ภูมิประเทศที่มีชื่อเสียงและผู้เขียน จิตรกรภูมิทัศน์ชาวรัสเซีย

ทิวทัศน์ที่งดงามแห่งแรกปรากฏในรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - หลังจาก Imperial Academy of Arts เปิดให้บริการในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1757 โดยจำลองแบบจากสถาบันการศึกษาในยุโรปซึ่งในชั้นเรียนประเภทอื่น ๆ ก็มีชั้นเรียนการวาดภาพทิวทัศน์เช่นกัน ทันทีมีความต้องการให้ "ลบมุมมอง" ของสถานที่ที่น่าจดจำและมีความสำคัญทางสถาปัตยกรรม ความคลาสสิก - และนี่คือช่วงเวลาแห่งการครองราชย์ - ปรับให้เข้ากับการรับรู้เฉพาะสิ่งที่กระตุ้นให้เกิดความสัมพันธ์อันสูงส่ง: อาคารที่สูงตระหง่านต้นไม้อันยิ่งใหญ่ภาพพาโนรามาที่ชวนให้นึกถึงวีรกรรมในสมัยโบราณ ทั้งธรรมชาติและวิถีชีวิตในเมือง ประเภท veduta (จาก veduta - view ของอิตาลี) ถูกเรียกว่าภาพของเมืองจากมุมมองที่ได้เปรียบโดยเฉพาะ ควรนำเสนอในรูปแบบที่เหมาะ - อย่างที่ควรจะเป็น

ทิวทัศน์ของพระราชวัง Gatchina จาก Long Island ภาพวาดโดย Semyon Shchedrin 1796 ปี

หอคอย Mill and Peel ใน Pavlovsk ภาพวาดโดย Semyon Shchedrin 1792 ปีพิพิธภัณฑ์ศิลปะภูมิภาค Samara

จัตุรัสแดงในมอสโก ภาพวาดโดย Fyodor Alekseev 1801 ปีหอศิลป์ State Tretyakov

มุมมองของตลาดหลักทรัพย์และทหารเรือจากป้อมปีเตอร์แอนด์พอล ภาพวาดโดย Fyodor Alekseev 1810 ปีหอศิลป์ State Tretyakov

ภาพทิวทัศน์ถูกวาดขึ้นจากชีวิต แต่ได้รับการสรุปอย่างแน่นอนในสตูดิโอ: พื้นที่แบ่งออกเป็นสามแผนที่เข้าใจได้มุมมองถูกทำให้มีชีวิตชีวาด้วยร่างมนุษย์ - พนักงานที่เรียกว่า - และลำดับการจัดองค์ประกอบเสริมด้วยสีธรรมดา ดังนั้น Semyon Shchedrin แสดงให้เห็นถึง Gatchina และ Pavlovsk และ Fyodor Alekseev แสดงให้เห็นถึงจัตุรัสมอสโกวและเขื่อนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดยทั้งคู่สำเร็จการศึกษาด้านศิลปะในอิตาลี

2. ทำไมศิลปินรัสเซียจึงวาดภาพทิวทัศน์ของอิตาลี

ขั้นตอนต่อไปในการพัฒนาภูมิทัศน์ของรัสเซีย - แนวโรแมนติก - จะเชื่อมต่อกับอิตาลีในระดับที่ยิ่งใหญ่กว่าเดิม การไปที่นั่นในฐานะผู้เกษียณอายุนั่นคือการฝึกงานหลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Academy ศิลปินในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ตามกฎแล้วอย่ารีบกลับ สภาพภูมิอากาศทางตอนใต้ดูเหมือนว่าพวกเขาจะเป็นสัญญาณของอิสรภาพที่ไม่มีอยู่ในบ้านเกิดของพวกเขาและการใส่ใจต่อสภาพภูมิอากาศก็เป็นความปรารถนาที่จะแสดงให้เห็นเช่นกัน: แสงและอากาศที่เฉพาะเจาะจงของดินแดนที่ปราศจากอากาศอบอุ่นซึ่งฤดูร้อนจะคงอยู่เสมอ นี่เป็นการเปิดโอกาสในการเรียนรู้การวาดภาพด้วยลม - ความสามารถในการสร้างโทนสีขึ้นอยู่กับแสงและบรรยากาศจริง อดีตภูมิทัศน์คลาสสิกต้องการทิวทัศน์ที่กล้าหาญโดยมุ่งเน้นไปที่ความสำคัญที่เป็นนิรันดร์ ตอนนี้ธรรมชาติกำลังกลายเป็นสิ่งแวดล้อมที่ผู้คนอาศัยอยู่ แน่นอนว่าภูมิทัศน์โรแมนติก (เช่นเดียวกับที่อื่น ๆ ) ก็มีการเลือกไว้ล่วงหน้าเช่นกัน - เฉพาะสิ่งที่ดูเหมือนสวยงามเท่านั้นที่จะเข้าสู่กรอบ: เพียงเท่านี้ก็สวยงามแล้ว ภูมิประเทศที่มีอยู่โดยไม่ขึ้นกับบุคคล แต่เป็นที่ชื่นชอบสำหรับเขา - ความคิดเกี่ยวกับธรรมชาติที่ "ถูกต้อง" นี้เกิดขึ้นพร้อมกับความเป็นจริงของอิตาลี

คืนเดือนหงายในเนเปิลส์ ภาพวาดโดย Sylvester Shchedrin 1828 ปีหอศิลป์ State Tretyakov

Grotto Matromanio บนเกาะคาปรี ภาพวาดโดย Sylvester Shchedrin 1827 ปีหอศิลป์ State Tretyakov

น้ำตกใน Tivoli ภาพวาดโดย Sylvester Shchedrin ต้นปี 1820หอศิลป์ State Tretyakov

Veranda โอบด้วยองุ่น ภาพวาดโดย Sylvester Shchedrin 1828 ปีหอศิลป์ State Tretyakov

