंबर 7 (लेनिनग्राड की घेराबंदी के लिए समर्पित) लिखा।

शोस्ताकोविच ने अपनी आंखों से देखा: लोग कैसे मरते हैं, कैसे विमान और बम उड़ते हैं, उन्होंने अपने काम "सिम्फनी नंबर 7" में उन सभी घटनाओं को प्रतिबिंबित करने की कोशिश की जो लोगों ने अनुभव की।

लेनिनग्राद रेडियो समिति के बोल्शोई सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की सिम्फनी का प्रदर्शन किया। घेराबंदी के दिनों के दौरान, कई संगीतकारों ने मौत के घाट उतार दिया। दिसंबर में रिहर्सल रद्द कर दी गई। जब वे मार्च में फिर से शुरू हुए, तो केवल 15 कमजोर संगीतकार ही खेल सकते थे। इसके बावजूद, कॉन्सर्ट अप्रैल में ही शुरू हो गए। मई में, एक विमान ने सिम्फनी के स्कोर को घेर शहर में पहुंचा दिया। ऑर्केस्ट्रा को फिर से भरने के लिए, लापता संगीतकारों को सामने से भेजा गया था।

शोस्ताकोविच ने सिम्फनी नंबर 7 (1941) के साथ फासीवादी आक्रमण का जवाब दिया, लेनिनग्राद शहर के लिए समर्पित और फासीवाद के खिलाफ संघर्ष के प्रतीक के रूप में दुनिया भर में मान्यता प्राप्त की।

प्रभाववाद

19 वीं शताब्दी के अंतिम भाग में, एक नई प्रवृत्ति दिखाई दी - इंप्रेशनिज़्म (फ्रेंच इंप्रेशनिज़्म, इंप्रेशन - "इंप्रेशन"), शुरू में यह फ्रेंच पेंटिंग में दिखाई दिया। प्रभाववादी संगीतकारों ने सूक्ष्म और जटिल संवेदनाओं को व्यक्त करने का प्रयास किया, ध्वनि में परिष्कार और परिष्कार की मांग की। यही कारण है कि वे साहित्यिक प्रतीकवाद (XIX सदी के 70 के दशक - XX सदी के 10 साल) के करीब थे, जो फ्रांस में भी उत्पन्न हुआ था।

प्रतीकवादियों ने अज्ञात और रहस्यमय क्षेत्रों का पता लगाया, वास्तविकता की आड़ में छिपी "आदर्श दुनिया" को जानने की कोशिश की। प्रभाववादी रचनाकारों ने अक्सर प्रतीकवाद की कविता और नाटक की ओर रुख किया।

संगीत प्रभाववाद के संस्थापक फ्रांसीसी संगीतकार, पियानोवादक और कंडक्टर क्लाउड देबूसि (1862-1918) हैं। सद्भाव (और माधुर्य नहीं) उनके काम में आया, ऑर्केस्ट्रा की आवाज़ की प्रतिभा को एक महत्वपूर्ण भूमिका दी गई। मुख्य ध्वनि की बारीकियां थीं, जो पेंटिंग की तरह, मनोदशाओं, भावनाओं और छापों के रंगों को दर्शाती हैं।

संगीतकार सामंजस्य की स्पष्टता, धुनों और रूपों की सादगी, संगीत की भाषा की सुंदरता और पहुंच पर लौटने के लिए प्रयासरत हैं। उन्होंने पॉलीफोनी की ओर रुख किया, हार्पसीकोर्ड संगीत को पुनर्जीवित किया।

मैक्स रेगर

देर से रोमांटिकवाद और नवशास्त्रवाद की विशेषताएं जर्मन संगीतकार और कंडक्टर मैक्स रेगर के कार्यों में संयुक्त थीं। उन्होंने अंग, ऑर्केस्ट्रा, पियानो, वायलिन, वायोला, चैम्बर पहनावा के लिए लिखा। रेगर ने 18 वीं शताब्दी की विरासत को समझने की कोशिश की, विशेष रूप से जोहान सेबेस्टियन बाख के अनुभव, और अपने कामों में उन्होंने एक बीते युग की संगीत छवियों की ओर रुख किया। हालांकि, XIX-XX सदियों के मोड़ पर एक आदमी होने के नाते, रेगर ने संगीत को मूल सामंजस्य और असामान्य समय के साथ संतृप्त किया।

नियोक्लासिज्म

नियोक्लासिसिज़्म 19 वीं शताब्दी की रोमांटिक परंपरा के साथ-साथ इसके साथ जुड़ी धाराओं (इंप्रेशनिज़्म, एक्सप्रेशनिज़्म, वेरिज्म, इत्यादि) के विरोधी बन गए। इसके अलावा, लोकगीतों में रुचि बढ़ गई, जिसके कारण एक पूरे अनुशासन का निर्माण हुआ - नृवंशविज्ञान, जो संगीतमय लोककथाओं के विकास का अध्ययन करता है और दुनिया के विभिन्न लोगों में संगीत और सांस्कृतिक प्रक्रियाओं की तुलना करता है। कुछ लोग प्राचीन संस्कृतियों (कार्ल ऑर्फ) की उत्पत्ति की ओर मुड़ते हैं या पूरी तरह से लोक कला (लेओस जनसेक, बेला बार्टोक, ज़ोल्टन कोदई) पर भरोसा करते हैं। इसी समय, संगीतकार सक्रिय रूप से अपनी रचनाओं में प्रयोग करना जारी रखते हैं और नए पहलुओं और हार्मोनिक भाषा, छवियों और संरचनाओं की संभावनाओं को खोलते हैं।

19 वीं शताब्दी के सौंदर्यवादी सिद्धांतों का पतन, नई सदी की शुरुआत के राजनीतिक और आर्थिक संकट, काफी हद तक, एक नए संश्लेषण के निर्माण में योगदान दिया, जिससे संगीत में अन्य प्रकार की कलाओं का प्रवेश हुआ: पेंटिंग, ग्राफिक्स, वास्तुकला, साहित्य और यहां तक \u200b\u200bकि छायांकन भी। हालांकि, सामान्य नियम जो कि I.S के समय से संगीतकार अभ्यास पर हावी हैं। बाख, टूट गए और तब्दील हो गए।

19 वीं -20 वीं शताब्दी के अंत में, रूसी संगीतकारों द्वारा यूरोपीय संस्कृति की परंपराओं, शैलियों और शैलियों में महारत हासिल करने की एक लंबी और कठिन प्रक्रिया समाप्त हो गई। XIX सदी के अंत तक। सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को कंज़र्वेटर्स ठोस शैक्षणिक संस्थान बन गए हैं। उस युग के सभी उत्कृष्ट संगीतकार और कई उत्कृष्ट कलाकार अपनी दीवारों से बाहर आए। वादियों, गायकों और नर्तकियों के विद्यालय विकसित हुए हैं। रूसी ओपेरा और बैले कला ने यूरोपीय जनता को जीत लिया। संगीत के विकास में एक महत्वपूर्ण भूमिका सेंट पीटर्सबर्ग में इम्पीरियल मरिंस्की थिएटर और मॉस्को प्राइवेट रूसी ओपेरा द्वारा निभाई गई थी, जो रूसी उद्योगपति और परोपकारी सविता इवानोविच मैमोंटोव (1841-1918) द्वारा बनाई गई थी।

