Mga kuwadro na Renaissance. Mga pintor ng Renaissance ▲

Sandro Botticelli (Marso 1, 1445 - Mayo 17, 1510) - isang malalim na taong relihiyoso, nagtrabaho sa lahat ng pangunahing mga simbahan sa Florence at sa Vatican Sistine Chapel, gayunpaman, sa kasaysayan ng sining nanatili siyang pangunahin bilang may-akda ng malalaking format na mga kuwadro na patula sa mga paksang inspirasyon ng klasikal na sinaunang panahon, - "Spring" at "The Birth of Venus". ...

Sa loob ng mahabang panahon, si Botticelli ay nasa anino ng mga higanteng Renaissance na nagtrabaho pagkatapos sa kanya hanggang sa siya ay muling natagpuan ng British Pre-Raphaelites sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, na igalang ang marupok na linearity at tagsibol ng pagiging bago ng kanyang mga hinog na pintura bilang pinakamataas na punto sa pag-unlad ng mundo art.

Ipinanganak sa pamilya ng isang mayamang naninirahan sa lungsod na si Mariano di Vanni Filipepi. Nakatanggap ng magandang edukasyon. Pinag-aralan niya ang pagpipinta kasama ang monghe na si Filippo Lhio at pinagtibay mula sa kanya ang pagkahilig sa paglalarawan ng mga nakakaantig na motibo na nakikilala ang mga kuwadro ng kasaysayan ni Lhio. Pagkatapos ay nagtrabaho siya para sa sikat na iskultor na si Verrocchio. Noong 1470 ay inayos niya ang sarili niyang pagawaan ..

Kinuha niya ang kahusayan at katumpakan ng mga linya mula sa kanyang pangalawang kapatid, na isang alahas. Para sa ilang oras siya ay nag-aral kasama si Leonardo da Vinci sa pagawaan ng Verrocchio. Ang orihinal na tampok ng sariling talento ng Botticelli ay ang kanyang pagkahilig patungo sa kamangha-manghang. Isa siya sa mga unang nagpakilala ng sinaunang alamat at alegorya sa sining ng kanyang panahon, at nagtrabaho siya ng may espesyal na pagmamahal sa mga paksa ng mitolohiko. Lalo na kamangha-mangha ang kanyang Venus, na nakalutang hubad sa dagat sa isang shell, at pinapaliguan siya ng mga diyos ng hangin ng ulan ng mga rosas, at hinihimok ang shell sa baybayin.

Ang pinakamahusay na paglikha ng Botticelli ay itinuturing na frescoes na sinimulan niya noong 1474 sa Sistema Chapel ng Vatican. Nakumpleto ang maraming mga kuwadro na kinomisyon ng Medici. Sa partikular, pininturahan niya ang banner ni Giuliano Medici, kapatid ni Lorenzo the Magnificent. Noong 1470s at 1480s, ang paglilitrato ay naging isang independiyenteng genre sa gawa ni Botticelli (Man with a Medal, c. 1474; Young Man, 1480s). Naging tanyag si Botticelli sa kanyang pinong panlasa at kagaya ng mga gawa bilang "Annunciation" (1489-1490), "Inabandona" (1495-1500), atbp. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, tila nag-iwan si Botticelli ng pagpipinta ..

Si Sandro Botticelli ay inilibing sa libingan ng pamilya sa simbahan ng Onisanti sa Florence. Ayon sa kalooban, inilibing siya malapit sa libingan ni Simonetta Vespucci, na nagbigay inspirasyon sa pinakamagagandang mga imahe ng master.

Leonardo di ser Piero da Vinci (Abril 15, 1452, ang nayon ng Anchiano, malapit sa bayan ng Vinci, malapit sa Florence - Mayo 2, 1519, - ang dakilang Italyano na pintor (pintor, iskultor, arkitekto) at siyentista (anatomista, naturalista), imbentor, manunulat, isa ng pinakamalaking kinatawan ng sining ng Mataas na Renaissance, isang malinaw na halimbawa ng "unibersal na tao."

Sa aming mga kapanahon, si Leonardo ay pangunahing kilala bilang isang artista. Bilang karagdagan, posible na ang da Vinci ay maaaring maging isang iskultor: ang mga mananaliksik mula sa University of Perugia - Giancarlo Gentilini at Carlo Sisi - inaangkin na ang terracotta head na natagpuan nila noong 1990 ay ang nag-iisang gawa ng iskultura ni Leonardo da Vinci na bumaba para sa atin. Gayunpaman, si da Vinci mismo sa iba't ibang panahon ng kanyang buhay ay isinasaalang-alang ang kanyang sarili lalo na isang inhinyero o siyentista. Hindi siya nagtalaga ng maraming oras sa masarap na sining at nagtrabaho nang mas mabagal. Samakatuwid, ang masining na pamana ni Leonardo ay hindi malaki sa dami, at ang bilang ng kanyang mga gawa ay nawala o malubhang napinsala. Gayunpaman, ang kanyang kontribusyon sa kulturang pansining sa mundo ay labis na mahalaga kahit na laban sa background ng cohort ng mga henyo na ibinigay ng Italian Renaissance. Salamat sa kanyang mga gawa, ang sining ng pagpipinta ay lumipat sa isang husay na bagong yugto sa pag-unlad nito. Ang mga pintor ng Renaissance na nauna kay Leonardo ay masidhing inabandona ang marami sa mga kombensyon ng sining sa sining medyebal. Ito ay isang kilusan patungo sa pagiging totoo at marami na ang nakakamit sa pag-aaral ng pananaw, anatomya, mas malawak na kalayaan sa mga pagbuong pagbubuo. Ngunit sa mga tuntunin ng pagiging maganda, gumana sa pintura, ang mga artist ay pa rin maginoo at napipigilan. Ang linya sa larawan ay malinaw na nakabalangkas sa paksa, at ang imahe ay mukhang isang guhit na guhit. Ang pinaka-kundisyon ay ang tanawin, na gumaganap ng pangalawang papel. ...

Napagtanto at isinama ni Leonardo ang isang bagong pamamaraan sa pagpipinta. Ang kanyang linya ay may karapatang lumabo, sapagkat ito ang nakikita natin. Napagtanto niya ang mga phenomena ng ilaw na kumakalat sa hangin at ang hitsura ng sfumato - isang haze sa pagitan ng manonood at ng nakalarawan na bagay, na nagpapalambot ng mga pagkakaiba ng kulay at mga linya. Bilang isang resulta, ang pagiging totoo sa pagpipinta ay lumipat sa isang husay na bagong antas. ... Renaissance pagpipinta botticelli muling pagsilang

Raphael Santi (Marso 28, 1483 - Abril 6, 1520) - ang dakilang pintor ng Italyano, graphic artist at arkitekto, kinatawan ng paaralan ng Umbrian ..

Ang anak ng pintor na si Giovanni Santi ay sumailalim sa kanyang paunang masining na pagsasanay sa Urbino kasama ang kanyang ama na si Giovanni Santi, ngunit sa murang edad ay natagpuan niya ang kanyang sarili sa studio ng natitirang artist na si Pietro Perugino. Ito ang masining na wika at koleksyon ng imahe ng Perugino, na may gravitation patungo sa simetriko balanseng komposisyon, kalinawan ng spatial solution at lambot sa solusyon ng kulay at ilaw, na may pangunahing impluwensya sa istilo ng batang Raphael.

Kinakailangan din na itakda na ang malikhaing pagsulat ng kamay ni Raphael ay may kasamang isang pagbubuo ng mga diskarte at natuklasan ng iba pang mga panginoon. Sa una, si Raphael ay umasa sa karanasan ni Perugino, kalaunan naman - sa mga nahanap ni Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. ...

