สามขั้นตอนหลักของดนตรีแนวโรแมนติกของยุโรปในศตวรรษที่ 19 คือต้นผู้ใหญ่และปลาย - สอดคล้องกับขั้นตอนของการพัฒนาดนตรีโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมัน แต่การกำหนดช่วงเวลานี้จะต้องทำให้เป็นรูปธรรมและระบุไว้ในบางกรณีที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในศิลปะดนตรีของแต่ละประเทศ
ช่วงเริ่มต้นของดนตรีแนวโรแมนติกแบบเยอรมัน - ออสเตรียย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 10-20 ของศตวรรษที่ 19 ซึ่งเกิดขึ้นพร้อมกับจุดสุดยอดของการต่อสู้กับการปกครองของนโปเลียนและการเริ่มต้นของปฏิกิริยาทางการเมืองที่มืดมนในเวลาต่อมา จุดเริ่มต้นของเวทีนี้ถูกกำหนดโดยปรากฏการณ์ทางดนตรีเช่นโอเปร่า "Undine" โดย Hoffmann (1913), "Sylvanas (1810)," Abu Hasan "(1811) และชิ้นเปียโนโปรแกรม" Invitation to Dance "(1815) โดย Weber เพลงแรกของชูเบิร์ตที่โดดเด่นอย่างแท้จริง - "Margarita at the Spinning Wheel" (1814) และ "Forest Tsar" (1815) ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ลัทธิโรแมนติกในช่วงต้นได้เฟื่องฟูเมื่ออัจฉริยะของชูเบิร์ตที่สูญพันธุ์ไปแล้วในยุคแรกถูกเปิดโปงอย่างเต็มกำลังเมื่อ The Magic Rifleman, Euryatus และ Oberon ปรากฏตัว - โอเปร่าที่สมบูรณ์แบบที่สุดสามเรื่องสุดท้ายของ Beber ในปีที่เขาเสียชีวิต (1820) บนขอบฟ้าแห่งดนตรีเปล่งประกาย "ดวงไฟ" ใหม่ - Mendelssohn - Bartholdi ผู้แสดงด้วยการทาบทามคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยม - A Midsummer Night's Dream
เวทีกลางตกอยู่ในช่วงทศวรรษที่ 1930-1940 โดยส่วนใหญ่แล้วพรมแดนจะถูกกำหนดโดยการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมในฝรั่งเศสซึ่งส่งผลกระทบอย่างมากต่อแวดวงขั้นสูงของออสเตรียและโดยเฉพาะอย่างยิ่งเยอรมนีและการปฏิวัติในปี 1848-1949 ซึ่งกวาดอย่างมีพลังไปทั่ว ดินแดนเยอรมัน - ออสเตรีย. ในช่วงเวลานี้ความคิดสร้างสรรค์ของ Mendelssohn (เสียชีวิตในปี ค.ศ. 1147) และ Schumann เจริญรุ่งเรืองในเยอรมนีซึ่งกิจกรรมของนักแต่งเพลงเพียงไม่กี่ปีก็ข้ามขอบเขตที่ระบุไว้ Marschner ขับไล่ประเพณีของ Weber ในโอเปร่าของเขา (โอเปร่าที่ดีที่สุดของเขา Thaps Geilsch: r เขียนในปีพ. ศ. 2376); ในช่วงเวลานี้แว็กเนอร์เปลี่ยนจากนักแต่งเพลงที่ต้องการเป็นผู้สร้างผลงานที่โดดเด่นเช่นTannhäuser (1815) และ Lohengrin (1848); อย่างไรก็ตามความสำเร็จด้านการสร้างสรรค์หลักของ Wagner ยังมาไม่ถึง ในออสเตรียในเวลานี้มีการขับกล่อมในแนวเพลงที่จริงจัง แต่โจเซฟไลเนอร์และโยฮันสเตราส์ผู้เป็นบิดาผู้สร้างเพลงเต้นรำในชีวิตประจำวันกำลังได้รับชื่อเสียง
ช่วงปลายยุคหลังการปฏิวัติของลัทธิโรแมนติกซึ่งครอบคลุมหลายทศวรรษ (ตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 50 ถึงกลางทศวรรษที่ 90) มีความเกี่ยวข้องกับสถานการณ์ทางสังคมและการเมืองที่ตึงเครียด (การแข่งขันของออสเตรียปรัสเซียในการรวมดินแดนเยอรมัน การเกิดขึ้นของเยอรมนีที่เป็นเอกภาพภายใต้การปกครองของปรัสเซียทางทหารและการแยกทางการเมืองขั้นสุดท้ายของออสเตรีย) ในขณะนี้ปัญหาของศิลปะดนตรีเยอรมันที่ใช้กันทั่วไปเกิดขึ้นอย่างรุนแรงความขัดแย้งระหว่างกลุ่มสร้างสรรค์ต่างๆและนักแต่งเพลงแต่ละคนได้รับการเปิดเผยอย่างชัดเจนมากขึ้นการต่อสู้ของแนวโน้มเกิดขึ้นซึ่งบางครั้งสะท้อนให้เห็นในการโต้แย้งอย่างดุเดือดในหน้าหนังสือพิมพ์ . ลิซท์ซึ่งย้ายไปอยู่ที่เยอรมนีพยายามที่จะรวมพลังทางดนตรีที่ก้าวหน้าของประเทศ แต่หลักการสร้างสรรค์ของเขาที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดของนวัตกรรมที่รุนแรงตามความเป็นโปรแกรมจะไม่ได้รับการแบ่งปันโดยนักดนตรีชาวเยอรมันทุกคน วากเนอร์ได้รับตำแหน่งพิเศษซึ่งทำให้บทบาทของละครเพลงเป็น "ศิลปะแห่งอนาคต" ในขณะเดียวกันบราห์มส์ผู้บริหารงานของเขาเพื่อพิสูจน์ความสำคัญที่ยั่งยืนของประเพณีดนตรีคลาสสิกจำนวนมากในการผสมผสานกับมุมมองใหม่ที่โรแมนติกกลายเป็นหัวหน้าฝ่ายต่อต้านรายชื่อและกระแสต่อต้านแวกเนอร์ในเวียนนา ปี 1876 มีความสำคัญในแง่นี้: รอบปฐมทัศน์ของ Wagner's Ring of the Nibelung เกิดขึ้นที่เมืองไบรอยท์และเวียนนาได้ทำความคุ้นเคยกับซิมโฟนีแห่งบราห์มส์ครั้งแรกซึ่งเปิดช่วงที่งานของเขาออกดอกสูงสุด

