ภาพวาดสมัยฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลี - Giotto, Masaccio, Angelico, Titian และ Giorgione ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา▲ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอังกฤษ

แองเจลิโก Fra Beato
GIOTTO di Bondone
MANTENIA Andrea
BELLINI Giovani
BOTTICELLI Sandro
VERONEZE เปาโล
ดา VINCI Leonardo
JORDONE
Carpaccio Vittore
MICHELANGELO BUONARROTI
ราฟาเอลสันติ
TITIAN

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา -
(ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศส Rinascimento อิตาลี) -
ยุคประวัติศาสตร์วัฒนธรรมยุโรป
ซึ่งเข้ามาแทนที่วัฒนธรรมในยุคกลางและ
นำหน้าวัฒนธรรมในยุคปัจจุบัน
กรอบลำดับเวลาโดยประมาณของยุค - ศตวรรษที่ XIV-XVI
ลักษณะเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือลักษณะทางโลกของวัฒนธรรม
และมานุษยวิทยา (นั่นคือความสนใจในตอนแรก
ต่อบุคคลและกิจกรรมของเขา)
ความสนใจในวัฒนธรรมโบราณปรากฏขึ้น
มี "การเกิดใหม่" เหมือนเดิม - และนี่คือลักษณะที่คำนี้ปรากฏ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นในอิตาลีด้วยความสมบูรณ์แบบคลาสสิก
ในวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งมีช่วงก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
ปรากฏการณ์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 13 และ 14 (Proto-Renaissance), ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (ศตวรรษที่ 15),
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง (ปลายไตรมาสที่ 15 - 1 ของศตวรรษที่ 16)
ปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ศตวรรษที่ 16)
ในช่วงต้นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการมุ่งเน้นไปที่นวัตกรรม
โรงเรียนฟลอเรนซ์กลายเป็นศิลปะทุกรูปแบบ
สถาปนิก (F.Brunelleschi, L.B. Alberti, B. Rossellino ฯลฯ )
ประติมากร (L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, A. Rossellino,
Desiderio da Settignano ฯลฯ ) จิตรกร (Masaccio, Filippo Lippi,
อันเดรียเดลคาสตาญโญ, เปาโลอุคเซลโล, ฟราแองเจลิโก
Sandro Botticelli และอื่น ๆ ) ซึ่งสร้างส่วนประกอบที่เป็นพลาสติก
แนวคิดของโลกที่มีเอกภาพภายใน
ค่อยๆแพร่กระจายไปทั่วอิตาลี
(ผลงานของ Piero della Francesca ใน Urbino, Vittore Carpaccio,
F.Cossa ใน Ferrara, A.Mantegna ใน Mantua, Antonello da Messina
และพี่น้อง Gentile และ Giovanni Bellini ในเวนิส)
ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการสูงเมื่อการต่อสู้เพื่อมนุษยนิยม
อุดมคติของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นในตัวละครที่ตึงเครียดและเป็นวีรบุรุษ
สถาปัตยกรรมและทัศนศิลป์มีเครื่องหมายละติจูด
เสียงสาธารณะลักษณะทั่วไปสังเคราะห์และพลังของภาพ
เต็มไปด้วยกิจกรรมทางวิญญาณและทางกายภาพ
ในอาคารของ D.Bramante ราฟาเอลอันโตนิโอดาซังกัลโลไปถึง
สุดยอดของมันคือความกลมกลืนที่สมบูรณ์แบบอนุสาวรีย์และสัดส่วนที่ชัดเจน
ความสมบูรณ์ของความเห็นอกเห็นใจการบินอย่างกล้าหาญของจินตนาการทางศิลปะ
ความครอบคลุมของความเป็นจริงเป็นลักษณะของความคิดสร้างสรรค์ที่ใหญ่ที่สุด
ศิลปกรรมในยุคนี้ - Leonardo da Vinci
Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian
ตั้งแต่ไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 16 เมื่ออิตาลีเข้าสู่ช่วงวิกฤตทางการเมือง
และความผิดหวังในแนวคิดมนุษยนิยมผลงานของอาจารย์หลายคน
ได้รับตัวละครที่ซับซ้อนและน่าทึ่ง
ในสถาปัตยกรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย (Michelangelo, G. da Vignola,
Giulio Romano, V. Peruzzi) เพิ่มความสนใจในการพัฒนาเชิงพื้นที่
องค์ประกอบการอยู่ใต้บังคับบัญชาของอาคารตามแนวคิดการวางผังเมืองแบบกว้าง
ในอาคารสาธารณะที่ร่ำรวยและซับซ้อนวัดวาอาราม
วิลาห์การแปรสัณฐานที่ชัดเจนของพระราชวังในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นเปลี่ยนไป
ความขัดแย้งที่รุนแรงของกองกำลังเปลือกโลก (อาคารโดย J.Sansovino,
G.Alessi, M. Sanmicheli, A. Palladio)
ภาพวาดและประติมากรรมในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายได้รับการเสริมแต่ง
ความเข้าใจเกี่ยวกับธรรมชาติที่ขัดแย้งกันของโลกสนใจในภาพ
การกระทำจำนวนมากอย่างมากไปจนถึงพลวัตเชิงพื้นที่
(Paolo Veronese, J. Tintoretto, J. Bassano);
ความลึกที่ไม่เคยมีมาก่อนความซับซ้อนโศกนาฏกรรมภายในมาถึง
ลักษณะทางจิตวิทยาของภาพในงานต่อมา
Michelangelo และ Titian

โรงเรียนเวเนเชี่ยน

The Venetian School หนึ่งในโรงเรียนสอนวาดภาพหลักในอิตาลี
มีศูนย์กลางอยู่ที่เมืองเวนิส (บางส่วนอยู่ในเมืองเล็ก ๆ ของ Terrafarm-
พื้นที่ของแผ่นดินใหญ่ที่ติดกับเวนิส)
โรงเรียนเวนิสโดดเด่นด้วยความโดดเด่นของจุดเริ่มต้นของภาพ
ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับปัญหาสีความปรารถนาที่จะใช้
ความสมบูรณ์ตระการตาและความสดใสของการเป็นอยู่
ความเจริญรุ่งเรืองที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนเวนิสมาถึงในยุค
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นและสูงในผลงานของ Antonello da Messina
ผู้เปิดโอกาสในการแสดงออกของการวาดภาพสีน้ำมันให้กับคนรุ่นเดียวกันของเขา
ผู้สร้างภาพที่กลมกลืนกันในอุดมคติโดย Giovanni Bellini และ Giorgione
ทิเชียนนักวาดสีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดซึ่งเป็นตัวเป็นตนในผืนผ้าใบของเขา
ความร่าเริงและสีสันมากมายเหลือเฟือที่มีอยู่ในภาพวาดของเมืองเวนิส
ในผลงานของอาจารย์โรงเรียนเวนิสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16
ความมีคุณธรรมในการถ่ายทอดหลากสีของโลกความรักของแว่นตาสำหรับเทศกาล
และฝูงชนหลายแง่มุมอยู่ร่วมกันกับละครที่ชัดเจนและซ่อนเร้น
ความรู้สึกที่น่าตกใจของพลวัตและความไม่มีที่สิ้นสุดของจักรวาล
(ภาพวาดโดย Paolo Veronese และ J. Tintoretto)
อายุ 17 ปีในโรงเรียนเวนิสแบบดั้งเดิมสนใจปัญหาเรื่องสี
ในผลงานของ D.Fetti, B.Strozzi และคนอื่น ๆ อยู่ร่วมกับเทคนิคการวาดภาพแบบบาโรก
เช่นเดียวกับแนวโน้มที่เป็นจริงในจิตวิญญาณของคาราวาน
สำหรับภาพวาดเวนิสในศตวรรษที่ 18 เฟื่องฟู
ภาพวาดอนุสาวรีย์และภาพตกแต่ง (G. B. Tiepolo)
ประเภทแนวเพลง (J. B. Piazzetta, P.Longhi),
เอกสาร - ภูมิสถาปัตยกรรมที่ถูกต้อง - นำไปสู่
(J.A. Canaletto, B.Belotto) และเนื้อเพลง
ถ่ายทอดบรรยากาศบทกวีในชีวิตประจำวันอย่างละเอียด
ทิวทัศน์ของเมืองเวนิส (F. Guardi)

โรงเรียนฟลอเรนซ์

Florentine School หนึ่งในโรงเรียนสอนศิลปะชั้นนำของอิตาลี
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยมีศูนย์กลางอยู่ที่เมืองฟลอเรนซ์
การก่อตัวของโรงเรียนฟลอเรนซ์ซึ่งสุดท้ายเป็นรูปเป็นร่างในศตวรรษที่ 15
มีส่วนทำให้ความคิดเห็นอกเห็นใจเฟื่องฟู
(F.Petrarca, G.Boccaccio, Lico della Mirandola และคนอื่น ๆ ),
หันไปหามรดกแห่งสมัยโบราณ
จอตโตกลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนฟลอเรนซ์ในยุคโปรโต - เรอเนสซองส์
ให้องค์ประกอบของเขาพลาสติกโน้มน้าวใจและ
ความแน่นอนที่สำคัญ
ในศตวรรษที่ 15 ผู้ก่อตั้งศิลปะเรอเนสซองส์ในฟลอเรนซ์
สร้างโดยสถาปนิก F.Brunelleschi ประติมากร Donatello
จิตรกร Masaccio ตามด้วยสถาปนิก L.B. อัลแบร์ตี
ประติมากร L. Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano,
Benedetto da Maiano และคนอื่น ๆ
ในสถาปัตยกรรมของโรงเรียนฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 15 สร้างประเภทใหม่แล้ว
พระราชวังยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการค้นหารูปแบบของอาคารวัดในอุดมคติได้เริ่มขึ้น
ตอบสนองอุดมคติที่เห็นอกเห็นใจแห่งยุคสมัย
สำหรับศิลปกรรมของโรงเรียนฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 15 ลักษณะ
ความหลงใหลในปัญหามุมมองความมุ่งมั่นเพื่อความชัดเจนแบบพลาสติก
การสร้างร่างมนุษย์
(ผลงานของ A. del Verrocchio, P. Uccello, A. del Castagno ฯลฯ )
และสำหรับเจ้านายของเธอหลายคน - จิตวิญญาณพิเศษและโคลงสั้น ๆ ที่ใกล้ชิด
การไตร่ตรอง (ภาพวาดโดย B. Gozzoli, Sandro Botticelli,
Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo และอื่น ๆ )
การค้นหาปรมาจารย์ในศตวรรษที่ 15 สร้างโดยศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
Leonardo da Vinci และ Michelangelo ผู้สร้างภารกิจทางศิลปะ
โรงเรียนฟลอเรนซ์สู่ระดับใหม่ของคุณภาพ ในช่วงทศวรรษที่ 1520
การลดลงอย่างค่อยเป็นค่อยไปของโรงเรียนเริ่มขึ้นแม้จะมีความจริงก็ตาม
ที่ศิลปินรุ่นใหญ่หลายคนยังคงทำงานในฟลอเรนซ์
(จิตรกร Fra Bartolommeo และ Andrea del Sarto ประติมากร A. Sansovino);
จากยุค 1530 โรงเรียนฟลอเรนซ์กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางหลัก
ศิลปะลักษณะนิยม (สถาปนิกและจิตรกร G.Wasari,
จิตรกร A. Bronzino, J. Pontormo)
ในศตวรรษที่ 17 โรงเรียนฟลอเรนซ์ได้เสื่อมโทรมลง

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในช่วงต้น

ช่วงเวลาที่เรียกว่า "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น" ครอบคลุม
ในอิตาลีเวลาคือ 1420 ถึง 1500
ในช่วงแปดสิบปีนี้ศิลปะยังไม่ได้ละทิ้งไปโดยสิ้นเชิง
จากตำนานในอดีตที่ผ่านมา แต่พยายามผสมผสานองค์ประกอบต่างๆเข้าด้วยกัน
ยืมมาจากสมัยโบราณคลาสสิก
ต่อมาและเพียงทีละเล็กทีละน้อยภายใต้อิทธิพลของมากขึ้นเรื่อย ๆ
และสภาพชีวิตและวัฒนธรรมที่เปลี่ยนแปลงไป
ศิลปินละทิ้งรากฐานในยุคกลางโดยสิ้นเชิงและใช้อย่างกล้าหาญ
ตัวอย่างของศิลปะโบราณเช่นเดียวกับแนวคิดทั่วไปของผลงาน
และในรายละเอียดของพวกเขา

ในขณะที่ศิลปะในอิตาลีก็ดำเนินไปตามวิถีแห่งการเลียนแบบอย่างเฉียบขาดอยู่แล้ว
โบราณวัตถุคลาสสิกในประเทศอื่น ๆ มันเป็น
ประเพณีของสไตล์โกธิค ทางตอนเหนือของเทือกเขาแอลป์และในสเปน
การฟื้นฟูเกิดขึ้นในปลายศตวรรษที่ 15 เท่านั้น
และช่วงแรก ๆ คงอยู่จนถึงกลางศตวรรษหน้า
อย่างไรก็ตามไม่มีการผลิตอะไรที่น่าทึ่งเป็นพิเศษ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

ช่วงที่สองของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ช่วงเวลาแห่งการพัฒนาสไตล์ที่งดงามที่สุดของเขา -
เรียกกันทั่วไปว่า "High Renaissance"
มันทอดยาวในอิตาลีประมาณ 1,500 ถึง 1580
ในเวลานี้จุดศูนย์ถ่วงของศิลปะอิตาลีจากฟลอเรนซ์
ย้ายไปยังกรุงโรมด้วยการภาคยานุวัติของพระสันตปาปาของ Julius II
คนที่มีความทะเยอทะยานกล้าหาญและกล้าได้กล้าเสีย
ดึงดูดศิลปินชาวอิตาลีที่ดีที่สุดมาที่ศาลของเขา
ที่ครอบครองพวกเขาด้วยผลงานมากมายและสำคัญและมอบให้
ให้คนอื่นเป็นตัวอย่างของความรักในศิลปะ ด้วยพระสันตะปาปาองค์นี้และผู้สืบทอดคนสนิทของเขา
กรุงโรมกลายเป็นเอเธนส์ใหม่ในยุคของ Pericles:
อาคารอนุสรณ์สถานมากมายถูกสร้างขึ้นในนั้น
มีการแสดงผลงานประติมากรรมที่งดงาม
มีการทาสีจิตรกรรมฝาผนังและภาพวาดซึ่งยังถือว่าเป็นไข่มุกแห่งการวาดภาพ
ในขณะที่ศิลปะทั้งสามแขนงร่วมมือกันอย่างกลมกลืน
ช่วยเหลือซึ่งกันและกันและปฏิบัติซึ่งกันและกัน
ปัจจุบันโบราณวัตถุได้รับการศึกษาอย่างละเอียดมากขึ้น
ผลิตซ้ำด้วยความเข้มงวดและสม่ำเสมอมากขึ้น
ความสงบและศักดิ์ศรีถูกสร้างขึ้นแทนความงามขี้เล่น
ซึ่งเป็นปณิธานของช่วงเวลาก่อนหน้านี้
ความทรงจำเกี่ยวกับยุคกลางหายไปอย่างสมบูรณ์และค่อนข้างคลาสสิก
สำนักพิมพ์ตกอยู่กับการสร้างสรรค์งานศิลปะทั้งหมด
แต่การเลียนแบบคนสมัยก่อนไม่ได้ทำให้ความเป็นอิสระในศิลปินลดลง
และพวกเขาด้วยความมั่งคั่งและความมีชีวิตชีวาของจินตนาการ
ประมวลผลและนำไปใช้อย่างอิสระ
ซึ่งถือว่าเหมาะสมที่จะยืมเขาจากศิลปะกรีก - โรมัน

ปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ช่วงที่สามของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
ที่เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย
โดดเด่นด้วยความปรารถนาอันแรงกล้าและไม่หยุดยั้งของศิลปิน
พัฒนาโดยพลการโดยไม่มีลำดับที่สมเหตุสมผล
และผสมผสานลวดลายโบราณเพื่อให้ได้ภาพที่สวยงามในจินตนาการ
การพูดเกินจริงและอวดรู้ของแบบฟอร์ม
สัญญาณของความทะเยอทะยานซึ่งก่อให้เกิดสไตล์บาร็อค
จากนั้นในศตวรรษที่ 18 สไตล์โรโกโกก็กลับมาปรากฏอีกครั้ง
ช่วงเวลาก่อนหน้านี้ส่วนใหญ่เกิดจากความผิดพลาดโดยไม่สมัครใจ
มีเกลันเจโลผู้ยิ่งใหญ่ความเฉลียวฉลาด แต่มีความคิดส่วนตัวเกินไป
ความคิดสร้างสรรค์ของตัวอย่างที่อันตรายของทัศนคติที่เสรีอย่างยิ่ง
กับหลักการและรูปแบบของศิลปะโบราณ แต่ตอนนี้ทิศทาง
มันเป็นสากล

****************************************************

แองเจลิโก, FRA BEATO -
(Fra Giovanni da Fiesole) (Angelico, fra Beato; จาก Giovanni da Fiesole)
(ค.ศ. 1400-1455) จิตรกรชาวอิตาลีแห่งฟลอเรนไทน์
ผลงานของเขาผสมผสานเนื้อหาทางศาสนาที่ลึกซึ้งและความซับซ้อนของรูปแบบ
ประเพณีการวาดภาพแบบกอธิคและลักษณะของศิลปะใหม่ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
Fra Angelico ผู้ซึ่งในโลกนี้ได้รับการขนานนามว่า Guido di Piero
เกิดที่เมือง Vicchio ใน Tuscany ประมาณปี 1400 ในเอกสารย้อนหลังไปถึงปี 1417
เขาได้รับการกล่าวถึงในฐานะศิลปินแล้ว ยังเป็นที่รู้จัก
ก่อนปี 1423 ใน Fiesole เขาได้เข้าสู่คำสั่งของโดมินิกันโดยได้รับชื่อ Fra Giovanni da Fiesole
และต่อมาเป็นเจ้าอาวาสของอารามซานมาร์โกในฟลอเรนซ์
ผลงานหลายชิ้นเป็นผลงานในช่วงแรกของงานของ Fra Angelico
ตอนนี้ถือว่าเป็นผลงานของนักเรียนของเขารูปแบบต่างๆในการแต่งเพลงของเขา
หนึ่งในผลงานชิ้นสำคัญชิ้นแรกของศิลปินคือ Linayuoli อันทรงคุณค่าจากอาราม
ซานมาร์โกในฟลอเรนซ์ (1433-1435) ในภาคกลางซึ่งเป็นตัวแทนของพระแม่มารีและเด็ก
บนบัลลังก์และแผงด้านข้างมีนักบุญสององค์ รูปของพระมารดาของพระเจ้าแสดงตามประเพณี
และในภาพของนักบุญที่ยืนอยู่อิทธิพลของภาพวาดของ Masaccio นั้นเห็นได้ชัดเจนด้วยการสร้างแบบจำลองใบหน้าที่หนักและแข็ง
ในช่วงทศวรรษที่ 1430 และ 1440 Fra Angelico เป็นหนึ่งในกลุ่มแรก ๆ ที่ใช้แท่นบูชารูปแบบใหม่
ซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - Sacra Conversazione (บทสัมภาษณ์ศักดิ์สิทธิ์)
ตั้งแต่ปีค. ศ. 1438 ถึง 1445 ศิลปินได้วาดภาพอารามซานมาร์โกแห่งฟลอเรนซ์ด้วยจิตรกรรมฝาผนัง
อารามแห่งนี้โอนไปตามคำสั่งของโดมินิกันโดย Pope Eugene IV สร้างขึ้นใหม่โดยสถาปนิก
Michelozzo รับหน้าที่โดย Duke Cosimo Medici ธีมของภาพจิตรกรรมฝาผนังเกี่ยวข้องกับคำสั่งของโดมินิกัน
ประวัติความเป็นมากฎบัตรนักบุญที่เคารพนับถือโดยเฉพาะ
ตัวอย่างคือจิตรกรรมฝาผนังของกุฏิ (พระคริสต์ที่ตายแล้วพระคริสต์ในรูปของคนพเนจร
ซึ่งได้รับจากพระสงฆ์โดมินิกันสองคน; เซนต์ปีเตอร์พลีชีพ (หัวหน้านักบุญของโดมินิกัน);
เซนต์ดอมินิกคุกเข่าที่การตรึงกางเขน)
ในห้องโถงบท Fra Angelico เขียนการตรึงกางเขนขนาดใหญ่กับโจรสองคน
ที่ด้านข้างของพระคริสต์และบรรดานักบุญจากทุกยุคของศาสนาคริสต์รวมตัวกันที่เชิงกางเขน
ใบหน้าที่โศกเศร้าของพวกเขาหันไปทางโลกไม่มีใครเงยหน้ามองพระคริสต์
ศิลปินวาดภาพการตรึงกางเขนไม่ใช่เป็นเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ แต่เป็นภาพลึกลับ
อยู่ในจิตสำนึกของมนุษย์
จิตรกรรมฝาผนังของอาราม San Marco เติมเต็มจิตวิญญาณของการเลียนแบบของพระคริสต์ - บทความทางศาสนาที่ลึกลับ
เขียนโดย Thomas of Kempi ของออกัสติเนียน
แต่ละห้องถูกตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังซึ่งมีไว้สำหรับการจรรโลงใจของพี่น้อง
ตัวอย่างเช่นองค์ประกอบการเยาะเย้ยของพระคริสต์ อารมณ์ของจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้สอดคล้องกับความเรียบง่ายและ
ความสงบนิ่งในการวาดภาพ
ช่วงสิบปีสุดท้ายในชีวิตของเขา Fra Angelico ใช้เวลาอยู่ในกรุงโรมซึ่งเขาตกแต่งโบสถ์ด้วยจิตรกรรมฝาผนัง
สมเด็จพระสันตะปาปานิโคลัสที่ 5 (1445-1448) เศษเสี้ยวชีวิตของเซนต์ Lawrence และ St. สเตฟาน.
จากการออกแบบฉากเหล่านี้เป็นฉากบรรยายมากกว่าภาพสวดมนต์
พวกเขาใช้ภูมิหลังทางสถาปัตยกรรมที่ซับซ้อนในการสร้างความรู้
ปรมาจารย์แห่งศิลปะโบราณและในการสร้างมุมมองที่ปรับเทียบได้อย่างแม่นยำเราสามารถเห็นอิทธิพลของ
Masaccio และ Brunelleschi

พิธีราชาภิเษกของพระแม่มารี

ความทรมานของ Sts. คอสมาสและเดเมียน

*********************************************

Giotto di Bondone - เกิดในปี 1266 หรือ 1267
ในหมู่บ้าน Vespignano ใกล้เมืองฟลอเรนซ์ในครอบครัวของเจ้าของที่ดินขนาดเล็ก
สันนิษฐานว่าเมื่ออายุ 10 ขวบ Giotto เริ่มเรียนวาดภาพ
ในสตูดิโอของ Cimabue จิตรกรชาวฟลอเรนซ์ที่มีชื่อเสียง
จอตโตเป็นพลเมืองของฟลอเรนซ์แม้ว่าเขาจะทำงานในอัสซีซีโรมปาดัว
เนเปิลส์และมิลาน ความสามารถทางศิลปะและความเฉียบแหลมทางธุรกิจของเขาทำให้มั่นใจได้
เขาอยู่ในสถานะของแข็ง แม้ว่าการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Giotto จะเฟื่องฟู
ประวัติศาสตร์ได้เก็บรักษาผืนผ้าใบเพียงไม่กี่ผืนที่เซ็นชื่อของเขา
และแม้กระทั่งสิ่งเหล่านั้นตามที่ผู้เชี่ยวชาญมักจะเป็นแปรงของผู้ช่วยของเขา
บุคลิกที่มีสีสันของ Giotto โดดเด่นท่ามกลางปรมาจารย์ชาวอิตาลีในยุคโปรโต - เรอเนสซองส์
ประการแรกแนวโน้มที่จะสร้างสรรค์สิ่งใหม่ ๆ เพื่อสร้างลักษณะทางศิลปะใหม่
กำหนดรูปแบบคลาสสิกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่กำลังจะมาถึง
ภาพวาดของเขาสื่อถึงความคิดของมนุษยชาติและถือเป็นจุดเริ่มต้นแรกของมนุษยนิยม
ในปีค. ศ. 1290-99 Giotto สร้างภาพจิตรกรรมฝาผนังของโบสถ์ Upper Church of San Francesco ใน Assisi -
ภาพจิตรกรรมฝาผนัง 25 ภาพที่แสดงฉากจากพันธสัญญาเดิมตลอดจนตอนต่างๆจากชีวิตของฟรานซิสแห่งอัสซีซี
(“ ปาฏิหาริย์แห่งที่มา”). จิตรกรรมฝาผนังมีความโดดเด่นในเรื่องความชัดเจนการบรรยายที่ไม่ซับซ้อน
การปรากฏตัวของรายละเอียดในชีวิตประจำวันที่ให้ความมีชีวิตชีวาและความเป็นธรรมชาติแก่ฉากที่แสดง
เมื่อปฏิเสธศีลของสงฆ์ที่ครอบงำศิลปะในยุคนั้น
Giotto แสดงตัวละครของเขาให้คล้ายกับคนจริงๆ:
กับร่างกายหมอบตามสัดส่วนใบหน้ากลม (ไม่ยาว)
แก้ไขรูปตา ฯลฯ วิสุทธิชนของเขาไม่ได้ทะยานขึ้นเหนือพื้น แต่ยืนอย่างมั่นคงด้วยเท้าทั้งสองข้าง
พวกเขาคิดเกี่ยวกับโลกมากกว่าเรื่องสวรรค์ซึ่งประสบกับความรู้สึกและอารมณ์ของมนุษย์อย่างสมบูรณ์
เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของภาพวาดอิตาลีสภาพจิตใจของวีรบุรุษแห่งภาพวาด
ถ่ายทอดโดยการแสดงออกทางสีหน้าท่าทางท่าทาง
แทนที่จะเป็นพื้นหลังสีทองแบบดั้งเดิมจิตรกรรมฝาผนังของ Giotto แสดงให้เห็นถึงภูมิทัศน์
กลุ่มภายในหรือประติมากรรมบนอาคารของมหาวิหาร
ในการแต่งเพลงแต่ละครั้งศิลปินจะแสดงเพียงช่วงเวลาเดียวของการกระทำ
และไม่ใช่ลำดับของฉากที่แตกต่างกันเหมือนกับหลาย ๆ ฉากของเขา
ในช่วงต้นทศวรรษ 1300 ศิลปินไปเยือนกรุงโรม
ทำความคุ้นเคยกับภาพวาดโบราณและผลงานของ P. Cavallini
มีส่วนทำให้เกิดวิธีการสร้างสรรค์ของเขา
ความสำเร็จในการสร้างสรรค์ของ Giotto ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในภาพวาดของโบสถ์ Scrovegni Chapel
(Chapel del Arena) ในปาดัวสร้างโดยเขาในปี 1304-06
โบสถ์ตั้งอยู่บนผนัง 3 ชั้น
จิตรกรรมฝาผนังแสดงให้เห็นถึงฉากชีวิตของโจอาคิมและแอนนา
("โยอาคิมท่ามกลางคนเลี้ยงแกะ", "การเสียสละของโยอาคิม", "ความฝันของโยอาคิม", "การพบกันที่ประตูทองคำ"),
พระแม่มารีและพระคริสต์ ("คริสต์มาส", "Adoration of the Magi", "Flight to Egypt",
"การสังหารหมู่ทารก", "บัพติศมาของพระคริสต์", "การฟื้นคืนชีพของลาซารัส",
"ยูดาสรับเงินจากการทรยศ", "จูบของยูดาส",
"แบกกางเขน", "การตรึงกางเขน", "คร่ำครวญถึงพระคริสต์", "การฟื้นคืนชีพ"),
เช่นเดียวกับฉากของการพิพากษาครั้งสุดท้าย
ภาพวาดเหล่านี้เป็นผลงานหลักและจุดสุดยอดของผลงานของศิลปิน
ใน 1300-02. จอตโตแสดงภาพจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์บาเดียในฟลอเรนซ์
โดย 1310-20. นักวิจัยระบุว่าแท่นบูชาที่มีชื่อเสียง "Madonna Onissanti"
องค์ประกอบนี้ไม่ได้ลงนาม แต่นักวิจัยมีมติเป็นเอกฉันท์ให้ Giotto
ในช่วงทศวรรษที่ 1320 Giotto สร้างภาพจิตรกรรมฝาผนังสำหรับโบสถ์ Peruzzi และ Bardi
ในโบสถ์ฟลอเรนซ์แห่งซานตาโครเชในหัวข้อชีวิตของยอห์นผู้ให้บัพติศมา
ยอห์นผู้เผยแพร่ศาสนาและฟรานซิสแห่งอัสซีซี
("Stigmatization of St. Francis", "Death and Ascension of St. Francis").
ในปี 1328-33. Giotto ด้วยความช่วยเหลือของนักเรียนจำนวนมากทำให้ภาพวาดที่
ศาลเนเปิลของกษัตริย์โรเบิร์ตแห่งอองชูซึ่งมอบตำแหน่ง "ข้าราชบริพาร" ให้กับศิลปิน
ตั้งแต่ปีค. ศ. 1334 Giotto ดูแลการก่อสร้างมหาวิหาร Santa Maria del Fiore
และป้อมปราการของเมืองในฟลอเรนซ์ซึ่งได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางในหมู่
โคตรและพลเมืองของฟลอเรนซ์ Giotto ได้รับเครดิตจากโครงการ Campanile
(หอระฆัง) ของวิหาร Florentine (เริ่มในปี 1334 การก่อสร้างยังคงดำเนินต่อไป
ในปี 1337-43 Andrea Pisano สร้างเสร็จประมาณ 1359 โดย F.Talenti)
Giotto แต่งงานสองครั้งและมีลูกแปดคน
ในปี 1337 Giotto เสียชีวิต

