Masalah memahami kreativiti kontemporari. "Satu pertanyaan yang cetek": bagaimana salah faham seni kontemporari mempengaruhi penonton? Hubungan manusia dengan dunia semula jadi

Setelah membaca buku, melihat gambar, mendengar muzik, seseorang sering mengalami kerugian. "Tidak dapat memahami apa-apa!" - pembaca, penonton atau pendengar berseru kecewa. Namun, adakah dia berusaha memahami maksud pengarang atau adakah dia mengharapkan agar segala sesuatu dalam karya seni harus jelas dan jelas? Di sini kita berhadapan dengan masalah memahami seni, yang teksnya dikhaskan untuk ...

Anda juga harus memberi perhatian bahasa bermaksud, yang boleh digunakan dalam bahagian pengantar karangan.

1. Kesatuan soal jawab. Pakar retorik menasihatkan menambahkan elemen dialog ke pengucapan awam. Dialog tidak akan menyakitkan dalam komposisi, ia akan menjadikan persembahan lebih bertenaga. Sebagai contoh:

Apa itu kecantikan? Ini mungkin salah satu konsep paling misteri dalam sejarah budaya. Banyak generasi orang telah memperjuangkan teka-teki ini. Artis, pemahat, penyair berusaha untuk memahami rahsia keindahan dan keharmonian. Teks V. Sukhomlinsky membuat seseorang berfikir tentang apa itu kecantikan dan apa peranannya dalam kehidupan manusia.

2. Rangkaian ayat tanya. Beberapa ayat interogatif pada awal karangan dirancang untuk memberi perhatian pada konsep utama teks sumber, untuk menonjolkan perkara utama di dalamnya.

Apa itu bakat? Bagaimana seseorang harus hidup agar tidak membuang hadiahnya? Soalan seperti itu secara tidak sengaja timbul setelah membaca teks Yu. Bashmet.

3. Ayat nominatif (topik nominatif).

Frasa nama pada awalnya juga harus mengandungi konsep utama atau nama orang yang dijelaskan dalam teks sumber.

Marina Tsvetaeva. Nama ini sangat disukai oleh semua orang yang menghargai puisi sebenar. Nampaknya sukar bagi saya untuk mencari orang yang akan dibiarkan puisi Tsvetaeva tidak peduli. Pengkritik sastera Evgeny Borisovich Tager adalah salah seorang yang cukup bernasib baik untuk mengenali Marina Ivanovna secara peribadi. Dalam memoarnya, dia berusaha untuk mengungkap dunia dalaman penyair yang luar biasa ini.

4. Soalan retorik. Tidak setiap ayat interogatif adalah soalan retorik. Soalan retorik adalah ayat yang bersifat interogatif dan afirmatif dalam makna.

Siapa di antara kita yang belum pernah mendengar bahawa kebenaran lahir dalam perselisihan? Anda mungkin pernah menemui pendebat yang tidak sabar yang bersedia untuk berdebat dengan suara serak mengenai perkara kecil. Sudah tentu, terdapat pelbagai cara untuk melakukan pertikaian, yang dipertimbangkan oleh L. Pavlova dalam teksnya.

5. Kata seru retorik emosi penulis: kegembiraan, kejutan, kekaguman ... menarik perhatian kepada subjek ucapan.

Betapa indahnya bahasa Rusia! Terdapat begitu banyak kata di dalamnya yang dapat meluahkan pemikiran terdalam atau bayangan perasaan! Mengapa kadang-kadang, ketika seseorang mengambil selembar kertas atau duduk di komputer, hanya frasa stereotaip yang membosankan muncul di kepalanya? Apakah sebab kemunculan klise dalam ucapan kita? Masalah ini membimbangkan setiap orang yang benar-benar menuntut dirinya, budaya pertuturannya.

INGAT bahawa tidak ada pengenalan "universal" yang sesuai dengan teks apa pun. Sebagai peraturan, bukaan formula kelihatan buruk dengan latar belakang bahagian utama yang mengikutinya.

Bagaimana untuk menyelesaikan?

Sebagai peraturan, kesimpulan ditulis pada masa yang tidak banyak masa yang tersisa hingga akhir peperiksaan. Selalunya penulis mula gementar, takut bahawa dia tidak akan mempunyai masa untuk menulis semula teks sepenuhnya, dan mengganggu karangan pada pertengahan ayat. Sudah tentu, karya sedemikian cacat dari sudut integriti komposisi, yang bermaksud bahawa ia tidak akan mendapat skor maksimum pada kriteria ini.

Keperluan utama untuk bahagian akhir karangan dapat dirumuskan seperti berikut: kesimpulan harus sedemikian rupa sehingga pembaca memahami bahawa perkara yang paling penting telah diperkatakan dan tidak ada lagi yang perlu dibincangkan.

Jadi apa yang boleh berlaku bahagian akhir karangan?

1. Meringkaskan, pengulangan dalam bentuk umum idea utama teks, kedudukan pengarang. Ini adalah jenis kesimpulan yang paling biasa: kembali kepada idea utama pengarang, menyatakannya dengan kata-kata anda sendiri, sehingga tidak ada kesan pengulangan sederhana terhadap perkara yang sama.

Oleh itu, A. Likhanov menimbulkan masalah yang penting bagi kita masing-masing, mendesak untuk menjaga masa kecil di dalam jiwa, agar tidak meninggalkan masa lalu persepsi hidup yang menyenangkan dan kekanak-kanakan. Tetapi dunia di sekitar kita benar-benar indah. Hanya saja, ketika dewasa, orang sering melupakannya.

Menurut A.P. Chekhov. Pada Minggu Suci, Laptevs berada di sekolah lukisan di sebuah pameran seni ... Masalah persepsi seni

Teks sumber

(1) Pada Minggu Suci, Laptevs berada di sekolah lukisan untuk pameran seni.

(2) Laptev mengetahui nama semua artis terkenal dan tidak ketinggalan dalam satu pameran. (3) Kadang-kadang pada musim panas di dacha, dia sendiri melukis pemandangan dengan cat, dan sepertinya dia mempunyai selera yang luar biasa dan jika dia belajar, dia mungkin akan menjadi seniman yang baik. (4) Di rumah dia mempunyai lukisan dengan ukuran yang lebih besar dan lebih besar, tetapi yang buruk; yang baik digantung teruk. (H) Ia berlaku lebih dari sekali untuk membayar perkara yang kemudian berubah menjadi pemalsuan. (6) Dan sangat mengagumkan bahawa, sebagai pemalu pada umumnya, dia sangat berani dan percaya diri di pameran seni. (7) Mengapa?