Sylvester Shchedrin อาศัยอยู่ในอิตาลีเป็นเวลา 12 ปีและในช่วงเวลานี้เขาสามารถสร้างพจนานุกรมเฉพาะเรื่องเกี่ยวกับแรงจูงใจของภูมิทัศน์โรแมนติก: คืนเดือนหงายทะเลและถ้ำจากจุดที่ทะเลเปิดสู่ทิวทัศน์น้ำตกและระเบียง ธรรมชาติของเขาผสมผสานระหว่างความเป็นสากลและใกล้ชิดพื้นที่และโอกาสที่จะซ่อนตัวจากเขาภายใต้ร่มเงาของร้านปลูกไม้เลื้อยองุ่น ร้านปลูกไม้เลื้อยหรือเฉลียงเหล่านี้เปรียบเสมือนเปลือกหุ้มภายในที่ไม่มีที่สิ้นสุดซึ่งลาสซาโรนีคนเร่ร่อนจะดื่มด่ำกับความเงียบสงบอย่างมีความสุขที่มองเห็นอ่าวเนเปิลส์ ดูเหมือนว่าพวกเขาจะเป็นส่วนหนึ่งขององค์ประกอบของภูมิทัศน์ - เด็กที่เป็นอิสระจากธรรมชาติในป่า ตามที่คาดไว้ Shchedrin ได้สรุปภาพวาดของเขาในสตูดิโอ แต่สไตล์การวาดภาพของเขาแสดงให้เห็นถึงอารมณ์โรแมนติก: พู่กันแบบเปิดจะปั้นรูปทรงและพื้นผิวของสิ่งต่าง ๆ ราวกับว่าพวกเขาเข้าใจในทันทีและตอบสนองทางอารมณ์

การปรากฏตัวของพระเมสสิยาห์ (การปรากฏตัวของพระคริสต์ต่อผู้คน) ภาพวาดโดย Alexander Ivanov พ.ศ. 2380-2420หอศิลป์ State Tretyakov

การปรากฏตัวของพระคริสต์ต่อผู้คน ร่างเริ่มต้น 1834 ปี

การปรากฏตัวของพระคริสต์ต่อผู้คน ภาพร่างที่เขียนขึ้นหลังจากการเดินทางไปเวนิส 1839 ปีหอศิลป์ State Tretyakov

การปรากฏตัวของพระคริสต์ต่อผู้คน ร่าง "Stroganov" ยุค 1830หอศิลป์ State Tretyakov

แต่ Alexander Ivanov เด็กร่วมสมัยของ Shchedrin ค้นพบธรรมชาติที่แตกต่าง - ไม่เกี่ยวข้องกับความรู้สึกของมนุษย์ เป็นเวลากว่า 20 ปีที่เขาทำงานในภาพวาด "รูปลักษณ์ของพระเมสสิยาห์" และภูมิทัศน์ก็เหมือนอย่างอื่นถูกสร้างขึ้นโดยมีความเกี่ยวข้องทางอ้อมกับภาพนี้: ในความเป็นจริงผู้เขียนมักคิดว่าเป็นภาพร่าง แต่เป็น ดำเนินการด้วยการดูแลรักษาภาพ ในแง่หนึ่งสิ่งเหล่านี้เป็นภาพพาโนรามาที่รกร้างว่างเปล่าของที่ราบและหนองน้ำของอิตาลี (โลกที่ยังไม่ได้นับถือศาสนาคริสต์) ในอีกแง่หนึ่งคือภาพระยะใกล้ขององค์ประกอบของธรรมชาติ: กิ่งหนึ่งก้อนหินในลำธารและแม้แต่ดินแดนที่แห้งแล้ง นอกจากนี้ยังมีมุมมองที่กว้างไกลด้วยผ้าสักหลาดแนวนอนที่ไม่มีที่สิ้นสุด ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "Soil Near the Gate of St. Paul's Church in Albano" ซึ่งวาดในปี 1840... การใส่ใจในรายละเอียดนั้นเต็มไปด้วยความสนใจไปที่ผลกระทบของอากาศ Plein เช่นท้องฟ้าสะท้อนในน้ำอย่างไรและดินที่เป็นเนินเขาจับปฏิกิริยาตอบสนองจากดวงอาทิตย์ - แต่ความแม่นยำทั้งหมดนี้กลายเป็นสิ่งที่เป็นพื้นฐานภาพของธรรมชาติที่เป็นนิรันดร์ในมัน ฐานรากหลัก สันนิษฐานว่า Ivanov ใช้กล้องที่ชัดเจนซึ่งเป็นอุปกรณ์ที่ช่วยแยกส่วนที่มองเห็นได้ มันอาจจะถูกใช้โดย Shchedrin เช่นกัน แต่ให้ผลลัพธ์ที่แตกต่างออกไป

3. ภูมิทัศน์แรกของรัสเซียปรากฏขึ้นอย่างไร

ในขณะนี้ธรรมชาติมีความสวยงามดังนั้นมนุษย์ต่างดาว: ความงามของมันถูกปฏิเสธ “ ชาวอิตาเลียนรัสเซีย” ไม่ได้รับแรงบันดาลใจจากรัสเซียที่หนาวเย็นสภาพอากาศของมันเกี่ยวข้องกับการขาดอิสรภาพและความมึนงงของชีวิต แต่ในแวดวงอื่นความสัมพันธ์ดังกล่าวไม่เกิดขึ้น Nikifor Krylov สาวกของ Alexei Gavrilovich Venetsianov ซึ่งไม่ได้เดินทางออกนอกบ้านเกิดและอยู่ห่างไกลจากมุมมองที่โรแมนติกอาจไม่ทราบคำพูดของ Karl Bryullov เกี่ยวกับความเป็นไปไม่ได้ในการเขียนหิมะและฤดูหนาว (“ นมที่หกทั้งหมดจะออกมา”) . และในปีพ. ศ. 2370 เขาได้สร้างภูมิทัศน์แห่งชาติแห่งแรก - ในฤดูหนาว

