ซิมโฟนีคลาสสิกมีกี่ส่วน? ซิมโฟนี

ซิมโฟนี (จาก "พยัญชนะ" ของกรีก) - ชิ้นส่วนสำหรับวงออเคสตราประกอบด้วยหลายส่วน ซิมโฟนีเป็นรูปแบบดนตรีที่มากที่สุดในบรรดาดนตรีออเคสตราคอนเสิร์ต

โครงสร้างคลาสสิก

เนื่องจากความคล้ายคลึงกันของโครงสร้างกับโซนาตาซิมโฟนีจึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นแกรนด์โซนาตาสำหรับวงออเคสตรา โซนาต้าและซิมโฟนีเช่นเดียวกับทรีโอควอเตต ฯลฯ อยู่ใน "วงจรโซนาตา - ซิมโฟนี" - รูปแบบดนตรีที่เป็นวัฏจักรของงานซึ่งเป็นธรรมเนียมที่จะต้องนำเสนออย่างน้อยหนึ่งส่วน (โดยปกติจะเป็นชิ้นแรก) ใน แบบฟอร์มโซนาต้า วงจรโซนาตา - ซิมโฟนีเป็นรูปแบบวัฏจักรที่ใหญ่ที่สุดในรูปแบบเครื่องมือล้วน ๆ

เช่นเดียวกับในโซนาตาซิมโฟนีคลาสสิกมีสี่การเคลื่อนไหว:
- การเคลื่อนไหวครั้งแรกในอัตราที่รวดเร็วเขียนในรูปแบบโซนาต้า
- การเคลื่อนไหวที่สองในการเคลื่อนไหวช้าเขียนในรูปแบบของ rondo ซึ่งมักจะน้อยกว่าในรูปแบบของโซนาต้าหรือรูปแบบการเปลี่ยนแปลง
- การเคลื่อนไหวที่สาม scherzo หรือ minuet ในรูปแบบสามส่วน
- การเคลื่อนไหวครั้งที่สี่ด้วยความเร็วที่รวดเร็วในรูปแบบโซนาต้าหรือในรูปแบบของ rondo, rondo sonata
หากการเคลื่อนไหวครั้งแรกเขียนด้วยจังหวะปานกลางในทางตรงกันข้ามสามารถตามด้วยวินาทีที่เร็วและการเคลื่อนไหวที่สามช้า (เช่นซิมโฟนีหมายเลข 9 ของเบโธเฟน)

เมื่อพิจารณาว่าซิมโฟนีได้รับการออกแบบมาเพื่อพลังอันยิ่งใหญ่ของวงออเคสตราแต่ละส่วนในนั้นถูกเขียนด้วยวิธีที่กว้างและละเอียดกว่าตัวอย่างเช่นในโซนาตาเปียโนธรรมดาเนื่องจากความมีชีวิตชีวาของวิธีการแสดงออกของวงดนตรีซิมโฟนีออเคสตราให้ การนำเสนอโดยละเอียดของความคิดทางดนตรี

ประวัติซิมโฟนี

คำว่าซิมโฟนีถูกใช้ในกรีกโบราณในช่วงยุคกลางและส่วนใหญ่ใช้เพื่ออธิบายเครื่องดนตรีต่าง ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งคำที่สามารถสร้างเสียงได้มากกว่าหนึ่งเสียงในแต่ละครั้ง ดังนั้นในเยอรมนีจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีเป็นคำทั่วไปสำหรับสายพันธุ์ของฮาร์ปซิคอร์ด - สปิคอร์ดและเวอร์จินในฝรั่งเศสเรียกว่าออร์แกนฮาร์ปซิคอร์ดกลองสองหัวเป็นต้น

คำว่าซิมโฟนีหมายถึงชิ้นดนตรี "รวมเสียงกัน" เริ่มปรากฏในชื่อผลงานบางชิ้นในศตวรรษที่ 16 และ 17 เช่นจิโอวานนีกาบริเอลี (Sacrae symphoniae, 1597 และ Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) และ Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629)

ซิมโฟนีที่เกิดขึ้นภายใต้ Domenico Scarlatti ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ถือได้ว่าเป็นต้นแบบของซิมโฟนี แบบฟอร์มนี้ถูกเรียกว่าซิมโฟนีในตอนนั้นและประกอบด้วยสามส่วนที่แตกต่างกัน: แอลลิโกรอันดันเต้และอัลเลโกรซึ่งรวมเข้าด้วยกัน รูปแบบนี้มักถูกมองว่าเป็นผู้นำโดยตรงของวงดนตรีซิมโฟนีออเคสตรา คำว่า "ทาบทาม" และ "ซิมโฟนี" ใช้แทนกันได้มากในศตวรรษที่ 18

ต้นกำเนิดที่สำคัญอื่น ๆ ของซิมโฟนีคือชุดวงออเคสตราซึ่งประกอบด้วยหลายส่วนในรูปแบบที่ง่ายที่สุดและส่วนใหญ่อยู่ในคีย์เดียวกันและริเปียโนคอนแชร์โตซึ่งเป็นรูปแบบที่ชวนให้นึกถึงคอนแชร์โตสำหรับเครื่องสายและต่อเนื่อง แต่ไม่มีเครื่องดนตรีเดี่ยว ในรูปแบบนี้ผลงานของ Giuseppe Torelli ถูกสร้างขึ้นและบางทีคอนเสิร์ต ripieno ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Brandenburg Concerto No. 3" โดย Johann Sebastian Bach

ผู้ก่อตั้งแบบจำลองคลาสสิกของซิมโฟนีได้รับการพิจารณา ในซิมโฟนีคลาสสิกมีเพียงการเคลื่อนไหวแรกและครั้งสุดท้ายเท่านั้นที่มีคีย์เดียวกันในขณะที่การเคลื่อนไหวตรงกลางจะเขียนด้วยคีย์คล้ายกับคีย์หลักซึ่งกำหนดคีย์ของซิมโฟนีทั้งหมด ตัวแทนที่โดดเด่นของซิมโฟนีคลาสสิก ได้แก่ Wolfgang Amadeus Mozart และ Ludwig van Beethoven เบโธเฟนขยายวงซิมโฟนีอย่างมาก ซิมโฟนีหมายเลข 3 ("Heroic") ของเขาด้วยขนาดและช่วงอารมณ์ที่เหนือกว่างานก่อนหน้านี้ทั้งหมดซิมโฟนีหมายเลข 5 ของเขาอาจเป็นซิมโฟนีที่มีชื่อเสียงที่สุดเท่าที่เคยเขียนมา ซิมโฟนีหมายเลข 9 ของเขากลายเป็นหนึ่งใน "ร้องเพลงประสานเสียง" วงแรกที่รวมท่อนสำหรับนักร้องเดี่ยวและนักร้องประสานเสียงในการเคลื่อนไหวครั้งสุดท้าย

ซิมโฟนีโรแมนติกได้กลายเป็นการผสมผสานรูปแบบคลาสสิกเข้ากับการแสดงออกที่โรแมนติก แนวโน้มของความเป็นโปรแกรมก็กำลังพัฒนาเช่นกัน ปรากฏ. ลักษณะเด่นที่สำคัญของแนวจินตนิยมคือการเติบโตของรูปแบบองค์ประกอบของวงออเคสตราและความหนาแน่นของเสียง นักแต่งเพลงซิมโฟนีที่โดดเด่นที่สุดในยุคนี้ ได้แก่ Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, PI Tchaikovsky, A. Bruckner และ Gustav Mahler

ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 20 ซิมโฟนีได้รับการเปลี่ยนแปลงเพิ่มเติม โครงสร้างสี่ส่วนกลายเป็นทางเลือก: ซิมโฟนีสามารถมีได้ตั้งแต่หนึ่ง (ซิมโฟนีที่ 7) ถึงสิบเอ็ด (ซิมโฟนีที่ 14 โดย D. Shostakovich) หรือมากกว่า นักแต่งเพลงหลายคนทดลองกับขนาดของซิมโฟนีดังนั้นกุสตาฟมาห์เลอร์จึงสร้างซิมโฟนีที่ 8 ของเขาที่เรียกว่า Symphony of a Thousand Participants (เนื่องจากความแข็งแกร่งของวงออเคสตราและนักร้องประสานเสียงที่จำเป็นในการแสดง) การใช้แบบฟอร์มโซนาต้ากลายเป็นทางเลือก
หลังจากซิมโฟนีหมายเลข 9 ของเบโธเฟนนักแต่งเพลงเริ่มนำท่อนร้องเข้าสู่ซิมโฟนีบ่อยขึ้น อย่างไรก็ตามขนาดและเนื้อหาของดนตรียังคงที่

รายชื่อนักแต่งเพลงซิมโฟนีที่โดดเด่น
Joseph Haydn - 108 ซิมโฟนี
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) ซิมโฟนี
ลุดวิกฟานเบโธเฟน - 9 ซิมโฟนี
Franz Schubert - 9 ซิมโฟนี
Robert Schumann - 4 ซิมโฟนี
Felix Mendelssohn - 5 ซิมโฟนี
Hector Berlioz - ซิมโฟนีหลายรายการ
AntonínDvořák - 9 ซิมโฟนี
Johannes Brahms - 4 ซิมโฟนี
Pyotr Tchaikovsky - 6 ซิมโฟนี (เช่นเดียวกับซิมโฟนี "Manfred")
Anton Bruckner - 10 ซิมโฟนี
กุสตาฟมาห์เลอร์ - 10 ซิมโฟนี
- 7 ซิมโฟนี
Sergei Rachmaninoff - 3 ซิมโฟนี
Igor Stravinsky - 5 ซิมโฟนี
Sergei Prokofiev - 7 ซิมโฟนี
Dmitry Shostakovich - 15 ซิมโฟนี (รวมถึงซิมโฟนีหลายห้อง)
Alfred Schnittke - 9 ซิมโฟนี

ในบรรดาแนวดนตรีและรูปแบบต่างๆสถานที่ที่มีเกียรติที่สุดแห่งหนึ่งเป็นของซิมโฟนี การปรากฏตัวในรูปแบบความบันเทิงตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 จนถึงปัจจุบันมันมีความละเอียดอ่อนและครบถ้วนที่สุดซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงช่วงเวลาของศิลปะดนตรี การแสดงซิมโฟนีของ Beethoven และ Berlioz, Schubert and Brahms, Mahler และ Tchaikovsky, Prokofiev และ Shostakovich เป็นภาพสะท้อนขนาดใหญ่เกี่ยวกับยุคสมัยและบุคลิกภาพเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติและวิถีของโลก

วัฏจักรไพเราะดังที่เราทราบจากตัวอย่างคลาสสิกและสมัยใหม่จำนวนมากก่อตัวขึ้นเมื่อประมาณสองร้อยห้าสิบปีที่แล้ว อย่างไรก็ตามในช่วงระยะเวลาสั้น ๆ ในอดีตนี้ประเภทของซิมโฟนีได้มาอย่างมโหฬาร ความยาวและความสำคัญของเส้นทางนี้ถูกกำหนดอย่างแม่นยำโดยข้อเท็จจริงที่ว่าซิมโฟนีดูดซับปัญหาทั้งหมดของเวลาสามารถสะท้อนให้เห็นถึงความซับซ้อนขัดแย้งที่เต็มไปด้วยการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ของยุคสมัยเพื่อรวบรวมความรู้สึกความทุกข์ทรมานและการต่อสู้ดิ้นรน ของคน มันเพียงพอที่จะจินตนาการถึงชีวิตของสังคมในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 และนึกถึงซิมโฟนีของ Haydn การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในช่วงปลายคริสต์ศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 และซิมโฟนีของเบโธเฟนที่สะท้อนให้เห็น ปฏิกิริยาในสังคมความผิดหวัง - และซิมโฟนีโรแมนติก ในที่สุดความสยดสยองทั้งหมดที่มนุษยชาติต้องทนอยู่ในศตวรรษที่ 20 - และเปรียบเทียบการแสดงซิมโฟนีของ Beethoven กับซิมโฟนีของ Shostakovich เพื่อให้เห็นเส้นทางที่ยิ่งใหญ่และน่าเศร้าในบางครั้งอย่างชัดเจน ปัจจุบันมีเพียงไม่กี่คนที่จำได้ว่าจุดเริ่มต้นคืออะไรต้นกำเนิดของแนวดนตรีล้วน ๆ ที่ซับซ้อนที่สุดนี้ซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับศิลปะอื่น ๆ

มาดูละครเพลงของยุโรปในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 กัน

ในอิตาลีประเทศแห่งศิลปะคลาสสิกผู้นำเทรนด์ของทุกประเทศในยุโรปโอเปร่าครองตำแหน่งสูงสุด สิ่งที่เรียกว่า opera-seria ("ร้ายแรง") ครอบงำ ไม่มีภาพแต่ละภาพที่สดใสไม่มีการเคลื่อนไหวที่น่าทึ่งอย่างแท้จริง Opera-seria คือการเปลี่ยนแปลงของสภาวะทางจิตต่างๆที่รวมอยู่ในตัวละครทั่วไป ส่วนที่สำคัญที่สุดคืออาเรียซึ่งมีการถ่ายทอดสถานะเหล่านี้ มีความโกรธและการแก้แค้นอารีของการร้องเรียน (ความเศร้าโศก) อารีอาที่โศกเศร้าและความกล้าหาญที่สนุกสนาน อาเรียเหล่านี้มีลักษณะทั่วไปมากจนสามารถถ่ายโอนจากโอเปร่าหนึ่งไปยังอีกบทหนึ่งได้โดยไม่เสียหายต่อการแสดง จริงๆแล้วนักแต่งเพลงมักจะทำเช่นนี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพวกเขาต้องเขียนโอเปราหลายเรื่องต่อซีซั่น

ทำนองเพลงกลายเป็นองค์ประกอบของโอเปร่า - เซอเรีย งานศิลปะที่มีชื่อเสียงของอิตาลี bel Canto ได้รับการแสดงออกสูงสุดที่นี่ ในอาเรียนักแต่งเพลงได้มาถึงจุดสูงสุดที่แท้จริงของศูนย์รวมของสถานะนี้หรือสถานะนั้น ความรักและความเกลียดชังความสุขและความสิ้นหวังความโกรธและความเศร้าถูกถ่ายทอดออกมาด้วยเสียงดนตรีอย่างเต็มตาและน่าเชื่อว่าเราไม่จำเป็นต้องได้ยินเนื้อเพลงเพื่อที่จะเข้าใจว่านักร้องกำลังร้องเพลงเกี่ยวกับอะไร นี่เป็นการปูทางไปสู่ดนตรีที่ไม่มีข้อความซึ่งออกแบบมาเพื่อรวบรวมความรู้สึกและความสนใจของมนุษย์

จากฉากแทรก - ฉากแทรกที่แสดงระหว่างการแสดงของโอเปร่า - ซีเรียและไม่เกี่ยวข้องกับมัน - น้องสาวที่ร่าเริงของมันหนังโอเปร่า - บัฟเกิดขึ้น เนื้อหาที่เป็นประชาธิปไตย (ตัวละครไม่ใช่วีรบุรุษในตำนานกษัตริย์และอัศวิน แต่เป็นคนธรรมดาจากประชาชน) เธอจงใจต่อต้านศิลปะในศาล หนังโอเปร่ามีความโดดเด่นด้วยความเป็นธรรมชาติความมีชีวิตชีวาของการกระทำและความเป็นธรรมชาติของภาษาดนตรีซึ่งมักเกี่ยวข้องโดยตรงกับคติชนวิทยา มันมีเกลียวลิ้นเสียงสีล้อเลียนการ์ตูนท่วงทำนองการเต้นรำที่มีชีวิตชีวาและเบา รอบชิงชนะเลิศของการแสดงเปิดตัวเป็นวงดนตรีซึ่งบางครั้งตัวละครร้องเพลงทั้งหมดในคราวเดียว บางครั้งรอบชิงชนะเลิศดังกล่าวถูกเรียกว่า "บอล" หรือ "ความสับสน" ดังนั้นการดำเนินการจึงเกิดขึ้นอย่างรวดเร็วและการวางอุบายก็ดูสับสน

ดนตรีบรรเลงยังได้รับการพัฒนาในอิตาลีและเหนือสิ่งอื่นใดประเภทที่เกี่ยวข้องกับโอเปร่ามากที่สุดนั่นคือการทาบทาม ในฐานะที่เป็นบทนำของวงออเคสตราสำหรับการแสดงโอเปร่าเธอยืมมาจากโอเปร่าธีมดนตรีที่แสดงออกถึงความสดใสคล้ายกับท่วงทำนองของอาเรีย

การทาบทามของอิตาลีในครั้งนั้นประกอบด้วยสามส่วนคือเร็ว (อัลเลโกร) ช้า (อดาจิโอหรืออันดันเต้) และเร็วอีกครั้งส่วนใหญ่มักจะเป็นมินิท พวกเขาเรียกมันว่า sinfonia ในการแปลจากภาษากรีก - ความสอดคล้องกัน เมื่อเวลาผ่านไปการแสดงดนตรีจะเริ่มขึ้นไม่เพียง แต่ในโรงละครก่อนเปิดม่าน แต่ยังแยกจากกันในฐานะดนตรีออเคสตราอิสระ

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 กาแล็กซี่นักไวโอลินที่เก่งกาจซึ่งเป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์พร้อมกันได้ปรากฏตัวขึ้นในอิตาลี Vivaldi, Iomelli, Locatelli, Tartini, Corelli และคนอื่น ๆ ซึ่งเชี่ยวชาญไวโอลินอย่างสมบูรณ์แบบซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่สามารถเปรียบเทียบการแสดงออกได้กับเสียงของมนุษย์ได้สร้างเพลงไวโอลินที่กว้างขวางโดยส่วนใหญ่มาจากชิ้นส่วนที่เรียกว่า sonatas (จากภาษาอิตาลี sonare - เสียง) ในพวกเขาเช่นเดียวกับในโซนาตาสของ Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ มีการสร้างลักษณะโครงสร้างทั่วไปบางอย่างซึ่งจากนั้นก็ผ่านเข้าสู่ซิมโฟนี

ชีวิตทางดนตรีของฝรั่งเศสมีรูปร่างแตกต่างกัน พวกเขาชื่นชอบดนตรีที่เกี่ยวข้องกับคำพูดและการกระทำมานาน ศิลปะการเต้นบัลเล่ต์ได้รับการพัฒนาอย่างมาก มีการปลูกฝังโอเปร่าชนิดพิเศษ - โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ คล้ายกับโศกนาฏกรรมของ Corneille และ Racine ซึ่งมีตราประทับเกี่ยวกับชีวิตที่เฉพาะเจาะจงของราชสำนักมารยาทการเฉลิมฉลอง

นักแต่งเพลงของฝรั่งเศสยังมีความสนใจต่อพล็อตโปรแกรมคำจำกัดความของดนตรีเมื่อสร้างชิ้นส่วนเครื่องมือ "Waving Cap", "Reapers", "Tambourine" - นี่คือชื่อของฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งอาจเป็นภาพร่างประเภทหรือภาพดนตรี - "สง่างาม", "อ่อนโยน", "งานหนัก", "ตุ้งติ้ง"

ผลงานขนาดใหญ่ประกอบด้วยหลายส่วนเกิดจากการเต้นรำ อัลลีมานด์ของเยอรมันที่เข้มงวดมือถือเช่นกระดิ่งฝรั่งเศสที่เลื่อนได้ซาราบันดาของสเปนอันโอ่อ่าและการเต้นรำอันเร่าร้อนของกะลาสีเรืออังกฤษเป็นที่รู้จักกันมานานแล้วในยุโรป พวกเขาสร้างพื้นฐานของประเภทของชุดเครื่องมือ (จากชุดภาษาฝรั่งเศส - ลำดับ) การเต้นรำอื่น ๆ มักรวมอยู่ในชุด: minuet, gavotte, polonaise การเกริ่นนำอาจดังขึ้นต่อหน้าอัลลีมานด์กลางห้องสวีทการเคลื่อนไหวของการเต้นรำที่วัดได้บางครั้งถูกขัดจังหวะด้วยอาเรียฟรี แต่กระดูกสันหลังของห้องชุด - การเต้นรำสี่คนของผู้คนที่มีตัวละครต่างกัน - มีอยู่ในลำดับที่ไม่เปลี่ยนแปลงโดยสรุปอารมณ์ที่แตกต่างกันสี่แบบนำผู้ฟังจากการเคลื่อนไหวที่สงบในตอนต้นไปจนถึงตอนจบที่รวดเร็ว

ห้องสวีทนี้เขียนโดยนักแต่งเพลงหลายคนไม่ใช่เฉพาะในฝรั่งเศส โยฮันน์เซบาสเตียนบาคผู้ยิ่งใหญ่ยังมอบเครื่องบรรณาการที่สำคัญให้กับพวกเขาด้วยชื่อของเขาเช่นเดียวกับวัฒนธรรมดนตรีของเยอรมันในยุคนั้นโดยทั่วไปดนตรีหลายประเภทมีความเกี่ยวข้องกัน

ในประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมันนั่นคืออาณาจักรเยอรมันจำนวนมากอาณาเขตและสังฆราช (ปรัสเซียบาวาเรียแซกซอน ฯลฯ ) รวมทั้งในภูมิภาคต่างๆของอาณาจักรออสเตรียข้ามชาติซึ่งรวมถึง "คนของนักดนตรี" ด้วย - สาธารณรัฐเช็กที่ถูกกดขี่โดย Habsburgs - ดนตรีบรรเลงได้รับการปลูกฝังมานาน ในเมืองเล็ก ๆ ในเมืองหรือแม้แต่หมู่บ้านต่างๆก็มีนักไวโอลินและนักเล่นเชลโล่ในตอนเย็นเดี่ยวและมีการบรรเลงเพลงจากมือสมัครเล่นด้วยความกระตือรือร้น ศูนย์กลางในการทำดนตรีมักเป็นโบสถ์และโรงเรียนที่ติดอยู่กับพวกเขา ตามกฎแล้วครูเป็นนักเล่นออร์แกนในโบสถ์ที่แสดงจินตนาการทางดนตรีในวันหยุดอย่างสุดความสามารถ ในศูนย์โปรเตสแตนต์ขนาดใหญ่ของเยอรมันเช่นฮัมบูร์กหรือไลพ์ซิกรูปแบบใหม่ของการทำดนตรีก็เกิดขึ้นเช่นกันเช่นคอนเสิร์ตออร์แกนในวิหาร คอนเสิร์ตเหล่านี้มีทั้งบทนำจินตนาการรูปแบบต่างๆการเตรียมการร้องเพลงและที่สำคัญที่สุดคือการหลบหนี

Fugue เป็นดนตรีประเภทโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนที่สุดซึ่งถึงจุดสูงสุดในผลงานของ I.S. บาคและฮันเดล ชื่อของมันมาจากภาษาละติน fuga - running มันเป็นชิ้นส่วนโพลีโฟนิกตามธีมเดียวที่เปลี่ยน (วิ่ง!) จากเสียงเป็นเสียง แต่ละสายไพเราะเรียกเสียงฮา ขึ้นอยู่กับจำนวนบรรทัดดังกล่าว fugue อาจเป็นสาม, สี่ -, ห้าส่วนเป็นต้นในส่วนตรงกลางของ fugue หลังจากที่ธีมได้ฟังอย่างสมบูรณ์ในทุกเสียงมันจะเริ่มพัฒนา: จากนั้นจุดเริ่มต้นของมัน จะปรากฏขึ้นและหายไปอีกครั้งจากนั้นจะขยายออก (โน้ตแต่ละตัวที่ประกอบกันจะยาวเป็นสองเท่า) จากนั้นย่อขนาด - เรียกว่าธีมที่เพิ่มขึ้นและธีมจะลดลง อาจเกิดขึ้นได้ว่าภายในธีมการเคลื่อนไหวไพเราะจากมากไปหาน้อยกลายเป็นจากน้อยไปมากและในทางกลับกัน (ธีมในการหมุนเวียน) การเคลื่อนไหวไพเราะเคลื่อนจากคีย์หนึ่งไปยังอีกคีย์หนึ่ง และในส่วนสุดท้ายของ fugue - Reprise - ธีมจะดังขึ้นอีกครั้งโดยไม่มีการเปลี่ยนแปลงเช่นเดียวกับในตอนแรกจะกลับไปที่คีย์หลักของการเล่น

ขอให้เรานึกอีกครั้ง: เรากำลังพูดถึงกลางศตวรรษที่ 18 การระเบิดกำลังก่อตัวขึ้นในเมืองบาดาลของฝรั่งเศสซึ่งจะกวาดล้างระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ในไม่ช้า เวลาใหม่จะมา และในขณะที่ความรู้สึกของการปฏิวัติยังคงเป็นเพียงการเตรียมการอย่างแฝงเร้น แต่นักคิดชาวฝรั่งเศสก็ต่อต้านคำสั่งที่มีอยู่ พวกเขาเรียกร้องความเท่าเทียมกันของทุกคนตามกฎหมายประกาศแนวคิดเรื่องเสรีภาพและภราดรภาพ