सदी के मोड़ पर रूसी संगीत में, देर से रूमानियत और प्रभाववाद की विशेषताएं परस्पर जुड़ी हुई थीं। साहित्यिक और कलात्मक प्रवृत्तियों का प्रभाव, और प्रतीकवाद के ऊपर, महान था। हालांकि, बड़े स्वामी ने अपनी शैली विकसित की। उनके काम को शायद ही किसी विशेष प्रवृत्ति के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है, और यह रूसी संगीत संस्कृति की परिपक्वता का प्रमाण है।

20 वीं शताब्दी के संगीत से परिचित होने पर पहली धारणा यह है कि आधुनिक काल की संगीत कला और पिछली सभी शताब्दियों के बीच एक अंतर है - कार्यों की ध्वनि उपस्थिति में ऐसे महत्वपूर्ण अंतर हैं।

यहां तक \u200b\u200bकि 10-30 साल के काम भी। XX सदी ध्वनि में बहुत तनावपूर्ण और कठोर लगती है। वास्तव में, 20 वीं शताब्दी का संगीत, पिछली शताब्दियों की तरह, लोगों की आध्यात्मिक और भावनात्मक दुनिया को प्रतिबिंबित करता था, क्योंकि एक व्यक्ति के जीवन की गति तेज हो गई थी, अधिक कठोर और तनावपूर्ण हो गया।

दुखद घटनाओं और विरोधाभासों - युद्धों, क्रांतियों, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, अधिनायकवाद और लोकतंत्र, ने न केवल लोगों में निहित भावनात्मक अनुभवों को बढ़ा दिया, बल्कि मानवता को विनाश के कगार पर ला दिया। यही कारण है कि 20 वीं शताब्दी के संगीत में जीवन और मृत्यु के बीच टकराव का विषय महत्वपूर्ण हो गया है। व्यक्ति के आत्म-ज्ञान का विषय कला के लिए कम महत्वपूर्ण नहीं था।

बीसवीं शताब्दी को क्रांतियों और विश्व युद्धों की अवधि के दौरान सार्वजनिक चेतना में विनाशकारी परिवर्तनों के साथ कला और साहित्य में कई नवाचारों द्वारा चिह्नित किया गया था। 19 वीं और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, और विशेष रूप से अक्टूबर-अक्टूबर के दशक के अंत में, महान परिवर्तनों की अपेक्षा का विषय जो पुरानी, \u200b\u200bअन्यायपूर्ण सामाजिक व्यवस्था को दूर करना चाहिए, सभी रूसी कला और विशेष रूप से संगीत में गुजरता है । सभी रचनाकारों को अपरिहार्यता, क्रांति की आवश्यकता और इसके साथ सहानुभूति के बारे में पता नहीं था, लेकिन हर कोई या लगभग सभी ने पूर्व-तूफान तनाव महसूस किया।

नई सामग्री, हमेशा की तरह, नए रूपों की आवश्यकता होती है, और कई संगीतकार संगीत भाषा के एक कट्टरपंथी नवीकरण के विचार के साथ आए। सबसे पहले, उन्होंने पारंपरिक यूरोपीय प्रणाली के मोड और चाबियों को छोड़ दिया। आटोनल संगीत की अवधारणा दिखाई दी। यह वह संगीत है जिसमें तानिका की एक स्पष्ट प्रणाली कान द्वारा निर्धारित नहीं की जाती है, और सख्त नियमों का पालन किए बिना कॉर्ड उच्चारण (सद्भाव) एक-दूसरे के साथ स्वतंत्र रूप से जुड़े हुए हैं। असामान्य ध्वनियाँ 20 वीं शताब्दी की संगीतमय भाषा की एक और महत्वपूर्ण विशेषता बन गईं। आधुनिक जीवन की छवियों को व्यक्त करने के लिए, उन्होंने असामान्य शोर प्रभाव (धातु के टुकड़े करना और पीसना, मशीन टूल्स और अन्य "औद्योगिक" ध्वनियों) का इस्तेमाल किया, और नए उपकरणों का आविष्कार किया। हालांकि, एक और तरीके ने अधिक दिलचस्प परिणाम दिए। कंपोजर्स ने पारंपरिक उपकरणों के साथ प्रयोग किया: टाइमब्रिज को मिक्स करना, असामान्य रजिस्टरों में खेलना, तकनीक बदलना। और यह पता चला कि एक शास्त्रीय सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा या ऑपरेटिव रूप पूरी तरह से ध्वनियों और शोरों की अपनी जटिल प्रणाली के साथ एक शहर के जीवन को दिखा सकते हैं, और सबसे महत्वपूर्ण बात - विचार के अप्रत्याशित मोड़ और मानव लीची के "kinks" के अंत में। दूसरी सहस्राब्दी।

हालांकि, अभिनव खोजों ने परंपरा को छोड़ने के लिए बिल्कुल भी नेतृत्व नहीं किया। यह 20 वीं सदी थी जिसने बीगोन युग की संगीत विरासत को पुनर्जीवित किया। दो सौ से तीन सौ साल के विस्मरण के बाद, 17 वीं शताब्दी के मोंटेवेर्डी, कोरेली और विवाल्डी, जर्मन और फ्रांसीसी स्वामी के काम फिर से शुरू हुए।

लोकगीतों के प्रति दृष्टिकोण मौलिक रूप से बदल गया है। XX सदी में, एक नई प्रवृत्ति दिखाई देती है - नव-लोकवाद (ग्रीक "नियोस" से - "नया" और "लोकगीत")। उनके समर्थकों ने सुदूर ग्रामीण इलाकों में दर्ज लोक धुनों के इस्तेमाल का आह्वान किया, न कि शहरी तरीके से "सुचारू" होने का। एक सिम्फनी, सोनाटा या ओपेरा के जटिल कपड़े में प्रवेश करना, इस तरह के एक गीत को संगीत में एक अभूतपूर्व जुनून, रंगों और स्वर की समृद्धता के साथ लाया गया।

19 वीं -20 वीं शताब्दियों के मोड़ पर, यूरोपीय संस्कृति में एक नई कलात्मक दिशा हुई - अभिव्यक्तिवाद (लैटिन एक्सप्रेसियो से - "अभिव्यक्ति")। इसके प्रतिनिधि अपने कार्यों में परिलक्षित होते हैं जो प्रथम विश्व युद्ध के युग के एक आदमी के दुखद दृष्टिकोण - निराशा, दर्द, अकेलेपन का डर। "कला उन लोगों से मदद के लिए एक रोना है जो अपने आप में मानवता के भाग्य का अनुभव कर रहे हैं," संगीत में अभिव्यक्तिवाद के संस्थापक, अर्नोल्ड स्कोनबर्ग (1874-1951) ने लिखा है।