ที่โรงเรียนเปิดโดยเขาในหมู่บ้าน Safonko-vo ตอนนี้ Venetsianovoเวเนเซียนอฟสอนว่า“ อย่าพรรณนาสิ่งใดที่แตกต่างไปจากธรรมชาติและเชื่อฟังเธอคนเดียว” (ในสถาบันตรงกันข้ามพวกเขาสอนให้มุ่งเน้นไปที่กลุ่มตัวอย่างในการทดสอบและอุดมคติ) จากฝั่งสูงของ Tosna ธรรมชาติเป็นแบบพาโนรามา - ในมุมมองที่กว้าง ภาพพาโนรามามีการอาศัยอยู่อย่างเป็นจังหวะและตัวเลขของผู้คนไม่ได้หายไปในอวกาศ แต่เป็นธรรมชาติของมัน ในเวลาต่อมา "คนที่มีความสุข" ประเภทนี้คือชายที่ขี่ม้าหญิงชาวนาที่มีมงกุฎแหลมจะได้รับสำเนียงที่ค่อนข้างเป็นที่ระลึกในการวาดภาพ แต่จนถึงตอนนี้นี่เป็นทางออกแรกของพวกเขาและพวกเขาถูกวาดด้วย การดูแลสายตาใกล้ แสงของหิมะและท้องฟ้าที่สม่ำเสมอเงาสีฟ้าและต้นไม้โปร่งใสเป็นตัวแทนของโลกในฐานะที่เป็นจุดสนใจของความสงบและความสงบเรียบร้อย การรับรู้ของโลกนี้จะถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างชัดเจนยิ่งขึ้นในภูมิทัศน์ของนักเรียนคนอื่นของ Venetsianov, Grigory Soroka

ศิลปินที่เป็นทาส (Venetsianov ซึ่งเป็นเพื่อนกับ "เจ้าของ" ของเขาไม่สามารถจัดหานักเรียนที่รักของเขาได้ฟรี) Soroka เป็นตัวแทนที่มีความสามารถมากที่สุดของ Russian Biedermeier ที่เรียกว่า (เป็นผลงานศิลปะของลูกศิษย์ของ Venetsianov โรงเรียนเรียก). ตลอดชีวิตของเขาเขาวาดภาพการตกแต่งภายในและสภาพแวดล้อมของที่ดินและหลังจากการปฏิรูปในปีพ. ศ. 2404 เขาก็กลายเป็นนักเคลื่อนไหวของชาวนาซึ่งเขาถูกจับในช่วงสั้น ๆ และอาจถูกลงโทษทางร่างกายจากนั้นก็แขวนคอตัวเอง ไม่ทราบรายละเอียดอื่น ๆ ในชีวประวัติของเขามีงานไม่กี่ชิ้นที่รอดชีวิตมาได้

"ชาวประมง" ของเขาดูเหมือนจะเป็นภาพที่ "เงียบที่สุด" ในคลังภาพวาดของรัสเซียทั้งหมด และ "สมดุล" ที่สุด ทุกสิ่งสะท้อนให้เห็นในทุกสิ่งและคล้องจองกับทุกสิ่งไม่ว่าจะเป็นทะเลสาบท้องฟ้าอาคารและต้นไม้เงาและไฮไลท์ผู้คนในเสื้อผ้าสีขาวที่อยู่อาศัย ไม้พายที่ตกลงไปในน้ำจะไม่ทำให้เกิดการกระเซ็นหรือแม้แต่การโยกเยกบนผิวน้ำ เฉดสีมุกในผืนผ้าใบสีขาวและสีเขียวเข้มเปลี่ยนสีให้กลายเป็นแสง - อาจจะเป็นช่วงบ่าย แต่ก็ยอดเยี่ยมกว่าสวรรค์: สู่ความสงบที่กระจายออกไป ดูเหมือนว่าการตกปลาหมายถึงการกระทำ แต่ไม่ใช่: ตัวเลขที่ไม่เคลื่อนไหวไม่ได้นำองค์ประกอบประเภทเข้ามาในอวกาศ และตัวเลขเหล่านี้เองในพอร์ตชาวนาและเสื้อเชิ้ตดูไม่เหมือนชาวนา แต่เป็นตัวละครของตำนานหรือเพลงที่ยิ่งใหญ่ ภูมิทัศน์คอนกรีตที่มีทะเลสาบในหมู่บ้าน Spasskoye กลายเป็นภาพธรรมชาติในอุดมคติไร้เสียงและชวนฝันเล็กน้อย

4. ภูมิทัศน์ของรัสเซียดึงดูดชีวิตชาวรัสเซียอย่างไร

ภาพวาดของชาวเวนิสในสาขาศิลปะรัสเซียทั่วไปครอบครองสถานที่ที่เรียบง่ายและไม่ได้เข้าสู่กระแสหลัก จนถึงต้นทศวรรษที่ 1870 ภูมิทัศน์ได้พัฒนาขึ้นตามกระแสหลักของประเพณีโรแมนติกในการเพิ่มเอฟเฟกต์และความงดงาม มันถูกครอบงำด้วยอนุสาวรีย์และซากปรักหักพังของอิตาลีทิวทัศน์ของทะเลยามพระอาทิตย์ตกและคืนเดือนหงาย (เช่นทิวทัศน์เช่นนี้สามารถพบได้ที่ Aivazovsky และต่อมาที่ Kuindzhi) และในช่วงเปลี่ยนผ่านของทศวรรษที่ 1860 และ 70 การกลับมาอีกครั้งอย่างรวดเร็วก็เกิดขึ้น ประการแรกมันมีความเกี่ยวข้องกับการปรากฏตัวบนเวทีของธรรมชาติในประเทศและประการที่สองด้วยความจริงที่ว่าธรรมชาตินี้ปราศจากสัญญาณแห่งความงามโรแมนติกทั้งหมด ในปีพ. ศ. 2414 Fyodor Vasiliev เขียนเรื่อง The Thaw ซึ่ง Pavel Mikhailovich Tretyakov ได้มาเพื่อสะสมทันที ในปีเดียวกันอเล็กซีย์ซาฟราซอฟได้แสดง "Rooks" ที่มีชื่อเสียงในเวลาต่อมาในงานนิทรรศการการเดินทางครั้งแรก (จากนั้นภาพนี้ถูกเรียกว่า

และใน "Thaw" และ "Rooks" ไม่ได้กำหนดฤดูกาลไว้: มันไม่ใช่ฤดูหนาวอีกต่อไปมันยังไม่ใช่ฤดูใบไม้ผลิ นักวิจารณ์ Stasov รู้สึกยินดีกับการ“ คุณได้ยินเสียงฤดูหนาว” ของ Savrasov ในขณะที่ผู้ชมคนอื่น ๆ “ ได้ยิน” ในช่วงฤดูใบไม้ผลิ สภาพการเปลี่ยนผ่านและความผันผวนของธรรมชาติทำให้สามารถทำให้ภาพวาดอิ่มตัวด้วยปฏิกิริยาตอบสนองในชั้นบรรยากาศที่ละเอียดอ่อนเพื่อให้เป็นแบบไดนามิก แต่อย่างอื่นภูมิประเทศเหล่านี้เป็นเรื่องที่แตกต่างกัน

