ศิลปะคือการแสดงออกของความคิดที่ลึกซึ้งที่สุดด้วยวิธีที่ง่ายที่สุด แนวคิดของ "ศิลปะ"

บทนำ

ภารกิจหลักประการหนึ่งของสังคมของเราที่ต้องเผชิญกับระบบการศึกษาสมัยใหม่คือการก่อตัวของวัฒนธรรมของแต่ละบุคคล ความเกี่ยวข้องของงานนี้เกี่ยวข้องกับการแก้ไขระบบชีวิตและคุณค่าทางศิลปะและความงาม การก่อตัวของวัฒนธรรมของคนรุ่นใหม่เป็นไปไม่ได้หากไม่อ้างถึงคุณค่าทางศิลปะที่สะสมโดยสังคมในช่วงการดำรงอยู่ ดังนั้นจึงเห็นได้ชัดว่าจำเป็นต้องศึกษารากฐานของประวัติศาสตร์ศิลปะ

เพื่อที่จะเข้าใจศิลปะในยุคใดยุคหนึ่งอย่างถ่องแท้จำเป็นต้องสำรวจคำศัพท์ทางประวัติศาสตร์ศิลปะ รู้และเข้าใจสาระสำคัญของศิลปะแต่ละแขนง เฉพาะในกรณีของการครอบครองระบบแนวคิดเชิงหมวดหมู่เท่านั้นที่บุคคลจะสามารถตระหนักถึงคุณค่าทางสุนทรียศาสตร์ของอนุสรณ์สถานทางศิลปะได้อย่างเต็มที่

การจำแนกประเภทของศิลปะ

ศิลปะ (การสะท้อนความคิดสร้างสรรค์การผลิตซ้ำของความเป็นจริงในภาพศิลปะ) ดำรงอยู่และพัฒนาเป็นระบบประเภทที่เชื่อมต่อกันความหลากหลายซึ่งเกิดจากความเก่งกาจของโลกแห่งความเป็นจริง (โลกแห่งความจริงที่แสดงในกระบวนการสร้างสรรค์งานศิลปะ

ประเภทของศิลปะเป็นรูปแบบของกิจกรรมสร้างสรรค์ที่สร้างขึ้นในอดีตซึ่งมีความสามารถในการทำให้เนื้อหามีชีวิตเป็นจริงและแตกต่างกันในรูปแบบของการรวมวัสดุ (คำในวรรณคดีเสียงในดนตรีวัสดุพลาสติกและสีในทัศนศิลป์ ฯลฯ )

ในวรรณคดีประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่ได้มีการพัฒนารูปแบบและระบบการแบ่งประเภทของศิลปะแม้ว่าจะยังไม่มีแบบใดแบบหนึ่งและทั้งหมดเป็นญาติกัน รูปแบบที่พบบ่อยที่สุดคือการแบ่งออกเป็นสามกลุ่ม

อันแรกรวมถึงศิลปะเชิงพื้นที่หรือพลาสติก สำหรับศิลปะกลุ่มนี้การสร้างเชิงพื้นที่ในการเปิดเผยภาพศิลปะเป็นสิ่งสำคัญ - วิจิตรศิลป์มัณฑนศิลป์และประยุกต์ศิลป์สถาปัตยกรรมการถ่ายภาพ

กลุ่มที่สองประกอบด้วยศิลปะชั่วคราวหรือไดนามิก องค์ประกอบที่พัฒนาไปตามกาลเวลาได้รับความสำคัญหลักเช่นดนตรีวรรณกรรม
กลุ่มที่สามแสดงด้วยประเภทเชิงพื้นที่ - ชั่วคราวซึ่งเรียกอีกอย่างว่าศิลปะสังเคราะห์หรือศิลปะที่น่าตื่นตาเช่นการออกแบบท่าเต้นวรรณกรรมศิลปะการละครการถ่ายภาพยนตร์

การดำรงอยู่ของศิลปะประเภทต่าง ๆ เกิดจากข้อเท็จจริงที่ว่าไม่มีสิ่งใดที่สามารถให้ภาพโลกทางศิลปะได้อย่างครอบคลุม ภาพดังกล่าวสามารถสร้างขึ้นได้โดยวัฒนธรรมศิลปะทั้งหมดของมนุษยชาติโดยรวมซึ่งประกอบด้วยงานศิลปะแต่ละประเภท

คำอธิบายของศิลปะ

สถาปัตยกรรม

สถาปัตยกรรม (กรีก "Architecton" - "เจ้านายผู้สร้าง") เป็นรูปแบบศิลปะที่ยิ่งใหญ่โดยมีวัตถุประสงค์เพื่อสร้างโครงสร้างและสิ่งปลูกสร้างที่จำเป็นสำหรับชีวิตและกิจกรรมของมนุษยชาติเพื่อตอบสนองความต้องการด้านประโยชน์และจิตวิญญาณของผู้คน

รูปแบบของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมขึ้นอยู่กับสภาพทางภูมิศาสตร์และภูมิอากาศลักษณะของภูมิทัศน์ความเข้มของแสงแดดความปลอดภัยจากแผ่นดินไหวเป็นต้น

สถาปัตยกรรมมีความใกล้ชิดมากกว่าศิลปะอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนากองกำลังผลิตด้วยการพัฒนาเทคโนโลยี สถาปัตยกรรมสามารถผสมผสานกับงานจิตรกรรมประติมากรรมงานตกแต่งและงานศิลปะในรูปแบบอื่น ๆ พื้นฐานขององค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมคือโครงสร้างเชิงปริมาตร - เชิงพื้นที่การเชื่อมต่อโครงข่ายอินทรีย์ขององค์ประกอบของอาคารหรือกลุ่มอาคาร ขนาดของอาคารส่วนใหญ่กำหนดลักษณะของภาพศิลปะความเป็นอนุสาวรีย์หรือความใกล้ชิด

สถาปัตยกรรมไม่ได้สร้างภาพความเป็นจริงโดยตรงไม่ใช่ภาพ แต่เป็นการแสดงออก

ศิลปะ

วิจิตรศิลป์เป็นกลุ่มของการสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทหนึ่งที่จำลองภาพความเป็นจริงที่มองเห็นได้ งานศิลปะมีรูปแบบเรื่องที่ไม่เปลี่ยนแปลงในเวลาและพื้นที่ ศิลปกรรม ได้แก่ จิตรกรรมกราฟิกประติมากรรม

ศิลปะกราฟิก

กราฟิก (แปลจากภาษากรีก - "ฉันเขียน, วาด") คือสิ่งแรกคืองานวาดภาพและงานพิมพ์ทางศิลปะ (การแกะสลักการพิมพ์หิน) มันขึ้นอยู่กับความเป็นไปได้ในการสร้างรูปแบบศิลปะที่แสดงออกโดยใช้เส้นจังหวะและจุดที่มีสีต่างกันนำไปใช้กับพื้นผิวของแผ่นงาน

กราฟิกก่อนการวาดภาพ ในตอนแรกคน ๆ หนึ่งเรียนรู้ที่จะจับโครงร่างและวัตถุในรูปแบบพลาสติกจากนั้นจึงแยกแยะและสร้างสีและเฉดสีของมันขึ้นมาใหม่ การควบคุมสีเป็นกระบวนการทางประวัติศาสตร์: สีทั้งหมดไม่ได้ถูกควบคุมในครั้งเดียว

ข้อมูลเฉพาะของกราฟิกคือความสัมพันธ์เชิงเส้น การสร้างรูปทรงของวัตถุขึ้นใหม่สื่อถึงการส่องสว่างอัตราส่วนของแสงและเงา ฯลฯ ภาพวาดถ่ายทอดความสัมพันธ์ที่แท้จริงของสีของโลกสีและผ่านสีซึ่งเป็นการแสดงออกถึงสาระสำคัญของวัตถุคุณค่าทางสุนทรียะของพวกมัน วัตถุประสงค์ทางสังคมการติดต่อหรือขัดแย้งกับสิ่งแวดล้อม ...

ในกระบวนการพัฒนาทางประวัติศาสตร์สีเริ่มแทรกซึมเข้าไปในภาพวาดและภาพพิมพ์และตอนนี้การวาดภาพด้วยดินสอสี - สีพาสเทลและการแกะสลักสีและการวาดภาพด้วยสีน้ำ - สีน้ำและสี gouache - รวมอยู่ในกราฟิก ในวรรณกรรมต่างๆเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะมีมุมมองที่แตกต่างกันเกี่ยวกับกราฟิก ในบางแหล่งข้อมูล: กราฟิกเป็นภาพวาดประเภทหนึ่งในขณะที่บางแหล่งเป็นงานศิลปะประเภทย่อยที่แยกจากกัน

การวาดภาพ

การวาดภาพเป็นศิลปะแบบเรียบความเฉพาะเจาะจงที่อยู่ในการแสดงภาพของโลกแห่งความเป็นจริงซึ่งเปลี่ยนแปลงโดยจินตนาการที่สร้างสรรค์ของศิลปินด้วยความช่วยเหลือของสีที่ใช้กับพื้นผิว

ภาพวาดแบ่งออกเป็น:

อนุสาวรีย์ - จิตรกรรมฝาผนัง (จากอิตาลี Fresco) - ภาพวาดบนปูนปลาสเตอร์ดิบด้วยสีที่เจือจางในน้ำและกระเบื้องโมเสค (จากภาษาฝรั่งเศส Mosaiqe) ภาพของหินสี smalt (Smalta - แก้วใสสี) กระเบื้องเซรามิก

ขาตั้ง (มาจากคำว่า "เครื่องจักร") - ผืนผ้าใบที่สร้างขึ้นบนขาตั้ง

ภาพวาดแสดงโดยประเภทต่างๆ (ประเภท (ประเภทของฝรั่งเศสจากสกุลละติน, generis - สกุล, สปีชีส์) คือการแบ่งส่วนภายในทางศิลปะที่สร้างขึ้นในอดีตในงานศิลปะทุกประเภท):

ภาพบุคคล - งานหลักคือการถ่ายทอดความคิดเกี่ยวกับรูปลักษณ์ภายนอกของบุคคลเปิดเผยโลกภายในของบุคคลเพื่อเน้นความเป็นตัวของตัวเองภาพลักษณ์ทางจิตใจและอารมณ์ของเขา

ภูมิทัศน์ - จำลองโลกรอบข้างในทุกรูปแบบ ภาพทะเลถูกกำหนดโดยคำว่าซีสเคป

หุ่นนิ่ง - ภาพของใช้ในบ้านเครื่องมือดอกไม้ผลไม้ ช่วยให้เข้าใจโลกทัศน์และไลฟ์สไตล์ของยุคใดยุคหนึ่ง

ประเภทประวัติศาสตร์ - บอกเล่าเกี่ยวกับช่วงเวลาสำคัญทางประวัติศาสตร์ในชีวิตของสังคม

ประเภทครัวเรือน - สะท้อนให้เห็นถึงชีวิตประจำวันของผู้คนนิสัยขนบธรรมเนียมประเพณีของกลุ่มชาติพันธุ์หนึ่ง ๆ

Iconography (แปลจากภาษากรีก "ภาพอธิษฐาน") เป็นเป้าหมายหลักที่จะนำบุคคลไปสู่เส้นทางแห่งการเปลี่ยนแปลง

Animalism คือภาพลักษณ์ของสัตว์ที่เป็นตัวชูโรงของงานศิลปะ

ในศตวรรษที่ XX ลักษณะของการวาดภาพกำลังเปลี่ยนแปลงไปภายใต้อิทธิพลของความก้าวหน้าทางเทคนิค (การเกิดขึ้นของอุปกรณ์ภาพถ่ายและวิดีโอ) ซึ่งนำไปสู่การเกิดศิลปะรูปแบบใหม่ - ศิลปะมัลติมีเดีย

ประติมากรรม

ประติมากรรมเป็นงานทัศนศิลป์เชิงพื้นที่ซึ่งควบคุมโลกด้วยภาพพลาสติก

วัสดุหลักที่ใช้ในงานประติมากรรม ได้แก่ หินบรอนซ์หินอ่อนไม้ ในขั้นตอนของการพัฒนาของสังคมในปัจจุบันความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีจำนวนวัสดุที่ใช้ในการสร้างประติมากรรมได้ขยายตัวมากขึ้นเช่นเหล็กพลาสติกคอนกรีตและอื่น ๆ

ประติมากรรมมีสองประเภทหลัก: สามมิติ (วงกลม) และรูปนูน:

นูนสูง - นูนสูง

ปั้นนูน - นูนต่ำ

การบรรเทาอาการปวดหลังเป็นรูปแบบการตัดนูน

ตามความหมายประติมากรรมสามารถเป็นอนุสาวรีย์ตกแต่งขาตั้ง

อนุสาวรีย์ - ใช้ในการตกแต่งถนนและจัตุรัสของเมืองกำหนดสถานที่สำคัญทางประวัติศาสตร์เหตุการณ์ ฯลฯ ประติมากรรมอนุสาวรีย์ประกอบด้วย:

อนุสาวรีย์

อนุสาวรีย์

อนุสรณ์สถาน.

ขาตั้ง - ออกแบบมาสำหรับการมองจากระยะใกล้และมีไว้สำหรับการตกแต่งภายใน

ของตกแต่ง - ใช้ตกแต่งชีวิตประจำวัน (พลาสติกชิ้นเล็ก ๆ )

ศิลปะประยุกต์ตกแต่ง

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์เป็นกิจกรรมสร้างสรรค์ประเภทหนึ่งเพื่อสร้างของใช้ในบ้านที่ออกแบบมาเพื่อตอบสนองความต้องการด้านประโยชน์และศิลปะและความงามของผู้คน

ศิลปะและงานฝีมือ ได้แก่ ผลิตภัณฑ์ที่ทำจากวัสดุหลายประเภทและใช้เทคโนโลยีที่แตกต่างกัน วัสดุสำหรับวัตถุ DPI อาจเป็นโลหะไม้ดินหินกระดูก วิธีการทางเทคนิคและศิลปะในการทำผลิตภัณฑ์มีความหลากหลายมากเช่นการแกะสลักการเย็บปักถักร้อยการวาดภาพการไล่สีเป็นต้นลักษณะสำคัญของวัตถุมัณฑนศิลป์คือการตกแต่งซึ่งประกอบด้วยภาพและความปรารถนาที่จะตกแต่งให้ดีขึ้นสวยงามยิ่งขึ้น .

