ทิวทัศน์ของเมืองอิมเพรสชั่นนิสต์ ภาพวาดอิมเพรสชันนิสต์ที่ดีที่สุดพร้อมชื่อและรูปถ่าย
Konstantin Alekseevich Korovin เป็นศิลปินนักตกแต่งชาวรัสเซียที่โดดเด่นซึ่งเป็นหนึ่งในศิลปินรัสเซียที่ใหญ่ที่สุดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ (19-20) Korovin เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการบินผู้เขียนภาพทิวทัศน์ภาพวาดประเภทสิ่งมีชีวิตภาพบุคคล ศิลปินเกิดที่มอสโก เขาเรียนที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกกับ Savrasov และ Polenov Konstantin Korovin เป็นสมาชิกของสมาคม: "Association of Travelling Art Exhibitions", "Union of Russian Artists" และ "World of Art" ถือเป็นหนึ่งในตัวแทนที่สว่างที่สุดของ "อิมเพรสชั่นนิสม์รัสเซีย"
ในผลงานของ Korovin เราสามารถมองเห็นความปรารถนาที่จะบรรลุโซลูชันภาพสังเคราะห์ผ่านการปรับแสงและเงาความกลมกลืนของความสัมพันธ์ของวรรณยุกต์ เช่น "Northern idyll" (1886) "ที่ระเบียง ชาวสเปน Leonora และ Ampara "(1888)," Hammerfest. แสงเหนือ "(พ.ศ. 2438) และอื่น ๆ . และถัดจากการวางแนว "Korovin" ที่แตกต่างกัน - ภาพเหมือนของศิลปินเดี่ยวของ Russian Private Opera TS Lyubatovich (ครึ่งหลังของปี 1880) ดึงดูดด้วยแนวคิดสีที่สวยงามภาพรื่นเริงรื่นเริงหรือภาพร่างของช่วงต้นทศวรรษ 1890 "คาเฟ่สไตล์ปารีส" ซึ่งเป็นครั้งแรกที่ผลงานของ Korovin ถ่ายทอด "กลิ่นหอม" อันละเอียดอ่อนของอากาศในเมืองหลวงของฝรั่งเศสได้อย่างทะลุปรุโปร่ง
หลักการสำคัญของวิธีการของ Korovin คือความสามารถในการเปลี่ยนแรงจูงใจที่ธรรมดาที่สุดและไม่น่าสนใจได้อย่างชัดเจนด้วยวิธีการที่มองเห็นได้อย่างแม่นยำและในขณะที่มันจับเนื้อหาสีให้กลายเป็นภาพที่สวยงามได้ในทันที
ปารีสในภาพวาดของ Korovin
การเข้าพักในปารีสระหว่างการจัดเตรียมงานนิทรรศการโลกการเข้าพักครั้งนี้ถือเป็นเรื่องรองและมีความหมายมากกว่านั้น - เปิดโลกทัศน์ของศิลปินให้มองเห็นภาพวาดฝรั่งเศสร่วมสมัย เขาศึกษาอิมเพรสชั่นนิสต์จึงสอดคล้องกับแรงบันดาลใจของเขา แต่ก็ยังคงแปลกแยกสำหรับขบวนการหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ทั้งหมด ในช่วงทศวรรษที่ 1900 Korovin ได้สร้างซีรีส์ที่มีชื่อเสียงของเขา "Paris" มุมมองของเขาที่มีต่อปารีสนั้นแตกต่างจากอิมเพรสชันนิสต์ที่เขียนตรงและอารมณ์มากกว่า พวกเขาถูกครอบงำโดยความปรารถนาของเจ้านาย "ที่จะฉีกเสน่ห์ที่มีอยู่ในแนวนอน" (อ้างอิงจาก B. Ioganson นักเรียนของ Korovin)
ศิลปินกำลังมองหาสถานะการเปลี่ยนผ่านและไม่คาดคิดที่ลึกซึ้งที่สุดในชีวิตของเมือง - ปารีสยามเช้าปารีสตอนค่ำตอนเย็นและเมืองกลางคืน (ปารีสตอนเช้า 1906 ปารีสในตอนเย็น 1907; ทไวไลท์ในปารีส 2454) หมอกควันยามเช้าและแสงสั่นไหวของดวงอาทิตย์ขึ้นทไวไลท์สีม่วงกับต้นไม้สีเขียวที่ยังไม่มัวหมองและโคมไฟที่ส่องสว่างแล้วความหนาแน่นอันนุ่มนวลของท้องฟ้าสีฟ้าเข้มและการกระเจิงของแสงไฟในยามค่ำคืนของปารีส ... Korovin ในสิ่งเล็กน้อยเหล่านี้บรรลุเกือบ ความจริงเชิงสารคดีเกี่ยวกับความประทับใจทางสายตาและในขณะเดียวกันสิ่งนี้นำไปสู่จิตวิญญาณที่น่าอัศจรรย์ภาพที่บริสุทธิ์ของเมือง ด้วยวิธีการแก้ปัญหาโทนสีที่ซับซ้อนในภาพร่างเล็ก ๆ เขาประสบความสำเร็จทั้งการแสดงออกที่ดีที่สุดในระดับของภาพสำเร็จรูปขนาดใหญ่และผลของการมีส่วนร่วมทางอารมณ์ที่น่าตื่นเต้นของผู้ชมกับสิ่งที่เขาเห็น
“ ฉันต้องการให้สายตาของผู้ชมเพลิดเพลินไปกับสุนทรียภาพและความรู้สึกของจิตวิญญาณ - ดนตรี” Korovin เคยกล่าวไว้
รูปภาพของภาพวาด
ปารีสในภาพวาดของ Korovin
พัฒนาการของภาพวาดในยุโรปมีความเกี่ยวข้องกับลัทธิประทับใจ คำนี้เกิดโดยบังเอิญ เหตุผลก็คือชื่อของภูมิทัศน์โดย C. Monet“ Impression. พระอาทิตย์ขึ้น "(ดูภาคผนวก # 1, รูปที่ 3) (จากความประทับใจของชาวฝรั่งเศส - ความประทับใจ) ซึ่งปรากฏในนิทรรศการของอิมเพรสชั่นนิสต์ในปี พ.ศ. 2417 นี่เป็นการปรากฏตัวต่อสาธารณะครั้งแรกของกลุ่มศิลปินซึ่งรวมถึง C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro และคนอื่น ๆ ได้รับการต้อนรับจากการวิพากษ์วิจารณ์อย่างเป็นทางการของชนชั้นกลางด้วยการเยาะเย้ยและการคุกคามอย่างหยาบคาย จริงอยู่ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1880 เทคนิคที่เป็นทางการในการวาดภาพของพวกเขาถูกนำไปใช้โดยตัวแทนของศิลปะวิชาการซึ่งทำให้เดอกาส์มีเหตุผลที่ควรสังเกตด้วยความขมขื่น: "เราถูกยิง แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็รื้อค้นกระเป๋าของเรา"
