Lukisan Renaissance Itali - Giotto, Masaccio, Angelico, Titian dan Giorgione. Artis Renaissance ▲ Artis Renaissance Inggeris

ANGELICO Fra Beato
GIOTTO di Bondone
MANTENIA Andrea
BELLINI Giovani
BOTTICELLI Sandro
VERONEZE Paolo
da VINCI Leonardo
JORDONE
Carpaccio Vittore
MICHELANGELO BUONARROTI
RAPHAEL Santi
TITIAN

Renaissance, atau Renaissance -
(Renaissance Perancis, Rinascimento Itali) -
era dalam sejarah budaya Eropah,
yang menggantikan budaya Zaman Pertengahan dan
mendahului budaya zaman moden.
Kerangka kronologi anggaran era - abad XIV-XVI.
Ciri khas Renaissance adalah sifat budaya sekular
dan antroposentrismenya (iaitu minat, pertama,
kepada seseorang dan aktivitinya).
Minat dalam budaya kuno muncul,
ada, sebagaimana adanya, "kelahiran semula" - dan istilah itu muncul.

Renaissance berlangsung di Itali dengan kelengkapan klasik,
dalam budaya Renaissance yang mana terdapat masa pra-Renaissance
fenomena pada pergantian abad ke-13 dan ke-14. (Proto-Renaissance), Renaissance Awal (abad ke-15),
Renaissance Tinggi (akhir 15 - suku pertama abad ke-16),
Zaman Akhir Zaman (abad ke-16).
Pada Zaman Renaissance awal, tumpuan inovasi
sekolah Florentine menjadi dalam semua bentuk seni,
arkitek (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, B. Rossellino, dll.),
pengukir (L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, A. Rossellino,
Desiderio da Settignano, dll.), Pelukis (Masaccio, Filippo Lippi,
Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico,
Sandro Botticelli dan lain-lain) yang mencipta integral secara plastik,
konsep dunia dengan kesatuan dalaman,
secara beransur-ansur merebak ke seluruh Itali
(karya Piero della Francesca di Urbino, Vittore Carpaccio,
F. Cossa di Ferrara, A. Mantegna di Mantua, Antonello da Messina
dan saudara Gentile dan Giovanni Bellini di Venice).
Semasa Renaissance Tinggi, ketika perjuangan untuk humanis
Cita-cita Renaissance mengambil watak tegang dan heroik,
seni bina dan seni visual ditandai dengan garis lintang
suara awam, generalisasi sintetik dan kekuatan gambar,
penuh dengan aktiviti rohani dan fizikal.
Di bangunan D. Bramante, Raphael, Antonio da Sangallo sampai
apogee adalah harmoni sempurna, monumen dan bahagian yang jelas;
kepenuhan humanistik, penerbangan khayalan seni yang berani,
luasnya liputan realiti adalah ciri kreativiti yang terbesar
seni rupa zaman ini - Leonardo da Vinci,
Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian.
Dari suku kedua abad ke-16, ketika Itali memasuki masa krisis politik
dan kekecewaan dalam idea-idea humanisme, karya banyak tuan
memperoleh watak yang kompleks dan dramatik.
Dalam seni bina Renaissance Akhir (Michelangelo, G. da Vignola,
Giulio Romano, V. Peruzzi) meningkatkan minat dalam pengembangan ruang
komposisi, subordinasi bangunan dengan konsep perancangan bandar yang luas;
di bangunan awam, kuil yang kaya dan canggih,
villah, palazzo tektonik jelas Zaman Renaissance awal berubah
konflik kuat kekuatan tektonik (bangunan oleh J. Sansovino,
G. Alessi, M. Sanmicheli, A. Palladio).
Lukisan Renaissance Akhir dan seni arca diperkaya
pemahaman mengenai sifat dunia yang bertentangan, minat terhadap imej
tindakan massa dramatik, hingga dinamik ruang
(Paolo Veronese, J. Tintoretto, J. Bassano);
kedalaman, kerumitan, tragedi dalaman yang belum pernah terjadi sebelumnya
ciri psikologi gambar dalam karya kemudian
Michelangelo dan Titian.

Sekolah Venesia

The Venetian School, salah satu sekolah lukisan utama di Itali
berpusat di bandar Venice (sebahagiannya juga di bandar-bandar kecil Terrafarm-
kawasan daratan berdekatan dengan Venice).
Sekolah Venesia dicirikan oleh dominasi permulaan bergambar,
perhatian khusus terhadap masalah warna, keinginan untuk melaksanakan
kelengkapan sensual dan kecemerlangan menjadi.
Kejayaan terbesar sekolah Venesia tercapai pada zaman itu
Renaissance Awal dan Tinggi, dalam karya Antonello da Messina,
yang membuka kemungkinan ekspresif lukisan minyak untuk sezamannya,
pencipta gambar harmoni ideal Giovanni Bellini dan Giorgione,
Titian pewarna terhebat, yang merangkumi kanvasnya
keceriaan dan pelbagai warna yang terdapat dalam lukisan Venesia.
Dalam karya para sarjana sekolah Venesia pada separuh kedua abad ke-16.
kebajikan dalam menyampaikan warna-warni dunia, cinta pada tontonan perayaan
dan ramai orang berdampingan dengan drama eksplisit dan tersembunyi,
rasa membimbangkan dinamika dan tak terbatas alam semesta
(lukisan oleh Paolo Veronese dan J. Tintoretto).
Pada usia 17 tahun di sekolah tradisional Venesia minat terhadap masalah warna
dalam karya D. Fetti, B. Strozzi dan lain-lain wujud bersama dengan teknik lukisan Baroque,
serta kecenderungan realistik dalam semangat karavaggisme.
Untuk lukisan Venesia abad ke-18. berkembang
lukisan monumental dan hiasan (G. B. Tiepolo),
genre genre (J. B. Piazzetta, P. Longhi),
didokumentasikan - landskap seni bina yang tepat - plumbum
(J.A. Canaletto, B. Belotto) dan lirik,
secara halus menyampaikan suasana puitis dalam kehidupan seharian
Pemandangan bandar Venice (F. Guardi).

Sekolah Florentine

Florentine School, salah satu sekolah seni Itali terkemuka
Renaissance dengan pusat di bandar Florence.
Pembentukan sekolah Florentine, yang akhirnya terbentuk pada abad ke-15,
menyumbang kepada pertumbuhan pemikiran humanistik
(F. Petrarca, J. Boccaccio, Lico della Mirandola, dll.),
beralih kepada warisan kuno.
Giotto menjadi pengasas sekolah Florentine pada era Proto-Renaissance,
memberikan kepuasan plastik komposisinya dan
kepastian penting.
Pada abad ke-15. pengasas seni Renaissance di Florence
dibuat oleh arkitek F. Brunelleschi, pengukir Donatello,
pelukis Masaccio, diikuti oleh arkitek L.B. Alberti,
pengukir L. Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano,
Benedetto da Maiano dan lain-lain
Dalam seni bina sekolah Florentine pada abad ke-15. jenis baru telah dibuat
Renaissance palazzo, pencarian jenis bangunan kuil yang ideal telah dimulakan,
memenuhi cita-cita humanistik pada zaman itu.
Untuk seni halus sekolah Florentine abad ke-15. ciri
minat untuk masalah perspektif, berusaha untuk jelas secara plastik
membina sosok manusia
(karya A. del Verrocchio, P. Uccello, A. del Castagno, dll.),
dan bagi banyak tuannya - kerohanian yang istimewa dan lirik yang intim
renungan (lukisan oleh B. Gozzoli, Sandro Botticelli,
Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, dll.).
Pencarian tuan abad ke-15 disempurnakan oleh seniman hebat Renaissance
Leonardo da Vinci dan Michelangelo, yang mengangkat usaha seni
Sekolah Florentine ke tahap kualiti yang baru. Pada tahun 1520-an.
penurunan sekolah secara beransur-ansur bermula, walaupun pada hakikatnya
bahawa sejumlah seniman utama terus bekerja di Florence
(pelukis Fra Bartolommeo dan Andrea del Sarto, pengukir A. Sansovino);
dari tahun 1530-an. Sekolah Florentine menjadi salah satu pusat utama
seni gaya (arkitek dan pelukis G. Vasari,
pelukis A. Bronzino, J. Pontormo).
Pada abad ke-17, sekolah Florentine hancur.

Zaman kebangkitan awal

Tempoh yang disebut sebagai "Renaissance Awal" merangkumi
di Itali masanya adalah dari 1420 hingga 1500.
Selama lapan puluh tahun ini, seni belum sepenuhnya ditinggalkan
dari legenda masa lalu, tetapi cuba mencampurkan unsur-unsur dengan mereka,
dipinjam dari zaman kuno klasik.
Hanya kemudian, dan hanya sedikit demi sedikit, di bawah pengaruh semakin banyak
dan perubahan keadaan hidup dan budaya yang lebih kuat,
seniman benar-benar meninggalkan asas abad pertengahan dan berani menggunakan
contoh seni kuno seperti konsep umum karya mereka,
dan dalam perincian mereka.

Walaupun seni di Itali sudah tegas mengikuti jalan peniruan
zaman kuno klasik, di negara lain dulu
tradisi gaya Gothic. Di utara pergunungan dan juga di Sepanyol,
Kebangkitan kembali hanya pada akhir abad ke-15,
dan tempoh awalnya berlangsung hingga sekitar pertengahan abad berikutnya,
tanpa menghasilkan, bagaimanapun, sesuatu yang sangat luar biasa.

Renaissance Tinggi

Tempoh kedua Renaissance - masa perkembangan gaya yang paling mengagumkan -
biasa disebut "Renaissance Tinggi"
ia terbentang di Itali sekitar 1500 hingga 1580.
Pada masa ini, pusat graviti seni Itali dari Florence
bergerak ke Rom, berkat masuknya kepausan Julius II,
orang yang bercita-cita tinggi, berani dan giat,
menarik seniman Itali terbaik ke gelanggangnya,
yang menduduki mereka dengan banyak dan karya penting dan memberi
kepada orang lain contoh cinta akan seni. Dengan paus ini dan pengganti terdekatnya,
Rom menjadi, seperti itu, Athens baru pada masa Pericles:
banyak bangunan monumental dibuat di dalamnya,
karya seni ukiran megah dilakukan,
lukisan dinding dan lukisan dilukis, yang masih dianggap mutiara lukisan;
sementara ketiga-tiga cabang seni berjalan lancar,
saling menolong dan saling bertindak antara satu sama lain.
Zaman dahulu kini dikaji dengan lebih mendalam,
dihasilkan semula dengan lebih tegas dan konsisten;
ketenangan dan martabat ditubuhkan bukannya kecantikan yang menyenangkan,
yang merupakan aspirasi dari tempoh sebelumnya;
kenangan abad pertengahan hilang sepenuhnya, dan cukup klasik
cetakan itu jatuh pada semua ciptaan seni.
Tetapi meniru orang dahulu tidak merendahkan kebebasan mereka dalam seniman,
dan mereka, dengan banyak akal dan hidup fantasi,
bebas memproses dan mengaplikasikan apa
yang dianggap sesuai untuk meminjamnya dari seni Greco-Roman.

Zaman Renaissance Akhir

Tempoh ketiga Renaissance,
tempoh yang disebut "akhir Renaissance",
dibezakan oleh beberapa keinginan seniman yang bersemangat dan gelisah
dengan sewenang-wenangnya, tanpa urutan yang wajar, berkembang
dan menggabungkan motif antik, untuk mencapai gambar yang khayal
keterlaluan dan kepura-puraan bentuk.
Tanda-tanda aspirasi ini, yang melahirkan gaya Baroque,
dan kemudian, pada abad ke-18, gaya Rococo ditunjukkan kembali
tempoh sebelumnya sebahagian besarnya disebabkan oleh kesalahan tidak sengaja
hebat Michelangelo, pandai, tetapi terlalu subjektif
kreativiti contoh berbahaya dari sikap yang sangat bebas
kepada prinsip dan bentuk seni kuno; tetapi sekarang arah
ia dibuat sejagat.

****************************************************

ANGELICO, FRA BEATO -
(Fra Giovanni da Fiesole) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(sekitar 1400-1455), pelukis Itali dari sekolah Florentine.
Karya-karyanya menggabungkan kandungan agama yang mendalam dan kecanggihan gaya;
tradisi lukisan gothic dan ciri seni baru Renaissance.
Fra Angelico, yang di dunia bernama Guido di Piero,
dilahirkan di bandar Vicchio di Tuscany sekitar tahun 1400. Dalam sebuah dokumen yang bertarikh 1417,
dia sudah disebut sebagai artis; ia juga dikenali
bahawa sebelum tahun 1423 di Fiesole dia memasuki perintah Dominika, menerima nama Fra Giovanni da Fiesole,
dan kemudian adalah ketua biara San Marco di Florence.
Banyak karya yang dikaitkan dengan masa awal karya Fra Angelico,
kini dianggap karya pelajarnya, variasi pada tema gubahannya.
Salah satu karya utama pertama artis adalah triptych Linayuoli dari biara
San Marco di Florence (1433-1435), di bahagian tengah yang diwakili oleh Perawan dan Anak
di takhta, dan di panel sisi terdapat dua orang kudus. Tokoh Ibu Tuhan ditunjukkan secara tradisional,
dan dalam penggambaran orang kudus yang berdiri, pengaruh lukisan Masaccio terlihat, dengan pemodelan wajah yang berat dan kaku.
Pada tahun 1430-an dan 1440-an, Fra Angelico adalah salah satu yang pertama menggunakan jenis altarpiece baru,
yang menjadi sangat popular semasa Renaissance - sacra chatazione (wawancara suci).
Dari tahun 1438 hingga 1445, artis itu melukis biara Florentine San Marco dengan lukisan dinding.
Biara ini, dipindahkan ke perintah Dominika oleh Paus Eugene IV, dibina semula oleh seorang arkitek
Michelozzo ditugaskan oleh Duke Cosimo Medici. Tema mural dikaitkan dengan susunan Dominican,
sejarahnya, piagam, terutama orang suci yang dihormati.
Contohnya ialah lukisan dinding biara (Mati Kristus; Kristus dalam bentuk pengembara,
yang diterima oleh dua rahib Dominican; St Peter Martyr (ketua saint dari Dominicans);
St. Dominic, berlutut semasa Penyaliban).
Di dewan bab Fra Angelico menulis penyusunan komposisi besar dengan dua perompak
di sisi Kristus dan sekumpulan orang kudus dari semua era agama Kristian, berkumpul di kaki salib.
Wajah-wajah mereka yang murung dipalingkan ke bumi, tidak ada yang memandang Kristus;
artis menggambarkan Penyaliban bukan sebagai peristiwa bersejarah, tetapi sebagai gambaran mistik,
hidup dalam kesedaran manusia.
Lukisan dinding Biara San Marco memenuhi semangat Meniru Kristus - sebuah risalah agama mistik,
ditulis oleh kanun Augustinian Thomas dari Kempi.
Setiap sel juga dihiasi dengan lukisan dinding, yang dimaksudkan untuk pengukuhan saudara-saudara,
sebagai contoh, komposisi Mockery of Christ. Suasana lukisan dinding ini sesuai dengan kesederhanaan dan
kekangan lukisan yang tenang.
Sepuluh tahun terakhir hidupnya Fra Angelico menghabiskan waktu di Rom, di mana dia menghiasi kapel dengan lukisan dinding
Paus Nicholas V (1445-1448). Fragmen kehidupan St. Lawrence dan St. Stefan.
Secara reka bentuk, ini adalah pemandangan yang lebih naratif daripada gambar doa.
Mereka menggunakan latar belakang seni bina yang kompleks, dalam pembinaan yang pengetahuannya dirasakan
menguasai seni kuno, dan dalam pembinaan perspektif yang dikalibrasi dengan tepat seseorang dapat melihat pengaruh
Masaccio dan Brunelleschi.

Pertabalan Perawan Maria

Siksaan Sts. Cosmas dan Damian

*********************************************

Giotto di Bondone - lahir pada tahun 1266 atau 1267
di kampung Vespignano berhampiran Florence dalam keluarga pemilik tanah kecil.
Mungkin pada usia 10 tahun, Giotto mula belajar melukis
di studio Cimabue, pelukis Florentine yang terkenal.
Giotto adalah warganegara Florence, walaupun dia juga bekerja di Assisi, Rome, Padua,
Naples dan Milan. Bakat seni dan kepintaran perniagaan praktikalnya terjamin
dia berada dalam keadaan pejal. Walaupun bengkel Giotto berkembang,
sejarah hanya menyimpan beberapa kanvas yang ditandatangani oleh namanya,
dan bahkan itu, menurut para pakar, kemungkinan besar tergolong dalam sikat pembantunya.
Keperibadian Giotto yang menonjol menonjol di antara tuan-tuan Itali Proto-Renaissance,
pertama sekali, kecenderungan untuk berinovasi, mencipta cara seni baru,
telah menentukan gaya klasik Renaissance yang akan datang.
Lukisannya merangkumi idea kemanusiaan dan membawa permulaan pertama humanisme.
Pada tahun 1290-99. Giotto mencipta mural Gereja Atas San Francesco di Assisi -
25 lukisan dinding yang menggambarkan adegan dari Perjanjian Lama, serta episod dari kehidupan Francis of Assisi
("Keajaiban Sumber"). Fresco terkenal kerana kejelasan mereka, naratif yang tidak rumit,
kehadiran perincian setiap hari yang memberi semangat dan keindahan kepada pemandangan yang digambarkan.
Setelah menolak kanun gerejawi yang mendominasi seni masa itu,
Giotto menggambarkan wataknya serupa dengan orang sebenar:
dengan badan setinggan, jongkok, wajah bulat (tidak memanjang),
bentuk mata yang betul, dll. Orang suci-Nya tidak melambung tinggi di atas tanah, tetapi berdiri tegak di atasnya dengan kedua kaki.
Mereka berfikir lebih banyak tentang duniawi daripada surgawi, mengalami perasaan dan emosi manusia sepenuhnya.
Buat pertama kalinya dalam sejarah lukisan Itali, keadaan minda para pahlawan sebuah lukisan
disebarkan oleh ekspresi wajah, gerak tubuh, postur tubuh.
Daripada latar emas tradisional, lukisan dinding Giotto menggambarkan pemandangan,
kumpulan dalaman atau patung pada fasad basilika.
Dalam setiap komposisi, artis hanya menggambarkan satu saat aksi,
dan bukan urutan pemandangan yang berbeza, seperti yang dilakukan oleh banyak orang sezamannya.
Pada awal tahun 1300-an. artis itu melawat Rom.
Berkenalan dengan lukisan antik dan karya P. Cavallini
menyumbang kepada pembentukan kaedah kreatifnya.
Pencapaian kreatif Giotto dikembangkan lebih lanjut dalam lukisan Kapel Scrovegni
(Chapel del Arena) di Padua, dibuat olehnya pada 1304-06.
Kapel yang terletak di dinding dalam 3 tingkat,
lukisan dinding menggambarkan pemandangan dari kehidupan Joachim dan Anna
("Joachim di antara para gembala", "Pengorbanan Joachim", "Mimpi Joachim", "Pertemuan di Golden Gate"),
Perawan Maria dan Kristus ("Krismas", "Pemujaan orang Majusi", "Penerbangan ke Mesir",
"Pembunuhan bayi", "Pembaptisan Kristus", "Kebangkitan Lazarus",
"Judas menerima pembayaran untuk pengkhianatan", "Kiss of Judas",
"Membawa Salib", "Penyaliban", "Ratapan Kristus", "Kebangkitan"),
serta adegan Penghakiman Terakhir.
Lukisan-lukisan ini adalah karya utama dan puncak karya seniman.
Pada 1300-02. Giotto membuat mural di Gereja Badia di Florence.
Menjelang 1310-20. Penyelidik mengaitkan altarpiece terkenal "Madonna Onissanti".
Komposisi itu tidak ditandatangani, tetapi para penyelidik sebulat suara mengaitkannya dengan Giotto.
Pada tahun 1320-an. Giotto membuat mural untuk kapel Peruzzi dan Bardi
di Gereja Florentine Santa Croce mengenai tema kehidupan John the Baptist,
John the Evangelist dan Francis of Assisi
("Stigmatisasi St Francis", "Kematian dan Kenaikan St Francis").
Pada tahun 1328-33. Giotto, dengan bantuan banyak pelajar, membuat lukisan di
pengadilan Neapolitan Raja Robert dari Anjou, yang memberikan gelaran kepada seniman itu sebagai "pengadilan".
Dari 1334 Giotto mengawasi pembinaan Katedral Santa Maria del Fiore
dan kubu kota di Florence, yang mendapat pengiktirafan luas di antara
sezaman dan warganegara Florence. Giotto dikreditkan dengan projek Campanile
(menara loceng) Katedral Florentine (bermula pada 1334, pembinaan diteruskan
pada tahun 1337-43 Andrea Pisano, diselesaikan sekitar tahun 1359 oleh F. Talenti).
Giotto berkahwin dua kali dan mempunyai lapan anak.
Pada tahun 1337 Giotto meninggal.