ในผลงานของ Vasiliev การละลายนั้นเป็นแนวความคิด - มันถูกฉายในชีวิตทางสังคมสมัยใหม่: ความไร้กาลเวลาที่น่าเบื่อหน่ายและสิ้นหวังเช่นเดียวกัน วรรณกรรมในประเทศทั้งหมดตั้งแต่งานเขียนแนวปฏิวัติประชาธิปไตยของ Vasily Sleptsov ไปจนถึงนวนิยายต่อต้านลัทธิ nihilistic ของ Nikolai Leskov (ชื่อหนึ่งในนวนิยายเหล่านี้ - "ไม่มีที่ไหน" - อาจกลายเป็นชื่อของภาพได้) แก้ไขเส้นทางที่เป็นไปไม่ได้ - สถานการณ์ทางตันที่ชายและชายหลงทางในภูมิทัศน์ และในแนวนอนใช่หรือไม่? พื้นที่นั้นไร้พิกัดภูมิทัศน์ยกเว้นกระท่อมที่ปกคลุมไปด้วยหิมะอันน่าอนาถขยะไม้จมอยู่ในโคลนและต้นไม้ที่ง่อนแง่นบนภูเขา - ร่ม เป็นภาพพาโนรามา แต่ท้องฟ้าสีเทาถูกกดขี่ไม่สมควรได้รับแสงและสี - พื้นที่ที่ไม่มีระเบียบ Savrasov มีอย่างอื่น ดูเหมือนว่าเขาจะเน้นย้ำถึงความน่าเบื่อหน่ายของแรงจูงใจนั่นคือคริสตจักรซึ่งอาจกลายเป็นเป้าหมายของ "ภาพวาดวิดีโอ" ได้ให้ทางไปยัง proscenium ของต้นเบิร์ชที่คดเคี้ยวรูจมูกหิมะและแอ่งน้ำที่ละลาย "ภาษารัสเซีย" แปลว่า "ยากจน" ไม่สามารถตอบกลับได้: "ธรรมชาติที่น่าสงสาร" เช่นเดียวกับใน Tyutchev แต่ Tyutchev คนเดียวกันร้องเพลง "ดินแดนแห่งการร้องเพลงระยะยาวพื้นเมืองของเขา" เขียนว่า "เขาจะไม่เข้าใจและจะไม่สังเกตเห็น / ท่าทางภาคภูมิใจของชาวต่างชาติ / ที่ส่องผ่านและแอบส่อง / ในความเปลือยเปล่าที่ต่ำต้อยของคุณ "- และใน" Rooks "แสงลับนี้คือ ... ท้องฟ้าครอบครองผืนผ้าใบครึ่งหนึ่งและจากที่นี่มี "แสงสวรรค์" ที่โรแมนติกอย่างสมบูรณ์ส่องไปที่พื้นกำแพงวัดรั้วน้ำในสระน้ำนับเป็นก้าวแรกของฤดูใบไม้ผลิและให้ภูมิทัศน์ การระบายสีทางอารมณ์และโคลงสั้น ๆ อย่างไรก็ตามด้วย Vasiliev การละลายจะให้คำมั่นสัญญาในฤดูใบไม้ผลิและความหมายนี้ยังเป็นไปได้ที่นี่หากคุณต้องการดู - หรืออ่านได้ที่นี่

5. วิธีการพัฒนาโรงเรียนภูมิทัศน์ของรัสเซีย

ถนนในชนบท. ภาพวาดโดย Alexei Savrasov ปีพ.ศ. 2416หอศิลป์ State Tretyakov

ตอนเย็น. เที่ยวบินของนก ภาพวาดโดย Alexei Savrasov 1874 ปีพิพิธภัณฑ์ศิลปะโอเดสซา

Savrasov เป็นหนึ่งในนักทำสีชาวรัสเซียที่ดีที่สุดและเป็นหนึ่งในนักทำสีที่“ พูดได้หลายภาษา” มากที่สุดเขาสามารถทาสีถนนสกปรกด้วยสีที่เข้มข้นและรื่นเริง (“ ชนบท”) หรือสร้างความกลมกลืนแบบมินิมอลที่ดีที่สุดในภูมิทัศน์ที่มีเพียงพื้นโลก และท้องฟ้า (“ ยามเย็นเที่ยวบินของนก”) ผู้สนับสนุนโรงเรียนจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรมแห่งมอสโกเขามีอิทธิพลต่อหลายคน ความเก่งและการแสดงภาพแบบเปิดของเขาจะดำเนินต่อไปกับ Po-le-nov และ Levitan และแรงจูงใจจะสะท้อนกับ Serov, Korovin และแม้แต่ Shishkin (ต้นโอ๊กใหญ่) แต่เป็น Shishkin ที่รวบรวมอุดมการณ์ที่แตกต่างกันของภูมิทัศน์ภายในประเทศ นี่เป็นความคิดเกี่ยวกับวีรกรรม (เล็กน้อยเป็นมหากาพย์) ถึงความยิ่งใหญ่อันศักดิ์สิทธิ์อำนาจและความรุ่งเรืองของ "ชาติ" และ "ชาวบ้าน" ความน่าสมเพชของผู้รักชาติ: ต้นสนอันยิ่งใหญ่เหมือนกันตลอดเวลาของปี (ความแปรปรวนในที่โล่งเป็นสิ่งที่แปลกประหลาดสำหรับ Shishkin และเขาชอบที่จะทาสีต้นสน) รวมตัวกันในชุดป่าและสมุนไพรเขียนด้วยความระมัดระวังทั้งหมด ยังสร้างชุดสมุนไพรที่คล้ายคลึงกันซึ่งไม่ได้แสดงถึงความหลากหลายทางพฤกษศาสตร์ เป็นลักษณะที่ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "ไรย์" ต้นไม้ที่อยู่ด้านหลังมีขนาดลดลงตามมุมมองเชิงเส้นไม่สูญเสียความชัดเจนของรูปทรงซึ่งจะหลีกเลี่ยงไม่ได้เนื่องจากมุมมองที่โปร่งสบาย แต่ศิลปินคือ สนใจในรูปแบบที่ไม่สามารถละเมิดได้ ไม่น่าแปลกใจที่ความพยายามครั้งแรกของเขาในการพรรณนาสภาพแวดล้อมที่มีแสงในภาพวาด "Morning in a Pine Forest" (เขียนร่วมกับ Konstantin Savitsky - หมีพู่กันของเขา) ทำให้เกิด epigram ในหนังสือพิมพ์: "Ivan Ivanovich นั่นคือคุณ เหรอ? หมอกแบบไหนที่พวกเขาปล่อยออกมาพ่อ

