19.2. Lukisan dan muzik "Zaman Perak"

19.2.1 Lukisan: dari "Dunia Seni" hingga avant-garde. Seniman "Dunia Seni" telah ditolak oleh akademik dan kecenderungan Wanderers, dan mereka menganjurkan inovasi dalam lukisan. Kebanyakan mereka tergolong dalam keluarga seni turun temurun dan melihat misi mereka sebagai menyebarkan budaya tinggi dalam masyarakat, memelihara tradisi seni dan cita rasa seni. "Dunia seni," tulis P.N. Milyukov, "... juga didorong tidak kurang daripada kecenderungan menuduh dan, secara umum, dari idea sivik dalam seni dan dari pandangan dunia yang realistik dan positivis yang mendominasi generasi sebelumnya." Kumpulan "Dunia Seni" diketuai oleh artis A.N. Benois, yang merupakan ahli ideologi dan ahli teorinya. Dalam "Sejarah Seni"nya pada tahun 1902, dia menulis: "Pameran artis asing yang kerap dianjurkan di St. Petersburg dan Moscow, ketersediaan umum perjalanan asing, kelaziman penerbitan bergambar tentang seni"Semua ini membawa kami lebih dekat ke Barat." Semua ini menyumbang, Benois meneruskan, kepada fakta bahawa keperluan untuk melukis telah meningkat secara tidak terukur dan mendedahkan Tahap seni lukisan kami adalah rendah. Matlamat telah dirumuskan– menaikkan bahagian yang sangat indah artistik berfungsi melebihi kandungan. Pada masa yang sama, permintaan yang sama timbul dalam muzik - untuk meningkatkan sisi bunyi semata-mata di atas "program" amma" kerja muzik. Tetapi kritikan terhadap Wanderers tidak terhad kepada kritikan terhadap pandangan dunia mereka dan realisme mereka dikritik dengan tajam. Tugas sekolah baru adalah untuk meninggalkan realisme, untuk meninggalkan topik hari itu.

Artis kumpulan ini (Benois, Lanceray, Somov) memberi tumpuan kepada mengkaji masa lalu seni St. Petersburg dan berpindah dari sana ke kajian seni Perancis abad ke-18.

Artis dari masyarakat lain beralih kepada asal usul seni Rusia- "Kesatuan Artis Rusia" (1903 - 1923), yang termasuk K. F. Yuon (1875 – 1958), F. A . Malyavin (1869 – 1940), S. DALAM . Malyutin (1859 – 1937), A. E. Arkhipov (1862 – 1930) dan lain-lain. Mereka dicirikan oleh minat terhadap alam semula jadi dan ciri-ciri asli kehidupan rakyat Rusia, keindahan hiasan, dan daya tarikan kepada udara plein.

N.K. Roerich pergi dengan caranya sendiri (1874– 1947). Menggunakan contoh beliau P .N. Milyukov menerangkan kosmopolitanisme sejumlah artis Rusia Zaman Perak. "Seorang ahli arkeologi dengan profesionnya,- Miliukov menulis tentang Roerich, - dia meninggalkan masa kini bukan dalam sejarah, tetapi menjadi legenda prasejarah. Di sini, dalam skop penuh, dia menggunakan bakatnya sebagai seorang pewarna. Pra pengabaian garisan demi cat, menutup seluruh permukaan dengan cat tanpa warna"Teknik impresionisme ini mendapat aplikasi yang meluas dalam lukisan Roerich." Miliukov menekankan bahawa dari masa ke masa, unsur misteri menjadi ciri dominan Roerich. O. Penggayaan, yang berkembang di kalangan beberapa penghias, menjadi undang-undang asas untuk Roerich.

Lukisan Zaman Perak adalah pelbagai gaya, tetapi impresionisme menduduki tempat yang penting di dalamnya. Di bawah pengaruh impresionis, K.A. Korovin menulis lukisannya (1861– 1939) – landskap emosi (“Pada Musim Sejuk”), lukisan genre (“Di Balkoni”) dan pemandangan teater yang berwarna-warni. Post-Impresionis dipengaruhi V. E. Borisova - Musatova (1870 – 1905), seorang artis asal ("Pond"), seorang neo-romantik, yang lukisannya menggambarkan landskap elegiak kegemarannya– sebuah taman, wanita yang tenang, misteri, seolah-olah bayang-bayang masa lalu – mudah dikenali.

Kecanggihan dan kekaburan seorang lelaki pada pergantian abad ini terkandung dalam potret sezamannya yang dilukis oleh K.A Somov, V.A. Artis terkemuka Dunia Seni, Somov, adalah anak kepada kurator Hermitage, menerima pendidikan yang sangat baik, lulus dari Akademi Seni, dan banyak melawat Eropah. Dia mencipta satu siri potret grafik sezamannya– intelektual golongan elit: A. Bloka, F. Sologuba, M. Kuzmina, V. Ivanova, E. Lanceray, M. Dobuzhinsky dan lain-lain. DALAM . A . Serov adalah pengarang potret pelakon M. N. Ermolov oh, penulis M. Gorky, K. A. Korovin- potret F. DAN . Shalyapina, I. DAN . Levitan. Potret yang dicipta oleh artis Zaman Perak bukan sekadar potret orang sebenar, ia adalah galeri orang kreatif era itu yang menjelmakan cita-cita artis dalam kehidupan mereka.

M.A. Vrubel (1856 – 1910) memulakan aktivitinya pada tahun 80-an abad ke-19. Dia cenderung kepada generalisasi simbolik-falsafah imej, sering mengambil nada yang tragis. Bagi yang sezaman dengannya, Vrubel kelihatan seperti makhluk asing dari zaman yang lain. Lukisannya dipanggil "ajaib", dan asal-usul keajaibannya terletak pada fakta bahawa pandangan artistik yang canggih "menembusi" ke kedalaman.

Contoh klasik– kerja lewat “Pearl Shell”. Mari kita lupakan tentang ikan duyung yang diletakkan artis di dalamnya - keajaiban tidak begitu banyak di dalamnya , begitu banyak dalam cara tekstur cengkerang itu disampaikan, keajaiban limpahannya... Vrubel berhujah bahawa perkara di sini bukan pada warna, tetapi pada kerumitan struktur ibu-mutiara.- "menyampaikan dengan tepat lukisan pelan terkecil dari mana bentuk itu dicipta dalam imaginasi kita, kira-kira isipadu objek dan warna.” Banyak "Lilac" ditulis menggunakan kaedah "pelan terkecil" yang sama– persamaan dengan beberapa jenis seni bina amethyst; sayap angsa dengan lapisan bulu bergerigi - angsa seperti itu bersedia untuk berubah menjadi puteri; semak burdock yang berduri - Burdocks sedemikian masih hidup, mereka seolah-olah bercakap antara satu sama lain (lukisan "Menuju Malam"). Seniman itu mendalami tenunan batang, dahan cemara, struktur kristal ais yang membentuk corak seperti pakis pada kaca pada musim sejuk, hiasan batu, dan kerlipan lampu yang membara. Dan semua fenomena semula jadi ini, yang ditemui pada setiap langkah dan, bagaimanapun, sangat tidak disedari oleh penglihatan automatik, berkembang di bawah pandangan berjaga-jaga artis menjadi dunia yang luar biasa hebat.

Wakil-wakil avant-garde ialah V.V. Kandinsky (1886– 1944), yang komposisi abstraknya dicirikan oleh gabungan bintik-bintik berwarna-warni dan garis putus-putus (“Smutn oe"), K.S. Malevich (1878- 1935), pengasas salah satu jenis seni abstrak - Suprematisme, pengarang "Black Square", P. N. Filonov (1883 - 1941), yang berusaha untuk menyatakan secara simbolik corak proses dalam sejarah dunia ("Feast of Kings"), M. Shag al (1887 - 1985), yang mencipta karya mengenai cerita rakyat dan tema alkitabiah, berwarna-warni dan menggembirakan. (“Saya dan Kampung”, “Di atas Vitebsk”, “Perkahwinan”). Walaupun dilafazkan keperibadian cara kreatif setiap artis ini, ciri-ciri Kesemuanya adalah pergaulan, bentuk berdikari, mutlak "I" yang kreatif. Matlamat mereka adalah untuk menembusi alam bawah sedar– kawasan yang belum boleh diakses oleh pengetahuan.

M.F. Larionov melukis kanvasnya dengan cara primitivis (1881– 1964) dan N. DENGAN . Goncharova (1881 – 1962). Mereka mencipta lukisan genre: Larionov adalah kehidupan jalan wilayah dan berek tentera, dan Goncharova adalah kehidupan petani. Bentuk karya mereka rata dan aneh, digayakan menyerupai lukisan kanak-kanak. Larionov dipertimbangkan pengasas OS kedua-dua arah dalam seni abstrak- Rayonisme. Pada tahun 1913 beliau menerbitkan sebuah buku berjudul Rayism. Miliukov memanggil artis ini "inovator Rusia" yang bukan sahaja mengejar Barat dalam kreativiti mereka, tetapi juga cuba mengatasinya.