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์มีลักษณะประจำชาติ เนื่องจากมันมาจากขนบธรรมเนียมนิสัยความเชื่อของกลุ่มชาติพันธุ์บางกลุ่มมันจึงใกล้เคียงกับวิถีชีวิตของมัน

องค์ประกอบที่สำคัญของศิลปะการตกแต่งและประยุกต์คือศิลปหัตถกรรมพื้นบ้านซึ่งเป็นรูปแบบของการจัดงานศิลปะโดยอาศัยความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันการพัฒนาประเพณีวัฒนธรรมท้องถิ่นและมุ่งเน้นไปที่การขายงานหัตถกรรม

ความคิดสร้างสรรค์ที่สำคัญของงานฝีมือแบบดั้งเดิมคือการยืนยันความเป็นหนึ่งเดียวของโลกธรรมชาติและมนุษย์

งานฝีมือพื้นบ้านที่สำคัญในรัสเซีย ได้แก่ :

ไม้แกะสลัก - Bogorodskaya, Abramtsevo-Kudrinskaya;

ภาพวาดบนไม้ - คอคห์โลมา, โกโรเดตสกายา, โพลคอฟ - ไมดันสกายา, เมเซนสกายา;

ผลิตภัณฑ์ตกแต่งจากเปลือกไม้เบิร์ช - ลายนูนบนเปลือกไม้เบิร์ชภาพวาด

การแปรรูปหินศิลปะ - การแปรรูปหินแข็งและหินอ่อน

การแกะสลักกระดูก - Kholmogorsk, Tobolsk Khotkovskaya

ภาพวาดจิ๋วบนเครื่องอัดกระดาษ - ขนาดเล็ก Fedoskino, Palekh จิ๋ว, Mster จิ๋ว, Kholuy จิ๋ว

การแปรรูปโลหะเชิงศิลปะ - เงิน Veliky Ustyug niello, เคลือบ Rostov, ภาพวาด Zhostovskaya บนโลหะ

เครื่องเคลือบพื้นบ้าน - เซรามิก Gzhel, เซรามิก Skopin, ของเล่น Dymkovo, ของเล่น Kargopol;

การทำลูกไม้ - ลูกไม้ Vologda, ลูกไม้ Mikhailovskoe,

ภาพวาดบนผ้า - ผ้าคลุมไหล่และผ้าคลุมไหล่ Pavlovsk

เย็บปักถักร้อย - Vladimirskaya, การพันสี, งานปักสีทอง

วรรณกรรม

วรรณคดีเป็นรูปแบบศิลปะซึ่งคำนี้เป็นตัวพาความสำคัญของภาพ

ขอบเขตของวรรณกรรมรวมถึงปรากฏการณ์ทางธรรมชาติและทางสังคมความหายนะทางสังคมต่างๆชีวิตทางจิตวิญญาณของบุคคลความรู้สึกของเธอ ในประเภทต่างๆวรรณกรรมครอบคลุมเนื้อหานี้ผ่านการจำลองการกระทำที่น่าทึ่งหรือผ่านการบรรยายเหตุการณ์ที่ยิ่งใหญ่หรือผ่านการเปิดเผยตัวตนที่เป็นโคลงสั้น ๆ เกี่ยวกับโลกภายในของบุคคล

วรรณกรรมแบ่งออกเป็น:

ศิลปะ

การศึกษา

ประวัติศาสตร์

ทางวิทยาศาสตร์

พื้นหลัง

ประเภทของวรรณกรรมหลักคือ:

- เนื้อเพลง - หนึ่งในสามประเภทหลักของนวนิยายสะท้อนชีวิตโดยการพรรณนาถึงประสบการณ์ที่หลากหลายของมนุษย์ลักษณะของเนื้อเพลงเป็นรูปแบบบทกวี

- ละคร - หนึ่งในสามประเภทหลักของนวนิยายงานเรื่องที่เขียนในรูปแบบภาษาพูดและไม่มีคำพูดของผู้แต่ง

- มหากาพย์ - วรรณกรรมเชิงบรรยายซึ่งเป็นหนึ่งในสามประเภทหลักของนวนิยาย ได้แก่ :

- มหากาพย์ - ผลงานชิ้นสำคัญของประเภทมหากาพย์

- โนเวลลา - ประเภทของวรรณกรรมเชิงบรรยายที่น่าเบื่อหน่าย (น้อยกว่ามาก - บทกวี) ซึ่งแสดงถึงรูปแบบการเล่าเรื่องขนาดเล็ก

- เรื่องราว (เรื่องราว) - ประเภทวรรณกรรมที่แตกต่างกันในปริมาณที่มีนัยสำคัญน้อยกว่าตัวเลขน้อยลงเนื้อหาเกี่ยวกับชีวิตและความกว้าง

- เรื่องราว - งานมหากาพย์ที่มีขนาดเล็กซึ่งแตกต่างจากโนเวลลาในเรื่องความชุกและการจัดองค์ประกอบโดยพลการ

- โรมัน - งานบรรยายที่ยอดเยี่ยมในรูปแบบร้อยแก้วบางครั้งเป็นบทร้อยกรอง

- เพลงบัลลาด - ผลงานเรื่องราวบทกวีมหากาพย์ที่เขียนด้วยบทกวี

- บทกวี - พล็อตงานวรรณกรรมของตัวละครที่เป็นบทกวีและมหากาพย์ในข้อ

ความจำเพาะของวรรณกรรมเป็นปรากฏการณ์ทางประวัติศาสตร์องค์ประกอบและส่วนประกอบทั้งหมดของงานวรรณกรรมและกระบวนการวรรณกรรมคุณลักษณะทั้งหมดของวรรณกรรมมีการเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา วรรณกรรมเป็นระบบอุดมการณ์และศิลปะที่มีชีวิตซึ่งมีความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงในชีวิต บรรพบุรุษของวรรณคดีเป็นคติชนปากเปล่า

ศิลปะดนตรี

ดนตรี - (จากเพลงภาษากรีก - ตามตัวอักษร - ศิลปะของดนตรี) เป็นรูปแบบศิลปะที่มีการจัดเรียงเสียงดนตรีในลักษณะหนึ่งเพื่อใช้เป็นวิธีการรวบรวมภาพศิลปะ องค์ประกอบหลักและวิธีการแสดงออกของดนตรี ได้แก่ โหมดจังหวะเมตรจังหวะพลศาสตร์ความดังเสียงต่ำทำนองความสามัคคีพฤกษ์เครื่องมือ ดนตรีจะถูกบันทึกในสัญกรณ์ดนตรีและรับรู้ในระหว่างการแสดง

การแบ่งดนตรีออกเป็นทางโลกและทางวิญญาณเป็นที่ยอมรับ พื้นที่หลักของดนตรีศักดิ์สิทธิ์คือลัทธิ การพัฒนาทฤษฎีดนตรีของยุโรปเกี่ยวกับสัญกรณ์ดนตรีและการเรียนการสอนดนตรีมีความเกี่ยวข้องกับดนตรีในลัทธิยุโรป (โดยปกติเรียกว่าดนตรีคริสตจักร) ตามวิธีการแสดงดนตรีแบ่งออกเป็นเสียงร้อง (การร้องเพลง) การบรรเลงและการบรรเลงด้วยเสียง ดนตรีมักจะรวมกับท่าเต้นศิลปะการแสดงละครภาพยนตร์ แยกแยะระหว่างดนตรีโมโนโฟนิก (เสียงเดียว) และโพลีโฟนิก (โฮโมโฟนี, พฤกษ์) ดนตรีแบ่งออกเป็น:

ประเภทและประเภท - การแสดงละคร (โอเปร่า ฯลฯ ) ไพเราะห้อง ฯลฯ

สำหรับประเภท - เพลง, การร้องเพลงประสานเสียง, การเต้นรำ, การเดินขบวน, ซิมโฟนี, ห้องชุด, โซนาตา ฯลฯ

งานดนตรีมีลักษณะเฉพาะด้วยโครงสร้างทั่วไปที่ค่อนข้างมั่นคง ดนตรีใช้ภาพเสียงเป็นวิธีการรวบรวมความเป็นจริงและความรู้สึกของมนุษย์

ดนตรีในภาพเสียงแสดงออกถึงกระบวนการสำคัญของชีวิตโดยทั่วไป ประสบการณ์ทางอารมณ์และความคิดที่แต่งแต้มด้วยความรู้สึกซึ่งแสดงออกผ่านเสียงชนิดพิเศษซึ่งขึ้นอยู่กับน้ำเสียงของคำพูดของมนุษย์ - นี่คือลักษณะของภาพดนตรี

CHOREOGRAPHY

การออกแบบท่าเต้น (gr. Choreia - dance + grapho - ฉันเขียน) เป็นรูปแบบศิลปะซึ่งเป็นวัสดุที่ใช้ในการเคลื่อนไหวและท่าทางของร่างกายมนุษย์ซึ่งมีความหมายในเชิงกวีจัดระเบียบตามเวลาและอวกาศประกอบเป็นระบบศิลปะ

การเต้นรำมีปฏิสัมพันธ์กับดนตรีสร้างภาพดนตรีและท่าเต้นร่วมกับมัน ในการรวมกันนี้องค์ประกอบแต่ละส่วนขึ้นอยู่กับสิ่งอื่น ๆ : ดนตรีกำหนดกฎของตัวเองให้กับการเต้นรำและในเวลาเดียวกันก็ได้รับอิทธิพลจากการเต้นรำ ในบางกรณีการเต้นรำสามารถทำได้โดยไม่มีดนตรีพร้อมด้วยการปรบมือการแตะส้นเท้า ฯลฯ

ต้นกำเนิดของการเต้นรำคือการเลียนแบบกระบวนการแรงงาน การเฉลิมฉลองและพิธีการทางพิธีกรรมด้านพลาสติกซึ่งมีข้อบังคับและความหมายบางประการ การเต้นรำแสดงออกอย่างเป็นธรรมชาติในการเคลื่อนไหวในการเคลื่อนไหวซึ่งเป็นจุดสุดยอดของสภาวะอารมณ์ของบุคคล

การเต้นรำมีส่วนเกี่ยวข้องกับชีวิตและชีวิตของผู้คนอยู่เสมอตลอดเวลา ดังนั้นการเต้นรำแต่ละครั้งจึงเป็นไปตามลักษณะนิสัยจิตวิญญาณของผู้คนที่มา

ศิลปะการแสดง

โรงละครเป็นรูปแบบศิลปะที่หลอมรวมโลกอย่างมีศิลปะผ่านการแสดงละครที่ดำเนินการโดยทีมงานสร้างสรรค์

โรงละครมีพื้นฐานมาจากละคร ธรรมชาติสังเคราะห์ของศิลปะการแสดงละครเป็นตัวกำหนดลักษณะโดยรวม: บทละครผสมผสานความพยายามสร้างสรรค์ของนักเขียนบทละครผู้กำกับศิลปินนักแต่งเพลงนักออกแบบท่าเต้นและนักแสดง

การแสดงละครแบ่งออกเป็นประเภท:

- ละคร;

- โศกนาฏกรรม;

- ตลก;

- ดนตรี ฯลฯ

ศิลปะการแสดงละครมีรากฐานมาจากสมัยโบราณ องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดมีอยู่แล้วในพิธีกรรมดั้งเดิมในการเต้นรำแบบโทเทมในการคัดลอกนิสัยของสัตว์ ฯลฯ

ศิลปะภาพถ่าย

การถ่ายภาพ (gr. Phos (photos) light + grafo I write) เป็นศิลปะที่สร้างขึ้นใหม่บนเครื่องบินโดยใช้เส้นและเงาในวิธีที่สมบูรณ์แบบที่สุดและไม่มีความผิดพลาดเกิดขึ้นได้รูปร่างและรูปร่างของวัตถุที่ส่งผ่าน โดยมัน

คุณลักษณะเฉพาะของการถ่ายภาพคือปฏิสัมพันธ์ที่เกิดขึ้นจริงของกระบวนการสร้างสรรค์และเทคโนโลยีที่อยู่ในนั้น ศิลปะการถ่ายภาพพัฒนาขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 อันเป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของความคิดทางศิลปะและความก้าวหน้าของวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีการถ่ายภาพ การปรากฏตัวของมันถูกจัดทำขึ้นในอดีตโดยการพัฒนาภาพวาดซึ่งมุ่งเน้นไปที่ภาพที่แม่นยำเหมือนกระจกของโลกที่มองเห็นและใช้การค้นพบของเลนส์ทางเรขาคณิต (มุมมอง) และอุปกรณ์ออปติก (กล้อง - ความคลุมเครือ) เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้

ความจำเพาะของการถ่ายภาพคือการให้ภาพที่สื่อถึงความหมายของสารคดี

การถ่ายภาพให้ภาพที่แสดงออกอย่างมีศิลปะและจับภาพช่วงเวลาสำคัญของความเป็นจริงได้อย่างน่าเชื่อถือในภาพที่ถูกตรึง

ข้อเท็จจริงของชีวิตในการถ่ายภาพโดยแทบไม่ต้องมีการประมวลผลเพิ่มเติมจะถูกถ่ายโอนจากขอบเขตของความเป็นจริงไปสู่ขอบเขตของงานศิลปะ

FILM ART

โรงภาพยนตร์เป็นศิลปะในการสร้างภาพเคลื่อนไหวที่ถ่ายด้วยฟิล์มบนหน้าจอสร้างความประทับใจให้กับความเป็นจริงที่มีชีวิต การประดิษฐ์ภาพยนตร์ในศตวรรษที่ XX ลักษณะของมันถูกกำหนดโดยความสำเร็จของวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีในสาขาทัศนศาสตร์เทคโนโลยีไฟฟ้าและการถ่ายภาพเคมี ฯลฯ

โรงภาพยนตร์สื่อถึงการเปลี่ยนแปลงของยุคสมัย การทำงานโดยใช้เวลาเป็นเครื่องมือในการแสดงออกทำให้ภาพยนตร์สามารถถ่ายทอดความต่อเนื่องของเหตุการณ์ต่างๆในตรรกะภายในของพวกเขา

ภาพยนตร์เป็นศิลปะสังเคราะห์ซึ่งรวมถึงองค์ประกอบอินทรีย์เช่นวรรณกรรม (สคริปต์เพลง) ภาพวาด (การ์ตูนทิวทัศน์ในภาพยนตร์สารคดี) ศิลปะการแสดงละคร (การแสดง) ดนตรีซึ่งทำหน้าที่เป็นเครื่องมือในการเสริมสร้างภาพ

โรงภาพยนตร์สามารถแบ่งย่อยตามเงื่อนไขออกเป็นสารคดีและนิยายทางวิทยาศาสตร์

นอกจากนี้ยังมีการกำหนดประเภทของภาพยนตร์:

โศกนาฏกรรม,

แฟนตาซี

ตลก

ประวัติศาสตร์ ฯลฯ

บทสรุป

วัฒนธรรมมีบทบาทพิเศษในการปรับปรุงบุคลิกภาพในการสร้างภาพพจน์ของแต่ละโลกเพราะมันสะสมประสบการณ์ทางอารมณ์ศีลธรรมและการประเมินทั้งหมดของมนุษยชาติ

ปัญหาของการศึกษาศิลปะและสุนทรียศาสตร์ในการก่อตัวของการวางแนวคุณค่าของคนรุ่นใหม่ได้กลายเป็นเป้าหมายของความสนใจของนักสังคมวิทยานักปรัชญานักทฤษฎีวัฒนธรรมนักวิจารณ์ศิลปะ บทช่วยสอนนี้เป็นส่วนเสริมเล็กน้อยของสื่อการเรียนรู้ขนาดใหญ่ที่เกี่ยวข้องกับสาขาศิลปะ ผู้เขียนแสดงความหวังว่าจะเป็นความช่วยเหลือที่ดีสำหรับนักเรียนลูกศิษย์และทุกคนที่ไม่สนใจงานศิลปะ

จาก Masterweb

ในแง่ที่ง่ายที่สุดศิลปะคือความสามารถของบุคคลในการรวบรวมสิ่งที่สวยงามให้เป็นจริงและได้รับความสุขทางสุนทรียภาพจากวัตถุดังกล่าว นอกจากนี้ยังสามารถเป็นหนึ่งในวิธีการเรียนรู้ที่เรียกว่าความเชี่ยวชาญ แต่สิ่งหนึ่งที่แน่นอนคือหากไม่มีศิลปะโลกของเราจะจืดชืดน่าเบื่อและไม่น่าตื่นเต้นเลย

หยุดคำศัพท์

ในความหมายที่กว้างที่สุดศิลปะคืองานฝีมือประเภทหนึ่งที่ผลิตภัณฑ์นำมาซึ่งสุนทรียภาพ ตามรายการในสารานุกรมบริแทนนิกาเกณฑ์หลักของศิลปะคือความสามารถในการสะท้อนกับผู้อื่น ในทางกลับกันสารานุกรมผู้ยิ่งใหญ่แห่งสหภาพโซเวียตกล่าวว่าศิลปะเป็นรูปแบบหนึ่งของจิตสำนึกทางสังคมซึ่งเป็นองค์ประกอบหลักของวัฒนธรรมของมนุษย์