ศิลปะซึ่งสะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงในชีวิตสาธารณะมีความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงในบรรยากาศทางการเมืองของยุโรป ตัวอย่างของเรื่องนี้คือคอเมดี้อมตะของโบมาร์ไคส์ นอกจากนี้ยังใช้กับเพลง ตอนนี้อยู่ในช่วงเวลาที่ซับซ้อนซึ่งเต็มไปด้วยเหตุการณ์ที่มีความสำคัญทางประวัติศาสตร์ขนาดมหึมาในส่วนลึกของแนวดนตรีและรูปแบบเก่า ๆ ที่มีมายาวนานแนวเพลงใหม่ที่ปฏิวัติวงการอย่างแท้จริงกำลังถือกำเนิดขึ้น - ซิมโฟนี มันกลายเป็นความแตกต่างในเชิงคุณภาพโดยพื้นฐานเพราะมันรวมถึงการคิดรูปแบบใหม่ด้วย

สันนิษฐานว่าไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่มีข้อกำหนดเบื้องต้นในพื้นที่ต่างๆของยุโรปในที่สุดประเภทของซิมโฟนีก็ได้ถูกสร้างขึ้นในประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมัน โอเปร่าเป็นศิลปะประจำชาติในอิตาลี ในอังกฤษจิตวิญญาณและความหมายของกระบวนการทางประวัติศาสตร์ที่เกิดขึ้นสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่ที่สุดในคำปราศรัยของ Georg Handel ซึ่งเป็นชาวเยอรมันโดยกำเนิดซึ่งกลายเป็นนักประพันธ์เพลงชาติอังกฤษ ในฝรั่งเศสศิลปะอื่น ๆ เข้ามาอยู่ข้างหน้าโดยเฉพาะอย่างยิ่งวรรณกรรมและการละครซึ่งแสดงถึงแนวคิดใหม่ ๆ โดยตรงและชาญฉลาดมากขึ้นที่ทำให้โลกตื่นเต้น ผลงานของวอลแตร์ "New Eloise" ของ Rousseau "จดหมายเปอร์เซีย" ของ Montesquieu ในรูปแบบที่คลุมเครือ แต่ค่อนข้างเข้าใจได้นำเสนอผู้อ่านด้วยการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงเกี่ยวกับลำดับที่มีอยู่เสนอโครงสร้างของสังคมในเวอร์ชันของตนเอง

เมื่อผ่านไปไม่กี่สิบปีก็มาถึงดนตรีเพลงหนึ่งก็เกิดขึ้นในหมู่ทหารปฏิวัติ ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของเรื่องนี้คือเพลงแห่งกองทัพไรน์แลนด์โดยเจ้าหน้าที่ Rouget de Lille ซึ่งสร้างขึ้นในชั่วข้ามคืนซึ่งกลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกภายใต้ชื่อ Marseillaise เพลงตามด้วยเพลงเฉลิมฉลองและพิธีไว้อาลัย และในที่สุดเพลงที่เรียกว่า "โอเปร่าแห่งความรอด" ซึ่งมีเนื้อหาเกี่ยวกับการตามหาพระเอกหรือนางเอกโดยทรราชและความรอดของพวกเขาในตอนจบของโอเปร่า

ในทางกลับกันซิมโฟนีนั้นต้องการเงื่อนไขที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิงทั้งสำหรับการก่อตัวและการรับรู้ที่สมบูรณ์ "จุดศูนย์ถ่วง" ของความคิดเชิงปรัชญาซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงแก่นลึกของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมในยุคนั้นอย่างเต็มที่พบได้ในเยอรมนีซึ่งห่างไกลจากพายุทางสังคม

พวกเขาสร้างระบบปรัชญาใหม่ขึ้นที่นั่นเป็นครั้งแรกคานท์และต่อมาเฮเกล เช่นเดียวกับระบบปรัชญาซิมโฟนีซึ่งเป็นแนวความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเชิงปรัชญาวิภาษวิธี - ขั้นตอนที่สุดได้ถูกก่อตัวขึ้นในที่สุดซึ่งมีเพียงเสียงสะท้อนที่ห่างไกลของพายุฝนฟ้าคะนองที่ใกล้เข้ามา ยิ่งไปกว่านั้นประเพณีการบรรเลงที่มั่นคงได้พัฒนาขึ้น

หนึ่งในศูนย์กลางหลักของการเกิดประเภทใหม่คือมันไฮม์ซึ่งเป็นเมืองหลวงของผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาวบาวาเรียปาลาติเนต ที่นี่ในศาลที่สวยงามของ Elector Karl Theodor ในช่วงทศวรรษที่ 40-50 ของศตวรรษที่ 18 วงออร์เคสตราที่ยอดเยี่ยมซึ่งอาจจะดีที่สุดในยุโรปถูกเก็บรักษาไว้

เมื่อถึงเวลานั้นวงดนตรีซิมโฟนีออเคสตรากำลังเป็นรูปเป็นร่าง และในวิหารและวิหารของศาลไม่มีกลุ่มวงดนตรีที่มีองค์ประกอบที่มั่นคง ทุกอย่างขึ้นอยู่กับวิธีการในการกำจัดของผู้ปกครองหรือผู้พิพากษาตามรสนิยมของผู้ที่สามารถออกคำสั่งได้ ในตอนแรกวงออเคสตรามีบทบาทเพียงประยุกต์ประกอบกับการแสดงในศาลหรืองานเทศกาลและพิธีการที่เคร่งขรึม และก่อนอื่นได้รับการพิจารณาว่าเป็นวงดนตรีโอเปร่าหรือโบสถ์ ในขั้นต้นวงมโหรีประกอบด้วยไวโอลินพิณพิณขลุ่ยโอโบแตรฝรั่งเศสกลอง กลุ่มเครื่องสายค่อยๆขยายออกไปจำนวนเครื่องสายก็เพิ่มขึ้น เมื่อเวลาผ่านไปไวโอลินก็เข้ามาแทนที่วิโอลาตัวเก่าและในไม่ช้าก็ก้าวขึ้นสู่ตำแหน่งผู้นำในวงออเคสตรา เครื่องเป่าลมไม้ - ฟลุต, โอโบ, บาสซูน - รวมกันเป็นกลุ่มแยกจากกันและมีเครื่องทองเหลือง - ท่อ, ทรอมโบน เครื่องดนตรีบังคับในวงออเคสตราคือฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งสร้างพื้นฐานฮาร์มอนิกสำหรับเสียง ข้างหลังเขามักจะเป็นหัวหน้าวงดุริยางค์ซึ่งกำลังเล่นอยู่ในขณะเดียวกันก็ให้คำแนะนำสำหรับการแนะนำ

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 วงดนตรีที่มีอยู่ในศาลของขุนนางได้แพร่หลาย เจ้าชายเล็ก ๆ หลายคนของเยอรมนีที่กระจัดกระจายต้องการมีโบสถ์ของตัวเอง การพัฒนาอย่างรวดเร็วของวงออเคสตราเริ่มขึ้นวิธีการเล่นออเคสตราแบบใหม่ปรากฏขึ้น

Mannheim Orchestra ประกอบด้วยเครื่องสาย 30 ชิ้น, 2 ฟลุต, 2 โอโบ, คลาริเน็ต, บาสซูน 2 อัน, แตร 2 อัน, แตรฝรั่งเศส 4 อัน, ทิมปานี นี่คือกระดูกสันหลังของวงออเคสตราสมัยใหม่ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่คีตกวีจำนวนมากในยุคต่อมาได้สร้างสรรค์ผลงานของพวกเขา วงออเคสตรานำโดยนักดนตรีนักแต่งเพลงและไวโอลินที่มีความสามารถโดดเด่นในเช็ก Jan Vaclav Stamitz ในบรรดาศิลปินของวงออเคสตรายังเป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นไม่เพียง แต่เป็นนักดนตรีที่มีพรสวรรค์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแต่งเพลงที่มีความสามารถ Franz Xaver Richter, Anton Filz และคนอื่น ๆ อีกด้วย พวกเขากำหนดทักษะการแสดงของวงออเคสตราในระดับที่ยอดเยี่ยมซึ่งมีชื่อเสียงในด้านคุณภาพอันน่าทึ่ง - ความสม่ำเสมอของจังหวะไวโอลินที่ไม่สามารถบรรลุได้การไล่ระดับสีแบบไดนามิกที่ละเอียดที่สุดซึ่งไม่เคยใช้มาก่อน

ตามที่ Bossler นักวิจารณ์ร่วมสมัยกล่าวว่า "การปฏิบัติที่แน่นอนของเปียโน, มือขวา, รินฟอร์ซานโด, การเติบโตและการขยายเสียงทีละน้อยจากนั้นความแรงของมันก็ลดลงอีกครั้งจนกลายเป็นเสียงที่ฟังแทบไม่ออก - ทั้งหมดนี้สามารถได้ยินได้ใน Mannheim เท่านั้น .” เบอร์นีผู้รักดนตรีชาวอังกฤษที่เดินทางไปยุโรปในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 กล่าวกับเขาว่า“ วงออเคสตราที่ไม่ธรรมดาวงนี้มีพื้นที่และแง่มุมเพียงพอที่จะแสดงความสามารถทั้งหมดและสร้างผลกระทบที่ยอดเยี่ยม ที่นี่ Stamitz ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของ Yomelli เป็นครั้งแรกที่เหนือกว่าโอเปร่าโอเปร่าทั่วไป ... ลองใช้เอฟเฟกต์ทั้งหมดที่มวลเสียงดังกล่าวสามารถสร้างได้ ที่นี่มีการถือกำเนิดของ crescendos และ diminuendos และเปียโนซึ่งก่อนหน้านี้ใช้เป็นเสียงสะท้อนเป็นหลักและมักจะมีความหมายเหมือนกันและมือขวาได้รับการยอมรับว่าเป็นสีดนตรีที่มีเฉดสีของตัวเอง ... "

ในวงออเคสตรานี้มีการเป่าซิมโฟนีสี่ตอนเป็นครั้งแรก - การประพันธ์ที่สร้างขึ้นตามประเภทเดียวกันและมีกฎหมายทั่วไปที่ดูดซับคุณสมบัติหลายอย่างของแนวดนตรีและรูปแบบที่มีอยู่ก่อนหน้านี้และหลอมรวมให้เป็นแนวดนตรีที่แตกต่างกันในเชิงคุณภาพ ความสามัคคีใหม่

คอร์ดแรกมีความเด็ดเดี่ยวทิ่มแทงราวกับเรียกร้องความสนใจ จากนั้นทางเดินที่กว้างและกว้าง อีกครั้งคอร์ดแทนที่ด้วยการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวาและจากนั้น - มีชีวิตชีวายืดหยุ่นราวกับว่าสปริงที่คลี่ออกทำนอง ดูเหมือนว่ามันจะสามารถเผยแพร่ได้อย่างไม่มีที่สิ้นสุด แต่มันออกไปเร็วกว่าที่ข่าวลือต้องการเช่นแขกที่มาเยี่ยมเจ้าของบ้านในระหว่างการต้อนรับครั้งใหญ่ย้ายออกจากพวกเขาหลีกทางให้คนอื่น ๆ ที่ติดตาม หลังจากการเคลื่อนไหวทั่วไปครู่หนึ่งธีมใหม่จะปรากฏขึ้น - นุ่มนวลเป็นผู้หญิงมากขึ้นและโคลงสั้น ๆ แต่ฟังดูไม่นานละลายในข้อความ หลังจากนั้นไม่นานเราก็มีธีมแรกอีกครั้งซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในคีย์ใหม่ กระแสดนตรีไหลอย่างรวดเร็วกลับคืนสู่คีย์พื้นฐานดั้งเดิมของซิมโฟนี; ชุดรูปแบบที่สองไหลเข้าสู่สตรีมนี้โดยธรรมชาติตอนนี้เข้าใกล้ตัวละครและอารมณ์มากกว่าอันแรก การเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีจบลงด้วยคอร์ดที่เต็มไปด้วยความสุข

การเคลื่อนไหวครั้งที่สองอันดันเต้คลี่ออกอย่างช้าๆไพเราะเผยให้เห็นการแสดงออกของเครื่องสาย นี่คือเพลงประเภทหนึ่งสำหรับวงออร์เคสตราที่โดดเด่นด้วยเนื้อเพลงการทำสมาธิแบบ Elegiac