(8) Yulia Sergeevna melihat gambar-gambar itu, seperti suami, melalui penumbuk atau teropong, dan terkejut bahawa orang-orang di dalam gambar itu seperti makhluk hidup, dan pohon-pohon itu seperti yang nyata; tetapi dia tidak mengerti, sepertinya ada banyak gambar yang sama dalam pameran itu, dan bahawa keseluruhan tujuan seni adalah tepat untuk menjadikan orang dan objek menonjol sebagai nyata dalam gambar, ketika anda melihatnya dengan penumbuk anda.

(9) "Ini adalah hutan Shishkin," suaminya menjelaskan kepadanya. (10) - Dia selalu menulis hal yang sama ... (11) Tetapi perhatikan: tidak pernah ada salji ungu seperti itu ... (12) Dan tangan kiri budak ini lebih pendek dari kanannya.

(13) Ketika semua orang keletihan dan Laptev pergi mencari Kostya untuk pulang, Julia berhenti di depan lanskap kecil dan memandangnya dengan acuh tak acuh. (14) Di latar depan ada sungai, di belakangnya jembatan kayu, di seberang jalan menghilang ke rumput gelap, sebuah ladang, lalu di sebelah kanan sebidang hutan, api unggun di dekatnya: mereka mesti berjaga-jaga malam itu. (15) Dan pada waktu malam subuh terbakar.

(1b) Yulia membayangkan bagaimana dia sendiri berjalan di sepanjang jambatan, kemudian di sepanjang jalan, semakin jauh, dan di sekelilingnya sunyi, jeritan mengantuk menjerit, api berkedip di kejauhan. (17) Dan atas sebab-sebab tertentu, dia tiba-tiba mulai berfikir bahawa awan-awan ini yang membentang di bahagian merah langit, dan hutan, dan ladang, telah lama dia lihat dan berkali-kali, dia merasa kesepian, dan dia mahu berjalan dan berjalan di sepanjang jalan; dan di mana waktu subuh malam, bayangan sesuatu yang tidak dapat digali, kekal beristirahat.

(18) - Seberapa baik ditulis! katanya, terkejut bahawa gambar itu tiba-tiba menjadi jelas kepadanya. (19) - Lihat, Alyosha! (20) Adakah anda perhatikan betapa sunyi itu?

(21) Dia cuba menjelaskan mengapa dia sangat menyukai pemandangan ini, tetapi suaminya atau Kostya tidak memahaminya. (22) Dia terus melihat pemandangan dengan senyuman sedih, dan kenyataan bahawa orang lain tidak menemukan sesuatu yang istimewa di dalamnya membimbangkannya. (23) Kemudian dia kembali berjalan-jalan di lorong-lorong dan memeriksa lukisan-lukisannya, dia ingin memahaminya, dan sepertinya dia tidak lagi ada banyak lukisan serupa di pameran itu. (24) Ketika dia, pulang ke rumah, untuk pertama kalinya sepanjang waktu menarik perhatian pada lukisan besar yang tergantung di lorong di atas piano, dia merasa permusuhan terhadapnya dan berkata:

(25) - Saya mahu mempunyai gambar seperti itu!

(26) Dan selepas itu, cornice emas, cermin Venesia dengan bunga dan gambar seperti yang tergantung di atas piano, serta perbincangan suaminya dan Kostya mengenai seni, membangkitkan perasaan bosan, jengkel dan kadang-kadang bahkan kebencian.

(Menurut A.P. Chekhov)

Maklumat teks

Tulisan itu

Anda telah memperhatikan bahawa satu gambar meninggalkan anda tidak peduli, dan di depan yang lain anda membeku dalam keheningan yang penuh hormat, beberapa suara melodi, sama sekali tidak menyentuh perasaan anda, dan yang lain membuat anda sedih atau gembira. Kenapa ini terjadi? Bagaimana seseorang melihat seni? Mengapa sebilangan orang membenamkan diri dalam dunia yang diciptakan oleh artis, sementara yang lain tetap pekak dengan dunia kecantikan? Petikan dari kisah AP Chekhov "Three Years" membuat saya berfikir tentang masalah persepsi seni.

A.P. Chekhov bercakap tentang bagaimana keluarga Laptev mengunjungi pameran seni. Kepala tahu nama semua artis terkenal, tidak ketinggalan satu pameran, kadang-kadang dia melukis pemandangan sendiri. Pada awal petikan, isterinya "melihat gambar-gambar seperti suami", menurutnya tujuan seni adalah "membuat orang dan objek menonjol sebagai nyata". Suami melihat dalam gambar hanya negatif: kadang-kadang "tidak pernah ada salji ungu seperti itu", maka tangan kiri anak lelaki yang dilukis itu lebih pendek daripada kanannya. Dan hanya sekali Yulia Sergeevna menemui inti seni yang sebenarnya. Di hadapannya adalah pemandangan biasa dengan sungai, jembatan kayu, jalan, hutan dan api, tetapi tiba-tiba dia melihat bahawa "di mana fajar petang, bayangan tentang sesuatu yang tidak dapat digali dan kekal." Sejenak, tujuan seni yang sebenarnya dinyatakan kepadanya: untuk membangkitkan dalam diri kita perasaan, pemikiran, pengalaman.

A. P. Chekhov adalah salah seorang penulis yang tidak memberi kita penyelesaian siap pakai, dia membuat kita mencarinya. Oleh itu, saya, merenung petikan, memahami, menurut saya, kedudukannya mengenai masalah tujuan seni, persepsi. Seni dapat banyak mengatakan kepada orang yang sensitif, membuatnya berfikir tentang yang paling misteri dan intim, membangkitkan perasaan terbaik dalam dirinya.

Saya setuju dengan tafsiran ini mengenai kesan seni pada seseorang. Sayangnya, saya belum berkesempatan mengunjungi muzium-muzium besar, di konsert muzik klasik, jadi saya akan membenarkan diri saya merujuk pendapat penulis, kerana terdapat banyak karya di mana pengarang cuba mengungkap misteri persepsi manusia terhadap seni.

Salah satu bab buku DS Likhachev "Surat tentang Yang Baik dan Yang Indah" bertajuk "Memahami Seni". Di dalamnya, penulis membicarakan peranan seni yang besar dalam kehidupan manusia, bahawa seni adalah "sihir yang luar biasa". Menurutnya, seni memainkan peranan besar dalam kehidupan semua manusia. Likhachev berpendapat bahawa seseorang mesti belajar memahami seni. Diberikan dengan karunia memahami seni, seseorang menjadi lebih baik secara moral, dan oleh itu lebih bahagia, kerana dihargai melalui seni dengan pemberian pemahaman yang baik tentang dunia, orang di sekelilingnya, masa lalu dan yang jauh, seseorang lebih mudah dibuat berkawan dengan orang lain, dengan budaya lain, dengan kewarganegaraan lain, agar dia lebih senang hidup.

