Si Maria callas ay kumakanta tungkol sa rebolusyon sa Pransya. Maria Callas: talambuhay

Mula sa tagasalin

Bago sa amin ay isang libro na hindi pa nai-publish sa Russia: Callas M. Lezioni di canta alla Juilliard School of Music di J. Ardoin (Maria Callas. Aralin sa pag-awit sa Juilliard School of Music). Traduzione di L. Spagnol. - Milano: Longanesi & C., 1988 .-- 313 P.

Ang mga pangyayari sa hitsura ng libro ay itinakda ng publisher sa ibaba, maaari ko lamang idagdag na sa una "Ang Mga Aralin sa Pagkanta sa Juilliard School of Music" ay na-publish sa Ingles, at pagkatapos ay isinalin ito sa Italyano, kung saan ginawa ang salin na ito . Ang istilo ng may-akda ay malinaw na simple. Samakatuwid, sa pagsalin, sinubukan kong iwasan ang mga pagbabago sa syntactic na pagbuo ng mga pangungusap na maaaring makasira sa diwa ng teksto. Ang prologue at paunawa ng publisher ay dinaglat.

Daria Mitrofanova
Saint Petersburg, 2002

Mula sa publisher

Labinlimang taon pagkatapos ng simula ng kanyang karera sa teatro, noong 1965, umalis si Maria Callas sa entablado upang magtrabaho sa kanyang paglilibang sa kanyang sariling tinig at pagnilayan ang mga problema sa pagganap. Makalipas ang ilang taon, sabik na iparating ang kanyang karanasan, tinanggap niya ang isang alok mula kay Peter Mennin, na noon ay pangulo ng Juilliard School of Music sa New York, upang makipagtulungan sa isang pangkat ng mga batang propesyonal na bokalista, na binibigyan sila ng isang serye ng mga aralin upang mapabuti ang kanilang mga kasanayan.

Sa tatlong daang mga aplikante, bilang resulta ng audition na isinagawa ni Callas, dalawampu't limang tao ang napili. Ang kurso ay tumagal ng labindalawang linggo, mula Oktubre 1971 hanggang Mayo 1972, ang mga aralin ay ginanap dalawang beses sa isang linggo. Sa panahon ng klase, pumalit ang mga mag-aaral sa pagganap ng mga sipi mula sa mga opera; sa patnubay ni Maria Callas, pinag-aralan nila nang detalyado ang mga napag-aralang marka.

Ang mang-aawit ay hindi itinakda sa kanyang sarili ang gawain na lumikha ng bagong maliit na "mga callas", ngunit sinubukang ibunyag ang mga indibidwal na katangian at dignidad ng bawat mag-aaral. Hindi niya sinabi simple: "Gawin ito," ngunit, "Gawin ito, dahil ..."

Ang aklat na ito ay maaaring maging lubhang kapaki-pakinabang hindi lamang para sa mga propesyonal na mang-aawit at mag-aaral, kundi pati na rin para sa mga guro.

Para sa iba't ibang mga kadahilanan, hindi lahat ng mga aralin ay kasama sa libro, dahil ang mga publisher ay nakaranas ng ilang mga paghihirap sa paghahanda. Imposibleng maitala lamang ang talumpati ni Callas - ang karamihan sa mga klase ay gaganapin sa mga palabas, hindi sa mga paliwanag. Ang sinusubukan niyang ipahayag sa pamamagitan ng mga halimbawa ng tinig ay dapat isalin sa mga salita. Bilang karagdagan, marami sa payo ni Callas ay tiyak sa mga mang-aawit at sa kanilang partikular na problema. Ngunit sa karamihan ng mga kaso, sinubukan pa rin naming kopyahin ang kanyang pagsasalita nang tumpak hangga't maaari.

Kapag nagtatrabaho sa isang libro, dapat bigyan ng espesyal na pansin ang mga halimbawa ng musikal. Kung ihahambing ang mga ito sa iskor, makikita mo na si Maria Callas ay madalas na gumagawa ng ilang pagbabago sa teksto ng kompositor.

Ang prologue sa librong ito ay isinulat ko batay sa mga panayam na ibinigay sa akin ni Callas at iba pang mga mamamahayag. Kapag nagtatrabaho sa teksto, sinubukan kong istraktura ito na parang ito mismo ang sinasalita ni Callas.

Sa paghahanda ng libro, ginamit ang mga audio recording ng mga aralin, mabait na ibinigay ng kapatid ni M.Kallas na si J.Statopulu-Kalageropoulou.

John Arduan
Dallas, 1987

Prologue

Tulad ng aking guro na si Elvira de Hidalgo, nagsimula akong kumanta ng maaga. Sa palagay ko ang mga kababaihan ay may kaugaliang magsimula nang maaga. Isaisip din na ako ay Greek at si de Hidalgo ay Espanyol. Iyon ay, pareho tayong katutubo ng Mediteraneo; maagang bumuo ang mga batang babae sa rehiyon na ito. Ang karera ng mang-aawit ay itinayo pangunahin sa pagbibinata; darating sa kalaunan ang karunungan. Sa kasamaang palad, hindi kami maaaring gumanap sa katandaan, tulad ng mga conductor, halimbawa. Ang mas mabilis na master natin ang mga pangunahing kaalaman, mas mabilis na makakuha kami ng karunungan.

Si De Hidalgo ay mayroong tunay na paaralan ng bel canto, marahil siya ang huling tagapagmana ng mahusay na pamamaraang ito. Ipinagkatiwala sa kanya ang kanyang pag-aalaga na napakabata, ako ay labintatlo taong gulang lamang, at kailangan niya akong turuan ng mga lihim at paraan ng bel canto. Ang paaralang ito ay hindi lamang "magandang pag-awit". Ang Belcanto ay isang pamamaraan, isang uri ng estritjacket. Nagtuturo siya kung paano lapitan ang isang tala, kung paano atakein ito, kung paano hugis ng isang patatas, kung paano lumikha ng isang kapaligiran, kung paano huminga upang lumikha ng isang pinag-isang impression mula simula hanggang katapusan. Ito ay dapat na parang isang beses kang huminga, kahit na sa totoo lang kumakanta ka ng maraming maliliit na parirala, na paulit-ulit na humihinga sa pagitan.

Si Bel canto ay, una sa lahat, ay nagpapahiwatig. Maganda ang tunog mag-isa ay hindi sapat. Halimbawa, ang harina ang batayan sa anumang cake. Ngunit upang makuha ang resulta, bukod sa iba pang mga sangkap, kailangan mo ng maraming sining. Ang mga mang-aawit sa Conservatory ay natututo ng mga pangunahing kaalaman. Kung ano ang nakakarating namin doon ay ang lahat. Kung ang simula ay matagumpay, sa gayon ay maayos kami habang buhay. Ngunit kung ang pagsisimula ay masama, kung gayon sa paglipas ng panahon mas magiging mahirap na iwasto ang mga hindi magagandang ugali.

Matapos magtapos mula sa conservatory, nagpapatugtog ka ng musika sa tulong ng iyong natutunan. Kaya, inuulit ko, hindi sapat ang magkaroon ng magandang boses. Kailangan mong kunin ang boses na ito at hatiin ito sa isang libong piraso upang maihatid nito ang mga pangangailangan ng musika at pagpapahayag. Sinulat ng kompositor ang sheet music para sa iyo, ngunit dapat basahin ng musikero ang musika sa kanila. Sa totoo lang, nakabatay tayo sa manipis na pagiging maliit. Wala bang mga libro na dapat basahin sa pagitan ng mga linya upang maunawaan ang kanilang totoong kahulugan? Ang mga mang-aawit ay dapat gawin ang pareho sa kanilang mga bahagi; dapat nating idagdag kung ano ang nais ng kompositor, dapat tayong makahanap ng mga kulay at pagpapahayag.

Pag-isipan kung gaano katamad ang magiging si Jasha Kheifetz kung siya ay perpekto sa teknikal lamang. Ngunit siya ay isang mahusay na violinist dahil nagbabasa siya sa pagitan ng mga tala. Para sa isang mang-aawit, ang kasanayang ito ay mas mahalaga pa, sapagkat, bilang karagdagan sa mga tala, mayroon din kaming mga salita na magagamit namin. Kailangan nating magawa ang lahat na ginagawa ng isang instrumentalist, at higit pa. Ito ay isang napaka-seryoso at mahirap na trabaho, at ang talento at pagnanais lamang ay hindi sapat dito, kailangan mo rin ng pagmamahal at isang bokasyon para sa iyong ginagawa. Ito ang pinakamalakas na dahilan para gumawa ng anuman.

Ang trabaho ay hindi kailanman naging napakahirap para sa akin. Sa aking kabataan, palagi kong naramdaman ang labis na pag-iisa; Mas gusto ko ang musika kaysa sa anupaman. Lahat ng bagay na kahit papaano ay konektado sa musika ay nabighani ako. Sa Athens, pinakinggan ko ang lahat ng mga mag-aaral ng de Hidalgo, anuman ang repertoire na kanilang ginampanan: opera, operettas, arias para sa mezzo soprano, para sa tenor. Dumating ako sa conservatory ng alas diyes ng umaga at umalis kasama ang huling mag-aaral. Kahit si de Hidalgo ay nagulat dito. Madalas niya akong tinanong: "Ano ang ginagawa mo dito?" Sumagot ako na maaari mong palaging may matutunan mula sa kahit na pinakamahina na mag-aaral - pagkatapos ng lahat, ang isang mahusay na mananayaw ay maaaring may matutunan mula sa isang artist ng cabaret.

Ang ganitong paraan ng pag-iisip at pag-uugali ay nabuo sa akin nang maaga, ngunit hindi salamat sa aking sarili, ngunit higit sa lahat salamat sa aking pamilya; lalo na ang aking ina, na palaging nag-uutos sa kanya. Napagpasyahan niya na dapat akong maging isang mang-aawit, isang artista. Madalas na sinasabi ng mga ina: "Sinakripisyo ko ang lahat para sa iyo, ngayon kailangan mong maging kung ano ang hindi ako naging sa buhay ko." Kahit papaano ganoon ang nangyari sa aking ina. Tinuruan niya ako mula sa pagkabata na huwag magpadala sa mga emosyon, maliban kung sila ay ganap na kinakailangan, kahit na sa likas na katangian wala akong hilig dito.

Nagpunta kami ng aking ina sa Athens nang ako ay labintatlo taong gulang. Sa una, ipinapalagay na dapat lamang akong mag-aral, at hindi gumanap sa propesyonal na entablado. Gayunpaman, hindi ito nagtagal dahil anim na buwan pagkatapos magsimula ng aking pag-aaral kay de Hidalgo, naimbitahan ako sa National Theatre. Kailangan nila ng isang dramatikong soprano, at tinanggap nila ako sa loob ng isang taon, sa kundisyon na hindi ako kumakanta kahit saan pa. Mismong si De Hidalgo ang nagpanukala ng kondisyong ito. Ang perang kinita ko sa teatro ay pinapayagan akong italaga ang aking sarili sa aking pag-aaral, nang hindi iniisip ang tungkol sa iba pang mga kita.

Inawit ko na ang Rural Honor at Sister Angelica sa Conservatory; mga isang taon at kalahati pagkatapos ng pagsisimula ng trabaho sa teatro, ito ay ang turn ng "Tosca". Ang mga ito ay mahirap na bahagi para sa isang batang babae, ngunit tinuruan ako ni de Hidalgo na huwag matakot sa mga paghihirap ng iskor. Ang boses ay dapat manatiling magaan, at ang tunog ay hindi dapat pinilit, dexterous, tulad ng katawan ng isang atleta. Gustung-gusto kong makamit ang kadalian na ito. Palagi akong nabighani sa pamamagitan ng paglutas ng mga kumplikadong problema. Gusto ko ang hamon. Perpekto, na nalutas ang isang mahirap na problema, ipakita ito sa publiko.

