นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ฮาร์ปซิคอร์ด - เครื่องดนตรี - ประวัติศาสตร์, ภาพถ่าย, วิดีโอ คีตกวีชาวฝรั่งเศส ฮาร์ปซิคอร์ดแห่งศตวรรษที่ 18

รายงานประวัติศาสตร์วิทยาศาสตร์

หัวข้อ "ดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18"

นักศึกษาชั้นปีที่ 10 คณะฟิสิกส์และคณิตศาสตร์

Lyceum №1525 "สแปร์โรว์ฮิลส์"

คาซาคอฟ ฟิลิป.

สิ่งแรกที่จะพูดเกี่ยวกับดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 คือ
ไม่เหมือนประเทศชั้นนำในด้านดนตรี (เช่น เยอรมนี
ออสเตรีย สเปน และอิตาลี) ฝรั่งเศสไม่สามารถอวดอะไรได้มากกว่านี้อีกแล้ว
จำนวนของคอมโพสิทที่มีชื่อเสียงโดยเฉพาะทั้งนักแสดงและคนรวย
ผลงานที่มีชื่อเสียงมากมาย ภาษาฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุด
Gluck ถือเป็นนักแต่งเพลงในสมัยนั้น แต่เขามาจากประเทศเยอรมนีด้วย
ส่วนหนึ่ง สถานการณ์นี้ถูกกำหนดโดยผลประโยชน์ของสังคมซึ่งกำหนด
สไตล์เพลง พิจารณาพัฒนาการของดนตรีในศตวรรษที่ 18

ในตอนต้นของศตวรรษ แนวดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือแนวอารมณ์
ความคลาสสิค เป็นเพลงที่ไม่เร่งรีบ ไม่ซับซ้อนเป็นพิเศษ
พวกเขาเล่นด้วยเครื่องสาย เธอมักจะมาพร้อมกับลูกและงานเลี้ยง
แต่พวกเขาก็ชอบฟังเธอในบรรยากาศสบายๆ เหมือนอยู่บ้าน

แล้วลักษณะและเทคนิคของโรโคโคก็เริ่มตกลงไปในเพลงลูท อย่างเช่น
เหมือนไหลรินและธง เธอดูซับซ้อนมากขึ้น ละครเพลง
วลีมีความซับซ้อนและน่าสนใจยิ่งขึ้น ดนตรียิ่งแยกจาก
ความจริง มหัศจรรย์กว่า ถูกต้องน้อยกว่า และใกล้กันมากขึ้น
ผู้ฟัง

เมื่อเข้าใกล้ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ลักษณะของโรโคโคได้รวมเข้ากับ
เพลงที่มันเริ่มมีทิศทางที่แน่นอน ใช่เร็ว ๆ นี้
ดนตรีสองทิศทางมีความโดดเด่นอย่างชัดเจน: ดนตรีสำหรับการเต้นรำและ
เพลงสำหรับร้องเพลง เพลงเต้นรำพร้อมลูกดนตรีสำหรับ
ร้องเพลงในบรรยากาศที่เป็นความลับ มักเป็นขุนนาง
พวกเขาชอบร้องเพลงด้วยฮาร์ปซิคอร์ดแบบทำเอง ในเวลาเดียวกันก็ปรากฏตัวขึ้น
ละครตลก-บัลเลต์แนวใหม่ ผสมผสานบทสนทนา การเต้นรำ และ
ละครใบ้ บรรเลง บางครั้งเสียงร้อง ผู้สร้าง - J.
B. Moliere และนักแต่งเพลง J.B. Lully แนวเพลงมีผลกระทบอย่างมากต่อ
ต่อมาพัฒนาโรงละครดนตรีฝรั่งเศส

หลังจากการแยกประเภทดนตรีที่ละเอียดยิ่งขึ้น จุดเริ่มต้น
เพลงเดินขบวนปรากฏขึ้น เป็นเพลงที่มีเสียงดัง หนักแน่น เสียงดัง ใน
ในเวลานี้เครื่องเพอร์คัชชัน (กลองและ
ฉาบ) ซึ่งกำหนดจังหวะจึงกีดกันการทำงานของ
บุคลิกลักษณะการแสดง ใช้เยอะเหมือนกันนะ
เครื่องมือเช่นทรัมเป็ตซึ่งส่วนใหญ่ทำหน้าที่เพิ่มโดยรวม
ระดับเสียงเพลง เป็นเพราะหน้าตาของมือกลองและเสียงดัง
เครื่องมือดนตรีฝรั่งเศสปลายศตวรรษที่ 18 ในความคิดของฉันกลายเป็น
โดยเฉพาะอย่างยิ่งดั้งเดิมและไม่โดดเด่น ความสำเร็จสูงสุดของดนตรีประกอบละครคือ
การปรากฏตัวของผลงาน "La Marseillaise" เขียนโดย Rouget De Lisle ในปี 1792
ปี.

Rouget de Lisle Claude Joseph (1760-1836) วิศวกรทหารชาวฝรั่งเศสกวีและ
นักแต่งเพลง. เขาเขียนบทสวด เพลง โรมานซ์ ในปี ค.ศ. 1792 เขาเขียนบทประพันธ์
"Marseillaise" ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส

François Couperin (1668-1733) - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส ฮาร์ปซิคอร์ด
นักออร์แกน จากราชวงศ์ที่เทียบได้กับราชวงศ์บาคของเยอรมันตั้งแต่ใน
ครอบครัวของเขามีนักดนตรีหลายชั่วอายุคน Couperin มีชื่อเล่นว่า
"คูเวอริงผู้ยิ่งใหญ่" ส่วนหนึ่งเพราะอารมณ์ขัน ส่วนหนึ่งเป็นเพราะ
อักขระ. ผลงานของเขาเป็นจุดสุดยอดของศิลปะฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส
ดนตรีของคูเปอริงโดดเด่นด้วยความไพเราะ ความสง่างาม
ความละเอียดรอบคอบ