1 Joachim berundur ke padang pasir

2. Madonna dan anak

3 malaikat berduka 1

4.St. Clara dari Assisi

5. Stigmatisasi St. Francis

6 St. Stephen

7 Kelahiran Kristus

8 Kelahiran Anak Dara

9 Pengenalan Maria kepada bait suci

10. Pieta, serpihan

11 Ibu Tuhan dan Anak Dikurniakan

12 Penginjil John di Patmos

MANTENIA ANDREA -
(Mantegna, Andrea) (sekitar 1431-1506),
salah seorang pelukis Renaissance terhebat di Itali Utara.
Mantegna menggabungkan aspirasi seni utama para sarjana Renaissance abad ke-15:
minat untuk zaman kuno, minat yang tepat dan teliti, hingga terperinci terkecil,
penularan fenomena alam dan kepercayaan tanpa pamrih dalam perspektif linear
sebagai kaedah mencipta ilusi ruang di atas kapal terbang.
Karyanya menjadi penghubung utama antara Zaman Renaissance awal di Florence
dan kemudiannya berkembangnya seni di Itali Utara.
Mantegna dilahirkan kira-kira. 1431; antara tahun 1441 dan 1445 dia mendaftar di bengkel pelukis di Padua
sebagai anak angkat Francesco Squarchone, seorang seniman tempatan dan antiquarian,
di bengkelnya dia bekerja sehingga 1448.
Pada tahun 1449, Mantegna mula membuat hiasan lukisan dinding untuk Gereja Eremitani di Padua.
Pada tahun 1454 Mantegna mengahwini Nikolosa, anak perempuan pelukis Venesia Jacopo Bellini,
saudara perempuan dari dua tuan yang cemerlang abad ke-15. - Orang bukan Yahudi dan Giovanni Bellini.
Antara tahun 1456 dan 1459 dia melukis sebuah altarpiece untuk Gereja San Zeno di Verona. Pada tahun 1460,
menerima undangan Marquis of Mantua Lodovico Gonzaga, Mantegna menetap di istananya.
Pada tahun 1466-1467 dia mengunjungi Tuscany, dan pada tahun 1488-1490 Rom,
di mana, atas permintaan Paus Innocent VIII, dia menghiasi kapelnya dengan lukisan dinding.
Dinaikkan martabat kesatria, menduduki kedudukan tinggi di mahkamah,
Mantegna melayani keluarga Gonzaga hingga akhir hayatnya. Mantegna meninggal pada 13 September 1506.
16 Mei 1446 Mantegna dan tiga seniman lain ditugaskan untuk melukis Kapel Owetari
di gereja Padua Eremitani (hancur semasa Perang Dunia Kedua).
Mantegna memiliki sebahagian besar kerja membuat lukisan dinding (1449-1455),
dan gaya seninya yang menguasai ensemble.
Pemandangan Saint James di hadapan Herod Agrippa di Kapel Owetari adalah contoh gaya
tempoh awal kreativiti Mantegna.
Dalam lukisan lain oleh Mantegna pada masa ini, seperti lukisan Doa untuk Piala
(London, Galeri Nasional), bukan hanya sosok manusia yang dieksekusi secara lurus,
tetapi juga pemandangan, di mana setiap batu dan bilah rumput diteliti dengan teliti dan dilukis oleh artis,
dan batu-batu dihiasi dengan keretakan dan retakan.
Altar Gereja San Zeno (1457-1459) di Verona adalah tafsiran bergambar
Altar arca St. Antony, dicipta oleh Donatello
untuk Basilika Sant Antoni (Santo) di Padua. Triptych Mantegna dibingkai,
dilaksanakan dengan lekapan tinggi dan meniru unsur seni bina klasik.
Salah satu contoh lukisan ilusiis ruang yang paling luar biasa
Mantegna adalah lukisan Chamme degli Sposi di Palazzo Ducale di Mantua, selesai pada tahun 1474.
Bilik persegi itu secara visual diubah oleh lukisan dinding menjadi sebuah astaka yang ringan dan lapang,
seolah-olah ditutup di dua sisi oleh tirai yang tertulis di dinding, dan di dua sisi lain terbuka
gambar halaman Gonzaga dan panorama pemandangan di latar belakang.
Bilik besi Mantegna dibahagikan kepada beberapa petak dan diletakkan di dalamnya, dibingkai oleh barang antik yang kaya
gambar hiasan patung maharaja Rom dan pemandangan dari mitologi klasik.
Di bahagian atas peti besi terdapat tingkap bulat di mana langit dapat dilihat;
watak-watak berpakaian mewah memandang ke bawah dari langsir yang diberikan dengan potongan perspektif yang kuat.
Ensemble fresco ini luar biasa bukan hanya sebagai yang pertama dalam seni Eropah baru
contoh mewujudkan ruang ilusi di pesawat, tetapi juga sebagai koleksi yang sangat tajam dan tepat
potret yang ditafsirkan (ahli keluarga Gonzaga).
Kitaran lukisan monokrom Triumph of Caesar (1482-1492) ditugaskan oleh Francesco Gonzaga
dan bertujuan untuk menghiasi teater istana di Mantua; lukisan ini tidak dijaga dengan baik
dan kini berada di Hampton Court Palace di London.
Sembilan kanvas besar menggambarkan perarakan panjang dengan sebilangan besar patung antik,
baju besi, piala. Pergerakannya memuncak dalam perarakan upacara di hadapan Caesar yang menang. Lukisan itu menggambarkan pengetahuan luas Mantegna mengenai seni kuno dan kesusasteraan klasik.
Dalam kitaran ini dan di Madonna della Vittoria (1496, Paris, Louvre), yang ditulis untuk mengenang kemenangan ketenteraan Gonzaga,
Kesenian Mantegna telah mencapai monumentaliti terhebat. Bentuk-bentuk di dalamnya sangat besar, gerak isyarat meyakinkan dan jelas,
ruang ditafsirkan secara luas dan bebas.
Untuk studio (kabinet) Isabella d "Este, isteri Francesco Gonzaga, Mantegna menulis dua komposisi
mengenai tema mitologi (yang ketiga masih belum selesai): Parnassus (1497) dan Minerva,
mengusir maksiat (1502, kedua-duanya di Louvre). Beberapa kelembutan gaya Mantegna terlihat pada mereka,
dikaitkan dengan pemahaman baru mengenai landskap. Hiasan Fresco Kapel Belvedere,
dieksekusi oleh Mantegna untuk Pope Innocent VIII pada tahun 1488, malangnya hilang semasa
pembesaran Istana Vatikan semasa kepausan Pius VI.
Walaupun hanya tujuh cetakan boleh dianggap milik Mantegna,
pengaruh tuan terhadap perkembangan bentuk seni ini sangat besar. Pertunjukan Madonna dan Anaknya yang terukir
bagaimana secara organik gaya artis dapat wujud dalam teknik grafik,
dengan keanjalan dan ketajaman garisan yang melekatkan pergerakan pemotong pengukir.
Ukiran lain yang dikaitkan dengan Manteigne - Battle of the Sea Gods (London, British Museum)
dan Judith (Florence, Galeri Uffizi).

1 penyaliban, 1457-1460.

2. Madonna dan Anak.
1457-59. Serpihan

3. Beri piala untuk cawan.
C. 1460

4. Potret Kardinal Carlo Medici.
Antara tahun 1450 dan 1466

5. Kamera degli Spozi
Oculus. 1471-74

6. Kamera degli Spozi Serpihan tembok utara.

7. Kamera degli Sposi Serpihan tembok timur.

8. Pertempuran dewa laut.
1470-an

9 St. Sebastian.
C. 1480

10 Madonna of the Rocks
1489-90

12 Madonna della Vittoria
1496

13 Parnassus
1497, Louvre, Paris

14. Samson dan Delilah Lebih kurang 1500
Galeri Nasional, London

****************************

BELLINI Giovanni -
Bellini, keluarga pelukis Itali,
pengasas seni Renaissance di Venice.
Ketua keluarga - Jacopo Bellini (sekitar 1400-1470 / 71)
dengan lirik lirik yang lembut, dia mempertahankan hubungan dengan tradisi Gothic
("Madonna and Child", 1448, Galeri Brera, Milan).
Dalam lukisannya penuh dengan pemerhatian langsung
(lakaran monumen kuno, fantasi seni bina),
minat yang ditunjukkan dalam masalah perspektif, pengaruh A. Mantegna dan P. Uccello.
Dengan nama Gentile Bellini (sekitar tahun 1429-1507), anak Jacopo Bellini,
kelahiran lukisan genre-sejarah Venesia berkaitan,
("Perarakan di Piazza San Marco", 1496, "Keajaiban Salib Suci", 1500, -
kedua-duanya di Galeri Accademia, Venice). Giovanni Bellini (sekitar 1430-1516),
anak kedua Jacopo Bellini, tuan sekolah Venesia yang terhebat, yang meletakkan
asas seni Renaissance Tinggi di Venice.
Tajam, warna sejuk secara dramatik karya awal Giovanni Bellini
(Ratapan untuk Kristus, sekitar tahun 1470, Galeri Brera, Milan) pada akhir tahun 1470-an
digantikan oleh gambar yang jelas secara harmoni, di mana gambar manusia yang megah
lanskap kerohanian adalah konsonan (yang disebut "Lake Madonna", 1490-an, Uffizi;
"Pesta Dewa", Galeri Seni Nasional, Washington).
Karya oleh Giovanni Bellini, termasuk banyak Madonnasnya
("Madonna dengan pokok", 1487, Galeri Accademia, Venice; "Madonna", 1488,
Accademia Carrara, Bergamo), dibezakan oleh keharmonian lembut yang kuat,
seolah-olah tepu dengan cahaya matahari dan kehalusan cahaya dan gradasi warna,
kesungguhan yang tenang, renungan lirik dan puisi gambar yang jelas.
Dalam karya Giovanni Bellini, bersama komposisi yang dipesan secara klasik
Renaissance altarpiece (Madonna ditahbiskan dikelilingi oleh orang-orang kudus, 1505,
Gereja San Zaccaria, Venice) membentuk minat penuh terhadap manusia
(potret Doge L. Loredan, 1502, Galeri Nasional, London;
Potret Condottiere, 1480, Galeri Nasional, Washington).

1. "St. George and the Dragon" Perincian Altar, 1470

2. "Madonna Yunani"
1460

3. "Potret Condottiere"
1480

4. "Pesta Dewa"
1514

5. "Penyaliban"
1501-1503

6. "Madonna dan Anak"
1480

7. "Kebajikan"
1500

8. "Bacaan St. Jerome di Alam"
1460

9. "Transfigurasi"
1485

10. "Doa untuk cawan"
(Sakit di Taman) Sekitar tahun 1470

11. "Madonna dan Anak dengan Berkat"
1510, Koleksi Brera, Milan

12. "Allegory of Purgatory" (kiri.fr.)
1490-1500, Galeri Uffizi

13. "Empat Dugaan
Ketabahan dan Takdir ", 1490

14. "Allegory of Purgatory" (r.fr.)
1490-1500, Galeri Uffizi

15. "Empat Dugaan
Berhemah dan Menipu ", 1490

16. "Wanita muda bogel dengan cermin"
1505-1510, Muzium Kunsthistorisches, Vienna

****************************

Botticelli Sandro -
[sebenarnya Alessandro di Mariano Filipepi, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445-1510), pelukis Itali Renaissance Awal.
Milik sekolah Florentine, sekitar 1465-1466 belajar dengan Filippo Lippi;
pada tahun 1481-1482 dia bekerja di Rom. Karya awal Botticelli dicirikan oleh
pembinaan ruang yang jelas, cetakan potong yang jelas, minat terhadap perincian isi rumah
("Pemujaan Orang Majus," sekitar 1476-1471). Dari akhir tahun 1470-an, setelah hubungan semula dengan Botticelli
dengan mahkamah penguasa Florence Medici dan lingkaran humanis Florentine,
dalam karyanya, ciri-ciri bangsawan dan kecanggihan ditingkatkan, lukisan muncul
pada tema kuno dan kiasan, di mana gambar kafir sensual dijiwai
luhur dan pada masa yang sama puitis, kerohanian lirik
("Musim Semi", sekitar 1477-1478, "Kelahiran Venus", sekitar 1483-1485, keduanya di Uffizi).
Keanekaragaman lanskap, keindahan figur yang rapuh, musikalitas cahaya, garis bergetar,
ketelusan warna halus, seolah-olah ditenun dari refleks, mewujudkan suasana di dalamnya
kerinduan dan kesedihan ringan.
Di lukisan dinding yang dibuat oleh Botticelli pada tahun 1481-1482 di Kapel Sistine di Vatikan
("Adegan dari kehidupan Musa", "Hukuman Korea, Dathan dan Abiron", dll.)
keharmonian landskap dan seni bina antik yang hebat digabungkan dengan
ketegangan plot dalaman, ketajaman ciri potret yang wujud dalam
bersama dengan pencarian nuansa halus dari keadaan dalaman jiwa manusia,
dan potret easel master (potret Giuliano Medici, 1470-an, Bergamo;
potret seorang pemuda dengan pingat, 1474, Galeri Uffizi, Florence).
Pada tahun 1490-an, di era kegelisahan sosial dan pertapa-mistik
khutbah rahib Savonarola, nota drama muncul dalam seni Botticelli
dan pemuliaan agama (Slander, selepas 1495, Uffizi), tetapi gambarnya
ke Dante's Divine Comedy (1492-1497, Engraving Office, Berlin, dan Vatican Library)
dengan ketajaman ekspresi emosi, mereka mengekalkan cahaya garis dan kejernihan gambar Renaissance.

1. "Potret Simoneta Vespucci" sekitar tahun 1480

2. "Dugaan Kebajikan"
1495

3. "Sejarah Lucretia"
Lebih kurang 1500

4. "Potret seorang pemuda dengan pingat"

5. "Krismas mistik"
Lebih kurang 1500

6. "Hukuman Korea, Dathan dan Abiron"

7. "St. Augustine yang Berbahagia"
C. 1480

8. "Pengumuman"
C. 1490

9. "Madonna Magnificat"
1486

10. "Madonna dari Delima"
1487

11. "Pemujaan Orang Majusi"
Altar Zanobi 1475

12. "Fitnah"
1495

13. "Venus dan Marikh"
1482-1483

14. "Musim Bunga" 1477-1478
Galeri Uffizi, Florence

15. "Madonna dari Buku" 1485
Muzium Poldi Pezzoli, Milan

16. "Pallas Athena dan Centaur" 1482
Galeri Uffizi, Florence

17. "Kelahiran Venus" c. 1482
Galeri Uffizi, Florence

18. Fresco Kapel Sistine
(terperinci) 1482 Rome, Vatican

19. "Kisah Nastagio degli Onesti"
C. 1485 Prado, Madrid

****************************

VERONEZE Paolo - (Veronese; Cagliari yang tepat, Caliari) Paolo (1528-1588),
Pelukis Itali pada zaman Renaissance akhir.
Belajar dengan pelukis Verona A. Badile; bekerja terutamanya di Venice, begitu juga di Verona, Mantua, Vicenza, Padua, pada tahun 1560, mungkin berkunjung ke Rom. Gaya artistik Veronese, yang terbentuk pada pertengahan tahun 1550-an, merangkumi ciri terbaik sekolah lukisan Venesia: cahaya, lukisan yang canggih secara artistik dan keplastikan bentuk digabungkan dengan skema warna yang indah berdasarkan kombinasi kompleks warna murni yang disatukan dengan nada keperakan bercahaya.

1. "Mencari Musa"
1580

2. "Godaan St. Anthony"
1567

3. "Pembunuhan St. Justin"
1573

4. "Potret Daniele Barbaro"
1569

5. "Kristus dan Wanita Samaria" (perincian)
1582

6. "Kalvari"
1570hb

7. "Marikh dan Venus"
1570hb

8. "Dugaan cinta. Pengkhianatan"
1570

9. "Saint Lucia"
1580

10. "Kristus di Emmaus"
1570hb

11. "Eksekusi Orang Suci Mark dan Marcillian"
1578

12. "Pesta di Rumah Simon"
C. 1581

13. "Malaikat"
(fragmen "Wanita Zebedia dan Kristus")

14. "Memandikan Susanna"
1570-an, Louvre, Paris

15. "Jangan sentuh saya!" 1570hb
Muzium Seni, Grenoble

16. "Bathing Bathsheba" 1570-an
Muzium Seni Halus, Lyon

****************************

LEONARDO DA VINCI -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
Pelukis, pengukir, arkitek, saintis dan jurutera Itali.
Pengasas budaya seni Renaissance Tinggi,
Leonardo da Vinci dikembangkan sebagai tuan,
belajar di Florence dengan A. del Verrocchio.
Kaedah kerja di bengkel Verrocchio, di mana latihan seni
dikawinkan dengan eksperimen teknikal,
serta persahabatan dengan ahli astronomi P. Toscanelli menyumbang
kelahiran minat saintifik da Vinci muda.

1. "Madonna of the Spinning Wheel" 1501

2. "Perawan dan Anak dengan St. Anne"
C. 1507

3. "Bacchus"
1510-1513

4. "Yohanes Pembaptis"
1513-1517

5. "Leda dan Angsa"
1490-1500hb

6. "Madonna of the Carnation" 1473

7. "Potret Beatrice d" Este "
1490hb

8. "Potret Ginevra Benchi"
1476

9. "Pengumuman"
1472-1475

10. "Perjamuan Terakhir"
(serpihan tengah) 1495-1497, Milan

11. Versi pemulihan fresco Perjamuan Terakhir
(serpihan tengah)

12. "Madonna Litta"
Circa 1491, Hermitage, St. Petersburg

13. "Wanita dengan ermine" 1485-1490
Muzium Negara, Krakow

14. "Potret Pemuzik" 1490
Pinacoteca Ambrosiana, Milan

15. "Mona Lisa" (La Gioconda)
1503-1506, Louvre, Paris

16. "Madonna Benoit" 1478
Hermitage, St. Petersburg

17. "Potret Tidak Diketahui"
Circa 1490, Louvre, Paris

18. "Madonna of the Rocks" lebih kurang. 1511
Galeri Nasional, London

****************************

GEORGONE -
(Giorgione; sebenarnya Giorgio Barbarelli da Castelfranco,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 atau 1477-1510),
Pelukis Itali, salah seorang pengasasnya
seni Renaissance Tinggi.
Mungkin belajar dengan Giovanni Bellini,
dekat dengan lingkaran humanis Venesia,
juga terkenal sebagai penyanyi dan pemuzik.
Bersama komposisi bertema agama
("Pemujaan Gembala," Galeri Seni Nasional, Washington).
Giorgione mencipta lukisan mengenai subjek sekular, mitologi,
dalam karyanya itulah mereka memperoleh kepentingan utama.