Ang kagaanan na pinagsisikapan ko ay hindi lamang bahagi ng paaralan ng bel canto na itinuro sa akin ni de Hidalgo. Ito ay bahagi ng kanyang pilosopiya, alinsunod sa kung saan ang boses ay dapat na mabuo sa isang lugar kung saan ito ay hindi masyadong malaki sa dami, ngunit may isang malakas na lakas. Ginagawang posible ng pamamaraang ito nang may lubos na kadalian upang maisagawa ang lahat ng biyaya ng bel canto, na sa kanilang sarili ay isang medyo binuo na paraan ng pagpapahayag. Natututunan ng mang-aawit na makayanan ang mga paghihirap sa parehong paraan tulad ng instrumentalist, na nagsisimula sa mabagal na kaliskis at arpeggios, unti-unting nagdaragdag ng bilis at kagalingan ng kamay. Huli na upang malaman ito sa entablado. Ang ganitong uri ng trabaho ay tumatagal ng isang buhay. Habang natututo ka, mas napagtanto mo kung gaano kaunti ang iyong nalalaman. Walang katapusang nahaharap ka sa mga bagong problema at bagong mga paghihirap; at palagi kang nangangailangan ng pagmamahal para sa iyong trabaho at isang masidhing pagnanasang mapabuti.

Ang mga pagtatanghal kung saan nakilahok ako sa Greece ay isang uri ng panahon ng paghahanda; isang karagdagan sa mga taon ng pag-aaral, kung gayon magsalita. Pagkatapos ay napagtanto ko ang aking mga posibilidad. Pagkatapos lamang ng graduation ikaw ay naging isang musikero, ibibigay mo ang iyong instrumento para sa serbisyo ng orkestra. Ang Prima Donna ang pangunahing instrumento ng pagganap. Ito ang natutunan ko kay Tulio Serafina. Ang katotohanan na ang aking pasinaya sa Italya, sa Verona, noong 1947 (ang totoong simula ng aking karera) ay naganap sa ilalim ng kanyang pamumuno, isinasaalang-alang ko ang pinakadakilang tagumpay sa aking buhay.

Ang dami kong nakuha sa lalaking 'to! Tinuruan niya akong maglagay ng ekspresyon at kahulugan sa lahat ng aming ginagawa. Napagtanto ko na ang anumang dekorasyon ay dapat maghatid ng mga interes ng musika: kung talagang nagmamalasakit tayo sa mga hangarin ng kompositor, at hindi lamang sa personal na tagumpay, palagi tayong makakahanap ng kahulugan sa mga trill o kaliskis na maaaring magpahayag ng kagalakan, pagkabalisa o pagnanasa. Sa pangkalahatan, binuksan sa akin ni Maestro Serafin ang lalim ng musika. At kinuha ko ang lahat ng makakaya ko sa kanya. Siya ang unang ganoong konduktor na nakasalubong ko at, natatakot ako, na rin ang huli. Ipinakita niya sa akin na kung hindi mo alam kung ano ang iyong ginagawa at bakit, ang musika ay maaaring maging isang uri ng bilangguan para sa iyo, isang lugar ng patuloy na pagpapahirap.

Sinabi sa akin ni Seraphin ang isang bagay na nanatili sa aking memorya nang walang hanggan: "Kapag kailangan mong makahanap ng angkop na kilos o kilos, sapat na upang tingnan ang iskor; ipinakita na ito ng kompositor sa musika. " At ito ang totoong katotohanan: kung salain mo ang lahat ng iyong tainga at mag-concentrate nang espiritwal (ang utak ay hindi gaanong kasangkot), palagi mong mahahanap ang kailangan mo. Itinuro niya rin sa akin na ang bawat yugto sa isang opera ay dapat na isang perpektong pagsanib sa pagkanta at pag-arte, at pinagsasama ng buong pagganap ang mga yugto na ito. Maaari lamang itong makamit kung gagawin mo nang maayos ang iyong gawain. Kapag umakyat ka sa entablado, dapat walang sorpresa.

Ang aking edukasyon sa teatro ay pulos musikal. Siyempre, itinuro sa akin ni de Hidalgo kung paano ayusin ang aking katawan; para dito ginawa niya akong gumawa ng mga espesyal na ehersisyo, tinuruan niya akong mahulog nang hindi tumatama, na napakahalaga sa entablado. Maya-maya pa, tinanong ko siya kung natural akong naglalaro bilang isang mag-aaral. "Oo," sagot niya sa akin, "labis na natural. Palagi akong hinahangaan, kahit na sa oras na iyon, ang iyong mga kamay at ang iyong likas na kadalian ng paggalaw. Bago ito sa akin. Napagtanto ko kaagad na mayroon kang isang espesyal, likas na likas sa iyo. "

Naalala ko nang mabuti ang mabait na payo na ibinigay sa akin ng isang direktor ng National Theatre: "Huwag itaas ang iyong kamay nang hindi sinusundan ang paggalaw nito sa iyong isipan at puso." Ang kaisipan ay ipinahayag sa halip kakaiba, ngunit ito ay patas. Maaaring sinabi niya rin ito sa iba, ngunit walang sinuman na ganap na sumunod sa payo na ito. Para akong isang espongha: Gusto kong makuha ang sasabihin ng iba at gamitin ang kailangan ko.

Sinabi din sa akin ng direktor na iyon: "Kapag kumanta ka sa isang tao, subukang kalimutan ang mga ensayo, reaksyon na parang naririnig mo ang mga salita sa kauna-unahang pagkakataon." Sinisikap kong mabuti upang magtagumpay sa ito na kung nakalimutan ng aking kasamahan ang teksto, hindi ko ito maipahiwatig. Ang teatro ay dapat na totoo, dapat mayroong palaging isang lugar para sa isang bago. Ito ay tulad ng aming lagda: imposibleng mag-subscribe ng dalawang beses nang eksaktong pareho, ngunit hindi ito pipigilan na maging atin. Sa sining, sa musika, dapat mayroong parehong pagkalastiko, ngunit sa isang tiyak na lawak lamang. Palaging may ilang uri ng limitasyon. Tulad ng sa musika, dapat mayroong isang ritmo sa mga paggalaw. Lahat dapat patunayan. Hindi mo dapat isiping humawak ng isang mahabang tala. Lahat dapat isipin sa istilo ng kompositor. Ano ang style? Masarap lang lasa.

Matapos ang aking pasinaya kasama ang Seraphin sa Italya, kaunti ang nasulat tungkol sa akin. Ako ay isang bagong bagay: ang aking tinig ay nababagabag sa madla, ang aking pag-arte ay nagpapaisip sa kanila. Matapos makinig sa akin, hindi masabi ng mga tao: "Napakaganda ng boses! .. O, anong tala! .. Oh, gaano katamis, kay ganda ... umuwi na tayo." Kabilang sa aking mga kasamahan ay may mga nagsabing: "Napakabuti namin sa pakiramdam nang wala siya, ngayon kailangan naming magtrabaho nang dalawang beses nang mas malaki." Dapat kong sabihin na nagdulot ako ng ilang pagbabago sa aming sining.

Marahil, sa oras na walang pumapansin sa akin, kailangan kong gamitin ang mga serbisyo ng isang manager. Marahil ay kailangan kong magbayad para sa mga kahihinatnan ng wala ito. Pagkatapos ng lahat, may higit pa sa sining kaysa sa kagandahan. Ngunit ako ay isang napaka-independiyenteng tao at nais kong makuha ang nararapat sa akin. Dapat mahalin ako ng madla kung sino ako; kung hindi man walang katuturan na ituloy ang isang karera.

Sa una, ayaw sa akin ng madla, dahil nilabag ko ang masamang tradisyon ng pagpapatakbo. Nang ako ay sumikat, madalas na makipag-ugnay sa akin ang mga tagapamahala at sinabi: "Ganyan at tulad ng isang teatro ay nais kang anyayahan." Sinagot ko sila: "Salamat, ngunit nakipag-ugnay na sa akin, hindi ko na kailangang humingi ng tulong." Ito ay sanhi sa akin ng maraming mga problema, hanggang sa sipol sa teatro. Nais ng mga tagapamahala na gumana sa mga bituin, dahil pinapayagan silang ilagay ang kanilang mga hindi pinalad na ward sa mga sinehan na nais ang mga bituin. Ngunit ano ang kaugnayan ng lahat ng ito sa sining?

Nakamit ko ang mga bahagi sa pamamagitan ng paglalaro ng mga tungkulin na walang nais na gampanan. Ang isang naghahangad na artista ay madalas na gampanan ang lahat ng mga tungkulin kung saan siya ay naimbitahan, kahit na hindi nila siya interesado, at hindi siya nakadarama ng anumang pabor sa kanila. Sa kabila nito, noong una kumakanta ako bawat apat hanggang limang buwan. Nang magawa kong makakuha ng isang bahagi (maging Turandot o Aida), may mga tao na nagsabing: "Ang mga nangungunang tala nito ay mahusay, ngunit ang mga ibaba ay walang silbi." Sinabi ng iba, "Ang gitnang rehistro ay mabuti, ngunit ang nangungunang mga tala ay nakakatakot." Walang kasunduan sa pagitan nila. Ngunit lagi akong nagulat na sinabi nilang lahat: "Siyempre, alam niya kung paano gumalaw sa entablado."

Si Seraphin ang nagbigay sa akin ng isang tunay na pagkakataon. Isang taon pagkatapos ng aking pasinaya sa Verona, hinahanap niya si Isolde para sa isang produksyon sa Venice at inalok ang bahaging ito sa akin. Hindi ko alam ang laro, ngunit dahil sa desperasyon ay pumayag ako. Nakipag-appointment siya sa akin, at kinanta ko ang pangalawang akto mula sa paningin. Naging maayos ang lahat. Pagkatapos ay inamin ko sa kanya na nakita ko ang mga tala sa unang pagkakataon. "Ano ang mahalaga," sabi ni Seraphin, "sa loob ng dalawang buwan malalaman mo ang lahat." Naaalala kong pinilit niya na mag-order ako ng espesyal para sa Isolde, at sa oras na iyon talagang hindi ko ito kayang "Bakit," tinanong ko siya, "kailangan ba talaga?" "Ang unang kilos ng 'Tristan' ay tumatagal ng siyamnapung minuto, at hindi mahalaga kung paano mo mapang-akit ang madla sa iyong boses, magkakaroon sila ng sapat na oras upang tingnan ka mula sa ulo hanggang paa at pag-aralan ang iyong kasuutan nang detalyado. Ang imahe ng entablado ay dapat na kasuwato ng musika. "

Pagkalipas ng isang taon, niyaya ako ni Seraphin sa Venice upang kantahin ang Valkyrie; pagkatapos ay kinanta si Wagner sa Italyano, dahil hindi siya tinanggap ng madla sa Aleman. Sa panahong iyon, nagsagawa rin ang Seraphin ng The Puritans; isang epidemya sa trangkaso ang bumagsak sa kanyang soprano. Si Signora Serafin, na naririnig akong kumakanta sa "The Voice is Here ...", ay hiniling sa akin na kantahin ito sa harap ng aking asawa nang bumalik siya sa hotel. Nagawa ko. Kinabukasan, halos sampu, pagkatapos ng aking pangalawang Valkyrie, tumunog ang aking telepono sa aking silid. Ito ay si Maestro Seraphin. "Bumaba ka sa aking silid sa lalong madaling panahon," sinabi niya sa akin. "Maestro, ngunit hindi pa ako nakadamit at nagsuklay, bigyan mo ako ng kalahating oras." "Hindi bale, dumating kung ano ito."

Ang Seraphin ay hindi maaaring tanggihan, sa mga araw na iyon nararamdaman namin ang isang tunay na paggalang sa mga conductor. Sinuot ko ang robe ko at bumaba sa kanya. Nakaupo ang director ng teatro sa kanyang silid. "Kantahin mo ang aria na kinanta mo kagabi," utos sa akin ni Seraphin. " Kumanta ako. "Makinig, Maria," sinabi niya sa akin nang matapos ako, "sa susunod na linggo ay kumakanta ka ng Puritan. "Ngunit imposible ito," sagot ko, "kailangan kong magsagawa ng ilan pang mga Valkyries; bukod sa iba pang mga bagay, nakakatawa, ang bigat ng boses ko. " "Tinitiyak ko sa iyo, magagawa mo ito," sabi ni Seraphin.

Sa gayon, naisip ko, kung ang nasabing karanasan at may karanasan na tao tulad ng sinabi ni Seraphin, nakakaloko na tanggihan. Sumagot ako: "Okay, maestro, susubukan ko." Habang kinakanta ko si Brünnhilde, nagawa kong malaman ang bahagi ng Elvira. Bata pa ako, at ang mga kabataan ay nagkakahalaga ng peligro. Ngunit alam ko na mayroon akong magandang pundasyon sa likuran ko, ang bel canto school, at maniwala ka sa akin: ang bel canto ay kinakailangan para kay Wagner tulad ng para kay Bellini. Sa madaling salita, handa akong gawin ang hamong ito. Walang inaasahang sorpresa.