ตอนนี้เมื่อการถกเถียงกันอย่างดุเดือดเกี่ยวกับอิมเพรสชั่นนิสม์เป็นเรื่องในอดีตแทบไม่มีใครกล้าโต้แย้งว่าขบวนการอิมเพรสชั่นนิสต์เป็นอีกก้าวหนึ่งของการพัฒนาภาพวาดเหมือนจริงของยุโรป "อิมเพรสชั่นนิสม์เป็นศิลปะแห่งการสังเกตความเป็นจริงประการแรกซึ่งมีความซับซ้อนเป็นประวัติการณ์" (VN Prokofiev) ด้วยความมุ่งมั่นเพื่อความรวดเร็วและแม่นยำสูงสุดในการถ่ายทอดโลกที่มองเห็นพวกเขาเริ่มวาดภาพในที่โล่งเป็นหลักและยกระดับความสำคัญของภาพร่างจากธรรมชาติซึ่งเกือบจะแทนที่ภาพวาดแบบดั้งเดิมโดยสร้างขึ้นอย่างระมัดระวังและช้าๆในสตูดิโอ
อิมเพรสชั่นนิสต์ทำให้จานสีของพวกเขากระจ่างใสอย่างต่อเนื่องอิมเพรสชั่นนิสต์ได้ปลดปล่อยภาพวาดจากการเคลือบเงาและสีจากดินและสีน้ำตาล ความดำมืดแบบ "พิพิธภัณฑ์" ในผืนผ้าใบทำให้เกิดการแสดงปฏิกิริยาตอบสนองและเงาสีที่หลากหลายไม่รู้จบ พวกเขาขยายความเป็นไปได้ของงานศิลปะอย่างล้นหลามไม่เพียง แต่ค้นพบโลกแห่งดวงอาทิตย์แสงและอากาศเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสวยงามของหมอกบรรยากาศที่ไม่สงบของชีวิตในเมืองใหญ่แสงไฟยามค่ำคืนที่กระจัดกระจายและจังหวะของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่อง
เนื่องจากวิธีการทำงานในที่โล่งมากภูมิทัศน์รวมถึงภูมิทัศน์ของเมืองที่พวกเขาค้นพบจึงเป็นสถานที่ที่สำคัญมากในงานศิลปะของอิมเพรสชั่นนิสต์ ผลงานของ Edouard Manet จิตรกรในศตวรรษที่ 19 ที่โดดเด่น (1832-1883) เป็นเครื่องพิสูจน์ว่าประเพณีออร์แกนิกและนวัตกรรมผสานเข้ากับศิลปะของอิมเพรสชั่นนิสต์ได้อย่างไร จริงอยู่ตัวเขาเองไม่ได้คิดว่าตัวเองเป็นตัวแทนของลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์และมักจะถูกจัดแสดงแยกกันเสมอ แต่ในเชิงอุดมคติและเชิงอุดมคติเขาเป็นทั้งผู้บุกเบิกและผู้นำทางอุดมการณ์ของขบวนการนี้อย่างไม่ต้องสงสัย
ในช่วงเริ่มต้นอาชีพของเขา E. ในสายตาของชนชั้นกลางและนักวิจารณ์งานศิลปะของเขากลายเป็นความหมายที่ตรงกันกับสิ่งที่น่าเกลียดและศิลปินเองก็ถูกเรียกว่า "คนบ้าที่วาดภาพสั่นไหวด้วยความหวาดกลัว" (M. de Montifo) (ดูภาคผนวกที่ 1, รูปที่ 4) มีเพียงจิตใจที่ฉลาดที่สุดในยุคนั้นเท่านั้นที่สามารถชื่นชมของขวัญจากมาเนต์ได้ ในหมู่พวกเขามี C. Baudelaire และ E. Zola หนุ่มผู้ประกาศว่า "Monsieur Manet ถูกกำหนดให้เป็นสถานที่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์"
การแสดงออกของอิมเพรสชั่นนิสต์ที่สอดคล้องกันมากที่สุด แต่ยังกว้างไกลพบได้ในงานของ Claude Monet (1840-1926) ชื่อของเขามักจะเกี่ยวข้องกับความสำเร็จของวิธีการแสดงภาพนี้เช่นการส่งผ่านสถานะการเปลี่ยนผ่านที่เข้าใจยากของการส่องสว่างการสั่นสะเทือนของแสงและอากาศความสัมพันธ์ของพวกเขาในกระบวนการเปลี่ยนแปลงและการเปลี่ยนแปลงไม่หยุดหย่อน “ นี่เป็นชัยชนะที่ยิ่งใหญ่ของศิลปะแห่งยุคใหม่อย่างไม่ต้องสงสัย” VN Prokofiev เขียนและเสริมว่า:“ แต่ยังเป็นชัยชนะครั้งสุดท้ายของเขาด้วย” ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Cezanne แม้ว่าจะทำให้ตำแหน่งของเขาคมชัดขึ้น แต่ก็เป็นที่ถกเถียงกันในภายหลังว่างานศิลปะของ Monet นั้นเป็น "เพียงตา"
งานในช่วงแรกของ Monet ค่อนข้างเป็นแบบดั้งเดิม พวกเขายังคงมีรูปมนุษย์ซึ่งต่อมากลายเป็นพนักงานมากขึ้นเรื่อย ๆ และค่อยๆหายไปจากภาพวาดของเขา ในช่วงทศวรรษที่ 1870 ในที่สุดรูปแบบอิมเพรสชั่นนิสต์ของศิลปินก็ก่อตัวขึ้นจากนี้ไปเขาอุทิศตัวเองให้กับภูมิทัศน์ ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาเขาทำงานเกือบเฉพาะในที่โล่ง ในงานของเขาที่ในที่สุดประเภทของภาพขนาดใหญ่ - การศึกษา - ได้รับการจัดตั้งขึ้น
หนึ่งในโมเนต์แรกเริ่มสร้างชุดภาพวาดที่มีการสร้างลวดลายเดียวกันซ้ำ ๆ ในช่วงเวลาต่างๆของปีและวันภายใต้สภาพแสงและสภาพอากาศที่แตกต่างกัน (ดูภาคผนวกหมายเลข 1, รูปที่ 5, 6) ไม่ใช่ทั้งหมดที่เท่าเทียมกัน แต่ภาพวาดที่ดีที่สุดของซีรีส์เหล่านี้ทำให้ประหลาดใจด้วยความสดของสีความเข้มของสีและศิลปะในการถ่ายทอดเอฟเฟกต์แสง
ในช่วงปลายของความคิดสร้างสรรค์ในการวาดภาพแนวโน้มของการตกแต่งและความเรียบของโมเนต์ทวีความรุนแรงขึ้น ความสว่างและความบริสุทธิ์ของสีเปลี่ยนเป็นตรงกันข้ามความขาวบางส่วนจะปรากฏขึ้น เมื่อพูดถึงการที่อิมเพรสชั่นนิสต์ผู้ล่วงลับใช้ "โทนสีอ่อนที่เปลี่ยนงานบางชิ้นให้กลายเป็นผืนผ้าใบที่เปลี่ยนสี" อีโซล่าเขียนว่า: "และวันนี้ไม่มีอะไรเลยนอกจากอากาศที่น่ารื่นรมย์ ... ตัวเลขเป็นเพียงจุดเฉพาะจุดเท่านั้น "...