अर्नोल्ड स्कोनबर्ग

ऑस्ट्रिया में विकसित संगीतमय अभिव्यक्ति, अधिक सटीक रूप से, इसकी राजधानी वियना में। इसके निर्माता अर्नोल्ड स्कोनबर्ग, अल्बान बर्ग और एंटन वेबर हैं। संगीतकारों के रचनात्मक समुदाय ने न्यू वियना (नोवोवेंस्क) स्कूल के नाम से संगीत के इतिहास में प्रवेश किया। प्रत्येक स्वामी ने कला में अपना रास्ता बनाया, लेकिन उनके कार्यों में भी बहुत कुछ है। सबसे पहले - संगीत की दुखद भावना, तीव्र अनुभवों और गहरे झटके की इच्छा। इसके बाद एक गहन आध्यात्मिक खोज होती है, जो सभी आधुनिक लोगों द्वारा खोए गए धार्मिक और नैतिक आदर्शों को खोजने के लिए हर तरह से एक इच्छा है। अंत में, सभी तीन संगीतकारों ने संगीत की रचना का एक एकीकृत तरीका विकसित किया - डोडेकैपोन प्रणाली, जिसने एक टुकड़े के मोडल और हार्मोनिक संरचना के बारे में पारंपरिक विचारों को नाटकीय रूप से बदल दिया।

स्कोनबर्ग का काम एक मुख्य समस्या हल करता है - यह संगीत के माध्यम से मानव पीड़ा को व्यक्त करता है। भारी, तड़पता हुआ पूर्वाभास, डर की डरावनी भावना को पहले से ही एक शुरुआती काम में शानदार ढंग से व्यक्त किया जाता है - ऑर्केस्ट्रा के लिए पांच टुकड़े (1909)। मनोदशा और रूप में, ये चैंबर प्रेड्यूल्स हैं, लेकिन वे एक बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए लिखे गए थे, और हवाओं और टिमपनी हमलों के शक्तिशाली "रोने" के साथ उन में नाजुक, पारदर्शी ध्वनि पेंटिंग वैकल्पिक है।

द्वितीय विश्व युद्ध की घटनाओं पर स्कोनबर्ग के प्रतिबिंबों का परिणाम एक पाठक, कोरस और ऑर्केस्ट्रा के लिए कैंटन "द सर्वाइवर ऑफ वॉरसॉ" (1947) था। वारसॉ में यहूदी यहूदी बस्ती के निवासियों के नाजी नरसंहार के प्रामाणिक प्रत्यक्षदर्शी लेख को पाठ के रूप में इस्तेमाल किया गया था। एक श्रृंखला पर निर्मित इस बड़े पैमाने की रचना का संगीत अभिव्यक्तिवाद की सर्वश्रेष्ठ परंपराओं में टिका हुआ है - यह जटिल, दुखद और तेज भावनात्मक है। संगीतकार अपने नायकों को भगवान और अनंत काल के सामने पेश करने की कोशिश कर रहा है और यह दर्शाता है कि उनका दुख व्यर्थ नहीं था। कैंटेटा एक प्रार्थना के जप के साथ समाप्त होता है, और उसका संगीत, उसी श्रृंखला की ध्वनियों के आधार पर, पिछले हिस्सों के दुखद अंधेरे से बाहर निकलता है।

हरावल

सामाजिक यथार्थ की नई परिस्थितियों ने पूरी कलात्मक संस्कृति पर एक तरफ प्रभाव डाला, एक तरफ शास्त्रीय परंपरा की एक नई सांस दी, और दूसरी तरफ, एक नई कला को जन्म दिया - एवेंट-गार्डे (फ्रेंच से) "अवंत-गार्डे" - आगे जा रहा है), या आधुनिकतावाद (लाट से। "आधुनिक" - नया, आधुनिक), सबसे अधिक समय के चेहरे को पूरी तरह से प्रतिबिंबित करता है। अनिवार्य रूप से, "आधुनिकतावाद" शब्द बीसवीं शताब्दी के व्यक्तिगत स्वामी के कलात्मक रुझानों, आंदोलनों, स्कूलों और गतिविधियों को दर्शाता है, जिन्होंने अपनी रचनात्मक पद्धति के आधार पर अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता की घोषणा की।

संगीतमय अवांट-गार्डे का आंदोलन 50-90 के दशक को कवर करता है। XX सदी। यह किसी भी तरह से गलती से द्वितीय विश्व युद्ध के बाद उत्पन्न हुआ: युद्ध के समय के झटके और फिर जीवन के तरीके में तेज बदलाव के कारण पिछले युगों के नैतिक और सांस्कृतिक मूल्यों में निराशा हुई। 50-60 के दशक की पीढ़ी के प्रतिनिधि। मैं परंपराओं से मुक्त होकर अपनी कलात्मक भाषा बनाना चाहता था।

म्यूजिकल एवेंट-गार्डे आमतौर पर तथाकथित ठोस संगीत को संदर्भित करता है, जो तानल व्यंजन की स्वतंत्रता पर आधारित होता है, और हार्मोनिक सीमा पर नहीं: मुख्य रूप से रंगीन ध्वनियों (लैटिन "सोनोरस" का उपयोग करते हुए, सोनोरिज़्म आधुनिक संगीतकार की तकनीक में से एक है) - व्यंग्यात्मक, शोरगुल) और व्यावहारिक रूप से सटीक पिच कनेक्शन, इलेक्ट्रॉनिक संगीत की अनदेखी। अवंत-मालीवाद की दिशा में पहली खोज बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी संगीतकार ए.एन. स्क्रिबिन। उनके संगीत ने कुछ श्रोताओं को प्रेरणा शक्ति के साथ जीता, दूसरों ने इसकी असामान्यता से नाराजगी जताई।

ए.एन. स्क्रिबिन

रचनात्मकता के नए तरीकों की खोज ने कई असामान्य शैलियों को जन्म दिया है। कंपोज़र्स इलेक्ट्रॉनिक रिकॉर्डिंग और साउंड-रेप्रोड्यूसिंग तकनीकों का उपयोग करते हैं - एक टेप रिकॉर्डर, एक सिंथेसाइज़र और, हाल के वर्षों में, एक कंप्यूटर - "शास्त्रीय" उपकरणों के रूप में। इलेक्ट्रॉनिक संगीत का उद्भव लाखों पॉप और रॉक प्रेमियों (जहां इलेक्ट्रॉनिक उपकरण एक प्रमुख भूमिका निभाते हैं) के "क्लासिक्स" पर ध्यान आकर्षित करने की इच्छा के कारण हुआ था। हालांकि, इस क्षेत्र में काम करने वाले रचनाकारों का एक अलग लक्ष्य भी है। वे प्रौद्योगिकी की दुनिया के साथ मनुष्य के जटिल संबंधों का पता लगाने की कोशिश कर रहे हैं, जो लोगों की चेतना को बढ़ाता है। सबसे प्रतिभाशाली कार्यों में अपने इलेक्ट्रॉनिक "डबल" के साथ संगीतकार का "लाइव" संवाद एक गहरे प्रतीकात्मक अर्थ पर ले जाता है।