Kapag natutunan mo ang isang bagong bahagi, kailangan mong matutunan ito nang eksakto tulad ng isinulat ng kompositor. Sasabihin sa iyo ng konduktor kung anong mga bill ang ginawa niya, at kung may mga cadence, sasabihin niya sa iyo kung ano ang dapat. Isang responsableng musikero ang gagawa sa kanila sa diwa ng musika. Ang Bellini ay naiiba mula sa Donizetti, at ang Donizetti ay naiiba mula kay Rossini.

Kapag natutunan mo na ang mga tala, dapat mong subukang i-play ang mga salita sa paraang makahanap ng likas na ritmo sa kanila. Hindi ko ibig sabihin ang musika, nakasulat na, ngunit ang bigkas. Ito ay lalong mahalaga para sa mga recitatives at pagpapakilala sa arias. Ang mga recitatives ay madalas na mahusay sa kanilang sarili, ngunit palaging napakahirap nilang makabisado, mahirap makahanap ng tamang ritmo. Naiintindihan ko ang kahalagahan ng recitative sa oras ng aking unang "Norma", na inihanda ko kasama si Seraphin. Matapos ang unang pag-eensayo, sinabi niya sa akin: "Ngayon umuwi ka, mahal kong Callas, at sanayin ang mga linyang ito, tingnan natin kung anong mga sukat, anong ritmo ang maaari mong makita. Dapat mong obserbahan kung ano ang nakasulat, ngunit subukang maging malaya hangga't maaari, subukang makahanap ng isang libreng ritmo ng recitative. "

Ang pagsasagawa ng mga recitatives ay isang halimbawa ng sining ng rubato. Ang pangunahing katangian ng musikang Italyano ay ang libreng paggalaw, gaano man ito kabagal. Imposibleng matutunan ito sa isang araw o isang linggo. Sa palagay ko hindi ito maaaring ganap na mapangasiwaan lahat.

Sa panahon ng pag-aaral ng musika (sa oras na ito kailangan mo lamang isipin ang katotohanan na dalawang beses dalawa ay apat), kailangan mong magkaroon ng isang mahusay na tagapagturo-tutor na magiging matindi, palaging ipaalala ang kahulugan ng bawat tala, at ay hindi mawawala ang paningin ng kahit ano. Kailangan mong magkaroon ng maraming lakas ng loob at makinig sa kanyang payo, dahil sa mas mahusay na kumanta tayo, mas mababa ang nais nating maitama. Minsan nagagalit ka, lalo na sa iyong sarili, at iniisip: "Maaari ko itong maabot." Kadalasan, ang mga pagkakamali ay bunga ng hindi magagandang ugali, tulad ng ugali ng paghila ng mga salita, o labis na pagbibigay diin sa panghuling pantig. Kadalasan hindi mo na binibigyang pansin ang mga pagkakamali na ito, samakatuwid, dapat mayroong isang taong gagawa nito para sa amin.

Matapos ang partido ay natutunan sa lahat ng mga bahagi nito, maaari kang makakuha ng trabaho. Palagi akong pumupunta sa lahat ng pag-eensayo, kahit na hindi ako tinawag, upang "masanay sa musika." Dapat itong gawin, simula sa unang pag-eensayo, upang masubukan ang iyong mga kakayahan at iyong lakas; Isinasaalang-alang ko rin na kinakailangan na palaging kumanta ng malakas. Matapos ang unang yugto ng pag-eensayo, maaari kang magsimula sa tunay, seryosong trabaho at punan ang partido ng mga nawawalang mga nuances. Hanggang doon, isang magaspang na sketch lamang ang maaaring gawin. At ang mga pag-eensayo lamang sa harap ng madla ang makakatulong upang maidagdag ang hindi nakikita na nasa musika.

Karamihan sa gawain ay pagsamahin ang kilusan at musika upang likhain ang tauhan. Nahanap ko ang karakter ng tauhan sa musika, hindi sa libretto, kahit na ang mga lyrics ay napakahalaga. Sa anumang kaso, ang katotohanan ng imahe ay nagmula sa musika. Sa paglipas ng panahon, ang imahe ng aming karakter ay nagiging mas malalim, kung, syempre, kami ang uri ng mga tao na gustong lumaki at hindi tumahimik. Halimbawa, ang aking Medea ay nagbago nang malaki. Sa una ay napansin ko siya bilang isang napaka-static na pigura, isang barbarian na nilalang na alam kung ano ang nais nito mula pa sa simula. Sa paglipas ng panahon, ginawan ko siya ng mas maraming tao, kahit na hindi gaanong malupit. Ang kanyang pangangatuwiran ay patas kung dahil lamang sa Iason ay sa anumang kaso kahit na mas masahol pa kaysa sa kanya. Samakatuwid, sinubukan kong ilantad ang kanyang pambabae na kakanyahan, kasama ang tulong ng kanyang buhok at mas malambot na paggalaw. Nais kong gawin siyang mas buhay, mas kaakit-akit.

Ang aking La Traviata ay nagbago din, si Norma sa isang mas kaunting sukat. Tungkol kay Violetta, unti-unti kong napagtanto na hindi pinapayagan ng kanyang karamdaman na lumipat siya nang malaki o mabilis. Napansin ko rin na mas kaunti ang paggalaw niya, lalo na sa pangatlo at pang-apat na kilos, mas maraming panalo ang musika. Sa huling pagkilos, upang hindi siya tila masyadong matigas, nakakita ako ng maliliit, tila walang silbi na mga paggalaw para sa kanya. Halimbawa, nang sinubukan niyang kumuha ng salamin o iba pa mula sa night table, ang kanyang kamay ay walang lakas na nahulog, hindi makagalaw. Sa huling kilos, ang paghinga ay dapat na maging mas maikli at ang kulay ng boses ay mas pagod pa kaysa dati. Pinagsumikap kong hanapin ang tamang kulay para sa tunog. Matagal bago ko ito nagawa, at naranasan ko ang pakiramdam na parang nakasabit ako sa isang marupok na thread na maaaring masira anumang oras.

Kailangan nating maghanap ng bago sa lahat ng oras at hikayatin ang publiko na maniwala sa ating ginagawa. Ang Opera ay isang patay na anyo ng pagpapahayag, sa diwa na ngayon mahirap tanggapin kapag ang isang tao ay simpleng kumakanta ng "Mahal kita" o "Ayaw kita." Maaari mong sabihin ito o isigaw ito - hindi naka-istilong kumanta. Gayunpaman, kailangan naming tanggapin ang madla na tanggapin ang aming trabaho, at ang tanging paraan upang magawa ito ay upang magdala ng sariwang hangin sa opera. Kailangan nating ihinto ang musika na masyadong mahaba ang inilabas, kailangan nating gawin ang ating mga paggalaw bilang kapanipaniwala hangga't maaari, kailangan nating lumikha ng isang kapaligiran kung saan mayroong isang lugar para sa pag-unawa. Ang lahat ay dapat na maging totoo hangga't maaari sa loob ng mga limitasyong itinakda ng kompositor.

Ngunit madalas na kailangang magsimula tayo mula sa dalawang magkasalungat na pananaw: ang interpreter, na nagsisilbi sa kompositor, at ng madla, na nakikinig. Dapat nating subukang unawain kung saan nagkamali ang kompositor at kung paano namin siya matutulungan na maabot ang madla. Ang buhay, pagkatapos ng lahat, ay nagbago mula pa noong mga araw ng Verdi o Donizetti. Magkakaiba ang damit ng mga tao, magkakaiba ang tingin. Ang tanging bagay na hindi nagbago ay malalim at taos-pusong damdamin: palagi silang umiiral, ngunit nagpapatuloy ang buhay, at nagpapatuloy dito ang opera. Dapat tayong magbago sa buhay kung nais nating maglingkod sa isang kompositor. Para sa kadahilanang ito, kumbinsido ako sa pangangailangan ng mga bayarin. Ang pag-uulit ng isang himig ay halos hindi kinakailangan. Kung mas mabilis kang umabot sa punto, mas mabuti. Huwag kailanman ipagsapalaran ito nang dalawang beses. Mayroong, syempre, mga pagbubukod. Sa Somnambul ay inulit ko nang dalawang beses: "Ah! Hindi ito pupunta ", sapagkat, upang maging matapat, ito ay isang mabisang fragment, isang pagpapahayag ng kagalakan at kaligayahan, ang dalisay na pagbigkas ay nabigyang-katwiran sa kasong ito. Ngunit kapag inuulit mo ito, palaging kailangan mong baguhin ang musika nang kaunti upang maging kawili-wili ito sa publiko. Naturally, dapat itong gawin nang may mahusay na panlasa at sa estilo ng kompositor.

Upang ipahayag ang lahat ng iyong natagpuan sa iskor ay naging isang uri ng gamot. Nakikipag-usap sa publiko, nahulog ka sa isang pambihirang pagkalasing, kung saan nahahawa ka sa lahat sa paligid mo. Sa anumang kaso, sa pagtatapos ng araw o pagganap, kailangan mong tumingin sa loob ng iyong sarili at sabihin: "Sa gayon, nagtagumpay tayo sa ito at niyan." At kaagad kailangan mong kalimutan ang tungkol sa iyong mga tagumpay at isipin kung paano itama ang mga pagkakamali. Marahil ako ay masyadong malupit, ngunit, para sa akin, ito ay mas mahusay kaysa sa pamamahinga sa aming mga karangalan - ito ang pagtatapos ng mahusay na sining. Kapag nasiyahan ka sa iyong ginagawa, walang lugar para sa pagpapabuti.

Ang aking pinakamalaking kamalian ay na ako ay isang nakakatakot na pesimista. Madalas kong iniisip na hindi ako may kakayahang gumawa ng isang bagay nang maayos, at samakatuwid sinisikap kong gumawa ng mas mahusay pa. Ngunit may isang panganib sa paghabol sa pinakamahusay na posibleng resulta na hindi mapigilan ang lakas ng loob: maaari mong sirain ang mabuti sa pamamagitan ng pagkawala ng kontrol o labis na labis. Maging ganoon, isang maasikaso, matigas at makahulugang pagtingin sa ginagawa mo ang pinakamahusay na katulong ng artista.

Ngunit, tulad ng nakikita ko, kakaunti ang mayroon nito. Ngayong mga araw na ito ay may ilang mga tao na talagang handa na kumanta. Hindi ko ibig sabihin na sabihin na walang magagandang tinig; ngunit iilang boses ang may sapat na sapat na pag-aaral upang kumanta ng mga mahirap na bahagi. Ang mga mang-aawit ay nangangailangan ng karanasan na imposibleng makuha kung nagsimula kang kumanta sa Metropolitan o La Scala. Nakuha ang karanasan sa maliliit na sinehan, nagsisimula sa pinakamaliit na papel. Hindi ito isang trabaho na nasisiyahan kaming gawin. Ngunit pagkatapos nito, sa mga yugto ng magagaling na sinehan, handa na kami para sa magagandang laban. Walang lugar para sa mga amateur sa aming trabaho.

Ang Opera ang pinakamahirap na porma ng sining. Upang magtagumpay dito, hindi sapat na maging isang first-class na mang-aawit; kailangan mo ring maging isang artista sa unang klase. Walang katuturan na sabihin na kinakailangan upang makahanap ng isang karaniwang wika sa mga kasamahan (una sa lahat kasama ang konduktor, pagkatapos ay sa iba pang mga mang-aawit at, sa wakas, kasama ang direktor), dahil ang opera ay isang mahusay na pagkakaisa kung saan ang bawat isa ay gumaganap ng pangunahing papel

Sumang-ayon ako na gawin ang kursong ito upang matulungan ang mga mang-aawit na magsimula sa isang mahusay na pagsisimula. Naturally, ang problema sa maraming mga mang-aawit ay sumasang-ayon sila sa mga kontrata bago sila makakuha ng tunay na pagsasanay; sa sandaling nasa entablado, maaaring maging mahirap na bumalik sa paaralan. Ang kababaang-loob ay isa sa kataas-taasang mga birtud ng isang mang-aawit. Nais kong iparating sa mga kabataan kung ano ang magagaling na conductor, itinuro sa akin ng aking mga guro, at lalo na ang natutunan ko sa aking sarili, at ang aking pag-aaral ay hindi pa natatapos. Sa palagay ko mayroon akong isang uri ng likas na intuwisyon tungkol sa musika, ngunit bukod doon, palagi akong nagkakaroon ng problema upang malaman ang hangarin ng kompositor. Huwag kalimutan na performer lamang kami sa serbisyo ng kompositor, at gumagawa kami ng napakahusay na trabaho. Bilang karagdagan, dapat igalang ang magagaling na mga eksena na may mahusay na tradisyon.

