วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ - Galati, Levik ที

(ประมาณการ: 3 , ค่าเฉลี่ย: 3,67 จาก 5)

Title: วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ

เกี่ยวกับหนังสือ "วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ" I. A. Prokhorov

หนังสือเรียนชื่อ "Musical Literature of Foreign Countries" เรียบเรียงโดย I. Prokhorova จัดทำขึ้นเพื่อการศึกษาค้นคว้าอิสระ สิ่งนี้อธิบายถึงความกระชับและความสามารถในการเข้าถึงของการนำเสนอเนื้อหา

หนังสือ "Musical Literature of Foreign Countries" จะทำให้นักเรียนคุ้นเคยกับชีวประวัติสั้น ๆ และผลงานที่ดีที่สุดของนักประพันธ์ที่มีชื่อเสียง เด็ก ๆ จะสามารถเรียนรู้เกี่ยวกับชีวิตและการทำงานของอัจฉริยะเช่น I.S. บาคเจ. Mozart, L. Beethoven, F.Schubert และ F.Chopin I. Prokhorova ไม่ได้อธิบายรายละเอียดเกี่ยวกับเรื่องราวของนักประพันธ์ที่มีความสามารถมากเกินไปในตำราเรียนคุณจะพบวันที่หลักของชีวิตต้นกำเนิดชื่อเรื่องและชื่อสาขากิจกรรมเงื่อนไขที่มีอิทธิพลต่อการเลือกอาชีพ หนังสือเล่มนี้จะบอกเกี่ยวกับขั้นตอนหลักของชีวิตและการทำงานของนักดนตรีมุมมองทางสังคมและการเมืองของพวกเขา

สิ่งพิมพ์ "Musical Literature of Foreign Countries" มีไว้สำหรับนักเรียนโรงเรียนดนตรีอย่างไรก็ตามทุกคนที่ไม่สนใจผลงานคลาสสิกจะพบสิ่งที่น่าสนใจในหนังสือเล่มนี้ I. ข้อความของ Prokhorova เต็มไปด้วยคำอธิบายเกี่ยวกับแนวดนตรีและดนตรีพิเศษบางอย่างซึ่งทำให้มีความเป็นวิชาการน้อยลง ส่วนที่อธิบายชีวิตของนักดนตรีนั้นนำเสนอในบริบทของชีวิตทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของประเทศในยุโรปในยุคนั้น สิ่งนี้เปิดโอกาสให้นักเรียนได้รับความเข้าใจที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นเกี่ยวกับเงื่อนไขที่นักแต่งเพลงในตำนานอาศัยและทำงาน

เนื่องจากหนังสือ "Musical Literature of Foreign Countries" มีไว้สำหรับการอ่านที่บ้านงานไพเราะทั้งหมดที่นำเสนอในหนังสือเล่มนี้จะจัดเรียงแบบสี่มือ เป็นที่น่าสังเกตว่าเรื่องราวเกี่ยวกับผลงานของ Bach ซึ่งตามโปรแกรมได้รับการศึกษาในช่วงปลายปีจะถูกโพสต์ไว้ที่จุดเริ่มต้น ผู้เขียนทำตามขั้นตอนดังกล่าวเพื่อรักษาลำดับเหตุการณ์ของการนำเสนอ

ผู้เขียนหนังสือเล่มนี้มั่นใจว่าการใช้หนังสือเรียนเป็นประจำจะปลุกให้นักเรียนมีความคุ้นเคยกับวรรณกรรมดนตรีที่เป็นที่นิยมและเป็นวิทยาศาสตร์ นอกจากนี้เด็ก ๆ จะสามารถพัฒนาและเสริมสร้างทักษะการอ่านสายตาของพวกเขารวมทั้งคุ้นเคยกับการแสดงในสี่มือ
การเรียนรู้ชิ้นงานที่มีชื่อเสียงด้วยตัวคุณเองจะช่วยให้คุณสามารถแสดงได้ในระหว่างบทเรียนต่อหน้าเด็กคนอื่น ๆ ซึ่งจะทำให้การเรียนเป็นกลุ่มมีความกระตือรือร้นมากขึ้นและปรับปรุงการรับรู้ดนตรีคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ

ในเว็บไซต์ของเราเกี่ยวกับหนังสือ lifeinbooks.net คุณสามารถดาวน์โหลดได้ฟรีโดยไม่ต้องลงทะเบียนหรืออ่านหนังสือออนไลน์ "Musical Literature of Foreign Countries" โดย I. A. Prokhorov ในรูปแบบ epub, fb2, txt, rtf, pdf สำหรับ iPad, iPhone, Android และ Kindle หนังสือเล่มนี้จะทำให้คุณมีช่วงเวลาที่น่ารื่นรมย์และมีความสุขจากการอ่านอย่างแท้จริง คุณสามารถซื้อเวอร์ชันเต็มได้จากพันธมิตรของเรา นอกจากนี้ที่นี่คุณจะได้พบกับข่าวสารล่าสุดจากโลกวรรณกรรมค้นหาชีวประวัติของนักเขียนคนโปรดของคุณ สำหรับนักเขียนมือใหม่มีส่วนแยกต่างหากพร้อมคำแนะนำและเคล็ดลับที่เป็นประโยชน์บทความที่น่าสนใจซึ่งคุณสามารถลองใช้ทักษะด้านวรรณกรรมได้เอง

จากผู้รับเหมา
หนังสือเล่มนี้เป็นตำราเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ที่เริ่มต้นในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 หนังสือเรียนดังกล่าวปรากฏเป็นครั้งแรก: ฉบับที่ห้าจบลงอย่างที่คุณทราบผลงานของ K. Debussy และ M. Ravel
หนังสือรวมถึงลักษณะของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติต่างๆซึ่งกำหนดโครงสร้างโดยรวม ส่วนแรกให้รายละเอียดของกระบวนการทั่วไปที่ได้รับการดำเนินการในรูปแบบของพวกเขาเองในศิลปะดนตรีของประเทศต่างๆและในผลงานของนักประพันธ์เพลงของบุคคลต่างๆ แต่ละส่วนที่ตามมาประกอบด้วยภาพรวมของวัฒนธรรมดนตรีของประเทศที่กำหนดตลอดจนส่วนที่เป็นเนื้อหาเดียวที่อุทิศให้กับผลงานของนักประพันธ์เพลงที่สำคัญที่สุดของโรงเรียนนี้ เฉพาะส่วนที่อุทิศให้กับงานของ I. Stravinsky เท่านั้นที่แตกต่างกันในโครงสร้าง: ไม่มีบทวิจารณ์เบื้องต้น และนี่เป็นเรื่องที่เข้าใจได้: หลังจากใช้ชีวิตส่วนใหญ่นอกรัสเซียเนื่องจากสถานการณ์พิเศษสตราวินสกี้ยังคงเป็นอาจารย์ชาวรัสเซียและไม่ได้อยู่ในโรงเรียนต่างประเทศใด ๆ อิทธิพลที่ชัดเจนของหลักการสร้างสรรค์ของเขาที่มีต่อนักดนตรีชั้นนำเกือบทั้งหมดในศตวรรษของเราไม่อนุญาตให้สตราวินสกี้ถูกลบออกจากภาพรวมของการพัฒนาศิลปะดนตรีในศตวรรษที่ 20 การรวมบทนี้ไว้ในหนังสือเรียนเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีต่างประเทศยังเป็นผลมาจากลักษณะเฉพาะของหลักสูตรที่โรงเรียนเมื่อเรียนดนตรีต่างประเทศในศตวรรษที่ 20 นักเรียนจะไม่คุ้นเคยกับบุคลิกภาพหรือ เพลงของ I.Stravinsky พวกเขาจะหันมาที่หน้านี้ของศิลปะดนตรีในตอนท้ายของปีที่สี่ซึ่งจะพิจารณาเฉพาะช่วงเวลาแรกของงานของนักแต่งเพลงของรัสเซียเท่านั้น

ความสนใจของผู้รวบรวมและผู้เขียนหนังสือเรียนมุ่งเน้นไปที่การแสดงกระบวนการทางดนตรีและประวัติศาสตร์ทั่วไปของช่วงเวลาที่พิจารณาและการวิเคราะห์ผลงานที่โดดเด่นที่สุดซึ่งกลายเป็นงานคลาสสิกในศตวรรษของเรา ในมุมมองของความซับซ้อนที่โดดเด่นของเหตุการณ์ทางศิลปะดนตรีในศตวรรษที่ 20 ความไม่ลงรอยกันทางแยกและการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วบททบทวนจึงมีพื้นที่ที่ใหญ่กว่าในหนังสือเล่มนี้มากกว่าในฉบับก่อน ๆ อย่างไรก็ตามตามหลักการระเบียบวิธีของเรื่องผู้รวบรวมพยายามที่จะให้การวิเคราะห์งานดนตรีเป็นศูนย์กลางของความสนใจซึ่งในกรณีนี้ได้รับการออกแบบมาเพื่อเปิดเผยความหลากหลายของวิธีการสร้างสรรค์วิธีคิดวิธีแก้ปัญหาโวหารที่แตกต่างกันและ ความหลากหลายของเทคนิคการแต่งเพลงของปรมาจารย์ในศตวรรษของเรา

ในมุมมองของความจริงที่ว่าหนังสือเล่มนี้ให้ภาพพาโนรามาของศิลปะดนตรีการวิเคราะห์ในหลาย ๆ กรณีมีความซับซ้อนมาก (ซึ่งส่วนใหญ่กำหนดโดยเนื้อหาเอง) ผู้รวบรวมคิดว่าเป็นไปได้ที่จะกล่าวถึงตำรานี้แก่นักเรียนที่ไม่เพียง แต่ยังรวมถึงหน่วยงานทางทฤษฎีของโรงเรียนดนตรีด้วย เนื้อหาของหนังสือช่วยให้สามารถเลือกแนวทางในกระบวนการศึกษาได้ ความลึกและรายละเอียดของการศึกษาบทจะถูกกำหนดโดยครูเองขึ้นอยู่กับระดับความพร้อมของนักเรียนอุปกรณ์วัสดุของกระบวนการศึกษาพร้อมโน้ตและการบันทึกเพลงและจำนวนชั่วโมงที่จัดสรรโดยหลักสูตรสำหรับส่วนนี้ แน่นอน.
ผู้เขียนกลุ่มใหญ่ได้ทำงานเกี่ยวกับหนังสือเล่มนี้ ดังนั้น - ความหลีกเลี่ยงไม่ได้ของวิธีการนำเสนอเนื้อหาที่แตกต่างกัน ในเวลาเดียวกันในแนวทางนี้คอมไพเลอร์พยายามที่จะรักษาหลักการระเบียบวิธีที่เหมือนกัน

เนื้อหา
จากคอมไพเลอร์
วิธีการพัฒนาศิลปะดนตรีต่างประเทศในศตวรรษที่ XX
วัฒนธรรมดนตรีของออสเตรีย
GUSTAV MALER
ความคิดสร้างสรรค์ของแกนนำ "เพลงเด็กฝึกหัดพเนจร"
ความคิดสร้างสรรค์ที่ไพเราะ ซิมโฟนีแรก
อาร์โนลด์เชนเบิร์ก
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
"ผู้รอดชีวิตจากกรุงวอร์ซอ"
อัลแบนเบิร์ก
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
ละครเพลงเรื่อง Wozzeck
คอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา
แอนตันเว็บเบิร์น
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
วัฒนธรรมดนตรีในเยอรมนี
กลยุทธ์ที่อุดมไปด้วย
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
ความคิดสร้างสรรค์ที่ไพเราะ บทกวีไพเราะ "Don Juan" และ "Till Ulenspiegel"
คำสารภาพของ PAUL
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
ความคิดสร้างสรรค์ที่ไพเราะ ซิมโฟนี "Artist Mathis"
คาร์ลออร์ฟ
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
ประเภทหลักของงานของ Karl Orff และคุณลักษณะต่างๆ
Opera "Clever Girl"
“ คาร์มิน่าบูรณะ”
IGOR STRAVINSKY
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
“ ซิมโฟนีสดุดี”
โอเปร่า "Oedipus the King"
วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส
ARTHUR ONEGGER
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
ความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละครและการพูด Oratorio "Jeanne d" Arc ที่เสาเข็ม "
ความคิดสร้างสรรค์ที่ไพเราะ ซิมโฟนีที่สาม ("Liturgical")
ดาริอุสมิลโล
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
การเปล่งเสียงและการบรรเลงความคิดสร้างสรรค์ “ ปราสาทไฟ”
ฟรานซิสดึง
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
Opera "เสียงมนุษย์"
วัฒนธรรมดนตรีของสเปน
MANUEL DE FALLA
ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์
บัลเล่ต์ "มนต์รักนางรำ"
Opera "ชีวิตสั้น"