ไรย์. ภาพวาดโดย Ivan Shishkin 1878 ปีหอศิลป์ State Tretyakov

ยามเช้าในป่าสน ภาพวาดโดย Ivan Shishkin และ Konstantin Savitsky 1889 ปีหอศิลป์ State Tretyakov

Shishkin ไม่มีผู้ติดตามและโดยทั่วไปแล้วโรงเรียนภูมิทัศน์ของรัสเซียพัฒนาขึ้นค่อนข้างพูดตามแนว Savrasov นั่นคือการได้รับความสนใจในพลวัตของบรรยากาศและการปลูกฝังความสดใหม่และการเขียนแบบเปิดกว้าง สิ่งนี้ถูกรวมเข้ากับความหลงใหลในลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์เกือบจะเป็นสากลในช่วงทศวรรษที่ 1890 และโดยทั่วไปแล้วความกระหายที่จะปลดปล่อย - อย่างน้อยก็เพื่อการปลดปล่อยสีและเทคนิคการใช้พู่กัน ตัวอย่างเช่นใน Polenov ไม่ใช่แค่เรื่องเดียวแทบจะไม่มีความแตกต่างระหว่างภาพร่างและภาพวาด นักเรียนของ Savrasov และจากนั้น Levitan ซึ่งเข้ามาแทนที่ Savrasov ในการเป็นผู้นำของชั้นเรียนภูมิทัศน์ของโรงเรียนมอสโกในรูปแบบอิมเพรสชั่นนิสต์ตอบสนองอย่างรวดเร็วต่อสภาพธรรมชาติชั่วขณะต่อแสงสุ่มและการเปลี่ยนแปลงอย่างกะทันหันของสภาพอากาศ - และสิ่งนี้ ความเฉียบแหลมและความเร็วของปฏิกิริยาแสดงให้เห็นในการเปิดรับเทคนิควิธีการสร้างภาพและเจตจำนงของศิลปินที่เลือกวิธีการแสดงออกอย่างใดอย่างหนึ่งนั้นสามารถเข้าใจได้ผ่านแรงจูงใจและมากกว่าแรงจูงใจ ภูมิทัศน์ไม่ได้มีวัตถุประสงค์อย่างสมบูรณ์บุคลิกของผู้เขียนอ้างว่ายืนยันตำแหน่งที่เป็นอิสระ - จนถึงขณะนี้สอดคล้องกับสายพันธุ์ที่กำหนด เลวิตันต้องกำหนดตำแหน่งนี้อย่างเต็มรูปแบบ

6. ศตวรรษที่ภูมิทัศน์สิ้นสุดลงอย่างไร

Isaac Levitan ถือเป็นผู้สร้าง "ภูมิทัศน์แห่งอารมณ์" นั่นคือศิลปินที่แสดงความรู้สึกของตัวเองลงบนธรรมชาติเป็นส่วนใหญ่ ในผลงานของ Levitan ระดับนี้สูงมากและมีการเล่นช่วงของอารมณ์ไปทั่วแป้นพิมพ์ตั้งแต่ความเศร้าที่เงียบสงบไปจนถึงความยินดีที่ได้รับชัยชนะ

การปิดประวัติศาสตร์ของภูมิทัศน์รัสเซียในศตวรรษที่ XIX ดูเหมือนว่า Levitan จะสังเคราะห์การเคลื่อนไหวทั้งหมดของเธอแสดงให้เห็นในตอนท้ายด้วยความชัดเจนทั้งหมด ในภาพวาดของเขาเราจะพบกับภาพร่างด่วนที่เขียนอย่างเชี่ยวชาญและเฟรมพาโนรามาที่ยิ่งใหญ่ เขามีความเชี่ยวชาญพอ ๆ กันทั้งในเทคนิคอิมเพรสชั่นนิสต์ในการแกะสลักระดับเสียงด้วยจังหวะสีที่แยกจากกัน (บางครั้งก็เกิน "บรรทัดฐาน" ของอิมเพรสชั่นนิสต์ในรายละเอียดของ fac-ture) และวิธีการโพสต์อิมเพรสชันนิสต์ของการก่ออิฐหลากสี เขารู้วิธีดูมุมกล้องธรรมชาติที่ใกล้ชิด - แต่เขาก็ค้นพบความรักในพื้นที่เปิดโล่ง (บางทีนี่อาจเป็นวิธีที่ชดเชยความทรงจำของ Pale of Settlement - ความน่าจะเป็นที่น่าอัปยศของการขับออกจากมอสโกด้วยดาบ Damocles ที่แขวนอยู่เหนือ ศิลปินในช่วงเวลาที่มีชื่อเสียงสองครั้งบังคับให้เขารีบหนีออกจากเมือง)

โทรเย็นตอนเย็นเบลล์ ภาพวาดโดย Isaac Levitan พ.ศ. 2435หอศิลป์ State Tretyakov

"มุมมองที่ห่างไกล" อาจเกี่ยวข้องกับทั้งความรู้สึกที่มีสีสันของพื้นที่กว้างใหญ่ ("ลมสดชื่นโวลก้า") และแสดงความอาลัยอาวรณ์ - เช่นเดียวกับในภาพวาด "วลาดิเมียร์กา" ที่ซึ่งความทรงจำอันน่าทึ่งของสถานที่แห่งหนึ่ง (ตามถนนสายแรงงานที่ยากลำบากนี้ พวกเขานำไปสู่ขบวนไซบีเรีย) จะอ่านโดยไม่ต้องมีผู้ติดตามเพิ่มเติมในภาพของถนนที่มีฝนตกหรือขบวนเก่า ๆ ภายใต้ท้องฟ้าที่มืดมน และในที่สุดการค้นพบรูปแบบหนึ่งของ Levitan - ภูมิทัศน์ของความรู้สึกเชิงปรัชญาที่ซึ่งธรรมชาติกลายเป็นโอกาสในการไตร่ตรองเกี่ยวกับวงกลมแห่งความเป็นอยู่และในการค้นหาความสามัคคีที่ไม่อาจบรรลุได้: "A Quiet Abode", "เหนือสันติภาพนิรันดร์" , "ระฆังยามเย็น" ...