Ang mga maagang gawa (Madonna Conestabile 1502-1503) ay nilagyan ng biyaya, malambot na liriko. Niluwalhati niya ang makamundong pag-iral ng tao, ang pagkakasundo ng mga espiritwal at pisikal na puwersa sa mga kuwadro ng silid ng Vatican (1509-1517), na nakamit ang isang hindi nagkakamali na kahulugan ng proporsyon, ritmo, proporsyon, euphony ng kulay, pagkakaisa ng mga numero at kamangha-manghang mga background ng arkitektura ..

Sa Florence, nang makipag-ugnay sa mga nilikha nina Michelangelo at Leonardo, natutunan mula sa kanila ng Raphael ang tamang anatomikong paglalarawan ng katawan ng tao. Sa edad na 25, natagpuan ng artist ang kanyang sarili sa Roma, at mula sa sandaling iyon nagsimula ang panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng kanyang trabaho: gumaganap siya ng mga napakalaking kuwadro na gawa sa Vatican Palace (1509-1511), kasama ang obra maestra ng master - ang Ang fresco na "School of Athens", ay nagsusulat ng mga komposisyon ng dambana at mga kuwadro na gawa sa kuda, na nakikilala ng pagkakasundo ng disenyo at pagpapatupad, ay gumagana bilang isang arkitekto (sa ilang oras na pinangasiwaan pa rin ni Raphael ang pagtatayo ng St. Peter's Cathedral). Sa isang walang pagod na paghahanap para sa kanyang ideyal, nilagyan ng artist sa imahe ng Madonna, nilikha niya ang kanyang pinaka perpektong nilikha - "The Sistine Madonna" (1513), isang simbolo ng pagiging ina at pagtanggi sa sarili. Ang mga kuwadro at pintura ni Raphael ay kinilala ng kanyang mga kasabay, at di nagtagal ay naging sentral na pigura si Santi sa masining na buhay ng Roma. Maraming marangal na tao ng Italya ang nais na maiugnay sa artist, kasama ang isang matalik na kaibigan ni Raphael, si Cardinal Bibbien. Ang artista ay namatay sa edad na tatlumpu't pito mula sa kabiguan sa puso. Ang mga hindi natapos na kuwadro na gawa ng Villa Farnesina, ang Vatican Loggias at iba pang mga gawa ay nakumpleto ng mga mag-aaral ni Raphael alinsunod sa kanyang mga sketch at guhit ..

Isa sa pinakamalaking kinatawan ng sining ng Mataas na Renaissance, na ang mga kuwadro na gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng binibigyang diin na balanse at pagkakasundo ng kabuuan, ang pagiging maayos ng komposisyon, ang sinusukat na ritmo at ang maselan na paggamit ng mga posibilidad ng kulay. Ang hindi nagkakamali na karunungan ng linya at ang kakayahang buod at i-highlight ang pangunahing bagay, ginawang isa sa pinakatanyag na masters ng pagguhit sa lahat ng panahon si Raphael. Ang pamana ni Raphael ay nagsilbing isa sa mga haligi sa pagbuo ng akademikong Europa. Ang mga tagasunod ng klasismo - ang magkakapatid na Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov at maraming iba pang mga artista - ay pinuri ang pamana ni Raphael bilang pinaka perpektong hindi pangkaraniwang bagay sa art ng mundo ..

Titian Vecellio (1476/1477 o 1480s - 1576) - Italyano na pintor ng Renaissance. Ang pangalan ni Titian ay kapareho ng naturang mga Renaissance artist tulad nina Michelangelo, Leonardo da Vinci at Raphael. Nagpinta si Titian ng mga larawan sa mga paksang biblikal at mitolohiko, siya ay sumikat bilang isang pintor ng larawan. Nakatanggap siya ng mga order mula sa mga hari at papa, kardinal, dukes at prinsipe. Si Titian ay hindi kahit tatlumpung taong gulang nang siya ay kinilala bilang pinakamahusay na pintor ng Venice ..

Matapos ang kanyang lugar ng kapanganakan (Pieve di Cadore sa lalawigan ng Belluno), kung minsan ay tinatawag siyang da Cadore; kilala rin bilang Titian the Divine ..

Si Titian ay isinilang sa pamilya ni Gregorio Vecellio, isang estadista at pinuno ng militar. Sa edad na sampu, ipinadala siya kasama ang kanyang kapatid sa Venice upang mag-aral kasama ang tanyag na mosaicist na si Sebastian Zuccato. Makalipas ang ilang taon ay pumasok siya sa pagawaan ng Giovanni Bellini bilang isang baguhan. Nag-aral siya kasama sina Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) at maraming iba pang mga artista na kalaunan ay sumikat.

Noong 1518 ipininta ni Titian ang pagpipinta na "The Ascension of Our Lady", noong 1515 - Si Salome na may ulo ni John the Baptist. Mula 1519 hanggang 1526 nagpinta siya ng maraming mga dambana, kasama na ang dambana ng pamilyang Pesaro ..

Mahaba ang buhay ni Titian. Hanggang sa mga huling araw, hindi siya tumigil sa pagtatrabaho. Pininturahan ni Titian ang kanyang huling pagpipinta, ang Lamentation of Christ, para sa kanyang sariling lapida. Ang artista ay namatay sa salot sa Venice noong Agosto 27, 1576, na nagkasakit ng impeksyon mula sa kanyang anak, na nag-aalaga sa kanya ..

Pinatawag ni Emperor Charles V si Titian sa kanya at pinalibutan siya ng karangalan at respeto at sinabi nang higit sa isang beses: "Maaari akong lumikha ng isang duke, ngunit saan ko kukunin ang pangalawang Titian?" Nang isang araw ay hinulog ng artist ang kanyang brush, itinaas ito ni Charles V at sinabi: "Ang paglilingkod kay Titian ay isang karangalan kahit para sa emperor." Parehong inanyayahan ng mga hari ng Espanya at Pransya si Titian sa kanilang lugar, upang manirahan sa korte, ngunit ang artista, na nakumpleto ang mga utos, ay laging bumalik sa kanyang katutubong Venice. Ang isang bunganga sa Mercury ay pinangalanang mula sa Titian. ...

Ang Renaissance ay isang oras ng pag-unlad ng intelektwal sa Italya, na nakakaimpluwensya sa pag-unlad ng sangkatauhan. Ang kamangha-manghang oras na ito ay nagsimula noong XIV siglo at nagsimulang tumanggi sa siglong XVI. Imposibleng makahanap ng isang solong lugar ng aktibidad ng tao na hindi maaapektuhan ng Renaissance. Ang yumayabong na kultura ng tao, pagkamalikhain, sining, agham. Pulitika, pilosopiya, panitikan, arkitektura, pagpipinta - lahat ng ito ay huminga nang bago at nagsimulang umunlad sa isang hindi karaniwang bilis. Karamihan sa mga pinakamagaling na artista, na nag-iwan ng walang hanggang memorya ng kanilang sarili sa kanilang mga gawa at binuo ang karamihan ng mga prinsipyo at batas ng pagpipinta, nabuhay at nagtrabaho sa partikular na oras na ito. Ang panahon ng Renaissance ay naging isang hininga ng sariwang hangin para sa mga tao at ang simula ng isang bagong buhay, isang tunay na rebolusyong pangkultura. Ang mga prinsipyo ng buhay ng Middle Ages ay gumuho at ang tao ay nagsimulang magsikap para sa mataas, na parang napagtatanto ang kanyang totoong kapalaran sa Earth - upang lumikha at bumuo.

Ang muling pagkabuhay ay walang ibang kahulugan, ngunit isang pagbabalik sa mga halaga ng nakaraan. Ang mga pagpapahalaga sa nakaraan, kabilang ang tulad ng pananampalataya at taos-puso na pag-ibig para sa sining, pagkamalikhain, paglikha, ay muling naisip. Kamalayan ng tao sa sansinukob: ang tao bilang korona ng kalikasan, ang korona ng banal na nilikha, ang kanyang sarili na tagalikha.

