คีตกวีชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส

หลัก / จิตวิทยา

บทนำ

บทที่ I. ข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเฟื่องฟูของดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

1 เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดของศตวรรษที่ 18

2 ลักษณะของสไตล์ Rococo ในดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ประเภทอื่น ๆ

บทที่ II. ภาพดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

1 เพลงฮาร์ปซิคอร์ดโดย J.F. ราโม

2 เพลงฮาร์ปซิคอร์ดโดย F.Couperin

สรุป

รายการบรรณานุกรม

บทนำ

โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสประสบความสำเร็จในการทำงานของอัจฉริยะสองคนคือFrançois Couperin และ Jean Philippe Rameau ร่วมสมัยที่อายุน้อยกว่าของเขา

Francois Couperin เป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสนักฮาร์ปซิคอร์ดนักออร์แกน จากราชวงศ์ที่เทียบได้กับราชวงศ์บาคของเยอรมันเนื่องจากมีนักดนตรีหลายชั่วอายุคนในครอบครัวของเขา Couperin มีชื่อเล่นว่า "Couperin ผู้ยิ่งใหญ่" ส่วนหนึ่งมาจากอารมณ์ขันของเขาส่วนหนึ่งเป็นผลมาจากตัวละครของเขา ผลงานของเขาคือจุดสุดยอดของศิลปะฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ดนตรีของ Couperin มีความโดดเด่นด้วยความไพเราะความปราณีตการปรับแต่งรายละเอียด

Jean Philippe Rameau เป็นนักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศส ด้วยความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลีเขาได้ปรับเปลี่ยนรูปแบบของโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญเตรียมการปฏิรูปโอเปร่าโดย K.V. Gluck เขาเขียนบทเพลงโศกนาฏกรรม Hippolyte และ Arisia, Castor and Pollux, ละครโอเปร่า - บัลเล่ต์ Gallant India, ฮาร์ปซิคอร์ดและอื่น ๆ ผลงานทางทฤษฎีของเขาเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี

วัตถุประสงค์ของงานหลักสูตรนี้คือเพื่อศึกษาเนื้อหาเกี่ยวกับชีวิตและผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดผู้ยิ่งใหญ่สองคนและระบุลักษณะของงาน

) ศึกษาวรรณกรรมในหัวข้อนี้

) พิจารณาคุณสมบัติหลักของสไตล์ Rococo

) เพื่อเปิดเผยคุณสมบัติของผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ - F.Couperin และ J.F. ราโม.

งานนี้มีความเกี่ยวข้องในสมัยของเราเนื่องจาก Rameau และ Couperin เป็นผลงานพิเศษสำหรับดนตรีคลาสสิกระดับโลก

1.1 เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดในศตวรรษที่ 18

ในศตวรรษที่ 17 กลไกของเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ดเช่นคลาวิคอร์ดและฮาร์ปซิคอร์ดเป็นที่รู้จักกันดี ในคลาวิคอร์ดเกิดเสียงโดยใช้หมุดโลหะแบน (แทนเจนต์) และในฮาร์ปซิคอร์ดโดยใช้ขนนกอีกา (ปิ๊ก)

คลาวิคอร์ดเงียบเกินไปสำหรับการแสดงใหญ่ และฮาร์ปซิคอร์ดก็ให้เสียงที่ดังพอสมควร แต่แต่ละโน้ตก็แสดงทีละตัว

ผู้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดที่สำคัญที่สุดในศตวรรษที่ 18 ได้แก่ ตระกูล Shudi และตระกูล Kirkman เครื่องดนตรีของพวกเขามีตัวเครื่องทำด้วยไม้อัดไม้โอ๊คและโดดเด่นด้วยเสียงที่หนักแน่นของเสียงต่ำ ในเยอรมนีศตวรรษที่ 18 ฮัมบูร์กเป็นศูนย์กลางหลักในการผลิตฮาร์ปซิคอร์ด ในบรรดาเครื่องมือที่ผลิตในเมืองนี้มีการลงทะเบียนสองและสิบหกเช่นเดียวกับคู่มือสามเล่ม แบบจำลองฮาร์ปซิคอร์ดที่ยาวผิดปกติได้รับการออกแบบโดย J. D. Dulken ปรมาจารย์ชาวดัตช์ชั้นนำในศตวรรษที่ 18 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18<#"justify">เป็นเวลาหลายปีที่ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในหลายประเทศทั่วโลก ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ถึงศตวรรษที่ 18 ฮาร์ปซิคอร์ดยังคงได้รับความนิยม แม้ภายหลังจะมีการประดิษฐ์เปียโนซึ่งเล่นได้ง่ายและสบายขึ้นนักดนตรีก็ยังคงใช้ฮาร์ปซิคอร์ดต่อไป นักดนตรีใช้เวลาประมาณร้อยปีโดยลืมเรื่องฮาร์ปซิคอร์ดเพื่อเปลี่ยนมาใช้เปียโน

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มสูญเสียความนิยมและในไม่ช้าก็หายไปจากเวทีคอนเสิร์ตทั้งหมด เฉพาะในช่วงกลางของศตวรรษที่ 19 นักดนตรีจำเขาได้และปัจจุบันสถาบันการศึกษาด้านดนตรีหลายแห่งได้เริ่มฝึกนักแสดงที่เล่นฮาร์ปซิคอร์ด

2 ลักษณะของสไตล์ Rococo ในดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ประเภทอื่น ๆ

Rococo - สไตล์ศิลปะที่มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศส<#"justify">การเกิดขึ้นของสไตล์ Rococo เกิดจากการเปลี่ยนแปลงในปรัชญารสนิยมและชีวิตในราชสำนัก พื้นฐานทางอุดมการณ์ของสไตล์คือความเยาว์วัยและความงามนิรันดร์ความสง่างามและความเศร้าโศกหลีกหนีจากความเป็นจริงความปรารถนาที่จะซ่อนตัวจากความเป็นจริงในชนบทของคนเลี้ยงแกะและความสุขในชนบท สไตล์โรโกโกมีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสและแพร่กระจายไปยังประเทศอื่น ๆ : อิตาลีเยอรมนีรัสเซียสาธารณรัฐเช็กและอื่น ๆ นอกจากนี้ยังใช้กับการวาดภาพและงานศิลปะในรูปแบบอื่น ๆ

ภาพวาดโรโกโกปรากฏให้เห็นชัดเจนที่สุดในฝรั่งเศสและอิตาลี แทนที่จะมีความแตกต่างและสีสันสดใสช่วงของสีที่แตกต่างกันจะปรากฏในภาพวาดสีพาสเทลอ่อน ๆ สีชมพูสีฟ้าสีม่วง ธีมนี้ถูกครอบงำโดย Pastorals<#"justify">บทที่ II. ภาพดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

2.1 เพลงฮาร์ปซิคอร์ดโดย J.Ramot

Rameau เกิดและเติบโตท่ามกลางนักดนตรีมืออาชีพในศูนย์กลางดนตรีโบราณแห่งหนึ่งของฝรั่งเศส - เมือง Dijon ในครอบครัวของนักเล่นออร์แกน ไม่ทราบวันเกิดของเขา แต่เขารับบัพติศมาเมื่อวันที่ 25 กันยายน ค.ศ. 1683 เมืองหลวงของเบอร์กันดีมีชื่อเสียงมายาวนานในฐานะศูนย์กลางดนตรีฝรั่งเศสที่เก่าแก่ที่สุดแห่งหนึ่ง Jean Rameau ผู้เป็นพ่อรับใช้ที่นั่นในตำแหน่งออแกนที่ Notre Dame de Dijon และเห็นได้ชัดว่าเป็นที่ปรึกษาทางดนตรีคนแรกของนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งของฝรั่งเศส ในช่วงเวลาที่ห่างไกลนั้นการศึกษาดนตรีในบ้านได้หยั่งรากลึกลงไปเกือบทุกที่ในฐานะประเพณีที่ไม่มั่นคงและในทางกลับกันการปรับปรุงทางศิลปะของชายหนุ่มในโรงเรียนดนตรีดูเหมือนจะเป็นข้อยกเว้นที่หายากมาก Young Rameau เข้าร่วมมนุษยศาสตร์ที่วิทยาลัยเยซูอิตซึ่งเขาเข้าเรียนเป็นเวลาสี่ปี ข้อมูลที่ได้รับการสนับสนุนจากเอกสารเกี่ยวกับวัยเยาว์ของ Jean Philippe นั้นหายาก เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าเมื่ออายุสิบแปดเขาตามความคิดริเริ่มของพ่อเขาไปอิตาลีเพื่อการศึกษาด้านดนตรี แต่ไม่ได้ไปไกลกว่ามิลาน

ในเวลานั้นดนตรีอิตาลีดึงดูดความสนใจโดยทั่วไปเนื่องจากการปรากฏตัวของโรงละครดนตรีฝรั่งเศสแนวใหม่ (Queen's Comic Ballet จัดแสดงโดยมีชาวอิตาเลียนเข้าร่วม) และเนื่องจากนโยบายโปรอิตาลีที่ดำเนินการโดยกษัตริย์ของ ราชวงศ์วาลัวส์ ในช่วงทศวรรษที่ 1700 มีการโต้เถียงกันทางทฤษฎีเกี่ยวกับดนตรีอิตาลีและฝรั่งเศสระหว่าง Abbot Ragen ชาวอิตาลีและ Galloman Lecerf de la Vieville ไม่กี่เดือนต่อมา Rameau กลับไปฝรั่งเศสซึ่งเขาแสดงในบทบาทที่เรียบง่ายมากในฐานะนักไวโอลินที่เล่นกับกลุ่มนักแสดงตลกที่เดินทางซึ่งเป็นคนที่ถูกจับด้วยความแม่นยำและบทกวีที่น่าทึ่งในผลงานของ Antoine Watteau นี่เป็นช่วงเวลาที่สำคัญมากในชีวิตของศิลปิน: เขาเข้าร่วมโรงละครพื้นบ้านโอเปร่าบัลเล่ต์ บางทีในช่วงหลายปีที่ผ่านมาภาพที่ไพเราะของชิ้นส่วนฮาร์ปซิคอร์ดบางชิ้นของเขาปรากฏอยู่ในเนื้อไวโอลิน

ตั้งแต่ปี 1702 Rameau ได้แสดงในบทบาทใหม่ - ในฐานะนักออแกนของคริสตจักรในเมืองต่างจังหวัดบางเมือง - Avignon, Clermont-Ferrand ซึ่งมีการเขียนแคนทาทาสเรื่องแรกของเขา - "Medea" และ "Impatience" ในปี 1705 เขาปรากฏตัวครั้งแรกในเมืองหลวงซึ่งเขาเล่นในโบสถ์เล็ก ๆ สองแห่ง ในปี 1706 - ตีพิมพ์สมุดบันทึกชิ้นแรกของฮาร์ปซิคอร์ดของเขา มิวสิคัลปารีสได้รับผู้มาใหม่อย่างไม่แยแสหากไม่เย็นชาแม้จะมีความงามอันน่าอัศจรรย์นับไม่ถ้วนที่เปล่งประกายและเปล่งประกายอย่างแท้จริงในชุดแรกในเพลงฮาร์ปซิคอร์ดเล็กน้อยของเขา (พร้อมเพลงโหมโรงที่มีชื่อเสียงโดยไม่มีบาร์)

ในตอนต้นของยุคปารีสที่สอง Rameau เริ่มต้นเส้นทางการแสดงละครเวที ทุกอย่างในชีวิตเป็นเรื่องยากสำหรับเขาและเส้นทางนี้ก็เต็มไปด้วยหนาม ในปี 1727 เพื่อค้นหาคำประพันธ์เขาหันไปหาเดอลาม็อตต้าที่มีชื่อเสียงหลายครั้ง จดหมายฉบับหนึ่งของ Rameau ที่ส่งถึงนักประพันธ์คนนี้คือการแสดงทฤษฎีสุนทรียศาสตร์แบบโอเปร่าแบบคลาสสิกอย่างแท้จริง อย่างไรก็ตาม Royal Opera ซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของนักเรียนของ Lully ไม่ได้คิดว่าจำเป็นต้องตอบสนองต่อข้อความเหล่านี้ด้วยซ้ำ Rameau ยังคงแต่งต่อไป เล่มที่สองตามด้วยฮาร์ปซิคอร์ดเล่มที่สามและแคนทาทาใหม่ - Aquilon และ Oritia และ The Faithful Shepherd ในปี 1732 - ปีที่ Joseph Haydn เกิดเมื่อFrançois Couperin มีชีวิตอยู่ในช่วงสุดท้ายของเขาและ Voltaire เขียนว่า "Zaire" - ในปีนั้น Rameau ได้ปรากฏตัวในร้านเสริมสวยของผู้มีอำนาจทุกอย่างในวงการศิลปะในเวลานั้น Alexander la Pouplinier คนเก็บภาษีทั่วไป . ที่นี่เขาได้พบนักประพันธ์คนแรกของเขาคือ Abbot Pellegrain และได้พบกับกวีและนักเขียนบทละครที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของฝรั่งเศสในตอนนั้นซึ่งเป็นนักโทษของ Bastille - François Marie Arouet-Voltaire เมื่อวานนี้

ความใกล้ชิดนี้กลายเป็นการทำงานร่วมกันของศิลปินที่โดดเด่นสองคนซึ่งเป็นแนวทางที่สำคัญที่สุดสำหรับ Rameau: สำหรับเขานักแต่งเพลงเพราะการเปลี่ยนแปลงส่วนใหญ่ของเขาให้กลายเป็นบุคคลดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคคลาสสิกก่อนการปฏิวัติในศตวรรษที่ 18

การทำงานร่วมกันกับ Voltaire มีอิทธิพลอย่างชัดเจนต่อ Rameau ซึ่งมีส่วนในการสร้างสุนทรียภาพในขั้นสุดท้ายมุมมองเกี่ยวกับโรงละครละครประเภทของเขาและตามที่ใคร ๆ อาจคาดเดาได้ว่าสไตล์การอ่านของเขาอิทธิพลที่ไม่อาจต้านทานได้ซึ่งขยายไปถึงดนตรีฝรั่งเศส วันนี้.

องค์ประกอบของ Rameau คือการเต้นรำซึ่งในขณะที่เขายังคงรักษาลักษณะของความกล้าหาญได้นำเสนออารมณ์ความเฉียบคมจังหวะ - น้ำเสียงแบบพื้นบ้านที่เคยได้ยินในวัยเยาว์ของเขาในงานแสดงสินค้า ในตอนแรกพวกเขาฟังเสียงทาร์ตซึ่งบางครั้งก็ท้าทายด้วยเสียงฮาร์ปซิคอร์ดของเขาและจากนั้นก็เข้าไปในโรงละครโอเปร่าปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมในชุดออเคสตราใหม่

เครื่องดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ดของเขาเล่นโดยผู้มีความสามารถในยุโรปเกือบทั้งหมดครอบครัวที่มีเกียรติที่สุดจากชนชั้นสูงของฝรั่งเศสโต้แย้งสิทธิในการสอนลูก ๆ กับเขา มันเป็นอาชีพที่ยอดเยี่ยม

ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau นั้นมีความโดดเด่นด้วยสัมผัสขนาดใหญ่ซึ่งตรงกันข้ามกับประเพณีของห้องประเภทนี้ เขาไม่ชอบเขียนรายละเอียดที่ละเอียดอ่อน ดนตรีของเขามีความโดดเด่นด้วยลักษณะที่สดใสโดยทันทีที่สัมผัสได้ถึงลายมือของนักแต่งเพลงที่เกิดมา ("Chicken", "Savages", "Cyclops")

นอกเหนือจากฮาร์ปซิคอร์ดที่ยอดเยี่ยมแล้ว Rameau ยังเขียน "โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ " อีกมากมายรวมทั้งบทความเรื่อง Harmony ที่แหวกแนวซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีคนสำคัญ

เกี่ยวข้องกับโรงละครตั้งแต่อายุยังน้อยเขียนเพลงสำหรับการแสดงที่เป็นธรรม Rameau อายุห้าสิบปีได้เริ่มแสดงโอเปร่า บทประพันธ์เรื่องแรก "Samson" ในบทละครของวอลแตร์ไม่เห็นฉากนี้เพราะพล็อตในพระคัมภีร์ไบเบิล

งานที่สำคัญของ Rameau คือดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด นักแต่งเพลงเป็นนักแสดงอิมโพรไวส์ที่โดดเด่น ในปี 1706, 1722 และประมาณในปี 1728 มีการตีพิมพ์ห้องชุด 5 ห้องซึ่งท่อนเต้น (อัลลีมานด์คูรันเต้มินิวต์ซาราบันดากิเก) สลับกับลักษณะที่มีชื่อที่แสดงออก: "Gentle Complaints", "Conversation of the Muses", "Savages", "Whirlwinds" และผลงานอื่น ๆ

บทละครที่ดีที่สุดของเขามีความโดดเด่นด้วยจิตวิญญาณอันสูงส่ง - "The Calling of Birds", "Peasant Woman", ตื่นเต้นเร้าใจ - "Gypsy", "Princess" การผสมผสานระหว่างอารมณ์ขันและความเศร้าโศกอย่างละเอียด - "Chicken", "Khromush" ผลงานชิ้นเอกของ Rameau คือ Gavotte with Variations ซึ่งธีมการเต้นรำที่ซับซ้อนค่อยๆใช้ความเข้มงวด บทละครนี้สะท้อนให้เห็นถึงการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณของยุคสมัย: ตั้งแต่บทกวีที่ประณีตของการเฉลิมฉลองที่กล้าหาญในภาพวาดของวัตโตว์ไปจนถึงการปฏิวัติคลาสสิกของภาพวาดของเดวิด นอกจากห้องสวีทเดี่ยวแล้ว Rameau ยังเขียนคอนแชร์โตส 11 เพลงสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดพร้อมด้วยวงดนตรีในห้อง

ผู้ร่วมสมัยของ Rameau กลายเป็นที่รู้จักกันครั้งแรกในฐานะนักทฤษฎีดนตรีจากนั้นก็เป็นนักแต่งเพลง ในฐานะนักสุนทรียศาสตร์เขาปกป้องทฤษฎีขั้นสูงของเวลาของเขานั่นคือทฤษฎีศิลปะเป็นการเลียนแบบธรรมชาติ ในการตรวจสอบกฎแห่งความกลมกลืนเขาดำเนินการในสาระสำคัญจากความเข้าใจทางวัตถุเกี่ยวกับเสียงและความรู้สึกของเสียง (ระดับเสียงตามธรรมชาติเป็นปรากฏการณ์ของโลกทางกายภาพ) เขาเรียกร้องให้นักดนตรีตรวจสอบและตีความประสบการณ์ในทางปฏิบัติโดยใช้เหตุผลและสติปัญญา Rameau อธิบายโดยทั่วไปในทางทฤษฎีและยืนยันโครงสร้างทรินิตี้การผกผันของคอร์ดแนะนำแนวคิดของ "ฮาร์มอนิกเซ็นเตอร์" (โทนิค) ซึ่งเป็นฟังก์ชันที่โดดเด่นและโดยเฉพาะอย่างยิ่งโดเมนย่อย