1 โยอาคิมถอยกลับไปในทะเลทราย

2. มาดอนน่าและลูก

3 ทูตสวรรค์ที่โศกเศร้า 1

4. เซนต์ คลาราแห่งอัสซีซี

5. การตีตราเซนต์ ฟรานซิส

6 เซนต์ สตีเฟน

7 การประสูติของพระคริสต์

8 การประสูติของพระแม่มารี

9 คำแนะนำของมารีย์เกี่ยวกับพระวิหาร

10. Pieta ชิ้นส่วน

11 พระมารดาของพระเจ้าและพระบุตรทรงครองราชย์

12 ผู้เผยแพร่ศาสนา John on Patmos

MANTENIA ANDREA -
(Mantegna, Andrea) (ประมาณ 1431–1506),
จิตรกรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในอิตาลีตอนเหนือ
Mantegna รวมแรงบันดาลใจทางศิลปะหลักของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในศตวรรษที่ 15:
ความหลงใหลในสมัยโบราณสนใจในความถูกต้องและพิถีพิถันลงไปในรายละเอียดที่เล็กที่สุด
การถ่ายทอดปรากฏการณ์ทางธรรมชาติและศรัทธาเสียสละในมุมมองเชิงเส้น
เป็นวิธีการสร้างภาพลวงตาของพื้นที่บนเครื่องบิน
งานของเขากลายเป็นจุดเชื่อมโยงหลักระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นในฟลอเรนซ์
และการออกดอกในภายหลังของศิลปะในอิตาลีตอนเหนือ
Mantegna เกิดในแคลิฟอร์เนีย 1431; ระหว่างปีค. ศ. 1441 ถึง 1445 เขาได้เข้าร่วมการประชุมเชิงปฏิบัติการของจิตรกรในปาดัว
ในฐานะบุตรบุญธรรมของ Francesco Squarchone ศิลปินท้องถิ่นและนักโบราณวัตถุ
ในการประชุมเชิงปฏิบัติการซึ่งเขาทำงานจนถึงปี 1448
ในปีค. ศ. 1449 Mantegna ได้เริ่มสร้างภาพเฟรสโกสำหรับโบสถ์ Eremitani ในปาดัว
ในปี 1454 Mantegna แต่งงานกับ Nikolosa ลูกสาวของจิตรกรชาวเวนิส Jacopo Bellini
น้องสาวของสองปรมาจารย์ที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 15 - Gentile และ Giovanni Bellini
ระหว่างปีค. ศ. 1456 ถึง 1459 เขาได้วาดรูปแท่นบูชาสำหรับโบสถ์ซานเซโนในเวโรนา ในปีค. ศ. 1460
ยอมรับคำเชิญของ Marquis of Mantua Lodovico Gonzaga, Mantegna ได้ตัดสินที่ศาลของเขา
ในปีค. ศ. 1466-1467 เขาไปเยือนทัสคานีและในปี 1488-1490 โรม
โดยที่ตามคำร้องขอของสมเด็จพระสันตะปาปาอินโนเซนต์ที่ 8 พระองค์ทรงตกแต่งโบสถ์ของเขาด้วยจิตรกรรมฝาผนัง
ยกระดับศักดิ์ศรีของความเป็นอัศวินดำรงตำแหน่งระดับสูงในศาล
Mantegna รับใช้ครอบครัว Gonzaga จนถึงวาระสุดท้ายของชีวิต Mantegna เสียชีวิตเมื่อวันที่ 13 กันยายน ค.ศ. 1506
16 พฤษภาคม 1446 Mantegna และศิลปินอีกสามคนได้รับมอบหมายให้วาดภาพ Owetari Chapel
ในโบสถ์ปาดัวเอเรมิตานิ (ถูกทำลายในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง)
Mantegna เป็นผลงานส่วนใหญ่เกี่ยวกับการสร้างจิตรกรรมฝาผนัง (1449-1455)
และเป็นรูปแบบศิลปะของเขาที่ครอบงำวงดนตรี
ฉากของนักบุญเจมส์ต่อหน้า Herod Agrippa ในโบสถ์ Owetari เป็นตัวอย่างของรูปแบบ
ช่วงแรกของความคิดสร้างสรรค์ Mantegna
ในภาพวาดอื่น ๆ ของ Mantegna ในครั้งนี้เช่นภาพวาด Prayer for the Cup
(หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน) ไม่เพียง แต่ร่างมนุษย์เท่านั้นที่ถูกประหารชีวิตในลักษณะเส้นตรง
แต่ยังเป็นภูมิทัศน์ที่ศิลปินทุกชิ้นได้รับการค้นคว้าและวาดภาพด้วยหินและใบหญ้า
และโขดหินมีรอยหักงอและรอยแตก
แท่นบูชาของโบสถ์ San Zeno (1457-1459) ในเวโรนาเป็นการตีความภาพ
แท่นบูชาประติมากรรมที่มีชื่อเสียงของเซนต์ Antony สร้างโดย Donatello
สำหรับมหาวิหาร Sant Antoni (Santo) ในปาดัว อันมีค่าของ Mantegna ถูกล้อมกรอบ
ดำเนินการในรูปแบบนูนสูงและเลียนแบบสถาปัตยกรรมคลาสสิก
หนึ่งในตัวอย่างที่น่าทึ่งที่สุดของภาพวาดลวงตาเชิงพื้นที่
Mantegna เป็นภาพวาดของ Chamme degli Sposi ใน Palazzo Ducale ใน Mantua ซึ่งสร้างเสร็จในปี 1474
ห้องสี่เหลี่ยมถูกเปลี่ยนด้วยภาพจิตรกรรมฝาผนังให้กลายเป็นศาลาโปร่งเบา
ราวกับว่าปิดสองด้านด้วยผ้าม่านที่เขียนบนผนังและอีกสองด้านเปิดออก
ภาพของลาน Gonzaga และภาพพาโนรามาในพื้นหลัง
ห้องนิรภัย Mantegna ถูกแบ่งออกเป็นช่อง ๆ และวางไว้ในนั้นล้อมรอบด้วยของเก่ามากมาย
ภาพประดับรูปปั้นครึ่งตัวของจักรพรรดิโรมันและฉากจากเทพนิยายคลาสสิก
ในส่วนบนของห้องนิรภัยมีหน้าต่างทรงกลมที่มองเห็นท้องฟ้า
ตัวละครที่แต่งตัวหรูหรามองลงมาจากลูกกรงที่มีมุมมองที่ชัดเจน
ชุดจิตรกรรมฝาผนังนี้มีความโดดเด่นไม่เพียง แต่เป็นหนึ่งในกลุ่มแรกในศิลปะยุโรปยุคใหม่
ตัวอย่างของการสร้างพื้นที่ลวงตาบนเครื่องบิน แต่ยังรวมถึงคอลเลกชันที่คมชัดและแม่นยำ
ภาพบุคคลที่ตีความ (สมาชิกของครอบครัว Gonzaga)
วงจรของภาพวาดขาวดำ Triumph of Caesar (1482-1492) ได้รับมอบหมายจาก Francesco Gonzaga
และมีจุดมุ่งหมายเพื่อตกแต่งโรงละครในวังใน Mantua; ภาพวาดเหล่านี้ได้รับการเก็บรักษาไว้ไม่ดี
และปัจจุบันอยู่ที่พระราชวังแฮมป์ตันคอร์ตในลอนดอน
ภาพวาดขนาดใหญ่เก้าผืนเป็นภาพขบวนยาวที่มีรูปปั้นโบราณจำนวนมาก
เกราะถ้วยรางวัล การเคลื่อนไหวของเธอสิ้นสุดลงในพิธีเดินขบวนต่อหน้าซีซาร์ผู้ได้รับชัยชนะ ภาพวาดสะท้อนถึงความรู้ที่กว้างขวางของ Mantegna เกี่ยวกับศิลปะโบราณและวรรณกรรมคลาสสิก
ในวงจรนี้และใน Madonna della Vittoria (1496, Paris, Louvre) เขียนด้วยความทรงจำเกี่ยวกับชัยชนะทางทหารของ Gonzaga
งานศิลปะของ Mantegna ได้มาถึงอนุสาวรีย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด รูปแบบในนั้นมีขนาดใหญ่ท่าทางมีความน่าเชื่อถือและชัดเจน
พื้นที่ถูกตีความอย่างกว้าง ๆ และอิสระ
สำหรับสตูดิโอ (ตู้) ของ Isabella d "Este ภรรยาของ Francesco Gonzaga Mantegna เขียนบทประพันธ์สองเรื่อง
ในหัวข้อที่เป็นตำนาน (ที่สามยังสร้างไม่เสร็จ): Parnassus (1497) และ Minerva
การขับไล่ความชั่วร้าย (1502 ทั้งในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์) รูปแบบของ Mantegna ที่ดูอ่อนลงบางส่วนสามารถสังเกตเห็นได้ในพวกเขา
เกี่ยวข้องกับความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับภูมิทัศน์ การตกแต่งภาพเฟรสโกของโบสถ์เบลเวเดียร์
ดำเนินการโดย Mantegna สำหรับ Pope Innocent VIII ในปี 1488 โชคไม่ดีที่หายไปในระหว่าง
การขยายตัวของพระราชวังวาติกันในช่วงพระสังฆราชของ Pius VI
แม้ว่าจะมีเพียงเจ็ดภาพเท่านั้นที่ถือได้ว่าเป็นของมือของ Mantegna อย่างไม่ต้องสงสัย
อิทธิพลของอาจารย์ในการพัฒนารูปแบบศิลปะนี้เป็นอย่างมาก การแสดงภาพแกะสลักของพระแม่มารีและเด็ก
สไตล์ของศิลปินสามารถมีอยู่ในเทคนิคกราฟิกได้อย่างไร
ด้วยความยืดหยุ่นโดยธรรมชาติและความคมของเส้นที่แก้ไขการเคลื่อนไหวของคัตเตอร์ของช่างแกะสลัก
ภาพสลักอื่น ๆ ที่เป็นของ Manteigne - Battle of the Sea Gods (London, British Museum)
และจูดิ ธ (Florence, Uffizi Gallery)

1 การตรึงกางเขน ค.ศ. 1457-1460

2. มาดอนน่าและเด็ก.
1457-59. ส่วนย่อย

3. อธิษฐานเผื่อถ้วย
ค. 1460

4. ภาพเหมือนของ Cardinal Carlo Medici
ระหว่างปีค. ศ. 1450 ถึง 1466

5. กล้อง degli Spozi
Oculus 1471-74

6. กล้อง degli Sposi ส่วนของกำแพงด้านเหนือ

7. กล้อง degli Sposi ส่วนของกำแพงด้านตะวันออก

8. ศึกเทพทะเล.
คริสต์ศักราช 1470

9 เซนต์ เซบาสเตียน.
ค. 1480

10 Madonna of the Rocks
1489-90

12 Madonna della Vittoria
1496

13 พาร์นัสซัส
1497 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ปารีส

14. Samson และ Delilah ประมาณ 1,500
หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน

****************************

BELLINI Giovanni -
Bellini ตระกูลจิตรกรชาวอิตาลี
ผู้ก่อตั้งศิลปะเรอเนสซองส์ในเวนิส
หัวหน้าครอบครัว - Jacopo Bellini (ประมาณ 1400-1470 / 71)
ด้วยการแต่งเพลงที่นุ่มนวลของภาพเขายังคงเชื่อมโยงกับประเพณีของโกธิค
("Madonna and Child", 1448, Brera Gallery, Milan)
ในภาพวาดของเขาเต็มไปด้วยการสังเกตการณ์สด
(ภาพร่างของโบราณสถาน, จินตนาการทางสถาปัตยกรรม),
สะท้อนให้เห็นถึงความสนใจในปัญหาของมุมมองอิทธิพลของ A.Mantegna และ P. Uccello
มีชื่อว่า Gentile Bellini (ประมาณ 1429-1507) บุตรชายของ Jacopo Bellini
การกำเนิดของภาพวาดประวัติศาสตร์ประเภทเวนิสเชื่อมต่อกัน
(“ ขบวนใน Piazza San Marco”, 1496,“ Miracle of the Holy Cross”, 1500, -
ทั้งใน Accademia Gallery, Venice) Giovanni Bellini (ประมาณ 1430-1516),
ลูกชายคนที่สองของจาโคโปเบลลินีอาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนเวเนเชียนผู้วาง
รากฐานของศิลปะเรอเนสซองซ์ชั้นสูงในเวนิส
ผลงานในยุคแรก ๆ ที่คมชัดและเย็นชาของ Giovanni Bellini
(คร่ำครวญถึงพระคริสต์ประมาณปี 1470, Brera Gallery, Milan) ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 1470
จะถูกแทนที่ด้วยรูปภาพที่ชัดเจนกลมกลืนซึ่งเป็นภาพมนุษย์ที่สง่างาม
ภูมิประเทศที่เป็นจิตวิญญาณเป็นพยัญชนะ (ที่เรียกว่า "Lake Madonna", 1490s, Uffizi;
“ Feast of the Gods” หอศิลป์แห่งชาติวอชิงตัน).
ผลงานของ Giovanni Bellini รวมถึง Madonnas อีกมากมายของเขา
("Madonna with trees", 1487, Accademia Gallery, Venice; "Madonna", 1488,
Accademia Carrara, Bergamo) มีความโดดเด่นด้วยความกลมกลืนที่นุ่มนวลของเสียงดัง
ราวกับว่าอิ่มตัวไปกับแสงแดดและความละเอียดอ่อนของแสงและการไล่ระดับสี
ความเคร่งขรึมสงบการไตร่ตรองโคลงสั้น ๆ และบทกวีที่ชัดเจนของภาพ
ในผลงานของ Giovanni Bellini พร้อมกับองค์ประกอบตามลำดับคลาสสิก
แท่นบูชายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (มาดอนน่าครองราชย์รายล้อมด้วยนักบุญปี 1505
Church of San Zaccaria, Venice) เกิดความสนใจในตัวมนุษย์อย่างเต็มที่
(ภาพเหมือนของ Doge L. Loredan, 1502, National Gallery, London;
ภาพเหมือนของ Condottiere, 1480, National Gallery, Washington)

1. "เซนต์จอร์จและมังกร" รายละเอียดของแท่นบูชาปี 1470

2. "กรีกมาดอนน่า"
1460

3. "Portrait of a Condottiere"
1480

4. "งานเลี้ยงของเทพเจ้า"
1514

5. "การตรึงกางเขน"
1501-1503

6. "มาดอนน่าและเด็ก"
1480

7. "คุณธรรม"
1500

8. "เซนต์เจอโรมอ่านในธรรมชาติ"
1460

9. "การเปลี่ยนแปลง"
1485

10. "สวดมนต์ใส่ถ้วย"
(Agony in the Garden) ประมาณปี 1470

11. "พระแม่มารีย์และบุตรด้วยพร"
1510, Brera Collection, มิลาน

12. "Allegory of Purgatory" (left.fr. )
ค.ศ. 1490-1500, Uffizi Gallery

13. "สี่ชาดก
ความดื้อรั้นและโชคชะตา ", 1490

14. "Allegory of Purgatory" (r.fr. )
ค.ศ. 1490-1500, Uffizi Gallery

15. "สี่ชาดก
ความรอบคอบและการหลอกลวง ", 1490

16. "สาวเปลือยหน้ากระจก"
1505-1510, Kunsthistorisches Museum, เวียนนา

****************************

Botticelli Sandro -
[จริงๆแล้วอเลสซานโดรดิมาเรียโนฟิลิเปปี, อเลสซานโดรดิมาริอาโนฟิลิเปปี]
(ค.ศ. 1445-1510) จิตรกรชาวอิตาลีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น
เป็นของโรงเรียนฟลอเรนซ์ประมาณ 1465-1466 เรียนกับฟิลิปโปลิปปี;
ในปีค. ศ. 1481-1482 เขาทำงานในโรม ผลงานในยุคแรกของ Botticelli มีลักษณะเด่นคือ
การสร้างพื้นที่ที่ชัดเจนการปั้นแบบตัดที่ชัดเจนความสนใจในรายละเอียดของครัวเรือน
(“ The Adoration of the Magi” ประมาณปี 1476-1471) จากปลายทศวรรษที่ 1470 หลังจากการสร้างสายสัมพันธ์ของบอตติเชลลี
กับศาลของผู้ปกครองฟลอเรนซ์เมดิชีและกลุ่มนักมนุษยนิยมชาวฟลอเรนซ์
ในงานของเขามีการปรับปรุงลักษณะของชนชั้นสูงและความซับซ้อนภาพวาดปรากฏขึ้น
ในรูปแบบโบราณและเชิงเปรียบเทียบซึ่งมีภาพคนนอกศาสนาที่น่าตื่นตา
ประเสริฐและในเวลาเดียวกันบทกวีจิตวิญญาณโคลงสั้น ๆ
("ฤดูใบไม้ผลิ" ประมาณ 1477-1478 "กำเนิดดาวศุกร์" ประมาณ 1483-1485 ทั้งในอุฟฟิซี)
ความเคลื่อนไหวของภูมิทัศน์ความงามที่เปราะบางของตัวเลขการแสดงดนตรีของแสงเส้นสั่นไหว
ความโปร่งใสของสีกลั่นราวกับว่าทอจากรีเฟล็กซ์สร้างบรรยากาศในตัว
ความฝันและความเศร้าเบา ๆ
ในจิตรกรรมฝาผนังที่ทำโดยบอตติเชลลีในปี 1481-1482 ในโบสถ์ซิสทีนในวาติกัน
("ฉากจากชีวิตของโมเสส" "การลงโทษของเกาหลีดาธานและอาบีรอน" ฯลฯ )
ความกลมกลืนอันงดงามของภูมิทัศน์และสถาปัตยกรรมโบราณผสมผสานเข้าด้วยกัน
ความตึงเครียดภายในพล็อตความคมชัดของลักษณะแนวตั้งที่มีอยู่ในตัว
พร้อมกับการค้นหาความแตกต่างที่ละเอียดอ่อนของสภาพภายในของจิตวิญญาณมนุษย์
และภาพขาตั้งของอาจารย์ (ภาพเหมือนของ Giuliano Medici, 1470s, Bergamo;
ภาพเหมือนของชายหนุ่มที่ได้รับเหรียญ, 1474, Uffizi Gallery, Florence)
ในช่วงทศวรรษที่ 1490 ในยุคของความไม่สงบในสังคมและนักพรตลึกลับ
คำเทศนาของพระ Savonarola บันทึกของละครปรากฏในงานศิลปะของบอตติเชลลี
และความสูงส่งทางศาสนา ("ใส่ร้าย" หลังปี 1495 Uffizi) แต่ภาพวาดของเขา
ถึง Divine Comedy ของ Dante (1492–1497 สำนักแกะสลักเบอร์ลินและห้องสมุดวาติกัน)
ด้วยความคมชัดของการแสดงออกทางอารมณ์จึงคงความสว่างของเส้นและความคมชัดของภาพในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

1. "Portrait of Simoneta Vespucci" ประมาณปี 1480

2. "ชาดกเรื่องคุณธรรม"
1495

3. "ประวัติ Lucretia"
ประมาณ 1,500

4. "ภาพหนุ่มติดเหรียญ"

5. "คริสต์มาสลึกลับ"
ประมาณ 1,500

6. "การลงโทษของเกาหลี Dathan และ Abiron"

7. "นักบุญออกัสตินผู้เป็นสุข"
ค. 1480

8. "การประกาศ"
ค. 1490

9. "Madonna Magnificat"
1486

10. “ มาดอนน่าแห่งทับทิม”
1487

11. "ความรักของเหล่าเมไจ"
แท่นบูชาของ Zanobi 1475

12. "ใส่ร้าย"
1495

13. "ดาวศุกร์และดาวอังคาร"
1482-1483

14. "ฤดูใบไม้ผลิ" 1477-1478
Uffizi Gallery, ฟลอเรนซ์

15. "มาดอนน่าแห่งหนังสือ" 1485
พิพิธภัณฑ์ Poldi Pezzoli มิลาน

16. "Pallas Athena and the Centaur" 1482
Uffizi Gallery, ฟลอเรนซ์

17. "กำเนิดดาวศุกร์" ค. 1482
Uffizi Gallery, ฟลอเรนซ์

18. ภาพเฟรสโกของโบสถ์ซิสทีน
(รายละเอียด) 1482 โรมวาติกัน

19. "เรื่องราวของ Nastagio degli Onesti"
ค. 1485 ปราโดมาดริด

****************************

VERONEZE เปาโล - (Veronese; Cagliari, Caliari ที่เหมาะสม) Paolo (1528-1588),
จิตรกรชาวอิตาลีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย
เรียนกับจิตรกรชาวเวโรนา A. Badile; ทำงานส่วนใหญ่ในเวนิสเช่นเดียวกับในเวโรนามันโตวาวิเซนซาปาดัวในปี 1560 อาจไปเยือนโรม รูปแบบศิลปะของ Veronese ซึ่งก่อตัวขึ้นในช่วงกลางทศวรรษที่ 1550 ได้รวมเอาคุณลักษณะที่ดีที่สุดของโรงเรียนการวาดภาพของเมืองเวนิส: แสงการวาดภาพที่มีความซับซ้อนทางศิลปะและความเป็นพลาสติกของรูปแบบจะรวมเข้ากับโทนสีที่สวยงามโดยอาศัยการผสมสีบริสุทธิ์ที่ซับซ้อนเข้าด้วยกัน ด้วยโทนสีเงินส่องสว่าง

1. "ตามหาโมเสส"
1580

2. "The Temptation of St. Anthony"
1567

3. "ฆาตกรรมเซนต์จัสติน"
1573

4. "ภาพเหมือนของ Daniele Barbaro"
1569

5. "พระคริสต์กับหญิงชาวสะมาเรีย" (รายละเอียด)
1582

6. "โกรธา"
1570th

7. "ดาวอังคารและดาวศุกร์"
1570th

8. "ชาดกเรื่องรักขายชาติ"
1570

9. "เซนต์ลูเซีย"
1580

10. "คริสต์ในเอมมาอุส"
1570th

11. "การประหารนักบุญมาร์กและมาร์ซิลเลียน"
1578

12. "งานเลี้ยงที่บ้านของไซมอน"
ค. 1581

13. "นางฟ้า"
(ส่วน "หญิงแห่งซีเบเดียและพระคริสต์")

14. "อาบน้ำซูซานน่า"
ยุค 1570 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ปารีส

15. "อย่าแตะต้องตัวฉัน!" 1570th
พิพิธภัณฑ์ศิลปะ Grenoble

16. "Bathing Bathsheba" 1570s
พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ลียง

****************************

LEONARDO DA VINCI -
(เลโอนาร์โดดาวินชี) (1452-1519),
จิตรกรประติมากรสถาปนิกนักวิทยาศาสตร์และวิศวกรชาวอิตาลี
ผู้ก่อตั้งวัฒนธรรมศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง
เลโอนาร์โดดาวินชีพัฒนาขึ้นในฐานะปรมาจารย์
เรียนที่ฟลอเรนซ์กับ A. del Verrocchio
วิธีการทำงานในเวิร์กช็อปของ Verrocchio ที่ฝึกฝนศิลปะ
จับคู่กับการทดลองทางเทคนิค
เช่นเดียวกับมิตรภาพกับนักดาราศาสตร์ P. Toscanelli มีส่วนร่วม
การกำเนิดผลประโยชน์ทางวิทยาศาสตร์ของดาวินชีในวัยเยาว์

1. "มาดอนน่าแห่งวงล้อหมุน" 1501

2. "Virgin and Child with St. Anne"
ค. 1507

3. "แบคคัส"
1510-1513

4. "ยอห์นผู้ให้บัพติศมา"
1513-1517

5. "เลดากับหงส์"
1490-1500th

6. "มาดอนน่าแห่งดอกคาร์เนชั่น" 1473

7. "Portrait of Beatrice d" Este "
1490th

8. "ภาพเหมือนของ Ginevra Benchi"
1476

9. "การประกาศ"
1472-1475

10. "กระยาหารมื้อสุดท้าย"
(ส่วนกลาง) 1495-1497 มิลาน

11. ปูนเปียกพระกระยาหารมื้อสุดท้ายรุ่นบูรณะ
(ส่วนกลาง)

12. "มาดอนน่าลิตา"
ประมาณปี 1491 เฮอร์มิเทจเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

13. "Lady with an ermine" 1485-1490
พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติคราคูฟ

14. "Portrait of a Musician" 1490
Pinacoteca Ambrosiana, มิลาน

15. "โมนาลิซ่า" (La Gioconda)
1503-1506 ลูฟวร์ปารีส

16. "Madonna Benoit" 1478
อาศรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

17. "ภาพเหมือนของคนไม่รู้จัก"
ประมาณปี 1490 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ปารีส

18. "Madonna of the Rocks" ประมาณ 1511
หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน

****************************

GEORGONE -
(Giorgione; จริงๆแล้ว Giorgio Barbarelli da Castelfranco
Barbarelli da Castelfranco) (1476 หรือ 1477-1510),
จิตรกรชาวอิตาลีซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้ง
ศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง
อาจเรียนกับ Giovanni Bellini
อยู่ใกล้กับวงล้อมของนักมนุษยนิยมชาวเวนิส
ยังมีชื่อเสียงในฐานะนักร้องและนักดนตรี
พร้อมกับการเรียบเรียงเนื้อหาเกี่ยวกับศาสนา
(“ Adoration of the Shepherds,” National Gallery of Art, Washington)
Giorgione สร้างภาพวาดเกี่ยวกับวัตถุทางโลกที่เป็นตำนาน
ในผลงานของเขาที่พวกเขาได้รับความสำคัญเหนือกว่า

1. "พายุฝนฟ้าคะนอง"
1505

2. "นักรบที่มีอำนาจของเขา"
1509

3. "Madonna Enthroned
และนักบุญ "1505

4. "มาดอนน่าในภูมิทัศน์"
1503

5. "สามวัยของชีวิต"
1510

6. "พระแม่มารีย์แห่งหนังสือ"
1509-1510

7. "ตามหาโมเสส"
1505

8. "การยกย่องผู้เลี้ยงแกะ"
ประมาณ 1505

9. "ภาพเหมือนของ Antonio Broccardo"

10. "คอนเสิร์ตในชนบท"
1510

11. "ภาพหญิงชรา"
ค. 1510

12. "เซเรส"
ประมาณ 1508

13. "ภาพเหมือนของชายหนุ่ม"
ประมาณ 1506

14. "ยามพระอาทิตย์ตก"
1506

15. "มาดอนน่าและเด็กกับนักบุญ"
1510

16. "Judith" ค. 1504
อาศรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

17. "ลอร่า" 1506
พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ศิลปะเวียนนา

18. "ดาวพระศุกร์"
ประมาณปี 1510 หอศิลป์เดรสเดน

19. “ สามปราชญ์” 1508
พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ศิลปะเวียนนา

****************************

Carpaccio Vittore -
(Carpaccio) วิตตอร์
(ประมาณ 1455 หรือ 1456 - ประมาณ 1526)
จิตรกรชาวอิตาลีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น
เรียนกับ Gentile Bellini; ทำงานในเวนิส
คาร์ปาชโชตีความเหตุการณ์ศักดิ์สิทธิ์ในตำนานว่าเป็นฉากจริง
นำไปใช้ในพื้นที่ของเวนิสร่วมสมัย
รวมภูมิทัศน์และการตกแต่งภายในของเมืองรายละเอียดประเภทต่างๆมากมาย
สร้างชีวิตของชาวเมืองขึ้นใหม่อย่างมีชีวิตชีวา (วงจรของภาพวาดจากชีวิตของเซนต์เออซูลา, 1490-1495,
หอศิลป์แอคคาเดเมียเวนิสและเซนต์จอร์จและเซนต์เจอโรม ค.ศ. 1502-1507
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venice)
ความปรารถนาที่จะสร้างภาพองค์รวมของจักรวาลอยู่ร่วมกันในผลงาน
Carpaccio พร้อมการเล่าเรื่องที่น่าดึงดูด
ความสดใหม่ของบทกวีและไร้เดียงสาของรายละเอียด
สื่อถึงเอฟเฟกต์การอ่อนตัวของสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศอย่างละเอียด
ทำให้เกิดจุดสีในท้องถิ่น
Carpaccio เตรียมการค้นพบสีสันของโรงเรียนการวาดภาพเวนิสในศตวรรษที่ 16