Ang pinakatanyag na pinturang Renaissance ay sina Alberti, Michelangelo, Raphael, Albrecht Durer at marami pang iba. Sa kanilang gawain, ipinahayag nila ang pangkalahatang konsepto ng uniberso, ang konsepto ng pinagmulan ng tao, na batay sa relihiyon at mga alamat. Maaari nating sabihin na noon ay ang pagnanasa ng mga artista ay lumitaw upang malaman kung paano lumikha ng isang makatotohanang imahe ng isang tao, kalikasan, mga bagay, pati na rin ang hindi madaling unawain na mga phenomena - damdamin, damdamin, kondisyon, atbp. Sa una, ang Florence ay itinuturing na sentro ng Renaissance, ngunit noong ika-16 na siglo, nakuha nito ang Venice. Nasa Venice na matatagpuan ang pinakamahalagang benefactors o patron ng Renaissance, tulad ng Medici, mga papa at iba pa.

Walang duda na ang panahon ng Renaissance ay naiimpluwensyahan ang kurso ng pag-unlad ng lahat ng sangkatauhan sa bawat kahulugan ng salita. Ang mga likhang sining ng panahong iyon ay kabilang pa rin sa pinakamahal, at ang kanilang mga may-akda ay naiwan ang kanilang mga pangalan sa kasaysayan magpakailanman. Ang mga kuwadro na Renaissance at iskultura ay itinuturing na hindi mabibili ng obra ng obra at gabay pa rin at halimbawa para sa sinumang artista. Ang natatanging sining ay kapansin-pansin sa kagandahan at lalim ng disenyo nito. Ang bawat isa ay obligadong malaman ang tungkol sa pambihirang oras na ito, na nasa kasaysayan ng ating nakaraan, nang walang pamana na kung saan imposibleng maiisip ang ating kasalukuyan at hinaharap.

Leonardo da Vinci - Mona Lisa (La Gioconda)

Raphael Santi - Madonna

Ang unang tagapagpauna ng Renaissance art ay lumitaw sa Italya noong XIV siglo. Ang mga artista sa oras na ito, sina Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) at (pangunahin) Giotto (1267-1337) kapag lumilikha ng mga canvases ng tradisyonal na mga relihiyosong tema, nagsimula silang gumamit ng mga bagong diskarte sa artistikong: ang pagtatayo ng isang volumetric na komposisyon, ang paggamit ng isang tanawin sa likuran, na pinapayagan silang gawing mas makatotohanan at masigla ang mga imahe. Matindi nitong nakilala ang kanilang gawa mula sa dating tradisyon na iconographic, na pinuno ng mga kombensyon sa imahe.
Ang term na ito ay ginagamit upang ipahiwatig ang kanilang pagkamalikhain Proto-Renaissance (1300s - Trecento) .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - Italyano na artista at arkitekto ng panahon ng Proto-Renaissance. Isa sa mga pangunahing pigura sa kasaysayan ng Western art. Sa pagtagumpayan ng tradisyon ng Byzantine na pagpipinta sa larawan, siya ang naging totoong tagapagtatag ng Italyano na paaralan ng pagpipinta, bumuo ng isang ganap na bagong diskarte sa paglalarawan ng espasyo. Ang mga gawa ni Giotto ay binigyang inspirasyon ni Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.


Maagang Renaissance (1400s - "Quattrocento").

Sa simula ng ika-15 siglo Filippo Brunelleschi (1377-1446), siyentipiko at arkitekto ng Florentine.
Nais ni Brunelleschi na gawin ang pang-unawa ng mga termino at teatro na itinayo niya nang mas malinaw at sinubukan na lumikha ng mga geometriko na pananaw na larawan mula sa kanyang mga plano para sa isang tukoy na pananaw. Sa paghahanap na ito ay natuklasan direktang pananaw.

Pinayagan ang mga artista na makakuha ng mga perpektong larawan ng three-dimensional space sa flat canvas ng pagpipinta.

Ang isa pang mahalagang hakbang sa daan patungo sa Renaissance ay ang paglitaw ng di-relihiyoso, sekular na sining. Ang larawan at tanawin ay nagtaguyod ng kanilang sarili bilang mga independiyenteng genre. Kahit na ang mga paksa sa relihiyon ay nakakuha ng ibang interpretasyon - ang mga artista ng Renaissance ay nagsimulang tingnan ang kanilang mga tauhan bilang mga bayani na may binibigkas na indibidwal na mga ugali at pagganyak ng tao para sa mga aksyon.

Ang pinakatanyag na artista sa panahong ito ay Masaccio (1401-1428), Mazolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - ang tanyag na pintor ng Italyano, ang pinakadakilang master ng paaralang Florentine, repormador ng pagpipinta ng panahon ng Quattrocento.

Fresco. Himala sa statir.

Larawan Pagpapako sa Krus.

Fresco. Ang kwento ng Queen of Sheba. Church of San Francesco sa Arezzo

Spring.

Kapanganakan ni Venus.

Leonardo di ser Piero da Vinci (Florence) (1452-1519) - Italyano na artista (pintor, iskultor, arkitekto) at siyentista (anatomista, naturalista), imbentor, manunulat.

Sariling larawan

Lady na may isang ermine. 1490. Czartoryski Museum, Krakow

Mona Lisa (1503-1505 / 1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Museo ng Ermita.

Madonna Benoit (Madonna na may isang bulaklak). 1478-1480

Madonna ng Carnation. 1478

Sa kanyang buhay, gumawa si Leonardo da Vinci ng libu-libong mga tala at guhit sa anatomya, ngunit hindi nai-publish ang kanyang akda. Gumagawa ng mga dissection ng mga katawan ng mga tao at hayop, tumpak niyang naihatid ang istraktura ng balangkas at mga panloob na organo, kasama ang maliliit na detalye. Ayon sa propesor ng klinikal na anatomya na si Peter Abrams, ang gawaing pang-agham ni da Vinci ay nauna sa oras nito nang 300 taon at sa maraming paraan ay nalampasan ang tanyag na "Grey's Anatomy".

Listahan ng mga imbensyon, parehong totoo at maiugnay sa kanya:

Parasyut, sagubat kastilyo, sabisikleta, tankh, lmagaan na portable na mga tulay para sa hukbo, psungay, saatapult, prev, dteleskopyo ng lana.

Ang mga kuwadro at iskultura ni Michelangelo Buonarroti ay puno ng mga heroic pathos at, kasabay nito, isang malungkot na pakiramdam ng krisis ng humanismo. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay niluwalhati ang lakas at kapangyarihan ng isang tao, ang kagandahan ng kanyang katawan, habang binibigyang diin ang kanyang pag-iisa sa mundo.

Ang henyo ni Michelangelo ay nag-iwan ng isang imprint hindi lamang sa sining ng Renaissance, ngunit din sa buong karagdagang kultura ng mundo. Ang mga aktibidad nito ay pangunahing nauugnay sa dalawang lungsod ng Italya - ang Florence at Roma.

Gayunpaman, napagtanto ng artist ang kanyang pinaka-mapaghangad na mga ideya na tiyak sa pagpipinta, kung saan kumilos siya bilang isang tunay na nagpapabago ng kulay at anyo.
Sa utos ni Papa Julius II, pininturahan niya ang kisame ng Sistine Chapel (1508-1512), na kumakatawan sa kwentong biblikal mula sa pagkakalikha ng mundo hanggang sa pagbaha at kasama ang higit sa 300 na mga numero. Noong 1534-1541 sa parehong Sistine Chapel para kay Papa Paul III ginanap niya ang grandiose, puno ng dramatikong fresco na "The Last Judgment".
Sistine Chapel 3D.