น่าจะเป็นภาพวาดสุดท้ายของเขา“ ทะเลสาบ มาตุภูมิ” อาจเป็นของซีรีส์นี้ เธอคิดว่าเป็นภาพองค์รวมของธรรมชาติของรัสเซีย เลวิตันอยากจะเรียกมันว่า "มาตุภูมิ" แต่ตัดสินในรุ่นที่เป็นกลางมากขึ้น ชื่อสองครั้งติดอยู่ในภายหลังอย่างไรก็ตามยังคงไม่เสร็จสิ้นบางทีนี่อาจเป็นสาเหตุส่วนหนึ่งที่ทำให้ตำแหน่งที่ขัดแย้งกันอยู่รวมกัน: ภูมิทัศน์ของรัสเซียในการดำรงอยู่ชั่วนิรันดร์และเทคนิคอิมเพรสชั่นนิสต์โดยให้ความสนใจกับ "หายวับไป"

เราไม่สามารถรู้ได้ว่าพลังแห่งสีและช่วงแปรงที่โรแมนติกนี้จะยังคงอยู่ในเวอร์ชันสุดท้ายหรือไม่ แต่สภาวะกลางนี้เป็นการสังเคราะห์ในภาพเดียว ภาพพาโนรามาที่ยิ่งใหญ่ความเป็นจริงตามธรรมชาติที่นิรันดร์และไม่สั่นคลอน แต่ทุกสิ่งเคลื่อนไหวอยู่ภายในไม่ว่าจะเป็นเมฆลมระลอกแสงเงาและแสงสะท้อน จังหวะที่กว้างจับสิ่งที่ไม่ได้กลายเป็น แต่สิ่งที่กำลังจะเปลี่ยนไป - ราวกับว่าพยายามตามทัน ในแง่หนึ่งความสมบูรณ์ของฤดูร้อนที่ผลิบานในทางกลับกันทรัมเป็ตหลักที่เคร่งขรึมในทางกลับกันความเข้มข้นของชีวิตพร้อมสำหรับการเปลี่ยนแปลง ฤดูร้อน 1900; ศตวรรษใหม่กำลังจะมาถึงซึ่งการวาดภาพทิวทัศน์และไม่เพียง แต่การวาดภาพทิวทัศน์จะดูแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

แหล่งที่มาของ

• โบฮีเมียนเค ประวัติประเภท ทิวทัศน์
• Fedorov-Davydov A.A. ภูมิทัศน์ของรัสเซียในช่วงศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 20

หากคุณคิดว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ทุกคนล้วนเป็นอดีตคุณคงไม่รู้หรอกว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถมากที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะจมอยู่ในความทรงจำของคุณไม่น้อยไปกว่าผลงานของเกจิในยุคที่ผ่านมา

Wojciech Babski

Wojciech Babski เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ เขาจบการศึกษาจาก Silesian Polytechnic Institute แต่เชื่อมโยงตัวเองด้วย ล่าสุดเขาวาดรูปผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์มุ่งมั่นที่จะได้รับผลกระทบที่ยิ่งใหญ่ที่สุดโดยวิธีง่ายๆ

ชอบสี แต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อประสบการณ์ที่ดีที่สุด ไม่กลัวที่จะทดลองเทคนิคใหม่ ๆ ที่แตกต่าง เมื่อเร็ว ๆ นี้ได้รับความนิยมมากขึ้นในต่างประเทศโดยส่วนใหญ่อยู่ในสหราชอาณาจักรซึ่งประสบความสำเร็จในการขายผลงานซึ่งสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้วเขายังสนใจจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังดนตรีแจ๊ส ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ

วอร์เรนจัง

Warren Chang เป็นศิลปินอเมริกันร่วมสมัย เกิดในปี 1957 และเติบโตที่มอนเทอเรย์แคลิฟอร์เนียเขาสำเร็จการศึกษาระดับเกียรตินิยมจาก Art Center College of Design ใน Pasadena ในปี 1981 ด้วยปริญญาตรีสาขาวิจิตรศิลป์ในสาขานี้ ในอีกสองทศวรรษข้างหน้าเขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับ บริษัท ต่างๆในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์กก่อนที่จะเริ่มอาชีพในฐานะศิลปินมืออาชีพในปี 2552

ภาพวาดเหมือนจริงของเขาสามารถแบ่งออกเป็นสองประเภทหลัก ได้แก่ ภาพวาดภายในชีวประวัติและภาพวาดที่แสดงถึงคนทำงาน ความสนใจในการวาดภาพสไตล์นี้มีรากฐานมาจากผลงานของ Jan Vermeer ศิลปินในศตวรรษที่ 16 และครอบคลุมไปถึงสิ่งของภาพตัวเองภาพบุคคลในครอบครัวเพื่อนนักเรียนสตูดิโอห้องเรียนและการตกแต่งภายในบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และความรู้สึกในภาพวาดที่เหมือนจริงผ่านการปรับแต่งแสงและการใช้สีที่ปิดเสียง

Chang เริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนมาใช้ทัศนศิลป์แบบดั้งเดิม ในช่วง 12 ปีที่ผ่านมาเขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมายซึ่งรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters Association of America ซึ่งเป็นชุมชนจิตรกรสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียงหนึ่งคนจาก 50 คนเท่านั้นที่ได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบันวอร์เรนอาศัยอยู่ในมอนเทอร์เรย์และทำงานในสตูดิโอของเขาและสอน (เป็นที่รู้จักในฐานะนักการศึกษาที่มีความสามารถ) ที่สถาบันศิลปะซานฟรานซิสโก