ใครจะพูดอะไรก็ตาม แต่การโต้เถียงเกี่ยวกับคำว่า "ศิลปะ" นั้นเกิดขึ้นมานานมากแล้ว ตัวอย่างเช่นในยุคจินตนิยมศิลปะถือเป็นคุณลักษณะของจิตใจมนุษย์ นั่นคือพวกเขาเข้าใจคำนี้แบบเดียวกับศาสนาและวิทยาศาสตร์

งานฝีมือพิเศษ

ในความหมายแรกและแพร่หลายมากที่สุดแนวคิดของศิลปะถูกถอดรหัสว่าเป็น "งานฝีมือ" หรือ "การรวบรวม" (เป็นการสร้างสรรค์ด้วยเช่นกัน) พูดง่ายๆคือทุกสิ่งที่มนุษย์สร้างขึ้นในกระบวนการประดิษฐ์และทำความเข้าใจองค์ประกอบบางอย่างอาจเรียกได้ว่าเป็นงานศิลปะ

จนถึงศตวรรษที่ 19 ศิลปะเป็นความสามารถของศิลปินหรือนักร้องในการแสดงออกถึงความสามารถดึงดูดผู้ชมและทำให้พวกเขารู้สึก

แนวคิดของ "ศิลปะ" สามารถใช้ในกิจกรรมต่างๆของมนุษย์:

• กระบวนการแสดงความสามารถด้านเสียงการออกแบบท่าเต้นหรือการแสดง
• ผลงานวัตถุทางกายภาพที่สร้างขึ้นโดยผู้เชี่ยวชาญด้านงานฝีมือของพวกเขา
• กระบวนการบริโภคผลงานศิลปะของผู้ชม

เมื่อสรุปแล้วเราสามารถพูดได้ดังต่อไปนี้: ศิลปะเป็นระบบย่อยชนิดหนึ่งของทรงกลมแห่งชีวิตทางจิตวิญญาณซึ่งเป็นการผลิตซ้ำอย่างสร้างสรรค์ของความเป็นจริงในภาพศิลปะ นี่เป็นทักษะเฉพาะที่สามารถชื่นชมกับสาธารณชนได้

ประวัติเล็กน้อย

ในวัฒนธรรมโลกผู้คนเริ่มพูดถึงศิลปะในสมัยโบราณ ศิลปะดึกดำบรรพ์ (กล่าวคือวิจิตรศิลป์ก็เป็นภาพวาดหินเช่นกัน) ปรากฏร่วมกับมนุษย์ในยุคกลางยุคหิน วัตถุชิ้นแรกที่สามารถระบุได้ด้วยศิลปะเช่นนี้ปรากฏในยุคหินตอนบน ผลงานศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดเช่นสร้อยคอเปลือกหอยมีอายุย้อนไปถึง 75,000 ปีก่อนคริสตกาล

ในยุคหินพิธีกรรมดั้งเดิมดนตรีการเต้นรำเครื่องประดับถูกเรียกว่าศิลปะ โดยทั่วไปแล้วศิลปะสมัยใหม่มีต้นกำเนิดมาจากพิธีกรรมประเพณีการละเล่นโบราณซึ่งถูกกำหนดเงื่อนไขโดยความคิดและความเชื่อที่เป็นตำนานและเวทมนตร์

จากมนุษย์ดึกดำบรรพ์

ในงานศิลปะโลกเป็นเรื่องปกติที่จะแยกแยะการพัฒนาในยุคต่างๆ พวกเขาแต่ละคนรับบางสิ่งบางอย่างจากบรรพบุรุษของพวกเขาเพิ่มบางอย่างของพวกเขาเองและทิ้งไว้ให้กับลูกหลานของพวกเขา จากศตวรรษสู่ศตวรรษศิลปะได้กลายมาเป็นรูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้น

ศิลปะของสังคมดึกดำบรรพ์ประกอบด้วยดนตรีเพลงพิธีกรรมการเต้นรำและภาพที่ใช้กับหนังสัตว์โลกและวัตถุธรรมชาติอื่น ๆ ในโลกแห่งสมัยโบราณศิลปะมีรูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้น ได้รับการพัฒนาในอียิปต์เมโสโปเตเมียเปอร์เซียอินเดียจีนและอารยธรรมอื่น ๆ ศูนย์เหล่านี้แต่ละแห่งมีรูปแบบศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเองซึ่งมีชีวิตรอดมานานกว่าหนึ่งสหัสวรรษและแม้กระทั่งในปัจจุบันก็มีผลกระทบต่อวัฒนธรรม อย่างไรก็ตามศิลปินกรีกโบราณถือว่าดีที่สุด (ดีกว่าอาจารย์สมัยใหม่ด้วยซ้ำ) ในการวาดภาพร่างกายมนุษย์ มีเพียงพวกเขาเท่านั้นที่จัดการด้วยวิธีที่น่าทึ่งบางอย่างเพื่อพรรณนากล้ามเนื้อท่าทางเลือกสัดส่วนที่ถูกต้องและถ่ายทอดความงามตามธรรมชาติของธรรมชาติ

วัยกลางคน

ในช่วงยุคกลางศาสนามีอิทธิพลสำคัญต่อพัฒนาการของศิลปะ โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับยุโรป ศิลปะโกธิคและไบแซนไทน์มีพื้นฐานมาจากความจริงทางจิตวิญญาณและวิชาในพระคัมภีร์ ในเวลานี้ทางตะวันออกและในประเทศที่นับถือศาสนาอิสลามเชื่อกันว่ารูปวาดของบุคคลนั้นไม่มีอะไรมากไปกว่าการสร้างรูปเคารพซึ่งเป็นสิ่งต้องห้าม ดังนั้นสถาปัตยกรรมเครื่องประดับจึงมีอยู่ในทัศนศิลป์ แต่ไม่มีมนุษย์ การประดิษฐ์ตัวอักษรและเครื่องประดับกำลังพัฒนา ในอินเดียและทิเบตการเต้นรำทางศาสนาเป็นศิลปะหลักตามด้วยประติมากรรม

ศิลปะหลากหลายแขนงเฟื่องฟูในจีนไม่ได้รับอิทธิพลหรือกดดันจากศาสนาใด ๆ แต่ละยุคมีเจ้านายของตัวเองแต่ละคนมีสไตล์ของตัวเองซึ่งพวกเขาสมบูรณ์แบบ ดังนั้นงานศิลปะแต่ละชิ้นจึงมีชื่อของยุคสมัยที่สร้างขึ้น ตัวอย่างเช่นแจกันหมิงหรือภาพวาดถัง ในญี่ปุ่นสถานการณ์เช่นเดียวกับในประเทศจีน พัฒนาการของวัฒนธรรมและศิลปะในประเทศเหล่านี้ค่อนข้างโดดเด่น

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาศิลปะกลับมาสู่คุณค่าทางวัตถุและมนุษยนิยมอีกครั้ง ตัวเลขของมนุษย์ได้มาซึ่งตัวตนที่หายไปมุมมองปรากฏขึ้นในอวกาศและศิลปินพยายามที่จะสะท้อนความแน่นอนทางกายภาพและเหตุผล

ในยุคจินตนิยมอารมณ์จะปรากฏในงานศิลปะ ผู้เชี่ยวชาญพยายามแสดงให้เห็นถึงความแตกต่างของมนุษย์และความลึกซึ้งของประสบการณ์ รูปแบบทางศิลปะหลายรูปแบบเริ่มปรากฏขึ้นเช่นวิชาการสัญลักษณ์ลัทธินิยม ฯลฯ จริงอยู่อายุของพวกเขาสั้นและทิศทางในอดีตได้รับแรงกระตุ้นจากความน่ากลัวของสงครามที่ประสบมาใคร ๆ ก็พูดได้ว่าฟื้นขึ้นมาจากขี้เถ้า

สู่ความทันสมัย

ในศตวรรษที่ 20 บรรดาปรมาจารย์ต่างมองหาความเป็นไปได้ในการมองเห็นและมาตรฐานความงามใหม่ ๆ เนื่องจากโลกาภิวัตน์ที่เติบโตขึ้นเรื่อย ๆ วัฒนธรรมต่างๆจึงเริ่มตีความและมีอิทธิพลต่อกันและกัน ตัวอย่างเช่นอิมเพรสชั่นนิสต์ได้รับแรงบันดาลใจจากงานแกะสลักของญี่ปุ่นและงานวิจิตรศิลป์ของอินเดียมีอิทธิพลอย่างมากต่อผลงานของปิกัสโซ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 พัฒนาการของศิลปะแขนงต่างๆได้รับอิทธิพลจากลัทธิสมัยใหม่โดยมีการค้นหาความจริงและบรรทัดฐานที่มั่นคงในอุดมคติ ช่วงเวลาของศิลปะร่วมสมัยเกิดขึ้นเมื่อมีการตัดสินใจว่าค่านิยมเป็นญาติกัน

หน้าที่และคุณสมบัติ

ตลอดเวลานักทฤษฎีประวัติศาสตร์ศิลปะและการศึกษาวัฒนธรรมกล่าวว่าศิลปะก็เหมือนกับปรากฏการณ์ทางสังคมอื่น ๆ ที่มีหน้าที่และคุณสมบัติที่แตกต่างกัน หน้าที่ของศิลปะทั้งหมดแบ่งออกตามอัตภาพเป็นแรงจูงใจและไม่ได้รับการกระตุ้น

ฟังก์ชันที่ไม่ได้รับการกระตุ้นคือคุณสมบัติที่เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติของมนุษย์ พูดง่ายๆก็คือศิลปะเป็นสิ่งที่บุคคลถูกผลักดันให้เกิดขึ้นโดยสัญชาตญาณและนอกเหนือไปจากการใช้งานได้จริงและมีประโยชน์ ฟังก์ชั่นเหล่านี้ ได้แก่ :

• สัญชาตญาณพื้นฐานสำหรับความสามัคคีจังหวะและความสมดุล ศิลปะที่นี่ไม่ได้แสดงออกมาในรูปแบบวัสดุ แต่อยู่ในรูปแบบที่เย้ายวนใจมุ่งมั่นเพื่อความกลมกลืนและความงาม
• รู้สึกลึกลับ เชื่อกันว่าศิลปะเป็นวิธีหนึ่งที่ทำให้รู้สึกเชื่อมโยงกับจักรวาล ความรู้สึกนี้เกิดขึ้นโดยไม่คาดคิดเมื่อใคร่ครวญรูปภาพฟังเพลง ฯลฯ
• จินตนาการ. ต้องขอบคุณศิลปะบุคคลสามารถใช้จินตนาการได้โดยไม่มีข้อ จำกัด
• ที่อยู่มากมาย ศิลปะช่วยให้ผู้สร้างสามารถพูดคุยกับคนทั้งโลกได้
• พิธีกรรมและสัญลักษณ์ วัฒนธรรมสมัยใหม่บางแห่งมีพิธีกรรมการเต้นรำและการแสดงที่มีชีวิตชีวา พวกมันเป็นสัญลักษณ์ชนิดหนึ่งและบางครั้งก็เป็นเพียงวิธีการที่หลากหลายในการจัดงาน พวกเขาไม่ได้ติดตามเป้าหมายใด ๆ แต่นักมานุษยวิทยามองเห็นความหมายที่มีอยู่ในการพัฒนาวัฒนธรรมของชาติในทุกการเคลื่อนไหว

คุณสมบัติที่เป็นแรงจูงใจ

หน้าที่ที่มีแรงบันดาลใจของงานศิลปะคือเป้าหมายที่ผู้สร้างตั้งสติให้กับตัวเองเมื่อเริ่มสร้างงานศิลปะ

ในกรณีนี้ศิลปะสามารถ:

• วิธีการสื่อสาร ในรูปแบบที่ง่ายที่สุดศิลปะเป็นวิธีการสื่อสารระหว่างผู้คนซึ่งสามารถส่งข้อมูลได้
• ความบันเทิง. ศิลปะสามารถสร้างอารมณ์ที่เหมาะสมช่วยผ่อนคลายและเบี่ยงเบนความสนใจจากปัญหา
• เพื่อประโยชน์ในการเปลี่ยนแปลง. ในตอนต้นของศตวรรษที่ยี่สิบมีการสร้างผลงานมากมายที่กระตุ้นให้เกิดการเปลี่ยนแปลงทางการเมือง
• สำหรับจิตบำบัด. นักจิตวิทยามักใช้ศิลปะเพื่อวัตถุประสงค์ในการรักษาโรค เทคนิคนี้ขึ้นอยู่กับการวิเคราะห์รูปแบบทำให้สามารถวินิจฉัยได้แม่นยำยิ่งขึ้น
• เพื่อประโยชน์ในการประท้วง. ศิลปะมักถูกใช้เพื่อต่อต้านบางสิ่งบางอย่างหรือบางคน
• โฆษณาชวนเชื่อ. ศิลปะยังเป็นช่องทางหนึ่งในการเผยแพร่โฆษณาชวนเชื่อซึ่งเป็นไปได้ที่จะมีอิทธิพลต่อการก่อตัวของรสนิยมและอารมณ์ใหม่ในที่สาธารณะอย่างละเอียด

ดังที่เห็นได้จากหน้าที่ของมันศิลปะมีบทบาทสำคัญในชีวิตของสังคมซึ่งมีอิทธิพลต่อชีวิตมนุษย์ทุกด้าน

ประเภทและรูปแบบ

ในขั้นต้นศิลปะถูกมองว่าไม่มีการแบ่งแยกนั่นคือความซับซ้อนทั่วไปของกิจกรรมสร้างสรรค์ สำหรับมนุษย์ในยุคดึกดำบรรพ์ไม่มีตัวอย่างงานศิลปะที่แยกจากกันเช่นละครเพลงหรือวรรณกรรม ทุกอย่างหลอมรวมเป็นหนึ่งเดียว หลังจากนั้นไม่นานศิลปะประเภทต่างๆก็เริ่มปรากฏขึ้น นี่คือชื่อของรูปแบบการสะท้อนศิลปะของโลกที่สร้างขึ้นในอดีตซึ่งใช้เพื่อสร้างวิธีการที่แตกต่างกัน

รูปแบบของศิลปะดังกล่าวมีความโดดเด่นขึ้นอยู่กับวิธีการที่ใช้:

• วรรณคดี. ใช้การเขียนด้วยวาจาเพื่อสร้างงานศิลปะ มีสามประเภทหลักที่แตกต่างกันที่นี่ - บทกวีบทละครมหากาพย์และบทกวี
• เพลง. แบ่งออกเป็นแกนนำและเครื่องมือเพื่อสร้างตัวอย่างของศิลปะใช้วิธีการเสียง
• เต้นรำ. การเคลื่อนไหวของพลาสติกถูกนำมาใช้เพื่อสร้างรูปแบบใหม่ มีทั้งบัลเล่ต์พิธีกรรมบอลรูมศิลปะการเต้นรำร่วมสมัยและพื้นบ้าน
• จิตรกรรม. ด้วยความช่วยเหลือของความเป็นจริงของสีจะปรากฏบนเครื่องบิน
• สถาปัตยกรรม. ศิลปะเป็นที่ประจักษ์ในการเปลี่ยนแปลงของสภาพแวดล้อมเชิงพื้นที่ด้วยโครงสร้างและอาคาร
• ประติมากรรม. แสดงถึงงานศิลปะที่มีปริมาตรและรูปทรงสามมิติ
• มัณฑนศิลป์และประยุกต์ศิลป์. แบบฟอร์มนี้เกี่ยวข้องโดยตรงกับความต้องการประยุกต์สิ่งเหล่านี้เป็นวัตถุทางศิลปะที่สามารถใช้ในชีวิตประจำวันได้ ตัวอย่างเช่นจานทาสีเฟอร์นิเจอร์ ฯลฯ
• โรงละคร. ด้วยความช่วยเหลือของการแสดงการแสดงบนเวทีของธีมและตัวละครที่เฉพาะเจาะจงจะถูกแสดงบนเวที
• คณะละครสัตว์. การกระทำที่น่าตื่นเต้นและสนุกสนานพร้อมตัวเลขตลกผิดปกติและมีความเสี่ยง
• โรงภาพยนตร์. เราสามารถพูดได้ว่านี่คือวิวัฒนาการของการแสดงละครเมื่อยังคงใช้วิธีการทางโสตสัมผัสในปัจจุบัน
• ภาพถ่าย ประกอบด้วยการแก้ไขภาพด้วยวิธีการทางเทคนิค