ความซับซ้อนของสถานการณ์ทางดนตรี - ประวัติศาสตร์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไม่ได้ จำกัด อยู่ที่การปรากฏตัวของทิศทางต่างๆด้วยแรงจูงใจของพวกเขา - ไลพ์ซิก, ไวมาร์, ไบรอยท์ เวียนนา. ตัวอย่างเช่นในเวียนนาศิลปินที่มีความแตกต่างกันมากเช่น Bruckner และ Wolff ต่างก็รวมตัวกันด้วยทัศนคติที่กระตือรือร้นต่อแว็กเนอร์ แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ยอมรับหลักการแสดงละครเพลงของเขา
ในเวียนนาโยฮันน์สเตราส์บุตรชายซึ่งเป็นหัวหน้าวงดนตรีที่สุดแห่งศตวรรษกำลังสร้าง” (วากเนอร์) เพลงวอลทซ์ที่ยอดเยี่ยมของเขาและบทละครในเวลาต่อมาทำให้เวียนนากลายเป็นศูนย์กลางดนตรีบันเทิงที่ใหญ่ที่สุด
ทศวรรษหลังการปฏิวัติยังคงมีปรากฏการณ์ที่โดดเด่นบางประการของแนวโรแมนติกทางดนตรีสัญญาณของวิกฤตภายในของแนวโน้มนี้กำลังทำให้ตัวเองรู้สึกอยู่แล้ว ดังนั้นความโรแมนติกในบราห์มจึงถูกสังเคราะห์ด้วยหลักการของลัทธิคลาสสิกและฮิวโก้วูลฟ์ค่อยๆตระหนักว่าตัวเองเป็นนักแต่งเพลงที่ต่อต้านโรแมนติก ในระยะสั้นหลักการโรแมนติกกำลังสูญเสียความหมายเฉพาะบางครั้งรวมกับแนวโน้มคลาสสิกใหม่หรือที่ได้รับการฟื้นฟู
อย่างไรก็ตามแม้ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1980 เมื่อลัทธิโรแมนติกเริ่มมีชีวิตยืนยาวขึ้นอย่างเห็นได้ชัดความคิดสร้างสรรค์แนวโรแมนติกที่สดใสของแต่ละคนยังคงปรากฏในออสเตรียและเยอรมนี: ผลงานเปียโนชิ้นสุดท้ายของบราห์มส์และซิมโฟนีในภายหลังของบรัคเนอร์ถูกแต่งแต้มด้วยแนวโรแมนติก นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX และ XX - ชาวออสเตรียมาห์เลอร์และริชาร์ดสเตราส์ชาวเยอรมัน - ในผลงานของยุค 80 และ 90 บางครั้งก็แสดงออกว่าเป็นแนวโรแมนติกทั่วไป โดยรวมแล้วนักแต่งเพลงเหล่านี้กลายเป็นตัวเชื่อมระหว่างศตวรรษที่สิบเก้าที่ "โรแมนติก" กับคนวัยยี่สิบ "ต่อต้านโรแมนติก")
"ความใกล้ชิดของวัฒนธรรมดนตรีของออสเตรียและเยอรมนีเนื่องจากประเพณีทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ไม่ได้รวมถึงความแตกต่างของชาติบางประการความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและงานที่นักดนตรีต้องเผชิญจึงแตกต่างกันในบางครั้งดังนั้นในเยอรมนีที่ล้าหลัง การเอาชนะความซบเซาของชนชั้นกลางการแบ่งแยกดินแดนที่คับแคบเป็นงานเร่งด่วนโดยเฉพาะอย่างยิ่งซึ่งในทางกลับกันกิจกรรมการศึกษาในรูปแบบที่แตกต่างกันในส่วนของตัวแทนขั้นสูงของศิลปะนักแต่งเพลงชาวเยอรมันที่โดดเด่นไม่สามารถ จำกัด ตัวเองได้เฉพาะการแต่งเพลงเท่านั้น ต้องกลายเป็นบุคคลทางดนตรีและสาธารณะและแท้จริงแล้วนักแต่งเพลงโรแมนติกชาวเยอรมันได้ดำเนินงานด้านวัฒนธรรมและการศึกษาอย่างจริงจังมีส่วนทำให้ระดับวัฒนธรรมดนตรีทั้งหมดเพิ่มขึ้นโดยทั่วไปใน ประเทศ: เวเบอร์ - ในฐานะผู้ควบคุมวงโอเปร่าและนักวิจารณ์ดนตรี Mendelssohn - ในฐานะผู้ควบคุมคอนเสิร์ตและเป็นอาจารย์ที่โดดเด่นผู้ก่อตั้งเรือนกระจกแห่งแรกในเยอรมนี ชูมันน์เป็นนักวิจารณ์ดนตรีที่สร้างสรรค์และสร้างสรรค์นิตยสารดนตรีรูปแบบใหม่ ต่อมากิจกรรมทางดนตรีและสังคมของแว็กเนอร์ซึ่งหาได้ยากในความเก่งกาจของพวกเขาได้รับการพัฒนาในฐานะผู้ดำเนินการแสดงละครและไพเราะนักวิจารณ์สุนทรียศาสตร์นักปฏิรูปโอเปร่าและผู้สร้างโรงละครแห่งใหม่ในไบรอยท์
ในออสเตรียด้วยการรวมศูนย์ทางการเมืองและวัฒนธรรม (กองทหารแห่งอำนาจของเวียนนาในฐานะศูนย์กลางทางการเมืองและวัฒนธรรม) ด้วยภาพลวงตาของปิตาธิปไตยความเป็นอยู่ในจินตนาการและด้วยการครอบงำที่แท้จริงของปฏิกิริยาที่โหดร้ายที่สุดกิจกรรมทางสังคมในวงกว้างจึงเป็นไปไม่ได้ 1 . ความขัดแย้งระหว่างความน่าสมเพชของพลเมืองที่มีต่องานของเบโธเฟนและความเฉยชาทางสังคมที่ถูกบังคับของนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ไม่สามารถดึงดูดความสนใจให้กับตัวเองได้ในการเชื่อมต่อนี้ เราจะพูดอะไรได้บ้างเกี่ยวกับชูเบิร์ตซึ่งก่อตั้งขึ้นในฐานะศิลปินในช่วงหลังการประชุมแห่งเวียนนาในปี 1814-1815! วงกลมชูเบิร์ตที่มีชื่อเสียงเป็นรูปแบบเดียวที่เป็นไปได้ในการรวมตัวแทนขั้นสูงของปัญญาชนทางศิลปะ แต่วงกลมดังกล่าวในเวียนนาของ Metternich ไม่สามารถมีเสียงสะท้อนจากสาธารณะอย่างแท้จริง กล่าวอีกนัยหนึ่งในออสเตรียนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเกือบจะเป็นผู้สร้างสรรค์ผลงานดนตรีโดยเฉพาะพวกเขาไม่สามารถพิสูจน์ตัวเองในด้านดนตรีและกิจกรรมทางสังคมได้ สิ่งนี้ใช้กับ Schubert และ Bruckner และกับ Johann Strauss ลูกชายและกับคนอื่น ๆ
อย่างไรก็ตามในวัฒนธรรมออสเตรียเราควรสังเกตปัจจัยลักษณะดังกล่าวที่มีอิทธิพลในเชิงบวกต่อศิลปะดนตรีทำให้ในขณะเดียวกันก็มีรสชาติของออสเตรีย“ เวียนนา” โดยเฉพาะ ตั้งอยู่ในกรุงเวียนนาด้วยการผสมผสานที่แปลกใหม่องค์ประกอบของวัฒนธรรมเยอรมันฮังการีอิตาลีและสลาฟทำให้เกิดดนตรีที่หลากหลายซึ่งผลงานสร้างสรรค์ของชูเบิร์ตโยฮันน์สเตราส์และนักแต่งเพลงอื่น ๆ อีกมากมายซึ่งเป็นประชาธิปไตยในแนวของมันเติบโตขึ้น การผสมผสานลักษณะประจำชาติของเยอรมันกับชาวฮังการีและชาวสลาฟต่อมากลายเป็นลักษณะของบราห์มส์ที่ย้ายไปเวียนนา

วัฒนธรรมดนตรีของออสเตรียที่เฉพาะเจาะจงคือการเผยแพร่ดนตรีเพื่อความบันเทิงในรูปแบบต่างๆอย่างกว้างขวางไม่ว่าจะเป็นเพลงเซเรเนดเทปคาสเซชั่นความแตกต่างซึ่งครอบครองสถานที่ที่โดดเด่นในงานคลาสสิกของเวียนนา Haydn และ Mozart ในยุคของลัทธิโรแมนติกความสำคัญของชีวิตประจำวันดนตรีเพื่อความบันเทิงไม่เพียง แต่ได้รับการอนุรักษ์ไว้เท่านั้น ยกตัวอย่างเช่นเป็นการยากที่จะจินตนาการถึงรูปลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของชูเบิร์ตโดยไม่มีกระแสดนตรีพื้นบ้านที่แทรกซึมอยู่ในดนตรีของเขาและย้อนกลับไปในปาร์ตี้เวียนนาปิกนิกวันหยุดพักผ่อนในสวนสาธารณะไปจนถึงดนตรีแนวสตรีทแบบสบาย ๆ แต่ในสมัยของชูเบิร์ตการแบ่งชั้นเริ่มปรากฏให้เห็นในดนตรีมืออาชีพของเวียนนา และถ้าชูเบิร์ตเองยังคงรวมซิมโฟนีและโซนาตาสเข้ากับเพลงวอลทซ์และแลนด์เลอร์ซึ่งปรากฏอย่างแท้จริงในหลายร้อย 1 เช่นเดียวกับการเดินขบวน ecossises polonaises ในผลงานของเขา Liner และ Strauss ผู้เป็นพ่อก็ทำให้ดนตรีเต้นรำเป็นพื้นฐานของกิจกรรมของพวกเขา ต่อมา "โพลาไรเซชัน" นี้พบการแสดงออกในความสัมพันธ์ระหว่างความคิดสร้างสรรค์ของสองคนร่วมสมัย - คลาสสิกของการเต้นรำและดนตรีโอเปเรตต้าโยฮันน์สเตราส์ผู้เป็นบุตรชาย (พ.ศ. 2368-2442) และนักประพันธ์ซิมโฟนีบรักเนอร์ (พ.ศ. 2467-2439)
เมื่อเปรียบเทียบดนตรีของออสเตรียและเยอรมันในศตวรรษที่ 19 อย่างเหมาะสมคำถามของละครเพลงก็เกิดขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในเยอรมนียุคแห่งความโรแมนติกโอเปร่าเริ่มต้นด้วย Hoffmann มีความสำคัญอย่างยิ่งในฐานะประเภทที่สามารถแสดงปัญหาปัจจุบันของวัฒนธรรมประจำชาติได้อย่างเต็มที่ และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ละครเพลง Wagnerad เป็นการพิชิตโรงละครเยอรมันอย่างยิ่งใหญ่ในออสเตรียความพยายามซ้ำแล้วซ้ำเล่าของชูเบิร์ตเพื่อให้บรรลุความสำเร็จในสาขาการแสดงละครไม่ได้รับการสวมมงกุฎด้วยความสำเร็จสิ่งเร้าสำหรับความคิดสร้างสรรค์ทางโอเปร่าอย่างจริงจังไม่ได้มีส่วนช่วยในการสร้างสรรค์ ของผลงานละครเรื่อง“ สไตล์ยิ่งใหญ่” แต่การแสดงพื้นบ้านของตัวละครตลกเฟื่องฟู - การร้องเพลงของเฟอร์ดินานด์ไรมุนด์ร่วมกับดนตรีของเวนเซลมึลเลอร์และโจเซฟเดร็กซ์เลอร์และต่อมา - การร้องเพลงในประเทศของ I. N. Nestroy (1801-1862 ) ด้วยเหตุนี้ไม่ใช่ละครเพลง แต่เป็นบทละครของเวียนนาที่เกิดขึ้นในทศวรรษที่ 70 ได้กำหนดความสำเร็จของโรงละครดนตรีออสเตรียในระดับยุโรป
แม้จะมีความแตกต่างเหล่านี้และความแตกต่างอื่น ๆ ในการพัฒนาดนตรีออสเตรียและเยอรมัน แต่คุณลักษณะของความคล้ายคลึงกันในศิลปะโรแมนติกของทั้งสองประเทศก็ชัดเจนกว่ามาก อะไรคือคุณสมบัติเฉพาะที่ทำให้ผลงานของชูเบิร์ตเวเบอร์และผู้สืบทอดที่ใกล้เคียงที่สุด - เมนเดลส์โซห์นและชูมันน์แตกต่างจากดนตรีโรแมนติกของประเทศอื่น ๆ ในยุโรป
เนื้อเพลงที่ใกล้ชิดและเต็มไปด้วยอารมณ์ซึ่งปกคลุมไปด้วยภวังค์เป็นเรื่องปกติของ Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann ดนตรีของพวกเขาถูกครอบงำด้วยความไพเราะที่เปล่งออกมาอย่างหมดจดในท่วงทำนองต้นกำเนิดซึ่งโดยปกติจะเกี่ยวข้องกับแนวคิดของ "Lied" ของเยอรมัน สไตล์นี้เป็นลักษณะเฉพาะของเพลงและรูปแบบการบรรเลงที่ไพเราะของ Schubert, arias โอเปร่าบทกวีของ Weber, เพลงของ Mendelssohn ที่ไม่มีคำพูด, ภาพ "Ebzebieff" ของ Schumann ท่วงทำนองที่มีอยู่ในสไตล์นี้แตกต่างจาก Cantilena ของอิตาลีโดยเฉพาะของ Bellini เช่นเดียวกับวลีที่ทำให้เสื่อมเสียซึ่งได้รับผลกระทบซึ่งมีลักษณะเฉพาะของโรแมนติกแบบฝรั่งเศส (Berlioz, Menerbeer)
เมื่อเทียบกับแนวโรแมนติกแบบฝรั่งเศสที่ก้าวหน้าโดดเด่นด้วยการยกระดับและประสิทธิภาพที่เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของพลเรือนการปฏิวัติอย่างกล้าหาญลัทธิโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันมีลักษณะที่มีการไตร่ตรองมากขึ้นลึกลงไปในตัวเอง แต่จุดแข็งหลักอยู่ที่การเปิดเผยโลกภายในของบุคคลในจิตวิทยาเชิงลึกซึ่งเปิดเผยโดยเฉพาะอย่างยิ่งในดนตรีออสเตรียและเยอรมันทำให้เกิดผลกระทบทางศิลปะที่ไม่อาจต้านทานได้จากผลงานดนตรีจำนวนมาก มัน. อย่างไรก็ตามไม่รวมการแสดงออกที่สดใสของความกล้าหาญและความรักชาติในผลงานเรื่องโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมนี นี่คือซิมโฟนีมหากาพย์อันยิ่งใหญ่ใน C major โดย Schubert และเพลงของเขาบางเพลง (ถึงคนขับ Kronos, Group from Hell และอื่น ๆ ), วงจรการร้องเพลง Lyre และ Sword โดย Weber (ถึงบทกวีผู้รักชาติ T. "Schumann, เพลง" Two Grenadiers "ของเขาในที่สุดก็เป็นหน้าที่กล้าหาญของแต่ละคนในผลงานเช่น" Scottish Symphony "โดย Mendelssohn (apotheosis ในตอนจบ)," Carnival "โดย Schumann (ตอนจบซิมโฟนีที่สามของเขา (การเคลื่อนไหวครั้งแรก) แผน, การต่อสู้แบบไททานิซึมได้รับการฟื้นฟูบนพื้นฐานใหม่ในภายหลัง - ในละครเพลงที่เป็นวีรบุรุษของวากเนอร์ในช่วงแรกของลัทธิโรแมนติกแบบเยอรมัน - ออสเตรียหลักการที่กระตือรือร้นและกระตือรือร้นมักแสดงออกมาในภาพที่น่าสมเพชกระวนกระวายใจและกบฏ แต่ไม่ได้ไตร่ตรองเช่นเดียวกับใน Beethoven เช่นเพลงของ Schubert "Shelter" และ "Atlant", ภาพ Florentine ของ Schumann, การทาบทาม "Manfred" ของเขา, การทาบทาม "Rune Blaz" โดย Mendelssohn