Ang mga gawa ni Giorgione at Titian ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang interes sa tanawin, ang pagpapatula sa balangkas. Ang parehong mga artista ay nakamit ang mahusay na kasanayan sa sining ng paglitrato, sa tulong ng naiparating nila ang tauhan at mayamang panloob na mundo ng kanilang mga tauhan.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - Italyano na artista, kinatawan ng paaralan ng pagpipinta ng Venetian.

Venus na natutulog. 1510

Judith. 1504g

Nagpinta si Titian ng mga larawan sa mga paksang biblikal at mitolohiko, siya ay sumikat bilang isang pintor ng larawan. Nakatanggap siya ng mga order mula sa mga hari at papa, kardinal, dukes at prinsipe. Si Titian ay hindi kahit tatlumpung taong gulang nang siya ay kinilala bilang pinakamahusay na pintor ng Venice.

Sariling larawan. 1567g

Venus ng Urbinskaya. 1538

Larawan ng Tommaso Mosti. 1520

Huling Renaissance.
Matapos ang sako ng Roma ng mga puwersang imperyal noong 1527, ang Italian Renaissance ay pumasok sa isang panahon ng krisis. Nasa gawain na ng yumaong si Raphael, isang bagong linya ng masining ang nakabalangkas, na tumanggap ng pangalan pag-uugali.
Ang panahon na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng napalaki at sirang mga linya, pagpahaba o kahit pagpapapangit ng mga numero, madalas hubad, pag-igting at hindi likas na mga pose, hindi pangkaraniwang o kakaibang mga epekto na nauugnay sa laki, ilaw o pananaw, ang paggamit ng isang caographic chromatic scale, labis na karga na komposisyon, atbp. pag-uugali Parmigianino , Pontormo , Bronzino- nanirahan at nagtrabaho sa korte ng mga dukes ng bahay Medici sa Florence. Kalaunan, kumalat ang fashionist fashion sa buong Italya at higit pa.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "residente ng Parma") (1503-1540,) pintor at taga-print ng Italyano, kinatawan ng pag-uugali.

Sariling larawan. 1540

Larawan ng isang babae. 1530.

Jacopo Robusti, mas kilala bilang Tintoretto (1518 o 1519-1594) - pintor ng paaralan ng Venetian ng huli na Renaissance.

Ang huling Hapunan. 1592-1594. Church of San Giorgio Maggiore, Venice.

Si Kristo sa krus. OK lang 1577. Pribadong koleksyon.

Trinity. 1579 Prado.

Ang Renaissance ay isang phenomenal phenomena sa kasaysayan ng tao. Hindi na muling nagkaroon ng isang napakatalino flash sa larangan ng sining. Ang mga eskultor, arkitekto at artista ng Renaissance (mayroong isang mahabang listahan ng mga ito, ngunit tatantanan namin ang mga pinakatanyag), na ang mga pangalan ay kilala sa lahat, ay nagbigay sa mundo ng hindi mabibili ng salapi Natatanging at pambihirang mga tao ay nagpakita ng kanilang sarili na hindi sa isang larangan , ngunit sa maraming nang sabay-sabay.

Maagang pagpipinta ng Renaissance

Ang Renaissance ay may isang kamag-anak na time frame. Ito ay unang nagsimula sa Italya - 1420-1500. Sa oras na ito, ang pagpipinta at lahat ng sining sa pangkalahatan ay hindi gaanong naiiba mula sa nagdaang nakaraan. Gayunpaman, ang mga elemento na hiniram mula sa klasikal na unang panahon ay nagsisimulang lumitaw sa unang pagkakataon. At sa mga susunod na taon lamang, ang mga iskultor, arkitekto at artista ng Renaissance (ang listahan nito ay napakalaki), sa ilalim ng impluwensya ng mga modernong kondisyon sa pamumuhay at mga progresibong uso, sa wakas ay inabandona ang mga pundasyong medyebal. Matapang nilang pinagtibay ang pinakamahusay na mga halimbawa ng sinaunang sining para sa kanilang mga gawa, kapwa sa pangkalahatan at sa mga indibidwal na detalye. Ang kanilang mga pangalan ay kilala ng marami, pag-isipan natin ang mga pinakamaliwanag na personalidad.

Masaccio - ang henyo ng pagpipinta sa Europa

Siya ang gumawa ng malaking kontribusyon sa pagpapaunlad ng pagpipinta, na naging isang mahusay na repormador. Ang master ng Florentine ay isinilang noong 1401 sa isang pamilya ng mga artistikong artesano, kaya't ang pakiramdam ng panlasa at pagnanais na lumikha ay nasa kanyang dugo. Sa edad na 16-17, lumipat siya sa Florence, kung saan siya nagtrabaho sa mga pagawaan. Si Donatello at Brunelleschi, mahusay na mga iskultor at arkitekto, ay nararapat na isinasaalang-alang bilang kanyang mga guro. Ang komunikasyon sa kanila at ang nakuha na mga kasanayan ay hindi maaaring makaapekto sa batang pintor. Mula sa una, nanghiram si Masaccio ng isang bagong pag-unawa sa personalidad ng tao, katangian ng iskultura. Ang pangalawang master - ang mga pundasyon Ang unang maaasahang gawain, isinasaalang-alang ng mga mananaliksik ang "Triptych ng San Giovenale" (sa unang larawan), na natuklasan sa isang maliit na simbahan malapit sa bayan kung saan ipinanganak ang Masaccio. Ang pangunahing gawain ay ang mga fresco na nakatuon sa kasaysayan ng buhay ni San Pedro. Ang artista ay lumahok sa paglikha ng anim sa kanila, lalo: Pagkabuhay na Mag-uli ng Anak ni Theophilus "," Pinagaling ni San Pedro ang Masakit sa Kanyang Anino "at" Si San Pedro sa pulpito ".

Ang mga Italyanong artista ng Renaissance ay mga taong ganap at kumpletong nakatuon sa kanilang sarili sa sining, na hindi nagbigay pansin sa mga ordinaryong pang-araw-araw na problema, na kung minsan ay humantong sa kanila sa isang mahinang pagkakaroon. Ang Masaccio ay walang kataliwasan: ang napakatalino na master ay namatay nang maaga, sa edad na 27-28, na nag-iiwan ng mahusay na mga gawa at maraming bilang ng mga utang.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Ito ay isang kinatawan ng paaralang Padua ng pintor. Natanggap niya ang mga pangunahing kaalaman sa kanyang mga kasanayan mula sa kanyang ama-ama. Ang istilo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga gawa ng Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello at Venetian painting. Natukoy nito ang medyo malupit at malupit na paraan ni Andrea Mantegna kumpara sa Florentines. Siya ay isang kolektor at tagataguyod ng mga gawaing pangkultura ng sinaunang panahon. Sa kanyang istilo na hindi katulad ng iba pa, sumikat siya bilang isang nagpapabago. Ang kanyang pinakatanyag na akda ay ang Dead Christ, The Triumph of Caesar, Judith, The Battle of the Sea Gods, Parnassus (nakalarawan), atbp. Mula 1460 hanggang sa kanyang kamatayan, nagtrabaho siya bilang isang pintor sa korte sa pamilya ng mga Dukes ng Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Ang Botticelli ay isang pseudonym, ang tunay na pangalan ay Filipepi. Hindi niya pinili kaagad ang landas ng isang artista, ngunit sa una ay pinag-aralan ang sining ng alahas. Sa mga unang independiyenteng akda (maraming "Madonnas"), nadarama ang impluwensya ng Masaccio at Lopio. Sa hinaharap, niluwalhati din niya ang kanyang sarili bilang isang pintor ng larawan, ang karamihan sa mga order ay nagmula sa Florence. Ang pino at pino na likas na katangian ng kanyang mga obra na may mga sangkap na pang-istilo (paglalahat ng mga imahe gamit ang maginoo na mga diskarte - pagiging simple ng form, kulay, dami) na nagpapakilala sa kanya mula sa iba pang mga panginoon ng panahong iyon. Ang isang kapanahon nina Leonardo da Vinci at batang si Michelangelo ay nag-iwan ng maliwanag na marka sa art ng mundo ("The Birth of Venus" (larawan), "Spring", "Adoration of the Magi", "Venus and Mars", "Christmas", atbp. ). Ang kanyang pagpipinta ay taos-puso at sensitibo, at ang kanyang buhay ay mahirap at kalunus-lunos. Ang romantikong pang-unawa sa mundo sa murang edad ay napalitan ng mistisismo at kadakilaan sa relihiyon sa pagkahinog. Ang mga huling taon ng kanyang buhay, si Sandro Botticelli ay nabuhay sa kahirapan at limot.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Italyano na pintor at isa pang kinatawan ng maagang Renaissance, na nagmula sa Tuscany. Ang istilo ng may-akda ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng paaralang pintura ng Florentine. Bilang karagdagan sa talento ng artist, si Piero della Francesca ay may natitirang mga kakayahan sa larangan ng matematika, at inialay niya ang mga huling taon ng kanyang buhay sa kanya, sinusubukan na ikonekta siya sa mataas na sining. Ang resulta ay dalawang pang-agham na pakikitungo: "Sa Pananaw sa Pagpipinta" at "Ang Aklat ng Limang Tamang Lawas." Ang kanyang istilo ay nakikilala sa pamamagitan ng solemne, pagkakatugma at maharlika ng mga imahe, komposisyon katahimikan, tumpak na mga linya at konstruksyon, isang malambot na hanay ng mga kulay. Si Piero della Francesca ay nagtataglay ng kamangha-manghang kaalaman sa teknikal na bahagi ng pagpipinta at mga kakaibang pananaw para sa oras na iyon, na kung saan nakakuha siya ng isang mataas na prestihiyo sa kanyang mga kasabayan. Ang pinakatanyag na akda: "History of the Queen of Sheba", "The Scourging of Christ" (nakalarawan), "Altar of Montefeltro", atbp.

