ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่ยิ่งใหญ่ ตัวเลขยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: รายชื่อและความสำเร็จของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่มีชื่อเสียงของอิตาลี

ผู้บุกเบิกศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคนแรกปรากฏในอิตาลีในศตวรรษที่ 14 ศิลปินในยุคนี้ Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) และ (หลัก) Giotto (1267-1337) ในการสร้างผืนผ้าใบที่มีธีมทางศาสนาแบบดั้งเดิม พวกเขาเริ่มใช้เทคนิคทางศิลปะใหม่ ๆ ได้แก่ การสร้างองค์ประกอบสามมิติ โดยใช้ภูมิทัศน์เป็นพื้นหลัง ซึ่งทำให้ภาพเหล่านั้นดูสมจริงและมีชีวิตชีวามากขึ้น สิ่งนี้ทำให้งานของพวกเขาแตกต่างไปจากประเพณีเกี่ยวกับภาพสัญลักษณ์ครั้งก่อนๆ อย่างเห็นได้ชัด ประกอบกับธรรมเนียมปฏิบัติในภาพ
คำนี้ใช้เพื่ออ้างถึงงานของพวกเขา ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโปรโต (1300 - "Trecento") .

จิอ็อตโต้ ดิ บอนโดเน่ (ค. 1267-1337) - จิตรกรและสถาปนิกชาวอิตาลีแห่งยุคโปรโต-เรอเนซองส์ หนึ่งในบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะตะวันตก หลังจากเอาชนะประเพณีการวาดภาพไอคอนแบบไบแซนไทน์แล้ว เขาก็กลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนจิตรกรรมแห่งอิตาลีอย่างแท้จริง ได้พัฒนาวิธีการใหม่ในการวาดภาพพื้นที่ ผลงานของ Giotto ได้รับแรงบันดาลใจจาก Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo


ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (ค.ศ. 1400 - "Quattrocento")

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 15 ฟิลิปโป บรูเนลเลสคี (1377-1446) นักวิชาการและสถาปนิกชาวฟลอเรนซ์
บรูเนลเลสคีต้องการทำให้การรับรู้ถึงข้อกำหนดและโรงภาพยนตร์ที่เขาสร้างขึ้นใหม่เป็นภาพจริงมากขึ้น และพยายามสร้างภาพเปอร์สเปคทีฟทางเรขาคณิตจากแผนของเขาสำหรับมุมมองบางอย่าง ในการค้นหาเหล่านี้ มุมมองตรง.

สิ่งนี้ทำให้ศิลปินได้ภาพที่สมบูรณ์แบบของพื้นที่สามมิติบนผืนผ้าใบแบนของภาพ

อีกก้าวสำคัญสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือการเกิดขึ้นของศิลปะที่ไม่เกี่ยวกับศาสนาและฆราวาส ภาพบุคคลและภูมิทัศน์ทำให้ตัวเองเป็นแนวเพลงที่เป็นอิสระ แม้แต่วิชาทางศาสนาก็ยังได้รับการตีความที่แตกต่างกัน - ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มพิจารณาตัวละครของพวกเขาว่าเป็นวีรบุรุษโดยมีลักษณะเฉพาะที่เด่นชัดและแรงจูงใจของมนุษย์ในการดำเนินการ

ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนี้คือ มาซาชโช่ (1401-1428), มาโซลิโน (1383-1440), เบนอซโซ่ กอซโซลี (1420-1497), ปิเอโร่ เดลลา ฟรานเชสโก้ (1420-1492), อันเดรีย มันเตญญ่า (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), อันโตเนลโล ดา เมสซีนา (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), ซานโดร บอตติเชลลี (1447-1515).

มาซาชโช่ (ค.ศ. 1401-1428) - จิตรกรชาวอิตาลีผู้โด่งดัง อาจารย์ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนฟลอเรนซ์ ผู้ปฏิรูปจิตรกรรมแห่งยุค Quattrocento

ปูนเปียก ปาฏิหาริย์กับสเตเตอร์

จิตรกรรม. การตรึงกางเขน

ปูนเปียก ประวัติราชินีแห่งเชบา โบสถ์ซานฟรานเชสโกในอาเรสโซ

ฤดูใบไม้ผลิ.

กำเนิดดาวศุกร์.

เลโอนาร์โด ดิ แซร์ ปิเอโร ดา วินชี (ฟลอเรนซ์) (1452-1519) - ศิลปินชาวอิตาลี (จิตรกร ประติมากร สถาปนิก) และนักวิทยาศาสตร์ (นักกายวิภาค นักธรรมชาติวิทยา) นักประดิษฐ์ นักเขียน

ภาพเหมือน

เลดี้กับแมร์มีน 1490. พิพิธภัณฑ์ Czartoryski, คราคูฟ

โมนาลิซ่า (1503-1505/1506)

มาดอนน่า ลิตต้า. 1490-1491. อาศรม.

มาดอนน่าเบอนัวส์ (มาดอนน่ากับดอกไม้). 1478-1480

มาดอนน่ากับดอกคาร์เนชั่น 1478

ในช่วงชีวิตของเขา Leonardo da Vinci ได้จดบันทึกและภาพวาดเกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์หลายพันฉบับ แต่ไม่ได้เผยแพร่ผลงานของเขา ทำการชันสูตรพลิกศพคนและสัตว์ เขาถ่ายทอดโครงสร้างของโครงกระดูกและอวัยวะภายในอย่างแม่นยำ รวมถึงรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ศาสตราจารย์ด้านกายวิภาคศาสตร์คลินิก Peter Abrams กล่าวว่างานทางวิทยาศาสตร์ของ Da Vinci นั้นเร็วกว่าเวลา 300 ปีและเหนือกว่า Grey's Anatomy ที่มีชื่อเสียงในหลาย ๆ ด้าน

รายการสิ่งประดิษฐ์ทั้งของจริงและประกอบเป็นของเขา:

ร่มชูชีพ ถึงปราสาทโอเลสโคโว,จักรยาน tอังก์ หลิวสะพานพกพาน้ำหนักเบาสำหรับกองทัพ pโปรเจ็กเตอร์ ถึงatapult, robot, dกล้องโทรทรรศน์โวเลนซ์

ภาพวาดและประติมากรรมโดย Michelangelo Buonarotti เต็มไปด้วยวีรบุรุษที่น่าสมเพชและในขณะเดียวกันก็รู้สึกเศร้าโศกถึงวิกฤตของมนุษยนิยม ภาพวาดของเขาเชิดชูความแข็งแกร่งและพลังของมนุษย์ ความงามของร่างกาย ในขณะที่เน้นความเหงาของเขาในโลก

อัจฉริยภาพของมีเกลันเจโลได้ทิ้งรอยประทับไว้ไม่เพียงแค่ศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมโลกต่อไปด้วย กิจกรรมของเขาส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับสองเมืองในอิตาลี - ฟลอเรนซ์และโรม

อย่างไรก็ตาม ศิลปินสามารถตระหนักถึงแผนการที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการวาดภาพได้อย่างแม่นยำ ซึ่งเขาทำหน้าที่เป็นผู้ริเริ่มด้านสีและรูปแบบอย่างแท้จริง
ตามคำสั่งของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 พระองค์ทรงทาสีเพดานโบสถ์น้อยซิสทีน (1508-1512) ซึ่งเป็นตัวแทนของเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลตั้งแต่การสร้างโลกจนถึงอุทกภัยและรวมถึงตัวเลขมากกว่า 300 ตัว ในปี ค.ศ. 1534-1541 ในโบสถ์น้อยซิสทีนเดียวกันของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 เขาได้แสดงภาพเฟรสโก The Last Judgement อันโอ่อ่าตระการตา
โบสถ์น้อยซิสทีน 3D

งานของ Giorgione และ Titian นั้นโดดเด่นด้วยความสนใจในภูมิทัศน์การแต่งบทกวีของพล็อต ศิลปินทั้งสองประสบความสำเร็จอย่างมากในศิลปะการวาดภาพคน ด้วยความช่วยเหลือในการถ่ายทอดลักษณะนิสัยและโลกภายในอันอุดมสมบูรณ์ของตัวละครของพวกเขา

จอร์โจ บาร์บาเรลลี ดา กัสเตลฟรังโก ( จอร์โจเน่) (1476 / 147-1510) - ศิลปินชาวอิตาลีซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนจิตรกรรมเวนิส

วีนัสหลับ. 1510

จูดิธ. 1504

ทิเชียนวาดภาพในเรื่องในพระคัมภีร์และในตำนาน เขากลายเป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกรภาพเหมือน เขาได้รับมอบหมายจากกษัตริย์และพระสันตปาปา พระคาร์ดินัล ดยุคและเจ้าชาย ทิเชียนยังอายุไม่ถึงสามสิบปีเมื่อเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นจิตรกรที่ดีที่สุดในเวนิส

ภาพเหมือน. 1567

วีนัส เออร์บินสกายา 1538

ภาพเหมือนของ Tommaso Mosti 1520

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปลาย
หลังจากการล่มสลายของกรุงโรมโดยกองทัพจักรวรรดิในปี ค.ศ. 1527 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีก็เข้าสู่ช่วงวิกฤต ในงานของราฟาเอลตอนปลายแล้วมีการร่างแนวศิลปะใหม่เรียกว่า กิริยามารยาท.
ยุคนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยเส้นที่ยืดออกและขาด ร่างที่ยาวหรือบิดเบี้ยว มักจะเปลือยเปล่า ท่าทางตึงเครียดและผิดธรรมชาติ ผลกระทบที่ผิดปกติหรือแปลกประหลาดที่เกี่ยวข้องกับขนาด แสงหรือมุมมอง การใช้มาตราส่วนสีโซดาไฟ องค์ประกอบที่มากเกินไป เป็นต้น มารยาทของอาจารย์คนแรก Parmigianino , ปงตอร์โม , บรอนซิโน- อาศัยและทำงานในราชสำนักของดยุคแห่งบ้านเมดิชิในฟลอเรนซ์ ต่อมาแฟชั่น Mannerist ได้แพร่กระจายไปทั่วอิตาลีและที่อื่นๆ

จิโรลาโม ฟรานเชสโก้ มาเรีย มัซโซลา (Parmigianino - "ชาวปาร์มา") (1503-1540) ศิลปินและช่างแกะสลักชาวอิตาลีซึ่งเป็นตัวแทนของมารยาท

ภาพเหมือน. 1540

ภาพเหมือนของผู้หญิง 1530.

จาโคโป โรบัสตี หรือที่รู้จักในชื่อ ทินโทเรตโต (1518 หรือ 1519-1594) - จิตรกรของโรงเรียน Venetian แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

กระยาหารมื้อสุดท้าย. 1592-1594. โบสถ์ San Giorgio Maggiore เมืองเวนิส

พระคริสต์บนไม้กางเขน ตกลง. 1577. ของสะสมส่วนตัว.

ทรินิตี้. 1579 ปราโด.