2 เพลงฮาร์ปซิคอร์ดของ F. Couperin

François Couperin เกิดเมื่อวันที่ 10 พฤศจิกายน ค.ศ. 1668 ในปารีสโดยเป็นครอบครัวดนตรีทางพันธุกรรมของ Charles Couperin นักดนตรีในโบสถ์ ความสามารถของเขาแสดงออกมาตั้งแต่เนิ่นๆครูคนแรกของเขาคือพ่อของเขา จากนั้นการศึกษาดนตรีก็ดำเนินต่อไปภายใต้การดูแลของเจ. ในปี 1685 François Couperin เข้ารับตำแหน่งนักเล่นออร์แกนที่ Church of Saint-Gervais ซึ่งปู่ของเขา Louis Couperin และพ่อของเขาเคยทำงานมาก่อน ตั้งแต่ปี 1693 François Couperin ก็เริ่มทำงานในราชสำนัก - ในฐานะอาจารย์จากนั้นก็เป็นออร์แกนของโบสถ์ในศาลนักดนตรีประจำห้อง (นักฮาร์ปซิคอร์ด)

หน้าที่ของเขาแตกต่างกันไป: เขาแสดงเป็นนักฮาร์ปซิคอร์ดและนักเล่นออร์แกนแต่งเพลงสำหรับคอนเสิร์ตและสำหรับโบสถ์นักร้องร่วมกับนักร้องและสอนดนตรีให้กับสมาชิกของราชวงศ์ ในเวลาเดียวกันเขาไม่ได้เรียนแบบส่วนตัวและยังคงดำรงตำแหน่งออแกนนิสต์ในโบสถ์แซ็ง - เจอร์เวส์ แม้ว่าอายุการใช้งานและความรุ่งโรจน์หลังมรณกรรมของ Couperin ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับความดีความชอบของเขาในฐานะนักแต่งเพลง - นักดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ด แต่เขาก็เขียนผลงานมากมายให้กับวงดนตรีในห้อง (คอนเสิร์ตสามวงโซนาตาส) และในบรรดาผลงานศักดิ์สิทธิ์ของเขามีมวลออร์แกนสองชิ้น motets และอื่น ๆ - เรียกว่า "ล eçons des Ténèbres "(" การอ่านตอนกลางคืน ") ชีวิตเกือบทั้งหมดของ Couperin ถูกใช้ไปในเมืองหลวงของฝรั่งเศสหรือในแวร์ซาย มีรายละเอียดเกี่ยวกับชีวประวัติของเขาน้อยมาก

สไตล์ดนตรีของเขาส่วนใหญ่พัฒนาขึ้นตามประเพณีของโรงเรียนนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสตามที่ได้รับการยืนยันอย่างเต็มที่จากเนื้อหาในตำราของเขา The Art of Playing the Harpsichord ในขณะเดียวกันในผลงานของ Couperin ลัทธิฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสก็มีวุฒิภาวะสูง: ในนั้นความเป็นไปได้ทางศิลปะเกือบทั้งหมดที่ระบุไว้ในโรงเรียนสร้างสรรค์แห่งนี้ได้รับการเปิดเผยในวิธีที่ดีที่สุด ถ้า Jean Philippe Rameau ไปในแง่นี้มากกว่า Couperin เขาก็เริ่มแก้ไขประเพณีของ harpsichordism บางส่วนแล้วทั้งในเชิงอุปมาอุปไมยและเชิงองค์ประกอบ

โดยรวมแล้ว Couperin เขียนมากกว่า 250 ชิ้นสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ด้วยข้อยกเว้นบางประการจึงรวมอยู่ในคอลเล็กชันของปี 1713, 1717, 1722 และ 1730 บทละครเหล่านี้มีความโดดเด่นในเรื่องความสามัคคีและความสมบูรณ์ของรูปแบบทางศิลปะที่น่าทึ่ง เป็นเรื่องยากที่จะรู้สึกได้ว่าวิวัฒนาการสร้างสรรค์อันยาวนานของนักแต่งเพลงได้แสดงออกมาอย่างไรในพวกเขา เว้นแต่รูปแบบการนำเสนอจะเข้มงวดขึ้นเล็กน้อยในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเส้นก็ใหญ่ขึ้นเล็กน้อยการแสดงออกของความกล้าหาญก็น้อยลงอย่างเห็นได้ชัดและการพึ่งพาการเต้นโดยตรงลดลง

ในผลงานช่วงแรกของ Couperin การเต้นรำบางอย่าง (ที่มีการกำหนด: อัลลีมานด์คูรันเต้ซาราบันดากิเกกาวูตต์มินูเอต์คานารีปาสเปียร์ริโกดอน) บางครั้งก็มีซับไตเติลแบบเป็นโปรแกรม เมื่อเวลาผ่านไปมีจำนวนน้อยลง แต่ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมานักแต่งเพลงได้พบกับอัลลีมันดา, ซาราบันด้า, มินิวต์, กาฟอตต์โดยไม่ต้องพูดถึงการเคลื่อนไหวของการเต้นในรายการโดยไม่มีการกำหนดให้เต้นรำอย่างใดอย่างหนึ่ง โดยไม่ทำลายการเต้นรำ (รวมถึงการเต้นรำแบบดั้งเดิมของห้องชุด) โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับหลักการเต้นรำในองค์ประกอบของชิ้นเล็ก ๆ ของเขา Couperin จะไม่รวมเข้าด้วยกันเป็นห้องสวีท เขาเรียกการตีข่าวของหลาย ๆ ชิ้น (จากสี่ถึงยี่สิบสี่) ว่า "ออร์เดร" นั่นคือซีรีส์ สิ่งนี้ไม่ได้เน้นย้ำถึงการก่อสร้างโดยทั่วไป แต่ทุกครั้งที่ฟรีโดยไม่มีฟังก์ชั่นที่มั่นคงของชิ้นส่วนการสลับชิ้นส่วนห้าหกเจ็ดแปดเก้าสิบ (น้อยกว่า - มากกว่า) สี่คอลเลกชันประกอบด้วย 27 "ซีรีส์" ดังกล่าว โดยหลักการแล้วในแต่ละชิ้นไม่มีส่วนหลักหรือส่วนรองไม่มีการเปรียบเทียบที่ตัดกัน แต่เป็นการสลับเพชรประดับที่เกิดขึ้นอย่างแม่นยำเช่นเดียวกับพวงมาลัยซึ่งสามารถขยายได้ทั้งกว้างและมากขึ้นพอประมาณ ขึ้นอยู่กับความตั้งใจของผู้แต่ง ในขณะเดียวกันก็ไม่มีอะไรที่จะทำให้คุณเบื่อในซีรีส์แสงที่สง่างามน่าหลงใหลตลกมีไหวพริบสดใสมีสีสันลักษณะเฉพาะแม้แต่ภาพบุคคลหรือประเภท ดังนั้นชิ้นส่วนในแต่ละออร์เดอร์จึงถูกเลือกด้วยความเก่งกาจที่ไม่สร้างความรำคาญ แต่ไม่ทำลายความกลมกลืนทางศิลปะทั่วไปที่ต้องการด้วยรสนิยมที่ดี (ซึ่ง Couperin ให้คุณค่าเหนือสิ่งอื่นใด) แน่นอนว่ามีวิธีแก้ปัญหาส่วนบุคคลจำนวนมากที่นี่ซึ่งในที่สุดก็ถือเป็นหลักการสำคัญขององค์ประกอบดังกล่าว

บทละครดังที่เคยเป็นมาก่อนในหมู่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดมีลักษณะที่สอดคล้องกันของภาพเดียวไม่ว่าจะเป็นลักษณะที่กำหนดของรูปลักษณ์ (มักเป็นผู้หญิงมากกว่า) ไม่ว่าจะเป็นภาพร่าง (บทละคร "เล็กน้อย") ปรากฏการณ์บทกวีของธรรมชาติประเภทการแสดงออกของอารมณ์บางอย่างตัวละครในตำนานฉากหรือสถานการณ์ที่ได้รับแรงบันดาลใจอย่างชัดเจนจากโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ และทุกที่ดนตรีของ Couperin นั้นไพเราะเต็มไปด้วยการประดับประดา มันเป็นจังหวะที่แปลกเปลี่ยนแปลงได้หรือค่อนข้างเต้นได้ รูปร่างบาง แสดงออก แต่ไม่มีผลกระทบ ถ้าสง่าผ่าเผยก็ไม่มีสิ่งที่น่าสมเพชเป็นพิเศษถ้าอ่อนโยนก็ไม่มีความอ่อนไหวเป็นพิเศษถ้าร่าเริงและมีพลังจากนั้นก็อยู่นอกพลังธาตุถ้าเธอรวบรวมภาพที่เศร้าโศกหรือ "มืด" จากนั้นก็จะมีความยับยั้งชั่งใจ

นักแต่งเพลงยืนยันว่าเขาคิดถึงเพลงของเขาในเชิงเปรียบเปรยมาโดยตลอดแม้จะเป็นภาพบุคคลก็ตาม ตามบรรทัดฐานความงามของเวลาและโดยเฉพาะอย่างยิ่งสภาพแวดล้อมที่ Couperin ทำงานภาพของเขา - "ภาพบุคคล" ในระดับที่แตกต่างกันได้รวมความถูกต้องที่แท้จริงเข้ากับการประชุม และยิ่งตำแหน่งทางสังคมของ "ภาพ" สูงเท่าไหร่ศิลปินก็ยิ่งผูกพันกับสิ่งนี้มากขึ้นเท่านั้น

ปัจจุบันมีบุคลิกเฉพาะหลายอย่างซึ่งมีชื่อปรากฏในบทละครของ Couperin พวกเขาส่วนใหญ่เป็นภรรยาหรือลูกสาวของบุคคลชั้นสูงหรือนักดนตรี (G.Garnier, A. Forcre, J. B. Mare) ซึ่งผู้ประพันธ์สื่อสารด้วย

การเขียนดนตรีของ Couperin มีความซับซ้อนอย่างมากในรายละเอียดปลีกย่อยทั้งหมดและมีสไตล์ที่น่าประหลาดใจ ภายใต้ข้อ จำกัด ด้านสุนทรียศาสตร์และแบบแผนบางประการเขาพบว่ามีโอกาสที่จะแสดงออกบนฮาร์ปซิคอร์ดที่หลากหลายแม้กระทั่งสุดขั้ว “ ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นเครื่องดนตรีที่ยอดเยี่ยมเหมาะอย่างยิ่งในช่วงของมัน แต่เนื่องจากฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถเพิ่มหรือลดความแรงของเสียงได้ฉันจะขอบคุณผู้ที่ชื่นชอบศิลปะและรสนิยมที่สมบูรณ์แบบของพวกเขาเสมอจึงจะสามารถ เพื่อให้แสดงออก นี่คือสิ่งที่คนรุ่นก่อนของฉันใฝ่ฝันไม่ต้องพูดถึงองค์ประกอบที่ยอดเยี่ยมของบทละครของพวกเขา ฉันพยายามปรับปรุงการค้นพบของพวกเขา” Couperin เขียนด้วยเหตุผลที่ดีในคำนำของคอลเลกชันแรกของฮาร์ปซิคอร์ด

เมื่อเปรียบเทียบกับรุ่นก่อนของเขา Couperin ใช้ประโยชน์จากความสามารถของฮาร์ปซิคอร์ดได้กว้างขึ้นมากขึ้นอย่างอิสระมากขึ้นในการกำจัด sonorities ในช่วงทั้งหมดคู่มือเครื่องดนตรีขนาดใหญ่สองเล่ม (ชิ้นส่วน "crois ée ", นั่นคือด้วยการตัดขวาง) พัฒนาพื้นผิวฮาร์ปซิคอร์ดอย่างครอบคลุมเปิดใช้งานเสียงนำหน้า (ด้วยค่าที่กำหนดของคลังสินค้าโฮโมโฟนิก) ช่วยเพิ่มพลวัตโดยรวมภายในการเล่นและให้ความสำคัญกับการตกแต่ง ด้วยเหตุนี้ผ้าดนตรีในผลงานของเขาจึงมีความประณีตและโปร่งใสในเวลาเดียวกันซึ่งตอนนี้ได้รับการตกแต่งอย่างประณีตประกอบไปด้วยจังหวะน้ำเสียงที่ดีที่สุดซึ่งตอนนี้เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวที่เบาพร้อมความเรียบง่ายสัมพัทธ์ของเส้นทั่วไป สิ่งที่ยากที่สุดคือการลดการเขียนฮาร์ปซิคอร์ดของเขาเป็นประเภทหรือบรรทัดฐานใด ๆ ที่นี่เสน่ห์หลักอยู่ที่ความคล่องตัวในการปรากฏตัวของการแต่งหน้าดนตรีที่หลากหลายขึ้นโดยพิจารณาจากความแตกต่างที่เป็นรูปเป็นร่าง มันอยู่บนฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งไม่มีวิธีไดนามิกของเปียโนในอนาคต (ไม่อนุญาตให้เสียงอยู่ได้นานเพื่อให้ได้เอฟเฟกต์ crescendo และ diminuendo เพื่อให้สีของเสียงมีความหลากหลาย) ซึ่งเป็นเครื่องประดับที่มีรายละเอียดมากที่สุด การพัฒนาพื้นผิว "ลูกไม้" มีความสำคัญอย่างยิ่งซึ่ง Couperin ดำเนินการ

Passacaglia ใน h-moll ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของ ordre VIII ครอบครองสถานที่พิเศษในงานของ Couperin ซึ่งอาจเป็นผลงานที่ลึกซึ้งและจริงใจที่สุดในบรรดาผลงานของเขาสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด เปิดกว้าง (174 บาร์) มีองค์ประกอบชัดเจนมากเป็น rondo ที่มีแปดข้อ ชุดรูปแบบ rondo นั้นสวยงาม - เข้มงวด, ยับยั้ง, คอร์ด, บนเบสจากน้อยไปมากตามสี: จังหวะแปดจากสองมาตรการสี่มาตรการที่เหมือนกัน:

ความมีมิติความมีน้ำหนักและความเป็นชนกลุ่มน้อยเหล่านี้ถูกแรเงาอย่างกลมกลืนกันโดยเฉพาะ: การนำเสียงที่นุ่มนวลช่วยให้คุณได้รับความคมชัดของฮาร์มอนิกอย่างสงบและการเปลี่ยนสีที่ละเอียดอ่อนพร้อมกับการสะท้อนในท่วงทำนองซึ่งย้อนกลับไปสู่ความไพเราะ ลักษณะทั่วไปของเสียงมีความสม่ำเสมอ - จริงจังและจะรุนแรงหากไม่ใช่เพราะซอฟต์ฮาร์มอนิกล้น โคลงไม่ได้ลบความประทับใจที่เกิดจากธีมที่โดดเด่นอย่างท่วมท้น พวกเขาเผยให้เห็นความร่ำรวยที่น่าทึ่งของจินตนาการของนักแต่งเพลง - ในขณะที่ยังคงความสมบูรณ์ทางศิลปะของชิ้นงาน

ด้วยความซับซ้อนที่ละเอียดอ่อนของบทละครหลายเรื่องของ Couperin ในแบบของตัวเองนั้นแตกต่างจากสองสามเรื่อง แต่ก็ยังเห็นได้ชัดในรูปลักษณ์ที่เป็นรูปเป็นร่างของหลักการฮีโร่ของเขาการต่อสู้ที่เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วชัยชนะที่ได้รับชัยชนะ ในบทละคร "Triumphal" และ "Trophy" วีรกรรมนี้ไม่เพียงแสดงออกมาในรูปแบบที่เรียบง่ายและงดงาม แต่ยังรวมถึงโครงสร้างน้ำเสียงทั่วไป (การประโคมสัญญาณ)

ความสามารถอันน่าทึ่งของ Couperin ในการดึงผลงานศิลปะที่หลากหลายจากระบบวิธีการนำเสนอที่คล้ายกันหรือเกี่ยวข้องกัน ตัวอย่างเช่นค่อนข้างแปลกคือแนวโน้มของเขาที่จะนำทำนองเพลงในระดับต่ำเช่นเดียวกับการลงทะเบียนอายุตลอดการเล่นทั้งหมด (หรือเกือบทั้งหมด) ซึ่งเราได้พบแล้วใน Small Mourning ขนาดเล็กและยังแตกต่างกันมาก ใน rondo ขนาดใหญ่อุปสรรคลึกลับ ". ในอีกกรณีหนึ่งสีทะเบียนดังกล่าวบางครั้งก็ให้บริการเขาในการแสดงหลักการที่กล้าหาญตามธรรมชาติ ("ซิลวานาส") จากนั้นถ่ายทอดเสียงคำรามของคลื่นแนะนำให้เขาเข้าสู่บรรยากาศบทกวีพิเศษ ("คลื่น") ดูเหมือนว่าจะมีความจำเป็นแม้กระทั่งสำหรับการรวมตัวของภาพผู้หญิงที่แตกต่างกันมาก อย่างหลังน่าแปลกใจเป็นพิเศษ อย่างไรก็ตามทั้งภาพที่นุ่มนวลสะอาดตาและแยกออกจากความหลงใหลของ "แองเจลิกา" และภาพ "เย้ายวน" ที่ดูอ่อนช้อยและเรียบง่ายและยอดเยี่ยมเหมือนเนื้อเพลงที่ไพเราะของ "Touching" - ด้วยความแตกต่างทั้งหมดในเพลงที่เลือก วิธีการที่แสดงออก - ถูกกำหนดไว้อย่างสวยงามด้วยสีที่ลึกกว่าปกติ:

ผู้ประพันธ์มีความกังวลเกี่ยวกับการปฏิบัติบนฮาร์ปซิคอร์ดประการแรกคือเทคนิคการนำเสนอที่แปลกประหลาดสำหรับเครื่องดนตรีชนิดนี้ ตามกฎแล้วสิ่งที่เป็นไปได้ในไวโอลินในโซนาตาไวโอลินควรถูก จำกัด ไว้ในเพลงฮาร์ปซิคอร์ดเขาพบ "หากฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถขยายเสียงได้และหากการซ้ำของเสียงเดียวกันไม่เหมาะกับเสียงนั้นมากนักมันก็มีข้อดีคือความแม่นยำความชัดเจนความสดใสช่วง"

ผู้ร่วมสมัยของ Couperin คือนักแต่งเพลงฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Louis Marchand, G.Le, J. F.Dandrieu และคนอื่น ๆ ศิลปะของพวกเขาได้รับการพัฒนาในแนวเดียวกันของโรงเรียนสร้างสรรค์โดยมีความชอบในการเขียนโปรแกรมในรูปแบบเล็ก ๆ โดยมีความสนใจในการเต้นรำแบบดั้งเดิมและใหม่ และแม้ว่าพวกเขาแต่ละคนจะมีความสำเร็จของตัวเองไปพร้อมกัน แต่งานของ Couperin ก็แสดงเวลาด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่มีให้สำหรับการหักเหของแสงแบบฝรั่งเศสโดยเฉพาะอย่างไม่ต้องสงสัย

รายการบรรณานุกรม

couperin rameau นักเล่นพิณฝรั่งเศส

1. Livanova T. ประวัติดนตรียุโรปตะวันตกก่อนปี 1789 เล่ม 1 มอสโก 1983.696 น.

2. Rosenschild K.K. Music ในฝรั่งเศสในช่วงศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 มอสโก, 1979.168 น.

Livanova T.N. ดนตรียุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 17-18 ท่ามกลางศิลปะ มอสโก 2520 หน้า 528 น.