AI Kuprin menulis tentang bagaimana seni dapat mempengaruhi jiwa manusia dalam "Gelang Garnet" -nya. Puteri Vera Sheina, kembali setelah berpisah dengan Zheltkov, yang bunuh diri, agar tidak mengganggu orang yang sangat dia sayangi, meminta rakan pianisnya untuk mempermainkannya, tidak meragukan bahawa dia akan mendengar Beethoven itu

sebuah karya yang diwariskan oleh Zheltkov kepadanya. Dia mendengar muzik dan merasakan jiwanya bergembira. Dia menyangka bahawa cinta yang luar biasa dilaluinya, yang hanya diulang sekali dalam seribu tahun, kata-kata tersusun dalam benaknya, dan mereka bertepatan dengan pemikirannya dengan muzik. "Suci namamu," muzik itu sepertinya mengatakan kepadanya. Melodi yang luar biasa seolah-olah mematuhi kesedihannya, tetapi dia juga menghibur, kerana Yolkov akan menghiburkannya.

Ya, kekuatan seni nyata hebat, kekuatan kesannya. Ia dapat mempengaruhi jiwa seseorang, mengaktifkannya, mengangkat pemikiran.

Lebih banyak hujah.

Dalam cerpen oleh VP Astafiev "A Distant and Close Tale", ia menceritakan bagaimana muzik dilahirkan, apa pengaruh yang dapat dimiliki oleh seseorang. Sebagai anak kecil, pencerita mendengar biola. Ahli biola memainkan gubahan oleh Oginsky, dan muzik ini mengejutkan pendengar muda. Pemain biola memberitahunya bagaimana melodi itu dilahirkan. Komposer Oginsky menulisnya, mengucapkan selamat tinggal di tanah airnya, dia berjaya menyampaikan kesedihannya dengan suara, dan sekarang dia membangkitkan perasaan terbaik pada orang. Tidak ada komposer sendiri, pemain biola mati, yang memberikan pendengar saat-saat indah tentang pemahaman yang indah, seorang budak lelaki membesar ... Sekali di depan dia mendengar bunyi organ. Muzik yang sama terdengar, polonaise Oginsky yang sama, tetapi ketika kecil dia menyebabkan air mata, terkejut, dan sekarang melodi itu terdengar seperti tangisan pertempuran kuno, disebut di suatu tempat, terpaksa melakukan sesuatu untuk memadamkan api perang, sehingga orang tidak akan bersorak-sorak melawan reruntuhan yang terbakar sehingga mereka masuk ke rumah mereka, di bawah bumbung, kepada orang yang mereka sayangi dan cintai, sehingga langit, langit kekal kita, tidak meletupkan letupan dan tidak terbakar dengan api neraka.

KG Paustovsky menceritakan dalam kisah "Keranjang dengan Fir Cones" mengenai komposer Grieg dan peluangnya bertemu dengan gadis kecil Dagny. Gadis kecil yang manis itu mengejutkan Grieg dengan spontannya. "Saya akan memberi anda satu perkara," komposer berjanji kepada gadis itu, "tetapi akan sampai sepuluh tahun lagi." Sepuluh tahun ini telah berlalu, Dagny membesar dan sekali di konsert muzik simfonik dia mendengar namanya. Komposer hebat itu menepati kata-katanya: dia mendedikasikan sekeping muzik yang menjadi terkenal kepada gadis itu. Selepas konsert, Dagny, yang diliputi oleh muzik, berseru: "Dengar, hidup, aku mencintaimu." Dan inilah kata-kata terakhir cerita: "... hidupnya tidak akan sia-sia."

6. Gogol "Potret". Artis Chartkov pada masa mudanya mempunyai bakat yang baik, tetapi dia ingin mendapatkan segalanya dari kehidupan sekaligus. Suatu hari dia menjumpai potret seorang lelaki tua dengan mata yang sangat meriah dan mengerikan. Dia mempunyai impian di mana dia menemui 1000 ducat. Keesokan harinya, impian ini menjadi kenyataan. Tetapi wang itu tidak membawa kebahagiaan kepada artis: dia membeli namanya sendiri, memberi suap kepada penerbit, mula melukis potret orang-orang hebat dunia ini, tetapi dia tidak punya apa-apa yang tersisa dari percikan bakat. Seorang artis lain, rakannya, memberikan segalanya untuk seni, dia terus belajar. Tinggal di Itali untuk waktu yang lama, menganggur selama berjam-jam di lukisan seniman hebat, cuba memahami rahsia kreativiti. Gambar artis ini, yang dilihat oleh Chartkov di pameran, sangat indah, ia mengejutkan Chartkov. Dia cuba melukis gambar sebenar, tetapi bakatnya sia-sia. Sekarang dia membeli karya lukisan dan, dalam kegilaan, menghancurkannya. Dan hanya kematian yang menghentikan kegilaan yang merosakkan ini.

Menurut I. Bunin. Berdasarkan Buku cerita. Berbaring di tempat pengirikan dummy, saya sudah lama membaca ... Tentang tujuan seni

(1) Berbaring di tempat pengirikan dummy, saya sudah lama membaca - dan tiba-tiba saya marah. (2) Lagi dari awal pagi saya membaca, sekali lagi dengan buku di tangan saya! (3) Dan dari hari ke hari, sejak kecil! (4) Sepanjang hayatnya dia tinggal di dunia yang tidak ada, di antara orang-orang yang tidak pernah ada, diciptakan, khawatir akan nasib mereka, kegembiraan dan penderitaan mereka, seolah-olah mereka sendiri, ke kubur dia menghubungkan dirinya dengan Abraham dan Ishak, dengan orang Pelasgians dan Etruscans, dengan Socrates dan Julius Caesar, Hamlet dan Dante, Gretchen dan Chatsky, Sobakevich dan Ophelia, Pechorin dan Natasha Rostova! (5) Dan bagaimana sekarang untuk memahami antara satelit nyata dan rekaan tentang keberadaan saya di bumi? (6) Bagaimana untuk memisahkannya, bagaimana menentukan tahap pengaruhnya terhadap saya?

(7) Saya membaca, saya hidup dengan penemuan orang lain, dan ladang, harta tanah, kampung, lelaki, kuda, lalat, lebah, burung, awan - semuanya hidup sendiri, kehidupan nyata. (8) Dan kemudian saya tiba-tiba merasakan ini dan bangun dari obsesi buku, melemparkan buku itu ke dalam jerami dan dengan terkejut dan gembira, saya melihat sekeliling dengan beberapa mata baru, saya melihat dengan tajam, saya mendengar, saya berbau, - utama saya merasakan sesuatu yang luar biasa sederhana dan pada masa yang sama, sangat kompleks, yang mendalam, indah, tidak dapat diterangkan, yang ada dalam kehidupan dan dalam diri saya dan yang tidak pernah ditulis dengan betul dalam buku.