ห้องสมุดดนตรีเราดีใจที่คุณพบและดาวน์โหลดเนื้อหาที่คุณสนใจในคลังเพลงของเรา ห้องสมุดมีการอัปเดตผลงานและวัสดุใหม่ ๆ อย่างต่อเนื่องและในครั้งต่อไปคุณจะพบสิ่งใหม่และน่าสนใจสำหรับคุณแน่นอน ห้องสมุดโครงการจะเสร็จสมบูรณ์ตามหลักสูตรเช่นเดียวกับสื่อที่แนะนำสำหรับการสอนและการขยายขอบเขตอันไกลโพ้นของนักเรียน ทั้งนักเรียนและครูจะพบข้อมูลที่เป็นประโยชน์ที่นี่ ห้องสมุดยังมีวรรณกรรมเกี่ยวกับระเบียบวิธี สัตว์เลี้ยงของเรานักแต่งเพลงและนักแสดงศิลปินร่วมสมัยที่นี่คุณจะได้พบกับชีวประวัติของศิลปินนักแต่งเพลงนักดนตรีที่มีชื่อเสียงและผลงานของพวกเขา ในส่วนของงานเราโพสต์บันทึกการแสดงที่จะช่วยคุณในการเรียนรู้คุณจะได้ยินว่างานนี้เสียงสำเนียงและความแตกต่างของงานเป็นอย่างไร เรากำลังรอคุณอยู่ที่ classON.ru V.N Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Frederic Chopin 1810 - 1949 การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียเกี่ยวกับเธอ เริ่มมีมากขึ้นเรื่อย ๆ ตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ X ศิลปกรรมกำลังพัฒนาและศิลปินแสดงให้เห็นถึงนักดนตรีที่ประกอบพิธีกรรมทางศาสนาการรณรงค์ทางทหารการล่าสัตว์ขบวนแห่ที่เคร่งขรึมและการเต้นรำด้วยการร้องเพลงและการเล่นเครื่องดนตรี ภาพดังกล่าวได้รับการเก็บรักษาไว้โดยเฉพาะบนผนังของวัดและแจกันเซรามิกที่พบในระหว่างการขุดค้น การเขียนปรากฏขึ้น - และผู้เขียนต้นฉบับได้แนะนำข้อความที่เป็นบทกวีของเพลงและเพลงสวดเข้ามาและให้ข้อมูลที่น่าสนใจเกี่ยวกับชีวิตทางดนตรี เมื่อเวลาผ่านไปนักเขียนให้ความสนใจเป็นอย่างมากกับการอภิปรายเชิงปรัชญาเกี่ยวกับดนตรีเกี่ยวกับสังคมที่สำคัญรวมถึงบทบาททางการศึกษาตลอดจนการศึกษาเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับองค์ประกอบของภาษา ข้อมูลดังกล่าวส่วนใหญ่ได้รับการเก็บรักษาเกี่ยวกับดนตรีในบางประเทศของโลกโบราณเช่นในจีนโบราณอินเดียโบราณอียิปต์โบราณโดยเฉพาะอย่างยิ่งในประเทศที่เรียกว่ากรีกโบราณและโรมโบราณซึ่งเป็นฐานรากของยุโรป วางวัฒนธรรม 2. บทนำเพลงตั้งแต่สมัยโบราณจนถึง JS Bach พวกที่รัก! ปีที่แล้วคุณได้เรียนวรรณกรรมดนตรีแล้ว พวกเขาพูดคุยเกี่ยวกับองค์ประกอบพื้นฐานของภาษาดนตรีเกี่ยวกับรูปแบบและแนวดนตรีบางอย่างเกี่ยวกับความเป็นไปได้ที่แสดงออกและเป็นภาพของดนตรีเกี่ยวกับวงออเคสตรา ในเวลาเดียวกันการสนทนาได้ดำเนินการอย่างอิสระเกี่ยวกับยุคที่แตกต่างกันมากที่สุด - ตอนนี้เกี่ยวกับสมัยโบราณตอนนี้เกี่ยวกับความทันสมัยจากนั้นก็กลับมาห่างไกลจากเราน้อยลงหรือมากขึ้น และตอนนี้ก็ถึงเวลาทำความคุ้นเคยกับวรรณกรรมดนตรีตามลำดับเวลา - ประวัติศาสตร์ - ลำดับ 1 เกี่ยวกับดนตรีในกรีกโบราณข้อมูลเกี่ยวกับดนตรีของโลกโบราณมาหาเราได้อย่างไรการพิสูจน์ที่น่าเชื่อถือถึงบทบาททางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่ของสมัยโบราณคือความจริงที่ว่าในกรีกโบราณในศตวรรษที่ 8 กีฬาสาธารณะถือกำเนิด - โอลิมปิก เกม. และสองศตวรรษต่อมาการแข่งขันดนตรีก็เริ่มจัดขึ้นที่นั่น - Pythian Games ซึ่งถือได้ว่าเป็นบรรพบุรุษที่ห่างไกลของการแข่งขันสมัยใหม่ Pythian Games จัดขึ้นที่วัดซึ่งสร้างขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่นักบุญอุปถัมภ์ของศิลปะเทพเจ้าแห่งดวงอาทิตย์และอพอลโลแห่งแสงสว่าง ตามตำนานเล่าว่าเขาได้เอาชนะงูหลามยักษ์ตัวมหึมาได้ก่อตั้งเกมเหล่านี้ขึ้นด้วยตัวเอง เป็นที่ทราบกันดีว่าครั้งหนึ่ง Saccadus จาก Argos ได้รับชัยชนะกับพวกเขาการเล่นบน aulos ซึ่งเป็นเครื่องเป่าลมใกล้กับ oboe ซึ่งเป็นชิ้นส่วนของโปรแกรมเกี่ยวกับการต่อสู้ของ Apollo กับ Python ดนตรีกรีกโบราณมีลักษณะที่เชื่อมโยงกับบทกวีการเต้นรำ และโรงละคร บทกวีมหากาพย์ที่กล้าหาญ "อีเลียด" และ "โอดิสซีย์" ซึ่งเป็นของกวีในตำนานโฮเมอร์คือนาราสแปฟ นักร้องมักจะเป็นเหมือน Orpheus ในตำนานผู้แต่งทั้งข้อความและดนตรีที่เป็นบทกวีและพวกเขาก็ร่วมพิณด้วยตัวเอง ในงานเฉลิมฉลองมีการแสดงเพลงเต้นรำประสานเสียงพร้อมท่าทางโขน ในโศกนาฏกรรมและละครตลกของกรีกโบราณผู้ขับร้องมีบทบาทสำคัญมาก: เขาแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับการกระทำดังกล่าวแสดงทัศนคติของเขาต่อการขุดค้นที่ผ่านมา ดังนั้นศิลปะดนตรีจึงมีอยู่แล้ว หลังจากหีบเสียงซึ่งเป็นอุปกรณ์เครื่องแรกสำหรับการบันทึกเสียงเชิงกลและการสร้างเสียงถูกประดิษฐ์ขึ้นในปี พ.ศ. 2420 นักดนตรีวิจัยก็เริ่มเดินทางไปยังส่วนต่างๆของโลกซึ่งบางเผ่ายังคงรักษาวิถีชีวิตแบบดั้งเดิมไว้ จากตัวแทนของชนเผ่าดังกล่าวด้วยความช่วยเหลือของหีบเสียงพวกเขาบันทึกตัวอย่างการร้องเพลงและเพลงบรรเลง แต่แน่นอนว่าการบันทึกเสียงดังกล่าวให้ข้อมูลคร่าวๆว่าดนตรีในยุคนั้นเป็นอย่างไร คำว่า "ลำดับเหตุการณ์" (หมายถึง "ลำดับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ในเวลา") มาจากคำภาษากรีกสองคำคือ "chronos" ("เวลา") และ "โลโก้" ("การสอน") 1 คำภาษาละติน "antiguus" หมายถึง "โบราณ" มาจากคำจำกัดความ "โบราณ" หมายถึงประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของกรีกโบราณและโรมโบราณ 2 2 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียต่อการกระทำของวีรบุรุษ นักดนตรีร่วมสมัยมีความรู้เกี่ยวกับดนตรีในโลกยุคโบราณและยังคงอิจฉานักประวัติศาสตร์ของศิลปะอื่น ๆ สำหรับอนุสรณ์สถานอันงดงามของสถาปัตยกรรมโบราณจำนวนมากศิลปกรรมโบราณโดยเฉพาะประติมากรรมได้รอดชีวิตมาได้มีการค้นพบต้นฉบับจำนวนมากพร้อมกับตำราโศกนาฏกรรมและคอเมดี้ของนักเขียนบทละครในสมัยโบราณผู้ยิ่งใหญ่ แต่ผลงานดนตรีที่สร้างขึ้นในยุคเดียวกันและในเวลาต่อมาก็ยังไม่เป็นที่รู้จักสำหรับพวกเรา ทำไมมันถึงเกิดขึ้น? ความจริงก็คือมันกลายเป็นงานที่ยากมากในการคิดค้นระบบสัญกรณ์ดนตรี (สัญกรณ์) ที่แม่นยำและสะดวกเพียงพอซึ่งเป็นสิ่งที่คุณแต่ละคนเชี่ยวชาญเมื่อเพิ่งเริ่มเรียนดนตรี ต้องใช้เวลาหลายศตวรรษในการแก้ไข จริงอยู่ที่ชาวกรีกโบราณประดิษฐ์สัญกรณ์ตัวอักษร พวกเขากำหนดองศาของโหมดดนตรีด้วยตัวอักษรบางตัว แต่ไม่ได้เพิ่มสัญญาณจังหวะ (จากขีดกลาง) เสมอไป ในช่วงกลางของคริสต์ศตวรรษที่ 19 ในที่สุดนักวิทยาศาสตร์ก็เปิดเผยความลับของสัญกรณ์นี้ อย่างไรก็ตามหากพวกเขาสามารถถอดรหัสอัตราส่วนของเสียงในระดับเสียงในต้นฉบับดนตรีกรีกโบราณได้อย่างแน่นอนอัตราส่วนของระยะเวลาจะอยู่ที่ประมาณเท่านั้น ใช่และมีการค้นพบต้นฉบับดังกล่าวน้อยมากและมีบันทึกเกี่ยวกับงานโมโนโฟนิกเพียงไม่กี่ชิ้น (เช่นเพลงสวด) และบ่อยครั้งที่มีการตัดตอนมา ความชัดเจนเพียงพอ ดังนั้นนักดนตรีจึงใช้ไอคอนช่วยเสริมมานานแล้ว ไอคอนเหล่านี้วางอยู่เหนือคำของบทสวดและแสดงเป็นเสียงเดี่ยวหรือกลุ่มเล็ก ๆ พวกเขาไม่ได้ระบุอัตราส่วนที่แน่นอนของเสียงทั้งในระดับเสียงหรือระยะเวลา แต่ด้วยสไตล์ของพวกเขาพวกเขาทำให้นักแสดงนึกถึงทิศทางการเคลื่อนไหวของเมโลดี้ที่รู้จักมันด้วยใจและส่งต่อจากรุ่นหนึ่งไปยังอีกรุ่นหนึ่ง ในประเทศแถบยุโรปตะวันตกและยุโรปกลางเพลงที่จะกล่าวถึงในอนาคตในตำรานี้สัญญาณดังกล่าวเรียกว่าเนฟมาส เนฟมาสถูกใช้ในการบันทึกบทสวดทางศาสนาคาทอลิกโบราณ - บทสวดเกรกอเรียน ชื่อสามัญนี้ได้มาจากชื่อของ Pope Gregory I3 ตามตำนานในตอนท้ายของศตวรรษที่ 6 เขาได้รวบรวมคอลเลกชันหลักของบทสวดแบบโมโนโฟนิกเหล่านี้ ได้รับการออกแบบให้แสดงในระหว่างการรับใช้ในโบสถ์โดยผู้ชายและเด็กผู้ชาย - เดี่ยวและพร้อมเพรียงกันในการขับร้องพวกเขาเขียนด้วยข้อความสวดมนต์เป็นภาษาละติน 4 การบันทึกเพลงเกรกอเรียนที่ผิดเพี้ยนในยุคแรก ๆ ไม่สามารถถอดรหัสได้ แต่ในศตวรรษที่ 11 กุยโดดาเรซโซพระชาวอิตาลี ("จากอาเรซโซ") ได้คิดค้นวิธีการสัญกรณ์แบบใหม่เขาสอนเด็กผู้ชายร้องเพลงในอารามและต้องการให้พวกเขาจดจำบทสวดทางจิตวิญญาณได้ง่ายขึ้นซึ่งบรรทัดนี้สอดคล้องกับ เสียงที่เฉพาะเจาะจงหนึ่งเสียงและด้วยเหตุนี้จึงกำหนดระดับความสูงโดยประมาณของการบันทึกและ Guido ได้เกิดแนวคิดในการวาดเส้นขนานสี่เส้น ("ไม้บรรทัด") พร้อมกันในระยะห่างเดียวกันจากกัน ดังนั้นบรรพบุรุษจึงลุกขึ้นมาเป็นนักดนตรีสมัยใหม่ซึ่งเป็นผืนผ้าใบที่เรียงรายอย่างเคร่งครัดซึ่งทำให้สามารถระบุอัตราส่วนระดับเสียงของเสียงในโทนเสียงและเซมิโทนได้อย่างถูกต้องและในขณะเดียวกันสัญกรณ์ดนตรีก็กลายเป็นภาพที่ชัดเจนมากขึ้นเช่นภาพวาดที่แสดงถึง การเคลื่อนไหวของท่วงทำนองการโค้งงอเสียงที่สอดคล้องกับผู้ปกครอง Guido ทำเครื่องหมายด้วยตัวอักษรละตินต่อมาการออกแบบของพวกเขาก็เริ่มเปลี่ยนไปและในที่สุดก็กลายเป็นสัญญาณที่เรียกว่ากุญแจ “ นั่งลง” บนไม้บรรทัดและระหว่างพวกเขาเมื่อเวลาผ่านไปพวกเขากลายเป็นบันทึกแยกต่างหากซึ่งในตอนแรกหัวของพวกเขามีรูปร่างเป็นสี่เหลี่ยม คำถามและงาน 1. ตามที่นักวิทยาศาสตร์กล่าวว่าเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดถูกสร้างขึ้นเมื่อใด? สิ่งนี้หมายความว่า? 2. หีบเสียงคืออะไรประดิษฐ์ขึ้นเมื่อใดและนักวิจัยเริ่มใช้มันอย่างไร? 3. เกี่ยวกับดนตรีของประเทศใดในโลกโบราณที่มีการเก็บรักษาข้อมูลไว้มากที่สุด? กำหนดบนแผนที่ - รอบทะเลสามประเทศดังกล่าวตั้งอยู่ 4. การแข่งขันดนตรีโบราณ - เกม Pythian เริ่มต้นเมื่อใดและที่ไหน? 5. ดนตรีมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดในกรีกโบราณอย่างไร? 6. ชาวกรีกโบราณประดิษฐ์สัญกรณ์อะไร? มันไม่ถูกต้องอย่างไร? บรรดาศักดิ์ "สมเด็จพระสันตะปาปา" เป็นหน้าที่ของนักบวชที่เป็นหัวหน้าคริสตจักรคาทอลิกในฐานะองค์กรทางจิตวิญญาณระหว่างประเทศ ศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกเป็นหนึ่งในความเชื่อของชาวคริสต์ควบคู่ไปกับนิกายออร์โธดอกซ์และนิกายโปรเตสแตนต์ 4 ชาวโรมันโบราณพูดภาษาละติน หลังจากการล่มสลายของอาณาจักรโรมันในปี 476 ภาษาลาตินก็ค่อยๆไม่ถูกพูดถึง ภาษาโรมานซ์ที่เรียกว่าจากเขามา - อิตาลีฝรั่งเศสสเปนโปรตุเกส 3 สัญกรณ์ที่สะดวกสบายถูกสร้างขึ้นในยุคกลางอย่างไร (จุดเริ่มต้นของช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์นี้ถือเป็นคริสต์ศตวรรษที่ 6) สัญกรณ์ตัวอักษรแทบจะถูกลืมไปแล้ว ไม่ใช่ 3 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียข่าวลือเกี่ยวกับสัญกรณ์รูปแบบใหม่ - เช่นเดียวกับปาฏิหาริย์บางอย่าง - ถึงพระสันตปาปาจอห์นที่ XIX เขาเรียก Guido และร้องเพลงที่ไม่รู้จักจากการบันทึกที่ประดิษฐ์ขึ้น ต่อจากนั้นจำนวนของเส้นขนานก็เปลี่ยนไปหลายครั้งมันเกิดขึ้น - เพิ่มขึ้นเป็นสิบแปด ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 เจ้าหน้าที่ห้าแถว "ชนะ" ในปัจจุบัน นอกจากนี้ยังมีการใช้คีย์ที่แตกต่างกันมากมาย มีเพียงในศตวรรษที่ 19 เท่านั้นที่โน๊ตเสียงแหลมและโน๊ตเบสกลายเป็นสิ่งที่พบได้บ่อยที่สุด หลังจากการประดิษฐ์ Guido d "Aryozzo เป็นเวลานานพวกเขากำลังแก้ปัญหาที่ยากอีกอย่างหนึ่งนั่นคือวิธีปรับปรุงสัญกรณ์เพื่อให้ระบุอัตราส่วนที่แน่นอนของเสียงไม่เพียง แต่ในระดับเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงระยะเวลาด้วยหลังจากนั้นไม่นานพวกเขาก็คิดว่า ของการใช้สัญลักษณ์สัญกรณ์ซึ่งมีรูปร่างแตกต่างกันในตอนแรกกฎเงื่อนไขจำนวนมากถูกเพิ่มเข้ามาในสิ่งนี้ซึ่งทำให้ยากต่อการนำไปใช้ในทางปฏิบัติและในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมามีการพัฒนาสัญกรณ์ที่สะดวกขึ้นทีละน้อยซึ่งตรงกับที่เรา ตอนนี้ยังคงใช้ต่อไปหลังจากการโจมตีของศตวรรษที่ 17 มันได้รับการปรับปรุงเฉพาะในรายละเอียดซึ่งถูกค้นหามานานตอนนี้ดูเหมือนจะเป็นสิ่งที่ง่ายที่สุด: โน้ตทั้งหมดในช่วงเวลาจะเท่ากับสองครึ่งเสมอ - อื่น ๆ ในโครงร่างครึ่งหนึ่งถึงสองในสี่หนึ่งในสี่ถึงสองในแปดและอื่น ๆ แถบเริ่มแยกมาตรการในศตวรรษที่ 16 และลายเซ็นเวลาที่จุดเริ่มต้นของสัญกรณ์ดนตรีเป็นข้อบังคับ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 อย่างไรก็ตามในตอนนั้นไม่เพียง แต่มีต้นฉบับเพลงเท่านั้น แต่ยังมีการพิมพ์เพลงด้วย สำหรับการพิมพ์ดนตรีเริ่มขึ้นไม่นานหลังจากการประดิษฐ์การพิมพ์ - ในปลายศตวรรษที่ 15 ในโลกโบราณและเป็นเวลานานในยุคกลางดนตรีมักเป็นแบบโมโนโฟนิก มีข้อยกเว้นง่ายๆเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ตัวอย่างเช่นนักร้องแสดงเพลงและพากย์เสียง (นั่นคือเล่นพร้อมกัน) โดยเล่นเครื่องดนตรี ในเวลาเดียวกันเสียงและเครื่องดนตรีบางครั้งอาจแยกย้ายกันเล็กน้อยเบี่ยงเบนจากกันและในไม่ช้าก็กลับมาบรรจบกันอีกครั้ง ดังนั้นในสตรีมเสียงโมโนโฟนิก "เกาะ" ของเสียงสองเสียงจึงปรากฏขึ้นและหายไป แต่ในช่วงเปลี่ยนสหัสวรรษที่หนึ่งและสองของยุคของเราโครงสร้างโพลีโฟนิกเริ่มพัฒนาอย่างต่อเนื่องและต่อมาก็กลายเป็นสิ่งที่โดดเด่นในศิลปะดนตรีมืออาชีพ รูปแบบที่ซับซ้อนและยาวนานนี้มุ่งเน้นไปที่สาขาดนตรีของโบสถ์คาทอลิก คดีเริ่มต้นด้วยการประดิษฐ์ (โดยใคร - ไม่ทราบ) วิธีการต่อไปนี้ นักร้องคนหนึ่ง (หรือหลายคน) ร้องเสียงหลัก - ท่วงทำนองที่ไหลช้าๆของบทสวดเกรกอเรียน และเสียงที่สองเคลื่อนที่ขนานกันอย่างเคร่งครัด - เป็นจังหวะเดียวกันตลอดเวลาที่ระยะห่างของคู่แปดหรือหนึ่งในสี่หรือหนึ่งในห้า ตอนนี้สำหรับหูของเรามันฟังดูแย่มาก "ว่างเปล่า" แต่เมื่อพันปีก่อนการร้องเพลงดังก้องภายใต้ซุ้มของโบสถ์วิหารประหลาดใจและดีใจเปิดโอกาสใหม่ ๆ ในการแสดงออกทางดนตรี หลังจากนั้นไม่นานนักดนตรีในคริสตจักรก็เริ่มมองหาวิธีการที่ยืดหยุ่นและหลากหลายมากขึ้นในการแสดงเสียงที่สอง จากนั้นพวกเขาก็เริ่มรวมคะแนนสามสี่เสียงอย่างชำนาญมากขึ้นเรื่อย ๆ บางครั้งก็มีคะแนนเสียงมากขึ้น คำถามและงาน 1. เหตุใดการใช้สัญกรณ์ตัวอักษรจึงไม่สะดวกในทางปฏิบัติ 2. อะไรที่กระตุ้นยุคกลางให้กับนักร้อง? 3. บทสวดเกรกอเรียนคืออะไรและเหตุใดจึงเรียกเช่นนั้น? 4. อธิบายสาระสำคัญของสิ่งประดิษฐ์ของ Guido d'Arozzo 5. อะไรคือปัญหาต่อไปที่ต้องแก้ไขหลังจากการประดิษฐ์ของ Guido 6. ตั้งแต่เมื่อใดที่สัญกรณ์ไม่ได้เปลี่ยนไปอย่างมีนัยสำคัญบทสวดที่กว้างขวางซึ่งมีการแยกแยะเสียงสามและสี่เสียงอย่างชัดเจนอยู่แล้ว ถูกสร้างขึ้นในตอนต้นของ Perotin นักดนตรีในโบสถ์ในศตวรรษที่สิบสามเขาเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะการร้องเพลง - Parisian School of Notre Dame (School of Our Lady) เสียงสวดของ Perotin ดังขึ้นในอาคารแห่งความงดงามที่น่าทึ่งนี่คือ อนุสาวรีย์ที่มีชื่อเสียงของสถาปัตยกรรมโกธิคในยุคกลางบรรยายโดยนักเขียนชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ XIX Victor Hugo ในนวนิยายเรื่อง“ วิหารนอเทรอดาม” วิธีที่พฤกษ์เริ่มพัฒนาในดนตรีนี่คือวิธีที่พฤกษ์เริ่มพัฒนาขึ้นคำนี้แปลจากภาษากรีกคำนี้แปลว่า“ พฤกษ์” แต่พฤกษ์เป็นเพียงพฤกษ์ประเภทหนึ่งที่ได้ยินเสียงที่เท่ากันตั้งแต่สองเสียงขึ้นไปพร้อมกันยิ่งไปกว่านั้นแต่ละคนมีแนวความไพเราะที่เป็นอิสระของตัวเอง ไม่ว่าเสียงหนึ่งจะนำไปสู่เมโลดี้หลักในขณะที่คนอื่น ๆ เป็นผู้อยู่ใต้บังคับบัญชาของมัน (มาพร้อมกับมันประกอบไปด้วย) แล้วมันก็เป็นคำพ้องเสียง - อีกเสียงหนึ่งต้องขอบคุณการปรับปรุงสัญกรณ์ทีละน้อยโดยเฉพาะอย่างยิ่งตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 ต้นฉบับเพลงเริ่มถูกถอดรหัส แม่นยำมากขึ้นเรื่อย ๆ สิ่งนี้ทำให้ไม่เพียง แต่ทำความคุ้นเคยกับข้อมูลเกี่ยวกับวัฒนธรรมดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีในยุคอดีตด้วย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ความสำเร็จของสัญกรณ์จะเกิดขึ้นพร้อมกับจุดเริ่มต้นของการพัฒนาพฤกษ์ซึ่งเป็นขั้นตอนสำคัญในประวัติศาสตร์ของศิลปะดนตรี 4 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียกลายเป็นแนวดนตรีที่สำคัญ Common Mass 5 ประกอบด้วยบทสวดหลักหกบทตามตำราสวดมนต์ภาษาละติน เหล่านี้คือ "Kiriyo eleison" ("พระเจ้ามีเมตตา"), "Gloria" ("Glory"), "Creed" ("I believe"), "Sanctus" ("Holy"), "Benedictus" ("Blessed" ) และ "Agnus Dei" ("ลูกแกะของพระเจ้า") ในขั้นต้นบทสวดเกรกอเรียนจะมีเสียงโมโนโฟนิกในฝูง แต่เมื่อประมาณศตวรรษที่ 15 มวลได้กลายเป็นวัฏจักรของชิ้นส่วนโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน 6 ในขณะเดียวกันการเลียนแบบก็เริ่มถูกนำมาใช้อย่างชำนาญ แปลจากภาษาละติน "imitatio" แปลว่า "เลียนแบบ" ในดนตรีบางครั้งคุณสามารถเลียนแบบเสียงดนตรีพิเศษได้เช่นเสียงนกไนติงเกลเสียงนกกาเหว่าขันเสียงคลื่นทะเล จากนั้นเรียกว่าคำเลียนเสียงคำเลียนเสียงหรือการสร้างภาพเสียง และการเลียนแบบในดนตรีเป็นเทคนิคเมื่อทำนองที่จบลงด้วยเสียงหนึ่งเสียงอีกเสียงหนึ่งอย่างแม่นยำ (หรือไม่ถูกต้อง) จะทำซ้ำจากเสียงอื่น จากนั้นเสียงอื่น ๆ ก็สามารถเข้ามาในลักษณะเดียวกันได้ ในดนตรีโฮโมโฟนิกการเลียนแบบอาจปรากฏขึ้นในช่วงสั้น ๆ และในดนตรีโพลีโฟนิกนี่เป็นหนึ่งในวิธีการหลักในการพัฒนา ช่วยให้การเคลื่อนไหวไพเราะเกือบจะต่อเนื่อง: การหยุดชั่วคราวและจังหวะพร้อมกันในทุกเสียงพบได้ในดนตรีโพลีโฟนิกในรูปแบบของข้อยกเว้นที่หายากเท่านั้น 7. การผสมผสานการเลียนแบบกับเทคนิคโพลีโฟนิกอื่น ๆ นักแต่งเพลงได้สร้างผลงานการร้องประสานเสียงจำนวนมากซึ่งเสียงสี่หรือห้าเสียงจะถูกรวมเข้าด้วยกันเป็นเนื้อผ้าที่ซับซ้อน ในทำนองเพลงของบทสวดเกรกอเรียนนั้นยากที่จะแยกแยะและยากที่จะได้ยินคำอธิษฐาน แม้แต่คนจำนวนมากก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งมีการใช้ท่วงทำนองของเพลงฆราวาสยอดนิยมเป็นหลัก สถานการณ์นี้สร้างความกังวลใจให้กับเจ้าหน้าที่ของสงฆ์คาทอลิกระดับสูงสุด ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 16 จะมีการห้ามการร้องเพลงโพลีโฟนิกโดยสิ้นเชิงในระหว่างการให้บริการของคริสตจักร แต่คำสั่งห้ามดังกล่าวไม่ได้เกิดขึ้นเนื่องจาก Palestrina นักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงซึ่งใช้เวลาเกือบทั้งชีวิตในกรุงโรมและอยู่ใกล้กับศาลของพระสันตปาปา (ชื่อเต็มของเขาคือ Giovanni Pierluigi da Palestrina นั่นคือ "จาก Palestrina" - a เมืองเล็ก ๆ ใกล้กรุงโรม) Palestrina พร้อมกับมวลชนของเขา (และเขาเขียนมากกว่าหนึ่งร้อยเรื่อง) สามารถสร้างพฤกษ์ได้ เนื่องจากดนตรีประกอบมีพื้นฐานคอร์ด - ฮาร์โมนิกจึงเรียกโครงสร้าง homophonic ของดนตรีที่เรียกว่า homophonic-harmonic คำถามและงาน 1. ตั้งแต่เมื่อใดที่มีการถอดรหัสต้นฉบับดนตรีได้ถูกต้องมากขึ้นเรื่อย ๆ ? 2. เวทีใหม่ที่สำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรีที่เกิดขึ้นพร้อมกับความสำเร็จของสัญกรณ์คืออะไร? 3. เมื่อใดในดนตรีใดและบนพื้นฐานของท่วงทำนองใดที่พฤกษ์เริ่มก่อตัวขึ้นอย่างสม่ำเสมอ? 4. สองเสียงคู่ขนานคืออะไร? ร้องเพลงควอร์ตคู่ขนานห้าและอ็อกเทฟพร้อมกัน 5. พฤกษ์กับโฮโมโฟนีต่างกันอย่างไร? วิธีที่พฤกษ์พัฒนาอย่างต่อเนื่องในขณะที่พฤกษ์เริ่มพัฒนาในการร้องเพลงในโบสถ์ความซ้ำซากจำเจยังคงมีอิทธิพลในดนตรีฆราวาส ตัวอย่างเช่นมีการถอดรหัสการบันทึกเพลงแบบโมโนโฟนิกจำนวนมากซึ่งในศตวรรษที่สิบสอง - สิบสี่ได้รับการแต่งและดำเนินการโดยกวี - นักร้องในยุคกลาง ทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในโพรวองซ์พวกเขาถูกเรียกว่านักดนตรีทางตอนเหนือของฝรั่งเศส - คนตัดไม้ในเยอรมนี - คนงานเหมือง หลายคนเป็นอัศวินที่มีชื่อเสียงและในเพลงของพวกเขาพวกเขามักจะร้องเพลงถึงความงามและคุณธรรมของ "สาวงาม" ที่พวกเขาเคารพบูชา ท่วงทำนองของเพลงของกวี - นักร้องเหล่านี้มักจะใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านรวมถึงเพลงเต้นรำและจังหวะก็ถูกรองลงมาจากจังหวะของบทกวี ต่อมาในศตวรรษที่สิบสี่ - สิบหก "กวี - นักร้องชาวเยอรมันจากหมู่ช่างฝีมือที่เรียกตัวเองว่า meistersingers (" นักร้องหลัก ") ได้รวมตัวกันในการประชุมเชิงปฏิบัติการพฤกษ์ของศาสนจักรและฆราวาสไม่ได้แยกออกจากกัน ดังนั้นในเสียงที่เพิ่มเข้ามาในบทสวดศักดิ์สิทธิ์ของบทสวดเกรกอเรียนอิทธิพลของเพลงฆราวาส (เช่นเพลงของคณะและนักดนตรี) จึงเห็นได้ชัดในเวลาเดียวกันในตอนท้ายของศตวรรษที่ 13 โพลีโฟนิกทางโลกอย่างหมดจด ผลงานปรากฏในฝรั่งเศสซึ่งทุกส่วนของเสียงทั้งหมดขึ้นอยู่กับท่วงทำนองของลักษณะของเพลงและข้อความนั้นแต่งขึ้นไม่ได้เป็นภาษาละติน แต่เป็นภาษาฝรั่งเศสเมื่อเวลาผ่านไปในเพลงคริสตจักรคาทอลิกยังคงมีมวลชนพิเศษที่อุทิศให้กับวันหยุดของคริสตจักร โปรดจำไว้ว่าวัฏจักรคือการทำงานของส่วนต่างๆ (หรือบทละคร) ซึ่งรวมกันเป็นหนึ่งเดียวโดยแนวคิดร่วมกัน 7 Cadenza (จังหวะ) - การหมุนเวียนที่ไพเราะและฮาร์มอนิกที่ทำให้เพลงทั้งหมดหรือส่วนของมันจบลง 5 6 5 www.classON รู การศึกษาในขอบเขตของศิลปะรัสเซียเพื่อพิสูจน์ว่าองค์ประกอบโพลีโฟนิกในขณะที่ยังคงมีความเชี่ยวชาญอยู่มากสามารถฟังข้อความที่โปร่งใสและพิธีกรรม 4 เสียงได้อย่างชัดเจน ดนตรีของ Palestrina เป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของการร้องเพลงประสานเสียงแบบเก่าที่เรียกว่าสไตล์ที่เข้มงวด เธอพาเราไปสู่โลกแห่งการไตร่ตรองอันประเสริฐที่รู้แจ้ง - ราวกับเปล่งรัศมีที่สม่ำเสมอและสงบ กวีนักดนตรีนักวิทยาศาสตร์และผู้ชื่นชอบงานศิลปะ พวกเขาถูกพาไปด้วยความคิดที่จะสร้างรูปแบบใหม่ของการร้องเพลงเดี่ยวที่แสดงออกพร้อมดนตรีประกอบและผสมผสานกับการแสดงละคร นี่คือวิธีการกำเนิดโอเปราเรื่องแรกโดยมีแผนการที่นำมาจากเทพนิยายโบราณ เรื่องแรกคือ Daphne แต่งโดยนักแต่งเพลง Jacopo Peri (ร่วมกับ Ya. Korea) และกวี O. Rinuccini ดำเนินการในปี 1597 ในฟลอเรนซ์ (งานโดยรวมไม่รอด) ในเทพนิยายกรีกโบราณ Daphne เป็นลูกสาวของเทพแห่งสายน้ำ Ladon และเทพีแห่งดิน Gaia หนีจากการตามล่าของอพอลโลเธอสวดอ้อนวอนขอความช่วยเหลือจากเทพเจ้าและกลายเป็นลอเรล (ในภาษากรีก "แดฟนี" - "ลอเรล") - ต้นไม้ศักดิ์สิทธิ์ของอพอลโล เนื่องจากอพอลโลถือเป็นเทพเจ้าผู้อุปถัมภ์ศิลปะผู้ชนะการแข่งขัน Pythian Games จึงได้รับการสวมมงกุฎด้วยพวงหรีดลอเรลซึ่งอพอลโลถือเป็นผู้ก่อตั้ง พวงหรีดลอเรลและสาขาที่แยกจากกันของลอเรลได้กลายเป็นสัญลักษณ์แห่งชัยชนะความรุ่งโรจน์และรางวัล อีกสองโอเปร่าที่แต่งขึ้นในปี 1600 (หนึ่งโดย J. การแสดงโอเปร่าครั้งแรกของอิตาลีแสดงในพระราชวังและบ้านของบุคคลชั้นสูง วงออร์เคสตราประกอบด้วยเครื่องดนตรีเก่าแก่ไม่กี่ชิ้น นำโดยนักดนตรีที่เล่นฮาร์ปซิคอร์ด (ชื่อภาษาอิตาลีสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด) ยังไม่มีการทาบทามและการประโคมแตรประกาศการเริ่มต้นการแสดง และในส่วนของเสียงพูดนั้นได้รับชัยชนะซึ่งการพัฒนาทางดนตรีนั้นอยู่ภายใต้ข้อความที่เป็นบทกวี อย่างไรก็ตามในไม่ช้าดนตรีก็เริ่มได้รับความหมายที่เป็นอิสระและมีความสำคัญมากขึ้นในโอเปร่า นี่เป็นผลมาจากนักแต่งเพลงโอเปร่าคนแรกที่โดดเด่น - Claudio Monteverdi โอเปร่าเรื่องแรกของเขา Orpheus จัดแสดงในปี 1607 ใน Mantua ฮีโร่ของเธอเป็นนักร้องในตำนานคนเดิมอีกครั้งที่มีผลงานศิลปะของเขาเป็นตัวขับเคลื่อน Hades เทพเจ้าแห่งยมโลกแห่งความตายและเขาได้ปล่อย Eurydice ภรรยาสุดที่รักของ Orpheus สู่โลก แต่สภาพของ Hades - ก่อนที่จะออกจากอาณาจักรของเขาไม่เคยมองไปที่ Eurydice - Orpheus ละเมิดและอีกครั้งตลอดกาลที่สูญเสียเธอไป ดนตรีของ Monteverdi ทำให้เรื่องราวที่น่าเศร้านี้มีการแสดงโคลงสั้น ๆ และน่าทึ่งอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ท่อนร้องนักร้องประสานเสียงตอนออเคสตราใน Monteverdi's Orpheus มีความหลากหลายในตัวละครมากขึ้น ในผลงานชิ้นนี้สไตล์ arios ที่ไพเราะเริ่มก่อตัวขึ้นซึ่งเป็นคุณภาพที่โดดเด่นที่สุดของดนตรีโอเปร่าอิตาลี ตามตัวอย่างของฟลอเรนซ์โอเปร่าเริ่มแต่งและแสดงไม่เพียง แต่ในมันโตวาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเมืองต่างๆของอิตาลีด้วยเช่นโรมเวนิสเนเปิลส์ ความสนใจในประเภทใหม่เริ่มเกิดขึ้นในประเทศอื่น ๆ ในยุโรปและคำถามและงานของพวกเขา 1. ใครคือคณะนักแสดงนักดนตรีนักดนตรีมินนิสซิงเกอร์และไมสเตอร์ซิงเกอร์? 2. มีความเชื่อมโยงระหว่างพฤกษ์ในโบสถ์เก่ากับท่วงทำนองเพลงฆราวาสหรือไม่? 3. อะไรคือส่วนหลักของมวลปกติ? 4. ยกตัวอย่างคำเลียนเสียงคำเลียนเสียงในเพลง 5. การเลียนแบบเพลงคืออะไร? 6. ปาเลสตรินาประสบความสำเร็จอะไรในฝูงของเขา? การเกิดของโอเปร่า Oratorio และ Cantata ก่อนต้นศตวรรษที่ 17 ศตวรรษแรกของยุคประวัติศาสตร์ที่เรียกว่า New Age เหตุการณ์ที่มีความสำคัญอย่างยิ่งเกิดขึ้นในศิลปะดนตรี: โอเปร่าถือกำเนิดในอิตาลี มีการเล่นดนตรีในการแสดงละครต่างๆมาช้านาน ในพวกเขาพร้อมกับหมายเลขบรรเลงและการร้องเพลงประสานเสียงเดี่ยวเช่นเพลงสามารถทำได้ และในโอเปร่านักร้องและนักร้องก็กลายเป็นนักแสดงและนักแสดงหญิง การร้องเพลงของพวกเขาพร้อมด้วยวงออเคสตรารวมกับการแสดงบนเวทีเริ่มถ่ายทอดเนื้อหาหลักของการแสดง เสริมด้วยทิวทัศน์เครื่องแต่งกายและมักจะเต้นรำ - บัลเล่ต์ ดังนั้นในโอเปร่าดนตรีจึงนำไปสู่การทำงานร่วมกันอย่างใกล้ชิดของศิลปะต่างๆ นี่เป็นการเปิดโอกาสทางศิลปะใหม่ ๆ ให้กับเธอ นักร้องและนักร้องโอเปร่าเริ่มถ่ายทอดประสบการณ์ทางอารมณ์ส่วนตัวของผู้คนด้วยพลังที่ไม่เคยมีมาก่อนทั้งสนุกสนานและเศร้า ในเวลาเดียวกันวิธีการแสดงออกที่สำคัญที่สุดในโอเปร่าคือการรวมกันของเสียงร้องเดี่ยวกับดนตรีประกอบ และถ้าจนถึงศตวรรษที่ 17 ดนตรีมืออาชีพในยุโรปตะวันตกส่วนใหญ่พัฒนาขึ้นในคริสตจักรและประเภทที่ใหญ่ที่สุดคือดนตรีมวลชนจากนั้นศูนย์กลางหลักก็กลายเป็นโรงละครดนตรีและประเภทที่ใหญ่ที่สุดคือโอเปร่า ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 16 วงกลมที่ 6 รวมตัวกันที่เมืองฟลอเรนซ์ของอิตาลี www.classON.ru ผู้ปกครองถือเป็นธรรมเนียมในการเชิญเด็ก ๆ มาเรียนศิลปะในรัสเซียเพื่อเชิญนักดนตรีชาวอิตาลีมารับราชการในศาล สิ่งนี้มีส่วนทำให้ดนตรีอิตาเลียนกลายเป็นอิทธิพลสูงสุดในยุโรปมาช้านาน ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 มีการแสดงอุปรากรประจำชาติของตนเองซึ่งแตกต่างจากของอิตาลี ผู้ก่อตั้งคือ Jean-Baptiste L yule และมีต้นกำเนิดจากอิตาลี อย่างไรก็ตามเขารู้สึกได้อย่างถูกต้องถึงลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมฝรั่งเศสและสร้างสไตล์โอเปร่าฝรั่งเศสที่แปลกประหลาด ในโอเปราของ Lully สถานที่ขนาดใหญ่ถูกยึดครองโดยการบรรยายและบทละครเล็ก ๆ ของตัวละครที่เล่าเรื่องและอีกด้านหนึ่ง - การเต้นรำบัลเล่ต์การเดินขบวนที่เคร่งขรึมและการประสานเสียงที่ยิ่งใหญ่ เมื่อรวมกับแผนการในตำนานเครื่องแต่งกายที่งดงามการพรรณนาถึงสิ่งมหัศจรรย์ที่มีมนต์ขลังด้วยความช่วยเหลือของเครื่องแสดงละครทั้งหมดนี้สอดคล้องกับความงดงามและความงดงามของชีวิตในราชสำนักในรัชสมัยของกษัตริย์ฝรั่งเศสหลุยส์ที่ 14 โรงอุปรากรเรื่องแรกในเยอรมนี Daphne (1627) สร้างโดยนักประพันธ์ชาวเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคก่อนบาค Heinrich Schütz แต่เพลงของเธอไปไม่รอด และไม่มีเงื่อนไขสำหรับการพัฒนาประเภทของโอเปร่าในประเทศพวกเขาเป็นรูปเป็นร่างเมื่อเริ่มต้นศตวรรษที่ 19 เท่านั้น และในผลงานของSchützสถานที่หลักถูกนำมาใช้โดยการเปล่งเสียงและการประพันธ์ที่แสดงออกถึงข้อความทางจิตวิญญาณ ในปี 1689 โอเปร่าภาษาอังกฤษเรื่องแรกเรื่อง Dido และ Aeneas ได้รับการแสดงในลอนดอนโดย Henry Purcell นักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์โดดเด่น ดนตรีของโอเปร่าเรื่องนี้มีความไพเราะจับใจด้วยเนื้อร้องที่จริงใจบทกวีแฟนตาซีและภาพพื้นบ้านที่เต็มไปด้วยสีสัน อย่างไรก็ตามหลังจากการเสียชีวิตของ Purcell เป็นเวลาเกือบสองศตวรรษไม่มีผู้สร้างสรรค์ดนตรีที่โดดเด่นในหมู่นักแต่งเพลงชาวอังกฤษ ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XVI-XVII พร้อมกันกับโอเปร่าและในอิตาลีและ r o d และ l และ s o r และ r และ I และ cat เป็นเรื่องเกี่ยวกับโอเปร่าโดยการที่นักร้องเดี่ยวนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรามีส่วนร่วมในการแสดงของพวกเขาด้วยและความจริงที่ว่าพวกเขายังเป่าเสียงอาเรียบทกวีวงดนตรีนักร้องประสานเสียงตอนวงออเคสตรา แต่ในโอเปร่าเราได้เรียนรู้เกี่ยวกับพัฒนาการของเหตุการณ์ (พล็อต) ไม่เพียง แต่จากสิ่งที่นักร้องเดี่ยวร้องเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสิ่งที่พวกเขาทำและสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีโดยทั่วไปด้วย และใน oratorio และ Cantata ไม่มีการแสดงบนเวที มีการแสดงในคอนเสิร์ตโดยไม่มีเครื่องแต่งกายและเครื่องประดับ แต่ก็มีความแตกต่างระหว่าง oratorio และ cantata แม้ว่าจะไม่ชัดเจนเสมอไป โดยปกติแล้วออราโทริโอจะเป็นชิ้นส่วนขนาดใหญ่ที่มีพล็อตทางศาสนาที่พัฒนามากขึ้น มักจะเป็นละครที่ยิ่งใหญ่ ในเรื่องนี้บทบรรยายที่เล่าเรื่องของนักร้อง - นักเล่าเรื่องมักจะรวมอยู่ในคำปราศรัย ประเภทพิเศษของ oratorios ทางวิญญาณ - "ความสนใจ" หรือ "เฉยๆ" (แปลจากภาษาละติน - "ความทุกข์") ความหลงใหลบอกเล่าเกี่ยวกับความทุกข์ทรมานและการสิ้นพระชนม์ของพระเยซูคริสต์ที่ถูกตรึงบนไม้กางเขน 7 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Cantatas ขึ้นอยู่กับเนื้อหาของข้อความทางวาจาแบ่งออกเป็นฝ่ายวิญญาณและทางโลก ในศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 มีห้องเล็ก ๆ หลายห้องเกิดขึ้นในอิตาลี ประกอบด้วยสองหรือสามรายการสลับกับสองหรือสามอาเรีย ต่อจากนั้นแคนทาทาสของตัวละครที่เคร่งขรึมส่วนใหญ่ก็แพร่หลาย Cantatas ทางจิตวิญญาณและ "ความสนใจ" ของสิ่งก่อสร้างต่างๆได้รับการพัฒนามากที่สุดในเยอรมนี arias และเป็นเรื่องที่น่าสนใจในการปรับใช้การเคลื่อนไหวทางเดินอัจฉริยะ ในมรดกของ Corelli และ Vivaldi สถานที่ที่ยอดเยี่ยมเป็นของประเภทของโซนาต้าทั้งสามคน ในโซนาตาสทั้งสามส่วนใหญ่สองส่วนหลักเล่นโดยไวโอลินและส่วนที่สามคือส่วนที่มาพร้อมกันคือฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนโดยเสียงเบสจะเพิ่มขึ้นเป็นสองเท่าโดยเชลโลหรือบาสซูน โซนาต้าทั้งสามตามด้วยโซนาตาสำหรับไวโอลินหรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ ที่มาพร้อมกับฮาร์ปซิคอร์ด และ Concerto Grosso - คอนเสิร์ตสำหรับวงออเคสตรา (สายแรก) ผลงานประเภทนี้หลายชิ้นมีลักษณะเป็นโซนาต้าแบบเก่า โดยปกติจะเป็นวงจรสี่ส่วนที่มีการก้าวช้าเร็วช้า - เร็ว ไม่นานต่อมาในศตวรรษที่ 18 วิวัลดีเริ่มแต่งเพลงสำหรับไวโอลินและเครื่องดนตรีอื่น ๆ พร้อมด้วยวงออเคสตรา มีการกำหนดวงจรสามส่วนที่นั่น:“ เร็ว - ช้า - เร็ว” คำถามและงาน 1. โอเปร่าเกิดที่ไหนและเมื่อไหร่? อธิบายว่าโอเปร่าแตกต่างจากการแสดงละครพร้อมดนตรีอย่างไร 2. วิธีการแสดงออกที่สำคัญที่สุดในดนตรีโอเปร่าคืออะไร? 3. โอเปร่าเรื่องแรกของเคลาดิโอมอนเตเวร์ดีชื่ออะไรและมีคุณสมบัติอะไรบ้างที่แสดงให้เห็นในดนตรีของเธอ? 4. บอกเราเกี่ยวกับลักษณะเฉพาะของโอเปราฝรั่งเศสสมัยก่อน 5. อุปรากรเรื่องแรกที่เขียนในเยอรมนีและอุปรากรเรื่องแรกในอังกฤษคืออะไร? 6. อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญระหว่าง oratorio และ Cantata และ Opera? 7. กิเลส (passive) คืออะไร? อวัยวะดังกล่าวเริ่มมีประวัติศาสตร์อันยาวนานในอียิปต์โบราณ เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 มันได้กลายเป็นเครื่องดนตรีที่ซับซ้อนมากและมีความเป็นไปได้ทางศิลปะที่กว้างขวาง อวัยวะขนาดเล็กสามารถพบได้แม้กระทั่งในบ้านส่วนตัว พวกเขาใช้สำหรับการฝึกซ้อมพวกเขาเล่นรูปแบบต่างๆในท่วงทำนองของเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำ และอวัยวะขนาดใหญ่ที่มีท่อเป็นแถวเป็นประกายมีตัวไม้ที่ประดับด้วยงานแกะสลักฟังดูแล้วในโบสถ์และวิหาร ปัจจุบันยังพบอวัยวะในห้องแสดงคอนเสิร์ตหลายแห่ง ในอวัยวะสมัยใหม่มีท่อหลายพันท่อและแป้นพิมพ์มากถึงเจ็ดอัน (คู่มือ) ซึ่งตั้งอยู่เหนือบันไดอื่น ๆ มีท่อจำนวนมากเพราะแบ่งออกเป็นกลุ่ม - รีจิสเตอร์ รีจิสเตอร์จะเปิดและปิดด้วยคันโยกพิเศษเพื่อให้ได้สีที่แตกต่างกัน (เสียงต่ำ) ของเสียง อวัยวะยังมีแป้นเหยียบ นี่คือแป้นพิมพ์แบบเท้าทั้งตัวที่มีปุ่มขนาดใหญ่จำนวนมาก ด้วยการกดลงบนเท้าของเขาผู้เล่นออร์แกนสามารถดึงและยังคงรักษาเสียงเบสไว้ได้เป็นเวลานาน (เสียงที่คงอยู่เช่นนี้เรียกอีกอย่างว่าแป้นเหยียบหรือจุดอวัยวะ) ในแง่ของความมีชีวิตชีวาของรำมะนาถ้าเป็นไปได้ในการเปรียบเทียบเปียนิสซิโมที่เบาที่สุดกับฟอร์ติสซิโมที่ฟ้าร้องออร์แกนนั้นมีเครื่องดนตรีไม่เท่ากัน ในศตวรรษที่ 17 ศิลปะอวัยวะมีการออกดอกสูงเป็นพิเศษในเยอรมนี เช่นเดียวกับในประเทศอื่น ๆ นักออร์แกนในโบสถ์ชาวเยอรมันเป็นทั้งนักแต่งเพลงและนักแสดง พวกเขาไม่เพียง แต่มาพร้อมกับบทสวดทางจิตวิญญาณเท่านั้น แต่ยังแสดงเดี่ยวด้วย ในหมู่พวกเขามีนักแสดงที่มีพรสวรรค์และนักแสดงสดที่มีความสามารถมากมายที่ดึงดูดผู้คนมากมายด้วยการเล่นของพวกเขา หนึ่งในสิ่งที่น่าทึ่งที่สุดในหมู่พวกเขาคือ Dietrich Buxtehude Young Johann Sebastian Bach มาฟังการเล่นของเขาด้วยการเดินเท้าจากเมืองอื่น ในผลงานที่หลากหลายและกว้างขวางของ Buxtehude ประเภทหลักของดนตรีออร์แกนในเวลานั้นจะถูกแสดง ในแง่หนึ่งสิ่งเหล่านี้เป็นบทนำความเพ้อฝันและเกี่ยวกับดนตรีบรรเลงในศตวรรษที่ 17 ประเภทและรูปแบบเป็นเวลานานเครื่องดนตรีที่เล่นมักใช้เพื่อทำซ้ำส่วนของเสียงในงานร้องหรือเต้นรำควบคู่ไปกับการเต้นรำ การเรียบเรียงเสียงประสานก็เป็นเรื่องธรรมดาเช่นกัน การพัฒนาดนตรีบรรเลงอย่างอิสระทวีความรุนแรงมากขึ้นในศตวรรษที่ 17 เท่านั้น ในขณะเดียวกันเทคนิคทางศิลปะที่พัฒนาในการเปล่งเสียงก็ยังคงพัฒนาต่อไป พวกเขาได้รับการเสริมแต่งด้วยองค์ประกอบของคลังสินค้า homophonic ที่มีพื้นฐานมาจากเพลงและการเต้นรำ ในเวลาเดียวกันความสำเร็จที่แสดงออกของดนตรีโอเปร่าเริ่มมีอิทธิพลต่อการประพันธ์เพลง ไวโอลินพร้อมกับความสามารถอันชาญฉลาดที่ยอดเยี่ยมมีเสียงที่ไพเราะมาก และเป็นบ้านเกิดเมืองนอนของโอเปร่าในอิตาลีดนตรีไวโอลินเริ่มพัฒนาขึ้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งประสบความสำเร็จ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ความคิดสร้างสรรค์ของ Arcangelo Corelli เฟื่องฟูและกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Antonio Vivaldi ก็เริ่มขึ้น นักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงเหล่านี้ได้สร้างผลงานเครื่องดนตรีมากมายโดยมีส่วนร่วมและเป็นผู้นำของไวโอลิน ในนั้นไวโอลินสามารถร้องเพลงได้อย่างชัดเจนเช่นเดียวกับเสียงของมนุษย์ในห้องโอเปร่า 8 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในขอบเขตของศิลปะรัสเซีย toccata ในพวกเขาตอนโพลีโฟนิกสลับกันได้อย่างอิสระกับบทด้นสด - ข้อความและคอร์ด ในทางกลับกันสิ่งเหล่านี้เป็นชิ้นส่วนที่สร้างขึ้นอย่างเข้มงวดมากขึ้นซึ่งนำไปสู่การเกิดขึ้นของ fugue ซึ่งเป็นรูปแบบการเลียนแบบที่ซับซ้อนที่สุด Buxtehude ยังได้ดัดแปลงอวัยวะหลายอย่างของนักร้องประสานเสียงโปรเตสแตนต์ในรูปแบบของการขับร้องประสานเสียง ซึ่งแตกต่างจากบทสวดเกรกอเรียนซึ่งเป็นชื่อทั่วไปของบทสวดทางจิตวิญญาณไม่ใช่ในภาษาละติน แต่เป็นภาษาเยอรมัน พวกเขาปรากฏตัวในศตวรรษที่ 16 เมื่อลัทธิคริสเตียนแบบใหม่ - นิกายโปรเตสแตนต์ - แยกออกจากศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิก พื้นฐานความไพเราะของบทสวดโปรเตสแตนต์คือเพลงพื้นบ้านของเยอรมัน ในศตวรรษที่ 17 บทสวดโปรเตสแตนต์ทำโดยนักร้องของนักบวชทุกคนโดยได้รับการสนับสนุนจากออร์แกน สำหรับการเรียบเรียงเสียงประสานดังกล่าวจะมีการใช้โครงสร้างคอร์ดสี่ส่วนพร้อมทำนองในเสียงส่วนบน ต่อจากนั้นโกดังดังกล่าวเริ่มถูกเรียกว่าห้องร้องเพลงแม้ว่าจะพบในงานเครื่องมือก็ตาม ผู้จัดงานยังเล่นเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายและแต่งเพลงให้ด้วย ชื่อทั่วไปของผลงานสำหรับเครื่องดนตรีเหล่านี้คือ clavier music8 ข้อมูลแรกเกี่ยวกับเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายมีอายุย้อนกลับไปในศตวรรษที่ XIV-XV เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 ฮาร์ปซิคอร์ดได้กลายเป็นสิ่งที่พบได้บ่อยที่สุด ดังนั้นจึงเรียกในฝรั่งเศสในอิตาลีเรียกว่าเคมบาโลในเยอรมนี - คิลฟลูเกลในอังกฤษ - ฮาร์ปซิคอร์ด ชื่อของเครื่องดนตรีขนาดเล็กในฝรั่งเศสคือ epinet ในอิตาลี - สำหรับสปิเนตของอังกฤษ - เวอร์จิน ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นบรรพบุรุษของเปียโนซึ่งเริ่มเข้ามาใช้ในกลางศตวรรษที่ 18 เมื่อคุณกดปุ่มของฮาร์ปซิคอร์ดขนหรือลิ้นหนังที่ตั้งอยู่บนแท่งเหมือนเดิมให้ดึงสายออก ปรากฎว่ามีเสียงดังทันทีทันใดและในเวลาเดียวกันก็มีเสียงกรอบแกรบเล็กน้อย บนฮาร์ปซิคอร์ดความแรงของเสียงไม่ได้ขึ้นอยู่กับความแรงของการตีคีย์บอร์ด ดังนั้นจึงไม่สามารถใช้กับ crescendo และ diminuendo ได้ซึ่งแตกต่างจากเปียโนซึ่งเป็นไปได้เนื่องจากการเชื่อมต่อคีย์ที่ยืดหยุ่นกว่าด้วยค้อนที่กระทบสาย ฮาร์ปซิคอร์ดสามารถมีคีย์บอร์ดสองหรือสามตัวและมีอุปกรณ์ที่ช่วยให้คุณเปลี่ยนสีของเสียงได้ เสียงของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดขนาดเล็กอีกชนิดหนึ่งคือคลาวิคอร์ดอ่อนกว่าเสียงของฮาร์ปซิคอร์ด แต่ในทางกลับกันการเล่นที่ไพเราะกว่านี้เป็นไปได้บนคลาวิคอร์ดเนื่องจากสายของมันไม่ได้ถูกดึงออก แต่แผ่นโลหะจะถูกกดทับไว้ หนึ่งในแนวเพลงหลักของดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดในยุคแรกคือชุดของหลาย ๆ ส่วนที่มีรูปร่างสมบูรณ์เขียนด้วยคีย์เดียว แต่ละส่วนมักใช้ท่ารำ พื้นฐานของห้องชุดเก่าประกอบด้วยการเต้นรำสี่แบบที่แตกต่างกันซึ่งไม่สามารถยืนยันได้อย่างแม่นยำเสมอไปว่ามีต้นกำเนิดในประเทศใด นี่คืออัลลีมานด์สบาย ๆ (อาจมีพื้นเพมาจากเยอรมนี) เสียงกระดิ่งเคลื่อนที่มากกว่า (มีพื้นเพมาจากฝรั่งเศส) ซาราบันดาที่ช้า (มีพื้นเพมาจากสเปน) และเกอิชาอย่างรวดเร็ว (มีพื้นเพมาจากไอร์แลนด์หรืออังกฤษ) ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 ตามแบบอย่างของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวปารีสห้องสวีทเริ่มเสริมด้วยการเต้นรำแบบฝรั่งเศสเช่น minuet, gavotte, burré, paspier พวกเขาถูกแทรกระหว่างการเต้นรำหลักสร้างส่วน intermedia ("intg" ในภาษาละตินแปลว่า "ระหว่าง") ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดเก่าแก่ของฝรั่งเศสมีความโดดเด่นด้วยความสง่างามความไพเราะการประดับตกแต่งที่ไพเราะขนาดเล็กเช่น mordentes และ trills รูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสเฟื่องฟูในผลงานของFrançois Couperin (1668 - 1733) มีชื่อเล่นว่ามหาราช เขาสร้างละครประมาณสองร้อยเรื่องครึ่งและรวมกันเป็นฉากสวีทยี่สิบเจ็ดเรื่อง การเล่นกับชื่อโปรแกรมต่างๆค่อยๆเริ่มครอบงำอยู่ในนั้น บ่อยครั้งสิ่งเหล่านี้เป็นเหมือนภาพฮาร์ปซิคอร์ดขนาดเล็กของผู้หญิง - ภาพร่างเสียงที่มีเป้าหมายอย่างดีของลักษณะตัวละครรูปร่างหน้าตาท่าทาง ตัวอย่างเช่นละครเรื่อง "มืดมน" "สัมผัส" "เปรียว" "เหม่อลอย" "ซุกซน" โยฮันน์เซบาสเตียนบาคร่วมสมัยที่ยิ่งใหญ่ของเขาแสดงความสนใจอย่างมากในดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสรวมถึงบทละครของFrançois Couperin คำถามและงาน 1. การพัฒนาประเภทเครื่องมือที่เป็นอิสระทวีความรุนแรงขึ้นเมื่อใด 2. อะไรคือเครื่องดนตรีที่คุณชอบที่สุดคือ Arcangelo Corelli และ Antonio Vivaldi 3. บอกเราเกี่ยวกับโครงสร้างของอวัยวะ 4. ในประเทศใดที่มีการออกดอกสูงเป็นพิเศษ? Protestant Chorale คืออะไร? 5. บอกเราเกี่ยวกับโครงสร้างของฮาร์ปซิคอร์ด การเต้นรำแบบใดที่ใช้ในส่วนหลักของชุดฮาร์ปซิคอร์ดแบบเก่า? ดังนั้นส่วนเกริ่นนำของหนังสือเรียนจะแนะนำเหตุการณ์สำคัญบางอย่างในโลกแห่งดนตรีตั้งแต่สมัยโบราณโดยสังเขป เป็นการ "ทัศนศึกษา" เชิงประวัติศาสตร์เพื่อช่วยให้ทำความคุ้นเคยกับมรดกของนักดนตรีชาวยุโรปตะวันตกผู้ยิ่งใหญ่ที่ทำงานในศตวรรษที่ 18 และ 19 ในบางครั้ง clavier ถูกเรียกว่าดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมดรวมถึงเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด - ออร์แกน 8 9 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในแวดวงศิลปะรัสเซียเส้นทางชีวิตของโยฮันน์ร็อดครอบครัววัยเด็ก Johann Sebastian Bach เกิดในปี 1685 ในทูรินเจียซึ่งเป็นหนึ่งในภูมิภาคของเยอรมนีตอนกลางในเมืองเล็ก ๆ ของ Eisenach ที่ล้อมรอบไปด้วยป่าไม้ ในทูรินเจียในเวลานั้นผลกระทบอันเลวร้ายของสงครามสามสิบปี (ค.ศ. 1618-1648) ซึ่งกลุ่มมหาอำนาจของยุโรปสองกลุ่มได้ปะทะกันยังคงรู้สึกได้ สงครามทำลายล้างนี้เกิดขึ้นเพื่อความอยู่รอดของบรรพบุรุษของโยฮันน์เซบาสเตียนซึ่งเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับงานฝีมือชาวเยอรมันและสภาพแวดล้อมของชาวนา ปู่ทวดของเขาชื่อ Veit เป็นคนทำขนมปัง แต่เขาชอบดนตรีมากจนไม่เคยแยกจะเข้ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่คล้ายกับพิณแคนแม้แต่เล่นขณะขับรถไปที่โรงสีในขณะที่กำลังบดแป้ง และในบรรดาลูกหลานของเขาที่ตั้งรกรากอยู่ในทูรินเจียและภูมิภาคใกล้เคียงมีนักดนตรีมากมายที่ทุกคนที่ฝึกอาชีพนี้เรียกว่า "บาค" ที่นั่น คนเหล่านี้เป็นนักออแกนในโบสถ์นักไวโอลินนักเป่าแตรนักเป่าแตรบางคนมีพรสวรรค์ในการแต่งเพลง พวกเขาอยู่ในการให้บริการของเทศบาลเมืองและที่ศาลของผู้ปกครองของเขตการปกครองขนาดเล็กและ duchies ซึ่งเยอรมนีถูกแยกส่วน Sebastian Bach 1685-1750 ชะตากรรมของดนตรีของนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่อายุมากกว่าสามร้อยปีเป็นเรื่องที่น่าอัศจรรย์ ในช่วงชีวิตของเขาเขาได้รับการยอมรับในฐานะนักเล่นออร์แกนและผู้ชื่นชอบเครื่องดนตรีเป็นหลักและหลังจากการตายของเขาเขาเกือบจะถูกลืมไปหลายสิบปี แต่แล้วค่อยๆพวกเขาก็เริ่มค้นพบผลงานของเขาอีกครั้งและชื่นชมเขาในฐานะสมบัติทางศิลปะอันล้ำค่าทักษะที่ไม่มีใครเทียบได้ไม่รู้จักเหนื่อยในความลึกและความเป็นมนุษย์ของเนื้อหา “ อย่าเป็นกระแส! “ ทะเลควรเป็นชื่อของเขา” นี่คือสิ่งที่เบโธเฟนอัจฉริยะทางดนตรีอีกคนกล่าวถึงบาค Bach จัดการเพื่อเผยแพร่ผลงานของเขาเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ขณะนี้มีการเผยแพร่มากกว่าหนึ่งพันรายการ (สูญหายอีกจำนวนมาก) ผลงานชุดแรกของ Bach เริ่มตีพิมพ์ในเยอรมนีหนึ่งร้อยปีหลังจากที่เขาเสียชีวิตและใช้เวลาถึงสี่สิบหกเล่ม และเป็นไปไม่ได้ที่จะคำนวณคร่าวๆว่ามีการพิมพ์จำนวนเท่าใดและจำนวนเพลงของ Bach แต่ละฉบับยังคงพิมพ์ต่อไปในประเทศต่างๆ ความต้องการที่ไม่หยุดหย่อนนั้นยอดเยี่ยมมาก เพราะมันเป็นสถานที่ที่กว้างขวางและมีเกียรติไม่เพียง แต่ในการแสดงคอนเสิร์ตระดับโลกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการศึกษาอีกด้วย Johann Sebastian Bach ยังคงเป็นครูของทุกคนที่เกี่ยวข้องกับดนตรีอย่างแท้จริง เขาเป็นครูที่จริงจังและเข้มงวดต้องใช้ความสามารถในการมีสมาธิเพื่อที่จะเชี่ยวชาญศิลปะการแสดงผลงานโพลีโฟนิก แต่ผู้ที่ไม่กลัวความยากลำบากและเอาใจใส่ต่อข้อกำหนดของเขาจะรู้สึกถึงความฉลาดและความกรุณาอย่างจริงใจที่อยู่เบื้องหลังความรุนแรงของเขาซึ่งเขาสอนด้วยการสร้างสรรค์ที่เป็นอมตะที่สวยงามของเขา บ้านใน Eisenach ซึ่ง JS Bach เกิด 9 คำในภาษาเยอรมันแปลว่า "สตรีม" 10 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในแวดวงศิลปะรัสเซียบิดาของโยฮันน์เซบาสเตียนเป็นนักไวโอลินนักดนตรีประจำเมืองและศาลในเมือง Eisenach เขาเริ่มสอนดนตรีให้กับลูกชายคนเล็กและส่งเขาไปโรงเรียนในโบสถ์ เด็กชายร้องเพลงประสานเสียงในโรงเรียนด้วยเสียงสูงที่ไพเราะ เมื่อเขาอายุได้สิบขวบพ่อแม่ของเขาเสียชีวิต พี่ชายซึ่งเป็นนักทำออร์แกนของคริสตจักรในเมืองใกล้เคียงของ Ohrdruf ดูแลเด็กกำพร้า เขาส่งน้องชายของเขาไปยังโรงพยาบาลท้องถิ่นและสอนบทเรียนเกี่ยวกับอวัยวะด้วยตัวเอง ต่อมาโยฮันน์เซบาสเตียนก็กลายเป็นนักฮาร์ปซิคอร์ดนักไวโอลินและนักไวโอลิน และตั้งแต่วัยเด็กเขาเชี่ยวชาญการประพันธ์ดนตรีด้วยตัวเองเขียนผลงานของนักประพันธ์หลายคน เขาต้องเขียนหนังสือเพลงขึ้นมาใหม่ซึ่งเขาสนใจเป็นพิเศษในคืนเดือนหงายซึ่งแอบมาจากพี่ชายของเขา แต่เมื่องานที่ยากลำบากมายาวนานเสร็จสมบูรณ์เขาค้นพบสิ่งนี้โกรธโยฮันน์เซบาสเตียนที่กระทำโดยไม่ได้รับอนุญาตและเอาต้นฉบับไปจากเขาอย่างไร้ความปรานี จุดเริ่มต้นของชีวิตอิสระ Luneburg ตอนอายุสิบห้าโยฮันน์เซบาสเตียนได้เข้าสู่ขั้นเด็ดขาด - เขาย้ายไปอยู่ที่เมือง Luneburg ของเยอรมันทางเหนือที่ห่างไกลซึ่งเขาเข้าโรงเรียนที่โบสถ์ของอารามในฐานะนักวิชาการด้านการร้องเพลง ในห้องสมุดของโรงเรียนเขาสามารถทำความคุ้นเคยกับต้นฉบับผลงานของนักดนตรีชาวเยอรมันจำนวนมาก ใน Luneburg และ Hamburg ซึ่งเขาเดินบนถนนในชนบทใคร ๆ ก็สามารถฟังการเล่นของนักเล่นออร์แกนที่มีความสามารถ เป็นไปได้ว่าในฮัมบูร์กโยฮันน์เซบาสเตียนไปเยี่ยมชมโรงละครโอเปร่าซึ่งในเวลานั้นเป็นเพียงแห่งเดียวในเยอรมนีที่จัดการแสดงไม่ใช่ภาษาอิตาลี แต่เป็นภาษาเยอรมัน เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนในสามปีต่อมาและเริ่มมองหางานใกล้บ้านเกิดของเขา ไวมาร์. หลังจากทำหน้าที่เป็นนักไวโอลินและนักเล่นออร์แกนในสามเมืองไม่นานบาคในปี 1708 แต่งงานกันแล้วตั้งรกรากอยู่ที่ไวมาร์ (ทูรินเจีย) เป็นเวลาเก้าปี ที่นั่นเขาเป็นนักเล่นออร์แกนที่ศาลของดยุคและรองผู้ควบคุมวง (ผู้ช่วยหัวหน้าโบสถ์ - กลุ่มนักร้องและนักบรรเลง) ในตอนที่ยังเป็นวัยรุ่นในเมือง Ohrdruf บาคเริ่มแต่งเพลงโดยเฉพาะอย่างยิ่งการเตรียมการประสานเสียงโปรเตสแตนต์สำหรับออร์แกนซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่เขาโปรดปราน และในไวมาร์มีงานแสดงอวัยวะที่ยอดเยี่ยมหลายชิ้นของเขาปรากฏขึ้นเช่น Toccata และ Fugue ใน D minor, Passacaglia 10 ใน C minor, การร้องประสานเสียง เมื่อถึงเวลานั้นบาคกลายเป็นอวัยวะที่ไม่มีใครเทียบได้และเป็นนักแสดงฮาร์ปซิคอร์ดและนักแสดงสด สิ่งนี้ได้รับการยืนยันอย่างน่าเชื่อถือจากกรณีต่อไปนี้ ครั้งหนึ่งบาคไปที่เมืองหลวงของแซกโซนีเดรสเดนซึ่งพวกเขาได้ตัดสินใจจัดการแข่งขันระหว่างเขากับหลุยส์มาร์แชนด์นักเล่นออร์แกนและนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดที่มีชื่อเสียงของฝรั่งเศส แต่ตอนหลังเมื่อได้ยินมาก่อนว่าบาคแสดงดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดด้วยความเฉลียวฉลาดในการสร้างสรรค์ที่น่าทึ่งได้อย่างไรจึงรีบออกจากเดรสเดนอย่างลับๆ การแข่งขันไม่เกิดขึ้น ที่ศาลไวมาร์มีโอกาสทำความคุ้นเคยกับผลงานของคีตกวีชาวอิตาลีและฝรั่งเศส Bach ปฏิบัติต่อความสำเร็จของพวกเขาด้วยความสนใจและความคิดริเริ่มทางศิลปะ ตัวอย่างเช่นเขาทำการถอดเสียงฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนสำหรับไวโอลินคอนแชร์โตส์โดย Antonio Vivaldi โดยไม่เสียค่าใช้จ่ายจำนวนหนึ่ง นี่คือวิธีที่คอนเสิร์ตคลาเวียร์ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรีถือกำเนิดขึ้น เป็นเวลาสามปีในไวมาร์บาคควรจะเขียนแคนทาทาทางจิตวิญญาณใหม่ทุกวันอาทิตย์ที่สี่ โดยรวมแล้วมีผลงานมากกว่าสามสิบชิ้นที่เกิดขึ้นในลักษณะนี้ อย่างไรก็ตามเมื่อหัวหน้าวงดนตรีในศาลวัยชราเสียชีวิตซึ่งบาคได้ทำหน้าที่จริงตำแหน่งที่ว่างนั้นไม่ได้ถูกมอบให้กับเขา แต่ให้กับลูกชายคนกลางของผู้ตาย บาคยื่นจดหมายลาออกด้วยความโกรธแค้นจากความอยุติธรรมนี้ สำหรับ "ความต้องการที่ไม่เคารพ" เขาถูกกักบริเวณในบ้าน แต่เขาแสดงให้เห็นถึงความกล้าหาญความพากเพียรภาคภูมิใจยืนยันในตัวของเขาเอง และอีกหนึ่งเดือนต่อมาดยุคต้องออกคำสั่งอย่างไม่เต็มใจที่จะปล่อยนักดนตรีที่บิดพลิ้วเป็นอิสระ Köthen. ในตอนท้ายของปี 1717 Bach และครอบครัวของเขาย้ายไปที่Köthen เจ้าชายลีโอโปลด์แห่ง Anhalt Köthenskyเป็นผู้ปกครองของรัฐเล็ก ๆ ที่อยู่ถัดจากทูรินเจีย เขาเป็นนักดนตรีที่ดีเขาร้องเพลงเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและวิโอลาดากัมบา 11 เจ้าชายจัดหาผู้ควบคุมวงคนใหม่ด้วยการสนับสนุนทางการเงินที่ดีและปฏิบัติต่อเขาด้วยความเคารพอย่างสูง หน้าที่ของบาคซึ่งใช้เวลาค่อนข้างน้อยรวมถึงการนำคณะนักร้องและนักดนตรีสิบแปดคนร่วมกับเจ้าชายและเล่นฮาร์ปซิคอร์ดด้วยตัวเอง งานของ Bach หลายชิ้นเกิดขึ้นในKöthen ดนตรีคลาเวียร์นำเสนอในรูปแบบที่หลากหลายมาก ในแง่หนึ่งสิ่งเหล่านี้เป็นชิ้นส่วนสำหรับผู้เริ่มต้น - Passacaglia - การเต้นรำแบบช้าๆสามขั้นตอนที่มีต้นกำเนิดจากสเปน บนพื้นฐานของการบรรเลงเกิดขึ้นในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลงที่มีทำนองซ้ำหลายครั้งในเสียงเบส 10 11 วิโอลาดากัมบาเป็นเครื่องดนตรีโบราณที่มีลักษณะคล้ายเชลโล 11 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียบทนำขนาดเล็กการประดิษฐ์สองส่วนและสามส่วน เขียนโดย Bach สำหรับการฝึกอบรมกับลูกชายคนโตของเขา Wilhelm Friedemann ในทางกลับกันนี่เป็นผลงานชิ้นเอกสองเล่มแรก - "The Well-Tempered Clavier" ซึ่งรวมถึงบทนำและการหลบหนีทั้งหมด 48 ครั้งและองค์ประกอบขนาดใหญ่ของแผนการจัดคอนเสิร์ต - "Chromatic Fantasy และ Fugue" สมัยKöthenยังรวมถึงการสร้างคอลเลกชันของห้องสวีทคลาเวียร์ 2 คอลเลกชันซึ่งเรียกว่า "ฝรั่งเศส" และ "อังกฤษ" เจ้าชายเลโอโปลด์พาบาคเดินทางไปยังรัฐใกล้เคียงด้วย เมื่อโยฮันน์เซบาสเตียนกลับจากการเดินทางครั้งนี้ในปี 1720 เขาเสียใจ - มาเรียบาร์บาร่าภรรยาของเขาเพิ่งเสียชีวิตทิ้งลูกสี่คน (อีกสามคนเสียชีวิตก่อนกำหนด) หนึ่งปีครึ่งต่อมาบาคแต่งงานอีกครั้ง แอนนาแม็กดาเลนาภรรยาคนที่สองของเขามีเสียงที่ดีและมีความเป็นดนตรีมาก การศึกษาร่วมกับเธอบาคได้แต่งเพลง "สมุดบันทึก" สองเล่มจากบทละครของเขาและอีกส่วนหนึ่งจากบทละครของนักเขียนคนอื่น ๆ Anna Magdalena เป็นเพื่อนร่วมชีวิตที่ใจดีและห่วงใยของ Johann Sebastian เธอให้กำเนิดบุตรชายสิบสามคนซึ่งหกคนรอดชีวิตจากวัยผู้ใหญ่ ไลป์ซิก. ในปี 1723 บาคย้ายไปที่เมืองไลพ์ซิกซึ่งเป็นศูนย์กลางการค้าและวัฒนธรรมขนาดใหญ่ของแซกโซนีใกล้กับทูรินเจีย เขารักษาความสัมพันธ์อันดีกับเจ้าชายเลโอโปลด์ แต่ในKöthenความเป็นไปได้ของกิจกรรมดนตรีมี จำกัด - ไม่มีทั้งอวัยวะขนาดใหญ่หรือนักร้องประสานเสียง นอกจากนี้ลูกชายคนโตของ Bach ก็เติบโตขึ้นซึ่งเขาต้องการให้การศึกษาที่ดี ในไลพ์ซิกบาครับตำแหน่งต้นเสียง - หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงของเด็กชายและครูโรงเรียนสอนร้องเพลง ที่โบสถ์เซนต์โทมัส (Tomaskirche) เขาต้องยอมรับเงื่อนไขที่น่าอับอายหลายประการเช่น "ไม่ควรออกจากเมืองโดยไม่ได้รับอนุญาตจากเจ้าเมือง" ต้นเสียงของบาคมีหน้าที่รับผิดชอบอื่น ๆ อีกมากมาย เขาต้องแบ่งคณะนักร้องประสานเสียงของโรงเรียนเล็ก ๆ และวงออเคสตราขนาดเล็กเป็นส่วน ๆ (หรือมากกว่านั้นก็คือวงดนตรี) เพื่อให้ดนตรีดังขึ้นในระหว่างการให้บริการในโบสถ์สองแห่งเช่นเดียวกับในงานแต่งงานงานศพและงานเทศกาลต่างๆ และไม่ใช่ทุกคนที่มีความสามารถทางดนตรีที่ดี โรงเรียนบ้านสกปรกถูกทอดทิ้งนักเรียนได้รับการเลี้ยงดูไม่ดีและแต่งตัวไม่ดี สำหรับบาคคนนี้ซึ่งในเวลาเดียวกันถือเป็น "ผู้อำนวยเพลง" ของไลป์ซิกได้ดึงดูดความสนใจของเจ้าหน้าที่คริสตจักรและรัฐบาลของเมือง (ผู้พิพากษา) มากกว่าหนึ่งครั้ง แต่ในทางกลับกันเขาได้รับความช่วยเหลือทางการเงินเพียงเล็กน้อย แต่ก็มีการจู้จี้และตำหนิอย่างเป็นทางการจำนวนมาก กับนักเรียนของเขาเขาไม่เพียง แต่เรียนร้องเพลง แต่ยังเล่นเครื่องดนตรีด้วยนอกจากนี้เขายังจ้างครูสอนภาษาละตินให้พวกเขาด้วยค่าใช้จ่ายของเขาเอง โบสถ์และโรงเรียนเซนต์โทมัส (ซ้าย) ในเมืองไลพ์ซิก (จากการแกะสลักแบบเก่า). แม้จะมีสถานการณ์ในชีวิตที่ยากลำบาก Bach ก็มีส่วนร่วมอย่างกระตือรือร้นในการสร้างสรรค์ ในช่วงสามปีแรกของการรับใช้เขาแต่งและเรียนรู้แคนทาทาทางจิตวิญญาณใหม่กับนักร้องประสานเสียงเกือบทุกสัปดาห์ โดยรวมแล้วผลงานของ Bach ประมาณสองร้อยชิ้นในประเภทนี้รอดชีวิตมาได้ และยังเป็นที่รู้จักกันอีกหลายโหลของฆราวาสฆราวาส ตามกฎแล้วพวกเขากล่าวถึงการต้อนรับและแสดงความยินดีแก่บุคคลชั้นสูงหลายคน แต่ในหมู่พวกเขามีข้อยกเว้นเช่นการ์ตูนเรื่อง Coffee Cantata ที่เขียนใน Leipzig ซึ่งคล้ายกับฉากจากการ์ตูนโอเปร่า มันบอกว่า Lizhen วัยหนุ่มสาวที่มีชีวิตชีวาชื่นชอบแฟชั่นใหม่ในการดื่มกาแฟต่อต้านเจตจำนงและคำเตือนของพ่อของเธอชเลนเดรียนผู้ขี้บ่นคนเก่า ในเมืองไลพ์ซิกบาคได้สร้างผลงานการร้องและการบรรเลงที่โดดเด่นที่สุดของเขา - "Passion for John", "Passion for St. Matthew" 12 และ Mass in B minor ซึ่งมีเนื้อหาใกล้เคียงกับพวกเขาตลอดจนเครื่องมือต่างๆจำนวนมาก ผลงานรวมถึงเล่มที่สอง "Well-Tempered Clavier" ชุดของยอห์นและมัทธิว (เช่นเดียวกับมาระโกและลูกา) - ผู้ติดตามคำสอนของพระเยซูคริสต์ผู้รวบรวมพระวรสาร - เรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตทางโลกของเขาความทุกข์ทรมาน (" ความสนใจ ") และความตาย “ Gospel” แปลจากภาษากรีกแปลว่า“ ข่าวดี” 12 12 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย "The Art of the Fugue" เขาเดินทางไปเดรสเดนฮัมบูร์กเบอร์ลินและเมืองอื่น ๆ ในเยอรมันเล่นออร์แกนที่นั่นทดสอบเครื่องดนตรีใหม่ ๆ เป็นเวลากว่าสิบปีแล้วที่ Bach เป็นผู้นำที่ Leipzig Collegium of Music ซึ่งเป็นสังคมของนักศึกษามหาวิทยาลัยและคนรักดนตรี - นักบรรเลงและนักร้อง ภายใต้การดูแลของ Bach พวกเขาจัดคอนเสิร์ตสาธารณะจากผลงานทางโลก การสื่อสารกับนักดนตรีเขาเป็นคนแปลกแยกสำหรับความหยิ่งผยองและพูดถึงทักษะที่หายากของเขาว่า“ ฉันต้องทำงานหนักใครจะขยันเท่ากันก็จะประสบความสำเร็จเช่นเดียวกัน” ครอบครัวใหญ่ของเขานำความกังวลมากมาย แต่ก็มีความสุขมากมายมาสู่บาค ในแวดวงของเธอเขาสามารถจัดคอนเสิร์ตได้ทั้งบ้าน ลูกชายทั้งสี่ของเขากลายเป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียง เหล่านี้คือ Wilhelm Friedemann และ Karl Philip Emanuel (ลูก ๆ ของ Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich และ Johann Christian (ลูก ๆ ของ Anna Magdalena) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาสุขภาพของ Bach แย่ลง สายตาของเขาแย่ลงอย่างรวดเร็ว ในช่วงต้นปี 1750 เขาได้รับการผ่าตัดตาสองครั้งไม่ประสบความสำเร็จตาบอดและเสียชีวิตในวันที่ 28 กรกฎาคม โยฮันน์เซบาสเตียนบาคใช้ชีวิตอย่างยากลำบากและทำงานหนักโดยได้รับแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยม เขาไม่ได้ทิ้งโชคสำคัญและ Anna Magdalena เสียชีวิตในบ้านพักคนชราสำหรับคนยากจนในสิบปีต่อมา และลูกสาวคนสุดท้องของ Bach Regina Susanna ซึ่งมีชีวิตอยู่จนถึงศตวรรษที่ 19 "ได้รับการช่วยให้รอดพ้นจากความยากจนโดยการบริจาคส่วนตัวซึ่ง Beethoven เข้ามามีส่วนร่วมมากความคิดสร้างสรรค์ดนตรีของ Bach เชื่อมโยงกับวัฒนธรรมของประเทศบ้านเกิดของเขาเขาไม่เคยมีโอกาส ออกจากประเทศเยอรมนี แต่เขาศึกษาผลงานของนักประพันธ์ทั้งชาวเยอรมันและชาวต่างชาติอย่างกระตือรือร้นในงานของเขาเขาได้กล่าวถึงผลงานศิลปะดนตรีของยุโรปโดยทั่วไปอย่างยอดเยี่ยมผลงานส่วนใหญ่ ได้แก่ "St.John Passion", "St. Matthew Passion", Mass in B minor และงานอื่น ๆ อีกมากมายเกี่ยวกับข้อความทางจิตวิญญาณเขียนโดย Bach ไม่เพียง แต่ตามหน้าที่หรือประเพณีตามประเพณีของนักดนตรีในโบสถ์เท่านั้น แต่อบอุ่นด้วยความรู้สึกทางศาสนาที่จริงใจพวกเขาเต็มไปด้วยความเมตตาต่อความทุกข์ทรมานของมนุษย์ตื้นตันใจกับความเข้าใจใน ความสุขของมนุษย์เมื่อเวลาผ่านไปพวกเขาไปไกลเกินกว่าพระวิหารและไม่หยุดที่จะสร้างความประทับใจให้กับผู้ฟังที่มีเชื้อชาติและศาสนาต่างกันงานทางวิญญาณและทางโลกของบาคกับมนุษยชาติที่แท้จริงของพวกเขาเกี่ยวข้องกัน พวกเขาสร้างภาพดนตรีทั้งโลก ทักษะโพลีโฟนิกที่ไม่มีใครเทียบได้ของ Bach นั้นเสริมด้วยวิธีโฮโมโฟนิก - ฮาร์มอนิก ธีมเสียงของเขาถูกแทรกซึมไปกับวิธีการพัฒนาโดยใช้เครื่องมือและธีมที่ใช้บรรเลงมักจะทำให้อารมณ์อิ่มตัวราวกับว่ามีบางสิ่งที่สำคัญถูกร้องและออกเสียงโดยไม่มีคำพูด Toccata และ Fugue ใน D Minor สำหรับ Organ13 ผลงานที่ได้รับความนิยมอย่างสูงนี้เริ่มต้นด้วยเสียงร้องของเจตจำนงที่น่ากระวนกระวายใจ แต่กล้าหาญ มันฟังดูสามครั้งจากหนึ่งไปยังอีกอันหนึ่งและนำไปสู่คอร์ดที่ดังกึกก้องในรีจิสเตอร์ที่ต่ำกว่า ดังนั้นในตอนต้นของ toccata จะมีการระบุพื้นที่เสียงที่มืดครึ้มและยิ่งใหญ่ 1 คำถามและงานของ Adagio 1. ทำไมชะตากรรมของดนตรีของ Bach จึงผิดปกติ? 