1. "Ribut Petir"
1505

2. "Seorang pejuang dengan pasukannya"
1509

3. "Madonna disemarakkan
dan orang suci "1505

4. "Madonna di Landskap"
1503

5. "Tiga usia kehidupan"
1510

6. "Madonna dari Buku"
1509-1510

7. "Mencari Musa"
1505

8. "Pemujaan Gembala"
Lebih kurang 1505

9. "Potret Antonio Broccardo"

10. "Konsert Luar Bandar"
1510

11. "Potret wanita tua"
C. 1510

12. "Ceres"
Lebih kurang 1508

13. "Potret Pemuda"
Lebih kurang 1506

14. "Di Matahari Terbenam"
1506

15. "Madonna dan Anak dengan Orang Suci"
1510

16. "Judith" c. 1504
Hermitage, St. Petersburg

17. "Laura" 1506
Muzium Sejarah Seni, Vienna

18. "Venus Tidur"
Circa 1510, Galeri Dresden

19. "Tiga Ahli Falsafah" 1508
Muzium Sejarah Seni, Vienna

****************************

Carpaccio Vittore -
(Carpaccio) Vittore
(sekitar tahun 1455 atau 1456 - sekitar tahun 1526),
Pelukis Itali Renaissance Awal.
Belajar dengan Gentile Bellini; bekerja di Venice.
Carpaccio menafsirkan peristiwa suci legenda sebagai pemandangan sebenar,
dikerahkan di ruang Venice kontemporari,
termasuk landskap dan dalaman bandar, banyak butiran genre,
mencipta semula kehidupan penduduk bandar dengan jelas (kitaran lukisan dari kehidupan St. Ursula, 1490-1495,
Galeri Accademia, Venice, dan St. George dan St. Jerome, 1502-1507,
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venice).
Keinginan untuk mencipta gambaran holistik tentang alam semesta wujud dalam karya-karya tersebut
Carpaccio dengan penceritaan yang menawan,
puisi dan kesegaran perincian yang agak naif.
Menyampaikan kesan pelembutan persekitaran udara ringan secara halus
terdengar bintik warna tempatan,
Carpaccio menyiapkan penemuan warna dari sekolah lukisan Venesia abad ke-16.

1. "Ketibaan jemaah
ke Cologne "
1490

2. "Madonna, John the Baptist dan Orang Suci"
1498

3. "Singa St. Mark"
(serpihan)
1516

4. "Pertikaian St Stephen"
Kehidupan St Stephen
1514

5. "Penyelamat dan empat rasul"
1480

6. "Saint George Membunuh Naga"
1502-1508

7. "Apotheosis Saint Ursula"
1491

8. "Membunuh sepuluh ribu"
1515

9. "Pembaptisan Selenit oleh St. George"
1507

10. "Ksatria Muda" 1510,
Koleksi Thyssen-Bornemisza, Madrid

11. "Dugaan. Gairah Kristus"
1506, Metropolitan, New York

12. "Pertemuan jemaah dengan Paus"
1493, Galeri Accademia, Venice

13. "Keajaiban Salib Suci"
1494, Galeri Accademia, Venice

****************************

MICHELANGELO Buonarotti -
(Michelangelo Buonarroti; aka Michelagnolo di Lodovico di Lionardo di Buonarroto Simoni)
(1475-1564), pemahat Itali, pelukis, arkitek dan penyair
Dalam seni Michelangelo, dengan kekuatan ekspresif yang hebat, mereka mewujudkan manusia yang sangat mendalam,
cita-cita Renaissance Tinggi yang penuh dengan kepahlawanan, dan rasa krisis yang tragis
pandangan humanistik, ciri era Zaman Renaissance akhir.
Michelangelo belajar di Florence di bengkel D. Ghirlandaio (1488-1489) dan
oleh pengukir Bertoldo di Giovanni (1489-1490),
namun, pentingnya perkembangan kreatif Michelangelo adalah kenalannya
dengan karya oleh Giotto, Donatello, Masaccio, Jacopo della Quercia,
kajian monumen plastik antik.
Kreativiti Michelangelo,
yang menjadi pentas akhir Renaissance Itali yang cemerlang,
memainkan peranan besar dalam pengembangan seni Eropah,
sebahagian besarnya menyiapkan pembentukan tingkah laku,
mempunyai pengaruh yang besar terhadap pembentukan prinsip-prinsip Baroque.

1. Melukis di peti besi Kapel Sistine

2. Lunet (nabi dan paus)

3. Perincian lukisan "Penciptaan Adam"

4.Rincian "Nabi Yeremia dan Yesaya"

5. Perincian lukisan "Penciptaan Hawa"

6. "Keluarga Suci" 1506

7 Kapel Sistine
"Banjir"

8 kapel sistine
"Sibyl Libya"

9 kapel sistine
"Pemisahan cahaya dari kegelapan"

10 Kapel Sistine
"Kejatuhan"

11 Kapel Sistine
"Saudara Eritrea"

12 Kapel Sistine
"Nabi Zakaria"

****************************

RAPHAEL Santi -
(sebenarnya Raffaello Santi atau Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), pelukis dan arkitek Itali.
Dalam karyanya, dengan kejelasan yang terkandung
perwakilan humanistik dari Renaissance Tinggi
tentang seorang yang cantik dan sempurna yang hidup selaras dengan dunia,
cita-cita keindahan hidup yang mementingkan kehidupan pada zaman itu.
Raphael, anak pelukis Giovanni Santi, menghabiskan tahun-tahun awalnya di Urbino,
pada tahun 1500-1504 dia belajar dengan Perugino di Perugia.
Karya-karya pada zaman ini ditandai dengan puisi halus
dan lirik lagu latar yang lembut.
Seni Raphael, yang memberi kesan besar pada lukisan Eropah XVI-XIX
dan, sebahagiannya, abad ke-20, selama berabad-abad ia disimpan untuk seniman dan penonton
nilai autoriti dan model artistik yang tidak dipersoalkan.

1. "Madonna Granduca"
1504

2. "Madonna del Impannata"
1504

3. "Madonna di Hijau"
Lebih kurang 1508

4. "Keluarga Suci di bawah Oak"
1518

5. "Altar St. Nicholas"
(serpihan) 1501

6. "Pertempuran St. George dengan naga"
1502

7. "Tiga Rahmat"
1502

8. "Impian Ksatria"
1502

9. "Kemenangan Galatea"
1514

10. "Madonna dari Anside"
Lebih kurang 1504

11. "Membawa Salib"
1516

12. "St. Michael dan Naga"
1514

13. "Adam dan Hawa"
1509-1511

14. "John of Aragon"
1518

15. "Wanita dengan Unicorn"
Lebih kurang 1502

16. "Potret Margarita Luti"
1519

17. "Potret Balthazar Castiglione" 1515

18. "Madonna Kanidzhani" 1508
Pinakothek Lama, Munich

19. "Madonna Conestabile" 1502-1504
Hermitage, St. Petersburg

20. "Penglihatan Yehezkiel" 1515
Palazzo Pitti, Florence

21. "Sistine Madonna" 1514
Galeri gambar, Dresden

****************************

TITIAN -
(sebenarnya Tiziano Veccellio, Tiziano Veccellio),
(1476/77 atau 1480 -1576),
Pelukis Itali pada zaman itu
Renaissance Tinggi dan Akhir.
Belajar di Venice dengan Giovanni Bellini,
di bengkelnya dia menjadi dekat dengan Giorgione;
bekerja di Venice, begitu juga di Padua, Ferrara, Mantua, Urbino, Rome dan Augsburg.
Berkaitan rapat dengan kalangan seni Venesia
(Giorgione, J. Sansovino, penulis P. Aretino dan lain-lain),
seorang guru sekolah lukisan Venesia yang cemerlang,
Titian mewujudkan cita-cita humanistik Renaissance dalam karyanya.
Seni menegaskan hidupnya adalah pelbagai aspek,
luasnya liputan realiti, pengungkapan konflik dramatik dalam era itu.
Teknik melukis Titian mempunyai pengaruh luar biasa pada masa depan,
hingga abad kedua puluh, perkembangan seni rupa dunia.

1. "Cinta sekular"
(Kesombongan) 1515

2. "Diana dan Callisto"
1556 - 1559

3. "Bacchus dan Ariadne"
1523-1524

4. "Penculikan Europa"
1559 - 1562

5. "Kejatuhan"
1570

6. "Flora"
1515

7. "Iolanta"
(La Bella Gatta)

8. "Federigo Gonzaga dari Mantua"
1525

9. "Venus dengan cermin" 1555

10. "Danae dan Cupid"
1546

11. "Cinta duniawi dan surgawi"
1510

12. "Potret Wanita Muda"
Circa 1530, Hermitage, St. Petersburg

13. "Peniten Mary Magdalene"
1560th, Hermitage, St. Petersburg

14. "Diana dan Actaeon" 1556
Nat. Galeri Scotland, Edinburgh

15. "Bacchanalia"
1525, Muzium Louvre, Paris

16. "Venus of Urbinskaya"
1538, Uffizi, Florence

17. "Venus dan Adonis"
1554, Prado, Madrid

****************************

Renaissance atau Renaissance telah memberi kita banyak karya seni yang hebat. Ini adalah tempoh yang baik untuk pengembangan kreativiti. Nama-nama banyak seniman hebat dikaitkan dengan Renaissance. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio hanyalah beberapa nama pencipta pada masa itu.

Kemunculan gaya dan lukisan baru dikaitkan dengan tempoh ini. Pendekatan untuk menggambarkan tubuh manusia telah menjadi hampir saintifik. Artis berusaha untuk merealisasikan kenyataan - mereka mengusahakan setiap perincian. Orang dan peristiwa dalam lukisan pada masa itu kelihatan sangat realistik.

Sejarawan membezakan beberapa tempoh dalam pengembangan lukisan semasa Zaman Renaissance.

Gothic - 1200-an... Gaya popular di gelanggang. Ia dibezakan dengan kemegahan, keegoan, warna yang berlebihan. Digunakan sebagai cat. Lukisan itu adalah subjek altar. Wakil yang paling terkenal dalam trend ini adalah seniman Itali Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Proto-Renaissance - 1300-an... Pada masa ini, penstrukturan kembali kebiasaan dalam lukisan berlaku. Topik agama merosot ke latar belakang, dan topik sekular semakin popular. Lukisan itu menggantikan ikon. Orang digambarkan dengan lebih realistik, ekspresi wajah dan gerak tubuh menjadi penting bagi artis. Genre seni rupa baru muncul -. Perwakilan kali ini adalah Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Renaissance Awal - 1400-an... Pembungaan lukisan bukan agama. Malah wajah pada ikon menjadi lebih hidup - mereka memperoleh ciri-ciri manusia. Artis pada zaman sebelumnya cuba melukis pemandangan, tetapi mereka hanya berfungsi sebagai latar belakang gambar utama. Semasa zaman Renaissance Awal menjadi genre bebas. Potret itu terus berkembang. Para saintis menemui undang-undang perspektif linear, dan para seniman membina lukisan mereka berdasarkan ini. Pada kanvas mereka, anda dapat melihat ruang tiga dimensi yang betul. Wakil-wakil terkemuka dalam tempoh ini adalah Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Renaissance Tinggi - Zaman Keemasan... Pandangan para seniman menjadi lebih luas - minat mereka meluas ke ruang Cosmos, mereka menganggap manusia sebagai pusat alam semesta.

Pada masa ini, "titans" Renaissance muncul - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Titian, Raphael Santi dan lain-lain. Ini adalah orang yang minatnya tidak terhad kepada melukis. Pengetahuan mereka semakin jauh. Wakil yang paling terkenal ialah Leonardo Da Vinci, yang bukan hanya pelukis hebat, tetapi juga saintis, pemahat, penulis drama. Dia mencipta teknik hebat dalam melukis, seperti "halus" - ilusi jerebu, yang digunakan untuk membuat "La Gioconda" yang terkenal.

Leonardo Da Vinci

Zaman Renaissance Akhir - kepupusan Renaissance (pertengahan 1500-an, akhir 1600-an). Kali ini dikaitkan dengan perubahan, krisis agama. Masa kegemilangan berakhir, garis di kanvas menjadi lebih gugup, individualisme hilang. Orang ramai semakin menjadi gambaran lukisan. Karya berbakat pada masa itu milik pena Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

Itali memberi dunia seniman Renaissance yang paling berbakat, mereka paling banyak disebut dalam sejarah lukisan. Sementara itu, di negara-negara lain dalam tempoh ini, lukisan juga berkembang, dan mempengaruhi perkembangan seni ini. Lukisan negara lain dalam tempoh ini disebut sebagai Renaissance Utara.

Era Renaissance Tinggi (akhir 15 - suku pertama abad ke-16) adalah masa kesempurnaan dan kebebasan. Seperti bentuk seni lain pada zaman ini, lukisan ditandai dengan kepercayaan yang mendalam pada manusia, kekuatan kreatifnya dan kekuatan fikirannya. Dalam lukisan para master Renaissance Tinggi, cita-cita keindahan, humanisme dan keharmonian berkuasa, manusia di dalamnya adalah asas alam semesta.

Pelukis pada masa ini dengan mudah menggunakan semua kaedah penggambaran: mewarnai, diperkaya dengan udara, cahaya dan bayangan, dan gambar, bebas dan tajam; mereka mempunyai perspektif dan skop yang sangat baik. Orang bernafas dan bergerak di atas kanvas artis, perasaan dan pengalaman mereka kelihatan sangat emosional.

Era ini memberi dunia empat genius - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian. Dalam lukisan mereka, ciri-ciri High Renaissance - idealisme dan harmoni, digabungkan dengan kedalaman dan daya hidup gambar - paling jelas ditunjukkan.

Leonardo da Vinci

Pada 15 April 1452, di bandar kecil Vinci di Itali, yang terletak berhampiran Florence, seorang anak lelaki haram lahir dari notaris Piero da Vinci. Mereka menamakannya Leonardo di ser Piero d'Antonio. Ibu kanak-kanak itu, seorang Katerina, kemudian berkahwin dengan seorang petani. Bapa tidak meninggalkan bayi haram, membawanya ke pendidikan dan memberinya pendidikan yang baik. Setahun setelah kematian datuk Leonardo, Antonio, pada tahun 1469, notaris tersebut meninggalkan keluarganya untuk Florence.

Sejak usia dini, minat Leonardo untuk melukis terbangun. Menyedari hal ini, si ayah menghantar anak itu untuk belajar dengan salah seorang tuan patung, lukisan dan perhiasan yang terkenal, Andrea Verrocchio (1435-1488) Kemuliaan bengkel Verrocchio luar biasa hebat. Penduduk kota yang mulia sentiasa menerima banyak pesanan untuk pelaksanaan lukisan dan patung. Bukan secara kebetulan Andrea Verrocchio menikmati prestij yang hebat dengan para pelajarnya. Orang-orang sezamannya menganggapnya sebagai pengganti idea-idea Florentine Renaissance yang paling berbakat dalam lukisan dan patung.

Inovasi Verrocchio sebagai seniman dikaitkan terutamanya dengan memikirkan semula gambar, yang memperoleh ciri naturalistik dari pelukis. Sangat sedikit karya yang bertahan dari bengkel Verrocchio. Para penyelidik percaya bahawa "Pembaptisan Kristus" yang terkenal diciptakan di bengkel ini. Di samping itu, dinyatakan bahawa pemandangan di latar belakang lukisan dan malaikat di sebelah kiri itu tergolong dalam sikat Leonardo.

Sudah dalam karya awal ini, keperibadian kreatif dan kematangan artis terkenal masa depan telah terserlah. Landskap, yang dilukis oleh tangan Leonardo, sangat berbeza dengan lukisan alam oleh Verrocchio sendiri. Milik seorang seniman muda, nampaknya diselimuti jerebu ringan dan melambangkan tak terhingga dan tak terbatas ruang.

Imej yang dibuat oleh Leonardo juga khas. Pengetahuan mendalam mengenai anatomi tubuh manusia, dan juga jiwanya, memungkinkan artis membuat gambar malaikat yang sangat ekspresif. Penguasaan permainan cahaya dan bayangan membantu seniman untuk menggambarkan tokoh hidup yang dinamis. Seseorang mendapat tanggapan bahawa malaikat hanya membeku sebentar. Beberapa minit lagi akan berlalu - dan mereka akan hidup, bergerak, bercakap ...

Pengkritik seni dan penulis biografi da Vinci mendakwa bahawa pada tahun 1472 Leonardo meninggalkan bengkel Verrocchio dan menjadi master di bengkel pelukis. Dari 1480 ia beralih ke patung, yang, menurut Leonardo, adalah cara termudah untuk mengekspresikan dinamika pergerakan tubuh manusia. Sejak masa itu, dia bekerja di Akademi Kesenian - itulah nama bengkel yang terletak di taman di Piazza San Marco, yang dibuat atas inisiatif Lorenzo the Magnificent.

Pada tahun 1480, Leonardo menerima pesanan dari Gereja San Donato Sopeto untuk komposisi seni The Adorasi of the Magi.

Leonardo tidak tinggal lama di Florence. Pada tahun 1482 dia berangkat ke Milan. Mungkin, keputusan ini sangat dipengaruhi oleh kenyataan bahawa artis itu tidak diundang ke Rom untuk mengerjakan lukisan Kapel Sistine. Dengan cara lain, tuan segera muncul di hadapan Duke dari bandar Itali yang terkenal, Ludovico Sforza. Orang Milan memberi sambutan hangat kepada Leonardo. Dia menetap dan tinggal lama di kawasan Porta Ticinese. Dan pada tahun berikutnya, tahun 1483, dia melukis sebuah altar yang dipesan untuk kapel Immacolata di gereja San Francesco Grande. Karya ini kemudiannya dikenali sebagai Madonna of the Rocks.

Pada masa yang sama, Leonardo sedang berusaha untuk mewujudkan monumen gangsa untuk Francesco Sforza. Namun, baik sketsa, maupun lakaran percubaan dan pemeran tidak dapat menyatakan hasrat artis. Kerja itu masih belum selesai.

Antara tahun 1489 dan 1490, Leonardo da Vinci melukis Castello Sforzesco pada hari perkahwinan Gian Galeazzo Sforza.

Hampir keseluruhan tahun 1494 Leonardo da Vinci mengabdikan diri untuk pekerjaan baru untuk dirinya - hidraulik. Atas inisiatif Sforza yang sama, Leonardo sedang membangun dan melaksanakan sebuah proyek untuk menguras wilayah Lombard Plain. Namun, pada tahun 1495, master seni rupa terhebat kembali ke lukisan. Tahun ini menandakan tahap awal dalam sejarah penciptaan lukisan dinding terkenal "Perjamuan Terakhir", yang menghiasi dinding ruang refleksi biara, yang terletak berhampiran Gereja Santa Maria delle Grazie.

Pada tahun 1496, sehubungan dengan pencerobohan Duchy of Milan oleh raja Perancis Louis XII, Leonardo meninggalkan kota. Dia pertama kali berpindah ke Mantua dan kemudian menetap di Venice.

Sejak tahun 1503, artis itu tinggal di Florence dan, bersama-sama dengan Michelangelo, telah mengerjakan lukisan Dewan Majlis Besar di Palazzo Signoria. Leonardo seharusnya menggambarkan "Pertempuran Anghiari". Namun, tuan, yang sentiasa dalam pencarian kreatif, sering berhenti dari pekerjaan yang dimulakannya. Oleh itu, ia berlaku dengan "Pertempuran Anghiari" - lukisan dinding masih belum selesai. Pengkritik seni menyatakan bahawa ketika itulah "La Gioconda" yang terkenal diciptakan.

Dari 1506 hingga 1507 Leonardo tinggal di Milan. Duke Maximilian Sforza telah memerintah di sana sejak tahun 1512. 24 September 1512 Leonardo memutuskan untuk meninggalkan Milan dan menetap bersama pelajarnya di Rom. Di sini dia bukan hanya melukis, tetapi juga beralih kepada kajian matematik dan sains lain.

Setelah mendapat undangan dari raja Perancis Francis I pada Mei 1513, Leonardo da Vinci berpindah ke Amboise. Di sini dia hidup hingga kematiannya: dia melukis, terlibat dalam hiasan percutian, sedang mengerjakan aplikasi praktikal projek yang bertujuan menggunakan sungai-sungai di Perancis.

Pada 2 Mei 1519, artis hebat itu meninggal dunia. Leonardo da Vinci dikebumikan di gereja Amboise San Fiorentino. Namun, semasa puncak perang agama (abad ke-16), kubur artis itu musnah dan musnah sepenuhnya. Karya-karyanya, yang dianggap sebagai puncak seni rupa pada abad ke-15 hingga ke-16, masih seperti sekarang.

Di antara lukisan da Vinci, lukisan dinding "Perjamuan Terakhir" menempati tempat yang istimewa. Sejarah lukisan dinding yang terkenal menarik dan menakjubkan. Penciptaannya bermula pada tahun 1495-1497. Ia dilukis dengan perintah para bhikkhu dari tatanan Dominika, yang ingin menghiasi dinding-dinding refectory dengan lukisan di biara mereka yang terletak berhampiran gereja Santa Maria delle Grazie di Milan. Kisah Injil yang cukup terkenal dipaparkan di lukisan dinding: makanan terakhir Yesus Kristus bersama dua belas rasulnya.