Mataas na pagpipinta ng Renaissance

Kung ang Proto-Renaissance at ang maagang panahon ay tumagal ng halos isang siglo at kalahating at isang siglo, ayon sa pagkakabanggit, kung gayon ang panahong ito ay sumasaklaw lamang ng ilang dekada (sa Italya mula 1500 hanggang 1527). Ito ay isang maliwanag, nakasisilaw na flash na nagbigay sa buong mundo ng isang buong kalawakan ng mahusay, maraming nalalaman at napakatalino na mga tao. Ang lahat ng mga sangay ng sining ay magkasabay, napakaraming mga artesano din ang mga siyentista, iskultor, imbentor, at hindi lamang mga artista ng Renaissance. Mahaba ang listahan, ngunit ang tuktok ng Renaissance ay minarkahan ng mga gawa nina L. da Vinci, M. Buanarotti at R. Santi.

Ang pambihirang henyo ni Da Vinci

Marahil ito ang pinaka-pambihira at natitirang pagkatao sa kasaysayan ng kultura ng sining sa buong mundo. Siya ay isang unibersal na tao sa buong kahulugan ng salita at nagtaglay ng pinaka maraming nalalaman na kaalaman at talento. Isang artista, iskultor, art theorist, matematiko, arkitekto, anatomista, astronomo, pisiko at inhinyero - tungkol sa kanya ang lahat. Bukod dito, sa bawat rehiyon, si Leonardo da Vinci (1452-1519) ay napatunayan na isang nagbago. Sa ngayon, 15 lamang sa kanyang mga kuwadro na gawa ang nakaligtas, pati na rin maraming mga sketch. Nagmamay-ari ng matinding sigla at pagkauhaw sa kaalaman, siya ay walang pasensya, nadala siya ng proseso ng pagkakaugnay mismo. Sa isang napakabatang edad (20 taon), natanggap niya ang kwalipikasyon ng isang Master of the Guild of Saint Luke. Ang kanyang pinakamahalagang gawa ay ang fresco "The Last Supper", mga kuwadro na "Mona Lisa", "Madonna Benoit" (nakalarawan sa itaas), "Lady with an Ermine", atbp.

Bihira ang mga larawan ng mga Renaissance artist. Mas ginusto nilang iwan ang kanilang mga imahe sa mga kuwadro na gawa na maraming mukha. Kaya, sa paligid ng sariling larawan ni da Vinci (nakalarawan), nagpapatuloy ang kontrobersya hanggang ngayon. Inilahad ang mga teorya na ginawa niya ito sa edad na 60. Ayon sa biographer, artist at manunulat na si Vasari, ang dakilang master ay namamatay sa mga bisig ng kanyang matalik na kaibigan na si King Francis I sa kanyang kastilyo na Clos-Luce.

Raphael Santi (1483-1520)

Artista at arkitekto na nagmula sa Urbino. Ang kanyang pangalan sa sining ay palaging nauugnay sa ideya ng dakilang kagandahan at natural na pagkakasundo. Sa isang maikling buhay (37 taon), gumawa siya ng maraming tanyag na mga kuwadro na gawa, fresco at mga larawan. Ang mga plots na ipinakita niya ay magkakaiba-iba, ngunit palagi siyang naaakit ng imahe ng Ina ng Diyos. Ganap na tama, si Raphael ay tinawag na "Master of Madonnas", lalo na ang mga isinulat niya sa Roma ay sikat. Sa Vatican, nagtrabaho siya mula 1508 hanggang sa katapusan ng kanyang buhay bilang isang opisyal na artista sa korte ng papa.

Malawak na regalo, tulad ng maraming iba pang magagaling na artista ng Renaissance, si Raphael ay isa ring arkitekto at nakikibahagi din sa mga arkeolohikong paghuhukay. Ayon sa isa sa mga bersyon, ang huling libangan ay direktang nauugnay sa maagang pagkamatay. Marahil, nagkasakit siya ng Roman fever habang naghuhukay. Ang dakilang master ay inilibing sa Pantheon. Nasa larawan ang kanyang sariling larawan.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Ang mahabang 70 taong gulang ng lalaking ito ay maliwanag, iniwan niya sa mga supling ang hindi nabubulok na mga nilikha hindi lamang ng pagpipinta, kundi pati na rin ng iskultura. Tulad ng iba pang magagaling na pintor ng Renaissance, si Michelangelo ay nanirahan sa mga oras na puno ng mga kaganapan sa kasaysayan at kaguluhan. Ang kanyang sining ay ang perpektong pagtatapos ng touch sa buong Renaissance.

Inilagay ng master ang iskultura higit sa lahat ng iba pang mga sining, ngunit sa kalooban ng kapalaran siya ay naging isang natitirang pintor at arkitekto. Ang pinaka-mapaghangad at pambihirang gawain niya ay ang pagpipinta (nakalarawan) sa palasyo sa Vatican. Ang lugar ng fresco ay lumampas sa 600 square meter at naglalaman ng 300 na bilang ng mga tao. Ang pinaka-kahanga-hanga at pamilyar ay ang eksena ng Huling Paghuhukom.

Ang mga pintor ng Italian Renaissance ay nagtataglay ng maraming talento. Kaya, ilang tao ang nakakaalam na si Michelangelo ay isa ring mahusay na makata. Ang aspeto ng kanyang henyo na ito ay buong ipinakita sa pagtatapos ng kanyang buhay. Halos 300 na tula ang nakaligtas hanggang ngayon.