Sa aming trabaho, hindi mo dapat hawakan ang "vocal capital", ang interes lamang ang maaari naming magamit mula rito. Kung mahusay kang maglingkod sa sining, darating ang lahat: ikaw ay magiging mayaman, dakila at sikat. Ngunit ito ay pagsusumikap: dati, habang at pagkatapos.

Gayunpaman, mayroon din kaming mga pribilehiyo. Pakiramdam ko espesyal ako dahil naiparating ko sa publiko ang katotohanan ng aking kaluluwa at ang katotohanan ng aking puso at nakita kong tinanggap ito. Ngunit ginawa ko ang dakilang kapangyarihang ito upang makapaglingkod sa isa sa pinakadakilang sining - musika.

Sa kanyang buhay, naging maalamat ang kanyang pangalan. Hinahanga siya, kinatakutan. Gayunpaman, para sa lahat ng kanyang henyo at kontradiksyon, palagi siyang nanatiling isang babae na nais na mahalin at kailangan.

Ano ang nakamit at nawala ni Maria Callas, isa sa pinakatanyag na mang-aawit ng opera ng ika-20 siglo?

Bilang isang bata, si Maria ay mataba at pangit. Ngunit ang batang babae na ito ay biglang nagpakita ng totoong talento. Sa edad na walong, umupo siya sa piano, at agad itong naging malinaw: ipinanganak siyang maiugnay sa musika. Hindi pa talaga pinagkadalubhasaan ang notasyong pangmusika, matagumpay na niyang napili ang iba't ibang mga himig sa piano.

Sa sampu, kinanta ni Maria ang kanyang unang arias mula sa opera ng Bizet na Carmen. Sa paggawa nito ay nagulat siya ng kanyang ina, na dating pianista, ng marami. Sinimulang hikayatin ng mga Ebanghelyo ang pagganap ng kanilang bunsong anak na babae sa lahat ng mga uri ng konsyerto at matinees ng mga bata.

Noong 1934, ang sampung taong gulang na si Maria ay lumahok sa pambansang kumpetisyon sa radyo ng mga amateur na mang-aawit, pumalit sa pangalawang puwesto at tumatanggap ng isang relo ng relo bilang isang regalo.

Unang tagumpay

Naniniwala na mahirap na magtagumpay sa Amerika, ihatid ng ina ang labintatlong taong gulang na Maria sa Greece. Doon, mabilis na natutunan ni Callas ang isang ganap na hindi pamilyar na wikang Greek at, na nalilito na siya ay labing-anim na, ay pumasok muna sa National Conservatory, at makalipas ang dalawang taon - sa Athens. Ang kanyang bagong guro ay ang tanyag na mang-aawit, ang may-ari ng kamangha-manghang coloratura soprano na si Elvira de Hidalgo, na kalaunan ay pinalitan ang kanyang ina at ang kanyang mga unang kaibigan.

Noong 1940, nag-debut ang Callas sa entablado ng Athens National Opera. Ang isa sa mga nangungunang mang-aawit ng teatro ay biglang nagkasakit, at si Maria ay inalok ng nangungunang papel sa opera ng Puccini na Tosca. Sa sandali ng pagpunta sa entablado, ang isa sa mga manggagawa ay malakas na sinabi: "May kakayahang awitin ba ang gayong elepante?" Nagreact agad si Maria.

Walang sinumang nagkaroon ng oras upang mapag-isipan, dahil ang punit na shirt ng nagkasala ay naglalabas na ng dugo mula sa kanyang sariling ilong. Hindi tulad ng bobo na manggagawa, natuwa ang madla na marinig ang magandang pagganap. Ito ay nai-echo ng mga kritiko, na nag-post ng papuri at mabuting tala sa kanilang mga pahayagan kinabukasan.

Noong 1945, nagpasya si Maria na bumalik sa Amerika, kung saan naghihintay sa kanya ang kanyang ama at ... kawalan ng katiyakan.

Milyunaryong mula kay Verona

Ang tagumpay sa Greece ay naging halos wala para sa mga tagalikha ng Amerika. Matapos ang dalawang taon ng kabiguan, nakilala niya si Giovanni Zenatello, na inalok sa kanya ang papel na La Gioconda sa opera ng parehong pangalan. At sa mahabang panahon, ang buhay ni Mary ay konektado sa Italya.

Nasa Verona na nakilala niya ang lokal na industriyalista na si Giovanni Batista Meneghini. Dalawang edad ang edad niya at masidhing minamahal ang opera, at kasama niya, at Maria. Sa buong panahon, nagdala siya ng mga malalaking bouquet ng bulaklak tuwing gabi. Sinundan ito ng mga pagpapakita at deklarasyon ng pag-ibig. Ganap na ipinagbili ni Giovanni ang kanyang negosyo at inialay ang sarili kay Callas.

Noong 1949, lumagda si Maria Callas kasama ang milyonaryo na Verona. Ang Batista ay naging lahat para kay Maria - kapwa isang matapat na asawa, at isang mapagmahal na ama, at isang mapagmahal na tagapamahala, at isang mapagbigay na tagagawa. Sumang-ayon din si Meneghini sa kilalang konduktor na si Tullio Serafin na kumuha ng pagsasanay sa kanyang asawa. Si Tullio ang tumuklas sa Callas para sa entablado ng mundo at kasunod na mga henerasyon ng mga mahilig sa klasikal na musika. Noong 1950, pinag-uusapan na ito ng buong mundo. Inanyayahan siya ng maalamat na Milanese Teatro alla Scala, sinundan ng Covent Garden ng London at Metropolitan Opera ng New York.

Kontradiksyon ng imahe

Sa pagkakaroon ng kasikatan, nagsisimula si Callas na bumuo ng kanyang bagong imahe sa entablado, na siyang magiging tanda niya sa susunod na dalawampung taon.

Nagpunta siya sa isang hindi pa nagagawang diyeta, bilang isang resulta kung saan namamahala siya na mawalan ng tatlumpu't limang kilo. Ang character niya ay sumailalim din sa metamorphoses.

Si Callas ay palaging masipag at maselan pagdating sa sining. Nagalit siya kung nakita niya na ang isang tao ay nagbibigay ng mas kaunti sa sining kaysa sa ginawa niya. Noon na nakakuha ng reputasyon si Callas bilang isang brawler.

Ang sitwasyon ay kumplikado ng mga tagapangasiwa: naniniwala sila na si Maria ay dapat palaging nasa kalagayan. Ang eskandalo ay sumabog nang ang pangulo ng republika ay dumating sa paggawa ng Norma sa Roma. Bago pa man magsimula ang pagganap, pakiramdam ni Maria ay hindi maganda ang katawan at inalok na palitan siya ng isa pang gumaganap, ngunit pinilit ng pagganap ng teatro na gumanap. Ang pagbigkas ng unang kilos kahit papaano ay lalong nagpalala sa kanya. Upang hindi tuluyang mawala ang kanyang boses, tumanggi si Maria na ipagpatuloy ang pagganap. Gayunpaman, ipinakita ng newspapermen ang lahat sa kanilang sariling pamamaraan.

"Hindi pinapansin ang aking kalusugan, sinimulan nilang pag-usapan ang aking masamang karakter na may lakas at pangunahing,"

- Sasabihin mamaya ni Callas.

Mahalagang sandali

Ang iskandalo sa Roma ay nagsimula sa pagbagsak ng career ng magaling na mang-aawit. Isang araw bago ang premiere ng opera na Pirate ni Bellini, sumailalim sa operasyon si Callas. Ang panahon ng pagbawi ay napakahirap. Walang kinain si Maria at halos buong tuluyang tumigil sa pagtulog. Sa kabila ng kalubhaan ng kanyang kalagayan, pumasok siya sa yugto ng La Scala at, tulad ng dati, ay walang maihahambing. Sinimulang batiin ng madla ang kanilang dyosa. Ngunit iba ang naisip ng pamamahala ng teatro.

Sa pinakadulo ng tuktok, kapag handa na si Maria na lumabas mula sa likod ng mga kurtina, isang kurtina na bakal na iwas sa sunog ang nahulog sa entablado, ganap na pinoprotektahan siya mula sa masigasig na manonood. Para kay Callas, ito ay isang hindi malinaw na pag-sign.

"Para bang sinasabi nila sa akin:" Lumabas ka! Tapos na ang palabas! "

- inamin niya sa isang panayam. Sa isang mabibigat na puso, iniiwan niya ang Italya at ituon ang kanyang enerhiya sa pagganap sa Amerika.

Ang krisis sa aktibidad na propesyonal ay sumabay para kay Maria na walang gaanong mga dramatikong kaganapan sa kanyang personal na buhay. Si Batista Meneghini ay naging isang mahusay na impresario, ngunit hindi ang pinakamatagumpay na asawa. Ang kanyang pag-uugali kay Callas ay mas katulad ng isang pag-aalala ng ama kaysa sa ganap na pagmamahal ng isang lalaki para sa isang babae.

Ginintuang Griyego

Noong 1958, naimbitahan si Maria kasama ang kanyang asawa sa taunang bola ng Venetian na hinanda ng Countess ng Castelbarco. Kabilang sa iba pang mga panauhin, naroroon din ang haring tanker ng Greece na si Aristotle Onassis at ang kanyang asawang si Tina. Palaging nagmamahal sa lahat ng maganda at tanyag sa mundo, naintriga si Ari ng opera diva.

Sinusubukang alindog si Callas, gumamit si Onassis ng kanyang paboritong taktika - inimbitahan niya si Maria at ang kanyang asawa sa kanyang marangyang yate na "Christina". Sinabi ni Callas na malugod niyang tatanggapin ang paanyayang ito, ngunit kailangan niyang ipagpaliban sa ngayon dahil sa kanyang abala sa iskedyul ng paglilibot. Halimbawa, gaganap siya ngayon sa Covent Garden ng London. Palaging nagmamalasakit ng paghamak sa opera, labis na ikinagulat ni Aristotle ang kanyang asawa nang mabilis niyang sinabi: "Tiyak na nandiyan tayo!"

Nang marinig ito, naranasan ni Giovanni ang isang kakaibang pakiramdam ng takot at panghihinayang, na parang binibigkas ang simula ng pagtatapos ng kanilang buhay may-asawa. Napakaraming pagkakapareho sa pagitan ng mga kamag-anak na kaluluwa ng Greece nina Aristotle at Mary. Tila natagpuan nila ang isa't isa sa walang katapusang pag-ipo sa buhay na ito.

Si Signor Meneghini ay hindi nalinlang ng mga forebodings. Tulad ng ipinangako, dumalo siya sa premiere, nag-oorganisa ng isang napakarilag na piging bilang parangal sa opera diyosa pagkatapos ng pagganap. Isang daan at animnapung tao - ang pinaka-makabuluhan at maimpluwensyang mga tao sa United Kingdom - ay nakatanggap ng isang paanyaya, na nabasa: "Sina G. at Gng. Onassis ay may karangalan na anyayahan ka sa hapunan sa Dorchester Hotel sa Hunyo 17 noong 11.15 ng gabi. " Nagpadala din si Ari ng apatnapung pinakatanyag na mga tiket ng mga panauhin para sa pagganap mismo, na nagkakahalaga ng kanilang timbang sa ginto sa oras na iyon.

Ang pagdiriwang ay tumagal hanggang umaga. Sa pagtatapos ng salu-salo, si Maria, gayunpaman ay nagbigay-diin sa presyur ni Onassis, sumang-ayon na tanggapin ang kanyang paanyaya sa isang paglalakbay sa Mediteraneo. Pag-apak sa deck ng "Christina", humakbang si Maria sa isang bagong panahon sa kanyang buhay.