(9) Semasa saya membaca, ada perubahan sifat intim. (10) Cuaca cerah, meriah; sekarang semuanya gelap, sunyi. (11) Di langit, sedikit demi sedikit, awan dan awan berkumpul, di beberapa tempat - terutama di selatan - masih terang, indah, dan ke barat, di belakang desa, di belakang tanaman merambatnya, hujan, kebiruan, membosankan. (12) Kehangatan, bau lembut seperti hujan di padang yang jauh. (13) Satu oriole bernyanyi di kebun.

(14) Seorang petani kembali dari pekarangan gereja di sepanjang jalan ungu kering yang membentang di antara lantai pengirikan dan kebun. (15) Di bahu terdapat sekop besi putih dengan chernozem biru melekat padanya. (16) Wajah diremajakan, jelas. (17) Topi bergerak dari dahi yang berkeringat.

(18) - Saya menanam semak melati pada gadis saya! katanya dengan ceria. - Kesihatan yang baik. (19) Adakah anda membaca semuanya, adakah anda mencipta semua buku?

(20) Dia gembira. (21) Apa? (22) Hanya dengan hidup di dunia, iaitu melakukan sesuatu yang paling tidak dapat difahami di dunia.

(23) Oriole sedang menyanyi di kebun. (24) Semua yang lain sunyi, terdiam, bahkan ayam jantan tidak didengar. (25) Yang dia nyanyikan - perlahan-lahan menghasilkan latihan yang menyenangkan. (26) Mengapa, untuk siapa? (27) Adakah untuk diri sendiri, untuk kehidupan di mana kebun hidup selama seratus tahun, harta tanah? (28) Mungkin harta tanah ini hidup kerana nyanyian serulingnya?

(29) "Saya menanam semak melati pada gadis saya." (30) Adakah gadis itu tahu mengenai perkara ini? (31) Sepertinya petani itu tahu, dan mungkin dia benar. (32) Seorang lelaki akan melupakan semak ini pada waktu petang - untuk siapa dia akan mekar? (33) Tetapi ia akan mekar, dan sepertinya itu bukan untuk apa-apa, tetapi untuk seseorang dan untuk sesuatu.

(34) "Kamu membaca semuanya, kamu mencipta semua buku." (35) Mengapa mencipta? (36) Mengapa pahlawan dan pahlawan? (37) Mengapa novel, cerita, dengan plot dan denuement? (38) Ketakutan abadi muncul tidak cukup buku, tidak cukup seperti mereka yang dimuliakan! (39) Dan siksaan kekal adalah diam selama-lamanya, bukan untuk berbicara dengan tepat tentang apa yang sebenarnya milikmu dan satu-satunya masa kini, yang memerlukan ungkapan yang paling sah, iaitu jejak, perwujudan dan pemeliharaan setidaknya dalam satu kata!

Tulisan itu

Hebatnya kisah A.P. Chekhov! Seperti biasa dengan penulis ini, anda tidak akan langsung memahami apa yang ingin dia sampaikan dengan karyanya, soalan apa yang ingin dia fikirkan.

Hari musim panas. Wira lirik membaca sebuah buku, yang tiba-tiba dia tolak dengan marah: "Saya telah menjalani separuh hidup saya di beberapa dunia yang tidak ada, di antara orang-orang yang tidak pernah ada, mencipta, bimbang tentang nasib mereka, kegembiraan dan kesedihan mereka, seolah-olah mereka adalah miliknya sendiri ... "Nampaknya dia terbangun dari obsesi buku dan dengan mata baru melihat" mendalam, indah, tidak dapat diluahkan dalam hidup. " Di sekitar alam yang indah, pemandangan yang sentiasa berubah. Wajah baru muncul: seorang lelaki dengan wajah yang cerah dan segar. "Saya menanam semak melati pada gadis saya," katanya. Kami faham bahawa dia menanam semak ini di kubur anak perempuannya. Jadi mengapa bersukacita? Kami bingung bersama pahlawan. Dan kemudian ada pemahaman: gadis itu tidak akan mengetahui tentang semak ini, tetapi ia akan mekar "dengan alasan yang baik, tetapi untuk seseorang dan untuk sesuatu." Dan sekali lagi, kembali kepada pemikiran lama: mengapa menulis novel, cerita? Dan inilah pandangannya: masalah yang membimbangkan baik pahlawan Chekhov dan penulisnya sendiri adalah masalah tujuan seni. Mengapa seseorang perlu mengekspresikan dirinya dalam buku, puisi, muzik, lukisan? Inilah cara saya merumuskan persoalan yang timbul dari pemikiran pahlawan lirik.

Dan jawabannya adalah dalam kalimat terakhir teks: “Dan siksaan abadi adalah diam selama-lamanya, bukan untuk berbicara dengan tepat tentang apa yang sebenarnya milikmu dan satu-satunya saat ini, yang memerlukan ungkapan yang paling sah, yaitu jejak , perwujudan dan pemeliharaan sekurang-kurangnya dalam satu perkataan! " Kedudukan penulis, dengan kata lain, adalah sebagai berikut: tujuan kreativiti, tujuan seni adalah untuk memberitahu orang-orang apa yang menggembirakan anda, untuk menyatakan perasaan yang anda alami, untuk meninggalkan "jejak perwujudan" di bumi .

Persoalan mengenai tujuan seni membimbangkan banyak penulis. Mari kita ingat

A.S. Pushkin. Dalam puisi "Nabi", "suara Tuhan" memanggil penyair:

"Bangkitlah, nabi, dan lihat dan perhatikan,

Tunaikan kehendak saya

Dan, melewati laut dan darat,

Membakar hati orang dengan kata kerja. "

"Membakar hati orang dengan kata kerja" bermaksud membangkitkan di dalamnya kehausan untuk kehidupan dan perjuangan yang lebih baik. Dan dalam puisi "Saya mendirikan sebuah monumen untuk diri saya sendiri yang tidak dibuat oleh tangan ...", yang ditulis sejurus sebelum kematiannya, penyair menegaskan kehebatan monumen puitis itu dibandingkan dengan cara lain untuk mengabadikan kelebihan.

Seseorang yang diberikan Tuhan bakat untuk mengatakan sesuatu sendiri kepada orang tidak boleh diam. Jiwanya menuntut untuk meninggalkan tanda di bumi, untuk mewujudkan dan memelihara "I" nya dengan kata-kata, dalam suara, dalam lukisan, di patung ...