2. บอกเราเกี่ยวกับบ้านเกิดของบาคบรรพบุรุษและวัยเด็กของเขา 3. ชีวิตอิสระของบาคเริ่มต้นเมื่อใดและที่ไหน? 4. กิจกรรมของ Bach ในไวมาร์ดำเนินไปอย่างไรและจบลงอย่างไร? 5. เล่าให้เราฟังเกี่ยวกับชีวิตของ Bach ในKöthenและผลงานของเขาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา 6. บาคเล่นเครื่องดนตรีอะไรและเขาชอบเครื่องดนตรีอะไร? 7. ทำไมบาคถึงตัดสินใจย้ายไปไลป์ซิกและเขาต้องเจอกับปัญหาอะไรที่นั่น? 8. บอกเราเกี่ยวกับกิจกรรมของบาคในฐานะนักแต่งเพลงและบาคในฐานะนักแสดงในไลพ์ซิก ตั้งชื่อผลงานที่เขาสร้างขึ้นที่นั่น Toccata (ในภาษาอิตาลี "toccata" - "touch", "blow" จากคำกริยา "toccare" "to touch", "to touch") เป็นส่วนที่มีประโยชน์สำหรับเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด 13 13 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียได้ยินข้อความอัจฉริยะ "หมุน" ที่ทรงพลังและคลื่นเสียง "ระเบิด" ที่กว้างไกลออกไป พวกเขาถูกคั่นหลายครั้งโดยการหยุดชั่วคราวและหยุดบนคอร์ดแบบขยาย การจับคู่กันของการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและช้านี้ชวนให้นึกถึงการพักผ่อนระหว่างการต่อสู้กับองค์ประกอบที่รุนแรง และหลังจาก toccata ที่สร้างขึ้นอย่างอิสระและไม่เหมาะสมเสียง fugue ก็ดังขึ้น มันมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาเลียนแบบของธีมเดียวซึ่งหลักการ volitional ดูเหมือนจะควบคุมกองกำลังของธาตุ: 2 Allegro moderato เปิดเผยอย่างกว้างขวางการหลบหนีจะพัฒนาเป็นรหัส - ส่วนสุดท้ายและส่วนสุดท้าย ที่นี่อีกครั้งองค์ประกอบที่ไม่เหมาะสมของ toccata แตกออก แต่ในที่สุดเธอก็สงบลงด้วยคำพูดที่ตึงเครียด และแถบสุดท้ายของงานทั้งหมดถือเป็นชัยชนะที่รุนแรงและสง่างามของเจตจำนงของมนุษย์ที่ไม่สั่นคลอน Chorale preludes เป็นกลุ่มพิเศษของงานออร์แกนของ Bach ในหมู่พวกเขามีบทละครโคลงสั้น ๆ จำนวนหนึ่งที่โดดเด่นด้วยการแสดงออกที่ลึกซึ้ง ในนั้นเสียงท่วงทำนองของการขับร้องประสานเสียงได้รับการพัฒนาอย่างอิสระ นี่คือวิธีที่ยกตัวอย่างเช่นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของ Bach เพลงโหมโรงประสานเสียงใน F minor Clavier Music Inventions Bach รวบรวมคอลเลกชันง่ายๆหลายชิ้นจากที่เขาแต่งขณะสอนลูกชายคนโตของเขา Wilhelm Friedemann หนึ่งในคอลเลกชันเหล่านี้เขาวางชิ้นส่วนโพลีโฟนิกสองส่วนสิบห้าชิ้นไว้ในคีย์สิบห้าอันและเรียกมันว่า "สิ่งประดิษฐ์" แปลจากภาษาละตินคำว่า "การประดิษฐ์" หมายถึง "การประดิษฐ์", "การประดิษฐ์" สิ่งประดิษฐ์สองส่วนของ Bach ที่มีให้สำหรับการแสดงโดยนักดนตรีมือใหม่นั้นน่าทึ่งมากสำหรับความเฉลียวฉลาดแบบโพลีโฟนิกของพวกเขาและในเวลาเดียวกันสำหรับการแสดงออกทางศิลปะ ดังนั้นสิ่งประดิษฐ์สองส่วนแรกใน C major จึงเกิดจากธีมสั้น ๆ ราบรื่นและไม่เร่งรีบของธรรมชาติที่สงบและมีวิจารณญาณ เสียงด้านบนร้องเพลงและเลียนแบบ _ ซ้ำในอีกคู่ทันที - เสียงล่าง: 14 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาลูกบอลยางยืดศิลปะรัสเซียม้วน ในระหว่างการทำซ้ำ (การเลียนแบบ) เสียงส่วนบนจะยังคงเคลื่อนไหวอย่างไพเราะ สิ่งนี้ทำให้เกิดความขัดแย้งกับธีมในเสียงทุ้ม นอกจากนี้การต่อต้านนี้ซึ่งมีรูปแบบไพเราะเหมือนกัน - บางครั้งจะฟังเมื่อธีมปรากฏขึ้นอีกครั้งเป็นเสียงเดียว (แถบ 2-3, 7-8, 8-9) ในกรณีเช่นนี้ฝ่ายค้านจะเรียกว่าฝ่ายค้าน (ซึ่งตรงข้ามกับฝ่ายที่ไม่ได้รับการฝึกฝนซึ่งจะประกอบขึ้นใหม่ทุกครั้งที่มีการดำเนินการตามธีม) เช่นเดียวกับงานโพลีโฟนิกอื่น ๆ ในสิ่งประดิษฐ์นี้มีส่วนที่ธีมในรูปแบบเต็มไม่ส่งเสียง แต่จะใช้เฉพาะการเปลี่ยนแต่ละครั้งเท่านั้น ส่วนดังกล่าวจะอยู่ระหว่างการดำเนินการของหัวข้อและเรียกว่า interludes ความสมบูรณ์โดยทั่วไปของการประดิษฐ์ใน C major ได้รับจากการพัฒนาตามธีมเดียวซึ่งเป็นลักษณะของดนตรีโพลีโฟนิก ตรงกลางของชิ้นส่วนจะมีการออกจากคีย์หลักและในตอนท้ายมันจะกลับมา เมื่อฟังสิ่งประดิษฐ์นี้เราสามารถจินตนาการได้ว่านักเรียนสองคนทำซ้ำบทเรียนอย่างขยันขันแข็งพยายามบอกกันและกันให้ดีขึ้นด้วยการแสดงออกมากขึ้น ในงานชิ้นนี้ซึ่งมีโครงสร้างคล้ายกับสิ่งประดิษฐ์ที่สำคัญของ C เทคนิคพิเศษมีบทบาทสำคัญ ตามการแนะนำครั้งแรกของหัวข้อในเสียงส่วนบนเสียงด้านล่างไม่เพียง แต่เลียนแบบเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความต่อเนื่อง (ฝ่ายค้าน) ด้วย ดังนั้นในขณะที่มีการบัญญัติและการบรรเทาอย่างต่อเนื่องและลิกานนท์ พร้อมกับสิ่งประดิษฐ์สองส่วน Bach ประกอบด้วยชิ้นส่วนโพลีโฟนิกสามส่วนสิบห้าชิ้นในคีย์เดียวกัน เขาตั้งชื่อให้! "Symphonies" (แปลจากภาษากรีก - "ความสอดคล้องกัน") สำหรับในสมัยก่อนมักเรียกว่างานประดิษฐ์โพลีโฟนิก แต่ต่อมาได้รับการยอมรับให้เรียกละครเหล่านี้ว่าสิ่งประดิษฐ์สามส่วน พวกเขาใช้เทคนิคที่ซับซ้อนมากขึ้นของการพัฒนาโพลีโฟนิก ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือการประดิษฐ์สามส่วนใน F minor (เก้า) เริ่มต้นด้วยการนำเสนอสองธีมที่ตัดกันพร้อมกัน พื้นฐานของหนึ่งในนั้นที่ทำให้เกิดเสียงทุ้มคือการสืบเชื้อสายที่ตึงเครียดที่วัดได้ตามเซมิโคลนสี การเคลื่อนไหวดังกล่าวเป็นเรื่องปกติในอาเรียที่น่าเศร้าจากโอเปราเก่า ๆ มันเป็นเหมือนเสียงที่เศร้าหมองของโชคชะตาที่ชั่วร้ายโชคชะตา แรงจูงใจที่น่าเศร้า - ถอนหายใจแทรกซึมเข้าสู่ธีมที่สองที่อยู่ตรงกลางเสียงระนาดเอก: ในอนาคตทั้งสองธีมนี้จะเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับธีมที่สามพร้อมด้วยคำอุทานวิงวอนที่จริงใจยิ่งขึ้น เสียงแห่งโชคชะตาอันชั่วร้ายยังคงไม่อาจให้อภัยได้จนกว่าจะสิ้นสุดการเล่น แต่เสียงแห่งความเศร้าโศกของมนุษย์ไม่ได้หยุดลง ประกายแห่งความหวังของมนุษย์ที่ไม่อาจแยกออกจากกันได้ในตัวพวกเขา และมันจะกะพริบชั่วขณะในคอร์ดหลัก F สุดท้าย “ ซิมโฟนี” ของ Bach ใน B minor Harpsichord ในบ้านของ Bach ใน Eisenach 15 ก็โดดเด่นด้วยความเข้าใจโคลงสั้น ๆ www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย (การประดิษฐ์สามส่วนหมายเลข 15) ในคำนำของต้นฉบับของสิ่งประดิษฐ์และ "ซิมโฟนี" ของเขาบาคชี้ให้เห็นว่าพวกเขาควรช่วยพัฒนา "ลักษณะการเล่นที่ไพเราะ" บนฮาร์ปซิคอร์ดนี่เป็นเรื่องยากที่จะทำสำเร็จ ดังนั้นบาคจึงชอบที่บ้านรวมถึงในห้องเรียนกับนักเรียนของเขาที่จะใช้เครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ดแบบอื่นนั่นคือคลาวิคอร์ด เสียงที่เบาไม่เหมาะสำหรับการแสดงคอนเสิร์ต แต่ดังที่ได้กล่าวไปแล้วซึ่งแตกต่างจากฮาร์ปซิคอร์ดสายของคลาวิคอร์ดไม่ได้ถูกดึงออก แต่ถูกยึดด้วยแผ่นโลหะอย่างเบามือ สิ่งนี้ก่อให้เกิดความไพเราะของเสียงและช่วยให้เกิดเฉดสีแบบไดนามิก ดังนั้นบาคจึงมองเห็นความเป็นไปได้ของเสียงที่ไพเราะและสอดคล้องกันบนเปียโนซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่ในสมัยของเขายังไม่สมบูรณ์แบบในการออกแบบ และความปรารถนาของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่นี้ควรเป็นที่จดจำของนักเปียโนสมัยใหม่ทุกคน Couranta เป็นการเต้นรำสามส่วนที่มีต้นกำเนิดจากฝรั่งเศส แต่สำหรับการตีระฆังฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสความซับซ้อนของจังหวะและกิริยาท่าทางเป็นเรื่องปกติ ห้องชุดของ Courant in Bach ใน C minor นั้นคล้ายกับแนวการเต้นประเภทนี้ของอิตาลีซึ่งมีชีวิตชีวาและว่องไวมากขึ้น สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยการผสมผสานที่ยืดหยุ่นของเสียงสองเสียงซึ่งดูเหมือนจะยั่วยุซึ่งกันและกัน: "French Suite" ใน C minor ชุด clavier สามคอลเลกชันโดย Bach มีชื่อที่แตกต่างกัน เขาเรียกห้องสวีททั้ง 6 ห้องที่รวมอยู่ในคอลเลกชั่นที่สามว่า "พาร์ทิตา" (ชื่อของชุด "พาร์ทิตา" ไม่เพียง แต่พบในผลงานของเขาเท่านั้น และคอลเลกชันอื่น ๆ อีกสองชิ้น - หกชิ้นในแต่ละชิ้น - เริ่มถูกเรียกว่า "French suites" และ "English suites" หลังจากการตายของ Bach ด้วยเหตุผลที่ไม่ชัดเจน ห้องที่สองของ French Suites เขียนด้วยคีย์ของ C minor ตามประเพณีที่จัดตั้งขึ้นในห้องสวีทเก่าประกอบด้วยสี่ส่วนหลัก ได้แก่ Allemando, Courante, Sarabanda และ Gigue รวมถึงส่วนสื่อกลางอีกสองส่วน - Aria และ Minuet แทรกระหว่าง Sarabanda และ Gigue Allemand เป็นการเต้นรำที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16-17 ในหลายประเทศในยุโรป - อังกฤษเนเธอร์แลนด์เยอรมนีฝรั่งเศสและอิตาลี ตัวอย่างเช่นอัลลีมานด์ของเยอรมันในสมัยก่อนนั้นเป็นการเต้นแบบกลุ่มที่หนักหน่วง แต่เมื่อเข้าไปในห้องสวีทคลาเวียร์ในศตวรรษที่ 18 อัลลีมานด์เกือบจะสูญเสียลักษณะการเต้นไป จาก "บรรพบุรุษ" ของเธอเธอยังคงรักษาเพียงขั้นตอนแบบสบาย ๆ ทีละน้อยโดยมีขนาดประมาณสี่หรือสองในสี่ ในที่สุดมันก็กลายเป็นโหมโรงที่สร้างขึ้นอย่างหลวม ๆ ดูเหมือนบทนำบทกวีที่คร่ำครวญและ Allemand จากชุดของ Bach ใน C minor สามเสียงส่วนใหญ่มักจะนำพวกเขามาที่นี่ แต่บางครั้งเสียงที่สี่ก็เชื่อมโยงถึงพวกเขา ในเวลาเดียวกันเสียงที่ไพเราะที่สุดคืออันดับหนึ่ง: Sarabande เป็นการเต้นรำแบบสเปนสามส่วน ครั้งหนึ่งเขาเป็นคนรวดเร็วเจ้าอารมณ์และต่อมาก็เชื่องช้าเคร่งขรึมมักจะอยู่ใกล้กับขบวนไว้ทุกข์ Sarabande จากห้องชุดของ Bach ถูกเก็บไว้ตั้งแต่ต้นจนจบในโกดังสามส่วน การเคลื่อนไหวของเสียงกลางและล่างนั้นเข้มงวดและเข้มข้นตลอดเวลา (ไตรมาสที่แปดและแปดเหนือกว่า) และการเคลื่อนไหวของเสียงด้านบนนั้นอิสระกว่ามากและเคลื่อนที่ได้แสดงออกได้ชัดเจนมาก ช่วงที่สิบหกมีชัยที่นี่บ่อยครั้งที่มีการเคลื่อนไหวในช่วงกว้าง (ห้าหกเจ็ด) นี่คือวิธีการสร้างการนำเสนอดนตรีที่ตัดกันสองชั้นโดยสร้างเสียงที่เข้มข้นอย่างเป็นบทเพลง 15: "แบ่งออกเป็นส่วน ๆ " - คำว่า "พาร์ทิตา" แปลมาจากภาษาอิตาลี (จากคำกริยา "partire" - "to Divide") ใน saraband เสียงส่วนบนที่นำหน้าไม่ได้แตกต่างกับเสียงอื่น ๆ มากนัก แต่เป็นการเติมเต็มพวกเขา 14 15 16 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Prelude and Fugue in C minor จากเล่มแรกของ Well-Tempered Clavier Prelude and Fugue in C major, Prelude and Fugue in C minor, Prelude and Fugue in C sharp major, Prelude และ Fugue ใน C sharp minor - และอื่น ๆ สำหรับทั้งสิบสอง semitones ที่รวมอยู่ในอ็อกเทฟ ผลลัพธ์คือทั้งหมด 24 รอบสองส่วน "Prelude and Fugue" ในคีย์หลักและคีย์รองทั้งหมด นี่คือวิธีการสร้างไดรฟ์ข้อมูลทั้งสอง (รวม 48 preludes และ fugues) ของ Well-Tempered Clavier ของ Bach ผลงานที่ยิ่งใหญ่นี้ได้รับการยอมรับว่าเป็นงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลกของศิลปะดนตรี บทนำและการหลบหนีจากสองเล่มนี้รวมอยู่ในทั้งเพลงเพื่อการศึกษาและคอนเสิร์ตของนักเปียโนมืออาชีพทั้งหมด ในช่วงเวลาของ Bach อารมณ์ที่เท่าเทียมกันในที่สุดก็ค่อยๆถูกสร้างขึ้นในการปรับแต่งเครื่องมือคีย์บอร์ด - การแบ่งอ็อกเทฟออกเป็นสิบสองเซมิโคลอนเท่ากัน ก่อนหน้านี้ระบบปรับแต่งมีความซับซ้อนมากขึ้น สำหรับเธอในคีย์ที่มีอักขระมากกว่าสามหรือสี่ตัวช่วงเวลาและคอร์ดบางอย่างฟังดูไม่เหมาะสม ดังนั้นผู้ประพันธ์จึงหลีกเลี่ยงการใช้วรรณยุกต์ดังกล่าว Bach เป็นคนแรกที่พิสูจน์ได้อย่างยอดเยี่ยมใน The Well-Tempered Clavier ว่าด้วยอารมณ์ที่เท่าเทียมกันทั้งหมด 24 ปุ่มสามารถใช้ได้กับความสำเร็จที่เท่าเทียมกัน สิ่งนี้เปิดโลกทัศน์ใหม่ให้กับนักแต่งเพลงเพิ่มขึ้นเช่นความสามารถในการปรับเปลี่ยน (การเปลี่ยน) จากคีย์หนึ่งไปยังอีกคีย์หนึ่ง ใน The Well-Tempered Clavier Bach ได้กำหนดประเภทของวงจรสองส่วน“ โหมโรงและ Fugue” โหมโรงถูกสร้างขึ้นอย่างอิสระ ในนั้นบทบาทสำคัญสามารถเล่นได้โดยการจัดการและการด้นสดแบบโฮโมนิก - ฮาร์โมนิก สิ่งนี้สร้างความแตกต่างให้กับ fugue ในฐานะชิ้นส่วนโพลีโฟนิกที่เคร่งครัด ในเวลาเดียวกันส่วนต่างๆของวัฏจักร "โหมโรงและ Fugue" ไม่เพียง แต่เป็นโทนเสียงทั่วไปเท่านั้น ในแต่ละกรณีการเชื่อมต่อภายในที่ละเอียดอ่อนจะแสดงออกมาในแบบของตัวเองระหว่างพวกเขา คุณสมบัติทั่วไปเหล่านี้สามารถตรวจสอบได้ใน Prelude และ Fugue ใน C minor จากเล่มแรกของ Well-Tempered Clavier โหมโรงประกอบด้วยสองส่วนหลัก ยิ่งใหญ่มากขึ้นก่อนจะเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวของทั้งสิบหกอย่างรวดเร็วแม้กระทั่งในมือทั้งสองข้าง เต็มไปด้วยองค์ประกอบที่ไพเราะและฮาร์โมนิกที่แสดงออกจากภายใน ดูเหมือนว่าจะคับแคบริมฝั่งกระแสน้ำที่ไม่กระสับกระส่าย: Gigue เป็นการเต้นรำที่ว่องไวและกระปรี้กระเปร่าซึ่งมีต้นกำเนิดจากไอร์แลนด์และอังกฤษ 16 ในสมัยก่อนกะลาสีเรือชาวอังกฤษชอบเต้นรำ ในห้องสวีทรูปลักษณ์มักจะเป็นส่วนสุดท้ายสุดท้าย ใน Jigue C minor ของเขา Bach มักใช้เทคนิคการเลียนแบบมาตรฐานระหว่างสองเสียง (เช่นเดียวกับ Invention in F major) การนำเสนอของบทละครนี้ถูกแทรกซึมผ่านจังหวะประ "ตีกลับ": เมื่อเทียบกับความแตกต่างระหว่าง Allemand และ Couranta ความแตกต่างระหว่าง Sarabanda และ Giga จะคมชัดกว่า แต่จะอ่อนลงโดยมีส่วนเพิ่มเติมสองส่วนแทรกระหว่างพวกเขา ท่อนนี้เรียกว่า "Aria" ค่อนข้างจะไม่ได้เป็นเพลงเดี่ยวในโอเปร่า แต่เป็นเพลงที่สงบและเรียบง่าย Minuet ต่อไปคือการเต้นรำแบบฝรั่งเศสที่ผสมผสานความคล่องตัวเข้ากับความสง่างาม ดังนั้นในชุดนี้ด้วยโทนเสียงทั่วไปเดียวทุกส่วนจะถูกเปรียบเทียบในรูปแบบที่แตกต่างกันในความสัมพันธ์เชิงอุปมาอุปไมย ขนาดของถนนลาดยางส่วนใหญ่เป็นสามทาง ในศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่เป็น 3/8, 6/8, 9/8, 12/8 16 17 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะเสียงกลางของรัสเซียธีมที่ชัดเจนบรรเทาและจดจำได้ดีพร้อมจังหวะการเต้นที่ยืดหยุ่น: 11 Moderato ความพากเพียรที่กระตือรือร้นรวมอยู่ในธีมด้วยความสง่างามผ่านความสงบที่ตั้งใจ สามารถมองเห็นความชั่วร้ายที่มีเล่ห์เหลี่ยม นี่เป็นโอกาสสำหรับการพัฒนาที่หลากหลายและไม่หยุดนิ่ง ในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนาธีมจะฟังดูเบาเพียงครั้งเดียวที่แสดงในคีย์หลัก (E flat major) ในการบรรเลงของชุดรูปแบบหลักสามชุดในคีย์หลัก (C minor) ครั้งที่สองในเสียงเบสได้รับขอบเขตที่ทรงพลังเช่นนี้ซึ่งทำให้คนหนึ่งระลึกถึงพลังธรรมชาติที่โหมกระหน่ำในเพลงโหมโรง และอีกประการหนึ่งการนำสุดท้ายของธีม Fugue จบลงด้วยคอร์ดก่อนสำคัญที่รู้แจ้ง ความคล้ายคลึงกันระหว่างตอนจบของโหมโรงและ fugue เผยให้เห็นความสัมพันธ์ทางอารมณ์ภายในของส่วนที่ตัดกันของวัฏจักร เมื่อสะสมพลังงานอันทรงพลังไว้แล้วกระแสนี้ในตอนท้ายของส่วนแรกดูเหมือนจะล้นออกมาและในตอนต้นของส่วนถัดไปจะกลายเป็นแรงกระตุ้นมากขึ้นและขู่ว่าจะกวาดล้างทุกสิ่งที่ขวางทาง จุดสุดยอดของการโหมโรงนี้มีการทำเครื่องหมายโดยการเปลี่ยนจังหวะเป็นเร็วที่สุด (เพสโต้) และการใช้เทคนิคโพลีโฟนิกซึ่งเป็นหลักการสองส่วน แต่องค์ประกอบที่โกรธนั้นหยุดกะทันหันด้วยการตีคอร์ดและวลีที่สำคัญของการพูดซ้ำ จังหวะที่สองเกิดขึ้นที่นี่ - เป็นจังหวะที่ช้าที่สุด (Adagio) และหลังจากการเปลี่ยนจังหวะครั้งที่สามเป็น A11eggo ที่เร็วพอประมาณในแท่งสุดท้ายของโหมโรงจุดของอวัยวะชูกำลังในเบสจะค่อยๆชะลอการเคลื่อนไหวของโน้ตที่สิบหกในมือขวา มันจะกระจายอย่างนุ่มนวลและค้างบนคอร์ดหลัก C ความสงบและความสงบเข้ามา หลังจากจบการโหมโรงโดยไม่เสียค่าใช้จ่ายดังกล่าวความสนใจก็เปลี่ยนไปใช้แผนอื่นที่แตกต่างกัน Fugue สามส่วนเริ่มต้นขึ้น คำนี้ในภาษาละตินและอิตาลีหมายถึง "วิ่ง" "เที่ยวบิน" "ไหลเร็ว" ในดนตรี fugue เป็นงานโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนซึ่งเสียงดูเหมือนจะก้องและติดต่อกัน การหลบหนีส่วนใหญ่จะขึ้นอยู่กับธีมเดียว Fugues กับสองแม้จะน้อยกว่าด้วยสามและสี่ธีมก็พบได้น้อยกว่า และตามจำนวนของเสียงผู้ลี้ภัยเป็นสอง, สาม, สี่และห้าเสียง One-dark fugues เริ่มต้นด้วยการนำเสนอธีมในคีย์หลักด้วยเสียงใดเสียงหนึ่ง จากนั้นชุดรูปแบบจะถูกเลียนแบบสลับกับเสียงอื่น ๆ นี่คือวิธีการสร้างส่วนแรกของการหลบหนี - นิทรรศการ ในส่วนที่สอง - การพัฒนา - ธีมจะปรากฏในคีย์อื่น ๆ เท่านั้น และในส่วนที่สามและสุดท้าย - การบรรเลง 9 - จะดำเนินการอีกครั้งในคีย์หลัก แต่จะไม่นำเสนอเป็นเสียงเดียวอีกต่อไป การจัดนิทรรศการไม่ซ้ำที่นี่อย่างแน่นอน สิ่งที่ตรงกันข้ามและการแทรกสอดที่ถูกเก็บรักษาไว้ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในการหลบหนี C minor fugue ของ Bach ที่เรากำลังพูดถึงเริ่มปรากฏใน Fugue ซึ่งเป็นดนตรีโพลีโฟนิกรูปแบบที่สูงที่สุด - เติบโตเต็มที่และออกดอกที่สดใสที่สุดในผลงานของ Bach นักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงในศตวรรษที่ 19 Anton Grigorievich Rubinstein ในหนังสือเพลงและผู้แทนของเขาเขียนไว้โดยชื่นชม Well-Tempered Clavier ซึ่งใคร ๆ ก็สามารถพบได้ที่นั่น“ ผู้ลี้ภัยทางศาสนา, วีรบุรุษ, เศร้าโศก, น่าเกรงขาม, โศกเศร้า, มีอารมณ์ขัน, อภิบาล , ตัวละครที่น่าทึ่ง; มีเพียงสิ่งเดียวเท่านั้นที่พวกเขาทุกคนเหมือนกัน - ในด้านความงาม ... ” ผู้ร่วมสมัยของโยฮันน์เซบาสเตียนบาคคือเฟรดฟรีดริชฮันเดลนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ (ค.ศ. 1685-1759) ปรมาจารย์ด้านพฤกษ์ศาสตร์ที่โดดเด่น ชะตากรรมของเขาแตกต่างกัน เขาใช้ชีวิตส่วนใหญ่นอกประเทศเยอรมนีย้ายจากประเทศหนึ่งไปยังอีกประเทศหนึ่ง (เขาอาศัยอยู่ในอังกฤษเป็นเวลาหลายสิบปี) 18 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียฮันเดลเป็นผู้เขียนโอเปร่าออราโทริโอและผลงานเครื่องมือต่างๆมากมาย เกี่ยวกับการก่อตัวของรูปแบบคลาสสิกในคำถามและงานดนตรี 1. งานทางวิญญาณและทางโลกของบาคมีอะไรเหมือนกัน? 2. บอกเราเกี่ยวกับลักษณะที่เป็นรูปเป็นร่างของ Toccata และ Fugue for Organ ใน D minor 3. ร้องเพลงตามธีมของสิ่งประดิษฐ์ของ Bach ที่คุณรู้จัก counterposition คืออะไรเมื่อเรียกว่า retained? 4. อินเทอลูดในโพลีโฟนิกคืออะไร? สิ่งที่เลียนแบบเรียกว่าบัญญัติหรือศีล? 5. ตั้งชื่อและอธิบายส่วนหลักของ "French Suite" ใน C minor 6. Clavier อารมณ์ดีของ Bach ถูกสร้างขึ้นมาได้อย่างไร? 7. อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญระหว่างโหมโรงและ Fugue? แสดงสิ่งนี้ด้วย Prelude และ Fugue ใน C minor จากเล่มแรกของ The Well-Tempered Clavier มีความคล้ายคลึงกันหรือไม่? โรงละครดนตรีในศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงกลางและครึ่งหลังเป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในทุกด้านของศิลปะดนตรีของยุโรป ด้วยการเริ่มต้นของศตวรรษนี้สองแนวเพลงค่อยๆปรากฏขึ้นในอุปรากรอิตาลี - โอเปร่า - เซเรีย (จริงจัง) และโอเปร่า - บัฟฟา (การ์ตูน) ในละครโอเปร่า - เซเรียแผนการในตำนานและประวัติศาสตร์ยังคงมีชัยซึ่งวีรบุรุษที่เรียกว่า "สูง" ปรากฏตัวขึ้น - เทพในตำนานราชาแห่งรัฐโบราณผู้บัญชาการในตำนาน และในโอเปร่าบัฟฟานั้นพล็อตได้กลายเป็นส่วนใหญ่ร่วมสมัยทุกวัน วีรบุรุษในที่นี้เป็นคนธรรมดาที่ทำตัวมีพลังและมีความเชื่อเหมือนมีชีวิต The Maid-Lady ของ Giovanni Battista Pergolesi ซึ่งปรากฏตัวต่อหน้าสาธารณชนในปี 1733 ใน Naples เป็นตัวอย่างที่โดดเด่นครั้งแรกของละครบัฟฟา นางเอกซึ่งเป็นคนรับใช้ที่กล้าได้กล้าเสียของ Serpina - แต่งงานกับอูเบอร์โตเจ้านายผู้ไม่พอใจของเธอและตัวเธอเองก็กลายเป็นเมียน้อย เช่นเดียวกับบัฟฟาโอเปร่าของอิตาลีในยุคแรก ๆ The Maid-Lady ได้รับการแสดงเป็นละครเวทีระหว่างการแสดงของซีรีส์โอเปร่า Proud Prisoner โดย Pergolesi (จำได้ว่าคำภาษาละตินสำหรับการสลับฉากหมายถึงการสลับฉาก) ในไม่ช้า "The Maid-Lady" ก็ได้รับชื่อเสียงอย่างมากในหลายประเทศในฐานะงานอิสระ ในฝรั่งเศสการ์ตูนโอเปร่าถือกำเนิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 มันเกิดขึ้นจากการแสดงตลกที่สนุกสนานและมีไหวพริบพร้อมดนตรีที่มอบให้ในโรงภาพยนตร์ที่งานแสดงสินค้าปารีส และเพื่อให้กลายเป็นการ์ตูนโอเปร่าซึ่งลักษณะสำคัญของตัวละครคือเสียงพูดตัวอย่างของโอเปร่า - บัฟฟาของอิตาลีช่วยคอเมดี้ที่เป็นธรรมของฝรั่งเศส การแสดงในปารีสของคณะละครโอเปร่าของ "ควาย" ของอิตาลีเป็นสิ่งสำคัญสำหรับเรื่องนี้เมื่อเมืองหลวงของฝรั่งเศสหลงใหลใน "The Maid-Lady" Pergolesi อย่างแท้จริง ในทางตรงกันข้ามกับโอเปร่า - บัฟต้าของอิตาลีในโอเปร่าการ์ตูนของฝรั่งเศสตัวเลขอาเรียสจะสลับกันไม่ได้เป็นการอ่านซ้ำ แต่ใช้บทสนทนาที่เป็นเสียงพูด นอกจากนี้ยังสร้าง zing-spiel - การ์ตูนโอเปร่าหลากหลายของเยอรมันและออสเตรียซึ่งปรากฏในผลงานหลักที่สองผลงานด้านเสียงและการบรรเลง "Passion for John", "Passion for St. Matthew" Mass ใน B minor Spiritual cantatas (ประมาณ 200 รอดชีวิต) และวงดนตรีฆราวาส (เก็บรักษาไว้กว่า 20) งานวงออเคสตรา 4 ห้อง ("โอเวอร์เชอร์") คอนเสิร์ต "บรันเดนบูร์กคอนแชร์โตส์" 6 ชุดสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวที่มีแชมเบอร์ออเคสตรา 7 คอนแชร์โตสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด 3 คอนแชร์โตสำหรับสอง, 2 สำหรับสามฮาร์ปซิคอร์ด 2 ไวโอลินคอนแชร์โตสำหรับ ไวโอลินสองตัวทำงานสำหรับเครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับ 3 โซนาต้าและ 3 พาร์ทิตัสสำหรับไวโอลินเดี่ยว 6 โซนาต้าสำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ด 6 สวีท ("โซนาตาส") สำหรับโซโลเชลโลออร์แกนงานร้องประสานเสียง 70 เพลงก่อนรวมและ fugues Toccata และ fugue ใน D minor Passacaglia ใน C minor Piano score คอลเล็กชัน "Small Preludes and Fugues" 15 สิ่งประดิษฐ์สองส่วน 15 ชิ้นและสิ่งประดิษฐ์สามส่วน 15 ชิ้น ("ซิมโฟนี") 48 บทนำและ fugues ของ "Well-tempered clavier" 6 "French kikh” และ 6 ห้องสวีท“ English” 6 ห้อง (พาร์ติทัส)“ Italian Concerto” สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดเดี่ยว“ Chromatic Fantasy and Fugue”“ The Art of the Fugue” 19 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในแวดวงศิลปะรัสเซียในช่วงครึ่งปี ของศตวรรษที่ 18 17. ภาษาดนตรีของโอเปร่าการ์ตูนทุกประเภทมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเพลงพื้นบ้านและท่วงทำนองการเต้นรำ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 แนวเพลงที่จริงจังได้รับการปฏิรูปอย่างรุนแรงโดยคริสตอฟวิลลิบัลด์กลัคนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ (ค.ศ. 1714-1787) เขาเขียนโอเปร่านักปฏิรูปเรื่องแรกของเขา Orpheus และ Eurydice (1762) เกี่ยวกับนักร้องกรีกโบราณในตำนานซึ่งถูกใช้ซ้ำแล้วซ้ำเล่าในโอเปร่าตั้งแต่ยุคแรก ๆ (ซึ่งจะกล่าวถึงในบทนำ) Gluck ใช้เส้นทางที่ยากลำบากในการปฏิรูปของเขาในโอเปร่า เขามีโอกาสเยี่ยมชมหลายประเทศในยุโรปไม่ว่าจะเป็นเยอรมนีออสเตรียเดนมาร์กรวมถึงสาธารณรัฐเช็กที่ชาวสลาฟอาศัยอยู่รวมทั้งอิตาลีในอังกฤษ ก่อนที่จะตั้งรกรากอย่างมั่นคงในเวียนนากลัคได้จัดแสดงซีรีส์โอเปร่า 17 เรื่องของเขาบนโรงละครในมิลานเวนิสเนเปิลส์ลอนดอนโคเปนเฮเกนปรากและเมืองอื่น ๆ โอเปร่าประเภทนี้แสดงในโรงละครของศาลในหลายประเทศในยุโรป ข้อยกเว้นคือฝรั่งเศส ที่นั่นในกลางศตวรรษที่ 18 พวกเขายังคงแต่งเพลงและแสดงโอเปราจริงจังในสไตล์ฝรั่งเศสดั้งเดิมเท่านั้น แต่กลัคได้ศึกษาคะแนนโอเปร่าของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสชื่อดังอย่าง Jean-Baptiste Lully และ Jean-Philippe Rameau อย่างรอบคอบ นอกจากนี้กลัคยังเขียนและประสบความสำเร็จในการจัดแสดงผลงานแปดเรื่องในแนวการ์ตูนฝรั่งเศสแนวใหม่ในเวียนนา เขาคุ้นเคยอย่างไม่ต้องสงสัยกับบทประพันธ์ของอิตาลีที่มีการร้องเพลงของเยอรมันและออสเตรีย ความรู้ทั้งหมดนี้ทำให้ Gluck สามารถปรับปรุงหลักการที่ล้าสมัยไปแล้วในการเรียบเรียงโอเปราที่จริงจังได้อย่างเด็ดขาด ในโอเปร่านักปฏิรูปของเขาจัดแสดงครั้งแรกในเวียนนาและจากนั้นในปารีสกลัคเริ่มถ่ายทอดประสบการณ์ทางอารมณ์ของเหล่าฮีโร่ด้วยความจริงแท้และความตึงเครียดอย่างมาก เขาปฏิเสธที่จะรวบรวมข้อความอัจฉริยะไว้ในอาเรียสและเพิ่มความชัดเจนในการแสดงเนื้อหา โอเปร่าของเขามีจุดมุ่งหมายในการพัฒนาดนตรีและเวทีมากขึ้นมีความกลมกลืนกันมากขึ้นในองค์ประกอบ ดังนั้นในภาษาดนตรีและในการสร้างการ์ตูนเรื่องใหม่และโอเปราจริงจังที่ได้รับการปฏิรูปจึงมีการระบุคุณสมบัติที่โดดเด่นที่สำคัญของสไตล์คลาสสิกแบบใหม่นั่นคือประสิทธิผลของการพัฒนาความเรียบง่ายและความชัดเจนของวิธีการแสดงออกความกลมกลืนขององค์ประกอบขุนนางทั่วไปและ ลักษณะเด่นของดนตรี สไตล์นี้ค่อยๆเป็นรูปเป็นร่างในดนตรียุโรปตลอดช่วงศตวรรษที่ 18 ซึ่งครบกำหนดในปี 1770-1780 และครอบงำจนถึงกลางทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 ควรระลึกไว้เสมอว่าคำจำกัดความของ "คลาสสิก" อาจมีความหมายอื่นที่กว้างกว่า "คลาสสิก" (หรือ "คลาสสิก") เรียกอีกอย่างว่าดนตรีและงานศิลปะอื่น ๆ ที่ได้รับการยอมรับว่าเป็นแบบอย่างสมบูรณ์แบบไม่มีใครเทียบได้โดยไม่คำนึงถึงช่วงเวลาของการสร้างสรรค์ ในแง่นี้มวลชนของ Palestrina นักแต่งเพลงชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 16, โอเปร่าของ Prokofiev และซิมโฟนีของ Shostakovich โดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 20 สามารถเรียกได้ว่าคลาสสิกหรือคลาสสิก ดนตรีบรรเลงบนพื้นฐานสากลในวงกว้างเช่นเดียวกับการปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck ดนตรีบรรเลงได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นในศตวรรษที่ 18 เกิดขึ้นโดยความพยายามที่เป็นมิตรของนักแต่งเพลงจากหลายประเทศในยุโรป ด้วยการใช้บทเพลงและการเต้นรำพัฒนาความชัดเจนแบบคลาสสิกและความมีชีวิตชีวาของภาษาดนตรีพวกเขาจึงค่อยๆสร้างผลงานประเภทใหม่ของวงดนตรีเช่นซิมโฟนีคลาสสิกโซนาต้าคลาสสิกวงเครื่องสาย ในนั้นรูปแบบโซนาตามีความสำคัญมาก ดังนั้นวงจรการบรรเลงจึงเรียกว่าโซนาตาหรือโซนาตา - ซิมโฟนี แบบฟอร์ม Sonata คุณรู้อยู่แล้วว่ารูปแบบดนตรีโพลีโฟนิกที่สูงที่สุดคือ fugue และรูปแบบโซนาตาเป็นรูปแบบดนตรีฮาร์โมนิกโฮโมนิกที่สูงที่สุดซึ่งบางครั้งสามารถใช้เทคนิคโพลีโฟนิกได้เท่านั้น โดยการก่อสร้างของพวกเขาทั้งสองรูปแบบมีความคล้ายคลึงกัน เช่นเดียวกับใน fugue มีสามส่วนหลักในรูปแบบโซนาต้า: การแสดงความละเอียดและการบรรเลง แต่ก็มีความแตกต่างที่สำคัญเช่นกัน ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างรูปแบบโซนาต้าและ fugue ปรากฏขึ้นทันทีในนิทรรศการ 18. Fugues ส่วนใหญ่ที่ท่วมท้นนั้นสร้างขึ้นจากธีมเดียวทั้งหมดซึ่งในนิทรรศการจะจัดขึ้นสลับกันไปในแต่ละครั้งคำในภาษาเยอรมันนี้มาจาก "singen" ("เพื่อร้องเพลง ") และ" Spiel "(" เล่น ") ... 18 คำที่มาจากภาษาละตินหมายถึง "การนำเสนอ", "แสดง" 20 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซียเสียง และในรูปแบบการจัดแสดงโซนาต้าตามกฎแล้วจะมีสองธีมหลักปรากฏขึ้นโดยมีตัวละครที่แตกต่างกันมากหรือน้อย ขั้นแรกให้ชุดรูปแบบของส่วนหลักดังขึ้นหลังจากนั้นชุดรูปแบบของส่วนด้านข้างจะปรากฏขึ้น ในกรณีที่ไม่ควรเข้าใจคำจำกัดความของ "รอง" ว่าเป็น "รอง" ในความเป็นจริงในรูปแบบโซนาต้าธีมของส่วนด้านข้างมีความสำคัญไม่น้อยไปกว่าธีมของส่วนหลัก คำว่า "รอง" ถูกนำมาใช้ในที่นี้เนื่องจากไม่เหมือนกับคำแรกในการแสดงออกซึ่งไม่จำเป็นต้องฟังดูอยู่ในคีย์หลัก แต่เป็นคำอื่นที่เหมือนกับว่าอยู่ในคีย์รอง ในดนตรีคลาสสิกถ้าส่วนหลักในการจัดแสดงเป็นหลักส่วนรองจะถูกนำเสนอในคีย์ของตัวเด่น (เช่นถ้าคีย์ของส่วนหลักคือ C major คีย์ของส่วนรองคือ G รายใหญ่). หากส่วนหลักในการจัดแสดงมีค่าน้อยส่วนรองจะแสดงเป็นหลักคู่ขนาน (ตัวอย่างเช่นถ้าคีย์ของส่วนหลักอยู่ใน C minor คีย์ของส่วนรองจะอยู่ใน E flat major) ทั้งกลุ่มเล็ก ๆ หรือปาร์ตี้ที่เชื่อมโยงจะถูกวางไว้ระหว่างล็อตหลักและรอง ชุดรูปแบบการผ่อนปรนที่ไพเราะและเป็นอิสระอาจปรากฏที่นี่ แต่มีการใช้น้ำเสียงของชุดรูปแบบของส่วนหลักมากกว่า ส่วนลิงค์มีบทบาทในการเปลี่ยนไปยังส่วนด้านข้างซึ่งจะปรับเป็นคีย์ของส่วนด้านข้าง ดังนั้นความเสถียรของวรรณยุกต์จึงลดลง ข่าวลือดังกล่าวเริ่มคาดหมายว่าจะมี "งานดนตรี" ใหม่เกิดขึ้น ปรากฎว่าเป็นการเกิดขึ้นของรูปแบบของปาร์ตี้ข้างเคียง บางครั้งอาจมีการกล่าวนำหน้าด้วยบทนำ และหลังจากเกมด้านข้างจะได้ยินข้อสรุปเล็ก ๆ น้อย ๆ หรือเกมสุดท้ายทั้งหมดมักจะมีธีมที่เป็นอิสระ นี่คือวิธีสิ้นสุดการจัดนิทรรศการโดยรวมคีย์ของส่วนด้านข้าง ตามคำแนะนำของนักแต่งเพลงนิทรรศการทั้งหมดสามารถทำซ้ำได้ การพัฒนาเป็นส่วนที่สองของแบบฟอร์มโซนาต้า ในนั้นธีมที่คุ้นเคยจากการจัดนิทรรศการจะปรากฏในเวอร์ชันใหม่สลับและเปรียบเทียบในรูปแบบต่างๆ การโต้ตอบดังกล่าวมักไม่เกี่ยวข้องกับหัวข้อทั้งหมด แต่มีแรงจูงใจและวลีที่แยกออกจากหัวข้อเหล่านี้ นั่นคือธีมในการพัฒนานั้นเหมือนเดิมโดยแยกออกเป็นองค์ประกอบแยกกันเผยให้เห็นพลังงานที่มีอยู่ในนั้น ในขณะเดียวกันก็มีการเปลี่ยนวรรณยุกต์บ่อยๆ (เสียงหลักแทบจะไม่ถูกแตะเลยและสั้น ๆ ที่นี่) การปรากฏในวรรณยุกต์ธีมและองค์ประกอบต่างๆจะได้รับการส่องสว่างในรูปแบบใหม่ซึ่งแสดงจากมุมมองใหม่ เมื่อพัฒนาการในการพัฒนาถึงจุดสุดยอดอย่างมีนัยสำคัญหลักสูตรของมันจะเปลี่ยนทิศทาง ในตอนท้ายของส่วนนี้จะมีการเตรียมการกลับไปที่คีย์หลักและการบรรเลงจะเกิดขึ้น การบรรเลงเป็นส่วนที่สามของแบบฟอร์มโซนาต้า เริ่มต้นด้วยการส่งคืนส่วนหลักไปยังคีย์หลัก ฝ่ายที่เชื่อมต่อไม่ได้นำไปสู่คีย์ใหม่ ในทางตรงกันข้ามมันช่วยเสริมโทนเสียงหลักซึ่งในตอนนี้ทั้งส่วนรองและส่วนสุดท้ายจะถูกทำซ้ำ ดังนั้นการบรรเลงด้วยความเสถียรของโทนเสียงจึงทำให้สมดุลกับธรรมชาติที่ไม่เสถียรของการพัฒนาและให้ความกลมกลืนแบบคลาสสิกทั้งหมด บางครั้งการบรรเลงสามารถเสริมด้วยการก่อสร้างขั้นสุดท้าย - coda (มาจากคำภาษาละตินแปลว่า "หาง") ดังนั้นเมื่อเสียงร้องดังขึ้นความสนใจของเราจึงจดจ่ออยู่ที่การฟังการไตร่ตรองและรู้สึกถึงความคิดทางดนตรีที่รวมอยู่ในธีมเดียว เมื่องานเล่นในรูปแบบโซนาต้าหูของเราจะติดตามการเปรียบเทียบและการโต้ตอบของสองธีมหลัก (และเสริม) - ราวกับว่าเป็นไปตามพัฒนาการของกิจกรรมดนตรีต่างๆการกระทำทางดนตรี นี่คือความแตกต่างหลักระหว่างความเป็นไปได้ทางศิลปะของดนตรีทั้งสองรูปแบบนี้ วงจรโซนาตาคลาสสิก (โซนาตา - ซิมโฟนี) ในช่วงราว ๆ สามของศตวรรษที่ 18 ในที่สุดวงจรโซนาต้าแบบคลาสสิกก็ได้ก่อตัวขึ้นในดนตรี ก่อนหน้านี้งานบรรเลงถูกครอบงำโดยรูปแบบของชุดอุปกรณ์ซึ่งส่วนที่ช้าและเร็วสลับกันและรูปแบบของโซนาตาแบบเก่าซึ่งใกล้เคียงกับมัน ตอนนี้ในวงจรโซนาต้าแบบคลาสสิกจำนวนชิ้นส่วนได้รับการกำหนดอย่างแม่นยำแล้ว (โดยปกติจะเป็นสามหรือสี่ชิ้น) แต่เนื้อหาเหล่านี้มีความซับซ้อนมากขึ้น ตามกฎแล้วการเคลื่อนไหวแรกจะถูกเขียนในรูปแบบโซนาตาซึ่งได้กล่าวไว้ในย่อหน้าก่อนหน้า เธอเดินเร็วหรือเร็วพอประมาณ ส่วนใหญ่มักจะเป็น A11eggo ดังนั้นจึงเป็นเรื่องปกติที่จะเรียกส่วนดังกล่าวว่าโซนาต้าอัลเดโกร เพลงที่อยู่ในนั้นมักจะมีลักษณะที่มีพลังและมีประสิทธิภาพมักจะตึงเครียดและน่าทึ่ง การเคลื่อนไหวครั้งที่สองจะแตกต่างกับจังหวะแรกและอักขระทั่วไปเสมอ บ่อยครั้งที่มันช้าโคลงสั้น ๆ และไพเราะที่สุด แต่อาจแตกต่างออกไปเช่นคล้ายกับการบรรยายแบบสบาย ๆ หรือการเต้นรำที่สง่างามในรอบสามส่วนส่วนสุดท้ายส่วนที่สามตอนจบจะเร็วขึ้นอีกครั้งโดยปกติจะร้อนรนกว่า แต่มีความตึงเครียดภายในน้อยกว่าในการพัฒนาเมื่อเปรียบเทียบ กับครั้งแรก รอบชิงชนะเลิศของวงจรโซนาต้าคลาสสิก (โดยเฉพาะซิมโฟนี) มักวาดภาพความสนุกสนานรื่นเริงที่แออัดและธีมของพวกเขาใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำ ในกรณีนี้มักใช้รูปทรง rondo (จากภาษาฝรั่งเศส "ronde" - "circle") ดังที่คุณทราบส่วนแรก (ละเว้น) ที่นี่จะทำซ้ำหลายครั้งสลับกับส่วนใหม่ (ตอน) 21 www.classON.ru การศึกษาศิลปะของเด็กในรัสเซียโอเปร่าครั้งแรกของพวกเขา? 3. สไตล์คลาสสิกเติบโตขึ้นเมื่อใดและเวลาใดที่ครอบงำในดนตรี? อธิบายความแตกต่างระหว่างสองความหมายของคำจำกัดความของ "คลาสสิก" 4. อะไรคือความคล้ายคลึงกันในการก่อสร้างทั่วไประหว่างรูปแบบ fugue และ sonata? อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญระหว่างพวกเขา? 5. อะไรคือส่วนหลักและส่วนเพิ่มเติมของแบบฟอร์มโซนาต้า? วาดแผนภาพของมัน 6. ส่วนหลักและรองของแบบฟอร์มโซนาต้าเกี่ยวข้องกันอย่างไรในการจัดแสดงและการบรรเลง 7. อะไรคือสิ่งปกติสำหรับการพัฒนาในรูปแบบโซนาต้า? 8. อธิบายส่วนต่างๆของวงจรโซนาตาแบบคลาสสิก 9. ตั้งชื่อประเภทหลักของวงจรโซนาต้าแบบคลาสสิกขึ้นอยู่กับองค์ประกอบของนักแสดง ทั้งหมดนี้ยังแยกความแตกต่างของรอบชิงชนะเลิศของรอบสี่ส่วน แต่ในนั้นระหว่างส่วนสุดขั้ว (ที่หนึ่งและสี่) จะมีการวางสองส่วนตรงกลาง หนึ่ง - ช้า - มักจะเป็นเพลงที่สองในซิมโฟนีและอันดับที่สามในสี่วง การเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนีคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 คือ Minuet ซึ่งมาเป็นอันดับสองในสี่วง ดังนั้นเราจึงพูดถึงคำว่า "sonata", "quartet", "symphony" ความแตกต่างระหว่างวัฏจักรเหล่านี้ขึ้นอยู่กับองค์ประกอบของนักแสดง สถานที่พิเศษเป็นของซิมโฟนี - ชิ้นส่วนสำหรับวงออร์เคสตราที่ตั้งใจจะแสดงในห้องขนาดใหญ่ต่อหน้าผู้ฟังจำนวนมาก ในแง่นี้ซิมโฟนีอยู่ใกล้กับคอนเสิร์ต - งานสามส่วนสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวพร้อมกับวงออเคสตรา วงจรการบรรเลงในห้องที่พบมากที่สุด ได้แก่ โซนาต้า (สำหรับเครื่องดนตรีหนึ่งหรือสองชิ้น), ทรีโอ (สำหรับเครื่องดนตรีสามชิ้น), ควอเต็ต (สำหรับเครื่องดนตรีสี่ชิ้น), ควินเตท (สำหรับเครื่องดนตรีห้าชิ้น) 19. รูปแบบโซนาต้าและวงจรโซนาตา - ซิมโฟนีเช่นเดียวกับสไตล์คลาสสิกทั้งหมดในดนตรีถูกสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 18 ซึ่งเรียกว่า "ยุคแห่งการตรัสรู้" (หรือ "ยุคแห่งการตรัสรู้") รวมถึง "อายุ ของเหตุผล”. ในศตวรรษนี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงครึ่งหลังตัวแทนของสิ่งที่เรียกว่า "ฐานันดรที่สาม" ได้รับการส่งเสริมในหลายประเทศในยุโรป คนเหล่านี้เป็นคนที่ไม่มีตำแหน่งขุนนางหรือนักบวช พวกเขาประสบความสำเร็จในการทำงานและความคิดริเริ่มของตนเอง พวกเขาประกาศถึงอุดมคติของ "มนุษย์ตามธรรมชาติ" ซึ่งธรรมชาติเองก็มอบพลังสร้างสรรค์จิตใจที่สดใสและความรู้สึกลึก ๆ อุดมคติประชาธิปไตยที่มองโลกในแง่ดีนี้สะท้อนให้เห็นในรูปแบบของตัวเองโดยดนตรีและรูปแบบอื่น ๆ ของศิลปะและวรรณกรรม ตัวอย่างเช่นชัยชนะของจิตใจมนุษย์และมือที่ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยในช่วงเริ่มต้นของการตรัสรู้ได้รับการยกย่องจากนวนิยายชื่อดังของนักเขียนชาวอังกฤษ Daniel Defoe เรื่อง The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1719 Jozef Haydn 1732-1809 ดนตรีสไตล์คลาสสิกมาถึงจุดสูงสุดและมีดอกผลสูงในผลงานของ Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart และ Ludwig van Beethoven ชีวิตและการทำงานของพวกเขาแต่ละคนใช้เวลานานในเวียนนาเมืองหลวงของออสเตรีย ดังนั้น Haydn, Mozart และ Beethoven จึงถูกเรียกว่าคลาสสิกเวียนนา ออสเตรียเป็นอาณาจักรข้ามชาติ ในนั้นพร้อมกับชาวออสเตรียซึ่งมีภาษาพื้นเมืองเป็นภาษาเยอรมันมีชาวฮังกาเรียนอาศัยอยู่และชนชาติสลาฟต่าง ๆ รวมทั้งชาวเช็กชาวเซอร์เบียโครต เพลงและคำถามและงานของพวกเขา 1. การ์ตูนโอเปร่าประจำชาติในศตวรรษที่ 18 มีอะไรบ้าง? อะไรคือความแตกต่างระหว่างการสร้างบัฟฟาโอเปร่าของอิตาลีกับการสร้างโอเปร่าการ์ตูนฝรั่งเศส? 2. ประเทศและเมืองใดบ้างที่เป็นกิจกรรมของคริสตอฟวิลลิบัลด์กลัคนักปฏิรูปโอเปร่าผู้ยิ่งใหญ่ที่เชื่อมต่อ? เขาเขียนพล็อตเรื่องอะไรชื่อวงดนตรีวงดนตรีวงอื่น ๆ - sextet (6), septet (7), octet (8), nonet (9), decimet (10) คำจำกัดความของ "แชมเบอร์มิวสิก" มาจากคำภาษาอิตาลี "กล้อง" - "ห้อง" จนถึงศตวรรษที่ 19 มักมีการแต่งเพลงสำหรับเครื่องดนตรีหลายชนิดที่บ้านกล่าวคือพวกเขาเข้าใจว่าเป็น "ดนตรีประจำห้อง" 19 22 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาท่วงทำนองศิลปะการเต้นรำของรัสเซียสามารถได้ยินได้ทั้งในหมู่บ้านและในเมือง ในเวียนนาดนตรีพื้นบ้านดังขึ้นทุกที่ทั้งในใจกลางและชานเมืองตามทางแยกของถนนในสวนสาธารณะและสวนสาธารณะในร้านอาหารและผับในบ้านส่วนตัวที่ร่ำรวยและยากจน เวียนนายังเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมดนตรีอาชีพที่สำคัญซึ่งมีศูนย์กลางอยู่ที่ราชสำนักของจักรวรรดิวิหารของชนชั้นสูง 1 และสนนราคาของชนชั้นสูงวิหารและคริสตจักร ในเมืองหลวงของออสเตรียโรงละครโอเปร่า - ซีเรียของอิตาลีได้รับการปลูกฝังมานานแล้วดังที่ได้กล่าวไปแล้ว Gluck เริ่มปฏิรูปการแสดงละครของเขา ดนตรีคลอไปกับงานเฉลิมฉลองของศาล แต่ชาวเวียนนาก็เต็มใจที่จะเข้าร่วมการแสดงที่สนุกสนานพร้อมดนตรีซึ่งพวกเขาเกิดจาก Singspils และพวกเขาชอบที่จะเต้นเป็นอย่างมาก Haydn เป็นดนตรีคลาสสิกของเวียนนาที่ยิ่งใหญ่ทั้งสามเพลงที่เก่าแก่ที่สุด เขาอายุ 24 ปีเมื่อโมซาร์ทเกิดและอายุ 38 ปีเมื่อเบโธเฟนเกิด Haydn มีชีวิตยืนยาว เขารอดชีวิตจากโมซาร์ทผู้ล่วงลับไปแล้วเกือบสองทศวรรษและยังมีชีวิตอยู่เมื่อเบโธเฟนได้สร้างผลงานส่วนใหญ่ของเขาแล้ว สำหรับโรงละครส่วนตัวเขาเขียนโอเปร่ามากกว่าสองโหลในประเภทเซเรียบัฟฟาและโอเปรา "หุ่น" หลายตัวสำหรับการแสดงโดยหุ่นกระบอก แต่ความสนใจและความสำเร็จในการสร้างสรรค์หลักของเขาคือดนตรีไพเราะและดนตรีบรรเลงแบบแชมเบอร์ 2 โดยรวมแล้วมีองค์ประกอบมากกว่า 800 รายการ 3. ในหมู่พวกเขามีซิมโฟนีมากกว่า 100 เพลงวงดนตรีมากกว่า 80 วงและโซนาตาสมากกว่า 60 เสียงมีความสำคัญอย่างยิ่ง ในตัวอย่างที่เป็นผู้ใหญ่ของพวกเขามุมมองในแง่ดีของนักแต่งเพลงชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่ได้รับการเปิดเผยด้วยความสมบูรณ์ความสว่างและความคิดริเริ่มที่ดีที่สุด บางครั้งมุมมองที่สดใสนี้ก็ถูกปิดกั้นด้วยอารมณ์ที่ขุ่นมัวกว่า พวกเขามักจะเอาชนะได้ด้วยความรักในชีวิตที่ไม่รู้จักเหนื่อยของ Haydn การสังเกตอย่างกระตือรือร้นอารมณ์ขันร่าเริงเรียบง่ายมีสุขภาพดีและในเวลาเดียวกันการรับรู้เชิงกวีเกี่ยวกับความเป็นจริงรอบตัว เส้นทางชีวิตเด็กปฐมวัย. Rorau และ Hainburg Franz Joseph Haydn เกิดในปี 1732 ในหมู่บ้าน Rorau ซึ่งตั้งอยู่ทางตะวันออกของออสเตรียใกล้ชายแดนฮังการีและไม่ไกลจากเวียนนา พ่อของ Haydn เป็นคนขับรถม้าฝีมือดีแม่ของเขาทำหน้าที่เป็นแม่ครัวในที่ดินของเคานต์เจ้าของ Rorau โจเซฟลูกชายคนโตของเขาซึ่งเรียกกันอย่างสนิทสนมว่า Sepperl ในครอบครัวได้รับการสอนจากพ่อแม่ตั้งแต่เนิ่น ๆ ว่าให้ขยันหมั่นเพียรเรียบร้อยและเป็นระเบียบเรียบร้อย พ่อของ Haydn ไม่รู้จักโน้ตเลย แต่เขาชอบร้องเพลงประกอบกับพิณโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่ออยู่กับเขา แขกมารวมตัวกันในบ้านหลังเล็ก ๆ Sepperl ร้องเพลงด้วยเสียงที่ชัดเจนและเป็นสีเงินเผยให้เห็นหูที่ยอดเยี่ยมสำหรับดนตรี และเมื่อเด็กชายอายุเพียงห้าขวบเขาถูกส่งไปยังเมืองใกล้เคียงของ Hainburg ให้กับญาติห่าง ๆ ที่เป็นผู้นำโรงเรียนของคริสตจักรและคณะนักร้องประสานเสียง ใน Hainburg Sepperl เรียนรู้ที่จะอ่านเขียนนับร้องเพลงประสานเสียงและยังเริ่มเชี่ยวชาญทักษะการเล่นคลาวิคอร์ดและไวโอลิน แต่ชีวิตไม่ง่ายสำหรับเขาในครอบครัวที่แปลกประหลาด หลายปีต่อมาเขาจำได้ว่าในเวลานั้นเขาได้รับ "ค้อนมากกว่าอาหาร" ทันทีที่ Sepperl ไปถึง Hainburg เขาได้รับคำสั่งให้เรียนรู้วิธีการตีรำมะนาเพื่อเข้าร่วมขบวนแห่ของคริสตจักรเดียวกันด้วยดนตรี เด็กชายหยิบตะแกรงดึงผ้าผืนหนึ่งแล้วเริ่มออกกำลังกายอย่างขยันขันแข็ง เขารับมือกับงานของเขาได้สำเร็จ เมื่อจัดขบวนเท่านั้นพวกเขาต้องแขวนเครื่องดนตรีไว้ที่ด้านหลังของคนที่สั้นมาก และเขาหลังค่อมซึ่งทำให้ผู้ชมหัวเราะ ในโบสถ์ของวิหารเซนต์สตีเฟนแห่งเวียนนา การเยี่ยมชม Hainburg ระหว่างทางผู้ควบคุมวิหารเวียนนาและนักแต่งเพลงประจำศาล Georg Reuter ดึงดูดความสนใจไปที่ความสามารถทางดนตรีที่โดดเด่น Haydn เป็นคนที่นับถือศาสนาอย่างจริงใจ เขาเป็นผู้เขียนงานมวลชนจำนวนมากและงานร้องและเครื่องมืออื่น ๆ เกี่ยวกับข้อความทางจิตวิญญาณ 23 www.classON.ru การศึกษาศิลปะสำหรับเด็กในรัสเซีย Sepperl ดังนั้นในปี 1740 Haydn วัยแปดขวบจึงพบว่าตัวเองอยู่ในเมืองหลวงของออสเตรียซึ่งเขาได้รับการยอมรับให้เป็นนักร้องในโบสถ์ของมหาวิหาร (หลัก) มหาวิหารเซนต์สตีเฟน ทำเอง การเริ่มต้นชีวิตอิสระที่ยากลำบาก เมื่ออายุสิบแปดเสียงของชายหนุ่มเริ่มแตก - เสียงแหบชั่วคราวและสูญเสียความยืดหยุ่นเขาถูกโยนออกจากโบสถ์อย่างหยาบคายและไร้ความปราณี เมื่อพบว่าตัวเองไม่มีที่พักพิงและวิธีการเขาอาจเสียชีวิตด้วยความหิวโหยและหนาวเหน็บหากเขาไม่ได้รับการปกป้องมาระยะหนึ่งโดยนักร้องที่คุ้นเคยซึ่งอาศัยอยู่กับภรรยาและลูกในห้องเล็ก ๆ ใต้หลังคา Haydn เริ่มทำงานดนตรีใด ๆ ที่เกิดขึ้น: เขาเขียนโน้ตใหม่เรียนเพนนีในการร้องเพลงเล่นคลาเวียร์เข้าร่วมเป็นนักไวโอลินในวงดนตรีแนวสตรีทซึ่งแสดงเซเรเนดในเวลากลางคืนเพื่อเป็นเกียรติแก่ชาวเมือง ในที่สุดเขาก็สามารถเช่าห้องเล็ก ๆ บนชั้นหกและชั้นสุดท้ายของบ้านในใจกลางกรุงเวียนนา ลมพัดผ่านห้องไม่มีเตาและในฤดูหนาวน้ำมักจะแข็งตัว Haydn อาศัยอยู่ในสภาพเช่นนี้เป็นเวลาสิบปี แต่เขาก็ไม่ท้อถอยและกระตือรือร้นที่จะทำงานศิลปะที่เขาชื่นชอบ “ ตอนที่ฉันนั่งอยู่ที่กรงเล็บที่กินหนอน” เขาเล่าในวัยชรา“ ฉันไม่ได้อิจฉาความสุขของกษัตริย์องค์ใดเลย” Haydn ได้รับการช่วยเหลือให้เอาชนะความยากลำบากในชีวิตประจำวันด้วยตัวละครที่ร่าเริงและร่าเริงของเขา ตัวอย่างเช่นครั้งหนึ่งในเวลากลางคืนเขาวางเพื่อนนักดนตรีไว้ในมุมที่เงียบสงบบนถนนสายหนึ่งของเวียนนาและเมื่อสัญญาณของเขาทุกคนเริ่มเล่นอะไรก็ได้ที่พวกเขาชอบ ผลที่ตามมาคือ "คอนเสิร์ตแมว" ซึ่งก่อให้เกิดความวุ่นวายในหมู่ผู้อยู่อาศัยโดยรอบ นักดนตรีสองคนถูกนำตัวส่งตำรวจ แต่ผู้ยุยงของ "เซเรเนด" ผู้อื้อฉาวไม่ได้ถูกส่งตัวไป เมื่อได้พบกับนักแสดงการ์ตูนยอดนิยม Haydn จึงร่วมมือกับเขาเพื่อแต่งเพลงปีศาจง่อยและได้รับเงินจำนวนเล็กน้อยรับหน้าที่เป็นทหารม้า Haydn ค่อยๆมีชื่อเสียงในเวียนนาทั้งในฐานะครูและในฐานะนักแต่งเพลง เขาได้พบกับคนที่มีชื่อเสียง นักดนตรีและคนรักดนตรี ที่บ้านของเจ้าหน้าที่คนสำคัญเขาเริ่มมีส่วนร่วมในการแสดงของวงดนตรีในห้องและสร้างวงเครื่องสายวงแรกสำหรับคอนเสิร์ตในที่ดินของประเทศเขา Haydn เขียนซิมโฟนีครั้งแรกของเขาในปี 1759 เมื่อเขาได้รับวงออร์เคสตราขนาดเล็กตามที่เขาต้องการเขากลายเป็นหัวหน้าโบสถ์แห่งเคานต์มอร์ซิน นับเฉพาะนักดนตรีเดี่ยวในสถานที่ของเขา Haydn ซึ่งแต่งงานกับลูกสาวของช่างทำผมชาวเวียนนาต้องเก็บเรื่องนี้ไว้เป็นความลับ แต่สิ่งนี้ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงปี 1760 เมื่ออยู่ในเวียนนาเมืองที่สวยงามขนาดใหญ่ที่มีอาคารอันงดงามและตระการตาทางสถาปัตยกรรมคลื่นแห่งความประทับใจครั้งใหม่ได้พัดพาเด็กชาย ดนตรีพื้นบ้านข้ามชาติดังไปทั่ว ในมหาวิหารและที่ราชสำนักซึ่งเป็นที่ตั้งของโบสถ์มีการแสดงเสียงและการบรรเลงที่เคร่งขรึม แต่เงื่อนไขของการดำรงอยู่อีกครั้งกลับกลายเป็นเรื่องยาก ในชั้นเรียนการซ้อมและการแสดงน้อง ๆ นักร้องหนุ่มเหนื่อยมาก พวกเขาได้รับอาหารเพียงเล็กน้อยพวกเขาอดอาหารครึ่งหนึ่งตลอดเวลา พวกเขาถูกลงโทษอย่างหนักเพราะเล่นแผลง ๆ Little Haydn ยังคงศึกษาศิลปะการร้องเพลงการเล่นคลาเวียร์และไวโอลินอย่างขยันขันแข็งและเขาต้องการแต่งเพลงจริงๆ อย่างไรก็ตาม Reuter เพิกเฉยต่อสิ่งนี้ ยุ่งกับเรื่องของตัวเองมากตลอดเก้าปีที่ Haydn อยู่ในโบสถ์เขาให้บทเรียนแก่เขาเพียงสองบท แต่โจเซฟก็มุ่งมั่นที่จะทำตามเป้าหมายของเขาอย่างขะมักเขม้นหลายปีต่อมาเขาเขียนเพลงอื่นที่เรียกว่า "The New Lame Devil" 20 24 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในแวดวงศิลปะของรัสเซียกิจการด้านวัตถุของการนับถูกสั่นคลอนและเขาไล่โบสถ์ของเขาออก การแต่งงานของ Haydn ไม่ประสบความสำเร็จ คนที่เขาเลือกนั้นโดดเด่นด้วยตัวละครที่ยากและชอบทะเลาะวิวาท เธอไม่ได้สนใจกิจการของนักแต่งเพลงของสามีเลย - ถึงขนาดที่ว่าเธอทำ papillotes และ pates สำหรับpâtéจากต้นฉบับผลงานของเขา ไม่กี่ปีต่อมา Haydn เริ่มอยู่แยกจากภรรยาของเขา พวกเขาไม่มีลูก ในโบสถ์ของเจ้าชายแห่ง Esterhazy ในปี ค.ศ. 1761 ชาวฮังการีผู้มั่งคั่ง Prince Pal Antal Esterhazy เชิญ Haydn มาที่ Eisen Stadt ในตำแหน่ง Vice Kapellmeister จากช่วงเวลานั้นการรับใช้ของ Haydn กับครอบครัว Esterhazy ก็เริ่มขึ้นซึ่งกินเวลานานถึงสามทศวรรษ ห้าปีต่อมาเขากลายเป็น Kapellmeister หลังจากการตายของนักดนตรีสูงอายุที่ดำรงตำแหน่งนี้ ทายาทของ Pala Antala ซึ่งเสียชีวิตในปี 1762 - Myklos 1 น้องชายของเขามีชื่อเล่นว่า The Magnificent โดดเด่นด้วยความมุ่งมั่นในการบันเทิงที่หรูหราและราคาแพง ไม่กี่ปีต่อมาเขาย้ายที่อยู่อาศัยจาก Eisenstadt ไปยังพระราชวังแห่งใหม่ในชนบทที่มี 126 ห้องล้อมรอบด้วยสวนสาธารณะขนาดใหญ่สร้างโรงละครโอเปร่าพร้อมที่นั่ง 400 ที่นั่งและโรงละครหุ่นกระบอกในบริเวณใกล้เคียงและเพิ่มจำนวนนักดนตรีในโบสถ์อย่างมาก . การทำงานในนั้นทำให้ Haydn ได้รับการสนับสนุนด้านวัสดุเป็นอย่างดีและนอกจากนี้ยังมีโอกาสที่จะแต่งเพลงจำนวนมากและทดสอบตัวเองในทางปฏิบัติทันทีโดยกำกับการแสดงดนตรีของผลงานใหม่ของเขา ในเอสเทอร์เฮส (ตามที่เรียกว่าที่พำนักของเจ้าใหม่) มักจะมีการจัดงานเลี้ยงรับรองที่แออัดบ่อยครั้งโดยมีแขกต่างชาติระดับสูงเข้าร่วม ด้วยเหตุนี้งานของ Haydn จึงค่อยๆเป็นที่รู้จักนอกออสเตรีย แต่มีทั้งหมดนี้อย่างที่พวกเขาพูดและอีกด้านหนึ่งของเหรียญ เมื่อเข้ารับราชการ Haydn เซ็นสัญญาตามที่เขากลายเป็นคนรับใช้ดนตรี ทุกวันก่อนและหลังอาหารค่ำเขาจะต้องปรากฏตัวที่หน้าพระราชวังในชุดวิกผมและถุงน่องสีขาวเพื่อฟังคำสั่งของเจ้าชาย สัญญาบังคับให้ Haydn เขียนอย่างเร่งด่วน "เพลงใด ๆ ที่ปรารถนาของเจ้านายของเขาไม่ต้องแสดงการแต่งเพลงใหม่ให้ใครเห็นและยิ่งไปกว่านั้นคือไม่อนุญาตให้ใครเขียนมันออกไป แต่ให้เก็บไว้เพื่อความเป็นเจ้านายของเขาเท่านั้นและไม่ต้องแต่งอะไรให้ใครก็ตามที่ไม่มี ความรู้และความกรุณา "... นอกจากนี้ Haydn ยังต้องปฏิบัติตามคำสั่งในโบสถ์และพฤติกรรมของนักดนตรีให้บทเรียนแก่นักร้องและรับผิดชอบต่อความปลอดภัยของเครื่องดนตรีและโน้ต เขาไม่ได้อาศัยอยู่ในวัง แต่อยู่ในหมู่บ้านใกล้เคียงในบ้านหลังเล็ก ๆ จากเมือง Eisenstadt ศาลเจ้าใหญ่เคยย้ายไปเวียนนาในช่วงฤดูหนาว และจาก Esterhaza Haydn สามารถเดินทางไปยังเมืองหลวงได้เพียงครั้งคราวกับเจ้าชายหรือโดยการอนุญาตพิเศษ ในช่วงหลายปีที่ใช้เวลาอยู่ใน Eisenstadt และใน Esterhase Haydn ได้เปลี่ยนจากนักดนตรีมือใหม่ไปเป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ซึ่งผลงานของเขามีความสมบูรณ์แบบทางศิลปะระดับสูงและได้รับการยอมรับไม่เพียง แต่ในออสเตรียเท่านั้น แต่ยังอยู่ไกลเกินขอบเขตอีกด้วย ดังนั้น "Parisian Symphonies" (หมายเลข 82-87) หกเพลงจึงถูกเขียนขึ้นโดยเขาตามคำสั่งจากเมืองหลวงของฝรั่งเศสซึ่งพวกเขาได้รับการแสดงอย่างประสบความสำเร็จในปีพ. ศ. 2329 การพบปะของ Haydn กับ Wolfgang Amadeus Mozart ในเวียนนาย้อนกลับไปในปี 1780 การสร้างสายสัมพันธ์ที่เป็นมิตรมีผลดีต่อการทำงานของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสอง เมื่อเวลาผ่านไป Haydn เริ่มตระหนักถึงตำแหน่งที่ขึ้นอยู่กับเขามากขึ้น ในจดหมายของเขาถึงเพื่อนจาก Esterhazy ในเวียนนาซึ่งเขียนขึ้นในช่วงครึ่งแรกของปี 1790 มีวลีดังต่อไปนี้:“ ตอนนี้ - ฉันนั่งอยู่ในถิ่นทุรกันดาร - ถูกทอดทิ้ง - เหมือนเด็กกำพร้าที่น่าสงสาร - แทบจะไม่มีคนอยู่เลย - เศร้า ... เจ้าชายองค์สุดท้ายของ Esterhazy เป็นเจ้าของที่ดินอันกว้างใหญ่มีคนรับใช้มากมายและนำชีวิตที่คล้ายกับราชวงศ์ไปในพระราชวัง พิเศษ 25 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียเป็นเวลาหลายวันฉันไม่รู้ว่าตัวเองเป็นวาทยกรหรือวาทยกร ... มันน่าเศร้าที่ต้องเป็นทาสตลอดเวลา ... ” โชคชะตาพลิกผันครั้งใหม่ . เดินทางไปอังกฤษ. Miklos Esterhazy เสียชีวิตในฤดูใบไม้ร่วงปี 1790 เขาเป็นคนรักดนตรีที่รู้แจ้งเล่นเครื่องสายและอดไม่ได้ที่จะชื่นชม "คนรับใช้ดนตรี" ในแบบของเขาเองอย่าง Haydn เจ้าชายมอบเงินบำนาญชีวิตก้อนโตให้กับเขา Antal ทายาทของ Miklos ไม่สนใจดนตรีและไล่โบสถ์ออกไป แต่ต้องการให้นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงมีรายชื่อเป็นหัวหน้าวงดนตรีในศาลของเขาต่อไปเขายังเพิ่มการจ่ายเงินให้กับ Haydn ซึ่งทำให้เขาเป็นอิสระจากหน้าที่อย่างเป็นทางการและสามารถกำจัดตัวเองได้อย่างสมบูรณ์ Haydn ย้ายไปเวียนนาตั้งใจที่จะแต่งเพลงและตอนแรกปฏิเสธข้อเสนอที่จะไปเยือนประเทศอื่น ๆ แต่แล้วเขาก็ตกลงรับข้อเสนอที่จะเดินทางไกลไปอังกฤษและในช่วงต้นปี พ.ศ. 2334 ก็มาถึงลอนดอน ดังนั้นเมื่อใกล้ถึงวันเกิดครบรอบอายุหกสิบปีของเขา Haydn ได้เห็นทะเลเป็นครั้งแรกด้วยตาของเขาเองและเป็นครั้งแรกที่พบว่าตัวเองอยู่ในสถานะอื่น แตกต่างจากออสเตรียซึ่งยังคงเป็นศักดินา - ชนชั้นสูงตามลำดับอังกฤษเป็นประเทศชนชั้นกลางมานานและสังคมรวมถึงดนตรีชีวิตในลอนดอนแตกต่างจากเวียนนามาก ในลอนดอนซึ่งเป็นเมืองใหญ่ที่มีผู้ประกอบการอุตสาหกรรมและการค้ามากมายคอนเสิร์ตไม่ได้มีไว้สำหรับผู้ที่ได้รับเลือกให้เข้าวังและร้านเสริมสวยของคนชั้นสูง แต่จัดในห้องโถงสาธารณะซึ่งทุกคนมาโดยเสียค่าใช้จ่าย ชื่อของ Haydn ในอังกฤษถูกล้อมรอบไปด้วยกลิ่นอายแห่งความรุ่งโรจน์ ทั้งนักดนตรีและบุคคลสำคัญที่มีชื่อเสียงต่างปฏิบัติต่อเขาไม่เพียง แต่เท่าเทียมกัน แต่ยังให้ความเคารพเป็นพิเศษด้วย ผลงานใหม่ของเขาซึ่งเขาทำหน้าที่เป็นวาทยกรได้พบกับความกระตือรือร้นและได้รับค่าตอบแทนอย่างไม่เห็นแก่ตัว Haydn จัดวงออร์เคสตราขนาดใหญ่ 40-50 คนนั่นคือขนาดสองเท่าของโบสถ์ Esterhazy Chapel มหาวิทยาลัยออกซ์ฟอร์ดมอบปริญญาดุษฎีบัณฑิตกิตติมศักดิ์สาขาดนตรีให้กับเขา Haydn กลับมาที่เวียนนาหลังจากผ่านไปหนึ่งปีครึ่ง ระหว่างทางแวะชมเมืองบอนน์ของเยอรมัน เขาได้พบกับลุดวิกฟานเบโธเฟนหนุ่มเป็นครั้งแรกซึ่งไม่นานก็ย้ายไปเวียนนาด้วยความตั้งใจที่จะเรียนกับไฮเดิน แต่เบโธเฟนไม่ได้ใช้บทเรียนจากเขาเป็นเวลานาน อัจฉริยะทางดนตรีสองคนอายุและอารมณ์ต่างกันเกินไปไม่พบความเข้าใจซึ่งกันและกันอย่างแท้จริง อย่างไรก็ตามเบโธเฟนได้อุทิศโซนาต้าเปียโนสามตัว (ลำดับที่ 1-3) ให้กับ Haydn ในระหว่างการตีพิมพ์ การเดินทางไปอังกฤษครั้งที่สองของ Haydn เริ่มขึ้นในปี พ.ศ. 2337 และกินเวลานานกว่าหนึ่งปีครึ่ง ความสำเร็จเป็นชัยชนะอีกครั้ง จากผลงานมากมายที่สร้างขึ้น ระหว่างและเกี่ยวข้องกับการเดินทางเหล่านี้สิบสองเพลงที่เรียกว่า "London Symphonies" มีความสำคัญอย่างยิ่ง ปีสุดท้ายของชีวิตและการทำงาน Miklos II เจ้าชายคนต่อไปของ Esterhazy สนใจดนตรีมากกว่าบรรพบุรุษของเขา ดังนั้นบางครั้ง Haydn จึงเริ่มจากเวียนนาไปยังเมือง Eisenstadt และเขียนมวลชนหลายชุดตามคำสั่งของเจ้าชาย ผลงานหลักของนักแต่งเพลงในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ได้แก่ เพลงออราทีโอที่ยิ่งใหญ่สองเรื่อง "The Creation of the World" และ "The Seasons" - จัดแสดงในเวียนนาโดยประสบความสำเร็จอย่างมาก (หนึ่งในปี 1799 และอีกเรื่องในปี 1801) ภาพของความโกลาหลในสมัยโบราณซึ่งโลกได้ถือกำเนิดขึ้นการสร้างโลกการกำเนิดสิ่งมีชีวิตบนโลกและการสร้างมนุษย์ - นั่นคือเนื้อหาของออราโทริออสแรกเหล่านี้ สี่ส่วนของโอราโทริโอที่สอง ("Spring", "Summer", "Autumn", "Winter") ประกอบด้วยภาพร่างดนตรีที่เหมาะกับธรรมชาติในชนบทและชีวิตชาวนา 26 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียหลังจากปี 1803 Haydn ไม่ได้เขียนสิ่งอื่นใด เขาใช้ชีวิตอย่างเงียบ ๆ ท่ามกลางความรุ่งโรจน์และเกียรติยศ Haydn เสียชีวิตในฤดูใบไม้ผลิปี 1809 เมื่อถึงจุดสูงสุดของสงครามนโปเลียนเมื่อชาวฝรั่งเศสเข้ามาในเวียนนา เชลโลและดับเบิลเบส กลุ่มเครื่องเป่าลมไม้ประกอบด้วยฟลุตโอโบคลาริเน็ตและบาสโซน 21. กลุ่มเครื่องทองเหลืองของ Haydn ประกอบขึ้นจากแตรและทรัมเป็ตของฝรั่งเศสและจากการเคาะเขาใช้เพียงรำมะนาและในช่วงสุดท้ายลอนดอนซิมโฟนีที่สิบสองเขาได้เพิ่มรูปสามเหลี่ยม , ฉิ่งและกลอง คำถามและงาน 1. นักแต่งเพลงยอดเยี่ยมสามคนใดที่เรียกว่าดนตรีคลาสสิกเวียนนา? อะไรอธิบายคำจำกัดความนี้? 2. บอกเราเกี่ยวกับชีวิตทางดนตรีของเวียนนาในศตวรรษที่ 18 3. ประเภทดนตรีหลักในผลงานของ Haydn คืออะไร 4. วัยเด็กและเยาวชนของ Haydn อยู่ที่ไหนและอย่างไร? 5. Haydn เริ่มเส้นทางอิสระของเขาได้อย่างไร? 6 .. ชีวิตและงานของ Haydn ดำเนินไปอย่างไรในระหว่างที่เขารับใช้ในโบสถ์ของเจ้าชายแห่ง Esterhazy? 