हेपनिंग

50 के दशक से। संगीत में, जैसा कि अन्य प्रकार की कलाओं में (उदाहरण के लिए, थिएटर में) होता है, ऐसी दिशा होती है जैसे कि हो रहा है (अंग्रेजी से, हो रहा है - "हो रहा है", "हो रहा है")। इसके स्रोत को अमेरिकी संगीतकार जॉन केज (जन्म 1912) द्वारा "4" 33 "(1954) के काम के रूप में माना जा सकता है। एक पियानोवादक मंच पर प्रवेश करता है, जो चार मिनट तैंतीस सेकंड के लिए ... चुपचाप पियानो पर बैठता है, फिर। उठ जाता है और प्रीमियर एक घोटाले के साथ हुआ: प्रबुद्ध जनता ने फैसला किया कि वे बस बदतमीजी कर रहे थे, और आम आदमी को कृपालु टिप्पणी करने का मौका मिला: "तो मैं कर सकता हूँ।" जनता को झटका देने का इरादा निश्चित रूप से था। लेखक की योजनाएं, लेकिन यह अपने आप में एक अंत नहीं था। केज ने आसपास की वास्तविकता की घटनाओं को एक संगीतमय काम में बदल दिया: खेल की शुरुआत की प्रत्याशा में चुप्पी, श्रोताओं द्वारा बनाई गई आवाज (खांसी, फुसफुसाते हुए, कुर्सियों की छाया,) आदि)। दर्शकों और संगीतकार ने इस प्रकार दोनों कलाकारों और लेखकों के रूप में अभिनय किया। अनायास ही संगीत श्रवण छवि से दृश्य छवि में परिवर्तित हो गया, जो बाद में हैपनिंग की पहचान बन गया: टुकड़ा का प्रदर्शन, वास्तव में, बन जाता है ध्वनि रहित पैंटोमाइम। जॉन केज

बीसवीं सदी की संगीत कला नवीन विचारों से भरी है। यह संगीत की भाषा के सभी पहलुओं में एक मौलिक परिवर्तन को चिह्नित करता है। बीसवीं शताब्दी में, संगीत अक्सर भयानक युगीन ऐतिहासिक घटनाओं के प्रतिबिंब के स्रोत के रूप में कार्य करता था, जिसके साक्षी और समकालीन इस युग के अधिकांश महान संगीतकार थे, जो नवप्रवर्तक और सुधारक बने।

निष्कर्ष

दुखद घटनाओं और विरोधाभासों - युद्धों, क्रांतियों, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, अधिनायकवाद और लोकतंत्र, ने न केवल लोगों में निहित भावनात्मक अनुभवों को तेज किया, बल्कि मानवता को विनाश के कगार पर ला दिया। यही कारण है कि 20 वीं सदी के संगीत में जीवन और मृत्यु के बीच टकराव का विषय महत्वपूर्ण हो गया है।

व्यक्ति के आत्म-ज्ञान का विषय कला के लिए कम महत्वपूर्ण नहीं था। अधिक से अधिक पीढ़ियों के प्रतिनिधि परंपराओं से मुक्त महसूस करना चाहते थे, अपनी कलात्मक भाषा बनाने के लिए।

20 वीं शताब्दी की संगीत कला असामान्य रूप से स्वैच्छिक है। शायद एक भी ऐतिहासिक संगीत शैली नहीं है जो किसी भी तरह 20 वीं शताब्दी के रंगीन संगीत बहुरूपदर्शक में परिलक्षित नहीं होगी। इस लिहाज से सदी मील का पत्थर बन गई है। वह सब कुछ जो संगीत के विकास की पिछली सदियों से जमा हुआ था, और राष्ट्रीय संगीत संस्कृतियों की सभी मौलिकता अचानक आम संपत्ति बन गई।

हर बार युग ने हमें अपनी प्रतिभा दी है। चाहे वह XIX या XX शताब्दियों के संगीतकार हों, उनके कार्यों ने पहले ही मानव जाति के इतिहास में अपना मील का पत्थर ले लिया है और न केवल संगीत में सभी पीढ़ियों के लिए एक मॉडल बन गया है, और, उनके निर्माण के पर्चे के बावजूद, उन्हें सेवा करने के लिए कहा जाता है लोगों की खुशी के लिए।

संदर्भ की सूची

2. वेतालुगीना एन.ए. बच्चे का संगीत विकास। - एम ।: शिक्षा, 1968।

3. पत्रिका "पूर्वस्कूली शिक्षा" -15-1992 वर्ष। प्रस्तुत है रूसी राष्ट्रीय संस्कृति के पूर्वस्कूली।

4. प्रीस्कूलर की संगीत शिक्षा में कोमिसरोवा विज़ुअल एड्स। - एम ।: शिक्षा, 2000।

5. मेरा घर। पूर्वस्कूली के नैतिक और देशभक्ति शिक्षा का कार्यक्रम। प्रकाशन गृह "मोज़ेक" - सिंथेसिस, मॉस्को, 2005

6. टपलोव बी.एम. संगीत क्षमताओं का मनोविज्ञान।, 1947।

7. टापलोव बी.एम. व्यक्तिगत अंतर की समस्याएं। - एम ।: शिक्षा, 1961, - पी। 231।

8. ओरफ के। संगीत शिक्षा की प्रणाली। - एम। एल। 1970. पृष्ठ 21।

9. फोराई के। पूर्वस्कूली बच्चे के व्यक्तित्व के विकास पर संगीत शिक्षा का प्रभाव // आधुनिक दुनिया में संगीत की शिक्षा //, 1973।

यहां 10 संगीतकारों की सूची दी गई है जिन्हें आपको जानना चाहिए। उनमें से प्रत्येक के बारे में यह कहना सुरक्षित है कि वह सबसे महान संगीतकार था, जो वास्तव में कभी भी था, हालांकि वास्तव में यह असंभव है, और वास्तव में असंभव है, कई शताब्दियों में लिखे गए संगीत की तुलना करना। हालाँकि, ये सभी संगीतकार अपने समकालीनों से संगीतकार के रूप में खड़े हैं, जिन्होंने उच्चतम स्तर के संगीत की रचना की और शास्त्रीय संगीत की सीमाओं को नई सीमाओं तक पहुंचाने की कोशिश की। सूची में कोई भी आदेश शामिल नहीं है, जैसे महत्व या व्यक्तिगत प्राथमिकता। बस 10 महान संगीतकार आपको जानना चाहिए।

प्रत्येक संगीतकार अपने जीवन के एक तथ्य के साथ एक उद्धरण के योग्य है, जिसे याद करके आप एक विशेषज्ञ की तरह दिखेंगे। और नामों के लिंक पर क्लिक करके, आप उसकी पूरी जीवनी का पता लगा लेंगे। और निश्चित रूप से, आप प्रत्येक मास्टर के महत्वपूर्ण कार्यों में से एक को सुन सकते हैं।

विश्व शास्त्रीय संगीत में सबसे महत्वपूर्ण आंकड़ा। दुनिया में सबसे अधिक प्रदर्शन और सम्मानित संगीतकार हैं। उन्होंने अपने समय में मौजूद सभी शैलियों में काम किया, जिसमें ओपेरा, बैले, नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत और नृत्य रचनाएं शामिल थीं। उनकी विरासत में सबसे महत्वपूर्ण वाद्ययंत्र हैं: पियानो, वायलिन और सेलो सोनटास, पियानो के लिए संगीत कार्यक्रम, वायलिन, चौकड़ी, अतिशबाजी, सिम्फनी। शास्त्रीय संगीत में रोमांटिक अवधि के संस्थापक।

रोचक तथ्य।

सबसे पहले बीथोवेन अपनी तीसरी सिम्फनी (1804) नेपोलियन को समर्पित करना चाहते थे, संगीतकार इस व्यक्ति के व्यक्तित्व पर मोहित थे, जो वास्तविक नायक होने के लिए अपने शासनकाल की शुरुआत में कई लोगों को लगता था। लेकिन जब नेपोलियन ने खुद को सम्राट घोषित किया, बीथोवेन ने शीर्षक पृष्ठ पर अपने समर्पण को पार कर लिया और केवल एक शब्द लिखा - "हीरो"।