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การเปลี่ยนแปลงและการค้นพบมากมายเกิดขึ้น มีการสำรวจทวีปใหม่ พัฒนาการค้า มีการประดิษฐ์สิ่งสำคัญ เช่น กระดาษ เข็มทิศทางทะเล ดินปืน และอื่นๆ อีกมากมาย การเปลี่ยนแปลงในการวาดภาพก็มีความสำคัญเช่นกัน ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้รับความนิยมอย่างมาก

รูปแบบหลักและแนวโน้มในผลงานของอาจารย์

ช่วงเวลาหนึ่งมีผลมากที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะ ผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์ที่โดดเด่นจำนวนมากมีอยู่ในปัจจุบันในศูนย์ศิลปะต่างๆ นักประดิษฐ์ปรากฏตัวในฟลอเรนซ์ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบห้า ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของพวกเขาเป็นจุดเริ่มต้นของยุคใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะ

ในเวลานี้ วิทยาศาสตร์และศิลปะมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิด นักวิทยาศาสตร์ของศิลปินพยายามที่จะควบคุมโลกทางกายภาพ จิตรกรพยายามใช้ความคิดที่ถูกต้องมากขึ้นเกี่ยวกับร่างกายมนุษย์ ศิลปินหลายคนพยายามเพื่อความสมจริง สไตล์เริ่มต้นด้วย The Last Supper ของ Leonardo da Vinci ซึ่งเขาวาดมาตลอดเกือบสี่ปี

หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด

มันถูกทาสีในปี 1490 สำหรับโรงอาหารของอาราม Santa Maria delle Grazie ในมิลาน ผืนผ้าใบแสดงถึงอาหารมื้อสุดท้ายของพระเยซูกับเหล่าสาวกของพระองค์ก่อนที่เขาจะถูกจับและสังหาร ผู้ร่วมสมัยที่ดูผลงานของศิลปินในช่วงเวลานี้สังเกตว่าเขาสามารถวาดภาพตั้งแต่เช้าจรดเย็นโดยที่ไม่ต้องหยุดกินได้อย่างไร จากนั้นเขาก็สามารถละทิ้งภาพวาดของเขาเป็นเวลาหลายวันและไม่เข้าใกล้เลย

ศิลปินกังวลอย่างมากเกี่ยวกับภาพลักษณ์ของพระคริสต์และผู้ทรยศต่อยูดาส เมื่อภาพเสร็จสมบูรณ์ในที่สุด มันก็ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอก "กระยาหารมื้อสุดท้าย" เป็นหนึ่งในความนิยมมากที่สุดจนถึงทุกวันนี้ การทำสำเนายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นที่ต้องการสูงมาโดยตลอด แต่ผลงานชิ้นเอกนี้ถูกทำเครื่องหมายด้วยสำเนานับไม่ถ้วน

ผลงานชิ้นเอกที่เป็นที่ยอมรับหรือรอยยิ้มลึกลับของผู้หญิง

ในบรรดาผลงานที่สร้างขึ้นโดยเลโอนาร์โดในศตวรรษที่สิบหกคือภาพเหมือนที่เรียกว่า "โมนาลิซา" หรือ "ลาจิโอคอนดา" ในยุคปัจจุบัน นี่อาจเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก เธอกลายเป็นที่นิยมเนื่องจากรอยยิ้มที่เข้าใจยากบนใบหน้าของผู้หญิงที่ปรากฎบนผ้าใบ อะไรนำไปสู่ความลึกลับเช่นนี้? ฝีมือของอาจารย์, ความสามารถในการแรเงามุมตาและปากอย่างชำนาญ? ธรรมชาติที่แท้จริงของรอยยิ้มนี้ไม่สามารถระบุได้จนถึงขณะนี้

นอกการแข่งขันและรายละเอียดอื่นๆ ของภาพนี้ มันคุ้มค่าที่จะให้ความสนใจกับมือและดวงตาของผู้หญิง: ศิลปินตอบสนองต่อรายละเอียดที่เล็กที่สุดของผืนผ้าใบอย่างแม่นยำเพียงใดเมื่อเขียน ทิวทัศน์อันน่าทึ่งในพื้นหลังของภาพมีความน่าสนใจไม่น้อยไปกว่ากัน ซึ่งเป็นโลกที่ทุกอย่างดูจะอยู่ในสภาพที่ลื่นไหล

ตัวแทนจิตรกรรมที่มีชื่อเสียงอีกท่านหนึ่ง

ตัวแทนที่มีชื่อเสียงไม่น้อยของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - Sandro Botticelli นี่คือจิตรกรชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเขายังได้รับความนิยมอย่างมหาศาลจากผู้ชมจำนวนมาก "ความรักของพวกโหราจารย์", "มาดอนน่าและพระบุตรบนบัลลังก์", "การประกาศ" - ผลงานเหล่านี้ของบอตติเชลลีซึ่งอุทิศให้กับหัวข้อทางศาสนาได้กลายเป็นความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของศิลปิน

ผลงานที่มีชื่อเสียงอีกชิ้นหนึ่งของอาจารย์คือ Madonna Magnificat เธอเริ่มมีชื่อเสียงในช่วงหลายปีแห่งชีวิตของ Sandro โดยเห็นได้จากการทำสำเนาจำนวนมาก ภาพวาดที่คล้ายกันในรูปแบบของวงกลมเป็นที่ต้องการของฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่สิบห้า

เทิร์นใหม่ในการทำงานของจิตรกร

เริ่มต้นในปี 1490 ซานโดรเปลี่ยนสไตล์ของเขา มันกลายเป็นนักพรตมากขึ้นการรวมกันของสีตอนนี้ถูก จำกัด มากขึ้นโทนสีเข้มมักจะเหนือกว่า แนวทางใหม่ของผู้สร้างในการเขียนผลงานของเขานั้นสามารถสังเกตเห็นได้ชัดเจนใน "พิธีราชาภิเษกของมารีย์", "การคร่ำครวญของพระคริสต์" และภาพอื่นๆ ที่พรรณนาถึงพระแม่มารีและพระกุมาร

ผลงานชิ้นเอกที่วาดโดยซานโดร บอตติเชลลีในขณะนั้น เช่น ภาพเหมือนของดันเต ปราศจากภูมิทัศน์และภูมิหลังภายใน งานสร้างสรรค์ที่สำคัญไม่น้อยของศิลปินคนหนึ่งคือ "Mystical Christmas" ภาพถูกวาดภายใต้อิทธิพลของปัญหาที่เกิดขึ้นเมื่อปลายปี 1500 ในอิตาลี ภาพวาดมากมายของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่เพียงแต่ได้รับความนิยมเท่านั้น แต่ยังกลายเป็นตัวอย่างสำหรับจิตรกรรุ่นต่อไปอีกด้วย

ศิลปินที่มีผืนผ้าใบล้อมรอบไปด้วยออร่าแห่งความชื่นชม

Rafael Santi da Urbino ไม่เพียงแต่เป็นสถาปนิกเท่านั้น ภาพวาดยุคเรอเนสซองส์ของเขาได้รับการยกย่องจากความชัดเจนของรูปแบบ ความเรียบง่ายขององค์ประกอบ และผลสัมฤทธิ์ทางการมองเห็นของอุดมคติแห่งความยิ่งใหญ่ของมนุษย์ ร่วมกับมีเกลันเจโลและเลโอนาร์โด ดา วินชี เขาเป็นหนึ่งในทรินิตี้ดั้งเดิมของปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนี้

เขามีชีวิตที่ค่อนข้างสั้น อายุเพียง 37 ปี แต่ในช่วงเวลานี้เขาได้สร้างผลงานชิ้นเอกของเขาเป็นจำนวนมาก ผลงานบางส่วนของเขาอยู่ในวังวาติกันในกรุงโรม ไม่ใช่ผู้ชมทุกคนที่จะได้เห็นภาพวาดของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยตาตนเอง รูปภาพของผลงานชิ้นเอกเหล่านี้มีให้สำหรับทุกคน (บางส่วนจะนำเสนอในบทความนี้)

ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของราฟาเอล

จากปี ค.ศ. 1504 ถึงปี ค.ศ. 1507 ราฟาเอลได้สร้างมาดอนน่าทั้งชุด ภาพเขียนมีความโดดเด่นด้วยความงามที่น่าหลงใหล สติปัญญา และในขณะเดียวกันก็มีความโศกเศร้าอย่างรู้แจ้ง ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ Sistine Madonna เธอเป็นภาพที่ทะยานขึ้นไปบนท้องฟ้าและค่อยๆ ลงมายังผู้คนที่มีพระกุมารอยู่ในอ้อมแขนของเธอ มันเป็นการเคลื่อนไหวที่ศิลปินสามารถพรรณนาได้อย่างชำนาญ

งานนี้ได้รับการยกย่องอย่างสูงจากนักวิจารณ์ที่มีชื่อเสียงหลายคน และพวกเขาทั้งหมดได้ข้อสรุปแบบเดียวกันว่าหายากและไม่ธรรมดาจริงๆ ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั้งหมดมีประวัติอันยาวนาน แต่ได้กลายเป็นที่นิยมมากที่สุดเนื่องจากการหลงทางที่ไม่รู้จบตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง หลังจากผ่านการทดลองหลายครั้ง ในที่สุดเธอก็เข้ามาแทนที่โดยชอบธรรมท่ามกลางนิทรรศการของพิพิธภัณฑ์เดรสเดน

ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพถ่ายของภาพวาดที่มีชื่อเสียง

มิเกลันเจโล ดิ ซิโมนี จิตรกร ประติมากร และสถาปนิกชื่อดังชาวอิตาลีผู้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาศิลปะตะวันตก แม้ว่าเขาจะเป็นที่รู้จักในฐานะประติมากรเป็นหลัก แต่ก็มีงานจิตรกรรมที่สวยงามของเขาเช่นกัน และที่สำคัญที่สุดคือเพดานของโบสถ์น้อยซิสทีน

งานนี้ดำเนินการเป็นเวลาสี่ปี พื้นที่ครอบคลุมประมาณห้าร้อยตารางเมตรและมีตัวเลขมากกว่าสามร้อยตัว ตรงกลางมีเก้าตอนจากหนังสือปฐมกาล แบ่งออกเป็นหลายกลุ่ม การสร้างโลก การสร้างมนุษย์ และการล่มสลายของเขา ในบรรดาภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดบนเพดาน ได้แก่ "The Creation of Adam" และ "Adam and Eve"

ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ The Last Judgement สร้างขึ้นบนกำแพงแท่นบูชาของโบสถ์น้อยซิสทีน ปูนเปียกแสดงถึงการเสด็จมาครั้งที่สองของพระเยซูคริสต์ มีเกลันเจโลละเลยอนุสัญญาทางศิลปะมาตรฐานในการเขียนพระเยซู เขาพรรณนาถึงโครงสร้างร่างกายที่ใหญ่โตมโหฬาร ทั้งยังเด็กและไม่มีเครา

ความหมายของศาสนาหรือศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีกลายเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะตะวันตก ผลงานยอดนิยมหลายชิ้นของครีเอเตอร์รุ่นนี้ส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อศิลปินที่ดำเนินมาจนถึงทุกวันนี้ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ในสมัยนั้นเน้นเรื่องศาสนา ซึ่งมักได้รับมอบหมายจากผู้มีอุปการคุณผู้มั่งคั่ง รวมทั้งสมเด็จพระสันตะปาปาเองด้วย

ศาสนาแทรกซึมเข้าสู่ชีวิตประจำวันของผู้คนในยุคนี้อย่างแท้จริง ฝังลึกอยู่ในจิตใจของศิลปิน ภาพเขียนทางศาสนาเกือบทั้งหมดอยู่ในพิพิธภัณฑ์และที่เก็บงานศิลปะ แต่การทำซ้ำภาพวาดจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งไม่เพียงแค่เกี่ยวข้องกับหัวข้อนี้เท่านั้น สามารถพบได้ในหลายสถาบันและแม้แต่บ้านทั่วไป ผู้คนจะชื่นชมผลงานของอาจารย์ที่มีชื่อเสียงในยุคนั้นอย่างไม่รู้จบ

7 สิงหาคม 2014

นักศึกษามหาวิทยาลัยศิลปะและผู้ที่สนใจในประวัติศาสตร์ศิลปะรู้ว่าในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14 และ 15 จุดเปลี่ยนที่เฉียบแหลมเกิดขึ้นในการวาดภาพ - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ราวปี 1420 ทุกคนก็วาดรูปเก่งขึ้นมากในทันใด เหตุใดภาพจึงดูสมจริงและมีรายละเอียดมาก และทำไมภาพเขียนจึงมีแสงและปริมาตร ไม่มีใครคิดเกี่ยวกับเรื่องนี้เป็นเวลานาน จนกระทั่ง David Hockney หยิบแว่นขยายขึ้นมา

มาดูกันว่าเขาเจออะไร...