Huling pagpipinta ng Renaissance

Saklaw ng huling yugto ang tagal ng panahon mula 1530 hanggang 1590-1620. Ayon sa Encyclopedia Britannica, ang Renaissance bilang isang makasaysayang panahon ay natapos sa pagbagsak ng Roma noong 1527. Sa parehong oras, ang Counter-Reformation ay nagwagi sa katimugang Europa. Ang kilusang Katoliko ay tumingin nang may pag-aalala sa anumang malayang pag-iisip, kasama ang pagluwalhati ng kagandahan ng katawan ng tao at muling pagkabuhay ng sining ng sinaunang panahon - iyon ay, lahat ng mga haligi ng Renaissance. Nagresulta ito sa isang espesyal na kalakaran - Pamamaraan, nailalarawan sa pamamagitan ng pagkawala ng pagkakaisa sa pagitan ng ispiritwal at ng katawan, tao at kalikasan. Ngunit kahit sa mahirap na panahong ito, ang ilang kilalang mga artista ng Renaissance ay lumikha ng kanilang mga obra maestra. Kabilang sa mga ito ay sina Antonio da Correggio (isinasaalang-alang ang nagtatag ng Classicism at Palladianism) at Titian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Tama siyang isinasaalang-alang ang titan ng Renaissance, kasama sina Michelangelo, Raphael at da Vinci. Bago pa siya 30 taong gulang, si Titian ay sumikat bilang "hari ng mga pintor at pintor ng mga hari." Talaga, ang artist ay nagpinta ng mga larawan sa mga mitolohiko at biblikal na tema, bukod dito, siya ay sumikat bilang isang mahusay na pintor ng larawan. Naniniwala ang mga kapanahon na ang pagkabihag ng brush ng isang mahusay na master ay nangangahulugang pagkakaroon ng imortalidad. At totoo nga. Ang mga order kay Titian ay nagmula sa pinakamararangal at marangal na tao: mga papa, hari, kardinal at dukes. Narito ang ilan lamang, ang pinakatanyag, ng kanyang mga akda: "Venus of Urbino", "The Abduction of Europa" (nakalarawan), "Carrying the Cross", "Crowning with Thorns", "Madonna of Pesaro", "Woman may salamin ", atbp.

Wala nang inuulit ng dalawang beses. Ang panahon ng Renaissance ay nagbigay sa sangkatauhan ng makinang, pambihirang mga personalidad. Ang kanilang mga pangalan ay nakasulat sa kasaysayan ng sining ng mundo sa mga gintong titik. Ang mga arkitekto ng Renaissance at iskultor, manunulat at pintor - napakahaba ng listahan. Ang mga titans lamang ang hinawakan namin na gumawa ng kasaysayan, nagdala ng mga ideya ng kaliwanagan at humanismo sa mundo.

Agosto 7, 2014

Alam ng mga mag-aaral ng sining at mga taong interesado sa kasaysayan ng sining na sa pagsapit ng ika-14 hanggang 15 siglo isang matinding pagbabago ang naganap sa pagpipinta - ang Renaissance. Mga 1420s, lahat ay biglang naging mas mahusay sa pagguhit. Bakit biglang naging makatotohanang at detalyado ang mga imahe, at ang ilaw at lakas ng tunog ay lumitaw sa mga kuwadro na gawa? Walang nag-isip tungkol dito sa mahabang panahon. Hanggang sa kinuha ni David Hockney ang isang magnifying glass.

Alamin natin kung ano ang natuklasan niya ...

Kapag siya ay tumitingin sa mga guhit ni Jean Auguste Dominique Ingres, ang pinuno ng ika-19 na siglo Pranses na paaralan sa akademiko. Naging interesado si Hockney na makita ang kanyang maliit na mga guhit sa isang mas malaking sukat, at pinalaki niya ito sa isang photocopier. Ito ay kung paano siya nadapa sa isang lihim na panig sa kasaysayan ng pagpipinta mula noong Renaissance.

Ang pagkakaroon ng paggawa ng mga photocopy ng maliliit (mga 30 sentimetro) na mga guhit ni Hogrney, namangha si Hockney sa pagiging makatotohanan nila. At parang sa kanya din na ang mga linya ng Ingres ay bagay sa kanya
paalalahanan Ito ay naka-alala sa kanya ng trabaho ni Warhol. At ginawa ito ni Warhol - naglabas siya ng larawan sa isang canvas at binalangkas ito.

Kaliwa: Detalye ng isang guhit ni Ingres. Kanan: Pagguhit ni Mao Zedong Warhol

Kagiliw-giliw na mga kaso, sabi ni Hockney. Maliwanag na ginamit ni Ingres ang Camera Lucida - isang aparato na isang istraktura na may isang prisma na nakakabit, halimbawa, sa isang stand sa isang tablet. Sa gayon, ang artist, na tinitingnan ang kanyang pagguhit gamit ang isang mata, nakikita ang totoong imahe, at sa isa pa - ang pagguhit mismo at ang kanyang kamay. Ito ay naging isang ilusyon na optikal na nagbibigay-daan sa iyo upang tumpak na ilipat ang mga proporsyon ng totoong buhay sa papel. At ito mismo ang "garantiya" ng pagiging makatotohanan ng imahe.

Pagguhit ng isang larawan gamit ang isang camera lucida, 1807

Pagkatapos Hockney ay naging seryosong interesado sa ganitong "optikong" uri ng mga guhit at kuwadro na gawa. Sa kanyang studio, siya at ang kanyang koponan ay nag-hang ng daan-daang mga kopya ng mga kuwadro na gawa na nilikha sa daang siglo sa mga dingding. Mga gawa na mukhang "totoo" at mga hindi. Ang pag-aayos ayon sa oras ng paglikha, at mga rehiyon - hilaga sa tuktok, timog sa ilalim, nakita ni Hockney at ng kanyang koponan ang isang matalim na pagbabago sa pagpipinta sa pagsisimula ng 14-15 siglo. Sa pangkalahatan, lahat ng nakakaalam kahit kaunti tungkol sa kasaysayan ng sining ay alam - ang Renaissance.

Siguro nagamit nila ang parehong lucid camera? Nakapag-patente ito noong 1807 ni William Hyde Wollaston. Bagaman, sa katunayan, ang ganoong aparato ay inilarawan ni Johannes Kepler noong 1611 sa kanyang trabaho na Dioptrice. Kung gayon marahil ay gumamit sila ng isa pang optical device - isang camera obscura? Pagkatapos ng lahat, ito ay kilala mula pa sa oras ng Aristotle at ito ay isang madilim na silid kung saan ang ilaw ay pumapasok sa pamamagitan ng isang maliit na butas at sa gayon sa isang madilim na silid ay nakuha ang isang projection ng kung ano ang nasa harap ng butas, ngunit baligtad. Ang lahat ay magiging maayos, ngunit ang imahe na nakuha kapag inaasahang ng isang pinhole camera na walang lens, upang ilagay ito nang banayad, ay hindi mataas ang kalidad, hindi malinaw, nangangailangan ito ng maraming maliwanag na ilaw, hindi banggitin ang laki ng projection. Ngunit ang mga de-kalidad na lente ay halos imposibleng magawa hanggang sa ika-16 na siglo, dahil walang paraan upang makakuha ng gayong kalidad ng baso sa panahong iyon. Ang mga bagay na dapat gawin, naisip Hockney, sa oras na iyon na nakikipaglaban sa problema sa pisisista na si Charles Falco.

Gayunpaman, mayroong isang pagpipinta ni Jan Van Eyck, isang pintor na nakabase sa Bruges at pinturang Flemish ng maagang Renaissance, kung saan nakatago ang isang pahiwatig. Ang pagpipinta ay tinawag na "Portrait of the Arnolfini Couple".

Jan Van Eyck "Larawan ng Mag-asawang Arnolfini" 1434

Ang larawan ay kumikinang lamang sa isang malaking halaga ng mga detalye, na kung saan ay lubos na kawili-wili, dahil ito ay ipininta noong 1434 lamang. At ang salamin ay nagsisilbing isang pahiwatig kung paano nagawa ng may-akda na gumawa ng isang malaking hakbang pasulong sa pagiging makatotohanan ng imahe. At ang kandelero din ay hindi kapani-paniwalang masalimuot at makatotohanang.