การเคลื่อนไหวที่สามคือ minuet ที่สง่างาม เป็นการสร้างความรู้สึกผ่อนคลายผ่อนคลาย จากนั้นเหมือนพายุหมุนที่ร้อนแรงตอนจบที่ก่อความไม่สงบก็ระเบิดเข้ามา นี่คือโดยทั่วไปแล้วซิมโฟนีในยุคนั้น ต้นกำเนิดของมันสามารถตรวจสอบได้ชัดเจนมาก การเคลื่อนไหวครั้งแรกส่วนใหญ่คล้ายกับการทาบทามโอเปร่า แต่ถ้าการทาบทามเป็นเพียงช่วงก่อนการแสดงการกระทำนั้นจะออกมาเป็นเสียง โดยทั่วไปแล้วภาพดนตรีโอเปร่าของการทาบทาม - การประโคมอย่างกล้าหาญการสัมผัสเสียงคร่ำครวญการบัฟฟินที่เต็มไปด้วยพายุจะไม่เกี่ยวข้องกับสถานการณ์บนเวทีที่เฉพาะเจาะจงและไม่ต้องมีลักษณะเฉพาะของแต่ละบุคคล (จำได้ว่าแม้แต่การทาบทามที่มีชื่อเสียงของ Rossini's Barber of Seville ก็ไม่เกี่ยวข้องกับเนื้อหา ของโอเปร่าและโดยทั่วไปแล้วเดิมถูกเขียนขึ้นสำหรับโอเปร่าอื่น!) แยกตัวออกจากการแสดงโอเปร่าและเริ่มชีวิตที่เป็นอิสระ พวกเขาเป็นที่จดจำได้ง่ายในซิมโฟนียุคแรก - น้ำเสียงที่กล้าหาญเด็ดเดี่ยวของอาเรียผู้กล้าหาญในธีมแรกที่เรียกว่าเพลงหลักเสียงถอนหายใจอันอ่อนโยนของเพลงอาเรียในช่วงที่สอง - ธีมรองที่เรียกว่า

หลักการปฏิบัติยังสะท้อนให้เห็นในเนื้อของซิมโฟนี หากพฤกษ์ก่อนหน้านี้มีชัยในดนตรีบรรเลงนั่นคือพฤกษ์ซึ่งมีท่วงทำนองที่เป็นอิสระหลายอย่างเกี่ยวพันกันฟังพร้อมกันจากนั้นพฤกษ์ชนิดอื่นก็เริ่มพัฒนาขึ้นที่นี่: ทำนองหลักเพลงหนึ่ง (ส่วนใหญ่มักเป็นไวโอลิน) ที่แสดงออกมีนัยสำคัญพร้อมด้วย ดนตรีประกอบที่ทำให้เกิดความโดดเด่นเน้นความเป็นตัวของตัวเอง พฤกษ์ชนิดนี้เรียกว่าโฮโมโฟนิกครอบงำซิมโฟนีในยุคแรก ต่อมาอุปกรณ์ที่ยืมมาจาก fugue ปรากฏในซิมโฟนี อย่างไรก็ตามในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 มันค่อนข้างจะตรงข้ามกับ fugue ตามกฎแล้วมีหนึ่งธีม (มีสองครั้งสามครั้งและการหลบหนีมากกว่า แต่ในธีมเหล่านี้ไม่ได้ต่อต้าน แต่จะวางซ้อนกัน) มันซ้ำหลายครั้ง แต่ไม่มีอะไรขัดแย้ง ในสาระสำคัญเป็นสัจพจน์วิทยานิพนธ์ที่ได้รับการยืนยันซ้ำแล้วซ้ำเล่าโดยไม่ต้องมีการพิสูจน์ สิ่งที่ตรงกันข้ามในซิมโฟนี: ในรูปลักษณ์และการเปลี่ยนแปลงเพิ่มเติมของธีมดนตรีและภาพต่างๆเราสามารถได้ยินข้อพิพาทและความขัดแย้ง บางทีนี่อาจเป็นสัญญาณของเวลาที่สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุด ความจริงไม่ใช่สิ่งที่กำหนดอีกต่อไป จะต้องมีการแสวงหาพิสูจน์พิสูจน์เปรียบเทียบความคิดเห็นที่แตกต่างชี้แจงมุมมองที่แตกต่างกัน นี่คือสิ่งที่นักสารานุกรมทำในฝรั่งเศส นี่คือพื้นฐานของปรัชญาเยอรมันโดยเฉพาะวิธีวิภาษวิธีของเฮเกล และจิตวิญญาณของยุคแห่งการแสวงหาก็สะท้อนออกมาในดนตรี

ดังนั้นซิมโฟนีจึงใช้เวลามากจากการทาบทามโอเปร่า โดยเฉพาะอย่างยิ่งการทาบทามยังระบุถึงหลักการของการสลับส่วนที่ตัดกันซึ่งในซิมโฟนีกลายเป็นส่วนที่เป็นอิสระ ในส่วนแรก - ด้านที่แตกต่างกันความรู้สึกที่แตกต่างกันของบุคคลชีวิตในการเคลื่อนไหวการพัฒนาการเปลี่ยนแปลงความแตกต่างและความขัดแย้ง ในส่วนที่สอง - การสะท้อนความเข้มข้นบางครั้ง - เนื้อเพลง ประการที่สาม - การพักผ่อนความบันเทิง และในที่สุดตอนจบ - ภาพแห่งความสนุกสนานความรื่นเริงและในเวลาเดียวกัน - ผลของการพัฒนาทางดนตรีความสมบูรณ์ของวงจรไพเราะ

ซิมโฟนีดังกล่าวจะเกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 เช่นในแง่ทั่วไปส่วนใหญ่จะเป็นเช่นในบราห์มส์หรือบรัคเนอร์ และในช่วงแรกเกิดของเธอเห็นได้ชัดว่าเธอยืมหลายส่วนจากห้องชุด

Allemand, Courante, Sarabande และ Gigue - การเต้นรำแบบบังคับสี่แบบสี่อารมณ์ที่แตกต่างกันซึ่งสามารถติดตามได้ง่ายในซิมโฟนียุคแรก ๆ การเต้นในนั้นแสดงออกมาอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในรอบชิงชนะเลิศซึ่งในแง่ของลักษณะของท่วงทำนองจังหวะแม้กระทั่งการวัดมักจะมีลักษณะคล้ายกับเก๊ จริงอยู่บางครั้งตอนจบของซิมโฟนีใกล้เคียงกับตอนจบที่เปล่งประกายของโอเปร่าบัฟฟา แต่ถึงอย่างนั้นความสัมพันธ์กับการเต้นรำเช่นทารันเทลลาก็ไม่ต้องสงสัย ส่วนที่สามเรียกว่า minuet เฉพาะในงานของเบโธเฟนเท่านั้นที่การเต้นรำ - ข้าราชบริพารผู้กล้าหาญหรือสามัญชนที่หยาบคาย - จะถูกแทนที่ด้วย scherzo

ดังนั้นซิมโฟนีแรกเกิดจึงซึมซับคุณสมบัติของแนวดนตรีหลายประเภทยิ่งไปกว่านั้นประเภทที่เกิดในประเทศต่างๆ และการก่อตัวของซิมโฟนีเกิดขึ้นไม่เพียง แต่ในมันไฮม์ มีโรงเรียนเวียนนาซึ่งเป็นตัวแทนโดยเฉพาะโดย Wagenzeil ในอิตาลี Giovanni Battista Sammartini เขียนงานออเคสตราซึ่งเขาเรียกว่าซิมโฟนีและมีไว้สำหรับการแสดงคอนเสิร์ตที่ไม่เกี่ยวข้องกับการแสดงโอเปร่า ในฝรั่งเศสFrançois-Joseph Gossek นักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ของเบลเยียมได้หันมาหาแนวเพลงใหม่ ซิมโฟนีของเขาไม่ได้รับการตอบสนองและการรับรู้เนื่องจากการเขียนโปรแกรมมีอยู่ในดนตรีฝรั่งเศส แต่งานของเขามีบทบาทในการสร้างซิมโฟนีฝรั่งเศสในการต่ออายุและขยายวงดนตรีซิมโฟนีออเคสตรา František Micha นักแต่งเพลงชาวเช็กซึ่งครั้งหนึ่งเคยรับใช้ในเวียนนาได้ทดลองอย่างกว้างขวางและประสบความสำเร็จในการค้นหารูปแบบไพเราะ Josef Myslevichka คันทรีแมนชื่อดังของเขามีการทดลองที่น่าสนใจ อย่างไรก็ตามนักแต่งเพลงเหล่านี้ล้วนเป็นคนไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดและทั้งโรงเรียนได้ก่อตั้งขึ้นในเมืองมันไฮม์ซึ่งมี "เครื่องดนตรี" ชั้นหนึ่งเช่นวงออร์เคสตราที่มีชื่อเสียง ต้องขอบคุณในโอกาสที่โชคดีที่ Palatinate Elector เป็นคนรักดนตรีมากและมีเงินทุนเพียงพอที่จะจ่ายค่าใช้จ่ายจำนวนมากในเมืองหลวงของ Palatinate นักดนตรีชั้นนำจากประเทศต่างๆมารวมตัวกัน - ชาวออสเตรียและชาวเช็กชาวอิตาลีและชาวปรัสเซีย - แต่ละคน ซึ่งมีส่วนร่วมในการสร้างแนวเพลงใหม่ ในผลงานของ Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeschi, Anton Filz และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ซิมโฟนีเกิดขึ้นในลักษณะพื้นฐานเหล่านั้นซึ่งจากนั้นก็ผ่านเข้าสู่งานคลาสสิกเวียนนา - Haydn, Mozart, Beethoven

ดังนั้นในช่วงครึ่งศตวรรษแรกของการดำรงอยู่ของประเภทใหม่รูปแบบโครงสร้างที่ชัดเจนและน่าทึ่งได้พัฒนาขึ้นสามารถรองรับเนื้อหาที่หลากหลายและมีความสำคัญมาก พื้นฐานของแบบจำลองนี้คือรูปแบบซึ่งได้รับชื่อโซนาต้าหรือโซนาตาอัลโกรเนื่องจากส่วนใหญ่มักเขียนด้วยจังหวะนี้และต่อมาเป็นรูปแบบทั่วไปสำหรับทั้งซิมโฟนีและโซนาตาแบบบรรเลงและคอนเสิร์ต ความไม่ชอบมาพากลของมันคือการวางแนวของธีมดนตรีที่หลากหลายซึ่งมักจะตัดกัน สามส่วนหลักของรูปแบบโซนาต้า - การจัดนิทรรศการการพัฒนาและการสรุปเนื้อหา - คล้ายกับการเปิดตัวพัฒนาการของการดำเนินการและการปฏิเสธของละครคลาสสิก หลังจากบทนำสั้น ๆ หรือทันทีที่จุดเริ่มต้นของนิทรรศการ "ตัวละคร" ของบทละครจะผ่านไปต่อหน้าผู้ชม

ธีมดนตรีแรกที่มีเสียงในคีย์หลักของงานเรียกว่าธีมหลัก บ่อยขึ้น - ธีมหลัก แต่ถูกต้องมากขึ้น - ส่วนหลักเนื่องจากในส่วนหลักนั่นคือส่วนหนึ่งของรูปแบบดนตรีรวมกันเป็นหนึ่งเดียวกับโทนเสียงและชุมชนที่เป็นรูปเป็นร่างเมื่อเวลาผ่านไปไม่ใช่หนึ่ง แต่มีท่วงทำนองที่แตกต่างกัน เริ่มปรากฏขึ้น หลังจากแบทช์หลักในตัวอย่างแรก ๆ โดยการเปรียบเทียบโดยตรงและในชุดต่อมา - ผ่านชุดการเชื่อมโยงขนาดเล็กชุดด้านข้างจะเริ่มขึ้น ธีมของเธอหรือสองหรือสามธีมที่แตกต่างกันของเธอนั้นตรงกันข้ามกับธีมหลัก ส่วนใหญ่ด้านข้างมักเป็นโคลงสั้น ๆ นุ่มนวลเป็นผู้หญิง ฟังดูเป็นคีย์ที่แตกต่างจากคีย์หลักรอง (ดังนั้นชื่อของส่วน) ความรู้สึกไม่มั่นคงและบางครั้งก็เกิดความขัดแย้ง การจัดนิทรรศการจะจบลงด้วยส่วนสุดท้ายซึ่งในซิมโฟนีในยุคแรกนั้นไม่อยู่หรือมีบทบาทในการให้บริการอย่างหมดจดเป็นประเด็นม่านหลังการแสดงครั้งแรกและต่อมาเริ่มต้นด้วยโมสาร์ทได้รับความหมายของ ภาพที่สามที่เป็นอิสระพร้อมกับภาพหลักและภาพรอง