Karya ini diakui sebagai puncak dari keseluruhan karya artis. Gambar-gambar Kristus dan para rasul yang diciptakan oleh tuan sangat terang, ekspresif, hidup. Walaupun konkrit dan realiti dari situasi yang digambarkan, kandungan lukisan dinding ternyata dipenuhi dengan makna falsafah yang mendalam. Di sini tema kekal konflik antara kebaikan dan kejahatan, kepuasan dan ketenangan rohani, kebenaran dan kebohongan terwujud. Imej yang disimpulkan bukan hanya sekumpulan sifat watak individu (setiap individu dalam semua kepelbagaian perangainya), tetapi juga semacam generalisasi psikologi.

Gambarnya sangat dinamik. Para penonton benar-benar merasakan kegembiraan yang melanda semua orang yang hadir pada waktu makan setelah kata-kata kenabian yang diucapkan oleh Kristus mengenai pengkhianatan yang akan berlaku yang akan dilakukan oleh salah seorang rasul. Kanvas itu ternyata menjadi sejenis ensiklopedia warna dan emosi manusia yang paling halus.

Leonardo da Vinci menyelesaikan pekerjaan dengan sangat mengejutkan: hanya setelah dua tahun, lukisan itu selesai sepenuhnya. Namun, para bhikkhu tidak menyukainya: cara pelaksanaannya terlalu berbeza dengan gaya penulisan bergambar yang diadopsi sebelumnya. Inovasi master bukan sahaja dan tidak begitu banyak dalam penggunaan cat komposisi baru. Perhatian khusus diberikan kepada cara menggambarkan perspektif dalam gambar. Dibuat dengan teknik khas, lukisan dinding mengembang dan memperbesar ruang sebenar. Seseorang mendapat gambaran bahawa dinding ruangan yang digambarkan dalam lukisan itu adalah kesinambungan dari dinding-dinding dari biara biara.

Para bhikkhu tidak menghargai dan tidak memahami niat dan pencapaian kreatif artis, oleh itu mereka tidak terlalu peduli dengan pemeliharaan lukisan itu. Sudah dua tahun selepas lukisan lukisan itu, catnya mulai merosot dan pudar, permukaan dinding dengan gambar yang diaplikasikan seolah-olah ditutup dengan benda-benda terbaik. Ini berlaku, di satu pihak, kerana kualiti cat baru yang buruk, dan di sisi lain, kerana pendedahan berterusan terhadap kelembapan, udara sejuk dan wap yang menembus dari dapur biara. Penampilan lukisan itu benar-benar manja ketika para bhikkhu memutuskan untuk memotong pintu masuk tambahan ke ruang makan di dinding dengan lukisan dinding. Akibatnya, gambar itu dipotong di bahagian bawah.

Percubaan untuk mengembalikan karya besar telah dilakukan sejak abad ke-13. Namun, semuanya sia-sia, cat terus merosot. Sebabnya sekarang ini adalah keadaan persekitaran yang semakin merosot. Kualiti lukisan dinding dipengaruhi oleh peningkatan kepekatan gas ekzos di udara, serta bahan mudah menguap yang dikeluarkan ke atmosfera oleh kilang dan kilang.

Sekarang kita dapat mengatakan bahawa karya awal pemulihan lukisan itu bukan sahaja tidak perlu dan tidak bermakna, tetapi juga mempunyai sisi negatifnya. Dalam proses pemulihan, seniman sering menambah lukisan dinding, mengubah penampilan watak di kanvas dan bahagian dalaman yang digambarkan. Oleh itu, baru-baru ini diketahui bahawa salah seorang rasul pada mulanya tidak mempunyai janggut yang panjang dan melengkung. Di samping itu, kanvas hitam yang digambarkan di dinding ruang tamu ternyata tidak lebih daripada permaidani kecil. Sahaja
pada abad XX. berjaya mengetahui dan memulihkan sebahagian hiasan mereka.

Pemulih moden, di antaranya kumpulan yang diketuai oleh Carlo Berteli menonjol, memutuskan untuk mengembalikan penampilan asli lukisan itu, membebaskannya dari unsur-unsur yang diterapkan kemudian.

Tema keibuan, gambar seorang ibu muda yang mengagumi anaknya, sejak sekian lama tetap menjadi kunci dalam karya tuan agung. Karya sejati adalah lukisannya "Madonna Litta" dan "Madonna with a Flower" ("Madonna Benoit"). Pada masa ini "Madonna Litta" disimpan di State Hermitage Museum di St Petersburg. Lukisan itu dibeli oleh Maharaja Rusia Alexander II pada tahun 1865 dari keluarga Duke Antonio Litta dari Itali, yang sebelumnya telah disumbangkan dari Dukes of Visconti. Atas perintah Tsar Rusia, lukisan itu dipindahkan dari pokok ke kanvas dan digantung di salah satu dewan muzium St. Petersburg yang terkenal.

Para sarjana seni percaya (dan penyelidikan saintifik telah membuktikan ini) bahawa karya penciptaan lukisan itu tidak diselesaikan oleh pengarangnya sendiri. Ia disempurnakan oleh salah seorang pelajar Leonardo, Boltraffio.

Kanvas adalah ungkapan paling jelas mengenai tema keibuan dalam melukis zaman Renaissance. Imej ibu Madonna itu terang dan rohani. Pandangan pada bayi sangat lembut, ia secara serentak menyatakan dan
kesedihan, dan kedamaian, dan kedamaian batin. Ibu dan anak di sini, sebagaimana adanya, membentuk dunia mereka sendiri yang unik, membentuk satu kesatuan yang harmoni. Pemikiran melintang dari gambar dapat dinyatakan dengan kata-kata berikut: dua makhluk hidup, ibu dan anak, mengandungi asas dan makna kehidupan.

Imej Madonna dengan seorang kanak-kanak di tangannya adalah monumental. Kelengkapan dan kecanggihan memberikan peralihan cahaya dan bayangan yang istimewa dan lancar. Kelembutan dan kerapuhan sosok itu ditekankan oleh tirai jubah yang tersarung di bahu wanita itu. Gambar-gambar tingkap di latar belakang menyeimbangkan dan melengkapkan komposisi, menekankan pemisahan dua orang tersayang dari seluruh dunia.

Lukisan Madonna with a Flower (Madonna Benois), sekitar tahun 1478, dibeli dari pemilik terakhir Rusia oleh Tsar Nicholas II pada tahun 1914 terutama untuk Pertapaan. Pemilik awal tidak diketahui. Hanya ada legenda yang mengatakan bahawa pelakon pengembara Itali membawa gambar itu ke Rusia, setelah itu dibeli di Samara pada tahun 1824 oleh saudagar Sapozhnikov. Kemudian, lukisan itu diwarisi dari ayah kepada anak perempuan, M.A. Sapozhnikova (berkahwin dengan Benoit), dari mana maharaja membelinya. Sejak itu, lukisan itu mempunyai dua nama: "Madonna with a Flower" (pengarang) dan "Madonna Benoit" (dengan nama pemilik terakhir).

Gambar, yang menggambarkan Ibu Tuhan dan Anak, mencerminkan perasaan biasa dari seorang ibu yang bermain dengan anaknya. Keseluruhan pemandangan dibina secara bertentangan: seorang ibu yang ketawa dan seorang anak sedang memeriksa bunga dengan serius. Artis, dengan fokus tepat pada penentangan ini, menunjukkan hasrat seseorang untuk pengetahuan, langkah pertamanya ke jalan menuju kebenaran. Ini adalah idea utama kanvas.

Mainan cahaya dan bayangan menetapkan nada khas yang istimewa untuk keseluruhan komposisi. Ibu dan bayi berada di dunia mereka sendiri, bercerai dari kesibukan bumi. Walaupun terdapat sedikit sudut dan kekakuan dari tirai yang digambarkan, sikat Leonardo da Vinci cukup mudah dikenali dengan peralihan warna yang lembut dan lembut dari kombinasi warna yang digunakan dan gabungan potongan. Kanvas dicat dengan warna lembut, tenang, bertahan dalam sistem warna tunggal, dan ini memberikan gambaran watak lembut dan membangkitkan perasaan tidak harmoni, harmoni kosmik dan ketenangan.

Leonardo da Vinci adalah master potret yang terkenal. Antara kanvasnya yang paling terkenal adalah "Lady with a Ermine" (sekitar 1483-1484) dan "Potret Pemuzik".

Pengkritik dan sejarawan seni mengatakan bahawa lukisan "Lady with a Ermine" menggambarkan Cecilia Gallerani, bekas kegemaran Duke of Milan, Louis Moreau sebelum perkahwinannya. Terdapat bukti bahawa Cecilia adalah seorang wanita yang sangat berpendidikan, yang sangat jarang berlaku pada masa itu. Selain itu, sejarawan dan penulis biografi artis terkenal itu juga percaya bahawa dia sangat akrab dengan Leonardo da Vinci, yang pernah memutuskan untuk melukis potretnya.

Kanvas ini datang kepada kita hanya dalam versi yang ditulis semula, dan oleh itu para saintis sejak sekian lama meragui kepengarangan Leonardo. Walau bagaimanapun, bahagian-bahagian lukisan yang terpelihara dengan baik yang menggambarkan sebiji ermine dan wajah seorang wanita muda memungkinkan untuk berbicara dengan yakin tentang gaya tuan besar da Vinci. Juga menarik bahawa latar belakang gelap yang padat, serta beberapa perincian gaya rambut, adalah gambar tambahan yang dibuat kemudian.

"Lady with a Ermine" adalah salah satu lukisan psikologi paling terang di galeri potret artis. Seluruh sosok gadis itu menyatakan dinamisme, berusaha ke hadapan, memberi kesaksian akan watak manusia yang sangat kuat dan kuat. Ciri-ciri wajah yang betul hanya menekankan perkara ini.

Potretnya benar-benar kompleks dan pelbagai aspek, keharmonian dan kelengkapan gambar dicapai dengan menggabungkan beberapa elemen: ekspresi wajah, putaran kepala, posisi tangan. Mata seorang wanita mencerminkan fikiran, tenaga, wawasan yang luar biasa. Bibir rapat, hidung lurus, dagu tajam - semuanya menekankan kehendak, tekad, kebebasan. Putaran kepala yang anggun, leher terbuka, tangan dengan jari panjang membelai haiwan anggun itu, menekankan kerapuhan dan kelembutan keseluruhan sosok. Bukan kebetulan bahawa wanita itu memegang ermin di tangannya. Bulu putih haiwan, seperti salji pertama, di sini melambangkan kesucian rohani seorang wanita muda.

Potretnya sangat dinamik. Tuan berjaya menangkap momen dengan tepat ketika satu pergerakan berjalan lancar ke gerakan yang lain. Oleh itu, nampaknya gadis itu akan hidup, memusingkan badannya dan tangannya akan meluncur di sepanjang bulu lembut haiwan itu ...

Ekspresi komposisi yang luar biasa diberikan oleh kejelasan garis-garis yang membentuk angka, serta penguasaan dan penggunaan teknik peralihan cahaya dalam bayang-bayang, dengan bentuk yang dibuat di atas kanvas.

"Potret Pemuzik" adalah satu-satunya potret lelaki di antara karya agung Leonardo da Vinci. Ramai penyelidik mengenal pasti model itu dengan Franchino Gaffurio, pengarah koir Milan. Namun, sebilangan saintis membantah pendapat ini, dengan mengatakan bahawa bukan bupati yang digambarkan di sini, tetapi pemuda biasa, pemuzik. Walaupun terdapat beberapa perincian yang terdapat dalam teknik lukisan da Vinci, pengkritik seni masih meragui kepengarangan Leonardo. Mungkin, keraguan ini dihubungkan dengan penggunaan pada kanvas unsur-unsur ciri tradisi seni potret Lombard.

Teknik potret banyak cara mengingatkan karya Antonello da Messina. Dengan latar belakang rambut kerinting yang subur, garis wajah yang jelas dan tegas menonjol agak tajam. Orang yang cerdas dengan perwatakan yang kuat muncul di hadapan penonton, walaupun pada waktu yang sama dalam pandangannya seseorang dapat menangkap sesuatu yang tidak digali, dimodalkan. Mungkin, pada masa inilah melodi ilahi baru lahir dalam jiwa pemuzik, yang setelah beberapa lama akan memenangi hati banyak orang.

Bagaimanapun, seseorang tidak boleh mengatakan bahawa artis itu berusaha untuk memuliakan seseorang secara artifisial. Tuan dengan lembut dan mahir menyampaikan semua kekayaan dan luas jiwa manusia, tanpa menggunakan hiperbola dan pathos.

Salah satu lukisan yang paling terkenal oleh da Vinci adalah Madonna of the Rocks yang terkenal (1483-1493). Ia dibuat oleh Leonardo untuk para bhikkhu Gereja San Francesco Grande di Milan. Komposisi itu bertujuan untuk menghiasi mezbah di kapel Immacolat.

Terdapat dua versi lukisan, salah satunya disimpan di Louvre di Paris, dan yang lain di Galeri Nasional di London.

Itu adalah Louvre Madonna of the Rocks yang menghiasi mezbah gereja. Para saintis menunjukkan bahawa seniman itu sendiri memberikannya kepada raja Perancis Louis XII. Dia melakukan ini, menurut sejarawan, sebagai tanda terima kasih atas penyertaan raja dalam menyelesaikan konflik yang timbul antara pelanggan lukisan dan artis-artis.

Versi yang dipersembahkan digantikan oleh lukisan lain, yang kini ada di Galeri Nasional London. Pada tahun 1785, Hamilton tertentu membelinya dan membawanya ke England.

Ciri khas Madonna of the Rocks adalah penyatuan tokoh manusia dengan pemandangan. Ini adalah gambar pertama seniman agung, di mana gambar-gambar orang suci saling berkaitan dengan alam, yang diilhami oleh kehadiran mereka. Untuk pertama kalinya dalam karya tuan, tokoh-tokoh itu tidak digambarkan dengan latar belakang elemen struktur senibina, tetapi seolah-olah tertutup dalam lanskap berbatu yang keras. Perasaan ini juga tercipta dalam komposisi kerana permainan cahaya dan bayangan jatuh yang istimewa.

Imej Madonna disajikan di sini dengan cara yang luar biasa spiritual dan tidak digali. Cahaya lembut jatuh di wajah malaikat. Artis membuat banyak lakaran dan sketsa sebelum watak-wataknya menjadi hidup dan gambar mereka menjadi terang dan ekspresif. Salah satu lakaran menggambarkan kepala malaikat. Kami tidak tahu sama ada gadis atau lelaki. Tetapi satu perkara dapat dikatakan dengan pasti: ini adalah makhluk yang tidak dapat digali, penuh dengan kelembutan, kebaikan, kesucian. Keseluruhan gambaran itu dipenuhi dengan rasa tenang, tenang dan sunyi.

Versi, yang ditulis oleh tuan kemudian, berbeza dari yang pertama dalam beberapa perincian: lingkaran cahaya muncul di atas kepala orang-orang kudus, John Pembaptis kecil memegang salib, kedudukan malaikat berubah. Dan teknik pelaksanaan itu sendiri menjadi salah satu sebab untuk mengaitkan kepengarangan gambar itu kepada para pelajar Leonardo. Di sini semua gambar disajikan lebih dekat, pada skala yang lebih besar, dan selain itu, garis-garis yang membentuknya lebih ketara, bahkan berat, lebih runcing. Kesan ini dibuat dengan menebalkan bayang-bayang dan menyoroti tempat-tempat individu dalam komposisi.

Versi kedua gambar, menurut pengkritik seni, lebih biasa, biasa. Mungkin sebabnya adalah kenyataan bahawa lukisan itu disiapkan oleh pelajar Leonardo. Walau bagaimanapun, ini tidak mengurangkan nilai kanvas. Hasrat artis jelas kelihatan di dalamnya, tradisi tuan dalam pembuatan dan ekspresi gambar dapat dijejaki dengan baik.

Tidak kurang menarik adalah sejarah lukisan terkenal oleh Leonardo da Vinci "Annunciation" (1470-an). Penciptaan lukisan itu bermula pada masa awal karya seniman, hingga masa belajar dan bekerja di studio Andrea Verrocchio.

Sejumlah elemen teknik penulisan memungkinkan untuk menyatakan dengan yakin bahawa pengarang karya agung itu adalah Leonardo da Vinci dan tidak termasuk penyertaan Verrocchio atau pelajarnya yang lain dalam penulisannya. Walau bagaimanapun, beberapa perincian dalam komposisi adalah ciri tradisi seni sekolah Verrocchio. Ini menunjukkan bahawa pelukis muda, walaupun keaslian dan bakatnya sudah ada pada masa itu, masih ada tahap pengaruh gurunya.

Komposisi lukisannya cukup sederhana: pemandangan, vila desa, dua tokoh - Mary dan malaikat. Pada latar belakang
kita melihat kapal, beberapa bangunan, sebuah pelabuhan. Kehadiran perincian sedemikian tidak sepenuhnya merupakan ciri karya Leonardo, dan ini bukan yang utama di sini. Lebih penting bagi artis untuk menunjukkan gunung-gunung yang tersembunyi di dalam kabut kabus, yang berada di kejauhan, dan langit yang terang dan hampir telus. Gambaran penuh semangat seorang wanita muda yang menunggu kabar baik dan malaikat sangat cantik dan lembut. Garis-garis bentuknya ditopang dengan cara da Vinci, yang memungkinkan pada satu masa untuk mendefinisikan kanvas sebagai karya yang tergolong dalam sikat awal Leonardo.

Teknik pelaksanaan perincian kecil juga merupakan ciri tradisi tuan terkenal: bangku-bangku yang digilap, parapet batu, pemegang buku yang dihiasi dengan cabang-cabang tumbuh-tumbuhan yang luar biasa. By the way, sarkofagus makam Giovanni dan Piero Medici, yang dipasang di gereja San Lorenzo, dianggap sebagai prototaip yang terakhir. Unsur-unsur ini, yang wujud dalam sekolah Verrocchio dan ciri-ciri yang terakhir, agak dipikirkan semula oleh da Vinci. Mereka hidup, besar, harmoni ditenun ke dalam komposisi keseluruhan. Nampaknya pengarang telah menetapkan dirinya sebagai tujuan, sebagai dasar repertoar gurunya, untuk mengungkap dunia bakatnya, menggunakan teknik dan cara ekspresi artistiknya sendiri.

Pada masa ini, salah satu varian lukisan terdapat di Galeri Uffizi di Florence. Versi kedua komposisi disimpan di Louvre di Paris.

Lukisan Louvre dibina agak lebih kompleks daripada versi sebelumnya. Di sini, garis-garis yang betul dari segi geometri dinding tembok batu jelas kelihatan, coraknya diulang oleh bangku-bangku yang terletak di belakang sosok Maria. Gambar yang dibawa ke depan diletakkan dalam komposisi dengan tepat dan logik. Pakaian Maria dan malaikat, berbanding dengan versi pertama, ditulis dengan lebih ekspresif dan konsisten. Maria, dengan kepalanya tertunduk rendah, mengenakan gaun biru gelap dengan jubah biru langit yang tersarung di bahunya, terlihat seperti makhluk yang tidak digali. Warna-warna gelap pakaian semakin cerah dan memancarkan keputihan wajahnya. Tidak kurang ekspresif adalah gambaran malaikat yang membawa kabar baik kepada Madonna. Jubah beludru kekuningan, jubah merah pekat dengan tirai halus turun ke bawah melengkapkan gambar malaikat yang luar biasa.

Yang paling menarik perhatian dalam komposisi akhir adalah pemandangan yang dilukis dengan baik oleh tuan: tanpa sebarang konvensyen, pokok-pokok tumbuh di kejauhan, hampir kelihatan, biru muda, langit yang telus, gunung-gunung yang disembunyikan oleh kabut cahaya, bunga segar di bawah kaki bidadari.

Lukisan "Saint Jerome" merujuk pada zaman karya Leonardo da Vinci di studio Andrea Verrocchio (yang disebut sebagai zaman karya seniman Florentine). Kanvas itu masih belum selesai. Tema utama komposisi adalah pahlawan kesepian, pendosa yang bertobat. Badannya kering kerana lapar. Namun, penampilannya, penuh tekad dan kehendak, adalah ungkapan jelas tentang ketabahan dan kekuatan rohani seseorang. Tanpa gambar yang dibuat oleh Leonardo, kita tidak akan menemui dualitas, kekaburan pandangan.