ภาพของธรรมชาติเป็นสถานที่สำคัญอย่างยิ่งในผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกชาวออสเตรียและเยอรมัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งคือบทบาท "เอาใจใส่" ของภาพธรรมชาติในวงจรเสียงของชูเบิร์ตและในวงจร "ความรักของกวี" โดยชูมันน์ แนวดนตรีได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางในผลงานไพเราะของ Mendelssohn; ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของทะเล ("สก็อตซิมโฟนี", แซง "เฮบริดส์", "การเดินเรือในทะเลที่สงบและมีความสุข") แต่ลักษณะเฉพาะของภาพทิวทัศน์ของเยอรมันก็คือ "ความโรแมนติกในป่า" ที่แฝงอยู่ในบทกวีของเวเบอร์ที่นำเสนอ "The Magic Archer" และ "Oberon" ใน "Nocturne" จากเพลงของ Mendelssohn ไปจนถึงภาพยนตร์ตลกของเช็คสเปียร์เรื่อง A Midsummer Night's ฝัน." จากที่นี่หัวข้อจะขยายไปถึงซิมโฟนีของ Bruckner ในรูปแบบที่สี่ (โรแมนติก) และลำดับที่เจ็ดไปจนถึงแนวไพเราะ The Rustle of the Forest ใน tetralogy ของ Wagner ไปจนถึงภาพของป่าในซิมโฟนีครั้งแรกของ Mahler
ความโรแมนติกที่โหยหาอุดมคติในดนตรีเยอรมัน - ออสเตรียพบว่ามีการแสดงออกที่เฉพาะเจาะจงโดยเฉพาะอย่างยิ่งในรูปแบบของการเร่ร่อนการค้นหาความสุขในดินแดนอื่นที่ไม่รู้จัก สิ่งนี้ปรากฏชัดเจนที่สุดในผลงานของ Schubert ("The Wanderer", "The Beautiful Miller Woman", "The Winter Path") และต่อมา - ในภาพของ Wagner ของ Flying Dutchman, Wotan the Traveller, Siegfried ที่พเนจร ประเพณีนี้ในยุค 80 นำไปสู่วัฏจักรเพลงของเด็กฝึกงานพเนจรของมาห์เลอร์
การให้ความสำคัญอย่างมากกับภาพที่ยอดเยี่ยมยังเป็นลักษณะประจำชาติของลัทธิโรแมนติกแบบเยอรมัน - ออสเตรีย (มีผลกระทบโดยตรงต่อ Berlioz ที่โรแมนติกของฝรั่งเศส) ประการแรกนี่คือจินตนาการของความชั่วร้าย Demonism ซึ่งพบรูปลักษณ์ที่สดใสที่สุดในเซียนาในหุบเขาหมาป่าจากโอเปร่าเรื่อง The Magic Archer ของ Weber ใน Marschner's Vampire, Walpurgis Night Cantata ของ Mendelssohn และผลงานอื่น ๆ อีกมากมาย ประการที่สองนิยายมีน้ำหนักเบาเป็นบทกวีที่ละเอียดอ่อนผสานกับภาพที่สวยงามของธรรมชาติที่เต็มไปด้วยความกระตือรือร้น: ฉากในโอเปร่า "Oberon" ของ Weber, การทาบทามของ Mendelssohn "A Midsummer Night's Dream" และภาพของ Lohengrin ของ Wagner ผู้ส่งสารแห่งจอก สถานที่ระดับกลางที่นี่เป็นของภาพของชูมันน์จำนวนมากซึ่งนิยายแสดงให้เห็นถึงจุดเริ่มต้นที่ยอดเยี่ยมและแปลกประหลาดโดยไม่ได้เน้นที่ปัญหาเรื่องความชั่วร้ายและความดีมากนัก
ในสาขาภาษาดนตรีแนวโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันประกอบด้วยยุคทั้งหมดซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งจากมุมมองของวิวัฒนาการทั่วไปของวิธีการแสดงออกทางศิลปะ โดยไม่ต้องอาศัยความคิดริเริ่มของสไตล์ของนักแต่งเพลงรายใหญ่แต่ละคนเราจะสังเกตเห็นคุณลักษณะและแนวโน้มที่พบบ่อยที่สุด

หลักการที่ใช้กันอย่างแพร่หลายของ "เพลง" ซึ่งเป็นแนวโน้มทั่วไปโดยทั่วไปในการทำงานของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติก - ครอบคลุมไปถึงดนตรีบรรเลงของพวกเขา มันทำให้เกิดความเป็นตัวตนที่ยอดเยี่ยมของทำนองเพลงโดยการผสมผสานลักษณะเฉพาะของเพลงที่เหมาะสมและการผลัดกันของการประกาศการร้องเพลงของฐานรากการโครมาไนซ์ ฯลฯ ภาษาฮาร์มอนิกได้รับการปรับปรุง: สูตรฮาร์มอนิกทั่วไปของคลาสสิกจะถูกแทนที่ด้วยความกลมกลืนที่ยืดหยุ่นและแตกต่างกันมากขึ้น บทบาทของปลั๊กอินและระดับรองของโหมดเพิ่มขึ้น ด้านสีสันของความสามัคคีมีความสำคัญอย่างยิ่ง การตีความหลักและรองที่ค่อยๆเพิ่มขึ้นก็เป็นลักษณะเช่นกัน ดังนั้นจาก Schubert โดยพื้นฐานแล้วประเพณีของชื่อเดียวกันในการเปรียบเทียบรายใหญ่และรายย่อย (มักจะเป็นรายใหญ่รองจากผู้เยาว์) เนื่องจากในงานของเขาสิ่งนี้กลายเป็นเทคนิคที่ชื่นชอบ ขอบเขตของการประยุกต์ใช้ฮาร์มอนิกเมเจอร์กำลังขยายตัว (โดเมนย่อยย่อยในแคเดนซาของงานหลักเป็นลักษณะเฉพาะ) ในการเชื่อมต่อกับความสำคัญของแต่ละบุคคลการระบุรายละเอียดที่เฉอะแฉะของภาพนอกจากนี้ยังมีการเพิ่มขึ้นในด้านการเรียบเรียง (ความหมายของการระบายสีเสียงต่ำที่เฉพาะเจาะจงบทบาทที่เพิ่มขึ้นของเครื่องดนตรีเดี่ยวการให้ความสนใจกับจังหวะการแสดงใหม่ของสตริง ฯลฯ ). แต่โดยพื้นฐานแล้ววงออเคสตราเองก็ยังไม่ได้เปลี่ยนองค์ประกอบแบบคลาสสิก
โรแมนติกชาวเยอรมันและออสเตรียส่วนใหญ่เป็นผู้ก่อตั้งโปรแกรมโรแมนติก (Berlioz สามารถพึ่งพาความสำเร็จของพวกเขาใน Fantastic Symphony ของเขา) และแม้ว่าการเขียนโปรแกรมเช่นนี้จะดูเหมือนไม่ใช่ลักษณะของ Schubert นักโรแมนติกชาวออสเตรีย แต่ความอิ่มตัวของส่วนเปียโนในเพลงของเขาด้วยช่วงเวลาที่เป็นภาพการปรากฏตัวขององค์ประกอบของความสามารถในการเขียนโปรแกรมที่ซ่อนอยู่ในละครผลงานเครื่องมือสำคัญของเขา ระบุว่าผู้แต่งมีส่วนร่วมอย่างมีนัยสำคัญในการพัฒนาหลักการเขียนโปรแกรมในดนตรี โรแมนติกของเยอรมันมีความปรารถนาอย่างชัดเจนสำหรับการเขียนโปรแกรมทั้งในเพลงเปียโน (Weber's Invitation to Dance, Concertstuck, Suite Cycles ของ Schumann, เพลงที่ไม่มีคำพูดของ Mendelssohn) และในดนตรีไพเราะ (การแสดงโอเปร่าของ Weber, การแสดงคอนเสิร์ตเกินจริง, การแสดงเกินจริงของ Mendelssohn, การทาบทาม "Manfred" โดย Schumann)
บทบาทของโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันนั้นยอดเยี่ยมในการสร้างหลักการเรียบเรียงใหม่ วงจรโซนาตา - ซิมโฟนีของคลาสสิกจะถูกแทนที่ด้วยเพชรประดับเครื่องมือ ไซเคิลไลเซชั่นของเพชรประดับที่พัฒนาขึ้นอย่างชัดเจนในด้านการขับร้องโดยชูเบิร์ตถูกถ่ายโอนไปยังดนตรีบรรเลง (ชูมันน์) นอกจากนี้ยังมีการจัดองค์ประกอบการเคลื่อนไหวเพียงครั้งเดียวขนาดใหญ่ซึ่งรวมหลักการของโซนาต้าและวัฏจักร (แฟนตาซีเปียโนใน C major โดยชูเบิร์ต“ Concertstuck” โดย Weber การเคลื่อนไหวครั้งแรกของจินตนาการใน C major โดย Schumann) ในทางกลับกันวงจรโซนาตา - ซิมโฟนีได้รับการเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญในหมู่โรแมนติกมี "โซนาตาโรแมนติก" ประเภทต่างๆ "ซิมโฟนีโรแมนติก" ปรากฏขึ้น แต่อย่างไรก็ตามการพิชิตหลักคือคุณภาพใหม่ของความคิดทางดนตรีซึ่งนำไปสู่การสร้างย่อส่วนของเนื้อหาที่สมบูรณ์และพลังแห่งการแสดงออกซึ่งความเข้มข้นพิเศษของการแสดงออกทางดนตรีที่ทำให้เพลงเดี่ยวหรือเปียโนท่อนเดียวเป็นจุดสำคัญของความลุ่มลึก ความคิดและประสบการณ์