Si Hockney ay sumabog sa kuryusidad. Kumuha siya ng isang kopya ng naturang chandelier at sinubukang iguhit ito. Nahaharap ang artist sa katotohanang ang gayong isang kumplikadong bagay ay mahirap iguhit sa pananaw. Ang isa pang mahalagang punto ay ang pagiging materyal ng imahe ng bagay na metal na ito. Kapag naglalarawan ng isang bakal na bagay, napakahalaga na iposisyon ang mga highlight nang makatotohanang hangga't maaari, dahil nagbibigay ito ng isang malaking halaga ng pagiging makatotohanan. Ngunit ang problema sa mga pagsasalamin na ito ay lumilipat sila kapag ang mga mata ng manonood o artista ay gumalaw, na nangangahulugang hindi madali upang makuha ang lahat sa kanila. At ang makatotohanang imahe ng metal at silaw ay isang natatanging tampok din ng mga kuwadro na Renaissance, bago ang mga artista ay hindi man lang sinubukan na gawin ito.

Sa pamamagitan ng muling paggawa ng isang tumpak na tatlong-dimensional na modelo ng chandelier, tiniyak ng koponan ng Hockney na ang chandelier sa The Portrait of the Arnolfini Couple ay tumpak na iginuhit sa pananaw na may isang solong nawawalang punto. Ngunit ang problema ay ang naturang eksaktong tumpak na mga instrumento ng salamin sa mata bilang isang camera obscura na may isang lens ay hindi umiiral sa loob ng halos isang siglo pagkatapos malikha ang pagpipinta.

Fragment ng pagpipinta ni Jan Van Eyck na "Portrait of the Arnolfini Couple" 1434

Ang pinalaki na fragment ay nagpapakita na ang salamin sa pagpipinta na "Portrait of the Arnolfini Couple" ay matambok. Kaya't may mga salamin sa kabaligtaran - malukong. Bukod dito, sa mga panahong iyon, ang mga nasabing salamin ay ginawa sa ganitong paraan - isang baso na globo ang kinuha, at ang ilalim nito ay natatakpan ng pilak, pagkatapos ang lahat maliban sa ilalim ay naputol. Ang likod na bahagi ng salamin ay hindi naitim. Nangangahulugan ito na ang concave mirror ni Jan Van Eyck ay maaaring ang mismong salamin na ipinapakita sa larawan, mula sa likuran lamang. At ang sinumang pisiko ay alam kung ano ang isang salamin, kapag nakalarawan, naglalabas ng isang larawan ng nakalarawan. Dito na tinulungan ng kanyang kaibigang pisisista na si Charles Falco si David Hockney sa mga kalkulasyon at pagsasaliksik.

Ang mga malukong mirror na proyekto sa canvas ang imahe ng tower sa labas ng bintana.

Ang malinaw, nakatuon na bahagi ng projection ay humigit-kumulang na 30 square centimeter, na eksaktong sukat ng mga ulo sa maraming mga larawan ng Renaissance.

Binabalangkas ni Hockney ang isang projection ng isang tao sa isang canvas

Ito ang laki, halimbawa, ng larawan ng "Doge Leonardo Loredana" ni Giovanni Bellini (1501), ang larawan ng isang tao ni Robert Campen (1430), ang aktwal na larawan ni Jan Van Eyck "ang lalaking nasa pulang turban "at marami pang ibang mga unang larawan sa Dutch.

Mga larawan ng Renaissance

Ang pagpipinta ay isang mataas na suweldong trabaho, at natural, lahat ng mga lihim sa negosyo ay itinatago sa mahigpit na kumpiyansa. Ito ay kapaki-pakinabang para sa artista na ang lahat ng mga taong hindi nakakaalam ay naniniwala na ang mga lihim ay nasa kamay ng master at hindi sila maaaring magnakaw. Ang negosyo ay sarado sa mga tagalabas - ang mga artista ay nasa guild, at ang pinaka-magkakaibang mga manggagawa ay naroon - mula sa mga gumawa ng mga saddle hanggang sa mga gumawa ng salamin. At sa Guild of Saint Luke, itinatag sa Antwerp at unang nabanggit noong 1382 (pagkatapos ay ang mga katulad na guild ay binuksan sa maraming mga hilagang lungsod, at ang isa sa pinakamalaki ay ang guild sa Bruges - ang lungsod kung saan nakatira si Van Eyck) ay mayroon ding mga masters. .

Kaya't muling likha ni Hockney kung paano ka makakaguhit ng isang kumplikadong chandelier mula sa isang pagpipinta ni Van Eyck. Hindi nakakagulat na ang laki ng chandelier na inaasahang ni Hockney ay eksaktong tumutugma sa laki ng chandelier sa pagpipinta na "Portrait of the Arnolfini Couple". At, syempre, nakasisilaw sa metal - sa projection ay tumayo sila at hindi nagbabago kapag nagbago ang posisyon ng artist.

Ngunit ang problema ay hindi pa rin ganap na malulutas, dahil bago ang paglitaw ng mga de-kalidad na optika, na kinakailangan upang magamit ang isang camera ng pinhole, may natitirang 100 taon, at ang laki ng projection na nakuha sa tulong ng isang salamin ay napakaliit . Paano magpinta ng mga larawan na mas malaki sa 30 square centimeter? Nilikha ang mga ito bilang isang collage - mula sa iba't ibang mga punto ng view, ito ay naging isang uri ng spherical vision na may maraming mga nawawalang puntos. Napagtanto ito ni Hockney, sapagkat siya mismo ay nakikibahagi sa gayong mga larawan - gumawa siya ng maraming mga collage kung saan eksakto ang parehong epekto ay nakakamit.

Halos isang siglo ang lumipas, noong 1500s, sa wakas ay naging posible upang makakuha at maproseso ng maayos ang salamin - lumitaw ang malalaking lente. At sa wakas ay maipapasok sila sa camera obscura, na ang alituntunin nito ay kilala mula pa noong sinaunang panahon. Ang lens camera obscura ay isang hindi kapani-paniwala na rebolusyon sa mga visual arts dahil ang projection ay maaari na ngayong maging ng anumang laki. At isa pa, ngayon ang imahe ay hindi "malapad na anggulo", ngunit humigit-kumulang na normal na aspeto - iyon ay, humigit-kumulang pareho sa ngayon kapag kumukuha ng litrato gamit ang isang lens na may focal haba na 35-50mm.

Gayunpaman, ang problema sa paggamit ng isang pinhole camera na may isang lens ay ang pangunahin na projection mula sa lens ay nakasalamin. Humantong ito sa isang malaking bilang ng mga kaliwang tao sa pagpipinta sa maagang yugto ng paggamit ng optika. Tulad ng pagpipinta na ito mula noong 1600 mula sa museo ng Frans Hals, kung saan sumasayaw ang isang pares ng mga left-hander, binabantalaan sila ng isang kaliwang matandang lalaki gamit ang isang daliri, at isang kaliwang unggoy na kapantay sa ilalim ng damit ng babae.

Sa larawang ito, lahat ay kaliwa

Ang problema ay nalulutas sa pamamagitan ng pag-install ng isang salamin kung saan nakadirekta ang lens, sa gayon makuha ang tamang projection. Ngunit tila, ang isang mahusay, pantay at malaking salamin ay nagkakahalaga ng maraming pera, kaya't hindi lahat ay mayroon ito.

Ang pagtuon ay isa pang problema. Ang katotohanan ay ang ilang mga bahagi ng larawan sa isang posisyon ng canvas sa ilalim ng mga projection ray ay hindi nakatuon, hindi malinaw. Sa mga gawa ni Jan Vermeer, kung saan malinaw na nakikita ang paggamit ng optika, ang kanyang mga gawa sa pangkalahatan ay parang mga litrato, maaari mo ring mapansin ang mga lugar na hindi nakatuon. Maaari mo ring makita ang pagguhit na ibinibigay ng lens - ang kilalang "bokeh". Tulad ng halimbawa dito, sa pagpipinta na "The Milkmaid" (1658), ang basket, ang tinapay sa loob nito at ang asul na vase ay hindi nakatuon. Ngunit ang mata ng tao ay hindi makakakita ng "out of focus".