Ang marangyang yate, mas katulad ng isang lumulutang na museo kaysa sa isang sasakyan, ay tumulak mula sa pantalan sa Monte Carlo para sa isang tatlong linggong marinlang paglalayag. Hindi lang si Callas ang panauhing pandangal sa cruise na ito.

Bilang karagdagan sa kanya, ang dakilang Winston Churchill ay naroroon din kasama ang kanyang asawang si Clementine, anak na si Sarah, personal na manggagamot na si Lord Moran at minamahal na kanaryo na si Toby. Kapag ang Christina ay nakadaong sa Delphi, ang kilalang kumpanya ay gumawa ng isang kaaya-ayang lakad papunta sa Temple of Apollo. Ang bawat isa ay nasa mabuting espiritu, namimighati sa pag-asa ng mga tanyag na hula.

Ngunit sa pagkakataong ito, tinamaan ng Delphic Oracle ang bawat isa sa katahimikan. At ano ang hinulaan niya? Ang patriyarka ng pulitika sa mundo, si Sir Winston Churchill, ay naghihintay para sa pagtatapos ng kanyang buhay, si Tina - isang diborsyo mula kay Aristotle, si Onassis mismo - ang pagkamatay ng kanyang anak na lalaki at isang hindi matagumpay na pag-aasawa kasama si Jacqueline Kennedy, Maria - ang malagim na pagtatapos ng isang bituin karera, Giovanni Meneghini, na isinakripisyo ang lahat para sa kanyang asawa, - isang iskandalo na diborsyo at malungkot na alaala ng dating kaligayahan. Hindi na kailangang sabihin, ang Delphic oracle ay kumilos nang matalino.

Sa panahon ng cruise, ginamit ni Onassis ang lahat ng kanyang kagandahan upang akitin si Maria. At sumuko siya ... At kaagad, hindi sanay na itago ang kanyang saloobin at damdamin, iniulat niya ito sa kanyang asawa:

“Tapos na ang lahat sa pagitan natin. Nababaliw ako kay Ari. "

Sa awa ni Eros

Ang pakikipag-ugnay kay Aristotle Onassis ay ang pinaka-nakaganyak sa buhay ng isang dyosa ng opera. Naging kauna-unahan niyang pag-ibig, kasing lakas ng belated.

Sinubukan ni Maria na tuklasin ang lahat ng aspeto ng buhay ng kanyang minamahal. Hindi tulad ng kanyang unang asawa, si Maria ay maaaring lumakad sa galley bago tanghalian nang walang anumang babala at personal na panoorin ang proseso ng pagluluto.

Ang pagkahumaling na ito ay nagdulot ng maraming pagkabalisa sa chef na si Onassis, Clement Miral. Lalo siyang kinilabutan nang Callas, na may hangin ng isang sopistikadong gourmet, binuhat ang takip ng ilang masarap na ulam at, isawsaw ang isang piraso ng tinapay dito, natikman ito. Sa nagtatakang tanong ni Miral kung ano ang sasabihin niya sa kanyang boss kapag nakakita siya ng mga piraso ng tinapay sa kanyang plato, walang galak siyang sumagot:

"Sabihin mo sa kanya kasalanan ng kanyang bagong mistress!"

Nang ang impormasyon tungkol sa relasyon sa pagitan ng Callas at Onassis ay leak sa press, isang sekular na iskandalo ang sumabog.

Ang asawa ni Onassis na si Tina ay agad na dinala ang kanyang mga anak - 12-taong-gulang na Alexander at 9-taong-gulang na si Christina - at nawala sa hindi alam na direksyon. Nakorner, sa labas ay nanatiling kalmado si Onassis at sinagot ang mga katanungan ng mga reporter:

"Ako ay isang marino at ang ganitong uri ng bagay ay maaaring mangyari sa mga marino paminsan-minsan."

Malalim sa kanyang kaluluwa, nag-alala si Ari tungkol sa sitwasyon. Napag-alaman sa pamamagitan ng kanyang mga channel na nagtatago si Tina kasama ang kanyang ama, ang may-ari ng barkong Greek na si Stavros Livanos, sinimulan ni Aristotle na kinubkob ang kanyang asawa, sinusubukang ipaliwanag na si Callas ay isang matalino at mapagmahal na kasintahan lamang para sa kanya, tinutulungan siya sa paglutas ng mga isyu sa negosyo. Malamang na hindi makapaniwala si Tina ng isang halatang kasinungalingan. At kinabahan si Meneghini nang mapagtanto niyang hindi na siya babalik sa kanya. Ang mga inabandunang asawa - sina Giovanni at Tina - ay nagsampa para sa diborsyo.

Maraming maimpluwensyang kaibigan ni Aristotle ang nasangkot sa iskandalo na mataas ang profile. Kahit na ang isang matalik na kaibigan ni Onassis, Whiston Churchill, sinubukan nilang makisali sa isang pangit na showdown. Ngunit ngumuso lang siya sa hindi nasisiyahan at bumulong ng isang bagay na hindi masyadong malinaw sa kanyang sarili. Ang mga isyu ng pamilya at pag-aasawa ay palaging nangangahulugang maliit sa buhay ng patriyarka ng pulitika sa mundo, ngunit sa pagsisimula ng katandaan, nabibigatan ng pagkalungkot at pagkalungkot, walang ganap na lugar na natitira para sa kanila.

Hindi ito ang pinakamahusay na oras para sa parehong Onassis at Maria. Si Aristotle ay nagtapon sa pagitan ng dalawang kababaihan, habang sinubukan ni Maria na masanay sa kanyang bagong papel na ginang. Ang kanilang mga damdamin ay tila sinubukan para sa lakas.

At nilampasan nila ang pagsubok na ito nang may karangalan. Noong 1960, kapwa naging malaya.

Libreng paglangoy

May pag-asa si Maria sa mga pagbabagong naganap. Sa wakas, siya ay nabibilang sa kanyang sarili at sa ibang tao, napakahalaga at minamahal. Nagtapat siya:

"Natapos ako ng masyadong mahaba kasama ang isang tao na mas matanda kaysa sa akin, nagsimula pa sa tingin ko na tumatanda na ako nang maaga. Ang aking buhay ay lumipas na parang sa isang hawla, at noong una ko lamang nakilala si Aristo at ang kanyang mga kaibigan, na sumasalamin sa lahat ng pagkakaiba-iba ng buhay, na ako ay naging isang ganap na naiibang babae. "

Nagbukas bago ang kanyang mga bagong abot-tanaw. At di nagtagal natuklasan ni Callas na siya ay buntis. Ang isang bagong kabanata ay nagsimula sa libro ng kanyang buhay, ang mga natatanging tampok na kung saan ay magiging ginhawa sa bahay, masasayang hiyawan ng mga bata at banayad na yakap ng kanyang minamahal na lalaki. At ang trabaho - ang kanyang paboritong trabaho - ay hindi mapigilang maghiganti sa mang-aawit para sa hindi pag-iisip. Bigla, ang kanyang di malilimutang boses ay nagsimulang magbago, at wala siyang magawa tungkol dito. Makalipas ang maraming taon, sasabihin ni Maria:

"Sa kauna-unahang pagkakataon na mayroon akong mga kumplikado, at sinimulan kong mawala ang dati kong tapang. Ang mga negatibong pagsusuri ay nagkaroon ng isang kakila-kilabot na epekto, na humantong sa akin sa isang malikhaing krisis. Ito ang kauna-unahang pagkakataon na nawalan ako ng kontrol sa sarili kong boses. "

Higit sa dati, kailangan ng Callas ng tulong, payo at suporta. Bumaling siya sa taong pinakamalapit sa kanya - Aristotle. Ngunit mukhang ito ay isang hindi matagumpay na kandidato. Si Onassis ay masyadong malayo sa mga problema sa sining at sakit ng isip ng kanyang minamahal. Ang isang magkasanib na bata ay maaaring baguhin ang sitwasyon, ngunit kahit dito si Callas ay nasa isang mapait na pagkabigo. Ang batang lalaki, na pinangalanan niyang Omero, ay isinilang na patay. Isa lamang ang dapat niyang gawin: subukang mabawi ang dati niyang kaluwalhatian at pakasalan si Aristotle, makuha ang katayuan ng isang opisyal na asawa at kasambahay.

Unang ginang

Matapos ang masakit na paglilitis sa diborsyo, nagsimulang lumitaw na magkasama sina Aristotle at Mary sa lipunan nang walang pag-aatubili. Ang isa sa mga saksi sa kanilang susunod na petsa sa night club ng Monte Carlo ay inalala:

“Hindi sila makasayaw ng pisngi sa pisngi dahil mas matangkad si Miss Callas kaysa kay G. Onassis. Samakatuwid, kapag sumayaw sila, naiiling ni Mary ang kanyang ulo at bahagyang kinurot ang mga tainga ng kasuyo sa mga labi, at dahil dito ay natatawang sigasig niya.

Nakikita kung paano mabilis na umuunlad ang ugnayan sa pagitan ng mga mahilig, ang lahat ay nanirahan lamang sa pag-asa ng isang bagong napakarilag na kasal. Gayunpaman, hindi sinugod ni Mary o Aristotle ang mga bagay. Pagsagot sa mga mapanghimagsik na katanungan mula sa isang magasing Italyano, si Callas ay umiwas at lihim:

"Isa lang ang masasabi ko - mayroong isang malambing at sensitibong pagkakaibigan sa pagitan ko at ni G. Onassis."

Ngunit, sa kabila ng lahat ng inaasahan, ang pag-aasawa ay hindi kailanman naganap - ni noong 1960, o pagkatapos. Tatlong taon pagkatapos ng diborsyo, isang bagong babae ang lilitaw sa buhay ni Onassis, kung kanino siya ay mag-aalok hindi lamang ng isang kamay at isang puso, ngunit din ng isang patas na bahagi ng kanyang kapalaran.

Noong tag-araw ng 1963, inimbitahan ni Aristotle si US First Lady Jacqueline Kennedy sa kanyang yate na si Christina. Bago pa man makilala nang personal si Ginang Kennedy, naintriga si Onassis ng kanyang imahe, na pinagsama ang kagandahan at mataas na posisyon sa lipunan.

At nang umakyat si Jackie sa kubyerta ng kanyang yate, pinuno siya ng mga regalo. Kapag ang unang ginang ay bumalik sa White House, ang isa sa mga katulong ng kanyang asawa ay magsasabi:

"Ang mga bituin ay nagniningning sa mga mata ni Jackie - mga bituin na Greek!"

Hindi kaagad nakilala ni Callas si Gng. Kennedy bilang isang banta. Sigurado si Maria na si Onassis ay hindi makakalaban sa pangulo ng Estados Unidos para sa isa pang pag-iibigan. Ang sitwasyon ay nagbago nang malaki pagkatapos ng malagim na pagbaril sa Dallas.

Matapos ang pagkamatay ni John, nagsimula ang Aristotle na aktibong alagaan si Jacqueline. Ngayon kasama niya, sinimulan niyang gumawa ng malungkot na paglalakbay sa "Christina" sa Dagat Aegean at Mediterranean. Nag-alarma si Callas, ngunit wala siyang mabago. Si Jackie ay mas bata sa kanya at mas sikat pa. Ang ugali ni Onassis ay nagbago din. Sa halip na isang pare-pareho na kasama, binago niya si Maria bilang kaswal na kasama na binibisita siya paminsan-minsan.

Minsan ang mga pagbisitang ito ay kapanapanabik para sa kapwa Callas at Ari mismo. Minsan, sumuko sa panandaliang kasiyahan, pumayag siyang pakasalan si Maria. Ang mga paghahanda para sa kasal, na napagpasyahan na maglaro noong unang bahagi ng Marso 1968 sa London, ay naganap sa isang kapaligiran ng pinakamahigpit na lihim.

Sa huling sandali, kinilabutan si Callas nang malaman na wala siyang dokumento sa kapanganakan. Ang duplicate ay handa na makalipas ang dalawang linggo, na naging fatal sa buhay ng dakilang mang-aawit. Ilang minuto lamang bago magsimula ang seremonya ng kasal, nahulog siya kasama ang lalaking ikakasal, nawawala siya nang halos magpakailanman. Noong Hunyo ng parehong taon, si Onassis ay naglaro ng isa pang kasal, ang nobya lamang ay hindi si Callas, ngunit ang dating unang ginang ng Estados Unidos, na si Jacqueline Kennedy. Ang pinakalubhang yugto ng buhay ni Maria ay nagsimula.