ส่วนตรงกลางของแบบฟอร์มโซนาต้าคือการพัฒนา ตามชื่อที่แสดงให้เห็นในนั้นธีมดนตรีที่ผู้ฟังคุ้นเคยในนิทรรศการ (นั่นคือสิ่งที่จัดแสดงก่อนหน้านี้) ได้รับการพัฒนาได้รับการเปลี่ยนแปลงและพัฒนา ในเวลาเดียวกันพวกเขาจะแสดงจากด้านใหม่ที่ไม่คาดคิดบางครั้งพวกเขาถูกปรับเปลี่ยนแรงจูงใจที่แยกจากกันจะแยกออกจากพวกเขา - สิ่งที่มีการเคลื่อนไหวมากที่สุดซึ่งต่อมาชนกัน การพัฒนาเป็นส่วนที่มีประสิทธิผลอย่างมาก ในตอนท้ายมาถึงจุดสุดยอดซึ่งนำไปสู่การบรรเลง - ส่วนที่สามของแบบฟอร์มซึ่งเป็นข้อปฏิเสธของละคร

ชื่อของส่วนนี้มาจากคำภาษาฝรั่งเศส reprendre - เพื่อดำเนินการต่อ นอกจากนี้ยังเป็นการต่ออายุการจัดนิทรรศการซ้ำ ๆ แต่มีการเปลี่ยนแปลง: ตอนนี้ทั้งสองส่วนฟังอยู่ในคีย์หลักของซิมโฟนีราวกับว่าเหตุการณ์การพัฒนาได้รับข้อตกลง บางครั้งมีการเปลี่ยนแปลงอื่น ๆ ในการบรรเลง ตัวอย่างเช่นสามารถตัดทอน (โดยไม่มีธีมใด ๆ ที่เกิดขึ้นในการจัดแสดง), มิเรอร์ (ก่อนอื่นให้เสียงของส่วนด้านข้างและเฉพาะส่วนหลัก) การเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีมักจะจบลงด้วยโคดา - ข้อสรุปที่ยืนยันถึงโทนเสียงพื้นฐานและภาพพื้นฐานของโซนาตาอัลโกร ในซิมโฟนียุคแรก coda มีขนาดไม่ใหญ่และโดยพื้นฐานแล้วเป็นส่วนสุดท้ายที่พัฒนาขึ้นบ้าง ต่อมาตัวอย่างเช่นในเบโธเฟนได้รับสัดส่วนที่สำคัญและกลายเป็นการพัฒนาแบบที่สองซึ่งในการต่อสู้อีกครั้งการยืนยันจะประสบความสำเร็จ

แบบฟอร์มนี้กลายเป็นสากลอย่างแท้จริง ตั้งแต่สมัยเริ่มต้นของซิมโฟนีจนถึงปัจจุบันประสบความสำเร็จในการรวบรวมเนื้อหาที่ลึกที่สุดถ่ายทอดภาพความคิดปัญหาที่มีอยู่มากมายอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย

การเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนีเป็นไปอย่างช้าๆ โดยปกติจะเป็นศูนย์กลางโคลงสั้น ๆ ของวัฏจักร รูปร่างของมันแตกต่างกัน ส่วนใหญ่มักจะเป็นสามส่วนนั่นคือมันมีส่วนสุดขั้วที่คล้ายกันและตรงกลางที่แตกต่างจากพวกมัน แต่สามารถเขียนในรูปแบบของรูปแบบหรืออื่น ๆ ได้จนถึงโซนาต้าซึ่งแตกต่างกันในเชิงโครงสร้างจากอัลลีโกรแรกเท่านั้น ในจังหวะที่ช้าลงและการพัฒนาที่มีประสิทธิภาพน้อยลง

การเคลื่อนไหวครั้งที่สาม - ในซิมโฟนียุคแรกของมินิเอทและจากเบโธเฟนจนถึงปัจจุบัน - สเคอร์โซ - โดยปกติจะเป็นรูปแบบสามส่วนที่ซับซ้อน ในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมาเนื้อหาของส่วนนี้ได้รับการแก้ไขและซับซ้อนตั้งแต่การเต้นรำในชีวิตประจำวันหรือในศาลไปจนถึง Scherzos อันทรงพลังอันยิ่งใหญ่ในศตวรรษที่ 19 ขึ้นไปจนถึงภาพที่น่าเกรงขามของความชั่วร้ายและความรุนแรงในวัฏจักรไพเราะของ Shostakovich, Honegger และนักแสดงซิมโฟนีคนอื่น ๆ ของศตวรรษที่ 20 ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 scherzo กำลังเปลี่ยนสถานที่มากขึ้นเรื่อย ๆ ด้วยการเคลื่อนไหวที่ช้าซึ่งตามแนวคิดใหม่ของซิมโฟนีกลายเป็นปฏิกิริยาทางอารมณ์ประเภทหนึ่งไม่เพียง แต่กับเหตุการณ์ของการเคลื่อนไหวครั้งแรกเท่านั้น สู่โลกที่เป็นรูปเป็นร่างของ scherzo (โดยเฉพาะอย่างยิ่งในซิมโฟนีของ Mahler)

ตอนจบซึ่งเป็นผลมาจากวัฏจักรในซิมโฟนียุคแรกมักเขียนในรูปแบบของโซนาตา rondo การสลับไปมาของความร่าเริงที่เปล่งประกายกับตอนที่สนุกสนานพร้อมกับการเต้นรำที่ไม่เปลี่ยนแปลงโครงสร้างนี้ตามธรรมชาติของภาพตอนจบจากความหมาย เมื่อเวลาผ่านไปเมื่อปัญหาของซิมโฟนีทวีความรุนแรงขึ้นรูปแบบของโครงสร้างของตอนจบก็เริ่มเปลี่ยนไป รอบชิงชนะเลิศเริ่มปรากฏในรูปแบบโซนาต้าในรูปแบบของรูปแบบในรูปแบบอิสระและในที่สุด - ด้วยคุณสมบัติของออราโทริโอ (ด้วยการรวมคอรัส) ภาพของเขาก็เปลี่ยนไปเช่นกัน: ไม่เพียง แต่เป็นการยืนยันในชีวิตเท่านั้น แต่บางครั้งก็เป็นผลลัพธ์ที่น่าเศร้า (ซิมโฟนีที่หกของไชคอฟสกี) การคืนดีกับความจริงที่โหดร้ายหรือจากไปสู่โลกแห่งความฝันภาพลวงตากลายเป็นเนื้อหาของตอนจบของวงจรไพเราะในช่วงสุดท้าย ร้อยปี

แต่กลับไปสู่จุดเริ่มต้นของเส้นทางอันรุ่งโรจน์ของแนวเพลงนี้ เกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 มันมาถึงความสมบูรณ์แบบแบบคลาสสิกในผลงานของ Haydn ผู้ยิ่งใหญ่

จากภาษากรีก symponia - ความสอดคล้องกัน

เพลงสำหรับวงออเคสตราส่วนใหญ่ไพเราะมักอยู่ในรูปแบบโซนาต้า - วัฏจักร มักประกอบด้วย 4 ส่วน; มี S. ที่มีชิ้นส่วนมากขึ้นเรื่อย ๆ จนถึงส่วนเดียว บางครั้งใน S. นอกเหนือจากวงออเคสตราแล้วยังมีการแนะนำนักร้องประสานเสียงและกระทะเดี่ยว เสียง (ดังนั้นทางไป S. -cantata) มีคะแนนสำหรับสตริงห้องลมและการประพันธ์ดนตรีอื่น ๆ สำหรับวงออเคสตราที่มีเครื่องดนตรีเดี่ยว (คอนเสิร์ตเอส) ออร์แกนนักร้องประสานเสียง (ประสานเสียง S. ) n vok ทั้งมวล (สถานี C) Concert Symphony - S. พร้อมเครื่องดนตรี (เดี่ยว) (ตั้งแต่ 2 ถึง 9) ซึ่งเกี่ยวข้องกับโครงสร้างของคอนเสิร์ต S. มักเข้าใกล้แนวอื่น ๆ : S. suite, S. rhapsody, S. fantasy, S. ballad, S. legend, S. poo, S. cantata, S. requiem, S. -ballet, S. -drama (a ชนิดของ Cantata), โรงละคร S. (สกุล honra). โดยตัวละคร S. สามารถเปรียบได้กับโศกนาฏกรรมบทละครบทกวีบทกวี บทกวีกล้าหาญ มหากาพย์เข้าใกล้วงจรของเพลงประเภทต่างๆ ละครจะแสดงซีรีส์ เพลง รูปภาพ ตามแบบฉบับ เธอผสมผสานความแตกต่างของชิ้นส่วนเข้ากับความสามัคคีของการออกแบบความหลายหลากของภาพที่หลากหลายเข้ากับความสมบูรณ์ของมิวส์ ละคร. เอสครอบครองสถานที่เดียวกันในดนตรีเป็นละครหรือนวนิยายในวรรณคดี เป็นเครื่องมือประเภทสูงสุด ดนตรีมันเหนือกว่าประเภทอื่น ๆ ทั้งหมดในความเป็นไปได้ที่กว้างที่สุดในการรวบรวมวิธีการ ความคิดและความมั่งคั่งของสภาวะทางอารมณ์

แต่เดิมในดร. ประเทศกรีซคำว่าเอส หมายถึงการผสมผสานที่กลมกลืนกันของโทนเสียง (ที่สี่, ห้า, คู่แปด) เช่นเดียวกับการร้องเพลงร่วมกัน ต่อมาในดร. โรมมันกลายเป็นชื่อของ instr วงออเคสตรา ในวันพุธ. ศตวรรษที่เอสถูกเข้าใจว่าเป็นผู้สร้างโลก ดนตรี (ในแง่นี้คำนี้ใช้ในฝรั่งเศสเมื่อต้นศตวรรษที่ 18) บางครั้งก็เป็นเพลงโดยทั่วไป นอกจากนี้เพลงบางเพลงก็ถูกเรียกเช่นนั้น เครื่องมือ (ตัวอย่างเช่นพิณล้อเลื่อน) ในศตวรรษที่ 16 คำนี้ใช้ในชื่อเรื่อง คอลเลกชันของ motets (1538), madrigals (1585), นักร้อง - ผู้สอน บทประพันธ์ ("Sacrae symphoniae" - "ดนตรีซิมโฟนีอันศักดิ์สิทธิ์" G. Gabrieli, 1597, 1615) แล้วจึงนำไปใช้ โพลีโฟนิก บทละคร (ต้นศตวรรษที่ 17) ถูกกำหนดให้กับ polyhead (มักจะเป็นคอร์ด) เช่นบทนำของกระทะหรือการสลับฉาก และ instr. ใช้งานได้โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับบทนำ (โอเวอร์เรส) ไปจนถึงห้องสวีทแคนตาตัสและโอเปร่า ในบรรดาโอเปร่า S. (โอเปร่า) มีการระบุไว้สองประเภท: Venetian - จากสองส่วน (ช้าเคร่งขรึมและรวดเร็ว fugue) พัฒนาในภาษาฝรั่งเศสในเวลาต่อมา การทาบทามและเนเปิลส์ - ในสามส่วน (เร็ว - ช้า - เร็ว) ซึ่งเปิดตัวในปี 1681 โดย A. โซนาต้าไซเคิล แบบฟอร์มค่อยๆกลายเป็นจุดเด่นใน S. และได้รับการพัฒนาหลายแง่มุมโดยเฉพาะ