Seni ... Ia mampu menghidupkan jiwa seseorang dari abu mereka, membuatnya mengalami emosi dan perasaan yang luar biasa. Seni adalah kaedah yang digunakan oleh pengarang untuk menyampaikan pemikiran mereka kepada seseorang, untuk membiasakan dirinya dengan kecantikan.

Penulis membincangkan keperluan seni dalam kehidupan kita, dia memfokuskan pada fakta bahawa "kecantikan mesti dipelajari dan dihargai, sama seperti seseorang mesti belajar merasakan muzik yang tinggi." Yuri Bondarev memetik contoh Requiem Mozart, yang mempengaruhi penonton dengan cara yang tidak terbayangkan, "orang secara terbuka meneteskan air mata dalam episod di mana kehidupan komposer hebat itu berakhir." Oleh itu penulis menunjukkan bahawa seni mampu menyentuh rentetan halus jiwa seseorang, menjadikannya mengalami perasaan yang luar biasa.

Bondarev berpendapat bahawa seni dapat mempengaruhi seseorang, kerana inilah yang paling indah dalam hidupnya. Seni dapat mengubah seseorang, dunia batinnya. Ini adalah sesuatu yang mesti dipelajari. Memang, seseorang tidak boleh setuju dengan pengarangnya. Saya percaya bahawa seni dapat membuat kita merasakan kegembiraan dan kesedihan, kerinduan dan kegembiraan, kebahagiaan dan banyak emosi lain.

Oleh itu, dalam karya IAGoncharov "Oblomov", sikap protagonis terhadap muzik digambarkan dengan jelas. Oblomov, yang mengunjungi Olga Ilyinskaya, pertama kali mendengar bagaimana dia bermain piano. Penulis menunjukkan kepada kita bagaimana muzik dapat mempengaruhi dunia dalaman seseorang, emosinya. Mendengarkan permainan hebat itu, pahlawan itu hampir tidak dapat menahan air matanya, dia merasakan kekuatan dan semangat, keinginan untuk hidup dan bertindak.

Namun, sikap protagonis karya IS Turgenev "Fathers and Sons" terhadap seni sangat negatif. Bazarov tidak menganggapnya sebagai bahagian penting dalam kehidupan seseorang, dia tidak melihat faedah dan kelebihannya. Ini adalah batasan pandangannya. Tetapi kehidupan seseorang tanpa seni, tanpa "rasa keindahan" sangat membosankan dan monoton, yang, sayangnya, pahlawan itu tidak mengenali.

Sebagai kesimpulan, saya ingin menyimpulkan bahawa seni adalah bahagian terpenting dalam kehidupan kita masing-masing. Anda hanya perlu memasukkannya ke dalam hati dan jiwa anda, dan ia dapat menaklukkan seluruh dunia.

Pilihan 2

Apa-apa jenis seni untuk seseorang adalah ganjaran tertinggi atas usaha yang dilakukannya untuk mengambil bahagian - sama ada sebagai pencipta karya, atau hanya mengagumi hasilnya dari luar.

Komposisi muzik, kanvas misterius, patung anggun muncul berkat pengetahuan manusia, hadiah semula jadi atau keinginan untuk mencapai kesempurnaan tersebut.

Dalam proses mencipta karya seni apa pun, seseorang menggunakan bakatnya, menunjukkan kemampuannya dengan penuh kekuatan. Seni berkembang, tidak membenarkan tinggal di satu tempat, dalam keadaan tidak aktif. Kerana ini, orang bertambah baik. Mereka yang agak berkaitan dengan bidang ini adalah orang kreatif yang sentiasa mencari. Menjunam ke dunia ini, mereka secara aktif berkembang secara rohani.

Oleh itu, melalui khayalan, tujuan, fantasi, kesabaran, seni membantu mewujudkan kedudukan hidup, mempengaruhi pandangan dunia seseorang, membantu mencari diri sendiri, untuk membentuk cara berfikir sendiri.

Sekiranya kita bercakap mengenai muzik, maka setelah hanya mendengar karya klasik, keadaan emosi, mental dan fizikal seseorang bertambah baik. Bergantung pada irama dan isi lagu, lagu, anda boleh mendapatkan semangat yang luar biasa, atau tenang.

Di bawah pengaruh seni, dunia dalaman seseorang berubah. Dalam mana-mana jenisnya - grafik, teater, lukisan, dan lain-lain, terdapat begitu banyak makna dan minat yang mendalam, yang dinyatakan melalui cara ekspresif yang pelik sehingga mereka membuat anda berfikir tentang diri anda, makna kehidupan, membolehkan anda melihat dunia dengan cara yang baru.

Sebarang karya seni menyumbang kepada perbezaan antara yang baik dan yang jahat, yang baik dan yang buruk. Karya sastera mempunyai kekuatan luar biasa yang dapat mempengaruhi seseorang, memindahkannya ke dunia lain. Menjadi pahlawan peristiwa yang digambarkan dalam buku-buku, orang belajar maklumat baru, yang menjadi asasnya menjadi lebih baik, memperbaiki kesilapan setelah bertemu wataknya, bersimpati dan bersukacita dengannya. Sastera secara asasnya dapat mengubah pandangan dunia seseorang.

Di bawah pengaruh lukisan, pembentukan dunia rohani seseorang berlaku. Penyertaan dalam aktiviti jenis ini menyumbang kepada ekspresi diri, peningkatan tayangan. Dalam patung, orang mewujudkan keinginan estetik mereka, dan bagi pemerhati luar mereka kognitif.

Oleh itu, seni hanya menampilkan ciri-ciri watak terbaik dalam diri seseorang, meningkatkan kecerdasan, mengenal pasti dan mengembangkan sifat-sifat yang sebelumnya tidak kelihatan.

Beberapa komposisi menarik

• Ciri dan gambaran Ilyusha dari kisah Bezhin lug Turgenev komposisi

  Ilyusha adalah salah satu watak utama dalam kisah "Bezhin Meadow" karya Ivan Sergeevich Turgenev. Penulis memanggilnya Ilyusha menggunakan tanda lembut. Dia berumur dua belas tahun.

Setiap orang mengucapkan kata-kata tertentu, hampir semua dilakukan dengan bantuan tindakan dan kata-kata.Kata itu melahirkan satu perkataan, yang ketiga berjalan dengan sendirinya. Waspada: sebarang perkataan yang anda ucapkan dapat menentukannya

Musim luruh akan tiba. Bandar ini bertukar menjadi kuning-jingga. Pelajar sekolah meletakkan beg mereka dan pergi ke sekolah. Orang dewasa akan tiba di akhir waktu percutian mereka.