एल। बेथोवन द्वारा "मूनलाइट सोनाटा", ध्यान दो:

2. (1685-1750)

जर्मन संगीतकार और जीवकार, बैरोक युग के प्रतिनिधि। संगीत के इतिहास में सबसे महान संगीतकारों में से एक। अपने जीवन के दौरान, बाख ने 1000 से अधिक रचनाएँ लिखीं। ओपेरा को छोड़कर, उस समय के सभी महत्वपूर्ण शैलियों को उसके काम में दर्शाया गया है; उन्होंने बारोक काल की संगीत कला की उपलब्धियों का सारांश प्रस्तुत किया। सबसे प्रसिद्ध संगीत राजवंश के संस्थापक।

रोचक तथ्य।

अपने जीवनकाल के दौरान, बाख को इतना कम आंका गया कि उनके एक दर्जन से कम काम प्रकाशित हो गए।

J.S.Bach द्वारा T माइनर में Toccata और Fugue, ध्यान दो:

3. (1756-1791)

महान ऑस्ट्रियाई संगीतकार, इंस्ट्रूमेंटलिस्ट और कंडक्टर, वियना क्लासिकल स्कूल के एक प्रतिनिधि, एक गुणी वायलिन वादक, हार्पिसिचॉर्डिस्ट, आयोजक, कंडक्टर, उनके पास संगीत, स्मृति और कामचलाऊ क्षमता के लिए एक अभूतपूर्व कान था। एक संगीतकार के रूप में जिसने किसी भी शैली में उत्कृष्ट प्रदर्शन किया, उसे शास्त्रीय संगीत के इतिहास में सबसे बड़े संगीतकारों में से एक माना जाता है।

रोचक तथ्य।

एक बच्चे के रूप में, मोजार्ट ने इतालवी ग्रिगोरियो अल्लेग्री द्वारा मेसेरे (एक बिल्ली। डेविड के 50 वें स्तोत्र के पाठ का जप) को रिकॉर्ड किया और केवल एक बार सुना।

डब्ल्यू। ए। मोजार्ट द्वारा "लिटिल नाइट सेरेनेड", बात सुनो:

4. (1813-1883)

जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, नाटककार, दार्शनिक। XIX-XX सदियों, विशेष रूप से आधुनिकतावाद के मोड़ पर यूरोपीय संस्कृति पर उनका महत्वपूर्ण प्रभाव था। वैगनर के ओपेरा अपने भव्य पैमाने और शाश्वत मानवीय मूल्यों के साथ विस्मित करते हैं।

रोचक तथ्य।

वैगनर ने जर्मनी में 1848-1849 की असफल क्रांति में भाग लिया और फ्रांज लिस्ज़ेट के साथ गिरफ्तारी से बचने के लिए मजबूर किया गया।

आर। वैगनर द्वारा ओपेरा "वैल्केरी" से "फ्लाइट ऑफ़ द वल्क्रीज़"ध्यान दो

5. (1840-1893)

इतालवी संगीतकार, इतालवी ओपेरा स्कूल का केंद्रीय आंकड़ा। वर्डी को मंच, स्वभाव और त्रुटिहीन शिल्प कौशल की समझ थी। उन्होंने ओपेरा परंपराओं (वैगनर के विपरीत) से इनकार नहीं किया, लेकिन इसके विपरीत उन्हें (इतालवी ओपेरा की परंपराओं) विकसित किया, उन्होंने इतालवी ओपेरा को बदल दिया, इसे यथार्थवाद से भर दिया, और इसे पूरी की एकता दी।

रोचक तथ्य।

इटली से ऑस्ट्रिया की आजादी के बाद, वर्डी एक इतालवी राष्ट्रवादी थे और 1860 में पहली इतालवी संसद के लिए चुने गए थे।

डी। वर्डी द्वारा ऑपेरा के लिए "ला ट्रैविटा", ध्यान दो:

7. इगोर फेडोरोविच स्ट्रविंस्की (1882-1971)

रूसी (अमेरिकी - प्रवास के बाद) संगीतकार, कंडक्टर, पियानोवादक। बीसवीं शताब्दी के सबसे महत्वपूर्ण रचनाकारों में से एक। स्ट्रेविंस्की का काम उनके पूरे करियर में एकीकृत है, हालांकि उनके काम करने की शैली अलग-अलग समय पर अलग थी, लेकिन कोर और रूसी जड़ें बनी रहीं, जो उनके सभी कार्यों में प्रकट हुईं, उन्हें बीसवीं शताब्दी के प्रमुख नवप्रवर्तकों में से एक माना जाता है। लय और सामंजस्य के उनके अभिनव प्रयोग ने कई संगीतकारों को प्रेरित किया और प्रेरित किया, न कि केवल शास्त्रीय संगीत में।

रोचक तथ्य।

प्रथम विश्व युद्ध के दौरान, रोमन सीमा शुल्क अधिकारियों ने पाब्लो पिकासो द्वारा स्ट्राविन्स्की के एक चित्र को जब्त कर लिया था, जब संगीतकार इटली छोड़ रहा था। चित्र को भविष्य के तरीके से चित्रित किया गया था और सीमा शुल्क अधिकारियों ने इन हलकों और लाइनों को कुछ प्रकार के एन्क्रिप्टेड वर्गीकृत सामग्रियों के लिए गलत कर दिया था।

इगोर स्ट्राविंस्की के बैले "द फायरबर्ड" से सुइट ध्यान दो:

8. जोहान स्ट्रॉस (1825-1899)

ऑस्ट्रियाई हल्के संगीत संगीतकार, कंडक्टर और वायलिन वादक। "वॉल्टेज के राजा", उन्होंने नृत्य संगीत और ओपेरा की शैली में काम किया। उनकी संगीत विरासत में 500 से अधिक वॉल्टेज, पोलेकस, क्वाड्रिल्स और अन्य प्रकार के नृत्य संगीत, साथ ही साथ कई ओपेरा और बैले शामिल हैं। उनके लिए धन्यवाद, 19 वीं शताब्दी में वियना में वाल्ट्ज बेहद लोकप्रिय हो गया।

रोचक तथ्य।

जोहान स्ट्रॉस के पिता भी जोहान हैं और एक प्रसिद्ध संगीतकार भी हैं, इसलिए "वाल्ट्ज के राजा" को छोटा या बेटा कहा जाता है, उनके भाई जोसेफ और एडवर्ड भी प्रसिद्ध संगीतकार थे।

वाल्ट्ज द्वारा जे। स्ट्रॉस "सुंदर नीले डेन्यूब पर", बात सुनो:

9. सर्गेई वसीलीविच रहमानिनोव (1873-1943)

ऑस्ट्रियाई संगीतकार, विनीज़ शास्त्रीय संगीत स्कूल के उत्कृष्ट प्रतिनिधियों में से एक और संगीत में रोमांटिकता के संस्थापकों में से एक। अपने छोटे जीवन के दौरान, शूबर्ट ने आर्केस्ट्रा, चैंबर और पियानो संगीत में महत्वपूर्ण योगदान दिया, जिसने पूरी पीढ़ी को संगीतकारों से प्रभावित किया। हालांकि, उनका सबसे महत्वपूर्ण योगदान जर्मन रोमांस के विकास में था, जिसमें से उन्होंने 600 से अधिक का निर्माण किया।

रोचक तथ्य।

Schubert के दोस्तों और साथी संगीतकारों ने मिलकर Schubert के संगीत का प्रदर्शन किया। इन बैठकों को "शूबर्टियाड्स" (स्कुबर्टीड्स) कहा जाता था। किसी तरह का पहला फैन क्लब!