จิตรกรอิมเพรสชั่นนิสต์คนอื่น ๆ ส่วนใหญ่เป็นจิตรกรภูมิทัศน์ ผลงานของพวกเขามักจะอยู่ในเงามืดข้างภาพโมเนต์ที่มีสีสันและน่าประทับใจอย่างแท้จริงแม้ว่าพวกเขาจะไม่ได้ด้อยไปกว่าเขาด้วยความระมัดระวังในการมองเห็นธรรมชาติและทักษะการวาดภาพ ในบรรดาชื่อของ Alfred Sisley (1839-1899) และ Camille Pissarro (1831-1903) ควรได้รับการกล่าวถึงก่อน ผลงานของซิสเล่ย์ชาวอังกฤษโดยกำเนิดมีความสง่างามเป็นพิเศษ เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านอากาศที่ยอดเยี่ยมเขารู้วิธีถ่ายทอดอากาศที่โปร่งใสของเช้าฤดูหนาวที่แจ่มใสหมอกควันบางเบาที่อบอุ่นจากดวงอาทิตย์เมฆที่วิ่งผ่านท้องฟ้าในวันที่ลมแรง ช่วงนี้มีความโดดเด่นในเรื่องความมีชีวิตชีวาของเฉดสีและความเที่ยงตรงของโทนสี ภูมิทัศน์ของศิลปินมักจะเต็มไปด้วยอารมณ์ที่ลึกซึ้งสะท้อนให้เห็นถึงการรับรู้ธรรมชาติที่เป็นโคลงสั้น ๆ ของเขา (ดูภาคผนวก # 1, รูปที่ 7, 8, 9)
สิ่งที่ซับซ้อนกว่านั้นคือเส้นทางสร้างสรรค์ของ Pissarro ศิลปินเพียงคนเดียวที่เข้าร่วมในนิทรรศการทั้งแปดของ Impressionists - J. Rewald เรียกเขาว่า "ปรมาจารย์" ของขบวนการนี้ เริ่มจากทิวทัศน์ที่ใกล้เคียงกับการวาดภาพของชาวบาร์บิซอนเขาภายใต้อิทธิพลของมาเนต์และเพื่อนหนุ่มสาวของเขาเริ่มทำงานในที่โล่งโดยเน้นจานสีอย่างสม่ำเสมอ เขาค่อยๆพัฒนาวิธีการอิมเพรสชั่นนิสต์ของตัวเอง เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกที่ละทิ้งการใช้สีดำ Pissarro มีแนวโน้มที่จะใช้วิธีการเชิงวิเคราะห์ในการวาดภาพมาโดยตลอดดังนั้นการทดลองของเขาเกี่ยวกับการสลายตัวของสี - "การแบ่งแยก" และ "pointellism" อย่างไรก็ตามในไม่ช้าเขาก็กลับมาสู่รูปแบบอิมเพรสชั่นนิสต์ที่สร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขานั่นคือชุดทิวทัศน์เมืองในปารีสที่ยอดเยี่ยม (ดูภาคผนวก # 1, รูปที่ 10,11,12,13) องค์ประกอบของพวกเขาถูกคิดออกมาและสมดุลเสมอภาพวาดได้รับการขัดเกลาด้วยสีและความสามารถในการใช้เทคนิค
ในรัสเซียภูมิทัศน์ของเมืองในลัทธิประทับใจได้รับการรู้แจ้งโดย Konstantin Korovin "ปารีสทำให้ฉันตกใจ ... พวกอิมเพรสชั่นนิสต์ ... ในนั้นฉันเห็นสิ่งที่ฉันถูกดุในมอสโกว" Korovin (2404-2482) พร้อมกับ Valentin Serov เพื่อนของเขาเป็นบุคคลสำคัญของลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์ของรัสเซีย ภายใต้อิทธิพลที่ยิ่งใหญ่ของขบวนการฝรั่งเศสเขาได้สร้างสไตล์ของตัวเองซึ่งผสมผสานองค์ประกอบหลักของอิมเพรสชั่นนิสม์ฝรั่งเศสเข้ากับสีสันของศิลปะรัสเซียในยุคนั้น (ดูภาคผนวก # 1, รูปที่ 15)
แนวโน้มที่ใหญ่ที่สุดอย่างหนึ่งของศิลปะในช่วงทศวรรษที่ผ่านมาของศตวรรษที่สิบเก้าและต้นศตวรรษที่ยี่สิบคือลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งแพร่กระจายไปทั่วโลกจากฝรั่งเศส ตัวแทนของ บริษัท มีส่วนร่วมในการพัฒนาวิธีการและเทคนิคการวาดภาพดังกล่าวซึ่งจะช่วยให้ภาพสะท้อนของโลกแห่งความเป็นจริงมีชีวิตชีวาและเป็นธรรมชาติที่สุดในการเปลี่ยนแปลงเพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่หายวับไป
ศิลปินหลายคนสร้างภาพวาดในสไตล์อิมเพรสชั่นนิสม์ แต่ผู้ก่อตั้งขบวนการนี้คือ Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Bazille, Camille Pissarro เป็นไปไม่ได้ที่จะตั้งชื่อผลงานที่ดีที่สุดของพวกเขาเนื่องจากพวกเขาทั้งหมดสวยงาม แต่มีผลงานที่โด่งดังที่สุดและเป็นเรื่องเกี่ยวกับพวกเขาที่จะกล่าวถึงด้านล่าง
Claude Monet:“ ความประทับใจ อาทิตย์อุทัย "
ผืนผ้าใบสำหรับเริ่มการสนทนาเกี่ยวกับภาพวาดที่ดีที่สุดของอิมเพรสชั่นนิสต์ Claude Monet วาดภาพในปีพ. ศ. 2415 จากชีวิตในท่าเรือเก่าของเลออาฟร์ประเทศฝรั่งเศส สองปีต่อมาภาพวาดนี้ถูกนำไปแสดงต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรกในการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Nadar ศิลปินและนักเขียนการ์ตูนชาวฝรั่งเศส นิทรรศการนี้กลายเป็นเวรเป็นกรรมสำหรับโลกศิลปะ รู้สึกประทับใจ (ไม่ใช่ในแง่ที่ดีที่สุด) จากผลงานของ Monet ซึ่งมีชื่อในภาษาดั้งเดิมว่า "Impression, soleil levant" นักข่าวคนแรกที่ Louis Leroy ได้แนะนำคำว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์" ในการเผยแพร่ซึ่งแสดงถึงทิศทางใหม่ในการวาดภาพ
ภาพวาดนี้ถูกขโมยไปในปี 1985 พร้อมกับผลงานของ O. Renoir และ B. พวกเขาค้นพบเธอในอีกห้าปีต่อมา ปัจจุบัน "ความประทับใจ. The Rising Sun” เป็นของพิพิธภัณฑ์ Marmottan-Monet ในปารีส
Edouard Monet: โอลิมเปีย