อยู่มาวันหนึ่งเขากำลังดูภาพวาดของ Jean Auguste Dominique Ingres หัวหน้าโรงเรียนวิชาการฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 19 Hockney เริ่มสนใจที่จะได้เห็นภาพวาดเล็กๆ ของเขาในขนาดที่ใหญ่ขึ้น และเขาขยายภาพเหล่านั้นด้วยเครื่องถ่ายเอกสาร นั่นคือวิธีที่เขาสะดุดกับด้านลับของประวัติศาสตร์การวาดภาพตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

หลังจากถ่ายสำเนาภาพวาดขนาดเล็ก (ประมาณ 30 เซนติเมตร) ของ Ingres แล้ว Hockney รู้สึกทึ่งกับความสมจริงของภาพวาด และดูเหมือนกับเขาด้วยว่าบทพูดของ Ingres มีความหมายต่อเขา
เตือน. ปรากฎว่าพวกเขาทำให้เขานึกถึงงานของวอร์ฮอล และวอร์ฮอลทำเช่นนี้ - เขาฉายภาพบนผืนผ้าใบและร่างภาพ

ซ้าย: รายละเอียดของภาพวาด Ingres ขวา: วาดโดยเหมา เจ๋อตง วอร์โฮล

กรณีที่น่าสนใจ Hockney กล่าว เห็นได้ชัดว่า Ingres ใช้ Camera Lucida ซึ่งเป็นอุปกรณ์ที่สร้างด้วยปริซึมซึ่งติดอยู่กับแท่นวางแท็บเล็ต ดังนั้น ศิลปินที่มองภาพวาดของเขาด้วยตาข้างหนึ่ง เห็นภาพจริง และอีกข้างหนึ่ง - ภาพวาดจริงและมือของเขา ปรากฎว่าเป็นภาพลวงตาที่ให้คุณถ่ายโอนสัดส่วนที่แท้จริงไปยังกระดาษได้อย่างแม่นยำ และนี่คือ "การรับประกัน" ของความสมจริงของภาพอย่างแม่นยำ

วาดภาพเหมือนด้วยกล้อง lucida, 1807

จากนั้น Hockney ก็สนใจภาพวาดและภาพวาดประเภท "ออปติคัล" นี้อย่างจริงจัง ในสตูดิโอของเขา เขาและทีมของเขาได้แขวนภาพจำลองหลายร้อยภาพที่สร้างขึ้นตลอดหลายศตวรรษไว้บนผนัง ผลงานที่ดูเหมือน "ของจริง" และงานที่ไม่เหมือน จัดเรียงตามเวลาของการสร้างและภูมิภาค - เหนือที่ด้านบน ใต้ที่ด้านล่าง Hockney และทีมของเขาเห็นจุดหักเหที่เฉียบแหลมในการวาดภาพในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14-15 โดยทั่วไปแล้ว ทุกคนที่รู้อย่างน้อยเพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะก็รู้ - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

บางทีพวกเขาอาจใช้กล้อง - lucida ตัวเดียวกัน? มันถูกจดสิทธิบัตรในปี 1807 โดย William Hyde Wollaston แม้ว่าในความเป็นจริง Johannes Kepler อธิบายอุปกรณ์ดังกล่าวในปี 1611 ในงาน Dioptrice ของเขา บางทีพวกเขาอาจใช้อุปกรณ์ออปติคัลอื่น - กล้อง obscura? เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วตั้งแต่สมัยของอริสโตเติลและเป็นห้องมืดที่แสงลอดผ่านรูเล็กๆ เข้าไป ดังนั้นในห้องมืดจึงมีการฉายภาพสิ่งที่อยู่ด้านหน้ารู แต่กลับหัวกลับหางได้ ทุกอย่างจะเรียบร้อยดี แต่ภาพที่ได้เมื่อฉายกล้อง obscura โดยไม่ใช้เลนส์ กล่าวอย่างนุ่มนวล ไม่มีคุณภาพสูง ไม่ชัด ใช้แสงจ้ามาก ไม่ต้องพูดถึงขนาดของ การฉายภาพ แต่เลนส์คุณภาพสูงแทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะผลิตจนถึงศตวรรษที่ 16 เพราะในเวลานั้นยังไม่มีวิธีที่จะทำกระจกคุณภาพสูงเช่นนี้ สิ่งต่าง ๆ ฮอกนีย์คิดซึ่งตอนนั้นกำลังดิ้นรนกับปัญหากับนักฟิสิกส์ชาร์ลส์ฟัลโก

อย่างไรก็ตาม มีภาพวาดของแจน ฟาน เอค ปรมาจารย์จากเมืองบรูจส์ จิตรกรชาวเฟลมิชแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคแรกซึ่งมีเบาะแสซ่อนอยู่ ภาพนี้มีชื่อว่า "Portrait of the Cheta Arnolfini"

Jan Van Eyck "ภาพเหมือนของ Arnolfini" 1434

ภาพนั้นเปล่งประกายด้วยรายละเอียดจำนวนมากซึ่งค่อนข้างน่าสนใจเพราะถูกทาสีในปี 1434 เท่านั้น และคำใบ้เกี่ยวกับวิธีการที่ผู้เขียนสามารถก้าวไปข้างหน้าอย่างยิ่งใหญ่ในความสมจริงของภาพได้ก็คือกระจกเงา และเชิงเทียนด้วย - ซับซ้อนและสมจริงอย่างไม่น่าเชื่อ

Hockney เต็มไปด้วยความอยากรู้ เขาได้รับโคมระย้าดังกล่าวและพยายามวาดมัน ศิลปินต้องเผชิญกับความจริงที่ว่าสิ่งที่ซับซ้อนเช่นนี้ยากที่จะวาดในมุมมอง จุดสำคัญอีกประการหนึ่งคือความมีสาระสำคัญของภาพของวัตถุโลหะชิ้นนี้ เมื่อวาดภาพวัตถุที่เป็นเหล็ก การวางไฮไลท์ให้สมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้เป็นสิ่งสำคัญมาก เนื่องจากจะให้ความสมจริงอย่างมาก แต่ปัญหาของไฮไลท์เหล่านี้คือพวกมันจะเคลื่อนไหวเมื่อสายตาของผู้ชมหรือศิลปินเคลื่อนไหว ซึ่งหมายความว่าการจับภาพนั้นไม่ง่ายเลย และภาพที่เหมือนจริงของโลหะและแสงสะท้อนก็เป็นจุดเด่นของภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ก่อนหน้านั้นศิลปินไม่ได้พยายามทำสิ่งนี้ด้วยซ้ำ

ด้วยการสร้างแบบจำลอง 3 มิติที่แม่นยำของโคมระย้าขึ้นใหม่ ทีมงานของ Hockney ได้ตรวจสอบให้แน่ใจว่าโคมระย้าใน The Arnolfini ถูกวาดในมุมมองที่แท้จริงโดยมีจุดที่หายไปเพียงจุดเดียว แต่ปัญหาก็คือว่าอุปกรณ์ออพติคอลที่แม่นยำอย่างกล้องออบสคูราที่มีเลนส์ไม่มีอยู่จริงจนกระทั่งประมาณหนึ่งศตวรรษหลังจากที่ภาพวาดถูกสร้างขึ้น

ชิ้นส่วนของภาพวาดโดย Jan van Eyck "Portrait of the couple Arnolfini" 1434

ส่วนที่ขยายใหญ่ขึ้นแสดงให้เห็นว่ากระจกในภาพวาด "Portrait of the Arnolfini" นั้นนูน ดังนั้นจึงมีกระจกในทางตรงกันข้ามเว้า ยิ่งกว่านั้นในสมัยนั้นกระจกดังกล่าวถูกสร้างขึ้นในลักษณะนี้ - ถ่ายลูกแก้วและด้านล่างของมันถูกปกคลุมด้วยเงินจากนั้นทุกอย่างยกเว้นด้านล่างถูกตัดออก ด้านหลังกระจกไม่ได้หรี่แสงลง ซึ่งหมายความว่ากระจกเว้าของแจน ฟาน เอคอาจเป็นกระจกเงาที่แสดงในภาพได้ เพียงมองจากด้านหลัง และนักฟิสิกส์คนใดรู้ว่ากระจกคืออะไร เมื่อสะท้อนกลับ มันฉายภาพสะท้อน นี่คือที่ที่เพื่อนของเขา Charles Falco นักฟิสิกส์ช่วย David Hockney ในการคำนวณและการวิจัย

กระจกเว้าฉายภาพของหอคอยนอกหน้าต่างลงบนผืนผ้าใบ

ขนาดของส่วนที่ชัดเจนและโฟกัสของการฉายภาพอยู่ที่ประมาณ 30 ตารางเซนติเมตร - และนี่เป็นเพียงขนาดของหัวในภาพบุคคลยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหลายภาพ

Hockney วาดภาพคนบนผ้าใบ

นี่คือขนาด เช่น ภาพเหมือนของ Doge Leonardo Loredan โดย Giovanni Bellini (1501) ภาพเหมือนของผู้ชาย โดย Robert Campin (1430) ภาพเหมือนของ Jan van Eyck เกี่ยวกับ "ชายผ้าโพกหัวสีแดง" และอีกหลายๆ คน ภาพเหมือนชาวดัตช์ยุคแรกอื่นๆ

ภาพเหมือนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

การวาดภาพเป็นงานที่ได้รับค่าตอบแทนสูงและแน่นอนว่าความลับทั้งหมดของธุรกิจถูกเก็บไว้เป็นความลับที่สุด เป็นประโยชน์สำหรับศิลปินที่คนที่ไม่ได้ฝึกหัดทุกคนเชื่อว่าความลับอยู่ในมือของอาจารย์และไม่สามารถถูกขโมยได้ ธุรกิจปิดไม่ให้บุคคลภายนอก - ศิลปินอยู่ในกิลด์ มันยังประกอบด้วยช่างฝีมือหลากหลาย - จากผู้ที่ทำอานม้าไปจนถึงผู้ที่ทำกระจก และในกิลด์แห่งเซนต์ลุค ก่อตั้งขึ้นในแอนต์เวิร์ปและกล่าวถึงครั้งแรกในปี 1382 (จากนั้นกิลด์ที่คล้ายกันก็เปิดในหลายเมืองทางตอนเหนือ และที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งคือกิลด์ในบรูจส์ - เมืองที่ Van Eyck อาศัยอยู่) นอกจากนี้ยังมีปรมาจารย์ทำให้ กระจก

ดังนั้น Hockney ได้สร้างวิธีการวาดโคมระย้าที่ซับซ้อนจากภาพวาดของ Van Eyck ไม่น่าแปลกใจที่ขนาดของโคมระย้าที่ฉายใน Hockney ตรงกับขนาดของโคมระย้าในภาพวาด "Portrait of the Arnolfini" และแน่นอนไฮไลท์บนโลหะ - ในการฉายภาพที่พวกเขายืนนิ่งและไม่เปลี่ยนเมื่อศิลปินเปลี่ยนตำแหน่ง