Proses yang berlaku pada pergantian abad dalam lukisan berlaku sama hebatnya dalam muzik dan kesusasteraan.

19.2.2 Muzik. Dalam tempoh ini, komposer cemerlang seperti S.V. Rachmaninov, A.N. Scriabin, I.F. Stravinsky. Setelah meninggalkan Rusia pada tahun 1917, S.V. Rachmaninov (1873-1943) menghabiskan sisa hidupnya dalam buangan dan sangat rindu akan tanah airnya, yang temanya menjadi tema utama dalam karyanya. Dia adalah pengarang karya yang luar biasa: empat konserto untuk piano dan orkestra, prelude, etudes-gambar, tiga simfoni, "Tarian Symphonic" untuk orkestra, opera "Aleko", "The Miserly Knight", "Francesca da Rimini", "Liturgi". St. John Chrysostom", "All-Night Vigil" dan percintaan. Karya muziknya menggabungkan melodi dan emosi yang luhur. Rachmaninov- salah seorang pemain piano terhebat di dunia.

Dalam muzik seorang lagi komposer terkenal Zaman Perak- A . N. Scriabin (1871-1915) mengesan peralihan daripada realisme kepada impresionisme dan dari dan impresionisme kepada ekspresionisme. Kerja Scriabin mendedahkan usaha untuk sfera kosmik yang tidak diketahui. Seorang inovator cara ekspresif muzik, Scriabin mengembangkan idea muzik ringan dan, buat pertama kalinya dalam latihan muzik, memperkenalkan bahagian cahaya ke dalam puisi simfoni "Prometheus".

I.F. Stravinsky (1882-1971)– pengarangbalet"Pasli", "Musim bungasuci", "Haba- burung", berkaitanDenganpagankuno, orang Rusiacerita rakyatDanritualisme. DALAMRusiaStravinskyhidupsebelum ini 1914 G., Akemudian– belakangsempadan. KomposisiDiabelajarXia dengan N.A Rimsky-Korsakov, sehingga 1911 model muziknya ialah N.A Rimsky-Korsakov dan A.K. Glazunov (1865-1937), pengarang balet "Raymonda". Pada tempoh yang berbeza dalam hidupnya, Stravinsky beralih kepada pelbagai aliran muzik: neo-folklorisme, polifoni kuno dan dodekaponi. Penulis Itali A. Moravia menulis bahawa Stravinsky, Picasso dan Joyce "membuka pintu kepada budaya abad kedua puluh."

Pada dekad pertama abad ke-20. Di Rusia, generasi yang lebih tua juga mencipta karya mereka sendiri. PADA. Dalam tempoh ini, Rimsky-Korsakov menulis tiga kisah opera-dongeng yang indah: "Koschei the Immortal", "The Legend of the Invisible City of Kitezh...", "The Golden Cockerel". Karya S.I. dibezakan oleh orientasi falsafahnya. Taneyev (1856-1915) (kantata "John of Damsyik" dan "Selepas Pembacaan Mazmur").

Penerbitan di bahagian Teater

10 Artis Teater Zaman Perak

Pada abad ke-19 dan awal abad ke-20, artis sering bukan sahaja melukis gambar, tetapi juga mereka bentuk adegan teater. Ramai daripada mereka bekerja untuk musim Rusia Sergei Diaghilev dan mencipta set untuk opera peribadi Moscow Savva Mamontov, teater Bolshoi dan Mariinsky. Portal "Culture.RF" bercakap tentang sepuluh pelukis yang telah membuktikan diri mereka sebagai pereka pengeluaran.

Mstislav Dobuzhinsky

Mstislav Dobuzhinsky. Ruang tamu biru. Tetapkan reka bentuk untuk aksi pertama A Month in the Country oleh Ivan Turgenev. 1909. Galeri Tretyakov Negeri, Moscow

Mstislav Dobuzhinsky. Reka bentuk kostum untuk Comus untuk komedi "Peguam Patlen" oleh Bruillet dan Palapra. 1915. Muzium Negara Rusia, St. Petersburg

Mstislav Dobuzhinsky. Jalan di bandar. Tetapkan reka bentuk untuk lakonan Pyotr Potemkin "Petrushka". 1908. Muzium Teater Pusat Negeri dinamakan sempena A.A. Bakhrushina, Moscow

Mstislav Dobuzhinsky melakukan karya teater pertamanya yang ditugaskan oleh Teater Seni Moscow. Salah satu yang paling berjaya ialah reka bentuk persembahan berdasarkan drama Turgenev "A Month in the Country". Artis mengimbas kembali karyanya pada produksi ini seperti berikut: "Dengan Konstantin Sergeevich, walaupun terdapat perbezaan yang ketara dalam beberapa tahun, saya segera membangunkan hubungan rohani yang hebat. Dia tidak banyak memalukan saya dan tahu bagaimana untuk mengadakan perbualan yang luar biasa selesa. Tugasan yang dihadapi saya dalam A Month in the Country adalah lebih mendalam dan lebih daripada sekadar mencipta "bingkai yang cantik" untuk drama itu. Saya memasuki suasana kerja yang benar-benar baru dan luar biasa, dan apa yang didedahkan oleh Stanislavsky kepada saya adalah sekolah yang besar untuk saya..

Juga di Teater Seni Moscow dia mereka bentuk persembahan "Nikolai Stavrogin" berdasarkan Dostoevsky, Turgenev "Di mana ia nipis, di sana ia pecah," "The Freeloader" dan "Wanita Wilayah." Karya terakhir artis di Teater Seni Moscow adalah satu lagi pengeluaran oleh Dostoevsky, "The Village of Stepanchikovo." Pada masa ini, perbezaan kreatif telah terkumpul antara Stanislavsky dan Dobuzhinsky, itulah sebabnya mereka berhenti bekerjasama. Walaupun begitu, artis sentiasa mengingati Stanislavsky dengan hangat.

Dalam pengasingan, Dobuzhinsky banyak bekerja di Teater Kaunas - di sana dia mengadakan sepuluh opera, antaranya "The Queen of Spades", "Pagliacci", "Boris Godunov", serta persembahan terbaiknya, menurut pengkritik, "Don Juan ”. Dobuzhinsky juga menyediakan pemandangan untuk balet The Russian Soldier karya Mikhail Fokine, dan bekerja dengan Mikhail Chekhov dalam penerbitan London The Demons. Di Amerika Syarikat, tempat dia berpindah pada akhir hayatnya, dia berjaya mereka bentuk drama "Un ballo in maschera" oleh Giuseppe Verdi di Metropolitan Opera dan "Wozzeck" oleh Alban Berg di New York Opera bersama Fyodor Komissarzhevsky. .

Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Hutan. Tetapkan lakaran reka bentuk untuk opera Nikolai Rimsky-Korsakov "The Tale of the Invisible City of Kitezh." 1918. Muzium Teater Pusat Negeri dinamakan sempena A.A. Bakhrushina, Moscow

Konstantin Korovin. Istana Cleopatra, Dewan Mesir. Reka bentuk set untuk opera-balet Mlada milik Nikolai Rimsky-Korsakov. 1916. Koleksi peribadi

Konstantin Korovin. menari. Tetapkan lakaran reka bentuk untuk pengeluaran balet Cesar Pugni "The Little Humpbacked Horse" di pentas Teater Mariinsky di St. 1912. Muzium Teater dan Seni Muzik Negeri St. Petersburg, St. Petersburg

Konstantin Korovin mengambil langkah pertamanya sebagai pereka set dalam opera peribadi Savva Mamontov. Di sana pada tahun 1885 dia mereka bentuk The Merry Wives of Windsor oleh Otto Nicolai. Sepanjang 15 tahun akan datang, Korovin bekerja di Teater Mamontov pada sedozen produksi - antaranya "Aida", "Samson dan Delilah" dan "Khovanshchina". Pengkritik menulis tentang pemandangannya untuk opera Lakmé oleh Leo Delibes: "Ketiga-tiga set "Lakme" oleh artis Korovin cukup cantik - mereka pastinya memancarkan haba tropika India. Kostum dibuat dengan rasa, lebih-lebih lagi, ia asli.”.