คุณยังสามารถเพิ่มประเภทของศิลปะเช่นป๊อปอาร์ตกราฟิกวิทยุและอื่น ๆ ในแบบฟอร์มในรายการได้อีกด้วย

บทบาทของศิลปะในชีวิตมนุษย์

แปลก แต่ด้วยเหตุผลบางประการเชื่อกันว่าศิลปะมีไว้สำหรับกลุ่มประชากรชั้นบนเท่านั้นที่เรียกว่าชนชั้นสูง แนวคิดดังกล่าวน่าจะแปลกสำหรับคนอื่น

งานศิลปะมักจะมีความมั่งคั่งอิทธิพลและอำนาจ ท้ายที่สุดคนเหล่านี้สามารถซื้อของสวยงามราคาแพงลามกอนาจารและไร้ประโยชน์อย่างไร้เหตุผล ยกตัวอย่างเช่น Hermitage หรือ Palace of Versailles ซึ่งเก็บรักษาของสะสมของพระมหากษัตริย์ในอดีตไว้มากมาย ปัจจุบันรัฐบาลองค์กรเอกชนบางแห่งและผู้มีอันจะกินสามารถซื้อคอลเลคชันดังกล่าวได้

บางครั้งคนเรารู้สึกว่าบทบาทหลักของศิลปะในชีวิตของคน ๆ หนึ่งคือการแสดงสถานะทางสังคมของเขาให้คนอื่นเห็น ในหลายวัฒนธรรมสิ่งที่มีราคาแพงและสง่างามแสดงถึงตำแหน่งของบุคคลในสังคม ในทางกลับกันสองศตวรรษที่ผ่านมามีความพยายามที่จะทำให้งานศิลปะชั้นสูงสามารถเข้าถึงคนทั่วไปได้มากขึ้น ตัวอย่างเช่นในปี 1793 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์เปิดให้บริการสำหรับทุกคน (จนถึงเวลานั้นเป็นสมบัติของกษัตริย์ฝรั่งเศส) เมื่อเวลาผ่านไปแนวคิดนี้ถูกหยิบขึ้นมาในรัสเซีย (Tretyakov Gallery) สหรัฐอเมริกา (Metropolitan Museum) และประเทศในยุโรปอื่น ๆ อย่างไรก็ตามคนที่มีคอลเลกชันงานศิลปะของตัวเองมักจะได้รับการพิจารณาว่ามีอิทธิพลมากกว่า

สังเคราะห์หรือจริง

มีผลงานศิลปะหลากหลายประเภทในโลกสมัยใหม่ พวกเขามีหลายประเภทรูปแบบวิธีการสร้าง สิ่งเดียวที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลงคือศิลปะพื้นบ้านในรูปแบบดั้งเดิม

วันนี้แม้แต่ความคิดง่ายๆก็ถือว่าเป็นศิลปะ ต้องขอบคุณความคิดความคิดเห็นของสาธารณชนและบทวิจารณ์เชิงวิจารณ์ว่าผลงานเช่น "Black Square" ชุดน้ำชาที่ปกคลุมด้วยขนธรรมชาติหรือภาพถ่ายแม่น้ำไรน์ซึ่งขายได้ในราคา 4 ล้านดอลลาร์กำลังประสบความสำเร็จอย่างยั่งยืน เป็นเรื่องยากที่จะเรียกสิ่งเหล่านี้และวัตถุที่คล้ายกันจริง

แล้วศิลปะที่แท้จริงคืออะไร? โดยทั่วไปแล้วสิ่งเหล่านี้เป็นผลงานที่ทำให้คุณคิดตั้งคำถามค้นหาคำตอบ ศิลปะที่แท้จริงดึงดูดฉันต้องการได้รับรายการนี้โดยเสียค่าใช้จ่ายใด ๆ แม้แต่ในวรรณคดีคลาสสิกของรัสเซียก็เขียนเกี่ยวกับพลังที่ดึงดูดใจนี้ ดังนั้นในเรื่อง "The Portrait" ของโกกอลตัวเอกจึงใช้เวลาประหยัดครั้งสุดท้ายในการหาภาพบุคคล

ศิลปะที่แท้จริงทำให้คนใจดีเข้มแข็งและฉลาดขึ้นเสมอ การมีความรู้และประสบการณ์อันล้ำค่าที่รวบรวมมาหลายชั่วอายุคนและปัจจุบันมีอยู่ในรูปแบบที่ยอมรับได้สำหรับการรับรู้บุคคลมีโอกาสที่จะพัฒนาและปรับปรุง

งานศิลปะที่แท้จริงทำจากใจเสมอ ไม่สำคัญว่ามันจะเป็นอย่างไร - หนังสือภาพเพลงบทละคร ผู้ดูจะรู้สึก เขาจะรู้สึกได้ถึงสิ่งที่ผู้สร้างต้องการจะสื่ออย่างแน่นอน รู้สึกถึงอารมณ์ของเขาเข้าใจความคิดของเขาไปกับเขาเพื่อค้นหาคำตอบ ศิลปะที่แท้จริงคือบทสนทนาที่ไม่ได้ยินระหว่างผู้เขียนและบุคคลหลังจากนั้นผู้ฟัง / ผู้อ่าน / ผู้ชมจะไม่เหมือนเดิมอีกต่อไป นี่คือสิ่งที่เป็นศิลปะที่แท้จริง ความรู้สึกที่เข้มข้นอย่างแท้จริง ดังที่พุชกินเขียนไว้ว่าควรเผาใจผู้คนไม่ว่าจะเป็นคำกริยาแปรงหรือเครื่องดนตรี ศิลปะดังกล่าวควรให้บริการผู้คนและสร้างแรงบันดาลใจให้เปลี่ยนแปลงสร้างความบันเทิงยามเศร้าและสร้างแรงบันดาลใจให้เกิดความหวังโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อดูเหมือนว่าไม่มีทางออก เพียงวิธีนี้จะเป็นอย่างอื่นไปไม่ได้

ทุกวันนี้มีสิ่งของแปลก ๆ มากมายบางครั้งก็ไร้สาระที่เรียกว่างานศิลปะ แต่ถ้าพวกเขาไม่สามารถ“ จับชีวิต” ได้ก็แสดงว่าพวกเขาไม่สามารถเกี่ยวข้องกับศิลปะเบื้องต้นได้

ถนน Kievyan 16 0016 อาร์เมเนียเยเรวาน +374 11 233 255

1. พลวัตที่เป็นปัญหาและน่าจะเป็นหรือโอกาส

อย่างไรก็ตามเราไม่จำเป็นต้องดำเนินไปด้วยการกลายเป็นเพียงการกระทำเพียงครั้งเดียวเท่านั้นซึ่งทำให้วัตถุของศิลปะแตกต่างจากวัตถุของวิทยาศาสตร์ ต้องจำไว้ตลอดเวลาว่าในสาขาศิลปะเราไม่ได้เกี่ยวข้องกับการกระทำในฐานะโครงสร้างอินทรีย์ของการกลายเป็นเพียงอย่างเดียว แต่การก่อตัวเกิดขึ้นที่นี่ในอริสโตเติลอันเป็นผลมาจากการต่อต้านการใช้เหตุผลเชิงเด็ดขาด (เช่นเดียวกับตรรกะ ความจำเป็น) กับความเป็นไปได้ที่เป็นปัญหา ด้วยการใช้โอกาสนี้ในด้านเหตุผลที่บริสุทธิ์ในแง่มุมของความเป็นไปได้ที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติและความเป็นไปได้ที่สำคัญเราจึงได้รับแนวคิดที่สมบูรณ์มากขึ้นหรือน้อยลงเกี่ยวกับวัตถุแห่งศิลปะ

อริสโตเติลเขียนว่า: "... งานของกวีไม่ได้พูดถึงสิ่งที่เกิดขึ้น (ta genomena) แต่เกี่ยวกับสิ่งที่อาจเกิดขึ้นเกี่ยวกับความเป็นไปได้โดยความน่าจะเป็นหรือความจำเป็น" (กวี. 9, 1451 ก 36 - ข 1 ). ดังนั้นอริสโตเติล ครั้งแล้วครั้งเล่าที่พังทลายด้วยวัตถุแห่งศิลปะเช่นเดียวกับความเป็นจริง ข้อเท็จจริงที่เปลือยเปล่าที่ดำเนินการโดยตัวเองไม่ได้สนใจกวี เขาสนใจในสิ่งที่แสดงให้เห็นในสิ่งที่รับรู้ไม่ใช่ในตัวเอง แต่เป็นแหล่งที่มาของวัตถุและการเป็นตัวแทนอื่น ๆ ที่เป็นไปได้หรืออย่างที่เราพูดว่าเรื่องของภาพศิลปะมักจะเป็น สัญลักษณ์ หรือว่า .. แทน แสดงออกและเป็นสัญลักษณ์ ชี้ไปที่สิ่งอื่นเสมอและเรียกร้องสิ่งอื่น

ความคิดของอริสโตเติลในเรื่องนี้ค่อนข้างชัดเจน:

“ นักประวัติศาสตร์ 158 และกวีไม่ได้แตกต่างกันในสิ่งที่พูดเป็นข้อ ๆ แต่เป็นร้อยแก้วคนหนึ่งพูดถึงสิ่งที่เกิดขึ้น (ta genomena) อีกคนหนึ่งเกี่ยวกับสิ่งที่อาจเกิดขึ้น” (b 1-6)

2. ลักษณะทั่วไปของความเป็นไปได้นี้

ในที่สุดตามที่อริสโตเติลกล่าวว่าไม่มีทางเป็นไปได้ที่วัตถุทางศิลปะซึ่งเขาประกาศว่ามีความเป็นไปได้เพียงอย่างเดียวจะสามารถลดลงได้ทั้งในแง่ของลักษณะทั่วไปและในแง่ของความน่าเชื่อถือของภาพ ใครจะคิดว่าถ้าศิลปินได้รับคำสั่งให้ไม่พรรณนาถึงสิ่งที่เป็นอยู่ แต่สิ่งที่เป็นไปได้ศิลปินจะไม่ถูกผูกติดอยู่กับการพรรณนาถึงสิ่งใด ๆ ไม่ได้เป็นไปไม่ได้ในทางใดทางหนึ่งเพราะเราจะไม่ลืมว่าขอบเขตของความเป็นไปได้ทั้งหมดนั้นมาจากเหตุผลทางทฤษฎีเดียวกันซึ่งมักจะดำเนินการเฉพาะในหมวดหมู่ทั่วไปเท่านั้น

"กวีนิพนธ์มีองค์ประกอบที่เป็นปรัชญาและจริงจังมากกว่าประวัติศาสตร์: มันแสดงถึง ทั่วไปมากขึ้น และประวัติศาสตร์ - เอกชน. โดยทั่วไปประกอบด้วยการพรรณนาถึงสิ่งที่ต้องพูดหรือทำตามความน่าจะเป็นหรือความจำเป็นของบุคคลที่มีคุณสมบัติบางประการ นี่คือสิ่งที่กวีนิพนธ์มุ่งมั่นเพื่อตั้งชื่อตัวละคร และเฉพาะอย่างเช่นสิ่งที่ Alcibiades ทำหรือเกิดอะไรขึ้นกับเขา” (ข 6-12)

3. ลักษณะเป็นรูปเป็นร่างของศิลปะ

สิ่งสำคัญคือต้องสังเกตว่าสิ่งที่เป็นไปได้เกี่ยวกับการตีความศิลปะมักมีลักษณะเฉพาะบางอย่าง ชื่อ. ตอนนี้เราจะพูดแตกต่างกัน ท้ายที่สุดแล้วจนถึงตอนนี้โดยหลักการแล้วมันเป็นเพียงเหตุผลที่บริสุทธิ์หรือทางทฤษฎีซึ่งดำเนินการด้วยความช่วยเหลือของหมวดหมู่ทั่วไป แต่งานศิลปะไม่ได้เป็นเพียงระบบของหมวดหมู่เชิงตรรกะ มันเป็นภาพที่แน่นอนเสมอ บุคคล ด้วยชื่อของพวกเขาและแน่นอน การกระทำ ที่เกิดขึ้นกับบุคคลเหล่านี้ อริสโตเติลได้กล่าวถึงการกระทำแล้ว แต่เขายังไม่ได้พูดถึงวีรบุรุษของงานศิลปะ และตอนนี้เขาบอกว่างานศิลปะทำงานร่วมกับคนอื่นเสมอ ชื่อ นั่นคือมีฮีโร่บางคนที่มีชื่อที่แน่นอน หากพล็อตนั้นมีความสำคัญเป็นหลักในการแสดงตลกและชื่ออาจเป็นอะไรก็ได้และหากมีชื่อใน iambography แต่การกระทำไม่ได้แสดงให้เห็น (ข 12-15) สถานการณ์ก็แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงในโศกนาฏกรรม เนื้อเรื่องจะได้รับตำนานนั่นคือชุดการกระทำบางอย่างและ "ชื่อ" จะได้รับนั่นคือวีรบุรุษที่มีชื่อบางอย่างเป็นของพวกเขาและเนื่องจากตำนานอ้างถึงอดีตคำถามเกี่ยวกับความเป็นจริงที่แท้จริงของมันจึงไม่มีอีกต่อไป ยก. เนื่องจากมีบางสิ่งบางอย่างจึงเป็นไปได้; ดังนั้นโศกนาฏกรรมจึงเป็นไปตามหลักการทางศิลปะของความเป็นไปได้อย่างเต็มที่โดยไม่ต้องพูดถึงความโน้มน้าวใจที่ตามมาจากสิ่งนี้และด้วยเหตุนี้ความสมจริงที่แปลกประหลาดไม่เพียง แต่ไม่ขัดแย้งกับหลักการของความเป็นไปได้เท่านั้น แต่ยังตระหนักถึงความเป็นไปได้อย่างชัดเจนที่สุด

นี่คือสิ่งที่เราอ่านจากอริสโตเติลเกี่ยวกับเรื่องนี้:

"โศกนาฏกรรมยึดติดกับชื่อที่นำมาจากอดีตเหตุผลที่เป็นไปได้ [นั่นคือในกรณีนี้เหตุการณ์] สร้างแรงบันดาลใจให้เกิดความมั่นใจในความเป็นไปได้ของสิ่งที่ยังไม่เกิดขึ้นเราไม่เชื่อ แต่ สิ่งที่เกิดขึ้นนั้นชัดเจนบางทีอาจจะเป็นเพราะมันจะไม่เกิดขึ้นหากเป็นไปไม่ได้อย่างไรก็ตามในโศกนาฏกรรมบางอย่างจะพบเพียงหนึ่งหรือสองชื่อที่มีชื่อเสียงในขณะที่คนอื่น ๆ เป็นเรื่องสมมติเช่นในเหตุการณ์ "Flower." ของ Agathon และชื่อ แต่ยังคงสนุกสนาน "(ข 15-23)

ไม่ใช่แค่ความกว้างของขอบฟ้าศิลปะของอริสโตเติลเท่านั้นที่มีความสำคัญที่นี่ แต่ที่นี่ยังมีความสำคัญอีกด้วยว่าในบรรดาข้อโต้แย้งเหล่านี้เกี่ยวกับความสมบูรณ์ชุมชนและความสมจริงที่แปลกประหลาดของภาพในตำนานเขาไม่ลืมที่จะพูดถึงความสุขด้วย นำมาโดยโศกนาฏกรรม (eyphraifiein หรือ แต่จะแปลว่า "ความสุข")