ภาพวาด "โอลิมเปีย" ซึ่งสร้างโดยเอดูอาร์ดมาเนต์อิมเพรสชันนิสต์ชาวฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2406 เป็นหนึ่งในผลงานจิตรกรรมสมัยใหม่ชิ้นเอก ถูกนำเสนอครั้งแรกที่ Paris Salon ในปี 1865 จิตรกรแนวอิมเพรสชั่นนิสต์และภาพวาดของพวกเขามักเป็นศูนย์กลางของเรื่องอื้อฉาวที่มีชื่อเสียง อย่างไรก็ตามโอลิมเปียกลายเป็นสาเหตุที่ทำให้พวกเขาใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะ
บนผืนผ้าใบเราเห็นผู้หญิงเปลือยใบหน้าและลำตัวหันหน้าเข้าหาผู้ชม ตัวละครที่สองคือสาวใช้ผิวเข้มถือช่อดอกไม้หรูหราห่อด้วยกระดาษ ที่ปลายเตียงมีลูกแมวสีดำท่าทางมีลักษณะหลังโค้ง ไม่ค่อยมีใครรู้ประวัติความเป็นมาของภาพวาดมีเพียงสองร่างเท่านั้นที่มาหาเรา โมเดลนี้น่าจะเป็นโมเดลที่ชอบที่สุดของ Manet - Quiz Mönard เชื่อกันว่าศิลปินใช้ภาพของ Marguerite Bellange - นายหญิงของนโปเลียน
ในช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์เมื่อโอลิมเปียถูกสร้างขึ้นมาเนต์หลงใหลในศิลปะญี่ปุ่นดังนั้นจึงจงใจปฏิเสธที่จะอธิบายความแตกต่างของความมืดและแสงอย่างละเอียด ด้วยเหตุนี้ผู้ร่วมสมัยของเขาจึงไม่เห็นปริมาตรของรูปที่ปรากฎพวกเขาคิดว่ามันแบนและหยาบ ศิลปินถูกกล่าวหาว่าทำผิดศีลธรรมและหยาบคาย ภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์ไม่เคยกระตุ้นความตื่นเต้นและการเยาะเย้ยจากฝูงชนมาก่อน ฝ่ายบริหารถูกบังคับให้วางยามรอบตัวเธอ เดอกาส์เปรียบเทียบชื่อเสียงของมาเนต์ชนะโอลิมเปียและความกล้าหาญที่เขายอมรับคำวิจารณ์กับเรื่องราวชีวิตของการิบัลดี
เกือบหนึ่งในสี่ของศตวรรษหลังการจัดแสดงผืนผ้าใบถูกเก็บไว้ให้พ้นสายตาของศิลปินหลัก จากนั้นก็จัดแสดงอีกครั้งในปารีสในปี 2432 เกือบจะถูกซื้อไปแล้ว แต่เพื่อน ๆ ของศิลปินรวบรวมได้ตามจำนวนที่ต้องการและซื้อ "โอลิมเปีย" จากม่าย Manet จากนั้นก็บริจาคให้รัฐ วันนี้ภาพวาดเป็นของพิพิธภัณฑ์ออร์เซในปารีส
ออกุสต์เรอนัวร์: "Big Bathers"
ภาพวาดนี้วาดโดยศิลปินชาวฝรั่งเศสในปีพ. ศ. 2427-2530 เมื่อคำนึงถึงภาพวาดอิมเพรสชันนิสต์ที่มีชื่อเสียงทั้งหมดในขณะนี้ระหว่างปีพ. ศ. 2406 ถึงต้นศตวรรษที่ยี่สิบ "Big Bathers" เรียกว่าผืนผ้าใบที่ใหญ่ที่สุดที่มีรูปผู้หญิงเปลือย เรอนัวร์ทำงานมานานกว่าสามปีและในช่วงเวลานี้มีการสร้างภาพร่างและภาพร่างขึ้นมากมาย ไม่มีภาพวาดอื่นใดในงานของเขาที่เขาทุ่มเทเวลาให้มาก
เบื้องหน้าผู้ชมมองเห็นผู้หญิงเปลือยสามคนสองคนอยู่บนฝั่งและคนที่สามอยู่ในน้ำ ตัวเลขถูกวาดอย่างสมจริงและชัดเจนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์ของศิลปิน นางแบบของ Renoir ได้แก่ Alina Sharigo (ภรรยาในอนาคตของเขา) และ Suzanne Valadon ซึ่งในอนาคตจะกลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงด้วยตัวเอง
Edgar Degas: "นักเต้นสีน้ำเงิน"
ภาพวาดอิมเพรสชันนิสต์ที่เป็นที่รู้จักทั้งหมดในบทความนี้ไม่ได้วาดด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบ ภาพด้านบนช่วยให้คุณเข้าใจว่าภาพวาด "Blue Dancers" คืออะไร ทำด้วยสีพาสเทลบนแผ่นกระดาษขนาด 65x65 ซม. และเป็นช่วงปลายของผลงานของศิลปิน (พ.ศ. 2440) เขาวาดภาพด้วยการมองเห็นที่บกพร่องอยู่แล้วดังนั้นองค์กรตกแต่งจึงมีความสำคัญยิ่ง: ภาพถูกมองว่าเป็นจุดสีขนาดใหญ่โดยเฉพาะเมื่อมองจากระยะใกล้ หัวข้อของนักเต้นใกล้เคียงกับเดกาส์ เธอซ้ำแล้วซ้ำเล่าในงานของเขา นักวิจารณ์หลายคนเชื่อว่าความกลมกลืนของสีและองค์ประกอบ "Blue Dancers" ถือได้ว่าเป็นผลงานที่ดีที่สุดของศิลปินในหัวข้อนี้ ปัจจุบันภาพวาดดังกล่าวถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะ A.S. Pushkin ในมอสโก
Frederic Bazille: "ชุดสีชมพู"
หนึ่งในผู้ก่อตั้ง French Impressionism Frederic Bazille เกิดในครอบครัวชนชั้นกลางของผู้ผลิตไวน์ที่ร่ำรวย ในช่วงหลายปีของการศึกษาที่ Lyceum เขาเริ่มมีส่วนร่วมในการวาดภาพ หลังจากย้ายไปปารีสเขาได้ทำความรู้จักกับ C. Monet และ O. Renoir น่าเสียดายที่ศิลปินถูกลิขิตให้มีเส้นทางชีวิตที่สั้น เขาเสียชีวิตเมื่ออายุ 28 ปีที่ด้านหน้าในช่วงสงครามฝรั่งเศส - ปรัสเซีย อย่างไรก็ตามผืนผ้าใบของเขาแม้จะมีเพียงไม่กี่ชิ้นก็รวมอยู่ในรายการ "ภาพวาดที่ดีที่สุดของอิมเพรสชันนิสต์" อย่างถูกต้อง หนึ่งในนั้นคือชุดเดรสสีชมพูวาดในปี 1864 โดยสิ่งที่บ่งชี้ทั้งหมดผืนผ้าใบสามารถนำมาประกอบกับลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์ในยุคแรก ๆ ได้แก่ ความแตกต่างของสีการให้ความสนใจกับสีแสงแดดและช่วงเวลาที่เยือกแข็งซึ่งเป็นสิ่งที่เรียกว่า "ความประทับใจ" นางแบบคนนี้เป็นลูกพี่ลูกน้องของศิลปินชื่อเทเรซาเดอฮอร์ส ปัจจุบันภาพวาดนี้เป็นของMusée d'Orsay ในปารีส
Camille Pissaro:“ Boulevard Montmartre บ่ายแดดออก”