Pangwakas na kurtina

Sinubukan pa rin niyang bumalik sa entablado. Ngunit iba na ang oras at ibang boses iyon. Ngayon si Maria ay kailangang makipagkumpetensya sa kanyang dating sarili, at ang resulta ay malinaw na hindi pabor sa kanya. Sa mga sandali ng pagiging totoo, inaamin niya:

"Ang araw ay madaling mabuhay, ngunit ang gabi ... Isinasara mo ang pinto ng kwarto at naiwan mag-isa. Ano ang gusto mo'ng gawin? Alulong tulad ng isang lobo? "

Kahanga-hanga, si Onassis, sa kabila ng kanyang pag-aasawa, ay nagpatuloy na manatili sa kanyang buhay, bumibisita tuwing nais niya. Ang kasal kay Jacqueline ay hindi matagumpay, kaya't ang mga lihim na pagpupulong sa pagitan ng dalawang magkasintahan ay hindi gaanong isang bihirang pangyayari. Ngunit hindi pa rin iyon, hindi ganon ... Namatay ang kanilang pag-ibig.

Samakatuwid, ang totoong pagkamatay ni Onassis noong Marso 1975 ay hindi nagbago ng anuman sa buhay ni Maria. Matagal na siyang nag-iisa ... Walang kailangan, walang nagmamahal. Marahil ito ay isa sa pinakamasamang pangungusap para sa isang babae, na pinalakpakan ng libu-libo at sinamba ng milyun-milyon.

Ang buhay ay tumigil na magkaroon ng anumang kahulugan. Noong Setyembre 16, 1977, natagpuang patay si Maria sa kanyang apartment.

Ang mga taon ay lilipas, at ang walang awa na oras ay mabubura mula sa memorya ng marami sa mga kalahok sa drama na ito. Tanging ang banal na tinig ni Maria Callas ang mananatili. Isa na nagawang gawing mas maliwanag at malinis ang mga tao. Ngunit na hindi nagdala ng kaligayahan sa may-ari nito.

Si Maria Callas ay isang kamangha-manghang babae na may natatanging maliwanag na tinig na humanga sa mga manonood ng pinakamahusay na bulwagan ng konsyerto sa buong mundo sa loob ng maraming taon. Malakas, maganda, hindi kapani-paniwala sopistikado, nanalo siya ng milyun-milyong tagapakinig, ngunit hindi niya maagaw ang puso ng kanyang nag-iisang minamahal na tao. Naghanda ang kapalaran para sa opera diva maraming pagsubok at trahedya, pagbaba at pagbaba, kasiyahan at pagkabigo.

Pagkabata

Ang mang-aawit na si Maria Callas ay ipinanganak noong 1923 sa New York, sa isang pamilya ng mga emigrant na Greek na, ilang sandali bago ang kapanganakan ng kanilang anak na babae, ay lumipat sa Amerika upang maghanap ng mas magandang buhay. Bago isinilang si Maria, ang pamilya Callas ay mayroon nang mga anak - isang anak na lalaki at isang babae. Gayunpaman, ang buhay ng batang lalaki ay nagambala nang napakabilis na ang mga magulang ay hindi nagkaroon ng oras upang tangkilikin ang pagpapalaki ng kanilang anak na lalaki.

Ang ina ng hinaharap na bituin sa mundo sa panahon ng pagbubuntis ay nagpunta sa pagluluksa at tinanong ang mas mataas na kapangyarihan para sa isang anak na lalaki na ipanganak - isang kapalit ng namatay na anak. Ngunit isang batang babae ang ipinanganak - Maria. Sa una, ang babae ay hindi dumating sa duyan ng bata. At sa maraming taon ng buhay, ang lamig at isang tiyak na detatsment na may kaugnayan sa bawat isa ay nakatayo sa pagitan ni Maria Callas at ng kanyang ina. Hindi pa nagkaroon ng magandang ugnayan sa pagitan ng mga kababaihan. Nakakonekta lamang sila sa pamamagitan ng patuloy na pag-angkin at hindi nabanggit na mga hinaing sa bawat isa. Ito ang brutal na katotohanan ng buhay.

Sinubukan ng ama ni Maria na makisali sa negosyo sa parmasya, ngunit ang krisis sa ekonomiya noong 30s ng ikadalawampu siglo, na humawak sa Estados Unidos, ay walang iniwan na pagkakataon na matupad ang pangarap ng bahaghari. Mayroong palaging kawalan ng pera, na naging pamantayan sa mga iskandalo sa pamilya Callas. Si Maria ay lumaki sa isang nasabing kapaligiran, at ito ay isang pagsubok sa kanya. Sa huli, pagkatapos ng labis na pagsasaalang-alang, hindi makatiis sa mahirap, halos pulubi na pag-iral, kinuha sila ng ina ni Maria at ang kanyang kapatid na babae, pinaghiwalay ang kanyang asawa at bumalik sa kanilang bayan, sa Greece. Dito, ang talambuhay ni Maria Callas ay kumuha ng isang matalim, kung saan nagsimula ang lahat. Si Maria sa oras na iyon ay 14 taong gulang lamang.

Nag-aaral sa conservatory

Si Maria Callas ay isang batang may regalong bata. Mula pagkabata, nagpakita siya ng isang talento para sa musika, may isang mahusay na memorya, madaling kabisado ang lahat ng mga kanta na narinig niya at agad na ibinigay sa korte ng kapaligiran sa kalye. Napagtanto ng ina ng batang babae na ang pag-aaral ng musika ng kanyang anak na babae ay maaaring maging isang mahusay na pamumuhunan sa isang komportableng hinaharap para sa pamilya. Ang talambuhay na talambuhay ni Maria Callas ay nagsimula ng countdown nang eksakto mula sa sandali nang ibigay ng kanyang ina ang hinaharap na bituin sa Ethnikon Odeon Conservatory sa Athens. Ang unang guro ng batang babae ay si Maria Trivella, kilalang sa mga lupon ng musikal.

Ang musika ang lahat kay Maria Callas. Nabuhay lamang siya sa loob ng mga dingding ng silid-aralan - mahal niya, hininga, naramdaman - sa labas ng paaralan, na naging isang batang babae na hindi na-adapt sa buhay, puno ng mga takot at kontradiksyon. Panlabas na hindi magandang tingnan - taba, sa mga katakut-takot na baso - sa loob ni Maria ay itinago ang buong mundo, maliwanag, masigla, maganda, at hindi alam ang tungkol sa totoong halaga ng kanyang talento.

Ang tagumpay sa literacy sa musika ay unti-unti, hindi nagmadali. Ang pag-aaral ay ibinigay ng pagsusumikap, ngunit nagdala ito ng labis na kasiyahan. Dapat kong sabihin na ang kalikasan ay iginawad kay Maria sa pedantry. Ang pagiging maselan at magaspang ay halatang-halata ng mga ugali ng kanyang pagkatao.

Nang maglaon, lumipat si Callas sa isa pang konserbatoryo - "Odeon Afion", sa klase ng mang-aawit na si Elvira de Hidalgo, dapat kong sabihin, isang natitirang mang-aawit, na tumulong kay Maria na bumuo hindi lamang ng kanyang sariling istilo sa pagganap ng materyal na musikal, ngunit din sa dalhin ang kanyang tinig sa pagiging perpekto.

Mga unang tagumpay

Natikman ni Maria ang kanyang unang tagumpay matapos ang isang makinang na pagganap sa pasimula sa Athens Opera House kasama si Santuzza sa Mascagni's Rural Honor. Ito ay isang walang kapantay na damdamin, napakatamis at malambing, ngunit hindi nito napalingon ang ulo ng dalaga. Naintindihan ni Callas na ang nakakapagod na trabaho ay kinakailangan upang makamit ang tunay na taas. At ang trabaho ay dapat gawin hindi lamang sa boses. Ang panlabas na data ni Maria, o sa halip, ang kanyang hitsura, sa oras na iyon ay hindi nagbigay ng isang solong gramo sa isang babae ng mga palatandaan ng hinaharap na diyosa ng opera na musika - siya ay mataba, sa hindi maunawaan na mga damit na mukhang isang hoodie kaysa sa isang costume na konsyerto, na may makintab na buhok ... kung ano sa simula ay ang isa, sa paglipas ng mga taon, pinabaliw ang libu-libong kalalakihan at itinakda ang vector ng paggalaw sa istilo at fashion para sa maraming mga kababaihan.

Ang pagsasanay sa konserbatoryo ay natapos noong kalagitnaan ng 40, at ang talambuhay ng musiko ni Maria Callas ay dinagdagan ng mga paglilibot sa Italya. Ang mga lungsod at lugar ng konsyerto ay nagbago, ngunit ang mga bulwagan ay puno kahit saan - ang mga mahilig sa opera ay nasisiyahan sa kamangha-manghang tinig ng dalaga, napakasakit at taos-puso, na binighani at kinutya ang lahat ng nakarinig nito.

Pinaniniwalaan na ang malawak na katanyagan ay dumating lamang sa kanya matapos ang papel na ginagampanan ni La Gioconda sa opera ng parehong pangalan na gumanap sa entablado ng pista ng Arena di Verona.

Giovanni Battista Meneghini

Hindi nagtagal, ipinakita sa kapalaran kay Maria Callas ang isang pagpupulong kasama ang kanyang hinaharap na asawa, si Giovanni Battista Meneghini. Isang Italyanong industriyalista, isang matandang lalaki (halos dalawang beses sa edad ni Maria), siya ay labis na mahilig sa opera at napaka simpatya kay Callas.

Si Meneghini ay isang kakaibang tao. Siya ay nanirahan kasama ang kanyang ina, wala siyang pamilya, ngunit hindi dahil sa siya ay isang kumbinsido na solitaryo. Ito ay lamang na sa loob ng mahabang panahon walang angkop na babae para sa kanya, at si Giovanni mismo ay hindi partikular na naghahanap para sa isang kapareha sa buhay. Sa likas na katangian, siya ay medyo nagkakalkula, masigasig sa kanyang trabaho, malayo sa guwapo, bukod dito, maikli ang tangkad.

Sinimulan niyang alagaan si Maria, bigyan siya ng mga magagandang bouquet, mamahaling regalo. Para sa isang batang babae na hanggang ngayon ay naninirahan lamang sa musika, ang lahat ng ito ay bago at hindi pangkaraniwan, ngunit napakasaya. Bilang isang resulta, tinanggap ng opera mang-aawit ang panliligaw ng ginoo. Nagsaya sila.

Si Maria ay hindi iniangkop sa buhay, at si Giovanni ang lahat sa kanya sa ganitong pangangatwiran. Pinalitan niya ang kanyang minamahal na ama, pinakinggan ang mga emosyonal na pagkabalisa at pag-aalala ng isang babae, pinagkakatiwalaan niya sa mga gawain at ginampanan ang papel na isang impresario, tiniyak ang buhay, kapayapaan at ginhawa.

Buhay pamilya

Ang kanilang kasal ay hindi itinayo sa damdamin at hilig, sa halip ay kahawig ng isang tahimik na kanlungan, kung saan walang lugar para sa kaguluhan at bagyo.

Ang bagong-ginawang pamilya ay nanirahan sa Milan. Ang kanilang magandang tahanan - isang pugad ng pamilya - ay nasa ilalim ng pangangasiwa at mahigpit na kontrol ni Mary. Bilang karagdagan sa mga gawain sa bahay, nag-aral si Callas ng musika, nilibot ang Estados Unidos, Latin at South America at hindi man lang naisip ang tungkol sa pagtataksil sa kasal. Siya mismo ay nanatiling tapat sa kanyang asawa at hindi naisip na magselos sa kanya o maghinala sa kanya ng pagtataksil. Pagkatapos ay si Callas pa rin ang Maria na maraming magagawa para sa isang lalaki, halimbawa, nang walang pag-aatubili, umalis ng isang karera alang-alang sa isang pamilya. Katanungan mo lang siya tungkol dito ...