• Adakah anda perlu mewujudkan impian anda? Gred esei akhir 11

  Apa itu impian? Adakah mereka memerlukan atau harus dilaksanakan? Kita boleh mengatakan bahawa mimpi adalah salah satu zarah yang paling indah dan tidak dapat dihancurkan dalam kewujudan kita. Setiap daripada kita memperlakukan mereka secara berbeza. Contohnya, Vasya benar-benar mahu mewujudkan impiannya.

• Tema eksploitasi ketenteraan dalam kesusasteraan Rusia pada separuh kedua XX - awal abad XXI.

  Tema perang dan segala yang berkaitan dengannya tidak akan membiarkan sesiapa pun tidak peduli. Topik ini relevan sepanjang masa. Walau bagaimanapun, apabila topik ini menyangkut anda dan orang yang anda sayangi, semuanya dapat dilihat dengan cara yang sama sekali berbeza.

Pertama, selang waktu yang memisahkan kita dari karya seni masa lalu, dan ketiadaannya dalam persepsi seni kontemporari, meninggalkan kesan yang tidak dapat dielakkan pada pemahaman yang terakhir. Kita kehilangan kesempatan untuk menilai secara objektif dan mentafsirkan kemodenan dengan betul, kerana kita sendiri yang membuatnya. Atau lebih tepatnya, kita dapat memahami makna sesaat yang mendalam dari sebuah karya, yang awalnya diletakkan di dalamnya. Mungkin kita akan memahaminya lebih baik daripada generasi berikutnya, seperti, katakanlah, Baudelaire atau Gurenberg lebih jelas difahami oleh sezaman mereka ketika itu, dan bukan oleh kita - sekarang. Tetapi pada masa yang sama, kita tidak akan dapat menilai kepentingan kerja ini atau masa ini. Ini memerlukan masa.

Kedua, seni kontemporari (mari kita bincangkan mengenai pawagam, muzik) sangat pelbagai. Masalahnya semakin rumit oleh fakta bahawa setiap genre yang ditutup sendiri sangat eklektik dengan sendirinya. Kita bahkan boleh mengatakan bahawa sekarang kita tidak perlu membicarakan genre yang terpisah, dalam arus perdana yang diciptakan oleh artis (dalam spektrum kata yang luas), tetapi sekarang setiap artis, setiap pemuzik (kumpulan muzik), setiap pengarah adalah memisahkan genre individu. Segala-galanya mencipta di persimpangan. Oleh itu, tidak ada yang dapat mengenal pasti diri mereka termasuk dalam genre tertentu. Oleh itu kesukaran lain untuk menafsirkan seni kontemporari.

Ketiga, perlu diperhatikan bahawa seni kontemporari dikembangkan secara tidak rata. Contohnya, muzik, sinematografi, fotografi, dan mungkin lukisan sedang aktif berkembang. Sastera kurang aktif dan berjaya. Ini disebabkan oleh fakta bahawa bidang seni pertama yang disenaraikan dicirikan oleh emosi yang melampau. Sangat sukar bagi orang moden untuk berkonsentrasi, berkumpul pada satu ketika, yang perlu, misalnya, menulis atau membaca novel yang serius. Muzik, fotografi segera, gambar, filem sebagai sastera visual termampat - semua ini paling sesuai dengan kemampuan seseorang yang moden untuk melihatnya. Tidak dapat dikatakan bahawa kesedaran kita telah menjadi "klip". Harus diingat bahawa lagu atau filem adalah karya seni yang sudah siap yang kita anggap secara holistik dan sama sekali bukan klip. Tetapi jumlah masa yang dapat kita luangkan untuk ini atau kerja itu telah berubah. Oleh itu, bentuk karya ini juga telah berubah - ia menjadi lebih ringkas, tepat, mengejutkan, dan sebagainya. (bergantung pada tujuan penulis). Perkara ini penting untuk dipertimbangkan semasa menganalisis seni kontemporari.

Secara umum, kita boleh mengatakan bahawa masalah utama adalah pengenalan seni kontemporari sebagai seni pada umumnya. Anda sering menemui ketiadaan titik-titik rujukan yang dapat dikaitkan dengan karya penulis kontemporari. Ia menjadi mustahil untuk dibandingkan dengan yang klasik, kerana hampir mustahil untuk mencari titik persimpangan yang lama dan yang baru. Terdapat pengulangan sesuatu yang telah dibuat sebelumnya, atau penciptaan sesuatu yang sama sekali tidak seperti yang lain. Yang disebut klasik nampaknya tidak dapat dipastikan. Saya tidak bermaksud teknik teknikal, tetapi makna dan idea yang dimasukkan ke dalam ini atau yang berfungsi. Sebagai contoh, genre seperti cyberpunk mempengaruhi lapisan kewujudan manusia yang berbeza daripada fiksyen sains. Sudah jelas bahawa kita boleh beralih kepada fiksyen ilmiah sebagai nenek moyang genre semacam ini, tetapi juga jelas bahawa masalah timbul dengan cyberpunk bahawa fiksyen sains tidak akan memberitahu kita apa-apa. Oleh itu, karya seni moden seolah-olah dilemparkan ke dalam kekosongan, di mana tidak ada titik rujukan, tetapi hanya ada ciptaan baru individu yang serupa, ditinggalkan hingga mati.

KRYLOV SERGEY NIKOLAEVICH

Pelajar pascasiswazah Jabatan Pengajian Seni dan Budaya Institusi Pendidikan Tinggi Profesional Belanjawan Negeri Persekutuan “St. A. L. Stieglitz "

Anotasi:

Artikel itu mendedahkan faktor utama yang menghalang persefahaman antara artis dan orang ramai. Penulis percaya bahawa seni kontemporari adalah sistem dengan bahasa tersulit sendiri yang telah berkembang selama satu setengah abad yang lalu. Sejak pertengahan abad ke-19, perubahan nilai-nilai masyarakat Barat secara beransur-ansur telah terjadi, yang tercermin dalam seni sebagai pelepasan dari estetika ideal yang memihak kepada konsep. Penulis percaya bahawa orang ramai, yang mengenal seni kontemporari, juga tidak dapat selalu menilai sepenuhnya nilai sebuah karya seni tanpa penjelasan khas dari pengarang, yang tentunya merupakan tanda konflik yang semakin meningkat antara masyarakat dan budaya pascamodenisme. Sekiranya lebih awal karya tersebut menimbulkan emosi dengan kesan estetik, maka seni kontemporari mencari cara-cara asli untuk mempengaruhi orang ramai.