Selepas itu, Korovin bekerja di Teater Bolshoi, di mana dia merancang "The Mermaid" dan "The Golden Cockerel", dan untuk Teater Mariinsky dia menyediakan pemandangan untuk "The Demon" Rubinstein. Seperti yang ditulis oleh artis: "Warna, kord warna, bentuk - inilah tugas yang saya tetapkan sendiri dalam lukisan hiasan balet dan teater opera". Walaupun empat puluh tahun pengalaman dan lebih daripada seratus persembahan dipentaskan, pada mulanya Korovin penghias tidak dalam permintaan dalam emigrasi. Tetapi dengan pembukaan Opera Rusia di Paris, artis itu kembali ke profesion kegemarannya dan mencipta pemandangan untuk Putera Igor.

Alexander Golovin

Alexander Golovin. Dewan pengebumian. Set reka bentuk untuk drama Mikhail Lermontov "Masquerade". 1917. Muzium Teater Pusat Negeri dinamakan sempena A.A. Bakhrushina, Moscow

Alexander Golovin. Dewan Emas. Set reka bentuk untuk balet "Swan Lake" Pyotr Tchaikovsky. 1901. Muzium Teater Pusat Negeri dinamakan sempena A.A. Bakhrushina, Moscow

Alexander Golovin. Pertabalan. Tetapkan lakaran reka bentuk untuk prolog opera Boris Godunov karya Modest Mussorgsky. 1908. Muzium Teater Pusat Negeri dinamakan sempena A.A. Bakhrushina, Moscow

Alexander Golovin datang ke Teater Bolshoi atas cadangan Vasily Polenov - di sini dia mencipta pemandangan untuk opera "The Ice House" oleh Arseny Koreshchenko dan "The Woman of Pskov" oleh Nikolai Rimsky-Korsakov. Artis itu teringat: "Saya tidak suka bermula dari awal, iaitu dari gambar pertama dan kemudian beralih ke kedua, ketiga, dan lain-lain, tetapi bermula sama ada dari akhir, dari gambar terakhir, atau dari tengah. Jadi, semasa mementaskan The Ice House, saya mulakan dengan gambar subuh di atas kem gipsi.

Kesukaran kerja ialah saya terpaksa melakukan segala-galanya sendiri: Saya tidak pernah tahu bagaimana untuk memberitahu apa sebenarnya yang saya perlukan, apa yang saya mahu, dan saya sentiasa lebih suka melakukan kerja itu sendiri daripada mempercayakannya kepada pembantu.

Golovin juga bekerja untuk Diaghilev's Russian Seasons di Paris - dia mereka bentuk opera Boris Godunov oleh Modest Mussorgsky dan balet The Firebird oleh Igor Stravinsky. Dia juga menyediakan produksi untuk Teater Mariinsky: secara keseluruhan dia merancang 15 persembahan di sana. Bersama Vsevolod Meyerhold, Golovin mengarahkan Orpheus dan Eurydice, Electra dan The Stone Guest. Meyerhold menulis: "Dua nama tidak akan hilang dari ingatan saya: Golovin dan mendiang Nikolai Sapunov, ini adalah mereka yang, seperti saya, pintu rahsia ke negeri keajaiban dibuka.". Kerja bersama terakhir Meyerhold dan Golovin ialah Lermontov's Masquerade. Golovin menulis kira-kira empat ribu lukisan dan lakaran pemandangan, fabrik dan prop untuk persembahan ini. Selepas revolusi, kesatuan kreatif mereka runtuh. Pada tahun 1925, di Teater Seni Moscow, Golovin merancang Perkahwinan Figaro, serta Othello - persembahan ini adalah yang terakhir untuk artis.

Vasily Polenov

Vasily Polenov. Tanah perkuburan di antara pokok cypress. Lakaran untuk opera Christophe Gluck "Orpheus and Eurydice". 1897. Muzium Teater Pusat Negeri dinamakan sempena A.A. Bakhrushina, Moscow

Vasily Polenov. Dewan di istana ajaib. Lakaran hiasan. 1883. Muzium Sejarah, Seni dan Sastera Negeri-Rizab "Abramtsevo", wilayah Moscow

Vasily Polenov. Atrium. Lakaran hiasan. 1879. Muzium Sejarah, Seni dan Sastera Negeri-Rizab "Abramtsevo", wilayah Moscow

Antara produksi terkenal Vasily Polenov ialah reka bentuk kisah dongeng "The Scarlet Rose" berdasarkan lakonan Savva Mamontov dan pemandangan untuk "Orpheus and Eurydice" oleh Christophe Gluck, yang dibuat untuk Opera Peribadi Savva Mamontov. Dia juga mereka bentuk The Maid of Orleans oleh Pyotr Tchaikovsky. Tetapi Polenov bukan sahaja bekerja di teater lain, tetapi juga menganjurkannya sendiri. Bersama anak-anaknya, dia menunjukkan persembahan untuk pelajar sekolah luar bandar yang terletak di sebelah ladangnya. Selepas revolusi, kanak-kanak petani mula bermain di teater. Beginilah cara artis menggambarkannya: “Kami mempunyai dua kumpulan teater yang ditubuhkan di sini dalam kalangan petani... Di kalangan penghibur atau artis yang kita panggil, ada yang sangat berbakat dan rohani. Anak-anak perempuan sibuk mengarah, pakaian, solek, tetapi mereka juga mengambil bahagian sendiri, dan saya menulis pemandangan, mengatur pentas dan membuat prop.”.

Lev Bakst

Lev Bakst. Tetapkan reka bentuk untuk balet "Scheherazade" kepada muzik Nikolai Rimsky-Korsakov. 1910. Koleksi peribadi

Lev Bakst. Reka bentuk kostum untuk Cleopatra untuk Ida Rubinstein untuk balet "Cleopatra" dengan muzik Anton Arensky. 1909. Koleksi peribadi

Lev Bakst. Set reka bentuk untuk balet Daphnis dan Chloe. 1912. Koleksi peribadi

Salah satu karya teater pertama Lev Bakst ialah balet "The Puppet Fairy" oleh Joseph Bayer, dipentaskan pada tahun 1900. Bakst banyak bekerja untuk teater Hermitage dan Alexandrinsky. Kemudian dia bekerjasama dengan Sergei Diaghilev's Russian Seasons, yang mana dia diiktiraf di Eropah. Bakst menghiasi balet Cleopatra, Scheherazade, Karnival dan lain-lain. Artis itu sangat mahir dalam karya antik dan oriental. Sebagai pereka teater, Bakst mencapai kemahiran tertentu dalam mencipta pakaian. Model ciptaan Bakst bukan sahaja mendapat tempat di atas pentas, malah turut mempengaruhi fesyen dunia ketika itu. Bakst menerangkan kaedah kreatifnya dengan cara ini: “Dalam setiap warna ada warna yang kadangkala menyatakan keikhlasan dan kesucian, kadangkala berahi dan juga kekejaman, kadangkala bangga, kadangkala putus asa. Boleh... sampaikan kepada umum... Itu yang saya cuba lakukan di Scheherazade. Pada hijau yang menyedihkan saya letakkan biru, penuh keputusasaan... Ada merah dan merah serius yang membunuh... Seorang artis yang tahu bagaimana mendapat manfaat daripada sifat-sifat ini adalah seperti konduktor..."

Nicholas Roerich

Nicholas Roerich. Pengorbanan yang besar. Lakaran untuk balet "The Rite of Spring" oleh Igor Stravinsky. 1910. Muzium Seni Saratov dinamakan sempena A.N. Radishcheva, Saratov

Pengalaman teater pertama Roerich datang pada tahun 1907: pencipta Teater Purba di St. Petersburg, Nikolai Evreinov dan Nikolai Drizen, menugaskannya untuk mereka bentuk drama "The Three Wise Men." Pengkritik sebulat suara mengkritik pengeluaran, tetapi, bagaimanapun, memuji pemandangan. Kemudian, atas perintah Diaghilev, Roerich mereka bentuk "Putera Igor" dan "Perempuan Pskov" untuk musim Rusia (bersama-sama dengan artis Alexander Golovin dan Konstantin Yuon). Sebagai pengarah Alexander Sanin menulis kepada Roerich: "Anda akan hebat dalam perkara ini." Jika anda tidak wujud, anda perlu dicipta dan dilahirkan untuk "Igor".. Akhbar Paris juga menulis dengan kagum tentang karya teater artis: “Saya tidak mempunyai penghormatan untuk mengenali Roerich secara peribadi... Saya menilai dia hanya dengan pemandangan di Chatelet dan mendapati mereka indah... Semua yang saya lihat di Chatelet membawa saya ke muzium, semuanya menunjukkan kajian sejarah yang paling mendalam , dan dalam semua ini tidak ada rutin, kesucian dan konvensyen yang membosankan yang menjadi kebiasaan penonton teater kita...” Satu lagi karya Nicholas Roerich untuk Diaghilev ialah balet Igor Stravinsky "The Rite of Spring," yang diingati oleh komposer: “Saya mula bekerja dengan Roerich, dan selepas beberapa hari rancangan untuk aksi pentas dan nama-nama tarian itu dicipta. Semasa kami tinggal di sana, Roerich juga membuat lakaran latar belakangnya yang terkenal, semangat Polovtsian, dan lakaran pakaian berdasarkan sampel tulen daripada koleksi puteri.”.