Camille Pissarro มีชื่อเสียงในด้านภูมิทัศน์ของเขาโดยมีลักษณะเฉพาะคือการแสดงภาพของแสงและวัตถุที่ส่องสว่าง ผลงานของเขาส่งผลกระทบอย่างเห็นได้ชัดในแนวอิมเพรสชั่นนิสม์ ศิลปินได้พัฒนาหลักการโดยธรรมชาติหลายอย่างของเขาอย่างอิสระซึ่งเป็นพื้นฐานของความคิดสร้างสรรค์ในอนาคต
Pissaro ชอบเขียนสถานที่เดียวกันในช่วงเวลาต่างๆของวัน เขามีภาพวาดทั้งชุดที่มีถนนและถนนในปารีส ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Boulevard Montmartre (พ.ศ. 2440) สะท้อนให้เห็นถึงเสน่ห์ทั้งหมดที่ศิลปินมองเห็นในชีวิตที่สงบและไม่สงบของมุมนี้ของปารีส เมื่อดูถนนจากสถานที่เดียวกันเขาแสดงให้ผู้ชมเห็นในวันที่แดดจ้าและมีเมฆมากในตอนเช้าตอนบ่ายและตอนเย็น ภาพด้านล่างแสดงภาพวาด Boulevard Montmartre ในเวลากลางคืน
สไตล์นี้ถูกนำมาใช้โดยศิลปินหลายคนในเวลาต่อมา เราจะพูดถึงเฉพาะภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ที่วาดภายใต้อิทธิพลของปิสซาร์โร แนวโน้มนี้สามารถเห็นได้ชัดเจนในผลงานของ Monet (ชุดภาพวาด "Stoga")
Alfred Sisley: สนามหญ้าในฤดูใบไม้ผลิ
"สนามหญ้าในฤดูใบไม้ผลิ" เป็นหนึ่งในภาพวาดล่าสุดของจิตรกรภูมิทัศน์ Alfred Sisley ซึ่งเขียนขึ้นในปี 1880-1881 ผู้ชมมองเห็นเส้นทางป่าริมฝั่งแม่น้ำแซนโดยมีหมู่บ้านอยู่ฝั่งตรงข้าม เบื้องหน้าคือเด็กผู้หญิง - ลูกสาวของศิลปิน Jeanne Sisley
ทิวทัศน์ของศิลปินถ่ายทอดบรรยากาศที่แท้จริงของภูมิภาคประวัติศาสตร์ของ Ile-de-France และยังคงความนุ่มนวลและความโปร่งใสเป็นพิเศษของปรากฏการณ์ทางธรรมชาติในฤดูกาลที่เฉพาะเจาะจง ศิลปินไม่เคยเป็นผู้สนับสนุนเอฟเฟกต์ที่ผิดปกติและยึดติดกับองค์ประกอบที่เรียบง่ายและจานสีที่ จำกัด ขณะนี้ภาพวาดถูกเก็บไว้ในหอศิลป์แห่งชาติในลอนดอน
เราได้แสดงรายการภาพวาดอิมเพรสชันนิสต์ที่มีชื่อเสียงที่สุด (พร้อมชื่อเรื่องและคำอธิบาย) นี่คือผลงานชิ้นเอกของภาพวาดโลก รูปแบบการวาดภาพที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งมีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสในตอนแรกถูกมองว่าเป็นการล้อเลียนและการประชดนักวิจารณ์เน้นย้ำถึงความประมาทของศิลปินอย่างตรงไปตรงมาในการเขียนแคนวาส ตอนนี้แทบไม่มีใครกล้าท้าทายอัจฉริยะของพวกเขา ภาพวาดอิมเพรสชันนิสต์จัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกและเป็นนิทรรศการต้อนรับสำหรับคอลเลกชันส่วนตัวใด ๆ
สไตล์ไม่ได้จมดิ่งสู่การลืมเลือนและมีผู้ติดตามจำนวนมาก Andrei Koch เพื่อนร่วมชาติของเราจิตรกรชาวฝรั่งเศส Laurent Parsellier สตรีชาวอเมริกัน Diana Leonard และ Karen Tarlton เป็นอิมเพรสชันนิสต์สมัยใหม่ที่มีชื่อเสียง ภาพวาดของพวกเขาทำในรูปแบบประเพณีที่ดีที่สุดซึ่งเต็มไปด้วยสีสันสดใสจังหวะและชีวิตที่โดดเด่น ภาพด้านบนเป็นผลงานของ Laurent Parcelier "In the Rays of the Sun"
18-19 ศตวรรษ โดดเด่นด้วยยุครุ่งเรืองของศิลปะยุโรป ในฝรั่งเศสจักรพรรดินโปเลียนที่ 3 สั่งให้มีการสร้างปารีสขึ้นใหม่หลังจากการสู้รบในช่วงสงครามฝรั่งเศส - ปรัสเซีย ปารีสกลายเป็น "เมืองที่ส่องแสง" แบบเดียวกับที่อยู่ภายใต้จักรวรรดิที่สองและประกาศตัวเองอีกครั้งว่าเป็นศูนย์กลางของศิลปะยุโรป ดังนั้นจิตรกรอิมเพรสชั่นนิสม์หลายคนจึงหันมาสนใจธีมของเมืองสมัยใหม่ในผลงานของพวกเขา ในผลงานของพวกเขาเมืองสมัยใหม่ไม่ใช่สัตว์ประหลาด แต่เป็นสถานที่ของบ้านเกิดที่ผู้คนอาศัยอยู่ ผลงานจำนวนมากอิ่มตัวไปด้วยความรู้สึกรักชาติ
สิ่งนี้สามารถเห็นได้โดยเฉพาะในภาพวาดของ Claude Monet เขาสร้างภาพวาดมากกว่า 30 ภาพพร้อมทิวทัศน์ของวิหาร Rouen ในสภาพแสงและบรรยากาศที่หลากหลาย ตัวอย่างเช่นในปีพ. ศ. 2437 Monet ได้วาดภาพสองภาพคือ "Rouen Cathedral at noon" และ "Rouen Cathedral in the evening" ภาพวาดทั้งสองแสดงให้เห็นส่วนเดียวกันของมหาวิหาร แต่มีโทนสีที่แตกต่างกัน - ในโทนสีเหลือง - ชมพูอันอบอุ่นของช่วงเที่ยงวันและในเฉดสีฟ้าเย็นของแสงทไวไลท์ที่กำลังจะตาย ในภาพวาดจุดที่มีสีสันจะสลายเส้นไปโดยสิ้นเชิงศิลปินไม่ได้บ่งบอกถึงน้ำหนักวัสดุของหิน แต่เป็นม่านที่มีสีสันอ่อน ๆ
อิมเพรสชันนิสต์พยายามที่จะทำให้ภาพดูเหมือนหน้าต่างที่เปิดกว้างซึ่งมองเห็นโลกแห่งความเป็นจริง บ่อยครั้งที่พวกเขาเลือกมุมมองจากหน้าต่างไปยังถนน Boulevard des Capucines ที่มีชื่อเสียงโดย C.Monet วาดในปีพ. ศ. 2416 และแสดงในนิทรรศการอิมเพรสชันนิสต์ครั้งแรกในปีพ. ศ. 2417 เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของเทคนิคนี้ มีนวัตกรรมมากมายที่นี่ - มุมมองของถนนในเมืองขนาดใหญ่ถูกเลือกให้เป็นแรงจูงใจสำหรับภูมิทัศน์ แต่ศิลปินสนใจรูปลักษณ์โดยรวมไม่ใช่สถานที่ท่องเที่ยว โดยทั่วไปแล้วผู้คนจำนวนมากจะแสดงให้เห็นด้วยจังหวะการเลื่อนซึ่งโดยทั่วไปแล้วเป็นการยากที่จะสร้างตัวเลขแต่ละตัว