Budaya secara keseluruhan menyatakan keadaan rohani masyarakat, sementara seni
adalah reaksi terhadap ledakan emosi. Berapa banyak sejarah seni yang ada,
terdapat banyak perdebatan: adakah fenomena inovatif dalam seni dianggap kemajuan
atau kemerosotan budaya yang berterusan. Dalam bidang kemanusiaan, mustahil
mengabaikan fakta kesukaran, dan kadang-kadang kemustahilan membina logik terpadu
sistem. Kosa kata yang digunakan untuk menggambarkan seni kontemporari secara beransur-ansur
menjadi bahasa khas - sukar, sering menakutkan dalam kerumitannya. Walau bagaimanapun
kurang, "dalam sains seni, pendekatan teori tidak benar-benar ada
alternatif, dan tidak kira sama ada mengenai seni moden atau klasik. Sebarang
penerbitan baru mengenai sejarah seni hanya relevan sebagai hujah di
sebarang pertikaian teori sebagai sebahagian dari sejarah intelektual. " Hingga pertengahan
Abad XIX di kalangan seniman, hanya sedikit yang berusaha untuk merumuskan sistem mereka,
dapat membuktikan keaslian aktiviti kreatif.
Adalah dipercayai bahawa E. Manet membuat percubaan pertama untuk mengenal pasti seni,
yang pertama di kalangan pelukis untuk memulakan pencarian kerumitan formal karya. Dia
keinginan untuk mencipta prinsip baru dalam menyelesaikan masalah sehari-hari, secara tidak langsung dia
menjangkakan hampir semua kreativiti avant-garde, dalam bentuk yang paling reaksioner
dapat meninggalkan sistem budaya Barat berdasarkan Yunani kuno
pemahaman tentang estetika dan kecantikan.
Oleh kerana kesederhanaan penyelesaian dalam praktik seni realistik, persoalannya
penegasan teori karya jarang timbul, bahkan jika dibandingkan dengan
hiasan atau seni gereja. A.V. Makeenkova menyimpulkan kerumitan bahasa "
karya ", sebagai salah satu masalah kesukaran memahami seni. Tidak dinafikan,
bahasa pengarang mungkin tidak dapat difahami, namun, ia tidak boleh bergantung pada
orientasi karya. Kerumitan persepsi agak dipengaruhi oleh formal
tanda, iaitu: cara yang digunakan oleh seniman, misalnya, secara tradisional tidak
ciri seni: kemungkinan teknikal baru, polimedia - iaitu, itu
kualiti di mana penciptaan bentuk cuba mengasingkan dan memantapkan dirinya. Suka
sama ada kita mempunyai karya atau tidak, kita dapat memahami apa itu, tetapi bagaimana sebenarnya
dipenuhi - tidak selalu.
Perkembangan budaya masyarakat globalis moden adalah mustahil
dilihat di luar konteks ideologi yang diciptakan oleh strata pemerintah. Asal
seniman - tidak kira apa yang mereka cipta - akan dilihat sebagai radikal
disesuaikan. Pertimbangkan contoh yang jelas: "ahli politik konservatif dan pengkritik seni di
AS semasa Perang Dingin menyerang seni abstrak sebagai
"Komunis" ", tetapi 20 tahun kemudian L. Reinhardt membuktikan bahawa memang demikian
seni realistik di barat adalah seni protes, bukan seni abstrak, yang di
masa itu sudah menjadi simbol budaya kapitalis. Karl Marx juga mencatat
hakikat bahawa dengan membuat pembelian, kita memperoleh bukan hanya barang, tetapi objek,
dipenuhi dengan ideologi. Dengan memanipulasi ideologi massa, seseorang dapat dengan sengaja
memanipulasi perasaan kumpulan sosial. Dalam tamadun Barat, orang biasa
untuk menerima dari karya seni, pertama sekali, keseronokan: visual,
estetika, moral dan intelektual. Sepanjang abad yang lalu, kami
kita melihat secara beransur-ansur perpindahan dari bahagian ke dalam jenis seni, yang berlaku
alaf; terdapat gabungan seni statik visual dengan puisi,
muzik, tarian, video dan, akhirnya, dengan sains "tepat", baik dalam bentuk formal dan
istilah ideologi. Penonton, bersiap sedia budaya untuk merenungkan yang baru
seni, menerima daripada artis sejenis teka-teki yang bertujuan untuk karya aktif
khayalan, kesedaran, intuisi dan akal, mendapat keseronokan dalam hal ini.
Kekaguman terhadap kualiti visual dan estetika murni karya,
memudar ke latar belakang, kerana masyarakat hanya disajikan dengan penjelmaan idea
artis. Seni kontemporari mendorong penonton untuk menarik diri dari sementara
massa sosial, untuk melihat sesuatu yang lebih; melalui kritikan budaya popular
terdapat kritikan terhadap ideologi dan seni itu sendiri.
Reproduktif teknikal seni sudah pasti mengubah sikap
masyarakat kepada artis, dengan penemuan kebolehulangan lukisan, untuk menarik
untuk kepentingan penonton, pelukis perlu melabur dalam karya yang tidak dapat disampaikannya
fotografi, sebagai contoh, komponen emosi maksimum, teknikal baru
bermaksud, kesan serentak pada deria yang berbeza. Pada tahap tertentu pada setiap masa
terdapat sintesis seni, tetapi hanya pada awal abad ke-20 polimedia
karya yang mempengaruhi semua deria penonton, yang
yang paling kompleks dalam penciptaan struktur, tindakan, peristiwa. Dadaists memaksa orang ramai
mengambil pendekatan baru untuk memahami seni: tidak mahu menyenangkan, mereka tetap menawarkan
melepaskan kekaguman pasif dan menjadi sebahagian daripada aksi. Karya seni
boleh menjadi objek yang dipinjam dari kehidupan: persekitaran atau buatan, - idea,
yang didasarkan pada aksen persepsi, iaitu merenungkan suatu objek, sebuah karya
seni itu dibuat sendiri oleh penonton. Selepas M. Duchamp, semua seni secara semula jadi menjadi
kata atau konsep. Pada masa yang sama, teori peniruan klasik sedang mengalami
krisis dan tidak dapat membenarkan kepelbagaian perwakilan visual. Dahulu manusia
digunakan untuk mendapatkan keseronokan dari perenungan karya seni. Masyarakat
dianggap begitu bahawa itu adalah watak, kerumitan dan kekayaan yang tidak dapat dipalsukan
tanda estetik atau bahkan bahasa memberikan karya seni sebagai status seni, sekarang
jarak antara gambar dalam karya dan rujukannya hampir tidak ada.