7. เล่าให้เราฟังเกี่ยวกับการเดินทางไปอังกฤษของ Haydn และช่วงปีสุดท้ายของชีวิต ความคิดสร้างสรรค์เชิงไพเราะเมื่อ Haydn เขียนซิมโฟนีครั้งแรกในปี 1759 ผลงานประเภทนี้มีอยู่แล้วและยังคงได้รับการสร้างสรรค์ต่อไป มีต้นกำเนิดในอิตาลีเยอรมนีออสเตรียและประเทศในยุโรปอื่น ๆ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ตัวอย่างเช่นการแสดงซิมโฟนีซึ่งประกอบและแสดงในเมือง Mannheim ของเยอรมันซึ่งมีวงออเคสตราที่ดีที่สุดในเวลานั้นได้รับชื่อเสียงในระดับสากล มีนักแต่งเพลงชาวเช็กหลายคนในหมู่นักแต่งเพลงที่เรียกว่า "Mannheim School" หนึ่งในบรรพบุรุษของซิมโฟนีคือการทาบทามโอเปร่าอิตาเลียนสามตอน (โดยแบ่งสัดส่วนตามจังหวะ: "เร็ว - ช้า - เร็ว") ในช่วงต้นซิมโฟนี ("preclassical") เส้นทางสู่วงซิมโฟนีคลาสสิกในอนาคตยังคงถูกปูไว้ซึ่งคุณสมบัติที่โดดเด่นคือความสำคัญของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและความสมบูรณ์แบบของรูปแบบ จากเส้นทางนี้ Haydn เริ่มแต่งเพลงซิมโฟนีสำหรับผู้ใหญ่ของเขาในช่วงทศวรรษที่ 1780 และในเวลาเดียวกันการแสดงซิมโฟนีที่เป็นผู้ใหญ่ของโมสาร์ทที่ยังเด็กมากก็ปรากฏตัวขึ้นและก้าวไปสู่ความสามารถทางศิลปะอย่างรวดเร็ว Haydn สร้าง London Symphonies ของเขาซึ่งครองตำแหน่งความสำเร็จของเขาในประเภทนี้หลังจากการตายของโมสาร์ทก่อนเวลาอันควรซึ่งทำให้เขาสั่นสะเทือนอย่างมาก การแสดงซิมโฟนีที่เป็นผู้ใหญ่ของ Haydn ได้กำหนดองค์ประกอบตามปกติของวัฏจักรการเคลื่อนไหวสี่รูปแบบดังต่อไปนี้: โซนาตาอัลเดโกรการเคลื่อนไหวช้ามินิเอทและตอนจบ (โดยปกติจะอยู่ในรูปแบบของ rondo หรือโซนาตาอัลโกร) ในเวลาเดียวกันองค์ประกอบคลาสสิกของวงออเคสตราของเครื่องดนตรีสี่กลุ่มถูกกำหนดในคุณสมบัติหลัก กลุ่มนำหน้าคือกลุ่มสตริง รวมถึงไวโอลินวิโอลา Haydn ไม่ได้ใช้คลาริเน็ตเสมอไป แม้แต่ใน "London Symphonies" ของเขาพวกเขายังฟังได้เพียงห้าเสียง (จากสิบสองเสียง) 21 27 www.classON.ru การศึกษาศิลปะสำหรับเด็กในรัสเซียซิมโฟนีนี้เรียกว่า "การทหาร" ซิมโฟนีอื่น ๆ ของ Haydn ก็มีชื่อเช่นกัน ในกรณีส่วนใหญ่พวกเขาไม่ได้กำหนดโดยผู้แต่งเองและทำเครื่องหมายเพียงรายละเอียดเดียวมักเป็นภาพตัวอย่างเช่นการเลียนแบบการส่งเสียงดังในส่วนช้าของซิมโฟนี "Chicken" หรือ "ฟ้อง" ในส่วนช้าของ "Clock" ซิมโฟนี เรื่องราวพิเศษเกี่ยวข้องกับซิมโฟนีใน F-sharp minor ซึ่งมีชื่อว่า Farewell มีส่วนที่ห้าเพิ่มเติม (รหัสประเภท Adagio ที่แม่นยำยิ่งขึ้น) ในระหว่างการแสดงสมาชิกวงออเคสตราจะจุดเทียนที่คอนโซลของพวกเขาทีละคนนำเครื่องดนตรีของพวกเขาและออกไป มีนักไวโอลินเพียงสองคนที่เล่นบาร์สุดท้ายอย่างเงียบ ๆ และเศร้าและจากไป มีคำอธิบายต่อไปนี้สำหรับสิ่งนี้ ราวกับว่าเจ้าชาย Miklos ฤดูร้อนปีหนึ่งฉันกักขังนักดนตรีในโบสถ์ของเขาในเอสเทอร์ฮาซานานกว่าปกติ และพวกเขาต้องการพักผ่อนให้เร็วที่สุดเพื่อที่จะได้พบกับครอบครัวของพวกเขาที่อาศัยอยู่ใน Eisenstadt และตอนจบที่สองที่ผิดปกติของ Farewell Symphony เป็นคำใบ้ของสถานการณ์เหล่านี้ นอกเหนือจากการแสดงซิมโฟนีแล้ว Haydn ยังมีผลงานอื่น ๆ อีกมากมายสำหรับวงออเคสตราซึ่งรวมถึงมินูเอตแยกต่างหากกว่าร้อยเพลง และทันใดนั้นทุกอย่างก็เปลี่ยนไปอย่างสนุกสนาน: การจัดแสดงโซนาต้าอัลเลโกรเริ่มต้นขึ้น แทนที่จะเป็นจังหวะช้า - เร็ว (Allegro con spirito - "เร็วด้วยแรงบันดาลใจ") แทนที่จะเป็นเสียงเบสที่หนักแน่นพร้อมเพรียงกัน - จากเสียงเดียวกันของ G และ A ในระดับเสียงสูงซึ่งเป็นแรงจูงใจแรกของมือถือที่ร่าเริงติดเชื้อ ธีมการเต้นรำของส่วนหลักเกิดขึ้น แรงจูงใจทั้งหมดของชุดรูปแบบนี้กำหนดไว้ในคีย์หลักเริ่มต้นด้วยการทำซ้ำของเสียงแรก - ราวกับเสียงเหยียบที่กระปรี้กระเปร่า: Symphony in E-flat major นี่คือเพลงที่สิบเอ็ดในสิบสองของ London Symphonies โดย Haydn คีย์หลักอยู่ใน E flat major เป็นที่รู้จักกันในชื่อ Timpani Tremolo Symphony 22 ซิมโฟนีแบ่งเป็นสี่ส่วน ส่วนแรกเริ่มต้นด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ ลูกคอ ("จังหวะ") ของรำมะนาปรับให้เข้ากับเสียงโทนิคอย่างเงียบ ๆ มันเป็นเหมือนเสียงฟ้าร้องที่ห่างไกล จากนั้นรูปแบบของบทนำก็แผ่ออกไปใน "หิ้ง" ที่กว้างเรียบ ในตอนแรกจะเล่นเป็นคู่พร้อมเพรียงกันโดยเชลโลดับเบิลเบสและบาสซูน ดูเหมือนว่าเงาลึกลับบางอย่างกำลังลอยเข้ามาอย่างเงียบ ๆ บางครั้งก็หยุดชั่วคราว ดังนั้นพวกเขาจึงลังเลและหยุดนิ่ง: ในแถบสุดท้ายของการแนะนำพร้อมเพรียงสลับกันหลาย ๆ ครั้งกับเสียงที่อยู่ติดกันของ G และ A แบนบังคับให้หูต้องคาดหวัง - จะเกิดอะไรขึ้นต่อไป? การแสดงสองครั้งของธีมโดยเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายนั้นเสริมด้วยเสียงเต้นรำที่สนุกสนานและดังก้องกังวานในวงออเคสตราทั้งหมด เสียงดังก้องดังขึ้นอย่างรวดเร็วและเงาปริศนาก็ปรากฏขึ้นอีกครั้งในงานปาร์ตี้ที่เชื่อมต่อกัน ความเสถียรของโทนเสียงบกพร่อง การมอดูเลตเกิดขึ้นใน B-flat major (เด่นใน E-flat major) - กุญแจสำคัญของส่วนด้านข้าง ในส่วนที่เชื่อมต่อไม่มีธีมใหม่ แต่ได้ยินแรงจูงใจดั้งเดิมของธีม Timpani - ซีกโลกที่มีผิวหนังขึงอยู่เหนือพวกเขาซึ่งตีด้วยไม้สองอัน แต่ละซีกสามารถสร้างเสียงได้เพียงระดับเดียว ในซิมโฟนีคลาสสิกมักใช้สมองสองซีกปรับให้เข้ากับยาชูกำลังและมีอำนาจเหนือกว่า 22 28 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในขอบเขตของศิลปะรัสเซียในส่วนหลักและการเตือนความจำที่ห่างไกลของหัวข้อของบทนำ: นิทรรศการจบลงด้วยการยืนยันโทนเสียงของส่วนด้านข้าง (B-flat major) การจัดนิทรรศการซ้ำแล้วซ้ำอีกและการพัฒนาต่อไปตามมา มันเต็มไปด้วยการเลียนแบบโพลีโฟนิกและการพัฒนาวรรณยุกต์ - ฮาร์มอนิกของแรงจูงใจที่แยกได้จากธีมของส่วนหลัก ธีมของชุดด้านข้างจะปรากฏในตอนท้ายของการพัฒนา มันดำเนินการทั้งหมดในคีย์ของ D flat major ซึ่งห่างไกลจากคีย์หลักนั่นคือดูเหมือนว่าอยู่ในแสงใหม่ที่ผิดปกติ และวันหนึ่ง (หลังจากหยุดชั่วคราวด้วย fermata) น้ำเสียงของบทนำลึกลับปรากฏในเสียงทุ้ม การพัฒนาฟังดูเปียโนและเปียโนเป็นส่วนใหญ่และในบางครั้ง - มือขวาและฟอร์ติสซิโมพร้อมสำเนียงเฉพาะของ sforzando สิ่งนี้ช่วยเพิ่มความประทับใจในความลึกลับ แรงจูงใจจากธีมของส่วนหลักในการพัฒนาบางครั้งก็คล้ายกับการเต้นรำที่ยอดเยี่ยม เราสามารถจินตนาการได้ว่านี่คือการเต้นรำของแสงไฟลึกลับบางครั้งกระพริบสว่าง ในการบรรเลงในคีย์ของ E-flat major ไม่เพียง แต่ส่วนหลักเท่านั้น แต่ยังมีการทำซ้ำส่วนด้านข้างและส่วนที่เชื่อมต่อจะถูกข้ามไป ความลึกลับบางอย่างปรากฏในรหัส มันเริ่มต้นเช่นเดียวกับบทนำด้วยจังหวะของ Adagio ลูกคอที่เงียบสงบของรำมะนาและการเคลื่อนไหวช้าๆพร้อมเพรียงกัน แต่ในไม่ช้าในตอนท้ายของการเคลื่อนไหวครั้งแรกการก้าวอย่างรวดเร็วเสียงดังและการเต้นรำที่ร่าเริง "เหยียบ" ก็กลับมา การเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนี - Andante - เป็นการเปลี่ยนแปลงในสองรูปแบบ - เพลงใน C minor และเพลงและการเดินขบวนใน C major การสร้างสิ่งที่เรียกว่ารูปแบบคู่เหล่านี้มีดังนี้: ชุดรูปแบบแรกและชุดที่สองจะถูกนำเสนอจากนั้นทำตาม: รูปแบบแรกของชุดรูปแบบแรกรูปแบบแรกของชุดรูปแบบที่สองรูปแบบที่สองของชุดรูปแบบแรกชุดที่สอง รูปแบบของชุดรูปแบบที่สองและรหัสตามเนื้อหาของชุดรูปแบบที่สอง จนถึงทุกวันนี้นักวิจัยโต้แย้งเกี่ยวกับสัญชาติของหัวข้อแรก นักดนตรีชาวโครเอเชียเชื่อว่านี่เป็นเพลงพื้นบ้านของโครเอเชียตามลักษณะของเพลงและนักดนตรีชาวฮังการีเชื่อว่าเป็นเพลงภาษาฮังการี ชาวเซิร์บบัลแกเรียและชาวโปแลนด์ยังพบลักษณะประจำชาติของตนอยู่ในนั้น ข้อพิพาทนี้ไม่สามารถแก้ไขได้อย่างแน่นอนเนื่องจากการบันทึกในหัวข้อดังกล่าวของส่วนด้านข้างเป็นการเต้นรำที่สนุกสนานอีกครั้ง แต่เมื่อเปรียบเทียบกับงานเลี้ยงหลักแล้วเธอไม่ได้มีพลังมากนัก แต่มีความสง่างามและเป็นผู้หญิงมากกว่า เมโลดี้เล่นโดยไวโอลินกับโอโบ การบรรเลงเพลงวอลทซ์โดยทั่วไปทำให้ธีมนี้ใกล้ชิดกับ Landder มากขึ้น - การเต้นรำของออสเตรียและเยอรมันใต้ซึ่งเป็นหนึ่งในบรรพบุรุษของเพลงวอลทซ์: 29 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียเกี่ยวกับท่วงทำนองเก่า ๆ พบ. เห็นได้ชัดว่าคุณสมบัติของเพลงสลาฟและฮังการีหลายเพลงรวมเข้าด้วยกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งการเคลื่อนไหวแบบหนึ่งสำหรับวินาทีที่ขยายใหญ่ขึ้น (E-flat - fadies): รูปแบบที่สองกลับมาใช้การเดินขบวนที่กล้าหาญประดับประดาด้วยข้อความอัจฉริยะ - ความสง่างามของขลุ่ย และในโค้ดขนาดใหญ่เกิดการพลิกผันที่ไม่คาดคิดในการพัฒนา "งานดนตรี" ในตอนแรกธีมการเดินขบวนจะกลายเป็นการทำให้เกิดเสียงที่นุ่มนวลและโปร่งใส จากนั้นแรงจูงใจที่แยกออกจากมันด้วยจังหวะประจะพัฒนาขึ้นอย่างเข้มข้น สิ่งนี้นำไปสู่การปรากฏตัวของคีย์ใน E flat major อย่างกะทันหันหลังจากนั้นการแสดงครั้งสุดท้ายของธีมการเดินขบวนจะฟังดูสดใสและเคร่งขรึมใน C major การเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนี - มินิเอท - เดิมผสมผสานระหว่างการเต้นรำในสังคมชั้นสูงเข้ากับการกระโดดที่กว้างตามอำเภอใจและการซิงโครไนซ์ในท่วงทำนอง: Melody และครั้งที่สองซึ่งเป็นธีมหลักในการเดินขบวน เมื่อเทียบกับครั้งแรกในขณะเดียวกันก็มีความสัมพันธ์กับมันเช่นจังหวะที่สี่การขึ้นและลงของทำนองเพลงและระดับ IV ที่เพิ่มขึ้น (fadiez): รูปแบบแปลก ๆ นี้เน้นโดยการเคลื่อนไหวที่ราบรื่นและสงบใน Trio - ส่วนตรงกลางของ Minuet ซึ่งตั้งอยู่ระหว่างส่วนแรกและการทำซ้ำที่แน่นอน 23: การนำเสนอธีมแรกด้วยเปียโนและเปียโนสสิโมฟังดูเหมือนการบรรยายแบบสบาย ๆ เช่นจุดเริ่มต้นของเรื่องราวเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่ผิดปกติบางอย่าง คนแรกอาจดูเหมือนจะเป็นการนำเสนอที่ดังขึ้นอย่างกะทันหันของรูปแบบการเดินขบวนที่สองซึ่งมีการเพิ่มเครื่องลมเข้าไปในกลุ่มเครื่องสาย โทนการเล่าเรื่องจะยังคงอยู่ในรูปแบบแรกของธีมแรก แต่เสียงที่โศกเศร้าและระแวดระวังก็เข้าร่วมกับเสียงของมัน ในรูปแบบแรกของธีมที่สองไวโอลินเดี่ยวจะแต่งแต้มทำนองเพลงด้วยข้อความที่มีลวดลายแปลก ๆ ในรูปแบบที่สองของธีมแรกทันใดนั้นคำบรรยายก็ใช้ตัวละครที่มีพายุและกระวนกระวายใจ (ใช้เครื่องมือทั้งหมดรวมทั้งรำมะนา) ประการที่สอง Minuet (หรือส่วนที่แปลกประหลาดอย่างยิ่งยวดในตัวละคร 1 ตัว) มีความแตกต่างกับธีมพื้นบ้านในชีวิตประจำวันของซิมโฟนีส่วนแรกและส่วนที่สองและอีกส่วนสุดท้ายคือ การเคลื่อนไหวที่สี่ - ตอนจบ ที่นี่ตามที่ควรจะเป็นในโซนาต้าอัลเลโกรแบบคลาสสิกนิทรรศการนำเสนอส่วนหลักในคีย์หลักของ E flat major ส่วนรองในคีย์ที่โดดเด่นของ B flat major และในการบรรเลงทั้งสองเสียงใน E flat รายใหญ่. อย่างไรก็ตามในส่วนด้านข้างเป็นเวลานานส่วนตรงกลางของงานออเคสตรามักจะใช้เครื่องดนตรีสามชิ้น นี่คือที่มาของชื่อ "ทั้งสามคน" 23 30 www.classON.ru หัวข้อใหม่ที่สมบูรณ์ปรากฏในสาขาศิลปะรัสเซียสำหรับเด็ก มันขึ้นอยู่กับธีมของงานเลี้ยงหลัก มาจากคำภาษาฝรั่งเศส "ronde" ซึ่งแปลว่า "วงกลม" หรือ "การเต้นรำแบบกลม" คำถามและงาน 1. เมื่อไหร่ที่ Haydn และ Mozart แต่งเพลงซิมโฟนีสำหรับผู้ใหญ่ 2. ซิมโฟนีของ Haydn มักประกอบด้วยส่วนใดบ้าง? ตั้งชื่อกลุ่มเครื่องดนตรีในวงออเคสตราของ Haydn 3. คุณรู้จักซิมโฟนีของ Haydn ชื่ออะไรบ้าง? 4. ทำไมซิมโฟนีของ Haydn ใน E flat major จึงเรียกว่า "ด้วยลูกคอของราศีพฤษภ"? เริ่มต้นด้วยส่วนใด 5. อธิบายธีมหลักของรูปแบบโซนาตาในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีนี้ 6. ส่วนที่สองของซิมโฟนีเขียนขึ้นในรูปแบบใดและในรูปแบบใด? 7. อธิบายหัวข้อหลักและส่วนของส่วนที่สาม 8. อะไรคือความไม่ชอบมาพากลของความสัมพันธ์ระหว่างธีมของเกมหลักและเกมรองในรอบชิงชนะเลิศ? อะไรคือความเชื่อมโยงระหว่างลักษณะของดนตรีในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีและในตอนจบ? ดังนั้นจึงกลายเป็นว่าตอนจบทั้งหมดเป็นไปตามธีมเดียว ผู้แต่ง - ราวกับอยู่ในเกมที่สลับซับซ้อน - ไม่ว่าจะกลับมาใช้ธีมต่ออย่างสมบูรณ์หรือผสมผสานตัวแปรและองค์ประกอบแต่ละอย่างเข้าด้วยกันอย่างชำนาญ และเธอเองก็มีความซับซ้อน ท้ายที่สุดแล้วพื้นฐานฮาร์มอนิกจะปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก - สิ่งที่เรียกว่า "ทางเดินสีทอง" ของแตรฝรั่งเศสสองอันซึ่งเป็นสัญญาณทั่วไปของแตรล่าสัตว์ จากนั้นทำนองเพลงเต้นรำที่ใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านของโครเอเชียจะถูกซ้อนทับบนพื้นฐานนี้ มันเริ่มต้นด้วย "เหยียบ" เสียงหนึ่งและต่อมาแรงจูงใจนี้ซ้ำหลายครั้งเลียนแบบส่งผ่านจากเสียงหนึ่งไปยังอีกเสียงหนึ่ง นี่ชวนให้นึกถึงธีมเริ่มต้นของธีมหลักของส่วนแรกและวิธีการพัฒนาที่นั่น นอกจากนี้ผู้แต่งยังระบุจังหวะเดียวกันในตอนจบ - Allegro con spirito ดังนั้นในตอนจบองค์ประกอบของการเต้นรำพื้นบ้านที่ร่าเริงก็เข้ามาครองในที่สุด แต่มันมีลักษณะพิเศษที่นี่ - ดูเหมือนการเต้นรำรอบที่ซับซ้อนการเต้นรำเป็นกลุ่มซึ่งการเต้นรำผสมผสานกับบทเพลงและการกระทำที่สนุกสนาน สิ่งนี้ได้รับการยืนยันจากข้อเท็จจริงที่ว่าในการจัดนิทรรศการส่วนหลักจะถูกทำซ้ำในคีย์หลักอีกสองครั้ง - หลังจากตอนเปลี่ยนผ่านสั้น ๆ และหลังจากส่วนรอง นั่นคือดูเหมือนว่าจะได้รับการต่ออายุย้ายเป็นวงกลม และสิ่งนี้จะนำคุณสมบัติของฟอร์มรอนโดมาอยู่ในฟอร์มโซนาต้า คำเดียวกัน "rondo" ดังที่ได้กล่าวไปแล้วความคิดสร้างสรรค์ของ Clavier เมื่อ Haydn สร้างผลงาน clavier ของเขาเปียโนค่อยๆแทนที่ฮาร์ปซิคอร์ดและคลาวิคอร์ดจากการฝึกฝนดนตรี Haydn เขียนผลงานแรก ๆ ของเขาสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดโบราณเหล่านี้และในรุ่นต่อมาเขาเริ่มระบุว่า "สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดหรือเปียโน" และในที่สุดบางครั้งก็เป็นเพียง "สำหรับเปียโน" เท่านั้น ในบรรดาผลงาน Clavier ของเขาสถานที่ที่สำคัญที่สุดเป็นของโซนาต้าโซโล ก่อนหน้านี้เชื่อกันว่า Haydn มีเพียง 52 คน แต่จากการค้นหาของนักวิจัยทำให้จำนวนนี้เพิ่มขึ้นเป็น 62 ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ sonatas ใน D major และ E minor Sonata in D Major ธีมของส่วนหลักซึ่งเริ่มต้นการเคลื่อนไหวครั้งแรกของโซนาต้านี้คือการเต้นรำที่สาดไปด้วยความสุขและความร่าเริงพร้อมกับการกระโดดแบบแปดเหลี่ยมที่ซุกซนแบบเด็ก ๆ โน้ตเกรซการรำพึงและการทำซ้ำ นอกจากนี้ยังสามารถจินตนาการถึงเพลงดังกล่าวในโอเปร่าบัฟฟา: ในฉบับก่อนหน้านี้โซนาตาสพิมพ์เป็น "หมายเลข 37" และ "หมายเลข 34" และในรุ่นต่อมา - เป็น "หมายเลข 50" และ "หมายเลข 53" 24 31 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในขอบเขตของศิลปะรัสเซีย แต่การพัฒนาธีมของปาร์ตี้ข้างเคียงถูกเจาะโดยการกระโดดที่ซุกซนจากปาร์ตี้หลักและจากนั้นก็เป็นเรื่องจุกจิกการเคลื่อนไหวจากฝ่ายที่เชื่อมต่อกัน มันตึงเครียดมากขึ้นกวาดและสงบลงอย่างรวดเร็วราวกับว่ามีการตัดสินใจในทันที หลังจากนั้นการแสดงจะจบลงด้วยส่วนสรุปที่เต้นอย่างไม่ใส่ใจ มีความคึกคักคึกคักในการพัฒนาอีกครั้ง ที่นี่อ็อกเทฟก้าวกระโดดจากธีมของส่วนหลักโดยย้ายไปทางซ้ายมือทำให้มีความซุกซนมากขึ้นและการเคลื่อนไหวของเนื้อเรื่องจะเพิ่มความตึงเครียดและขอบเขตที่กว้างกว่าในการพัฒนาธีมของส่วนด้านข้างในนิทรรศการ ในการบรรเลงเสียงของส่วนรองและส่วนสุดท้ายในคีย์หลัก (D major) จะรวมเอาอารมณ์ที่สนุกสนานเข้าไว้ด้วยกันอย่างแน่นหนา การเคลื่อนไหวที่สองสั้น ๆ ช้าและยับยั้งในลักษณะทำให้เกิดความแตกต่างกับโซนาตามากที่สุด มันเขียนด้วยคีย์ของชื่อเดียวกันใน D minor ในดนตรีเราสามารถได้ยินเสียงเหยียบหนักของซาราบันดาซึ่งเป็นการเต้นรำแบบโบราณที่มักมีลักษณะของขบวนไว้ทุกข์ และในคำอุทานที่ไพเราะที่แสดงออกซึ่งมีแฝดสามและตัวเลขจังหวะประมีความคล้ายคลึงกับเพลงเศร้าโศกของชาวยิปซีฮังการี: ร่าเริงข้อความจุกจิกของคนที่สิบหกเติมเต็มส่วนที่เชื่อมต่อ และรูปแบบของส่วนด้านข้าง (ในคีย์ของ A major) ก็เป็นการเต้นรำเพียงอย่างเดียวเท่านั้นที่มีความยับยั้งชั่งใจและสง่างามมากขึ้น: 32 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Sonata ใน E minor ในช่วงต้นปี 1780 Haydn ได้รับคำเชิญให้ไปเที่ยวคอนเสิร์ตที่ลอนดอนเป็นครั้งแรก ... เขาเตรียมการอย่างขยันขันแข็ง แต่ก็ไม่สามารถนำไปใช้ได้เพราะหน้าที่ราชการของเขาในวิหารเอสเทอร์ฮาซี เป็นไปได้ว่าความฝันของการเดินทาง "ต่างแดน" ที่ห่างไกลและประสบการณ์ที่เกี่ยวข้องกับพวกเขาสะท้อนให้เห็นในโซนาต้ารอง E ที่ปรากฏในเวลานั้น นี่เป็นเพียงหนึ่งในโซนาต้ารองของ Haydn เพียงไม่กี่คนที่ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกตัวละครโคลงสั้น ๆ ที่เด่นชัดจะถูกรวมเข้ากับจังหวะที่เร็วมาก แก่นของส่วนหลักของการเคลื่อนไหวนี้ซึ่งโซนาตาเริ่มต้น: แต่ในงานศิลปะในแง่ดีของ Haydn ภาพแห่งความตายที่มืดมนมักจะถูกครอบงำด้วยวิถีชีวิตที่สดใสอยู่เสมอ และการเคลื่อนไหวที่สองใน D minor ของโซนาต้านี้จบลงไม่ได้อยู่ที่ยาชูกำลัง แต่อยู่บนคอร์ดที่โดดเด่นจะผ่าน D Major รอบสุดท้ายทันที 25 สุดท้ายถูกสร้างขึ้นในรูปแบบของ rondo โดยที่ธีมหลัก - การละเว้น (ในคีย์หลักของ D major) - ทำซ้ำสามครั้งและระหว่างการทำซ้ำจะมีการเปลี่ยนแปลงส่วน - ตอน: ตอนแรกใน D minor และครั้งที่สองใน G major ที่นี่เฉพาะในตอนแรก D ตอนรองความทรงจำที่เศร้าโศกผ่านไป - เสียงสะท้อนของส่วนตรงกลาง ตอนที่สอง G major ร่าเริงอยู่แล้วและนำไปสู่การ์ตูน "roll call" ของมือขวาและซ้ายในโน้ตเดียวกัน และธีมหลักของเที่ยวบินสุดท้าย (rondo refrain) เป็นหนึ่งในงานที่ร่าเริงที่สุดในงานของ Haydn: วลีเริ่มต้นของชุดรูปแบบที่นี่ประกอบด้วยสององค์ประกอบรวมกัน ในเสียงเบสที่มือซ้ายเปียโนจะเคลื่อนไปตามเสียงทรีแอตโทนิคเล็กน้อยเช่นเสียงเรียกให้วิ่งไปที่ใดที่หนึ่งในระยะไกล และที่นั่นในมือขวากำลังสั่นราวกับว่าสงสัยแรงจูงใจลังเล - คำตอบตามมา การเคลื่อนไหวโดยทั่วไปของธีมนุ่มนวลเป็นลอนพลิ้วไหว นอกจากนี้ขนาดของการเคลื่อนไหวครั้งแรก - 6/8 - เป็นเรื่องปกติสำหรับประเภทบาร์คาโรล - "เพลงบนน้ำ" 26 ในส่วนที่เชื่อมต่อการมอดูเลตจะเกิดขึ้นแบบขนานกับ E minor ใน G major ซึ่งเป็นกุญแจสำคัญของส่วนรองและสุดท้าย ส่วนที่เชื่อมต่อและส่วนสุดท้ายที่เต็มไปด้วยทางเดินที่เคลื่อนไหวของยุคที่สิบหกวางกรอบส่วนด้านข้าง - เบา ๆ ชวนฝันซึ่งระบุด้วยคำภาษาอิตาลี "attacca subito il Finale" ซึ่งหมายถึง "เพื่อเริ่มฉากสุดท้ายทันที" ในขั้นต้นเพลงของเรือแจวชาวเวนิสเรียกว่า barcaroles ชื่อประเภทนี้มาจากคำภาษาอิตาลี "barca" - "boat" 25 26 33 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซียดูเหมือนจะทะยานสูงขึ้น: ธรรมชาติด้วยเสียงสัญญาณราวกับว่ากำลังเรียกร้องให้กลับไปหัวใจดูเหมือนจะกระพือปีกด้วยความวิตกกังวลอย่างสนุกสนาน! และที่นี่หลังจากการเปลี่ยนคอร์ดธีมหลักของการเคลื่อนไหวที่สาม (ตอนจบ) ก็เกิดขึ้น นี่คือการละเว้นรูปแบบ rondo ที่เขียน Finale ดูเหมือนเพลงส่งผ่านที่ได้รับแรงบันดาลใจซึ่งช่วยให้ "แล่นเรือเต็ม" ไปยังดินแดนพื้นเมืองดังนั้นรูปแบบของ rondo ในตอนจบมีดังนี้: งดเว้น (E minor), ตอนแรก (E major), ละเว้น (E minor), ตอนที่สอง (E major), ละเว้น (E minor). ทั้งสองตอนเชื่อมต่อกับความสัมพันธ์ที่งดเว้นและไพเราะซึ่งกันและกัน เมื่อเสียงของชิ้นส่วนเชื่อมต่อด้านข้างและด้านสุดท้ายเกิดขึ้นจินตนาการจะดึงภาพที่น่าดึงดูดใจ - ลมหางพัดอย่างอิสระเพียงใดการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วเพียงใดดำเนินไปข้างหน้าอย่างสนุกสนาน นอกจากนี้ในการพัฒนาที่สร้างขึ้นจากวัสดุของส่วนหลักการเชื่อมต่อและส่วนสุดท้ายการเบี่ยงเบนในคีย์รองจะมีผลเหนือกว่า ในหลักนั่นคือไม่ใช่ในหลัก แต่อยู่ในคีย์รองส่วนรองและส่วนสรุปซึ่งกลายเป็นเสียงที่กว้างขวางมากขึ้นในการบรรเลง อย่างไรก็ตามในที่สุดความเศร้าและความสงสัยทางจิตวิญญาณก็พ่ายแพ้โดยการต่อสู้ในระยะที่ไม่รู้จัก นี่คือความหมายของแท่งสุดท้ายของการเคลื่อนไหวครั้งแรกซึ่งจุดเริ่มต้นที่น่าดึงดูดใจของธีมของส่วนหลักนั้นซ้ำแล้วซ้ำอีกอย่างน่าทึ่ง การเคลื่อนไหวครั้งที่สองของโซนาต้าช้าใน G major เป็นเพลงบรรเลงชนิดหนึ่งที่เต็มไปด้วยอารมณ์ที่ครุ่นคิดเบา ๆ สีอ่อนของเธอเต็มไปด้วยเสียงสะท้อนของนกที่ร้องเจื้อยแจ้วเสียงบ่นของลำธาร: คำถามและงาน 1. ตั้งชื่อประเภทหลักของดนตรีคลาเวียร์ของ Haydn รู้จัก sonatas กี่ตัว? 2. อธิบายส่วนหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของโซนาต้าใน D major มีการเชื่อมต่อในส่วนนี้ระหว่างส่วนหลักและด้านข้างหรือไม่? 3. การเคลื่อนไหวที่สองเพิ่มความเปรียบต่างใดให้กับดนตรีของโซนาต้าใน D major? ความสัมพันธ์กับตอนจบคืออะไร? 4. บอกเราเกี่ยวกับลักษณะเฉพาะของโครงสร้างและลักษณะของธีมของส่วนหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของโซนาต้าใน E minor เป็นผู้ใหญ่และอธิบายหัวข้อและส่วนที่เหลือของส่วนนี้ 5. ลักษณะของการเคลื่อนไหวที่สองของโซนาต้าใน E minor คืออะไร? 6. บอกเราเกี่ยวกับรูปร่างของตอนจบของโซนาต้าใน E minor และลักษณะของธีมหลัก ผลงานที่สำคัญกว่า 100 ซิมโฟนี (104) ซีรีส์คอนแชร์โตสสำหรับเครื่องดนตรีและวงออเคสตราต่างๆกว่า 80 ควอร์ต (สำหรับไวโอลินสองตัววิโอลาและเชลโล) (83) 62 clavier sonatas The Creation of the World และ The Seasons Oratorios 24 โอเปร่าการจัดเรียงของสก็อตและไอริช เพลงอย่างไรก็ตามความไพเราะในขณะที่พักผ่อนอันเงียบสงบอยู่ที่ไหนสักแห่งที่ห่างไกลในอ้อมอกของ 34 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียที่เขียนในหลายประเภท - ซิมโฟนีคอนเสิร์ตบรรเลงวงดนตรีต่าง ๆ เปียโนโซนาตาบังสุกุล สำหรับนักร้องประสานเสียงนักร้องเดี่ยวและวงออเคสตรา ความสามารถพิเศษที่เป็นปรากฎการณ์ในช่วงต้นและพัฒนาอย่างรวดเร็วของโมสาร์ทที่สร้างขึ้นตามชื่อของเขา รัศมีแห่ง "ปาฏิหาริย์ดนตรี" ในตำนาน ลักษณะสดใส AS Pushkin ให้เขาเป็นศิลปินที่ได้รับแรงบันดาลใจในบทละคร ("Little Tragedy") "Mozart and Salieri" โอเปร่าบาร์นี้โดย N.A Rimsky Korsakov เขียนขึ้นโดยอ้างอิงจาก 27. Mozart เป็นนักแต่งเพลงคนโปรดของ P. I.Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 ครอบครัวเส้นทางชีวิต. เด็กปฐมวัย. บ้านเกิดของ Wolfgang Amadeus Mozart ซึ่งเกิดในเดือนมกราคมปี 1756 คือเมือง Salzburg ของออสเตรีย เป็นภาพที่ทอดยาวอย่างงดงามบนฝั่งที่เป็นเนินของแม่น้ำ Salzach ที่ไหลเร็วซึ่งวางพาดไว้ที่เชิงเขาทางทิศตะวันออกของเทือกเขาแอลป์ ซาลซ์บูร์กเป็นเมืองหลวงของอาณาเขตเล็ก ๆ ผู้ปกครองซึ่งได้รับแต่งตั้งให้เป็นอาร์คบิชอป Leopold Mozart พ่อของ Wolfgang Amadeus อยู่ในโบสถ์ของเขา เขาเป็นนักดนตรีที่จริงจังและมีการศึกษาสูงทั้งนักแต่งเพลงนักไวโอลินนักเล่นออร์แกนครู "School of Violin Playing" ที่เผยแพร่โดยเขาถูกเผยแพร่ในหลายประเทศรวมถึงรัสเซีย จากลูกเจ็ดคนของ Leopold และ Anna Maria ภรรยาของเขามีเพียงสองคนที่รอดชีวิต - ลูกชายคนสุดท้อง Wolfgang Amadeus และลูกสาว Maria Anna (Nannerl) ซึ่งแก่กว่า! พี่ชายเป็นเวลาสี่ปีครึ่ง เมื่อพ่อของเขาเริ่มสอนแนนเนอร์ลให้เล่นฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งมีความสามารถที่ยอดเยี่ยมในไม่ช้าเขาก็เริ่มเรียนกับวูล์ฟกังวัยสามขวบโดยสังเกตเห็นเขาด้วยหูที่บอบบางและความทรงจำทางดนตรีที่น่าทึ่งเป็นเวลาสี่ปีที่เด็กชายมีแล้ว พยายามแต่งเพลงและท่อนแรกของเขาที่ยังมีชีวิตอยู่ได้รับการบันทึกโดยพ่อของเขาเมื่อผู้แต่งอายุเพียงห้าขวบ มีเรื่องราวเกี่ยวกับการที่โวล์ฟกังวัย 4 ขวบพยายามแต่งเพลงประสานเสียง เมื่อใช้ปากกาเขาจุ่มหมึกลงบนนิ้วมือของเขาและวางรอยเปื้อนลงบนกระดาษเพลง ไม่ใช่ตอนที่พ่อของฉันมองเข้าไปในการบันทึกเสียงแบบเด็ก ๆ ผ่านจุดต่างๆเขาค้นพบความหมายทางดนตรีที่ไม่ต้องสงสัยในนั้น หนึ่งในอัจฉริยะทางดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย Wolfgang Amadeus Mozart มีอายุเพียง 35 ปี ในจำนวนนี้เขาแต่งเพลงมากว่าสามสิบปีและทิ้งผลงานไว้เป็นมรดกมากกว่า 600 ชิ้นสร้างคุณูปการอันล้ำค่าให้กับกองทุนทองคำแห่งศิลปะโลก การประเมินของขวัญที่สร้างสรรค์ของโมสาร์ทที่ซื่อสัตย์และสูงที่สุดในช่วงชีวิตของเขามอบให้โดยโจเซฟเฮย์นน์ร่วมสมัยผู้อาวุโสของเขา “ ... ลูกชายของคุณ - ครั้งหนึ่งเขาเคยพูดกับพ่อของ Wolfgang Amadeus - เป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่ฉันรู้จักเป็นการส่วนตัวและตามชื่อ; เขามีรสนิยมและนอกจากนั้นความรู้ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการเรียบเรียง " ดนตรีของ Haydn และ Mozart เรียกว่าคลาสสิกเวียนนามีความสัมพันธ์กันโดยการรับรู้โลกในแง่ดีการผสมผสานระหว่างความเรียบง่ายและความเป็นธรรมชาติในการแสดงความรู้สึกด้วยความระเหิดและความลึกซึ้งของบทกวี ในเวลาเดียวกันมีความแตกต่างอย่างมีนัยสำคัญระหว่างความสนใจทางศิลปะของพวกเขา Haydn อยู่ใกล้ชิดกับภาพพื้นบ้านในชีวิตประจำวันและบทเพลงมหากาพย์และกับ Mozart ซึ่งเป็นภาพที่เป็นบทกวีและบทกวีที่น่าทึ่ง งานศิลปะของโมสาร์ทดึงดูดความสนใจโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับความอ่อนไหวต่อประสบการณ์ทางอารมณ์ของบุคคลเช่นเดียวกับความถูกต้องและความมีชีวิตชีวาในรูปแบบของตัวละครมนุษย์ที่หลากหลาย สิ่งนี้ทำให้เขาเป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าที่ยอดเยี่ยม โอเปร่าของเขาและเหนือสิ่งอื่นใด Le Nozze di Figaro, Don Juan และ The Magic Flute ประสบความสำเร็จอย่างไม่มีการเปลี่ยนแปลงในศตวรรษที่สามโดยได้รับการจัดแสดงบนเวทีของโรงละครดนตรีทั้งหมด หนึ่งในสถานที่ที่มีเกียรติที่สุดในการแสดงคอนเสิร์ตระดับโลกถูกครอบครองโดยผลงานของ Mozart เวอร์ชันที่ Salieri วางยา Mozart จากความอิจฉาเป็นเพียงตำนานเท่านั้น Tchaikovsky แต่งเปียโนสี่ชิ้นโดย Mozart และแต่งชุด Mozartiana จากพวกเขา 27 28 35 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียจะแสดงคอนเสิร์ตไวโอลิน ... เล่นคีย์บอร์ดที่คลุมด้วยผ้าพันคอและถ้าอยู่ต่อหน้าต่อตาเขาจะตั้งชื่อจากระยะไกล เสียงทั้งหมดที่เล่นทีละคอร์ดหรือเป็นคอร์ดจะเล่นบนคลาเวียร์หรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ หรือเผยแพร่โดยวัตถุต่างๆเช่นกระดิ่งแก้วนาฬิกา ในท้ายที่สุดเขาจะไม่เพียง แต่บรรเลงฮาร์ปซิคอร์ดเท่านั้น แต่ยังอยู่บนออร์แกนตราบเท่าที่ผู้ฟังต้องการและไม่ว่าจะเป็นคีย์ที่ยากที่สุดที่จะตั้งชื่อให้เขา ... ” ทริปคอนเสิร์ตครั้งแรก Leopold Mozart ตัดสินใจเริ่มทริปคอนเสิร์ตไปยังศูนย์ดนตรีใหญ่ ๆ กับลูก ๆ ที่มีพรสวรรค์ของเขา การเดินทางครั้งแรก - ไปยังเมืองมิวนิกของเยอรมันเกิดขึ้นในช่วงต้นปี ค.ศ. 1762 เมื่อโวล์ฟกังมีอายุเพียงหกขวบ หกเดือนต่อมาครอบครัวโมซาร์ทไปเวียนนา ที่นั่น Wolfgang และ Nannerl แสดงที่ศาลของจักรวรรดิประสบความสำเร็จอย่างมากได้รับของขวัญ ในฤดูร้อนปี 1763 Mozarts เดินทางไกลไปยังปารีสและลอนดอน แต่ก่อนอื่นพวกเขาไปเยี่ยมเมืองในเยอรมันหลายเมืองและระหว่างทางกลับ - อีกครั้งในปารีสเช่นเดียวกับในอัมสเตอร์ดัมเฮกเจนีวาและเมืองอื่น ๆ อีกมากมาย การแสดงของโมซาร์ทตัวน้อยโดยเฉพาะโวล์ฟกังสร้างความประหลาดใจและชื่นชมทุกหนทุกแห่งแม้กระทั่งในราชสำนักที่งดงามที่สุด ตามธรรมเนียมของสมัยนั้น Wolfgang ปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมชั้นสูงในชุดสูทที่ปักด้วย zblot และวิกผมแบบผง แต่ในขณะเดียวกันก็ประพฤติตามความเป็นธรรมชาติแบบเด็ก ๆ เขาสามารถกระโดดคุกเข่าไปหาจักรพรรดินีได้เช่นกัน . คอนเสิร์ตซึ่งกินเวลา 4-5 ชั่วโมงติดต่อกันเป็นเรื่องที่เหนื่อยมากสำหรับนักดนตรีรุ่นใหม่และสำหรับคนทั่วไปพวกเขากลายเป็นความบันเทิงประเภทหนึ่ง นี่คือสิ่งที่หนึ่งในประกาศกล่าวว่า:“ ... เด็กผู้หญิงในปีที่สิบสองและเด็กผู้ชายในปีที่เจ็ดจะเล่นคอนเสิร์ตบนฮาร์ปซิคอร์ด .. นอกจากนี้เด็กชาย 36 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียการทัวร์คอนเสิร์ตกินเวลานานกว่าสามปีและทำให้วูล์ฟกังประทับใจมากมาย เขาได้ยินผลงานการบรรเลงและเสียงร้องจำนวนมากพบกับนักดนตรีที่โดดเด่นบางคน (ในลอนดอนกับลูกชายคนเล็กของโยฮันน์เซบาสเตียนบาคโยฮันน์คริสเตียน) ระหว่างการแสดง Wolfgang ศึกษาองค์ประกอบอย่างกระตือรือร้น โซนาตาสสำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ดสี่ชิ้นของเขาได้รับการตีพิมพ์ในปารีสซึ่งบ่งบอกว่าเป็นผลงานของเด็กชายวัย 7 ขวบ ในลอนดอนเขาเขียนซิมโฟนีครั้งแรกของเขา กลับไปที่ Salzburg และพักในเวียนนา โอเปร่าครั้งแรก ในตอนท้ายของปี 1766 ทั้งครอบครัวกลับไปที่ Salzburg วูล์ฟกังเริ่มศึกษาเทคนิคการแต่งเพลงอย่างเป็นระบบภายใต้การแนะนำของพ่อของเขา Mozarts ใช้เวลาทั้งหมดในปี 1768 ในเวียนนา ภายใต้สัญญากับโรงละคร Wolfgang วัยสิบสองปีเขียนบทตามนางแบบชาวอิตาลีละครเรื่อง The Imaginary Simpleton ในสามเดือน การฝึกซ้อมเริ่มขึ้น แต่การแสดงถูกเลื่อนออกไปและจากนั้นก็ยกเลิกไปโดยสิ้นเชิง (อาจเป็นเพราะความอิจฉาริษยา) เกิดขึ้นเฉพาะในปีถัดมาในซาลซ์บูร์ก ในเวียนนาวูล์ฟกังได้แต่งเพลงอื่น ๆ อีกมากมายรวมถึงซิมโฟนีห้าเพลงและประสบความสำเร็จในการจัดพิธีมิสซาอย่างเคร่งขรึมในการถวายคริสตจักรใหม่ เดินทางไปอิตาลี. ตั้งแต่ปลายปี 1769 ถึงต้นปี 1773 Wolfgang Amadeus ได้เดินทางไกลกับพ่อของเขาในอิตาลีสามครั้ง ใน "ดินแดนแห่งดนตรี" โมสาร์ทหนุ่มคนนี้ประสบความสำเร็จอย่างมากในกว่าสิบเมืองรวมถึงโรมเนเปิลส์มิลานฟลอเรนซ์ เขาแสดงซิมโฟนีของเขาเล่นฮาร์ปซิคอร์ดไวโอลินและออร์แกนโซนาต้าชั่วคราวและการต่อสู้ตามธีมที่กำหนดไว้ล่วงหน้าอารีในข้อความที่กำหนดไว้ล่วงหน้าเล่นงานที่ยากได้อย่างยอดเยี่ยมจากการมองเห็นและทำซ้ำในคีย์อื่น ๆ เขาไปเยี่ยมโบโลญญาสองครั้งซึ่งบางครั้งเขาได้เรียนรู้บทเรียนจากอาจารย์ที่มีชื่อเสียง - ปาเดรมาร์ตินี่นักทฤษฎีและนักแต่งเพลง เมื่อผ่านการทดสอบที่ยากอย่างยอดเยี่ยม (โดยเขียนองค์ประกอบโพลีโฟนิกโดยใช้เทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน) โมซาร์ทวัยสิบสี่ปีได้รับเลือกให้เป็นสมาชิกของ Bologna Philharmonic Academy ในฐานะข้อยกเว้นพิเศษ และตามกฎบัตรอนุญาตให้มีเพียงนักดนตรีที่มีอายุครบยี่สิบปีบริบูรณ์และมีประสบการณ์ในสถาบันที่มีชื่อเสียงแห่งนี้มาก่อน ในกรุงโรมเมื่อได้ไปเยี่ยมชมโบสถ์ซิสทีนในวาติกัน (ที่ประทับของพระสันตปาปา) 29 ครั้งหนึ่งโมซาร์ทเคยได้ยินงานศักดิ์สิทธิ์โพลีโฟนิกขนาดใหญ่สำหรับนักร้องประสานเสียงสองคนโดยเกรโกริโออัลเลกรีนักแต่งเพลงชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 17 งานนี้ถือเป็นสมบัติของพระสันตะปาปาและไม่อนุญาตให้คัดลอกหรือแจกจ่ายซ้ำ แต่โมสาร์ทเขียนคะแนนการร้องเพลงประสานเสียงที่ซับซ้อนทั้งหมดจากความทรงจำและนักร้องประสานเสียงของพระสันตปาปายืนยันความถูกต้องของการบันทึก อิตาลีซึ่งเป็นประเทศที่ยิ่งใหญ่ไม่เพียง แต่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปกรรมและสถาปัตยกรรมด้วย - ทำให้โมสาร์ทมีความประทับใจทางศิลปะมากมาย เขาหลงใหลในการเยี่ยมชมโรงละครโอเปร่าเป็นพิเศษ ชายหนุ่มเข้าใจรูปแบบโอเปร่าของอิตาลีมากจนในเวลาสั้น ๆ เขาเขียนโอเปร่าสามเรื่องซึ่งตอนนั้นก็ประสบความสำเร็จอย่างมากในมิลาน เป็นซีรีส์โอเปร่า 2 เรื่อง ได้แก่ "Mithridates, King of Pontus" และ "Lucius Sulla" - และอุปรากรอภิบาลที่สร้างจากเรื่องราวในตำนาน "Ascanio in Alba" 30 การเดินทางไปเวียนนามิวนิกมันไฮม์ปารีส แม้จะประสบความสำเร็จในการสร้างสรรค์และการแสดงคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยม แต่ Wolfgang Amadeus ก็ไม่สามารถรับราชการที่ศาลของผู้ปกครองคนใดในอิตาลีได้ ฉันต้องกลับไปที่ Salzburg ที่นี่แทนที่จะเป็นอาร์คบิชอปผู้ล่วงลับผู้ปกครองคนใหม่ที่ดูหมิ่นและหยาบคายขึ้นครองราชย์ โมซาร์ทสองพ่อลูกที่รับราชการอยู่ในการเดินทางครั้งใหม่กลายเป็นเรื่องยากมากขึ้น และโรงละครโอเปร่าซึ่งโมสาร์ทปรารถนาจะแต่งนั้นไม่มีให้บริการในซาลซ์บูร์กและโอกาสอื่น ๆ สำหรับกิจกรรมทางดนตรีมี จำกัด การเดินทางไปเวียนนาของนักดนตรีสองคนเป็นไปได้เพียงเพราะความจริงที่ว่าอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์กต้องการไปเยี่ยมเมืองหลวงของออสเตรีย เขาไม่เต็มใจที่จะอนุญาตให้ Mozarts เดินทางไป; มิวนิกที่ซึ่งนักแต่งเพลงคนใหม่ของนักแต่งเพลงหนุ่มกำลังจัดฉากอยู่ และสำหรับการเดินทางครั้งต่อไปมีเพียง Wolfgang Amadeus เท่านั้นที่ได้รับอนุญาตด้วยความยากลำบาก พ่อของเขาถูกบังคับให้อยู่ในซาลซ์บูร์กและแม่ของเขาก็ไปกับลูกชายของเขา การหยุดยาวครั้งแรกเกิดขึ้นในเมือง Mannheim ของเยอรมัน ที่นี่ Wolfgang Amadeus และ Anna Maria ได้รับการต้อนรับอย่างอบอุ่นในบ้านของเขาโดยหนึ่งในผู้นำของวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราที่มีชื่อเสียงในเวลานั้นซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนนักแต่งเพลง Mannheim ยุคก่อนคลาสสิก Mozart แต่งโดยศิลปินชาวอิตาลีใน Mannheim รวมทั้ง Michelangelo 30 อาณาจักรปอนติคเป็นรัฐโบราณบนทะเลดำส่วนใหญ่เป็นชายฝั่งของตุรกีในปัจจุบัน ("Pontus Euxine" นั่นคือ "ทะเลที่มีอัธยาศัยดี" ซึ่งเป็นชื่อภาษากรีกโบราณสำหรับทะเลดำ) Lucius Sulla เป็นผู้นำทางทหารและการเมืองของกรีกโบราณ Pastoral (มาจากคำภาษาอิตาลี "Pastore" - "คนเลี้ยงแกะ") เป็นงานที่มีพล็อตเรื่องชีวิตที่เป็นอุดมคติในอกของธรรมชาติ โบสถ์ซิสทีน - โบสถ์ประจำบ้านของพระสันตปาปาในวาติกัน; สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 15 ภายใต้สมเด็จพระสันตปาปาซิกตัสที่ 4 ผนังและเพดานของโบสถ์ถูกวาดโดยผู้ยิ่งใหญ่ 29 37 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในแวดวงศิลปะของรัสเซียผลงานส่วนใหญ่เป็นเครื่องมือทั้งหมดที่มีการกำหนดโดยวุฒิภาวะของรูปแบบดนตรี แต่ไม่มีตำแหน่งงานว่างถาวรสำหรับ Wolfgang Amadeus ที่นี่เช่นกัน ในฤดูใบไม้ผลิปี 1778 โมซาร์ทและแม่ของเขามาถึงปารีส อย่างไรก็ตามความหวังที่จะได้รับการยอมรับอย่างแท้จริงและกลายเป็นตำแหน่งที่โดดเด่นไม่ได้เป็นจริง ในเมืองหลวงของฝรั่งเศสเด็กมหัศจรรย์ของเล่นที่ดูเหมือนมีชีวิตนี้ได้ถูกลืมไปแล้วและพวกเขาไม่ได้ตระหนักถึงพรสวรรค์ที่เบ่งบานของนักดนตรีหนุ่ม โมสาร์ทไม่ได้โชคดีกับการจัดคอนเสิร์ตหรือได้รับคำสั่งให้แสดงโอเปร่า เขามีชีวิตอยู่ด้วยรายได้จากบทเรียนที่น่าสังเวชเพราะเขาเขียนเพลงให้กับบัลเลต์เล็ก ๆ "Trinkets" ได้ในโรงละครเท่านั้น ผลงานชิ้นใหม่ที่ยอดเยี่ยมออกมาจากใต้ปากกาของเขา แต่ตอนนั้นพวกเขาไม่ได้ดึงดูดความสนใจอย่างจริงจังให้กับพวกเขา และในช่วงฤดูร้อน Wolfgang Amadeus ประสบความเศร้าโศกอย่างหนักแม่ของเขาล้มป่วยและเสียชีวิต ในช่วงต้นปีหน้าโมสาร์ทกลับไปที่ซาลซ์บูร์ก Opera "Idomeneo" หยุดพักกับอาร์คบิชอปและย้ายไปเวียนนา เหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในปีต่อ ๆ ไปคือการที่โมสาร์ทสร้างและจัดแสดงโอเปร่า Idomeneo กษัตริย์แห่งเกาะครีตในมิวนิกซึ่งประสบความสำเร็จอย่างยิ่งใหญ่ นี่คือคุณสมบัติที่ดีที่สุดของโอเปร่า - ซีเรียของอิตาลีผสมผสานกับหลักการปฏิรูปโอเปร่าของกลัค นี่เป็นการปูทางไปสู่การปรากฏตัวของผลงานชิ้นเอกโอเปร่าดั้งเดิมที่มีชีวิตชีวาของโมสาร์ท ... มันคือปีค. ศ. 1781 โมซาร์ทอายุ 25 ปี เขาเป็นผู้เขียนผลงานสามและครึ่งร้อยซึ่งเต็มไปด้วยความคิดสร้างสรรค์ใหม่ ๆ และสำหรับอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์กเขาเป็นเพียงคนรับใช้ดนตรีซึ่งเจ้าของที่หยิ่งผยองและกดขี่กำลังบีบบังคับและอัปยศมากขึ้นเรื่อย ๆ บังคับให้เขานั่งที่โต๊ะในห้อง "เหนือคนทำอาหาร แต่อยู่ข้างล่างลูกข่าง" ไม่อนุญาต โดยไม่ได้รับอนุญาตให้ออกจากที่ใดที่หนึ่งหรือปฏิบัติที่ใดก็ได้ ทั้งหมดนี้ทำให้ Mozart ทนไม่ได้และเขาได้ยื่นใบลาออก อาร์คบิชอปปฏิเสธเขาสองครั้งด้วยคำสาปแช่งและคำสบประมาทและเพื่อนสนิทของเขาก็เตะนักดนตรีออกจากประตูอย่างหยาบคาย แต่เขาต้องเผชิญกับความตกใจทางจิตใจเขายังคงแน่วแน่ในการตัดสินใจของเขา โมสาร์ทกลายเป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมคนแรกที่ได้รับความภาคภูมิใจในฐานะที่มั่นคงทางการเงิน แต่ต้องพึ่งพานักดนตรีในศาล เวียนนา: ทศวรรษที่แล้ว โมสาร์ทตั้งรกรากในเวียนนา บางครั้งเขาออกจากเมืองหลวงของออสเตรียในช่วงเวลาสั้น ๆ เช่นเกี่ยวข้องกับการผลิตโอเปร่า Don Juan ครั้งแรกในปรากหรือระหว่างทัวร์คอนเสิร์ตสองครั้งในเยอรมนี เขาแต่งงานกับคอนสแตนซ์เวเบอร์ในปี พ.ศ. 2325 ซึ่งโดดเด่นด้วยนิสัยร่าเริงและการแสดงละครเพลงของเธอ เด็ก ๆ เกิดมาทีละคน (แต่ในหกคนสี่คนเสียชีวิตเมื่อเป็นทารก) รายได้ของโมสาร์ทจากการแสดงคอนเสิร์ตในฐานะนักแสดงดนตรีคลาเวียร์จากการตีพิมพ์ผลงานและการแสดงโอเปร่าไม่สม่ำเสมอ นอกจากนี้โมสาร์ทเป็นคนใจดีใจง่ายและทำอะไรไม่ได้จึงไม่รู้วิธีจัดการเรื่องการเงินอย่างรอบคอบ การแต่งตั้งในตอนท้ายของปี 1787 ในตำแหน่งนักดนตรีในศาลที่ได้รับค่าตอบแทนเพียงเล็กน้อยซึ่งได้รับคำสั่งให้แต่งเพลงเต้นรำเพียงอย่างเดียวไม่ได้ช่วยให้รู้สึกว่าต้องใช้เงินบ่อยครั้ง ในช่วงสิบปีที่ผ่านมาของเวียนนาโมสาร์ทได้สร้างสรรค์ผลงานใหม่ ๆ มากกว่าสองร้อยชิ้น ในหมู่พวกเขาความสำเร็จทางศิลปะที่เจิดจ้าที่สุดของเขาในหลายประเภทฉายแวว ในปีแห่งการแต่งงานของโมซาร์ทในเวียนนาเพลง "The Abduction from the Seraglio" ของเขาที่เปล่งประกายได้รับการจัดฉากด้วยความสำเร็จอย่างยิ่งใหญ่; อารมณ์ขัน 31. และอุปรากรควายเรื่อง The Marriage of Figaro ต้นฉบับโดย; ประเภทของ "ละครที่ร่าเริง" "Don Juan" และโอเปร่า "The Magic Flute" ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาของกรุงเวียนนาเป็นหนึ่งในยอดละครที่สูงที่สุดในบรรดาละครเพลง! เรื่องราวของเขา ซิมโฟนีที่ดีที่สุดของเขาสามเพลงซึ่งกลายเป็นเพลงสุดท้ายรวมถึง G minor (หมายเลข 40) โมสาร์ทเขียนในฤดูร้อนปี 1788 ในทศวรรษเดียวกันผลงานการบรรเลงอื่น ๆ อีกมากมายของนักแต่งเพลงได้ปรากฏตัวขึ้น ได้แก่ วงออเคสตรา "Little Night Serenade" สี่ตอนคอนเสิร์ตเปียโนโซนาต้าและวงดนตรีต่าง ๆ มากมาย โมสาร์ทได้อุทิศวงเครื่องสายหกชุดให้กับ Haydn ซึ่งเขาได้พัฒนามิตรภาพที่อบอุ่น ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาโมสาร์ทศึกษาผลงานของบาคและฮันเดลด้วยความสนใจอย่างมาก ผลงานล่าสุดของ Mozart คือ Requiem, Mass for the death สำหรับนักร้องประสานเสียงนักร้องเดี่ยวและวงออเคสตรา 32 ในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2334 เขาได้รับมอบหมายให้แต่งเพลงโดยชายคนหนึ่งที่ไม่ต้องการให้ชื่อของเขา ดูเหมือนลึกลับอาจก่อให้เกิดลางสังหรณ์ที่มืดมน เพียงไม่กี่ปีต่อมาปรากฎว่าคำสั่งซื้อนั้นมาจากชาวเวียนนาที่ต้องการซื้องานของคนอื่นและส่งต่อไปเป็นของตัวเอง โมซาร์ทป่วยหนักไม่สามารถทำบังสุกุลได้อย่างสมบูรณ์ นักเรียนของนักแต่งเพลงคนหนึ่งทำแบบร่างเสร็จแล้ว มีเรื่องเล่าว่าในคืนวันสิ้นพระชนม์ของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งตามมาในคืนวันที่ 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334 เพื่อน ๆ ได้ร้องเพลงกับเขาในส่วนของงานที่ยังทำไม่เสร็จ ตามการออกแบบที่โศกเศร้าในบังสุกุลการแสดงโคลงสั้น ๆ ที่ได้รับแรงบันดาลใจและการแสดงออกอย่างน่าทึ่งของดนตรีของโมสาร์ทได้รับความอ่อนโยนและความจริงจังเป็นพิเศษ เนื่องจากไม่มีเงินทุน Mozart จึงถูกฝังไว้ในหลุมศพทั่วไปสำหรับ 31 32 Seraglio ซึ่งเป็นผู้หญิงครึ่งหนึ่งในบ้านของขุนนางตะวันออกที่ร่ำรวย คำภาษาละติน "บังสุกุล" หมายถึง "พักผ่อน" 38 www.classON.ru การศึกษาศิลปะของเด็กในรัสเซียไม่ดีและยังไม่ทราบสถานที่ฝังศพที่แน่นอน สำหรับ Suzanne the Countess ในชุดของเธอ อัลมาวิวาด้วยความละอายใจกับภรรยาของเขาจึงถูกบังคับให้ไม่ยุ่งเกี่ยวกับฟิกาโรและซูซานอีกต่อไปเพื่อเฉลิมฉลองงานแต่งงานซึ่งจบลงด้วย "วันที่บ้าคลั่ง" อย่างมีความสุขและเต็มไปด้วยเหตุการณ์ไม่คาดคิดทุกประเภท โอเปร่าเริ่มต้นด้วยการทาบทามซึ่งได้รับความนิยมมากและมักจะแสดงในซิมโฟนีคอนแชร์โตส 34 ซึ่งแตกต่างจากโอเปร่าอื่น ๆ อีกมากมายการทาบทามนี้ไม่ได้ใช้ธีมจากโอเปร่าเอง ที่นี่อารมณ์ทั่วไปของการกระทำที่ตามมาความรวดเร็วที่น่าหลงใหลและความร่าเริงที่ร่าเริงได้รับการถ่ายทอดออกมาอย่างชัดเจน การทาบทามถูกเขียนในรูปแบบโซนาต้า แต่ไม่มีการทำอย่างละเอียดซึ่งถูกแทนที่ด้วยการเชื่อมโยงสั้น ๆ ระหว่างการแสดงและการบรรเลง ในเวลาเดียวกันห้าธีมก็โดดเด่นอย่างชัดเจนแทนที่กันได้อย่างรวดเร็ว คนแรกและคนที่สองประกอบด้วยพรรคหลักพรรคที่สามและที่สี่ - พรรคข้างที่ห้า - พรรคสุดท้าย พวกเขาทั้งหมดมีพลัง แต่ในขณะเดียวกันแต่ละคนก็มีลักษณะพิเศษของตัวเอง ธีมแรกของส่วนหลักเล่นโดยสตริงและบาสซูนพร้อมเพรียงกันเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วด้วยความว่องไวซุกซน: คำถามและภารกิจ 1. อะไรทำให้เพลงของ Mozart เกี่ยวข้องกับดนตรีของ Haydn? อะไรคือความแตกต่างระหว่างความสนใจทางศิลปะของคลาสสิกเวียนนาทั้งสองนี้? 2. บอกเราเกี่ยวกับครอบครัวและวัยเด็กของ Wolfgang Amadeus Mozart 3. โมสาร์ทแสดงเป็นเด็กหนุ่มในประเทศและเมืองใดบ้าง? การแสดงเหล่านี้เป็นไปอย่างไร? 4. โมซาร์ทเขียนบทละครโอเปร่าเรื่องแรกของเขาตอนอายุเท่าไหร่? มันเรียกว่าอะไรและติดตั้งที่ไหน? 5. เล่าถึงทริปของหนุ่มโมสาร์ทไปอิตาลี 6. โมซาร์ทไปเยี่ยมเมืองอะไรในภายหลัง? การเดินทางไปปารีสของเขาประสบความสำเร็จหรือไม่? 7. เล่าให้เราฟังเกี่ยวกับโมสาร์ทที่เลิกรากับอาร์ชบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก 8. อธิบายทศวรรษสุดท้ายของชีวิตและผลงานของโมสาร์ท อะไรคือผลงานหลักที่เขาสร้างขึ้นในช่วงเวลานี้ Opera "The Marriage of Figaro" รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าของ Mozart "The Marriage of Figaro" เกิดขึ้นที่เวียนนาในปี พ.ศ. 2329 การแสดงสองครั้งแรกดำเนินการโดยนักแต่งเพลงเองที่ฮาร์ปซิคอร์ด ความสำเร็จเป็นอย่างมาก แต่การวัดซ้ำสำหรับอีกครั้ง บทประพันธ์ (ข้อความทางวาจา) ของโอเปร่าเรื่องนี้ในบทละครสี่เรื่องเขียนเป็นภาษาอิตาลีโดยลอเรนโซดาปอนเตจากบทตลกของโบมาร์ไชส์นักเขียนชาวฝรั่งเศสเรื่อง "Crazy Day หรือ The Marriage of Figaro" ในปีพ. ศ. 2418 PI Tchaikovsky ได้แปลบทประพันธ์นี้เป็นภาษารัสเซียและในการแปลของเขามีการแสดงโอเปร่าในประเทศของเรา Mozart เรียก Le Nozze di Figaro ว่าเป็นละครบัฟฟาโล แต่มันไม่ได้เป็นเพียงความบันเทิงที่สนุกสนานกับสถานการณ์ตลก ๆ ตัวละครหลักแสดงให้เห็นโดยดนตรีเป็นตัวละครมนุษย์ที่มีชีวิตหลากหลาย และแนวคิดหลักในการเล่นของ Beaumarchais ก็ใกล้เคียงกับ Mozart เพราะมันประกอบด้วยความจริงที่ว่าผู้รับใช้ของเคานต์อัลมาวิวาฟิกาโรและเจ้าสาวของเขาซูซานน์คนรับใช้กลับกลายเป็นคนที่ฉลาดและดีกว่าเจ้านายที่มีบรรดาศักดิ์ซึ่งพวกเขาเปิดเผยแผนการอย่างชาญฉลาด เคานต์เองชอบซูซานและเขาพยายามที่จะเลื่อนงานแต่งงานของเธอออกไป แต่ Figaro และ Suzanne สามารถเอาชนะอุปสรรคทั้งหมดที่เกิดขึ้นได้อย่างชาญฉลาดดึงดูดภรรยาของเคานต์และ Cherubino 33 ให้มาอยู่เคียงข้างพวกเขาในท้ายที่สุดพวกเขาจัดเตรียมสิ่งต่างๆเพื่อให้ในตอนเย็นในสวนนับได้รับครั้งที่สองประโคม ด้วยการกวาดล้าง: หลังจากหน้า - เด็กชายหรือชายหนุ่มที่มีต้นกำเนิดสูงส่งอยู่ในการรับใช้ของบุคคลที่มีเกียรติ ธีมการเชื่อมต่อของปาร์ตี้หลักปาร์ตี้ที่เต็มไปนั้นแตกต่างกันโดยส่วนใหญ่ขอให้เราจำไว้ว่าคำว่า "การทาบทาม" นั้นมาจากคำกริยาภาษาฝรั่งเศส "ouvrir" ซึ่งแปลว่า "จะเปิด", "เพื่อเริ่ม" 33 34 39 www.classON.ru ตัวหนาการศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียที่มีข้อความเหมือนสเกลธีมแรกของส่วนด้านข้างจะปรากฏขึ้นซึ่งเป็นท่วงทำนองที่เล่นโดยไวโอลิน ชุดรูปแบบมีลักษณะเป็นจังหวะแปลก ๆ ตามอำเภอใจเล็กน้อย แต่คงอยู่เสมอ: ตัวเลขเสียง ดังนั้นหมายเลขเดี่ยวครั้งแรกในงานปาร์ตี้ของ Figaro (เธอได้รับความไว้วางใจให้กับบาริโทน) - aria ขนาดเล็ก (cavatina) - ฟังดูทันทีหลังจากที่ Suzanne แจ้งคู่หมั้นของเธอว่าการนับเริ่มติดตามเธอด้วยการเกี้ยวพาราสี ในเรื่องนี้ฟิกาโรฮัมเพลงอย่างเยาะเย้ยในการเคลื่อนไหวของมินิเอท - การเต้นรำในสังคมชั้นสูงที่กล้าหาญ (ส่วนที่รุนแรงของรูปแบบการตอบโต้สามส่วนของคาวาติน่า): รูปแบบที่สองของส่วนรองเตือนคำอุทานที่เด็ดขาด: และธีม ของส่วนสุดท้ายมีความสมดุลมากที่สุดราวกับว่าการชำระทุกอย่าง: ในการบรรเลงเกมรอบรองและรอบสุดท้ายจะเล่นซ้ำแล้วซ้ำอีกในระดับพื้นฐานของ rema zhor พวกเขามาพร้อมกับ coda ซึ่งเน้นย้ำถึงตัวละครที่ร่าเริงและมีชีวิตชีวาของการทาบทาม ในโอเปร่าเรื่องนี้โดย Mozart วงดนตรีเสียงจะครอบครองสถานที่ขนาดใหญ่ส่วนใหญ่เป็นเพลงคู่ (สำหรับตัวละครสองตัว) และเทอร์เซ็ต (สำหรับตัวละครสามตัว) พวกเขาถูกคั่นด้วยการบรรยายพร้อมด้วยฮาร์ปซิคอร์ด และการแสดงครั้งที่สองสามและครั้งที่สี่จบลงด้วยรอบชิงชนะเลิศ - วงดนตรีขนาดใหญ่ที่มีตัวละครหกถึงสิบเอ็ดตัว การเคลื่อนไหวของเกลือรวมอยู่ในการพัฒนาแบบไดนามิกในรูปแบบต่างๆและในส่วนตรงกลางของคาวาติน่าการเคลื่อนไหวที่ถูกยับยั้งจะถูกแทนที่ด้วยเพลงที่รวดเร็วซึ่งเป็นท่วงทำนองสามจังหวะที่สง่างามซึ่งเป็นจังหวะสองจังหวะที่กระฉับกระเฉง ที่นี่ฟิกาโร่แสดงเจตจำนงอย่างเด็ดขาดโดยเสียค่าใช้จ่ายทั้งหมดเพื่อป้องกันแผนการร้ายกาจของเจ้านาย: 40 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียตัวเลขที่มีชื่อเสียงที่สุดในงานเลี้ยงของ Figaro คืออาเรียของเขา "Frisky ผมหยิก , รักเด็ก.” ส่งถึงเพจหนุ่ม Cherubino เขาบังเอิญได้ยินว่านายนับพยายามจะประกาศความรักของเขากับซูซานโดยบังเอิญอย่างไรและพยานที่ไม่ต้องการเช่นนี้ได้รับคำสั่งให้ไปรับราชการทหาร ในอาเรียของเขาฟิกาโรเยาะเย้ยสถานการณ์อย่างร่าเริงและมีไหวพริบวาดภาพชีวิตทหารที่โหดร้ายสำหรับชายหนุ่มซึ่งได้รับการปรนนิบัติด้วยชีวิตในศาล สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในดนตรีโดยการผสมผสานระหว่างการเต้นรำที่กระปรี้กระเปร่าเข้ากับท่าประโคม "สงคราม" นี่คือการละเว้นที่ทำให้เกิดเสียงสามครั้งในรูปแบบของ rondo: อีกอย่างหนึ่งคือเพลงเล็ก ๆ ของตัวละครเพลง "Hot blood กระตุ้นหัวใจ" นี่คือการสารภาพความรู้สึกอ่อนโยนที่ถูกยับยั้งมากขึ้นซึ่งส่งถึงเคาน์เตสด้วยตัวเองอย่างขี้อาย: ซูซาน (นักร้องโซปราโน) มีลักษณะเด่นในวงดนตรีมากมายว่ามีพลังกระฉับกระเฉงและมีไหวพริบไม่ด้อยไปกว่าฟิกาโร ในขณะเดียวกันภาพของเธอก็แสดงบทกวีอย่างละเอียดอ่อนในความฝันอันบางเบาจากการแสดงครั้งที่สี่ ในนั้น Suzanne กล่าวถึงการอุทธรณ์ที่อ่อนโยนต่อ Figaro: สำหรับ Cherubino เอง (ส่วนของเขาแสดงด้วยเสียงผู้หญิงต่ำ - เมซโซ - โซปราโน) เขาแสดงให้เห็นถึงสองอาเรียในฐานะชายหนุ่มที่กระตือรือร้นและยังไม่สามารถเข้าใจของตัวเองได้ พร้อมที่จะตกหลุมรักทุกคน หนึ่งในนั้นคืออาเรียที่ทั้งสนุกสนานและสั่นไหว "บอกเลยฉันอธิบายไม่ถูก" ความไพเราะรวมอยู่ในจังหวะของเธอราวกับว่าเต้นเป็นจังหวะด้วยความตื่นเต้นเป็นระยะ ๆ : 41 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียคำถามและงาน 1. รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า Le Nozze di Figaro ของ Mozart เกิดขึ้นเมื่อใดและที่ไหน? 2. บทละครตลกเขียนขึ้นเพื่ออะไร? 3. แนวคิดหลักของงานชิ้นนี้คืออะไร? 4. การทาบทามโอเปร่าจัดอย่างไร? 5. บอกเราเกี่ยวกับลักษณะเฉพาะของเลขโซโลสองตัวในส่วนของฟิกาโร่ 6. พรรคของ Cherubino ได้รับความไว้วางใจจากคะแนนเสียงใด? ร้องเพลงท่วงทำนองแห่งอาเรียของเขา 7. Suzanne มีลักษณะอย่างไรในวงดนตรีและอย่างไร - ใน Aria จากการแสดงครั้งที่สี่? รูปแบบที่สี่ (ด้วยการขว้างมือซ้ายไปทางขวา) ตรงกันข้ามจะกวาดอย่างกล้าหาญกว่า รูปแบบที่ห้าซึ่งจังหวะแรกที่ไม่เร่งรีบของ Andante grazioso ถูกแทนที่ด้วยจังหวะที่ช้ามาก - Adagio เป็นเพลงบรรเลงไพเราะที่มีสีด้วยสี จากนั้นการเปลี่ยนจังหวะเป็นจังหวะเร็ว (Allegro) สอดคล้องกับลักษณะการเต้นที่ร่าเริงของรูปแบบสุดท้ายที่หก การเคลื่อนไหวที่สองของโซนาต้าคือ Minuet ตามปกติมันมีโครงสร้างในรูปแบบการบรรเลงสามส่วนโดยมีการทำซ้ำที่แน่นอนในการบรรเลงดนตรีของการเคลื่อนไหวครั้งแรก ระหว่างพวกเขาคือส่วนตรงกลาง (Trio) 35. ในทุกส่วนของ Minuet น้ำเสียงที่ชัดเจนและชัดเจนของผู้ชายจะถูกวางเคียงคู่กับน้ำเสียงของผู้หญิงที่นุ่มนวลและนุ่มนวลคล้ายกับคำอุทานที่แสดงความเป็นโคลงสั้น ๆ Sonata in A Major สำหรับโซนาต้าที่รู้จักกันดีของ Clavier Mozart ใน A major ซึ่งเรียกกันทั่วไปว่า "Turkish March Sonata" เป็นวงจรที่สร้างขึ้นอย่างผิดปกติ การเคลื่อนไหวครั้งแรกที่นี่ไม่ใช่โซนาต้าอัลโกร แต่มีรูปแบบหกแบบในรูปแบบที่เบาและสงบและสง่างามอย่างไร้เดียงสา ดูเหมือนเป็นเพลงที่ให้อารมณ์ดีและสงบสุขในชีวิตนักดนตรีของเวียนนา จังหวะที่พลิ้วไหวเบา ๆ คล้ายกับการเคลื่อนไหวของชาวซิซิลีซึ่งเป็นเพลงเต้นรำหรือเพลงเต้นรำของอิตาลีในสมัยก่อน: นักแต่งเพลงเรียกการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของโซนาตา (ตอนจบ) ว่า "A11a Turca" - "ในสกุลตุรกี" ต่อมาชื่อ "Turkish March" ถูกกำหนดให้เป็นครั้งสุดท้าย ไม่มีอะไรที่เหมือนกันกับโครงสร้างน้ำเสียงของดนตรีพื้นบ้านและดนตรีมืออาชีพของตุรกีซึ่งเป็นเรื่องผิดปกติสำหรับหูชาวยุโรป แต่ในศตวรรษที่ 18 ในยุโรปดนตรีประกอบละครส่วนใหญ่มีแฟชั่นสำหรับการเดินขบวนเรียกตามอัตภาพว่า "ตุรกี" พวกเขาใช้สีเสียงต่ำของวงออร์เคสตรา "Janissary" ซึ่งมีเครื่องเป่าลมและเครื่องเคาะ - กลองใหญ่และเล็ก, ฉิ่ง, รูปสามเหลี่ยม พวกภารโรงถูกเรียกว่าทหารของหน่วยทหารราบของกองทัพตุรกี ดนตรีการเดินขบวนของพวกเขาถูกชาวยุโรปมองว่าดุร้ายมีเสียงดัง“ ป่าเถื่อน” ไม่มีความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างรูปแบบต่างๆ แต่ทั้งหมดมีลักษณะที่แตกต่างกัน ในรูปแบบแรกการเคลื่อนไหวที่ไพเราะแปลกใหม่มีอยู่เหนือกว่าในครั้งที่สองความขี้เล่นที่สง่างามจะถูกรวมเข้ากับเฉดสีที่น่าขบขัน (หมายเหตุเกี่ยวกับพระคุณ "ซุกซน" ในส่วนซ้ายมือเป็นสิ่งที่น่าสังเกต) รูปแบบที่สามซึ่งเป็นรูปแบบเดียวที่ไม่ได้เขียนใน A major แต่อยู่ใน A minor - เต็มไปด้วยตัวเลขที่ไพเราะเศร้าเล็กน้อยที่เคลื่อนไหวอย่างเท่าเทียมกันราวกับว่ามีความเขินอาย: ในตอนท้ายของ Trio มีชื่อ "Minuetto da capo" ภาษาอิตาลี - "from the head", "from the beginning." 35 "Da capo" แปลจาก 42 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียขั้นสุดท้ายเขียนในรูปแบบที่ผิดปกติ สามารถกำหนดเป็นสามส่วนพร้อมกับคอรัส (ใน A major) การขับร้องซ้ำ ๆ ทำให้ตอนจบเป็นตัวละคร rondo การเคลื่อนไหวครั้งแรก - ด้วยแรงจูงใจ "วน" เบา ๆ (ใน A minor) - และการเคลื่อนไหวตรงกลาง - ด้วยการเคลื่อนไหวที่ไพเราะ (F-sharp minor) - ผสมผสานการเต้นรำที่สง่างามอย่างเป็นธรรมชาติเข้ากับขั้นตอนการเดินที่ชัดเจน: เป็นเวลานานแล้ว เชื่อกันว่าโมสาร์ทแต่งโซนาต้าใน A major ในฤดูร้อนปี 1778 ในปารีส แต่แล้วพวกเขาก็พบข้อมูลว่าเหตุการณ์นี้เกิดขึ้นในอีกไม่กี่ปีต่อมาที่เวียนนา ข้อมูลดังกล่าวมีความเป็นไปได้มากขึ้นเนื่องจากในปี พ.ศ. 2325 มีการเปิดตัวการร้องเพลงของโมสาร์ท "The Abduction from the Seraglio" ของโมสาร์ทในปี 1782 ในนั้นการกระทำเกิดขึ้นในตุรกีและในเพลงของการทาบทามและในการร้องประสานเสียงสองเพลงการเลียนแบบเพลง "Janissary" เป็นสิ่งที่เห็นได้ชัดเจน นอกจากนี้ยังมีเสียงดัง การปลอมรหัส "Janissary" ใน A major โมซาร์ทได้เพิ่มวุฒิสภาในตอนจบในปี 1784 เมื่องานเผยแพร่เท่านั้น นอกจากนี้ยังเป็นที่น่าสังเกตว่าในโซนาตาเช่นเดียวกับใน The Abduction from the Seraglio บทบาทที่ยิ่งใหญ่เป็นของประเภทของเพลงและการเดินขบวน ด้วยเหตุนี้ความเชื่อมโยงของดนตรีบรรเลงกับดนตรีประกอบละครซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโมสาร์ทก็ปรากฏให้เห็น คำถามและงาน 1. ความผิดปกติของวงจรในโซนาต้าของ Mozart ใน A major คืออะไร? บอกเราเกี่ยวกับลักษณะของธีมและรูปแบบทั้งหกแบบในส่วนแรกของงานชิ้นนี้ 2. ประเภทการเต้นรำใดที่ใช้ในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของโซนาต้า? 3. อธิบายว่าเหตุใดตอนจบของโซนาต้าใน A major จึงเรียกว่า Turkish March ความผิดปกติของการก่อสร้างคืออะไร? ร้องเพลงธีมหลักของเขา 4. ผลงานดนตรีและการแสดงละครของโมสาร์ทที่สอดคล้องกับเพลง "Turkish March" ของเขาคืออะไร? Symphony in G minor เขียนในเวียนนาในปี 1788 ซิมโฟนีใน G minor! (ลำดับที่ 40) เป็นผลงานที่ได้รับแรงบันดาลใจมากที่สุดชิ้นหนึ่งของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ การเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีคือโซนาต้าอัลโกรที่ก้าวเร็วมาก เริ่มต้นด้วยธีมของส่วนหลักซึ่งดึงดูดความสนใจได้ทันทีในฐานะคำสารภาพที่เป็นความลับและเป็นโคลงสั้น ๆ ที่จริงใจ ขับร้องโดยไวโอลินไปกับเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายอื่น ๆ ที่พลิ้วไหวอย่างแผ่วเบา ท่วงทำนองของมันรับรู้ถึงจังหวะที่กระสับกระส่ายเช่นเดียวกับในช่วงเริ่มต้นของเพลงแรกของ Cherubino จาก The Marriage of Figaro (ดูตัวอย่างที่ 37) เนื้อเพลงความหมาย: แต่ตอนนี้มันเป็น "ผู้ใหญ่" มากขึ้นเนื้อเพลงที่จริงจังและกล้าหาญ: คอรัส (ใน A major) ฟังสามครั้งเหมือน "janissary noisy chorus" ในส่วนของมือซ้ายคุณจะได้ยินเสียงเลียนแบบ กลองม้วน: ในเรื่องนี้ "Turkish March" บางครั้งเรียกว่า "Rondo ในสไตล์ตุรกี" ("Rondo alla Turca") 36 43 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียการพัฒนาเล็กน้อย) แต่ไม่มีความแตกต่างใด ๆ ทั้งหมดเป็นไปตามอารมณ์แสงทั่วไปซึ่งตั้งแต่เริ่มต้นถูกกำหนดไว้ในส่วนหลักซึ่งฟังจากเครื่องสาย: ความเป็นชายของตัวละครได้รับการปรับปรุงในส่วนที่เชื่อมต่อซึ่งเป็นส่วนหลัก พัฒนา การมอดูเลตเกิดขึ้นควบคู่ไปกับ G minor ใน B flat major - กุญแจสำคัญของส่วนด้านข้าง ชุดรูปแบบมีน้ำหนักเบาสง่างามและเป็นผู้หญิงมากขึ้นเมื่อเทียบกับธีมหลัก มันถูกแต่งแต้มด้วยน้ำเสียงที่เป็นสีเช่นเดียวกับการสลับจังหวะของเครื่องสายและเครื่องเป่าลม: ในมาตรการที่ 7 จะมีการ "กระพือปีก" ของโน้ตสองตัวที่มีความยาวสามสิบวินาทีปรากฏขึ้นที่นี่ ในอนาคตอาจแทรกซึมเข้าไปในแนวความไพเราะของธีมทั้งหมดหรือราวกับว่าล้อมรอบพวกเขาปรากฏในการลงทะเบียนที่แตกต่างกันสำหรับเครื่องดนตรีที่แตกต่างกัน สิ่งเหล่านี้คือเสียงสะท้อนของธรรมชาติอันเงียบสงบ ในบางครั้งถูกรบกวนเล็กน้อยเท่านั้นพวกเขาก็ได้ยินอยู่ใกล้ ๆ ตอนนี้อยู่ในระยะไกล ตามประเพณีที่กำหนดการเคลื่อนไหวที่สามของซิมโฟนีคือ Minuet แต่ในนั้นมีเพียงส่วนตรงกลางเท่านั้นที่เป็นแบบดั้งเดิมอย่างชัดเจน - Trio ด้วยการเคลื่อนไหวที่ราบรื่นความไพเราะของเสียงและโทนเสียงของ G major ทำให้ทั้งสามคนออกจาก G minor main ส่วนสุดขั้วของ Minuet นี้ซึ่งโดยรวมแล้วเป็นเรื่องผิดปกติในแง่ของความตึงเครียดที่น่าทึ่ง ดูเหมือนว่าหลังจากการไตร่ตรองอย่างเงียบ ๆ ของธรรมชาติซึ่งเป็นตัวเป็นตนใน Andante ตอนนี้ฉันต้องกลับไปสู่โลกแห่งความวิตกกังวลและความตื่นเต้นทางอารมณ์ที่มีอยู่ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนี สิ่งนี้สอดคล้องกับการกลับมาของคีย์หลักของซิมโฟนี - G minor: การระเบิดของพลังงานครั้งใหม่เกิดขึ้นในส่วนสุดท้าย ที่นี่บทบาทนำเป็นของการพัฒนาซ้ำและต่อเนื่องของสามเสียงแรก - แรงจูงใจของธีมของพรรคหลัก ด้วยจุดเริ่มต้นของการพัฒนาที่แปลกประหลาดเมฆดูเหมือนจะรวมตัวกันอย่างน่าตกใจ จากไฟ B-flat major การเลี้ยวที่เฉียบคมกลายเป็นคีย์ที่มืดมนและห่างไกลของ F-sharp minor ธีมของชุดงานหลักกำลังพัฒนาอย่างมากในการพัฒนา มันต้องใช้วรรณยุกต์จำนวนมากแบ่งออกเป็นวลีและแรงจูงใจที่แยกจากกันและมักจะเลียนแบบเสียงที่แตกต่างกันของวงออเคสตรา แรงจูงใจแรกของชุดรูปแบบนี้เต้นแรงมาก แต่ในที่สุดการเต้นของมันก็อ่อนลงยับยั้งการสั่นของมันและการบรรเลงก็เข้ามา อย่างไรก็ตามผลกระทบของความเข้มข้นสูงที่เกิดขึ้นในการพัฒนานั้นสะท้อนให้เห็นในส่วนนี้ของส่วนแรก ที่นี่ความยาวของส่วนเชื่อมต่อจะเพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญนำไปสู่การนำเสนอด้านข้างและส่วนสุดท้ายไม่ได้อยู่ในหลักอีกต่อไป แต่อยู่ในคีย์หลักของ G minor ซึ่งทำให้เสียงของพวกเขามีความน่าทึ่งมากขึ้น การเคลื่อนไหวที่สองของซิมโฟนีคือ Andante ใน E flat major มันแตกต่างกับการเคลื่อนไหวครั้งแรกที่เป็นบทกวีที่มีความเงียบสงบและนุ่มนวล รูปแบบ Andante ยังเป็นโซนาตา (โดย G minor เป็นคีย์หลักและการเคลื่อนไหวที่สี่ของซิมโฟนี - ตอนจบจะดำเนินไปด้วยจังหวะที่เร็วมากตอนจบจะเขียนในรูปแบบโซนาตาธีมของส่วนหลักเป็นส่วนนำในส่วนนี้ ของซิมโฟนีรูปแบบการบรรเลงของโมสาร์ทที่สว่างไสวที่สุด แต่ถ้าธีมในส่วนแรกฟังดูเป็นคำสารภาพโคลงสั้น ๆ ที่นุ่มนวลและสั่นไหวแล้วธีมของตอนจบนั้นเป็นบทกวีที่น่าหลงใหลเต็มไปด้วยความกล้าหาญและเราจะตัดสินใจ 44 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขา ศิลปะรัสเซีย 2. บอกเราเกี่ยวกับธีมหลักของส่วนแรกของซิมโฟนีและพัฒนาการของพวกเขา 3. ลักษณะของดนตรีในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองและสามของซิมโฟนีคืออะไร? 4. แกนนำในตอนจบของซิมโฟนีคืออะไร? ตัวละครของมันแตกต่างจากลักษณะของธีมของส่วนหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกอย่างไร? 5. ธีมของเกมหลักของตอนจบมีโครงสร้างอย่างไร? พัฒนาการในการพัฒนาบนพื้นฐานของอะไร? ผลงานที่สำคัญการดึงดูดที่ร้อนแรงนี้สร้างขึ้นโดยการเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของเมโลดี้ตามเสียงของคอร์ดตัวเลขที่ไพเราะกระปรี้กระเปร่าที่วนรอบเสียงหนึ่งดูเหมือนจะตอบสนองต่อแรงกระตุ้นของมัน เช่นเดียวกับในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีรูปแบบที่สง่างามของส่วนรองของตอนจบฟังดูสดใสเป็นพิเศษในนิทรรศการเมื่อมีการแสดงใน B-flat major: 19 โอเปรา Requiem ประมาณ 50 ซิมโฟนี 27 คอนแชร์โตสำหรับคลาเวียร์และออร์เคสตรา 5 คอนแชร์โตสำหรับ คอนเสิร์ตไวโอลินและวงออเคสตราที่มีดนตรีประกอบสำหรับวงออเคสตราสำหรับฟลุตคลาริเน็ตบาสซูนฮอร์นฝรั่งเศสฟลุตกับพิณสตริงควอเทียร์ (มากกว่า 20 ตัว) และควินเต็ตโซนาต้าสำหรับคลาเวียร์สำหรับไวโอลินและคลาเวียร์รูปแบบแฟนตาซีแรนโดมินูเซ็ตสำหรับคลาเวียร์ส่วนสุดท้าย ขึ้นอยู่กับองค์ประกอบที่สองของธีมของส่วนหลัก ในการพัฒนาตอนจบองค์ประกอบแรกที่น่าดึงดูดใจของธีมของเกมหลักกำลังพัฒนาอย่างเข้มข้นโดยเฉพาะ ความตึงเครียดสูงอย่างมากเกิดขึ้นได้จากความเข้มข้นของวิธีการพัฒนาฮาร์มอนิกและโพลีโฟนิก - ดำเนินการในวรรณยุกต์จำนวนมากและการเรียกม้วนเลียนแบบ ในการบรรเลงการแสดงของส่วนรองในคีย์หลักของ G minor มีความโศกเศร้าเล็กน้อย และองค์ประกอบที่สองของธีมของส่วนหลัก (ตัวเลขที่ยืนยันและมีพลัง) เช่นเดียวกับในนิทรรศการจะฟังเป็นพื้นฐานของส่วนสุดท้ายในการบรรเลง ด้วยเหตุนี้ตอนจบในการสร้างสรรค์ของ Matsart อันแยบยลนี้จึงสร้างบทเพลงที่สดใสและเป็นจุดสูงสุดที่น่าทึ่งของวงจรโซนาตา - ซิมโฟนีทั้งหมดซึ่งไม่เคยมีมาก่อนในการพัฒนาผ่านภาพ ลุดวิกฟานเบโธเฟน 1770-1827 นักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ลุดวิกฟานเบโธเฟนเป็นนักดนตรีที่เก่งที่สุดสามคนที่ถูกเรียกว่าคลาสสิกเวียนนา เบโธเฟนเกิดขึ้นเพื่อใช้ชีวิตและสร้างขึ้นมาแล้วในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17 และ 19 ในยุคของการเปลี่ยนแปลงและการเปลี่ยนแปลงทางสังคมครั้งใหญ่ วัยหนุ่มของเขาใกล้เคียงกับเวลาคำถามและภารกิจ 1. Mozart สร้าง Symphony ใน G minor No. 40 เมื่อใดและที่ไหน 45 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย

บันทึกพื้นฐานเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศเป็นส่วนเพิ่มเติมจากหนังสือเรียนที่มีอยู่เกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรี เนื้อหาของหนังสือเรียนสอดคล้องกับโปรแกรมของวิชา PO.02.UP.03 "วรรณคดีดนตรี" ของโปรแกรมการศึกษาทั่วไปก่อนวิชาชีพเพิ่มเติมในสาขาศิลปะการดนตรี "เปียโน" "เครื่องสาย" "เครื่องเป่าลมและเครื่องเคาะ" "เครื่องดนตรีพื้นบ้าน" "การร้องเพลงประสานเสียง" ซึ่งแนะนำโดยกระทรวงวัฒนธรรม ของสหพันธรัฐรัสเซีย

หมายเหตุประกอบเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีได้รับการออกแบบมาเพื่อพัฒนาการศึกษาด้านมนุษยธรรมและความสามารถพิเศษของนักเรียนโดยเฉพาะ: "... เพื่อสร้างความคิดทางดนตรีทักษะการรับรู้และการวิเคราะห์ผลงานดนตรีเพื่อรับความรู้เกี่ยวกับกฎหมายของรูปแบบดนตรีเกี่ยวกับลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรีวิธีการแสดงออกของดนตรี" 1 .