Watak-watak dalam lukisannya selalu menunjukkan tahap semangat dan perasaan mendalam yang pasti.

Kepala pertapa yang dilukis dengan mahir juga memberi kesaksian kepada kepengarangan Leonardo. Tidak banyak penyebaran biasa yang membicarakan penguasaan teknik melukis yang sangat baik dan pengetahuan tuan tentang selok-belok anatomi tubuh manusia. Walaupun perlu membuat pesanan kecil: dalam banyak aspek artis itu mengikuti tradisi Andrea del Castagno dan Domenico Veneziano, yang pada gilirannya berasal dari Antonio Pollaiolo.

Sosok Jerome sangat ekspresif. Nampaknya pertapa yang berlutut semuanya diarahkan ke hadapan. Di sebelah kanan
dia memegang batu di tangannya, sekali lagi - dan dia akan memukul dadanya dengan itu, mencucuk tubuhnya dan mengutuk jiwanya kerana dosa-dosanya ...

Pembinaan komposisi gambar juga menarik. Semua itu ternyata, sebagaimana adanya, tertutup lingkaran, yang dimulai dari batu, dilanjutkan dengan sosok singa, yang terletak di kaki orang yang bertobat, dan berakhir dengan sosok pertapa.

Mungkin yang paling popular dari semua karya seni rupa dunia adalah "La Gioconda". Fakta menarik ialah, setelah menyelesaikan karya potret, artis itu tidak berpisah dengannya sehingga kematiannya. Kemudian, lukisan itu sampai kepada raja Perancis Francis I, yang meletakkannya di Louvre.

Semua sarjana seni bersetuju bahawa lukisan itu dilukis pada tahun 1503. Walau bagaimanapun, masih terdapat kontroversi mengenai prototaip gadis muda yang digambarkan dalam potret tersebut. Dipercayai (tradisi berasal dari penulis biografi terkenal Giorgio Vasari) bahawa potret itu menggambarkan isteri seorang warga Florentine Francesco di Giocondo, Mona Lisa.

Melihat gambar tersebut, kita dapat mengatakan dengan yakin bahawa artis telah mencapai kesempurnaan dalam mencipta imej manusia. Di sini tuan bertolak dari cara membuat potret yang telah diterima dan diterima secara meluas. La Gioconda dilukis dengan latar belakang yang terang dan, lebih-lebih lagi, diputar dalam tiga perempat giliran, pandangannya diarahkan langsung ke penonton - ini baru dalam seni potret pada masa itu. Terima kasih kepada landskap terbuka, yang terletak di belakang punggung gadis itu, sosok yang terakhir ternyata, sebagaimana adanya, adalah sebahagian dari lanskap, bergabung dengan harmoni dengannya. Ini dicapai kerana teknik seni dan grafik khas yang dibuat oleh Leonardo dan digunakan dalam karyanya - sfumato. Intinya terletak pada kenyataan bahawa garis kontur digariskan secara tidak jelas, mereka kabur, dan ini menimbulkan komposisi perasaan penggabungan, interpenetrasi bahagian-bahagiannya.

Dalam potret, teknik seperti itu (penyatuan tokoh manusia dan landskap semula jadi berskala besar) menjadi cara untuk mengungkapkan idea falsafah: dunia manusia sama besar, berskala besar dan beragam seperti dunia alam di sekitar kita . Tetapi, sebaliknya, tema utama komposisi dapat dikemukakan sebagai kemustahilan pengetahuan penuh tentang pemikiran manusia tentang alam semula jadi. Dengan pemikiran inilah banyak pengkritik seni mengaitkan senyuman ironis yang membeku di bibir Mona Lisa. Dia sepertinya berkata: "Semua usaha seseorang untuk mengenal dunia sama sekali sia-sia dan sia-sia."

Potret La Gioconda, menurut para sarjana seni, adalah salah satu pencapaian tertinggi Leonardo da Vinci. Di dalamnya, artis itu benar-benar dapat mewujudkan dan meluahkan sepenuhnya idea keharmonian dan kehebatan dunia, idea keutamaan akal dan seni.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, pelukis, pemahat, arkitek dan penyair Itali, dilahirkan di Caprese berhampiran Florence pada 6 Mac 1475. Ayah Michelangelo, Lodovico Buonarroti, adalah walikota kota Caprese. Dia bermimpi bahawa anaknya akan segera menggantikannya dalam jawatannya. Namun, bertentangan dengan keinginan ayahnya, Michelangelo memutuskan untuk mengabdikan hidupnya untuk melukis.

Pada tahun 1488 Michelangelo pergi ke Florence dan memasuki sebuah sekolah seni di sana, yang kemudian diarahkan oleh master seni rupa terkenal, Domenico Ghirlandaio. Setahun kemudian, pada tahun 1489, artis muda itu sudah bekerja di bengkel yang diasaskan oleh Lorenzo Medici. Di sini pemuda itu belajar melukis dari artis dan pemahat terkenal lain pada zamannya, Bertoldo di Giovanni, yang merupakan pelajar Donatello. Dalam bengkel ini, Michelangelo bekerjasama dengan Angelo Poliziano dan Pico della Mirandola, yang sangat mempengaruhi pembentukan kaedah seni pelukis muda. Namun, karya Michelangelo ternyata tidak ditutup di ruang lingkaran Lorenzo Medici. Bakatnya terus berkembang. Perhatian artis semakin tertarik pada gambar-gambar kepahlawanan besar karya Giotto dan Masaccio yang hebat.

Pada separuh pertama tahun 90-an. Pada abad ke-15, patung pertama yang dibuat oleh Michelangelo muncul: "Madonna at the Stairs" dan "Battle of the Centaurs".

Dalam "Madonna" seseorang dapat melihat pengaruh cara penggambaran artistik yang diterima umum dalam seni masa itu. Dalam karya Michelangelo, terdapat perincian yang sama mengenai keplastikan angka. Walau bagaimanapun, walaupun di sini kita dapat melihat teknik semata-mata pengukir muda, yang terwujud dalam penciptaan gambar yang gagah berani.

Bantuan "Battle of the Centaurs" tidak lagi mengandungi jejak pengaruh luar. Karya ini adalah karya bebas pertama dari master berbakat yang menunjukkan gaya peribadinya. Pada kelegaan, gambaran mitologi pertempuran Lapiths dengan centaur muncul dalam kandungan penuh di hadapan penonton. Adegan ini terkenal dengan drama dan realisme yang luar biasa, yang dinyatakan oleh plastik dari gambar yang digambarkan dengan tepat. Arca ini boleh dianggap sebagai pujian bagi pahlawan, kekuatan dan kecantikan manusia. Di sebalik semua drama plot, komposisi keseluruhannya mengandungi keharmonian dalaman yang mendalam.

Para sarjana seni menganggap "Battle of the Centaurs" sebagai titik permulaan karya Michelangelo. Mereka mengatakan bahawa genius artis berasal tepat dalam karya ini. Kelegaan, yang berkaitan dengan karya awal tuan, adalah semacam gambaran keseluruhan kekayaan seni artistik Michelangelo.

Dari 1495 hingga 1496 Michelangelo Buonarroti berada di Bologna. Di sini dia berkenalan dengan kanvas Jacopo della Quercia, yang menarik perhatian artis muda dengan monumen gambar yang dibuat.

Pada tahun 1496, tuannya menetap di Rom, di mana dia mempelajari keplastikan dan cara pelaksanaan patung antik yang baru ditemui, termasuk batang tubuh Laocoon dan Belvedere. Cara artistik pemahat Yunani kuno dicerminkan oleh Michelangelo di Bacchus.

Dari tahun 1498 hingga 1501, artis tersebut mengusahakan penciptaan kumpulan marmar yang disebut "Pieta" dan membawa kemasyhuran Michelangelo sebagai salah satu tuan Itali pertama. Keseluruhan adegan, yang menggambarkan seorang ibu muda menangis di atas mayat puteranya yang dibunuh, dipenuhi dengan perasaan dermawan dan kelembutan yang luar biasa. Bukan suatu kebetulan bahawa artis itu memilih seorang gadis muda sebagai model - satu gambaran yang menggambarkan kesucian rohani.

Karya tuan muda ini, yang memperlihatkan pahlawan yang ideal, berbeza dengan arca yang dibuat pada abad ke-15. Gambar Michelangelo lebih mendalam dan lebih psikologi. Perasaan sedih dan sedih disampaikan secara halus melalui ekspresi khas wajah ibu, kedudukan tangannya, badannya, lekuk-lekuknya yang ditekankan oleh tirai lembut pakaian. Gambaran yang terakhir, dengan cara, dapat dianggap sebagai langkah mundur dalam pekerjaan tuan: perincian terperinci mengenai unsur-unsur komposisi (dalam kes ini, lipatan pakaian dan tudung) adalah ciri ciri seni Pra-Renaissance. Komposisi keseluruhannya sangat ekspresif dan menyedihkan, yang merupakan ciri khas karya pemahat muda.

Pada tahun 1501 Michelangelo, yang sudah menjadi master arca terkenal di Itali, kembali berangkat ke Florence. Di sinilah marmarnya "David". Tidak seperti pendahulunya (Donatello dan Verrocchio), Michelangelo menggambarkan pahlawan muda itu yang baru bersiap sedia untuk berperang. Patung besar (tingginya 5.5 m) menyatakan kehendak seseorang yang luar biasa kuat, kekuatan fizikal dan keindahan tubuhnya. Imej seseorang dalam benak Michelangelo mirip dengan sosok-sosok raksasa raksasa mitologi. Daud muncul di sini sebagai perwujudan idea orang yang sempurna, kuat dan bebas, siap mengatasi segala rintangan di jalannya. Semua nafsu yang mendidih dalam jiwa pahlawan disampaikan melalui pergantian badan dan ekspresi di wajah David, yang menceritakan wataknya yang tegas dan berkeinginan kuat.

Bukan suatu kebetulan bahawa patung Daud menghiasi pintu masuk ke Palazzo Vecchio (bangunan pemerintahan kota Florence) sebagai simbol kekuatan, kekuatan luar biasa dan kemerdekaan negara kota. Keseluruhan komposisi menunjukkan keharmonian jiwa manusia yang kuat dan badan yang sama kuat.

Pada tahun 1501, bersama dengan patung Daud, karya pertama monumental ("Battle of Kashin") dan easel ("Madonna Doni" dalam format bulat) muncul. Yang terakhir ini disimpan di Galeri Uffizi di Florence.

Pada tahun 1505 Michelangelo kembali ke Rom. Di sini dia mengusahakan penciptaan makam Paus Julius II. Menurut rencana, makam itu seharusnya merupakan struktur seni bina yang megah, di sekitarnya akan ada 40 patung yang diukir dari marmer, dan relief perunggu. Namun, setelah beberapa waktu, Paus Julius II menolak perintahnya, dan rencana megah Michelangelo tidak ditakdirkan untuk menjadi kenyataan. Sumber menunjukkan bahawa pelanggan agak kasar kepada tuannya, akibatnya dia, yang menghina intinya, memutuskan untuk meninggalkan ibu kota dan kembali lagi ke Florence.

Namun, pihak berkuasa Florentine meyakinkan pemahat terkenal untuk berdamai dengan Paus. Segera dia beralih ke Michelangelo dengan proposal baru - untuk menghiasi siling Kapel Sistine. Tuan, yang menganggap dirinya sebagai pengukir, menerima pesanan itu dengan enggan. Walaupun begitu, dia mencipta kanvas yang masih merupakan karya seni dunia yang terkenal dan telah meninggalkan ingatan pelukis selama beberapa generasi.

Harus diingat bahawa Michelangelo mengerjakan lukisan siling, yang luasnya lebih dari 600 meter persegi. m, bersendirian, tanpa pembantu. Namun, empat tahun kemudian lukisan dinding itu selesai sepenuhnya.

Seluruh permukaan siling untuk lukisan dibahagikan kepada beberapa bahagian. Tempat tengahnya dihuni oleh sembilan pemandangan yang menggambarkan penciptaan dunia, serta kehidupan orang-orang pertama. Di sudut masing-masing adegan itu adalah tokoh pemuda telanjang. Di sebelah kiri dan kanan komposisi ini, terdapat lukisan dinding yang menggambarkan tujuh nabi dan lima orang peramal. Siling, peti besi melengkung dan pelucutan dihiasi dengan pemandangan alkitabiah yang terpisah. Harus diingat bahawa angka Michelangelo mempunyai skala yang berbeza di sini. Teknik khas ini membolehkan penulis memusatkan perhatian penonton pada episod dan gambar yang paling penting.

Sehingga kini, para saintis seni bingung dengan masalah konsep ideologi lukisan dinding. Faktanya ialah semua plot yang dibuatnya ditulis melanggar urutan logik perkembangan plot alkitabiah. Jadi, misalnya, lukisan "Nuh Keracunan" mendahului komposisi "Pemisahan cahaya dari kegelapan", walaupun harus sebaliknya. Walau bagaimanapun, subjek yang tersebar seperti itu sama sekali tidak mencerminkan kemahiran seni pelukis. Nampaknya, masih lebih penting bagi artis untuk tidak mengungkapkan isi naratifnya, tetapi sekali lagi (seperti dalam patung "David") untuk menunjukkan keharmonian jiwa manusia yang indah dan luhur dan tubuhnya yang kuat dan kuat.
Ini disahkan oleh gambar tuan rumah tua seperti titanium (lukisan "Penciptaan Matahari dan Bulan"), yang mencipta lampu.

Dalam hampir semua lukisan dinding yang menceritakan tentang penciptaan dunia, seorang lelaki raksasa muncul di hadapan penonton, di mana, atas permintaan pencipta, kehidupan, tekad, kekuatan dan akan terbangun. Idea kemerdekaan adalah utas yang berterusan dalam lukisan "Kejatuhan", di mana Hawa, meraih buah terlarang, seolah-olah melemparkan tantangan kepada takdir, menyatakan keinginan yang tegas untuk kebebasan. Gambar-gambar lukisan dinding Banjir, watak-watak yang mempercayai kelangsungan hidup dan keluarga, juga penuh dengan kelenturan dan kehausan yang sama.

Gambar saudara dan nabi dilambangkan oleh tokoh-tokoh yang mempersonakan perasaan yang kuat dan keperibadian watak yang cerah. Joel yang bijak di sini bertentangan dengan Yehezkiel yang putus asa. Penonton kagum dengan gambar-gambar Yesaya yang indah dan indah, yang ditunjukkan pada saat ramalan, si saudara Delphic dengan mata yang besar dan jernih.

Di atas, kesedihan dan monumenitas gambar yang dibuat oleh Michelangelo telah diperhatikan lebih dari sekali. Fakta menarik adalah bahawa apa yang disebut. tokoh pembantu ternyata dikurniakan penguasa ciri yang sama dengan watak utama. Imej pemuda, yang terletak di sudut lukisan individu, adalah perwujudan kegembiraan hidup yang dialami oleh seseorang dan kesadaran akan kekuatan rohani dan jasmani sendiri.

Pengkritik seni dengan tepat menganggap lukisan Kapel Sistine sebagai karya yang menyelesaikan tempoh pembentukan kreatif Michelangelo. Di sini tuan telah berjaya membahagikan plafond sehingga, walaupun terdapat pelbagai subjek, lukisan dinding secara keseluruhannya menimbulkan kesan harmoni dan kesatuan gambar yang dibuat oleh artis.

Sepanjang keseluruhan masa kerja Michelangelo di lukisan dinding, kaedah seni artis secara beransur-ansur berubah. Watak kemudian disajikan dalam skala yang lebih besar - ini secara signifikan meningkatkan monumen mereka. Sebagai tambahan, skala gambar yang begitu besar menyebabkan plastik gambar menjadi lebih rumit. Bagaimanapun, ini sama sekali tidak mempengaruhi ekspresi gambar. Mungkin, di sini lebih daripada di tempat lain, bakat seorang pengukir dimanifestasikan, yang berjaya menyampaikan setiap garis pergerakan tokoh manusia secara halus. Seseorang mendapat gambaran bahawa lukisan itu tidak dilukis dengan cat, tetapi merupakan relief volumetrik yang terpahat dengan mahir.

Sifat lukisan dinding di bahagian siling yang berbeza adalah berbeza. Sekiranya bahagian tengah mengekspresikan suasana yang paling optimis, maka di peti besi melengkung terdapat gambar yang menggambarkan semua warna perasaan suram: kedamaian, kesedihan dan kegelisahan diganti di sini oleh kebingungan dan kebas.

Tafsiran Michelangelo mengenai gambar nenek moyang Kristus juga menarik. Sebahagian daripada mereka meluahkan perasaan kekeluargaan. Sebaliknya, yang lain penuh dengan kedengkian dan kebencian antara satu sama lain, yang bukan tipikal dari pahlawan alkitabiah yang dipanggil untuk membawa cahaya dan kebaikan kepada dunia. Pengkritik seni menganggap penambahan kapel kemudian menjadi manifestasi kaedah seni baru, permulaan tempoh baru secara kualitatif dalam karya pelukis induk terkenal.

Pada tahun 20-an. Pada abad ke-16, karya-karya Michelangelo muncul, yang bertujuan untuk menghiasi makam Paus Julius II. Perintah untuk pembinaan yang terakhir itu diterima oleh pemahat terkenal dari pewaris Paus. Dalam versi ini, makam itu seharusnya lebih kecil dengan bilangan patung minimum. Tidak lama kemudian, tuan menyelesaikan pekerjaan pelaksanaan tiga patung: patung dua hamba dan Musa.

Michelangelo menggarap gambar tawanan sejak tahun 1513. Tema utama karya ini adalah seorang lelaki yang memerangi kekuatan yang memusuhi dia. Di sini, tokoh monumental pahlawan yang berjaya digantikan oleh watak-watak yang binasa dalam perjuangan yang tidak setara dengan kejahatan. Lebih-lebih lagi, gambar-gambar ini berubah menjadi bawahan bukan kepada satu tujuan dan tugas artis, melainkan mewakili jalinan emosi dan perasaan.

Keserbagunaan gambar dinyatakan dengan bantuan sejenis kaedah artistik dan bergambar yang digunakan oleh tuan. Sekiranya sampai masa itu Michelangelo cuba menunjukkan sosok atau kumpulan patung dari satu sisi, sekarang gambar yang dibuat oleh artis itu menjadi plastik, berubah. Bergantung pada sisi patung mana penonton berada, ia memperoleh garis besar tertentu, dan masalah ini atau itu menjadi lebih serius.

Penjara Terikat boleh menjadi gambaran di atas. Oleh itu, jika penonton berjalan mengelilingi patung itu mengikut arah jam, maka dia akan dengan mudah melihat yang berikut: pertama, sosok tahanan yang diikat dengan kepalanya dilemparkan ke belakang dan badan yang tidak berdaya menyatakan penderitaan tidak berperikemanusiaan kerana kesedaran tentang kekuatannya sendiri, kelemahan jiwa dan raga manusia. Namun, ketika anda bergerak lebih jauh di sekitar arca, gambarnya berubah dengan ketara. Kelemahan bekas banduan itu hilang, ototnya dipenuhi kekuatan, kepalanya naik dengan bangga. Dan sekarang di depan pemirsa bukan lagi seorang martir yang keletihan, tetapi tokoh pahlawan titan yang kuat, yang oleh beberapa kemalangan yang tidak masuk akal mendapati dirinya terbelenggu. Nampaknya sekejap lagi - dan ikatan akan putus. Walau bagaimanapun, ini tidak berlaku. Melangkah lebih jauh, penonton melihat bagaimana tubuh manusia kembali lemah, kepalanya turun. Dan di sini sekali lagi di hadapan kita adalah seorang tahanan yang menyedihkan, mengundurkan diri pada nasibnya.

Kebolehubahan yang sama dapat dilihat pada patung Dying Prisoner. Semasa penonton maju, penonton melihat bagaimana tubuh, berdetak dalam kesakitan, secara beransur-ansur menenangkan dan menjadi mati rasa, membangkitkan idea tentang keheningan dan kedamaian abadi.

Patung-patung para tahanan sangat ekspresif, yang dihasilkan kerana perpindahan realiti pergerakan keperibadian. Mereka hidup secara harfiah di hadapan penonton. Kekuatan pelaksanaan patung tawanan hanya dapat dibandingkan dengan patung terawal tuan - "Pertempuran Centaur".