สรุปแล้วอริสโตเติลเน้นย้ำอีกครั้ง ไม่ใช่ข้อเท็จจริง งานศิลปะกล่าวคือสร้างขึ้นผลิตสร้างขึ้นอย่างสร้างสรรค์ภาพอัจฉริยะซึ่งตามที่อริสโตเติลได้รับการตระหนักเสมอผ่านการสร้างสรรค์ที่มีประสิทธิภาพ:

"คุณไม่จำเป็นต้องกำหนดให้เป็นงานของคุณที่จะต้องยึดมั่นกับตำนานที่รักษาไว้โดยประเพณีในพื้นที่ที่โศกนาฏกรรมหมุนไปและมันก็ไร้สาระที่จะบรรลุสิ่งนี้เนื่องจากแม้แต่คนที่รู้จักยังมีเพียงไม่กี่คน แต่ทุกคนก็ยังเป็น ยินดีจากสิ่งนี้เป็นที่ชัดเจนว่ากวีควรเป็นผู้สร้างพล็อตมากกว่าเมตรเนื่องจากเขาเป็นผู้สร้างตราบเท่าที่เขาทำซ้ำและเขาทำซ้ำการกระทำแม้ว่าเขาจะต้องพรรณนาถึงเหตุการณ์จริง แต่เขาก็ยังคงเป็น ผู้สร้างเนื่องจากไม่มีสิ่งใดป้องกันไม่ให้เหตุการณ์จริงบางอย่างมีลักษณะของความน่าจะเป็นและความเป็นไปได้เขาคือผู้สร้าง "(ข 23-33)

4. การแสดงออกเป็นความคมชัดทางสุนทรียศาสตร์ของวัตถุทางศิลปะ

ในที่สุดเราก็มาถึงความเข้าใจศิลปะของชาวอาริสโตเติลในฐานะขอบเขตของการแสดงออก ท้ายที่สุดแล้วที่นี่เป็นที่ชัดเจนในตัวเองว่าทฤษฎีประเภทนี้ของวัตถุทางศิลปะซึ่งคำนวณไม่เพียง แต่สำหรับเนื้อหา แต่สำหรับการกำหนดเนื้อหาที่มีความสามารถซึ่งยิ่งไปกว่านั้นให้ความสุขที่เฉพาะเจาะจงเป็นสุนทรียภาพที่สอดคล้องกันอย่างแม่นยำ นิพจน์ เมื่อสิ่งที่สำคัญไม่ใช่สิ่งที่มีอยู่อย่างเป็นกลางและไม่ใช่สิ่งที่สมมติขึ้นตามลำดับของการตัดสินตามอัตวิสัย แต่เป็นความดีงามของการแสดงออกและความพึงพอใจเฉพาะที่เกี่ยวข้อง

และ) ในคำพูดสุดท้ายของคำพูดก่อนหน้านี้เราเชื่อมั่นว่าแม้ว่าอริสโตเติลจะชื่นชอบเรื่องราวในตำนานที่เป็นที่รู้จักและเข้าใจได้ดี แต่เขาก็เชื่อว่างานศิลปะไม่ได้ขึ้นอยู่กับแผนการที่เป็นที่รู้จักและเข้าใจได้เลย อาจไม่เป็นที่รู้จักของสาธารณชนโดยสิ้นเชิงและไม่สามารถเข้าใจได้อย่างสมบูรณ์ในความแปลกใหม่ของพวกเขา แต่อย่างไรก็ตามประชาชนสามารถเพลิดเพลินกับสุนทรียะจากแผนการเหล่านี้ได้ และทำไม? เพราะสำหรับอริสโตเติลในงานนิยายไม่ใช่ "อะไร" แต่ "อย่างไร" นั้นมีความสำคัญหรือเป็นการหลอมรวมทั้งสองอย่างเข้าด้วยกันเป็นหนึ่งเดียวจึงทำให้เกิดภาพเชิงโครงสร้างที่น่าเชื่อ ด้านล่างเราจะดูว่าอริสโตเติลและต้นกำเนิดของศิลปะกำหนดความโน้มเอียงตามธรรมชาติของมนุษย์ในการ "เลียนแบบ" ได้อย่างไรนั่นคือการสร้างทุกสิ่งรอบตัวเขาขึ้นมาใหม่อย่างสร้างสรรค์และเพลิดเพลินไปกับการเลียนแบบแบบนี้

ข) ตอนนี้เราจะอ้างถึงข้อโต้แย้งที่น่าสนใจของ Aristotle in Politics:

"เด็ก ๆ ควรได้รับการสอนเรื่องที่เป็นประโยชน์ทั่วไปไม่เพียง แต่เพื่อผลประโยชน์ที่จะได้รับจากสิ่งนั้นเช่นการเรียนรู้ที่จะอ่านและเขียน แต่ยังเป็นเพราะด้วยการสอนนี้ทำให้สามารถให้ข้อมูลอื่น ๆ ได้อย่างครบถ้วน นี่เป็นกรณีที่มีการวาดภาพ: และไม่ได้ศึกษาเพื่อไม่ให้ตกอยู่ในความผิดพลาดในการกระทำของตนเองหรือถูกหลอกลวงในการซื้อหรือขายเครื่องใช้ในครัวเรือน แต่การวาดภาพนั้นได้รับการศึกษาเนื่องจากพัฒนาสายตาในการกำหนดความงามทางกายภาพของผู้คน ของคุณสมบัติทางวิญญาณที่สูงส่งและการเกิดมาอย่างอิสระ "(VIII 3, 1388 ก 37 - 1388 ข 4)

กล่าวอีกนัยหนึ่งวัตถุศิลปะตามที่ Aristotle มีความสำคัญและเป็นกลางและมีความสำคัญเท่าเทียมกัน ศิลปะเป็นรูปทรงกลมที่เฉพาะเจาะจงมากโดยที่ไม่มีการพูดว่า "ใช่" หรือ "ไม่" และอย่างไรก็ตามมันก็เป็นขอบเขตของการยืนยันและการปฏิเสธที่เป็นไปได้เสมอ นี่คือขอบเขตของการแสดงออกและการกระทำ นี่เป็นเรื่องจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับดนตรี (การเมือง VIII 4-5) ดังที่เราจะเห็นในภายหลังเมื่อพิจารณาถึงสาระสำคัญของดนตรีและการศึกษาดนตรี

ใน) โดยทั่วไปแล้วความสวยงามนั้นสูงกว่าทางกายภาพนั้นเห็นได้จากการให้เหตุผลของอริสโตเติล (จริยธรรมข้อ III 12) ว่าเป็นเรื่องที่น่ายินดีสำหรับนักชกกำปั้นที่จะได้รับพวงหรีดและเกียรติยศ แต่มันก็เจ็บปวดที่ได้รับผลกระทบในระหว่างการต่อสู้และ การกระทำที่กล้าหาญทำเพื่อเป้าหมายที่สวยงามและเพื่อหลีกเลี่ยงความอับอายแม้ว่าบาดแผลและความตายจะไม่สวยงามหรือน่ารื่นรมย์ อริสโตเติลอยากจะบอกตรงนี้ว่าความสวยงามนั้นมีผล แต่ไม่ใช่ในแง่ทางกายภาพอย่างแท้จริง

"ในงานศิลปะความสมบูรณ์แบบ (ต่อตา) อยู่ในตัวมันเองและมันก็เพียงพอแล้วสำหรับงานเหล่านี้ที่จะเกิดขึ้นตามกฎเกณฑ์ที่แฝงอยู่ในงานศิลปะ" (II 3, 1105 ก 27-28)

"ดังนั้นจึงไม่สามารถวิจารณ์ศิลปะได้ว่ามันสื่อถึงวัตถุที่ไม่ถูกต้องเป็นไปไม่ได้หรือเหลือเชื่อแน่นอนว่ามันจะดีกว่าถ้าทุกสิ่งที่แสดงในงานศิลปะนั้นถูกต้องทั้งในเชิงวัตถุและเป็นไปได้อย่างเป็นกลางและเป็นไปได้อย่างเป็นกลาง แต่ถ้าเช่น เป็นภาพม้าที่มีขาขวาสองข้างยื่นไปข้างหน้าจากนั้นนักวิจารณ์ของจิตรกรที่วิจารณ์เรื่องนี้ไม่ใช่ศิลปะการวาดภาพเลย แต่เป็นเพียงความไม่สอดคล้องกันของความเป็นจริงเท่านั้นเรื่องของภาพศิลปะอาจเป็นไปไม่ได้อย่างสิ้นเชิง อย่างไรก็ตามสำหรับกวีนิพนธ์สิ่งที่เป็นไปไม่ได้ แต่น่าจะดีกว่า แต่น่าเหลือเชื่อ "(กวี. 25, 1460 ข 6 - 1461 ก 9; 11-12)

อริสโตเติลสันนิษฐานว่าโครงสร้างที่ดีของงานศิลปะเมื่อเขาให้ความสำคัญกับความเชื่อมโยงของเหตุการณ์ในโศกนาฏกรรมนั่นคือสิ่งที่เขาเรียกว่า "ตำนาน" ไม่ใช่เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นเอง ตัวอย่างเช่นโศกนาฏกรรมตามที่อริสโตเติลกล่าวว่าเป็นไปได้แม้จะไม่มีการพรรณนาตัวละคร แต่ก็ไม่มีทางเป็นไปได้หากไม่มีการเชื่อมโยงของเหตุการณ์ที่ถูกตัดทอนและแสดงออกอย่างชัดเจน นอกจากนี้ยังใช้กับศิลปะอื่น ๆ ทั้งหมด

"หากไม่มีการกระทำโศกนาฏกรรมเป็นไปไม่ได้ แต่หากไม่มีตัวละครก็เป็นไปได้" (6, 1450 ก 24-25) "สิ่งที่สังเกตได้ในหมู่ศิลปินเช่นถ้าเราเปรียบเทียบ Zeuxides กับ Polygnot: Polygnot เป็นจิตรกรที่มีลักษณะดีและตัวอักษรของ Zeuxides ไม่มีลักษณะเฉพาะ" (a 27-29) "หากมีคนผสมผสานคำพูดที่มีลักษณะเฉพาะและคำพูดและความคิดที่สวยงามเข้าด้วยกันเขาจะไม่ทำให้ภารกิจของโศกนาฏกรรมบรรลุผลสำเร็จ แต่โศกนาฏกรรมจะประสบความสำเร็จมากขึ้นแม้ว่าจะใช้ทั้งหมดนี้ในระดับที่น้อยกว่า แต่ก็มีพล็อตและองค์ประกอบที่เหมาะสม ของเหตุการณ์ "(ก 29-33)

ดังนั้นความหมายทางศิลปะของโศกนาฏกรรมจึงอยู่ที่องค์ประกอบของเหตุการณ์เท่านั้นนั่นคือในโครงสร้างที่ดีไม่ใช่ในเหตุการณ์เช่นนี้ สิ่งเดียวกันนี้เกิดขึ้นในการวาดภาพ

"ถ้ามีคนทาสีที่ดีที่สุดจนเป็นระเบียบเขาจะไม่สามารถให้ความสุขได้มากเท่ากับการวาดภาพด้วยชอล์ค" (ก 33-36)

5. การพิสูจน์เชิงปรัชญาของความพอเพียงเชิงโครงสร้างของศิลปะ

น่าเสียดายที่ในขณะนี้เนื่องจากไม่มีที่ว่างเราจึงไม่สามารถให้การยืนยันเชิงปรัชญาอย่างสมบูรณ์เกี่ยวกับลักษณะโครงสร้างของงานศิลปะซึ่งอริสโตเติลมีอยู่จริง บทความแรกซึ่งเป็นไปตามหมวดหมู่ใน Organon มีชื่อว่า On Interpretation ความจริงก็คือนอกเหนือจากการถูกยึดครองด้วยตัวเองแล้วสำหรับคน ๆ หนึ่งมักจะมีการตีความสิ่งนี้หรือการตีความนั้นสิ่งนี้หรือการตีความนั้น แน่นอนว่าการตีความนี้เกี่ยวข้องกับจักรวาลทั้งหมดด้วยโดยรวม แต่การตีความจักรวาลดังที่เราทราบกันดีคือจิตจักรวาลสำหรับอริสโตเติล ในตำราดังกล่าวอริสโตเติล ปกป้องสิทธิในการตีความของมนุษย์ในแง่ของการเป็นตัวของตัวเอง การตีความมีลักษณะเฉพาะ: ไม่ใช่ทุกสิ่งที่เป็นความจริงในตัวมันเองจะเป็นความจริงในการคิด และความขัดแย้งอย่างมากที่อริสโตเติลห้ามไม่ให้เป็นตัวของตัวเองนั้นค่อนข้างเป็นไปได้ในการคิด ดังนั้น "เป็น" และ "ไม่เป็น" จึงเป็นความขัดแย้งที่ยอมรับไม่ได้ อย่างไรก็ตามในการคิดนอกเหนือจากรูปแบบที่แท้จริงและแบบเด็ดขาดแล้วยังมีรูปแบบอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับการพูดถึงความจริงหรือความเท็จ นี่คือขอบเขตทั้งหมดของการดำรงอยู่ที่เป็นไปได้ เป็นไปไม่ได้ที่จะพูดถึงเรื่องนี้ว่าเป็นเรื่องจริงเนื่องจากยังไม่มีอยู่จริงหรือเป็นเท็จเนื่องจากยังไม่ได้รับการยืนยันอย่างชัดเจนในขั้นตอนของความเป็นไปได้ และเป็นที่โดดเด่นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในบทความนี้ที่อริสโตเติลกล่าวถึงเราอย่างแม่นยำเกี่ยวกับกวีและวาทศิลป์เพื่อที่จะพิจารณาความเป็นอยู่แบบนี้โดยเกี่ยวข้องกับสิ่งที่ไม่มีการยืนยันหรือปฏิเสธ

อริสโตเติลเขียน:

"คำพูดบางคำไม่ได้มี [วิจารณญาณ] แต่มีเพียงคำพูดที่ประกอบด้วยความจริงหรือความเท็จของบางสิ่งตัวอย่างเช่น" ความปรารถนา "(eyche) คือคำพูด แต่ไม่จริงหรือเท็จประเภทของคำพูดที่เหลือจะถูกละไว้ ที่นี่สำหรับการศึกษาของพวกเขานั้นเหมาะกับสำนวนหรือกวีมากกว่าการตัดสิน (โลโก้ apophanticos) เท่านั้นที่เกี่ยวข้องกับการพิจารณาในปัจจุบัน "(De ตีความ 4, 17 ก 2-7)

ดังนั้นความเป็นไปไม่ได้ที่จะใช้การตัดสินเชิงบวกหรือเชิงลบกับงานศิลปะจึงได้รับการพิสูจน์โดยอริสโตเติลในบทความที่สำคัญที่สุดเรื่องหนึ่งของปรัชญาทฤษฎีของเขา ศิลปะคือและไม่ใช่ เป็นเพียงความเป็นไปได้เป็นปัญหาเท่านั้นที่ได้รับและเรียกเก็บเงิน แต่ไม่มีระบบการตัดสินเกี่ยวกับการเป็นบวกหรือลบ มันเป็นเพียงการแสดงออกเท่านั้นและไม่มีอะไรอื่น

คำตัดสินข้างต้นทั้งหมดจากอริสโตเติลและเกี่ยวกับอริสโตเติลที่ให้ไว้ข้างต้นสามารถลดการสอนทั้งหมดของอริสโตเติลเกี่ยวกับศิลปะไปสู่ความเป็นทางการที่ว่างเปล่าและไร้ความหมาย คงไม่ได้หมายความว่าจะเข้าใจสุนทรียภาพของอริสโตเติล ความจริงก็คือ "ความเป็นไปได้" ทางศิลปะ "ความเป็นกลาง" และโดยทั่วไปแล้วกิริยาที่เฉพาะเจาะจงนั้น (และเราเคยพูดถึงเรื่องนี้หลายครั้ง) ไม่ใช่รูปแบบตรงกันข้ามกับเนื้อหาเนื่องจากเป็นความจริงไม่ใช่ เนื้อหาที่ไม่มีรูปแบบ แต่กล่าวคือในรูปแบบและเนื้อหาถูกระบุในสิ่งที่พวกเขาไม่แตกต่างจากกันและสิ่งที่สิ่งที่เป็นอยู่และสิ่งที่ไม่ได้รวมเข้าด้วยกันจนกว่าจะแยกไม่ออกโดยสิ้นเชิง แล้วจะพูดได้อย่างไรว่าอริสโตเติลสนใจงานศิลปะในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งและมีเพียงโครงสร้างเดียวเท่านั้น?