แต่ปัญหายังไม่ได้รับการแก้ไขอย่างสมบูรณ์เพราะก่อนการปรากฏตัวของเลนส์คุณภาพสูงซึ่งจำเป็นต้องใช้กล้อง obscura เหลืออีก 100 ปีและขนาดของการฉายภาพที่ได้จากความช่วยเหลือของกระจกนั้นเล็กมาก . วิธีการวาดภาพที่มีขนาดใหญ่กว่า 30 ตารางเซนติเมตร? พวกมันถูกสร้างขึ้นเป็นภาพปะติด - จากมุมมองที่หลากหลาย มันกลับกลายเป็นภาพทรงกลมที่มีจุดหายไปมากมาย Hockney เข้าใจสิ่งนี้เพราะเขามีส่วนร่วมในภาพดังกล่าว - เขาสร้างภาพปะติดจำนวนมากที่ให้เอฟเฟกต์เดียวกันทุกประการ

เกือบหนึ่งศตวรรษต่อมา ในช่วงทศวรรษที่ 1500 ในที่สุดก็เป็นไปได้ที่จะได้รับและแปรรูปกระจกอย่างดี - เลนส์ขนาดใหญ่ปรากฏขึ้น และในที่สุดก็สามารถใส่เข้าไปในกล้อง obscura ซึ่งเป็นหลักการทำงานที่รู้จักกันมาตั้งแต่สมัยโบราณ กล้อง obscura พร้อมเลนส์เป็นการปฏิวัติที่น่าทึ่งในทัศนศิลป์ เนื่องจากตอนนี้การฉายภาพอาจมีขนาดใดก็ได้ และอีกประการหนึ่ง ตอนนี้ภาพไม่ใช่ "มุมกว้าง" แต่เป็นมุมมองปกติ ซึ่งใกล้เคียงกับในปัจจุบันเมื่อถ่ายภาพด้วยเลนส์ที่มีความยาวโฟกัส 35-50 มม.

อย่างไรก็ตาม ปัญหาในการใช้กล้อง obscura กับเลนส์ก็คือการฉายภาพจากเลนส์โดยตรงนั้นมีลักษณะเฉพาะ สิ่งนี้นำไปสู่คนถนัดซ้ายจำนวนมากในการวาดภาพในช่วงแรกของการใช้เลนส์ เช่นเดียวกับในภาพวาดนี้จากช่วงทศวรรษ 1600 จากพิพิธภัณฑ์ Frans Hals ซึ่งมีคนถนัดซ้ายสองคนเต้นรำ ชายชราที่ถนัดซ้ายขู่พวกเขาด้วยนิ้ว และลิงที่ถนัดซ้ายอยู่ใต้ชุดของผู้หญิง

ทุกคนในภาพนี้ถนัดซ้าย

ปัญหานี้แก้ไขได้ด้วยการติดตั้งกระจกโดยหันเลนส์เข้าหากัน เพื่อให้ได้การฉายภาพที่ถูกต้อง แต่เห็นได้ชัดว่ากระจกที่ดี สม่ำเสมอและบานใหญ่มีราคาสูง ดังนั้นไม่ใช่ทุกคนที่มีมัน

อีกประเด็นหนึ่งคือโฟกัส ความจริงก็คือบางส่วนของภาพที่ตำแหน่งหนึ่งของผืนผ้าใบภายใต้รังสีของการฉายภาพหลุดโฟกัสไม่ชัดเจน ในงานของ Jan Vermeer ที่ซึ่งการใช้เลนส์มองเห็นได้ค่อนข้างชัดเจน ผลงานของเขาโดยทั่วไปจะดูเหมือนภาพถ่าย คุณยังสามารถสังเกตเห็นสถานที่ที่อยู่นอก "โฟกัส" ได้ คุณยังสามารถเห็นรูปแบบที่เลนส์ให้ - "โบเก้" ที่มีชื่อเสียง ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "The Milkmaid" (1658) ตะกร้า ขนมปังในนั้น และแจกันสีน้ำเงินอยู่นอกโฟกัส แต่ตามนุษย์มองไม่เห็น "หลุดโฟกัส"

รายละเอียดบางส่วนของภาพไม่ชัด

และด้วยเหตุผลทั้งหมดนี้ จึงไม่น่าแปลกใจเลยที่ Antony Phillips van Leeuwenhoek นักวิทยาศาสตร์และนักจุลชีววิทยา รวมถึงปรมาจารย์ผู้สร้างสรรค์กล้องจุลทรรศน์และเลนส์ของตัวเอง เป็นเพื่อนที่ดีของ Jan Vermeer นักวิทยาศาสตร์กลายเป็นผู้จัดการมรณกรรมของศิลปิน และนี่แสดงให้เห็นว่า Vermeer วาดภาพเพื่อนของเขาอย่างแม่นยำบนผืนผ้าใบสองผืน - "นักภูมิศาสตร์" และ "นักดาราศาสตร์"

ในการที่จะมองเห็นส่วนใดส่วนหนึ่งอยู่ในโฟกัส คุณต้องเปลี่ยนตำแหน่งของผืนผ้าใบภายใต้รังสีที่ฉาย แต่ในกรณีนี้ ข้อผิดพลาดในสัดส่วนปรากฏขึ้น ดังที่เห็นที่นี่: ไหล่อันใหญ่ของ Anthea โดย Parmigianino (ประมาณ 1537) หัวเล็กของ "Lady Genovese" ของ Anthony van Dyck (1626) เท้าขนาดใหญ่ของชาวนาในภาพวาดโดย Georges de La Tour

ข้อผิดพลาดในสัดส่วน

แน่นอนว่าศิลปินทุกคนใช้เลนส์ในรูปแบบต่างๆ บางคนสำหรับสเก็ตช์ บางคนประกอบขึ้นจากส่วนต่างๆ - ตอนนี้มันเป็นไปได้ที่จะสร้างภาพเหมือน และทำอย่างอื่นให้เสร็จด้วยโมเดลที่แตกต่างกัน หรือแม้แต่กับนางแบบ

Velasquez แทบไม่เหลือภาพวาดเลย อย่างไรก็ตามผลงานชิ้นเอกของเขายังคงอยู่ - ภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาอินโนเซนต์ที่ 10 (1650) บนเสื้อคลุมของสมเด็จพระสันตะปาปา - เห็นได้ชัดว่าเป็นผ้าไหม - เป็นการเล่นแสงที่สวยงาม แสงจ้า และการเขียนทั้งหมดนี้จากมุมมองเดียว จำเป็นต้องพยายามอย่างมาก แต่ถ้าคุณฉายภาพออกไป ความงามทั้งหมดจะไม่หายไปไหน - แสงสะท้อนไม่ขยับอีกต่อไป คุณสามารถเขียนด้วยจังหวะที่กว้างและเร็วได้เหมือนกับของ Velazquez

Hockney สร้างภาพวาดโดย Velasquez

ต่อจากนั้น ศิลปินหลายคนสามารถซื้อกล้อง obscura ได้ และสิ่งนี้ก็กลายเป็นความลับที่ยิ่งใหญ่ Canaletto ใช้กล้องนี้อย่างแข็งขันเพื่อสร้างมุมมองเกี่ยวกับเมืองเวนิสและไม่ได้ปิดบัง ด้วยความแม่นยำของภาพ ภาพวาดเหล่านี้ทำให้เราพูดถึง Canaletto ในฐานะผู้สร้างภาพยนตร์สารคดี ต้องขอบคุณ Canaletto ที่คุณไม่เพียงแต่มองเห็นภาพที่สวยงาม แต่ยังรวมถึงเรื่องราวด้วย คุณสามารถเห็นสะพานเวสต์มินสเตอร์แห่งแรกในลอนดอนในปี 1746

Canaletto "สะพานเวสต์มินสเตอร์" 1746

ศิลปินชาวอังกฤษ เซอร์ โจชัว เรย์โนลด์ส เป็นเจ้าของกล้องออบสคูรา และเห็นได้ชัดว่าไม่ได้บอกใครเกี่ยวกับเรื่องนี้ เนื่องจากกล้องของเขาพับขึ้นและดูเหมือนหนังสือ ปัจจุบันอยู่ในพิพิธภัณฑ์วิทยาศาสตร์ลอนดอน

กล้อง obscura ปลอมตัวเป็นหนังสือ

ในที่สุด เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 วิลเลียม เฮนรี ฟอกซ์ ทัลบอต ใช้กล้อง lucida - กล้องที่คุณต้องมองด้วยตาข้างเดียวแล้ววาดมือสาปแช่งตัดสินใจว่าความไม่สะดวกดังกล่าวควรหมดไปในครั้งเดียว และสำหรับทั้งหมด และกลายเป็นหนึ่งในนักประดิษฐ์ของการถ่ายภาพเคมี

ด้วยการประดิษฐ์ภาพถ่าย การผูกขาดการวาดภาพบนความสมจริงของภาพจึงหายไป ตอนนี้ภาพถ่ายกลายเป็นการผูกขาด และที่นี่ ในที่สุด ภาพวาดก็เป็นอิสระจากเลนส์ ดำเนินต่อไปตามเส้นทางที่มันเปลี่ยนไปในปี 1400 และแวนโก๊ะก็กลายเป็นผู้บุกเบิกศิลปะทั้งหมดแห่งศตวรรษที่ 20

ซ้าย: โมเสกไบแซนไทน์จากศตวรรษที่ 12 ขวา: Vincent van Gogh "Portrait of Mr. Trabuk" 2432

การประดิษฐ์ภาพถ่ายเป็นสิ่งที่ดีที่สุดที่เกิดขึ้นกับการวาดภาพในประวัติศาสตร์ทั้งหมด ไม่จำเป็นต้องสร้างภาพจริงอีกต่อไปศิลปินก็เป็นอิสระ แน่นอนว่า สาธารณชนต้องใช้เวลาถึงศตวรรษในการติดตามความเข้าใจของศิลปินในเรื่อง Visual Music และหยุดคิดว่าคนอย่าง Van Gogh นั้น "บ้า" ในเวลาเดียวกัน ศิลปินเริ่มใช้ภาพถ่ายเป็น "สื่ออ้างอิง" อย่างจริงจัง จากนั้นก็มีคนเช่น Wassily Kandinsky, รัสเซียเปรี้ยวจี๊ด, Mark Rothko, Jackson Pollock หลังจากภาพวาด สถาปัตยกรรม ประติมากรรม และดนตรีได้รับการปล่อยตัว จริงอยู่ที่โรงเรียนสอนการวาดภาพของรัสเซียติดอยู่ในเวลาและวันนี้ก็ยังถือว่าน่าละอายในสถาบันการศึกษาและโรงเรียนที่ใช้ภาพถ่ายเพื่อช่วยและความสามารถทางเทคนิคล้วนๆในการวาดอย่างสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ด้วยมือเปล่าถือเป็นความสำเร็จสูงสุด .