สถาบันดนตรีแห่งรัฐโอเดสซา A.V. Nezhdanova

บทคัดย่อในหัวข้อ:

"นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส"

นักศึกษาหลักสูตรย่อยที่ 1

คณะแกนนำและนักร้องประสานเสียง

ความเชี่ยวชาญ "ร้องเพลงเดี่ยว"

Bessarab ของ Antonina

อาจารย์: Polevoy O.G.

โอเดสซา 2011

โครงร่างนามธรรม

บทนำ
เกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ด
Jean-Philippe Ramey (fr.ฌอง- ฟิลิปเป้ Rameau; 25/09/1683 ดีฌง - 09/12/1764 ปารีส)
สรุป
รายการอ้างอิง

บทนำ

การก่อตัวของรูปแบบของดนตรีคลาเวียร์ดำเนินไปในการผสมผสานและการเอาชนะประเพณีของออร์แกนและดนตรีพิณอย่างค่อยเป็นค่อยไป การเกิดขึ้นของเพลงคลาวิคอร์ดหรือฮาร์ปซิคอร์ดที่ง่ายที่สุดควรเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 13-16 แต่ดนตรีคลาเวียร์ยังไม่ได้รับความสำคัญอย่างอิสระนักดนตรีไม่ได้คิดถึงวิธีการพิเศษในการแสดงหรือองค์ประกอบ ผู้ร่วมสมัยไม่ได้รู้สึกถึงรูปแบบของดนตรีที่ไพเราะเช่นนี้อย่างน้อยจนถึงช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 16 ดนตรีคลาเวียร์ได้รับเอกราชในฐานะสาขาศิลปะทางโลกอย่างแท้จริง ถ้ามันแสดงให้เห็นร่องรอยของการเชื่อมต่อกับประเภทอวัยวะสิ่งนี้จะแสดงออกเฉพาะในการเพาะปลูกในรูปแบบขนาดใหญ่ (จินตนาการ toccata) ซึ่งในช่วงศตวรรษที่ 17 ไม่ได้เป็นพื้นฐานของละครคลาเวียร์ เพลงพิณได้รับการถ่ายทอดโดยตรงจากฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งในหลายประเทศค่อยๆเปลี่ยนพิณจากการใช้ในครัวเรือน

Clavier (Klavier ภาษาเยอรมัน) - ชื่อทั่วไปของเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ดแบบสตริงในศตวรรษที่ XVII-XVIII ประเภทหลักของ clavier ซึ่ง Bach ยังคงจัดการอยู่นั้นเป็นที่รู้จักกันดีในศตวรรษที่ 16: ฮาร์ปซิคอร์ด (จากการกดปุ่มที่สายสัมผัสกับสไตลัส) และคลาวิคอร์ด (จากการเป่าเดียวกันที่สายสัมผัสสัมผัสโลหะ) คุณลักษณะเหล่านี้ของการผลิตเสียง (การบีบหรือการตี) กำหนดความแตกต่างหลักในด้านเสียงต่ำความแข็งแรงและระยะเวลาของเสียงของเครื่องดนตรีเหล่านี้ ฮาร์ปซิคอร์ดมีเสียงที่หนักแน่นขึ้น แต่ไม่หยุดนิ่งและมักใช้ในการเล่นคอนเสิร์ตสำหรับดนตรีประกอบในวงออเคสตรา ที่บ้านมักจะใช้คลาวิคอร์ดซึ่งเป็นเครื่องดนตรีขนาดเล็กที่มีเสียงเบา แต่ยังคงทนทาน

ก่อนที่โรงเรียนสร้างสรรค์ของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดที่มีอิทธิพลและมีอิทธิพลมายาวนานจะก่อตัวขึ้นในฝรั่งเศสรูปร่างลักษณะของดนตรีคลาเวียร์ปรากฏตัวครั้งแรกในงานศิลปะของผู้บริสุทธิ์ชาวอังกฤษในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 - ต้นศตวรรษที่ 17 (วิลเลียมเบิร์ดจอห์นบูลโธมัสมอร์ลีย์ออร์แลนโดชะนี . สิ่งนี้เกิดขึ้นในยุคของเชกสเปียร์ในช่วงรุ่งเรืองของวรรณกรรมแนวมนุษยนิยมในอังกฤษในช่วงเวลาแห่งชัยชนะของศิลปะฆราวาส ในช่วงเวลาของ Purcell โรงเรียนสร้างสรรค์ของอังกฤษกำลังมีปฏิสัมพันธ์กับแนวทางสร้างสรรค์อื่น ๆ ที่ได้รับการพัฒนาในประเทศในยุโรปตะวันตก

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ความสำคัญของโรงเรียนของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสได้เติบโตขึ้นอย่างแข็งแกร่งซึ่งต่อมาก็เป็นจุดเริ่มต้นในการพัฒนาศิลปะดนตรีแขนงนี้ Jacques Chambognièreถือเป็นผู้ก่อตั้ง ประวัติความเป็นมาเกือบร้อยปีจบลงด้วยผลงานของ J.F. Rameau และรุ่นน้องของเขา ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ความสำเร็จของนักแต่งเพลงฮาร์ปซิคอร์ดในประเทศอื่น ๆ ของยุโรปตะวันตกก็ปรากฏชัด

โรงเรียนของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีชื่อของ L. Marchand, J.F. Dandrier, F.Dagencourt, L. - K. Daken, Louis Couperin นักแต่งเพลงเหล่านี้ส่วนใหญ่ประสบความสำเร็จในภาพอภิบาลที่งดงาม ("นกกาเหว่า" และ "นกนางแอ่น" โดย Daken; "เสียงร้องของนก" โดย Dandrie) โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสประสบความสำเร็จสูงสุดจากผลงานของอัจฉริยะสองคนคือFrançois Couperin (1668-1733) และ Jean Philippe Rameau ร่วมสมัยที่อายุน้อยกว่าของเขา (1685-1764)

ในช่วงแรกของการพัฒนาดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสมีความใกล้ชิดกับประเพณีของผู้เล่นพิณฝรั่งเศสซึ่งในเวลานั้นได้มีความสมบูรณ์แบบในการประพันธ์เพลงความละเอียดอ่อนและความซับซ้อนของโวหาร ดนตรีพิณในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 ไม่ได้อยู่ในฝรั่งเศสเพียง แต่เป็นศิลปะพื้นบ้าน นักแต่งเพลงพิณที่ใหญ่ที่สุดในยุคนั้นแสดงในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงได้สัมผัสกับอิทธิพลของดนตรีบัลเล่ต์ในศาลสื่อสารกับท่อนเต้นของพวกเขาให้ดูมีสไตล์มากกว่าตัวละครในชีวิตประจำวันและพยายามที่จะแสดงอารมณ์ใหม่

เกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ด

clavicembalo เป็นเครื่องดนตรีที่ดึงสายคีย์บอร์ด เชือกในนั้นกระตุกด้วยลิ้นขนนก (ตอนนี้ - ทำจากพลาสติก) การกล่าวถึงเครื่องดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่าแก่ที่สุดปรากฏใน Decameron โดย Giovanni Boccaccio ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1354 เช่นเดียวกับในแหล่งที่มาจากปี 1397 จากปาดัว (อิตาลี) ภาพแรกที่รู้จักกันดีที่สุดอยู่บนแท่นบูชาในมินเดน (1425) คำอธิบายแรกพร้อมภาพวาดประกอบคือ Henri Arnaud de Zwolle ในปี 1436 ฮาร์ปซิคอร์ดถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวจนถึงปลายศตวรรษที่ 18 นานกว่านั้นมันถูกใช้ในการแสดงดิจิตอลเบสประกอบการบรรยายในโอเปร่า ประมาณปีค. ศ. 1810 มันไม่ได้ใช้งานจริง การฟื้นฟูวัฒนธรรมการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 การฟื้นฟูเครื่องมือนี้ริเริ่มโดย A. Dolmech เขาสร้างฮาร์ปซิคอร์ดครั้งแรกในปีพ. ศ. 2439 ในลอนดอนและในไม่ช้าก็เปิดเวิร์คช็อปในบอสตันปารีสและไฮสล์เมียร์

ฮาร์ปซิคอร์ดมีรูปร่างเป็นสามเหลี่ยมรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า สตริงของมันถูกจัดเรียงในแนวนอนขนานกับแป้น สำหรับการลงทะเบียนนั่นคือการเปลี่ยนความแรงและเสียงต่ำของเสียงจะใช้สวิตช์มือและเท้า คุณไม่สามารถเพิ่มและลดระดับเสียงบนฮาร์ปซิคอร์ดได้อย่างราบรื่น ในศตวรรษที่ 15 ช่วงของฮาร์ปซิคอร์ดคือ 3 อ็อกเทฟ (โน้ตโครมาติกบางตัวไม่มีอยู่ในอ็อกเทฟด้านล่าง); ในศตวรรษที่ 16 มันขยายเป็น 4 อ็อกเทฟ (C - c "" ") ในศตวรรษที่ 18 - มากถึง 5 อ็อกเทฟ (F" - f "" ") ฮาร์ปซิคอร์ดมีหลายพันธุ์ในประเทศต่างๆฝรั่งเศสคลาวิเชมบาโลใน อิตาลีใบพัดอากาศในเยอรมนีเครื่องมือสี่เหลี่ยมขนาดเล็กถูกเรียกว่า epinet ในฝรั่งเศสสปิเนตในอิตาลีเวอร์จินในอังกฤษ

ฮาร์ปซิคอร์ดในศตวรรษที่ 15 ยังไม่รอด เมื่อพิจารณาจากภาพเหล่านี้เป็นเครื่องดนตรีสั้น ๆ ที่มีร่างกายหนัก ฮาร์ปซิคอร์ดในศตวรรษที่ 16 ที่ยังหลงเหลืออยู่ส่วนใหญ่สร้างขึ้นในอิตาลีซึ่งเวนิสเป็นศูนย์กลางการผลิตหลัก การโจมตีด้วยฮาร์ปซิคอร์ดเหล่านี้มีความแตกต่างกันมากขึ้นและให้เสียงที่ฉับพลันกว่าเครื่องดนตรีเฟลมิชในภายหลัง ฮาร์ปซิคอร์ดได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่องและมีความพยายามที่จะทำให้เสียงของมันมีความหลากหลายในทุกวิถีทาง ในศตวรรษที่ 17 ศิลปินชื่อดังชาวดัตช์ Ruckers ได้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดที่มีพลังเสียงอันทรงพลัง ฮาร์ปซิคอร์ดของพวกเขามีสายที่ยาวกว่าและมีลำตัวที่หนักกว่าเครื่องดนตรีของอิตาลี ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีคู่มือสองเล่มมักถูกสร้างขึ้น สิ่งนี้บรรลุจุดแข็งของเสียงที่แตกต่างกัน (มือขวาคีย์บอร์ดและคีย์บอร์ด - เปียโน) และความสามารถที่ดีในการถ่ายทอดการข้ามเสียง นอกจากนี้ยังใช้เอฟเฟกต์ของ "รีจิสเตอร์" พิเศษบนฮาร์ปซิคอร์ด: การกดปุ่มหรือคันโยกเปิดสายของวัสดุหรือสายต่างๆที่ปิดด้วยกระดาษ บางครั้งมีการเพิ่มคู่มือฉบับที่สามด้วยเสียง "พิณ" (เพื่อให้ได้มานี้สายจะอู้อี้เล็กน้อยด้วยชิ้นส่วนของหนังหรือรู้สึกโดยใช้กลไกพิเศษ) สวิทช์เท้าและเข่าถูกนำมาใช้ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1750 ด้วยการรวมวิธีการทั้งหมดนี้เข้าด้วยกันทำให้สามารถบรรลุการไล่ระดับของเสียงการเปลี่ยนแปลงของเสียงต่ำบางเสียงเพิ่มขึ้น แต่ผลของ crescendo และ diminuendo บนฮาร์ปซิคอร์ดนั้นไม่สามารถบรรลุได้อย่างสมบูรณ์

ผู้แต่งเพลงฮาร์ปซิคอร์ด: François Couperin, Louis Couperin, Louis Marchand, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtehude, Girolamo Frescobaldi, Johann Jacob Froeberger Gendmi, Georges-Fridosiam Jaefiam Bird, Henry Purcello, Johann Adam Reel , Alessandro Scarlatti, Mathias Weckmann, Dominico Zipoli ฯลฯ

นักฮาร์ปซิคอร์ดที่มีชื่อเสียง: Andrei Volkonsky, Gustav Leonhardt, Wanda Landowska, Robert Hill

นักดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดิสต์ชาวฝรั่งเศส

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดิสต์ภาษาฝรั่งเศส

Jacques สอดแนม เดอ Chambognière (Jacques แชมป์ เดอ Chambonnieres ; 1601 - ด้านหน้า 4 อาจ 1672 )

Jacques Champion de Chambognièreเป็นที่รู้จักในฐานะนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนที่ยอดเยี่ยมนักแต่งเพลงที่มีความสามารถและเป็นครูที่ประสบความสำเร็จ เขายังเป็นนักเต้นที่ยอดเยี่ยมและมีส่วนร่วมในการแสดงบัลเล่ต์ เกิดในปารีส สืบเชื้อสายมาจากครอบครัวนักดนตรีที่เป็นกรรมพันธุ์ ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือปู่ของเขา Toma Champion (ชื่อเล่น Mitu) Jacques Champion พ่อของเขานักเล่นออร์แกนและนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดทำหน้าที่เป็นนักเล่นพิณที่ศาลของ Louis XIII ในเดือนกันยายน ค.ศ. 1611 Chambognièreได้รับสัญญาถึงตำแหน่งศาลในอนาคตของบิดาของเขา ตั้งแต่ปี 1640 เขารับราชการในศาล (epinetist - ตามชื่อของฮาร์ปซิคอร์ดขนาดเล็ก) เขาไม่ได้ดำรงตำแหน่งนี้เป็นเวลานานนับตั้งแต่พระเจ้าหลุยส์ที่สิบสามสิ้นพระชนม์ในปี 1643 และพระราชินีมาเรียเดอเมดิชีพระมเหสีของพระองค์ซึ่งกลายเป็นผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ในสมัยหลุยส์ที่ 14 ทรงมีนักดนตรีเป็นของตัวเอง แต่เขากลายเป็นครูของกษัตริย์หนุ่ม เขามีอาชีพที่ยอดเยี่ยมในราชสำนักฝรั่งเศส แต่ในบั้นปลายชีวิตของเขาตกอยู่ในความโปรดปรานสูญเสียตำแหน่งและเสียชีวิตด้วยความยากจน

กิจกรรมของ Jacques Chambognièreไม่ได้ จำกัด เฉพาะหน้าที่ในศาลเท่านั้น ในปี 1641 เขาจัดคอนเสิร์ตแบบเสียเงินชื่อ Assemblee des Honnestes Curieux (The Assembly of the True Curious) คอนเสิร์ตที่จัดขึ้นที่บ้านของเขาสัปดาห์ละสองครั้งโดยมีนักดนตรีถาวรและศิลปินรับเชิญประมาณสิบคนเข้าร่วม บางทีนี่อาจเป็นคอนเสิร์ตประเภทนี้ครั้งแรกเนื่องจากก่อนหน้านั้นการแสดงทั้งหมดหมายถึงการสนับสนุนของกษัตริย์คริสตจักรหรือขุนนางชั้นสูง

เสียงฮาร์ปซิคอร์ดของChambognièreเกิดขึ้นบนพื้นฐานของการเต้นรำ - การตีระฆัง (มีหลายชิ้นโดยเฉพาะในผู้แต่งเพลง), อัลลีมานเด, ซาราบันดา, กิกิ, ปาเวน, แกลเลียร์, คานารี, มินิเอท ในช่วงหลายปีที่ผู้ก่อตั้งโรงเรียนนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดฝรั่งเศส Jacques Champion de Chambognièreและ Louis Couperin ผู้ติดตามของเขาเริ่มต้นขึ้น Denis Gaultier (ค.ศ. การเปรียบเทียบเพลงพิณของ Gaultier กับเสียงฮาร์ปซิคอร์ดของ Chambognier พบว่ามีสิ่งที่เหมือนกันมากในงานศิลปะของทั้งสองประเภท: พื้นฐานประเภทการเลือกการเต้นรำแนวโน้มเชิงโปรแกรมลักษณะของภาพที่เกิดขึ้นใหม่สไตลิสต์ รูปแบบที่สง่างามและสง่างามของChambognièreถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของประเพณีของดนตรีพิณฝรั่งเศสซึ่ง Germain Pinel และ Ennemond เป็นตัวแทนด้วย

จากบทละครดังกล่าวเมื่อเวลาผ่านไปมีการสร้างห้องชุดบางประเภทขึ้นลักษณะเฉพาะของโรงเรียนบางแห่งและส่วนใหญ่เป็นนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน การเลือกอัลลีมานเด, ตีระฆัง, ซาราบันดาและกิเกเป็นส่วนหลักของชุดนี้จัดทำขึ้นบางส่วนโดยผลงานของคีตกวีชาวฝรั่งเศสเกี่ยวกับการเต้นรำเหล่านี้การคัดเลือกของพวกเขาดำเนินการโดย Froberger จากนั้นโดย Pachelbel และในที่สุดโดยการสร้างสรรค์ของ คือ Bach (ห้องสวีทแบบฝรั่งเศส) บทละครของChambognièreไม่ได้มีรูปแบบของชุดใด ๆ ซึ่งไม่ใช่เรื่องปกติของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Chambognièreทำให้การนำเสนอการเต้นรำมีสไตล์ สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนมากขึ้นในอัลลีมานเดสของเขาซึ่งอยู่ห่างไกลจากการเต้นแล้วค่อนข้างเป็นโพลีโฟนิกและเป็นส่วนเล็ก ๆ ของตัวละครที่สงบนิ่งและมีน้ำใจ เสียงกังวานยังคงรูปลักษณ์ของบัลเล่ต์ไว้ บางครั้ง Sarabandes ก็ค่อนข้างขี้ขลาดบางครั้งโคลงสั้น ๆ โดยมีความเด่นของการแสดงออกทางความไพเราะ (ซึ่งต่อมาจะกลายเป็นประเพณีสำหรับ Sarabande ทั้งบนเวทีและในดนตรีบรรเลง) คำบรรยายของโปรแกรมในการเต้นรำหลายรายการของ Chambognier สนับสนุนการเชื่อมโยงบนเวทีโดยเฉพาะอย่างยิ่งสมาคมบัลเล่ต์: pavana "Conversation of Bots", Sarabande "Young Zephyrs", "Solemn Sarabande" ความสม่ำเสมอของการเคลื่อนไหวและจังหวะที่กำหนดเป็นลักษณะ นักแต่งเพลงเต็มใจที่จะเปลี่ยนไปใช้รูปแบบใหม่โดยสร้างช่วงเวลาหลังการเต้นรำ