Monet บ่งบอกถึงความประทับใจของผู้ชมในทันทีที่มีต่ออากาศสั่นสะเทือนที่แทบจะสังเกตเห็นได้ในทันทีผู้คนที่เดินลึกเข้าไปในถนนผู้คนและออกจากรถม้า เขาทำลายความคิดเรื่องระนาบของผืนผ้าใบสร้างภาพลวงตาของอวกาศและเติมเต็มด้วยแสงอากาศและการเคลื่อนไหว ดวงตาของมนุษย์พุ่งไปสู่ความไม่มีที่สิ้นสุดและไม่มีจุด จำกัด ที่จะหยุดได้
จุดชมวิวที่สูงช่วยให้ศิลปินละทิ้งฉากหน้าและเขาสื่อถึงแสงแดดที่สาดส่องซึ่งตรงกันข้ามกับเงาสีน้ำเงินอมม่วงของบ้านที่ตั้งอยู่บนทางเท้าริมถนน ด้านที่มีแสงแดดส่องถึงของ Monet จะให้สีส้มอบอุ่นเป็นสีทองและมีร่มเงา - สีม่วง แต่หมอกควันในอากาศเพียงครั้งเดียวทำให้ภูมิทัศน์ทั้งหมดมีความกลมกลืนกันและโครงร่างของบ้านและต้นไม้ปรากฏขึ้นในอากาศซึ่งถูกแสงแดดส่องทะลุผ่าน
ในปีพ. ศ. 2415 ใน Le Havre Monet เขียนว่า "Impression พระอาทิตย์ขึ้น” - ทิวทัศน์ของท่าเรือเลออาฟร์ซึ่งนำเสนอในภายหลังในนิทรรศการแรกของอิมเพรสชั่นนิสต์ ที่นี่ศิลปินอย่างที่คุณเห็นในที่สุดก็ปลดปล่อยตัวเองจากแนวคิดที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปเกี่ยวกับวัตถุของภาพเป็นปริมาตรที่แน่นอนและอุทิศตัวเองทั้งหมดเพื่อถ่ายทอดสภาวะชั่วขณะของบรรยากาศด้วยโทนสีฟ้าและสีชมพู - ส้ม ที่จริงทุกอย่างดูเหมือนจะไร้สาระ: ท่าเรือและเรือผสานกับริ้วบนท้องฟ้าและเงาสะท้อนในน้ำภาพเงาของชาวประมงและเรือที่อยู่เบื้องหน้าเป็นเพียงจุดมืดที่เกิดขึ้นจากจังหวะที่รุนแรงหลายครั้ง การปฏิเสธเทคนิคทางวิชาการการวาดภาพในที่โล่งและการเลือกวิชาที่ผิดปกติได้รับความเป็นปรปักษ์จากนักวิจารณ์ในยุคนั้น Louis Leroy ผู้เขียนบทความสุดเกรี้ยวกราดที่ปรากฏในนิตยสาร "Sharivari" ซึ่งเกี่ยวข้องกับภาพนี้เป็นครั้งแรกโดยใช้คำว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์" เป็นคำจำกัดความของเทรนด์ใหม่ในการวาดภาพ
ผลงานที่โดดเด่นอีกชิ้นที่อุทิศให้กับเมืองนี้คือภาพวาดโดย Claude Monet "Gare de Saint-Lazare" จากรูปแบบของสถานี Saint-Lazare Monet ได้ดำเนินการภาพวาดกว่าสิบภาพโดย 7 ภาพถูกจัดแสดงในนิทรรศการอิมเพรสชันนิสต์ครั้งที่ 3 ในปี พ.ศ. 2420
Monet เช่าอพาร์ทเมนต์เล็ก ๆ บน Rue Moncy ซึ่งอยู่ไม่ไกลจากสถานีรถไฟ ศิลปินได้รับเสรีภาพในการดำเนินการอย่างสมบูรณ์ การเคลื่อนตัวของรถไฟถูกระงับชั่วคราวและเขาสามารถมองเห็นชานชาลาได้อย่างชัดเจนเตาเผาตู้รถไฟไอน้ำซึ่งเต็มไปด้วยถ่านหินเพื่อให้ไอน้ำไหลออกจากท่อ โมเนต์ "ปักหลัก" ที่สถานีอย่างมั่นคงผู้โดยสารต่างเฝ้าดูเขาด้วยความคารวะและหวาดกลัว
เนื่องจากรูปลักษณ์ของสถานีมีการเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลาโมเนต์จึงทำการสเก็ตช์ "ธรรมชาติ" เท่านั้นและในเวิร์กช็อปเขาก็เขียนภาพด้วยตัวเอง บนรางเราจะเห็นสถานีรถไฟขนาดใหญ่ที่ปกคลุมไปด้วยหลังคาซึ่งยึดติดกับเสาเหล็ก มีชานชาลาทางซ้ายและขวารางหนึ่งสำหรับรถไฟโดยสารและอีกรางหนึ่งสำหรับรถไฟทางไกล บรรยากาศพิเศษถ่ายทอดผ่านความเปรียบต่างระหว่างแสงไฟสลัวภายในสถานีและไฟถนนที่พร่างพราว ควันและไอน้ำที่ฟุ้งกระจายไปทั่วผืนผ้าใบช่วยลดความสมดุลของเส้นแสงที่ตัดกัน ควันพวยพุ่งไปทั่วทุกหนทุกแห่งเมฆที่ส่องแสงหมุนวนกระทบกับเงาของอาคารที่ละเอียดอ่อน ดูเหมือนว่าไอน้ำหนาจะสร้างรูปร่างให้กับหอคอยขนาดใหญ่โดยมีผ้าคลุมบางเบาเหมือนใยแมงมุมที่ดีที่สุด ภาพวาดด้วยโทนสีที่เงียบสงบพร้อมการไล่ระดับเฉดสีอย่างละเอียด จังหวะที่รวดเร็วและแม่นยำในรูปแบบของเครื่องหมายจุลภาคซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของเวลานั้นถูกมองว่าเป็นภาพโมเสคผู้ชมมีความรู้สึกว่าไอระเหยกระจายแล้วกลั่นตัวเป็นหยดน้ำ
ตัวแทนอีกคนหนึ่งของอิมเพรสชั่นนิสต์คือซีปิสซาร์โรเช่นเดียวกับอิมเพรสชั่นนิสต์ทุกคนชอบวาดภาพเมืองซึ่งทำให้เขาหลงใหลด้วยการเคลื่อนไหวที่ไม่มีที่สิ้นสุดการไหลของกระแสอากาศและการเล่นแสง เขามองว่ามันเป็นสิ่งมีชีวิตที่ไม่กระสับกระส่ายสามารถเปลี่ยนแปลงได้ขึ้นอยู่กับฤดูกาลระดับความสว่าง
ในฤดูหนาวและฤดูใบไม้ผลิของปี พ.ศ. 2440 Pissarro ทำงานในชุดภาพวาด Boulevards of Paris ผลงานเหล่านี้ทำให้ศิลปินมีชื่อเสียงและดึงดูดความสนใจของนักวิจารณ์ที่เชื่อมโยงชื่อของเขากับขบวนการแบ่งแยก ศิลปินได้วาดภาพชุดจากหน้าต่างห้องในโรงแรมในปารีสและทำงานภาพวาดในสตูดิโอของเขาในเมือง Eragny ให้เสร็จสิ้นเมื่อปลายเดือนเมษายน ซีรีส์นี้เป็นผลงานชิ้นเดียวของ Pissarro ที่ศิลปินพยายามจับภาพสภาพอากาศและแสงแดดต่างๆด้วยความแม่นยำสูงสุด ตัวอย่างเช่นศิลปินวาดภาพวาด 30 ภาพที่แสดงถึง Boulevard Montmartre โดยมองจากหน้าต่างเดียวกัน