ขอบคุณบทความของนักข่าว Lawrence Weschler ที่เข้าร่วมการวิจัยระหว่าง David Hockney และ Falco ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจอีกประการหนึ่งถูกเปิดเผย: ภาพเหมือนของ Van Eyck เกี่ยวกับคู่รัก Arnolfini เป็นภาพเหมือนของพ่อค้าชาวอิตาลีในเมือง Bruges Mr. Arnolfini เป็นชาวฟลอเรนซ์ และยิ่งกว่านั้น เขาเป็นตัวแทนของธนาคารเมดิชิ (ซึ่งส่วนใหญ่เป็นปรมาจารย์แห่งเรเนซองส์ ฟลอเรนซ์ ซึ่งถือว่าเป็นผู้อุปถัมภ์ศิลปะในยุคนั้นในอิตาลี) นี่พูดว่าอะไรนะ? ความจริงที่ว่าเขาสามารถนำความลับของกิลด์เซนต์ลุค - กระจก - ไปกับเขาที่ฟลอเรนซ์ได้อย่างง่ายดายซึ่งตามประวัติศาสตร์ดั้งเดิมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มต้นและศิลปินจากบรูจส์ (และตามหลักอื่น ๆ ) ถือว่า "เบื้องต้น"

มีการโต้เถียงกันมากมายเกี่ยวกับทฤษฎี Hockney-Falco แต่มีความจริงอยู่บ้างอย่างแน่นอน สำหรับผู้วิจารณ์ศิลปะ นักวิจารณ์ และนักประวัติศาสตร์ เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าผลงานทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับประวัติศาสตร์และศิลปะจำนวนเท่าใดที่กลายเป็นเรื่องไร้สาระโดยสิ้นเชิง แต่สิ่งนี้เปลี่ยนประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมด ทฤษฎีและตำราทั้งหมด

ข้อเท็จจริงของการใช้เลนส์ไม่ได้เบี่ยงเบนความสามารถของศิลปินอย่างน้อยที่สุด - ท้ายที่สุดแล้วเทคโนโลยีเป็นวิธีถ่ายทอดสิ่งที่ศิลปินต้องการ และในทางกลับกัน ข้อเท็จจริงที่ว่ามีของจริงในภาพเหล่านี้มีแต่จะเพิ่มน้ำหนักให้กับพวกเขา ท้ายที่สุด นี่คือสิ่งที่ผู้คนในสมัยนั้น สิ่งของ สถานที่ เมืองต่างๆ ดูเหมือน นี่คือเอกสารจริง

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มขึ้นในอิตาลี ได้ชื่อมาจากความเจริญรุ่งเรืองทางปัญญาและศิลปะที่เฉียบแหลมซึ่งเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 14 และมีอิทธิพลอย่างมากต่อสังคมและวัฒนธรรมยุโรป ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่เพียงแต่แสดงออกในภาพวาด แต่ยังรวมถึงสถาปัตยกรรม ประติมากรรม และวรรณคดีด้วย ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ได้แก่ Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo และ Raphael

ในช่วงเวลานี้ เป้าหมายหลักของจิตรกรคือการแสดงภาพร่างกายมนุษย์ที่เหมือนจริง ดังนั้นพวกเขาจึงวาดภาพคนเป็นหลัก โดยบรรยายถึงหัวข้อทางศาสนาต่างๆ มีการประดิษฐ์หลักการของมุมมองซึ่งเปิดโอกาสใหม่ ๆ ให้กับศิลปิน

ฟลอเรนซ์กลายเป็นศูนย์กลางของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา รองลงมาคือเวนิส และต่อมาใกล้กับกรุงโรมในศตวรรษที่ 16

เลโอนาร์โดเป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกร ประติมากร นักวิทยาศาสตร์ วิศวกร และสถาปนิกแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่มีความสามารถ เลโอนาร์โดทำงานในฟลอเรนซ์มาเกือบทั้งชีวิต ซึ่งเขาได้สร้างผลงานชิ้นเอกมากมายที่เป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ในหมู่พวกเขา: "Mona Lisa" (มิฉะนั้น - "Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Madonna Benois", "John the Baptist" และ "St. แอนนากับแมรี่และลูกของพระคริสต์

ศิลปินคนนี้เป็นที่รู้จักเนื่องจากสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ที่เขาพัฒนาขึ้นตลอดหลายปีที่ผ่านมา นอกจากนี้ เขายังทาสีผนังโบสถ์น้อยซิสทีนตามคำร้องขอส่วนตัวของสมเด็จพระสันตะปาปาซิกตัสที่ 4 บอตติเชลลีวาดภาพที่มีชื่อเสียงในรูปแบบตำนาน ภาพวาดดังกล่าว ได้แก่ "ฤดูใบไม้ผลิ", "Pallas and the Centaur", "The Birth of Venus"

ทิเชียนเป็นหัวหน้าโรงเรียนศิลปินแห่งฟลอเรนซ์ หลังจากการเสียชีวิตของอาจารย์ Bellini ทิเชียนกลายเป็นศิลปินที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไปของสาธารณรัฐเวเนเชียน จิตรกรคนนี้เป็นที่รู้จักจากภาพเหมือนของเขาในหัวข้อทางศาสนา: "The Ascension of Mary", "Danae", "Earthly Love and Heavenly Love"

กวี ประติมากร สถาปนิก และศิลปินชาวอิตาลีได้วาดภาพผลงานชิ้นเอกมากมาย ซึ่งเป็นรูปปั้นที่มีชื่อเสียงของ "เดวิด" ที่ทำจากหินอ่อน รูปปั้นนี้ได้กลายเป็นแหล่งท่องเที่ยวสำคัญในเมืองฟลอเรนซ์ มีเกลันเจโลทาสีห้องนิรภัยของโบสถ์น้อยซิสทีนในวาติกัน ซึ่งเป็นคณะทำงานหลักจากสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ในระหว่างที่เขาทำงาน เขาได้ให้ความสำคัญกับสถาปัตยกรรมมากขึ้น แต่ได้ให้ "การตรึงกางเขนของนักบุญเปโตร", "การฝังศพ", "การสร้างอาดัม", "ผู้ทำนาย" แก่เรา

งานของเขาเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของ Leonardo da Vinci และ Michelangelo ซึ่งทำให้เขาได้รับประสบการณ์และทักษะอันล้ำค่า เขาวาดภาพห้องของรัฐในวาติกัน แสดงถึงกิจกรรมของมนุษย์และบรรยายฉากต่างๆ จากพระคัมภีร์ ในบรรดาภาพวาดที่มีชื่อเสียงของราฟาเอล ได้แก่ "Sistine Madonna", "Three Graces", "Saint Michael and the Devil"

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

ในช่วงเวลาที่ยากลำบากสำหรับอิตาลี "ยุคทอง" อันสั้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีเริ่มต้นขึ้น - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงที่เรียกว่าจุดที่สูงที่สุดของศิลปะอิตาลี ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงจึงใกล้เคียงกับช่วงเวลาของการต่อสู้อย่างดุเดือดของเมืองอิตาลีเพื่อเอกราช ศิลปะของเวลานี้เต็มไปด้วยมนุษยนิยม ศรัทธาในพลังสร้างสรรค์ของมนุษย์ ในความเป็นไปได้อันไร้ขอบเขตของเขา ในการจัดเตรียมอย่างมีเหตุผลของโลก ในชัยชนะของความก้าวหน้า ในงานศิลปะ ปัญหาของหน้าที่พลเมือง คุณธรรมสูงส่ง ความสำเร็จ ภาพลักษณ์ของวีรบุรุษผู้สวยงาม พัฒนาอย่างกลมกลืน แข็งแกร่งทั้งร่างกายและจิตใจ ผู้ซึ่งสามารถยกระดับชีวิตประจำวันได้มาถึงเบื้องหน้าแล้ว การค้นหาอุดมคติดังกล่าวนำศิลปะไปสู่การสังเคราะห์ การวางนัยทั่วไป การเปิดเผยรูปแบบทั่วไปของปรากฏการณ์ ไปจนถึงการระบุการเชื่อมต่อโครงข่ายเชิงตรรกะ ศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูงละทิ้งรายละเอียด รายละเอียดปลีกย่อยในชื่อของภาพทั่วไป ในนามของการดิ้นรนเพื่อการสังเคราะห์ที่กลมกลืนกันของแง่มุมที่สวยงามของชีวิต นี่เป็นหนึ่งในความแตกต่างหลักระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาระดับสูงกับยุคแรก

Leonardo da Vinci (1452-1519) เป็นศิลปินคนแรกที่แสดงความแตกต่างนี้ด้วยสายตา ครูคนแรกของเลโอนาร์โดคือ Andrea Verrocchio ร่างของเทวดาในรูปของครู "การล้างบาป" ได้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความแตกต่างในการรับรู้ของโลกโดยศิลปินแห่งยุคอดีตและยุคใหม่: ไม่มีความแบนด้านหน้าของ Verrocchio การสร้างแบบจำลองแสงและเงาที่ดีที่สุดของ ปริมาณและจิตวิญญาณที่ไม่ธรรมดาของภาพ . เมื่อออกจากเวิร์คช็อปของ Verrocchio นักวิจัยระบุว่า "Madonna with a Flower" ("Madonna Benois" ตามที่เจ้าของเรียกมาก่อน) ในช่วงเวลานี้ เลโอนาร์โดได้รับอิทธิพลจากบอตติเชลลีอย่างไม่ต้องสงสัยในบางครั้ง จากยุค 80 ของศตวรรษที่สิบห้า สององค์ประกอบที่ยังไม่เสร็จโดย Leonardo ได้รับการเก็บรักษาไว้: "The Adoration of the Magi" และ "St. เจอโรม” อาจเป็นไปได้ว่าในช่วงกลางยุค 80 Madonna Litta ถูกสร้างขึ้นด้วยเทคนิคอุบาทว์แบบเก่าซึ่งในภาพที่ความงามแบบผู้หญิงของ Leonard พบได้: เปลือกตาหนาครึ่งตาและรอยยิ้มที่แทบจะมองไม่เห็นทำให้ใบหน้าของมาดอนน่ามีจิตวิญญาณพิเศษ .

ด้วยการผสมผสานหลักการทางวิทยาศาสตร์และความคิดสร้างสรรค์ซึ่งมีทั้งการคิดเชิงตรรกะและศิลปะ Leonardo ได้มีส่วนร่วมในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ตลอดชีวิตของเขาพร้อมกับวิจิตรศิลป์ ฟุ้งซ่านดูช้าและทิ้งงานศิลปะไว้สองสามชิ้น ที่ศาลมิลาน เลโอนาร์โดทำงานเป็นศิลปิน ช่างเทคนิคทางวิทยาศาสตร์ นักประดิษฐ์ นักคณิตศาสตร์และนักกายวิภาคศาสตร์ งานสำคัญชิ้นแรกที่เขาแสดงในมิลานคือ Madonna of the Rocks (หรือ Madonna in the Grotto) นี่เป็นแท่นบูชาขนาดใหญ่ชิ้นแรกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง ซึ่งก็น่าสนใจเช่นกันเพราะได้แสดงคุณลักษณะของสไตล์การเขียนของลีโอนาร์ดอย่างเต็มที่

ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเลโอนาร์โดในมิลาน ความสำเร็จสูงสุดของงานศิลปะของเขาคือภาพวาดฝาผนังโรงอาหารของอาราม Santa Maria della Grazie บนพล็อตเรื่อง The Last Supper (1495-1498) พระคริสต์ทรงพบปะกับเหล่าสาวกเป็นครั้งสุดท้ายในงานเลี้ยงอาหารค่ำเพื่อประกาศเรื่องการทรยศต่อพวกเขา สำหรับเลโอนาร์โด ศิลปะและวิทยาศาสตร์มีอยู่อย่างแยกไม่ออก จากการมีส่วนร่วมในงานศิลปะ เขาทำการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ การทดลอง การสังเกต เขาผ่านมุมมองในด้านทัศนศาสตร์และฟิสิกส์ ผ่านปัญหาเรื่องสัดส่วน - สู่กายวิภาคและคณิตศาสตร์ ฯลฯ พระกระยาหารมื้อสุดท้ายทำให้ขั้นตอนทั้งหมดเสร็จสมบูรณ์ในผลงานของศิลปิน การวิจัยทางวิทยาศาสตร์ นอกจากนี้ยังเป็นเวทีใหม่ในงานศิลปะ