ในตำรางานของคีตกวีนำเสนอในบริบทของยุควัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ซึ่งศึกษาเกี่ยวกับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์และศิลปะที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิด เนื้อหาของบทคัดย่อเป็นวิทยานิพนธ์หลักของการวิจัยเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรีและวรรณกรรมดนตรีโดย V.N Bryantseva, V.S. Galatskaya, L.V. Kirillina, V.D. Konen, T.N. Livanova, I.D. Prokhorova และนักดนตรีชื่อดังคนอื่น ๆ เนื้อหาการเรียนการสอนทั่วไปและกระชับในรูปแบบ ของตารางไดอะแกรมและการรองรับภาพ การสนับสนุนด้านภาพ (การทำสำเนาภาพวาดโดยศิลปินที่มีชื่อเสียงภาพของนักแต่งเพลงญาติและเพื่อนของพวกเขาบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมและศิลปะบุคคลในประวัติศาสตร์ ฯลฯ ) ไม่เพียง แต่ประกอบและเสริมข้อมูลด้วยวาจาเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้ให้บริการข้อมูลในด้านการปรับ ศิลปะเกี่ยวข้องโดยตรงกับยุคสมัยและแนวโน้มทางดนตรีผลงานของคีตกวีสะท้อนประวัติศาสตร์วัฒนธรรมและศิลปะของประเทศในยุโรป