F.P. Schubert द्वारा "Ave मारिया", बात सुनो:

महान संगीतकारों के विषय को जारी रखते हुए आपको नई सामग्री को जानना चाहिए।

रूसी कंपोजिंग स्कूल, जो परंपराओं का उत्तराधिकारी सोवियत और आज का रूसी स्कूल था, 19 वीं शताब्दी में उन रचनाकारों के साथ शुरू हुआ, जिन्होंने यूरोपीय संगीत कलाओं को रूसी लोक धुनों के साथ जोड़कर यूरोपीय रूप और रूसी आत्मा को जोड़ा।

आप इन प्रसिद्ध लोगों में से प्रत्येक के बारे में बहुत कुछ बता सकते हैं, उनमें से सभी सरल नहीं हैं, और कभी-कभी दुखद भी हैं, लेकिन इस समीक्षा में हमने रचनाकारों के जीवन और कार्यों का केवल एक संक्षिप्त विवरण देने की कोशिश की है।

1. मिखाइल इवानोविच ग्लिंका

(1804-1857)

ओपेरा रुसलान और ल्यूडमिला की रचना करते हुए मिखाइल इवानोविच ग्लिंका। 1887, कलाकार इल्या एफिमोविच रेपिन

"सौंदर्य बनाने के लिए, एक शुद्ध आत्मा होना चाहिए।"

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका रूसी शास्त्रीय संगीत के संस्थापक और विश्व प्रसिद्धि पाने वाले पहले रूसी शास्त्रीय संगीतकार हैं। रूसी लोक संगीत की सदियों पुरानी परंपराओं पर आधारित उनकी रचनाएँ, हमारे देश की संगीत कला में एक नया शब्द था।

स्मोलेंस्क प्रांत में जन्मे, उन्होंने सेंट पीटर्सबर्ग में अपनी शिक्षा प्राप्त की। विश्वदृष्टि के गठन और मिखाइल ग्लिंका के काम के मुख्य विचार को ए.एस. पुश्किन, वी। ए। ज़ुकोवस्की, ए.एस. ग्रीबोयेडोव, ए.ए. डेलविग जैसे व्यक्तित्वों के साथ सीधे संवाद द्वारा सुविधा प्रदान की गई थी। अपने काम के लिए एक रचनात्मक आवेग 1830 के दशक की शुरुआत में यूरोप की एक लंबी अवधि की यात्रा से जोड़ा गया था और उस समय के प्रमुख रचनाकारों - वी बेलिनी, जी। डोनिज़ेट्टी, एफ। मेंडेलसोहन और बाद में जी। बर्लियोज़, जे। मेयरबीर।

1836 में ओपेरा "इवान सुसैनिन" ("ज़ार के लिए जीवन") के मंचन के बाद एमआई ग्लिंका को सफलता मिली, जो विश्व संगीत, रूसी कोरल आर्ट और यूरोपीय सिम्फोनिक और ऑपरेटिव में पहली बार सभी को उत्साह से मिली थी। अभ्यास को व्यवस्थित रूप से संयोजित किया गया था, और एक नायक भी दिखाई दिया, जैसे सुसानिन, जिसकी छवि राष्ट्रीय चरित्र की सर्वश्रेष्ठ विशेषताओं का सारांश देती है।

VF Odoevsky ने ओपेरा को "कला में एक नया तत्व" कहा, और इसके इतिहास में एक नया दौर शुरू हुआ - रूसी संगीत का काल। "

दूसरा ओपेरा - महाकाव्य रुसलान और ल्यूडमिला (1842), जो कि पुश्किन की मृत्यु की पृष्ठभूमि के खिलाफ काम किया गया था और संगीतकार की कठिन जीवित परिस्थितियों में, काम के गहन नवीन सार के कारण, दर्शकों द्वारा प्राप्त किया गया था और अधिकारियों, और एमआई ग्लिंका अनुभव लाया। इसके बाद उन्होंने एक बहुत यात्रा की, बारी-बारी से रूस और विदेश में, बिना रुके रचना करने के लिए। उनकी विरासत में रोमांस, सिम्फोनिक और चैम्बर काम शामिल हैं। 1990 के दशक में मिखाइल ग्लिंका की देशभक्ति गीत रूसी संघ का आधिकारिक गान था।

एम। आई। ग्लिंका के बारे में उद्धरण:"पूरे रूसी सिम्फनी स्कूल, एकॉर्न में पूरे ओक की तरह, कमारिंस्काया सिम्फोनिक कल्पना में निहित है। P.I. Tchaikovsky

रोचक तथ्य: मिखाइल इवानोविच ग्लिंका अच्छे स्वास्थ्य में नहीं था, इसके बावजूद वह बहुत आसान था और भूगोल को अच्छी तरह जानता था, शायद, अगर वह संगीतकार नहीं बन जाता, तो वह एक यात्री बन जाता। वह फारसी सहित छह विदेशी भाषाओं को जानता था।

2. अलेक्जेंडर पोरफेयरविच बोरोडिन

(1833-1887)

19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के प्रमुख रूसी रचनाकारों में से एक, अलेक्जेंडर पोरफेयरविच बोरोडिन, एक संगीतकार के रूप में अपनी प्रतिभा के अलावा, एक वैज्ञानिक-रसायनज्ञ, चिकित्सक, शिक्षक, आलोचक थे और उनकी साहित्यिक प्रतिभा थी।

सेंट पीटर्सबर्ग में पैदा हुए, बचपन से ही उनके आस-पास के हर व्यक्ति ने उनकी असामान्य गतिविधि, उत्साह और विभिन्न दिशाओं में क्षमता, मुख्य रूप से संगीत और रसायन विज्ञान में उल्लेख किया।

ए.पी. बोरोडिन एक रूसी संगीतकार-डला है, उनके पास पेशेवर संगीत शिक्षक नहीं थे, संगीत में उनकी सभी उपलब्धियां रचना की तकनीक में महारत हासिल करने के लिए स्वतंत्र काम की बदौलत हैं।

ए.पी. बोरोडिन का गठन एम। आई। के कार्य से प्रभावित था। ग्लिंका (जैसा कि, 19 वीं शताब्दी के सभी रूसी रचनाकारों के लिए), और 1860 की शुरुआत में रचना के साथ घने व्यवसाय के लिए आवेग दो घटनाओं द्वारा दिया गया था - सबसे पहले, एक परिचित और प्रतिभाशाली पियानोवादक ईएस प्रोतोपोपोवा के साथ शादी, और दूसरी बात, एमए बालकिरव के साथ एक बैठक और "द माइटी हैंडफुल" के रूप में जाने जाने वाले रूसी रचनाकारों के रचनात्मक समुदाय में शामिल होना।