1. "การมาถึงของผู้แสวงบุญ
สู่โคโลญจน์ "
1490

2. "มาดอนน่ายอห์นผู้ให้บัพติศมาและนักบุญ"
1498

3. "สิงโตเซนต์มาร์ค"
(ส่วน)
1516

4. "ข้อพิพาทของเซนต์สตีเฟน"
ชีวิตของเซนต์สตีเฟน
1514

5. "ผู้ช่วยให้รอดและอัครสาวกสี่คน"
1480

6. "นักบุญจอร์จสังหารมังกร"
1502-1508

7. "อโปธีโอซิสของนักบุญเออร์ซูลา"
1491

8. “ ฆ่าหมื่น”
1515

9. "Baptism of the Selenites โดย St. George"
1507

10. "อัศวินหนุ่ม" 1510,
Thyssen-Bornemisza Collection, มาดริด

11. "ชาดกความรักของพระคริสต์"
1506 เมโทรโพลิแทนนิวยอร์ก

12. "การประชุมของผู้แสวงบุญกับพระสันตปาปา"
1493, Accademia Gallery, Venice

13. "ปาฏิหาริย์แห่งกางเขนศักดิ์สิทธิ์"
1494, Accademia Gallery, Venice

****************************

MICHELANGELO บัวนารอตติ -
(Michelangelo Buonarroti หรือที่รู้จักในชื่อ Michelagnolo di Lodovico di Lionardo di Buonarroto Simoni)
(พ.ศ. 1475-1564) ประติมากรจิตรกรสถาปนิกและกวีชาวอิตาลี
ในผลงานศิลปะของมีเกลันเจโลที่มีพลังในการแสดงออกที่ยอดเยี่ยมพวกเขารวมตัวกันเป็นมนุษย์อย่างลึกซึ้ง
อุดมคติของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการสูงที่เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของวีรบุรุษและความรู้สึกที่น่าเศร้าของวิกฤต
ทัศนะมนุษยนิยมลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย
Michelangelo ศึกษาที่ฟลอเรนซ์ในการประชุมเชิงปฏิบัติการของ D. Ghirlandaio (1488-1489) และ
โดยประติมากร Bertoldo di Giovanni (1489-1490)
อย่างไรก็ตามความสำคัญอย่างยิ่งยวดสำหรับการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของ Michelangelo คือความคุ้นเคยของเขา
ด้วยผลงานของ Giotto, Donatello, Masaccio, Jacopo della Quercia,
การศึกษาอนุสาวรีย์พลาสติกโบราณ
ความคิดสร้างสรรค์ของ Michelangelo
ซึ่งกลายเป็นขั้นตอนสุดท้ายที่ยอดเยี่ยมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลี
มีบทบาทอย่างมากในการพัฒนาศิลปะยุโรป
เตรียมการก่อตัวของกิริยามารยาทไว้เป็นส่วนใหญ่
มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของหลักการของบาร็อค

1. ภาพวาดบนหลุมฝังศพของโบสถ์ซิสทีน

2. ดวงจันทร์ (ศาสดาและพระสันตะปาปา)

3. รายละเอียดของภาพวาด "Creation of Adam"

4.Detail "ศาสดาพยากรณ์เยเรมีย์และอิสยาห์"

5. รายละเอียดภาพวาด "The Creation of Eve"

6. "ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์" 1506

7 โบสถ์ซิสทีน
"น้ำท่วม"

8 โบสถ์ซิสทีน
"ลิเบียซิบิล"

9 โบสถ์ซิสทีน
"การแยกความสว่างออกจากความมืด"

10 โบสถ์ซิสทีน
"ฤดูใบไม้ร่วง"

11 โบสถ์ซิสทีน
“ เอริเทรียนซิบิล”

12 โบสถ์ซิสทีน
“ ศาสดาเศคาริยาห์”

****************************

ราฟาเอลสันติ -
(จริงๆแล้ว Raffaello Santi หรือ Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio)
(พ.ศ. 1483-1520) จิตรกรและสถาปนิกชาวอิตาลี.
ในงานของเขามีความชัดเจนมากที่สุดเป็นตัวเป็นตน
การแสดงความเห็นอกเห็นใจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง
เกี่ยวกับคนที่สวยงามและสมบูรณ์แบบที่อยู่ร่วมกับโลกใบนี้
อุดมคติของลักษณะความงามที่ยืนยันชีวิตของยุคสมัย
ราฟาเอลลูกชายของจิตรกรจิโอวานนีสันติใช้ชีวิตช่วงแรก ๆ ในอูร์บิโน
ในปี 1500-1504 เขาศึกษากับ Perugino ในเปรูเกีย
ผลงานในช่วงนี้มีบทกวีที่ละเอียดอ่อน
และบทกวีที่นุ่มนวลของภูมิหลังแนวนอน
งานศิลปะของราฟาเอลซึ่งมีผลกระทบอย่างมากต่อภาพวาด XVI-XIX ของยุโรป
และบางส่วนของศตวรรษที่ 20 เป็นเวลาหลายศตวรรษที่เก็บไว้สำหรับศิลปินและผู้ชม
คุณค่าของอำนาจและรูปแบบทางศิลปะที่ไม่ต้องสงสัย

1. "มาดอนน่าแกรนดูก้า"
1504

2. "มาดอนน่าเดลอิมปันนาตา"
1504

3. "มาดอนน่าในชุดสีเขียว"
ประมาณ 1508

4. "ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์ใต้ต้นโอ๊ก"
1518

5. "แท่นบูชาเซนต์นิโคลัส"
(ชิ้นส่วน) 1501

6. "ศึกเซนต์จอร์จกับมังกร"
1502

7. "สามพระราชหฤทัย"
1502

8. "ความฝันของอัศวิน"
1502

9. "ชัยชนะแห่งกาลาเทีย"
1514

10. "มาดอนน่าแห่งแอนไซด์"
ประมาณ 1504

11. "แบกไม้กางเขน"
1516

12. "เซนต์ไมเคิลและมังกร"
1514

13. "อาดัมและเอวา"
1509-1511

14. "จอห์นแห่งอารากอน"
1518

15. "ผู้หญิงกับยูนิคอร์น"
ประมาณ 1502

16. "ภาพเหมือนของ Margarita Luti"
1519

17. "ภาพเหมือนของ Balthazar Castiglione" ปี 1515

18. "Madonna Kanidzhani" 1508
Old Pinakothek, มิวนิก

19. "Madonna Conestabile" 1502-1504
อาศรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

20. "วิสัยทัศน์ของเอเสเคียล" 1515
Palazzo Pitti ฟลอเรนซ์

21. "ซิสทีนมาดอนน่า" 1514
แกลเลอรีรูปภาพเดรสเดน

****************************

TITIAN -
(จริงๆแล้ว Tiziano Veccellio, Tiziano Veccellio),
(1476/77 หรือ 1480 - 1576),
จิตรกรชาวอิตาลีในยุค
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงและตอนปลาย
เรียนที่เวนิสกับ Giovanni Bellini
ในการประชุมเชิงปฏิบัติการซึ่งเขาเริ่มสนิทกับ Giorgione;
ทำงานในเวนิสเช่นเดียวกับในปาดัวเฟอร์รารามันโตวาเออร์บิโนโรมและเอาก์สบูร์ก
เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับแวดวงศิลปะเวนิส
(Giorgione, J. Sansovino, นักเขียน P. Aretino และคนอื่น ๆ ),
อาจารย์ที่โดดเด่นของโรงเรียนการวาดภาพเวนิส
ทิเชียนได้นำเอาอุดมคติด้านมนุษยนิยมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามาใช้ในงานของเขา
ศิลปะที่ยืนยันชีวิตของเขามีหลายแง่มุม
ความครอบคลุมของความเป็นจริงการเปิดเผยความขัดแย้งที่ลึกซึ้งของยุคสมัย
เทคนิคการวาดภาพของทิเชียนมีอิทธิพลอย่างมากต่ออนาคต
จนถึงศตวรรษที่ยี่สิบการพัฒนาศิลปกรรมของโลก

1. "ฆราวาสรัก"
(โต๊ะเครื่องแป้ง) 1515

2. "ไดอาน่าและคาลลิสโต"
1556 - 1559

3. "Bacchus และ Ariadne"
1523-1524

4. "การลักพาตัวยูโรปา"
1559 - 1562

5. "ฤดูใบไม้ร่วง"
1570

6. "พฤกษา"
1515

7. "ไอโอลันตา"
(ลาเบลลากัตตา)

8. "เฟเดริโกกอนซากาแห่งมันโตวา"
1525

9. "วีนัสส่องกระจก" 1555

10. "Danae and Cupid"
1546

11. "รักโลกและสวรรค์"
1510

12. "ภาพหญิงสาว"
ประมาณปี 1530 เฮอร์มิเทจเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

13. "สำนึกผิด Mary Magdalene"
1560, Hermitage, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

14. "Diana และ Actaeon" 1556
แนท. หอศิลป์แห่งสกอตแลนด์เอดินบะระ

15. "บัคคานาเลีย"
1525 พิพิธภัณฑ์ลูฟวร์ปารีส

16. "วีนัสแห่งเออร์บินสกายา"
1538, Uffizi, ฟลอเรนซ์

17. "วีนัสกับอิเหนา"
1554 ปราโดมาดริด

****************************

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือเรอเนสซองส์ทำให้เรามีงานศิลปะชั้นยอดมากมาย นี่เป็นช่วงเวลาที่ดีสำหรับการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ ชื่อของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่หลายคนเกี่ยวข้องกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio เป็นเพียงไม่กี่ชื่อของผู้สร้างในเวลานั้น

การเกิดรูปแบบใหม่และการวาดภาพมีความเกี่ยวข้องกับช่วงเวลานี้ วิธีการวาดภาพร่างกายมนุษย์กลายเป็นวิทยาศาสตร์เกือบ ศิลปินมุ่งมั่นเพื่อความเป็นจริง - พวกเขาทำงานในทุกรายละเอียด ผู้คนและเหตุการณ์ในภาพวาดในยุคนั้นดูสมจริงอย่างยิ่ง

นักประวัติศาสตร์แยกแยะช่วงเวลาต่างๆในพัฒนาการของภาพวาดในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

โกธิค - 1200 วินาที... สไตล์ยอดนิยมที่ศาล มันโดดเด่นด้วยความเอิกเกริกอวดรู้สีมากเกินไป ใช้เป็นสี ภาพวาดเป็นของวัตถุบูชา ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของเทรนด์นี้คือศิลปินชาวอิตาลี Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli

ซานโดรบอตติเชลลี

โปรโต - เรอเนสซองส์ - 1300... ในขณะนี้มีการปรับโครงสร้างของ mores ในการวาดภาพ หัวข้อทางศาสนาอยู่เบื้องหลังและหัวข้อทางโลกกำลังได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อย ๆ ภาพวาดจะแทนที่ไอคอน ผู้คนแสดงภาพได้อย่างสมจริงมากขึ้นการแสดงออกทางสีหน้าและท่าทางกลายเป็นสิ่งสำคัญสำหรับศิลปิน งานศิลปะแนวใหม่ปรากฏขึ้น - ตัวแทนในครั้งนี้ ได้แก่ Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น - 1400... การออกดอกของภาพวาดที่ไม่ใช่ศาสนา แม้แต่ใบหน้าบนไอคอนก็มีชีวิตชีวามากขึ้น - พวกมันได้รับคุณสมบัติของมนุษย์ ศิลปินในยุคก่อน ๆ พยายามวาดภาพทิวทัศน์ แต่ใช้เป็นพื้นหลังของภาพหลักเท่านั้น ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นกลายเป็นแนวเพลงอิสระ แนวตั้งยังคงพัฒนาต่อไป นักวิทยาศาสตร์ค้นพบกฎของมุมมองเชิงเส้นและศิลปินสร้างภาพวาดของพวกเขาบนพื้นฐานนี้ บนผืนผ้าใบคุณจะเห็นพื้นที่สามมิติที่ถูกต้อง ตัวแทนที่โดดเด่นในช่วงนี้ ได้แก่ Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง - ยุคทอง... มุมมองของศิลปินกว้างขึ้นเรื่อย ๆ - ความสนใจของพวกเขาขยายไปสู่อวกาศของคอสมอสพวกเขาถือว่ามนุษย์เป็นศูนย์กลางของจักรวาล

ในเวลานี้ "ไททันส์" แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปรากฏขึ้น - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Titian, Raphael Santi และคนอื่น ๆ คนเหล่านี้คือคนที่ความสนใจไม่ได้ จำกัด อยู่แค่การวาดภาพ ความรู้ของพวกเขาขยายออกไปอีกมาก ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ Leonardo Da Vinci ซึ่งไม่เพียง แต่เป็นจิตรกรที่ยิ่งใหญ่เท่านั้น แต่ยังเป็นนักวิทยาศาสตร์ประติมากรนักเขียนบทละครด้วย เขาสร้างเทคนิคที่ยอดเยี่ยมในการวาดภาพเช่นภาพ "เรียบ" - ภาพลวงตาของหมอกควันซึ่งใช้ในการสร้าง "La Gioconda" ที่มีชื่อเสียง

ลีโอนาร์โดดาวินชี

ปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - การสูญพันธุ์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (กลางทศวรรษที่ 1500 ปลายปี 1600) เวลานี้เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงวิกฤตทางศาสนา ความรุ่งเรืองสิ้นสุดลงเส้นบนผืนผ้าใบกลายเป็นความกังวลใจมากขึ้นความเป็นปัจเจกนิยมหายไป ฝูงชนมากขึ้นเรื่อย ๆ กลายเป็นภาพวาด ผลงานที่มีความสามารถในเวลานั้นเป็นของ Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto

Paolo Veronese

อิตาลียกให้โลกเป็นศิลปินที่มีพรสวรรค์ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งพวกเขาได้รับการกล่าวถึงมากที่สุดในประวัติศาสตร์การวาดภาพ ในขณะเดียวกันในประเทศอื่น ๆ ในช่วงเวลานี้ภาพวาดก็พัฒนาขึ้นและมีอิทธิพลต่อการพัฒนาศิลปะนี้ด้วย ภาพวาดของประเทศอื่นในช่วงเวลานี้เรียกว่าศิลปวิทยาตอนเหนือ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการสูง (ปลาย 15 - ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 16) เป็นช่วงเวลาแห่งความสมบูรณ์แบบและอิสระ เช่นเดียวกับงานศิลปะรูปแบบอื่น ๆ ในยุคนี้ภาพวาดมีความศรัทธาในตัวมนุษย์อย่างลึกซึ้งในพลังสร้างสรรค์และพลังแห่งจิตใจของเขา ในภาพวาดของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงอุดมคติของความงามมนุษยนิยมและการครองราชย์ที่กลมกลืนกันมนุษย์ในภาพเหล่านั้นเป็นพื้นฐานของจักรวาล

จิตรกรสมัยนี้ใช้การพรรณนาทุกรูปแบบได้อย่างง่ายดายไม่ว่าจะเป็นการระบายสีเติมแต่งด้วยอากาศแสงและเงาและการวาดภาพอิสระและคมชัด พวกเขามีมุมมองและขอบเขตที่ยอดเยี่ยม ผู้คนหายใจและเคลื่อนไหวบนผืนผ้าใบของศิลปินความรู้สึกและประสบการณ์ของพวกเขาดูเป็นอารมณ์ที่ลึกซึ้ง

ยุคนี้ทำให้โลกมีอัจฉริยะสี่คน ได้แก่ Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian ในภาพวาดของพวกเขาลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง - ความคิดสร้างสรรค์และความกลมกลืนรวมกับความลึกและความมีชีวิตชีวาของภาพ - แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุด

เลโอนาร์โดดาวินชี

เมื่อวันที่ 15 เมษายน ค.ศ. 1452 ในเมือง Vinci เมืองเล็ก ๆ ของอิตาลีซึ่งตั้งอยู่ใกล้เมืองฟลอเรนซ์บุตรชายนอกกฎหมายเกิดกับทนายความ Piero da Vinci พวกเขาตั้งชื่อเขาว่า Leonardo di ser Piero d'Antonio แม่ของเด็กชาย Katerina คนหนึ่งได้แต่งงานกับชาวนาในเวลาต่อมา พ่อไม่ได้ทอดทิ้งลูกนอกสมรสพาเขาเข้ารับการศึกษาและให้การศึกษาที่ดีแก่เขา หนึ่งปีหลังจากการตายของอันโตนิโอปู่ของเลโอนาร์โดในปี 1469 ทนายความได้ทิ้งครอบครัวไว้กับฟลอเรนซ์

ตั้งแต่อายุยังน้อยความหลงใหลในการวาดภาพของ Leonardo ได้ตื่นขึ้น เมื่อสังเกตเห็นสิ่งนี้พ่อจึงส่งเด็กชายไปเรียนกับหนึ่งในปรมาจารย์ด้านประติมากรรมภาพวาดและเครื่องประดับที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่ง Andrea Verrocchio (1435-1488) ความรุ่งเรืองของเวิร์กชอป Verrocchio นั้นยอดเยี่ยมมาก ชาวเมืองผู้ดีได้รับคำสั่งมากมายให้ประหารชีวิตด้วยภาพวาดและประติมากรรม ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Andrea Verrocchio มีเกียรติประวัติอันยิ่งใหญ่กับลูกศิษย์ของเขา ผู้ร่วมสมัยของเขาถือว่าเขาเป็นผู้สืบทอดความคิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฟลอเรนซ์ในด้านจิตรกรรมและประติมากรรมที่มีความสามารถมากที่สุด

นวัตกรรมของ Verrocchio ในฐานะศิลปินส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการคิดใหม่ของภาพซึ่งได้มาจากลักษณะที่เป็นธรรมชาติจากจิตรกร มีผลงานเพียงไม่กี่ชิ้นที่รอดชีวิตจากการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Verrocchio นักวิจัยเชื่อว่า "Baptism of Christ" ที่มีชื่อเสียงถูกสร้างขึ้นในเวิร์คช็อปนี้โดยเฉพาะ นอกจากนี้ยังได้รับการยอมรับว่าภูมิทัศน์ในพื้นหลังของภาพวาดและเทวดาทางด้านซ้ายของภาพนั้นเป็นของพู่กันของ Leonardo

ในงานยุคแรกนี้ได้แสดงให้เห็นถึงความเป็นตัวของตัวเองที่สร้างสรรค์และวุฒิภาวะของศิลปินที่มีชื่อเสียงในอนาคต ภูมิทัศน์วาดโดย Leonardo แตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากภาพวาดธรรมชาติของ Verrocchio เอง เป็นของศิลปินหนุ่มดูเหมือนว่าจะถูกปกคลุมไปด้วยหมอกควันเบาบางและเป็นสัญลักษณ์ของความไม่มีที่สิ้นสุดและไม่มีที่สิ้นสุดของอวกาศ

ภาพที่สร้างโดย Leonardo ก็มีความโดดเด่นเช่นกัน ความรู้อย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับกายวิภาคของร่างกายมนุษย์ตลอดจนจิตวิญญาณทำให้ศิลปินสามารถสร้างภาพเทวดาที่แสดงออกอย่างผิดปกติได้ ความเชี่ยวชาญในการเล่นแสงและเงาช่วยให้ศิลปินแสดงภาพที่มีชีวิตและมีชีวิตชีวา ดูเหมือนว่าทูตสวรรค์จะแข็งตัวชั่วขณะ อีกไม่กี่นาทีจะผ่านไป - และพวกเขาจะมีชีวิตเคลื่อนไหวพูดคุย ...

นักวิจารณ์ศิลปะและนักเขียนชีวประวัติของดาวินชีอ้างว่าภายในปี 1472 Leonardo ออกจากการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Verrocchio และกลายเป็นผู้เชี่ยวชาญในการประชุมเชิงปฏิบัติการจิตรกร ตั้งแต่ปีค. ศ. 1480 เขาหันมาใช้รูปปั้นซึ่งอ้างอิงจาก Leonardo เป็นวิธีที่ง่ายที่สุดในการแสดงพลวัตของการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์ ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาเขาทำงานที่ Academy of Arts ซึ่งเป็นชื่อของเวิร์กช็อปที่ตั้งอยู่ในสวนบน Piazza San Marco ซึ่งสร้างขึ้นตามความคิดริเริ่มของ Lorenzo the Magnificent

ในปีค. ศ. 1480 เลโอนาร์โดได้รับคำสั่งจากคริสตจักรแห่งซานโดนาโตโซเปโตให้จัดองค์ประกอบศิลปะ "Adoration of the Magi"

Leonardo อาศัยอยู่ในฟลอเรนซ์ได้ไม่นาน ในปี 1482 เขาเดินทางไปมิลาน อาจเป็นไปได้ว่าการตัดสินใจครั้งนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากข้อเท็จจริงที่ว่าศิลปินไม่ได้รับเชิญให้มาที่โรมเพื่อทำงานวาดภาพของโบสถ์ซิสทีน ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งเจ้านายก็ปรากฏตัวต่อหน้าดยุคแห่งเมืองอิตาลีที่มีชื่อเสียงลูโดวิโกสฟอร์ซา ชาวมิลานให้การต้อนรับอย่างอบอุ่นแก่ Leonardo เขาตั้งรกรากและอาศัยอยู่เป็นเวลานานในย่าน Porta Ticinese และในปีถัดไป ค.ศ. 1483 เขาได้วาดรูปแท่นบูชาที่สั่งให้โบสถ์ Immacolata ในโบสถ์ San Francesco Grande ผลงานชิ้นเอกนี้ต่อมาเป็นที่รู้จักในนามพระแม่มารีย์แห่งโขดหิน

ในช่วงเวลาเดียวกัน Leonardo กำลังดำเนินการสร้างอนุสาวรีย์ทองสัมฤทธิ์ให้กับ Francesco Sforza อย่างไรก็ตามทั้งภาพร่างหรือภาพร่างทดลองและนักแสดงไม่สามารถแสดงความตั้งใจของศิลปินได้ งานยังคงไม่เสร็จ

ในช่วงปี 1489 ถึง 1490 Leonardo da Vinci วาดภาพ Castello Sforzesco ในวันแต่งงานของ Gian Galeazzo Sforza

เกือบทั้งปี 1494 Leonardo da Vinci อุทิศให้กับอาชีพใหม่สำหรับตัวเขาเองนั่นคือระบบไฮดรอลิกส์ ในการริเริ่มของ Sforza เดียวกัน Leonardo กำลังพัฒนาและดำเนินโครงการเพื่อระบายพื้นที่ของที่ราบลอมบาร์ด อย่างไรก็ตามในปี 1495 ปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดกลับมาที่การวาดภาพ ปีนี้ถือเป็นช่วงเริ่มต้นในประวัติศาสตร์ของการสร้างจิตรกรรมฝาผนังที่มีชื่อเสียง "The Last Supper" ซึ่งประดับผนังห้องเก็บวัสดุของอารามซึ่งตั้งอยู่ใกล้กับโบสถ์ Santa Maria delle Grazie

ในปีค. ศ. 1496 เนื่องจากการรุกรานของดัชชีแห่งมิลานโดยกษัตริย์ฝรั่งเศสหลุยส์ที่สิบสองเลโอนาร์โดออกจากเมือง เขาย้ายไปอยู่ที่ Mantua ก่อนแล้วจึงตั้งรกรากในเวนิส

ตั้งแต่ปี 1503 ศิลปินได้อาศัยอยู่ในฟลอเรนซ์และร่วมกับ Michelangelo ได้ทำงานวาดภาพของ Hall of the Grand Council ใน Palazzo Signoria เลโอนาร์โดควรจะวาดภาพ "การต่อสู้ของแองกีอารี" อย่างไรก็ตามเจ้านายที่ค้นหาความคิดสร้างสรรค์อยู่ตลอดเวลามักจะเลิกงานที่เขาเริ่ม จึงเกิดขึ้นพร้อมกับ "Battle of Anghiari" - จิตรกรรมฝาผนังยังคงสร้างไม่เสร็จ นักวิจารณ์ศิลปะแนะนำว่าสมัยนั้นมีการสร้าง "La Gioconda" ที่มีชื่อเสียง

ตั้งแต่ปี 1506 ถึง 1507 Leonardo อาศัยอยู่ในมิลาน Duke Maximilian Sforza ได้ปกครองที่นั่นตั้งแต่ปี 1512 24 กันยายน 1512 เลโอนาร์โดตัดสินใจออกจากมิลานและไปตั้งรกรากกับนักเรียนในโรม เขาไม่ได้เป็นเพียงแค่การวาดภาพเท่านั้น แต่ยังหันไปศึกษาคณิตศาสตร์และวิทยาศาสตร์อื่น ๆ อีกด้วย

หลังจากได้รับคำเชิญจากกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 ในเดือนพฤษภาคมปี 1513 เลโอนาร์โดดาวินชีจึงย้ายไปที่อัมบอยซี เขามีชีวิตอยู่ที่นี่จนกระทั่งเสียชีวิต: เขาวาดภาพมีส่วนร่วมในการตกแต่งวันหยุดทำงานเกี่ยวกับการประยุกต์ใช้โครงการที่มุ่งเป้าไปที่การใช้แม่น้ำของฝรั่งเศส

ในวันที่ 2 พฤษภาคม ค.ศ. 1519 ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่เสียชีวิต Leonardo da Vinci ถูกฝังอยู่ในโบสถ์ Amboise ของ San Fiorentino อย่างไรก็ตามในช่วงที่สงครามศาสนาพุ่งสูงขึ้น (ศตวรรษที่ 16) หลุมศพของศิลปินได้ถูกทำลายลงจนหมดสิ้น ผลงานชิ้นเอกของเขาซึ่งถือเป็นสุดยอดของงานศิลปะในศตวรรษที่ 15-16 ยังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้

ในบรรดาภาพวาดของดาวินชีจิตรกรรมฝาผนัง Last Supper เป็นสถานที่พิเศษ ประวัติความเป็นมาของจิตรกรรมฝาผนังที่มีชื่อเสียงนั้นน่าสนใจและน่าทึ่ง สร้างขึ้นในปีค. ศ. 1495-1497 ภาพนี้วาดตามคำสั่งของพระสงฆ์ในโดมินิกันที่ประสงค์จะตกแต่งผนังห้องโถงในอารามของพวกเขาซึ่งตั้งอยู่ใกล้กับโบสถ์ Santa Maria delle Grazie ในมิลาน มีการจัดแสดงเรื่องราวพระกิตติคุณที่เป็นที่รู้จักกันดีบนจิตรกรรมฝาผนังนั่นคืออาหารมื้อสุดท้ายของพระเยซูคริสต์กับอัครสาวกสิบสองคน

ผลงานชิ้นเอกนี้ได้รับการยอมรับว่าเป็นจุดสุดยอดของผลงานทั้งหมดของศิลปิน ภาพของพระคริสต์และอัครสาวกที่เจ้านายสร้างขึ้นนั้นดูสดใสเป็นพิเศษแสดงออกถึงความมีชีวิต แม้จะมีความเป็นรูปธรรมและความเป็นจริงของสถานการณ์ที่ปรากฎ แต่เนื้อหาของจิตรกรรมฝาผนังก็เต็มไปด้วยความหมายเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้ง นี่คือแก่นเรื่องนิรันดร์ของความขัดแย้งระหว่างความดีและความชั่วความอิ่มเอมใจและความใจแข็งทางวิญญาณความจริงและการโกหกถูกนำมาเป็นตัวเป็นตน ภาพที่อนุมานไม่ได้เป็นเพียงชุดของลักษณะนิสัยของแต่ละบุคคล (แต่ละคนมีความหลากหลายของอารมณ์) แต่ยังรวมถึงลักษณะทั่วไปทางจิตวิทยาอีกด้วย

ภาพเป็นแบบไดนามิกมาก ผู้ชมรู้สึกถึงความตื่นเต้นอย่างแท้จริงที่ได้จับทุกคนที่อยู่ในมื้ออาหารหลังจากคำพยากรณ์ที่พระคริสต์ตรัสเกี่ยวกับการทรยศที่กำลังจะเกิดขึ้นซึ่งอัครสาวกคนหนึ่งจะต้องกระทำ ผืนผ้าใบกลายเป็นสารานุกรมที่บ่งบอกถึงความรู้สึกและอารมณ์ของมนุษย์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด

Leonardo da Vinci ทำงานเสร็จอย่างรวดเร็วอย่างน่าประหลาดใจ: หลังจากนั้นเพียงสองปีภาพวาดก็เสร็จสมบูรณ์ อย่างไรก็ตามพระสงฆ์ไม่ชอบ: ลักษณะการประหารชีวิตแตกต่างจากรูปแบบการเขียนภาพที่นำมาใช้ก่อนหน้านี้มากเกินไป นวัตกรรมของอาจารย์ไม่เพียง แต่ไม่มากนักในการใช้สีขององค์ประกอบใหม่ ความสนใจโดยเฉพาะจะถูกดึงดูดไปที่วิธีการแสดงมุมมองในภาพ ทำด้วยเทคนิคพิเศษจิตรกรรมฝาผนังขยายและขยายพื้นที่จริง คนหนึ่งรู้สึกว่าผนังห้องที่ปรากฎในภาพวาดนั้นมีความต่อเนื่องของผนังห้องโถงของอาราม

พระสงฆ์ไม่เห็นคุณค่าและไม่เข้าใจความตั้งใจสร้างสรรค์และความสำเร็จของศิลปินดังนั้นพวกเขาจึงไม่สนใจมากเกินไปเกี่ยวกับการเก็บรักษาภาพวาด สองปีหลังจากการวาดภาพปูนเปียกสีของมันเริ่มเสื่อมสภาพและจางลงพื้นผิวของผนังที่มีภาพที่นำไปใช้ดูเหมือนว่าจะถูกปกคลุมไปด้วยสสารที่ดีที่สุด สิ่งนี้เกิดขึ้นในแง่หนึ่งเนื่องจากคุณภาพของสีใหม่ที่ไม่ดีและอีกด้านหนึ่งเนื่องจากการสัมผัสกับความชื้นอากาศเย็นและไอน้ำที่ซึมออกมาจากห้องครัวของอารามอย่างต่อเนื่อง รูปลักษณ์ของภาพวาดนั้นเสียไปโดยสิ้นเชิงเมื่อพระสงฆ์ตัดสินใจที่จะตัดทางเข้าเพิ่มเติมไปยังเตาเผาในผนังด้วยจิตรกรรมฝาผนัง เป็นผลให้ภาพถูกสับออกที่ด้านล่าง

มีความพยายามในการบูรณะผลงานชิ้นเอกตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 อย่างไรก็ตามพวกเขาทั้งหมดก็ไร้ผลสียังคงเสื่อมโทรม เหตุผลนี้คือความเสื่อมโทรมของสถานการณ์ด้านสิ่งแวดล้อม คุณภาพของปูนเปียกได้รับผลกระทบจากความเข้มข้นของก๊าซไอเสียในอากาศที่เพิ่มขึ้นเช่นเดียวกับสารระเหยที่ปล่อยสู่บรรยากาศโดยโรงงานและพืช

ตอนนี้เราสามารถพูดได้ว่างานบูรณะภาพวาดในยุคแรกไม่เพียง แต่ไม่จำเป็นและไร้ความหมาย แต่ยังมีด้านลบอีกด้วย ในกระบวนการบูรณะศิลปินมักจะเพิ่มจิตรกรรมฝาผนังโดยเปลี่ยนรูปลักษณ์ของตัวละครบนผืนผ้าใบและการตกแต่งภายในที่เป็นภาพ ดังนั้นเมื่อไม่นานมานี้เป็นที่ทราบกันดีว่า แต่เดิมอัครสาวกคนหนึ่งไม่ได้มีเครายาวและม้วนงอ นอกจากนี้ผืนผ้าใบสีดำที่ปรากฎบนผนังของโรงกลั่นก็กลายเป็นพรมผืนเล็ก ๆ เท่านั้น
ในศตวรรษที่ XX จัดการเพื่อค้นหาและเรียกคืนเครื่องประดับของพวกเขาบางส่วน

นักบูรณะสมัยใหม่ซึ่งกลุ่มนี้นำโดย Carlo Berteli ได้ตัดสินใจที่จะฟื้นฟูรูปลักษณ์ดั้งเดิมของปูนเปียกโดยไม่ให้องค์ประกอบที่นำมาใช้ในภายหลัง

รูปแบบของความเป็นแม่ภาพของแม่ยังสาวที่ชื่นชมลูกของเธอเป็นเวลานานยังคงเป็นกุญแจสำคัญในการทำงานของเจ้านายผู้ยิ่งใหญ่ ผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงคือภาพวาด "Madonna Litta" และ "Madonna with a Flower" ("Madonna Benoit") ปัจจุบัน "Madonna Litta" ถูกเก็บไว้ใน State Hermitage Museum ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ภาพวาดนี้ซื้อโดยจักรพรรดิรัสเซีย Alexander II ในปี 1865 จากครอบครัวของ Duke Antonio Litta ชาวอิตาลีซึ่งก่อนหน้านี้ได้รับบริจาคจาก Dukes of Visconti ตามคำสั่งของซาร์แห่งรัสเซียภาพวาดถูกถ่ายโอนจากต้นไม้สู่ผืนผ้าใบและแขวนไว้ในห้องโถงของพิพิธภัณฑ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่มีชื่อเสียง

นักวิชาการด้านศิลปะเชื่อว่า (และการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ได้พิสูจน์เรื่องนี้แล้ว) ว่างานสร้างภาพวาดยังไม่เสร็จสมบูรณ์โดยผู้เขียนเอง เสร็จสมบูรณ์โดย Boltraffio นักเรียนคนหนึ่งของ Leonardo

ผืนผ้าใบเป็นการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดของรูปแบบของความเป็นมารดาในการวาดภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพของพระมารดาพระแม่มารีเป็นแสงสว่างและจิตวิญญาณ การมองไปที่ทารกนั้นอ่อนโยนผิดปกติมันแสดงออกและพร้อม ๆ กัน
ความเศร้าและความสงบและความสงบภายใน แม่และเด็กที่นี่เหมือนเดิมสร้างโลกของตัวเองที่มีเอกลักษณ์เป็นโลกเดียวที่กลมกลืนกัน ความคิดที่ไขว้กันของภาพสามารถแสดงได้ด้วยคำต่อไปนี้สิ่งมีชีวิตสองตัวแม่และเด็กประกอบด้วยพื้นฐานและความหมายของชีวิต

ภาพของมาดอนน่ากับเด็กในอ้อมแขนของเธอเป็นสิ่งที่น่าจดจำ ความสมบูรณ์และความซับซ้อนทำให้เกิดการเปลี่ยนแสงและเงาที่ราบรื่นเป็นพิเศษ ความอ่อนโยนและความเปราะบางของร่างจะเน้นด้วยผ้าม่านของเสื้อคลุมที่พาดอยู่บนไหล่ของผู้หญิง ภาพของหน้าต่างในฉากหลังสมดุลและจัดองค์ประกอบให้สมบูรณ์โดยเน้นการแยกคนที่คุณรักสองคนออกจากส่วนที่เหลือของโลก

ภาพวาด Madonna with a Flower (Madonna Benois) ประมาณปี 1478 ถูกซื้อมาจากเจ้าของชาวรัสเซียคนสุดท้ายโดยซาร์นิโคลัสที่ 2 ในปีพ. ศ. 2457 โดยเฉพาะสำหรับอาศรม เจ้าของยุคแรก ๆ ยังไม่เป็นที่รู้จัก มีเพียงตำนานที่เล่าว่านักแสดงชาวอิตาลีที่หลงทางนำภาพนี้ไปยังรัสเซียหลังจากนั้นพ่อค้า Sapozhnikov ได้ซื้อภาพนี้ที่เมือง Samara ในปี 1824 ต่อมาภาพวาดได้รับการถ่ายทอดจากพ่อถึงลูกสาว M.A. Sapozhnikova (แต่งงานกับ Benoit) ซึ่งจักรพรรดิซื้อมันมา ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาภาพวาดนี้มีชื่อสองชื่อคือ "Madonna with a Flower" (ผู้แต่ง) และ "Madonna Benoit" (ตามชื่อเจ้าของคนสุดท้าย)

ภาพซึ่งแสดงให้เห็นถึงพระมารดาของพระเจ้าและเด็กสะท้อนให้เห็นถึงความรู้สึกปกติธรรมดาของแม่ที่เล่นกับลูกของเธอ ฉากทั้งหมดสร้างขึ้นจากความแตกต่าง: แม่และลูกที่กำลังหัวเราะอย่างจริงจังกำลังตรวจสอบดอกไม้อย่างจริงจัง ศิลปินที่มุ่งเน้นไปที่การต่อต้านนี้อย่างแม่นยำแสดงให้เห็นถึงความทะเยอทะยานในการหาความรู้ของบุคคลก้าวแรกของเขาบนเส้นทางสู่ความจริง นี่คือแนวคิดหลักของผืนผ้าใบ

การเล่นแสงและเงาทำให้เกิดโทนสีที่เป็นกันเองและพิเศษสำหรับองค์ประกอบทั้งหมด แม่และลูกน้อยอยู่ในโลกของตัวเองหย่าร้างจากความวุ่นวายของโลก แม้จะมีลักษณะเชิงมุมและความแข็งแกร่งของผ้าม่านที่แสดงให้เห็น แต่แปรงของ Leonardo da Vinci นั้นค่อนข้างง่ายต่อการจดจำด้วยการเปลี่ยนเฉดสีที่นุ่มนวลและนุ่มนวลของเฉดสีที่ใช้และการผสมผสานที่ถูกตัดออก ผืนผ้าใบถูกวาดด้วยสีที่นุ่มนวลและสงบคงอยู่ในระบบสีเดียวซึ่งจะทำให้ภาพมีลักษณะที่นุ่มนวลและทำให้เกิดความรู้สึกที่แปลกประหลาดกลมกลืนกับจักรวาลและความเงียบสงบ

Leonardo da Vinci เป็นปรมาจารย์ด้านการถ่ายภาพบุคคลที่ได้รับการยอมรับ ในบรรดาภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา ได้แก่ "Lady with an Ermine" (ประมาณ ค.ศ. 1483-1484) และ "Portrait of a Musician"

นักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์แนะนำว่าภาพวาด "Lady with an Ermine" แสดงให้เห็นถึง Cecilia Gallerani อดีตคนโปรดของ Duke of Milan, Louis Moreau ก่อนแต่งงาน มีหลักฐานว่าเซซิเลียเป็นผู้หญิงที่มีการศึกษาสูงซึ่งหายากมากในเวลานั้น นอกจากนี้นักประวัติศาสตร์และนักเขียนชีวประวัติของศิลปินชื่อดังยังเชื่อว่าเธอคุ้นเคยกับ Leonardo da Vinci ซึ่งครั้งหนึ่งเธอตัดสินใจวาดภาพเหมือนของเธอ

ผืนผ้าใบนี้มาถึงเราในเวอร์ชันที่เขียนขึ้นใหม่เท่านั้นดังนั้นนักวิทยาศาสตร์จึงสงสัยในการประพันธ์ของ Leonardo มานานแล้ว อย่างไรก็ตามชิ้นส่วนที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้เป็นอย่างดีของภาพวาดที่แสดงภาพเออร์มีนและใบหน้าของหญิงสาวทำให้สามารถพูดได้อย่างมั่นใจเกี่ยวกับรูปแบบของดาวินชีปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ นอกจากนี้ยังน่าสนใจว่าพื้นหลังสีเข้มหนาแน่นรวมถึงรายละเอียดบางอย่างของทรงผมเป็นภาพวาดเพิ่มเติมที่ทำขึ้นในภายหลัง

"Lady with an Ermine" เป็นหนึ่งในภาพวาดเชิงจิตวิทยาที่สว่างไสวที่สุดในแกลเลอรีภาพเหมือนของศิลปิน ร่างทั้งหมดของหญิงสาวแสดงออกถึงความมีชีวิตชีวามุ่งมั่นไปข้างหน้าเป็นพยานให้เห็นถึงลักษณะของมนุษย์ที่มีความมุ่งมั่นและเข้มแข็งอย่างผิดปกติ ลักษณะใบหน้าที่ถูกต้องเน้นสิ่งนี้เท่านั้น

ภาพบุคคลมีความซับซ้อนและมีหลายแง่มุมความกลมกลืนและความสมบูรณ์ของภาพทำได้โดยการรวมองค์ประกอบหลายอย่างเข้าด้วยกัน: การแสดงออกทางสีหน้าการหมุนศีรษะตำแหน่งมือ ดวงตาของผู้หญิงสะท้อนให้เห็นถึงจิตใจพลังงานและความเข้าใจที่ไม่ธรรมดา ริมฝีปากที่บีบอัดแน่นจมูกตรงคางแหลม - ทุกอย่างเน้นย้ำเจตจำนงความมุ่งมั่นความเป็นอิสระ การหันศีรษะอย่างสง่างามคอที่เปิดกว้างมือที่มีนิ้วยาวลูบสัตว์ที่สง่างามเน้นความบอบบางและความเรียวของทั้งร่าง ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ผู้หญิงคนนั้นถือเออร์มีนไว้ในอ้อมแขน ขนสีขาวของสัตว์เหมือนหิมะแรกเป็นสัญลักษณ์ของความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณของหญิงสาว

ภาพบุคคลมีไดนามิกอย่างน่าประหลาดใจ ผู้เชี่ยวชาญสามารถจับภาพช่วงเวลาที่การเคลื่อนไหวหนึ่งควรเปลี่ยนไปเป็นอีกการเคลื่อนไหวได้อย่างราบรื่น ดังนั้นดูเหมือนว่าหญิงสาวกำลังจะมีชีวิตขึ้นมาหันหัวของเธอและมือของเธอจะเลื่อนไปตามขนนุ่มของสัตว์ ...

ความโดดเด่นที่โดดเด่นขององค์ประกอบจะได้รับจากความชัดเจนของเส้นที่เป็นรูปเป็นร่างตลอดจนความเชี่ยวชาญและการใช้เทคนิคการเปลี่ยนแสงในเงาด้วยความช่วยเหลือของรูปแบบที่สร้างขึ้นบนผืนผ้าใบ

"Portrait of a Musician" เป็นภาพผู้ชายเพียงคนเดียวในผลงานชิ้นเอกของ Leonardo da Vinci นักวิจัยหลายคนระบุแบบจำลองกับผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ของมหาวิหารมิลาน Franchino Gaffurio อย่างไรก็ตามนักวิทยาศาสตร์หลายคนปฏิเสธความคิดเห็นนี้โดยกล่าวว่าไม่ใช่ผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ที่ปรากฎในที่นี้ แต่เป็นชายหนุ่มธรรมดานักดนตรี แม้จะมีรายละเอียดบางอย่างที่มีอยู่ในเทคนิคการวาดภาพของดาวินชี แต่นักวิจารณ์ศิลปะยังคงสงสัยในการประพันธ์ของเลโอนาร์โด อาจเป็นไปได้ว่าข้อสงสัยเหล่านี้เกี่ยวข้องกับการใช้งานบนผืนผ้าใบขององค์ประกอบที่เป็นลักษณะประเพณีทางศิลปะของนักวาดภาพชาวลอมบาร์ด

เทคนิคของภาพเหมือนมีหลายวิธีที่ชวนให้นึกถึงผลงานของ Antonello da Messina เมื่อเทียบกับพื้นหลังของผมหยิกที่เขียวชอุ่มเส้นที่ชัดเจนและเข้มงวดของใบหน้าโดดเด่นอย่างมาก บุคคลที่ชาญฉลาดและมีบุคลิกที่แข็งแกร่งปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมแม้ว่าในเวลาเดียวกันในสายตาของเขาก็สามารถจับสิ่งที่แปลกประหลาดทางจิตวิญญาณได้ บางทีอาจเป็นช่วงเวลานี้ที่ทำนองเพลงใหม่อันศักดิ์สิทธิ์ได้ถือกำเนิดขึ้นในจิตวิญญาณของนักดนตรีซึ่งหลังจากเวลาผ่านไปสักครู่จะชนะใจคนจำนวนมาก

อย่างไรก็ตามไม่มีใครสามารถพูดได้ว่าศิลปินพยายามที่จะยกย่องบุคคล เจ้านายถ่ายทอดความมั่งคั่งและความกว้างขวางทั้งหมดของจิตวิญญาณมนุษย์อย่างละเอียดและชำนาญโดยไม่ต้องใช้คำพูดเกินจริงและสิ่งที่น่าสมเพช

หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของดาวินชีคือ Madonna of the Rocks ที่มีชื่อเสียง (1483-1493) Leonardo สร้างขึ้นเพื่อถวายแด่พระสงฆ์ของ Church of San Francesco Grande ในมิลาน องค์ประกอบมีจุดมุ่งหมายเพื่อประดับแท่นบูชาในโบสถ์อิมมาโคลัต

ภาพวาดมีอยู่ 2 เวอร์ชันโดยภาพหนึ่งเก็บไว้ที่พิพิธภัณฑ์ลูฟวร์ในปารีสและอีกภาพหนึ่งที่หอศิลป์แห่งชาติในลอนดอน

เป็นพิพิธภัณฑ์ลูฟร์มาดอนน่าแห่งโขดหินที่ประดับแท่นบูชาของโบสถ์ นักวิทยาศาสตร์แนะนำว่าตัวศิลปินเองได้มอบมันให้กับกษัตริย์ฝรั่งเศส Louis XII เขาทำเช่นนี้ตามที่นักประวัติศาสตร์กล่าวว่าเป็นสัญญาณแสดงความขอบคุณสำหรับการมีส่วนร่วมของกษัตริย์ในการแก้ไขความขัดแย้งที่เกิดขึ้นระหว่างลูกค้าของภาพวาดและนักแสดง - ศิลปิน

เวอร์ชันที่นำเสนอถูกแทนที่ด้วยภาพวาดอื่นซึ่งตอนนี้อยู่ในหอศิลป์แห่งชาติลอนดอน ในปี พ.ศ. 2328 แฮมิลตันคนหนึ่งซื้อมันและนำไปที่อังกฤษ

คุณลักษณะที่โดดเด่นของ Madonna of the Rocks คือการหลอมรวมร่างมนุษย์เข้ากับภูมิทัศน์ นี่เป็นภาพวาดชิ้นแรกของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งภาพของนักบุญมีความสัมพันธ์อย่างกลมกลืนกับธรรมชาติโดยได้รับแรงบันดาลใจจากการปรากฏตัวของพวกเขา เป็นครั้งแรกในผลงานของปรมาจารย์ที่มีการพรรณนาถึงภาพที่ไม่ขัดกับพื้นหลังขององค์ประกอบใด ๆ ของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรม แต่ราวกับว่าพวกมันถูกล้อมรอบด้วยภูมิประเทศที่เป็นหินที่รุนแรง ความรู้สึกนี้ยังสร้างขึ้นในองค์ประกอบเนื่องจากการเล่นแสงและเงาที่ตกลงมาเป็นพิเศษ

ภาพของพระแม่มารีย์ถูกนำเสนอที่นี่ซึ่งมีลักษณะทางจิตวิญญาณที่ผิดปกติและแปลกประหลาด แสงอ่อน ๆ ตกกระทบใบหน้าของทูตสวรรค์ ศิลปินได้สร้างภาพร่างและภาพร่างจำนวนมากก่อนที่ตัวละครของเขาจะมีชีวิตขึ้นมาและภาพของพวกเขาก็สดใสและแสดงออกได้ หนึ่งในภาพร่างเป็นภาพศีรษะของทูตสวรรค์ เราไม่รู้ว่าเป็นเด็กผู้หญิงหรือผู้ชาย แต่สิ่งหนึ่งที่สามารถพูดได้อย่างแน่นอนนั่นคือสิ่งมีชีวิตที่แปลกประหลาดเต็มไปด้วยความอ่อนโยนความเมตตาความบริสุทธิ์ ภาพรวมเต็มไปด้วยความสงบความสงบและความเงียบ

เวอร์ชันที่เขียนโดยอาจารย์ในภายหลังแตกต่างจากครั้งแรกในรายละเอียดหลายประการ: รัศมีปรากฏขึ้นเหนือศีรษะของนักบุญยอห์นผู้ให้บัพติศมาตัวน้อยถือไม้กางเขนตำแหน่งของทูตสวรรค์เปลี่ยนไป และเทคนิคการประหารชีวิตเองก็กลายเป็นสาเหตุหนึ่งที่ทำให้นักเรียนของเลโอนาร์โดแสดงความเป็นเจ้าของภาพ ที่นี่ตัวเลขทั้งหมดจะถูกนำเสนออย่างใกล้ชิดในขนาดที่ใหญ่ขึ้นและนอกจากนี้เส้นที่ก่อตัวขึ้นนั้นจะสังเกตเห็นได้ชัดเจนยิ่งขึ้นแม้จะหนักและชี้มากขึ้น เอฟเฟกต์นี้สร้างขึ้นโดยการทำให้เงาหนาขึ้นและเน้นสถานที่แต่ละแห่งในองค์ประกอบ

ภาพเวอร์ชันที่สองตามที่นักวิจารณ์ศิลปะกล่าวว่าเป็นเรื่องธรรมดาและเป็นโลกีย์ บางทีเหตุผลก็คือความจริงที่ว่าภาพวาดนี้เสร็จสมบูรณ์โดยนักเรียนของ Leonardo อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ไม่ได้ลดทอนคุณค่าของผืนผ้าใบ ความตั้งใจของศิลปินปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนประเพณีของอาจารย์ในการสร้างและการแสดงออกของภาพนั้นถูกตรวจสอบอย่างดี

สิ่งที่น่าสนใจไม่น้อยคือประวัติของภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Leonardo da Vinci "Ann ประกาศ" (1470s) การสร้างภาพวาดมีขึ้นตั้งแต่ช่วงแรก ๆ ในผลงานของศิลปินจนถึงช่วงที่เขาเรียนและทำงานในสตูดิโอของ Andrea Verrocchio

องค์ประกอบหลายประการของเทคนิคการเขียนทำให้สามารถประกาศด้วยความมั่นใจว่าผู้เขียนผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงคือ Leonardo da Vinci และไม่รวมการมีส่วนร่วมของ Verrocchio หรือนักเรียนคนอื่น ๆ ในการเขียน อย่างไรก็ตามรายละเอียดบางอย่างในองค์ประกอบเป็นลักษณะของประเพณีทางศิลปะของโรงเรียน Verrocchio สิ่งนี้ชี้ให้เห็นว่าจิตรกรหนุ่มแม้จะมีความคิดริเริ่มและความสามารถเป็นที่ประจักษ์แล้วในเวลานั้น แต่ก็ยังคงอยู่ภายใต้อิทธิพลของอาจารย์ของเขา

องค์ประกอบของภาพวาดค่อนข้างเรียบง่าย: ภูมิทัศน์บ้านพักในชนบทร่างสองร่าง - แมรี่และนางฟ้า บนพื้นหลัง
เราเห็นเรืออาคารบางส่วนท่าเรือ การปรากฏตัวของรายละเอียดดังกล่าวไม่ได้เป็นลักษณะเฉพาะของงานของ Leonardo ทั้งหมดและไม่ใช่สิ่งสำคัญที่นี่ มันสำคัญกว่าสำหรับศิลปินที่จะแสดงให้เห็นภูเขาที่ซ่อนอยู่ในหมอกควันหมอกซึ่งอยู่ในระยะไกลและแสงที่เกือบท้องฟ้าโปร่งใส ภาพที่เต็มไปด้วยอารมณ์ของหญิงสาวที่รอข่าวดีและทูตสวรรค์นั้นสวยงามและอ่อนโยนเป็นพิเศษ เส้นของรูปแบบของพวกเขาคงอยู่ในลักษณะของดาวินชีซึ่งทำให้สามารถกำหนดผืนผ้าใบเป็นผลงานชิ้นเอกของพู่กันของเลโอนาร์โดในยุคแรกได้ในคราวเดียว

เทคนิคการดำเนินการโดยใช้รายละเอียดเล็กน้อยยังเป็นลักษณะของประเพณีของปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงเช่นม้านั่งขัดเงาเชิงเทินหินที่วางหนังสือที่ประดับประดาด้วยกิ่งก้านสาขาที่บิดเบี้ยวอย่างน่าอัศจรรย์ของพืชวิเศษ อย่างไรก็ตามโลงศพของหลุมฝังศพของ Giovanni และ Piero Medici ซึ่งติดตั้งในโบสถ์ San Lorenzo ถือเป็นต้นแบบของยุคหลัง องค์ประกอบเหล่านี้ซึ่งมีอยู่ในโรงเรียน Verrocchio และลักษณะเฉพาะของยุคหลังนั้นค่อนข้างคิดใหม่โดยดาวินชี พวกมันมีชีวิตขนาดใหญ่ทออย่างกลมกลืนเข้ากับองค์ประกอบโดยรวม ดูเหมือนว่าผู้เขียนจะตั้งเป้าหมายให้ตัวเองโดยยึดตามละครของครูเป็นพื้นฐานเพื่อเปิดเผยให้โลกรู้ถึงความสามารถของเขาโดยใช้เทคนิคและวิธีการแสดงออกทางศิลปะของตนเอง

ปัจจุบันหนึ่งในรูปแบบของภาพวาดอยู่ใน Uffizi Gallery ในฟลอเรนซ์ องค์ประกอบเวอร์ชันที่สองถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีส

ภาพวาดพิพิธภัณฑ์ลูฟร์สร้างขึ้นค่อนข้างซับซ้อนกว่ารุ่นก่อนหน้า ที่นี่เส้นที่ถูกต้องตามหลักเรขาคณิตของผนังของเชิงเทินหินสามารถมองเห็นได้อย่างชัดเจนซึ่งเป็นรูปแบบที่ทำซ้ำโดยม้านั่งที่อยู่ด้านหลังรูปของแมรี่ ภาพที่นำมาไว้ข้างหน้าจะถูกจัดวางอย่างเหมาะสมและมีเหตุผล เสื้อผ้าของแมรี่และทูตสวรรค์เมื่อเปรียบเทียบกับรุ่นแรกจะถูกเขียนออกมาอย่างชัดเจนและสม่ำเสมอกว่า มาเรียก้มหัวลงต่ำสวมชุดสีน้ำเงินเข้มและเสื้อคลุมสีฟ้าพาดไหล่ดูเหมือนสิ่งมีชีวิตที่แปลกประหลาด ชุดสีเข้มเพิ่มความสว่างและตัดความขาวของใบหน้าของเธอ ภาพของทูตสวรรค์ที่นำข่าวดีมาบอกมาดอนน่า ผ้ากำมะหยี่สีเหลืองเสื้อคลุมสีแดงเข้มพร้อมผ้าม่านที่เลื่อนลงมาอย่างราบรื่นทำให้ภาพนางฟ้าผู้ใจดีสมบูรณ์แบบ

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษในการจัดองค์ประกอบช่วงปลายคือภูมิทัศน์ที่วาดโดยผู้เชี่ยวชาญ: ปราศจากการประชุมใด ๆ , ต้นไม้ที่เติบโตในระยะไกล, เกือบจะมองเห็นได้จริง, สีฟ้าอ่อน, ท้องฟ้าโปร่งใส, ภูเขาที่ซ่อนด้วยหมอกเบาบาง, ดอกไม้สดใต้เท้าของ นางฟ้า.

ภาพวาด "Saint Jerome" หมายถึงช่วงเวลาของการทำงานของ Leonardo da Vinci ในสตูดิโอของ Andrea Verrocchio (สมัยฟลอเรนซ์ที่เรียกว่าผลงานของศิลปิน) ผืนผ้าใบยังสร้างไม่เสร็จ ธีมหลักขององค์ประกอบคือวีรบุรุษผู้โดดเดี่ยวคนบาปที่กลับใจ ร่างกายของเขาแห้งผากจากความหิวโหย อย่างไรก็ตามรูปลักษณ์ของเขาเต็มไปด้วยความมุ่งมั่นและตั้งใจเป็นการแสดงออกที่ชัดเจนถึงความแน่วแน่และความเข้มแข็งทางวิญญาณของบุคคล เราจะไม่พบความเป็นคู่ความไม่ชัดเจนของมุมมองในภาพใด ๆ ที่สร้างโดย Leonardo

ตัวละครในภาพวาดของเขามักแสดงออกถึงความรักและความรู้สึกที่ลึกซึ้งอย่างชัดเจนในระดับสูงสุด

การประพันธ์ของเลโอนาร์โดยังเป็นหลักฐานโดยหัวหน้าฤๅษีที่วาดอย่างเชี่ยวชาญ การแพร่กระจายทั่วไปของมันไม่ได้พูดถึงความเชี่ยวชาญที่ยอดเยี่ยมของเทคนิคการวาดภาพและความรู้ของอาจารย์เกี่ยวกับความซับซ้อนของกายวิภาคของร่างกายมนุษย์ แม้ว่าจะจำเป็นต้องทำการจองเล็กน้อย: ในหลาย ๆ ด้านศิลปินปฏิบัติตามประเพณีของ Andrea del Castagno และ Domenico Veneziano ซึ่งมาจาก Antonio Pollaiolo

ร่างของเจอโรมแสดงออกอย่างผิดปกติ ดูเหมือนว่าฤๅษีที่คุกเข่าอยู่นั้นจะมุ่งหน้า ทางด้านขวา
เขาถือหินไว้ในมืออีกครู่หนึ่ง - และเขาจะตีตัวเองที่หน้าอกด้วยการกัดเซาะร่างกายของเขาและสาปแช่งวิญญาณของเขาเพราะบาปของเขา ...