ในลักษณะทางดนตรีโดยทั่วไปบทละครของ Chambognier มีแนวโน้มที่จะเป็นคนรักร่วมเพศ ความคล่องตัวของเสียงทั้งหมดไม่ได้บดบังพื้นฐานฮาร์มอนิกของทั้งหมด พื้นผิวยังคงเบาและโปร่งใส Chambognièreเป็นหนึ่งในนักฮาร์ปซิคอร์ดคนแรกที่นำเสนอการตกแต่งทำนองเพลง - เสียงทุ้ม, โน้ตเกรซ, มอร์เดนเตส, กรุปเซ็ตโตส ลักษณะเฉพาะอย่างหนึ่งของดนตรีของเขาคือแนวความไพเราะที่กว้างและชัดเจน แต่ภายใต้พื้นผิวที่ไพเราะนั้นมีความซับซ้อนและความแตกต่างของโพลีโฟนิก นักแต่งเพลงในงานของเขาแสดงให้เห็นถึงลักษณะของการประดับตกแต่งซึ่งจะได้รับพลังสากลจากนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในไม่ช้าและถือเป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่โดดเด่นของสไตล์ของพวกเขา จริงอยู่ในการเปรียบเทียบกับดนตรีของFrançois Couperin การประดับประดาของ Chambognier นั้นไม่ได้ปราณีตและไม่มากนัก: ไม่มีการตกแต่งมากเกินไปและเน้นที่เสียงส่วนบน ในบรรดาเทคนิคการตกแต่งมากมายผู้ประพันธ์จะเลือกผู้ที่โอบล้อมเสียงฮาร์มอนิก (โน้ตเกรซ, กรุปเพตโต, เสียงทริลล์) เป็นตัวรองรับทำนอง ด้วยเหตุนี้การเคลื่อนไหวที่มีลักษณะเฉพาะของการเต้นรำส่วนใหญ่จึงค่อนข้างชัดเจนในการตีระฆังและซาราแบนด์

นอกเหนือจากความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของเขา Jacques Champion de Chambognièreยังมีส่วนร่วมในการสอนและสไตล์ที่ยอดเยี่ยมของเขายังมีอิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสในเวลาต่อมารวมถึงนักแต่งเพลงชาวต่างชาติเช่น Johann Jacob Froberger ในบรรดานักเรียนของเขา ได้แก่ Jacques Ardel, Nicolas Lebesgue และ Jean-Henri d'Anglebert แต่การมีส่วนร่วมในการสร้างราชวงศ์ Couperin มีความสำคัญอย่างยิ่งในปี 1650/51 พี่น้อง Couperin - Charles, Françoisและ Louis ได้จัดคอนเสิร์ตส่วนตัวเล็ก ๆ ที่ที่ดินของChambognièreในวันที่มีชื่อโฮสต์การเล่นและดนตรีของพวกเขา (ผู้แต่งคือ Louis ลูกศิษย์ในอนาคตของเขาและตัวแทนที่มีชื่อเสียงคนแรกของราชวงศ์ Couperin) สร้างความประทับใจให้Chambognièreมากจนเขาเริ่มให้การสนับสนุนพวกเขาและในไม่ช้าทั้งสามก็เริ่มขึ้น อาชีพที่กระตือรือร้นในปารีส

ในช่วงต้นทศวรรษ 1650 อาชีพของเขาเพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ - เขาแต่งเพลงเต้นบัลเล่ต์ไปทัวร์สอนนักเรียนซึ่งในนั้นคือกษัตริย์หลุยส์ที่ 14 ในวัยเยาว์ ความสูญเสียร้ายแรงครั้งแรกเกิดขึ้นในปี 1657 อันเป็นผลมาจากคดีความกับภรรยาของเขาที่ดินและที่ดินของเขาถูกขาย ในปีเดียวกันนั้นกษัตริย์อันเป็นผลมาจากการวางอุบายในวังได้ปลดเขาออกจากตำแหน่งครูสอนเล่นฮาร์ปซิคอร์ด ฝ่ายตรงข้ามของเขาซึ่งเขาเรียกว่า "กลุ่มที่ต่ำและชั่วร้าย" พยายามที่จะให้ Louis Couperin เข้ามาแทนที่ แต่นักเรียนปฏิเสธที่จะนำโพสต์นี้ออกจากความภักดีต่อเพื่อนและผู้มีพระคุณของเขา ตำแหน่งของเขาในศาลมีความเสี่ยงมากขึ้นเงินเดือนของเขาลดลงจนกระทั่งในปี 1662 ในที่สุดเขาก็ออกจากตำแหน่ง ความโชคร้ายหลายอย่างของChambognièreเกิดจากการแต่งตั้ง Jean-Baptiste Lully ให้เป็นผู้อำนวยการนักดนตรีในราชสำนัก โดยหลักการแล้วการลาออกของเขามีวัตถุประสงค์ - Chambognièreไม่สามารถตอบสนองความต้องการใหม่และแสดงดนตรีในรูปแบบใหม่ที่มีเบสต่อเนื่องได้ หลังจากเกษียณอายุChambognièreยังคงเล่นดนตรีและแต่งเพลงในปี 1670 เขาได้ตีพิมพ์ผลงานฮาร์ปซิคอร์ดเพียงสองเล่มส่วนผลงานที่เหลือของเขายังคงเป็นต้นฉบับ

เนื่องจากไม่มีแหล่งที่มาจึงไม่ค่อยมีใครรู้เกี่ยวกับดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 และ Jacques Chambognièreปรากฏตัวในฐานะนักแต่งเพลงหลักเพียงคนเดียวในเวลานี้ที่มีผลงานจำนวนมากที่ยังมีชีวิตอยู่ โดยรวมแล้วมีผลงานมากกว่า 150 ชิ้นในมรดกของเขาเกือบทั้งหมดเป็นงานเต้นรำ (อัลลีมานดี, ตีระฆัง, ซาราบันด์, จิเก, แชกอน, ปาแวน, แกลเลียร์และอื่น ๆ ) ผลงานประมาณเจ็ดสิบชิ้นได้รับการตีพิมพ์โดยนักแต่งเพลงในปี 1670 เป็น Les pieces de clavessin สองเล่มผลงานที่เหลือรอดมาจากแหล่งข้อมูลต้นฉบับซึ่งส่วนใหญ่ถูกค้นพบในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เท่านั้น นอกจากนี้ยังมีละครอีกหลายเรื่องซึ่งการประพันธ์อาจเป็นของChambognière

Louis Couperin (fr. Louis Couperin; ประมาณ 1626, Chaum-en-Brie - 29 สิงหาคม 1661, Paris)

Louis Couperin เป็นลูกชายคนโตของ Charles Couperin ออร์แกนของโบสถ์แห่งหนึ่งใน Brie; น้องชายสองคนของเขา - Charles และFrançois - กลายเป็นนักดนตรีด้วย ประมาณ 1650 Jacques Chambognièreกำลังผ่าน Brie Young Couperins จัดคอนเสิร์ตเพื่อเป็นเกียรติแก่แขกคนสำคัญการแสดงผลงานที่เขียนโดยหลุยส์; Chambognièreประทับใจมากที่ไม่นานเขาก็พาชายหนุ่มไปปารีสและให้การอุปการะ ในปี 1651 หลุยส์อาศัยอยู่ในปารีสแล้วและพี่น้องของเขาก็ติดตามเขาไป ในปี 1653 หลุยส์ได้รับตำแหน่งออร์แกนของโบสถ์แซ็ง - เจอร์เวส์และต่อมาได้รับตำแหน่งนักพนันในศาล อาชีพของนักแต่งเพลงหนุ่มประสบความสำเร็จอย่างมาก ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1650 เขาถูกขอให้เปลี่ยนChambognièreและกลายเป็นนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดของกษัตริย์ แต่ Louis ปฏิเสธที่จะให้ความเคารพต่อเพื่อนและอดีตอาจารย์ของเขา เขายังคงทำงานที่ Saint Gervais และที่ศาลของ Louis XIV และอาจทำงานให้กับครอบครัวชนชั้นสูงใน Meudon ในปี ค.ศ. 1661 ตอนอายุ 35 ปีหลุยส์คูเปรินเสียชีวิต ไม่ทราบสาเหตุของการเสียชีวิต

Louis Couperin เป็นนักดนตรีที่มีความสามารถหลากหลายไม่ว่าจะเป็นนักฮาร์ปซิคอร์ดนักเล่นออร์แกนนักไวโอลินและวิโอลา ในฐานะนักเล่นออร์แกนเขาเล่นในวงออร์เคสตราในบัลเล่ต์ของ Lully ด้วย เขาเขียนชิ้นส่วนสำหรับออร์แกนสำหรับวงดนตรีและไวโอลิน แต่ผลงานส่วนใหญ่ของเขาซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงนั้นถูกสร้างขึ้นสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งแตกต่างจากนักประพันธ์คนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 17 ซึ่งในรูปแบบของผลงานของพวกเขาดำเนินไปจากประเพณีของออร์แกนหรือทำให้มันมีความสัมพันธ์กับศิลปะของคลาเวียร์ Louis Couperin ยังคงเป็นนักเล่นเครื่องดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ด

Couperin ไม่สามารถเผยแพร่ผลงานของเขาได้ เพลงของเขายังคงมีชีวิตอยู่ในต้นฉบับเท่านั้น การแต่งเพลงฮาร์ปซิคอร์ดส่วนใหญ่ของเขาคือการเต้นรำทั้งแบบธรรมดาในช่วงเวลานั้น (อัลลีมานดีสซาราบันตีระฆังจิกิ) และรูปแบบที่หายากมากขึ้น (เบรนเล, โวลตา ฯลฯ ) ผลงานเหล่านี้แสดงถึงขั้นตอนต่อไปในการพัฒนารูปแบบที่ Chambognier ระบุไว้ chacones และ passacagllas ของเขาโดดเด่นในดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของ Couperin และโดยเฉพาะอย่างยิ่งคำนำหน้าแบบไม่ต้องมีชั้นเชิงซึ่ง Couperin มาพร้อมกับสัญกรณ์ดั้งเดิม (โน้ตทั้งหมดหรือเกือบทั้งหมดเขียนโดยรวมและการใช้วลีและแง่มุมอื่น ๆ ของ การแสดงถูกถ่ายทอดออกมาเป็นเส้นสายที่สง่างามมากมาย) อย่างกลมกลืน Couperin มุ่งมั่นที่จะแก้ปัญหาที่ไม่สำคัญและยังได้รับอิทธิพลจาก Johann Jacob Froberger Louis Couperin ส่วนใหญ่มาจากการเต้นรำที่มีลักษณะเดียวกันซึ่งเป็นพื้นฐานของผลงานของChambognièreและ Gaultier แต่ในเวลาเดียวกันเขาพยายามที่จะนำเสนอความเป็นปัจเจกบุคคลหรือรสชาติพิเศษบางอย่างในการเต้นรำ ("Minuet from Poitou", "Basque Branle") เพื่อนำหน้าการเต้นรำแบบอิสระโดยไม่ใช้วิธีโหมโรงการเต้นรำ (โดยปกติจะไม่มี การแสดงมาตรวัดและจังหวะ) แม้จะเปรียบเทียบกับการเต้นรำอย่างรุนแรงซึ่งเป็นการเล่นที่ตัดกัน - ที่เรียกว่า "Tombeau" นั่นคือคำจารึก "หลุมฝังศพ" (จำลองมาจากผู้เล่นพิณ) ดังนั้นบริบทของการไม่รับภาระกับอารมณ์ซึ่งส่วนใหญ่เป็นดนตรีเต้นรำจึงมีจุดเริ่มต้นที่น่าเศร้าที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง Louis Couperin ยังสร้างผลงานอื่น ๆ ที่ไม่ใช่การเต้นรำโดยกำหนดให้เป็น "Pasturel", "In the Piedmontese spirit" สิ่งที่เขาสนใจคือ Chacons ที่มีชื่อเสียงในขณะนั้น (หรือ chacones - ในแบบฝรั่งเศส) ซึ่งรูปแบบดั้งเดิมของพวกเขาในเสียงเบสที่ถูกยับยั้งนั้นรวมกับสัญญาณของ rondo

เพลงออร์แกนของ Couperin ยังคงไม่เป็นที่รู้จักมานานหลายร้อยปีและถูกค้นพบในปี 1950 เท่านั้นและการตีพิมพ์ล่าช้าไปหลายสิบปี มรดกออร์แกนของนักแต่งเพลงมีประมาณ 70 ชิ้นส่วนใหญ่เป็น fugues (มักเรียกว่า "เพ้อฝัน") และการจัดเพลงสวดในโบสถ์ ในบรรดาคุณสมบัติหลัก ๆ คือความพยายามที่จะหลีกหนีจากความเข้มงวดของโพลีโฟนิกของนักออร์แกนชาวฝรั่งเศสรุ่นก่อน ๆ (Titelusa, Cancer ฯลฯ ) และการลงทะเบียนที่เขียนไว้ในแผ่นเพลง คุณลักษณะทั้งสองต่อมากลายเป็นลักษณะเฉพาะของโรงเรียนออร์แกนฝรั่งเศสทั้งหมด เช่นเดียวกันอาจกล่าวได้ถึงความไพเราะหลายอย่างในดนตรีออร์แกนของ Couperin โดยเฉพาะอย่างยิ่งการกระโดดคู่ในเบส

เส้นทางต่อไปของโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดิสต์ฝรั่งเศส

เส้นทางต่อไปของโรงเรียนนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส (ซึ่งนำไปสู่François Couperin the Great) เกี่ยวข้องกับชื่อของ d 'Anglebert และ Lebesgue ที่มีชื่ออยู่แล้วเช่นเดียวกับ Louis Marchand, Gaspard le Roux และนักประพันธ์คนอื่น ๆ อีกจำนวนหนึ่งที่ ก้าวจากศตวรรษที่ 17 ถึงศตวรรษที่ 18 ซึ่งถึงแม้ตอนนี้จะไม่ได้รับรูปแบบที่มั่นคงแม้ว่าส่วนเริ่มต้นของมันจะกลายเป็น d "Anglebert และ Lebesgue ของอัลลีมานด์และเสียงระฆัง แต่ก็สามารถเต้นตามได้เกือบทั้งหมดและ ทั้งหมดจบลงด้วยกาฟอตต์และมินิเอท (การเต้นรำแบบใหม่ที่ทันสมัย) จากนั้นแกลเลียร์โบราณและพาสคาเกเลียตามความรู้สึก โรงเรียนฝรั่งเศสมีความสนใจในการต่อแถวของเพชรประดับฟรีในรูปแบบของโปรแกรมคอนเสิร์ตมากกว่าการตกผลึกของชุดบางประเภทด้วยการเต้นรำที่สนับสนุน อย่างไรก็ตามในระดับยุโรปดนตรีคลาเวียร์ยังคงมีความเกี่ยวข้องในศตวรรษที่ 17 โดยส่วนใหญ่เป็นแนวเพลงไม่ว่าจะเป็นที่เข้าใจกันในประเทศต่างๆและโดยนักแต่งเพลงที่แตกต่างกัน ซึ่งหมายความว่าตามกฎแล้วแต่ละชิ้นยังคงมีขนาดเล็กคงอยู่ในการเคลื่อนไหวเดียวมีลักษณะเฉพาะในแบบของมันเอง (อย่างน้อยก็ตามสัญญาณของการเคลื่อนไหวการเต้นรำ) และในศิลปะดนตรีความอยากในความหลากหลายสำหรับการเปรียบเทียบแม้กระทั่ง ความคมชัดที่เป็นไปได้ของภาพเพิ่มขึ้นรูขุมขนแสดงอย่างน้อยในการสลับชุดของพวกเขา

ฌอง อองรี d "แองเกิลเบิร์ต ( d "แองเกิลเบิร์ต ; อาจ, 1628, ปารีส - 23 IV 1691, นั่นเอง เหมือน ) - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสนักฮาร์ปซิคอร์ดนักออร์แกน นักเรียนของ J. Chambognière ในปี 1664-1674 นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดของหลุยส์ที่ 14 (ตำแหน่งนี้ประสบความสำเร็จโดยลูกชายคนโตของเขา Jean Baptiste Henri d "Anglebert) อองรีเป็นเจ้าของผลงานฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนโดดเด่นด้วยเทคนิคโพลีโฟนิกที่สมบูรณ์แบบซึ่งเป็นคอลเลกชันที่มีชื่อเสียงสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ("60 Pièces de clavecin", P. , 1689) รวมถึงการประพันธ์ดั้งเดิมของเขา (รวมถึง 22 รูปแบบในทำนองของ "Folia" ของสเปน) การถอดเสียงอาเรียและการเต้นรำจำนวนมากจากโอเปราโดย JB Lully ตลอดจนพัฒนาการทางทฤษฎี ( “ หลักการประกอบ” เครื่องประดับโต๊ะถอดเสียง).

Lebesgue ( Lebègue ) Nikola อองตวน - ( 1631, ลียง - 06 .0 7 .1 702, ปารีส ) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวฝรั่งเศส เขาทำหน้าที่เป็นนักเล่นออร์แกนของคริสตจักรในปารีส ผู้แต่งฮาร์ปซิคอร์ด (2 คอลเลกชั่นปี 1677) และห้องออร์แกน (3 คอลเลกชั่น) ซึ่งเลียนแบบ F. Couperin เขาใช้เพลงเต้นรำในยุคนั้นอย่างแพร่หลาย: gavotte, minuet, burré, rondo, passacaglia เป็นต้นเขาเขียนหลาย ๆ สมุดบันทึกการเล่นสำหรับอวัยวะและสำหรับ php และ 2-3-glsn "มาด" ด้วยต่อเนื่อง.

หลุยส์ Marchand ( หลุยส์ Marchand ; 02 .0 2 .1 669, ลียง - 17 .0 2 .1 732, ปารีส ) - นักฮาร์ปซิคอร์ดนักเล่นออร์แกนและนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส (ตัวแทนของโรงเรียนแวร์ซายส์) เกิดในครอบครัวของออร์แกน จากปี 1684 เขาทำหน้าที่เป็นช่างทำออร์แกนของมหาวิหารในเมืองเนเวิร์สและในปีค. ศ. 1698 ในปารีส เขาเป็นนักจัดโครงสร้างของวิหารในเมืองต่างๆของฝรั่งเศสรวมทั้งโบสถ์ฟรานซิสกันคอร์เดเลียร์แห่งปารีส ในปี 1689 เขาตั้งรกรากในปารีสทำหน้าที่เป็นหัวหน้าศาลในปีค. ศ. 1708-14 ในวิหารหลวงแวร์ซาย เขาเป็นหนึ่งในนักเล่นออร์แกนชาวฝรั่งเศสที่ดีที่สุดในยุคนั้น เขามีชื่อเสียงในฐานะนักฮาร์ปซิคอร์ดและอาจารย์ผู้เก่งกาจ เขาทัวร์คอนเสิร์ตสามปีทั่วเยอรมนี (1713-1717) ในปี 1717 เขาหลีกเลี่ยงการแข่งขันกับ I.S. บาคซึ่งควรจะจัดขึ้นในเดรสเดน ในหมู่นักเรียนของเขา - Louis-Claude Daken (1694 - 1772) ผู้แต่งผลงานฮาร์ปซิคอร์ดออร์แกนฮาร์ปซิคอร์ดฮาร์ปซิคอร์ดเพลงคริสตจักร ส่วนที่สำคัญที่สุดของมรดกของนักแต่งเพลง Marchand คือชิ้นส่วนออร์แกนในยุคแรก ๆ และชุดคลาเวียร์ ผู้เขียนผลงานฮาร์ปซิคอร์ดสองเล่มและคอลเลกชันของชิ้นส่วนอวัยวะ นอกจากนี้เขายังเขียนโอเปร่าเรื่อง "Pyramas and Tisba" แคนตาตาหลายเรื่อง (แคนตาตา "Alcyon") เสียงเพชรประดับเสียงและบทความเกี่ยวกับการประพันธ์ ในปี 1702-1703 ผลงานเพลงของ Marchand สองชุดได้รับการตีพิมพ์ในปารีส ในการแต่งเพลงเขาคาดหวังถึงเทคนิคบางอย่าง (ภาษาฮาร์โมนิกที่สดใสจังหวะที่ชัดเจนจังหวะไพเราะที่ชัดเจน) ซึ่งพัฒนาในภายหลังโดย J.F. ราโม 6

จุดสุดยอดของโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส

François คูเปริน ( fr . François คูเปริน ; 10 พฤศจิกายน 1668, ปารีส - 11 กันยายน 1733, นั่นเอง เหมือน )

โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสประสบความสำเร็จสูงสุดจากผลงานของอัจฉริยะสองคน - Francois Couperin) และ Jean Philippe Rameau ร่วมสมัยที่อายุน้อยกว่าของเขา ).