Noong unang bahagi ng 50s, ang swerte ay humarap kay Maria Callas. Inanyayahan siyang gumanap sa La Scala sa Milan. Ito ay isang tunay na mahusay na panukala, at hindi lamang ito. Doon mismo, ang Covent Garden sa London, ang Chicago Opera House, at ang Metropolitan Opera sa New York ay nagbukas ng kanilang mga pintuan para sa mang-aawit. Noong 1960, si Maria Callas ay naging isang buong solo na solo sa La Scala, at ang kanyang malikhaing talambuhay ay pinunan ng pinakamagagandang papel sa pagpapatakbo. Ang arias ni Maria Callas ay marami, kasama na rito ang papel nina Lucia at Anne Boleyn sa Lucia di Lammermoor at kay Anne Boleyn ni Donizetti; Violetta sa Verdi's La Traviata, Tosca sa Puccini's Tosca at iba pa.

Pagbabago

Unti-unti, sa pagkakaroon ng katanyagan at katanyagan, ang hitsura ni Maria Callas ay nagbago. Ang babae ay gumawa ng isang tunay na tagumpay at sa loob ng isang tagal ng panahon ay naging isang pangit na itik sa isang tunay na magandang sisne. Nagpunta siya sa isang brutal na diyeta, nawalan ng timbang sa hindi kapani-paniwala na mga parameter, at naging pino, matikas at mahusay na maayos. Ang mga antigong tampok sa mukha ay kumikislap ng mga bagong kulay, isang ilaw ang lumitaw sa kanila na nagmula sa loob at pinagsiklab ang milyun-milyong mga puso sa buong mundo.

Ang asawa ng mang-aawit ay hindi nagkamali sa kanyang "kalkulasyon". Tila napansin niya na si Maria Callas, na ang larawan ay hindi pa nawala mula sa mga pahayagan at magasin, ay isang brilyante na kailangang gupitin at magandang mai-frame. Bigyan ito ng kaunting pansin at sisikat ito ng isang mahiwagang ilaw.

Mabilis ang buhay ni Maria. Mga pagsasanay sa hapon, pagganap sa gabi. Si Callas ay mayroong isang anting-anting, nang wala ito ay hindi siya pumunta sa entablado - isang canvas na may imaheng biblikal na ibinigay ng kanyang asawa. Ang tagumpay at pagkilala ay nangangailangan ng patuloy na gawaing titanic. Ngunit masaya siya, dahil alam niyang hindi siya nag-iisa, mayroon siyang bahay kung saan nila siya hinihintay.

Perpektong naintindihan ni Giovanni na ang kanyang asawa ay dapat magalala, at sinubukan na kahit papaano gawing mas madali at madali ang kanyang buhay, sinusubukang protektahan siya mula sa lahat, kahit na mula sa mga alalahanin sa ina. Ang mga mag-asawa ay walang mga anak - Basta ipinagbabawal ni Meneghini si Maria na manganak.

Maria Callas at Onassis

Ang kasal nina Maria Callas at Giovanni Battista Meneghini ay tumagal ng 10 taon. At pagkatapos ay isang bagong tao ang lumitaw sa buhay ng opera diva, ang nag-iisang minamahal. Sa kanya lamang niya naranasan ang buong gamut ng damdamin - pag-ibig, nakakalokong pagnanasa, kahihiyan at pagkakanulo.

Ito ay isang Greek milyonaryo, ang may-ari ng "mga pahayagan, pabrika at barko" Aristotle Onassis - isang nagkakalkula na tao na walang ginawa nang walang pakinabang para sa kanyang sarili. Siya ay may kasanayang gumawa ng kanyang kayamanan sa panahon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig sa pamamagitan ng pagbebenta ng langis sa mga bansang nakikilahok sa poot. Sa isang pagkakataon nag-asawa siya (hindi lamang ganoon, dahil sa damdamin, ngunit may pananaw sa pananalapi) kay Tina Livanos, anak ng isang mayamang may-ari ng barko. Sa kasal, nagkaroon sila ng dalawang anak - isang anak na lalaki at isang anak na babae.

Si Aristotle ay hindi isang guwapong lalaki na agad na nagtulak sa mga kababaihan sa kabaliwan. Siya ay isang ordinaryong tao, medyo maikli ang tangkad. Siyempre, mahirap sabihin nang sigurado kung mayroon siyang tunay, taos-pusong damdamin para kay Maria Callas. Ito ay kilala lamang sa kanya at sa Diyos, ngunit ang pag-iibigan, ang ugali ng mangangaso ay tumalon sa kanya - ito ay walang alinlangan. Ang nasabing sambahin ng lahat na si Maria Callas, isang batang 35-taong-gulang na magandang babae, maayos at maayos ang hitsura. Nais niyang maging may-ari ng tropeong ito, kaya minimithi ...

Diborsyo

Nagkita sila sa Venice sa isang bola. Pagkalipas ng ilang oras, ang mag-asawa na sina Maria Callas at Giovanni Meneghini ay maiging inanyayahan sa yate ng Onassis para sa isang kapanapanabik na biyahe sa paglalakbay. Ang kapaligiran sa yate ay hindi pamilyar sa opera diva: mayaman at tanyag na mga tao na idle na ginugol ang kanilang oras sa mga bar at sa mga kaganapan sa aliwan; ang banayad na araw, hangin ng dagat at, sa pangkalahatan, ang hindi pangkaraniwang sitwasyon - lahat ng ito ay nahulog kay Maria Callas sa kailaliman ng dating hindi kilalang damdamin. Napagtanto niya na bukod sa mga konsyerto at patuloy na pagtatrabaho at pag-eensayo, may iba pang buhay. Umibig siya. Nahulog sa pag-ibig at nagsimula ng isang relasyon sa Onassis sa harap ng kanyang asawa at kanyang sariling asawa.

Ginawa ng Greek milyonaryo ang kanyang makakaya upang makuha ang puso ni Mary. Siya ay kumilos tulad ng kanyang lingkod, sinusubukan upang matupad ang bawat whim.

Napansin ni Giovanni Battista ang mga pagbabago sa kanyang asawa at naunawaan ang lahat. At sa lalong madaling panahon ang buong publiko ay may kamalayan sa nangyayari: Aristotle Onassis at Maria Callas, na ang mga larawan ay ipinamalas sa mga pahina ng tsismis, ay hindi man lang naisip na magtago mula sa mapupungay na mga mata.

Handa si Battista na patawarin ang kanyang asawa sa kanyang pagkakanulo at muling simulan ang lahat. Sinubukan niyang abutin ang dahilan at sentido komun ni Maria. Ngunit hindi ito kailangan ng babae. Sinabi niya sa asawa na mahal niya ang iba, at ipinaalam sa kanya ang balak niyang hiwalayan.

Bagong hindi maligayang buhay

Ang paghihiwalay sa asawa ay hindi nagdala ng kasiyahan kay Maria. Sa una, may pagbagsak sa kanyang mga gawain, sapagkat walang ibang makitungo sa kanyang mga pagtatanghal at pag-oorganisa ng kanyang mga konsyerto. Ang mang-aawit ng opera ay tulad ng isang maliit na batang babae, walang magawa at inabandona ng lahat.

Sa kanyang personal na buhay, malabo ang lahat. Naghihintay si Callas ng sandali kung kailan hihiwalay na ng minamahal ang kanyang asawa at ikakasal sa kanya, ngunit hindi nagmamadali si Aristotle na putulin ang ugnayan ng pamilya. Nasiyahan niya ang lahat ng kanyang mga hinahangad, nakalulugod ang lalaking kaakuhan at kayabangan; Pinatunayan sa kanyang sarili na kaya niyang sakupin ang kahit na ang pinakapayabang na diyosa ng opera, na hinangad ng marami. Walang susubukan ngayon. Unti unting nagsasawa ang mistress sa kanya. Mas binawasan niya ang atensyon sa kanya, binabanggit ang patuloy na pagtatrabaho at negosyo. Naintindihan ni Maria na ang lalaking mahal niya ay may iba pang mga kababaihan, ngunit hindi niya mapigilan ang kanyang damdamin.

Nang si Maria ay higit sa 40, binigyan siya ng tadhana ng huling pagkakataon na maging isang ina. Ngunit inilagay ni Aristotle ang babae sa harap ng isang masakit na pagpipilian, at hindi maaaring ibaling ni Callas ang kanyang sarili at talikuran ang kanyang minamahal na lalaki.

Tanggihan sa trabaho at pagtataksil sa isang mahal sa buhay

Ang mga pagkabigo ay sinamahan ang diva hindi lamang sa kanyang personal na buhay. Ang boses ni Maria Callas ay nagsimulang lumakas at binigyan ng mas maraming problema ang kanyang maybahay. Napagtanto ng babae sa kung saan sa kaibuturan ng kanyang kaluluwa na ang mas mataas na kapangyarihan ay pinaparusahan siya para sa kanyang hindi matuwid na pamumuhay at para sa katotohanang minsang pinagtaksilan niya ang kanyang asawa.

Nagpunta ang babae upang makita ang mga pinakamahusay na dalubhasa sa mundo, ngunit walang makakatulong sa kanya. Ang mga doktor ay gumawa ng isang walang magawa na kilos, pinag-uusapan ang kawalan ng anumang nakikitang mga pathology, na nagpapahiwatig ng sikolohikal na sangkap ng mga problema ng mang-aawit. Ang Arias na ginanap ni Maria Callas ay hindi na nagdulot ng bagyo ng emosyon.

Noong 1960, si Aristotle ay nakatanggap ng diborsyo, ngunit hindi kailanman pinakasalan ang kanyang bantog na maybahay. Naghintay si Maria ng isang panukala sa kasal mula sa kanya nang matagal, at pagkatapos ay tumigil lamang siya sa pag-asa.

Binago ng buhay ang kulay nito at sinaktan ang babae sa pinakamasakit. Si Maria ay hindi umunlad ang karera, mas mababa at mas kaunti ang gumanap. Unti-unti siyang napansin na hindi bilang isang opera diva, ngunit bilang maybahay ng mayamang Aristotle Onassis.

At di nagtagal ay sinaksak sa likuran ang isang mahal - nagpakasal siya. Ngunit hindi kay Mary, ngunit kay Jacqueline Kennedy, ang biyuda ng pinaslang na pangulo. Ito ay isang napakinabangang pag-aasawa, na nagbukas ng daan para sa mapaghangad na Onassis sa mundo ng mga piling tao sa politika.

Pagkawala ng utang

Isang palatandaan sa kapalaran at karera sa musika ni Maria Callas ang kanyang pagganap sa La Scala kasama ang bahagi ni Paolina sa Polievkta noong 1960, na naging isang kumpletong pagkabigo. Ang boses ay hindi nakinig sa mang-aawit, at sa halip na isang daloy ng mga nakakatawang tunog, isang opera na puno ng pagkakamali ang nahulog sa manonood. Sa kauna-unahang pagkakataon, hindi napigilan ni Maria ang sarili. Ito ang simula ng wakas.

Unti unting umalis sa entablado si Callas. Para sa ilang oras, na nakatira sa New York, nagturo si Maria sa isang music school. Maya maya ay lumipat siya sa Paris. Sa Pransya, mayroon siyang karanasan sa paggawa ng pelikula, ngunit hindi siya nagdala ng kagalakan o kasiyahan sa kanya. Ang buong buhay ng mang-aawit na si Maria Callas ay tuluyan na na konektado sa musika lamang.

Patuloy niyang hinahangad ang kanyang minamahal. At pagkatapos isang araw ay umamin siya sa kanya. Pinatawad ng babae ang kanyang traydor. Ngunit ang unyon ay hindi nag-eehersisyo sa pangalawang pagkakataon. Si Onassis ay madalas na lumitaw sa bahay ni Maria, paminsan-minsan, kapag siya mismo ang may gusto nito. Alam ng babae na ang lalaking ito ay hindi mababago, ngunit mahal niya siya ng eksakto sa paraan niya. Noong 1975, pumanaw si Aristotle Onassis. Sa parehong taon, ang pagbubukas ng International Music Competition para sa Opera at Piano Music, na pinangalanang kay Maria Callas, ay naganap sa Athens.

Matapos ang pagkamatay ng isang mahal sa buhay, ang babae ay nabuhay ng dalawang taon pa. Ang talambuhay ni Maria Callas ay pinutol sa Paris, noong 1977. Ang opera diva ay pumanaw sa edad na 53. Ang opisyal na sanhi ng pagkamatay ay isang atake sa puso, ngunit may isa pang bersyon ng kung ano ang nangyari: marami ang naniniwala na ito ay isang pagpatay. Ang mga abo ng mang-aawit ng opera ay nakakalat sa ibabaw ng tubig ng Dagat Aegean.