หัวหน้ากลุ่มลัทธิโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันที่กำลังพัฒนาอย่างรวดเร็วในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เป็นบุคคลที่ไม่เพียง แต่มีพรสวรรค์ในด้านอัจฉริยะเท่านั้น แต่ยังมีมุมมองและแรงบันดาลใจที่ก้าวหน้าอีกด้วย สิ่งนี้กำหนดความสำคัญที่ยั่งยืนของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของพวกเขาความสำคัญของมันในฐานะ "คลาสสิกใหม่" ซึ่งเป็นที่ชัดเจนแล้วในช่วงปลายศตวรรษที่ผ่านมาเมื่อดนตรีคลาสสิกของประเทศในภาษาเยอรมันถูกนำเสนอโดยสาระสำคัญไม่เพียง คีตกวีผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 18 และเบโธเฟน แต่ยังรวมถึงนักประพันธ์ผู้ยิ่งใหญ่ด้วยเช่นชูเบิร์ตชูมันน์เวเบอร์เมนเดลโซห์น ตัวแทนที่ยอดเยี่ยมของดนตรีแนวโรแมนติกเหล่านี้เคารพบรรพบุรุษของพวกเขาอย่างลึกซึ้งและพัฒนาความสำเร็จมากมายจัดการในเวลาเดียวกันเพื่อเปิดโลกใหม่ของภาพดนตรีและรูปแบบการเรียบเรียงที่สอดคล้องกับพวกเขา น้ำเสียงส่วนตัวที่มีอยู่ในงานของพวกเขาสอดคล้องกับอารมณ์และความคิดของมวลชนฝ่ายประชาธิปไตย พวกเขายืนยันในดนตรีที่แสดงถึงลักษณะของการแสดงออกซึ่ง BV Asafiev มีลักษณะที่เหมาะสมว่าเป็น "คำพูดสื่อสารที่มีชีวิตชีวาจากใจสู่ใจ" และทำให้ Schubert และ Schumann เกี่ยวข้องกับ Chopin, Grieg, Tchaikovsky และ Verdi Asafiev เขียนเกี่ยวกับคุณค่าเชิงมนุษยนิยมของแนวทางดนตรีโรแมนติก:“ จิตสำนึกส่วนบุคคลแสดงออกมาไม่ได้อยู่ในความโดดเดี่ยวที่โดดเดี่ยวและน่าภาคภูมิใจ แต่เป็นการสะท้อนศิลปะของทุกสิ่งที่ผู้คนอาศัยอยู่และสิ่งที่ทำให้พวกเขาตื่นเต้นอยู่เสมอและหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในความเรียบง่ายเช่นนี้ความคิดและความคิดที่สวยงามเสมอต้นเสมอปลายเกี่ยวกับเสียงชีวิต - สมาธิของสิ่งที่ดีที่สุดที่มีอยู่ในตัวบุคคล "

Zweig พูดถูก: ยุโรปไม่เคยเห็นคนรุ่นใหม่ที่สวยงามเช่นนี้มาตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพที่ยอดเยี่ยมของโลกแห่งความฝันความรู้สึกที่เปลือยเปล่าและการต่อสู้เพื่อจิตวิญญาณอันประเสริฐ - เหล่านี้คือสีสันของวัฒนธรรมดนตรีแนวจินตนิยม

การเกิดขึ้นของแนวจินตนิยมและสุนทรียภาพ

ในขณะที่การปฏิวัติอุตสาหกรรมกำลังเกิดขึ้นในยุโรปความหวังของการปฏิวัติฝรั่งเศสก็พังทลายในใจของชาวยุโรป ลัทธิแห่งเหตุผลที่ประกาศในยุคแห่งการรู้แจ้งถูกล้มล้าง ลัทธิแห่งความรู้สึกและหลักการธรรมชาติในมนุษย์ได้ขึ้นสู่แท่น

นี่คือวิธีที่แนวโรแมนติกปรากฏขึ้น ในวัฒนธรรมดนตรีมีอยู่มานานกว่าหนึ่งศตวรรษ (พ.ศ. 2343-2453) ในขณะที่ในสาขาที่เกี่ยวข้อง (จิตรกรรมและวรรณกรรม) ระยะเวลาดังกล่าวหมดลงครึ่งศตวรรษก่อนหน้านี้ บางทีนี่อาจเป็น "ความผิด" ของดนตรี - เธอเป็นคนที่อยู่ในจุดสูงสุดของศิลปะท่ามกลางความโรแมนติกในฐานะผู้ที่มีจิตวิญญาณและอิสระที่สุดของศิลปะ

อย่างไรก็ตามความโรแมนติกซึ่งแตกต่างจากตัวแทนของยุคโบราณและคลาสสิกไม่ได้สร้างลำดับชั้นของศิลปะโดยแบ่งออกเป็นประเภทและ ระบบโรแมนติกเป็นสากลศิลปะมีอิสระที่จะส่งต่อกันและกัน ความคิดเกี่ยวกับการสังเคราะห์ศิลปะเป็นหนึ่งในปัจจัยสำคัญในวัฒนธรรมดนตรีแนวโรแมนติก

ความสัมพันธ์นี้ยังเกี่ยวข้องกับประเภทของสุนทรียศาสตร์: มันถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างสมบูรณ์แบบกับความน่าเกลียดส่วนสูงที่มีฐานที่น่าเศร้ากับการ์ตูน การเปลี่ยนผ่านดังกล่าวเชื่อมโยงกันด้วยการประชดประชันแบบโรแมนติกมันสะท้อนให้เห็นภาพสากลของโลก

ทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับความงามทำให้เกิดความหมายใหม่ในหมู่คนโรแมนติก ธรรมชาติกลายเป็นวัตถุแห่งการบูชาศิลปินได้รับการยกย่องว่าเป็นสิ่งสูงสุดของมนุษย์และความรู้สึกถูกยกย่องเหนือเหตุผล

ความเป็นจริงทางวิญญาณนั้นตรงกันข้ามกับความฝันที่สวยงาม แต่ไม่สามารถบรรลุได้ ความโรแมนติกด้วยความช่วยเหลือจากจินตนาการของเขาสร้างโลกใหม่ของเขาซึ่งแตกต่างจากความเป็นจริงอื่น ๆ

ศิลปินแนวโรแมนติกเลือกธีมอะไร?

ความสนใจของโรแมนติกนั้นแสดงออกมาอย่างชัดเจนในการเลือกธีมที่พวกเขาเลือกในงานศิลปะ

• ธีมความเหงา... อัจฉริยะที่ไม่ได้รับการยอมรับหรือคนที่โดดเดี่ยวในสังคม - ธีมเหล่านี้เป็นธีมหลักสำหรับนักแต่งเพลงในยุคนี้ ("The Love of a Poet" โดย Schumann, "Without the Sun" โดย Mussorgsky)
• หัวข้อ "คำสารภาพโคลงสั้น ๆ "... บทประพันธ์มากมายของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกมีกลิ่นอายของอัตชีวประวัติ (Schumann's Carnival, Fantastic Symphony ของ Berlioz)
• ธีมความรัก โดยพื้นฐานแล้วนี่คือแก่นเรื่องของความรักที่ไม่สมหวังหรือโศกนาฏกรรม แต่ไม่จำเป็น ("Love and the Life of a Woman" โดย Schumann, "Romeo and Juliet" โดย Tchaikovsky)
• ธีมเส้นทาง เธอยังถูกเรียกว่า รูปแบบของการเร่ร่อน... จิตวิญญาณของความโรแมนติกที่ถูกฉีกออกจากความขัดแย้งกำลังมองหาเส้นทางของตัวเอง ("Harold in Italy" โดย Berlioz, "Years of Wanderings" โดย Liszt)
• ธีมความตาย โดยพื้นฐานแล้วมันคือความตายทางวิญญาณ (Sixth Symphony ของไชคอฟสกี, "Winter Way" ของชูเบิร์ต)
• ธีมธรรมชาติ ธรรมชาติในสายตาของแม่ที่โรแมนติกและปกป้องและเป็นเพื่อนที่เอาใจใส่และลงโทษชะตากรรม ("Hebrides" โดย Mendelssohn "ในเอเชียกลาง" โดย Borodin) ลัทธิของดินแดนพื้นเมือง (polonaises และเพลงบัลลาดของโชแปง) ก็เชื่อมโยงกับธีมนี้เช่นกัน
• ธีมนิยายวิทยาศาสตร์ โลกในจินตนาการของโรแมนติกนั้นยิ่งใหญ่กว่าโลกแห่งความจริง (The Magic Shooter โดย Weber, Sadko โดย Rimsky-Korsakov)