Francois Couperin เป็นนักแต่งเพลงฮาร์ปซิคอร์ดที่มีชื่อเสียงและใหญ่ที่สุดของโรงเรียนภาษาฝรั่งเศส เกิดในครอบครัวดนตรีที่ถ่ายทอดทางพันธุกรรมของ Charles Couperin นักดนตรีในโบสถ์ ครูคนแรกของเขาคือพ่อของเขา จากนั้นการศึกษาดนตรีก็ดำเนินต่อไปภายใต้การดูแลของออร์แกน J. ในปี 1685 François Couperin เข้ารับตำแหน่งนักเล่นออร์แกนที่ Church of Saint-Gervais ซึ่งปู่ของเขา Louis Couperin และพ่อของเขาเคยทำงานมาก่อน ตั้งแต่ปี 1693 François Couperin ก็เริ่มทำงานในราชสำนัก - ในฐานะอาจารย์จากนั้นก็เป็นออร์แกนของโบสถ์ในศาลนักดนตรีประจำห้อง (นักฮาร์ปซิคอร์ด) ชื่อเสียงของเขาในฐานะนักเล่นออร์แกนไม่ได้ด้อยไปกว่าชื่อเสียงของเขาในฐานะนักฮาร์ปซิคอร์ด หน้าที่ของ Couperin ในศาลมีความหลากหลายมาก - เขาแสดงในฐานะศิลปินเดี่ยวแต่งเพลงสำหรับคอนเสิร์ตในศาลและในวันหยุดของคริสตจักรร่วมกับนักร้องและให้บทเรียนฮาร์ปซิคอร์ดแก่ Dauphin และสมาชิกคนอื่น ๆ ของราชวงศ์ ในขณะเดียวกันเขาก็ไม่ได้เรียนแบบส่วนตัวและยังคงดำรงตำแหน่งออแกนนิสต์ในโบสถ์ Saint-Gervais (เซนต์เจอร์วาเซียส) ในกรุงปารีส - ท่านี้เขาดำรงอยู่จนกระทั่งเสียชีวิต ตำแหน่งของนักดนตรีของราชวงศ์กำหนดข้อ จำกัด บางประการและด้วยเหตุนี้ชีวิตของ Couperin เกือบทั้งหมดจึงใช้ไปในปารีสหรือที่แวร์ซายและเห็นได้ชัดว่าเธอไม่ได้ร่ำรวยจากเหตุการณ์ภายนอก ในปี 1730 เขาเกษียณและย้ายสถานที่ของเขาไปให้ลูกสาวของเขา Marguerite-Antoinette

ผลงานหลักของ Couperin เขียนขึ้นสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งมีลักษณะต่างๆมากกว่า 250 ชิ้นซึ่งผู้เขียนให้ชื่อโปรแกรม: "Butterflies", "Reapers", "Loyalty", "Windmills" ฯลฯ รูปแบบของการประพันธ์เหล่านี้ โดดเด่นด้วยความสว่างความสง่างามและการแสดงออกและพวกเขาได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงต่างประเทศด้วย ในฐานะผู้เชี่ยวชาญที่ไม่มีใครเทียบได้ในการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเขาได้รับเกียรติจากคนรุ่นเดียวกันด้วยฉายา "เลอแกรนด์" - "ยอดเยี่ยม"

โดยรวมแล้ว Couperin ประกอบไปด้วยฮาร์ปซิคอร์ดมากกว่า 250 ชิ้นรวมกันเป็นห้องชุด 27 ห้อง สิ่งนี้ประกอบด้วยคอลเลกชันขนาดใหญ่สี่ชุดซึ่งตีพิมพ์ในปี 1713, 1716 (1717?), 1722 และ 1730 ตามลำดับ ห้องชุดของ Couperin ถูกเรียกว่า "Les Ordres" ซึ่งหมายถึง "แถวลำดับ" การเล่นของตัวละครที่หลากหลายที่สุดสลับกันไป เพชรประดับส่วนใหญ่มีคำบรรยายแบบเป็นโปรแกรมมีฉากประเภทภาพและภาพร่างธรรมชาติและฉากเสียดสี ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดในภาพเสียงเป็นภาพทางจิตใจลักษณะของตัวละครหรือสภาพร่างกาย

แม้ว่าชื่อเสียงของ Couperin ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับความดีความชอบของเขาในฐานะนักแต่งเพลงฮาร์ปซิคอร์ด แต่เขาก็เขียนผลงานมากมายให้กับวงดนตรี (คอนเสิร์ตสามวงโซนาตาส) และในบรรดาผลงานศักดิ์สิทธิ์ของเขามีมวลออร์แกนสองชิ้นงานสำหรับออร์แกน motets และสิ่งที่เรียกว่า "Lecons des Tenebres" ("การอ่านตอนกลางคืน")

Couperin ยังเป็นผู้เขียนผลงานทางทฤษฎีและตำรา "The Art of Playing the Harpsichord" อีกด้วย บทความนี้มีคำแนะนำเกี่ยวกับวิธีการที่สำคัญที่สุดจำนวนหนึ่งเกี่ยวกับเทคนิคการแสดงการเล่นการใช้นิ้วและยังเน้นถึงบทบาทพิเศษของเครื่องประดับที่มีความสวยงาม

ในผลงานของเขา Couperin ได้ผสมผสานอิทธิพลของฝรั่งเศสและอิตาลีเข้าด้วยกันอย่างยอดเยี่ยมและถือว่า Jean Baptiste Lully และ Arcangelo Corelli เป็นอาจารย์รุ่นก่อนของเขา Couperin จ่ายส่วยแปลก ๆ ให้กับนักดนตรีที่ได้รับการยกย่องโดยเฉพาะเหล่านี้ในคอนเสิร์ตบรรเลง 7 ตอน "Parnas หรือ Apotheosis of Corelli" ("Le Parnasse ou l" apotheose de Corelli ", (1724) และ" Apotheosis of Lully "(ชื่อเต็ม - "คอนเสิร์ตบรรเลง - apotheosis ที่อุทิศให้กับความทรงจำที่เป็นอมตะของ Monsieur de Lully ที่หาที่เปรียบมิได้" (Concert Instrumental sous le titre d "apothose compos a la mmoire immortelle de l" incomporable Monsieur de Lully ", 1725))

Couperin เขียนเพลงและงานศักดิ์สิทธิ์มากมาย (ทั้งเสียงร้องและสำหรับออร์แกน) แต่ผลงานทางโลกโดยเฉพาะท่อนสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและโซนาตาทรีโอ (ประเภทที่ได้รับความนิยมในฝรั่งเศสเนื่องจาก Couperin) ทำให้เขามีชื่อเสียง ในบรรดาผลงานประเภทเครื่องใช้ในห้องที่โดดเด่นคือ Royal Concertos ซึ่งเขียนในปี 1714-1715 สำหรับ Louis XIV (ตีพิมพ์ในปี 1722) และ Trio Sonatas of the Nation ซึ่งปรากฏในปี 1726 โดยวิธีการที่ Couperin หันมาใช้องค์ประกอบของทั้งสามคน sonatas ภายใต้อิทธิพลของดนตรีของ Corelli ในแบบจำลองของผู้ยิ่งใหญ่ชาวอิตาลี Couperin ได้แต่งเสียงโซนาต้าหนึ่งชิ้นและในขณะที่เขาเขียนว่า "รู้ถึงความโลภของชาวฝรั่งเศสสำหรับสิ่งแปลกใหม่จากต่างประเทศทั้งหมด" เขาถ่ายทอดมันออกมาเป็นผลงานของ "Couperino นักเขียนชาวอิตาลี" ผู้ฟังชอบโซนาต้า สิ่งนี้ทำให้นักแต่งเพลงมีความมั่นใจและเขายังคงทำงานกับเพลงสามคนซึ่งเป็นแนวเพลงใหม่ของฝรั่งเศสซึ่งได้รับความนิยมจาก Couperin

Instrumental Apotheosis Concerto ที่มีชื่อเสียงซึ่งอุทิศให้กับความทรงจำที่เป็นอมตะของ Monsieur de Lully (1725) ที่ไม่มีใครเทียบได้บ่งบอกได้สองแง่มุม ที่นี่ Couperin รวบรวมความคิดของเขาในการผสมผสานสไตล์ของ A. Lully. กล่าวอีกนัยหนึ่ง Couperin พยายามที่จะผสมผสานทำนองที่มีอยู่ในสไตล์อิตาลีกับลักษณะฝรั่งเศส (ทั้งสองสไตล์นี้แข่งขันกันในเวลานั้น) และในทางกลับกันเพื่อให้การเรียบเรียงของเขาเป็นเรื่องเล่า อักขระแบบเป็นโปรแกรม แนวโน้มทั้งสองนี้มีอยู่ในผลงานที่ดีที่สุดของ Couperin - ชุดฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งนักแต่งเพลงเรียกว่า Les Ordres ("แถว", "ลำดับ") และตีพิมพ์ในสมุดบันทึกสี่เล่ม (พ.ศ. ในเชิงโวหารชิ้นงานเหล่านี้เช่นเดียวกับงานในห้องของ Couperin ทั้งหมดแสดงให้เห็นถึงการผสมผสานระหว่างการเขียนแบบขัดแย้งและโฮโมนิก (ฮาร์โมนิก) พวกเขามีความโดดเด่นด้วยความร่ำรวยของการประดับประดาความอุดมสมบูรณ์ของ melismas

นักแต่งเพลงทำงานในหลายประเภท (ยกเว้นการแสดงละคร) ส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกทางศิลปะของเขาประกอบด้วยชุดฮาร์ปซิคอร์ด 27 ห้อง (ประมาณ 250 ชิ้นในสี่คอลเลคชัน) Couperin เป็นผู้ก่อตั้งห้องชุดประเภทฝรั่งเศสซึ่งแตกต่างจากตัวอย่างของเยอรมันและประกอบด้วยส่วนของโปรแกรมเป็นหลัก ในหมู่พวกเขามีภาพร่างของธรรมชาติ ("Butterflies", "Bees", "Reeds") และฉากประเภท - ภาพชีวิตในชนบท ("Reapers", "Grape Pickers", "Knitters"); แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งการถ่ายภาพบุคคลทางดนตรีจำนวนมาก ภาพเหล่านี้เป็นภาพของหญิงสาวที่เป็นฆราวาสและเด็กสาวที่เรียบง่าย - นิรนาม ("Beloved", "The Only") หรือเป็นภาพรวมของบทละคร ("Princess Mary", "Manon", "Sister Monica") บ่อยครั้งที่ Couperin ไม่ได้วาดใบหน้าที่เฉพาะเจาะจง แต่เป็นลักษณะของมนุษย์ ("Hardworking", "Rezvushka", "Anemone", "Impatient") หรือแม้กระทั่งพยายามแสดงอักขระประจำชาติต่างๆ ("Spanish Woman", "Frenchwoman") เพชรประดับของ Couperin จำนวนมากใกล้เคียงกับการเต้นรำที่เป็นที่นิยมในยุคนั้นเช่น courante, minuet Rondo เป็นรูปแบบของเพชรประดับที่ชื่นชอบของ Couperin

ในเวลาเดียวกัน Couperin กลายเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงไม่กี่คนในยุคนั้นที่ไม่หันไปหาแนวเพลงโอเปร่าและไม่ได้แต่งผลงานสำหรับคอรัส Motets ของนักแต่งเพลงซึ่งตรงกันข้ามกับ motets ประสานเสียงในศตวรรษที่ 17 เป็นเพลงที่มีจิตวิญญาณสำหรับหนึ่งเสียงที่มีการบรรเลงประกอบ

Harpsichordists - โคตรของ F.

ผู้ร่วมสมัยของ F.Couperin คือนักแต่งเพลงฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Louis Marchand (1669-1732), G.Le Roux (1660-1717), J.F. Dandrieu (1682-1738) และอื่น ๆ ศิลปะของพวกเขาได้รับการพัฒนาในแนวเดียวกันของโรงเรียนสร้างสรรค์โดยมีความชอบในการเขียนโปรแกรมในรูปแบบเล็ก ๆ โดยมีความสนใจในการเต้นรำแบบดั้งเดิมและใหม่ และแม้ว่าพวกเขาแต่ละคนจะมีความสำเร็จของตัวเองไปพร้อมกัน แต่งานของ Couperin ก็แสดงเวลาด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่มีให้สำหรับการหักเหของแสงแบบฝรั่งเศสโดยเฉพาะอย่างไม่ต้องสงสัย

Dandrieu ( Dandrieu, ง "Andrieu ) ฌอง François ( 1682, ปารีส - 17 ผม 1738, นั่นเอง เหมือน ) - ฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ดนักออร์แกนและนักแต่งเพลง น่าจะเป็นนักเรียนของ Zh.B. Moreau เขาดำรงตำแหน่งออแกนในโบสถ์แซงต์ - เมอร์รีและแซงต์บาร์เตเลมีของปารีสตั้งแต่ปี 1721 ในตำบลด้วย โบสถ์ ผลงานของเขา ได้แก่ "Book of Trio Sonatas" (1705), 3 คอลเลคชันสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด (1724, 1728 และ 1734), "Book of Pieces for Organ" (ตีพิมพ์ในปี 1739), 2 คอลเลคชันโซนาตัสและโซนาตาสสำหรับไวโอลิน กับ basso ต่อเนื่อง offertoria ฯลฯ ง. เขียน A Guide to Harpsichord Accompaniment (1716)

Daken ( ดาควิน ง "อควิน ) หลุยส์ โคลด ( 4 vii 1694, ปารีส - 15 VI 1772, นั่นเอง เหมือน ) - ฝรั่งเศส นักแต่งเพลงออร์แกนนักฮาร์ปซิคอร์ดผู้สืบเชื้อสายของ F. Rabelais แสดงเพลงในช่วงต้น พรสวรรค์ (ตอนอายุ 6 ขวบเขาเล่นฮาร์ปซิคอร์ดก่อนพระเจ้าหลุยส์ที่ 14) ศึกษาภายใต้ N.Vernier (การประพันธ์เพลง) และ Louis Marchand (ออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ด) ตั้งแต่อายุ 12 ปีออร์แกนของโบสถ์ Petit-Saint-Antoine ตั้งแต่ปี 1715 คริสตจักรรับใช้ ออร์แกน. หลังจากการแข่งขันเล่นออร์แกนที่โบสถ์ Saint-Paul ในปี 1727 โดยเอาชนะ J.F. Rameau ได้รับตำแหน่งออร์แกนของคริสตจักรนี้ ตั้งแต่ปี 1739 เขาเป็นผู้จัดทำออร์แกนของ Royal Chapel ตั้งแต่ปี 1755 - ของมหาวิหารนอเทรอดามในปารีส ผลงานของ Daken ส่วนใหญ่เขียนในสไตล์ Rococo โดยมีลักษณะของความกล้าหาญที่ละเอียดอ่อนในสไตล์นี้และเครื่องประดับมากมาย สิ่งสำคัญในดนตรีของเขาคือการแสดงออกของทำนอง; ผลงานที่ดีที่สุดของเขาโดดเด่นด้วยการพรรณนาประเภทและจิตวิทยาโคลงสั้น ๆ Daken - ผู้ประพันธ์เครื่องดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ด (ในวันเสาร์ที่ 1 - "Premier livre de pièces de clavecin", 1735 - รวม "นกกาเหว่า" ขนาดเล็กที่มีชื่อเสียงซึ่งเก็บรักษาไว้ในเพลงของนักเปียโนสมัยใหม่) เพลงคริสต์มาสสำหรับออร์แกนและ ฮาร์ปซิคอร์ด (1757) ซึ่งเขาได้ปลูกฝังเทคนิคการแปรผันเป็นรูปเป็นร่างการเขียนโฮโมโฟนิกแบบโปร่งใสรวมถึงการทาสีธีมซ้ำ เขาเขียน Cantatas (ตีพิมพ์เฉพาะ "Rose", 1762); ต้นฉบับมีแคนตาตากับวงดนตรีซิมโฟนีออเคสตรา "Circe" เป็นคำพูดของ J.J. Rousseau, motets, divertissements, fugues และ trios, 2 mass, Te Deum และผลงานประเภทอื่น ๆ อีกมากมาย

Jean-Philippe Rameau; 25.09.1683, Dijon - 12.09.1764, ปารีส)

ฌอง - ฟิลิปเป้ราม - นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศสในยุคบาโรก ลูกชายของนักเล่นออร์แกน เขาเรียนที่โรงเรียนเยซูอิต ตอนอายุ 18 เขาถูกพ่อส่งไปอิตาลีเพื่อพัฒนาการศึกษาด้านดนตรีในมิลาน เมื่อเขากลับมาเขาแสดงเป็นนักไวโอลินในวง Montpellier Orchestra ในปี 1702-1706 และ 1716-1723 เขาทำหน้าที่เป็นออร์แกนที่วิหาร Clermont-Ferrand; ในปี 1706-1716 เขาทำงานในปารีสและลียง ตั้งแต่ปี 1723 จนถึงสิ้นสมัยของเขา Rameau อาศัยอยู่ในปารีสทำหน้าที่เป็นออร์แกนในวิทยาลัยเยซูอิตและในโบสถ์ Saint-Croix-de-la-Bretonry (จนถึงปี 1740) เขาเขียนบทให้กับโรงละครในปารีสแต่งเพลงศักดิ์สิทธิ์และดนตรีทางโลกและจากปี 1745 กลายเป็นนักแต่งเพลงประจำศาล

Rameau เป็นผู้เขียนคอลเล็กชั่นฮาร์ปซิคอร์ดสามชิ้น (1706, 1724, 1727) และคอนแชร์โต 5 ชิ้นสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดไวโอลินและวิโอลาดากัมบา (1741) ในหมู่พวกเขามีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ "Tambourine", "Chicken", "Dauphina", "Hammers", "Call of the Birds" ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau นั้นมีความโดดเด่นด้วยสัมผัสขนาดใหญ่ซึ่งตรงกันข้ามกับประเพณีของห้องประเภทนี้ เขาไม่ชอบเขียนรายละเอียดอย่างละเอียดถี่ถ้วน ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยลักษณะที่สดใสเราสามารถสัมผัสได้ถึงลายมือของนักแต่งเพลงที่เกิดในวงการเพลง Pieces for Harpsichord Rameau เป็นสถานที่สำหรับการทดลองในด้านความกลมกลืนจังหวะพื้นผิว ตัวอย่างเช่นชิ้นส่วน "Savages" และ "Cyclops" มีความคิดสร้างสรรค์เป็นพิเศษในแง่ของการพัฒนามาตราส่วนวรรณยุกต์และชิ้นส่วน "Enharmonic" เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกของการมอดูเลต enharmonic ที่รู้จักกันในประวัติศาสตร์ดนตรี