เนื้อหาของบทคัดย่อสนับสนุนประกอบด้วยสี่ส่วนซึ่งในทางกลับกันจะแบ่งออกเป็นหัวข้อที่ครอบคลุมช่วงเวลาของการพัฒนาดนตรียุโรปจากวัฒนธรรมดนตรีของกรีกโบราณไปจนถึงผลงานของนักแต่งเพลงโรแมนติกในศตวรรษที่ 19 ดังนั้นส่วนแรกจะพิจารณาถึงวัฒนธรรมดนตรีของกรีกโบราณยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ส่วนที่สองตรวจสอบยุคบาโรกผลงานของ JS Bach และ GF Handel ส่วนที่สามอุทิศให้กับยุคคลาสสิกซึ่งเน้นไปที่ผลงานของคลาสสิกเวียนนา - J. Haydn, W. A. \u200b\u200bMozart และ L. Beethoven ส่วนที่สี่นำเสนอเนื้อหาเกี่ยวกับยุคโรแมนติกผลงานของ F.Schubert และ F.Chopin ภาพรวมคร่าวๆของผลงานของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกในศตวรรษที่ 19 F.Mendelssohn, F.Liszt, R.Schumann, G.Berlioz, D. Verdi, R.Wagner, I.Brams, J. Bizet