แนวดนตรีของยุคโรแมนติก

วัฒนธรรมดนตรีแนวโรแมนติกทำให้เกิดแรงผลักดันในการพัฒนาประเภทของเนื้อเพลงของห้องร้อง: เพลงบัลลาด ("The Forest King" โดย Schubert), บทกวี ("The Lady of the Lake" โดย Schubert) และ เพลง มักจะรวมกันเป็น รอบ ("Myrtles" โดย Schumann)

โอเปร่าโรแมนติก ไม่เพียงโดดเด่นด้วยพล็อตที่ยอดเยี่ยม แต่ยังรวมถึงการเชื่อมต่อที่แข็งแกร่งระหว่างคำพูดดนตรีและการแสดงบนเวที การแสดงโอเปร่าซิมโฟนีเกิดขึ้น พอจะระลึกถึง Ring of the Nibelungs ของ Wagner ด้วยเครือข่าย leitmotif ที่พัฒนาแล้ว

แนวเพลงโรแมนติกมีความโดดเด่น เปียโนจิ๋ว ในการถ่ายทอดภาพหนึ่งภาพหรืออารมณ์ชั่วขณะชิ้นเล็ก ๆ ก็เพียงพอแล้วสำหรับพวกเขา แม้จะมีขนาด แต่การเล่นก็มีการแสดงออก เธอสามารถ "เพลงที่ไม่มีคำพูด" (เช่น Mendelssohn) mazurka, waltz, nocturne หรือชิ้นส่วนที่มีชื่อโปรแกรม ("Impulse" ของ Schumann)

เช่นเดียวกับเพลงบางครั้งบทละครจะรวมกันเป็นรอบ (ผีเสื้อของ Schumann) ในขณะเดียวกันส่วนต่างๆของวัฏจักรที่ตัดกันอย่างสดใสมักจะเกิดองค์ประกอบเดียวเนื่องจากการเชื่อมต่อทางดนตรี

Romantics ชอบดนตรีเชิงโปรแกรมที่ผสมผสานกับวรรณกรรมภาพวาดหรือศิลปะอื่น ๆ ดังนั้นพล็อตในงานเขียนของพวกเขามักจะปกครอง โซนาต้าแบบท่อนเดียว (โซนาต้าของลิซต์ใน B minor) คอนแชร์โตแบบตอนเดียว (เพลงเปียโนคอนแชร์โต้ครั้งแรกของ Liszt) และบทกวีไพเราะ (พรีลูดของลิซท์) ซิมโฟนี 5 ตอน (Fantastic Symphony ของ Berlioz) ปรากฏตัว

ภาษาดนตรีของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติก

การสังเคราะห์ศิลปะที่เฉลิมฉลองโดยโรแมนติกมีอิทธิพลต่อวิธีการแสดงออกทางดนตรี ท่วงทำนองมีความเป็นตัวของตัวเองมากขึ้นตอบสนองต่อบทกวีของคำและดนตรีประกอบก็ไม่ได้มีความเป็นกลางและเป็นเนื้อเดียวกัน

ความกลมกลืนนั้นได้รับการเติมเต็มด้วยสีสันที่ไม่เคยมีมาก่อนเพื่อบอกเล่าถึงประสบการณ์ของฮีโร่โรแมนติกดังนั้นน้ำเสียงอันโรแมนติกของความปรารถนาจึงถ่ายทอดความกลมกลืนที่เปลี่ยนแปลงไปอย่างสมบูรณ์แบบ Romantics ชอบผลของ Chiaroscuro เมื่อ Major ถูกแทนที่ด้วยผู้เยาว์ที่มีชื่อเดียวกันและคอร์ดของบันไดข้างและการวางเสียงวรรณยุกต์ที่สวยงาม นอกจากนี้ยังพบเอฟเฟกต์ใหม่ ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อจำเป็นต้องถ่ายทอดจิตวิญญาณพื้นบ้านหรือภาพที่ยอดเยี่ยมในดนตรี

โดยรวมแล้วท่วงทำนองของโรแมนติกพยายามที่จะพัฒนาอย่างต่อเนื่องปฏิเสธการพูดซ้ำ ๆ โดยอัตโนมัติหลีกเลี่ยงความสม่ำเสมอของสำเนียงและการแสดงออกทางอารมณ์ในแต่ละแรงจูงใจ และเนื้อสัมผัสกลายเป็นสิ่งสำคัญที่ทำให้บทบาทของมันเปรียบได้กับเมโลดี้

มาฟังกันว่า mazurka Chopin มีอะไรที่ยอดเยี่ยม!

แทนที่จะเป็นข้อสรุป

วัฒนธรรมดนตรีแนวจินตนิยมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประสบกับสัญญาณแรกของวิกฤต รูปแบบดนตรี "อิสระ" เริ่มสลายตัวความสามัคคีมีชัยเหนือท่วงทำนองความรู้สึกอันสูงส่งของจิตวิญญาณของคนโรแมนติกทำให้เกิดความกลัวที่เจ็บปวดและความหลงใหลในพื้นฐาน

แนวโน้มที่ทำลายล้างเหล่านี้ทำให้ลัทธิโรแมนติกสิ้นสุดลงและปูทางไปสู่สมัยใหม่ แต่หลังจากสิ้นสุดลงตามทิศทางแล้วแนวจินตนิยมยังคงมีชีวิตอยู่ในดนตรีของศตวรรษที่ 20 และในดนตรีของศตวรรษปัจจุบันในส่วนประกอบต่างๆ Blok พูดถูกเมื่อเขากล่าวว่าแนวจินตนิยมปรากฏขึ้น "ในทุกยุคสมัยของชีวิตมนุษย์"

ประวัติดนตรีที่สั้นที่สุด ข้อมูลอ้างอิงที่สมบูรณ์และสั้นที่สุดโดย Henley Daren

โรแมนติกตอนปลาย

โรแมนติกตอนปลาย

นักแต่งเพลงหลายคนในช่วงเวลานี้ยังคงเขียนเพลงในศตวรรษที่ 20 อย่างไรก็ตามเราจะพูดถึงพวกเขาที่นี่ไม่ใช่ในบทถัดไปด้วยเหตุผลที่ว่ามันเป็นจิตวิญญาณของแนวโรแมนติกที่แข็งแกร่งในดนตรีของพวกเขา

ควรสังเกตว่าบางคนยังคงมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดและเป็นเพื่อนกับนักแต่งเพลงที่กล่าวถึงในส่วนย่อย "Early Romantics" และ "Nationalists"

นอกจากนี้ควรจำไว้ว่าในช่วงเวลานี้ในประเทศต่างๆในยุโรปมีนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมมากมายที่แบ่งพวกเขาตามหลักการใด ๆ ก็ตามจะเป็นไปตามเงื่อนไขทั้งหมด หากในวรรณคดีที่แตกต่างกันซึ่งอุทิศให้กับช่วงเวลาคลาสสิกและยุคบาโรกจะมีการกล่าวถึงช่วงเวลาเดียวกันโดยประมาณช่วงเวลาโรแมนติกจะถูกกำหนดแตกต่างกันไปทุกที่ ดูเหมือนว่าเส้นแบ่งระหว่างปลายยุคโรแมนติกและต้นศตวรรษที่ 20 จะเบลอมากในดนตรี

คีตกวีชั้นนำของอิตาลีในศตวรรษที่ 19 ไม่ต้องสงสัย จูเซปเป้แวร์ดี. ชายคนนี้จ้องมองมาที่เราด้วยดวงตาที่เป็นประกายมีหนวดหนาและคิ้วยืนทั้งหัวเหนือนักแต่งเพลงโอเปร่าคนอื่น ๆ

องค์ประกอบทั้งหมดของ Verdi เต็มไปด้วยท่วงทำนองที่สดใสและจับใจ โดยรวมแล้วเขาเขียนโอเปรายี่สิบหกเรื่องซึ่งส่วนใหญ่แสดงเป็นประจำในปัจจุบัน ในบรรดาผลงานศิลปะโอเปร่าที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดตลอดกาล

เพลงของ Verdi ได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลง ในรอบปฐมทัศน์ ฮาเดส ผู้ชมส่งเสียงปรบมือเป็นเวลานานจนศิลปินต้องออกไปโค้งคำนับถึงสามสิบสองครั้ง

แวร์ดีเป็นคนรวย แต่เงินไม่สามารถช่วยทั้งภรรยาของนักแต่งเพลงและลูกสองคนจากการเสียชีวิตก่อนวัยอันควรจึงมีช่วงเวลาที่น่าเศร้าในชีวิตของเขา เขายกมรดกให้กับสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าของนักดนตรีเก่าซึ่งสร้างขึ้นภายใต้การนำของเขาในมิลาน แวร์ดีคิดว่าการสร้างที่พักพิงไม่ใช่ดนตรีเป็นความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา

แม้ว่าชื่อของ Verdi จะเกี่ยวข้องกับโอเปร่าเป็นหลัก แต่ก็เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึง บังสุกุล ซึ่งถือเป็นหนึ่งในตัวอย่างเพลงประสานเสียงที่ดีที่สุด เต็มไปด้วยดราม่าและคุณสมบัติบางอย่างของโอเปร่าผ่านมันไป

นักแต่งเพลงคนต่อไปของเราไม่ใช่คนที่มีเสน่ห์ที่สุด อันที่จริงนี่เป็นภาพที่อื้อฉาวและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในบรรดาหนังสือของเรา ถ้าเราจะทำรายการตามลักษณะส่วนบุคคลเท่านั้นล่ะก็ Richard Wagner จะไม่ตีมัน อย่างไรก็ตามเราได้รับคำแนะนำจากเกณฑ์ทางดนตรีโดยเฉพาะและประวัติศาสตร์ของดนตรีคลาสสิกเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึงหากไม่มีผู้ชายคนนี้

พรสวรรค์ของวากเนอร์เป็นสิ่งที่ปฏิเสธไม่ได้ จากใต้ปลายปากกาของเขามีผลงานดนตรีที่สำคัญและน่าประทับใจที่สุดตลอดช่วงเวลาแห่งแนวโรแมนติก - โดยเฉพาะโอเปร่า ในเวลาเดียวกันพวกเขาพูดถึงเขาในฐานะผู้ต่อต้านชาวเซไมต์ผู้เหยียดสีผิวเทปสีแดงผู้หลอกลวงคนสุดท้ายและแม้แต่โจรที่ไม่ลังเลที่จะรับทุกสิ่งที่เขาต้องการและหยาบคายโดยไม่สำนึกผิด แว็กเนอร์มีความรู้สึกภาคภูมิใจในตนเองเกินจริงและเขาเชื่อว่าอัจฉริยะของเขายกระดับเขาให้สูงกว่าคนอื่น ๆ