หากผลงานของ Couperin เป็นจุดสูงสุดของโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสแล้ว Rameau ก็กลายเป็นผู้ทำลาย มรดกของเขาในประเภทนี้ประกอบด้วยบทละครเพียงหกสิบสองเรื่องซึ่งส่วนใหญ่ชวนให้นึกถึงรุ่นก่อน ๆ : การพรรณนาบทกวีเดียวกัน - "Chirping Birds", "Gentle Complaints", "Venetian" (ภาพเหมือนดนตรี), "Conversations of the มิวส์ "; รูปแบบสองส่วนที่เหมือนกันรูปแบบขนาดเล็ก rondo และสองส่วนสามส่วนตามปกติและลูกไม้ของ melismas แต่งานฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau แตกต่างจากมรดก Couperin หลายประการ François Couperin เป็นนักแต่งเพลงที่คิดภาพฮาร์ปซิคอร์ดเป็นหลัก ในขณะเดียวกันตั้งแต่ยุค 30 เป็นต้นมาละครเพลงก็กลายมาเป็นองค์ประกอบของ Rameau: บทละครฮาร์ปซิคอร์ดของเขาสะท้อนให้เห็นถึงการแสดงละคร (Cyclops, Savages, Egyptian, Tambourine, Solonskie simpletons) กิ๊กและมินูเซ็ตจากชุดที่สองซึ่งเรียบเรียงโดยผู้แต่งรวมอยู่ในคะแนนของ Castor และ Pollux และ Margaret of Navarre รำมะนาจากชุดเดียวกันซ้ำในเพลงบัลเล่ต์ "Celebrations of Hebe" "Solonsky simpletons" ปรากฏในบทที่สามของ "Dardanus"

ชุดฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau เป็นสิ่งที่แตกต่างในเชิงคุณภาพจากคำสั่งของFrançois Couperin วัตถุในอดีตซึ่งสามารถยืดออกไปได้อย่างไม่มีที่สิ้นสุดถูกล้อมรอบด้วยเพชรประดับอุปกรณ์ต่อพ่วงขนาดเล็กที่ล้อมรอบด้วยเหรียญกลางชิ้นส่วนที่มีนัยสำคัญมากที่สุดกว้างอุดมไปด้วยพื้นผิวองค์ประกอบการพัฒนาและธีม (บางครั้ง Rameau เขียนไว้ ในคีย์เดียวกันนอกจากนี้ยังแรเงา "medallion" ที่สว่างกว่าด้วย) Rameau ยังค้นหาและพบว่าองค์ประกอบที่รวมกันอย่างมีโครงสร้างของวัฏจักรซึ่งเป็นแกนกลางของมันทำให้เกิดความสมมาตร

แนวคิดเฉพาะของ Rameau - เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ดนตรีฝรั่งเศส - มีความแตกต่างภายในที่น่าประทับใจ ภาพของเขาแสดงให้เห็นถึงความใกล้ชิดการตอบสนองต่อปรากฏการณ์ของชีวิตชาวบ้านที่แท้จริง พัฒนาการเฉพาะเรื่องของมันมีหลายแง่มุมและสมบูรณ์กว่าของนักดนตรีฝรั่งเศสคนอื่น ๆ ในช่วงต้นและกลางศตวรรษที่ 18 มันคือ Rameau ร่วมกับ Couperin ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโซนาต้าฝรั่งเศสและแม้แต่ rondo sonata (Cyclops จาก suite d-moll) ลักษณะใหม่ของ Rameau และมีเพียงเขาคือความสัมพันธ์ที่แตกต่างกันในรูปแบบโซนาตาซึ่งเขาพบครั้งแรกอย่างน้อยก็ในฝรั่งเศส ในที่สุดพื้นผิวของ Rameau ซึ่งห่างไกลจากความสง่างามของอัญมณีของพื้นผิวของ Couperin นั้นมีความฮาร์ปซิคอร์ดน้อยกว่ามากและมีแนวโน้มที่จะมีความดังของเปียโนไดนามิกและช่วง เรียกร้องให้เปียโนที่กำลังจะมาถึงและการใช้นิ้วของ Rameau เทคนิคการเคาะแป้นพิมพ์เกือบทั้งหมดของเขาและการวางตำแหน่งมือที่เกี่ยวข้องกับการปรับปรุงเทคนิคการวางนิ้วหัวแม่มือและการใช้งานบนปุ่มสีดำ ที่แนบมากับสมุดบันทึกชิ้นที่สองของฮาร์ปซิคอร์ดคือ "วิธีใหม่ของกลศาสตร์ลายนิ้วมือ" ที่นี่ Rameau ทำหน้าที่เป็นผู้ยึดมั่นที่แท้จริงของมุมมองเชิงกลไกของศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด ความลับของความเก่งอยู่ที่กลไกนิ้ว การพัฒนาและปรับปรุงโดยการออกกำลังกายระบบกล้ามเนื้อเป็นวิธีเดียวที่แท้จริงของศิลปะ ไกลแค่ไหนจากหลักการของ Couperin อุดมคติของการเล่นที่ง่ายและสอดคล้องกันลื่นไหลและไม่สามารถทำได้

Rameau บ่งบอกถึงแนวเพลงของคอนเสิร์ตได้ชัดเจนยิ่งขึ้นจึงเน้นความแตกต่างทั้งจาก "Concerts royaux" ของ Couperin และคอนเสิร์ตของโรงเรียนอิตาลี (Corelli, Vivaldi, Tartini): "Pieces de clavecin en concert" ("ชิ้นสำหรับคอนเสิร์ต ฮาร์ปซิคอร์ด ") ... ชื่อนี้บ่งบอกถึงองค์ประกอบของวงดนตรีที่แสดงผลงาน ได้แก่ ฮาร์ปซิคอร์ดไวโอลินและฟลุต (ไวโอลินโฆษณาหรือไวโอลินตัวที่สองหรือวิโอลา) บทบาทของฮาร์ปซิคอร์ดเป็นนวัตกรรมใหม่ซึ่งปรากฏที่นี่ไม่ใช่ในฐานะนักแสดงของเสียงเบสโซต่อเนื่องหรือโพลีโฟนิกที่แตกต่างกัน แต่เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวที่มีส่วนคอนเสิร์ตอัจฉริยะที่ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางซึ่งคล้ายคลึงกับที่ I.S. ดำเนินการเมื่อยี่สิบปีก่อนหน้านี้ บาคในแบรนเดนเบิร์กคอนแชร์โต้ครั้งที่ 5 และในโซนาตาสหกรายการสำหรับคลาเวียร์และไวโอลิน ในแง่ของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างหัวข้อและลักษณะ "คอนเสิร์ต" ส่วนใหญ่ประกอบด้วยการเต้นที่มาดโดดเด่นด้วยความไม่สามารถของท่วงทำนองที่เฉพาะเจาะจงการแต่งเพลงที่นุ่มนวลในการแสดงออกและโดยส่วนใหญ่แล้วความใกล้ชิดของเสียง Concert brio ไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของชิ้นงานเหล่านี้ "คอนเสิร์ต" น่าจะมาจากกิจกรรมของเสียงบรรเลงทั้งหมดที่มีส่วนร่วมในการพัฒนาเนื้อหาเฉพาะเรื่องที่ละเอียดอ่อนและสมบูรณ์อย่างกลมกลืน หากเราตีความบทละครทั้งชุดว่าเป็นหนึ่งรอบใหญ่แสดงว่าเราไม่ได้เกี่ยวข้องกับคำสั่งของ Couperin แต่เป็นชุดของ Rameau ที่มีสถาปัตยกรรมลักษณะเฉพาะของประเภทสมมาตร โดยรวมแล้ว "คอนเสิร์ต" ของ Rameau เป็นคอนเสิร์ตที่น้อยที่สุดยิ่งกว่านั้นเป็นคอนเสิร์ตที่ใกล้ชิดและใกล้ชิดที่สุดในบรรดาผลงานสร้างสรรค์ของเขา

มรดกของ Rameau ยังประกอบไปด้วยหนังสือหลายสิบเล่มและบทความเกี่ยวกับดนตรีและทฤษฎีอะคูสติกจำนวนมากตำราว่าด้วยความสามัคคี (1722) ที่แหวกแนวซึ่งทำให้เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีคนสำคัญ หลาย motets และเดี่ยวแคนทาทา; องค์ประกอบบนเวที 29 รายการ - โอเปร่าโอเปร่าบัลเลต์และพาสเทล ปัจจุบันผลงานชิ้นเอกของเขามีชื่อเสียงมากที่สุด แต่กิจกรรมหลักของนักแต่งเพลงคือโอเปร่า Rameau สร้างรูปแบบใหม่ของโอเปร่าผลงานชิ้นเอกคือโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ของเขา Hippolytus และ Arisia (1733), Castor และ Pollux (1737) โอเปร่า - บัลเล่ต์ "Gallant of India" ได้รับการยอมรับว่าเป็นจุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและการแสดงบนเวทีของ Ramo ประเภทของโอเปร่าของ Rameau เป็นภาษาฝรั่งเศสไม่ใช่ภาษาอิตาลี: การพัฒนาดนตรีไม่ถูกขัดจังหวะการเปลี่ยนจากเสียงร้องที่เสร็จแล้วไปเป็นบทบรรยายจะราบรื่น ในโอเปร่าของ Rameau ความสามารถในการเปล่งเสียงไม่ได้อยู่ในตำแหน่งหลัก มีวงดนตรีหลายวงอยู่ในนั้นความสนใจอย่างมากจะจ่ายให้กับส่วนของวงออเคสตรา การร้องประสานเสียงและฉากบัลเล่ต์แบบขยายก็เป็นสิ่งสำคัญเช่นกัน ไพเราะ Rameau ติดตามข้อความตลอดเวลา; โดยหลักการแล้วเส้นเสียงในโอเปราของเขานั้นใกล้เคียงกับการท่องจำมากกว่าคานติเลนา วิธีการหลักในการแสดงออกไม่ใช่ท่วงทำนอง แต่เป็นการใช้ความกลมกลืนอย่างสมบูรณ์แบบ - นี่คือความคิดริเริ่มของสไตล์โอเปร่าของ Rameau

หลังจากการเสียชีวิตของ Rameau มรดกของเขาก็ถูกบดบังด้วยชื่อเสียงของ Gluck ในฐานะนักปฏิรูปการแสดงละครเวที ตลอดศตวรรษที่ 19 Rameau ถูกลืมและแทบไม่เคยแสดงเลย (แม้ว่าเพลงของเขาจะได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบโดย Hector Berlioz และ Richard Wagner) เฉพาะในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX ความสำคัญของ Rameau และดนตรีของเขาเริ่มเติบโตขึ้น ปัจจุบันเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่ใหญ่ที่สุดซึ่งเป็นบุคคลที่โดดเด่นที่สุดในยุคดนตรีระหว่างFrançois Couperin และ Hector Berlioz

สรุป

ศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 เป็นช่วงเวลาที่สำคัญและยอดเยี่ยมที่สุดช่วงหนึ่งในประวัติศาสตร์ดนตรีฝรั่งเศส ช่วงเวลาทั้งหมดในการพัฒนาศิลปะดนตรีที่เกี่ยวข้องกับ "ระบอบเก่า" กำลังกลายเป็นอดีต; ศตวรรษของหลุยส์คนสุดท้ายศตวรรษแห่งความคลาสสิกและร็อคโคโคสิ้นสุดลง รุ่งอรุณแห่งการตรัสรู้สว่างไสวขึ้น ในแง่หนึ่งสไตล์ถูกคั่นด้วย; ในอีกด้านหนึ่งพวกเขาแบ่งชั้นผสานเข้าด้วยกัน น้ำเสียงและโครงสร้างเชิงอุปมาอุปไมยของดนตรีฝรั่งเศสสามารถเปลี่ยนแปลงได้และหลากหลาย แต่แนวโน้มผู้นำซึ่งดำเนินไปในทิศทางของการปฏิวัติที่กำลังจะมาถึงนั้นปรากฏชัดด้วยความชัดเจนที่ไม่อาจหลีกเลี่ยงได้ "Gallant India" ของ Rameau นั้นไม่มีอะไรมากไปกว่า "การเพิ่มดนตรี" ให้กับ Bougainville's Voyage และ "Old Seniors" ของ Couperin ได้เต้น saraband ภายใต้คำขวัญของ Ronsard ที่ว่า "ทุกอย่างผ่านไปและทุกอย่างก็จากไปเพื่อที่จะไม่หวนกลับมาอีก!" Dusk กำลังล้มลงเหนือฝรั่งเศสของ Bourbons อำนาจของชนชั้นสูงในดินแดนสิทธิพิเศษในทรัพย์สินรัฐและกฎหมายของมันถูกสั่นคลอนอย่างเห็นได้ชัดมันต่อต้านความก้าวหน้าทางความคิดและการกระทำของกองกำลังที่ก้าวหน้าและปฏิวัติและบุคคลที่เป็นตัวแทนของกองกำลังเหล่านี้อย่างชัดเจนที่สุด ความจริงสร้างความประทับใจอย่างมาก แต่ความรู้และการเผยแพร่นั้นวัดได้ยากและรุนแรงจากพระราชอำนาจและสถาบันของมัน Rousseau พลัดถิ่นวอลแตร์รู้ถึงความน่ากลัวของ Bastille Helvetius ถูกบังคับให้เผยแพร่ในต่างประเทศ ลัทธิวัตถุนิยมมีชัยในความคิดขั้นสูงของสังคม แต่วิทยาศาสตร์ยังห่างไกลจากความเจริญรุ่งเรืองมากนักเพราะมันสร้างภาระให้กับมือขวาของรัฐและคริสตจักรที่ถูกลงโทษ ศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกไม่ได้อยู่ใน "เศษเหลือ" แต่เป็นพลังอุดมการณ์ที่มีอิทธิพลและมีปฏิกิริยา แม้แต่นักปฎิวัติที่โดดเด่นก็ไม่รอดพ้นจากอิทธิพลของมัน: Robespierre, Saint-Just, Couton เป็น deists, ถูกประณามวัตถุนิยมและรูปปั้นครึ่งตัวของ Helvetius ถูกทุบทิ้งในที่ประชุมของ Jacobin club ซึ่งเป็นของขวัญที่มอบให้โดย ภรรยาของหลุยส์เดวิด

นักเขียนและนักแต่งนิยายจิตรกรและนักแสดงละครนักฮาร์ปซิคอร์ดและนักแต่งเพลง - ทุกคนรู้สึกถึงพายุที่กำลังใกล้เข้ามาแยกตัวออกจากกันและสิ่งที่ดีที่สุดในหมู่พวกเขาพบว่าความกล้าหาญความรู้สึกผิดชอบชั่วดีและความเข้มแข็งในการเปิดเผยแผลเหวอะหวะของ "ระเบียบเก่า" และยินดีต้อนรับ การปฏิวัติที่กำลังจะมาถึง "Rogues of Scapin" ของ Moliere, Fables and Epitaph to a Lazy Man โดย La Fontaine, Couperin Passacaglia ใน B minor, Gauthier's Nabat และ Leclerc's Tomb ร่วมกับ "Social Contract" และ "Confession" ของ Rousseau พร้อมภาพวาดของ Watteau และ David - สิ่งนี้ งานศิลปะไม่เพียง แต่จับภาพโศกนาฏกรรมของการสิ้นพระชนม์ของราชวงศ์ฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรุ่งอรุณของยุคใหม่ด้วย หากไม่มีFrançois Couperin ก็จะไม่มี Johann Sebastian, Bach หากไม่มี Rameau ก็จะไม่มี Gluck, Mozart และ Beethoven

โรงเรียนสร้างสรรค์ของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสมีความโดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ของรูปแบบใหม่การปรับแต่งการเขียนและความสอดคล้องของวิวัฒนาการ ดนตรีของฮาร์ปซิคอร์ดมีต้นกำเนิดในสภาพแวดล้อมของชนชั้นสูงและมีไว้สำหรับเธอ มันสอดคล้องกับจิตวิญญาณของวัฒนธรรมชนชั้นสูงดังนั้นความสง่างามภายนอกในการออกแบบวัสดุเฉพาะเรื่องความอุดมสมบูรณ์ของการตกแต่งซึ่งเป็นองค์ประกอบที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดของสไตล์ชนชั้นสูง ความหลากหลายของการตกแต่งนั้นแยกไม่ออกจากการประพันธ์เพลงฮาร์ปซิคอร์ดจนถึงต้นเบโธเฟน ในดนตรีมีการชื่นชมการปรับแต่งที่งดงามความประณีตความสว่างความเฉลียวฉลาด ในเวลาเดียวกันละครขนาดเล็ก - เพชรประดับ - เป็นที่ต้องการ นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสแทบไม่ได้หันไปใช้รูปแบบและวงจรการเปลี่ยนแปลงขนาดใหญ่ - พวกเขาหันเข้าหาชุดที่ประกอบด้วยการเต้นรำและเพชรประดับโปรแกรม

ห้องสวีทของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสตรงกันข้ามกับห้องสวีทของเยอรมันซึ่งประกอบด้วยตัวเลขการเต้นรำโดยเฉพาะถูกสร้างขึ้นอย่างอิสระมากขึ้น พวกเขาไม่ค่อยพึ่งพาลำดับที่เข้มงวดของ alemand - courant - sarabanda - gigue องค์ประกอบของพวกเขาอาจเป็นอย่างใดอย่างหนึ่งบางครั้งก็คาดไม่ถึงและบทละครส่วนใหญ่มีชื่อบทกวีที่แสดงให้เห็นถึงความตั้งใจของผู้แต่ง

รายการอ้างอิง

1.http: // ru. wikipedia.org/wiki/ ฮาร์ปซิคอร์ด

2.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Francois_Couperin

3.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Jan-Philippe_Ramo

4. http://musike.ru/index php? id \u003d 4

5. T. Livanova "ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789: Textbook" ใน 2 เล่ม ปีที่ 1 M. , ดนตรี, 2526

6. http://www.clasmusic.ru/index php / Zhak-Shampion-de-Shambonyer.html

7.http: // ru. wikipedia.org/wiki/%D8%E0%EC%E1%EE%ED%FC%E5%F0,_%C6%E0%EA

8.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Louis_Couperin

9. สารานุกรมดนตรี. - ม.: สารานุกรมโซเวียตนักแต่งเพลงโซเวียต เอ็ด. Yu.V. เคลดิช. พ.ศ. 2516-2525.