Victor Vasnetsov

Victor Vasnetsov. Set reka bentuk untuk opera Nikolai Rimsky-Korsakov "The Snow Maiden". 1885. Galeri Tretyakov Negeri, Moscow

Victor Vasnetsov. Prolog. Set reka bentuk untuk opera Nikolai Rimsky-Korsakov "The Snow Maiden". 1881. Muzium Sejarah, Seni dan Sastera Negeri-Rizab "Abramtsevo", Wilayah Moscow

Victor Vasnetsov. Tetapkan reka bentuk untuk opera Modest Mussorgsky "Boris Godunov". 1898. Muzium Teater Pusat Negeri dinamakan sempena A.A. Bakhrushina, Moscow

Viktor Vasnetsov bekerja sedikit untuk pentas teater, tetapi lakarannya untuk "The Snow Maiden" oleh Alexander Ostrovsky menjadi inovatif dalam scenografi Rusia. Pertama, Vasnetsov mereka bentuk persembahan rumah di estet Abramtsevo Savva Mamontov. By the way, Vasnetsov bukan sahaja melakukan pemandangan, tetapi juga memainkan peranan Santa Claus; Ilya Repin ialah boyar Bermyata, dan Savva Mamontov sendiri ialah Tsar Berendey. Tiga tahun kemudian, Viktor Vasnetsov mengulangi reka bentuk The Snow Maiden, tetapi untuk Opera Persendirian Moscow Savva Mamontov. Artis itu diilhamkan oleh seni bina Rusia kuno dan kraf rakyat. Begini cara pengkritik Vladimir Stasov menulis tentang pengeluaran ini: "Vasnetsov mengarang semua pakaian dan set - termasuk Dewan Berendeyev." Ini adalah chef-d'oeuvre (karya agung) kreativiti teater dan kebangsaan. Tidak pernah sebelum ini, sejauh yang saya boleh menilai, mempunyai imaginasi sesiapa yang pergi sejauh dan begitu mendalam dalam mencipta semula bentuk seni bina dan hiasan Rus Purba, hebat, legenda, epik. Segala-galanya yang kekal bersama kami dalam serpihan kehidupan seharian dari kehidupan Rusia kuno, dalam sulaman, cetakan popular, kue roti halia, ukiran kayu kuno - semua ini digabungkan di sini menjadi gambar yang indah dan tiada tandingan. Cakrawala yang luas dan jauh terbentang di sini untuk mengagumi dan mengkaji bukan sahaja artis, tetapi semua orang..

Ivan Bilibin

Ivan Bilibin. Bilik Dadon. Reka bentuk set untuk opera The Golden Cockerel karya Nikolai Rimsky-Korsakov. 1909. Koleksi arkib untuk seni dan sejarah, Berlin, Jerman

Ivan Bilibin. Kitezh kecil di Volga. Tetapkan lakaran reka bentuk untuk aksi kedua opera Nikolai Rimsky-Korsakov "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia." 1934. Koleksi peribadi

Ivan Bilibin. Khemah ratu Shamakhan. Reka bentuk set untuk opera The Golden Cockerel karya Nikolai Rimsky-Korsakov. 1909. Koleksi arkib untuk seni dan sejarah, Berlin, Jerman

Ivan Bilibin dikenali terutamanya untuk ilustrasi bukunya untuk cerita dongeng dan epik Rusia. Tetapi dia juga membuktikan dirinya sebagai artis teater. Antara karya beliau ialah suite balet "Tarian Rusia". Dia menulis tentang reka bentuk pakaian untuk pengeluaran ini: “Adakah pakaian ini cantik? Dia hebat. Terdapat keindahan pergerakan dan keindahan kedamaian. Ambil tarian Rusia kami, sebagai contoh. Lelaki itu menari seperti syaitan, menutup lututnya dengan kelajuan yang memeningkan, hanya untuk memecahkan ketenangan megah di tengah-tengah tarian - wanita itu, dan dia hampir berdiri diam, dalam pakaian damainya yang indah, hanya menggerakkan sedikit bahunya.".

Dia mereka bentuk "Fuente Ovejuna" oleh Lope de Vega untuk Teater Purba, "The Golden Cockerel" oleh Nikolai Rimsky-Korsakov dan "Askold's Grave" oleh Alexei Verstovsky untuk Teater Opera Zimin Moscow persendirian, "Ruslan dan Lyudmila" oleh Mikhail Glinka dan “Sadko” oleh Nikolai Rimsky-Korsakov - untuk Teater Rumah Rakyat di St. Petersburg. Seperti artis lain pada awal abad ke-20, Bilibin bekerja untuk Musim Rusia di Paris - dia mengambil bahagian dalam reka bentuk opera "Boris Godunov" dan suite tarian "The Feast". Dalam buangan, Bilibin mereka bentuk produksi opera Rusia "The Tsar's Bride", "Prince Igor", "Boris Godunov" di Théâtre des Champs-Élysées dan mereka bentuk balet "The Firebird" oleh Igor Stravinsky di Teatro Colon di Buenos Aires .

Alexander Benois

Alexander Benois. Adil. Tetapkan reka bentuk untuk "Petrushka" oleh Igor Stravinsky. 1911. Muzium Teater Akademik Bolshoi Rusia, Moscow Igor Grabar menulis tentang artis: "Benois mempunyai banyak keghairahan, tetapi yang paling hebat daripada mereka adalah minat untuk seni, dan dalam bidang seni, mungkin, untuk teater... Dia adalah orang yang paling teater yang pernah saya temui dalam hidup saya, tidak kurang teater daripada Stanislavsky sendiri, daripada Meyerhold...”

Di Eropah, Benois menjadi terkenal berkat penyertaannya dalam musim Rusia Diaghilev: dia mereka balet La Sylphide, Giselle, dan The Nightingale. Tetapi kejayaan terbaiknya adalah dengan pemandangan untuk balet Stravinsky "Petrushka," yang mana dia juga menulis libretto. Benois juga banyak bekerja dengan Stanislavsky di Teater Seni Moscow - dia mereka bentuk drama Moliere "The Imaginary Invalid" dan "Tartuffe", "The Landlady of the Inn" oleh Goldoni. Stanislavsky mengingati artis dengan cara ini: “Benoit ternyata menawan. Dia mendengar, dengan rela hati pergi ke semua jenis ujian dan perubahan dan, nampaknya, mahu memahami rahsia pentas. Dia seorang pengarah-psikologi yang sangat baik dan hebat serta serta-merta memahami semua teknik kami dan terbawa-bawa oleh mereka. Sangat rajin. Pendek kata, dia seorang yang berlakon.". Dalam buangan, Benois bekerja di Teater Opera Besar Paris, di mana dia mencipta pemandangan untuk The Fairy's Kiss karya Igor Stravinsky, Sergei Sudeikin. Di Olympia. Set reka bentuk untuk "The Tales of Hoffmann" oleh Jacques Offenbach. 1915. Muzium Teater Pusat Negeri dinamakan sempena A.A. Bakhrushina, Moscow

Karya pertama Sergei Sudeikin di teater, seperti banyak artis pada zamannya, menjadi mungkin berkat kerjasama dengan Savva Mamontov. Di teater studio di Povarskaya dia merancang "The Death of Tentagille" karya Maeterlinck. Selepas itu, dia mengerjakan satu lagi drama Maeterlinck, "Sister Beatrice," yang ditulis oleh Alexander Blok: “Seolah-olah penonton biasa ini merasakan “nafas keajaiban” di mana pentas itu berkembang, kami mengenali keterujaan yang tinggi, keterujaan tentang cinta, tentang sayap, tentang kegembiraan masa depan.”.

Di Teater Drama Baru, Sudeikin membuat pemandangan untuk Caesar dan Cleopatra di bawah arahan Fyodor Komissarzhevsky. Di Teater Maly dia mereka bentuk balet Swan Lake, Cavalry Halt dan Vain Precaution. Diaghilev melibatkan Sudeikin untuk mereka bentuk The Afternoon of a Faun karya Claude Debussy dan The Rite of Spring karya Igor Stravinsky, serta The Tragedy of Salome karya Florent Schmidt. Dalam buangan, Sudeikin adalah seorang pereka set untuk kabaret "Die Fledermaus" di Paris dan bekerja di Metropolitan Opera di New York.