ในภาพวาด "Boulevard Montmartre in Paris" ปรมาจารย์ C. Pissarro ถ่ายทอดความมีชีวิตชีวาของเอฟเฟกต์บรรยากาศความซับซ้อนของสีสันและความละเอียดอ่อนของวันที่มีเมฆมาก พลวัตของชีวิตในเมืองซึ่งรวมเอาไว้อย่างน่าเชื่อโดยพู่กันอันรวดเร็วของจิตรกรทำให้เกิดภาพลักษณ์ของเมืองสมัยใหม่ - ไม่ใช่พิธีการไม่เป็นทางการ แต่ตื่นเต้นและมีชีวิตชีวา ภูมิทัศน์ของเมืองกลายเป็นแนวเพลงหลักในผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ที่โดดเด่นคนนี้นั่นคือ "นักร้องแห่งปารีส"
เมืองหลวงของฝรั่งเศสครอบครองสถานที่พิเศษในการทำงานของ Pissarro ศิลปินอาศัยอยู่นอกเมืองอย่างต่อเนื่อง แต่ปารีสดึงดูดเขาอย่างต่อเนื่อง ปารีสทำให้เขาหลงใหลด้วยการเคลื่อนไหวที่ไม่หยุดหย่อนและเป็นสากล - การเดินของคนเดินเท้าและการวิ่งของรถม้าการไหลของกระแสอากาศและการเล่นแสง เมือง Pissarro ไม่ใช่รายชื่อบ้านที่มีชื่อเสียงซึ่งได้รับความสนใจจากศิลปิน แต่เป็นสิ่งมีชีวิตที่มีชีวิตและไม่สงบ ด้วยความหลงใหลในชีวิตนี้เราจึงไม่ตระหนักถึงความซ้ำซากของอาคารที่ประกอบเป็น Boulevard Montmartre ศิลปินค้นพบเสน่ห์เฉพาะตัวของเขาในความไม่สงบของ Bolshoi Boulevards ในตอนเช้าและกลางวันตอนเย็นและกลางคืนมีแสงแดดและสีเทา Pissarro จับภาพ Boulevard Montmartre โดยมองจากหน้าต่างเดียวกัน ลวดลายที่ชัดเจนและเรียบง่ายของถนนที่ลดลงไปในระยะไกลทำให้เกิดองค์ประกอบที่ชัดเจนซึ่งไม่เปลี่ยนจากผ้าใบเป็นผ้าใบ วัฏจักรของภาพวาดในปีถัดไปจากหน้าต่างของโรงแรมลูฟวร์ถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ในจดหมายถึงลูกชายของเขาในขณะที่ทำงานในวงจร Pissarro เน้นย้ำถึงลักษณะของสถานที่แห่งนี้ที่แตกต่างจาก Boulevards นั่นคือจัตุรัสของ French Theatre และบริเวณโดยรอบ ที่จริงทุกอย่างวิ่งไปตามแกนของถนน ที่นี่ - จัตุรัสซึ่งทำหน้าที่เป็นจุดจอดสุดท้ายของเส้นทางรถโดยสารหลายสายตัดกันในทิศทางต่างๆและแทนที่จะเป็นภาพพาโนรามาที่กว้างพร้อมกับอากาศที่อุดมสมบูรณ์พื้นที่เบื้องหน้าที่ปิดสนิทจะปรากฏต่อสายตาของเรา
string (5796) "ภูมิทัศน์สถาปัตยกรรมมีส่วนในการจัดสรร URBAN LANDSCAPE เป็นประเภทแยกต่างหากผู้เชี่ยวชาญของเทรนด์นี้ซึ่งได้รับอิทธิพลจากทฤษฎีมุมมองเชิงเส้นมองเห็นงานหลักของพวกเขาในการสร้างองค์ประกอบที่ซับซ้อนและได้รับการออกแบบอย่างรอบคอบโดยคำนึงถึง คำนึงถึงมุมมองหลักอย่างหนึ่งประเภทนี้ได้รับการแนะนำโดยศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna เกือบจะพร้อมกันกับภูมิทัศน์สถาปัตยกรรมทิศทางอื่นที่พัฒนาขึ้น - ภาพทิวทัศน์ของเมืองจิตรกรชาวเยอรมันดัตช์และฝรั่งเศสของ ศตวรรษที่ 16-17 นำอัลบั้มมากมายที่มีภาพร่างธรรมชาติจากการเดินทางของพวกเขาในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 URBAN LANDSCAPE ได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงในฐานะแนวเพลงอิสระกลายเป็นเรื่องโปรดของศิลปินชาวดัตช์เมื่อวาดภาพมุมของอัมสเตอร์ดัมเดลฟต์ Haarlem ศิลปินพยายามผสมผสานความชัดเจนทางเรขาคณิตของอาคารในเมืองเข้ากับฉากและภูมิทัศน์ในชีวิตประจำวัน สามารถพบวิวเมืองได้ในศิลปินชาวดัตช์คนสำคัญในศตวรรษที่ 17 เช่น J. Goyen, J. Reisdael, Vermeer Delft หนึ่งในตัวอย่างที่สดใสและประสบความสำเร็จที่สุดของ URBAN LANDSCAPE ในช่วงเวลานี้คือ "มุมมองของเมืองเดลฟต์" โดย Vermeer of Delft ผู้ซึ่งยกย่องภาพบ้านเกิดของเขาในเชิงกวี ในศตวรรษที่ 18 ประเภทของภูมิทัศน์พิเศษได้ก่อตัวขึ้นซึ่งเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับ CITY LANDSCAPE - Veduta เวดูตาขึ้นอยู่กับลักษณะของการขยายพันธุ์ของเขตเมืองแบ่งออกเป็นจริงในอุดมคติหรือมหัศจรรย์ ในรูปแบบเวทดูต้าศิลปินได้วาดภาพสิ่งปลูกสร้างจริงในภูมิประเทศจริงอย่างขยันขันแข็งและพิถีพิถันในอุดมคติอาคารจริงถูกแสดงให้เห็นโดยรอบด้วยภูมิทัศน์ที่สมมติขึ้นจริงดิดูตาที่ยอดเยี่ยมเป็นจินตนาการของผู้แต่งทั้งหมด การออกดอกของภาพวาดประเภทนี้คือ Venetian Veduta และหัวหน้าของโรงเรียน Venetian Vedutist คือศิลปิน Antonio Canaletto ในยุคของลัทธิโรแมนติกศิลปินยังคงให้ความสนใจในการวาดภาพอนุสรณ์สถานทางโบราณคดีสมัยโบราณและวัดโบราณ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 จิตรกรภูมิทัศน์หันมาใช้ฉากประเภทต่างๆ CITY LANDSCAPES ที่จับภาพทิวทัศน์ของลอนดอนพบอยู่ในภาพแกะสลักของ Gustave Dore ศิลปินชาวฝรั่งเศส ทิวทัศน์ของเมืองที่น่าสนใจแม้ว่าจะเป็นปารีสและศิลปินชาวฝรั่งเศสอีกคนหนึ่งซึ่งเป็นปรมาจารย์แห่ง CITY LANDSCAPES, Honore Daumier หน้าใหม่ในประวัติศาสตร์ของ CITY LANDSCAPE ถูกเปิดขึ้นโดยจิตรกรอิมเพรสชั่นนิสต์ ความสนใจของพวกเขาถูกดึงดูดไปที่ลวดลายของถนนในช่วงเวลาต่างๆของวันสถานีรถไฟภาพเงาและโครงร่างของอาคาร ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดจังหวะชีวิตในเมืองเพื่อจับภาพบรรยากาศและแสงไฟที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลาทำให้อิมเพรสชั่นนิสต์ค้นพบวิธีการแสดงออกทางศิลปะใหม่ ๆ