จากการศึกษากายวิภาคศาสตร์, เรขาคณิต, ป้อมปราการ, melioration, ภาษาศาสตร์, การตรวจสอบ, ดนตรี, Leonardo เลิกทำงานเกี่ยวกับ "ม้า" - อนุสาวรีย์ขี่ม้าของ Francesco Sforza ซึ่งเขามาที่มิลานเป็นอันดับแรกและเขาแสดงเต็มขนาด ในช่วงต้นยุค 90 ในดินเหนียว อนุสาวรีย์ไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็นตัวเป็นตนในทองสัมฤทธิ์: ในปี 1499 ฝรั่งเศสบุกมิลานและหน้าไม้ของ Gascon ยิงอนุสาวรีย์ขี่ม้าลง ตั้งแต่ปี 1499 ปีแห่งการเดินทางของเลโอนาร์โดเริ่มต้นขึ้น: Mantua, Venice และในที่สุดบ้านเกิดของศิลปิน - Florence ซึ่งเขาวาดกระดาษแข็ง "St. แอนนากับแมรี่คุกเข่า” ตามที่เขาสร้างภาพสีน้ำมันในมิลาน (ซึ่งเขากลับมาในปี 1506)

ในเมืองฟลอเรนซ์ เลโอนาร์โดเริ่มงานจิตรกรรมอีกชิ้นหนึ่ง ซึ่งเป็นภาพเหมือนของภรรยาของพ่อค้า del Giocondo Mona Lisa ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

ภาพเหมือนของ Mona Lisa Gioconda เป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

เป็นครั้งแรกที่ประเภทภาพเหมือนกลายเป็นระดับเดียวกันกับการแต่งเพลงในหัวข้อทางศาสนาและในตำนาน ด้วยความคล้ายคลึงทางโหงวเฮ้งที่เถียงไม่ได้ทั้งหมด ภาพเหมือนของ Quattrocento นั้นแตกต่างออกไปหากไม่ใช่จากภายนอกแล้วก็ตามข้อ จำกัด ภายใน ความยิ่งใหญ่ของโมเนต์ ลิซ่า ได้ถูกถ่ายทอดโดยการเปรียบเทียบหนึ่งของเธอที่ก้าวหน้าอย่างมากจนถึงขอบผืนผ้าใบ โดยเน้นที่รูปสามมิติด้วยภูมิทัศน์ที่มีโขดหินและลำธารที่มองเห็นได้ราวกับอยู่ไกลๆ ละลาย มีเสน่ห์ เข้าใจยาก และด้วยเหตุนี้ทั้งหมด ความเป็นจริงของแรงจูงใจที่ยอดเยี่ยม

เลโอนาร์โดในปี ค.ศ. 1515 ตามคำแนะนำของกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 ออกจากฝรั่งเศสตลอดไป

เลโอนาร์โดเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา เป็นอัจฉริยะที่เปิดโลกทัศน์ใหม่ของศิลปะ เขาทิ้งงานไม่กี่ชิ้น แต่งานแต่ละชิ้นเป็นเวทีในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม เลโอนาร์โดยังเป็นที่รู้จักในฐานะนักวิทยาศาสตร์อเนกประสงค์ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์ของเขา เช่น งานวิจัยในสาขาอากาศยาน เป็นที่สนใจในยุควิทยาศาสตร์ของเรา ต้นฉบับหลายพันหน้าของ Leonardo ซึ่งครอบคลุมความรู้ทุกด้านอย่างแท้จริง เป็นเครื่องยืนยันถึงความเป็นสากลของอัจฉริยะของเขา

ความคิดเกี่ยวกับศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งประเพณีของสมัยโบราณและจิตวิญญาณของศาสนาคริสต์ผสมผสานเข้าด้วยกันพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานของราฟาเอล (1483-1520) ในงานศิลปะของเขา งานหลักสองงานพบวิธีแก้ปัญหาที่เป็นผู้ใหญ่: ความสมบูรณ์แบบของพลาสติกของร่างกายมนุษย์ แสดงความกลมกลืนภายในของบุคลิกภาพที่พัฒนาอย่างครอบคลุม ซึ่งราฟาเอลปฏิบัติตามสมัยโบราณ และองค์ประกอบหลายร่างที่ซับซ้อนซึ่งสื่อถึงความหลากหลายทั้งหมดของ โลก. ราฟาเอลเสริมความเป็นไปได้เหล่านี้ บรรลุเสรีภาพอันน่าทึ่งในการวาดภาพอวกาศและการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ในนั้น ความสามัคคีที่ไร้ที่ติระหว่างสิ่งแวดล้อมและมนุษย์

ไม่มีปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคนใดที่เข้าใจแก่นแท้ของศาสนานอกรีตในสมัยโบราณอย่างลึกซึ้งและเป็นธรรมชาติอย่างราฟาเอล เขามองว่าเป็นศิลปินที่เชื่อมโยงประเพณีโบราณเข้ากับศิลปะสมัยใหม่ของยุโรปตะวันตกได้อย่างเต็มที่

Rafael Santi เกิดในปี 1483 ในเมือง Urbino ซึ่งเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของวัฒนธรรมศิลปะในอิตาลีที่ศาลของ Duke of Urbino ในครอบครัวของจิตรกรและกวีในราชสำนักซึ่งเป็นครูคนแรกของปรมาจารย์ในอนาคต

ช่วงแรก ๆ ของงานของ Raphael นั้นโดดเด่นด้วยภาพวาดขนาดเล็กในรูปแบบของ Tondo "Madonna Conestabile" ด้วยความเรียบง่ายและความรัดกุมของรายละเอียดที่เลือกสรรอย่างเข้มงวด (สำหรับความขี้ขลาดขององค์ประกอบทั้งหมด) และพิเศษซึ่งมีอยู่ใน Raphael's ทั้งหมด ผลงาน บทกวีที่ละเอียดอ่อนและความรู้สึกสงบ ในปี ค.ศ. 1500 ราฟาเอลออกจากเออร์บิโนให้เปรูเกียไปศึกษาในเวิร์คช็อปของศิลปินชาวอุมเบรียที่มีชื่อเสียง Perugino ซึ่งเขียนหนังสือเรื่อง The Betrothal of Mary (1504) ความรู้สึกของจังหวะ, สัดส่วนของมวลพลาสติก, ระยะห่างของพื้นที่, อัตราส่วนของตัวเลขและพื้นหลัง, การประสานกันของโทนสีหลัก (ใน "การหมั้น" เหล่านี้เป็นสีทอง, สีแดงและสีเขียวร่วมกับพื้นหลังสีฟ้าอ่อนของท้องฟ้า ) และสร้างความสามัคคีที่มีอยู่แล้วในผลงานแรกของราฟาเอลและทำให้เขาแตกต่างจากศิลปินในครั้งก่อน

ตลอดชีวิตของเขา ราฟาเอลมองหาภาพนี้ในมาดอนน่า ผลงานมากมายของเขาที่ตีความภาพลักษณ์ของมาดอนน่า ทำให้เขาโด่งดังไปทั่วโลก ข้อดีของศิลปินประการแรกคือเขาสามารถรวบรวมความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนที่สุดในแนวคิดเรื่องความเป็นแม่เพื่อรวมบทกวีและอารมณ์ความรู้สึกลึก ๆ เข้ากับความยิ่งใหญ่ที่ยิ่งใหญ่ สิ่งนี้สามารถเห็นได้ในมาดอนน่าทั้งหมดของเขา เริ่มจาก Conestabile Madonna ที่ขี้อายในวัยเยาว์: ใน Madonna in the Green, Madonna with the Goldfinch, Madonna in the Chair และโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ความสูงของจิตวิญญาณและทักษะของ Raphael - ใน ซิสทีน มาดอนน่า.

“ The Sistine Madonna” เป็นหนึ่งในผลงานที่สมบูรณ์แบบที่สุดของ Raphael ในแง่ของภาษา: ร่างของ Mary กับทารกซึ่งปรากฏอยู่บนท้องฟ้าอย่างเคร่งครัดถูกรวมเข้าด้วยกันด้วยจังหวะการเคลื่อนไหวร่วมกับร่างของ St. คนป่าเถื่อนและสมเด็จพระสันตะปาปาซิกตัสที่ 2 ซึ่งมีท่าทางหันไปทางมาดอนน่าตลอดจนมุมมองของทูตสวรรค์สององค์ (เหมือนปุตตี ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) อยู่ที่ด้านล่างขององค์ประกอบ ตัวเลขเหล่านี้รวมกันเป็นสีทองทั่วๆ ไป ราวกับเป็นตัวตนของรัศมีอันศักดิ์สิทธิ์ แต่สิ่งสำคัญคือประเภทของใบหน้าของมาดอนน่าซึ่งรวบรวมการสังเคราะห์อุดมคติโบราณของความงามเข้ากับจิตวิญญาณของอุดมคติของคริสเตียนซึ่งเป็นลักษณะของโลกทัศน์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

Sistine Madonna เป็นผลงานของ Raphael ในภายหลัง

ในตอนต้นของศตวรรษที่สิบหก โรมกลายเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมหลักของอิตาลี ศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงมาถึงจุดสูงสุดในเมืองนี้ โดยพระสันตปาปาผู้อุปถัมภ์ Julius II และ Leo X ศิลปินเช่น Bramante, Michelangelo และ Raphael ทำงานพร้อมกันโดยประสงค์ของพระสันตะปาปาผู้อุปถัมภ์

ราฟาเอลวาดภาพสองบทแรก ใน Stanza della Senyatura (ห้องแห่งลายเซ็น, แมวน้ำ) เขาวาดภาพเฟรสโกสี่ภาพเปรียบเทียบของพื้นที่หลักของกิจกรรมทางจิตวิญญาณของมนุษย์: ปรัชญา กวีนิพนธ์ เทววิทยา และนิติศาสตร์ (“โรงเรียนแห่งเอเธนส์”, “พาร์นาสซัส”, “ ข้อพิพาท”, “การวัด, ปัญญาและความแข็งแกร่ง "" ในห้องที่สองที่เรียกว่า "บทแห่งเอลิโอดอร์" ราฟาเอลวาดภาพเฟรสโกในเรื่องประวัติศาสตร์และตำนานเพื่อเชิดชูพระสันตะปาปาแห่งโรม: "การขับไล่เอลิโอดอร์"

สำหรับศิลปะในยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น เป็นเรื่องปกติที่จะพรรณนาถึงวิทยาศาสตร์และศิลปะในรูปแบบของบุคคลเชิงเปรียบเทียบ ราฟาเอลแก้ไขธีมเหล่านี้ในรูปแบบขององค์ประกอบหลายร่าง ซึ่งบางครั้งก็เป็นตัวแทนของภาพเหมือนจริงของกลุ่ม ซึ่งน่าสนใจทั้งในด้านความเป็นปัจเจกบุคคลและความเป็นไปทั่วไป

นักเรียนยังได้ช่วยราฟาเอลในการวาดภาพระเบียงของวาติกันที่อยู่ติดกับห้องของสมเด็จพระสันตะปาปา วาดตามแบบร่างของเขาและอยู่ภายใต้การดูแลของเขาด้วยลวดลายของเครื่องประดับโบราณซึ่งส่วนใหญ่มาจากถ้ำโบราณที่เพิ่งค้นพบใหม่ (ด้วยเหตุนี้ชื่อ "พิลึก" ).