ยืนห่างกันประมาณ. 1730 จากโอเปร่าที่ออร์ค บทนำได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบของการทาบทามเพจกลายเป็นอิสระ ชนิดของ orc. เพลง. ในศตวรรษที่ 18 จะเติมเต็มเป็นพื้นฐาน องค์ประกอบเป็นสตริง เครื่องดนตรีโอโบและแตรฝรั่งเศส การพัฒนาของ S. ได้รับอิทธิพลจาก Decomp ประเภทของ orc และดนตรีแชมเบอร์ - คอนเสิร์ตสวีทโซนาต้าทรีโอโซนาต้า ฯลฯ ตลอดจนโอเปร่าที่มีวงดนตรีคอรัสและอาเรียซึ่งมีอิทธิพลต่อท่วงทำนองความกลมกลืนโครงสร้างและภาพที่เห็นได้ชัดเจน เฉพาะเจาะจงเพียงใด ประเภท S. เติบโตเต็มที่ในขณะที่มันแยกตัวออกจากดนตรีประเภทอื่นโดยเฉพาะการแสดงละครการได้รับความเป็นอิสระในเนื้อหารูปแบบการพัฒนาธีมและการสร้างวิธีการแต่งเพลงซึ่งต่อมาได้รับชื่อซิมโฟนีและในทางกลับกัน มีผลกระทบอย่างมากในหลายพื้นที่ ความคิดสร้างสรรค์

โครงสร้างของเอสผ่านการวิวัฒนาการ พื้นฐานของ S. คือวัฏจักร 3 ส่วนของประเภท Neapolitan มักเป็นไปตามแบบอย่างของชาวเวนิสและฝรั่งเศส Overtures ใน S. รวมถึงการแนะนำการเคลื่อนไหวครั้งแรกอย่างช้าๆ ต่อมา minuet เข้าสู่ S. - ก่อนเป็นจุดสิ้นสุดของวงจร 3 ส่วนจากนั้นเป็นหนึ่งในส่วน (โดยปกติจะเป็นรอบที่สาม) ของรอบ 4 ส่วนในขั้นสุดท้ายซึ่งตามกฎแล้ว rondo หรือใช้แบบฟอร์ม rondo sonata ตั้งแต่สมัยของ L. Beethoven minuet ถูกแทนที่ด้วย scherzo (การเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 บางครั้งก็เป็นครั้งที่ 2) ตั้งแต่สมัยของ G. Berlioz และเพลงวอลทซ์ สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับรูปแบบ S. sonata นั้นใช้เป็นหลักในการเคลื่อนไหวครั้งแรกบางครั้งก็ใช้ในการเคลื่อนไหวช้าและสุดท้าย ในศตวรรษที่ 18 ส. ปลูกหลาย. ปรมาจารย์. Sammartini ชาวอิตาลี (85 S. , ค. 1730-70, 7 คนสูญหายไป) นักแต่งเพลงของโรงเรียน Mannheim ซึ่งชาวเช็กครองตำแหน่งผู้นำ (F.K. Richter, J. Stamitz ฯลฯ ) ตัวแทนของสิ่งที่เรียกว่า พรีคลาส (หรือต้น) โรงเรียนเวียนนา (M. Monne, G.K. Wagenzeil และอื่น ๆ ) ชาวเบลเยียม F. J. Gossek ซึ่งทำงานในปารีสผู้ก่อตั้งชาวฝรั่งเศส S. (29 หน้า, 1754-1809, รวม "Hunting", 1766; อนึ่ง 3 หน้าสำหรับวิญญาณ. Orchestra). คลาสสิก ประเภท C. ถูกสร้างขึ้นโดย Austr คอมพ์ J. Haydn และ W.A. Mozart ในผลงานของ "บิดาแห่งซิมโฟนี" Haydn (104 หน้า, 1759-95) การก่อตัวของ C เสร็จสมบูรณ์จากประเภทของดนตรีที่ให้ความบันเทิงในชีวิตประจำวันมันกลายเป็นเครื่องมือที่จริงจัง เพลง. ก่อตั้งและก่อตั้ง คุณสมบัติของโครงสร้าง S. ได้พัฒนาเป็นลำดับของการตัดกันภายในโดยมีจุดประสงค์การพัฒนาและรวมกันโดยความคิดร่วมกันของชิ้นส่วน โมสาร์ทแนะนำละครใน S. ความตึงเครียดและการแต่งเพลงที่เร่าร้อนความสง่างามและความสง่างามทำให้เธอมีความเป็นเอกภาพทางโวหารที่ดียิ่งขึ้น (ประมาณปีค. ศ. S - Es-major, g-minor และ C-major ("Jupiter") ครั้งสุดท้ายของเขา - ความสำเร็จสูงสุดของซิมโฟนี คดีศตวรรษที่ 18 ประสบการณ์สร้างสรรค์ของ Mozart สะท้อนให้เห็นในผลงานในภายหลัง Haydn. บทบาทของแอลเบโธเฟนผู้จบโรงเรียนคลาสสิกเวียนนานั้นยิ่งใหญ่มากในประวัติศาสตร์ของเอส (9, 1800-24) ลำดับที่ 3 ("Heroic", 1804), 5 (1808) และ 9 (พร้อมเสียงร้องและคอรัสในตอนจบ พ.ศ. 2367) S. เป็นตัวอย่างของความกล้าหาญ ซิมโฟนีกล่าวถึงมวลชนรวมถึงการปฏิวัติ สองชั้นที่น่าสมเพช ต่อสู้. 6th S. ("Pastoral", 1808) เป็นตัวอย่างของซิมโฟนีเชิงโปรแกรม (ดูเพลงที่ตั้งโปรแกรม) และ 7th S. (1812) ในคำพูดของ R.Wagner คือ "apotheosis of dance" เบโธเฟนขยายขอบเขตของ S. ทำให้ละครของมันมีชีวิตชีวาและทำให้ภาษาวิภาษวิธีของธีมลึกซึ้งขึ้น การพัฒนาที่อุดมไปด้วย int. ระบบและความหมายเชิงอุดมคติ S.

สำหรับ Austr. และมัน. นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกชั้น 1 ศตวรรษที่ 19 ประเภทของเนื้อเพลง (ซิมโฟนี "ยังไม่เสร็จ" ของ Schubert, 1822) และมหากาพย์ (เพลงสุดท้าย - ซิมโฟนีลำดับที่แปดของ Schubert) S เช่นเดียวกับแนวนอนและดนตรีในชีวิตประจำวันที่มีสีสันสดใส ระบายสี ("อิตาลี", 1833 และ "สก็อต", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdi) จิตวิทยาก็เติบโตขึ้นด้วย ความมั่งคั่งของ S. (4 ซิมโฟนีโดย R.Schumann, 1841-51 ซึ่งการเคลื่อนไหวช้าและ scherzo แสดงออกมากที่สุด) แนวโน้มของความเป็นธรรมชาติซึ่งเกิดขึ้นแล้วในหมู่คลาสสิก เปลี่ยนจากส่วนหนึ่งไปยังอีกส่วนหนึ่งและสร้างเฉพาะเรื่อง ความเชื่อมโยงระหว่างการเคลื่อนไหว (ตัวอย่างเช่นในซิมโฟนีที่ 5 ของเบโธเฟน) ทวีความรุนแรงขึ้นท่ามกลางแนวโรแมนติกและ C ก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งการเคลื่อนไหวจะดำเนินไปตามลำดับโดยไม่หยุด (ซิมโฟนี "สก็อตโดย Mendelssohn-Bartholdi ซิมโฟนีที่ 4 ของ Schumann)

ยุครุ่งเรืองของฝรั่งเศส S. หมายถึง 1830-40 เมื่อมีผลงานนวัตกรรม G.Berlioz ผู้สร้างความโรแมนติก ซอฟต์แวร์ C ขึ้นอยู่กับไฟ พล็อต (5 ตอน "Fantastic" C, 1830), S. -concert ("Harold in Italy" สำหรับวิโอลาและวงออเคสตราหลัง J. Byron, 1834), S. -oratorio ("Romeo and Juliet", ดราม่า S. ออกเป็น 6 ท่อนโดยมีศิลปินเดี่ยวและคอรัสต่อจาก W. Shakespeare, 1839), "Funeral and triumphal symphony" (การเดินขบวนงานศพ, การเดี่ยวทรอมโบน "oratorical" และ apotheosis - สำหรับวงออเคสตราวิญญาณหรือซิมโฟนีออเคสตราตามความประสงค์ - และ คอรัส, 1840) Berlioz โดดเด่นด้วยขนาดการผลิตที่ยิ่งใหญ่องค์ประกอบขนาดมหึมาของวงออเคสตราเครื่องมือที่มีสีสันและความแตกต่างที่ละเอียดอ่อน ปรัชญาและจริยธรรม ปัญหาดังกล่าวสะท้อนให้เห็นในซิมโฟนีของ F. Liszt ("Faust Symphony" แต่โดย J. V. Goethe, 1854 ด้วยการขับร้องโดยสรุป, 1857; "S. to the Divine Comedy" Dante ", 1856) ในฐานะที่เป็นปฏิปักษ์ต่อทิศทางเชิงโปรแกรมของ Berlioz และ Liszt เขาพูด โคมิ I. บราห์มส์ซึ่งทำงานในเวียนนา ใน 4 S. (1876-85) ของเขาพัฒนาประเพณีของเบโธเฟนและโรแมนติก ซิมโฟนีรวมคลาสสิก ความสามัคคีและความหลากหลายของสภาวะทางอารมณ์ สไตล์ที่คล้ายกัน แรงบันดาลใจและในเวลาเดียวกันชาวฝรั่งเศสแต่ละคน S. ในช่วงเวลาเดียวกัน - 3rd S. (พร้อมอวัยวะ) โดย C. Saint-Saens (1887) และ S. d-moll โดย S. Frank (1888) ใน S. "From the New World" โดย A. Dvorak (สุดท้ายตามลำดับเวลา 9 ปี 1893) ไม่เพียง แต่เช็กเท่านั้น แต่ยังมีการหักเหของนิโกรและอินเดีย องค์ประกอบ แนวคิดทางอุดมการณ์ที่สำคัญ Austr. นักซิมโฟนี A. Bruckner และ G.Mahler ผลงานที่ยิ่งใหญ่ Bruckner (8 S. , 1865-1894, 9 ยังไม่เสร็จ, 1896) โดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวาของโพลีโฟนิก ผ้า (อิทธิพลของศิลปะองค์กรเช่นเดียวกับละครเพลงโดย R.Wagner) ระยะเวลาและพลังของการเติบโตทางอารมณ์ สำหรับซิมโฟนีของ Mahler (9 C. , 1838-1909 ซึ่งมี 4 คนที่มีการร้องเพลงรวมถึงเพลงที่ 8 - "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมพันคน", 1907; ครั้งที่ 10 ยังไม่เสร็จสิ้นความพยายามที่จะทำให้เสร็จสมบูรณ์ตามภาพร่างได้ดำเนินการโดย D . ปรุงในปี 1960; S. -cantata "Song of the Earth" กับ 2 นักร้องเดี่ยว, 1908) ที่โดดเด่นด้วยความรุนแรงของความขัดแย้งความน่าสมเพชอันประเสริฐและโศกนาฏกรรมที่แสดงออกถึงความแปลกใหม่ กองทุน. ราวกับว่าเป็นการถ่วงดุลกับการแต่งเพลงขนาดใหญ่โดยใช้การแสดงที่หลากหลาย อุปกรณ์ซิมโฟนีแชมเบอร์และซิมโฟนีปรากฏขึ้น