Patung "Musa", berbeza dengan "Tawanan", agak tersekat pada wataknya, tetapi tidak kurang ekspresif. Di sini Michelangelo sekali lagi berubah untuk mencipta imej pahlawan manusia titanic. Tokoh Musa adalah perwujudan pemimpin, pemimpin, orang dengan kehendak yang luar biasa kuat. Hakikatnya terungkap sepenuhnya berbanding dengan David. Sekiranya yang terakhir melambangkan keyakinan terhadap kekuatan dan kekalahannya, maka Musa di sini adalah keperibadian idea bahawa kemenangan memerlukan usaha yang besar. Ketegangan rohani pahlawan ini disampaikan oleh tuan bukan hanya melalui ekspresi mengerikan di wajahnya, tetapi juga melalui keplastikan sosok: garis lipatan pakaian yang membengkak tajam, helai janggut Musa yang terbalik.

Sejak 1519 Michelangelo telah berusaha untuk membuat empat patung tawanan lagi. Namun, mereka tetap belum selesai. Selepas itu, mereka menghiasi gua di Taman Boboli, yang terletak di Florence. Pada masa ini, patung-patung itu disimpan di Florentine Academy. Dalam karya-karya ini, muncul tema baru untuk Michelangelo: hubungan antara patung patung dan blok batu yang diambil sebagai bahan sumber. Pemahat di sini mengemukakan idea tujuan utama artis: untuk membebaskan gambar dari belenggu batu. Kerana kenyataan bahawa patung-patung itu ternyata adalah batu-batu yang belum selesai dan tidak berfungsi jelas terlihat di bahagian bawahnya, penonton dapat melihat keseluruhan proses membuat gambar. Konflik seni baru ditunjukkan di sini: seseorang dan dunia di sekelilingnya. Lebih-lebih lagi, konflik ini tidak dapat diselesaikan untuk memihak kepada orang itu. Semua perasaan dan hasratnya ditekan oleh persekitaran.

Lukisan Kapel Medici di Florence adalah karya yang menandakan berakhirnya pentas High Renaissance dan pada masa yang sama merupakan pentas baru dalam karya Michelangelo. Karya ini dilaksanakan selama 15 tahun, dari tahun 1520 hingga 1534. Untuk beberapa waktu, artis tersebut terpaksa menangguhkan kerja sehubungan dengan peristiwa politik yang berlaku di Itali pada masa itu. Pada tahun 1527, sebagai tindak balas atas kekalahan Rom, Florence mengisytiharkan dirinya sebagai sebuah republik.

Michelangelo, sebagai penyokong struktur negara republik, terpilih untuk jawatan ketua kerja benteng dan memberikan sumbangan besar untuk pertahanan kota. Ketika Florence jatuh dan orang-orang Medici kembali berkuasa, ancaman kematian yang serius menimpa artis terkenal itu, dan sekarang juga seorang ahli politik. Keselamatan datang tanpa diduga. Paus Clement VII Medici, sebagai orang yang sombong dan sombong, menyatakan hasrat untuk meninggalkan ingatan tentang dirinya dan kerabatnya kepada anak cucu. Siapa lagi selain Michelangelo, yang terkenal dengan seni melukis lukisan yang indah dan membuat patung-patung yang sangat baik, dapat melakukan ini?

Oleh itu, kerja pembinaan Kapel Medici disambung semula. Yang terakhir adalah struktur kecil dengan dinding tinggi, di atas dengan kubah di bahagian atas. Kapel itu mengandungi dua kubur: Dukes Giuliano dari Nemours dan Lorenzo dari Urbino, yang terletak di sepanjang dinding. Di dinding ketiga, di seberang mezbah, berdiri patung Madonna. Di sebelah kiri dan di sebelah kanannya, ada patung yang menggambarkan gambar Saints Cosmas dan Damian. Sudah terbukti bahawa mereka dibuat oleh murid-murid dari tuan agung. Para penyelidik menyatakan bahawa di kubur Medici itulah patung-patung "Apollo" (nama lain - "David") dan "Crouching Boy" juga dibuat.

Bersama dengan patung-patung para duk, yang tidak memiliki kemiripan luaran dengan prototaip mereka, diletakkan tokoh-tokoh kiasan: "Pagi", "Siang", "Petang" dan "Malam". Mereka dipersembahkan di sini sebagai simbol peredaran masa duniawi dan kehidupan manusia. Patung-patung yang terletak di ceruk sempit membangkitkan kesan kemurungan, kedatangan sesuatu yang dahsyat dan mengerikan. Tokoh volumetrik duk, yang dihancurkan oleh dinding batu dari semua sisi, menunjukkan keretakan spiritual dan kekosongan gambar.

Yang paling harmoni dalam ensemble ini adalah imej Madonna. Tidak ekspresif dan penuh dengan lirik, tidak jelas dan tidak dibebani garis gelap.

Kapel Medici mempunyai kepentingan khusus dari segi kesatuan seni bentuk seni bina dan ukiran. Garis-garis bangunan dan patung-patung itu diselaraskan di sini oleh satu idea artis. Kapel adalah contoh paling jelas mengenai sintesis dan harmoni interaksi dua seni - arca dan seni bina, di mana bahagian-bahagiannya secara harmoni melengkapi dan mengembangkan makna unsur-unsur yang lain.

Sejak tahun 1534 Michelangelo meninggalkan Florence dan menetap di Rom, di mana ia tinggal sehingga akhir hayatnya. Zaman Rom kreativiti maharaja berlalu dalam keadaan perjuangan Counter-Reformation menentang idea-idea yang dimuliakan oleh para penulis, pelukis dan pemahat Renaissance. Seni Mannerists menggantikan kreativiti yang terakhir.

Di Rom, Michelangelo menjadi dekat dengan orang-orang yang membentuk lingkaran agama dan falsafah yang dipimpin oleh penyair Itali yang terkenal pada masa itu Vittoria Colonna. Namun, seperti pada masa mudanya, pemikiran dan gagasan Michelangelo jauh dari pemikiran yang melayang di kepala lingkaran. Sebenarnya, tuan itu tinggal dan bekerja di Rom dalam persekitaran kesalahpahaman dan kesepian rohani.

Pada waktu inilah (1535-1541) lukisan dinding Penghakiman Terakhir muncul, yang menghiasi dinding mezbah Kapel Sistina.

Kisah alkitabiah di sini ditafsirkan semula oleh pengarang. Gambaran tentang Penghakiman Terakhir dilihat oleh penonton bukan sebagai permulaan yang positif, kemenangan keadilan tertinggi, melainkan sebagai tragedi manusia biasa atas kematian seluruh bangsa, seperti Kiamat. Tokoh-tokoh besar memperagakan drama komposisi.

Sifat gambar secara spontan sepenuhnya sesuai dengan tugas artis - untuk menunjukkan orang yang hilang dalam jumlah besar. Berkat penyelesaian gambar seni ini, penonton mempunyai perasaan kesepian di dunia ini dan tidak berdaya di hadapan kekuatan bermusuhan, yang tidak ada gunanya bertengkar. Nota-nota tragis memperoleh suara yang lebih menusuk juga kerana tuannya tidak memiliki gambaran monolitik kolektif orang yang terpadu (seperti yang akan disajikan di kanvas para seniman Zaman Akhir Zaman), masing-masing hidup sendiri kehidupan. Namun, prestasi pelukis yang tidak diragukan dapat dianggap sebagai kenyataan bahawa dia menunjukkan massa manusia yang tidak koheren, tetapi tidak lagi bersifat pribadi.

Dalam The Last Judgment, Michelangelo menyajikan teknik warna yang sangat ekspresif. Kontras badan telanjang ringan dan langit hitam-biru gelap meningkatkan kesan ketegangan dan kemurungan tragis dalam komposisi.

Michelangelo. Penghakiman Terakhir. Fresco Kapel Sistine di Vatikan. Serpihan. 1535-1541

Antara tahun 1542 dan 1550, Michelangelo melukis dinding Kapel Paolina di Vatikan. Kuas pelukis besar milik dua lukisan dinding, salah satunya kemudian disebut "Penukaran Paulus", dan yang lain - "Penyaliban Petrus". Pada yang terakhir, dalam watak-watak yang menyaksikan pelaksanaan Peter, idea persetujuan diam-diam, tidak aktif dan penyerahan seseorang terhadap nasibnya disajikan sepenuhnya. Orang tidak mempunyai kekuatan fizikal dan mental untuk melawan kekerasan dan kejahatan.

Pada akhir tahun 1530-an. patung lain dari Michelangelo muncul - patung Brutus. Karya ini bertindak sebagai tindak balas dari tuan terkenal terhadap pembunuhan Duke Alessandro Medici yang zalim, yang dilakukan oleh saudara Lorenzo. Terlepas dari motif sebenarnya, tindakan yang terakhir itu disambut dengan gembira oleh artis - penyokong Republik. Imej Brutus dipenuhi dengan pathos sivik, yang diwakili oleh tuan sebagai seorang yang mulia, bangga, berdikari, seorang yang mempunyai fikiran dan hati yang hangat. Di sini, Michelangelo, kembali ke citra orang yang ideal dengan kualiti spiritual dan intelektual yang tinggi.

Tahun-tahun terakhir karya Michelangelo berlalu dalam suasana kehilangan rakan-rakan dan saudara-mara dan reaksi masyarakat yang lebih teruk. Inovasi para kontra-reformis tidak dapat menyentuh karya-karya tuan, di mana idea-idea Renaissance yang paling progresif ditunjukkan: humanisme, cinta kebebasan, pemberontakan kepada nasib. Cukuplah untuk mengatakan bahawa dengan keputusan salah seorang pengagum pembaharuan yang hebat, Paul IV Karaffa, perubahan dibuat pada komposisi Penghakiman Terakhir oleh pelukis terkenal. Paus menemui sosok telanjang orang-orang yang digambarkan di fresco lucah. Atas pesanannya, pelajar Michelangelo Daniele da Volterra menyembunyikan ketelanjangan beberapa gambar Michelangelo dengan tirai jubah.

Karya-karya terakhir Michelangelo - serangkaian gambar dan patung - diserap dengan suasana kesepian yang suram dan menyakitkan dan runtuhnya semua harapan. Karya inilah yang paling jelas menggambarkan percanggahan dalaman tuan yang diakui.

Oleh itu, Yesus Kristus di Pieta dari Palestrina dipersembahkan sebagai pahlawan, yang dipecah oleh serangan kekuatan luar. Gambar yang sama dalam "Pieta" ("Entombment") dari Katedral Florentine sudah lebih biasa dan berperikemanusiaan. Ini bukan lagi pahlawan titan. Ternyata lebih penting bagi artis di sini untuk menunjukkan kekuatan rohani, emosi dan pengalaman watak-watak.

Kontur tubuh Kristus yang patah, gambar seorang ibu membongkok di atas mayat anaknya, Nikodemus menurunkan badan
Yesus di kubur - semuanya tunduk pada satu tugas: untuk menggambarkan kedalaman pengalaman manusia. Juga benar
kelebihan karya-karya ini adalah penguasaan mengatasi perpecahan gambar. Orang-orang dalam lukisan itu disatukan oleh rasa belas kasihan yang mendalam dan kepahitan kehilangan. Teknik Michelangelo ini dikembangkan pada tahap berikutnya dari pembentukan seni Itali, dalam karya para seniman dan pengukir dari Zaman Akhir.

Puncak tahap terakhir kreativiti Michelangelo dapat dianggap sebagai patung, yang kemudian disebut "Pieta Rondanini". Gambar yang ditunjukkan di sini disajikan sebagai perwujudan kelembutan, kerohanian, kesedihan dan kesedihan yang mendalam. Di sini, tidak seperti sebelumnya, tema kesepian manusia di dunia di mana terdapat begitu banyak orang terdengar akut.

Motif yang sama dapat didengar dalam karya-karya grafik kemudian dari tuan besar, yang menganggap melukis sebagai asas asas patung, lukisan dan seni bina.

Imej karya grafik Michelangelo tidak berbeza dengan pahlawan komposisi monumentalnya: wira titan megah yang sama ditunjukkan di sini. Pada masa terakhir karyanya, Michelangelo beralih ke bergambar sebagai genre seni dan visual yang bebas. Jadi, menjelang 30-40an. Abad ke-16 menyaksikan kemunculan komposisi tuan yang paling jelas dan ekspresif, seperti "Kejatuhan Phaeton" dan "Kebangkitan Kristus".

Evolusi kaedah seni artis dapat dikesan dengan mudah pada contoh karya grafik. Sekiranya gambar pertama, dibuat dengan pen, mengandungi gambar gambar yang sangat spesifik dengan garis besar kontur yang agak tajam, maka gambar kemudian menjadi lebih kabur dan lembut. Ringan ini diciptakan kerana seniman itu menggunakan pensil sanguine atau Itali, dengan bantuan garis-garis nipis dan lebih halus dibuat.

Walau bagaimanapun, karya Michelangelo kemudiannya tidak hanya ditandai dengan gambar yang tidak ada harapan. Struktur seni bina tuan agung, yang wujud sejak zaman ini, nampaknya meneruskan tradisi zaman Renaissance. Katedral St. Peter dan kumpulan seni bina Capitol di Rom adalah perwujudan idea-idea Renaissance dari humanisme tinggi.

Michelangelo Buonarroti meninggal di Rom pada 18 Februari 1564. Mayatnya yang dirahsiakan dibawa keluar dari ibu kota dan dihantar ke Florence. Artis hebat itu dikebumikan di gereja Santa Croce.

Karya master lukisan dan arca memainkan peranan penting dalam pembentukan dan pengembangan kaedah seni banyak pengikut Michelangelo. Antaranya ialah Raphael, Mannerists, yang sering menyalin garis gambar yang dibuat oleh pelukis terkenal. Seni Michelangelo tidak kurang pentingnya bagi para seniman era Baroque. Namun, adalah salah untuk mengatakan bahawa gambaran barok (seseorang yang dibawa ke hadapan bukan oleh dorongan dalaman, tetapi oleh kekuatan luaran) mirip dengan pahlawan Michelangelo, memuliakan kemanusiaan, kehendak dan kekuatan dalaman manusia.

Raphael Santi

Raphael Santi dilahirkan di kota kecil Urbino pada tahun 1483. Tidak mungkin untuk menentukan tarikh kelahiran pelukis hebat itu. Menurut beberapa laporan, dia dilahirkan pada 26 atau 28 Mac. Ulama lain mendakwa bahawa tarikh lahir Raphael adalah 6 April 1483.

Menjelang akhir abad ke-15, Urbino menjadi salah satu pusat kebudayaan terbesar di negara ini. Ahli biografi menunjukkan bahawa Raphael belajar dengan ayahnya, Giovanni Santi. Sejak 1495, pemuda itu bekerja di bengkel seni tuan Urbino, Timoteo della Vite.

Karya Raphael yang paling awal masih hidup dianggap sebagai miniatur "The Dream of a Knight" dan "Three Graces". Sudah dalam karya-karya ini, cita-cita humanistik yang diberitakan oleh tuan-tuan Renaissance dapat dilihat sepenuhnya.

Dalam "Impian Ksatria" ada semacam memikirkan kembali tema mitologi Hercules yang menghadapi pilihan: Keberanian atau Kesenangan? .. Raphael menggambarkan Hercules sebagai seorang kesatria muda yang sedang tidur. Di hadapannya ada dua wanita muda: satu - dengan buku dan pedang di tangannya (simbol pengetahuan, keberanian dan prestasi lengan), yang lain - dengan cabang yang mekar, mempersonakan kesenangan dan kesenangan. Keseluruhan komposisi diletakkan dengan latar belakang pemandangan yang indah.

Dalam "Three Graces", sekali lagi, gambar antik disajikan, diambil, kemungkinan besar, dari cameo Yunani kuno (gambar pada batu berharga atau separa berharga).

Walaupun pada hakikatnya pada karya awal artis muda itu terdapat banyak pinjaman, keperibadian kreatif pengarang sudah jelas ditunjukkan di sini. Hal ini dinyatakan dalam lirik gambar, organisasi berirama khas karya, kelembutan garis yang membentuk angka. Keharmonisan gambar yang dilukis yang luar biasa, serta kejelasan dan kejelasan komposisi, yang merupakan ciri dari karya-karya awal Raphael, berbicara mengenai seniman Renaissance Tinggi.

Pada tahun 1500 Raphael meninggalkan kampung halamannya dan pergi ke Perugia, bandar utama Umbria. Di sini dia belajar melukis di studio Pietro Perugino, yang merupakan pengasas sekolah seni dan visual Umbria. Orang-orang sezaman Raphael memberi keterangan: pelajar yang berkebolehan sangat menerapkan gaya penulisan gurunya sehingga kanvas mereka tidak dapat dibezakan. Selalunya, Raphael dan Perugino melaksanakan pesanan itu, bekerja bersama-sama pada gambar.

Namun, adalah salah untuk mengatakan bahawa bakat asal artis muda itu tidak berkembang sama sekali dalam tempoh ini. Ini disahkan oleh "Conestabile Madonna" yang terkenal, yang diciptakan sekitar tahun 1504.

Imej Madonna muncul untuk pertama kalinya di kanvas ini, yang kemudian akan mengambil salah satu tempat utama dalam karya artis. Madonna dilukis dengan latar belakang pemandangan yang indah dengan pokok, bukit dan tasik. Gambar disatukan oleh kenyataan bahawa pandangan Madonna dan bayi ditujukan ke buku yang sedang dibaca oleh ibu muda itu. Kelengkapan komposisi disampaikan bukan hanya oleh tokoh watak utama, tetapi juga oleh bentuk gambar - tondo (bulat), yang sama sekali tidak membatasi kebebasan gambar. Mereka besar dan ringan. Kesan keindahan dan realisme diciptakan berkat penggunaan warna sejuk dan kombinasi khasnya dalam komposisi: tanjung biru tua Madonna, langit biru telus, pohon hijau dan air tasik, gunung bersalji salji dengan puncak putih. Semua ini, ketika melihat gambar, menimbulkan rasa suci dan lembut.

Satu lagi karya Raphael yang terkenal, juga berkaitan dengan masa awal karyanya, adalah kanvas yang dibuat pada tahun 1504 yang disebut "The Betrothal of Mary". Lukisan ini kini disimpan di Galeri Brera di Milan. Pembinaan komposisi mempunyai kepentingan khusus di sini. Pelukis itu memindahkan aksi keagamaan dan ritual pertunangan dari dinding gereja, yang terlihat di kejauhan, ke jalan. Sakramen dilakukan di bawah langit biru terang. Di tengah gambar terdapat imam, di sebelah kiri dan di sebelah kanannya adalah Maria dan Joseph, di sebelahnya terdapat gadis-gadis muda dan lelaki dalam kumpulan kecil. Diletakkan dalam perspektif komposisi, gereja adalah semacam latar belakang yang mana pertunangan berlaku. Dia adalah simbol kecenderungan ilahi dan nikmat bagi Maria dan Joseph. Bingkai kanvas separuh bulat di bahagian atasnya, mengulangi garis kubah gereja, memberikan kelengkapan logiknya pada gambar.

Angka-angka dalam gambar tidak biasa lirik dan pada masa yang sama semula jadi. Di sini, pergerakan, keplastikan tubuh manusia disampaikan dengan tepat dan halus. Contoh yang mencolok adalah sosok budak lelaki di latar depan komposisi yang mematahkan tongkat di lututnya. Maria dan Joseph kelihatan anggun, hampir lembut bagi penonton. Wajah penuh jiwa mereka dipenuhi dengan cinta dan kelembutan. Walaupun terdapat simetri tertentu dalam susunan angka, kanvas tidak kehilangan suara liriknya. Imej yang dibuat oleh Raphael bukanlah skema, mereka adalah orang yang hidup dalam pelbagai ragam perasaan mereka.

Dalam karya ini, untuk pertama kalinya dengan jelas, dibandingkan dengan karya sebelumnya, bakat tuan muda dalam kemampuan untuk mengatur irama komposisi secara halus ditunjukkan. Terima kasih kepada harta tanah ini, gambar struktur seni bina disertakan secara harmoni dalam keseluruhan gambar, yang bukan hanya merupakan elemen landskap Raphael, tetapi juga setara dengan watak utama, memperlihatkan intipati dan wataknya.

Keinginan untuk mencipta irama khas dalam karya ditentukan oleh penggunaan warna-warna nada oleh artis. Oleh itu, komposisi "The Betrothal of Mary" dibina hanya berdasarkan empat warna.