10. พจนานุกรมชีวประวัติโดยย่อของนักแต่งเพลงชาวต่างชาติเรียบเรียงโดย M.Yu. Mirkin, M .: นักแต่งเพลงโซเวียต, 2511

11. Druskin M. , เพลง Clavier, L. , I960

12. http://www.tonnel.ru/? l \u003d gzl & uid \u003d 800

13. http://www.classic-music.ru/couperin.html

14. http://belcanto.ru/couperin.html

15.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Jan-Philippe_Rameau

16. ไบรอันต์เซวา V.N. Jean Philippe Rameau และ French Musical Theatre ม., 1981

เอกสารที่คล้ายกัน

เงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการเฟื่องฟูของดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดในศตวรรษที่ 18 ลักษณะของสไตล์โรโคโคในดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ประเภทอื่น ๆ ภาพดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสเพลงฮาร์ปซิคอร์ดโดย J.F. Rameau และ F.

ภาคนิพนธ์เพิ่ม 06/12/2555

ลักษณะทั่วไปของการแสดงความหมายของดนตรีคลาเวียร์ฝรั่งเศส จังหวะเมโทร, การแสดงดนตรี, พลวัต ลักษณะเฉพาะของการแสดงดนตรีฝรั่งเศสคลาเวียร์บนหีบเพลง การเปล่งเสียงกลศาสตร์และน้ำเสียงเทคนิคการแสดงความไพเราะ

นามธรรมเพิ่มเมื่อ 02/08/2011

แนวคิดและประวัติต้นกำเนิดของดนตรีขั้นตอนของการพัฒนา แนวเพลงและสไตล์เพลง ทฤษฎี "ภาษาศาสตร์" ที่มาของดนตรี การก่อตัวของโรงเรียนองค์ประกอบของรัสเซีย ความสัมพันธ์ระหว่างนักดนตรีและรัฐในช่วงโซเวียต การพัฒนาดนตรีในรัสเซีย

นามธรรมเพิ่มเมื่อ 21/09/2010

ต้นกำเนิดของเสียงดนตรี การสร้างเพลงระดับใหม่ สาระสำคัญของบทนำสู่โอเปร่า ผสมผสานคำสอนดนตรียุโรปเข้ากับจังหวะแอฟริกัน ทิศทางหลักของดนตรีแจ๊ส การใช้เครื่องมืออิเล็กทรอนิกส์ ความยากในการกำหนดรูปแบบของดนตรี

นามธรรมเพิ่มเมื่อ 04/08/2014

โรงเรียนนักแต่งเพลงรัสเซีย "กำลังคัดลอก" กับ Vivaldi ที่ Bortnyansky ผู้ก่อตั้งดนตรีอาชีพของรัสเซียคือ Mikhail Glinka การอุทธรณ์ต่อบรรพบุรุษนอกรีตของ Igor Stravinsky ผลกระทบของดนตรีของ Dmitry Shostakovich ความคิดสร้างสรรค์ของ Frederic Chopin

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 11/07/2009

รากฐานทางทฤษฎีของการจัดระเบียบการพัฒนารสนิยมทางดนตรีในเด็กนักเรียนชั้นต้นมุมมองของนักวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับปัญหาในการพัฒนารสนิยมทางดนตรี ความคิดริเริ่มของรูปแบบดนตรีและแนวโน้ม ประวัติความเป็นมาของการเกิดเทคโน - ดนตรี หลักสูตรระยะสั้นดนตรีเฮาส์.

วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 04/21/2548

นักแต่งเพลงชาวต่างชาติและชาวรัสเซีย อิทธิพลของดนตรีที่มีต่อบุคคล อิทธิพลของดนตรีเยาวชนร่วมสมัยที่มีต่อเยาวชนต่อสภาพอารมณ์ร่างกายและจิตวิญญาณของพวกเขา เกิดอะไรขึ้นในพื้นที่ของ Schizophonic Gap เทรนด์วัยรุ่นยุคใหม่

ทดสอบเพิ่ม 01/04/2014

ศิลปะที่สะท้อนความเป็นจริงในภาพศิลปะเสียง ความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีกับอายุ การกำหนดความสัมพันธ์ระหว่างตัวละครและดนตรี ประเภทเพลงหลัก ความเก่งกาจของดนตรีและความสำคัญในชีวิตมนุษย์สมัยใหม่

เพิ่มการนำเสนอเมื่อ 03/16/2017

ลักษณะอายุของเด็กก่อนวัยเรียนที่มีอายุมากกว่าจากมุมมองของลักษณะการรับรู้และความเข้าใจดนตรี วิธีการและเทคนิคที่นำไปสู่การสร้างความสามารถของเด็กก่อนวัยเรียนในการฟังเพลง องค์ประกอบโครงสร้างของการรับรู้ทางดนตรี

ภาคนิพนธ์เพิ่มเมื่อ 04/28/2013

เพลงตาตาร์เป็นดนตรีพื้นบ้านซึ่งส่วนใหญ่เป็นศิลปะการร้องซึ่งแสดงโดยเพลงโมโนโฟนิกของประเพณีปากเปล่า ฐานเสียงและขนาดของดนตรีพื้นบ้านตาตาร์ นักแต่งเพลงของ Perm Territory การมีส่วนร่วมของนักแต่งเพลง Chuganaev ต่อการพัฒนาเพลงพื้นบ้าน

CLAVESIN [ฝรั่งเศส. clavecin, lat. clavicymbalum จาก lat clavis - คีย์ (จึงเป็นคีย์) และฉิ่ง - ฉิ่ง] - เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่ดึงออกมา เป็นที่รู้จักตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 (เริ่มสร้างในศตวรรษที่ 14) ข้อมูลแรกเกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ดย้อนกลับไปในปีค. ศ. 1511; เครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังมีชีวิตอยู่ในงานของอิตาลีมีอายุย้อนไปถึงปีค. ศ. 1521

ฮาร์ปซิคอร์ดมีต้นกำเนิดมาจาก psalterium (อันเป็นผลมาจากการสร้างใหม่และการติดตั้งกลไกแป้นพิมพ์)

ในขั้นต้นฮาร์ปซิคอร์ดมีรูปร่างเป็นรูปสี่เหลี่ยมและมีลักษณะคล้ายกับคลาวิคอร์ดแบบ "อิสระ" ตรงกันข้ามกับที่มีสายที่มีความยาวต่างกัน (แต่ละคีย์จะสอดคล้องกับสายอักขระพิเศษที่ปรับแต่งในโทนเสียงที่กำหนด) และกลไกแป้นพิมพ์ที่ซับซ้อนมากขึ้น สายของฮาร์ปซิคอร์ดได้รับการสั่นสะเทือนโดยการถอนด้วยความช่วยเหลือของขนนกซึ่งยึดติดกับก้าน - ตัวดัน เมื่อกดปุ่มตัวดันที่อยู่ที่ปลายด้านหลังของมันจะลอยขึ้นและขนนกก็ติดอยู่บนเชือก (ต่อมาใช้ปิ๊กหนังแทนขนนก)

อุปกรณ์ของส่วนบนของตัวดัน: 1 - สตริง, 2 - แกนของกลไกการปลดปล่อย, 3 - ลังเก็ตตา (จากภาษาฝรั่งเศส), 4 - ปิ๊ก (ลิ้น), 5 - แดมเปอร์

เสียงของฮาร์ปซิคอร์ดนั้นยอดเยี่ยม แต่ไม่ไพเราะ (ทันทีทันใด) ซึ่งหมายความว่ามันไม่ได้ยืมตัวไปสู่การเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิก (ดังกว่า แต่แสดงออกน้อยกว่านั้น) การเปลี่ยนแปลงความแรงและเสียงต่ำไม่ได้ ขึ้นอยู่กับลักษณะของการหยุดแป้นพิมพ์ เพื่อเพิ่มความดังของเสียงฮาร์ปซิคอร์ดได้มีการใช้สตริงคู่สามและสี่เท่า (สำหรับแต่ละโทนเสียง) ซึ่งได้รับการปรับแต่งอย่างพร้อมเพรียงคู่แปดและบางช่วงเวลาอื่น ๆ

วิวัฒนาการ

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 17 แทนที่จะใช้สายเส้นเลือดจะใช้สายโลหะเพิ่มความยาว (จากเสียงแหลมเป็นเสียงเบส) เครื่องมือนี้มีรูปร่างคล้ายปีกสามเหลี่ยมโดยมีการจัดเรียงสายตามยาว (ขนานกับแป้น)

ในศตวรรษที่ 17 และ 18 เพื่อให้ฮาร์ปซิคอร์ดมีเสียงที่หลากหลายมากขึ้นแบบไดนามิกเครื่องดนตรีถูกสร้างขึ้นด้วยแป้นพิมพ์มือ 2 (บางครั้ง 3) (บางครั้ง 3) มือซึ่งวางอยู่บนพื้นด้านบนอีกอันหนึ่ง (โดยปกติแล้วคู่มือด้านบนจะปรับให้เป็นคู่ที่สูงกว่า) เช่นเดียวกับรีจิสเตอร์ สวิตช์สำหรับขยายเสียงแหลมการเพิ่มเสียงเบสแบบคู่และการเปลี่ยนสีของเสียงต่ำ (การลงทะเบียนลูทรีจิสเตอร์บาสซูน ฯลฯ )

การลงทะเบียนดำเนินการโดยคันโยกที่อยู่ด้านข้างของแป้นพิมพ์หรือโดยปุ่มที่อยู่ใต้แป้นพิมพ์หรือโดยแป้นเหยียบ สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดบางตัวเพื่อความหลากหลายของเสียงต่ำมากขึ้นแป้นพิมพ์ที่สามถูกจัดเรียงด้วยสีที่มีลักษณะเฉพาะบางอย่างซึ่งมักจะชวนให้นึกถึงพิณ (แป้นพิมพ์ที่เรียกว่าลูท)

ลักษณะ

ภายนอกแล้วฮาร์ปซิคอร์ดมักจะเสร็จสิ้นอย่างงดงาม (ร่างกายถูกตกแต่งด้วยภาพวาดอินเลย์งานแกะสลัก) การตกแต่งของเครื่องดนตรีเข้ากับเฟอร์นิเจอร์ที่มีสไตล์ในยุค Louis XV ในศตวรรษที่ 16-17 ฮาร์ปซิคอร์ดของปรมาจารย์ Antwerp แห่ง Ruckers โดดเด่นในด้านคุณภาพของเสียงและการตกแต่ง

ฮาร์ปซิคอร์ดในประเทศต่างๆ

ชื่อ "ฮาร์ปซิคอร์ด" (ในฝรั่งเศส arpsichord - ในอังกฤษ kilflugel - ในเยอรมนี clavicembalo หรือตัวย่อว่า chembalo - ในอิตาลี) ได้รับการอนุรักษ์ไว้สำหรับเครื่องดนตรีรูปปีกขนาดใหญ่ที่มีช่วงได้ถึง 5 อ็อกเทฟ นอกจากนี้ยังมีเครื่องดนตรีขนาดเล็กโดยปกติจะมีรูปร่างเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าโดยมีสายเดี่ยวและช่วงได้ถึง 4 อ็อกเทฟเรียกว่า: epinet (ในฝรั่งเศส), สปิเนต (ในอิตาลี), เวอร์จิน (ในอังกฤษ)

ฮาร์ปซิคอร์ดแนวตั้ง -. ฮาร์ปซิคอร์ดถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยววงดนตรีและเครื่องดนตรีออเคสตรา

ผู้สร้างสไตล์ฮาร์ปซิคอร์ดอัจฉริยะคือนักแต่งเพลงชาวอิตาลีและนักฮาร์ปซิคอร์ด D. Scarlatti (เขาเป็นเจ้าของผลงานฮาร์ปซิคอร์ดมากมาย); ผู้ก่อตั้งโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดภาษาฝรั่งเศส - J. Chambognière ("Harpsichord Pieces", 2 เล่ม, ค.ศ. 1670 เป็นที่นิยม)

ในบรรดานักฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และ 18 -, J. F. Rameau, L. Daken, F. Daidrieu ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสเป็นศิลปะแห่งรสนิยมอันประณีตมีมารยาทที่ละเอียดอ่อนมีเหตุผลชัดเจนขึ้นอยู่กับมารยาทของชนชั้นสูง เสียงฮาร์ปซิคอร์ดที่ละเอียดอ่อนและเย็นชาสอดคล้องกับ "น้ำเสียงที่ดี" ของสังคมที่เลือก

รูปแบบที่กล้าหาญ (ร็อคโคโค) พบว่ามีรูปลักษณ์ที่สดใสในหมู่นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส รูปแบบที่ชื่นชอบของเพชรประดับฮาร์ปซิคอร์ด (ขนาดเล็กเป็นรูปแบบหนึ่งของศิลปะโรโกโก) ได้แก่ ภาพผู้หญิง (“ น่าหลงใหล”,“ ตุ้งติ้ง”,“ มืดมน”,“ อาย”,“ ซิสเตอร์โมนิกา”,“ Florentine” โดย Couperin) การเต้นรำที่กล้าหาญ ( minuet, gavotte ฯลฯ ), ภาพวิถีชีวิตชาวนา ("Reapers", "Grape Pickers" โดย Couperin), เพชรประดับสร้างคำ ("Chicken", "Clock", "Chirping" โดย Couperin, "Cuckoo" โดย Daken เป็นต้น .). ลักษณะทั่วไปของดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดคือการตกแต่งที่ไพเราะมากมาย

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสเริ่มหายไปจากเพลงของนักแสดง เป็นผลให้เครื่องดนตรีซึ่งมีประวัติศาสตร์อันยาวนานและมรดกทางศิลปะอันยาวนานดังกล่าวถูกขับออกจากการฝึกดนตรีและถูกแทนที่ด้วยเปียโน และไม่เพียงแค่อดกลั้น แต่ถูกลืมไปอย่างสิ้นเชิงในศตวรรษที่ 19

สิ่งนี้เกิดขึ้นเนื่องจากการเปลี่ยนแปลงความชอบด้านสุนทรียศาสตร์อย่างรุนแรง สุนทรียศาสตร์ของบาร็อคซึ่งมีพื้นฐานมาจากแนวคิดที่กำหนดขึ้นอย่างชัดเจนหรือรู้สึกได้อย่างชัดเจนของทฤษฎีผลกระทบ (ในระยะสั้นสาระสำคัญ: หนึ่งอารมณ์ส่งผลกระทบ - สีเสียงเดียว) ซึ่งฮาร์ปซิคอร์ดเป็นวิธีการในอุดมคติของ การแสดงออกทำให้เกิดความรู้สึกซาบซึ้งก่อนจากนั้นไปสู่ทิศทางที่แข็งแกร่งขึ้น - ลัทธิคลาสสิกและในที่สุดก็คือแนวโรแมนติก ในทุกรูปแบบเหล่านี้ตรงกันข้ามสิ่งที่ดึงดูดใจและได้รับการปลูกฝังมากที่สุดคือแนวคิดเรื่องความสามารถในการเปลี่ยนแปลง - ความรู้สึกภาพอารมณ์ และเปียโนสามารถแสดงออกได้ ทั้งหมดนี้ฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถทำได้โดยหลักการ - เนื่องจากลักษณะเฉพาะของการออกแบบ

Dandrieu (d "Andrieu) Jean Francois (1682, Paris - 17 I 1738, ibid.) - ฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ดนักออร์แกนและนักแต่งเพลง น่าจะเป็นนักเรียนของ Zh.B. Moreau เขาดำรงตำแหน่งออแกนในโบสถ์แซงต์ - เมอร์รีและแซงต์บาร์เตเลมีของปารีสตั้งแต่ปี 1721 ในตำบลด้วย โบสถ์ ผลงานของเขา ได้แก่ "Book of Trio Sonatas" (1705), 3 คอลเลคชันสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด (1724, 1728 และ 1734), "Book of Pieces for Organ" (ตีพิมพ์ในปี 1739), 2 คอลเลคชันโซนาตัสและโซนาตาสสำหรับไวโอลิน กับ basso ต่อเนื่อง offertoria ฯลฯ ง. เขียน A Guide to Harpsichord Accompaniment (1716)

Daken (Daquin, d "Aquin) Louis Claude (4 VII 1694, Paris - 15 VI 1772, ibid.) - ฝรั่งเศส นักแต่งเพลงออร์แกนนักฮาร์ปซิคอร์ดผู้สืบเชื้อสายของ F. Rabelais แสดงเพลงในช่วงต้น พรสวรรค์ (ตอนอายุ 6 ขวบเขาเล่นฮาร์ปซิคอร์ดก่อนพระเจ้าหลุยส์ที่ 14) ศึกษาภายใต้ N.Vernier (การประพันธ์เพลง) และ Louis Marchand (ออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ด) ตั้งแต่อายุ 12 ปีออร์แกนของโบสถ์ Petit-Saint-Antoine ตั้งแต่ปี 1715 คริสตจักรรับใช้ ออร์แกน. หลังจากการแข่งขันเล่นออร์แกนที่โบสถ์ Saint-Paul ในปี 1727 โดยเอาชนะ J.F. Rameau ได้รับตำแหน่งออร์แกนของคริสตจักรนี้ ตั้งแต่ปี 1739 เขาเป็นผู้จัดทำออร์แกนของ Royal Chapel ตั้งแต่ปี 1755 - ของมหาวิหารนอเทรอดามในปารีส ผลงานของ Daken ส่วนใหญ่เขียนในสไตล์ Rococo โดยมีลักษณะของความกล้าหาญที่ละเอียดอ่อนในสไตล์นี้และเครื่องประดับมากมาย สิ่งสำคัญในดนตรีของเขาคือการแสดงออกของทำนอง; ผลงานที่ดีที่สุดของเขาโดดเด่นด้วยการพรรณนาประเภทและจิตวิทยาโคลงสั้น ๆ Daken - ผู้ประพันธ์เครื่องดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ด (ในวันเสาร์ที่ 1 - "Premier livre de pièces de clavecin", 1735 - รวม "นกกาเหว่า" ขนาดเล็กที่มีชื่อเสียงซึ่งเก็บรักษาไว้ในเพลงของนักเปียโนสมัยใหม่) เพลงคริสต์มาสสำหรับออร์แกนและ ฮาร์ปซิคอร์ด (1757) ซึ่งเขาได้ปลูกฝังเทคนิคการแปรผันเป็นรูปเป็นร่างการเขียนโฮโมโฟนิกแบบโปร่งใสรวมถึงการทาสีธีมซ้ำ เขาเขียน Cantatas (ตีพิมพ์เฉพาะ "Rose", 1762); ต้นฉบับมีแคนตาตากับวงดนตรีซิมโฟนีออเคสตรา "Circe" เป็นคำพูดของ J.J. Rousseau, motets, divertissements, fugues และ trios, 2 mass, Te Deum และผลงานประเภทอื่น ๆ อีกมากมาย

Jean-Philippe Rameau; 25.09.1683, Dijon - 12.09.1764, ปารีส)