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - นักแต่งเพลงและละครเพลงชาวฝรั่งเศส
นักทฤษฎี ใช้ความสำเร็จของละครเพลงฝรั่งเศสและอิตาลี
วัฒนธรรมปรับเปลี่ยนรูปแบบการแสดงโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญเตรียม
การปฏิรูปโอเปร่าของ K.V. Gluck เขาเขียนโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ฮิปโปลิทัสและ
Arisia (1733), Castor and Pollux (1737), โอเปร่าบัลเล่ต์ Gallant India
(1735), ฮาร์ปซิคอร์ด และอื่นๆ งานเชิงทฤษฎีของเขา
ขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - Franco-German . ที่มีชื่อเสียง
นักแต่งเพลง. กิจกรรมอันรุ่งโรจน์ที่สุดของเขาเกี่ยวข้องกับชาวปารีส
เวทีโอเปร่าที่เขาเขียนผลงานที่ดีที่สุดของเขา
คำภาษาฝรั่งเศส นั่นเป็นเหตุผลที่ชาวฝรั่งเศสเรียกมันว่าภาษาฝรั่งเศส
นักแต่งเพลง. โอเปร่ามากมายของเขา: "Artaserse", "Demofonte",
Fedra และคนอื่น ๆ ได้รับในมิลาน, ตูริน, เวนิส, เครโมนี
หลังจากได้รับคำเชิญไปลอนดอน Gluck เขียนสอง
โอเปร่า: "La Caduta de Giganti" (1746) และ "Artamene" และส่วนผสมของโอเปร่า
(pasticio) "พีระมิด". หลังนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อ
กิจกรรมเพิ่มเติมของ Gluck โอเปร่าทั้งหมดที่ประสบความสำเร็จอย่างมาก
Gluck ถูกเขียนตามแบบฉบับของอิตาลี ประกอบด้วย arias จำนวนหนึ่ง ใน
Gluck ไม่ได้สนใจข้อความของพวกเขามากนัก โอเปร่าของเขา "พีระมิด" เขา
เรียบเรียงจากบทละครในอดีตที่ประสบความสำเร็จสูงสุด
การปรับข้อความเหล่านี้อีกบทหนึ่งของบทใหม่ ความล้มเหลวของสิ่งนี้
โอเปร่าทำให้กลั้กเกิดความคิดที่ว่าเพลงประเภทนั้นเท่านั้นที่สามารถผลิตได้
ความประทับใจที่เหมาะสมซึ่งเกี่ยวข้องโดยตรงกับข้อความ
เขาเริ่มปฏิบัติตามหลักการนี้ในงานต่อไปนี้ของเขา
ค่อยๆ รับทัศนคติที่จริงจังมากขึ้นต่อการบรรยาย
ทำงานออกไปในรายละเอียดที่เล็กที่สุดของการบรรยาย arioso และไม่ลืม
บทสวดแม้ในอาเรียส

ความปรารถนาที่จะเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างข้อความและเพลงนั้นชัดเจนอยู่แล้วใน
"เซมิราไมด์" (1748) แต่ผู้แต่งกลับกลายเป็นโอเปร่า
เหมือนละครเพลงที่เด่นชัดใน "Orfeo", "Alceste", "Paride ed Elena"
(ค.ศ. 1761 - 64) จัดแสดงที่เวียนนา ผู้ปฏิรูปโอเปร่าของกลัคคือ
ใน "Iphigenie en Aulide" มอบให้ในปารีสด้วยความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ (1774)
นอกจากนี้ยังมีให้: "Armide" (1777) และ "Iphigenie en Tauride"
(1779) -

ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Gluck โอเปร่าครั้งสุดท้ายของ G. คือ “Echo et
นาซิสซ่า". นอกจากโอเปร่าแล้ว Gluck ยังเขียนซิมโฟนี สดุดี และอื่นๆ อีกมากมาย ทั้งหมด
มากกว่า 50 โอเปร่า บทละครและบัลเลต์ที่เขียนโดย Gluck

โดยสรุปเราควรเน้นย้ำด้านเดียวของดนตรีฝรั่งเศสอีกครั้ง
ศตวรรษที่ 18. ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีก็เหมือนงานฝีมือหรือเรื่องง่าย
งานอดิเรก. บนงานฝีมือเพราะงานทั้งหมดเป็นประเภทเดียวกันและ
คล้ายคลึงกัน ในงานอดิเรกเพราะนักประพันธ์เพลงหลายคน
เรียนดนตรีแค่เวลาว่างก็อิ่มแล้ว
เวลาว่าง. เรียกได้ว่าเป็นอาชีพสร้างสรรค์ที่สร้างสรรค์
เป็นสิ่งต้องห้าม แม้แต่นักประพันธ์ชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุดในสมัยนั้น Gluck
(ซึ่งไม่ใช่นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสอย่างแน่นอน)
ผู้ไม่หวังดีเรียกนักแต่งเพลงงานหนึ่ง มีจำหน่ายใน
ใจ "ออร์ฟัสและยูริไดซ์"

ที่มา:

สารานุกรมที่ยิ่งใหญ่ของ Cyril และ Methodius

สารานุกรมดนตรีคลาสสิก,

Brockhaus และ Efron,

ดนตรีคลาสสิก (เบี้ยเลี้ยง),

อินเทอร์เน็ต,

นักดนตรีที่มีความสามารถ Natalia Bogoslavskaya

Marseillaise เป็นเพลงปฏิวัติฝรั่งเศส
ครั้งแรกเรียกว่า "เพลงรบของกองทัพแห่งแม่น้ำไรน์" จากนั้น "มีนาคม
Marseilles" หรือ "La Marseillaise" ภายใต้สาธารณรัฐที่สาม
เพลงชาติของฝรั่งเศส (ตั้งแต่วันที่ 14 กรกฎาคม พ.ศ. 2518 ได้มีการเปิดเพลงใหม่)
บรรณาธิการเพลง) ในรัสเซีย “การทำงาน
Marseillaise" (ทำนอง "La Marseillaise" ข้อความโดย P. L. Lavrov ตีพิมพ์ใน
หนังสือพิมพ์ "ส่งต่อ" 1.7.1875)

HARMONY หมายถึง ดนตรีที่แสดงออกถึงความเป็นหนึ่งเดียวกัน
โทนเสียงเป็นพยัญชนะและการเชื่อมต่อของพยัญชนะในการเคลื่อนไหวต่อเนื่องของพวกเขา
ประเภทหลักของเสียงประสานคือคอร์ด สามัคคีสร้างได้ดั่งใจ
กฎแห่งความสามัคคีในดนตรีโพลีโฟนิกทุกประเภท - เสียงพ้องเสียง
โพลีโฟนี องค์ประกอบของความสามัคคี - จังหวะและการปรับ - ปัจจัยที่สำคัญที่สุด
รูปแบบดนตรี หลักคำสอนเรื่องความสามัคคีเป็นหนึ่งในส่วนหลักของทฤษฎี
ดนตรี.

จากหอยมุกเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 - จากเครื่องลายคราม ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 เป็นครั้งแรกที่ใช้วัสดุโพลีเมอร์สำหรับเทียม อันไหน? 1.เซลลูออยด์ 2.อีโบไนต์ 3.ยาง 4.โพลีเมทิลเมทาคริเลต 5.ฟลูออโรพลาสต์ 6.ซิลิโคน

การแสดงออก? ให้อย่างน้อยสามตัวอย่าง
ฉันมี 1 ความคิด: ศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เขียนในรูปแบบตะวันตก (บาร็อค, อารมณ์อ่อนไหว ฯลฯ ) แต่ผ่านศีลตะวันตกรูปแบบรัสเซียพิเศษก็ปรากฏขึ้น (เช่นบาร็อครัสเซียปรากฏขึ้น) แตกต่างจากตะวันตก จากนั้น "วิกผม" ก็เป็นตัวตนของตะวันตก (โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสมัยนั้นวิกผมกลายเป็นแฟชั่น) และ "หัวล้าน" เป็นลักษณะเฉพาะของรัสเซีย "แอบดู" ผ่านหลักการของ "วิกผม"
ต้องการมาก สองความคิด ช่วยฉันด้วย.

จากหอยมุกเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 - จากเครื่องลายคราม ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 เป็นครั้งแรกที่ใช้วัสดุโพลีเมอร์สำหรับเทียม อันไหน?

1.celluoid

4.พอลิเมทิลเมทาคริเลต

5.ฟลูออโรพลาสต์

6.ซิลิโคน.

ในแต่ละคำถาม คุณต้องเลือกชื่อผู้แต่งจากสี่ชื่อ))))

1. ตั้งชื่อนักแต่งเพลงในยุคบาโรก
ก) วิวาลดี
ข) โมสาร์ท;
c) เบโธเฟน;
ง) ชูมานน์
2. นักแต่งเพลงในรายการใดเป็นเจ้าอาวาส?
ก) บาค;
ข) ฮันเดล;
ค) วิวัลดี;
ง) โมสาร์ท
3. ตั้งชื่อผู้แต่ง "The Well-Tempered Clavier", "Matthew Passion", "Inventions"
ก) บาค;
ข) เบโธเฟน;
ค) โชแปง;
ง) ชูมานน์
4. ใครเป็นคนเขียนโอเปร่า "Fidelio"?
ก) ไฮเดน;
ข) โมสาร์ท;
c) เบโธเฟน;
ง) โชแปง
5. นักแต่งเพลงคนใดที่เขียนโอเปร่า "การแต่งงานของฟิกาโร", "ดอนจิโอวานนี่"
ก) โมสาร์ท
ข) เบโธเฟน;
c) เมนเดลโซห์น;
ง) รอสซินี
6. นักประพันธ์เพลงคนใดต่อไปนี้ไม่ใช่ชาวเวียนนาคลาสสิก?
ก) ไฮเดน;
ข) แมนน์;
ค) โมสาร์ท;
ง) เบโธเฟน
7. ใครเป็นผู้แต่งโอเปร่า "Aida", "La Traviata", "Rigoletto"?
ก) โมสาร์ท
ข) เบโธเฟน;
ค) รอสซินี;
ง) แวร์ดี
8. ใครเป็นคนเขียนเปียโนโซนาตา 32 ตัว?
ก) บาค;
ข) โมสาร์ท;
c) เบโธเฟน;
ง) โชแปง
9. ตั้งชื่อผู้แต่ง "Symphony with tremolo timpani", "Farewell", "Children's"
ก) ไฮเดน;
ข) โมสาร์ท;
ค) แมนน์;
ง) โชแปง
10. ใครเรียกว่า "บิดาแห่งซิมโฟนีและควอเตต"?
ก) Mazart
ข) เบโธเฟน;
ค) ไฮเดน;
ง) บาค
11. คีตกวีคนใดเป็นคนแรกที่เรียกการประพันธ์ของเขาว่าบทกวีไพเราะ?
ก) guano
ข) แบร์ลิออซ;
c) เบโธเฟน;
ง) แผ่น;
12. ดนตรีรูปแบบใดที่อิงจากความขัดแย้งของสองรูปแบบ?
ก) การเปลี่ยนแปลง;
b) รอนโน;
c) แบบฟอร์มโซนาต้า;
ง) ความทรงจำ
13. ตั้งชื่อผู้แต่งซิมโฟนีในขั้นสุดท้ายที่ใช้คณะนักร้องประสานเสียง:
ก) ไฮเดน;
ข) โมสาร์ท;
ค) ชูเบิร์ต;
ง) เบโธเฟน
14. คีตกวีคนใดเหล่านี้เขียนเพื่อเปียโนเท่านั้น?
ก) กูน็อด
ข) โชแปง;
ค) มาห์เลอร์;
d) แมนน์;
15. นักแต่งเพลงคนใดบ้างที่แต่งเพลงให้กับละครของ Ibsen เรื่อง "Peer Gynt"?
ก) โชแปง
ข) แบร์ลิออซ;
ค) มาห์เลอร์;
ง) ชูมานน์
16. ใครเป็นคนเขียนวงจรเสียง "The Beautiful Miller's Woman" และ "Winter Way"?
ก) ชูเบิร์ต
ข) แมนน์;
c) เมนเดลโซห์น;
ง) บิเซท
17. ตั้งชื่อผู้แต่ง "Unfinished Symphony":
ก) เบโธเฟน
ข) ไฮเดน;
ค) ชูเบิร์ต;
ง) วากเนอร์
18. ใครเป็นคนเขียนวงจรเปียโน "Carnival"?
ก) เบโธเฟน
ข) โมสาร์ท;
ค) ไฮเดน;
ง) รายการ
19. ใครเขียนซิมโฟนีมากกว่า 100 รายการ?
ก) เบโธเฟน
ข) โมสาร์ท;
ค) ไฮเดน;
ง) ชูเบิร์ต
20. นักแต่งเพลง - นักไวโอลินชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18:
ก) Alyabiev;
ข) โฟมิน;
ค) คันดอชกิน;
ง) Verstovsky

รายงานประวัติศาสตร์วิทยาศาสตร์

หัวข้อ "ดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18"

นักศึกษาชั้นปีที่ 10 คณะฟิสิกส์และคณิตศาสตร์

Lyceum №1525 "สแปร์โรว์ฮิลส์"

คาซาคอฟ ฟิลิป.