นักเขียนที่มีชื่อเสียงแห่งศตวรรษที่ 20 ในฝรั่งเศส - A. Roussel (4 S. , 1906-34), A. Honegger (ชาวสวิสตามสัญชาติ, 5 S. , 1930-50 รวมทั้ง 3 - "Liturgical", 2489, 5 - S. "three re" , 1950), D. Millau (12 S. , 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", ใน 10 ส่วน, 2491); ในเยอรมนี - R. Strauss ("Home", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S. , 1934-58, รวมทั้ง 1st - "Artist Matis", 1934, 3- I - "Harmony of The World”, 1951), KA Hartman (8 S. , 1940-62) และอื่น ๆ การมีส่วนร่วมในการพัฒนา S. จัดทำโดย Swiss H. Huber (8 S. , 1881-1920, รวม 7 - "Swiss", 1917), Norwegians K. Sinding (4 S. , 1890-1936), H. Severud (9 S. , 1920-1961, รวมถึงการต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์โดยการออกแบบ 5-7- i, 1941-1945) , K. Egge (5 S. , 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S. , 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S. , 1899-1924), Romanian J. Enescu (3 S. , 1905-19), Dutch B. Peiper (3 S. , 1917-27) และ H. Badings (10 S. , 1930-1961), Swede H. Rosenberg (7 S. , 1919-69, and S. for จิตวิญญาณและเครื่องเคาะ, 2511), JF Malipiero ชาวอิตาลี (11 S. , 1933-69), ชาวอังกฤษ R. Vaughan Williams (9 S. , 1909-58), B. Britten (S. Requiem, 1940, "Spring "S. สำหรับนักร้องเดี่ยวประสานเสียงผสมนักร้องชายและวงดนตรีซิมโฟนี พ.ศ. 2492) ชาวอเมริกัน C. Ives (5 S. , 1898-1913), W. Piston (8 S. , 1937-65) และ R. Harris (12 C, 1933-69), braz ilets E. Vila Lobos (12 S. , 1916-58) และอื่น ๆ หลากหลายประเภท C. ศตวรรษที่ 20 เนื่องจากส่วนใหญ่ของความคิดสร้างสรรค์ เส้นทาง, nat. โรงเรียนการเชื่อมต่อชาวบ้าน ทันสมัย เอสยังมีความแตกต่างในโครงสร้างรูปแบบตัวละคร: มุ่งไปสู่ความใกล้ชิดและในทางตรงกันข้ามต่อความเป็นอนุสาวรีย์; ไม่แบ่งออกเป็นส่วน ๆ และประกอบด้วยพหูพจน์ ชิ้นส่วน; ตราด. คลังสินค้าและองค์ประกอบฟรี สำหรับซิมโฟนีตามปกติ วงออเคสตราและสำหรับการแต่งเพลงที่ผิดปกติ ฯลฯ หนึ่งในกระแสดนตรีในศตวรรษที่ 20 เกี่ยวข้องกับการดัดแปลงเพลงเก่า - ก่อนคลาสสิกและคลาสสิกตอนต้น ประเภทและรูปแบบ เขาได้รับการยกย่องให้กับ S. Prokofiev ในเพลง "Classical Symphony" (1907) และ I. F. Stravinsky ในซิมโฟนีในภาษา C และ "Symphony in three เคลื่อนไหว" (2483-45) ในช่วงศตวรรษที่ 20 ของ S. การออกจากบรรทัดฐานก่อนหน้านี้ถูกเปิดเผยภายใต้อิทธิพลของ atonalism, athematism และหลักการจัดองค์ประกอบใหม่อื่น ๆ A. Webern สร้าง S. (1928) ในซีรีส์ 12 โทน ในบรรดาตัวแทนของเอส "เปรี้ยวจี๊ด" ถูกแทนที่ด้วยหลากหลาย ประเภทและรูปแบบการทดลองใหม่ ๆ

คนแรกในรัสเซีย นักแต่งเพลงหันไปหาแนวเพลงของ S. (ยกเว้น D. S. Bortnyansky ซึ่งมี "Concert Symphony", 1790 เขียนขึ้นสำหรับวงดนตรีในห้อง) Micah Y. Vielgorsky (S. ลำดับที่ 2 ของเขาแสดงในปี 1825) และ AA Alyabyev (หนึ่งส่วนของเขาใน e-moll, 1830 และชุด C. Es-dur แบบ 3 ส่วนที่ไม่ระบุวันที่ซึ่งมีแตรคอนเสิร์ต 4 อันได้รับการเก็บรักษาไว้ ) ต่อมา A. G. Rubinshtein (6 S. , 1850-86, ได้แก่ 2nd - "Ocean", 1854, 4th - "Dramatic", 1874) MI Glinka ผู้เขียน S. -overture ที่ยังไม่เสร็จสิ้นที่ด้านล่างของรัสเซีย ธีม (1834 เสร็จในปี 2480 โดย V. Ya. Shebalin) มีผลกระทบอย่างชัดเจนต่อการสร้างโวหาร rus แช่ง S. กับซิมโฟนีทั้งหมดของเขา ความคิดสร้างสรรค์ซึ่งองค์ประกอบของประเภทอื่นมีอิทธิพลเหนือกว่า ใน S. rus. ผู้เขียนออกเสียงว่านัท ตัวละครภาพของเตียงสองชั้นถูกจับ ชีวิตนักประวัติศาสตร์ เหตุการณ์แรงจูงใจของบทกวีสะท้อนให้เห็น ในบรรดานักแต่งเพลง The Mighty Handful, N. A. Rimsky-Korsakov เป็นคนแรกในฐานะผู้แต่ง S. (3 S. , 1865-74) ผู้สร้างชาวรัสเซีย มหากาพย์ S. คือ A.P. Borodin (2 S. , 1867-76; ยังไม่เสร็จ 3, 2430 บันทึกบางส่วนจากความทรงจำของ A.K. Glazunov) ในผลงานของเขาโดยเฉพาะใน "Heroic" (2nd) S. Borodin ได้รวบรวมภาพของเตียงไม้กระดานขนาดมหึมา ความแข็งแรง. ท่ามกลางความสำเร็จสูงสุดของซิมโฟนีโลก - ชาย PI Tchaikovsky (6 S. , 1800-93 และโปรแกรม S. "Manfred" โดย J. Byron, 1885) 4, 5 และ 6 โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ("น่าสมเพช" ด้วยการจบลงอย่างช้าๆ) S. , บทกวี - ละครในธรรมชาติ, บรรลุพลังที่น่าเศร้าในการแสดงออกของการชนกันของชีวิต; พวกเขามีจิตใจที่ลึกซึ้ง ด้วยการเจาะถ่ายทอดประสบการณ์ที่หลากหลายของมนุษย์ สายมหากาพย์ S. ดำเนินการต่อโดย A. K. Glazunov (8 S. , 1881-1906 รวมถึงวันที่ 1 - "Slavyanskaya"; ยังไม่เสร็จวันที่ 9, 1910 - ส่วนหนึ่งโดย G. Yaudin ในปี 1948), 2 S. เขียนโดย MA Balakirev (1898, 1908), 3 S. - RM Glier (1900-11, 3 - "Ilya Muromets") การแสดงซิมโฟนีดึงดูดคุณด้วยเนื้อเพลงที่จริงใจ เอส. คาลินนิคอฟ (2 S. , 1895, 2440), ความคิดที่เข้มข้น - S. c-moll S. I. Taneyev (ที่ 1, 4, 1898), ดราม่า น่าสงสาร - ซิมโฟนีโดย S. V. Rachmaninov (3 S. , 1895, 1907, 1936) และ A. N. Scriabin ผู้สร้าง 6-part 1st (1900), 5-part 2nd (1902) และ 3-part 3 ("The Divine Poem ", 1904) โดดเด่นด้วยนักเขียนบทละครพิเศษ ความสมบูรณ์และพลังในการแสดงออก

เอสครอบครองสถานที่สำคัญนกเค้าแมว เพลง. ในการทำงานของนกฮูก คีตกวีได้รับการพัฒนาที่เข้มข้นและมีชีวิตชีวาโดยเฉพาะอย่างยิ่งประเพณีชั้นสูงของคลาสสิก ซิมโฟนี นกฮูกหันไปหาเอส นักแต่งเพลงทุกรุ่นเริ่มต้นด้วยปรมาจารย์อาวุโส - N.Ya Myaskovsky ผู้สร้าง 27 S. (1908-50 รวมถึงคนที่ 19 - สำหรับวงออเคสตราวิญญาณปี 1939) และ SS Prokofiev ผู้แต่ง 7 S. ( พ.ศ. 2460-2552) และจบลงด้วยเยาวชนนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ ผู้นำในด้านนกฮูก S. - D. D. Shostakovich. ใน 15 หน้าของเขา (1925-71) เผยให้เห็นส่วนลึกของจิตสำนึกของมนุษย์และความแน่วแน่ในศีลธรรม กองกำลัง (5-1937, 8-1943, 15 - 2514), ธีมที่น่าตื่นเต้นของความทันสมัย \u200b\u200b(ที่ 7 - ที่เรียกว่าเลนินกราด, 2484) และประวัติศาสตร์ (11 - "1905", 2500; 12 - "2460", 2504) มีมนุษยนิยมสูง อุดมคติตรงข้ามกับภาพที่มืดมนของความรุนแรงและความชั่วร้าย (5 ส่วนที่ 13 คำพูดของ E. A. Evtushenko สำหรับเสียงเบสคอรัสและวงออเคสตรา 2505) การพัฒนาประเพณี และทันสมัย ประเภทของโครงสร้าง S. ผู้แต่งเพลงพร้อมกับวงจรโซนาตาที่ตีความได้อย่างอิสระ (จำนวนของ S. ของเขามีลักษณะตามลำดับ: ช้า - เร็ว - ช้า - เร็ว) ใช้โครงสร้างอื่น ๆ (เช่นในวันที่ 11 - " 1905 ") ดึงดูดเสียงมนุษย์ (นักร้องเดี่ยวนักร้อง) ในวันที่ 11-part 14th S. (1969) ซึ่งมีการเปิดเผยเรื่องของชีวิตและความตายในสังคมที่กว้างขวางมีการร้องเพลงสองเสียงเดี่ยวซึ่งได้รับการสนับสนุนจากสตริง และระเบิด เครื่องมือ

ในภูมิภาค S. ตัวแทนของคนจำนวนมากทำงานอย่างมีประสิทธิผล nat. สาขาของนกฮูก เพลง. ในหมู่พวกเขามีเจ้านายที่โดดเด่นของนกฮูก เพลงเช่น A. I. Khachaturian - แขนที่ใหญ่ที่สุด นักไพเราะผู้แต่งเอสที่มีสีสันและเจ้าอารมณ์ (1-1935, 2 - "เอสพร้อมกระดิ่ง", 2486, 3 - เอส - บทกวีพร้อมออร์แกนและท่อเพิ่มเติม 15 ท่อ 2490); ในอาเซอร์ไบจาน - K.Karaev (3rd S. , 1965), ในลัตเวีย - Ya. Ivanov (15 C, 1933-72) ฯลฯ ดูเพลงโซเวียต

วรรณคดี: Glebov Igor (Asafiev B.V. ), การสร้างซิมโฟนีสมัยใหม่, "ดนตรีร่วมสมัย", 2468, 8; Asafiev B.V. ซิมโฟนีในหนังสือ: บทความเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของสหภาพโซเวียตเล่ม 1, M.-L. , 1947; เพลงซิมโฟนีของโซเวียต 55 เพลงแอล 2504; โปโปวาต. ซิมโฟนีม. - ล. 2494; Yarustovsky B. ซิมโฟนีเกี่ยวกับสงครามและสันติภาพ M. , 1966; ซิมโฟนีของโซเวียตเป็นเวลา 50 ปี, (comp.), Otv. เอ็ด ช. จี. ทิกรานอฟ, แอล, 2510; Konen V. , โรงละครและซิมโฟนี ... , M. , 2511, 2518; Tigranov G. ในระดับชาติและระดับนานาชาติในซิมโฟนีของโซเวียตในหนังสือ: ดนตรีในสังคมนิยมฉบับที่ 1, ล., 2512; Rytsarev S. ซิมโฟนีในฝรั่งเศสก่อน Berlioz, M. , 1977 Brenet M. , Histoire de la symphonie a orchester depuis ses origines jusqu "a Beethoven, P. , 1882; Weingartner F. , Die Symphonie nach Beethoven, B. 1898 . lpz., 1926; ego, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (แปลรัสเซีย - P. Weingartner, Performance of classical symphonies. Tips for conductors, vol. . 1 ม. 2508); Goldschmidt H. , Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg 33, เลขที่ 4-5, Heuss A. , Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F. , Le origini della sinfonia, "RMI", 1913, v. 20, น. 291-346, 1914, v. 21, น. 97-121, 278-312, 2458, ว 22, น. 431-446 Bekker P. , Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V. , (1918) (แปลภาษารัสเซีย - Becker P. , Symphony จาก Beethoven ถึง Mahler, ed. และบทความเกริ่นนำโดย I.Glebov, L. , 1926); Nef K. , Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R. , Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg 4, H. 1, ego, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr. , Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen zur klassis 1927. 8, ฉบับที่ 4; อัตตา, Die Durchführungsfrageใน der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 2469/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr. , Die deutsche vorklassische Sinfonie, B. , (1940), Walin S. , Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A. , ซิมโฟนีแห่งศตวรรษที่สิบแปด, L. , 1951; Vorrel E. , La symphonie, P. , (1954), Brook B. S. , La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII siècle, v. 1-3, ป. 2505; Kloiber R. , Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964

BS.Steinpress

อ่านยาว " ดนตรีไพเราะ "ในบริการ Tilda

http: //โครงการ134743. ทิลด้า. ws/ หน้า 621898.html

ดนตรีไพเราะ

งานดนตรีตั้งใจจะแสดงโดยวงดนตรีซิมโฟนีออเคสตรา

ทองเหลืองลม: ทรัมเป็ตทูบาทรอมโบนโวลทอร์น

เครื่องเป่าลม: Oboe, Clarinet, Flute, Bassoon

สตริง: Violin, Viola, Cello, Counterbass

กลอง: กลองเบส, กลองสแนร์, Tamtam, Timpani, Celesta, Tambourine, ฉาบ, Castanets, Maracas, ฆ้อง, สามเหลี่ยม, ระฆัง, ระนาด