1870 के दशक के अंत में और 1880 के दशक में, एपी बोरोडिन ने यूरोप और अमेरिका में बहुत यात्रा की और दौरा किया, अपने समय के प्रमुख संगीतकारों के साथ मुलाकात की, उनकी प्रसिद्धि बढ़ रही थी, वह यूरोप में सबसे प्रसिद्ध और लोकप्रिय रूसी संगीतकारों में से एक बन गए। 19 वीं शताब्दी का अंत।

एपी बोरोडिन के काम में केंद्रीय स्थान पर ओपेरा "प्रिंस इगोर" (1869-1890) का कब्जा है, जो संगीत में राष्ट्रीय वीर महाकाव्य का एक उदाहरण है और जिसके पास खुद को खत्म करने का समय नहीं था (इसे पूरा किया गया था) उनके दोस्त एए ग्लेज़ुनोव और एनए रिमस्की-कोर्साकोव)। "प्रिंस इगोर" में, ऐतिहासिक घटनाओं की राजसी तस्वीरों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, संगीतकार के पूरे काम का मुख्य विचार परिलक्षित होता है - साहस, शांत महानता, सर्वश्रेष्ठ रूसी लोगों का आध्यात्मिक बड़प्पन और पूरे रूसी लोगों की ताकतवर ताकत। , मातृभूमि की रक्षा में प्रकट होता है।

इस तथ्य के बावजूद कि ए.पी. बोरोडिन ने अपेक्षाकृत कम संख्या में काम छोड़ा, उनका काम बहुत विविध है और उन्हें रूसी सिम्फोनिक संगीत के पिता में से एक माना जाता है, जिन्होंने रूसी और विदेशी संगीतकारों की कई पीढ़ियों को प्रभावित किया।

ए.पी. बोरोडिन के बारे में उद्धरण:“बोरोडिन की प्रतिभा समान रूप से शक्तिशाली है और दोनों सिम्फनी और ओपेरा और रोमांस में हड़ताली है। इसके मुख्य गुण विशाल शक्ति और चौड़ाई, विशाल गुंजाइश, अभेद्यता और अशुद्धता, अद्भुत जुनून, कोमलता और सुंदरता के साथ हैं। " वी। वी। स्टासोव

रोचक तथ्य: बोरोडिन का नाम हेलोजन के साथ कार्बोक्जिलिक एसिड के चांदी के नमक की रासायनिक प्रतिक्रिया के लिए दिया गया था, जिसके परिणामस्वरूप हैलोजेनेटेड हाइड्रोकार्बन थे, जिसकी उन्होंने पहली बार 1861 में जांच की थी।

3. मामूली पेट्रोविच मूसगोर्स्की

(1839-1881)

"विचार और महसूस की बाहरी अभिव्यक्तियों के रूप में मानव भाषण की आवाज़, अतिशयोक्ति और हिंसा के बिना, संगीत, सत्य, सटीक, लेकिन कलात्मक, उच्च कलात्मक बन जाती है।"

मामूली पेत्रोविच मूसोर्स्की 19 वीं शताब्दी के सबसे शानदार रूसी रचनाकारों में से एक हैं, जो "माइटी हैंड्स" के सदस्य हैं। मुसर्गस्की का अभिनव कार्य अपने समय से बहुत आगे था।

पैस्कोव प्रांत में पैदा हुआ था। कई प्रतिभाशाली लोगों की तरह, बचपन से ही उन्होंने संगीत में योग्यता दिखाई, सेंट पीटर्सबर्ग में अध्ययन किया, जो कि पारिवारिक परंपरा के अनुसार एक सैन्य व्यक्ति था। निर्णायक घटना जिसने यह निर्धारित किया कि मुसोर्स्की का जन्म सैन्य सेवा के लिए नहीं हुआ था, बल्कि संगीत के लिए, एमए बालकिरव के साथ उनकी मुलाकात थी और "माइटी हैंडफुल" में शामिल हुई।

मुसोर्स्की अपने भव्य कार्यों में महान है - ओपेरा बोरिस गोडुनोव और खॉवांशिना, उन्होंने रूसी इतिहास में एक नाटकीय नवीनता के साथ संगीत नाटकीय मील के पत्थर में कब्जा कर लिया जो कि रूसी संगीत उनके सामने नहीं जानता था, उनमें लोकप्रिय लोक दृश्यों और एक का संयोजन था विभिन्न प्रकार के धन, रूसी लोगों का अद्वितीय चरित्र। ये संस्करण, कई संस्करणों में, लेखक द्वारा और अन्य संगीतकारों द्वारा, दुनिया के सबसे लोकप्रिय रूसी ओपेरा में से हैं।

मुसॉर्स्की का एक और उत्कृष्ट काम पियानो के टुकड़ों का एक चक्र है "चित्र एक प्रदर्शनी में", रंगीन और आविष्कारशील लघु चित्रों को रूसी विषय-निरोध और रूढ़िवादी विश्वास के साथ अनुमति दी जाती है।

मुसॉर्स्की के जीवन में सब कुछ था - महानता और त्रासदी दोनों, लेकिन वह हमेशा वास्तविक आध्यात्मिक शुद्धता और उदासीनता से प्रतिष्ठित थे।

उनके अंतिम वर्ष कठिन थे - जीवन में विकार, रचनात्मकता की पहचान की कमी, अकेलापन, शराब की लत, यह सब 42 में उनकी प्रारंभिक मृत्यु निर्धारित करता है, उन्होंने अपेक्षाकृत कुछ काम छोड़ दिए, जिनमें से कुछ अन्य संगीतकारों द्वारा पूरा किए गए थे।

मुसर्गस्की के विशिष्ट माधुर्य और अभिनव सद्भाव ने 20 वीं शताब्दी के संगीत विकास की कुछ विशेषताओं का अनुमान लगाया और कई विश्व संगीतकारों की शैलियों के निर्माण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

M.P. Mussorgsky के बारे में उद्धरण:"मुख्य रूप से रूसी हर चीज में लगता है जो मुसर्गस्की ने किया था" एन। रोएरिच

रोचक तथ्य: अपने जीवन के अंत में, स्टसॉव और रिमस्की-कोर्साकोव के "दोस्तों" के दबाव में मुसर्गस्की ने अपने कार्यों के लिए कॉपीराइट का त्याग किया और उन्हें टर्टी फिलीपोव में प्रस्तुत किया।

4. प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की

(1840-1893)

“मैं एक कलाकार हूं, जो अपनी मातृभूमि के लिए सम्मान प्राप्त कर सकता है और करना चाहिए। मुझे अपने अंदर एक बड़ी कलात्मक शक्ति का आभास होता है, मैंने अभी तक दसवां काम नहीं किया है। और मैं इसे अपनी आत्मा की शक्ति के साथ करना चाहता हूं। ”

19 वीं शताब्दी के शायद सबसे बड़े रूसी संगीतकार प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की ने रूसी संगीत कला को अभूतपूर्व ऊंचाइयों तक पहुंचाया। वह विश्व शास्त्रीय संगीत के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों में से एक हैं।

व्याटका प्रांत के एक मूल निवासी, हालांकि यूक्रेन में पैतृक जड़ों, त्चिकोवस्की ने बचपन से संगीत प्रतिभा दिखाई, लेकिन उनकी पहली शिक्षा और कार्य न्यायशास्त्र के क्षेत्र में था।