สิ่งแรกที่จะพูดเกี่ยวกับดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ก็คือ ไม่เหมือนประเทศชั้นนำในด้านดนตรี (เช่น เยอรมนี ออสเตรีย สเปน และอิตาลี) ฝรั่งเศสไม่สามารถอวดชื่อเสียงจำนวนมากอย่างใดอย่างหนึ่งได้ นักแต่งเพลงหรือนักแสดงหรืองานที่มีชื่อเสียงมากมาย Gluck ถือเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุดในเวลานั้น แต่เขามาจากประเทศเยอรมนีด้วย ส่วนหนึ่ง สถานการณ์นี้ถูกกำหนดโดยผลประโยชน์ของสังคม ซึ่งกำหนดรูปแบบของดนตรี พิจารณาพัฒนาการของดนตรีในศตวรรษที่ 18

ในตอนต้นของศตวรรษ แนวดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือแนวอารมณ์ ความคลาสสิค. เป็นเพลงที่ไม่เร่งรีบ ไม่ซับซ้อนเป็นพิเศษ พวกเขาเล่นด้วยเครื่องสาย ปกติแล้วเธอจะไปกับลูกบอลและงานเลี้ยง แต่พวกเขาก็ชอบฟังเธอในบรรยากาศสบายๆ เหมือนอยู่บ้าน

แล้วคุณสมบัติและเทคนิคก็เริ่มตกลงไปในเพลงลูท โรโคโคเช่นไหลรินและธง ได้รูปลักษณ์ที่สลับซับซ้อนมากขึ้น วลีดนตรีมีความซับซ้อนและน่าสนใจยิ่งขึ้น ดนตรีแยกออกจากความเป็นจริงมากขึ้น น่าอัศจรรย์มากขึ้น ถูกต้องน้อยลง และใกล้ชิดกับผู้ฟังมากขึ้น

ใกล้กับครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ลักษณะของโรโคโคผสานเข้ากับดนตรีจนเริ่มมีทิศทางที่แน่นอน ในไม่ช้า ดนตรีสองทิศทางก็ปรากฏอย่างชัดเจน: ดนตรีสำหรับการเต้นรำและดนตรีสำหรับการร้องเพลง ลูกบอลมาพร้อมกับดนตรีสำหรับการเต้นรำ ดนตรีสำหรับร้องเพลงที่ฟังในสภาพแวดล้อมที่เป็นความลับ บ่อยครั้ง พวกขุนนางชอบร้องเพลงบรรเลงเปียโนประจำบ้าน ในเวลาเดียวกัน การแสดงละครแนวตลก-บัลเลต์รูปแบบใหม่ก็ปรากฏขึ้น ผสมผสานบทสนทนา การเต้นรำ และละครใบ้ ดนตรีบรรเลง และบางครั้งเสียงร้อง ผู้สร้างคือ J. B. Moliere และนักแต่งเพลง J. B. Lully แนวเพลงดังกล่าวมีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาโรงละครดนตรีฝรั่งเศสในเวลาต่อมา

หลังจากการแยกประเภทดนตรีที่ละเอียดยิ่งขึ้น เพลงเดินขบวนก็เริ่มปรากฏขึ้น เป็นเพลงที่มีเสียงดัง หนักแน่น เสียงดัง ในเวลานี้ เครื่องเคาะจังหวะ (กลองและฉาบ) เริ่มแพร่หลาย ซึ่งกำหนดจังหวะ ซึ่งทำให้เสียบุคลิกของการแสดงออกไป นอกจากนี้ยังมีการใช้เครื่องดนตรีมากมาย เช่น ทรัมเป็ต ซึ่งส่วนใหญ่ใช้เพื่อเพิ่มระดับเสียงโดยรวมของเพลง มันเป็นเพราะการปรากฏตัวของมือกลองและเครื่องดนตรีดังที่ดนตรีฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ในความคิดของฉันกลายเป็นแบบดั้งเดิมโดยเฉพาะอย่างยิ่งและไม่โดดเด่น ความสำเร็จอันยอดเยี่ยมของดนตรีเดินขบวนคือการปรากฏตัวของผลงาน "La Marseillaise" ซึ่งเขียนโดย Ruger De Lisle ในปี ค.ศ. 1792

รูจ เดอ ไลล์ โคล้ด โจเซฟ (1760-1836)วิศวกร กวี และนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส เขาเขียนเพลงสวด เพลง โรมานซ์ ในปี ค.ศ. 1792 เขาเขียนเรียงความ " Marseillaise” ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส

ฟรองซัวส์ คูเปอริง (ค.ศ. 1668-1733)- นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส ฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน จากราชวงศ์ที่เทียบได้กับราชวงศ์บาคของเยอรมัน เนื่องจากมีนักดนตรีหลายชั่วอายุคนในครอบครัวของเขา Couperin ได้รับฉายาว่า "the Couperin ผู้ยิ่งใหญ่" ส่วนหนึ่งเป็นเพราะอารมณ์ขันของเขา ส่วนหนึ่งเป็นเพราะบุคลิกของเขา ผลงานของเขาเป็นจุดสุดยอดของศิลปะฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ดนตรีของคูเปอริงโดดเด่นด้วยความสร้างสรรค์ที่ไพเราะ ความสง่างาม และความสมบูรณ์แบบของรายละเอียด

ราโม ฌอง ฟิลิปป์ (ค.ศ. 1683-1764)- นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศส ด้วยการใช้ความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลี เขาได้ปรับเปลี่ยนรูปแบบของโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ เตรียมการปฏิรูปโอเปร่าของ K.V. Gluck เขาเขียนโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ Hippolytus and Arisia (1733), Castor and Pollux (1737), โอเปร่าบัลเล่ต์ Gallant India (1735), ฮาร์ปซิคอร์ดและอื่น ๆ งานเชิงทฤษฎีของเขาเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนา หลักธรรมสามัคคี .