ราฟาเอลแสดงผลงานประเภทต่างๆ พรสวรรค์ของเขาในฐานะนักตกแต่ง เช่นเดียวกับผู้กำกับ นักเล่าเรื่องได้แสดงออกมาอย่างเต็มที่ในชุดผ้ากระดาษแปดผืนสำหรับโบสถ์น้อยซิสทีนในฉากจากชีวิตของอัครสาวกปีเตอร์และพอล (“การจับปลาที่ยอดเยี่ยม” เป็นต้น ). ภาพวาดเหล่านี้ในช่วงศตวรรษที่ XVI-XVIII ทำหน้าที่เป็นมาตรฐานสำหรับนักคลาสสิก

ราฟาเอลยังเป็นจิตรกรวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขาอีกด้วย ("สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2", "ลีโอ เอ็กซ์", เพื่อนของนักเขียน กัสติลลิโอเน, "ดอนน่า เวลาตา" ที่สวยงาม เป็นต้น) และในภาพพอร์ตเทรตของเขาตามกฎแล้วความสมดุลภายในและความกลมกลืนก็ครอบงำ

ในบั้นปลายชีวิต ราฟาเอลต้องแบกรับภาระหนักอึ้งกับงานและคำสั่งที่หลากหลาย เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าทั้งหมดนี้สามารถทำได้โดยคนคนเดียว เขาเป็นบุคคลสำคัญในชีวิตศิลปะของกรุงโรมหลังจากการสิ้นพระชนม์ของ Bramante (1514) เขาได้เป็นหัวหน้าสถาปนิกของมหาวิหารเซนต์ ปีเตอร์รับผิดชอบการขุดค้นทางโบราณคดีในกรุงโรมและบริเวณโดยรอบและการปกป้องอนุเสาวรีย์โบราณ

ราฟาเอลเสียชีวิตในปี ค.ศ. 1520; การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของเขาเป็นสิ่งที่ไม่คาดคิดสำหรับคนรุ่นเดียวกัน เถ้าถ่านของเขาถูกฝังอยู่ในวิหารแพนธีออน

อาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนที่สามของ High Renaissance - Michelangelo - อายุยืนกว่า Leonardo และ Raphael ครึ่งแรกของอาชีพการงานของเขาตกอยู่ที่ความรุ่งเรืองของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง และช่วงที่สอง - ในช่วงเวลาของการต่อต้านการปฏิรูปและจุดเริ่มต้นของการก่อตัวของศิลปะบาโรก ในกลุ่มศิลปินที่ยอดเยี่ยมของศิลปินแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง มีเกลันเจโลแซงหน้าพวกเขาทั้งหมดด้วยภาพอันสมบูรณ์ ความน่าสมเพชของพลเมือง และความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงในอารมณ์ของสาธารณชน ดังนั้นศูนย์รวมความคิดสร้างสรรค์ของการล่มสลายของแนวคิดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) ในปี 1488 ในเมืองฟลอเรนซ์ เขาเริ่มศึกษาพลาสติกโบราณอย่างรอบคอบ ความโล่งใจของเขา "Battle of the Centaurs" เป็นผลผลิตจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงในแง่ของความสามัคคีภายใน ในปี ค.ศ. 1496 ศิลปินหนุ่มเดินทางไปโรมซึ่งเขาสร้างผลงานชิ้นแรกของเขาที่ทำให้เขาโด่งดัง: "Bacchus" และ "Pieta" แท้จริงแล้วถูกจับภาพโดยภาพสมัยโบราณ "Pieta" - เปิดผลงานจำนวนหนึ่งโดยอาจารย์ในเรื่องนี้และทำให้เขาเป็นหนึ่งในประติมากรคนแรกในอิตาลี

เมื่อกลับมาที่ฟลอเรนซ์ในปี ค.ศ. 1501 มีเกลันเจโลในนามของ Signoria รับหน้าที่แกะสลักร่างของเดวิดจากบล็อกหินอ่อนที่ประติมากรผู้เคราะห์ร้ายเสียไปต่อหน้าเขา ในปี ค.ศ. 1504 มีเกลันเจโลสร้างรูปปั้นที่มีชื่อเสียงซึ่งชาวฟลอเรนซ์เรียกว่า "ยักษ์" เสร็จและวางไว้ที่ด้านหน้าของศาลากลาง Palazzo Vecchia การเปิดอนุสาวรีย์กลายเป็นงานเฉลิมฉลองระดับชาติ ภาพลักษณ์ของ David เป็นแรงบันดาลใจให้ศิลปิน Quattrocento หลายคน แต่ไม่ใช่ในฐานะเด็กผู้ชายอย่างใน Donatello และ Verrocchio มีเกลันเจโลพรรณนาถึงเขา แต่ในฐานะชายหนุ่มในช่วงรุ่งโรจน์ของชีวิตไม่ใช่หลังการต่อสู้โดยมีหัวของยักษ์อยู่ที่เท้าของเขา แต่ก่อนการต่อสู้ที่ ช่วงเวลาที่ตึงเครียดสูงสุด ในภาพลักษณ์ที่สวยงามของเดวิด ประติมากรทำหน้าเคร่งขรึม ประติมากรถ่ายทอดพลังแห่งความหลงใหล ความมุ่งมั่นที่ไม่ย่อท้อ ความกล้าหาญของพลเมือง และพลังอันไร้ขอบเขตของชายอิสระ

ในปี ค.ศ. 1504 มีเกลันเจโล (ดังที่ได้กล่าวไปแล้วเกี่ยวกับเลโอนาร์โด) เริ่มทำงานในภาพวาด "Hall of Five Hundred" ใน Palazzo Signoria

ในปี ค.ศ. 1505 สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ทรงเชิญมีเกลันเจโลไปยังกรุงโรมเพื่อสร้างสุสานให้ตัวเอง แต่จากนั้นก็ปฏิเสธคำสั่งและสั่งให้วาดภาพเพดานโบสถ์น้อยซิสทีนที่พระราชวังวาติกัน

ไมเคิลแองเจโลทำงานคนเดียวในการวาดภาพเพดานของโบสถ์น้อยซิสทีน ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1508 ถึง ค.ศ. 1512 โดยทาสีพื้นที่ประมาณ 600 ตารางเมตร ม. (48x13 ม.) ที่ความสูง 18 ม.

มีเกลันเจโลอุทิศส่วนตรงกลางของเพดานให้กับฉากประวัติศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์ เริ่มจากการสร้างโลก องค์ประกอบเหล่านี้ล้อมรอบด้วยบัวที่ทาสีในลักษณะเดียวกัน แต่สร้างภาพลวงตาของสถาปัตยกรรมและถูกแยกออกจากกันด้วยแท่งที่งดงาม สี่เหลี่ยมที่งดงามตระการตาช่วยเน้นและเสริมสร้างสถาปัตยกรรมที่แท้จริงของเพดาน ภายใต้ชายคาที่งดงาม Michelangelo วาดภาพผู้เผยพระวจนะและพี่น้อง (แต่ละร่างประมาณสามเมตร) ใน lunettes (โค้งเหนือหน้าต่าง) เขาพรรณนาตอนต่างๆจากพระคัมภีร์และบรรพบุรุษของพระคริสต์ในฐานะคนธรรมดาที่ยุ่งอยู่กับกิจวัตรประจำวัน

องค์ประกอบหลักทั้งเก้าที่เปิดเผยเหตุการณ์ในวันแรกของการทรงสร้าง เรื่องราวของอาดัมและเอวา อุทกภัยทั่วโลก และที่จริงแล้ว ฉากทั้งหมดนี้เป็นเพลงสวดสำหรับมนุษย์ที่ฝังอยู่ในตัวเขา Julius II เสียชีวิตหลังจากทำงานที่ Sistine เสร็จไม่นาน และทายาทของเขากลับมามีความคิดเกี่ยวกับหลุมฝังศพ ในปี ค.ศ. 1513-1516 มีเกลันเจโลแสดงร่างของโมเสสและทาส (เชลย) สำหรับหลุมศพนี้ ภาพลักษณ์ของโมเสสเป็นหนึ่งในผลงานที่แข็งแกร่งที่สุดในผลงานของอาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่ เขาลงทุนในความฝันของผู้นำที่ฉลาดและกล้าหาญ เต็มไปด้วยความแข็งแกร่ง การแสดงออก ความมุ่งมั่น ซึ่งจำเป็นมากสำหรับการรวมชาติมาตุภูมิของเขา ร่างของทาสไม่รวมอยู่ในหลุมฝังศพรุ่นสุดท้าย

ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1520 ถึงปี ค.ศ. 1534 มีเกลันเจโลกำลังทำงานเกี่ยวกับงานประติมากรรมที่สำคัญและน่าเศร้าที่สุดงานหนึ่ง - บนหลุมฝังศพของเมดิชิ (โบสถ์ฟลอเรนซ์แห่งซานลอเรนโซ) ซึ่งแสดงประสบการณ์ทั้งหมดที่ตกหล่นในช่วงเวลานี้กับอาจารย์จำนวนมาก ตัวเองและบ้านเกิดของเขาและคนทั้งประเทศ นับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1920 อิตาลีถูกศัตรูทั้งภายนอกและภายในฉีกออกจากกันอย่างแท้จริง ในปี ค.ศ. 1527 ทหารจ้างงานกรุงโรม โปรเตสแตนต์ได้ปล้นศาลเจ้าคาทอลิกของเมืองนิรันดร์ ชนชั้นนายทุนชาวฟลอเรนซ์โค่นล้มเมดิชิซึ่งปกครองอีกครั้งตั้งแต่ปี ค.ศ. 1510

ในอารมณ์ของการมองโลกในแง่ร้ายอย่างร้ายแรง ในสถานะของศาสนาที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ไมเคิลแองเจโลกำลังทำงานบนหลุมฝังศพของเมดิชิ ตัวเขาเองสร้างส่วนต่อขยายไปยังโบสถ์ฟลอเรนซ์ของซานลอเรนโซ ซึ่งเป็นห้องเล็กๆ แต่สูงมาก ปกคลุมด้วยโดม และตกแต่งผนังทั้งสองของโบสถ์ (ภายใน) ด้วยศิลาจารึกหลุมฝังศพ ผนังด้านหนึ่งตกแต่งด้วยร่างของลอเรนโซ ตรงกันข้าม - จิอูลิอาโน และวางโลงศพที่เท้าด้านล่าง ตกแต่งด้วยรูปปั้นเชิงเปรียบเทียบ - สัญลักษณ์ของเวลาที่หายวับไป: "เช้า" และ "เย็น" - ในหลุมศพของ Lorenzo "คืนและวัน" - ในหลุมศพของ Giuliano

ทั้งสองภาพ - Lorenzo และ Giuliano - ไม่มีภาพเหมือนซึ่งแตกต่างจากการตัดสินใจแบบดั้งเดิมของศตวรรษที่ 15

ทันทีหลังจากการเลือกตั้ง Paul III เริ่มเรียกร้องให้มีเกลันเจโลทำแผนนี้สำเร็จและในปี ค.ศ. 1534 งานในหลุมฝังศพซึ่งเขาสร้างเสร็จในปี ค.ศ. 1545 เท่านั้นมีเกลันเจโลออกจากกรุงโรมซึ่งเขาเริ่มทำงานที่สองใน Sistine โบสถ์ - เพื่อวาดภาพ "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" (1535-1541) - การสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่แสดงถึงโศกนาฏกรรมของเผ่าพันธุ์มนุษย์ ลักษณะของระบบศิลปะใหม่แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนยิ่งขึ้นในงานนี้โดย Michelangelo การพิพากษาอย่างสร้างสรรค์ คือ พระคริสต์ผู้ถูกลงโทษ ถูกวางไว้ตรงกลางขององค์ประกอบ และรอบๆ ตัวมันเอง ในลักษณะเป็นวงกลมแบบหมุนเวียน คนบาปถูกพรรณนาว่าตกลงไปในนรก ผู้ชอบธรรมขึ้นสู่สรวงสวรรค์ คนตายที่ฟื้นจากหลุมศพเพื่อรอการพิพากษาของพระเจ้า ทุกอย่างเต็มไปด้วยความสยดสยอง ความสิ้นหวัง ความโกรธ ความสับสน