Selama setengah abad yang lalu, seni telah beralih ke tema yang sebelumnya sama
tidak berminat dengan sejarah seni dari jauh. Menerapkan idea sintesis, morfologi
kerangka seni hancur, menampakkan sosok artis di wajah masyarakat. DENGAN
penampilan kaedah komunikasi baru telah mengubah persepsi itu sendiri - dari orientasi visual
hingga multisensori. Seni mampu menundukkan semua kemampuan manusia
berusaha untuk kesatuan imaginasi kreatif. Trend bersosial
seni di negara-negara Barat berkembang secara bebas, di Eropah ia adalah kumpulan
"Situationist International", di AS - neo-Dadaists dan "Fluxus", yang percaya
menyelamatkan seni dari pengkomersialan yang mengancam untuk menjadikannya sangat
komoditi berprestij. Artis berjiwa bebas berfungsi
lebih banyak projek, yang melibatkan pemuzik, penyair, penari. Hasil dari jenis ini
aktiviti menjadi estetika pelbagai disiplin baru berdasarkan saling
inspirasi, pengayaan dan eksperimen. Persembahan itu membolehkan artis
akhirnya menghapus sempadan antara cara ekspresi, antara seni dan
kehidupan. Praktik persembahan adalah mencabar protes
nilai dan model tingkah laku yang diterima umum, mereka tidak boleh wujud tanpa dialog dengan
penonton. Artis secara langsung menghubungkan diri mereka dengan orang lain, kehidupan mereka
pengalaman dan tingkah laku. Penyatuan seni dan kehidupan sebagai idea utama yang diperoleh
bentuk Inggeris dan Gilbert yang melampau dan ingin tahu. Manzoni berubah menjadi
"Arca hidup" dari orang-orang di sekitarnya, mereka juga berubah menjadi "patung hidup", dan
secara tidak langsung menjadikan kehidupan mereka sebagai objek seni.
B.E. Groys, dari sudut pandang ahli teori abad XXI, menyoroti tugas seni dalam menunjukkan
gambar dan gaya hidup yang berbeza melalui pengetahuan praktikal. Dengan bermaksud
mesej menjadi mesej itu sendiri. "Kami menyedari bahawa salah satu yang paling penting
trend artistik 10 - 15 tahun kebelakangan - inilah penyebaran dan
melembagakan kreativiti kumpulan dan sosial ",
ungkapan yang kita dapati dalam populariti seni interaksi tertentu.
M. Kwon memandang bentuk seni baru sebagai "spesifikasi masyarakat",
K. Bazualdo - "komuniti eksperimen", G. Kester mendefinisikannya "dialogis
seni ". Idea Kester adalah bahawa tugas seni adalah menentang dunia di mana
orang dikurangkan menjadi komuniti palsu pengguna atom, yang
pengalaman emosi diberikan oleh masyarakat persembahan dan latihan. Sekiranya kerjasama dengan
kumpulan yang diatur awal menunjukkan watak eksploitatif, tidak
mungkin menggambarkan model interaksi sosial. Dalam konfrontasi bersama
kapitalisme, seniman bersatu sesama mereka, menyeru masyarakat luar,
yang seharusnya merasa yakin menjadi peserta dalam karya. Tidak seperti
televisyen, seni tidak menghancurkan, tetapi menyatukan hubungan, menjadi tempat,
mewujudkan ruang khusus untuk komunikasi. Sekiranya G. Hegel memanggil salah satu
sebab yang paling penting untuk krisis seni adalah kehilangan keupayaan seseorang untuk secara langsung
pengalaman karya seni ("Kebebasan karya seni, yang
kebanggaan terhadap kesedaran diri mereka dan tanpanya mereka tidak akan wujud - ini adalah kelicikan mereka sendiri
fikiran. Sekiranya karya seni adalah jawapan untuk soalan mereka sendiri, maka dalam
berdasarkan ini, mereka sendiri menjadi soalan. "), kelebihan dialog yang sama
jenis amalan seni adalah bahawa analisis kritis terhadap stereotaip
dilakukan dalam bentuk pertukaran pandangan dan perbincangan, bukan kejutan dan kehancuran.
Seni kolaboratif mencari akses dan bukannya eksklusif; dalam
dialog, refleksi tidak dapat dielakkan, kerana dengan sendirinya ia tidak dapat membina
bekerja.
Dalam praktiknya, idea menyatukan artis dan orang ramai menimbulkan halangan dengan sendirinya,
mengganggu pendekatan semula, sudah pasti menjadi masalah yang paling mendesak. Orang ramai,
sedikit akrab dengan trend seni, berprasangka terhadap semua manifestasi
kreativiti moden dan cuba mengelakkan hubungan. Penolakan dialog menjadi
punca asal salah faham. Artis menyatakan pengorbanan diri,
menolak kehadiran hak cipta yang memihak kepada hubungan, yang membolehkan peserta
bercakap melalui diri sendiri. Idea ini menyatakan pengorbanan seni seperti itu dan keinginannya
pembubaran lengkap dalam amalan sosial.
Perasaan tetap menjadi satu-satunya elemen persepsi - kriteria utama
kemunculan dan kewujudan karya seni, permulaannya adalah
pengalaman dan emosi. Seperti yang dinyatakan oleh V.P. Bransky: “Orang yang tidak menyebabkan objek itu
tidak ada perasaan, tidak memperhatikan dalam objek ini dan sepersepuluh dari ciri-ciri itu
terbuka kepada orang yang berada di bawah kesan objek yang kuat. Jadi
Dengan cara ini, paradoks seperti yang kelihatannya, anda dapat melihat sesuatu dan tidak melihat apa-apa ”.
Punca seni apa pun bukanlah konteks seperti perasaan bebas
masa lalu dibatasi oleh kerangka falsafah, estetika, keindahan, perkadaran dan lain-lain
tradisi budaya. Seni pascamoden didasarkan terutamanya pada
perasaan, dan mustahil untuk mengukurnya dengan kriteria lain!
LITERATUR
1. Rykov A.V. Seni Barat abad XX: Panduan belajar. - SPb .: Alternatif Baru
Poliografi, 2008 S. 3.
2. Dempsey, Amy. Gaya, sekolah, arahan. Panduan seni kontemporari. - M .: Seni -
Abad XXI, 2008.S. 191.
3. Uskup, Claire. Perubahan sosial dalam seni kontemporari - Moscow: Khudozhestvennyj zhurnal, 2005, no.
58/59. P. 1.
4. Adorno, V. Theodore. Teori estetik / Per. dengan dia. A.V. Dranova. - M .: Republik, 2001 S. 12.
5. Bransky V.P. Seni dan falsafah. Peranan falsafah dalam pembentukan dan persepsi seni
menggarap contoh sejarah lukisan. - Amber Skaz, 1999 S. 6.