บทที่ 17 ของ "Poetics" มีไว้เพื่อตอบคำถามเกี่ยวกับการออกแบบงานศิลปะโดยเฉพาะ

"โศกนาฏกรรม" อริสโตเติลกล่าว "ควรเขียนให้ชัดเจนน่าเชื่อที่สุดและเพื่อให้ฉากที่เป็นส่วนประกอบเข้าใจได้มากที่สุดสิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือกวีที่สัมผัสกับความรู้สึกในลักษณะเดียวกันความโกรธเป็นสิ่งเดียว คนที่โกรธจริงๆผลที่ได้คือกวีนิพนธ์คือบุคคลที่มีพรสวรรค์มากมายโดยธรรมชาติหรือคนที่มีแนวโน้มที่จะโกรธอดีตสามารถกลับชาติมาเกิดได้ในภายหลัง - เพื่อความปีติยินดี "(17, 1455 ก 30 -34)

แล้วความเป็นทางการของอริสโตเติลอยู่ที่ไหนในการพรรณนาแก่นแท้ของงานศิลปะ?

ข้างต้นมีการกล่าวถึงสุนทรียศาสตร์แบบอาริสโตเติลประเภท "เป็นทางการ" มากพอแล้วว่า "เริ่มต้น" "กลาง" และ "สิ้นสุด" เราได้พยายามพิสูจน์แล้วว่าที่นี่อริสโตเติลไม่ได้มีความเป็นทางการ แต่เป็นเพียงพลาสติกรูปแบบของการรับรู้โลก ตอนนี้ให้เราดูสิ่งที่อริสโตเติลกล่าวเกี่ยวกับแนวคิดของยุคสมัยและเกี่ยวกับความสุขทางสุนทรียะที่เราได้รับจากลำดับโครงสร้าง:

"ฉันเรียกช่วงเวลาว่าวลีที่มีจุดเริ่มต้นตรงกลางและจุดสิ้นสุดและมีขนาดที่สังเกตได้ง่ายลักษณะนี้เป็นที่น่าพอใจและเข้าใจได้เป็นที่น่าพอใจเพราะตรงข้ามกับคำพูดที่ยังพูดไม่จบและผู้ฟัง ดูเหมือนจะเข้าใจอะไรบางอย่างอยู่เสมอและบางสิ่งก็จบลงแล้วสำหรับเขาและการไม่คาดหวังสิ่งใดสิ่งหนึ่งและการไม่ทำสิ่งใดสิ่งหนึ่งเป็นสิ่งที่ไม่พึงประสงค์” คำพูดดังกล่าวเข้าใจได้เพราะง่ายต่อการจดจำและนี่เป็นเพราะการพูดเป็นระยะ มีตัวเลข แต่จำตัวเลขได้ง่ายกว่านั่นคือเหตุผลที่ทุกคนจำกวีนิพนธ์ได้ดีกว่าร้อยแก้วเนื่องจากกวีนิพนธ์มีจำนวนที่วัดได้ "(Rhet. III 9, 1409 ก 35 - 1409 ข 8)

ให้เราถามที่นี่ความเป็นทางการเชิงสุนทรียศาสตร์ของอริสโตเติลอยู่ที่ไหนในการประเมินผลงานศิลปะ?

อริสโตเติลในฐานะนักศีลธรรมยืนหยัดต่อสู้กับสิ่งสุดขั้วและทุกหนทุกแห่งสั่งสอนอย่างตรงกลางความพอประมาณ แต่เกี่ยวกับวัตถุทางศิลปะเขาไม่รู้จักพื้นกลางและไม่มีการกลั่นกรอง

"ควรสังเกตการกลั่นกรองในความสุขทางร่างกายที่ต่ำกว่า แต่ไม่ใช่ในความสุขจากสีของภาพจากการฟังดนตรีประกอบและกลิ่นที่นุ่มนวล" "เราไม่เรียกว่าผู้ดูแลหรือไม่หยุดยั้งผู้ที่ชอบมองเห็นเช่นดอกไม้หรือรูปแบบหรือรูปภาพแม้ว่าบางทีสำหรับคนเช่นนี้ก็มีความสุขตามปกติทั้งที่มากเกินไปและไม่เพียงพอก็ควรกล่าวถึงความสุขเช่นเดียวกัน การได้ยิน: จะไม่มีใครเรียกผู้ที่ชื่นชอบท่วงทำนองและการแสดงละครมากเกินไปว่าไม่หยุดยั้งหรือผู้ที่ชื่นชอบในการฟังอย่างพอเหมาะพอควรไม่ว่าผู้ที่ชื่นชอบกลิ่นจะชอบกลิ่นผลไม้กุหลาบหรือสมุนไพรที่สูบบุหรี่ "(จริยธรรม Nic. III 13, 1118 ก 1-9)

ทัศนคติที่มีต่องานศิลปะเช่นนี้ไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นทางการเมื่อความเป็นไปได้ของ "ไม่มีใครรู้ว่าการจุ่มลงในสีและรูปแบบใด ๆ ในการวาดภาพในดนตรีและแม้แต่ในธูปก็ได้รับการสั่งสอนความเพลิดเพลินทางสุนทรียะของงานศิลปะที่เราพบได้อย่างไร้ขอบเขตเช่นเดียวกัน ในบทความอื่นและแม้กระทั่งในรูปแบบที่ละเอียดยิ่งขึ้น (จริยธรรม Eud. III 2, 1230 ข 31)

7. อันตรายของการปรับปรุงคำสอนของอริสโตเติลเกี่ยวกับศิลปะให้ทันสมัย

การตรวจสอบเนื้อหาก่อนหน้านี้ทั้งหมดเกี่ยวกับงานศิลปะโดย Aristotle และพยายามวิเคราะห์จากมุมมองของความเฉพาะเจาะจงทางศิลปะเราพบความประหลาดใจหลายประการที่มักจะไม่มีอยู่ในนิทรรศการสุนทรียศาสตร์ของอริสโตเติล ความแตกต่างอย่างมากระหว่างสิ่งมีชีวิตที่มีพลวัตและสิ่งมีชีวิตบริสุทธิ์อาจทำให้หลายคนสับสน ท้ายที่สุดปรากฎว่าไม่มีอะไรมากไปกว่าความจริงที่ว่าสิ่งมีชีวิตทางศิลปะนั้นไม่ได้มีทั้งแง่บวกหรือแง่ลบนั่นคือไม่ได้บอกว่า "ใช่" หรือ "ไม่ใช่" นั่นคือความเป็นกลางในการเป็นอยู่และในที่สุดมันก็มีรากฐานมาจาก ในพื้นที่ส่วนตัวของศิลปินสร้างสรรค์ ในขณะเดียวกันมันง่ายมากที่จะสับสนและทำให้สุนทรียศาสตร์ของอริสโตเติลอยู่ในระนาบเดียวกันกับรูปแบบความคิดเชิงอุดมคติแบบนิฮิลิสติกสมัยใหม่เหล่านั้นซึ่งพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนสำหรับตัวเองแม้ในญาณวิทยาของ Mach และ Avenarius เห็นได้ชัดว่าผู้เขียนที่ให้ความสำคัญกับสุนทรียศาสตร์ของชาวอาริสโตเติลและพิจารณาเรื่องนี้ในแนวระนาบของทฤษฎียุโรปและอเมริกาสมัยใหม่มีแนวโน้มที่จะผิดตำแหน่งนี้ - โวลต์ตาตาร์เควิช 159 เขาสังเกตเห็นหลายอย่างในอริสโตเติลที่ไปไกลกว่าความเข้าใจแบบดั้งเดิมและการนำเสนอของอริสโตเติล; เขาอ้างอิงข้อความดังกล่าวจำนวนมากจากอริสโตเติลซึ่งมีบทบาทสำคัญในประเทศของเราด้วย (แต่เรามีตำราเหล่านี้มากกว่าหลายเท่า) วิทยานิพนธ์หลักของ V. Tatarkevich กล่าวถึงข้อเท็จจริงที่ว่าอริสโตเติลถูกกล่าวหาว่าสอนเกี่ยวกับขอบเขตของศิลปะที่เป็นกลางเขาตามผู้เขียนคนนี้อย่างไรและแตกต่างอย่างมากจากปรัชญาโบราณทั้งหมด (ไม่รวมซิเซโร) และเขาเป็นอย่างไรอย่างแน่นอน ใกล้เคียงกับความทันสมัยของเรา นอกจากนี้เรายังให้คำสอนที่พัฒนาแล้วข้างต้นเกี่ยวกับธรรมชาติของจิตใจที่มีพลังแบบไดนามิกในปรัชญาของอริสโตเติลและยังอ้างถึงตำราเกี่ยวกับความเป็นเอกภาพของอัตวิสัยเหนือวัตถุประสงค์ที่อยู่ในทฤษฎีศิลปะของอริสโตเติล อย่างไรก็ตามสุนทรียศาสตร์ของอริสโตเติลทั้งด้านนี้ไม่ควรบดบังเราน้อยที่สุดและทุกสิ่งทุกอย่างที่เราพบในนั้น

ถ้าอริสโตเติลสั่งสอนทฤษฎีแบบนี้จริง ๆ โวล. ตาตาร์เควิชก็คงถูกต้องอย่างยิ่งที่อริสโตเติลไม่ได้มีความเก่าแก่ แต่ร่วมสมัยสำหรับเราที่เป็นนักทฤษฎีศิลปะ แต่การศึกษาอย่างใกล้ชิดของอริสโตเติลแสดงให้เห็นว่าองค์ประกอบ "Machian" นี้ต้องสามารถรวมเข้ากับอภิปรัชญาโบราณทั่วไปของอริสโตเติลได้อย่างถูกต้องและไม่มีเงื่อนไขและรวมความจำเพาะของงานศิลปะกับคำสอนโบราณทั่วไปเกี่ยวกับศิลปะธรรมชาติและความเป็นอยู่ จิตใจซึ่งอริสโตเติลสอนไม่เพียง แต่จะไม่ขัดแย้งกับแนวคิดที่มีพลังพลวัตนี้เท่านั้น แต่ในขณะที่เราได้พิสูจน์หลายครั้งแล้วที่นี่อริสโตเติลมีเอกภาพที่ไม่มีเงื่อนไขและภววิทยาของเขาไม่ได้รับผลกระทบจากสิ่งนี้เลย สำหรับการระบุลักษณะที่เป็นข้อเท็จจริงของสถานะของกิจการตอนนี้เราจะไม่ไปสู่การให้เหตุผลเชิงทฤษฎีซึ่งเรามีหลายหน้าที่กำหนดไว้แล้ว แต่เราจะพูดถึงคำถามที่แคบกว่าเพียงสองคำถามซึ่งง่ายที่สุดในการสังเกตความโบราณทั่วไปของอริสโตเติลในการ ความเข้าใจแบบพาสซีฟเกี่ยวกับเรื่องของมนุษย์แม้จะมีอะไรบ้างตามที่อริสโตเติลกล่าวไว้ในเรื่องของมนุษย์สิ่งที่ต้องเรียกว่าศิลปะนั้นมีรากฐานมาจาก

และ) หากเราจะถามว่านักปรัชญาชั้นหนึ่งแห่งสมัยโบราณและนักสารานุกรมที่ยอดเยี่ยมสามารถสัมผัสถึงองค์ประกอบภายในทั้งหมดของศิลปะได้อย่างไรเราจะประหลาดใจกับความเฉื่อยชาและความเฉยเมยของทัศนคติที่สอดคล้องกัน ในอริสโตเติลที่นี่เช่นเดียวกับที่อื่น ๆ ในสมัยโบราณคำว่า enthoysiasmos ปรากฏขึ้น "ความกระตือรือร้น" ซึ่งไม่ใช่ความกระตือรือร้นในความหมายของเรา แต่เป็นบางส่วน ความตื่นเต้นเร้าใจแรงบันดาลใจทางอารมณ์ อริสโตเติลให้คำจำกัดความไว้ดังนี้: "ความกระตือรือร้นเป็นผลกระทบของระเบียบจริยธรรมในจิตใจของเรา" (โปลิศ VIII 5, 1340 ก 11-12) และ ethos "ethos" ในที่นี้จะต้องเข้าใจไม่ใช่ในแง่ของจริยธรรม แต่ ในทำนองเดียวกับฝรั่งเศสและอังกฤษในยุคปัจจุบันและสมัยใหม่เข้าใจคำว่า "ศีลธรรม" นั่นคือในแง่จิตวิทยากว้าง ๆ ความกระตือรือร้นนี้ซึ่งนักปรัชญาพูดมากเกี่ยวกับดนตรีในความเป็นจริงเขาได้รับการยกย่องในระดับปานกลางและเงียบขรึม ความกระตือรือร้นความปีติยินดีเป็นสิ่งที่ดี อริสโตเติลกล่าว (Probl. XXX 1, 954 ก 38-39) ในบรรดากวีผู้เยาว์คนหนึ่งว่าเขา "จะเป็นกวีที่ดีกว่าถ้าเขาอยู่ในความปีติยินดี" แต่อริสโตเติลปฏิเสธความกระตือรือร้นทุกรูปแบบโดยพิจารณาว่าเป็นโรค ความดีใจเช่นเฮอร์คิวลิสที่ฆ่าลูก ๆ ของเขาหรืออาแจ็กซ์ที่ฆ่าแกะแทนที่จะเป็นแอตริดล้วนมีสัญญาณแห่งความเจ็บป่วยของอริสโตเติล บทความเดียวกัน (a 36-38) ให้ สรีรวิทยาล้วนๆ คำอธิบายของสถานะที่มีความสุข ตัวอย่างเช่น Sibyls และ Bakids ทำหน้าที่บนพื้นฐานของการจัดการที่เป็นโรคตามธรรมชาติ น้ำดีสีดำอาหารที่ไม่ดีต่อสุขภาพและอื่น ๆ คือสาเหตุของ "ความกระตือรือร้น" นี้ ในบรรดาอริสโตเติลที่ "เศร้าโศก" ดังกล่าวมีนักปรัชญาหลายคนรวมถึง Empedocles, Socrates และ Plato (953 ก 27-32) แทนที่จะเป็นรัฐที่ผิดธรรมชาติเหล่านี้อริสโตเติลให้คำแนะนำที่ดีแก่นักเขียนเช่นเดียวกับที่เราพบในบทกวีบทที่ 17:

"เมื่อแต่งตำนานและประมวลผลภาษาของพวกเขาจำเป็นต้องนำเสนอเหตุการณ์อย่างใกล้ชิดที่สุดต่อหน้าต่อตาคุณภายใต้เงื่อนไขนี้กวีมองเห็นพวกเขาอย่างชัดเจนและราวกับว่าอยู่ในระหว่างการพัฒนาของพวกเขาจะพบสิ่งที่เหมาะสมและดีที่สุด สังเกตเห็นความขัดแย้ง” (1455 ก 22-26)