Zaman Perak dalam budaya seni Rusia

Zaman Perak dalam sejarah seni Rusia adalah tempoh kenaikan tertinggi, yang, mungkin, boleh dibandingkan dengan kebangkitan seni Perancis era impresionisme. Gaya baru dalam seni Rusia muncul pada tahun 80-an. abad XIX banyak dipengaruhi oleh Impresionisme Perancis. Zaman kegemilangannya menandakan pergantian abad ke-19 dan ke-20. Dan pada penghujung 10-an. Pada abad kedua puluh, gaya Art Nouveau dalam seni Rusia, yang dikaitkan dengan Zaman Perak, memberi laluan kepada arah baharu.

Selama beberapa dekad selepas penurunannya, seni Zaman Perak dianggap sebagai dekaden dan tawar. Tetapi menjelang akhir milenium kedua, anggaran mula berubah. Hakikatnya terdapat dua jenis pembungaan budaya rohani. Yang pertama dicirikan oleh inovasi yang hebat dan pencapaian yang hebat. Contoh nyata tentang ini ialah klasik Yunani abad ke-5–4. BC. dan terutamanya Renaissance Eropah. Zaman keemasan budaya Rusia adalah abad ke-19: A.S. Pushkin, N.V. Gogol, A.A. Ivanov, P.I. Tolstoy, F.M. Jenis kedua dibezakan oleh keanggunan dan kecanggihan nilai yang diciptanya, ia tidak menyukai cahaya yang terlalu terang dan dikaitkan dengan bulan, yang secara tradisinya dikenal pasti dengan perak dan kewanitaan (berbanding dengan sinar matahari maskulin dan emas). Seni Zaman Perak jelas tergolong dalam jenis kedua.

Zaman Perak dalam budaya Rusia adalah konsep yang luas. Ini bukan sahaja lukisan dan seni bina modenisme, bukan sahaja teater simbolis, yang merangkumi idea sintesis seni, apabila artis dan komposer bekerja pada pementasan drama bersama-sama dengan pengarah dan pelakon, ia juga kesusasteraan simbolisme, dan terutama puisi, yang memasuki sejarah kesusasteraan dunia dengan nama "puisi Zaman Perak." Dan selain segala-galanya, ini adalah gaya era, ini adalah cara hidup.

Kembali pada pertengahan abad ke-19. Wakil-wakil romantisme bermimpi mencipta gaya bersatu yang dapat mengelilingi seseorang dengan kecantikan dan dengan itu mengubah kehidupan. Untuk mengubah dunia melalui cara seni - ini adalah tugas yang ditetapkan sebelum pencipta kecantikan oleh Richard Wagner dan Pra-Raphaelite. Dan sudah pada akhir abad ke-19. Oscar Wilde berhujah bahawa "kehidupan meniru seni daripada seni hidup." Terdapat pementasan tingkah laku dan kehidupan yang jelas, permainan mula menentukan bukan sahaja sifat budaya seni, tetapi juga gaya hidup penciptanya.

Membuat puisi daripada hidup anda adalah tugas hebat yang ditetapkan oleh wira Zaman Perak untuk diri mereka sendiri. Penyair Vladislav Khodasevich menerangkannya dengan cara ini: "Para Simbolis, pertama sekali, tidak mahu memisahkan penulis dari orang itu, biografi sastera dari yang peribadi. Simbolisme tidak mahu hanya sekolah seni, gerakan sastera. Sepanjang masa dia berusaha untuk menjadi kaedah kreatif dalam hidup, dan ini adalah kebenarannya yang paling dalam, mungkin mustahil; dan dalam usaha berterusan ini, pada dasarnya seluruh sejarahnya berlaku. Ia adalah satu siri percubaan, kadang-kadang benar-benar heroik, untuk mencari gabungan kehidupan dan kreativiti yang sempurna, sejenis batu falsafah seni.

Terdapat juga sisi bayangan untuk usaha ini. Ucapan dan gerak isyarat yang terlampau sopan, pakaian yang mengejutkan, dadah, kerohanian - pada pergantian abad ini, semua ini adalah tanda-tanda dipilih dan menimbulkan sejenis keangkuhan.

Bohemia sastera dan artistik, yang sangat berbeza dengan orang ramai, mencari kebaharuan, luar biasa, dan pengalaman akut. Salah satu cara untuk mengatasi kehidupan seharian adalah ilmu ghaib dalam manifestasinya yang paling pelbagai. Sihir, spiritualisme dan teosofi menarik simbolis neo-romantik bukan sahaja sebagai bahan berwarna-warni untuk karya seni, tetapi juga sebagai cara sebenar untuk mengembangkan ufuk rohani mereka sendiri. Menguasai pengetahuan magis, mereka percaya, akhirnya menjadikan seseorang tuhan, dan jalan ini benar-benar individu untuk semua orang.

Generasi baru cendekiawan sastera dan artistik telah muncul di Rusia; dia nyata berbeza daripada generasi "enam puluhan" bukan sahaja dalam minat kreatifnya; Perbezaan luaran juga sangat ketara. Miriskusniks, Goluborozovists, Symbolists, Acmeists memberi perhatian serius kepada kostum dan penampilan umum. Trend ini dipanggil dandyisme Rusia; ia adalah tipikal bagi orang yang jelas berorientasikan Barat.

"Adalah mustahil untuk membayangkan K.A. Somov, seorang ahli adegan gagah yang diiktiraf," tulis Yu.B. Demidenko, "yang dengan hati-hati dan penuh kasih sayang mencipta semula dalam lukisannya "semangat perkara-perkara kecil yang menawan dan lapang," dengan pakaian lama yang membosankan. kot rok bergaya atau blaus kerja gelap. Dia memakai kot rok yang dipotong khas dan tali leher yang sangat elegan.” M. Vrubel dan V. Borisov-Musatov, L. Bakst, S. Diaghilev dan artis dunia lain berpakaian tidak kurang elegan. Terdapat banyak bukti tentang ini. Tetapi Mikhail Kuzmin berhak dianggap sebagai raja St. Petersburg estetika Zaman Perak. Batu putih itu tidak ketinggalan; ramai pekerja pejabat editorial majalah "Golden Fleece" dan "Libra" juga mempunyai hak untuk dipanggil dandies Rusia.

Teaterikal kehidupan lancar mengalir ke karnival. Berbeza dengan bohemia estetik pro-Barat, penganut idea kebangsaan berpakaian di kampung, dan lebih kerap memakai pakaian kampung semu. Jaket, baju sutera, but morocco, kasut bast, dll. Yesenin, Klyuev, Chaliapin, Gorky menggunakannya dengan senang hati. Kedua-dua orang Barat dan Slavophiles pada awal abad ini sama-sama terdedah kepada keinginan untuk menyatakan prinsip estetik mereka dalam tingkah laku dan dengan itu merapatkan jurang antara kehidupan dan seni.

Zaman Perak di Rusia menimbulkan sejumlah besar semua jenis kalangan dan pertemuan untuk golongan elit. Pengasas Dunia Seni memulakan perjalanan mereka dengan menganjurkan bulatan pendidikan kendiri; mereka memanggil diri mereka autodidacts. Pada mesyuarat pertama, laporan dibuat mengenai topik yang berkaitan dengan perkembangan seni halus.

Pertemuan yang paling terkenal dan pada masa yang sama sangat misteri di St. Petersburg pada awal abad ini adalah hari Rabu

Vyacheslav Ivanov - di menara legenda. Salah seorang pemikir simbolisme Rusia yang paling mendalam, Vyach Ivanov, menyukai falsafah F. Nietzsche dan merupakan pakar budaya kuno; dia amat berminat dengan misteri Dionysian (karya utamanya mengenai topik ini, "Dionysus and Pre-Dyonysianism," lewat diterbitkan hanya pada tahun 1923). Pangsapuri Ivanov, yang terletak di tingkat atas bangunan sudut di Jalan Tavricheskaya, diabaikan oleh menara, menjadi tempat berkumpul untuk elit seni dan sastera Simbolisme. K. Somov, M. Dobuzhinsky, A. Blok, Z. Gippius, F. Sologub, Vs Meyerhold, S. Sudeikin sering melawat di sini. Banyak khabar angin mengelilingi Menara Ivanov. Sudah pasti diketahui bahawa permainan Dionysian diadakan di sana dengan persembahan dan berpakaian dalam pakaian kuno. Persidangan rohani diadakan di sini, persembahan dadakan dipentaskan, tetapi perkara utama adalah laporan dan perbincangan mengenai pelbagai isu falsafah, agama, dan estetika. Vyach.Ivanov dan orang-orang yang berfikiran sama mengkhotbahkan wahyu Roh Kudus yang akan datang; telah diandaikan bahawa agama baru akan segera timbul - perjanjian ketiga (yang pertama - Perjanjian Lama - dari Tuhan Bapa; yang kedua - Perjanjian Baru - dari Tuhan Anak; yang ketiga - dari Roh Kudus). Sememangnya, Gereja Ortodoks mengutuk idea sedemikian.