ในส่วนของภาพวาดที่อุทิศให้กับ CITY LANDSCAPE มีวัตถุที่แสดงถึงเมืองต่างๆอนุสาวรีย์สถาปัตยกรรมถนนและสถานที่สำคัญ ในส่วนนี้คุณจะพบกับทิวทัศน์ของมอสโกวเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตลอดจนกรุงโรมและเมืองอื่น ๆ อีกมากมาย เราขอแนะนำให้คุณซื้อสินค้าจากส่วน CITY LANDSCAPE ใน Commission Antique Store ของเรา ส่วน CITY LANDSCAPE ได้รับการอัปเดตอย่างต่อเนื่องคอยติดตามการมาถึงใหม่ "
URBAN LANDSCAPE เป็นประเภทของงานศิลปะที่มีพล็อตหลักคือภาพของเมืองถนนและอาคารต่างๆ เริ่มแรก URBAN LANDSCAPE ไม่ใช่แนวเพลงอิสระศิลปินในยุคกลางใช้มุมมองของเมืองเป็นกรอบสำหรับฉากในพระคัมภีร์เท่านั้น URBAN LANDSCAPE ได้รับการตีความใหม่ในรูปแบบใหม่โดยปรมาจารย์ชาวดัตช์ผู้ซึ่งจับโลกรอบตัวพวกเขาด้วยความเอาใจใส่และความรักเป็นพิเศษ
ภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรมมีส่วนในการแยก CITY LANDSCAPE เป็นประเภทแยกต่างหาก ผู้เชี่ยวชาญของแนวทางนี้ซึ่งก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของทฤษฎีมุมมองเชิงเส้นมองเห็นภารกิจหลักของพวกเขาในการสร้างองค์ประกอบที่ซับซ้อนและได้รับการออกแบบอย่างรอบคอบโดยคำนึงถึงมุมมองหลักประการหนึ่ง การมีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาแนวเพลงนี้เกิดขึ้นโดยศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวอิตาลี - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna เกือบจะพร้อมกันกับภูมิทัศน์สถาปัตยกรรมทิศทางอื่นที่พัฒนาขึ้น - ภาพของภูมิทัศน์ในเมือง จิตรกรชาวเยอรมันดัตช์และฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16-17 นำมาจากการเดินทางหลายอัลบั้มพร้อมภาพร่างจากธรรมชาติ กลางศตวรรษที่ 17 URBAN LANDSCAPE ได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงในฐานะแนวเพลงอิสระกลายเป็นเรื่องที่ศิลปินชาวดัตช์ชื่นชอบ เมื่อวาดภาพมุมของ Amsterdam, Delft, Haarlem ศิลปินพยายามที่จะผสมผสานความชัดเจนทางเรขาคณิตของอาคารในเมืองเข้ากับฉากและภูมิทัศน์ในชีวิตประจำวัน สามารถพบวิวเมืองที่แท้จริงได้จากศิลปินชื่อดังชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 เช่น J. Goyen, J. Reisdael, Vermeer Delft หนึ่งในตัวอย่างที่สดใสและประสบความสำเร็จที่สุดของ URBAN LANDSCAPE ในช่วงเวลานี้คือ "View of the City of Delft" โดย Vermeer of Delft ผู้ซึ่งยกย่องภาพเมืองบ้านเกิดของเขาในเชิงกวี ในศตวรรษที่ 18 ประเภทของภูมิทัศน์พิเศษได้ก่อตัวขึ้นซึ่งเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับ CITY LANDSCAPE - Veduta เวดูตาขึ้นอยู่กับลักษณะของการขยายพันธุ์ของเขตเมืองแบ่งออกเป็นจริงในอุดมคติหรือมหัศจรรย์ ในวีดูตาที่แท้จริงศิลปินได้วาดภาพสิ่งปลูกสร้างจริงในภูมิประเทศจริงอย่างขยันขันแข็งและพิถีพิถันในอุดมคติอาคารจริงถูกแสดงให้เห็นโดยรอบด้วยภูมิทัศน์ที่สมมติขึ้นเวดูทาที่ยอดเยี่ยมเป็นจินตนาการของผู้แต่งทั้งหมด ความเฟื่องฟูของภาพวาดประเภทนี้คือ Venetian Veduta และหัวหน้าของโรงเรียน Venetian Vedutist คือศิลปิน Antonio Canaletto ในยุคของลัทธิโรแมนติกศิลปินยังคงให้ความสนใจในการวาดภาพอนุสรณ์สถานทางโบราณคดีสมัยโบราณและวัดโบราณ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 จิตรกรภูมิทัศน์หันมาใช้ฉากประเภทต่างๆ CITY LANDSCAPES ที่จับภาพทิวทัศน์ของลอนดอนพบอยู่ในภาพแกะสลักของ Gustave Dore ศิลปินชาวฝรั่งเศส ทิวทัศน์ของเมืองที่น่าสนใจแม้ว่าจะเป็นปารีสและศิลปินชาวฝรั่งเศสอีกคนหนึ่งซึ่งเป็นปรมาจารย์แห่ง CITY LANDSCAPES, Honore Daumier หน้าใหม่ในประวัติศาสตร์ของ CITY LANDSCAPE ถูกเปิดขึ้นโดยจิตรกรอิมเพรสชั่นนิสต์ ความสนใจของพวกเขาถูกดึงดูดไปที่ลวดลายของถนนในช่วงเวลาต่างๆของวันสถานีรถไฟภาพเงาและโครงร่างของอาคาร ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดจังหวะชีวิตในเมืองเพื่อจับภาพบรรยากาศและแสงไฟที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลาทำให้อิมเพรสชั่นนิสต์ค้นพบวิธีการแสดงออกทางศิลปะใหม่ ๆ
ในส่วนของภาพวาดที่อุทิศให้กับ URBAN LANDSCAPE มีวัตถุที่แสดงถึงเมืองต่างๆอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมถนนและสถานที่สำคัญ ในส่วนนี้คุณจะพบกับทิวทัศน์ของมอสโกวเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตลอดจนกรุงโรมและเมืองอื่น ๆ อีกมากมาย เราขอแนะนำให้คุณซื้อสินค้าจากส่วน CITY LANDSCAPE ใน Commission Antique Store ของเรา ส่วน CITY LANDSCAPE ได้รับการอัปเดตอย่างต่อเนื่องคอยติดตามการมาถึงใหม่