จิตรกร ประติมากร กวี มีเกลันเจโลเป็นสถาปนิกที่เก่งกาจเช่นกัน เขาดำเนินการบันไดของห้องสมุดฟลอเรนซ์ของ Laurenziana ซึ่งล้อมรอบจัตุรัส Capitol ในกรุงโรม สร้างประตูของ Pius (Porta Pia) ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1546 เขาทำงานที่มหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ เริ่มโดย Bramante มีเกลันเจโลเป็นเจ้าของภาพวาดและภาพวาดของโดม ซึ่งถูกประหารชีวิตหลังจากนายท่านเสียชีวิต และยังคงเป็นหนึ่งในผู้มีอิทธิพลหลักในภาพพาโนรามาของเมือง

ไมเคิลแองเจโลเสียชีวิตในกรุงโรมเมื่ออายุได้ 89 ปี ร่างของเขาถูกนำออกไปในตอนกลางคืนไปยังฟลอเรนซ์และถูกฝังในโบสถ์ที่เก่าแก่ที่สุดในเมืองซานตาโครเชซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของงานศิลปะของมีเกลันเจโล ผลกระทบที่มีต่อร่วมสมัยและยุคต่อๆ มาแทบจะประเมินค่าสูงไปไม่ได้ นักวิจัยต่างชาติบางคนตีความเขาเป็นศิลปินและสถาปนิกคนแรกของยุคบาโรก แต่ที่สำคัญที่สุด เขาเป็นคนที่น่าสนใจในฐานะผู้ถือประเพณีที่ยิ่งใหญ่ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

George Barbarelli da Castelfranco หรือชื่อเล่นว่า Giorgione (1477-1510) เป็นสาวกโดยตรงของครูของเขาและเป็นศิลปินทั่วไปของ High Renaissance เขาเป็นคนแรกในดินแดนเวนิสที่หันไปใช้ธีมวรรณกรรม เป็นเรื่องในตำนาน ภูมิทัศน์ ธรรมชาติ และร่างกายมนุษย์ที่เปลือยเปล่าที่สวยงามได้กลายเป็นวัตถุแห่งศิลปะและวัตถุบูชาสำหรับเขา

ในงานแรกที่เป็นที่รู้จัก "The Madonna of Castelfranco" (ประมาณ 1505) Giorgione ปรากฏเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง ภาพของมาดอนน่าเต็มไปด้วยกวีนิพนธ์ ความเพ้อฝัน เต็มไปด้วยอารมณ์แห่งความเศร้าซึ่งเป็นลักษณะของภาพผู้หญิงทั้งหมดของจอร์โจเน ในช่วงห้าปีที่ผ่านมาในชีวิตของเขา ศิลปินได้สร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขา โดยใช้เทคนิคการใช้น้ำมัน ซึ่งเป็นงานหลักในโรงเรียนเวนิสในขณะนั้น . ในภาพวาดปี 1506 "พายุฝนฟ้าคะนอง" Giorgione แสดงให้เห็นว่ามนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ ผู้หญิงที่เลี้ยงลูก ชายหนุ่มที่มีไม้เท้า (ซึ่งอาจถูกเข้าใจผิดว่าเป็นนักรบที่มีง้าว) ไม่ได้ถูกรวมเป็นหนึ่งด้วยการกระทำใดๆ แต่รวมกันในภูมิประเทศที่สง่างามนี้ด้วยอารมณ์ร่วม สภาพจิตใจร่วมกัน จิตวิญญาณและบทกวีแทรกซึมภาพของ "ดาวศุกร์หลับใหล" (ประมาณ 1508-1510) ร่างกายของเธอเขียนได้ง่าย อิสระ และสง่างาม และไม่ใช่เพื่ออะไรที่นักวิจัยพูดถึง "ความไพเราะ" ของจังหวะของจอร์โจเน ย่อมไม่ไร้ซึ่งเสน่ห์ทางราคะ "คอนเสิร์ตคันทรี่" (1508-1510)

Titian Vecellio (1477-1576) - ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Venetian Renaissance เขาสร้างสรรค์ผลงานทั้งในเรื่องในตำนานและศาสนาคริสต์ ทำงานในประเภทภาพเหมือน พรสวรรค์ด้านสีของเขานั้นยอดเยี่ยม การสร้างสรรค์องค์ประกอบนั้นไม่สิ้นสุด และอายุยืนยาวอย่างมีความสุขของเขาทำให้เขาได้ทิ้งมรดกทางความคิดสร้างสรรค์มากมายไว้เบื้องหลังซึ่งส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อลูกหลาน

ในปี ค.ศ. 1516 เขาได้กลายเป็นจิตรกรคนแรกของสาธารณรัฐตั้งแต่ยุค 20 - ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของเวนิส

ราวปี ค.ศ. 1520 ดยุกแห่งเฟอร์ราราได้มอบหมายงานจิตรกรรมชุดหนึ่งให้แก่ทิเชียน ซึ่งทิเชียนปรากฏตัวในฐานะนักร้องแห่งยุคโบราณที่สัมผัสได้ถึงความรู้สึก และที่สำคัญที่สุดคือรวบรวมจิตวิญญาณแห่งลัทธินอกศาสนา (บัคชานัล งานเลี้ยงของวีนัส บัคคัส และอาเรียดเน)

ขุนนางชาวเวนิสผู้มั่งคั่งสั่งแท่นบูชาทิเชียน และเขาสร้างไอคอนขนาดใหญ่: "เสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของแมรี่", "มาดอนน่า เปซาโร"

"การเข้าสู่พระแม่มารีย์ในวัด" (ประมาณ 1538), "วีนัส" (ประมาณ 1538)

(ภาพกลุ่มของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 กับหลานชาย Ottavio และ Alexander Farnese, 1545-1546)

เขายังคงเขียนเรื่องโบราณมากมาย ("Venus and Adonis", "The Shepherd and the Nymph", "Diana and Actaeon", "Jupiter and Antiope") แต่บ่อยครั้งที่เขาหันไปใช้ธีมคริสเตียนเป็นฉากของ การพลีชีพซึ่งความร่าเริงของคนนอกศาสนาความกลมกลืนแบบโบราณถูกแทนที่ด้วยมุมมองโลกทัศน์ที่น่าเศร้า (“ Flagellation of Christ”, “ Penitent Mary Magdalene”, “ St. Sebastian”, “Lamentation”),

แต่ในตอนปลายศตวรรษนี้ ลักษณะของศิลปะยุคใหม่ที่กำลังใกล้เข้ามา ซึ่งเป็นทิศทางของศิลปะใหม่นั้นชัดเจนอยู่แล้ว ดังจะเห็นได้จากผลงานของศิลปินหลักสองคนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษนี้ - Paolo Veronese และ Jacopo Tintoretto

Paolo Cagliari ชื่อเล่น Veronese (เขามาจาก Verona, 1528-1588) ถูกกำหนดให้เป็นนักร้องคนสุดท้ายของงานรื่นเริงที่เวนิสแห่งศตวรรษที่ 16

: "งานเลี้ยงในราชวงศ์เลวี" "การแต่งงานในคานาแห่งกาลิลี" สำหรับโรงอาหารของอาราม San George Maggiore

Jacopo Robusti เป็นที่รู้จักในงานศิลปะว่า Tintoretto (1518-1594) (ผู้ย้อม "tintoretto": พ่อของศิลปินเป็นช่างย้อมไหม) "ปาฏิหาริย์ของนักบุญมาระโก" (1548)

(“ความรอดของ Arsinoe”, 1555), “ทางเข้าพระวิหาร” (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro ใน Piombino, Villa Rotonda ใน Vicenza เสร็จสิ้นหลังจากการตายของเขาโดยนักเรียนตามโครงการของเขา อาคารหลายหลังใน Vicenza) ผลจากการศึกษาสมัยโบราณของเขาคือหนังสือ "Roman Antiquities" (1554), "Four Books on Architecture" (1570-1581) แต่สมัยโบราณเป็น "สิ่งมีชีวิต" สำหรับเขา ตามข้อสังเกตที่ยุติธรรมของผู้วิจัย

ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเนเธอร์แลนด์เริ่มต้นด้วย "Ghent Altarpiece" โดยพี่น้อง Hubert (เสียชีวิต 1426) และ Jan (ประมาณ 1390-1441) van Eyck สร้างเสร็จโดย Jan van Eyck ในปี 1432 Van Eyck ปรับปรุงเทคนิคการใช้น้ำมัน: น้ำมันทำให้เป็นไปได้ เพื่อถ่ายทอดความฉลาด ความลึก ความสมบูรณ์ของโลกแห่งวัตถุประสงค์ ดึงดูดความสนใจของศิลปินชาวดัตช์ สีสันอันไพเราะ

ในบรรดาพระแม่มารีของ Jan van Eyck ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Madonna of Chancellor Rollin (ประมาณ 1435)

("Man with a Carnation"; "Man in a Turban", 1433; ภาพเหมือนของภรรยาของศิลปิน Marguerite van Eyck, 1439

ในการแก้ปัญหาดังกล่าว ศิลปะดัตช์เป็นหนี้บุญคุณของ Rogier van der Weyden (1400?-1464) อย่างมาก การสืบเชื้อสายมาจากไม้กางเขนเป็นงานทั่วไปของ Weyden

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบห้า กล่าวถึงผลงานของอาจารย์ผู้มีความสามารถพิเศษ Hugo van der Goes (ประมาณ 1435-1482) "The Death of Mary")

Hieronymus Bosch (1450-1516) ผู้สร้างนิมิตลึกลับที่มืดมนซึ่งเขายังอ้างถึงสัญลักษณ์เปรียบเทียบยุคกลาง "The Garden of Delights"

จุดสุดยอดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์คืองานของปีเตอร์บรูเกลผู้เฒ่าอย่างไม่ต้องสงสัย Muzhitsky (1525 / 30-1569) (“ ครัวผอม”, “ครัวแห่งไขมัน”), “ ภูมิทัศน์ฤดูหนาว” จากวงจร “ The Seasons” (ชื่ออื่น - "Hunters in the Snow", 1565), "Battle of Carnival and Lent" (1559)

อัลเบรทช์ ดูเรอร์ (1471-1528)

"งานเลี้ยงลูกประคำ" (อีกชื่อหนึ่งคือ "มาดอนน่ากับลูกประคำ", 1506), "นักขี่ม้า ความตายและปีศาจ", 1513; "เซนต์. เจอโรม" และ "เศร้าโศก"

Hans Holbein the Younger (1497-1543), "The Triumph of Death" ("Dance of Death") ภาพเหมือนของ Jane Seymour, 1536

อัลเบรทช์ อัลท์ดอร์เฟอร์ (1480-1538)

เรเนซองส์ ลูคัส ครานัค (1472-1553)

ฌอง ฟูเกต์ (ราว ค.ศ. 1420-1481) ภาพเหมือนของชาร์ลส์ที่ 7

Jean Clouet (ประมาณ 1485 / 88-1541) ลูกชายของ Francois Clouet (ประมาณ 1516-1572) เป็นศิลปินชาวฝรั่งเศสที่สำคัญที่สุดของศตวรรษที่ 16 ภาพเหมือนของเอลิซาเบธแห่งออสเตรีย ราวปี ค.ศ. 1571 (ภาพเหมือนของเฮนรีที่ 2 แมรี สจวร์ต ฯลฯ)