นี่เป็นคำแนะนำที่สงบและฟังดูดีโดยตั้งคำถามเกี่ยวกับแรงบันดาลใจตามความเป็นจริงและมีเหตุผล

ข) คำถามเกี่ยวกับ แฟนตาซี. เราพบลักษณะของความเฉยชาในแง่นี้เช่นกันในเพลโต นี่คือลักษณะเฉพาะของอริสโตเติลที่พยายามวิเคราะห์ทางจิตวิทยาอย่างมีสติที่นี่ ภายใต้อิทธิพลของความปีติยินดีผู้คนมักจะเข้าใจผิดว่าภาพของตัวเองเป็นตัวแทนของความเป็นจริง: "พวกเขาบอกว่าภาพแทนตัว (phantasmata) เป็นของจริงและพวกเขาจำได้" (De memor. 1, 450 b 10-11) โดยทั่วไปแล้วจินตนาการนั้นอ่อนแอกว่าประสาทสัมผัสที่แท้จริงมาก ในวาทศิลป์. I 11, 1370 ก 28-29 Aristotle กล่าวโดยตรง: "การเป็นตัวแทน (phantasia) เป็นความรู้สึกที่อ่อนแอ" อย่างไรก็ตามความเฉยชานี้ไม่ควรบดบังอีกด้านหนึ่งที่สำคัญมาก

ใน) ความจริงก็คืออริสโตเติลซึ่งต่อต้านเพลโตในเรื่องของความคิดอย่างที่เราทราบกันดีอยู่แล้วว่าในความเป็นจริงไม่ได้ปฏิเสธการมีอยู่ของความคิด แต่จะทำให้พวกเขาอยู่ในสิ่งต่าง ๆ ในความเป็นจริงเท่านั้น ในทางกลับกันความไม่เที่ยงนี้ไม่สามารถเข้าใจได้อย่างหยาบกร้าน สิ่งนี้นำไปสู่ความจริงที่ว่าความคิดที่นำมารวมกับสิ่งนั้นได้รับมากขึ้นเท่านั้น การวาดภาพเชิงความหมายที่ซับซ้อน กลายเป็น รูปแบบที่แสดงออก โดยไม่หยุดที่จะเป็นความหมายที่บริสุทธิ์ นี่คือกุญแจสำคัญของ "chtoiness" หรือ "form", "eidos" ของ Aristotelian เราเห็นสัญลักษณ์เดียวกันในอริสโตเติลและในทางจิตวิทยาของเขา จิตวิญญาณของเขาคิดว่าเป็นรูปแบบที่บริสุทธิ์ของร่างกาย แต่มันมีอยู่จริง “ ไม่ไร้ตัวตน” (จากข้อ 2 2, 414 ก 5-22) ดังนั้นการแสดงออกทางความหมายของร่างกาย (415 ข 7-27) การรับรู้ทางประสาทสัมผัสมี eidos ที่บริสุทธิ์ แต่ ไม่สำคัญ (417 ข 28 - 418 ก 6) ในที่สุดคำสอนเดียวกันก็สัมพัทธ์ ความคิด. ตามที่อริสโตเติลการคิดอยู่ในเงื่อนไขเดียวกับการรับรู้ทางประสาทสัมผัสนั่นคือเป็นสถานะที่ไม่โต้ตอบภายใต้อิทธิพลของผู้คิดได้ (III 4, 429 a 13-15) แต่ความคิดนั้นเป็นสิ่งที่ไม่ก่อให้เกิดความเสน่หาดังนั้นจิตใจของตัวเองที่พูดอย่างเคร่งครัดจึงอยู่นอกความทุกข์ ประกอบด้วย eidos และเป็นศักยภาพของทุกสิ่งที่เป็นไปได้ ในฐานะที่เป็นนักคิดเขาไม่มีมลทินใด ๆ ในตัวเอง เขาเป็นเพียงพลังของความคิดที่สมบูรณ์เท่านั้น และเขาไม่มีส่วนใดในร่างกายอย่างแน่นอนเพราะไม่เช่นนั้นเขาจะอบอุ่นหรือเย็นและจะมีอวัยวะบางอย่าง เขา - สถานที่ของ eidos และเหนือสิ่งอื่นใด ศักยภาพ. ความคิดที่พัฒนาแล้วก่อให้เกิดความสับสน ที่นี่ - entelechy eidos (429 ก 15 - ข 10) แต่จิตใจไม่เพียงบริสุทธิ์และกระตือรือร้นเท่านั้น เขาก็ทุกข์เช่นกันเพราะเขาเป็นคนไม่คิดอยู่ตลอดเวลา เนื่องจากจิตใจอยู่ในตัวเองคิดเองเป็นอิสระจากสิ่งที่สมเหตุสมผล - มันเป็นความคิดเกี่ยวกับความคิดและด้วยเหตุนี้เอง นิพจน์ พบใน การตระหนักรู้ในตนเอง (ในกรณีนี้ความคิดและความคิดเหมือนกัน 430 a 3-5) ในขณะที่เขาคิดอย่างอื่นการเป็นเช่นนั้นได้รับผลกระทบจากสิ่งนี้เขาพบว่าการแสดงออกของเขาใน ความคิดเชิงอุปมาอุปไมย หรือดีกว่า ในการรับรู้โดยสังหรณ์ใจผ่านตัวแทนทางจิตพิเศษของการคิด

ที่นี่มีการทำซ้ำ antinomy โดยไม่สมัครใจแบบเดียวกันใน Aristotle ซึ่งเราสามารถระบุได้ในปัญหาอื่น ๆ : วิญญาณไม่ใช่ร่างกาย แต่ไม่ใช่ไม่มีร่างกาย ความรู้สึกไม่ใช่การเคลื่อนไหว แต่ไม่ใช่การเคลื่อนไหว ในความสัมพันธ์กับจิตใจอริสโตเติลกล่าวโดยตรงว่า: "จิตวิญญาณไม่เคยคิดโดยไม่มีภาพ" (aney phantasmatos) (III 7, 431 ก 16-17) และภาพก็นำ "การเปลี่ยนแปลง" แบบเดียวกันมาสู่ความคิดหรือตาม การตีความ "การแสดงออก" สิ่งที่สภาพแวดล้อมแสงที่สอดคล้องกันก่อให้เกิดสีโดยทั่วไป

"หลักการคิดคิดว่า eidos ในภาพ" (413 b 2)

"เนื่องจากเป็นที่ยอมรับไม่มีสิ่งเดียวที่จะมีอยู่แยกต่างหากจาก (ของมัน) ปริมาณที่รับรู้ได้อย่างสมเหตุสมผลสิ่งที่คิดได้จะถูกมอบให้ใน eidos ที่รู้สึกได้ในขณะที่ทั้งวัตถุนามธรรมที่เรียกว่าและสิ่งที่เกี่ยวข้องกับรัฐและด้วยเหตุนี้ - ไม่มีสิ่งใดรับรู้ได้อย่างมีสติ ไม่สามารถรับรู้หรือเข้าใจอะไรเลยและเมื่อเขาไตร่ตรองจิตใจเขาจะต้องไตร่ตรองภาพบางอย่างของจินตนาการ (phantasma) ไปพร้อม ๆ กันเนื่องจากภาพนี้มีอยู่เหมือนภาพของการรับรู้ (hösperaithёmata) ยกเว้นเรื่อง [โดยธรรมชาติในยุคหลังนี้] เนื่องจากจินตนาการแตกต่างจากการยืนยันและการปฏิเสธดังนั้นความจริงหรือความเท็จจึงเป็นสิ่งนี้หรือการผสมผสานระหว่างความคิด แต่ความคิดหลักแตกต่างจากภาพทางประสาทสัมผัสอย่างไรแน่นอนว่าภาพเหล่านี้ไม่ใช่ [เพียง] ภาพอื่น ๆ แต่ไม่ใช่ - ไม่ใช่โดยไม่มีภาพ " (III 8, 432 ก 3-14)

จิตใจ "บริสุทธิ์" (III 5, 430 ก 18 ฯลฯ ) "eidos of eidos" (III 8, 432 a 1) ไม่ใช่สิ่งที่เคลื่อนไหว (III 9, 432 b 26-27) และไม่ได้เป็น วิญญาณเลย (II 2, 414 a 4-14) และในทางกลับกัน เป็นไปไม่ได้เลยหากปราศจากราคะ นี่คือการทำซ้ำที่สมบูรณ์ของปัญหาที่เรากล่าวโดยทั่วไปในอภิปรัชญา: eidoses ไม่ใช่ข้อเท็จจริง แต่มีความสำคัญที่แท้จริงเฉพาะในสิ่งที่พวกเขาได้รับการแสดงออกสุดท้าย และเช่นเดียวกับที่พลังงานมีความหมายเชิงสัญลักษณ์ที่มอบให้ในสิ่งต่างๆดังนั้นที่นี่ความคิดจึงถูกกำหนดให้เป็นสัญลักษณ์ในภาพกระตุ้นความรู้สึกซึ่งเป็นการแสดงออกที่มีความหมายเหมือนกันทั้งหมด

ง) ไม่ยากที่จะดูว่าพิมพ์บางแค่ไหน เฉยเมย อยู่ในสุนทรียภาพเชิงพรรณนาเชิงสัญลักษณ์ของอริสโตเติล สำหรับเขาแล้วจินตนาการคือการเชื่อมต่อที่สมดุลและสงบระหว่างความคิดที่บริสุทธิ์และภาพที่เย้ายวนซึ่งจะเปลี่ยนความคิดที่บริสุทธิ์ให้กลายเป็นรูปลักษณ์และการแสดงออกทางภาพและทำให้ภาพที่เย้ายวนจากคนตาบอดและคนหูหนวกเป็นสัญลักษณ์และศิลปะที่โปร่งใส แน่นอนว่าการเชื่อมต่อนี้เป็นเรื่องพื้นฐาน: มีการอ้างถึงสุนทรียศาสตร์ทั้งหมดในหน้าแรกของการศึกษาจิตวิทยาศิลปะ โสกราตีสเรียกร้องสิ่งเดียวกับที่เรารู้จากศิลปิน เพลโตจงใจใช้ "ราคะ" ในการสร้าง "ตำนานที่น่าจะเป็น" ของเขาใน Timaeus; Plotinus จะจดจำจิตใจที่บริสุทธิ์ของเขาด้วยสัญญาณทางร่างกายและอื่น ๆ เป็นต้น แต่สุนทรียศาสตร์โบราณทั้งหมดเข้าใจถึงความเชื่อมโยงพื้นฐานนี้ ภายในอย่างอดทน ครุ่นคิด "คลาสสิก"; Aristotle ตรงกันข้ามกับโครงสร้างวิภาษวิธีของ Platonism ในด้านความประหม่า (ในรูปแบบผู้ใหญ่ - ใน Plot. V 3) และตรงกันข้ามกับ Stoic-Epicurean naturalism ("outflows", "atoms of the soul" ฯลฯ ) , ให้ แสดงออก - ความหมาย คำอธิบายของแฟนตาซีทำให้เกิดปรากฏการณ์ที่แสดงออกถึงจิตสำนึกของศิลปินแบบพาสซีฟโบราณทั่วไปนี้

แนวคิดศิลปะ

คำ " ศิลปะ" ทั้งในรัสเซียและภาษาอื่น ๆ ใช้ในสองความรู้สึก:

• ใน แคบ ความรู้สึกมันเป็นรูปแบบเฉพาะของผู้เชี่ยวชาญทางจิตวิญญาณของโลกในทางปฏิบัติ
• ใน กว้าง ๆ - ทักษะระดับสูงสุดความสามารถไม่ว่าจะแสดงออกมาอย่างไร (ศิลปะของช่างทำเตาหมอคนทำขนมปัง ฯลฯ )

- ระบบย่อยพิเศษของทรงกลมทางจิตวิญญาณของชีวิตทางสังคมซึ่งเป็นการจำลองความเป็นจริงอย่างสร้างสรรค์ในภาพศิลปะ

แต่เดิมศิลปะถูกเรียกว่าเป็นทักษะระดับสูงในธุรกิจใด ๆ ความหมายของคำนี้ยังคงมีอยู่ในภาษาเมื่อเราพูดถึงศิลปะของแพทย์หรือครูเกี่ยวกับศิลปะการป้องกันตัวหรือการปราศรัย ต่อมาแนวคิดของ "ศิลปะ" ถูกนำมาใช้มากขึ้นเพื่ออธิบายกิจกรรมพิเศษที่มุ่งสะท้อนและเปลี่ยนแปลงโลกให้สอดคล้องกับ บรรทัดฐานความงามเช่น ตามกฎแห่งความงาม ในขณะเดียวกันก็ยังคงรักษาความหมายดั้งเดิมของคำไว้เนื่องจากต้องใช้ทักษะสูงสุดในการสร้างสิ่งที่สวยงาม

เรื่อง ศิลปะคือโลกและมนุษย์ในความสัมพันธ์ที่มีต่อกัน

รูปแบบของการดำรงอยู่ ศิลปะ - งานศิลปะ (บทกวีภาพวาดบทละครภาพยนตร์ ฯลฯ )

ศิลปะยังใช้พิเศษ หมายถึง การผลิตซ้ำของความเป็นจริง: สำหรับวรรณกรรมมันเป็นคำสำหรับดนตรี - เสียงสำหรับวิจิตรศิลป์ - สีสำหรับประติมากรรม - ระดับเสียง

วัตถุประสงค์ ศิลปะเป็นสองเท่า: สำหรับผู้สร้างมันคือการแสดงออกทางศิลปะสำหรับผู้ชม - ความเพลิดเพลินในความงาม โดยทั่วไปความงามมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับศิลปะเช่นเดียวกับความจริงกับวิทยาศาสตร์และความดีอยู่คู่กับศีลธรรม

ศิลปะเป็นองค์ประกอบสำคัญของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของมนุษย์รูปแบบหนึ่งของการรับรู้และการสะท้อนความเป็นจริงรอบตัวบุคคล ในแง่ของศักยภาพในการทำความเข้าใจและเปลี่ยนแปลงความเป็นจริงศิลปะไม่ได้ด้อยไปกว่าวิทยาศาสตร์ อย่างไรก็ตามวิธีการทำความเข้าใจโลกด้วยวิทยาศาสตร์และศิลปะนั้นแตกต่างกัน: หากวิทยาศาสตร์ใช้แนวคิดที่เข้มงวดและไม่คลุมเครือสำหรับสิ่งนี้ศิลปะ -

ศิลปะในฐานะที่เป็นอิสระและเป็นแขนงหนึ่งของการผลิตทางจิตวิญญาณเกิดขึ้นจากการผลิตวัสดุ แต่เดิมถูกถักทอให้เป็นสุนทรียะ แต่เป็นช่วงเวลาที่เป็นประโยชน์อย่างแท้จริง ศิลปินโดยธรรมชาติและทุกหนทุกแห่งเขาพยายามที่จะนำเสนอความงามไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง กิจกรรมด้านสุนทรียศาสตร์ของมนุษย์ปรากฏให้เห็นอยู่ตลอดเวลาในชีวิตประจำวันชีวิตทางสังคมไม่ใช่เฉพาะในงานศิลปะเท่านั้น กำลังเกิดขึ้น การสำรวจความงามของโลก บุคคลสาธารณะ

หน้าที่ของศิลปะ

ศิลปะแสดงซีรีส์ หน้าที่สาธารณะ.