แว็กเนอร์เป็นที่จดจำในเรื่องโอเปร่าของเขา นักแต่งเพลงคนนี้นำโอเปร่าของเยอรมันไปสู่ระดับใหม่และแม้ว่าเขาจะเกิดในเวลาเดียวกับแวร์ดี แต่ดนตรีของเขาก็แตกต่างจากการประพันธ์ของอิตาลีในยุคนั้นมาก

นวัตกรรมอย่างหนึ่งของวากเนอร์คือตัวละครหลักแต่ละตัวมีธีมดนตรีของตัวเองซึ่งมีการพูดซ้ำทุกครั้งทันทีที่เขาเริ่มมีบทบาทสำคัญบนเวที

วันนี้ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง แต่ในเวลานั้นความคิดนี้ทำให้เกิดการปฏิวัติที่แท้จริง

ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Wagner คือวัฏจักร วงแหวน Nibelung ประกอบด้วยสี่โอเปรา: ไรน์โกลด์, วาลคิรี, ซิกฟรีด และ ความตายของเทพเจ้า พวกเขามักจะเล่นสี่คืนติดต่อกันและทั้งหมดจะใช้เวลาประมาณสิบห้าชั่วโมง โอเปร่าเหล่านี้เพียงอย่างเดียวก็เพียงพอแล้วที่จะเชิดชูผู้ประพันธ์ของพวกเขา แม้จะมีความคลุมเครือของวากเนอร์ในฐานะบุคคล แต่ก็ต้องยอมรับว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่น

คุณลักษณะที่โดดเด่นของโอเปราของ Wagner สามารถเรียกได้ว่าเป็นระยะเวลา โอเปร่าสุดท้ายของเขา พาร์ซิฟาล นานกว่าสี่ชั่วโมง

ผู้ดำเนินรายการ David Randolph เคยกล่าวถึงเธอว่า:

"นี่คือโอเปร่าจากหมวดหมู่ที่เริ่มต้นที่หกและเมื่อคุณดูนาฬิกาข้อมือของคุณสามชั่วโมงต่อมาปรากฎว่ามันแสดงเวลา 6:20"

ชีวิต Anton Bruckner ในฐานะนักแต่งเพลงเป็นบทเรียนในการไม่ยอมแพ้และยืนหยัดในตัวคุณเอง เขาฝึกฝนสิบสองชั่วโมงต่อวันทุ่มเทเวลาทั้งหมดให้กับการทำงาน (เขาเป็นนักเล่นออร์แกน) และเรียนรู้ดนตรีมากมายด้วยตัวเขาเองโดยเรียนจบทักษะการเขียนด้วยการโต้ตอบตั้งแต่อายุยังน้อย - ตอนสามสิบเจ็ดปี

ทุกวันนี้ซิมโฟนีของ Bruckner เป็นที่จดจำบ่อยที่สุดซึ่งเขาเขียนทั้งหมดเก้าชิ้น บางครั้งเขาถูกสงสัยเกี่ยวกับความสามารถในการเป็นนักดนตรีของเขา แต่เขาก็ยังคงได้รับการยอมรับแม้ว่าจะเป็นช่วงบั้นปลายของชีวิตก็ตาม หลังจากดำเนินการแล้ว การแสดงซิมโฟนีหมายเลข 1 ในที่สุดนักวิจารณ์ก็ยกย่องนักแต่งเพลงซึ่งตอนนั้นอายุได้สี่สิบสี่ปีแล้ว

โยฮันเนสบราห์มส์ ไม่ใช่หนึ่งในนักแต่งเพลงเหล่านั้นที่เกิดมาเพื่อพูดด้วยไม้เงินในมือ เมื่อถึงเวลาเกิดครอบครัวสูญเสียทรัพย์สมบัติในอดีตไปและแทบจะไม่พบจุดจบ ตอนเป็นวัยรุ่นเขาหาเลี้ยงชีพด้วยการเล่นในซ่องในเมืองฮัมบูร์กซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา เมื่อบราห์มส์โตเป็นผู้ใหญ่เขาไม่ต้องสงสัยเลยว่าเขาได้คุ้นเคยกับสิ่งที่น่าดึงดูดใจที่สุดในชีวิตอย่างไม่ต้องสงสัย

เพลงของบราห์มส์ได้รับการโปรโมตโดยเพื่อนของเขาโรเบิร์ตชูมันน์ หลังจากการตายของชูมันน์บราห์มส์ก็สนิทกับคลาราชูมันน์และในที่สุดก็ตกหลุมรักเธอ ไม่มีใครรู้แน่ชัดว่าพวกเขาเชื่อมต่อกับความสัมพันธ์แบบไหนแม้ว่าความรู้สึกที่มีต่อเธออาจมีบทบาทในความสัมพันธ์ของเขากับผู้หญิงคนอื่น - เขาไม่ได้ให้ใจกับพวกเขาเลย

ในฐานะคน ๆ หนึ่งบราห์มส์ค่อนข้างนิ่งนอนใจและหงุดหงิด แต่เพื่อนของเขาอ้างว่ามีความอ่อนโยนในตัวเขาแม้ว่าเขาจะไม่ได้แสดงให้คนอื่นเห็น วันหนึ่งกลับบ้านจากงานเลี้ยงเขาพูดว่า:

"ถ้าฉันไม่ได้ทำให้ใครบางคนขุ่นเคืองฉันก็ขออโหสิกรรมจากพวกเขา"

บราห์มส์จะไม่ชนะการแข่งขันสำหรับนักแต่งเพลงที่แต่งตัวทันสมัยและหรูหราที่สุด เขาไม่ชอบซื้อเสื้อผ้าใหม่เป็นอย่างมากและมักจะสวมกางเกงทรงหลวมแบบเดิมที่มีแพทช์ซึ่งเกือบจะสั้นเกินไปสำหรับเขา ระหว่างการแสดงครั้งหนึ่งกางเกงของเขาเกือบหลุด ในอีกโอกาสหนึ่งเขาต้องถอดเน็คไทและคาดเอวแทนเข็มขัด

รูปแบบดนตรีของบราห์มส์ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเฮย์นโมซาร์ทและเบโธเฟนและนักประวัติศาสตร์ดนตรีบางคนก็อ้างว่าเขาเขียนด้วยจิตวิญญาณแห่งความคลาสสิกเมื่อถึงเวลานั้นก็ล้าสมัยไปแล้ว ในขณะเดียวกันเขายังเป็นเจ้าของแนวคิดใหม่ ๆ อีกมากมาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาสามารถพัฒนาดนตรีชิ้นเล็ก ๆ และทำซ้ำได้ตลอดทั้งงานซึ่งนักแต่งเพลงเรียกว่า "แรงจูงใจซ้ำ ๆ "

บราห์มส์ไม่ได้เขียนโอเปรา แต่เขาพยายามด้วยตัวเองในดนตรีคลาสสิกประเภทอื่น ๆ เกือบทั้งหมด ดังนั้นเขาจึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นนักประพันธ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งที่กล่าวถึงในหนังสือของเราซึ่งเป็นนักดนตรีคลาสสิกตัวยง เขาพูดถึงงานของเขาในลักษณะนี้:

"มันไม่ใช่เรื่องยากที่จะเขียน แต่มันยากมากที่จะโยนโน้ตพิเศษไว้ใต้โต๊ะ"

แม็กซ์บรูช เกิดเพียงห้าปีหลังจากบราห์มส์และคนหลังนี้จะบดบังเขาอย่างแน่นอนถ้าไม่ใช่เพื่องานเดียว ไวโอลินคอนแชร์โต้หมายเลข 1.

Bruch เองก็ยอมรับความจริงนี้โดยโต้เถียงด้วยความสุภาพเรียบร้อยผิดปกติสำหรับนักแต่งเพลงหลายคน:

"ห้าสิบปีนับจากนี้บราห์มส์จะได้รับการขนานนามว่าเป็นนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งตลอดกาลและฉันจะได้รับการจดจำจากการเขียนไวโอลินคอนแชร์โต้ใน G minor"

และเขาก็พูดถูก จริงอยู่ที่บรูจาห์เองก็มีบางสิ่งที่ต้องจดจำ! เขาแต่งผลงานอื่น ๆ อีกมากมายรวมประมาณสองร้อยชิ้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับคอรัสและโอเปร่าซึ่งแทบจะไม่มีการจัดฉากในทุกวันนี้ เพลงของเขาไพเราะ แต่เขาไม่ได้นำสิ่งใหม่ ๆ มาสู่การพัฒนา เมื่อเทียบกับภูมิหลังของเขานักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ในยุคนั้นดูเหมือนจะเป็นนักประดิษฐ์ตัวจริง

ในปีพ. ศ. 2423 Bruch ได้รับแต่งตั้งให้เป็นผู้ควบคุมวง Liverpool Royal Philharmonic Society แต่หลังจากนั้นสามปีเขาก็กลับมาที่เบอร์ลิน นักดนตรีวงดุริยางค์ไม่ปลื้มเขา

ในหน้าหนังสือของเราเราได้พบกับความมหัศจรรย์ทางดนตรีมากมายและ Camille Saint - Saens ไม่ใช่สถานที่สุดท้ายในหมู่พวกเขา ตอนอายุสองขวบ Saint - Saens เลือกท่วงทำนองบนเปียโนอยู่แล้วและเขาก็เรียนรู้ที่จะอ่านและเขียนเพลงไปพร้อม ๆ กัน ตอนอายุสามขวบเขาเล่นละครที่มีองค์ประกอบของตัวเอง ตอนอายุสิบขวบเขาร้องเพลง Mozart และ Beethoven ได้อย่างไพเราะ ในขณะเดียวกันเขาก็สนใจอย่างจริงจังในกีฏวิทยา (ผีเสื้อและแมลง) จากนั้นในศาสตร์อื่น ๆ รวมถึงธรณีวิทยาดาราศาสตร์และปรัชญา ดูเหมือนว่าเด็กที่มีความสามารถเช่นนี้ไม่สามารถ จำกัด อยู่เพียงสิ่งเดียวได้