Jean-Philippe Ramom เป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสและนักทฤษฎีดนตรีบาร็อค ลูกชายของนักเล่นออร์แกน เขาเรียนที่โรงเรียนเยซูอิต ตอนอายุ 18 เขาถูกพ่อส่งไปอิตาลีเพื่อพัฒนาการศึกษาด้านดนตรีในมิลาน เมื่อเขากลับมาเขาแสดงเป็นนักไวโอลินในวง Montpellier Orchestra ในปี 1702-1706 และ 1716-1723 เขาทำหน้าที่เป็นออร์แกนที่วิหาร Clermont-Ferrand; ในปี 1706-1716 เขาทำงานในปารีสและลียง ตั้งแต่ปี 1723 จนถึงสิ้นสมัยของเขา Rameau อาศัยอยู่ในปารีสทำหน้าที่เป็นออร์แกนในวิทยาลัยเยซูอิตและในโบสถ์ Saint-Croix-de-la-Bretonry (จนถึงปี 1740) เขาเขียนบทให้กับโรงละครในปารีสแต่งเพลงศักดิ์สิทธิ์และดนตรีทางโลกและจากปี 1745 กลายเป็นนักแต่งเพลงประจำศาล

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ความเป็นเอกในการพัฒนาดนตรีคลาเวียร์ได้ส่งต่อจากนักดนตรีพรหมจรรย์ชาวอังกฤษไปสู่นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส เป็นเวลานานเกือบหนึ่งศตวรรษที่โรงเรียนแห่งนี้มีอิทธิพลมากที่สุดในยุโรปตะวันตก บรรพบุรุษของมันได้รับการพิจารณา Jacques Chambognièreเป็นที่รู้จักในฐานะนักเล่นออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ดที่ยอดเยี่ยมครูและนักแต่งเพลงที่มีความสามารถ

คอนเสิร์ตฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสมักจะจัดขึ้นในร้านเสริมสวยและพระราชวังของชนชั้นสูงหลังจากพูดคุยหรือเต้นรำกันเล็กน้อย สถานการณ์ดังกล่าวไม่เอื้อให้เกิดงานศิลปะที่ลึกซึ้งและจริงจัง ในดนตรีได้รับการชื่นชมการปรับแต่งที่สง่างามความซับซ้อนความสว่างความเฉลียวฉลาด ในเวลาเดียวกันละครขนาดเล็ก - เพชรประดับ - เป็นที่ต้องการ "ไม่มีอะไรยาวน่าเบื่อและจริงจังเกินไป" - นั่นเป็นกฎหมายที่ไม่ได้เขียนไว้ซึ่งควรได้รับคำแนะนำจากนักประพันธ์เพลงในราชสำนักฝรั่งเศส ไม่น่าแปลกใจที่นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสแทบจะไม่หันมาใช้รูปแบบขนาดใหญ่วงจรการเปลี่ยนแปลง - พวกเขาสนใจ ห้องชุดประกอบด้วยการเต้นรำและเพชรประดับโปรแกรม

โรงเรียนของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีชื่อของ L. Marchand, J.F. Dandrie, F.Dazhencourt, L.-K. Daken, Louis Couperin ที่สำคัญที่สุดนักแต่งเพลงเหล่านี้ประสบความสำเร็จในภาพอภิบาลที่สวยงาม ("Cuckoo" และ "Swallow" โดย Daken; "Bird's cry" โดย Dandrieu)

โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสประสบความสำเร็จสูงสุดจากผลงานของอัจฉริยะสองคน - Francois Couperin(พ.ศ. 1668-1733) และร่วมสมัยที่อายุน้อยกว่าของเขา Jean Philippe Rameau (1685–1764).

ผู้ร่วมสมัยเรียกว่าFrançois Couperin“ François the Great” ไม่มีนักฮาร์ปซิคอร์ดคนใดที่สามารถแข่งขันกับเขาในด้านความนิยมได้ เขาเกิดมาในครอบครัวของนักดนตรีที่มีกรรมพันธุ์และใช้เวลาเกือบทั้งชีวิตในปารีสและแวร์ซายในฐานะนักเล่นออร์แกนและครูสอนดนตรีสำหรับเด็ก ๆ ของราชวงศ์ นักแต่งเพลงทำงานในหลายประเภท (ยกเว้นการแสดงละคร) ส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขาประกอบด้วยชุดฮาร์ปซิคอร์ด 27 ห้อง (ประมาณ 250 ชิ้นในสี่คอลเลคชัน) Couperin เป็นผู้สร้างห้องชุดประเภทฝรั่งเศสซึ่งแตกต่างจากตัวอย่างของเยอรมันและประกอบด้วยชิ้นส่วนที่เป็นโปรแกรมเป็นหลัก ในหมู่พวกเขามีภาพร่างของธรรมชาติ ("Butterflies", "Bees", "Reeds") และฉากประเภท - ภาพชีวิตในชนบท ("Reapers", "Grape pickers", "Knitters"); แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งการถ่ายภาพบุคคลทางดนตรีจำนวนมาก ภาพเหล่านี้เป็นภาพของหญิงสาวที่เป็นฆราวาสและเด็กสาวที่เรียบง่าย - นิรนาม ("Beloved", "The One") หรือเป็นภาพรวมของบทละคร ("Princess Mary", "Manon", "Sister Monica") บ่อยครั้งที่ Couperin ไม่ได้วาดใบหน้าที่เฉพาะเจาะจง แต่เป็นลักษณะของมนุษย์ ("Hardworking", "Rezvushka", "Anemone", "Impatient") หรือแม้กระทั่งพยายามแสดงอักขระประจำชาติต่างๆ ("Spanish Woman", "Frenchwoman") เพชรประดับของ Couperin จำนวนมากใกล้เคียงกับการเต้นรำที่เป็นที่นิยมในยุคนั้นเช่น courante, minuet

รูปแบบที่ชื่นชอบของเพชรประดับ Cooperin คือ rondo.

ตามที่ระบุไว้แล้วดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดมีต้นกำเนิดในสภาพแวดล้อมของชนชั้นสูงและมีไว้สำหรับเธอ มันสอดคล้องกับจิตวิญญาณของวัฒนธรรมชนชั้นสูงดังนั้นความสง่างามภายนอกในการออกแบบวัสดุเฉพาะเรื่องความอุดมสมบูรณ์ของการตกแต่งซึ่งเป็นองค์ประกอบที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดของสไตล์ชนชั้นสูง ความหลากหลายของเครื่องประดับนั้นแยกไม่ออกจากการประพันธ์เพลงฮาร์ปซิคอร์ดจนถึงต้นเบโธเฟน

เพลงฮาร์ปซิคอร์ด ราโม ลักษณะตรงกันข้ามกับประเพณีของห้องประเภทจังหวะขนาดใหญ่ เขาไม่ชอบเขียนรายละเอียดอย่างละเอียดถี่ถ้วน ดนตรีของเขามีความโดดเด่นด้วยลักษณะที่สดใสในนั้นเราสามารถสัมผัสได้ทันทีถึงลายมือของนักแต่งเพลงที่เกิดมา ("Chicken", "Savages", "Cyclops")

นอกเหนือจากฮาร์ปซิคอร์ดที่ยอดเยี่ยมแล้ว Rameau ยังเขียน "โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ " อีกมากมายรวมทั้งบทความเรื่อง Harmony (1722) ที่แหวกแนวซึ่งทำให้เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีคนสำคัญ

การพัฒนาดนตรีคลาเวียร์ของอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อ Domenico Scarlatti.

ผลงานดังกล่าวถือเป็นแบบเป็นโปรแกรมหากมีพล็อตเรื่องหนึ่ง - "โปรแกรม" ซึ่งมัก จำกัด ไว้ที่ชื่อเรื่องเดียว แต่อาจมีคำอธิบายโดยละเอียด

อาจเป็นไปได้ว่ารูปลักษณ์ของการตกแต่งมีความเกี่ยวข้องกับความไม่สมบูรณ์ของฮาร์ปซิคอร์ดเสียงที่สลายไปในทันทีและเสียงทุ้มหรือเสียงแหลมสามารถชดเชยการขาดนี้ได้บางส่วนทำให้เสียงอ้างอิงยาวขึ้น

ในยุโรปตะวันตก. (โดยเฉพาะอิตาโล - สเปน) กระทะ ดนตรีในช่วงปลายยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (motets, madrigals, ฯลฯ ) เป็นบทประพันธ์ องค์ประกอบจะดำเนินการ เทคนิคการลดทอนได้รับการพัฒนาอย่างมากของศิลปะ นอกจากนี้เธอยังทำหนึ่งในองค์ประกอบที่มีพื้นผิว รากฐานของเครื่องมือโบราณดังกล่าว ประเภทเช่นโหมโรง, richercar, toccata, แฟนตาซี ฝ่าย สูตรลดลงค่อยๆปรากฏขึ้นจากการแสดงที่หลากหลายของ O. ฟรีก่อนอื่นเมื่อสรุปความไพเราะ โครงสร้าง (ในข้อ) ประมาณกลางเดือน. ศตวรรษที่ 15 ในตัวเขา. org. tablatures ปรากฏกราฟิกแรก ป้ายสำหรับเขียนตกแต่ง K ser. ศตวรรษที่ 16 ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย - ใน decomp ตัวแปรและการเชื่อมต่อ - mordent, trill, gruppetto, to-rye ยังคงอยู่ในกลุ่มหลัก instr. เครื่องประดับ. เห็นได้ชัดว่าพวกเขาถูกสร้างขึ้นจากการปฏิบัติของ Instr ประสิทธิภาพ.

จากชั้น 2. ศตวรรษที่ 16 ฟรี O. พัฒนาโดย hl. arr. ในอิตาลีส่วนใหญ่มีความไพเราะที่แตกต่างกัน ความมั่งคั่งของกระทะเดี่ยว ดนตรีเช่นเดียวกับในนักไวโอลินที่มุ่งเน้นไปที่ความมีคุณธรรม เพลง. ตอนนั้นในนักไวโอลิน. ดนตรียังไม่พบว่ามีการใช้ vibrato อย่างแพร่หลายซึ่งให้การแสดงออกของเสียงที่ขยายออกไปและการตกแต่งทำนองที่หลากหลายทำหน้าที่แทนมัน Melismatic. ของประดับตกแต่ง (ornements, agréments) ได้รับการพัฒนาพิเศษในศิลปะฝรั่งเศส นักพิณและนักฮาร์ปซิคอร์เดอร์ในศตวรรษที่ 17 และ 18 ซึ่งมีลักษณะเฉพาะซึ่งอาศัยการเต้นรำ ประเภทที่อยู่ภายใต้การออกแบบที่ซับซ้อน ในฝรั่งเศส. ดนตรีมีการเชื่อมต่ออย่างใกล้ชิดระหว่างเครื่องดนตรี agrémentsกับกระทะฆราวาส เนื้อเพลง (ที่เรียกว่า airs de Cour) ขอบของการเต้นรำนั้นซึมผ่าน พลาสติก. ภาษาอังกฤษ. หญิงพรหมจารี (ปลายศตวรรษที่ 16) มีแนวโน้มที่จะธีมเพลงและรูปแบบต่างๆ การพัฒนาในสาขา O. มีแนวโน้มที่จะใช้เทคนิคลดน้อยลง ไม่น่าเชื่อ ไอคอนที่ใช้โดย Virginists ไม่สามารถถอดรหัสได้อย่างถูกต้อง ในภาษาออสโตร - เยอรมัน ศิลปะ clavier ซึ่งเริ่มพัฒนาอย่างเข้มข้นจากตรงกลาง ศตวรรษที่ 17 ถึง J.S.Bach โดยรวมความโน้มถ่วงต่ออิตาลีชนกันในรูปแบบต่างๆ จิ๋วและฝรั่งเศส ไพเราะ รูปแบบ ฝรั่งเศส. นักดนตรีในศตวรรษที่ 17-18 มันกลายเป็นประเพณีที่จะมาพร้อมกับคอลเลกชันของละครที่มีโต๊ะตกแต่ง ตารางที่มีขนาดใหญ่ที่สุด (มีเมลิสมาส 29 ชนิด) ถูกนำไปใช้กับคอลเลกชันฮาร์ปซิคอร์ดของ J.A. d'Angleber (1689) แม้ว่าตารางดังกล่าวจะเปิดเผยความคลาดเคลื่อนเล็กน้อย แต่ก็กลายเป็นแคตตาล็อกเครื่องประดับที่ใช้กันทั่วไป "หนังสือแป้นพิมพ์สำหรับวิลเฮล์มของ Bach Friedemann Bach "(1720) ยืมมามากจาก d" Angleber

ออกเดินทางจาก O. ฟรีในทิศทางของเครื่องประดับที่ได้รับการควบคุมจากฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ดได้รับมอบหมายให้เป็นออร์ค เพลงโดย J. B. Lully อย่างไรก็ตามชาวฝรั่งเศส กฎระเบียบของเครื่องประดับไม่ได้เข้มงวดมากนักเนื่องจากแม้แต่ตารางที่มีรายละเอียดมากที่สุดก็ระบุการถอดรหัสที่แน่นอนสำหรับการใช้งานทั่วไปเท่านั้น อนุญาตให้มีการเบี่ยงเบนเล็กน้อยซึ่งสอดคล้องกับลักษณะเฉพาะของมิวส์ ผ้า. ขึ้นอยู่กับศิลปะและรสนิยมของนักแสดงและในสิ่งพิมพ์ที่มีการถอดเสียงเป็นลายลักษณ์อักษร - ตามโวหาร ความรู้หลักการและรสนิยมของบรรณาธิการ การเบี่ยงเบนดังกล่าวเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ในการแสดงบทละครของผู้เรืองแสงชาวฝรั่งเศส ความห้าวหาญ P. Couperin เรียกร้องให้มีการปฏิบัติตามกฎของเขาอย่างแน่นอนในการถอดรหัสเครื่องประดับ ฟรานซ์ นอกจากนี้ยังเป็นเรื่องปกติที่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดจะใช้การตกแต่งที่ลดน้อยลงภายใต้การควบคุมของผู้แต่งซึ่งพวกเขาเขียนไว้โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน variaz ใช้เวลา

ไปยังจุดสิ้นสุด ศตวรรษที่ 17 เมื่อชาวฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ดได้กลายเป็นผู้นำเทรนด์ในสาขาของพวกเขาเช่นเครื่องประดับเช่น trill และ Grace note พร้อมกับไพเราะ ฟังก์ชั่นพวกเขาเริ่มดำเนินการใหม่ที่กลมกลืนกัน ฟังก์ชั่นการสร้างและความคมชัดที่ไม่สอดคล้องกันในจังหวะที่รุนแรง J.S.Bach เช่น D. Scarlatti มักจะเขียนเครื่องประดับที่ไม่ลงรอยกันเป็นหลัก ข้อความดนตรี (ดูตัวอย่างเช่นตอนที่ II ของคอนแชร์โต้ภาษาอิตาลี) สิ่งนี้ทำให้ I.A Sheibe เชื่อว่าการทำเช่นนั้น Bach กำลังกีดกันการผลิตของเขา "ความสวยงามของความกลมกลืน" เนื่องจากนักแต่งเพลงในเวลานั้นชอบที่จะเขียนการตกแต่งทั้งหมดด้วยไอคอนหรือโน้ตเล็ก ๆ เพื่อที่จะทำให้มันดูมีกราฟิก การบันทึกมีความกลมกลืนกันอย่างชัดเจน euphony DOS คอร์ด.

F. Couperin มีภาษาฝรั่งเศสที่ประณีต รูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดถึงจุดสูงสุด ในบทละครผู้ใหญ่ของ JF Rameau เผยให้เห็นความปรารถนาที่จะก้าวข้ามขีด จำกัด ของการไตร่ตรองในห้องเพื่อเสริมสร้างพลวัตของการพัฒนาที่มีประสิทธิผลเพื่อนำไปใช้ในการแสดงดนตรี การเขียนจังหวะการตกแต่งที่กว้างขึ้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในรูปแบบของเสียงประสานพื้นหลัง รูปร่าง ดังนั้นแนวโน้มในการใช้เครื่องประดับในระดับปานกลางมากขึ้นใน Rameau เช่นเดียวกับในฝรั่งเศสในภายหลัง ตัวอย่างเช่นฮาร์ปซิคอร์ด ที่ J. Dufli อย่างไรก็ตามในวันพฤหัสบดีที่ 3 ศตวรรษที่ 18 O. ก้าวสู่ความมั่งคั่งครั้งใหม่ในผลงานที่เกี่ยวข้องกับแนวโน้มอารมณ์อ่อนไหว ตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะนี้ F. E. Bach ผู้เขียนตำรา "Experience of the right of playing clavier" กล่าวสุนทรพจน์ในดนตรีซึ่งเขาให้ความสนใจกับคำถามของ O.

การออกดอกของความคลาสสิกแบบเวียนนาในเวลาต่อมาสอดคล้องกับสุนทรียภาพใหม่ ๆ อุดมคตินำไปสู่การประยุกต์ใช้ O. อย่างเข้มงวดและปานกลางมากขึ้นอย่างไรก็ตามเธอยังคงมีบทบาทที่โดดเด่นในผลงานของ J. Haydn, W. A. \u200b\u200bMozart และ L. Beethoven ในวัยเยาว์ Free O. ถูกเก็บรักษาไว้ในยุโรป preim เพลง ในด้านการเปลี่ยนแปลงอัจฉริยะ conc. cadenza และ wok ลูกคอ. หลังนี้สะท้อนให้เห็นในความโรแมนติก php. music ชั้น 1. ศตวรรษที่ 19 (ในรูปแบบดั้งเดิมโดยเฉพาะโดย F.Chopin) ในเวลาเดียวกันเสียงพยัญชนะที่ไม่สอดคล้องกันทำให้เกิดเสียงพยัญชนะ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง trill เริ่มที่จะเริ่มต้น ไม่ใช่ด้วยอุปกรณ์เสริม แต่มีหลัก เสียงมักจะมีรูปแบบของจังหวะที่ไม่ถูกต้อง กลมกลืนกันมาก และจังหวะ การอ่อนตัวของ O. นั้นตรงกันข้ามกับความไม่สอดคล้องกันที่เพิ่มขึ้นของคอร์ดเอง การพัฒนาฮาร์โมนีที่ไม่เคยมีมาก่อนได้กลายเป็นลักษณะของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติก พื้นหลังเป็นรูปเป็นร่างใน FP เพลงที่มีสีสันกว้าง ๆ โดยใช้แป้นเหยียบและรูปแกะสลักสีสันสดใส พื้นผิวใน orc คะแนน อยู่ชั้น 2. ศตวรรษที่ 19 ค่า O. ลดลง ในศตวรรษที่ 20 บทบาทของ O. ฟรีเพิ่มขึ้นอีกครั้งในส่วนที่เกี่ยวข้องกับการเสริมสร้างการด้นสด เริ่มขึ้นในวงดนตรีบางส่วน ความคิดสร้างสรรค์เช่น ในดนตรีแจ๊ส มีทฤษฎีและระเบียบวิธีที่ยิ่งใหญ่ วรรณกรรมเกี่ยวกับปัญหาของ O. มันเกิดจากความพยายามอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยในการชี้แจงปรากฏการณ์ของ O. ซึ่ง "คัดค้าน" สิ่งนี้ในการด้นสดของพวกเขา ธรรมชาติ. สิ่งที่ผู้เขียนผลงานส่วนใหญ่นำเสนอเป็นกฎที่เข้มงวดสำหรับการถอดรหัสทั้งหมดในความเป็นจริงกลายเป็นเพียงคำแนะนำส่วนตัวเท่านั้น

เอกสารที่คล้ายกัน

วิวัฒนาการ

ลักษณะ

ฮาร์ปซิคอร์ดในประเทศต่างๆ

ทางเลือกของบรรณาธิการ