Tchaikovsky पहले रूसी "पेशेवर" संगीतकारों में से एक थे - उन्होंने नए सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी में संगीत सिद्धांत और रचना का अध्ययन किया।

Tchaikovsky को "ताकतवर मुट्ठी" के लोक आंकड़ों के विपरीत, "पश्चिमी" संगीतकार माना जाता था, जिनके साथ उनके अच्छे रचनात्मक और मैत्रीपूर्ण संबंध थे, लेकिन उनका काम रूसी आत्मा के साथ कम नहीं है, वह विशिष्ट रूप से गठबंधन करने में कामयाब रहे मिखाइल ग्लिंका से विरासत में मिली रूसी परंपराओं के साथ मोजार्ट, बीथोवेन और शुमान की पश्चिमी सिम्फोनिक विरासत।

संगीतकार ने एक सक्रिय जीवन का नेतृत्व किया - वह एक शिक्षक, कंडक्टर, आलोचक, सार्वजनिक व्यक्ति थे, दो राजधानियों में काम किया, यूरोप और अमेरिका का दौरा किया।

Tchaikovsky एक भावनात्मक रूप से अस्थिर व्यक्ति था, उत्साह, निराशा, उदासीनता, गर्म स्वभाव, हिंसक क्रोध - ये सभी मनोदशाएं उसे अक्सर बदल देती थीं, एक बहुत ही मिलनसार व्यक्ति होने के नाते, वह हमेशा अकेलेपन से जूझता था।

Tchaikovsky के काम से सर्वश्रेष्ठ को बाहर करना एक मुश्किल काम है, उसके पास लगभग सभी संगीत शैलियों - ओपेरा, बैले, सिम्फनी, चैम्बर संगीत में समान आकार के कई कार्य हैं। और टचीकोवस्की के संगीत की सामग्री सार्वभौमिक है: अतुलनीय माधुर्यवाद के साथ यह जीवन और मृत्यु की छवियों को गले लगाता है, प्रेम, प्रकृति, बचपन, रूसी और विश्व साहित्य के कार्यों को एक नए तरीके से प्रकट किया जाता है, आध्यात्मिक जीवन की गहरी प्रक्रियाओं को इसमें दर्शाया गया है।

संगीतकार से उद्धरण:"जीवन में आकर्षण तभी होता है जब इसमें खुशियों और बुराई के बीच, प्रकाश और छाया के बीच, एक शब्द में, एकता में विविधता का, संघर्ष का विकल्प होता है।"

"महान प्रतिभा के लिए बहुत मेहनत की आवश्यकता होती है।"

संगीतकार के बारे में उद्धरण: "मैं उस दिन के घर के पोर्च में गार्ड ऑफ ऑनर खड़ा करने के लिए दिन-रात तैयार हूं, जहां प्योत्र इलिच रहता है - इस हद तक मैं उसका सम्मान करता हूं" ए.पी. चेखव

रोचक तथ्य: कैम्ब्रिज विश्वविद्यालय ने तचीकोवस्की को अनुपस्थिति में डॉक्टर ऑफ म्यूजिक की उपाधि से सम्मानित किया और उनकी थीसिस का बचाव किए बिना, और पेरिस एकेडमी ऑफ फाइन आर्ट्स ने उन्हें एक संबंधित सदस्य चुना।

5. निकोले एंड्रीविच रिम्स्की-कोर्साकोव

(1844-1908)

निकोलाई एंड्रीविच रिम्स्की-कोर्साकोव एक प्रतिभाशाली रूसी संगीतकार हैं, जो एक अमूल्य रूसी संगीत विरासत बनाने में सबसे महत्वपूर्ण आंकड़ों में से एक है। उनकी अजीबोगरीब दुनिया और ब्रह्माण्ड की अनंत-सुंदर सुंदरता की पूजा, जीवन के चमत्कार के लिए प्रशंसा, प्रकृति के साथ एकता संगीत के इतिहास में कोई समानता नहीं है।

नोवगोरोड प्रांत में जन्मे, पारिवारिक परंपरा के अनुसार, वह एक नौसेना अधिकारी बन गए, एक युद्धपोत पर वे यूरोप के कई देशों और दो अमेरिका के आसपास चले गए। उन्होंने अपनी संगीत की शिक्षा पहले अपनी माँ से प्राप्त की, फिर पियानोवादक एफ। कैनिले से निजी शिक्षा ली। और फिर, द माइटी हैंडफुल के आयोजक मेबालकिरेव की बदौलत, जिन्होंने रिमस्की-कोर्साकोव को संगीत समुदाय से परिचित कराया और उनके काम को प्रभावित किया, दुनिया ने एक प्रतिभाशाली संगीतकार नहीं खोया है।

रिमस्की-कोर्साकोव की विरासत में केंद्रीय स्थान ओपेरा से बना है - 15 काम, शैली की विविधता, प्रदर्शनकारी, संगीतकार के रचनात्मक निर्णय, फिर भी एक विशेष शैली होने - ऑर्केस्ट्रा घटक की सभी समृद्धि के साथ। मेलोडिक वोकल लाइनें मुख्य हैं।

दो मुख्य निर्देश संगीतकार के काम को अलग करते हैं: पहला - रूसी इतिहास, दूसरा - परियों की कहानियों और महाकाव्यों की दुनिया, जिसके लिए उन्हें "कहानीकार" उपनाम मिला।

प्रत्यक्ष स्वतंत्र रचनात्मक गतिविधि के अलावा, एनए रिमस्की-कोर्साकोव को लोकगीतों, लोक गीतों के संग्रह के संकलनकर्ता के रूप में जाना जाता है, जिसके लिए उन्होंने बहुत रुचि दिखाई, साथ ही साथ अपने दोस्तों के कामों के फाइनल - डार्गोमाइज्स्की, मुसर्गस्की और बोरोडिन । रिम्स्की-कोर्साकोव संगीतकार स्कूल के संस्थापक थे, एक शिक्षक और सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी के प्रमुख के रूप में, उन्होंने प्रोकोफ़ेव और स्ट्राविन्स्की के बीच लगभग दो सौ संगीतकारों, कंडक्टरों, संगीतकारों को स्नातक किया।

संगीतकार के बारे में उद्धरण:“रिमस्की-कोर्साकोव एक बहुत ही रूसी व्यक्ति और एक बहुत ही रूसी संगीतकार थे। मेरा मानना \u200b\u200bहै कि यह मुख्य रूप से रूसी सार है, इसके गहरे लोक-रूसी आधार को विशेष रूप से आज की सराहना की जानी चाहिए। " मस्टीस्लाव रोस्ट्रोपोविच

संगीतकार तथ्य: निकोलाई एंड्रीविच ने अपना पहला प्रतिवाद पाठ इस तरह शुरू किया:

- अब मैं बहुत बात करूंगा, और आप बहुत ध्यान से सुनेंगे। तब मैं कम बोलूंगा, और आप सुनेंगे और सोचेंगे, और अंत में, मैं बिल्कुल नहीं बोलूंगा, और आप अपने स्वयं के सिर के साथ सोचेंगे और अपने आप पर काम करेंगे, क्योंकि एक शिक्षक के रूप में मेरा काम आपके लिए अनावश्यक बनना है। ।।