หลังจากจบการศึกษาที่ Paris Conservatory Saint - Saens ทำงานเป็นนักเล่นออร์แกนอยู่หลายปี เมื่ออายุมากขึ้นเขาเริ่มมีอิทธิพลต่อชีวิตนักดนตรีของฝรั่งเศสและต้องขอบคุณเขาที่ดนตรีของนักแต่งเพลงเช่น J.S.Bach, Mozart, Handel และ Gluck เริ่มแสดงบ่อยขึ้น

องค์ประกอบที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Saint - Saens - งานรื่นเริงของสัตว์ ซึ่งนักแต่งเพลงห้ามไม่ให้แสดงในช่วงชีวิตของเขา เขากังวลว่านักวิจารณ์เพลงเมื่อได้ยินท่อนนี้จะคิดว่ามันไม่สำคัญเกินไป ท้ายที่สุดมันตลกดีเมื่อวงออเคสตราบนเวทีแสดงภาพสิงโตไก่กับไก่เต่าช้างจิงโจ้พิพิธภัณฑ์สัตว์น้ำที่มีปลานกลาและหงส์

เพลงประกอบอื่น ๆ ของเขา Saint - Saens เขียนขึ้นโดยไม่ได้มีการผสมผสานระหว่างเครื่องดนตรีทั่วไปรวมถึงเพลงที่มีชื่อเสียง "ออร์แกน" ซิมโฟนีหมายเลข 3 ฟังดูในภาพยนตร์เรื่อง "Babe"

เพลงของ Saint Saens มีอิทธิพลต่อผลงานของนักประพันธ์ชาวฝรั่งเศสคนอื่น ๆ ได้แก่ กาเบรียลฟอร์. ชายหนุ่มคนนี้สืบทอดตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในโบสถ์แซงต์แม็กดาลีนของกรุงปารีสซึ่งเดิมถูกแซงต์ - แซนส์

และถึงแม้ว่าพรสวรรค์ของ Foret จะไม่สามารถเทียบได้กับความสามารถของอาจารย์ของเขา แต่เขาก็เป็นนักเปียโนที่ยอดเยี่ยม

Fauréเป็นคนยากจนจึงทำงานหนักเล่นออร์แกนนำคณะนักร้องประสานเสียงและให้บทเรียน เขาทำงานเขียนในเวลาว่างซึ่งเหลืออยู่น้อยมาก แต่ถึงอย่างนั้นเขาก็สามารถตีพิมพ์ผลงานของเขาได้มากกว่าสองร้อยห้าสิบชิ้น บางคนแต่งมานานมากเช่นทำงานต่อไป บังสุกุล กินเวลานานกว่ายี่สิบปี

ในปี 1905 Fauréกลายเป็นผู้อำนวยการ Paris Conservatory นั่นคือชายที่พัฒนาการของดนตรีฝรั่งเศสในเวลานั้นส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับ Fauréเกษียณในอีกสิบห้าปีต่อมา บั้นปลายชีวิตต้องทนทุกข์กับการสูญเสียการได้ยิน

วันนี้ Foret ได้รับความเคารพนอกฝรั่งเศสแม้ว่าเขาจะได้รับการชื่นชมมากที่สุดก็ตาม

สำหรับแฟนเพลงภาษาอังกฤษการปรากฏตัวของตัวเลขเช่น เอ็ดเวิร์ดเอลการ์ จะต้องดูเหมือนปาฏิหาริย์จริงๆ นักประวัติศาสตร์ดนตรีหลายคนเรียกเขาว่าเป็นนักแต่งเพลงชาวอังกฤษคนแรกที่มีความสำคัญรองจาก Henry Purcell ซึ่งเขียนในช่วงยุคบาโรกแม้ว่าเราจะกล่าวถึงอาเธอร์ซัลลิแวนก่อน

Elgar ชอบประเทศอังกฤษมากโดยเฉพาะ Worcestershire บ้านเกิดของเขาซึ่งเขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิตเพื่อค้นหาแรงบันดาลใจในทุ่ง Molvern Hills

ตอนเป็นเด็กเขาถูกล้อมรอบด้วยดนตรีทุกหนทุกแห่งพ่อของเขาเป็นเจ้าของร้านขายดนตรีในท้องถิ่นและสอนให้เอลการ์ตัวน้อยเล่นเครื่องดนตรีต่างๆ ตอนอายุสิบสองเด็กชายได้เปลี่ยนออร์แกนที่บริการของคริสตจักรแล้ว

หลังจากทำงานในสำนักงานทนายความเอลการ์ตัดสินใจอุทิศตนให้กับอาชีพที่มีความน่าเชื่อถือน้อยกว่ามากจากมุมมองทางการเงิน ในบางครั้งเขาทำงานนอกเวลาเรียนไวโอลินและเปียโนเล่นในวงออเคสตราท้องถิ่นและแม้แต่เล่นดนตรีเล็ก ๆ น้อย ๆ

ชื่อเสียงในฐานะนักแต่งเพลงของเอลการ์ค่อยๆเติบโตขึ้นแม้ว่าเขาจะต้องดิ้นรนเพื่อหาทางออกนอกเขตบ้านเกิดของเขาก็ตาม พวกเขาทำให้เขามีชื่อเสียง รูปแบบต่างๆในธีมดั้งเดิม ซึ่งปัจจุบันเป็นที่รู้จักกันดีในชื่อ รูปแบบปริศนา

ตอนนี้เพลงของ Elgar ถูกมองว่าเป็นภาษาอังกฤษและเป็นเสียงในช่วงกิจกรรมที่ใหญ่ที่สุดในระดับประเทศ ที่เสียงแรกของมัน ประสานเสียงเชลโล ชนบทของอังกฤษจะถูกนำเสนอทันที นิมรอด ของ รูปแบบต่างๆ มักเล่นในพิธีทางการและ การเดินขบวนที่เคร่งขรึมและเป็นพิธีการครั้งที่ 1 รู้จักกันในชื่อ ดินแดนแห่งความหวังและความรุ่งโรจน์ แสดงในคืนงานพรอมทั่วสหราชอาณาจักร

เอลการ์เป็นคนรักครอบครัวและรักชีวิตที่สงบและเป็นระเบียบ อย่างไรก็ตามเขาทิ้งร่องรอยไว้ในประวัติศาสตร์ นักแต่งเพลงที่มีหนวดหนาเป็นพวงสามารถสังเกตเห็นได้ทันทีในโน้ตขนาด 20 ปอนด์ เห็นได้ชัดว่านักออกแบบธนบัตรคิดว่าขนบนใบหน้าจะปลอมแปลงได้ยากมาก

ในอิตาลีจูเซปเปแวร์ดีเป็นผู้สืบทอดศิลปะโอเปร่า Giacomo Puccini, ถือเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านศิลปะแขนงนี้ที่ได้รับการยอมรับระดับโลก

ครอบครัว Puccini มีความเกี่ยวข้องกับดนตรีของคริสตจักรมานาน แต่เมื่อ Giacomo ได้ยินโอเปร่าครั้งแรก ไอด้า แวร์ดีเขารู้ว่านี่คือการโทรของเขา

หลังจากเรียนที่มิลาน Puccini ก็แต่งโอเปร่า Manon Lescaut, ซึ่งทำให้เขาประสบความสำเร็จครั้งใหญ่เป็นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2436 หลังจากนั้นการผลิตที่ประสบความสำเร็จรายการหนึ่งตามมา: โบฮีเมีย ในปีพ. ศ. 2439 โหย ในปี 1900 และ มาดามบัตเตอร์ฟลาย ในปี 1904

โดยรวมแล้ว Puccini แต่งโอเปร่าสิบสองเรื่องสุดท้ายคือ Turandot. เขาเสียชีวิตโดยไม่ทำงานนี้ให้เสร็จและนักแต่งเพลงอีกคนก็ทำงานให้เสร็จ ในรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าผู้ควบคุมวง Arturo Toscanini ได้หยุดวงออเคสตราตรงที่ Puccini หยุด เขาหันไปหาผู้ฟังและพูดว่า:

ด้วยการเสียชีวิตของ Puccini ความรุ่งเรืองของศิลปะอุปรากรของอิตาลีก็สิ้นสุดลง จะไม่มีการกล่าวถึงนักประพันธ์เพลงอุปรากรชาวอิตาลีในหนังสือของเรา แต่ใครจะรู้ว่าอนาคตจะเป็นอย่างไรสำหรับเรา?

ในชีวิต กุสตาฟมาห์เลอร์ เป็นที่รู้จักกันดีในฐานะวาทยกรมากกว่าในฐานะนักแต่งเพลง เขาดำเนินการในฤดูหนาวและในฤดูร้อนตามกฎแล้วเขาชอบที่จะมีส่วนร่วมในการเขียน

มาห์เลอร์ยังเด็กเล่ากันว่าพบเปียโนในห้องใต้หลังคาของบ้านคุณยายของเขา สี่ปีต่อมาตอนอายุสิบขวบเขาได้แสดงครั้งแรกแล้ว

มาห์เลอร์เรียนที่ Vienna Conservatory ซึ่งเขาเริ่มแต่งเพลง ในปีพ. ศ. 2440 เขาได้เป็นผู้อำนวยการโรงละครแห่งรัฐเวียนนาและในอีกสิบปีต่อมาได้รับชื่อเสียงอย่างมากในสาขานี้

ตัวเขาเองเริ่มเขียนโอเปราสามเรื่อง แต่ไม่จบ ในสมัยของเราเขาเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะนักแต่งเพลงซิมโฟนี ในแนวเพลงนี้เขาเป็นเจ้าของ "เพลงฮิต" ที่แท้จริง - ซิมโฟนีหมายเลข 8 ในระหว่างการแสดงซึ่งมีนักดนตรีและนักร้องมากกว่าหนึ่งพันคนเข้าร่วม

หลังจากการเสียชีวิตของ Mahler เพลงของเขาก็ล้าสมัยไปห้าสิบปี แต่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เพลงนี้กลับมาได้รับความนิยมโดยเฉพาะในสหราชอาณาจักรและสหรัฐอเมริกา