การจัดองค์ประกอบภาพก็น่าสนใจเช่นกัน ทุกอย่างกลายเป็นเหมือนที่ล้อมรอบด้วยเกลียวซึ่งเริ่มจากโขดหินต่อด้วยรูปสิงโตซึ่งตั้งอยู่ที่เท้าของผู้สำนึกผิดและลงท้ายด้วยร่างของฤๅษี

บางทีงานศิลปะชิ้นเอกของโลกที่ได้รับความนิยมมากที่สุดก็คือ "La Gioconda" ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือหลังจากทำงานภาพบุคคลเสร็จแล้วศิลปินไม่ได้อยู่ร่วมกับมันจนกระทั่งเสียชีวิต ต่อมาภาพวาดดังกล่าวมาถึงกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 ซึ่งวางไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

นักวิชาการด้านศิลปะทุกคนยอมรับว่าภาพนี้วาดในปี 1503 อย่างไรก็ตามยังมีข้อถกเถียงเกี่ยวกับต้นแบบของเด็กสาวที่ปรากฎในภาพบุคคล เป็นที่เชื่อกันว่า (ประเพณีมาจากนักเขียนชีวประวัติชื่อดัง Giorgio Vasari) ว่าภาพวาดแสดงถึงภรรยาของชาวฟลอเรนซ์ Francesco di Giocondo, Mona Lisa

เมื่อมองจากภาพเราสามารถพูดได้ด้วยความมั่นใจว่าศิลปินประสบความสำเร็จอย่างสมบูรณ์แบบในการสร้างภาพมนุษย์ ที่นี่ต้นแบบออกจากลักษณะการแสดงภาพบุคคลที่ยอมรับและแพร่หลายก่อนหน้านี้ La Gioconda ถูกวาดบนพื้นหลังสีอ่อนและยิ่งไปกว่านั้นจะหมุนในสามในสี่ของเทิร์นการจ้องมองของเธอตรงไปที่ผู้ชมซึ่งเป็นสิ่งใหม่ในศิลปะภาพบุคคลในยุคนั้น ต้องขอบคุณภูมิทัศน์ที่เปิดโล่งซึ่งตั้งอยู่ด้านหลังของหญิงสาวร่างของหลังจึงกลายเป็นส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์ที่ผสานเข้ากับมันอย่างกลมกลืน สิ่งนี้เกิดขึ้นได้เนื่องจากเทคนิคพิเศษทางศิลปะและกราฟิกที่สร้างโดย Leonardo และใช้ในงานของเขา - sfumato สาระสำคัญอยู่ที่ความจริงที่ว่าเส้นชั้นความสูงมีการระบุไว้อย่างไม่ชัดเจนพวกเขาจะเบลอและทำให้เกิดความรู้สึกของการผสานการตีความของแต่ละส่วนในองค์ประกอบ

ในภาพบุคคลเทคนิคดังกล่าว (การหลอมรวมร่างมนุษย์และภูมิทัศน์ธรรมชาติขนาดใหญ่) กลายเป็นวิธีการแสดงความคิดเชิงปรัชญา: โลกมนุษย์มีขนาดใหญ่มากขนาดใหญ่และมีความหลากหลายเช่นเดียวกับโลกของธรรมชาติรอบตัวเรา . แต่ในทางกลับกันธีมหลักขององค์ประกอบสามารถนำเสนอได้เนื่องจากเป็นไปไม่ได้ที่จะมีความรู้ที่สมบูรณ์เกี่ยวกับจิตใจมนุษย์ของโลกธรรมชาติ ด้วยความคิดนี้เองที่นักวิจารณ์งานศิลปะหลายคนเชื่อมโยงรอยยิ้มแดกดันที่ตรึงอยู่บนริมฝีปากของโมนาลิซา ดูเหมือนเธอจะพูดว่า: "ความพยายามทั้งหมดของคน ๆ หนึ่งที่จะรู้จักโลกใบนี้นั้นไร้ผลและไร้ผล"

ภาพวาดของ La Gioconda ตามที่นักวิชาการศิลปะเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของ Leonardo da Vinci ในนั้นศิลปินสามารถรวบรวมและแสดงความคิดเรื่องความกลมกลืนและความใหญ่โตของโลกได้อย่างเต็มที่ความคิดเรื่องลำดับความสำคัญของเหตุผลและศิลปะ

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti จิตรกรชาวอิตาลีประติมากรสถาปนิกและกวีเกิดที่เมือง Caprese ใกล้เมืองฟลอเรนซ์เมื่อวันที่ 6 มีนาคม ค.ศ. 1475 Lodovico Buonarroti บิดาของ Michelangelo เป็นนายกเทศมนตรีของเมือง Caprese เขาฝันว่าลูกชายของเขาจะมาแทนที่เขาในตำแหน่งของเขาในไม่ช้า อย่างไรก็ตามด้วยความปรารถนาของพ่อของเขา Michelangelo ตัดสินใจที่จะอุทิศชีวิตของเขาให้กับการวาดภาพ

ในปีค. ศ. 1488 Michelangelo ไปฟลอเรนซ์และเข้าเรียนในโรงเรียนศิลปะที่นั่นซึ่งได้รับการกำกับโดยปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์ชื่อดัง Domenico Ghirlandaio อีกหนึ่งปีต่อมาในปี 1489 ศิลปินหนุ่มได้ทำงานในเวิร์กชอปที่ก่อตั้งโดย Lorenzo Medici ที่นี่ชายหนุ่มเรียนรู้การวาดภาพจากศิลปินและประติมากรชื่อดังอีกคนหนึ่งในสมัยของเขา Bertoldo di Giovanni ซึ่งเป็นนักเรียนของ Donatello ในการประชุมเชิงปฏิบัติการนี้ Michelangelo ได้ทำงานร่วมกับ Angelo Poliziano และ Pico della Mirandola ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการสร้างวิธีการทางศิลปะของจิตรกรหนุ่ม อย่างไรก็ตามงานของ Michelangelo ไม่ได้ถูกปิดในพื้นที่วงกลมของ Lorenzo Medici พรสวรรค์ของเขากำลังพัฒนาอย่างต่อเนื่อง ความสนใจของศิลปินถูกดึงดูดมากขึ้นไปที่ภาพวีรบุรุษขนาดใหญ่ของผลงานของ Giotto และ Masaccio ผู้ยิ่งใหญ่

ในช่วงครึ่งแรกของยุค 90 ในศตวรรษที่ 15 ประติมากรรมชิ้นแรกที่สร้างโดย Michelangelo ปรากฏขึ้น: "Madonna at the Stairs" และ "Battle of the Centaurs"

ใน "มาดอนน่า" เราสามารถเห็นอิทธิพลของลักษณะการพรรณนาทางศิลปะที่ยอมรับกันโดยทั่วไปในงานศิลปะในยุคนั้น ในผลงานของ Michelangelo มีรายละเอียดเดียวกันกับความเป็นพลาสติกของตัวเลข อย่างไรก็ตามที่นี่เราสามารถเห็นเทคนิคเฉพาะตัวของประติมากรหนุ่มซึ่งแสดงออกมาในการสร้างภาพที่สูงส่งและเป็นวีรบุรุษ

ไม่มีร่องรอยของอิทธิพลภายนอกในการบรรเทาทุกข์ "Battle of the Centaurs" ผลงานชิ้นนี้เป็นผลงานอิสระชิ้นแรกของปรมาจารย์ผู้มีความสามารถที่จะแสดงสไตล์เฉพาะตัวของเขา ในความโล่งใจภาพในตำนานของการต่อสู้ของพวกลาพิ ธ กับเซนทอร์ปรากฏอยู่ในเนื้อหาทั้งหมด ฉากนี้มีความโดดเด่นในเรื่องดราม่าที่ไม่ธรรมดาและความสมจริงซึ่งแสดงโดยพลาสติกที่แสดงผลอย่างแม่นยำของตัวเลขที่แสดง ประติมากรรมนี้ถือได้ว่าเป็นเพลงสรรเสริญวีรบุรุษความแข็งแกร่งและความงามของมนุษย์ แม้จะมีเรื่องราวของพล็อตเรื่องทั้งหมด แต่องค์ประกอบโดยรวมก็มีความกลมกลืนภายในอย่างลึกซึ้ง

นักวิชาการด้านศิลปะถือว่า "Battle of the Centaurs" เป็นจุดเริ่มต้นของงานของ Michelangelo พวกเขากล่าวว่าอัจฉริยะของศิลปินมีต้นกำเนิดมาจากงานนี้อย่างแม่นยำ ความโล่งใจที่เกี่ยวข้องกับผลงานในยุคแรก ๆ ของปรมาจารย์เป็นการสะท้อนให้เห็นถึงความมีชีวิตชีวาทั้งหมดของลักษณะทางศิลปะของ Michelangelo

1495 ถึง 1496 Michelangelo Buonarroti อยู่ใน Bologna ที่นี่เขาได้ทำความคุ้นเคยกับภาพวาดของ Jacopo della Quercia ซึ่งดึงดูดความสนใจของศิลปินหนุ่มด้วยรูปลักษณ์ของภาพที่สร้างขึ้น

ในปีค. ศ. 1496 ปรมาจารย์ได้ตั้งรกรากในกรุงโรมซึ่งเขาได้ศึกษาความเป็นพลาสติกและลักษณะการทำงานของประติมากรรมโบราณที่เพิ่งค้นพบรวมทั้งลำตัว Laocoon และ Belvedere ลักษณะทางศิลปะของประติมากรกรีกโบราณสะท้อนให้เห็นโดย Michelangelo ใน Bacchus

1498 ถึง 1501 ศิลปินได้ทำงานสร้างกลุ่มหินอ่อนที่เรียกว่า "Pieta" และทำให้ชื่อเสียงของ Michelangelo เป็นหนึ่งในปรมาจารย์ชาวอิตาลีคนแรก ฉากทั้งหมดซึ่งแสดงให้เห็นแม่ของเด็กที่ร้องไห้เพราะศพของลูกชายที่ถูกฆาตกรรมของเธอตื้นตันใจด้วยความรู้สึกใจบุญและอ่อนโยนเป็นพิเศษ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ศิลปินเลือกเด็กสาวเป็นต้นแบบ - ภาพที่บ่งบอกถึงความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณ

ผลงานของอาจารย์หนุ่มคนนี้ซึ่งแสดงให้เห็นถึงวีรบุรุษในอุดมคติแตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจากรูปสลักที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 15 ภาพของมิเกลันเจโลมีความลึกและจิตใจมากขึ้น ความรู้สึกของความเศร้าโศกและความเศร้าถูกถ่ายทอดอย่างละเอียดผ่านการแสดงออกพิเศษของใบหน้าของแม่ตำแหน่งของมือร่างกายของเธอส่วนโค้งที่เน้นด้วยผ้าม่านที่อ่อนนุ่มของเสื้อผ้า โดยภาพหลังนั้นถือได้ว่าเป็นขั้นตอนหนึ่งในการทำงานของอาจารย์: การระบุรายละเอียดองค์ประกอบขององค์ประกอบโดยละเอียด (ในกรณีนี้การพับของชุดและฝากระโปรง) เป็นลักษณะเฉพาะ คุณลักษณะของศิลปะยุคก่อนเรอเนสซองส์ องค์ประกอบโดยรวมนั้นแสดงออกอย่างผิดปกติและน่าสมเพชซึ่งเป็นลักษณะเด่นของผลงานของประติมากรหนุ่ม

ในปีค. ศ. 1501 Michelangelo ซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้านประติมากรรมที่มีชื่อเสียงในอิตาลีได้เดินทางไปฟลอเรนซ์อีกครั้ง นี่คือที่มาของหินอ่อน "เดวิด" ไม่เหมือนรุ่นก่อน ๆ ของเขา (Donatello และ Verrocchio) Michelangelo แสดงให้เห็นถึงฮีโร่หนุ่มที่เพิ่งเตรียมพร้อมสำหรับการต่อสู้ รูปปั้นขนาดใหญ่ (ความสูง 5.5 เมตร) แสดงถึงเจตจำนงที่แข็งแกร่งผิดปกติของบุคคลความแข็งแรงทางกายภาพและความงามของร่างกายของเขา ภาพบุคคลในความคิดของมิเกลันเจโลนั้นคล้ายกับร่างของยักษ์ไททันในตำนาน เดวิดปรากฏตัวที่นี่ในฐานะศูนย์รวมความคิดของผู้ชายที่สมบูรณ์แข็งแรงและเป็นอิสระพร้อมที่จะเอาชนะอุปสรรคใด ๆ ในเส้นทางของเขา ความสนใจทั้งหมดที่เดือดพล่านในจิตวิญญาณของฮีโร่ถูกถ่ายทอดผ่านการเปลี่ยนร่างและการแสดงออกบนใบหน้าของเดวิดซึ่งพูดถึงนิสัยที่แน่วแน่และเข้มแข็งเอาแต่ใจของเขา

ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่รูปปั้นของ David ประดับทางเข้า Palazzo Vecchio (อาคารของรัฐบาลเมืองฟลอเรนซ์) เพื่อเป็นสัญลักษณ์ของอำนาจความแข็งแกร่งพิเศษและความเป็นอิสระของนครรัฐ องค์ประกอบทั้งหมดแสดงออกถึงความกลมกลืนของจิตวิญญาณของมนุษย์ที่แข็งแกร่งและร่างกายที่แข็งแกร่งไม่แพ้กัน

ในปี 1501 พร้อมกับรูปปั้นของเดวิดผลงานชิ้นแรกของอนุสาวรีย์ ("Battle of Kashin") และขาตั้ง ("Madonna Doni" ในรูปแบบกลม) ปรากฏขึ้น ปัจจุบันหลังนี้ถูกเก็บไว้ใน Uffizi Gallery ในฟลอเรนซ์

ในปี 1505 Michelangelo กลับมาที่โรม เขากำลังดำเนินการสร้างสุสานของสมเด็จพระสันตปาปาจูเลียสที่ 2 ตามแผนหลุมฝังศพควรจะเป็นโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ซึ่งรอบ ๆ จะมีรูปปั้นที่แกะสลักจากหินอ่อน 40 ชิ้นและภาพนูนต่ำสีบรอนซ์ อย่างไรก็ตามหลังจากนั้นไม่นานสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ปฏิเสธคำสั่งของพระองค์และแผนการอันยิ่งใหญ่ของมิเกลันเจโลไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็นจริง แหล่งข่าวระบุว่าลูกค้าค่อนข้างหยาบคายกับนายซึ่งเป็นผลมาจากการที่เขาดูถูกแกนกลางตัดสินใจออกจากเมืองหลวงและกลับไปที่ฟลอเรนซ์อีกครั้ง

อย่างไรก็ตามทางการฟลอเรนซ์ได้ชักชวนประติมากรที่มีชื่อเสียงเพื่อสร้างสันติภาพกับพระสันตปาปา ในไม่ช้าเขาก็หันไปหา Michelangelo พร้อมข้อเสนอใหม่ - เพื่อตกแต่งเพดานของโบสถ์ Sistine ปรมาจารย์ซึ่งคิดว่าตัวเองเป็นช่างแกะสลักเป็นหลักยอมรับคำสั่งนั้นอย่างไม่เต็มใจ อย่างไรก็ตามเรื่องนี้เขาได้สร้างผืนผ้าใบที่ยังคงเป็นผลงานศิลปะชิ้นเอกของโลกที่ได้รับการยอมรับและได้ทิ้งความทรงจำของจิตรกรมาหลายชั่วอายุคน

ควรสังเกตว่า Michelangelo ทำงานบนเพดานซึ่งมีพื้นที่มากกว่า 600 ตารางเมตร ม. คนเดียวโดยไม่มีผู้ช่วย อย่างไรก็ตามสี่ปีต่อมาจิตรกรรมฝาผนังก็เสร็จสมบูรณ์

พื้นผิวทั้งหมดของเพดานสำหรับทาสีแบ่งออกเป็นหลายส่วน สถานที่กลางถูกครอบครองโดยฉากเก้าฉากที่แสดงถึงการสร้างโลกเช่นเดียวกับชีวิตของผู้คนกลุ่มแรก ที่มุมของแต่ละฉากนั้นมีร่างของเยาวชนที่เปลือยเปล่า ทางด้านซ้ายและขวาขององค์ประกอบนี้มีภาพเฟรสโกที่แสดงถึงศาสดาเจ็ดคนและผู้ปลอบประโลมอีกห้าคน เพดานห้องใต้ดินโค้งและการปอกตกแต่งด้วยฉากในพระคัมภีร์แยกจากกัน ควรสังเกตว่าตัวเลขของ Michelangelo มีขนาดที่แตกต่างกันที่นี่ เทคนิคพิเศษนี้ทำให้ผู้เขียนสามารถเน้นความสนใจของผู้ชมไปที่ตอนและภาพที่สำคัญที่สุด

จนถึงขณะนี้นักวิทยาศาสตร์ศิลปะรู้สึกงงงวยกับปัญหาของแนวคิดเชิงอุดมคติของจิตรกรรมฝาผนัง ความจริงก็คือว่าพล็อตทั้งหมดที่ประกอบขึ้นนั้นถูกเขียนขึ้นโดยละเมิดลำดับตรรกะของการพัฒนาพล็อตในพระคัมภีร์ ตัวอย่างเช่นภาพวาด "Noah's Intoxication" นำหน้าองค์ประกอบ "Separation of Light from Darkness" แม้ว่าจะเป็นไปในทางอื่นก็ตาม อย่างไรก็ตามวัตถุที่กระจัดกระจายเช่นนี้ไม่ได้สะท้อนให้เห็นถึงทักษะทางศิลปะของจิตรกร เห็นได้ชัดว่าศิลปินยังคงมีความสำคัญมากกว่าที่จะไม่เปิดเผยเนื้อหาของการบรรยาย แต่อีกครั้ง (เช่นเดียวกับรูปปั้น "เดวิด") เพื่อแสดงให้เห็นถึงความกลมกลืนของจิตวิญญาณมนุษย์ที่สวยงามสง่างามและร่างกายที่แข็งแกร่งและทรงพลังของเขา
สิ่งนี้ได้รับการยืนยันโดยภาพของชายชราที่มีรูปร่างคล้ายไทเทเนียม (ภาพเฟรสโก "The Creation of the Sun and Moon") ผู้สร้างผู้ทรงคุณวุฒิ

ในจิตรกรรมฝาผนังเกือบทั้งหมดที่บอกเล่าเกี่ยวกับการสร้างโลกมนุษย์ตัวมหึมาปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมซึ่งตามคำร้องขอของผู้สร้างชีวิตความมุ่งมั่นความแข็งแกร่งและจะตื่นขึ้น ความคิดเรื่องความเป็นอิสระเป็นด้ายต่อเนื่องในภาพวาด "The Fall" ที่อีฟยื่นมือหาผลไม้ต้องห้ามราวกับโยนความท้าทายต่อโชคชะตาเป็นการแสดงออกถึงความปรารถนาที่มุ่งมั่นในอิสรภาพ ภาพจิตรกรรมฝาผนังน้ำท่วมซึ่งเป็นตัวละครที่เชื่อในความต่อเนื่องของชีวิตและครอบครัวเต็มไปด้วยความไม่ยืดหยุ่นและความกระหายในชีวิตแบบเดียวกัน

ภาพของ Sibyls และผู้เผยพระวจนะแสดงโดยบุคคลที่แสดงถึงความรู้สึกเข้มแข็งและบุคลิกที่สดใสของตัวละคร โยเอลผู้ชาญฉลาดอยู่ตรงข้ามกับเอเสเคียลที่สิ้นหวัง ผู้ชมจะประหลาดใจกับภาพของอิสยาห์ที่มีจิตวิญญาณและภาพที่สวยงามซึ่งแสดงให้เห็นในช่วงเวลาแห่งการทำนายเดลฟิคซิบิลที่มีดวงตากลมโตชัดเจน

ข้างต้นความน่าสมเพชและอนุสาวรีย์ของภาพที่สร้างโดย Michelangelo ได้รับการบันทึกไว้แล้วมากกว่าหนึ่งครั้ง ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือแม้แต่สิ่งที่เรียกว่า ตัวเลขเสริมจะได้รับการเสริมแต่งด้วยคุณสมบัติหลักเช่นเดียวกับตัวละครหลัก ภาพของชายหนุ่มที่อยู่ในมุมของภาพวาดแต่ละภาพเป็นภาพรวมของความสุขในชีวิตที่บุคคลได้รับและจิตสำนึกของความเข้มแข็งทางจิตวิญญาณและร่างกายของเขาเอง

นักวิจารณ์ศิลปะถือว่าภาพวาดของ Sistine Chapel เป็นผลงานที่เสร็จสิ้นช่วงเวลาแห่งการสร้างสรรค์ของ Michelangelo ที่นี่อาจารย์ได้แบ่งเศษปูนได้สำเร็จแม้ว่าจะมีความหลากหลายของวัตถุ แต่ภาพจิตรกรรมฝาผนังโดยรวมก็สร้างความประทับใจในความสามัคคีและความสามัคคีของภาพที่ศิลปินสร้างขึ้น

ตลอดระยะเวลาของการทำงานบนจิตรกรรมฝาผนังของ Michelangelo วิธีการทางศิลปะของศิลปินค่อยๆเปลี่ยนไป ตัวละครในภายหลังจะถูกนำเสนอในขนาดที่ใหญ่ขึ้น - สิ่งนี้เพิ่มความน่าดึงดูดใจอย่างมาก นอกจากนี้ภาพขนาดใหญ่ดังกล่าวยังนำไปสู่ความจริงที่ว่าพลาสติกของตัวเลขมีความซับซ้อนมากขึ้น อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ไม่ได้ส่งผลกระทบต่อการแสดงออกของภาพ แต่อย่างใด บางทีความสามารถของช่างแกะสลักก็เป็นที่ประจักษ์ที่นี่มากกว่าที่อื่นซึ่งสามารถถ่ายทอดทุกแนวการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ได้อย่างละเอียด คนหนึ่งรู้สึกว่าภาพวาดไม่ได้วาดด้วยสี แต่เป็นภาพนูนตามปริมาตรที่แกะสลักอย่างเชี่ยวชาญ

ลักษณะของจิตรกรรมฝาผนังในส่วนต่างๆของเพดานมีความแตกต่างกัน หากส่วนกลางแสดงออกถึงอารมณ์ที่มองโลกในแง่ดีที่สุดในห้องใต้ดินโค้งจะมีภาพที่แสดงถึงความรู้สึกมืดมนทุกเฉด: ความสงบความเศร้าและความวิตกกังวลถูกแทนที่ด้วยความสับสนและความมึนงง

การตีความภาพของบรรพบุรุษของพระคริสต์ของ Michelangelo ก็น่าสนใจเช่นกัน บางคนแสดงความรู้สึกถึงเครือญาติ ในทางกลับกันคนอื่น ๆ เต็มไปด้วยความอาฆาตพยาบาทและความเกลียดชังซึ่งกันและกันซึ่งไม่ใช่เรื่องปกติของวีรบุรุษในพระคัมภีร์ที่ถูกเรียกให้นำแสงสว่างและความดีงามมาสู่โลก นักวิจารณ์ศิลปะมองว่าการเพิ่มเติมในภายหลังของโบสถ์เป็นการแสดงให้เห็นถึงวิธีการทางศิลปะแบบใหม่ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของช่วงเวลาใหม่ในเชิงคุณภาพในผลงานของจิตรกรเอกที่มีชื่อเสียง

ในยุค 20 ในศตวรรษที่ 16 ผลงานของ Michelangelo ปรากฏขึ้นซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อตกแต่งหลุมฝังศพของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 คำสั่งสำหรับการก่อสร้างหลังได้รับจากประติมากรที่มีชื่อเสียงจากทายาทของพระสันตะปาปา ในเวอร์ชันนี้หลุมฝังศพควรมีขนาดเล็กกว่าเล็กน้อยโดยมีจำนวนรูปปั้นขั้นต่ำ ในไม่ช้านายท่านก็ทำงานเกี่ยวกับการประหารชีวิตรูปแกะสลักสามชิ้น: รูปปั้นทาสสองคนและโมเสส

Michelangelo ทำงานเกี่ยวกับภาพของเชลยตั้งแต่ปี 1513 ธีมหลักของงานนี้คือชายที่ต่อสู้กับกองกำลังที่เป็นศัตรูกับเขา ที่นี่ร่างอันยิ่งใหญ่ของวีรบุรุษผู้ได้รับชัยชนะจะถูกแทนที่ด้วยตัวละครที่พินาศในการต่อสู้กับความชั่วร้ายที่ไม่เท่าเทียมกัน ยิ่งไปกว่านั้นภาพเหล่านี้กลายเป็นภาพที่ด้อยกว่าไม่ใช่เพื่อเป้าหมายและภารกิจเดียวของศิลปิน แต่แสดงถึงการผสมผสานระหว่างอารมณ์และความรู้สึก

ความเก่งกาจของภาพแสดงออกด้วยความช่วยเหลือของวิธีการทางศิลปะและภาพที่ใช้โดยผู้เชี่ยวชาญ หากจนถึงเวลานั้น Michelangelo พยายามแสดงรูปหรือกลุ่มประติมากรรมจากด้านหนึ่งตอนนี้ภาพที่ศิลปินสร้างขึ้นจะกลายเป็นพลาสติกเปลี่ยนไป ขึ้นอยู่กับว่าผู้ชมมาจากด้านใดของรูปปั้นมันได้มาจากโครงร่างบางอย่างและปัญหานี้หรือปัญหานั้นจะรุนแรงมากขึ้น

The Bound Prisoner อาจใช้เป็นภาพประกอบข้างต้น ดังนั้นหากผู้ชมเดินไปรอบ ๆ ประติมากรรมตามทิศทางตามเข็มนาฬิกาเขาจะเห็นสิ่งต่อไปนี้ได้อย่างง่ายดายประการแรกร่างของนักโทษที่ถูกมัดโดยโยนศีรษะไปข้างหลังและร่างที่ไร้หนทางแสดงออกถึงความทุกข์ทรมานอย่างไร้มนุษยธรรมจากจิตสำนึกของการไร้อำนาจของเขาเอง ความอ่อนแอของจิตวิญญาณและร่างกายมนุษย์ อย่างไรก็ตามเมื่อคุณเดินไปรอบ ๆ รูปปั้นมากขึ้นภาพจะเปลี่ยนไปอย่างมาก ความอ่อนแอในอดีตของนักโทษหายไปกล้ามเนื้อของเขาเต็มไปด้วยความแข็งแกร่งหัวของเขาลุกขึ้นอย่างภาคภูมิใจ และตอนนี้ก่อนที่ผู้ชมจะไม่ได้เป็นผู้พลีชีพที่เหนื่อยล้าอีกต่อไป แต่เป็นร่างทรงพลังของฮีโร่ไททันผู้ซึ่งพบว่าตัวเองถูกมัดด้วยอุบัติเหตุโดยบังเอิญ ดูเหมือนว่าอีกสักครู่ - และพันธะจะขาด อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ไม่เกิดขึ้น เมื่อมองไปไกลขึ้นผู้ชมจะเห็นว่าร่างกายมนุษย์อ่อนแอลงอีกครั้งได้อย่างไรศีรษะของเขาก็ก้มลง และที่นี่อีกครั้งต่อหน้าพวกเราเป็นนักโทษที่น่าสงสารลาออกจากชะตากรรมของเขา

ความแปรปรวนแบบเดียวกันนี้สามารถเห็นได้ในรูปปั้น Dying Prisoner ในขณะที่ผู้ชมดำเนินไปผู้ชมจะเห็นว่าร่างกายที่เต้นด้วยความเจ็บปวดค่อยๆสงบลงและแข็งทื่อทำให้เกิดความคิดเรื่องความเงียบและความสงบชั่วนิรันดร์

รูปแกะสลักของนักโทษมีการแสดงออกที่ผิดปกติซึ่งสร้างขึ้นเนื่องจากการถ่ายโอนความเหมือนจริงของการเคลื่อนไหวของตัวเลข พวกเขามีชีวิตขึ้นมาต่อหน้าผู้ชมอย่างแท้จริง ความแข็งแกร่งของการประหารรูปปั้นเชลยสามารถเปรียบเทียบได้กับรูปสลักของปรมาจารย์ยุคแรกสุดเท่านั้น - "การต่อสู้ของเซนทอร์"