หน้าที่ของศิลปะ สามารถแยกแยะได้โดยสรุปสิ่งที่พูด:

• ฟังก์ชั่นความงาม ช่วยให้คุณสามารถสร้างความเป็นจริงตามกฎแห่งความงามสร้างรสชาติที่สวยงาม
• ฟังก์ชั่นทางสังคม แสดงออกในความจริงที่ว่าศิลปะมีผลกระทบเชิงอุดมการณ์ต่อสังคมจึงเปลี่ยนความเป็นจริงทางสังคม
• ฟังก์ชั่นชดเชย ช่วยให้คุณฟื้นฟูความสมดุลทางจิตใจแก้ปัญหาทางจิตใจ "หลบหนี" สักพักจากชีวิตประจำวันสีเทาชดเชยการขาดความสวยงามและความกลมกลืนในชีวิตประจำวัน
• ฟังก์ชัน hedonic สะท้อนให้เห็นถึงความสามารถของศิลปะในการสร้างความสุขให้กับบุคคล
• ฟังก์ชั่นความรู้ความเข้าใจ ช่วยให้คุณรับรู้ความเป็นจริงและวิเคราะห์ด้วยความช่วยเหลือของภาพศิลปะ
• ฟังก์ชันทำนาย สะท้อนให้เห็นถึงความสามารถของศิลปะในการพยากรณ์และทำนายอนาคต
• ฟังก์ชั่นการศึกษา แสดงให้เห็นถึงความสามารถของงานศิลปะในการกำหนดบุคลิกภาพของบุคคล

ฟังก์ชั่นความรู้ความเข้าใจ

ก่อนอื่นก็คือ ความรู้ความเข้าใจ ฟังก์ชัน งานศิลปะเป็นแหล่งข้อมูลที่มีคุณค่าเกี่ยวกับกระบวนการทางสังคมที่ซับซ้อน

แน่นอนว่าไม่ใช่ทุกสิ่งในโลกรอบตัวเราที่สนใจศิลปะและถ้าเป็นเช่นนั้นก็จะมีองศาที่แตกต่างกันไปและแนวทางของศิลปะที่มีต่อวัตถุแห่งความรู้ความเข้าใจมุมมองของการมองเห็นนั้นมีความเฉพาะเจาะจงมากเมื่อเทียบกับ จิตสำนึกทางสังคมในรูปแบบอื่น ๆ วัตถุหลักของความรู้ในงานศิลปะมีมาโดยตลอดและยังคงอยู่ นั่นคือเหตุผลที่ศิลปะโดยทั่วไปและโดยเฉพาะอย่างยิ่งนิยายเรียกว่าการศึกษาของมนุษย์

ฟังก์ชั่นการศึกษา

เกี่ยวกับการศึกษา ฟังก์ชัน - ความสามารถในการมีผลกระทบที่สำคัญต่อการสร้างอุดมการณ์และศีลธรรมของบุคคลการพัฒนาตนเองหรือการล่มสลาย

และถึงกระนั้นหน้าที่ด้านความรู้ความเข้าใจและการศึกษาก็ไม่ได้มีไว้สำหรับศิลปะเท่านั้น แต่จิตสำนึกทางสังคมในรูปแบบอื่น ๆ ก็ทำหน้าที่เหล่านี้เช่นกัน

ฟังก์ชั่นความงาม

หน้าที่เฉพาะของศิลปะซึ่งทำให้ศิลปะในความหมายที่แท้จริงของคำคือมัน เกี่ยวกับความงาม ฟังก์ชัน

การรับรู้และทำความเข้าใจงานศิลปะเราไม่เพียง แต่หลอมรวมเนื้อหาของมัน (เช่นเนื้อหาของฟิสิกส์ชีววิทยาคณิตศาสตร์) แต่เราส่งผ่านเนื้อหานี้ผ่านหัวใจอารมณ์ให้ภาพที่เป็นรูปธรรมที่สร้างขึ้นโดยศิลปินเพื่อการประเมินความงามที่สวยงาม หรือน่าเกลียดประเสริฐหรือเป็นพื้นฐานโศกนาฏกรรมหรือการ์ตูน รูปแบบศิลปะในตัวเรามีความสามารถในการประเมินความงามที่คล้ายคลึงกันเพื่อแยกแยะความสวยงามและประเสริฐอย่างแท้จริงจาก ersatz ทุกประเภท

ฟังก์ชัน Hedonic

ความรู้ความเข้าใจการศึกษาและความงามถูกหลอมรวมเข้าด้วยกันในงานศิลปะ ต้องขอบคุณช่วงเวลาแห่งสุนทรียภาพเราเพลิดเพลินกับเนื้อหาของงานศิลปะและอยู่ในกระบวนการแห่งความสุขที่เราได้รับการรู้แจ้งและได้รับการศึกษา ในเรื่องนี้พวกเขาพูดถึง hedonistic (แปลจากภาษากรีก - ความสุข) ฟังก์ชัน ศิลปะ.

เป็นเวลาหลายศตวรรษในวรรณกรรมเชิงสังคม - ปรัชญาและสุนทรียศาสตร์มีการโต้เถียงกันเกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างความงามในศิลปะกับความเป็นจริง ในกรณีนี้จะพบสองตำแหน่งหลัก ตามที่หนึ่งในนั้น (ในรัสเซียได้รับการสนับสนุนจาก N.G. Chernyshevsky) ความงามในชีวิตนั้นสูงกว่าความงามในศิลปะเสมอ ในกรณีเช่นนี้งานศิลปะจะปรากฏเป็นสำเนาของตัวละครทั่วไปและวัตถุแห่งความเป็นจริงและตัวแทนของความเป็นจริง เห็นได้ชัดว่าควรใช้แนวคิดทางเลือกอื่น (G.V.F. Hegel, A.I. Herzen เป็นต้น): ความงามในงานศิลปะนั้นสูงกว่าความงามในชีวิตเนื่องจากศิลปินมองเห็นได้อย่างถูกต้องและลึกซึ้งยิ่งขึ้นรู้สึกแข็งแกร่งและสว่างขึ้นและนั่นคือเหตุผลที่เขาสามารถสร้างแรงบันดาลใจให้กับเขาได้ ศิลปะของผู้อื่น มิฉะนั้น (การเป็นตัวแทนหรือแม้แต่การทำซ้ำ) ศิลปะจะไม่เป็นที่ต้องการของสังคม

งานศิลปะการเป็นศูนย์รวมของอัจฉริยะของมนุษย์กลายเป็นจิตวิญญาณและคุณค่าที่สำคัญที่สุดที่ส่งต่อจากรุ่นสู่รุ่นซึ่งเป็นทรัพย์สินของสังคมแห่งสุนทรียภาพ การเรียนรู้วัฒนธรรมและสุนทรียศาสตร์เป็นไปไม่ได้หากไม่มีส่วนร่วมในศิลปะ ผลงานศิลปะในหลายศตวรรษที่ผ่านมาจับภาพโลกแห่งจิตวิญญาณของคนหลายพันรุ่นโดยไม่ต้องเรียนรู้ซึ่งบุคคลไม่สามารถกลายเป็นบุคคลในความหมายที่แท้จริงของคำได้ แต่ละคนเป็นสะพานเชื่อมระหว่างอดีตและอนาคต เขาต้องเชี่ยวชาญในสิ่งที่คนรุ่นก่อนทิ้งไว้ให้เขาเข้าใจประสบการณ์ทางจิตวิญญาณของเขาอย่างสร้างสรรค์เข้าใจความคิดความรู้สึกความสุขและความทุกข์ความลุ่มหลงและส่งต่อสิ่งเหล่านี้ไปยังลูกหลาน นี่เป็นวิธีเดียวที่ประวัติศาสตร์เคลื่อนไหวและในการเคลื่อนไหวนี้กองทัพขนาดใหญ่เป็นของศิลปะซึ่งแสดงออกถึงความซับซ้อนและความร่ำรวยของโลกแห่งจิตวิญญาณของบุคคล

ประเภทของศิลปะ

รูปแบบศิลปะหลักเป็นแบบพิเศษ ซิงค์ (ไม่มีการแบ่งแยก) กิจกรรมสร้างสรรค์ที่ซับซ้อน สำหรับมนุษย์ดึกดำบรรพ์ไม่มีดนตรีวรรณกรรมหรือละครแยกจากกัน ทุกอย่างถูกหลอมรวมเข้าด้วยกันในพิธีกรรมเดียว ต่อมางานศิลปะบางประเภทเริ่มโดดเด่นจากการกระทำที่ทำให้เกิดความสับสนนี้

ประเภทของศิลปะ - รูปแบบเหล่านี้เป็นรูปแบบการสะท้อนศิลปะของโลกที่สร้างขึ้นในอดีตโดยใช้วิธีพิเศษในการสร้างภาพ - เสียงสีการเคลื่อนไหวของร่างกายคำพูด ฯลฯ ศิลปะแต่ละประเภทมีความแตกต่างกันเป็นพิเศษ - ประเภทและประเภทซึ่งรวมกันแล้วให้ทัศนคติทางศิลปะที่หลากหลายต่อความเป็นจริง ลองพิจารณาสั้น ๆ เกี่ยวกับประเภทของศิลปะหลักและความหลากหลายของพวกเขา

วรรณคดี ใช้วิธีการทางวาจาและลายลักษณ์อักษรเพื่อสร้างภาพ มีวรรณกรรมสามประเภทหลัก ได้แก่ ละครบทกวีมหากาพย์และบทกวีและประเภทต่างๆมากมาย - โศกนาฏกรรมตลกขบขันนวนิยายเรื่องบทกวีความหรูหราเรื่องราวเรียงความ feuilleton ฯลฯ

เพลง ใช้เครื่องช่วยเสียง ดนตรีแบ่งออกเป็นแกนนำ (มีไว้สำหรับร้อง) และบรรเลง แนวเพลง - โอเปร่าซิมโฟนีการทาบทามสวีทโรแมนติกโซนาต้า ฯลฯ

เต้นรำ ใช้วิธีการเคลื่อนไหวของพลาสติกเพื่อสร้างภาพ จัดสรรพิธีกรรมพื้นบ้านห้องบอลรูม

การเต้นรำสมัยใหม่บัลเล่ต์ ทิศทางและรูปแบบการเต้นรำ - เพลงวอลทซ์แทงโก้ฟ็อกซ์ทรอตแซมบ้าโพโลเนส ฯลฯ

จิตรกรรม แสดงความเป็นจริงบนเครื่องบินด้วยสี ประเภทภาพวาด - ภาพบุคคลสิ่งมีชีวิตทิวทัศน์เช่นเดียวกับชีวิตประจำวันสัตว์ (ภาพสัตว์) ประเภทประวัติศาสตร์

สถาปัตยกรรม สร้างสภาพแวดล้อมเชิงพื้นที่ในรูปแบบของโครงสร้างและสิ่งปลูกสร้างสำหรับชีวิตมนุษย์ แบ่งออกเป็นที่อยู่อาศัยสาธารณะสวนและสวนสาธารณะอุตสาหกรรม ฯลฯ นอกจากนี้ยังมีรูปแบบสถาปัตยกรรมเช่นโกธิคบาร็อคโรโคโคอาร์ตนูโวคลาสสิกเป็นต้น

ประติมากรรม สร้างผลงานศิลปะที่มีปริมาตรและรูปแบบสามมิติ ประติมากรรมมีลักษณะกลม (หน้าอกรูปปั้น) และรูปนูน (ภาพนูน) ในแง่ของขนาดแบ่งออกเป็นขาตั้งของตกแต่งและอนุสาวรีย์

ศิลปะและงานฝีมือ ที่เกี่ยวข้องกับความต้องการของแอปพลิเคชัน ซึ่งรวมถึงวัตถุทางศิลปะที่สามารถใช้ในชีวิตประจำวันเช่นจานผ้าเครื่องมือเฟอร์นิเจอร์เสื้อผ้าเครื่องประดับ ฯลฯ

โรงละคร จัดการแสดงบนเวทีพิเศษผ่านการแสดงของนักแสดง โรงละครสามารถแสดงละครโอเปร่าหุ่นกระบอก ฯลฯ

คณะละครสัตว์ นำเสนอแอ็คชั่นที่น่าตื่นเต้นและสนุกสนานพร้อมตัวเลขที่ผิดปกติเสี่ยงและตลกในเวทีพิเศษ สิ่งเหล่านี้ ได้แก่ การแสดงกายกรรมการทรงตัวยิมนาสติกการขี่ม้าการเล่นกลมายากลการแสดงโขนตัวตลกการฝึกสัตว์และอื่น ๆ

โรงภาพยนตร์ เป็นการพัฒนาประสิทธิภาพการแสดงละครโดยอาศัยวิธีการทางเทคนิคภาพและเสียงที่ทันสมัย ประเภทของภาพยนตร์ ได้แก่ นวนิยายสารคดีแอนิเมชั่น ภาพยนตร์ตลกละครเรื่องประโลมโลกภาพยนตร์ผจญภัยเรื่องราวนักสืบระทึกขวัญ ฯลฯ มีความแตกต่างกันตามประเภท

ภาพถ่าย จับภาพสารคดีโดยใช้วิธีการทางเทคนิค - แสงและเคมีหรือดิจิตอล ประเภทของการถ่ายภาพสอดคล้องกับประเภทของการวาดภาพ

เวที รวมถึงศิลปะการแสดงรูปแบบเล็ก ๆ เช่นการละครดนตรีการออกแบบท่าเต้นภาพลวงตาการแสดงละครสัตว์การแสดงต้นฉบับ ฯลฯ

ในประเภทของงานศิลปะที่ระบุไว้คุณสามารถเพิ่มกราฟิกศิลปะวิทยุ ฯลฯ

เพื่อแสดงลักษณะทั่วไปของศิลปะประเภทต่างๆและความแตกต่างจึงมีการเสนอเหตุผลหลายประการสำหรับการจำแนกประเภท ศิลปะมีหลายประเภท:

• ตามจำนวนวิธีการที่ใช้ - เรียบง่าย (จิตรกรรมประติมากรรมบทกวีดนตรี) และซับซ้อนหรือสังเคราะห์ (บัลเล่ต์โรงละครโรงภาพยนตร์)
• ตามความสัมพันธ์ระหว่างงานศิลปะกับความเป็นจริง - ภาพวาดภาพความเป็นจริงการคัดลอก (ภาพวาดเหมือนจริงประติมากรรมภาพถ่าย) และการแสดงออกซึ่งจินตนาการและจินตนาการของศิลปินสร้างความเป็นจริงใหม่ (เครื่องประดับดนตรี)
• เกี่ยวกับอวกาศและเวลา - เชิงพื้นที่ (ทัศนศิลป์ประติมากรรมสถาปัตยกรรม) ชั่วคราว (วรรณกรรมดนตรี) และอวกาศ - เวลา (โรงละครโรงภาพยนตร์);
• ตามช่วงเวลาที่เกิดขึ้น - แบบดั้งเดิม (บทกวีการเต้นรำดนตรี) และใหม่ (การถ่ายภาพภาพยนตร์โทรทัศน์วิดีโอ) โดยปกติจะใช้วิธีการทางเทคนิคที่ค่อนข้างซับซ้อนในการสร้างภาพ
• ตามระดับของการนำไปใช้ในชีวิตประจำวัน - ประยุกต์ (ศิลปะและงานฝีมือ) และสง่างาม (ดนตรีการเต้นรำ)

สิ่งมีชีวิตประเภทหรือประเภทแต่ละชนิดสะท้อนให้เห็นถึงด้านพิเศษหรือแง่มุมของชีวิตมนุษย์ แต่เมื่อนำมารวมกันส่วนประกอบของศิลปะเหล่านี้ให้ภาพศิลปะที่ครอบคลุมของโลก

ความจำเป็นในการสร้างสรรค์งานศิลปะหรือความเพลิดเพลินในงานศิลปะเพิ่มขึ้นตามการเติบโตของระดับวัฒนธรรมของบุคคล ศิลปะมีความจำเป็นมากขึ้นเมื่อบุคคลนั้นมาจากรัฐสัตว์