ริชาร์ดสเตราส์ เกิดในเยอรมนีและไม่ได้อยู่ในราชวงศ์เวียนนาสเตราส์ แม้ว่านักแต่งเพลงคนนี้จะมีชีวิตอยู่เกือบครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 แต่เขาก็ยังถือว่าเป็นตัวแทนของดนตรีแนวโรแมนติกของเยอรมัน

ความนิยมทั่วโลกของ Richard Strauss ได้รับความเดือดร้อนจากข้อเท็จจริงที่ว่าเขาตัดสินใจที่จะอยู่ในเยอรมนีหลังปีพ. ศ. 2482 และหลังสงครามโลกครั้งที่สองเขายังถูกกล่าวหาว่าร่วมมือกับนาซี

สเตราส์เป็นผู้ควบคุมวงดนตรีที่ยอดเยี่ยมซึ่งเขาเข้าใจดีว่าเครื่องดนตรีชนิดใดชนิดหนึ่งควรให้เสียงในวงออเคสตราอย่างไร เขามักจะนำความรู้นี้ไปใช้ในทางปฏิบัติ เขายังให้คำแนะนำต่างๆแก่นักแต่งเพลงคนอื่น ๆ เช่น:

"อย่ามองไปที่ทรอมโบนคุณเป็นเพียงกำลังใจให้พวกเขาเท่านั้น"

“ อย่าเหงื่อออกขณะแสดง ผู้ฟังเท่านั้นที่น่าจะร้อนแรง "

ทุกวันนี้สเตราส์จำได้ว่าเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของเขาเป็นหลัก Zarathustra พูดเช่นนั้น บทนำเกี่ยวกับสิ่งที่ Stanley Kubrick ใช้ในปี 2001 A Space Odyssey แต่เขายังเขียนโอเปร่าเยอรมันที่ดีที่สุดบางเรื่องด้วย - อัศวินแห่งดอกกุหลาบ Salome และ Ariadne บนเกาะนักซอส หนึ่งปีก่อนเสียชีวิตเขายังแต่งสวยมาก สี่เพลงสุดท้าย สำหรับเสียงและวงออเคสตรา โดยทั่วไปแล้วเพลงเหล่านี้ไม่ใช่เพลงสุดท้ายของสเตราส์ แต่กลายเป็นเพลงสุดท้ายของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา

จนถึงตอนนี้ในบรรดานักแต่งเพลงที่กล่าวถึงในหนังสือเล่มนี้มีตัวแทนของสแกนดิเนเวียเพียงคนเดียวคือ Edvard Grieg แต่ตอนนี้เราถูกส่งไปยังดินแดนอันโหดร้ายและหนาวเหน็บนี้อีกครั้ง - คราวนี้ไปฟินแลนด์ที่ซึ่งเราเกิด แจนซิเบลิอุส อัจฉริยะทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม

เพลงของ Sibelius ซึมซับตำนานและตำนานของบ้านเกิดเมืองนอนของเขา ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา ฟินแลนด์, ถือเป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณแห่งชาติของชาวฟินน์เช่นเดียวกับในบริเตนใหญ่ผลงานของ Elgar ได้รับการยอมรับว่าเป็นสมบัติของชาติ ยิ่งไปกว่านั้น Sibelius เช่นเดียวกับมาห์เลอร์เป็นผู้เชี่ยวชาญที่แท้จริงของซิมโฟนี

สำหรับการเสพติดคนอื่น ๆ ของนักแต่งเพลงเขาติดการดื่มและสูบบุหรี่ในชีวิตประจำวันมากเกินไปจนเมื่ออายุได้สี่สิบปีเขาก็ป่วยด้วยโรคมะเร็งลำคอ เขามักจะขาดเงินและรัฐก็จัดสรรเงินบำนาญให้เขาเพื่อที่เขาจะได้เขียนเพลงต่อไปโดยไม่ต้องกังวลเกี่ยวกับความเป็นอยู่ทางการเงินของเขา แต่กว่ายี่สิบปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Sibelius หยุดเขียนอะไรเลย เขาใช้ชีวิตที่เหลืออยู่อย่างสันโดษ เขาพูดอย่างรุนแรงโดยเฉพาะอย่างยิ่งเกี่ยวกับผู้ที่ได้รับเงินจากการรีวิวเพลงของเขา:

“ อย่าไปสนใจสิ่งที่นักวิจารณ์พูด จนถึงขณะนี้ยังไม่มีนักวิจารณ์สักคนเดียวที่ได้รับรูปปั้น "

คนสุดท้ายในรายชื่อผู้แต่งเพลงยุคโรแมนติกของเรายังมีชีวิตอยู่จนถึงกลางศตวรรษที่ 20 แม้ว่าเขาจะเขียนผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาในช่วงปี 1900 และถึงกระนั้นเขาก็ได้รับการจัดอันดับให้อยู่ในกลุ่มแนวโรแมนติกและสำหรับเราแล้วดูเหมือนว่านี่จะเป็นนักแต่งเพลงที่โรแมนติกที่สุดของทั้งวง

Sergei Vasilyevich Rahmaninov เกิดมาในตระกูลขุนนางซึ่งในเวลานั้นใช้เงินเป็นจำนวนมาก ความสนใจในดนตรีของเขาปรากฏให้เห็นในวัยเด็กและพ่อแม่ของเขาส่งเขาไปเรียนครั้งแรกที่ปีเตอร์สเบิร์กจากนั้นไปมอสโคว์

Rachmaninov เป็นนักเปียโนที่มีพรสวรรค์อย่างน่าประหลาดใจและเขายังเป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย

เป็นเจ้าของ เปียโนคอนแชร์โต้ครั้งที่ 1 เขาเขียนตอนอายุสิบเก้า นอกจากนี้เขายังพบเวลาในการแสดงโอเปร่าครั้งแรก Aleko

แต่ตามกฎแล้วนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ไม่พอใจกับชีวิตเป็นพิเศษ ในรูปถ่ายจำนวนมากเราเห็นชายคนหนึ่งที่โกรธและหน้ามุ่ย Igor Stravinsky นักแต่งเพลงชาวรัสเซียอีกคนเคยกล่าวไว้ว่า:

“ แก่นแท้ที่เป็นอมตะของ Rachmaninoff คือการขมวดคิ้วของเขา เขาขมวดคิ้วสูงหกฟุตครึ่ง ... เขาเป็นผู้ชายที่น่ากลัว”

เมื่อหนุ่ม Rachmaninoff เล่นให้กับ Tchaikovsky เขารู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งที่ได้ใส่ A พร้อมด้วยสี่บวกสี่คะแนนซึ่งเป็นเครื่องหมายที่สูงที่สุดในประวัติศาสตร์ของ Moscow Conservatory ในไม่ช้าทั้งเมืองก็เริ่มพูดคุยเกี่ยวกับความสามารถของเด็ก

อย่างไรก็ตามโชคชะตายังไม่เอื้ออำนวยต่อนักดนตรีมาเป็นเวลานาน

นักวิจารณ์พูดถึงเขาอย่างรุนแรง ซิมโฟนีหมายเลข 1, ซึ่งรอบปฐมทัศน์จบลงด้วยความล้มเหลว สิ่งนี้ทำให้ Rachmaninov มีความทุกข์ทางอารมณ์อย่างหนักเขาสูญเสียศรัทธาในความแข็งแกร่งของตัวเองและไม่สามารถเรียบเรียงอะไรได้เลย

ในท้ายที่สุดความช่วยเหลือของจิตแพทย์ที่มีประสบการณ์ Nikolai Dahl เท่านั้นที่ทำให้เขาหลุดพ้นจากวิกฤตได้ ในปี 1901 Rachmaninoff ได้จบการแสดงเปียโนคอนแชร์โตซึ่งเขาทำงานหนักมาหลายปีและอุทิศให้กับดร. ดาห์ล ครั้งนี้ผู้ชมทักทายผลงานของนักแต่งเพลงด้วยความยินดี ตั้งแต่ คอนแชร์โต้สำหรับเปียโนและวงออเคสตราหมายเลข 2 กลายเป็นผลงานคลาสสิกที่เป็นที่ชื่นชอบของวงดนตรีต่างๆทั่วโลก

Rachmaninoff เริ่มออกทัวร์ยุโรปและสหรัฐอเมริกา กลับไปรัสเซียเขาดำเนินการและประกอบ

หลังจากการปฏิวัติในปีพ. ศ. 2460 Rachmaninov และครอบครัวของเขาไปแสดงคอนเสิร์ตที่สแกนดิเนเวีย เขาไม่เคยกลับบ้าน เขาย้ายไปสวิตเซอร์แลนด์แทนซึ่งเขาซื้อบ้านบนชายฝั่งทะเลสาบลูเซิร์น เขารักอ่างเก็บน้ำมาโดยตลอดและตอนนี้เมื่อเขากลายเป็นคนรวยเขาสามารถที่จะพักผ่อนบนชายฝั่งและชื่นชมภูมิประเทศที่เปิดกว้างได้

Rachmaninoff เป็นตัวนำที่ยอดเยี่ยมและมักจะให้คำแนะนำต่อไปนี้แก่ผู้ที่ต้องการเก่งในด้านนี้:

“ พนักงานขับรถที่ดีต้องเป็นคนขับรถที่ดี ทั้งสองต้องการคุณสมบัติที่เหมือนกันคือสมาธิความสนใจอย่างต่อเนื่องและการมีจิตใจ คอนดักเตอร์ต้องรู้จักดนตรีเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ... "

ในปีพ. ศ. 2478 Rachmaninoff ตัดสินใจที่จะตั้งถิ่นฐานในสหรัฐอเมริกา เขาอาศัยอยู่ในนิวยอร์กเป็นครั้งแรกจากนั้นย้ายไปลอสแองเจลิส ที่นั่นเขาเริ่มสร้างบ้านหลังใหม่ให้กับตัวเองซึ่งเหมือนกับบ้านที่เขาทิ้งไว้ในมอสโกว

Turchin, VS

สามส่วนย่อยของ Romance เมื่อคุณเลื่อนดูหนังสือของเราคุณจะสังเกตเห็นว่านี่เป็นบทที่ใหญ่ที่สุดในบรรดาบททั้งหมดซึ่งมีผู้แต่งไม่น้อยกว่าสามสิบเจ็ดคน หลายคนอาศัยและทำงานพร้อมกันในประเทศต่างๆ ดังนั้นเราจึงแบ่งบทนี้ออกเป็นสามส่วน:“ ตอนต้น