Kalangan dan masyarakat seperti ini, mungkin, berada di semua pusat kebudayaan Empayar Rusia; agak kemudian mereka menjadi sebahagian daripada kehidupan penghijrahan Rusia.

Satu lagi tanda pementasan kehidupan di Zaman Perak ialah kemunculan banyak kabaret sastera dan seni. Di St. Petersburg, teater kabaret yang paling popular ialah "Stray Dog" dan "Comedians' Halt," dan di Moscow, "The Bat."

Dianjurkan pada tahun 1908 oleh Nikita Baliev, teater kabaret "The Bat" menjadi sangat terkenal pada tahun 1915, apabila ia menetap di ruang bawah tanah bangunan pencakar langit yang terkenal - rumah Nirnzee di Bolshoy Gnezdnikovsky Lane. Artis Sergei Sudeikin melukis ruang legar, dan tirai dibuat mengikut lakarannya. Teater kabaret ini berkembang terus dari sketsa ceria Teater Seni Moscow, di mana Nikita Baliev memulakan kerjaya lakonannya. Repertoir "The Bat" terdiri daripada miniatur teater, operetta dan persembahan yang agak serius. Orang ramai yang mengunyah di meja akhirnya digantikan oleh penonton di deretan kerusi. Dunia seni Moscow berehat dan berseronok di sini. Pada tahun 1920, Baliev berhijrah dengan bahagian terbaik rombongan.

Jadi, gaya tunggal yang berasal dari Rusia dan menjadi sinonim dengan konsep Zaman Perak adalah benar-benar universal, kerana - walaupun untuk masa yang singkat - ia meliputi bukan sahaja semua bidang kreativiti, tetapi juga secara langsung kehidupan orang sirip. era de siècle. Setiap gaya hebat adalah seperti ini.

Vrubel
1856 –1910

"The Six-Winged Seraph" ialah salah satu karya terakhir Vrubel. Dia menulisnya di hospital, dalam keadaan mental yang sukar. Dalam lukisan terbarunya, Vrubel beralih daripada realisme dalam penggambaran figura dan ruang. Dia membangunkan mozek strok yang benar-benar istimewa, ciri-ciri hanya dia, yang meningkatkan hiasan penyelesaian plastik. Terdapat perasaan getaran cahaya rohani yang meresap ke seluruh gambar.

"The Six-Winged Seraphim" nampaknya diilhamkan oleh puisi terkenal "The Prophet" oleh A.S. Gambar itu dilihat setanding dengan "The Demon" dan membawa kepada yang kemudian - "Ketua Nabi" dan "Penglihatan Nabi Yehezkiel."

Serov
1865 –1911

Di kalangan pelajar Dunia Seni, Valentin Serov paling hampir dengan tradisi realistik. Mungkin dia adalah pelukis potret Rusia yang paling penting pada Zaman Perak. Dia mencipta lukisan potret di mana watak itu diwakili dalam interaksi aktif dengan persekitaran hidup.

Salah satu karya terbaiknya pada zaman terakhir, potret Puteri Olga Konstantinovna Orlova, sepadan dengan prinsip ini. Segala-galanya di sini dibina berdasarkan simetri dan kontras, dibawa, bagaimanapun, ke dalam keharmonian tertentu. Oleh itu, kepala dan badan orang yang digambarkan digambarkan dalam cara yang sangat tiga dimensi, dan kaki diberikan siluet yang hampir rata. Segitiga di mana angka itu ditulis terletak pada sudut akut; bingkai gambar dihalakan secara agresif ke arah kepala model. Walau bagaimanapun, ekspresi wajah yang tenang dan yakin sepenuhnya, dibingkai oleh topi besar, seolah-olah menghentikan pergerakan tiba-tiba objek pedalaman yang kaya. Nampaknya, Serov mempunyai sikap yang agak ironis terhadap orang yang digambarkan.

Roerich
1874 –1947

Nicholas Roerich bukan sahaja seorang artis, tetapi juga seorang ahli sejarah. Minatnya dalam arkeologi juga diketahui. Ini tercermin dalam seninya. Artis itu sangat berminat dengan zaman kuno pagan Slavic dan agama Kristian awal. Roerich dekat dengan dunia rohani orang-orang masa lalu yang jauh dan keupayaan mereka untuk kelihatan larut dalam dunia semula jadi.

Lukisan "Alexander Nevsky menyerang Jarl Birger" adalah penggayaan miniatur kuno yang sangat berjaya. Garis kontur dan bintik warna tempatan memainkan peranan penting dalam imej.

Bakst
1866 –1924

Lev Bakst lebih dekat dengan Art Nouveau versi Eropah berbanding artis Dunia Seni yang lain. Ini jelas kelihatan dalam karyanya "Makan Malam". Garis besar yang fleksibel, tafsiran umum bentuk, warna laconic dan kerataan imej menunjukkan pengaruh artis Barat seperti Edvard Munch, Andres Zorn dan lain-lain di Bakst.

Borisov-Musatov
1870 –1905

Dalam semua lukisan Borisov-Musatov, impian romantis keharmonian yang indah, benar-benar asing kepada dunia moden, mendapati ekspresi. Dia seorang penulis lirik sejati, sensitif terhadap alam semula jadi, merasakan gabungan manusia dengan alam semula jadi.

"Reservoir" mungkin merupakan karya artis yang paling sempurna. Semua motif utama karyanya terdapat di sini: taman kuno, "gadis Turgenev", komposisi statik keseluruhan, warna tenang, hiasan "permadani" yang meningkat... Imej heroin "Reservoir" menggambarkan kakak artis. dan isteri.

Dalam karya agungnya, Borisov-Musatov berjaya menggambarkan keadaan abadi. Nama neutral umum "Reservoir" membangkitkan imej perpaduan semulajadi-manusia yang harmoni universal - tidak dapat dipisahkan, dan imej itu sendiri berubah menjadi tanda yang memerlukan perenungan senyap.

Pada permulaan abad ke-19 dan ke-20, perubahan ketara berlaku dalam lukisan Rusia. Adegan genre pudar ke latar belakang. Landskap kehilangan kualiti fotografi dan perspektif linear dan menjadi lebih demokratik, berdasarkan gabungan dan permainan bintik warna. Potret sering menggabungkan hiasan konvensional latar belakang dan kejelasan arca muka.

Permulaan peringkat baru dalam lukisan Rusia dikaitkan dengan persatuan kreatif "Dunia Seni". Pada akhir 80-an abad XIX. Di St. Petersburg, sekumpulan pelajar sekolah menengah dan pencinta seni timbul. Mereka berkumpul di apartmen salah seorang peserta - Alexandra Benois. Menawan dan mampu mencipta suasana kreatif di sekeliling dirinya, dia menjadi jiwa bulatan sejak awal lagi. Ahli tetapnya ialah Konstantin Somov dan Lev Bakst . Kemudian mereka disertai oleh Eugene Lanceray, anak saudara Benoit, dan Sergei Diaghilev , yang datang dari wilayah itu.

Pertemuan-pertemuan bulatan itu bersifat agak badut. Tetapi laporan yang dibentangkan oleh ahlinya telah disediakan dengan teliti dan serius. Rakan-rakan terpesona dengan idea untuk menyatukan semua jenis seni dan menyatukan budaya orang yang berbeza. Mereka bercakap dengan kebimbangan dan kepahitan bahawa seni Rusia kurang dikenali di Barat dan bahawa artis tempatan tidak cukup mengenali pencapaian artis Eropah moden.

Rakan-rakan itu membesar, menjadi kreativiti, dan mencipta karya serius pertama mereka. Dan mereka tidak perasan bagaimana Diaghilev berakhir di kepala bulatan. Bekas wilayah itu bertukar menjadi seorang pemuda yang berpendidikan tinggi dengan cita rasa seni yang halus dan kepintaran berniaga. Dia sendiri tidak terlibat secara profesional dalam apa-apa jenis seni, tetapi menjadi penganjur utama persatuan kreatif baru. Dalam watak Diaghilev, kecekapan dan pengiraan yang bijak wujud bersama beberapa pengembaraan, dan usaha beraninya paling kerap membawa kejayaan.

Pada tahun 1898, Diaghilev menganjurkan pameran artis Rusia dan Finland di St. Petersburg. Pada asasnya, ini adalah pameran pertama artis arah baru. Ini diikuti oleh vernissage lain dan, akhirnya, pada tahun 1906, pameran di Paris "Dua Abad Lukisan dan Arca Rusia." "Kejayaan budaya" Rusia ke Eropah Barat berlaku berkat usaha dan semangat Diaghilev dan rakan-rakannya.