Ang ilang mga detalye ng pagpipinta ay wala sa pagtuon

At sa ilaw ng lahat ng ito, hindi nakakagulat na ang isang mabuting kaibigan ni Jan Vermeer ay si Anthony Phillips van Leeuwenhoek, isang siyentista at microbiologist, pati na rin ang isang natatanging master na lumikha ng kanyang sariling mga mikroskopyo at lente. Ang syentista ay naging posthumous manager ng artist. At pinapayagan kaming ipalagay na eksaktong inilalarawan ni Vermeer ang kanyang kaibigan sa dalawang canvases - "Geographer" at "Astronomer".

Upang makita ang anumang bahagi sa pagtuon, kailangan mong baguhin ang posisyon ng canvas sa ilalim ng mga projection ray. Ngunit sa kasong ito, lumitaw ang mga pagkakamali sa mga sukat. Tulad ng makikita dito: ang malaking balikat ng "Anthea" Parmigianino (mga 1537), ang maliit na pinuno ng "Lady Genovese" Anthony Van Dyck (1626), ang malaking paa ng isang magbubukid sa pagpipinta ni Georges de La Tour.

Mga error sa aspeto ng ratio

Siyempre, ang lahat ng mga artista ay gumagamit ng mga lente nang magkakaiba. Ang isang tao para sa mga sketch, isang tao na binubuo ng iba't ibang mga bahagi - pagkatapos ng lahat, ngayon posible na gumawa ng isang larawan, at tapusin ang natitira sa isa pang modelo o sa isang manekin sa pangkalahatan.

Si Velazquez ay halos wala ring mga guhit. Gayunpaman, nanatili ang kanyang obra maestra - isang larawan ni Pope Innocent noong ika-10 (1650). Ang mga robe ng papa - halatang sutla - ay may magandang paglalaro ng ilaw. Blikov. At upang isulat ang lahat ng ito mula sa isang pananaw, kinakailangang subukan nang husto. Ngunit kung gumawa ka ng isang projection, kung gayon ang lahat ng kagandahang ito ay hindi tatakas - ang ilaw ay hindi na gumagalaw, maaari kang sumulat nang eksakto sa mga malalawak at mabilis na stroke tulad ni Velazquez.

Nag-aanak si Hockney ng pagpipinta ni Velazquez

Kasunod nito, maraming mga artista ang nakakuha ng isang camera obscura, at tumigil ito upang maging isang malaking lihim. Aktibong ginamit ni Canaletto ang camera upang likhain ang kanyang pananaw sa Venice at hindi ito itinago. Ang mga kuwadro na ito, dahil sa kanilang katumpakan, ginagawang posible na magsalita tungkol sa Canaletto bilang isang dokumentaryo na gumagawa ng pelikula. Salamat sa Canaletto, makikita mo hindi lamang ang isang magandang larawan, ngunit ang kasaysayan mismo. Maaari mong makita kung ano ang unang Westminster Bridge ay sa London noong 1746.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Ang British artist na si Sir Joshua Reynolds ay nagmamay-ari ng isang camera obscura at tila hindi sinabi sa sinuman ang tungkol dito, dahil ang kanyang camera ay natitiklop at mukhang isang libro. Ngayon ay nakalagay ito sa London Science Museum.

Ang camera obscura ay nagkubli bilang isang libro

Sa wakas, sa simula ng ika-19 na siglo, si William Henry Fox Talbot, na gumagamit ng isang camera-lucida - ang isa kung saan kailangan mong tumingin ng isang mata at iguhit gamit ang iyong mga kamay, isinumpa, na nagpapasya na ang gayong abala ay dapat na mawala na sa isang beses at para sa lahat, at naging isa sa mga nag-imbento ng potograpiyang kemikal, at kalaunan ay isang popularidad na gumawa ng napakalaking ito.

Sa pag-imbento ng potograpiya, ang monopolyo ng pagpipinta sa realismo ng larawan ay nawala, ngayon ang larawan ay naging isang monopolyo. At narito, sa wakas, ang pagpipinta ay napalaya mula sa lens, na ipinagpatuloy ang landas na kung saan ito lumipas noong 1400s, at si Van Gogh ay naging tagapagpauna ng lahat ng sining ng ika-20 siglo.

Kaliwa: Ika-12 siglo Byzantine mosaics. Kanan: Vincent Van Gogh, Portrait ng Monsieur Trabuch, 1889

Ang pag-imbento ng potograpiya ay ang pinakamahusay na bagay na nangyari sa pagpipinta sa buong kasaysayan nito. Hindi na kinakailangan upang lumikha ng mga eksklusibong totoong mga imahe, ang artista ay naging malaya. Siyempre, inabot ng publiko ang isang siglo upang makahabol sa mga artista sa kanilang pag-unawa sa visual na musika at ihinto ang pagsasaalang-alang sa mga taong tulad ni Van Gogh na "baliw". Sa parehong oras, ang mga artista ay nagsimulang aktibong gumamit ng mga litrato bilang isang "sanggunian materyal". Pagkatapos ang mga taong tulad ni Wassily Kandinsky, ang Russian avant-garde, Mark Rothko, Jackson Pollock ay lumitaw. Ang pagsunod sa pagpipinta, arkitektura, iskultura at musika ay napalaya rin. Totoo, ang Russian akademikong paaralan ng pagpipinta ay natigil sa oras, at ngayon ay nakakahiya pa rin sa mga akademya at paaralan na gumamit ng litrato upang matulungan, at ang pinakamataas na gawa ay itinuturing na isang pulos panteknikal na kakayahang gumuhit ng makatotohanang hangga't maaari sa mga walang kamay.

Salamat sa isang artikulo ng mamamahayag na si Lawrence Weschler, na naroroon sa pananaliksik nina David Hockney at Falco, isa pang nakawiwiling katotohanan ang isiniwalat: ang larawan ng mag-asawang Arnolfini ni Van Eyck ay isang larawan ng isang mangangalakal na Italyano sa Bruges. Si G. Arnolfini ay isang Florentine at bukod dito, siya ay isang kinatawan ng Medici bank (halos ang mga may-ari ng Florence sa panahon ng Renaissance, ay itinuturing na mga parokyano ng sining ng panahong iyon sa Italya). At sinasabi nito kung ano? Ang katotohanan na madali niyang nakuha ang lihim ng guild ng St. Luke - isang salamin - kasama niya sa Florence, kung saan, ayon sa tradisyunal na kasaysayan, nagsimula ang Renaissance, at ang mga artista mula sa Bruges (at, nang naaayon, iba pang mga masters) ay isinasaalang-alang "primitivists".

Mayroong maraming kontrobersya sa paligid ng teyorya ng Hockney-Falco. Ngunit tiyak na mayroong butil ng katotohanan dito. Tulad ng para sa mga mananalaysay ng sining, kritiko at istoryador, mahirap ding isipin kung gaano karaming mga gawaing pang-agham sa kasaysayan at sining ang naging kumpletong kalokohan, binabago din nito ang buong kasaysayan ng sining, lahat ng kanilang mga teorya at teksto.

Ang paggamit ng optika ay hindi nakakabawas ng mga talento ng mga artista - kung tutuusin, ang pamamaraan ay isang paraan ng paghahatid ng nais ng artist. At sa kabaligtaran, ang katunayan na mayroong isang tunay na katotohanan sa mga kuwadro na ito ay nagdaragdag lamang ng timbang sa kanila - kung tutuusin, ganito ang hitsura ng mga tao sa panahong iyon, mga bagay, lugar, lungsod. Ito ay totoong mga dokumento.