Nada kuning, hijau dan merah keemasan, digabungkan dalam pakaian para pahlawan, landskap, seni bina dan mengatur irama yang diperlukan untuk keseluruhan komposisi, membentuk harmoni dengan nuansa langit biru muda.

Tidak lama lagi, bengkel seni Perugino menjadi terlalu kecil untuk pertumbuhan bakat pelukis. Pada tahun 1504, Raphael memutuskan untuk pindah ke Florence, di mana idea dan estetika seni Renaissance Tinggi dikembangkan. Di sini Raphael berkenalan dengan karya Michelangelo dan Leonardo da Vinci. Adalah selamat untuk mengatakan bahawa mereka adalah guru pelukis muda pada tahap pembentukan kaedah kreatifnya. Dalam karya tuan-tuan ini, artis muda itu menemukan sesuatu yang tidak ada di sekolah Umbria: gaya asli untuk membuat gambar, keplastikan ekspresif dari tokoh-tokoh yang digambarkan, representasi realiti yang lebih hebat.

Penyelesaian seni dan bergambar baru sudah tercermin dalam karya yang dibuat oleh Raphael pada tahun 1505. Potret dermawan terkenal dari Florence Angelo Doni dan isterinya kini disimpan di Galeri Pitti. Gambar-gambar itu tidak mempunyai keperibadian dan keterlaluan. Ini adalah orang biasa, namun dikurniakan sifat manusia yang terbaik, di antaranya adalah ketegasan dan kemahuan yang kuat.

Di sini, di Florence, Raphael menulis kitaran lukisan yang dikhaskan untuk Madonna. Kanvasnya "Madonna in the Green", "Madonna with a Goldfinch", "Madonna the Gardener" muncul. Komposisi ini adalah varian satu bahagian. Semua kanvas menggambarkan Madonna dan Anak dengan John the Baptist. Angka-angka itu dilatarbelakangi pemandangan yang sangat indah. Gambar Raphael sangat liris, lembut dan lembut. Madonna-nya adalah perwujudan cinta keibuan yang sangat memaafkan dan tenang. Dalam karya-karya ini, terdapat sejumlah sentimen dan kekaguman yang berlebihan terhadap keindahan luaran para pahlawan.

Ciri khas kaedah artistik pelukis dalam tempoh ini adalah kekurangan visi warna yang jelas yang terdapat pada semua tuan sekolah Florentine. Tidak ada warna yang dominan pada kanvas. Imej diberikan dalam warna pastel. Warna bukanlah perkara utama bagi seorang artis. Lebih penting baginya untuk menyampaikan garis-garis yang membentuk angka seakurat mungkin.

Contoh pertama lukisan monumental Raphael dibuat di Florence. Antaranya, minat paling besar diciptakan dalam tempoh dari 1506 hingga 1507 "Madonna bersama John the Baptist dan St. Nicholas "(atau" Madonna of Anside "). Kaedah kreatif artis banyak dipengaruhi oleh kanvas pelukis Florentine, terutamanya Leonardo da Vinci dan Fra Bartolomeo.

Pada tahun 1507, ingin membandingkan dengan master terbaik sekolah Florentine, mereka adalah Leonardo da Vinci dan Michelangelo, Raphael membuat kanvas yang cukup besar, yang disebut "The Entombment". Beberapa elemen gambar komposisi adalah pengulangan pelukis terkenal. Jadi, kepala dan badan Kristus dipinjam dari patung Michelangelo "Pieta" (1498-1501), dan gambar seorang wanita yang menyokong Maria - dari kanvas tuan yang sama "Madonna Doni". Banyak pengkritik seni tidak menganggap karya Raphael ini asli, mengungkap bakat asalnya dan ciri kaedah seni dan visual.

Walaupun karya terakhirnya tidak berjaya, pencapaian Raphael dalam seni adalah signifikan. Tidak lama kemudian, sezaman memperhatikan dan mengenali karya seniman muda itu, dan pengarangnya sendiri setaraf dengan pelukis utama Renaissance. Pada tahun 1508, di bawah naungan arkitek terkenal Bramante, rakan senegara Raphael, pelukis itu berangkat ke Rom, di mana dia adalah antara mereka yang dijemput ke istana kepausan.

Julius II, yang pada waktu itu berada di takhta kepausan, dikenal sebagai orang yang sia-sia, tegas dan berkeinginan kuat.
Pada masa pemerintahannya, harta kepausan diperluas melalui perang. Kebijakan "ofensif" yang sama diterapkan dalam kaitannya dengan pengembangan budaya dan seni. Oleh itu, para seniman, pemahat dan arkitek yang paling terkenal dijemput ke istana kepausan. Rom, dihiasi dengan banyak bangunan seni bina, mula berubah dengan ketara: Bramante membina Katedral St. Peter; Michelangelo, setelah sementara menghentikan pembangunan makam Julius II, mulai melukis siling Kapel Sistine. Secara beransur-ansur, lingkaran penyair dan saintis, yang mengabarkan prinsip dan idea humanistik yang tinggi, terbentuk di sekitar Paus. Rafael Santi, yang tiba dari Florence, mendapat suasana seperti itu.

Tiba di Rom, Raphael mula mengerjakan lukisan pangsapuri Paus (yang disebut stanza). Fresco ini diciptakan pada tahun 1509 hingga 1517. Mereka dibezakan dari karya yang serupa oleh master lain dengan sejumlah ciri. Pertama sekali, ini adalah skala lukisan. Sekiranya dalam karya pelukis sebelumnya terdapat beberapa komposisi kecil di satu dinding, maka Raphael memiliki dinding yang terpisah untuk setiap lukisan. Sejajar dengan itu, tokoh yang digambarkan juga "tumbuh".

Selanjutnya, perlu diperhatikan kekayaan lukisan dinding Raphael dengan pelbagai elemen hiasan: siling yang dihiasi dengan marmar buatan dan penyepuhan, komposisi lukisan dinding dan mosaik, lantai yang dicat dengan corak mewah. Namun, kepelbagaian semacam itu tidak menimbulkan kesan berlebihan dan kekacauan. Disusun di tempat mereka dan elemen hiasan yang disusun dengan mahir membangkitkan rasa harmoni, ketertiban dan irama tertentu yang ditetapkan oleh tuan. Hasil daripada inovasi kreatif dan teknikal seperti itu, gambar yang dibuat oleh artis dalam lukisan dapat dilihat dengan jelas oleh penonton dan oleh itu memperoleh kejelasan dan kejelasan yang diperlukan.

Semua lukisan dinding harus mematuhi tema umum: memuliakan Gereja Katolik dan kepalanya. Sehubungan dengan itu, lukisan-lukisan tersebut berdasarkan plot dan pemandangan alkitabiah dari sejarah kepausan (dengan gambar Julius II dan penggantinya Leo X). Namun, dalam Raphael, gambaran konkrit semacam itu memperoleh makna kiasan yang umum, yang memperlihatkan intipati idea-idea humanistik Renaissance.

Yang menarik perhatian dari sudut pandangan ini adalah Stanza della Señatura (bilik tandatangan). Fresko komposisi adalah ungkapan empat bidang aktiviti kerohanian manusia. Oleh itu, lukisan "Pertikaian" menunjukkan teologi, "Sekolah Athena" - falsafah, "Parnassus" - puisi, "Kebijaksanaan, Kesederhanaan dan Kekuatan" - keadilan. Bahagian atas setiap lukisan dinding dimahkotai dengan tokoh kiasan yang mewakili aktiviti tertentu. Di sudut peti besi, terdapat komposisi kecil, yang serupa dengan tema lukisan dinding satu atau yang lain.

Komposisi lukisan di Stanza della Senyatura berdasarkan gabungan subjek alkitabiah dan Yunani kuno (alkitabiah - "Kejatuhan", antik - "Kemenangan Apollo ke atas Marsyas"). Kenyataan bahawa gabungan tema mitologi, pagan dan sekular digunakan untuk menghiasi ruangan kepausan membuktikan sikap orang-orang pada masa itu terhadap dogma agama. Lukisan dinding Raphael menyatakan keutamaan prinsip sekular berbanding gereja-agama.

Fresco kultus agama yang paling terang dan paling mencerminkan adalah lukisan "Perselisihan". Di sini komposisi nampaknya terbahagi kepada dua bahagian: langit dan bumi. Di bawah ini, terdapat tokoh bapa gereja, juga pendeta, penatua dan pemuda. Imej mereka sangat semula jadi, yang dihasilkan dengan bantuan pembiakan realiti keplastikan badan, lilitan dan pergerakan angka. Dante, Savonarola, pelukis Fra Beato Angelico dapat dikenali dengan mudah di sini di antara banyaknya wajah.

Di atas gambar-gambar orang ada gambar yang melambangkan Trinitas Kudus: Tuhan Bapa, tepat di bawahnya - Yesus Kristus bersama Ibu Tuhan dan Yohanes Pembaptis, di bawah mereka - burung merpati - keperibadian Roh Kudus. Di tengah komposisi keseluruhan, sebagai simbol sakramen, ada wafer.

Dalam "Perselisihan" Raphael muncul sebagai tuan komposisi yang tidak tertandingi. Walaupun terdapat banyak simbol, gambar dibezakan oleh kejelasan gambar yang luar biasa dan kejelasan pemikiran yang disampaikan oleh pengarang. Simetri susunan angka di bahagian atas komposisi dilembutkan oleh sosok-sosok yang hampir kacau diletakkan di bahagian bawah komposisi. Oleh itu, beberapa gambaran skema yang pertama hampir tidak dapat dilihat. Unsur komposisi melalui inilah lingkaran separuh: satu lingkaran separuh yang terletak di bahagian atas orang-orang kudus dan rasul di awan dan, sebagai gema, lingkaran separuh orang yang bebas dan lebih semula jadi tokoh di bahagian bawah gambar.

Salah satu lukisan dinding terbaik dan karya Raphael dalam tempoh karyanya ialah lukisan "The School of Athens". Fresco ini adalah perwujudan cita-cita humanistik yang tinggi yang berkaitan dengan seni Yunani Kuno. Artis itu menggambarkan ahli falsafah dan saintis kuno yang terkenal. Di bahagian tengah komposisi terdapat tokoh Plato dan Aristoteles. Tangan Plato menunjuk ke bumi, dan tangan Aristoteles ke surga, yang melambangkan ajaran para ahli falsafah kuno.

Di sebelah kiri Plato adalah sosok Socrates, melakukan perbincangan dengan sekelompok orang, di antaranya wajah Alcibiades muda menonjol, yang tubuhnya dilindungi oleh cangkang, dan kepalanya ditutup dengan topi keledar. Di tangga adalah Diogenes, pengasas sekolah falsafah sinis. Dia diwakili di sini sebagai pengemis yang berdiri di pintu masuk kuil dan meminta sedekah.

Di bahagian bawah komposisi, dua kumpulan orang dipaparkan. Di sebelah kiri adalah sosok Pythagoras yang dikelilingi oleh murid-murid. Di sebelah kanan adalah Euclid, melukis sesuatu di papan tulis, juga dikelilingi oleh pelajar. Di sebelah kanan kumpulan terakhir adalah Zoroaster dan Ptolemy yang dinobatkan dengan sfera di tangannya. Di sekitarnya, pengarang meletakkan potret dirinya dan sosok pelukis Sodoma (dialah yang mula mengerjakan lukisan Stanza della Senyatura). Di sebelah kiri pusat, seniman itu meletakkan Heraclitus Ephesus yang termenung.

Berbanding dengan gambar-gambar di lukisan dinding Pertikaian, tokoh-tokoh dari Sekolah Athens jauh lebih besar dan lebih monumental. Ini adalah pahlawan, yang dikurniakan akal dan ketabahan yang luar biasa. Gambar utama lukisan dinding adalah Plato dan Aristotle. Kepentingan mereka ditentukan bukan hanya dan tidak begitu banyak oleh tempat dalam komposisi (mereka menempati tempat tengah), tetapi oleh ekspresi wajah dan keplastikan badan yang khas: tokoh-tokoh ini mempunyai postur dan gaya berjalan yang sungguh-sungguh. Fakta menarik ialah prototaip gambar Plato adalah Leonardo da Vinci. Model untuk menulis gambar Euclid adalah arkitek Bramante. Prototaip Heraclitus adalah sosok yang digambarkan oleh Michelangelo di siling Kapel Sistine. Sebilangan sarjana berpendapat bahawa gambar Heraclitus dilakarkan oleh tuan dari Michelangelo sendiri.

Tema juga berubah di sini: lukisan dinding terdengar seperti semacam pujian kepada akal dan kehendak manusia. Itulah sebabnya semua watak dilatarbelakangi struktur seni bina yang megah yang melambangkan tak terhingga akal manusia dan pemikiran kreatif. Sekiranya pahlawan "Perselisihan" bersifat pasif, maka gambar yang ditunjukkan dalam "School of Athens" adalah pembangun hidup mereka yang aktif dan bertenaga, pengubah susunan sosial dunia.

Penyelesaian penggabungan lukisan dinding juga menarik. Oleh itu, gambar-gambar Plato dan Aristoteles yang terletak di latar belakang, kerana fakta bahawa mereka ditunjukkan dalam gerakan, adalah yang utama dalam gambar. Mereka juga membentuk pusat komposisi yang dinamik. Bercakap dari kedalaman, mereka kelihatan maju ke arah penonton, yang menciptakan kesan dinamika, pengembangan komposisi, yang dibingkai oleh lengkungan setengah bulat.

Kerja-kerja melukis di belakang bilik meterai Stanza d'Eliodoro dilakukan oleh Raphael dari tahun 1511 hingga 1514. Legenda dan fakta-fakta Alkitab dari sejarah kepausan menjadi subjek untuk lukisan dinding di ruangan ini, dihiasi dengan kisah-kisah di mana tempat utama diberikan kepada pemeliharaan dan keajaiban ilahi.

Ruangan itu mendapat namanya setelah selesainya karya hiasan di lukisan "The Expulsion of Eliodor", plotnya berdasarkan kisah komandan Syria, Eliodor, yang ingin mencuri kekayaan yang tersimpan di istana Yerusalem. Namun, penunggang syurga menghalangnya. Fresco ini berfungsi sebagai peringatan bagaimana pasukan Paus Julius II mengalahkan dan mengaibkan tentera Perancis dari Negeri-negeri Kepausan.

Walau bagaimanapun, lukisan ini tidak berbeza dalam kekuatan ekspresi niat kreatif artis. Ini mungkin disebabkan oleh fakta bahawa komposisi keseluruhan dibahagikan kepada dua bahagian yang berasingan. Di sebelah kiri adalah penunggang kuda cantik yang, bersama dengan dua malaikat, sedang berusaha untuk mengalahkan Eliodor. Di sebelah kanan lukisan dinding adalah Julius II, berbaring di atas tandu. Di antara mereka yang menyokong tandu, pelukis itu menggambarkan pelukis terkenal Jerman, Albrecht Durer. Walaupun terdapat plot yang berani, gambar Raphael sama sekali tidak mempunyai dinamika dan drama.

Ciri yang lebih kuat dan sempurna dalam struktur komposisi adalah lukisan dinding yang disebut "Mass in Bolsen". Plotnya didasarkan pada kisah yang menceritakan tentang seorang imam yang tidak percaya, yang wafernya berlumuran darah semasa sakramen. Paus Julius II, kardinal dan orang Swiss dari pengawal, yang berada di belakangnya, menyaksikan keajaiban ini di kanvas Raphael.

Ciri khas karya seniman terkenal ini telah menjadi besar, berbanding dengan karya sebelumnya, tahap kealamian dan kealamian dalam penggambaran pahlawan. Ini bukan lagi sosok abstrak, yang menyerlahkan keindahan luaran mereka, tetapi orang yang cukup nyata. Bukti yang paling mencolok adalah gambar Swiss dari penjaga kepausan, yang wajahnya penuh dengan tenaga batin, menyatakan kehendak manusia yang kuat. Namun, perasaan mereka bukanlah penemuan kreatif artis. Ini adalah emosi manusia yang sangat nyata.

Dalam karya ini, penulis memberikan banyak perhatian kepada warna, kepenuhan kanvas dan gambar. Pelukis kini tidak hanya peduli dengan transmisi garis kontur angka yang tepat, tetapi juga dengan tepu warna gambar, paparan dunia dalaman mereka melalui nada tertentu.

Sama ekspresif adalah lukisan dinding "Kitab Petrus", yang menggambarkan pemandangan pembebasan Rasul Petrus oleh seorang malaikat. Pengkritik seni percaya bahawa gambar ini adalah sejenis simbol pembebasan hebat legenda kepausan Leo X (yang kemudian menjadi Paus) dari penawanan Perancis.

Yang menarik perhatian adalah komposisi dan skema warna yang ditemui oleh pengarang di lukisan dinding ini. Ia menghasilkan pencahayaan malam, yang meningkatkan watak dramatik keseluruhan komposisi. Latar belakang seni bina yang dipilih dengan tepat juga menyumbang kepada pengungkapan kandungan dan kepenuhan emosi yang lebih besar dari gambar: ruang bawah tanah yang dibina dari batu bata besar, peti besi melengkung berat, kisi tebal.

Fresco keempat dan terakhir di Stanza d'Eliodoro, yang kemudian disebut "Pertemuan Paus Leo I dengan Attila", dibuat menurut lakaran Raphael oleh murid-muridnya, Giulio Romano dan Francesco Penni. Karya-karya tersebut dilakukan pada periode 1514 hingga 1517. Tuannya sendiri, yang pada waktu itu telah menjadi seniman yang sangat terkenal, yang kemasyhurannya meluas ke seluruh Itali, dan menerima banyak pesanan, tidak dapat menyelesaikan pekerjaan menghias kepausan dewan. Sebagai tambahan, Raphael pada masa ini dilantik sebagai ketua arkitek Katedral St Peter, dan juga mengawasi penggalian arkeologi yang kemudian dilakukan di wilayah Rom dan sekitarnya.

Lukisan-lukisan yang menghiasi Stanza del Inchendio ditulis berdasarkan kisah-kisah dari sejarah kepausan. Di antara semua lukisan dinding, mungkin hanya satu yang memerlukan perhatian khusus - "Api di Borgo". Dia menceritakan tentang kebakaran yang terjadi di salah satu kawasan Rom pada tahun 847. Paus Leo IV turut serta dalam memadamkan api pada waktu itu. Fresco ini dibezakan oleh patho dan drama tiruan yang berlebihan dalam gambaran orang yang cuba melarikan diri dari bencana: seorang anak lelaki yang membawa ayahnya, seorang pemuda memanjat dinding, seorang gadis memegang kendi.

Fresco stanzas Vatikan menunjukkan evolusi karya Raphael: artis secara beransur-ansur beralih dari gambar ideal karya awal ke drama dan pada masa yang sama hubungan dengan kehidupan dalam karya yang berkaitan dengan akhir zaman (komposisi subjek dan potret).

Sebaik sahaja tiba di Rom, pada tahun 1509, Raphael, meneruskan tema Madonna, melukis lukisan "Madonna Alba". Berbanding dengan angka Madonna Conestabil, gambar di Madonna Alba jauh lebih kompleks. Maria digambarkan di sini sebagai wanita muda dengan watak yang kuat, bertenaga dan yakin. Pergerakan bayi sama kuat. Lukisan itu dibuat dalam bentuk tondo. Walau bagaimanapun, angka-angka itu dilukis sepenuhnya di sini, yang tidak biasa untuk kanvas bulat. Bagaimanapun, susunan angka seperti itu tidak membawa kepada penampilan gambar statik. Mereka, serta keseluruhan komposisi secara keseluruhan, ditunjukkan dalam dinamika. Perasaan ini tercipta kerana hakikatnya tuannya secara halus dan tepat menyampaikan keplastikan pergerakan tubuh manusia.

Yang sangat penting untuk pembentukan kaedah kreatif artis adalah lukisan "Madonna in a Armchair" (atau "Madonna della Cedia"), karya yang disiapkan sekitar tahun 1516. Imej Madonna yang agak ideal didasarkan di sini kerana pengenalan unsur konkrit dan nyata ke dalam komposisi. Contohnya, dada Mary ditutup dengan selendang cerah lebar dengan pinggiran. Selendang seperti itu pada masa itu adalah pakaian kegemaran semua wanita petani Itali.