กลัก คริสตอฟ วิลลิบาลด์ (ค.ศ. 1714-1787)นักประพันธ์เพลงฝรั่งเศส-เยอรมันที่มีชื่อเสียง กิจกรรมที่โด่งดังที่สุดของเขาเกี่ยวข้องกับฉากโอเปร่าในกรุงปารีส ซึ่งเขาเขียนผลงานที่ดีที่สุดของเขาด้วยคำพูดภาษาฝรั่งเศส ดังนั้นชาวฝรั่งเศสจึงถือว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส โอเปร่ามากมายของเขา: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" และอื่น ๆ มอบให้ในมิลาน, ตูริน, เวนิส, เครโมนี หลังจากได้รับคำเชิญไปลอนดอน Gluck ได้เขียนโอเปร่าสองเรื่องสำหรับโรงละคร Hay-Market: "La Cadutade Giganti" (1746) และ "Artamene" และ Opera potpourri (pasticcio) "Pyram" หลังนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อกิจกรรมในภายหลังของ Gluck โอเปร่าทั้งหมดที่นำความสำเร็จมาสู่ Gluck นั้นเขียนขึ้นตามรูปแบบภาษาอิตาลีประกอบด้วยชุดของ arias; ในนั้น Gluck ไม่ได้สนใจข้อความมากนัก เขาแต่งโอเปร่า "พีแรม" จากเศษของโอเปร่าก่อนหน้าที่ประสบความสำเร็จมากที่สุด ปรับข้อความอื่นของบทใหม่เป็นเศษส่วนเหล่านี้ ความล้มเหลวของโอเปร่านี้ทำให้กลูแคนเกิดความคิดที่ว่ามีเพียงดนตรีประเภทนั้นเท่านั้นที่สามารถสร้างความประทับใจที่เหมาะสม ซึ่งเกี่ยวข้องโดยตรงกับข้อความ เขาเริ่มยึดถือหลักการนี้ในผลงานที่ตามมาของเขา ค่อยๆ หาทัศนคติที่จริงจังมากขึ้นต่อการบรรยาย ฝึกการบรรยายแบบ arioso ในรายละเอียดที่เล็กที่สุด และไม่ลืมการบรรยายแม้แต่ในบทเพลง

ความปรารถนาที่จะเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างข้อความและเพลงนั้นชัดเจนอยู่แล้วใน "Semiramid" (1748) แต่การที่นักแต่งเพลงหันมาใช้โอเปร่าอย่างเป็นรูปธรรมมากขึ้นในละครเพลงนั้นสามารถสังเกตได้ชัดเจนใน "Orfeo", "Alceste", "ParideedElena" (1761-64) ซึ่งจัดแสดงในเวียนนา นักปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck อยู่ใน "Iphigenie en Aulide" ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากในปารีส (พ.ศ. 2317) นอกจากนี้ยังมีให้: "Armide" (1777) และ "IphigenieenTauride" (1779) -

ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Gluck ละคร G. สุดท้ายคือ "Echo et Narcisse" นอกจากโอเปร่าแล้ว Gluck ยังเขียนซิมโฟนี สดุดี และอื่นๆ อีกมากมาย โอเปร่า บทละคร และบัลเลต์ทั้งหมดที่เขียนโดย Gluck มีมากกว่า 50 เรื่อง

โดยสรุป ควรเน้นย้ำถึงความหน้าเดียวของดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 อีกครั้ง ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเป็นเหมือนงานฝีมือหรืองานอดิเรกเบาๆ บนยานเพราะงานทั้งหมดเป็นงานประเภทเดียวกันและคล้ายคลึงกัน ในงานอดิเรกเพราะนักประพันธ์เพลงหลายคนมีส่วนร่วมในดนตรีในเวลาว่างโดยเติมเวลาว่างด้วยภาพดังกล่าว อาชีพดังกล่าวไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นการสร้างสรรค์อย่างมืออาชีพ แม้แต่นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุดในเวลานั้น Gluck (ซึ่งไม่ใช่นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส) ก็ถูกเรียกโดยผู้ไม่หวังดีว่าเป็นนักแต่งเพลง แปลว่า ออร์ฟัสและยูริไดซ์

ที่มา:

สารานุกรมที่ยิ่งใหญ่ของ Cyril และ Methodius

สารานุกรมดนตรีคลาสสิก,

Brockhaus และ Efron,

ดนตรีคลาสสิก (เบี้ยเลี้ยง),

อินเทอร์เน็ต,

นักดนตรีที่มีความสามารถ Natalia Bogoslavskaya

Marseillaise เป็นเพลงปฏิวัติฝรั่งเศส ตอนแรกมันถูกเรียกว่า "เพลงต่อสู้ของกองทัพแห่งแม่น้ำไรน์" จากนั้น "เดือนมีนาคมของ Marseilles" หรือ "La Marseillaise" ภายใต้สาธารณรัฐที่สาม เพลงชาตินี้กลายเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส (ตั้งแต่วันที่ 14 กรกฎาคม พ.ศ. 2518 ได้มีการเปิดเพลงในเวอร์ชั่นใหม่) ในรัสเซีย "Working Marseillaise" เริ่มแพร่หลาย (ทำนอง "La Marseillaise" ข้อความโดย P. L. Lavrov ตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์ "Vpered" เมื่อวันที่ 1.7.1875)

HARMONY หมายถึงดนตรีที่แสดงออกโดยอาศัยการผสมผสานระหว่างโทนเสียงเข้ากับเสียงพยัญชนะและการเชื่อมโยงของพยัญชนะในการเคลื่อนไหวที่ต่อเนื่องกัน ประเภทหลักของเสียงประสานคือคอร์ด ความสามัคคีถูกสร้างขึ้นตามกฎของโหมดบางอย่างในเพลงโพลีโฟนิกของคลังสินค้าใด ๆ - โฮโมโฟนี, โพลีโฟนี องค์ประกอบของความสามัคคี - จังหวะและการปรับ - เป็นปัจจัยที่สำคัญที่สุดในรูปแบบดนตรี หลักคำสอนเรื่องความสามัคคีเป็นหนึ่งในส่วนหลักของทฤษฎีดนตรี

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ความเป็นอันดับหนึ่งในการพัฒนาดนตรีกลาเวียร์ได้ถ่ายทอดจากผู้บริสุทธิ์ชาวอังกฤษไปสู่นักเปียโนชาวฝรั่งเศส โรงเรียนนี้มาเป็นเวลานานเกือบศตวรรษ ทรงอิทธิพลที่สุดในยุโรปตะวันตก บรรพบุรุษของมันถือเป็น Jacques Chambonièreเป็นที่รู้จักในฐานะนักแสดงที่ยอดเยี่ยมในออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ด ครูและนักแต่งเพลงที่มีความสามารถ

การแสดงดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสมักจัดขึ้นในห้องโถงและพระราชวังของชนชั้นสูง หลังจากพูดคุยหรือเต้นรำในสังคมแบบเบาๆ สภาพแวดล้อมดังกล่าวไม่ชอบศิลปะเชิงลึกและจริงจัง ความซับซ้อนที่สง่างาม ความซับซ้อน ความเบา ความเฉลียวฉลาด มีคุณค่าในดนตรี ในเวลาเดียวกัน ละครขนาดเล็ก - ย่อส่วน - เป็นที่ต้องการ “ไม่มีอะไรนาน เหนื่อย จริงจังเกินไป”- นั่นคือกฎหมายที่ไม่ได้เขียนไว้ซึ่งควรจะได้รับคำแนะนำจากนักแต่งเพลงในศาลฝรั่งเศส ไม่น่าแปลกใจเลยที่นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสไม่ค่อยหันมาใช้ฮาร์ปซิคอร์ดขนาดใหญ่ สวีทซึ่งประกอบด้วยการเต้นรำและโปรแกรมย่อส่วน

ห้องชุดของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ตรงกันข้ามกับห้องชุดของเยอรมัน ซึ่งประกอบด้วยหมายเลขเต้นรำเท่านั้น สร้างขึ้นอย่างอิสระมากกว่า พวกเขาค่อนข้างไม่ค่อยพึ่งพาลำดับที่เข้มงวดของ alemand - courant - sarabande - jig องค์ประกอบของพวกเขาสามารถเป็นอะไรก็ได้ บางครั้งก็คาดไม่ถึง และบทละครส่วนใหญ่มีชื่อบทกวีที่เผยให้เห็นถึงเจตนาของผู้แต่ง

โรงเรียนสอนเปียโนฝรั่งเศสมีชื่อเล่นว่า L. Marchand, J.F. Dandrier, F. Dazhankura, L.-K. ดาควิน, หลุยส์ คูเปอริง. ที่สำคัญที่สุด คีตกวีเหล่านี้ประสบความสำเร็จในภาพอภิบาลอย่างสง่างาม (“The Cuckoo” และ “The Swallow” โดย Daken; “Bird's Cry” โดย Dandrie)

โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสบรรลุจุดสูงสุดในการทำงานของอัจฉริยะสองคน - Francois Couperin(ค.ศ. 1668–ค.ศ. 1733) และน้องร่วมสมัย ฌอง ฟิลิปป์ ราโม (1685–1764).

ผู้ร่วมสมัยเรียกว่าFrançois Couperin "François the Great" ไม่มีนักฮาร์ปซิคอร์ดคนใดสามารถแข่งขันกับเขาในความนิยมได้ เขาเกิดในครอบครัวนักดนตรีที่สืบเชื้อสายมาจากบรรพบุรุษ และใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในปารีสและแวร์ซายในฐานะนักออแกนิกในราชสำนักและครูสอนดนตรีให้กับพระราชวงศ์ นักแต่งเพลงทำงานในหลายประเภท (ยกเว้นการแสดงละคร) ส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกสร้างสรรค์ของเขาคือชุดฮาร์ปซิคอร์ด 27 ชุด (ประมาณ 250 ชิ้นในสี่คอลเลกชัน) Couperin เป็นผู้ก่อตั้งห้องชุดภาษาฝรั่งเศสซึ่งแตกต่างจากรุ่นเยอรมันและประกอบด้วยชิ้นส่วนโปรแกรมเป็นหลัก ในหมู่พวกเขามีภาพร่างของธรรมชาติ ("ผีเสื้อ", "ผึ้ง", "กก") และฉากประเภท - ภาพวาดของชีวิตในชนบท ("Reapers", "Grape Pickers", "Knitters"); แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพเหมือนดนตรีมากมาย ภาพเหล่านี้เป็นภาพเหมือนของสตรีฆราวาสและเด็กสาวธรรมดา - นิรนาม ("ที่รัก", "ผู้เดียวเท่านั้น") หรือระบุไว้ในชื่อละคร ("เจ้าหญิงมาเรีย", "มานอน", "ซิสเตอร์โมนิกา") บ่อยครั้งที่ Couperin ไม่ได้วาดใบหน้าที่เฉพาะเจาะจง แต่เป็นตัวละครของมนุษย์ ("ทำงานหนัก", "Rezvushka", "Anemone", "ไร้สัมผัส") หรือแม้แต่พยายามแสดงลักษณะประจำชาติต่างๆ ("ผู้หญิงชาวสเปน", "ผู้หญิงชาวฝรั่งเศส") . หุ่นจำลองของ Couperin จำนวนมากอยู่ใกล้กับการเต้นรำยอดนิยมในยุคนั้น เช่น courante และ minuet

รูปแบบที่ชื่นชอบของจิ๋วของคูเปอร์คือ รอนโด

ดังที่ระบุไว้แล้ว ดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดมีต้นกำเนิดในสภาพแวดล้อมของชนชั้นสูงและมีไว้สำหรับมัน มีความกลมกลืนกับจิตวิญญาณของวัฒนธรรมชนชั้นสูง ดังนั้น ความสง่างามภายนอกในการออกแบบเนื้อหาเฉพาะเรื่อง ความอุดมสมบูรณ์ของการตกแต่ง ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่โดดเด่นที่สุดของรูปแบบชนชั้นสูง ความหลากหลายของการตกแต่งไม่สามารถแยกจากงานฮาร์ปซิคอร์ดได้จนถึงยุคต้นของเบโธเฟน

ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด ราโมแปลกขัดกับประเพณีห้องประเภทจังหวะใหญ่ เขาไม่ชอบที่จะเขียนรายละเอียด ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยคุณลักษณะที่สดใส สัมผัสได้ทันทีว่าเป็นลายมือของนักประพันธ์ละครที่เกิด (“Chicken”, “Savages”, “Cyclops”)

นอกเหนือจากท่อนฮาร์ปซิคอร์ดที่น่าทึ่งแล้ว ราโมยังเขียน "โศกนาฏกรรมเชิงโคลงสั้น ๆ" มากมาย เช่นเดียวกับ "Treatise on Harmony" (ค.ศ. 1722) ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

การพัฒนาดนตรีกลาเวียร์ของอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อ โดเมนิโก สการ์ลัตติ.