รูปปั้นของ "โมเสส" ซึ่งตรงกันข้ามกับ "เชลย" มีลักษณะที่ค่อนข้างยับยั้งชั่งใจมากกว่า แต่ก็ไม่ได้แสดงออกน้อยไปกว่ากัน ที่นี่ Michelangelo หันมาสร้างภาพลักษณ์ของฮีโร่มนุษย์ไททานิกอีกครั้ง ร่างของโมเสสเป็นรูปลักษณ์ของผู้นำผู้นำบุคคลที่มีเจตจำนงที่แข็งแกร่งผิดปกติ สาระสำคัญของมันถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดเมื่อเทียบกับเดวิด หากคำหลังเป็นสัญลักษณ์ของความเชื่อมั่นในความแข็งแกร่งและการอยู่ยงคงกระพันโมเสสในที่นี้คือตัวตนของแนวคิดที่ว่าชัยชนะต้องใช้ความพยายามอย่างมาก ความตึงเครียดทางจิตวิญญาณของฮีโร่คนนี้ไม่เพียงถ่ายทอดผ่านการแสดงออกที่น่าเกรงขามบนใบหน้าของเขาเท่านั้น แต่ยังได้รับความช่วยเหลือจากความเป็นพลาสติกของร่างด้วย: การหักเหของเส้นพับของเสื้อผ้าอย่างรวดเร็ว, เคราของโมเสสที่หงายขึ้น

ตั้งแต่ปี 1519 Michelangelo ได้ดำเนินการสร้างรูปปั้นเชลยอีกสี่รูป อย่างไรก็ตามพวกเขายังคงสร้างไม่เสร็จ ต่อจากนั้นพวกเขาตกแต่งถ้ำใน Boboli Gardens ซึ่งตั้งอยู่ในฟลอเรนซ์ ปัจจุบันรูปปั้นถูกเก็บรักษาไว้ที่ Florentine Academy ในผลงานเหล่านี้ธีมใหม่สำหรับ Michelangelo จะปรากฏขึ้น: ความเชื่อมโยงระหว่างรูปแกะสลักและบล็อกหินที่นำมาเป็นวัสดุต้นทาง ประติมากรได้นำเสนอแนวคิดเกี่ยวกับจุดประสงค์หลักของศิลปินนั่นคือเพื่อปลดปล่อยภาพจากโซ่ตรวนหิน เนื่องจากรูปแกะสลักกลายเป็นหินที่ยังไม่เสร็จและชิ้นส่วนหินที่ยังไม่ได้ทำจึงสามารถมองเห็นได้ชัดเจนที่ส่วนล่างของมันผู้ชมจึงสามารถเห็นกระบวนการทั้งหมดในการสร้างภาพ มีการแสดงความขัดแย้งทางศิลปะใหม่ที่นี่: บุคคลและโลกรอบตัวเขา ยิ่งไปกว่านั้นความขัดแย้งนี้ไม่ได้รับการแก้ไขในความโปรดปรานของบุคคล ความรู้สึกและความสนใจทั้งหมดของเขาถูกระงับโดยสิ่งแวดล้อม

ภาพวาดของ Medici Chapel ในฟลอเรนซ์เป็นผลงานที่บ่งบอกถึงความสำเร็จของเวที High Renaissance และในเวลาเดียวกันก็เป็นเวทีใหม่ในงานของ Michelangelo งานนี้ดำเนินการเป็นเวลา 15 ปีตั้งแต่ปี 1520 ถึงปี 1534 ในบางครั้งศิลปินถูกบังคับให้พักงานเนื่องจากเหตุการณ์ทางการเมืองที่เกิดขึ้นในอิตาลีในเวลานั้น ในปี 1527 เพื่อตอบสนองต่อความพ่ายแพ้ของกรุงโรมฟลอเรนซ์ได้ประกาศตัวเป็นสาธารณรัฐ

มีเกลันเจโลในฐานะผู้สนับสนุนโครงสร้างของรัฐสาธารณรัฐได้รับเลือกให้ดำรงตำแหน่งหัวหน้างานด้านป้อมปราการและมีส่วนช่วยอย่างมากในการป้องกันเมือง เมื่อฟลอเรนซ์ล้มลงและเมดิชิกลับมามีอำนาจอีกครั้งภัยคุกคามร้ายแรงถึงตายได้แขวนคอศิลปินชื่อดังและตอนนี้ยังเป็นนักการเมืองอีกด้วย ความรอดมาอย่างสมบูรณ์โดยไม่คาดคิด สมเด็จพระสันตะปาปาเคลเมนต์ที่ 7 เมดิชิทรงเป็นชายที่หยิ่งทะนงและแสดงความปรารถนาที่จะทิ้งความทรงจำของตัวเองและญาติพี่น้องไว้ให้ลูกหลาน มีใครอีกบ้างนอกจาก Michelangelo ที่มีชื่อเสียงด้านศิลปะการวาดภาพที่ยอดเยี่ยมและการแสดงรูปปั้นที่ยอดเยี่ยมสามารถทำได้?

ดังนั้นงานก่อสร้าง Medici Chapel จึงกลับมาทำงานต่อ หลังนี้เป็นโครงสร้างขนาดเล็กที่มีกำแพงสูงยอดโดมที่ด้านบน โบสถ์ประกอบด้วยสุสานสองแห่ง ได้แก่ Dukes Giuliano of Nemours และ Lorenzo of Urbino ตั้งอยู่ริมกำแพง ที่ผนังด้านที่สามตรงข้ามแท่นบูชามีรูปปั้นพระแม่มารีย์ตั้งอยู่ ทางด้านซ้ายและทางขวาของเธอมีรูปแกะสลักที่แสดงถึงภาพของนักบุญคอสมาสและเดเมียน เป็นที่ยอมรับว่าสร้างขึ้นโดยสาวกของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ นักวิจัยแนะนำว่าสำหรับสุสาน Medici นั้นมีการสร้างรูปปั้น "Apollo" (อีกชื่อหนึ่ง - "David") และ "Crouching Boy" ด้วย

นอกจากรูปแกะสลักของดุ๊กซึ่งไม่มีความคล้ายคลึงภายนอกกับต้นแบบของพวกมันแล้วยังมีการจัดวางตัวเลขเชิงเปรียบเทียบ: "เช้า" "วัน" "ตอนเย็น" และ "กลางคืน" สิ่งเหล่านี้ถูกนำเสนอเป็นสัญลักษณ์ของความไม่ย่อท้อของเวลาทางโลกและชีวิตมนุษย์ รูปปั้นที่ตั้งอยู่ในซอกหลืบทำให้เกิดความรู้สึกหดหู่การมาถึงของบางสิ่งที่น่ากลัวและน่าเกรงขาม ตัวเลขเชิงปริมาตรของดุ๊กที่ถูกทุบด้วยกำแพงหินจากทุกด้านแสดงให้เห็นถึงการแตกหักทางจิตวิญญาณและความว่างเปล่าภายในของภาพ

ความกลมกลืนที่สุดในวงดนตรีนี้คือภาพของพระแม่มารีย์ การแสดงออกที่ผิดปกติและเต็มไปด้วยบทกวีมันไม่ชัดเจนและไม่เป็นภาระกับสายมืด

Medici Chapel มีความสนใจเป็นพิเศษในแง่ของความเป็นเอกภาพทางศิลปะของรูปแบบสถาปัตยกรรมและประติมากรรม เส้นสายของอาคารและรูปปั้นเป็นแนวคิดเดียวกับศิลปิน โบสถ์เป็นตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดของการสังเคราะห์และความกลมกลืนของปฏิสัมพันธ์ระหว่างสองศิลปะ - ประติมากรรมและสถาปัตยกรรมโดยที่ส่วนหนึ่งเสริมกันอย่างกลมกลืนและพัฒนาความหมายขององค์ประกอบอื่น ๆ

ตั้งแต่ปี 1534 Michelangelo ออกจากฟลอเรนซ์และตั้งรกรากในโรมซึ่งเขายังคงอยู่จนถึงวาระสุดท้ายของชีวิต ยุคโรมันแห่งความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ผ่านไปในเงื่อนไขของการต่อต้านการปฏิรูปการต่อสู้กับแนวความคิดที่ยกย่องโดยนักเขียนจิตรกรและประติมากรในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะของ Mannerists กำลังเข้ามาแทนที่ความคิดสร้างสรรค์ในยุคหลัง

ในกรุงโรมมีเกลันเจโลใกล้ชิดกับผู้คนที่ก่อตั้งวงศาสนาและปรัชญาที่นำโดยกวีชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงในยุคนั้นวิตตอเรียโคลอนนา อย่างไรก็ตามในวัยเด็กความคิดและความคิดของมิเกลันเจโลยังห่างไกลจากความคิดที่วนเวียนอยู่ในหัวของวงกลม ในความเป็นจริงนายท่านอาศัยและทำงานในกรุงโรมท่ามกลางความเข้าใจผิดและความโดดเดี่ยวทางวิญญาณ

ในเวลานี้ (1535-1541) จิตรกรรมฝาผนังคำพิพากษาครั้งสุดท้ายปรากฏขึ้นซึ่งประดับผนังแท่นบูชาของโบสถ์ซิสทีน

เรื่องราวในพระคัมภีร์ได้รับการตีความใหม่โดยผู้เขียน ภาพของการพิพากษาครั้งสุดท้ายถูกมองโดยผู้ชมไม่ได้เป็นการเริ่มต้นในเชิงบวกชัยชนะของความยุติธรรมสูงสุด แต่เป็นโศกนาฏกรรมของมนุษย์ทั่วไปเกี่ยวกับการตายของทั้งเผ่าพันธุ์เช่นคติ ผู้คนจำนวนมหาศาลช่วยเสริมการแสดงขององค์ประกอบ

ลักษณะที่เกิดขึ้นเองของภาพสอดคล้องกับงานของศิลปิน - เพื่อแสดงให้เห็นบุคคลที่หลงทางในหมู่มวลทั่วไป ด้วยวิธีแก้ปัญหาภาพศิลปะนี้ผู้ชมจึงรู้สึกโดดเดี่ยวในโลกนี้และไร้พลังต่อหน้ากองกำลังที่เป็นศัตรูซึ่งไม่มีจุดหมายในการต่อสู้ บันทึกที่น่าเศร้าได้รับเสียงที่เจาะลึกมากขึ้นเช่นกันเนื่องจากอาจารย์ไม่มีภาพรวมของกลุ่มคนที่เป็นเสาหิน (ตามที่จะนำเสนอบนผืนผ้าใบของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย) แต่ละคนใช้ชีวิตของตัวเอง อย่างไรก็ตามข้อดีที่ไม่ต้องสงสัยของจิตรกรสามารถพิจารณาได้ว่าเขาแสดงให้เห็นถึงมวลมนุษย์ที่ไม่ต่อเนื่องกัน แต่ไม่มีตัวตนอีกต่อไป

ใน The Last Judgement มิเกลันเจโลนำเสนอเทคนิคสีที่แสดงออกอย่างผิดปกติ ความแตกต่างของร่างกายที่เปลือยเปล่าของแสงและท้องฟ้าสีดำ - น้ำเงินช่วยเพิ่มความประทับใจของความตึงเครียดและความหดหู่ที่น่าเศร้าในองค์ประกอบภาพ

มิเกลันเจโล. การพิพากษาครั้งสุดท้าย ภาพเฟรสโกของโบสถ์ซิสทีนในวาติกัน ส่วนย่อย พ.ศ. 1535-1541

ระหว่างปีค. ศ. 1542 ถึงปีค. ศ. 1550 มีเกลันเจโลได้วาดภาพผนังของวิหารเปาลีนาในวาติกัน พู่กันของจิตรกรเอกผู้ยิ่งใหญ่เป็นของจิตรกรรมฝาผนังสองชิ้นซึ่งต่อมาเรียกว่า "การเปลี่ยนใจเลื่อมใสของเปาโล" และอีกอัน - "การตรึงกางเขนของปีเตอร์" ในช่วงหลังในตัวละครที่เฝ้าดูการประหารชีวิตของปีเตอร์แนวคิดเรื่องการยินยอมโดยปริยายการเฉยเมยและความอ่อนน้อมถ่อมตนของบุคคลต่อชะตากรรมของเขาถูกนำเสนออย่างเต็มที่ ผู้คนไม่มีความเข้มแข็งทางร่างกายและจิตใจที่จะต่อต้านความรุนแรงและความชั่วร้าย

ในตอนท้ายของยุค 1530 รูปปั้นอื่นของ Michelangelo ปรากฏขึ้น - รูปปั้นครึ่งตัวของ Brutus งานนี้เป็นคำตอบจากปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงต่อการลอบสังหาร Duke Alessandro Medici ผู้กดขี่ข่มเหงโดยลอเรนโซญาติของเขา โดยไม่คำนึงถึงแรงจูงใจที่แท้จริงการกระทำในช่วงหลังได้รับการต้อนรับด้วยความสุขจากศิลปิน - ผู้สนับสนุนพรรครีพับลิกัน ภาพลักษณ์ของ Brutus เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของพลเมืองซึ่งแสดงโดยเจ้านายในฐานะผู้สูงศักดิ์ภาคภูมิใจเป็นอิสระเป็นคนที่มีจิตใจดีและมีจิตใจที่อบอุ่น ที่นี่มีเกลันเจโลเหมือนเดิมกลับสู่ภาพลักษณ์ของบุคคลในอุดมคติที่มีคุณสมบัติทางจิตวิญญาณและสติปัญญาสูง

ปีสุดท้ายของการทำงานของ Michelangelo ผ่านไปในบรรยากาศของการสูญเสียเพื่อนและญาติและปฏิกิริยาของสาธารณชนที่เลวร้ายยิ่งขึ้น นวัตกรรมของนักต่อต้านการปฏิรูปไม่สามารถแตะต้องผลงานของปรมาจารย์ซึ่งมีการแสดงออกถึงความคิดที่ก้าวหน้าที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: มนุษยนิยมความรักในเสรีภาพการกบฏต่อโชคชะตา พอจะกล่าวได้ว่าจากการตัดสินใจของหนึ่งในผู้ชื่นชอบการต่อต้านรูปแบบที่ดุเดือด Paul IV Karaffa ได้มีการเปลี่ยนแปลงองค์ประกอบของการพิพากษาครั้งสุดท้ายโดยจิตรกรชื่อดัง สมเด็จพระสันตะปาปาพบร่างเปลือยของผู้คนในภาพอนาจารบนปูนเปียก ตามคำสั่งของเขา Daniele da Volterra นักเรียนของ Michelangelo ได้ซ่อนภาพของ Michelangelo ที่เปลือยเปล่าด้วยผ้าคลุม

ผลงานชิ้นสุดท้ายของมิเกลันเจโลซึ่งเป็นชุดภาพวาดและงานประติมากรรมซึมซับไปด้วยอารมณ์ที่เศร้าหมองและเจ็บปวดของความเหงาและการล่มสลายของความหวังทั้งหมด ผลงานเหล่านี้สะท้อนให้เห็นถึงความขัดแย้งภายในของปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับอย่างชัดเจนที่สุด

ดังนั้นพระเยซูคริสต์ใน Pieta จาก Palestrina จึงถูกนำเสนอในฐานะวีรบุรุษซึ่งถูกทำลายภายใต้การโจมตีของกองกำลังภายนอก ภาพเดียวกันใน "Pieta" ("Entombment") จากวิหาร Florentine นั้นดูเป็นเรื่องธรรมดาและเป็นมนุษย์มากขึ้น นี่ไม่ใช่ฮีโร่ไททันอีกต่อไป กลายเป็นสิ่งสำคัญสำหรับศิลปินที่นี่ในการแสดงความเข้มแข็งทางจิตวิญญาณอารมณ์และประสบการณ์ของตัวละคร

รูปทรงที่หักของพระกายของพระคริสต์ภาพของแม่ที่กำลังก้มอยู่เหนือศพของลูกชายของเธอ Nicodemus ลดร่างกายลง
พระเยซูในหลุมฝังศพ - ทุกสิ่งอยู่ภายใต้ภารกิจเดียวคือการพรรณนาถึงประสบการณ์อันลึกซึ้งของมนุษย์ ยังเป็นจริง
ข้อดีของผลงานเหล่านี้คือการเอาชนะความแตกแยกของภาพ ผู้คนในภาพวาดนั้นรวมตัวกันด้วยความรู้สึกสงสารและความขมขื่นของการสูญเสีย เทคนิคของ Michelangelo นี้ได้รับการพัฒนาในขั้นต่อไปของการก่อตัวของศิลปะอิตาลีในผลงานของศิลปินและประติมากรของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

จุดสุดยอดของขั้นตอนสุดท้ายของความคิดสร้างสรรค์ของ Michelangelo ถือได้ว่าเป็นประติมากรรมซึ่งต่อมาเรียกว่า "Pieta Rondanini" ภาพที่แสดงในที่นี้นำเสนอเป็นศูนย์รวมของความอ่อนโยนจิตวิญญาณความเศร้าโศกและความเศร้า ที่นี่ธีมของความเหงาของมนุษย์ในโลกที่มีคนจำนวนมากฟังดูรุนแรงกว่าที่เคย

แรงจูงใจแบบเดียวกันนี้สามารถได้ยินได้ในผลงานกราฟิกยุคหลังของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งถือว่าการวาดภาพเป็นหลักการพื้นฐานของประติมากรรมจิตรกรรมและสถาปัตยกรรม

ภาพของผลงานกราฟิกของ Michelangelo ไม่ต่างจากวีรบุรุษในผลงานชิ้นเอกที่ยิ่งใหญ่ของเขา: มีการแสดงวีรบุรุษไททานิกผู้ยิ่งใหญ่คนเดียวกันที่นี่ ในช่วงสุดท้ายของการทำงาน Michelangelo หันมาใช้การวาดภาพเป็นแนวศิลปะและภาพที่เป็นอิสระ ดังนั้นในช่วง 30-40 ปี ศตวรรษที่ 16 ได้เห็นการปรากฏตัวของการประพันธ์ที่ชัดเจนและแสดงออกถึงความเป็นปรมาจารย์เช่น "The Fall of Phaeton" และ "The Resurrection of Christ"

วิวัฒนาการของวิธีการทางศิลปะของศิลปินสามารถตรวจสอบตัวอย่างของงานกราฟิกได้อย่างง่ายดาย หากภาพวาดแรกที่ทำด้วยปากกามีภาพของตัวเลขที่ค่อนข้างเฉพาะเจาะจงโดยมีโครงร่างที่ค่อนข้างคมชัดภาพในภายหลังจะคลุมเครือและนุ่มนวลมากขึ้น ความสว่างนี้ถูกสร้างขึ้นเนื่องจากความจริงที่ว่าศิลปินใช้ดินสออย่างร่าเริงหรือแบบอิตาลีด้วยความช่วยเหลือในการสร้างเส้นที่บางและละเอียดอ่อนมากขึ้น

อย่างไรก็ตามผลงานของ Michelangelo ในภายหลังไม่ได้ถูกทำเครื่องหมายด้วยภาพที่น่าเศร้าอย่างสิ้นหวังเท่านั้น โครงสร้างทางสถาปัตยกรรมของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ย้อนหลังไปถึงเวลานี้ยังคงเป็นประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มหาวิหารเซนต์ปีเตอร์และกลุ่มสถาปัตยกรรมของศาลากลางในกรุงโรมเป็นศูนย์รวมของแนวคิดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของมนุษยนิยมขั้นสูง

Michelangelo Buonarroti เสียชีวิตในกรุงโรมเมื่อวันที่ 18 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1564 ร่างของเขาถูกนำออกจากเมืองหลวงและถูกส่งไปยังฟลอเรนซ์ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ถูกฝังอยู่ในโบสถ์ซานตาโครเช

ผลงานของปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมและประติมากรรมมีบทบาทสำคัญในการสร้างและพัฒนาวิธีการทางศิลปะของลูกศิษย์ของ Michelangelo หลายคน ในหมู่พวกเขามีราฟาเอลผู้มีมารยาทซึ่งมักจะคัดลอกลายเส้นของภาพที่สร้างโดยจิตรกรชื่อดัง งานศิลปะของ Michelangelo มีความสำคัญไม่น้อยสำหรับศิลปินในยุคบาโรก อย่างไรก็ตามมันเป็นเรื่องผิดที่จะกล่าวว่าภาพของบาร็อค (บุคคลที่ถูกชักนำไปข้างหน้าไม่ใช่ด้วยแรงกระตุ้นจากภายใน แต่เป็นจากพลังภายนอก) นั้นคล้ายคลึงกับวีรบุรุษของมิเกลันเจโลที่เชิดชูมนุษยนิยมเจตจำนงและความเข้มแข็งภายในของมนุษย์

ราฟาเอลสันติ

Raphael Santi เกิดในเมืองเล็ก ๆ ของ Urbino ในปี 1483 ไม่สามารถระบุวันเกิดที่แน่นอนของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ได้ ตามรายงานบางฉบับเขาเกิดเมื่อวันที่ 26 หรือ 28 มีนาคม นักวิชาการคนอื่นอ้างว่าวันเกิดของราฟาเอลคือวันที่ 6 เมษายน ค.ศ. 1483

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 เออร์บิโนกลายเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งในประเทศ นักเขียนชีวประวัติแนะนำให้ราฟาเอลศึกษากับจิโอวานนีสันติพ่อของเขา ตั้งแต่ปี 1495 ชายหนุ่มได้ทำงานในเวิร์กช็อปศิลปะของ Timoteo della Vite ปรมาจารย์ชาวเออร์บิโน

ผลงานชิ้นแรกสุดของราฟาเอลถือเป็นเพชรประดับ "ความฝันของอัศวิน" และ "สามพระหรรษทาน" ในผลงานเหล่านี้อุดมคติเกี่ยวกับมนุษยนิยมที่สั่งสอนโดยปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้สะท้อนออกมาอย่างเต็มที่

ใน "ความฝันของอัศวิน" มีการคิดใหม่เกี่ยวกับธีมในตำนานของเฮอร์คิวลิสที่ต้องเผชิญกับทางเลือก: ความกล้าหาญหรือความสุข? .. ราฟาเอลวาดภาพเฮอร์คิวลิสเป็นอัศวินหนุ่มที่หลับใหล ก่อนหน้าเขามีหญิงสาวสองคนคนหนึ่งถือหนังสือและดาบอยู่ในมือ (สัญลักษณ์แห่งความรู้ความกล้าหาญและความสามารถในการใช้แขน) อีกคนมีกิ่งก้านที่เบ่งบานแสดงถึงความสุขและความยินดี องค์ประกอบทั้งหมดถูกวางไว้กับฉากหลังของภูมิทัศน์ที่สวยงาม

ใน "Three Graces" มีการนำเสนอภาพโบราณอีกครั้งโดยถ่ายจากจี้กรีกโบราณ (ภาพบนหินมีค่าหรือกึ่งมีค่า)

แม้ว่าในผลงานยุคแรก ๆ ของศิลปินหนุ่มจะมีการยืมมากมาย แต่ความเป็นตัวของตัวเองในเชิงสร้างสรรค์ของผู้เขียนก็แสดงออกมาอย่างชัดเจนแล้ว มันแสดงออกในการแต่งเพลงของภาพการจัดระเบียบจังหวะพิเศษของงานความนุ่มนวลของเส้นที่เป็นรูปเป็นร่าง ความกลมกลืนเป็นพิเศษของภาพที่วาดไว้เช่นเดียวกับความคมชัดขององค์ประกอบและความชัดเจนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานยุคแรกของ Raphael พูดถึงศิลปินในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการสูง

ในปี 1500 ราฟาเอลออกจากบ้านเกิดและไปที่เปรูเกียซึ่งเป็นเมืองหลักของแคว้นอุมเบรีย ที่นี่เขาเรียนวาดภาพในสตูดิโอของ Pietro Perugino ซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะและทัศนศิลป์ Umbrian ผู้ร่วมสมัยของราฟาเอลเป็นพยาน: นักเรียนที่มีความสามารถนำรูปแบบการเขียนของครูมาใช้อย่างลึกซึ้งจนไม่สามารถแยกแยะภาพวาดของพวกเขาได้ บ่อยครั้งที่ Raphael และ Perugino ดำเนินการตามคำสั่งโดยทำงานร่วมกันในภาพ

อย่างไรก็ตามมันจะผิดที่จะบอกว่าความสามารถดั้งเดิมของศิลปินหนุ่มไม่ได้พัฒนาขึ้นเลยในช่วงเวลานี้ สิ่งนี้ได้รับการยืนยันโดย "Conestabile Madonna" ที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างขึ้นในราวปีค. ศ. 1504

ภาพของพระแม่มารีย์ปรากฏเป็นครั้งแรกในผืนผ้าใบนี้ซึ่งต่อมาจะเป็นหนึ่งในสถานที่ชั้นนำในผลงานของศิลปิน มาดอนน่าถูกวาดภาพบนพื้นหลังของภูมิทัศน์ที่สวยงามด้วยต้นไม้เนินเขาและทะเลสาบ ภาพเหล่านี้รวมเข้าด้วยกันเนื่องจากการจ้องมองของพระแม่มารีและทารกถูกนำไปที่หนังสือซึ่งแม่ยังสาวกำลังอ่านอยู่ ความสมบูรณ์ขององค์ประกอบไม่เพียงถ่ายทอดด้วยตัวเลขของตัวละครหลัก แต่ยังรวมถึงรูปแบบของภาพด้วย - tondo (กลม) ซึ่งไม่ได้ จำกัด เสรีภาพของภาพเลย มีขนาดใหญ่และน้ำหนักเบา ความประทับใจของความเป็นธรรมชาติและความสมจริงเกิดขึ้นจากการใช้สีเย็นอ่อน ๆ และการผสมผสานพิเศษในองค์ประกอบ ได้แก่ แหลมสีน้ำเงินเข้มของพระแม่มารีท้องฟ้าสีฟ้าใสต้นไม้สีเขียวและน้ำในทะเลสาบภูเขาที่ปกคลุมด้วยหิมะและมียอดสีขาว ทั้งหมดนี้เมื่อมองภาพทำให้เกิดความรู้สึกบริสุทธิ์และอ่อนโยน

ผลงานอีกชิ้นที่มีชื่อเสียงไม่แพ้กันของราฟาเอลซึ่งเกี่ยวข้องกับช่วงแรก ๆ ของผลงานของเขาคือผืนผ้าใบที่สร้างขึ้นในปี 1504 ชื่อว่า "The Betrothal of Mary" ปัจจุบันภาพวาดถูกเก็บไว้ใน Brera Gallery ในมิลาน การสร้างองค์ประกอบเป็นสิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษที่นี่ จิตรกรได้ถ่ายทอดการกระทำทางศาสนาและพิธีกรรมของคู่หมั้นจากผนังโบสถ์ซึ่งมองเห็นได้ในระยะไกลไปยังถนน ศีลศักดิ์สิทธิ์ดำเนินการภายใต้ท้องฟ้าสีฟ้าใส ตรงกลางภาพคือปุโรหิตทางซ้ายและทางขวาของเขาคือมารีย์และโจเซฟถัดจากนั้นเป็นเด็กสาวและเด็กผู้ชายในกลุ่มเล็ก ๆ ในมุมมองขององค์ประกอบคริสตจักรเป็นฉากหลังที่คู่หมั้นเกิดขึ้น เธอเป็นสัญลักษณ์ของนิสัยและความโปรดปรานของพระเจ้าสำหรับมารีย์และโจเซฟ กรอบรูปครึ่งวงกลมของผืนผ้าใบที่ส่วนบนโดยทำซ้ำแนวของโดมของโบสถ์ทำให้ภาพมีความสมบูรณ์ตามเหตุผล

ตัวเลขในภาพมีโคลงสั้น ๆ ผิดปกติและในเวลาเดียวกันก็เป็นธรรมชาติ ที่นี่การเคลื่อนไหวความเป็นพลาสติกของร่างกายมนุษย์ได้รับการถ่ายทอดอย่างแม่นยำและละเอียดอ่อน ตัวอย่างที่โดดเด่นของเรื่องนี้คือร่างของเด็กผู้ชายที่อยู่เบื้องหน้าขององค์ประกอบที่หักกระบองบนเข่าของเขา มาเรียและโจเซฟดูสง่างามแทบไม่มีตัวตนสำหรับผู้ชม ใบหน้าที่เต็มไปด้วยความรักและความอ่อนโยนของพวกเขา แม้จะมีความสมมาตรของการจัดเรียงตัวเลข แต่ผืนผ้าใบก็ไม่สูญเสียเสียงโคลงสั้น ๆ ภาพที่ราฟาเอลสร้างขึ้นไม่ใช่โครงร่าง แต่เป็นผู้คนที่มีชีวิตอยู่ในความรู้สึกที่หลากหลาย