Tokoh-tokoh Madonna, Kristus bayi dan John Pembaptis kecil terletak berdekatan satu sama lain. Seseorang mendapat gambaran bahawa gambar-gambar itu saling mengalir dengan lancar. Keseluruhan gambar itu dipenuhi dengan perasaan lirik yang luar biasa ringan. Tema cinta ibu yang hidup selama-lamanya disampaikan di sini bukan hanya dalam pandangan Maria, tetapi juga keperibadian sosoknya. Bentuk tondo memberikan kelengkapan logik kepada keseluruhan komposisi. Tokoh-tokoh Maria dan bayi, yang diletakkan di atas kanvas bulat, adalah simbol kesatuan dua orang terdekat: ibu dan anak. Ini
Lukisan Raphael diakui oleh orang-orang sezamannya sebagai puncak lukisan easel bukan hanya dari segi pembinaan komposisi, tetapi juga disebabkan oleh pemindahan gambar plastik yang halus.

Sejak 10-an. Abad XVI Raphael sedang mengusahakan komposisi untuk altarpieces. Jadi, pada tahun 1511 "Madonna Foligno" muncul. Dan pada tahun 1515, seniman terkenal mula membuat kanvas, yang kemudian akan menjadikan pelukis itu kegemilangan seorang tuan yang hebat dan memenangi hati lebih dari satu generasi orang. The Sistine Madonna adalah lukisan yang menandakan tahap akhir dalam pengembangan kaedah seni Raphael. Topik keibuan yang diterima di sini, dibandingkan dengan karya sebelumnya, perkembangan terbesar dan perwujudan paling lengkap.

Sebaik memasuki katedral, penonton segera menoleh ke arah sosok Madonna yang megah membawa bayi Yesus Kristus dalam pelukannya. Kesan ini dicapai melalui susunan komposisi khas watak-watak. Tirai separuh terbuka, tatapan Saints Sixtus dan Barbara ditujukan kepada Mary - semua ini bertujuan untuk menerangi dan menjadikan ibu muda itu sebagai pusat komposisi.

Dalam mengungkapkan imej Madonna, Raphael bergerak jauh dari para seniman Renaissance. Madonna di sini bercakap terus dengan penonton. Dia tidak sibuk dengan anak kecil (seperti Madonna Leonardo da Vinci) dan tidak tenggelam dalam dirinya sendiri (seperti heroin karya awal tuan). Maria ini, bergerak melalui awan putih salji ke arah penonton, sedang bercakap dengannya. Di matanya yang terbuka luas, seseorang dapat melihat cinta keibuan, dan beberapa kebingungan, dan keputusasaan, dan kerendahan hati, dan perasaan mendalam terhadap nasib anaknya di masa depan. Dia, sebagai pelihat, mengetahui segala yang akan terjadi pada anaknya. Namun, demi menyelamatkan orang, ibu bersedia mengorbankannya. Gambaran bayi Kristus dikurniakan keseriusan yang sama. Di matanya, sebagaimana adanya, seluruh dunia tertutup, dia, seperti seorang nabi, menceritakan nasib manusia dan dirinya sendiri.

Raphael. Sistine Madonna. 1515-1519

Imej Mary penuh dengan drama dan sangat ekspresif. Namun, ia tidak mempunyai idealisasi dan tidak dikurniakan ciri-ciri hiperbolik. Rasa kelengkapan, kelengkapan gambar diciptakan di sini kerana dinamika komposisi, yang dinyatakan oleh pemindahan plastisitas tokoh yang tepat dan setia, dan tirai pakaian para pahlawan. Semua angka dipersembahkan, hidup, mudah alih, terang. Wajah Maria, seperti bayi Kristus tanpa mata sedih yang kekanak-kanakan, meluahkan keseluruhan perasaan yang berubah satu demi satu secara harfiah di depan mata penonton: kesedihan, kegelisahan, kerendahan hati dan, akhirnya, tekad.

Di kalangan pengkritik seni, persoalan mengenai prototaip Sistine Madonna masih terbuka. Sebilangan sarjana mengenal pasti gambar ini dengan gambar wanita muda yang digambarkan dalam potret "The Lady in the Veil" (1514). Namun, menurut keterangan orang-orang sezaman artis, Mary di atas kanvas "Sistine Madonna" adalah jenis wanita yang umum, ideal Raphaelian, bukan gambaran konkrit seseorang.

Di antara karya potret Raphael, yang sangat menarik adalah potret Paus Julius II, yang dilukis pada tahun 1511. Seseorang yang sebenar ditunjukkan di sini sebagai sejenis cita-cita, yang merupakan ciri khas kaedah kreatif pelukis.

Terutama perlu diperhatikan adalah potret Count Baldassare Castiglione, yang dibuat pada tahun 1515, yang menggambarkan seorang yang tenang, seimbang, dan membangun dengan harmoni. Raphael bertindak di sini sebagai tuan warna yang luar biasa. Dia menggunakan kombinasi warna dan peralihan nada yang kompleks. Penguasaan warna yang sama dibezakan oleh karya pelukis lain: potret wanita "Lady in a Veil" ("La donna velata", 1514), di mana warna yang dominan adalah cat putih (gaun putih salji wanita itu bermula tudung ringan).

Sebahagian besar karya Raphael diduduki oleh karya monumental. Di antara karya-karyanya yang serupa kemudian, yang paling menarik adalah, pertama sekali, lukisan dinding yang menghiasi dinding Villa Farnesina (sebelumnya milik Chigi orang kaya) "Kemenangan Galatea". Gambar ini dibezakan dengan suasana gembira yang luar biasa. Imejnya benar-benar dipenuhi dengan kebahagiaan. Nada yang serupa dihasilkan melalui penggunaan gabungan khas warna-warna terang dan tepu: badan putih telanjang digabungkan secara harmoni di sini dengan langit biru yang telus dan gelombang laut yang biru.

Karya monumental terakhir Raphael adalah hiasan dinding galeri melengkung, yang terletak di tingkat dua Istana Vatikan. Dekorasi untuk lorong-lorong dihiasi dengan lukisan dan mosaik yang diperbuat daripada marmar tiruan. Subjek untuk lukisan dinding diambil oleh artis dari legenda alkitabiah, dll. grotesques (lukisan yang terdapat di makam Yunani kuno - gua). Terdapat 52 lukisan secara keseluruhan. Mereka kemudian digabungkan menjadi satu siklus dengan judul umum "Raphael's Bible". Menarik juga bahawa seniman terkenal itu mengerjakan hiasan hiasan dewan Istana Vatikan bersama para pelajarnya, antaranya tempat yang terkenal dihuni oleh Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine.

Kanvas easel Raphael kemudian adalah sejenis refleksi dan ungkapan krisis kreatif master yang berkembang secara beransur-ansur. Mengikuti jalan dramatisasi gambar yang semakin meningkat yang dibuat oleh master High Renaissance, tetapi pada masa yang sama tetap berpegang pada kaedah penggambaran artistiknya yang sudah ada, Raphael menghadapi percanggahan gaya. Cara dan cara mengekspresikan pemikirannya terlalu sedikit untuk menghasilkan imej baru secara kualitatif, lebih sempurna dari segi menyampaikan dunia dalaman dan kecantikan luaran mereka. Contoh-contoh yang jelas yang menggambarkan zaman karya Raphael ini adalah "Membawa Salib" (1517), kitaran "Keluarga Suci" (sekitar tahun 1518), komposisi mezbah "Transfigurasi".

Sangat mungkin pelukis berbakat seperti Raphael, akan menemui jalan keluar dari kebuntuan kreatif seperti itu, jika tidak kerana kematian mendadak yang mengejutkan semua sezaman tuan. Raphael Santi meninggal pada 6 April 1520 pada usia 37 tahun. Pengebumian mewah diatur. Abu pelukis besar dikebumikan di Pantheon di Rom.

Karya-karya Raphael tetap menjadi karya seni dunia hingga hari ini. Lukisan-lukisan ini, sebagai contoh seni klasik, dirancang untuk menunjukkan keindahan yang sempurna dan tidak sempurna kepada manusia. Mereka memperlihatkan kepada penonton sebuah dunia di mana orang dilanda perasaan dan pemikiran yang tinggi. Karya Raphael adalah sejenis pujian kepada seni yang mengubah seseorang, menjadikannya lebih bersih, lebih cerah, lebih cantik.

Titian (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio dilahirkan dalam keluarga tentera di bandar kecil Pieve di Cadore, yang terletak di pergunungan dan sebahagian wilayah Venesia. Para saintis gagal menentukan tarikh dan tahun kelahiran Titian yang tepat. Ada yang percaya bahawa itu adalah 1476-1477, yang lain - 1485-1490.

Para saintis menganggap bahawa keluarga Vecellio kuno dan cukup berpengaruh di bandar. Melihat pada anak lelaki itu bakat awal yang dilukis untuk melukis, ibu bapa memutuskan untuk menghantar Tiziano ke bengkel seni tuan mosaik Venesia. Setelah beberapa lama, Vecellio muda ditugaskan untuk belajar di bengkel, pertama oleh Gentile Bellini, dan kemudian oleh Giovanni Bellini. Pada masa ini, artis muda bertemu dengan Giorgione, yang pengaruhnya tercermin dalam karya awalnya.

Semua karya artis dapat dibahagikan secara bersyarat kepada dua tempoh: yang pertama - yang disebut. Dzhordzhonevsky - sehingga 1515-1516 (apabila pengaruh Giorgione sangat dinyatakan dalam karya pelukis); yang kedua - dari tahun 40an. Abad ke-16 (pada masa ini Titian sudah menjadi tuan yang mantap mewakili seni Zaman Akhir Zaman).

Mengikuti peringkat awal pembentukan kaedah artistik Giorgione dan pelukis Renaissance, Titian memikirkan semula cara-cara menyelesaikan masalah artistik. Imej baru muncul dari bawah sikat artis, yang berbeza secara signifikan dari sosok yang mulia dan halus, misalnya, Raphael dan Leonardo da Vinci. Wira-wira Titian turun ke bumi, bertubuh penuh, sensual, mereka mempunyai prinsip kafir pada umumnya. Kanvas awal pelukis dibezakan dengan komposisi yang cukup sederhana, yang tetap diserap dengan suasana yang sangat menggembirakan dan kesedaran tentang kebahagiaan, kepenuhan dan tak terhingga kehidupan duniawi tanpa awan.

Di antara karya-karya pada zaman ini, kaedah kreatif artis yang paling banyak dinyatakan, salah satu yang paling terang adalah kanvas "Cinta duniawi dan surgawi", bertarikh 10-s. abad ke-16. Penting bagi pengarang untuk tidak hanya menyampaikan plotnya, tetapi juga untuk memperlihatkan pemandangan indah yang membangkitkan pemikiran kedamaian dan kebahagiaan hidup, dan keindahan sensual seorang wanita.

Tokoh wanita tidak diragukan lagi luhur, tetapi mereka tidak disingkirkan dari kehidupan dan tidak ideal oleh pengarang. Landskap, dicat dengan warna lembut dan diletakkan di latar belakang, berfungsi sebagai latar belakang yang sangat baik untuk anggun dan anggun, tetapi pada masa yang sama gambar wanita yang sangat nyata, khusus: Cinta Bumi dan Cinta Surgawi. Komposisi yang disusun dengan mahir dan rasa warna yang halus membantu seniman membuat karya yang luar biasa harmoni, masing-masing elemen ternyata tunduk pada keinginan pengarang untuk menunjukkan keindahan alam semula jadi dan manusia.

Di kemudian hari, sejak tahun 1518, karya Titian "Assunta" (atau "Ascension of Mary") tidak memiliki perenungan dan ketenangan yang tenang yang terdengar dalam karya "Cinta Bumi dan Surgawi". Terdapat lebih banyak dinamika, kekuatan, tenaga. Tokoh utama komposisi adalah Mary, ditunjukkan oleh seorang wanita muda yang penuh dengan keindahan dan kekuatan duniawi. Pandangan para rasul ditujukan kepadanya, gambar yang menggambarkan daya hidup dan tenaga dalaman yang sama. Komposisi "Bacchus dan Ariadne" (dari kitaran "Bacchanalia", 1523) adalah sejenis pujian kepada kecantikan manusia dan perasaan manusia yang kuat.

Pemuliaan keindahan feminin duniawi menjadi tema karya lain oleh Titian, yang disebut "Venus of Urbino". Ia diciptakan pada tahun 1538. Walaupun pada hakikatnya sama sekali tidak ada kehalusan dan kerohanian gambar, yang terakhir masih tidak mengurangkan nilai estetika kanvas. Venus sungguh cantik di sini. Walau bagaimanapun, kecantikannya sangat rendah dan semula jadi, yang membezakan imej yang dibuat oleh Titian dari Botticelli Venus.

Akan tetapi, adalah salah untuk mengatakan bahawa gambaran dari masa awal pengembangan karya artis hanya memuji kecantikan luaran seseorang. Keseluruhan penampilan mereka menggambarkan orang yang harmoni, yang kecantikan luarannya disamakan dengan rohani dan merupakan sisi sebaliknya dari jiwa yang sama indahnya.

Dari sudut pandang ini, gambar Yesus Kristus di atas kanvas "The Denarius of Caesar", yang diciptakan pada periode 1515 hingga 1520, sangat menarik.Titian menunjukkan Yesus sebagai makhluk ilahi, yang mulia dan surgawi. Ekspresi penuh semangat di wajahnya menunjukkan bahawa di hadapan penonton ada orang yang mulia dengan organisasi mental yang sempurna.

Gambar-gambar yang dibuat dalam komposisi mezbah "Madonna of Pesaro", yang ditulis dalam kurun waktu 1519 hingga 1526, dipenuhi dengan kerohanian yang sama. Wira-wira ini bukan skema atau abstraksi. Penciptaan gambar yang nyata dan hidup banyak difasilitasi oleh penggunaan gamut pelbagai warna oleh tuan: tudung Maria yang berwarna putih salji, biru langit, merah tua, merah terang, pakaian emas pahlawan, hijau yang kaya permaidani. Pelbagai nada seperti itu tidak menimbulkan kekacauan dalam komposisi, tetapi, sebaliknya, membantu pelukis untuk membuat sistem gambar yang koheren dan harmoni.

Pada tahun 1520-an. Titian mencipta karya pertama yang bersifat dramatik. Ini adalah lukisan terkenal "The Entombment". Gambaran Kristus ditafsirkan di sini, sama seperti dalam lukisan "The Denarius of Caesar". Yesus dipersembahkan bukan sebagai makhluk yang turun dari surga untuk menyelamatkan umat manusia, tetapi sebagai pahlawan duniawi sepenuhnya yang jatuh dalam pertempuran yang tidak setara. Di sebalik semua tragedi dan drama plot, kanvas itu tidak membangkitkan suasana putus asa pada penonton. Sebaliknya, imej yang dibuat oleh Titian adalah simbol optimisme dan kepahlawanan, yang mempersonakan kecantikan dalaman seseorang, bangsawan dan kekuatan semangatnya.

{!LANG-4eeb9cacf468a4b5c79099444e07afd9!}

{!LANG-6765db386bbda9ef6eafa05b368f6f17!}

{!LANG-401b35757e6bc643de4d5cbdb9fca5a4!}

{!LANG-3c3af1b50614af3966879904de4f39ca!}

{!LANG-1f575f601aeb32556c92bf99645629ac!}

{!LANG-25f2dbdd2bdb3575f4495c91c3e05273!}

{!LANG-5e89bea2416cce9b5c712698b1bfcd83!}

{!LANG-5921a975d961e76125148d7f8822c075!}

{!LANG-dd7ec203d8f0092d88d4c120d17dbd7f!}

{!LANG-5ce0177d9439e94b0085767f50d445f7!}
{!LANG-2f4ca6367d97ff6cf9deff9acca61569!}

{!LANG-d9da10cacaaa473f91be710c7c40e3ff!}

{!LANG-75be5098a8620a10ac6c16476c590e9c!}
{!LANG-4d7760ed0cbae05c585f504882a3c16e!}

{!LANG-8be2a66e036f172ce6d77103fde87538!}

{!LANG-779931f63353f102d8d1b089471f2fc3!}

{!LANG-15de24cb88e9d89f6a8210ade0276a79!}

{!LANG-9e58343a60f3be1e7dfa55333caeb019!}

{!LANG-f3c1783f88549fff2ca377db77b64c24!}

{!LANG-4f45af806a54c463d6c9c15409c5d499!}
{!LANG-a08ed5e5b2aed7caee7e65c6322b0ade!}

{!LANG-77f5fbb0c4673d0c61199128496de2d9!}

{!LANG-f145168b503535116259c90b9b4272f7!}

{!LANG-b74f3314fb552306e378973f156c5b2d!}

{!LANG-35619de133d99bd114ac9f0ac57b8347!}

{!LANG-bd9670e140722d6b599e67bbfacfead9!}

{!LANG-a65758a40e090659c3cf36146ae42d91!}

{!LANG-aece41025d88b96e4db949101af835fd!}

{!LANG-9be72e62b454c33bc5bbf3f130e4c5f5!}

{!LANG-419e285d173e660d76769ba6475ed640!}

{!LANG-fc6ae539ad94c05d29bf8540192c2730!}

{!LANG-250d8f95f30aa5f167d9da10f6c0316b!}

{!LANG-81e46c48a0be7c41a8879106bebcc5de!}

{!LANG-d688094b9277c4c1803482c32ca79c35!}

{!LANG-1779e49153c90ef9f245b359a2e9e49f!}

{!LANG-d518b27a72ca2f71c83cee157384fc8f!}

{!LANG-ce794551b9bf88fa2aab0c3eeee8a53a!}

{!LANG-62f977ae7b470061cbf9af8ef5fa4fb7!}

{!LANG-100d1c82ca8ca9713b0e822b0e6d6bb7!}

{!LANG-e0c26356b3f6384ba7cee8941aacdb79!}

{!LANG-7c274a3a003de12d2e5869ceaa836b7a!}

{!LANG-ca02cf5a49056d3f5b63af1a15189698!}

{!LANG-ed660ffde7e93b0a2b910b2dd69924d8!}

{!LANG-b77b68de8e90b94704f31925bd3794c1!}

{!LANG-4f89ef4df1330d3fc66b5280b3463292!}

{!LANG-9db46230c9294f6fae6e087fc9109b14!}

{!LANG-567771b7b90f0f3a36c4e5a4642a9f99!}

{!LANG-c42557084e9df5a8a39c9b36a070f28e!}

{!LANG-62e8a8eb651daeb570b6ab838f24248a!}

{!LANG-d898f6dcb598436871caac81d9c31332!}

{!LANG-c51790c18d1d7d61f02415d2bb55ff61!}

{!LANG-a58a7f77f698450d30cb06a0f98c96b3!}

{!LANG-632e5219bb948cafa62fd6ad59cc7ad0!}

{!LANG-93dce92fbdc378f700eda011b0b52fb6!}

{!LANG-edf1dd038beb8ce10d6c68d5d51a31c1!}

{!LANG-2180c47d0013b4359ca5d30f536d8daa!}

{!LANG-34bbfa547f401eb72bde71db9404d9c7!}

{!LANG-faaaaf746edd1ef56d608dbd9d540e75!}

{!LANG-cc40906c6bc27ec20ad6505f16a6d5ea!}

{!LANG-e44d3ce2ca6beb93bb1772aff9155013!}

{!LANG-a8aa7101fbb33bd3351140b71793ef76!} {!LANG-90e5ba6aaa0a856e9dfa16f9f0191d3d!}{!LANG-540c7aa94ececa9a81c93e56166ffeb5!} {!LANG-c676ee0f465996d96bf306ae75dfc45f!}{!LANG-af2975d8dc6422220c6c1905f807507e!} {!LANG-ee49b86248994e7cc4b7b6ba5fc082bb!}{!LANG-27a19fb1326368cd7257d25e71e146d5!} {!LANG-2b73c6966682bf5b7bb4d1d3813c8127!}{!LANG-b23ad5a01e923295f1579966dbdec749!}

{!LANG-3e1b045783cd2ace72f03422ce51975a!}

{!LANG-a3edde7c0045778d24d3ca6cd1e0f817!}

{!LANG-fa9588c8fec67440c84f3004c0689fb5!}

{!LANG-572e6db2343ff4a8928d17ed685b1072!}

{!LANG-8d1986ecb79962992e55577a62698a0f!}

{!LANG-503a543f8df8ed8b191b9749dd7d0785!}

{!LANG-228c6deef78fde946fb948323675b9a7!}

{!LANG-d949d4f48abc126ec0db15ce29e38663!}