ออเรลิโอบรูนี

Aurelio Bruni เป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่เมืองแบลร์ 15 ตุลาคม พ.ศ. 2498 เขาได้รับประกาศนียบัตรด้านการถ่ายภาพจากสถาบันศิลปะในเมืองสโปเลโต ในฐานะศิลปินเขาได้รับการเรียนรู้ด้วยตนเองในขณะที่เขา“ สร้างบ้านแห่งความรู้” อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย

ภาพวาดในยุคแรกของ Bruni มีรากฐานมาจากสถิตยศาสตร์ แต่เมื่อเวลาผ่านไปเขาเริ่มให้ความสำคัญกับความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกโคลงสั้น ๆ และสัญลักษณ์ซึ่งช่วยเสริมการผสมผสานนี้ด้วยความประณีตที่ละเอียดอ่อนและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและมีลักษณะเกือบเหมือนจริง แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนตัวอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อนความเย้ายวนและความเหงาความรอบคอบและความมีผลเป็นจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งได้รับการเลี้ยงดูจากความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี

อเลคาซานเดอร์บาโลส

Alkasandr Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดปี 1970 ที่เมือง Gliwice ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 ได้อาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกาที่เมือง Shasta รัฐแคลิฟอร์เนีย

ตอนเป็นเด็กเขาเรียนศิลปะภายใต้การแนะนำของแจนพ่อของเขาซึ่งเป็นศิลปินและช่างแกะสลักที่เรียนรู้ด้วยตนเองดังนั้นตั้งแต่อายุยังน้อยกิจกรรมทางศิลปะจึงได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากทั้งพ่อและแม่ ในปี 1989 ตอนอายุสิบแปด Balos ออกจากโปแลนด์ไปยังสหรัฐอเมริกาโดยครูในโรงเรียนและ Katie Gaggliardi ศิลปินพาร์ทไทม์ของเขาสนับสนุนให้ Alkasandra ไปโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจาก University of Milwaukee Wisconsin ซึ่งเขาได้ศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ด้านปรัชญา Harry Rosin

หลังจากจบการศึกษาในปี 1995 และได้รับปริญญาตรี Balos ย้ายไปชิคาโกเพื่อเรียนที่ School of Fine Arts ซึ่งมีวิธีการทำงานของ Jacques-Louis David ความสมจริงและการวาดภาพบุคคลที่เป็นรูปเป็นร่างเป็นผลงานจำนวนมากของ Balos ในช่วงทศวรรษที่ 90 และต้นปี 2000 ปัจจุบัน Balos ใช้รูปคนเพื่อเน้นลักษณะเฉพาะและเพื่อแสดงข้อบกพร่องของการดำรงอยู่ของมนุษย์โดยไม่ได้นำเสนอแนวทางแก้ไขใด ๆ

องค์ประกอบของพล็อตของภาพวาดของเขามีจุดมุ่งหมายให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระจากนั้นผืนผ้าใบจะได้รับความหมายทางโลกและอัตวิสัยที่แท้จริง ในปี 2548 ศิลปินได้ย้ายไปที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาขอบเขตของงานของเขาได้ขยายออกไปอย่างมีนัยสำคัญและตอนนี้มีวิธีการวาดภาพที่ไม่เสียค่าใช้จ่ายมากขึ้นรวมถึงนามธรรมและรูปแบบมัลติมีเดียต่างๆที่ช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการเป็นภาพวาด

พระอลิสสา

Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เธอเกิดเมื่อปีพ. ศ. 2520 ที่เมืองริดจ์วูดรัฐนิวเจอร์ซีย์ เธอเริ่มมีความสนใจในการวาดภาพเมื่อเธอยังเป็นเด็ก เธอเรียนที่ New School ในนิวยอร์กและ Montclair State University และจบการศึกษาจาก Boston College ในปี 2542 ได้รับปริญญาตรี ในขณะเดียวกันเธอเรียนวาดภาพที่ Lorenzo Medici Academy ในฟลอเรนซ์

จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ที่ภาควิชาศิลปะเปรียบเปรยจบการศึกษาในปี 2544 เธอจบการศึกษาจากวิทยาลัยฟุลเลอร์ตันในปี 2549 เธอสอนในมหาวิทยาลัยและสถาบันการศึกษาทั่วประเทศเป็นครั้งคราวโดยสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art รวมถึง Montclair State University และ Lyme Academy of Arts College

“ การใช้ฟิลเตอร์เช่นแก้วไวนิลน้ำและไอน้ำทำให้ร่างกายมนุษย์บิดเบี้ยว ตัวกรองเหล่านี้ช่วยให้คุณสามารถสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ของการออกแบบนามธรรมโดยมีเกาะที่มีสีมองผ่านพวกมัน - ส่วนต่างๆของร่างกายมนุษย์

ภาพวาดของฉันเปลี่ยนมุมมองสมัยใหม่ของการโพสท่าแบบดั้งเดิมและท่าทางของผู้หญิงอาบน้ำ พวกเขาสามารถบอกผู้ชมได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนชัดเจนในตัวเองเช่นประโยชน์ของการว่ายน้ำการเต้นรำและอื่น ๆ ตัวละครของฉันถูกกดทับกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำฝักบัวทำให้ร่างกายของพวกเขาบิดเบี้ยวโดยตระหนักว่าการทำเช่นนั้นมีอิทธิพลต่อการมองผู้หญิงที่เปลือยเปล่าของชายฉาวโฉ่ มีการผสมสีชั้นหนาเพื่อเลียนแบบแก้วไอน้ำและเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตามเมื่อใกล้ชิดคุณสมบัติทางกายภาพที่น่าทึ่งของสีน้ำมันก็ปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจน จากการทดลองใช้เลเยอร์ของสีและสีฉันพบช่วงเวลาที่จังหวะนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น

เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรกฉันรู้สึกทึ่งและหลงไหลในทันทีและเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันเหมือนจริงมากที่สุด ฉัน "ยอมรับ" ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและเปิดเผยความขัดแย้งในตัวมันเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของลักษณะการวาดภาพซึ่งการวาดภาพที่เป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน - หากทั้งสองสไตล์สามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกันฉันก็จะทำ”