ในงานนี้เป็นครั้งแรกที่ชัดเจนที่สุดเมื่อเทียบกับผลงานก่อนหน้านี้ความสามารถของเจ้านายหนุ่มในความสามารถในการจัดระเบียบจังหวะของการเรียบเรียงอย่างละเอียด ด้วยคุณสมบัตินี้ภาพของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมจึงรวมอยู่ในภาพรวมได้อย่างกลมกลืนซึ่งไม่เพียง แต่เป็นองค์ประกอบของภูมิทัศน์ของราฟาเอลเท่านั้น แต่ยังมีความคล้ายคลึงกับตัวละครหลักอีกด้วยเผยให้เห็นสาระสำคัญและตัวละคร

ความปรารถนาที่จะสร้างจังหวะพิเศษในงานถูกกำหนดโดยการใช้สีของโทนสีบางอย่างของศิลปิน ดังนั้นองค์ประกอบ "The Betrothal of Mary" จึงถูกสร้างขึ้นจากสี่สีเท่านั้น

โทนสีเหลืองทองเขียวและแดงรวมกันในเสื้อผ้าของฮีโร่ภูมิทัศน์สถาปัตยกรรมและการกำหนดจังหวะที่จำเป็นสำหรับองค์ประกอบโดยรวมสร้างความกลมกลืนกับเฉดสีฟ้าอ่อนของท้องฟ้า

ในไม่ช้าเวิร์กช็อปศิลปะของ Perugino ก็เล็กเกินไปสำหรับการเติบโตของความสามารถของจิตรกร ในปีค. ศ. 1504 ราฟาเอลตัดสินใจย้ายไปที่เมืองฟลอเรนซ์ซึ่งมีการพัฒนาความคิดและสุนทรียภาพของศิลปะเรอเนสซองส์ชั้นสูง ที่นี่ Raphael ได้ทำความคุ้นเคยกับผลงานของ Michelangelo และ Leonardo da Vinci กล่าวได้อย่างปลอดภัยว่าพวกเขาเป็นครูของจิตรกรหนุ่มในขั้นตอนนี้ของการสร้างวิธีการสร้างสรรค์ของเขา ในผลงานของอาจารย์เหล่านี้ศิลปินหนุ่มได้ค้นพบบางสิ่งที่ไม่ได้อยู่ในโรงเรียนอัมเบรียน: รูปแบบดั้งเดิมในการสร้างภาพ, การปั้นหุ่นที่แสดงออกของตัวเลขที่ปรากฎ, การแสดงถึงความเป็นจริงที่กว้างขวางยิ่งขึ้น

โซลูชันทางศิลปะและภาพแบบใหม่ได้สะท้อนให้เห็นแล้วในผลงานที่สร้างโดยราฟาเอลในปี 1505 ภาพของผู้ใจบุญที่มีชื่อเสียงในขณะนั้นจากฟลอเรนซ์แองเจโลโดนีและภรรยาของเขาถูกเก็บไว้ในหอศิลป์ Pitti ภาพเหล่านี้ปราศจากความน่าสมเพชและโอ้อวดใด ๆ คนเหล่านี้เป็นคนธรรมดา แต่มีคุณสมบัติที่ดีที่สุดของมนุษย์ซึ่ง ได้แก่ ความแน่วแน่และเจตจำนงอันเข้มแข็ง

ที่นี่ในฟลอเรนซ์ราฟาเอลเขียนภาพวาดที่อุทิศให้กับพระแม่มารีย์ ภาพวาดของเขา "Madonna in the Green", "Madonna with a Goldfinch", "Madonna the Gardener" ปรากฏขึ้น องค์ประกอบเหล่านี้เป็นรูปแบบของชิ้นเดียว ภาพวาดทั้งหมดแสดงถึงพระแม่มารีและพระกุมารกับยอห์นผู้ให้บัพติศมาตัวน้อย ตัวเลขเหล่านี้ถูกวางไว้บนฉากหลังของภูมิทัศน์ที่สวยงามอย่างน่าอัศจรรย์ ภาพของราฟาเอลมีความไพเราะนุ่มนวลและอ่อนโยน พระแม่มารีของพระองค์เป็นศูนย์รวมของความรักของมารดาอันเงียบสงบและให้อภัยได้ ในผลงานเหล่านี้มีความรู้สึกอ่อนไหวและชื่นชมกับความงามภายนอกของฮีโร่มากเกินไป

คุณลักษณะที่โดดเด่นของวิธีการทางศิลปะของจิตรกรในช่วงเวลานี้คือการขาดวิสัยทัศน์ที่ชัดเจนของสีที่มีอยู่ในอาจารย์ทุกคนของโรงเรียนฟลอเรนซ์ ไม่มีสีที่โดดเด่นบนผืนผ้าใบ ภาพจะแสดงเป็นสีพาสเทล สีไม่ใช่สิ่งสำคัญสำหรับศิลปิน มันสำคัญกว่าสำหรับเขาที่จะถ่ายทอดเส้นที่เป็นรูปเป็นร่างให้ถูกต้องที่สุด

ตัวอย่างแรกของภาพวาดอนุสรณ์สถานของราฟาเอลถูกสร้างขึ้นในฟลอเรนซ์ ในหมู่พวกเขาความสนใจมากที่สุดถูกสร้างขึ้นในช่วง 1506 ถึง 1507 "มาดอนน่ากับยอห์นผู้ให้บัพติศมาและเซนต์ Nicholas "(หรือ" Madonna of Anside ") วิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินส่วนใหญ่ได้รับอิทธิพลมาจากภาพวาดของจิตรกรชาวฟลอเรนซ์โดยเฉพาะ Leonardo da Vinci และ Fra Bartolomeo

ในปี 1507 โดยต้องการเปรียบเทียบกับอาจารย์ที่เก่งที่สุดของโรงเรียน Florentine พวกเขาคือ Leonardo da Vinci และ Michelangelo ราฟาเอลได้สร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่พอสมควรเรียกว่า "The Entombment" องค์ประกอบบางส่วนของภาพประกอบเป็นภาพซ้ำของจิตรกรชื่อดัง ดังนั้นศีรษะและลำตัวของพระคริสต์จึงยืมมาจากประติมากรรม "Pieta" ของ Michelangelo (ค.ศ. 1498-1501) และรูปของผู้หญิงที่สนับสนุน Mary จากผืนผ้าใบของปรมาจารย์คนเดียวกัน "Madonna Doni" นักวิจารณ์ศิลปะหลายคนไม่คิดว่าผลงานของราฟาเอลนี้เป็นของดั้งเดิมเผยให้เห็นความสามารถดั้งเดิมและคุณลักษณะของวิธีการทางศิลปะและภาพ

แม้ผลงานสุดท้ายของเขาจะไม่ประสบความสำเร็จ แต่ความสำเร็จด้านศิลปะของราฟาเอลก็มีความสำคัญ ในไม่ช้าผู้ร่วมสมัยได้สังเกตเห็นและจดจำผลงานของศิลปินหนุ่มและผู้เขียนเองก็ได้รับการจัดให้อยู่ในระดับใกล้เคียงกับจิตรกรเอกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในปี 1508 ภายใต้การอุปถัมภ์ของ Bramante สถาปนิกชื่อดังราฟาเอลเพื่อนร่วมชาติจิตรกรเดินทางไปยังกรุงโรมซึ่งเขาเป็นหนึ่งในผู้ที่ได้รับเชิญให้เข้าร่วมศาลของพระสันตปาปา

จูเลียสที่ 2 ซึ่งขณะนั้นอยู่บนบัลลังก์ของพระสันตปาปาได้ชื่อว่าเป็นคนไร้สาระเด็ดเดี่ยวและเข้มแข็งเอาแต่ใจ
ในรัชสมัยของเขาสมบัติของพระสันตปาปาได้ขยายออกไปอย่างมากจากสงคราม มีการดำเนินนโยบาย "รุก" แบบเดียวกันที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาวัฒนธรรมและศิลปะ ดังนั้นจิตรกรประติมากรและสถาปนิกที่มีชื่อเสียงที่สุดจึงได้รับเชิญไปยังศาลของพระสันตปาปา กรุงโรมประดับประดาด้วยอาคารสถาปัตยกรรมจำนวนมากเริ่มเปลี่ยนแปลงอย่างเห็นได้ชัด: Bramante กำลังสร้างวิหารเซนต์ปีเตอร์ มิเกลันเจโลได้ระงับการก่อสร้างสุสานของจูเลียสที่ 2 ไว้ชั่วคราวจึงเริ่มทาสีเพดานของโบสถ์ซิสทีน วงกวีและนักวิทยาศาสตร์ค่อยๆประกาศหลักการและแนวความคิดเชิงมนุษยนิยมสูงขึ้นรอบ ๆ พระสันตะปาปา ราฟาเอลสันติซึ่งเดินทางมาจากฟลอเรนซ์ได้สัมผัสกับบรรยากาศเช่นนี้

เมื่อมาถึงกรุงโรมราฟาเอลเริ่มวาดภาพอพาร์ตเมนต์ของสมเด็จพระสันตะปาปา (บทที่เรียกว่าบท) ภาพเฟรสโกถูกสร้างขึ้นในช่วงปี 1509 ถึง 1517 พวกเขาแตกต่างจากผลงานที่มีลักษณะคล้ายคลึงกันโดยผู้เชี่ยวชาญคนอื่น ๆ ด้วยคุณสมบัติหลายประการ ก่อนอื่นมันเป็นขนาดของภาพวาด หากในผลงานของจิตรกรรุ่นก่อนมีองค์ประกอบเล็ก ๆ หลายชิ้นบนผนังด้านเดียว Raphael จะมีผนังแยกต่างหากสำหรับแต่ละภาพวาด ในทำนองเดียวกันตัวเลขที่ปรากฎก็ "โตขึ้น" เช่นกัน

นอกจากนี้จำเป็นต้องสังเกตความมีชีวิตชีวาของจิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอลที่มีองค์ประกอบการตกแต่งที่หลากหลาย: เพดานตกแต่งด้วยหินอ่อนเทียมและการปิดทองจิตรกรรมฝาผนังและโมเสกพื้นทาสีด้วยลวดลายแฟนซี อย่างไรก็ตามความหลากหลายดังกล่าวไม่ได้สร้างความประทับใจให้กับส่วนเกินและความสับสนวุ่นวาย การจัดวางในสถานที่ของพวกเขาและการจัดวางองค์ประกอบตกแต่งอย่างชำนาญทำให้เกิดความรู้สึกกลมกลืนเป็นระเบียบและจังหวะที่กำหนดโดยผู้เชี่ยวชาญ อันเป็นผลมาจากนวัตกรรมทางความคิดสร้างสรรค์และเทคนิคดังกล่าวภาพที่ศิลปินสร้างขึ้นในภาพวาดจึงสามารถมองเห็นได้ชัดเจนสำหรับผู้ชมดังนั้นจึงได้รับความชัดเจนและความชัดเจนที่จำเป็น

จิตรกรรมฝาผนังทั้งหมดต้องปฏิบัติตามหัวข้อเดียวกันนั่นคือการเชิดชูคริสตจักรคาทอลิกและประมุข ในเรื่องนี้ภาพวาดจะขึ้นอยู่กับหัวข้อในพระคัมภีร์ไบเบิลและฉากจากประวัติศาสตร์ของพระสันตปาปา (ภาพของ Julius II และผู้สืบทอด Leo X ของเขา) อย่างไรก็ตามในราฟาเอลภาพที่เป็นรูปธรรมดังกล่าวได้รับความหมายเชิงเปรียบเทียบโดยทั่วไปซึ่งเผยให้เห็นสาระสำคัญของแนวคิดมนุษยนิยมในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษจากมุมมองนี้คือ Stanza della Senyatura (ห้องซิกเนเจอร์) ภาพเฟรสโกขององค์ประกอบเป็นการแสดงออกถึงกิจกรรมทางจิตวิญญาณสี่ด้านของมนุษย์ ดังนั้นจิตรกรรมฝาผนัง "Dispute" จึงแสดงธรรม "The Athenian School" - ปรัชญา "Parnassus" - กวีนิพนธ์ "ภูมิปัญญาการกลั่นกรองและความเข้มแข็ง" - ความยุติธรรม ด้านบนของจิตรกรรมฝาผนังแต่ละชิ้นสวมมงกุฎด้วยรูปเชิงเปรียบเทียบที่แสดงถึงกิจกรรมเฉพาะ ที่มุมของห้องใต้ดินมีองค์ประกอบเล็ก ๆ ที่คล้ายกันในรูปแบบนี้หรือภาพเฟรสโก

องค์ประกอบของภาพวาดใน Stanza della Senyatura มีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างวิชาในพระคัมภีร์ไบเบิลและกรีกโบราณ (พระคัมภีร์ - "The Fall", โบราณ - "ชัยชนะของอพอลโลเหนือ Marsyas") ความจริงที่ว่ามีการใช้ธีมในตำนานศาสนานอกรีตและฆราวาสผสมผสานกันเพื่อตกแต่งห้องของสมเด็จพระสันตะปาปาเป็นพยานถึงทัศนคติของผู้คนในยุคนั้นที่มีต่อความเชื่อทางศาสนา จิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอลแสดงความสำคัญของหลักการทางโลกเหนือคริสตจักร - ศาสนา

จิตรกรรมฝาผนังลัทธิศาสนาที่สว่างที่สุดและสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่ที่สุดคือภาพวาด "Dispute" องค์ประกอบที่นี่ดูเหมือนจะแบ่งออกเป็นสองส่วน: สวรรค์และโลก ด้านล่างบนพื้นดินเป็นรูปของบรรพบุรุษของคริสตจักรเช่นเดียวกับนักบวชผู้เฒ่าและเยาวชน ภาพของพวกเขามีความผิดปกติตามธรรมชาติซึ่งสร้างขึ้นด้วยความช่วยเหลือของการจำลองความเป็นพลาสติกของร่างกายการหมุนและการเคลื่อนไหวของตัวเลขที่เหมือนจริง Dante, Savonarola, จิตรกร Fra Beato Angelico สามารถจดจำได้อย่างง่ายดายในหมู่มวลใบหน้า

เหนือร่างของผู้คนมีภาพที่เป็นสัญลักษณ์ของพระตรีเอกภาพ: พระเจ้าพระบิดาเบื้องล่างเล็กน้อย - พระเยซูคริสต์กับพระมารดาของพระเจ้าและยอห์นผู้ให้บัพติศมาด้านล่างพวกเขา - นกพิราบ - ตัวตนของพระวิญญาณบริสุทธิ์ ตรงกลางขององค์ประกอบโดยรวมเป็นสัญลักษณ์ของศีลมีเวเฟอร์

ใน "Dispute" ราฟาเอลปรากฏเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการประพันธ์เพลงที่ไม่มีใครเทียบได้ แม้จะมีสัญลักษณ์มากมาย แต่ภาพก็มีความโดดเด่นด้วยความชัดเจนเป็นพิเศษของภาพและความชัดเจนของความคิดที่ผู้เขียนสื่อสาร ความสมมาตรของการจัดเรียงของตัวเลขในส่วนบนขององค์ประกอบจะลดลงโดยตัวเลขที่วางไว้ในส่วนล่างขององค์ประกอบ ดังนั้นการแสดงแผนผังบางอย่างของอดีตจึงแทบไม่สามารถสังเกตเห็นได้ องค์ประกอบที่เป็นองค์ประกอบในที่นี้คือรูปครึ่งวงกลม: ครึ่งวงกลมที่ตั้งอยู่ในส่วนบนของนักบุญและอัครสาวกบนก้อนเมฆและในขณะที่เสียงสะท้อนนั้นจะเป็นรูปครึ่งวงกลมที่เป็นอิสระและเป็นธรรมชาติมากขึ้นของผู้คนในส่วนล่างของภาพ

จิตรกรรมฝาผนังและผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของราฟาเอลในช่วงนี้ของผลงานของเขาคือภาพวาด "The School of Athens" จิตรกรรมฝาผนังนี้เป็นศูนย์รวมของอุดมคติมนุษยนิยมอันสูงส่งที่เกี่ยวข้องกับศิลปะของกรีกโบราณ ศิลปินวาดภาพนักปรัชญาและนักวิทยาศาสตร์โบราณที่มีชื่อเสียง ในตอนกลางขององค์ประกอบมีร่างของเพลโตและอริสโตเติล มือของเพลโตชี้ไปที่โลกและอริสโตเติลขึ้นสู่สวรรค์ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของคำสอนของนักปรัชญาในสมัยโบราณ

ทางด้านซ้ายของเพลโตเป็นรูปของโสกราตีสกำลังสนทนากับกลุ่มคนซึ่งมีใบหน้าของอัลซิไบเดสที่อายุน้อยโดดเด่นซึ่งร่างกายได้รับการปกป้องด้วยเปลือกหอยและศีรษะของเขาถูกปกคลุมด้วยหมวกกันน็อก ตามขั้นตอนคือ Diogenes ผู้ก่อตั้งโรงเรียนปรัชญาแห่งการดูถูกเหยียดหยาม เขาแสดงเป็นขอทานยืนอยู่ตรงทางเข้าวัดและขอบิณฑบาต

ที่ด้านล่างขององค์ประกอบจะแสดงกลุ่มคนสองกลุ่ม ทางด้านซ้ายเป็นรูปของ Pythagoras ที่ล้อมรอบด้วยสาวก ทางด้านขวา - ยุคลิดวาดอะไรบางอย่างบนกระดานชนวนซึ่งมีนักเรียนล้อมรอบด้วย ทางด้านขวาของกลุ่มสุดท้ายคือ Zoroaster และ Ptolemy ที่สวมมงกุฎด้วยทรงกลมในมือของเขา ในบริเวณใกล้เคียงผู้เขียนได้วางภาพเหมือนตนเองและร่างของจิตรกร Sodoma (เป็นคนที่เริ่มทำงานวาดภาพ Stanza della Senyatura) ทางด้านซ้ายของจุดศูนย์กลางศิลปินได้วาง Heraclitus of Ephesus ที่หม่นหมอง

เมื่อเทียบกับภาพบนจิตรกรรมฝาผนังของ Disput ตัวเลขของ School of Athens มีขนาดใหญ่กว่าและยิ่งใหญ่กว่ามาก เหล่านี้คือวีรบุรุษที่มีจิตใจที่โดดเด่นและมีความอดทนสูง ภาพหลักของจิตรกรรมฝาผนังคือเพลโตและอริสโตเติล ความสำคัญของพวกเขาไม่เพียง แต่พิจารณาจากสถานที่ในองค์ประกอบเท่านั้น (พวกเขาครอบครองจุดศูนย์กลาง) แต่ด้วยการแสดงออกทางสีหน้าและความยืดหยุ่นพิเศษของร่างกาย: ตัวเลขเหล่านี้มีท่าทางและการเดินที่สง่างามอย่างแท้จริง ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือต้นแบบของภาพของเพลโตคือ Leonardo da Vinci แบบจำลองการเขียนภาพของยุคลิดคือสถาปนิก Bramante ต้นแบบของ Heraclitus เป็นรูปที่ Michelangelo แสดงบนเพดานของโบสถ์ Sistine นักวิชาการบางคนเสนอว่าภาพของ Heraclitus ถูกร่างโดยปรมาจารย์จาก Michelangelo เอง

หัวข้อนี้ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน: จิตรกรรมฝาผนังฟังดูเหมือนเพลงสรรเสริญจิตใจมนุษย์และเจตจำนงของมนุษย์ นั่นคือเหตุผลที่ตัวละครทั้งหมดถูกสร้างขึ้นโดยมีฉากหลังเป็นโครงสร้างสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความไม่มีที่สิ้นสุดของจิตใจมนุษย์และความคิดสร้างสรรค์ หากวีรบุรุษของ "Disputes" เฉยเมยภาพที่นำเสนอใน "School of Athens" ก็เป็นผู้สร้างชีวิตที่กระตือรือร้นและกระตือรือร้นซึ่งเป็นผู้เปลี่ยนแปลงระเบียบสังคมโลก

การแก้ปัญหาองค์ประกอบของปูนเปียกก็น่าสนใจเช่นกัน ดังนั้นตัวเลขของเพลโตและอริสโตเติลที่อยู่ด้านหลังเนื่องจากมีการเคลื่อนไหวจึงเป็นตัวเลขหลักในภาพ นอกจากนี้ยังสร้างศูนย์กลางไดนามิกขององค์ประกอบ เมื่อพูดจากส่วนลึกแล้วพวกเขาดูเหมือนจะพุ่งไปที่ผู้ชมซึ่งสร้างความประทับใจของพลวัตการพัฒนาองค์ประกอบซึ่งล้อมรอบด้วยส่วนโค้งครึ่งวงกลม

งานวาดภาพด้านหลังห้องประทับตรา Stanza d'Eliodoro ดำเนินการโดย Raphael ตั้งแต่ปี 1511 ถึงปี 1514 ตำนานและข้อเท็จจริงในพระคัมภีร์ไบเบิลจากประวัติศาสตร์ของพระสันตปาปากลายเป็นหัวข้อสำหรับจิตรกรรมฝาผนังในห้องนี้ซึ่งประดับประดาไปด้วยเรื่องราวในสถานที่หลัก มอบให้กับความรอบคอบและปาฏิหาริย์ของพระเจ้า

ห้องนี้ได้รับชื่อหลังจากเสร็จสิ้นงานตกแต่งบนจิตรกรรมฝาผนัง "The Expulsion of Eliodor" ซึ่งมีเค้าโครงมาจากเรื่องราวของผู้บัญชาการชาวซีเรีย Eliodor ที่ต้องการขโมยสมบัติที่เก็บไว้ในปราสาทเยรูซาเล็ม อย่างไรก็ตามผู้ขับขี่สวรรค์ได้ขัดขวางเขา จิตรกรรมฝาผนังทำหน้าที่เป็นเครื่องเตือนใจว่ากองทหารของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 พ่ายแพ้และทำให้กองทัพฝรั่งเศสเสียศักดิ์ศรีจากรัฐสันตะปาปาอย่างไร

อย่างไรก็ตามจิตรกรรมฝาผนังนี้ไม่ได้แตกต่างกันในพลังของการแสดงออกถึงความตั้งใจสร้างสรรค์ของศิลปิน นี่อาจเป็นเพราะองค์ประกอบโดยรวมถูกแบ่งออกเป็นสองส่วนแยกกัน ทางด้านซ้ายคือนักขี่ม้าที่สวยงามซึ่งร่วมกับทูตสวรรค์สององค์กำลังพยายามเอาชนะ Eliodor ทางด้านขวาของจิตรกรรมฝาผนังคือ Julius II นอนบนเปลหาม ในบรรดาผู้ที่สนับสนุนเปลหามจิตรกรได้แสดงภาพของ Albrecht Durer จิตรกรชื่อดังชาวเยอรมัน แม้จะมีเรื่องราวที่น่าสมเพชของพล็อตเรื่อง แต่ภาพของราฟาเอลนั้นปราศจากพลวัตและดราม่าอย่างสิ้นเชิง

ลักษณะที่ทรงพลังกว่าและสมบูรณ์แบบในโครงสร้างองค์ประกอบคือจิตรกรรมฝาผนังที่เรียกว่า "Mass in Bolsen" เนื้อเรื่องมีพื้นฐานมาจากการเล่าเรื่องเกี่ยวกับนักบวชที่ไม่เชื่อซึ่งเวเฟอร์เปื้อนเลือดในช่วงศีลระลึก สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 พระคาร์ดินัลและชาวสวิสจากทหารรักษาพระองค์ซึ่งตั้งอยู่ด้านหลังเขาได้เห็นความมหัศจรรย์นี้บนผืนผ้าใบของราฟาเอล

คุณลักษณะที่โดดเด่นของผลงานของศิลปินที่มีชื่อเสียงนี้มีขนาดใหญ่เมื่อเทียบกับผลงานก่อนหน้านี้ระดับความเป็นธรรมชาติและความเป็นธรรมชาติในการพรรณนาถึงวีรบุรุษ สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่รูปลักษณ์ภายนอกอีกต่อไปโดดเด่นด้วยความสวยงามภายนอก แต่เป็นคนที่มีอยู่จริง หลักฐานที่โดดเด่นที่สุดคือภาพของชาวสวิสจากองครักษ์ของสมเด็จพระสันตปาปาซึ่งใบหน้าเต็มไปด้วยพลังภายในแสดงถึงเจตจำนงของมนุษย์ที่เข้มแข็ง อย่างไรก็ตามความรู้สึกของพวกเขาไม่ใช่สิ่งประดิษฐ์สร้างสรรค์ของศิลปิน สิ่งเหล่านี้เป็นอารมณ์ที่แท้จริงของมนุษย์

ในงานนี้ผู้เขียนให้ความสำคัญกับสีความสมบูรณ์ของสีของผืนผ้าใบและภาพ ตอนนี้จิตรกรไม่เพียง แต่กังวลกับการถ่ายทอดเส้นชั้นความสูงของภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความอิ่มตัวของสีของภาพการแสดงโลกภายในของพวกเขาผ่านโทนสีที่แน่นอน

ที่มีการแสดงออกอย่างเท่าเทียมกันคือจิตรกรรมฝาผนัง "The Book of Peter" ซึ่งแสดงให้เห็นถึงฉากการปลดปล่อยของอัครสาวกเปโตรโดยทูตสวรรค์ นักวิจารณ์ศิลปะเชื่อว่าภาพนี้เป็นสัญลักษณ์ของการปลดปล่อยพระสันตปาปาลีโอ X (ซึ่งต่อมากลายเป็นพระสันตะปาปา) จากการถูกจองจำในฝรั่งเศส

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือการจัดวางองค์ประกอบและโทนสีที่พบโดยผู้เขียนในจิตรกรรมฝาผนังนี้ ทำซ้ำแสงไฟยามค่ำคืนซึ่งช่วยเพิ่มลักษณะที่น่าทึ่งขององค์ประกอบโดยรวม ภูมิหลังทางสถาปัตยกรรมที่ได้รับการคัดเลือกอย่างแม่นยำยังก่อให้เกิดการเปิดเผยเนื้อหาและความสมบูรณ์ของอารมณ์ที่มากขึ้นของภาพ: คุกใต้ดินที่สร้างด้วยอิฐขนาดใหญ่ห้องนิรภัยโค้งหนักแท่งตาข่ายหนา

จิตรกรรมฝาผนังชิ้นที่สี่และชิ้นสุดท้ายใน Stanza d'Eliodoro ซึ่งต่อมาเรียกว่า "The Meeting of Pope Leo I with Attila" สร้างขึ้นตามแบบร่างของราฟาเอลโดยนักเรียนของเขาจูลิโอโรมาโนและฟรานเชสโกเพนนี ผลงานนี้ดำเนินการในช่วงระหว่างปี 1514 ถึงปี 1517 อาจารย์เองซึ่งในเวลานั้นได้กลายเป็นศิลปินยอดนิยมอย่างผิดปกติซึ่งมีชื่อเสียงไปทั่วอิตาลีและได้รับคำสั่งซื้อจำนวนมากไม่สามารถทำงานตกแต่งพระสันตปาปาได้ ห้อง นอกจากนี้ราฟาเอลในเวลานี้ได้รับแต่งตั้งให้เป็นหัวหน้าสถาปนิกของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์และยังดูแลการขุดค้นทางโบราณคดีที่ดำเนินการในดินแดนของโรมและบริเวณโดยรอบ

ภาพวาดที่ประดับอยู่บน Stanza del Inchendio เขียนขึ้นโดยอิงจากเรื่องราวในประวัติศาสตร์ของพระสันตปาปา ในบรรดาจิตรกรรมฝาผนังทั้งหมดอาจมีเพียงภาพเดียวที่สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษนั่นคือ "Fire in Borgo" เธอเล่าเกี่ยวกับไฟที่เกิดขึ้นในย่านหนึ่งของโรมันในปี 847 สมเด็จพระสันตะปาปาลีโอที่ 4 เข้ามามีส่วนร่วมในการดับไฟในครั้งนั้น จิตรกรรมฝาผนังนี้มีความโดดเด่นด้วยความน่าสมเพชและการแสดงละครประดิษฐ์ในภาพของผู้คนที่พยายามหนีจากภัยพิบัติ: ลูกชายอุ้มพ่อชายหนุ่มปีนข้ามกำแพงเด็กผู้หญิงถือเหยือก

จิตรกรรมฝาผนังของบทวาติกันแสดงให้เห็นถึงวิวัฒนาการของผลงานของราฟาเอลได้เป็นอย่างดี: ศิลปินค่อยๆเคลื่อนย้ายจากภาพในอุดมคติของผลงานในยุคแรก ๆ ไปสู่ละครและในขณะเดียวกันการสร้างสายสัมพันธ์กับชีวิตในผลงานที่เป็นของช่วงปลาย (องค์ประกอบของเรื่องและภาพบุคคล) .