Pada tahun 1898, bulatan Benois-Diaghilev mula menerbitkan majalah "World of Art". Rencana program Diaghilev menyatakan bahawa tujuan seni adalah ekspresi diri pencipta. Seni, tulis Diaghilev, tidak boleh digunakan untuk menggambarkan sebarang doktrin sosial. Jika ia tulen, ia dengan sendirinya adalah kebenaran kehidupan, generalisasi artistik, dan kadang-kadang wahyu.

Nama "Dunia Seni" dipindahkan dari majalah ke persatuan artis kreatif, yang tulang belakangnya terdiri daripada bulatan yang sama. Sarjana seperti V. A. Serov, M. A. Vrubel, M. V. Nesterov, I. I. Levitan, N. K. Roerich menyertai persatuan itu. Mereka semua mempunyai sedikit persamaan antara satu sama lain dan bekerja dalam gaya kreatif yang berbeza. Namun terdapat banyak persamaan dalam kreativiti, perasaan dan pandangan mereka.

"Mirskusniki" terkejut dengan permulaan era perindustrian, apabila bandar-bandar besar berkembang, dibina dengan bangunan kilang yang tidak berwajah dan didiami oleh orang-orang yang kesepian. Mereka bimbang bahawa seni, yang direka untuk membawa keharmonian dan kedamaian ke dalam kehidupan, semakin dihimpit daripadanya dan menjadi hak milik bulatan kecil "yang terpilih." Mereka berharap seni, setelah kembali hidup, akan secara beransur-ansur melembutkan, menjiwai dan menyatukan orang.

"Miriskusniki" percaya bahawa pada zaman pra-perindustrian orang datang lebih dekat dengan seni dan alam semula jadi. Abad ke-18 kelihatan sangat menarik bagi mereka. Tetapi mereka masih memahami bahawa usia Voltaire dan Catherine tidak seharmoni yang mereka fikirkan, dan oleh itu beberapa landskap Versailles dan Tsarskoe Selo dengan raja, permaisuri, tuan-tuan dan puan-puan diselubungi dengan sedikit jerebu kesedihan dan ironi diri. . Setiap landskap sedemikian oleh A. N. Benois, K. A. Somov atau E. E. Lanceray selesai seolah-olah dengan mengeluh: sayangnya ia telah hilang selama-lamanya! Sayang sekali ia sebenarnya tidak begitu cantik!

Lukisan minyak, yang kelihatan agak berat kepada artis Dunia Seni, menjadi latar belakang dalam karya mereka. Cat air, pastel dan gouache digunakan lebih kerap, yang memungkinkan untuk mencipta karya dalam warna terang dan lapang. Lukisan memainkan peranan khas dalam karya artis generasi baru. Seni ukiran telah dihidupkan semula. Banyak kredit untuk ini dimiliki oleh A.P. Ostroumova-Lebedeva. Menguasai landskap bandar, dia menawan banyak bandar Eropah (Rom, Paris, Amsterdam, Bruges) dalam ukirannya. Tetapi di tengah-tengah kerjanya adalah St. Petersburg dan pinggiran istananya - Tsarskoe Selo, Pavlovsk, Gatchina. Penampilan tegas dan terkawal ibu kota utara dalam ukirannya dicerminkan dalam irama siluet dan garisan yang sengit, dalam kontras warna putih, hitam dan kelabu.

Kebangkitan semula grafik buku dan seni buku dikaitkan dengan kreativiti "miriskusniks". Tidak menghadkan diri mereka kepada ilustrasi, artis memperkenalkan halaman percikan, vignet yang rumit dan pengakhiran dalam gaya Art Nouveau ke dalam buku. Ia menjadi jelas bahawa reka bentuk buku harus berkait rapat dengan kandungannya. Pereka grafik mula memberi perhatian kepada butiran seperti format buku, warna kertas, fon, dan trim. Ramai sarjana cemerlang pada masa itu terlibat dalam reka bentuk buku. "The Bronze Horseman" Pushkin berkait rapat dengan lukisan Benois, dan "Hadji Murad" Tolstoy dengan ilustrasi Lanceray. Permulaan abad ke-20 disimpan di rak perpustakaan dengan banyak contoh seni buku yang berkualiti tinggi.

Seniman Dunia Seni memberi penghormatan yang besar kepada seni, terutamanya muzik. Hiasan artis pada masa itu - kadang-kadang sangat halus, kadang-kadang menyala seperti api - digabungkan dengan muzik, tarian, dan nyanyian, mencipta tontonan yang sangat mewah. L. S. Bakst membuat sumbangan penting kepada kejayaan balet "Scheherazade" (kepada muzik Rimsky-Korsakov). A. Ya. Golovin merancang balet "The Firebird" (dengan muzik I. F. Stravinsky) dengan cara yang sama cerah dan meriah. Pemandangan N.K. Roerich untuk opera "Putera Igor," sebaliknya, sangat terkawal dan teruk.

Balet "Petrushka", yang mengelilingi pentas teater di banyak negara, adalah karya bersama komposer Igor Stravinsky dan artis Alexandre Benois. Plot mudah tentang bagaimana Petrushka jatuh cinta dengan Ballerina, bermain dengan anggun, dengan sedikit ironi dan kesedihan, membangkitkan pemikiran suram tentang nasib artis dalam dunia yang kejam di mana kekuatan fizikal dan nafsu yang kasar memerintah.

Dalam bidang lukisan teater, "MirIskusniks" hampir mencapai impian mereka - untuk menggabungkan pelbagai jenis seni menjadi satu karya.

Nasib persatuan Dunia Seni ternyata sukar. Majalah itu berhenti diterbitkan selepas 1904. Pada masa ini, ramai artis telah meninggalkan persatuan, dan ia telah mengecil kepada saiz bulatan asal. Hubungan kreatif dan peribadi ahli-ahlinya berterusan selama bertahun-tahun. "Dunia Seni" telah menjadi simbol seni sempadan dua abad. Seluruh peringkat dalam pembangunan lukisan Rusia dikaitkan dengannya. Tempat istimewa dalam persatuan itu diduduki oleh M. A. Vrubel, M. V. Nesterov dan N. K. Roerich.

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856 - 1910) adalah seorang sarjana yang serba boleh. Dia berjaya mengerjakan mural monumental, lukisan, hiasan, ilustrasi buku, dan lukisan untuk kaca berwarna. Dan dia sentiasa kekal dirinya, bersemangat, bersemangat, terdedah. Tiga tema utama, tiga motif berjalan melalui karyanya.

Yang pertama, rohani yang luhur, memanifestasikan dirinya, pertama sekali, dalam imej Ibu Tuhan yang muda dengan Anak, dicat untuk ikonostasis Gereja St. Cyril di Kyiv.

Motif iblis Vrubel diilhamkan oleh puisi Lermontov. Tetapi Demon Vrubel menjadi imej artistik bebas. Bagi Vrubel, Iblis, malaikat yang jatuh dan berdosa, ternyata seperti "I" kedua - sejenis wira lirik. Tema ini didengari dengan kekuatan tertentu dalam filem "The Seated Demon." Sosok Iblis yang perkasa meliputi hampir keseluruhan kanvas. Nampaknya dia patut berdiri dan tegak. Tetapi tangan anda direndahkan, jari-jari anda dirapatkan dengan menyakitkan, dan terdapat sayu yang mendalam di mata anda. Ini adalah Demon Vrubel: tidak seperti Lermontov, dia bukan pemusnah tanpa belas kasihan sebagai personaliti yang menderita.

Pada tahun 1896, untuk Pameran All-Russian di Nizhny Novgorod, Vrubel melukis panel "Mikula Selyaninovich", di mana dia menganugerahkan pahlawan pembajak rakyat dengan kuasa sedemikian, seolah-olah dia mengandungi kuasa primitif bumi itu sendiri. Beginilah cara arah ketiga muncul dalam karya Vrubel - epik-rakyat. "Bogatyr"nya ditulis dalam semangat ini, sangat berkuasa, duduk di atas kuda besar. Lukisan "Pan" bersebelahan dengan siri ini. Dewa hutan itu digambarkan sebagai seorang lelaki tua berkedut dengan mata biru dan tangan yang kuat.

Tahun-tahun terakhir kehidupan Vrubel ditakdirkan oleh penyakit mental yang teruk. Pada saat-saat pencerahan, idea-idea baru dilahirkan kepadanya - "Penglihatan Nabi Yehezkiel", "Seraphim Bersayap Enam". Mungkin dia ingin menggabungkan, menggabungkan tiga hala tuju utama kreativitinya. Tetapi sintesis sedemikian adalah di luar kuasa Vrubel. Pada hari pengebumiannya, Benoit berkata bahawa generasi akan datang "akan melihat kembali pada dekad terakhir abad ke-19. seperti dalam "era Vrubel"... Dalam dirinyalah masa kita menyatakan dirinya dengan cara yang paling indah dan paling menyedihkan yang mampu dilakukannya."