อันโตนิโอฟิเนลลี

ศิลปินชาวอิตาลี -“ ผู้เฝ้าดูเวลา” - Antonio Finelli เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างโรมและกัมโปบาสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรีหลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรมฟลอเรนซ์โนวาราเจนัวปาแลร์โมอิสตันบูลอังการานิวยอร์กและยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ

ภาพวาดดินสอ " ผู้เฝ้าดูเวลา"อันโตนิโอฟิเนลลีส่งเราไปสู่การเดินทางอันเป็นนิรันดร์ผ่านโลกภายในของความชั่วขณะของมนุษย์และการวิเคราะห์ที่เกี่ยวข้องอย่างละเอียดถี่ถ้วนของโลกนี้ซึ่งองค์ประกอบหลักคือการผ่านไปตามกาลเวลาและร่องรอยที่เกิดขึ้นบนผิวหนัง

Finelli วาดภาพบุคคลไม่ว่าจะอายุเพศและสัญชาติใดซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าเป็นพยานถึงการผ่านไปตามกาลเวลาศิลปินยังหวังที่จะหาหลักฐานของความเหี้ยมโหดของเวลาบนร่างกายของตัวละครของเขา อันโตนิโอกำหนดผลงานของเขาโดยใช้ชื่อเรื่องทั่วไปว่า“ ภาพเหมือนตนเอง” เพราะในภาพวาดดินสอของเขาไม่เพียง แต่แสดงภาพบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้ไตร่ตรองถึงผลลัพธ์ที่แท้จริงของช่วงเวลาที่ผ่านไปภายในตัวบุคคล

ฟลามิเนียคาร์โลนี

Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปีลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในกรุงโรมเป็นเวลาสิบสองปีในอังกฤษและฝรั่งเศสเป็นเวลาสามปี ได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลปะจาก BD School of Art จากนั้นเธอได้รับประกาศนียบัตรในฐานะผู้ฟื้นฟูผลงานศิลปะ ก่อนที่จะพบอาชีพของเธอและอุทิศตัวเองให้กับการวาดภาพอย่างเต็มที่เธอทำงานเป็นนักข่าวนักวาดสีนักออกแบบและนักแสดงหญิง

ฟลามิเนียเริ่มหลงใหลในการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมันเพราะเธอชอบ "coiffer la pate" และยังเล่นกับวัสดุอีกด้วย เธอได้เรียนรู้เทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua ฟลามิเนียได้รับแรงบันดาลใจจากจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่เช่น Balthus, Hopper และFrançois Legrand รวมถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆเช่นสตรีทอาร์ตความเหมือนจริงแบบจีนสถิตยศาสตร์และความสมจริงในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปินที่เธอชื่นชอบคือคาราวัจโจ ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังแห่งศิลปะบำบัด

เดนิสเชอร์นอฟ

Denis Chernov เป็นศิลปินชาวยูเครนที่มีพรสวรรค์เกิดในปี 1978 ใน Sambir ภูมิภาค Lviv ประเทศยูเครน หลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะคาร์คอฟในปี 2541 เขาอยู่ในคาร์คอฟซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ นอกจากนี้เขายังศึกษาที่สถาบันการออกแบบและศิลปะแห่งรัฐคาร์คอฟภาควิชากราฟิกสำเร็จการศึกษาในปี 2547

เขามีส่วนร่วมในนิทรรศการศิลปะเป็นประจำในขณะนี้มีมากกว่าหกสิบรายทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานส่วนใหญ่ของ Denis Chernov ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวในยูเครนรัสเซียอิตาลีอังกฤษสเปนกรีซฝรั่งเศสสหรัฐอเมริกาแคนาดาและญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายให้กับคริสตี้

เดนิสทำงานในเทคนิคกราฟิกและการวาดภาพที่หลากหลาย ภาพวาดดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดภาพที่เขาโปรดปรานรายการธีมสำหรับภาพวาดดินสอของเขาก็มีความหลากหลายเช่นกันเขาเขียนทิวทัศน์ภาพบุคคลภาพเปลือยองค์ประกอบประเภทภาพวาดหนังสือการสร้างวรรณกรรมและประวัติศาสตร์และจินตนาการ

ป่ารัสเซียในภาพวาดโดยศิลปินชาวรัสเซีย

“ ฉันหวังว่าเวลาจะมาถึงเมื่อธรรมชาติของรัสเซียทั้งหมด

มีชีวิตชีวาและได้รับแรงบันดาลใจจากภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซีย "(I. Shishkin)

ธรรมชาติของรัสเซียมีความหลากหลายและไม่เหมือนใคร ความงามของเธอถูกขับร้องโดยกวีชาวรัสเซียที่ยอดเยี่ยม: Zhukovsky V.A. , Pushkin A.S. , Tyutchev F.I. , Fet A.A. , Nekrasov N.A. , Nikitin I.S. อื่น ๆ จากนั้นเราก็ได้เห็นธรรมชาติของรัสเซียในภาพวาดของจิตรกรภูมิทัศน์: I. Shishkin, A. Kuindzhi, I. Ostroukhov, I. Levitan, V. Polenov, G.Myasoedov, A. จิตรกรคนอื่น ๆ

ในในภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียเราได้เห็นว่าภูมิทัศน์ของธรรมชาติถ่ายทอดเส้นบาง ๆ ที่มองไม่เห็นแยกเราออกจากมัน ธรรมชาติในภาพวาดสะท้อนให้เห็นถึงโลกที่ไม่ใช่มนุษย์ที่ครอบงำธรรมชาติ แต่เป็นธรรมชาติที่อยู่เหนือเขา โลกที่สีสันช่วยเพิ่มความรู้สึกเป็นหนึ่งเดียวกับธรรมชาติ ฤดูกาลในการวาดภาพเป็นธีมพิเศษในทิวทัศน์ของภาพธรรมชาติโดยศิลปินชาวรัสเซียเพราะไม่มีสิ่งใดมาสัมผัสได้ไวเท่ากับการเปลี่ยนแปลงรูปลักษณ์ของธรรมชาติตามฤดูกาล เมื่อถึงฤดูกาลแล้วอารมณ์ของธรรมชาติก็เปลี่ยนไปซึ่งภาพวาดในภาพวาดถ่ายทอดออกมาได้อย่างง่ายดายด้วยพู่กันของศิลปิน