เกือบจะในทันทีที่เขามาถึงกรุงโรมในปี 1509 ราฟาเอลได้ดำเนินการตามธีมของพระแม่มารีย์ต่อไปโดยวาดภาพ "มาดอนน่าอัลบา" เมื่อเทียบกับร่างของ Madonna Conestabil แล้วภาพใน Madonna Alba นั้นซับซ้อนกว่ามาก มาเรียเป็นภาพหญิงสาวที่มีนิสัยเข้มแข็งมีพลังและมั่นใจ การเคลื่อนไหวของทารกแข็งแรงพอ ๆ ภาพวาดทำในรูปแบบของ tondo อย่างไรก็ตามตัวเลขเหล่านี้ถูกวาดอย่างสมบูรณ์ซึ่งไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับผืนผ้าใบกลม อย่างไรก็ตามการจัดเรียงตัวเลขดังกล่าวไม่ได้นำไปสู่การปรากฏของภาพนิ่ง พวกเขาเช่นเดียวกับองค์ประกอบทั้งหมดโดยรวมจะแสดงในแบบไดนามิก ความรู้สึกนี้ถูกสร้างขึ้นเนื่องจากความจริงที่ว่าต้นแบบถ่ายทอดความเป็นพลาสติกของการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์อย่างละเอียดและถูกต้อง

สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษสำหรับการก่อตัวของวิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินคือภาพวาด "Madonna in an Armchair" (หรือ "Madonna della Cedia") ซึ่งเป็นผลงานที่เสร็จสมบูรณ์ในราวปี 1516 ภาพพระแม่มารีในอุดมคติที่ค่อนข้างมีเหตุผลนั้นมีสาเหตุมาจาก การนำคอนกรีตและองค์ประกอบจริงเข้าสู่องค์ประกอบ ตัวอย่างเช่นหน้าอกของแมรี่ปกคลุมด้วยผ้าพันคอกว้างสดใสพร้อมขอบ ผ้าคลุมไหล่ดังกล่าวในเวลานั้นเป็นเครื่องแต่งกายที่ผู้หญิงชาวนาอิตาลีทุกคนโปรดปราน

รูปของพระแม่มารีพระกุมารคริสต์และยอห์นผู้ให้บัพติศมาตั้งอยู่ใกล้กัน หนึ่งได้รับความประทับใจว่าภาพไหลลื่นเข้าหากัน ภาพรวมเต็มไปด้วยความรู้สึกโคลงสั้น ๆ ผิดปกติ ธีมที่มีชีวิตนิรันดร์ของความรักของมารดาถ่ายทอดที่นี่ไม่เพียง แต่ในสายตาของแมรี่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงรูปร่างของเธอด้วย รูปแบบของ tondo ทำให้องค์ประกอบทั้งหมดมีความสมบูรณ์เชิงตรรกะ ร่างของแมรี่และทารกวางอยู่บนผืนผ้าใบทรงกลมเป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคีของคนใกล้ชิดสองคน: แม่และลูก นี้
ภาพวาดของราฟาเอลได้รับการยอมรับจากคนรุ่นราวคราวเดียวกันว่าเป็นจุดสุดยอดของการวาดภาพขาตั้งไม่เพียง แต่ในแง่ของการจัดวางองค์ประกอบภาพเท่านั้น แต่ยังเกิดจากการถ่ายทอดเส้นพลาสติกอย่างละเอียดอีกด้วย

ตั้งแต่ยุค 10 ศตวรรษที่สิบหก ราฟาเอลกำลังจัดองค์ประกอบภาพสำหรับแท่นบูชา ดังนั้นในปี 1511 "Madonna Foligno" จึงปรากฏขึ้น และในปี 1515 ศิลปินที่มีชื่อเสียงได้เริ่มสร้างผืนผ้าใบซึ่งต่อมาจะทำให้จิตรกรได้รับเกียรติจากปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่และชนะใจผู้คนมากกว่าหนึ่งรุ่น Sistine Madonna เป็นภาพวาดที่เป็นขั้นตอนสุดท้ายในการพัฒนาวิธีการทางศิลปะของ Raphael หัวข้อของความเป็นแม่ที่ได้รับที่นี่เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานก่อนหน้านี้การพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและการรวมตัวที่สมบูรณ์ที่สุด

เมื่อเข้ามาในมหาวิหารผู้ชมจะหันไปมองร่างที่สง่างามของพระแม่มารีที่อุ้มพระกุมารเยซูคริสต์ไว้ในอ้อมแขนของเธอทันที เอฟเฟกต์นี้เกิดขึ้นได้จากการจัดองค์ประกอบพิเศษของตัวละคร ม่านครึ่งเปิดสายตาของ Saints Sixtus และ Barbara พุ่งตรงไปที่ Mary - ทั้งหมดนี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อเน้นและทำให้แม่ยังสาวเป็นศูนย์กลางขององค์ประกอบ

ในการเปิดเผยภาพของพระแม่มารีย์ราฟาเอลย้ายไปไกลจากศิลปินในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มาดอนน่านี่พูดกับคนดูโดยตรง เธอไม่ยุ่งกับเด็ก ๆ (เช่นมาดอนน่าลีโอนาร์โดดาวินชี) และไม่หมกมุ่นอยู่กับตัวเอง (เหมือนวีรสตรีในผลงานแรก ๆ ของอาจารย์) มาเรียคนนี้เคลื่อนตัวไปตามเมฆสีขาวราวกับหิมะเข้าหาผู้ชมกำลังสนทนากับเขา ในดวงตาที่เบิกกว้างของเธอสามารถมองเห็นความรักของมารดาความสับสนความสิ้นหวังความอ่อนน้อมถ่อมตนและความรู้สึกลึก ๆ ต่อชะตากรรมในอนาคตของลูกชายของเธอ เธอในฐานะผู้หยั่งรู้รู้ทุกสิ่งที่จะเกิดขึ้นกับลูกของเธอ อย่างไรก็ตามเพื่อประโยชน์ในการช่วยชีวิตผู้คนแม่ก็พร้อมที่จะเสียสละเขา ภาพลักษณ์ของพระกุมารคริสต์ได้รับความจริงจังเช่นเดียวกัน ในสายตาของเขาโลกทั้งใบถูกปิดล้อมเขาเหมือนศาสดาพยากรณ์บอกเราถึงชะตากรรมของมนุษยชาติและของเขาเอง

ราฟาเอล ซิสทีนมาดอนน่า. พ.ศ. 1515-1519

ภาพของแมรี่เต็มไปด้วยความดราม่าและแสดงออกอย่างผิดปกติ อย่างไรก็ตามเขาไม่มีความคิดเพ้อฝันและไม่ได้รับคุณสมบัติที่เกินจริง ความรู้สึกของความสมบูรณ์ความสมบูรณ์ของภาพถูกสร้างขึ้นที่นี่เนื่องจากความมีชีวิตชีวาขององค์ประกอบซึ่งแสดงออกโดยการถ่ายโอนความเป็นพลาสติกของตัวเลขที่ถูกต้องและซื่อสัตย์และผ้าม่านของเสื้อผ้าของฮีโร่ ตัวเลขทั้งหมดนำเสนอมีชีวิตเคลื่อนที่สดใส ใบหน้าของมารีย์เหมือนพระคริสต์ทารกที่ไม่มีดวงตาเศร้าแบบเด็ก ๆ แสดงถึงช่วงความรู้สึกทั้งหมดที่เปลี่ยนไปต่อหน้าผู้ชมอย่างแท้จริง: ความเศร้าความวิตกกังวลความถ่อมตัวและในที่สุดความมุ่งมั่น

ในบรรดานักวิจารณ์ศิลปะคำถามเกี่ยวกับต้นแบบของ Sistine Madonna ยังคงเปิดอยู่ นักวิชาการบางคนระบุว่าภาพนี้เป็นภาพของหญิงสาวที่ปรากฎในภาพเหมือน "The Lady in the Veil" (1514) อย่างไรก็ตามจากคำให้การของศิลปินร่วมสมัยแมรี่บนผืนผ้าใบ "ซิสทีนมาดอนน่า" ค่อนข้างเป็นผู้หญิงทั่วไปในอุดมคติแบบ Raphaelian แทนที่จะเป็นภาพที่เป็นรูปธรรมของใครบางคน

ในบรรดาผลงานภาพเหมือนของราฟาเอลสิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ซึ่งวาดในปี 1511 บุคคลจริงถูกแสดงที่นี่เป็นอุดมคติซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของวิธีการสร้างสรรค์ของจิตรกร

สิ่งที่น่าสังเกตอย่างยิ่งคือภาพเหมือนของ Count Baldassare Castiglione สร้างขึ้นในปี 1515 ซึ่งแสดงให้เห็นถึงความสงบสมดุลและพัฒนาอย่างกลมกลืน ราฟาเอลทำหน้าที่เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านสีที่ยอดเยี่ยม เขาใช้การผสมสีที่ซับซ้อนและการเปลี่ยนวรรณยุกต์ ความเชี่ยวชาญเดียวกันของเฉดสีนั้นโดดเด่นด้วยผลงานอีกชิ้นหนึ่งของจิตรกรนั่นคือภาพเหมือนของผู้หญิง "Lady in a Veil" ("La donna velata", 1514) โดยที่สีที่โดดเด่นคือสีขาว (ชุดสีขาวราวกับหิมะของผู้หญิงจะออก ม่านแสง)

งานส่วนสำคัญของ Raphael ถูกครอบครองโดยผลงานที่ยิ่งใหญ่ ผลงานที่คล้ายคลึงกันในเวลาต่อมาของเขาสิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือสิ่งแรกคือจิตรกรรมฝาผนังที่ประดับผนังของ Villa Farnesina (เดิมเป็นสมบัติของเศรษฐี Chigi) "Triumph of Galatea" ภาพนี้โดดเด่นด้วยอารมณ์ที่สนุกสนานผิดปกติ ภาพที่เต็มไปด้วยความสุขอย่างแท้จริง โทนสีที่คล้ายกันถูกสร้างขึ้นจากการใช้สีที่สว่างและอิ่มตัวเป็นพิเศษ: ร่างกายสีขาวเปลือยเปล่าถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืนกับท้องฟ้าสีฟ้าใสและคลื่นสีฟ้าของทะเล

ผลงานชิ้นสุดท้ายของราฟาเอลคือการตกแต่งผนังของแกลเลอรีโค้งซึ่งตั้งอยู่บนชั้นสองของพระราชวังวาติกัน การตกแต่งห้องโถงตกแต่งด้วยภาพวาดและกระเบื้องโมเสคที่ทำจากหินอ่อนเทียม วัตถุสำหรับภาพเฟรสโกวาดโดยศิลปินจากตำนานในพระคัมภีร์ ฯลฯ grotesques (ภาพวาดที่พบในสุสานกรีกโบราณ - ถ้ำ) มีภาพวาดทั้งหมด 52 ภาพ ต่อมาพวกเขารวมกันเป็นวงจรภายใต้ชื่อทั่วไป "Raphael's Bible" นอกจากนี้ยังเป็นที่น่าสนใจที่ศิลปินชื่อดังได้ดำเนินการตกแต่งห้องโถงของพระราชวังวาติกันร่วมกับนักเรียนของเขาซึ่ง Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine เป็นสถานที่ที่โดดเด่น

ภาพวาดขาตั้งในเวลาต่อมาของราฟาเอลเป็นภาพสะท้อนและการแสดงออกของวิกฤตความคิดสร้างสรรค์ที่ค่อยๆเติบโตขึ้นเรื่อย ๆ ของอาจารย์ ตามเส้นทางของการสร้างภาพที่สร้างขึ้นโดยปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการสูงขึ้นเรื่อย ๆ แต่ในขณะเดียวกันก็ยังคงเป็นจริงกับวิธีการแสดงภาพศิลปะที่กำหนดไว้แล้วของเขาราฟาเอลก็มีสไตล์ที่ขัดแย้งกัน วิธีการและวิธีการแสดงความคิดของเขามีน้อยเกินไปที่จะสร้างภาพใหม่ในเชิงคุณภาพสมบูรณ์แบบยิ่งขึ้นในแง่ของการถ่ายทอดโลกภายในและความงามภายนอกของพวกเขา ตัวอย่างที่ชัดเจนที่แสดงให้เห็นถึงผลงานของราฟาเอลในช่วงนี้ ได้แก่ "แบกไม้กางเขน" (1517) วัฏจักร "ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์" (ประมาณปี 1518) แท่นบูชา "การเปลี่ยนแปลง"

เป็นไปได้ค่อนข้างมากที่จิตรกรผู้มีพรสวรรค์เช่นราฟาเอลจะค้นพบทางออกจากทางตันที่สร้างสรรค์เช่นนี้ได้หากไม่ใช่เพราะการเสียชีวิตอย่างกะทันหันซึ่งทำให้คนรุ่นใหม่ทุกคนตกตะลึง ราฟาเอลสันติเสียชีวิตเมื่อวันที่ 6 เมษายน ค.ศ. 1520 เมื่ออายุ 37 ปี มีการจัดงานศพอย่างฟุ่มเฟือย เถ้าถ่านของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ถูกฝังไว้ในวิหารแพนธีออนในกรุงโรม

ผลงานของราฟาเอลยังคงเป็นผลงานศิลปะชิ้นเอกของโลกจนถึงทุกวันนี้ ภาพวาดเหล่านี้เป็นตัวอย่างของศิลปะคลาสสิกได้รับการออกแบบมาเพื่อแสดงให้มนุษย์เห็นถึงความงดงามที่สมบูรณ์แบบและแปลกประหลาด พวกเขานำเสนอโลกที่ผู้คนถูกครอบงำด้วยความรู้สึกและความคิดที่สูงส่งแก่ผู้ชม ผลงานของราฟาเอลเป็นเพลงสรรเสริญศิลปะที่เปลี่ยนคนทำให้เขาสะอาดสดใสสวยงามมากขึ้น

ทิเชียน (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio เกิดในครอบครัวทหารในเมืองเล็ก ๆ ของ Pieve di Cadore ซึ่งตั้งอยู่บนภูเขาและเป็นส่วนหนึ่งของโดเมนเวเนเชียน นักวิทยาศาสตร์ไม่สามารถกำหนดวันที่และปีเกิดของทิเชียนได้อย่างแน่นอน บางคนเชื่อว่าเป็นปี 1476-1477 ส่วนคนอื่น ๆ - 1485-1490

นักวิทยาศาสตร์สันนิษฐานว่าครอบครัว Vecellio มีความเก่าแก่และมีอิทธิพลมากพอในเมือง เมื่อเห็นเด็กชายมีทักษะในการวาดภาพในช่วงแรก ๆ พ่อแม่จึงตัดสินใจส่ง Tiziano ไปที่ห้องทำงานศิลปะของปรมาจารย์กระเบื้องโมเสคชาวเวนิส หลังจากนั้นไม่นาน Vecellio รุ่นเยาว์ได้รับมอบหมายให้ไปเรียนที่เวิร์คช็อปก่อนโดย Gentile Bellini จากนั้นก็จัดโดย Giovanni Bellini ในเวลานี้ศิลปินหนุ่มได้พบกับ Giorgione ซึ่งอิทธิพลของเขาสะท้อนให้เห็นในผลงานแรก ๆ ของเขา

ผลงานทั้งหมดของศิลปินสามารถแบ่งออกเป็นสองช่วงเวลาอย่างมีเงื่อนไข: ช่วงแรก - ที่เรียกว่า Dzhordzhonevsky - จนถึงปี 1515-1516 (เมื่ออิทธิพลของ Giorgione แสดงออกอย่างรุนแรงที่สุดในผลงานของจิตรกร); ที่สอง - จากยุค 40 ศตวรรษที่ 16 (ในขณะนี้ทิเชียนเป็นผู้เชี่ยวชาญที่เป็นที่ยอมรับในศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย)

ตามในช่วงแรกของการก่อตัวของวิธีการทางศิลปะของ Giorgione และจิตรกรในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Titian ได้คิดใหม่เกี่ยวกับวิธีการแก้ปัญหาทางศิลปะ ภาพใหม่เกิดขึ้นจากฝีแปรงของศิลปินซึ่งแตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจากรูปปั้นที่สง่างามและประณีตตัวอย่างเช่นราฟาเอลและลีโอนาร์โดดาวินชี วีรบุรุษของทิเชียนนั้นลงสู่พื้นดินร่างกายเต็มไปด้วยราคะและมีหลักการนอกรีตอยู่ในตัว ภาพวาดของจิตรกรในยุคแรกมีความโดดเด่นด้วยองค์ประกอบที่ค่อนข้างเรียบง่ายซึ่งยังคงเต็มไปด้วยอารมณ์ที่สนุกสนานอย่างผิดปกติและจิตสำนึกของความสุขที่ไม่มีเมฆความสมบูรณ์และความไม่มีที่สิ้นสุดของชีวิตทางโลก

ในบรรดาผลงานในช่วงเวลานี้ผลงานที่แสดงออกถึงวิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินอย่างเต็มที่ที่สุดชิ้นหนึ่งที่สว่างที่สุดคือผืนผ้าใบ "Love earthly and heavenly" ซึ่งลงวันที่ 10-s ศตวรรษที่ 16. เป็นสิ่งสำคัญสำหรับผู้เขียนไม่เพียง แต่ถ่ายทอดเรื่องราว แต่ยังต้องแสดงภูมิทัศน์ที่สวยงามที่กระตุ้นความคิดของความสงบและความสุขในการเป็นอยู่และความงามอันเย้ายวนของผู้หญิง

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าตัวเลขผู้หญิงนั้นประเสริฐ แต่ก็ไม่ได้ถูกมองข้ามไปจากชีวิตและไม่ได้เป็นอุดมคติของผู้แต่ง ภูมิทัศน์ที่ทาสีด้วยโทนสีอ่อนและวางเป็นพื้นหลังทำหน้าที่เป็นพื้นหลังที่ยอดเยี่ยมสำหรับความสง่างามและสง่างาม แต่ในขณะเดียวกันภาพผู้หญิงที่เป็นรูปธรรมก็ค่อนข้างจริง: ความรักบนโลกและความรักจากสวรรค์ องค์ประกอบที่ประกอบขึ้นอย่างชำนาญและความรู้สึกของสีที่ละเอียดอ่อนช่วยให้ศิลปินสร้างผลงานที่กลมกลืนกันอย่างผิดปกติซึ่งแต่ละองค์ประกอบกลายเป็นผลงานรองลงมาจากความปรารถนาของผู้เขียนในการแสดงความงามตามธรรมชาติของธรรมชาติทางโลกและมนุษย์

ในเวลาต่อมาย้อนหลังไปถึงปี 1518 งานของทิเชียนเรื่อง "Assunta" (หรือ "The Ascension of Mary") ไม่มีการไตร่ตรองและความสงบเยือกเย็นแบบนั้นในงาน "Earthly and Heavenly Love" มีพลวัตความแข็งแกร่งพลังงานมากขึ้น ตัวตั้งตัวตีขององค์ประกอบคือ Mary ซึ่งแสดงโดยหญิงสาวที่เต็มไปด้วยความงามและความแข็งแกร่งในโลก มุมมองของเหล่าอัครสาวกพุ่งตรงไปที่เธอซึ่งเป็นภาพที่แสดงออกถึงพลังและพลังภายในแบบเดียวกัน เพลงประกอบ "Bacchus and Ariadne" (จากวัฏจักร "Bacchanalia", 1523) เป็นเพลงสรรเสริญความงามของมนุษย์และความรู้สึกที่แข็งแกร่งของมนุษย์

การเชิดชูความงามของสตรีทางโลกกลายเป็นธีมของงานอื่นของทิเชียนที่เรียกว่า "Venus of Urbino" สร้างขึ้นในปี 1538 แม้ว่าภาพจะไม่มีความระเหิดและจิตวิญญาณ แต่ภาพหลังก็ยังไม่ลดทอนคุณค่าทางสุนทรียะของผืนผ้าใบ วีนัสสวยจริงๆที่นี่ อย่างไรก็ตามความงามของเธอนั้นดูเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติซึ่งทำให้ภาพที่ทิเชียนสร้างขึ้นแตกต่างจากวีนัสของบอตติเชลลี

อย่างไรก็ตามมันจะไม่ถูกต้องที่จะกล่าวว่าภาพในช่วงแรกของการพัฒนาผลงานของศิลปินนั้นเชิดชูเฉพาะความงามภายนอกของบุคคล รูปลักษณ์ทั้งหมดของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงบุคคลที่กลมกลืนกันซึ่งความงามภายนอกนั้นเทียบเท่ากับจิตวิญญาณและเป็นอีกด้านหนึ่งของจิตวิญญาณที่สวยงามไม่แพ้กัน

จากมุมมองนี้ภาพของพระเยซูคริสต์บนผืนผ้าใบ "The Denarius of Caesar" ซึ่งสร้างขึ้นในช่วงปี 1515 ถึงปี 1520 เป็นที่สนใจมากที่สุด Titian แสดงให้เห็นว่าพระเยซูไม่ใช่พระเจ้าที่สูงส่งและเป็นอยู่บนสวรรค์ การแสดงออกที่เต็มไปด้วยอารมณ์บนใบหน้าของเขาแสดงให้เห็นว่าต่อหน้าผู้ชมมีบุคคลที่สูงส่งที่มีองค์กรทางจิตที่สมบูรณ์แบบ

ภาพที่สร้างขึ้นในแท่นบูชา "มาดอนน่าแห่งเปซาโร" ซึ่งเขียนขึ้นในช่วงปี 1519 ถึงปี 1526 เต็มไปด้วยจิตวิญญาณแบบเดียวกันวีรบุรุษเหล่านี้ไม่ใช่โครงร่างหรือนามธรรม การสร้างภาพจริงที่มีชีวิตชีวาส่วนใหญ่ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการใช้โทนสีที่หลากหลายโดยผู้เชี่ยวชาญ: ผ้าคลุมสีขาวราวกับหิมะของแมรี่, สีฟ้า, สีแดงเข้ม, สีแดงสด, เสื้อผ้าสีทองของเหล่าฮีโร่ พรม. ความหลากหลายของโทนสีดังกล่าวไม่ได้ทำให้เกิดความสับสนวุ่นวายในองค์ประกอบ แต่ตรงกันข้ามช่วยให้จิตรกรสร้างระบบภาพที่สอดคล้องและกลมกลืนกัน

ในช่วงทศวรรษที่ 1520 ทิเชียนสร้างผลงานชิ้นแรกในลักษณะละคร นี่คือภาพวาด "The Entombment" ที่มีชื่อเสียง ภาพของพระคริสต์ถูกตีความที่นี่เช่นเดียวกับในภาพวาด "The Denarius of Caesar" พระเยซูไม่ได้ถูกนำเสนอในฐานะสิ่งมีชีวิตที่สืบเชื้อสายมาจากสวรรค์เพื่อช่วยมนุษยชาติ แต่ในฐานะวีรบุรุษบนโลกที่ตกอยู่ในการต่อสู้ที่ไม่เท่าเทียมกัน แม้จะมีโศกนาฏกรรมและความดราม่าของพล็อตเรื่องผ้าใบก็ไม่ได้ทำให้เกิดอารมณ์สิ้นหวังในผู้ชม ในทางตรงกันข้ามภาพที่ทิเชียนสร้างขึ้นเป็นสัญลักษณ์ของการมองโลกในแง่ดีและความกล้าหาญแสดงให้เห็นถึงความงามภายในของบุคคลความสูงส่งและความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณของเขา

{!LANG-4eeb9cacf468a4b5c79099444e07afd9!}

{!LANG-6765db386bbda9ef6eafa05b368f6f17!}

{!LANG-401b35757e6bc643de4d5cbdb9fca5a4!}

{!LANG-3c3af1b50614af3966879904de4f39ca!}

{!LANG-1f575f601aeb32556c92bf99645629ac!}

{!LANG-25f2dbdd2bdb3575f4495c91c3e05273!}

{!LANG-5e89bea2416cce9b5c712698b1bfcd83!}

{!LANG-5921a975d961e76125148d7f8822c075!}

{!LANG-dd7ec203d8f0092d88d4c120d17dbd7f!}

{!LANG-5ce0177d9439e94b0085767f50d445f7!}
{!LANG-2f4ca6367d97ff6cf9deff9acca61569!}

{!LANG-d9da10cacaaa473f91be710c7c40e3ff!}

{!LANG-75be5098a8620a10ac6c16476c590e9c!}
{!LANG-4d7760ed0cbae05c585f504882a3c16e!}

{!LANG-8be2a66e036f172ce6d77103fde87538!}

{!LANG-779931f63353f102d8d1b089471f2fc3!}

{!LANG-15de24cb88e9d89f6a8210ade0276a79!}

{!LANG-9e58343a60f3be1e7dfa55333caeb019!}

{!LANG-f3c1783f88549fff2ca377db77b64c24!}

{!LANG-4f45af806a54c463d6c9c15409c5d499!}
{!LANG-a08ed5e5b2aed7caee7e65c6322b0ade!}

{!LANG-77f5fbb0c4673d0c61199128496de2d9!}

{!LANG-f145168b503535116259c90b9b4272f7!}

{!LANG-b74f3314fb552306e378973f156c5b2d!}

{!LANG-35619de133d99bd114ac9f0ac57b8347!}

{!LANG-bd9670e140722d6b599e67bbfacfead9!}

{!LANG-a65758a40e090659c3cf36146ae42d91!}

{!LANG-aece41025d88b96e4db949101af835fd!}

{!LANG-9be72e62b454c33bc5bbf3f130e4c5f5!}

{!LANG-419e285d173e660d76769ba6475ed640!}

{!LANG-fc6ae539ad94c05d29bf8540192c2730!}

{!LANG-250d8f95f30aa5f167d9da10f6c0316b!}

{!LANG-81e46c48a0be7c41a8879106bebcc5de!}

{!LANG-d688094b9277c4c1803482c32ca79c35!}

{!LANG-1779e49153c90ef9f245b359a2e9e49f!}

{!LANG-d518b27a72ca2f71c83cee157384fc8f!}

{!LANG-ce794551b9bf88fa2aab0c3eeee8a53a!}

{!LANG-62f977ae7b470061cbf9af8ef5fa4fb7!}

{!LANG-100d1c82ca8ca9713b0e822b0e6d6bb7!}

{!LANG-e0c26356b3f6384ba7cee8941aacdb79!}

{!LANG-7c274a3a003de12d2e5869ceaa836b7a!}

{!LANG-ca02cf5a49056d3f5b63af1a15189698!}

{!LANG-ed660ffde7e93b0a2b910b2dd69924d8!}

{!LANG-b77b68de8e90b94704f31925bd3794c1!}

{!LANG-4f89ef4df1330d3fc66b5280b3463292!}

{!LANG-9db46230c9294f6fae6e087fc9109b14!}

{!LANG-567771b7b90f0f3a36c4e5a4642a9f99!}

{!LANG-c42557084e9df5a8a39c9b36a070f28e!}

{!LANG-62e8a8eb651daeb570b6ab838f24248a!}

{!LANG-d898f6dcb598436871caac81d9c31332!}

{!LANG-c51790c18d1d7d61f02415d2bb55ff61!}

{!LANG-a58a7f77f698450d30cb06a0f98c96b3!}

{!LANG-632e5219bb948cafa62fd6ad59cc7ad0!}

{!LANG-93dce92fbdc378f700eda011b0b52fb6!}

{!LANG-edf1dd038beb8ce10d6c68d5d51a31c1!}

{!LANG-2180c47d0013b4359ca5d30f536d8daa!}

{!LANG-34bbfa547f401eb72bde71db9404d9c7!}

{!LANG-faaaaf746edd1ef56d608dbd9d540e75!}

{!LANG-cc40906c6bc27ec20ad6505f16a6d5ea!}

{!LANG-e44d3ce2ca6beb93bb1772aff9155013!}

{!LANG-a8aa7101fbb33bd3351140b71793ef76!} {!LANG-90e5ba6aaa0a856e9dfa16f9f0191d3d!}{!LANG-540c7aa94ececa9a81c93e56166ffeb5!} {!LANG-c676ee0f465996d96bf306ae75dfc45f!}{!LANG-af2975d8dc6422220c6c1905f807507e!} {!LANG-ee49b86248994e7cc4b7b6ba5fc082bb!}{!LANG-27a19fb1326368cd7257d25e71e146d5!} {!LANG-2b73c6966682bf5b7bb4d1d3813c8127!}{!LANG-b23ad5a01e923295f1579966dbdec749!}

{!LANG-3e1b045783cd2ace72f03422ce51975a!}

{!LANG-a3edde7c0045778d24d3ca6cd1e0f817!}

{!LANG-fa9588c8fec67440c84f3004c0689fb5!}

{!LANG-572e6db2343ff4a8928d17ed685b1072!}

{!LANG-8d1986ecb79962992e55577a62698a0f!}

{!LANG-503a543f8df8ed8b191b9749dd7d0785!}

{!LANG-228c6deef78fde946fb948323675b9a7!}

{!LANG-d949d4f48abc126ec0db15ce29e38663!}