งานของโปรแกรมถือเป็นงานที่มีโครงเรื่องเฉพาะ - "โปรแกรม" ซึ่งมักจะจำกัดอยู่เพียงหัวข้อเดียว แต่อาจมีคำอธิบายโดยละเอียด

อาจเป็นไปได้ว่าลักษณะของเครื่องตกแต่งนั้นเชื่อมโยงกับความไม่สมบูรณ์ของฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งเสียงนั้นหายไปในทันทีและเสียงรัวหรือกลุ่มสามารถชดเชยข้อบกพร่องนี้บางส่วนได้ทำให้เสียงของเสียงอ้างอิงยาวขึ้น

ในยุโรปตะวันตก (โดยเฉพาะอิตาลี-สเปน) หลายฝ่าย กระทะ เพลงของยุคกลางตอนปลายและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (โมเท็ต มาดริกาล ฯลฯ) เป็นการแสดงด้นสด องค์ประกอบดำเนินการ art-va เทคนิคการลดขนาดได้รับการพัฒนาอย่างมาก เธอยังทำองค์ประกอบพื้นผิวอย่างใดอย่างหนึ่ง รากฐานของสัญชาตญาณโบราณดังกล่าว ประเภทเช่นโหมโรง, ไรเดอร์คาร์, toccata, แฟนตาซี ป. สูตรจิ๋วค่อยๆ โดดเด่นจากการแสดงออกที่หลากหลายของเสรีภาพในการพูด อย่างแรกเลยคือบทสรุปของความไพเราะ สิ่งปลูกสร้าง (ในข้อ) รอบเซอร์. ค. ในตัวเขา. องค์กร tablature ปรากฏกราฟิกแรก ป้ายสำหรับเขียนตกแต่ง เคเซอร์ ศตวรรษที่ 16 ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย - ในการย่อยสลาย สายพันธุ์และการเชื่อมต่อ - รอยเปื้อน, ไหลริน, gruppetto, to-rye ยังคงอยู่ในกลุ่มหลัก คำแนะนำ เครื่องประดับ เห็นได้ชัดว่าพวกเขาถูกสร้างขึ้นในการฝึกสอน ผลงาน.

จากชั้น2. ศตวรรษที่ 16 ฟรี O. พัฒนา hl. ร. ในอิตาลีโดยเฉพาะในแนวไพเราะที่แตกต่างกัน ความสมบูรณ์ของกระทะโซโล ดนตรี เช่นเดียวกับนักไวโอลินที่มุ่งสู่ความมีคุณธรรม ดนตรี. ในขณะนั้นในไวโอลิน ดนตรียังไม่พบการใช้ vibrato ในวงกว้างซึ่งให้การแสดงออกถึงเสียงที่ขยายออกไปและการตกแต่งท่วงทำนองที่หลากหลายทำหน้าที่แทนมัน Melisma เครื่องราชอิสริยาภรณ์ (orements, agréments) ได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษในศิลปะของฝรั่งเศส นักเล่นลูเทนและนักฮาร์ปซิคอร์ดของศตวรรษที่ 17 และ 18 ซึ่งมีลักษณะเฉพาะในการเต้น ประเภทภายใต้สไตล์ที่มีความซับซ้อน ในภาษาฝรั่งเศส เพลงมีการเชื่อมต่ออย่างใกล้ชิด instr. ข้อตกลงกับฆราวาส wok เนื้อเพลง (ที่เรียกว่า airs de cour) ซึ่งเต็มไปด้วยการเต้นรำ พลาสติก. ภาษาอังกฤษ สาวพรหมจารี (ปลายศตวรรษที่ 16) มักชอบใช้ใจความและรูปแบบต่างๆ ของเพลง การพัฒนาในด้านของ O. โน้มเอียงไปทางเทคนิคการลดขนาดมากขึ้น น้อยคนนักที่จะอารมณ์เสีย ไอคอนที่ใช้โดยสาวพรหมจารีไม่สามารถถอดรหัสได้อย่างถูกต้อง ในประเทศออสเตรีย clavier art-ve ซึ่งเริ่มพัฒนาอย่างเข้มข้นจากตรงกลาง ในศตวรรษที่ 17 จนถึง J. S. Bach รวมถึงความโน้มถ่วงที่มีต่ออิตาลี จิ๋วและฝรั่งเศส melismatic สไตล์ ที่ชาวฝรั่งเศส นักดนตรีแห่งศตวรรษที่ 17 และ 18 มันกลายเป็นเรื่องปกติที่จะมาพร้อมกับคอลเลกชันของการเล่นที่มีโต๊ะเครื่องราชอิสริยาภรณ์ โต๊ะขนาดใหญ่ที่สุด (มีเมลิสมา 29 สายพันธุ์) นำหน้าด้วยคอลเลกชันฮาร์ปซิคอร์ดของ JA d "Anglebert (1689) แม้ว่าตารางประเภทนี้จะมีความคลาดเคลื่อนเล็กน้อย แต่ก็กลายเป็นแคตตาล็อกเครื่องประดับชนิดหนึ่งที่ใช้กันทั่วไป โดยเฉพาะใน ตารางนี้นำหน้า "หนังสือ Clavier สำหรับวิลเฮล์มฟรีดมันน์บาค" ของบาค (ค.ศ. 1720) ซึ่งยืมมาจาก d'Anglebert มาก

การจากไปของฟรี O. ไปสู่เครื่องประดับที่มีการควบคุมในหมู่ชาวฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ดถูกประดิษฐานอยู่ในออร์ค ดนตรีโดย เจ.บี.ลัลลี่. อย่างไรก็ตาม ภาษาฝรั่งเศส กฎระเบียบของเครื่องประดับไม่ได้เข้มงวดอย่างยิ่ง เนื่องจากแม้แต่ตารางที่มีรายละเอียดมากที่สุดยังระบุการตีความที่แน่นอนสำหรับการใช้งานทั่วไปเท่านั้น อนุญาตให้มีการเบี่ยงเบนเล็กน้อยซึ่งสอดคล้องกับคุณสมบัติเฉพาะของรำพึง ผ้า พวกเขาขึ้นอยู่กับชุดสูทและรสนิยมของนักแสดงและในฉบับที่มีการถอดเสียงเป็นลายลักษณ์อักษร - เกี่ยวกับโวหาร ความรู้ หลักการ และรสนิยมของบรรณาธิการ ความเบี่ยงเบนที่คล้ายคลึงกันนั้นหลีกเลี่ยงไม่ได้ในการแสดงละครของผู้ทรงคุณวุฒิชาวฝรั่งเศส ฮาร์ปซิคอร์ดของ P. Couperin ผู้ซึ่งเรียกร้องให้ใช้กฎการถอดรหัสเครื่องประดับอย่างถูกต้อง ฟรานซ์ นอกจากนี้ยังเป็นเรื่องปกติที่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดจะใช้การตกแต่งที่มีขนาดเล็กลงภายใต้การควบคุมของผู้เขียน ซึ่งพวกเขาได้เขียนออกมาโดยเฉพาะในรูปแบบต่างๆ ซ้ำซ้อน