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942) menulis karya awalnya dalam semangat Wanderers. Tetapi kemudian motif keagamaan mula muncul dalam karyanya. Nesterov menulis satu siri lukisan yang didedikasikan untuk Sergei of Radonezh. Yang terawal daripada mereka ialah lukisan "Visi kepada Pemuda Bartholomew" (1889-1890). Budak berkepala putih, yang ditakdirkan untuk menjadi mentor rohani Rus Purba, dengan penuh hormat mendengar kata-kata kenabian, dan semua alam semula jadi, landskap Rusia yang ringkas pada akhir musim panas, nampaknya dipenuhi dengan perasaan hormat ini .

Alam semula jadi memainkan peranan istimewa dalam lukisan Nesterov. Dalam lukisannya dia bertindak sebagai "watak", meningkatkan mood keseluruhan. Artis itu sangat berjaya dalam landskap halus dan telus musim panas utara. Dia suka melukis alam semula jadi Rusia Tengah di ambang musim luruh, ketika padang dan hutan yang tenang sedang bersiap sedia untuk menantinya. Nesterov hampir tidak mempunyai landskap "terpencil" dan lukisan tanpa landskap jarang berlaku.

Motif keagamaan dalam karya Nesterov paling banyak dinyatakan dalam lukisan gerejanya. Berdasarkan lakarannya, beberapa karya mozek telah dilaksanakan pada fasad Gereja Kebangkitan Kristus, yang didirikan di St. Petersburg di tapak pembunuhan Alexander II.

Artis mencipta galeri keseluruhan potret orang terkenal di Rusia. Selalunya, dia menggambarkan wiranya di udara terbuka, meneruskan tema kegemarannya "dialog" antara manusia dan alam semula jadi. L. N. Tolstoy ditangkap di sudut terpencil di taman Yasnaya Polyana, ahli falsafah agama S. N. Bulgakov dan P. A. Florensky - semasa berjalan-jalan (lukisan "Filosophers").

Potret menjadi arah utama kreativiti Nesterov pada tahun-tahun kuasa Soviet. Dia menulis terutamanya kepada orang yang rapat dengannya dalam semangat, intelektual Rusia. Pencapaian istimewanya ialah potret ekspresif Academician I. P. Pavlov.

Nicholas Konstantinovich Roerich (1874 - 1947) mencipta lebih daripada tujuh ribu lukisan semasa hidupnya. Mereka menghiasi muzium banyak bandar di negara kita dan di luar negara. Artis itu menjadi tokoh awam pada skala global. Tetapi peringkat awal karyanya adalah milik Rusia.

Roerich datang untuk melukis melalui arkeologi. Malah pada tahun-tahun sekolah menengahnya, dia mengambil bahagian dalam penggalian kuburan kuno. Imaginasi lelaki muda itu melukis gambar-gambar jelas era yang jauh. Selepas sekolah menengah, Roerich secara serentak memasuki universiti dan Akademi Seni. Artis muda mula melaksanakan rancangan besar pertamanya - satu siri lukisan "The Beginning of Rus'. Slav".

Gambar pertama dalam siri ini, “Messenger. Generasi demi generasi bangkit,” ditulis mengikut cara Wanderers. Selepas itu, warna mula memainkan peranan yang semakin aktif dalam lukisan Roerich - tulen, sengit, ekspresif yang luar biasa. Beginilah lukisan "Tetamu Luar Negara" dilukis. Dengan warna biru-hijau pekat, artis berjaya menyampaikan kesucian dan kesejukan air sungai. Layar berwarna kuning-lembayung bot di luar negara terpercik ditiup angin. Renungannya dihancurkan oleh ombak. Permainan warna-warna ini dikelilingi oleh garis putus-putus putih burung camar terbang.

Untuk semua minatnya pada zaman dahulu, Roerich tidak meninggalkan kehidupan moden, mendengar suaranya, dan dapat menangkap apa yang tidak didengari oleh orang lain. Dia sangat prihatin dengan keadaan di Rusia dan di dunia. Bermula pada tahun 1912, Roerich mencipta satu siri lukisan aneh di mana, nampaknya, tidak ada tempat tindakan tertentu, era bercampur. Ini adalah sejenis "mimpi kenabian". Salah satu lukisan ini dipanggil "The Last Angel". Seorang malaikat naik dalam awan merah yang berputar-putar, meninggalkan tanah yang dilalap api.

Dalam lukisan yang dilukis semasa perang, Roerich cuba mencipta semula nilai-nilai agama dan buruh yang aman. Dia beralih kepada motif Ortodoks rakyat. Pada kanvasnya, orang-orang kudus turun ke bumi, menghilangkan masalah dari orang, dan melindungi mereka dari bahaya. Roerich menyiapkan lukisan terakhir siri ini di negara asing. Dalam salah satu daripada mereka ("Zvenigorod"), orang-orang kudus dalam jubah putih dan dengan lingkaran emas keluar dari kuil kuno dan memberkati bumi. Di Rusia Soviet pada masa ini, penganiayaan terhadap gereja sedang berlaku, gereja telah dimusnahkan dan dicemari. Orang-orang kudus pergi kepada orang ramai.

Slaid 2

"Zaman Perak" adalah persimpangan dua abad dalam sejarah Rusia: XIX dan XX. Pada masa ini, aliran artistik berikut muncul: Realisme; Modenisme

Slaid 3

Realisme. V.M. Vasnetsov

Viktor Mikhailovich Vasnetsov 1848 -1926 - artis Rusia, pelukis dan arkitek, tuan lukisan sejarah dan cerita rakyat. Gamayun 1897

Slaid 4

Bogatyrs 1898

Slaid 5

Modenisme

Prinsip asas modenisme: idea tentang ketidakupayaan seni era sebelumnya untuk melawan ketidakbebasan dan ketidakperikemanusiaan, ketidakupayaan untuk menangkap semua ini. Ciri utama modenisme: artis mengarahkan kehendak dan kreativitinya untuk melawan realiti yang kejam, memadamkan sempadan cita-cita sebelumnya.

Slaid 6

Modernisme dalam seni halus adalah lapisan budaya yang merangkumi banyak konsep: impresionisme, ekspresionisme, kubisme, simbolisme, futurisme.

Slaid 7

Impresionisme

Impresionisme (daripada kesan - kesan) adalah gerakan dalam seni akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Muncul di Perancis. Wakil berusaha untuk menangkap dunia sebenar dalam mobiliti dan kebolehubahannya dengan cara yang paling semula jadi dan tidak berat sebelah, dan untuk menyampaikan tanggapan sekejap mereka.

Slaid 8

V.A. Serov

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) - pelukis Rusia dan artis grafik, tuan potret.

Slaid 9

Sepupu artis

Slaid 10

Ekspresionisme

Ekspresionisme (dari expressio, "ekspresi") ialah gerakan dalam modenisme yang menerima perkembangan terbesarnya pada dekad pertama abad ke-20, terutamanya di Jerman dan Austria. Ekspresionisme tidak berusaha untuk menghasilkan semula realiti, tetapi untuk menyatakan keadaan emosi pengarang.

Slaid 11

"The Scream" oleh artis Norway Edvard Munch (1893) ialah pameran unik seni ekspresionis

Slaid 12

Marc Chagall artis grafik, pelukis, artis teater, ilustrator

Pengantin dengan Kipas 1911 Saya dan Kampung 1911

Slaid 13

Kubisme

Kubisme (fr. Cubisme) ialah gerakan moden dalam seni visual, terutamanya dalam lukisan, yang berasal pada awal abad ke-20 dan dicirikan oleh penggunaan bentuk konvensional yang bergeometri secara tegas, keinginan untuk "memecahkan" objek sebenar menjadi stereometrik primitif. Lentulov. St Basil yang Berbahagia. berdering

Slaid 14

Lyubov Sergeevna Popova

Potret Ahli Falsafah, 1915

Slaid 15

Simbolisme

Simbolisme (French Symbolisme) adalah salah satu gerakan terbesar dalam seni yang muncul di Perancis dan mencapai perkembangan terbesarnya pada pergantian abad ke-19 dan ke-20, pertama di Perancis, Belgium dan Rusia. Para simbolis secara radikal mengubah bukan sahaja pelbagai jenis seni, tetapi juga sikap terhadapnya. Ahli simbol menggunakan simbolisme, meremehkan, petunjuk, misteri, enigma.

Slaid 16

M.I. Vrubel

Mikhail Aleksandrovich Vrubel (5 Mac 1856 - 1 April 1910) adalah seorang artis Rusia pada permulaan abad ke-19-20, yang memuliakan namanya dalam hampir semua jenis dan genre seni halus.