เครื่องดนตรีอื่น ๆ ของวงดนตรีซิมโฟนีออเคสตรา: Organ, Celesta, Harpsichord, Harp, Guitar, Piano (Grand piano, Pianano)

ลักษณะของเครื่องดนตรี

ไวโอลิน: ละเอียดอ่อนสว่างสดใสไพเราะชัดเจนอบอุ่น

Viola: เนื้อด้านนุ่ม

เชลโล่: รวยหนา

Contrabass: หูหนวก, รุนแรง, มืดมน, หนา

ขลุ่ย: ผิวปากเย็น

Oboe: จมูกจมูก

คลาริเน็ต: ด้าน, คันธนู

บาสซูน: สำลักหนา

ทรัมเป็ต: เงา, สว่าง, แสง, โลหะ

เฟรนช์ฮอร์น: โค้งมนนุ่ม

ทรอมโบน: โลหะแหลมคมทรงพลัง

ทูบา: รุนแรงหนาหนัก

ประเภทหลักเพลงไพเราะ:

ซิมโฟนีสวีททาบทามบทกวีไพเราะ

ซิมโฟนี

- (จากภาษากรีก. ซิมโฟนี - "ความสอดคล้อง" "ยินยอม")
ประเภทดนตรีออเคสตราชั้นนำซึ่งเป็นงานหลายส่วนที่ซับซ้อนที่พัฒนาขึ้นอย่างสมบูรณ์

คุณสมบัติซิมโฟนี

เป็นแนวเพลงหลัก
- เวลาในการทำให้เกิดเสียง: ตั้งแต่ 30 นาทีถึงหนึ่งชั่วโมง

ตัวละครหลักและนักแสดงคือวงดนตรีซิมโฟนีออเคสตรา

โครงสร้างซิมโฟนี (รูปแบบคลาสสิก)

ประกอบด้วย 4 ส่วนที่รวบรวมแง่มุมต่างๆของชีวิตมนุษย์

1 ส่วน

เร็วที่สุดและน่าทึ่งที่สุดบางครั้งนำหน้าด้วยบทนำอย่างช้าๆ เขียนในรูปแบบโซนาต้าด้วยความเร็วที่รวดเร็ว (อัลลีโกร)

ส่วนที่ 2

สงบเงียบทุ่มเทให้กับภาพธรรมชาติที่เงียบสงบประสบการณ์โคลงสั้น ๆ โศกเศร้าหรือโศกเศร้าในอารมณ์
เสียงในการเคลื่อนไหวช้าเขียนในรูปแบบของ rondo ซึ่งมักจะน้อยกว่าในรูปแบบของโซนาต้าหรือรูปแบบการเปลี่ยนแปลง

ส่วนที่ 3

ที่นี่เกมสนุกภาพวิถีชีวิตชาวบ้าน มันคือ scherzo หรือ minuet ในรูปแบบสามส่วน

ส่วนที่ 4

สิ้นสุดอย่างรวดเร็ว อันเป็นผลมาจากชิ้นส่วนทั้งหมดจึงโดดเด่นด้วยตัวละครที่มีชัยชนะเคร่งขรึมและรื่นเริง เขียนในรูปแบบโซนาตาหรือในรูปแบบของ rondo, rondo sonata

แต่ยังมีซิมโฟนีที่มีชิ้นส่วนน้อยกว่า (หรือมากกว่า) นอกจากนี้ยังมีซิมโฟนีตอนเดียว

ซิมโฟนีในผลงานของนักประพันธ์ชาวต่างชาติ

• • Franz Joseph Haydn (1732 - 1809)

108 ซิมโฟนี

ซิมโฟนีหมายเลข 103 "พร้อมลูกคอทิมปานี"

ชื่อของมัน " ด้วยลูกคอ timpani»ซิมโฟนีได้รับการขอบคุณจากบาร์แรกซึ่งทิมปานีเล่นลูกคอ (ลูกคออิตาลี - สั่น) ชวนให้นึกถึงเสียงฟ้าร้องที่ห่างไกล
เกี่ยวกับเสียงโทนิคใน E flat นี่คือวิธีที่การแนะนำพร้อมเพรียงช้า (Adagio) กับการเคลื่อนไหวครั้งแรกเริ่มต้นซึ่งมีลักษณะที่เข้มข้นอย่างลึกซึ้ง

• • Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

56 ซิมโฟนี

ซิมโฟนีหมายเลข 40

หนึ่งในซิมโฟนีชิ้นสุดท้ายที่มีชื่อเสียงที่สุดของโมสาร์ท ซิมโฟนีได้รับความนิยมอย่างมากเนื่องจากดนตรีที่จริงใจผิดปกติซึ่งเป็นที่เข้าใจของผู้ฟังในวงกว้าง
การเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีไม่มีบทนำ แต่เริ่มต้นทันทีด้วยการนำเสนอธีมของส่วนหลัก หัวข้อนี้วุ่นวาย ในขณะเดียวกันเธอก็โดดเด่นด้วยความไพเราะและจริงใจ

• • ลุดวิกฟานเบโธเฟน (1770—1827)

9 ซิมโฟนี

ซิมโฟนีหมายเลข 5

ซิมโฟนีโดดเด่นด้วยการนำเสนอที่สั้นกระชับของรูปแบบมุ่งมั่นในการพัฒนาดูเหมือนว่าเกิดจากแรงกระตุ้นในการสร้างสรรค์เพียงครั้งเดียว
"นี่คือสิ่งที่โชคชะตาเคาะประตูของเรา" - เบโธเฟนกล่าว
เกี่ยวกับแถบเปิดของชิ้นส่วนนี้ ดนตรีที่แสดงออกอย่างสดใสของแรงจูงใจหลักของซิมโฟนีทำให้สามารถตีความได้ว่าเป็นภาพของการต่อสู้กับโชคชะตาของบุคคล การเคลื่อนไหวทั้งสี่ของซิมโฟนีถูกนำเสนอเป็นขั้นตอนของการต่อสู้ครั้งนี้

• • Franz Schubert(1797—1828)

9 ซิมโฟนี

ซิมโฟนีหมายเลข 8 "ยังไม่เสร็จ"

หนึ่งในหน้าบทกวีที่มากที่สุดในคลังของซิมโฟนีโลกซึ่งเป็นคำใหม่ที่ชัดเจนในแนวดนตรีที่ซับซ้อนที่สุดนี้ซึ่งเปิดทางให้เกิดแนวโรแมนติก นี่คือบทกวีและละครแนวจิตวิทยาเรื่องแรกในแนวซิมโฟนี
มันไม่ได้มี 4 ส่วนเหมือนซิมโฟนีของนักแต่งเพลงคลาสสิก แต่มีเพียงสองส่วน อย่างไรก็ตามทั้งสองส่วนของซิมโฟนีนี้ทิ้งความประทับใจที่น่าทึ่งความเหนื่อยล้า

ซิมโฟนีในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย

• • Sergei Sergeevich Prokofiev (1891— 1953)

7 ซิมโฟนี

ซิมโฟนีหมายเลข 1 "คลาสสิก"

ตั้งชื่อว่า "คลาสสิก" เนื่องจาก มันยังคงรักษาความเข้มงวดและตรรกะของรูปแบบคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 และในขณะเดียวกันก็มีความโดดเด่นด้วยภาษาดนตรีสมัยใหม่
เพลงเต็มไปด้วยธีมที่คมชัดและ "เต็มไปด้วยหนาม" ทางเดินที่ไม่ชัดเจนโดยใช้ลักษณะเฉพาะของประเภทการเต้นรำ (polonaise, minuet, gavotte, gallop) ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การเรียบเรียงท่าเต้นถูกสร้างขึ้นเพื่อดนตรีซิมโฟนี

• • Dmitry Dmitrievich Shostakovich(1906—1975)

15 ซิมโฟนี

ซิมโฟนีหมายเลข 7 "เลนินกราดสกายา"

ในปีพ. ศ. 2484 ด้วยซิมโฟนีหมายเลข 7 ผู้ประพันธ์ได้ตอบสนองต่อเหตุการณ์เลวร้ายของสงครามโลกครั้งที่สองซึ่งอุทิศให้กับการปิดล้อมเลนินกราด (เลนินกราดซิมโฟนี)
“ The Seventh Symphony เป็นบทกวีเกี่ยวกับการต่อสู้ของเราเกี่ยวกับชัยชนะที่กำลังจะมาถึง” Shostakovich เขียน ซิมโฟนีได้รับการยอมรับจากทั่วโลกในฐานะสัญลักษณ์ของการต่อสู้กับลัทธิฟาสซิสต์
ท่วงทำนองที่แห้งแล้งอย่างกะทันหันของธีมหลักจังหวะกลองที่ไม่หยุดหย่อนสร้างความรู้สึกตื่นตัวคาดหวังอย่างวิตกกังวล

• • Vasily Sergeevich Kalinnikov (1866-1900)

2 ซิมโฟนี

ซิมโฟนีหมายเลข 1

คาลินนิคอฟเริ่มเขียนซิมโฟนีครั้งแรกในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2437 และเสร็จสิ้นในอีกหนึ่งปีต่อมาในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2438
ซิมโฟนีได้รวบรวมคุณลักษณะของความสามารถของนักแต่งเพลงไว้อย่างชัดเจนที่สุด - การเปิดกว้างอย่างจริงใจความเป็นธรรมชาติความมีชีวิตชีวาของความรู้สึกที่เป็นโคลงสั้น ๆ ในซิมโฟนีของเขานักแต่งเพลงได้ยกย่องความงามและความยิ่งใหญ่ของธรรมชาติชีวิตชาวรัสเซียแสดงภาพลักษณ์ของรัสเซียจิตวิญญาณของรัสเซียผ่านดนตรีรัสเซีย

• • Peter Ilyich Tchaikovsky (1840—1893)

7 ซิมโฟนี

ซิมโฟนีหมายเลข 5

บทนำของซิมโฟนีคือการเดินขบวนงานศพ "ชื่นชมโชคชะตาอย่างสมบูรณ์ ... สำหรับโชคชะตาที่ไม่อาจหยั่งรู้" ไชคอฟสกีเขียนในร่างจดหมายของเขา
ด้วยวิธีที่ยากลำบากในการเอาชนะและการต่อสู้ภายในผู้แต่งจะได้รับชัยชนะเหนือตัวเองเหนือความสงสัยความไม่ลงรอยกันทางจิตใจและความสับสนในความรู้สึก
แนวคิดหลักคือธีมที่บีบอัดและยืดหยุ่นเป็นจังหวะพร้อมแรงดึงดูดที่ไม่เปลี่ยนแปลงต่อเสียงต้นฉบับซึ่งส่งผ่านทุกส่วนของวงจร

"จุดมุ่งหมายของดนตรีคือสัมผัสหัวใจ"
(โยฮันน์เซบาสเตียนบาค).

"ดนตรีควรจุดไฟจากใจมนุษย์"
(ลุดวิกฟานเบโธเฟน).

"ดนตรีแม้จะอยู่ในสถานการณ์ที่น่ากลัวที่สุด แต่ก็ยังต้องดึงดูดหูอยู่เสมอ แต่ก็ยังคงเป็นดนตรีอยู่เสมอ"
(โวล์ฟกังอะมาเดอุสโมสาร์ท).

“ เนื้อหาทางดนตรีนั่นคือทำนองเพลงความกลมกลืนและจังหวะเป็นสิ่งที่ไม่รู้จักเหนื่อยอย่างแน่นอน
ดนตรีเป็นคลังที่ทุกสัญชาติมีส่วนร่วมของตนเองเพื่อประโยชน์ส่วนรวม "
(ปีเตอร์อิลิชไชคอฟสกี)

รักและศึกษาศิลปะดนตรีที่ยิ่งใหญ่ มันจะเปิดโลกกว้างให้กับคุณทั้งความรู้สึกความหลงใหลความคิด มันจะทำให้คุณมีจิตวิญญาณที่ดีขึ้น ด้วยเสียงดนตรีคุณจะพบกับพลังใหม่ในตัวเองที่คุณไม่รู้จัก คุณจะได้เห็นชีวิตในสีสันและสีสันใหม่ ๆ "
(Dmitry Dmitrievich Shostakovich).