คู่มือนี้ยังรวมถึงพจนานุกรมของความหมายข้อกำหนดและแนวคิดที่พบในข้อความการวิเคราะห์สั้น ๆ และตัวอย่างดนตรีของงานที่กำลังศึกษาอยู่

นอกเหนือจากการนำเสนอเนื้อหาในตารางและแผนภาพอย่างเข้มงวดแล้วคู่มือนี้ยังมีข้อเท็จจริงที่น่าสนใจจากชีวิตของนักแต่งเพลงซึ่งกำหนดไว้ในรูปแบบของการบรรยายและประกอบไปด้วยภาพประกอบศิลปะที่มีสีสันซึ่งจะช่วยฟื้นฟูการรับรู้และความสนใจของเด็ก ๆ

บันทึกย่อพื้นฐานเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศมีไว้สำหรับนักเรียนของโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็กโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กในปีที่สองและปีที่สามของการศึกษา (เกรด 5 และ 6) ที่ลงทะเบียนในโปรแกรมการศึกษาทั่วไปก่อนวิชาชีพเพิ่มเติมในสาขาดนตรี ศิลปะ. ครูสอนดนตรีตามทฤษฎีและสาขาวิชาพิเศษของโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็กสามารถใช้หนังสือเรียนเมื่อศึกษาเนื้อหาใหม่ทำซ้ำและจัดระบบหัวข้อที่ครอบคลุมเตรียมความพร้อมสำหรับการรับรองระดับกลางและขั้นสุดท้ายของนักเรียนการเตรียมความพร้อมสำหรับการแข่งขันกีฬาโอลิมปิกตามทฤษฎีดนตรีงานอิสระ ของนักเรียนการฝึกอบรมกลุ่มและรายบุคคลบางส่วนเมื่อใช้โปรแกรมการพัฒนาทั่วไปเพิ่มเติมใน สาขาศิลปะดนตรีในกิจกรรมทางวัฒนธรรมและการศึกษา

สมุดงานจะแนบมากับบันทึกย่อสนับสนุนซึ่งออกแบบมาเพื่อใช้ในการประชุมในห้องเรียน

ด้านล่างนี้เป็นข้อความที่ตัดตอนมาจากคู่มือ "โน้ตเบื้องต้นเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ"

สำหรับการซื้อคู่มือโดย Tatyana Guryevna Savelyeva "บันทึกย่อพื้นฐานเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ" โปรดติดต่อผู้เขียนที่ [ป้องกันอีเมล]

_____________________________________________

1 หลักสูตรโดยประมาณสำหรับสาขาวิชาการ PO 02 UP.03. วรรณกรรมดนตรี. - มอสโก 2012

______________________________________________________