เพื่อคอน ศตวรรษที่ 17 เมื่อชาวฝรั่งเศส นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดได้กลายเป็นผู้นำเทรนด์ในสาขาของตน เช่น เครื่องประดับ เช่น เสียงทริลล์และโน้ตที่สง่างาม ควบคู่ไปกับความไพเราะ ฟังก์ชั่นพวกเขาเริ่มทำฮาร์มอนิกใหม่ ฟังก์ชัน การสร้างและความคมชัดของความไม่ลงรอยกันบนจังหวะของการวัด J. S. Bach เช่น D. Scarlatti มักจะเขียนการตกแต่งที่ไม่ลงรอยกันในหลัก ข้อความดนตรี (ดู ตัวอย่างเช่น ส่วนที่ II ของคอนแชร์โต้อิตาลี) สิ่งนี้ทำให้ I.A. Sheiba เชื่อว่าการทำเช่นนั้น Bach กีดกันงานของเขา "ความงามแห่งความสามัคคี" เพราะผู้แต่งในขณะนั้นชอบที่จะเขียนการตกแต่งทั้งหมดด้วยไอคอนหรือโน้ตเล็ก ๆ ในรูปแบบกราฟิก บันทึกพูดได้ชัดเจน ความไพเราะของหลัก คอร์ด

F. Couperin มีภาษาฝรั่งเศสที่ละเอียดอ่อน ลักษณะของฮาร์ปซิคอร์ดมาถึงจุดสูงสุดแล้ว ในบทละครสำหรับผู้ใหญ่ของเจ. เอฟ. ราโม มีการเปิดเผยความปรารถนาที่จะก้าวข้ามขีดจำกัดของการไตร่ตรองในห้องแชท เพื่อเสริมสร้างพลวัตของการพัฒนาที่มีประสิทธิภาพ เพื่อนำไปใช้ในดนตรี การเขียนลายเส้นตกแต่งที่กว้างขึ้นโดยเฉพาะในรูปแบบของความสามัคคีพื้นหลัง ตัวเลข ดังนั้นแนวโน้มที่จะใช้เครื่องราชอิสริยาภรณ์ในระดับปานกลางมากขึ้นใน Rameau เช่นเดียวกับในฝรั่งเศสในภายหลัง นักฮาร์ปซิคอร์ด เป็นต้น ที่ เจ. ดูฟลาย. อย่างไรก็ตามในไตรมาสที่ 3 ศตวรรษที่ 18 O. ได้มาถึงจุดสูงสุดใหม่ในการผลิต เกี่ยวข้องกับแนวโน้มอารมณ์ ตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะนี้ ทิศทางของดนตรีถูกสร้างขึ้นโดย F. E. Bach ผู้เขียนบทความเรื่อง "ประสบการณ์ในการเล่นกลาเวียร์ที่ถูกต้อง" ซึ่งเขาให้ความสนใจอย่างมากกับคำถามของ O.

ความคลาสสิกแบบเวียนนาที่ออกดอกสูงตามมาซึ่งสอดคล้องกับสุนทรียศาสตร์ใหม่ อุดมการณ์นำไปสู่การใช้ O อย่างเข้มงวดและปานกลางมากขึ้น อย่างไรก็ตาม เธอยังคงมีบทบาทสำคัญในงานของ J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart และ L. Beethoven อายุน้อย ฟรี O. ยังคงอยู่ในยุโรป เพลงพรีเมียร์. ในด้านของการเปลี่ยนแปลง virtuoso conc. cadenzas และกระทะ ลูกคอ. อันหลังจะสะท้อนอยู่ในความโรแมนติก เอฟพี ดนตรีชั้น 1 ศตวรรษที่ 19 (โดยเฉพาะรูปแบบดั้งเดิมโดย F. Chopin) ในเวลาเดียวกัน เสียงเมลิสมาที่ไม่ลงรอยกันก็ทำให้เกิดพยัญชนะ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง รัวเริ่มเริ่มต้นพรีม ไม่ใช่ด้วยตัวช่วย แต่ด้วยตัวหลัก มักจะเกิดเสียงที่ไม่อยู่ในจังหวะ ฮาร์โมนิกแบบนี้ และจังหวะ. อ่อนตัว O. ตรงกันข้ามกับความไม่ลงรอยกันที่เพิ่มขึ้นของคอร์ดเอง การพัฒนาออร์แกนปากอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนกลายเป็นลักษณะของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก พื้นหลังเป็นรูปเป็นร่างใน fp ดนตรีที่มีสีสันสดใส การใช้การถีบคันเหยียบ เช่นเดียวกับภาพร่างที่มีสีสันสดใส ใบแจ้งหนี้ใน orc. คะแนน ในชั้นที่ 2 ศตวรรษที่ 19 ค่าของ O. ลดลง ในศตวรรษที่ 20 บทบาทของโอฟรีเพิ่มขึ้นอีกครั้งโดยเชื่อมโยงกับการด้นสด เริ่มขึ้นในบางพื้นที่ของดนตรี ความคิดสร้างสรรค์ เป็นต้น ในดนตรีแจ๊ส มีระเบียบวิธีทางทฤษฎีมากมาย วรรณกรรมเกี่ยวกับปัญหาของ O มันถูกสร้างขึ้นโดยความพยายามอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยในการชี้แจงปรากฏการณ์ของ O. ให้มากที่สุด "ต่อต้าน" สิ่งนี้ในการแสดงด้นสด ธรรมชาติ. สิ่งที่ผู้เขียนงานส่วนใหญ่นำเสนอเป็นกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดสำหรับการถอดรหัสอันที่จริงแล้วเป็นเพียงคำแนะนำบางส่วนเท่านั้น