Mula noong 1977, ang Maria Callas International Competition ay naging isang taunang kaganapan, at mula noong 1994 ang nag-iisang premyo ay iginawad, ang Maria Callas Grand Prix.

Maalamat na mang-aawit ng opera na nagmula sa Griyego, isa sa pinakamahusay na sopranos ng ika-20 siglo. Natatanging data ng boses, kahanga-hangang diskarteng bel canto at isang tunay na dramatikong diskarte sa pagganap na nagawa Maria Callas ang pinakadakilang bituin sa yugto ng opera ng mundo, at ang malungkot na kwento ng kanyang personal na buhay na patuloy na nakakaakit ng pansin ng publiko at ng pamamahayag. Para sa kanyang natitirang talento sa musika at dramatikong, siya ay pinangalanang "Diyosa" (La Divina) ng mga connoisseurs ng operatic art.

Maria Callas, née Sophia Cecelia Kalos (Sophia Cecelia Kalos), ay ipinanganak noong Disyembre 2, 1923 sa New York sa isang pamilya ng mga imigrante mula sa Greece. Kanyang ina, Ang Mga Mabuting Balita ng Kalos (Evangelia Kalos), napansin ang talento sa musika ng kanyang anak na babae, pinilit siyang magsanay sa pag-awit sa edad na lima, na hindi naman nagustuhan ng maliit na batang babae. Noong 1937, naghiwalay ang mga magulang ni Maria, at lumipat siya kasama ang kanyang ina sa Greece. Ang relasyon sa kanyang ina ay lumala lamang, noong 1950 ay tumigil sa pakikipag-ugnay sa kanya si Maria.

Natanggap ni Maria ang kanyang edukasyon sa musikal sa Athens Conservatory.

Ang kanyang guro Maria Trivella Naalala ni (Maria Trivella): “Siya ang perpektong mag-aaral. Panatiko, walang kompromiso, ganap na nakatuon sa pag-awit ng kanyang puso at kaluluwa. Ang kanyang pag-unlad ay naging phenomenal. Nagsanay siya lima hanggang anim na oras sa isang araw at makalipas ang anim na buwan ay kumakanta siya ng pinakamahirap na arias. "

Noong 1938, naganap ang unang pagpapakita sa publiko Callasilang sandali pagkatapos, nakakuha siya ng mga menor de edad na tungkulin sa Greek National Opera. Ang maliit na suweldo na natanggap niya roon ay nakatulong sa kanyang pamilya na mabuhay sa mahirap na oras ng giyera. Ang pasinaya ni Maria sa pamagat ng papel ay naganap noong 1942 sa Olympia Theatre at nakatanggap ng magagandang pagsusuri mula sa pamamahayag.

Matapos ang giyera, si Callas ay nagtungo sa Estados Unidos, kung saan nakatira ang kanyang ama. George Callas(George Kalos). Tinanggap siya sa prestihiyosong Metropolitan Opera, ngunit hindi nagtagal ay tinanggihan ang isang kontrata na nag-aalok ng hindi naaangkop na mga tungkulin at mababang suweldo. Noong 1946, lumipat si Callas sa Italya. Sa Verona, nakilala niya Giovanni Battista Meneghini (Giovanni Battista Meneghini). Ang mayamang industriyalista ay mas matanda kaysa sa kanya, ngunit noong 1949 pinakasalan niya siya. Bago ang kanilang diborsyo noong 1959, si Meneghini ay nagtaguyod ng isang karera Callas, nagiging impresario niya at prodyuser. Sa Italya, nagawang makilala ng mang-aawit ang isang natitirang conductor Tullio Seraphin (Tullio Serafin). Ang kanilang pinagsamang gawain ay minarkahan ang simula ng kanyang matagumpay na internasyonal na karera.

Noong 1949 sa Venice Maria Callasgumanap ng isang magkakaibang papel: Brunhilde sa "Valkyrie" Wagnerat Elvira sa "The Puritans" Bellini- isang walang uliran kaganapan sa kasaysayan ng opera. Sinundan ito ng mga maningning na tungkulin sa mga opera Cherubiniat Rossini... Noong 1950, nagbigay siya ng 100 mga konsyerto, na itinakda ang kanyang personal na pinakamahusay. Noong 1951, nag-debut ang Callas sa maalamat na yugto ng La Scala sa opera Verdi"Sisilia Vespers". Sa pangunahing yugto ng opera ng mundo, nakilahok siya sa mga produksyon Herbert von Karajan (Herbert von Karajan), Marguerite Wallmann (Margherita Wallmann), Luchino Visconti (Luchino Visconti) at Franco Zeffirelli. Ang isang mahaba at napaka-mabungang kooperasyon ay nagsimula noong 1952 Maria Callas kasama ang London Royal Opera.

Noong 1953, mabilis na nawalan ng timbang si Callas, nawalan ng 36 kg sa isang taon. Kusa niyang binago ang kanyang pigura para sa pagganap. Maraming naniniwala na ang biglaang pagbabago ng timbang ay ang dahilan ng maagang pagkawala ng boses, sa parehong oras, hindi maikakaila na nakakuha siya ng kumpiyansa, at ang kanyang boses ay naging mas malambot at pambabae.

Noong 1956, matagumpay siyang bumalik sa Metropolitan Opera na may mga tungkulin sa Norma Belliniat "Aide" Verdi... Gumanap siya sa pinakamahusay na yugto ng opera at gumanap ng mga classics: mga bahagi sa Lucia di Lammermoor Donizetti, "Troubadour" at "Macbeth" Verdi, "Toske" Puccini.

Noong 1957 Maria Callas nakilala ang lalaking nakabukas ang kanyang buhay - isang multibillionaire, may-ari ng barkong Greek Aristotle Onassis... Noong 1959, iniwan ni Callas ang kanyang asawa, ang asawa ni Onassis ay nagsampa para sa diborsyo. Ang mataas na profile na pagmamahalan ng mag-asawang mag-asawa ay nakakuha ng pansin sa press sa loob ng siyam na taon. Ngunit noong 1968, ang mga pangarap ni Callas ng isang bagong kasal at isang masayang buhay pamilya ay gumuho: Ikinasal ni Onassis ang balo ng pangulo ng Amerika Jacqueline Kennedy(Jacqueline Kennedy).

Sa katunayan, natapos ang kanyang makinang na karera noong siya ay nasa maagang edad na 40. Ibinigay niya ang kanyang huling konsiyerto sa Royal Opera House noong 1965. Magaling pa rin ang kanyang diskarte, ngunit ang kanyang natatanging boses ay walang lakas.

Noong 1969 Maria Callas ang nag-iisang pagkakataon na siya ay nagbida sa isang pelikula na hindi sa isang operatic na papel. Ginampanan niya ang papel na pangunahing tauhang babae ng mga katutubong alamat ng Greek na Medea sa pelikula ng parehong pangalan ng direktor ng Italyano Pier Paolo Pasolini(Pier Paolo Pasolini).

Ang pahinga kasama si Onassis, ang pagkawala ng boses at ang maagang pagtatapos ng kanyang karera ay napilayan si Maria. Ang pinakamatagumpay na mang-aawit ng opera ng ika-20 siglo ay ginugol ang mga huling taon ng kanyang buhay na halos nag-iisa at namatay bigla noong 1977 sa edad na 53 mula sa atake sa puso. Ayon sa kanyang kalooban, ang mga abo ay nakakalat sa Dagat Aegean.

Mang-aawit Montserrat Caballe(Montserrat Caballé) tungkol sa papel Callassa pandaigdigang opera: "Binuksan nito ang pintuan para sa lahat ng mga mang-aawit ng mundo, sa likod nito ay hindi lamang mahusay na musika, ngunit may mahusay ding ideya ng interpretasyon. Binigyan niya kami ng pagkakataong gumawa ng mga bagay na mukhang hindi mawari sa harap niya. Hindi ko pinangarap na maabot ang kanyang antas. Maling ihambing tayo - mas maliit ako sa kanya. "

Noong 2002, isang kaibigan ni Callas Franco Zeffirelli gumawa ng isang pelikula bilang memorya ng magaling na mang-aawit - "Callas Forever". Ang papel na ginagampanan ng Callas ay ginampanan ng Pranses na si Fanny Ardant.

Noong 2007 Callasposthumously iginawad ang Grammy Award para sa Kahusayan sa Musika. Sa parehong taon ay pinangalanan siyang Best Soprano of All Time ng BBC Music Magazine. Tatlumpung taon pagkatapos ng kanyang kamatayan, ang Greece ay naglabas ng isang € 10 commemorative coin na naglalarawan kay Callas. Ang pagtatalaga kay Callas sa kanilang gawa ay ginawa ng isang malaking bilang ng mga iba't ibang mga artist: mga grupo R.E.M., Enigma, Faithless, mga mang-aawit Celine Dion at Rufus Wainwright.

Maestro Carlo Maria Giulini (Carlo Maria Giulini) sa boses Callas: "Napakahirap maghanap ng mga salitang mailalarawan ang kanyang tinig. Siya ay isang espesyal na tool. Nangyayari ito sa mga string: byolin, viola, cello - nang una mong marinig ang mga ito, nagbibigay sila ng kakaibang impression. Ngunit kung makinig ka ng ilang minuto, maging katulad mo sa tunog na ito, at nakakakuha ito ng mga mahiwagang katangian. Ganyan ang boses ni Callas. "

(English Maria Callas; pangalan sa sertipiko ng kapanganakan - Sophia Cecelia Kalos, English Sophia Cecelia Kalos, nabinyagan bilang Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - Greek Μαρ? Α Καλογεροπο? Λου; December 2 (4), 1923, New York - September 16, 1977, Paris) - Amerikanong opera mang-aawit (soprano).

Si Maria Callas ay kabilang sa mga nasabing reporma ng opera tulad nina Richard Wagner at Arturo Toscanini. Ang kultura ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay hindi maiiwasang maiugnay sa kanyang pangalan. Noong unang bahagi ng 1950s, sa bisperas ng hindi pangkaraniwang bagay ng postmodernism, nang ang opera ng ika-19 na siglo ay naging isang aesthetic anachronism, ibinalik ni Maria Callas ang operatic art sa tuktok ng yugto ng Olympus. Sa muling pagbuhay ng panahon ng bel canto, si Maria Callas ay hindi nililimitahan ang kanyang sarili sa virtuoso coloratura sa mga opera nina Bellini, Rossini at Donizetti, ngunit ginawang pangunahing paraan ng pagpapahayag ang kanyang boses. Siya ay naging isang maraming nalalaman na mang-aawit na may isang repertoire mula sa klasikong serye ng opera tulad ng Vontal ng Spontini, hanggang sa pinakabagong mga opera ni Verdi, mga verista na opera ni Puccini at mga dramang musikal ni Wagner.

Ang pagtaas ng karera ni Callas sa kalagitnaan ng ika-20 siglo ay sinamahan ng paglitaw ng LP sa pagrekord at pagkakaibigan sa kilalang tao ng EMI record company na Walter Legge.

Ang pagdating sa entablado ng mga opera house ng isang bagong henerasyon ng mga konduktor tulad nina Herbert von Karajan at Leonard Bernstein at mga tagagawa ng pelikula tulad nina Luchino Visconti at Franco Zeffirelli ay gumawa ng bawat pagganap kasama si Maria Callas isang kaganapan. Ginawa niya ang opera sa isang tunay na drama teatro, pinipilit kahit na "trills at kaliskis upang ipahayag ang kagalakan, pagkabalisa o pananabik."

Si Maria Callas ay ipinanganak sa New York sa isang pamilya ng mga Greek immigrant. Noong 1936, ang ina ni Mary, na Eba, ay bumalik sa Athens upang ipagpatuloy ang edukasyon sa musika ng kanyang anak na babae. Nais ipaloob ng ina ang kanyang nabigong mga talento sa kanyang anak na babae at sinimulang dalhin siya sa New York Library sa Fifth Avenue. Si Maria ay nagsimulang makinig ng klasikal na musika mula sa edad na tatlo, sa singko ay nagsimula na siyang magturo ng mga aralin sa piano, at sa edad na otso ay nagsimula na siyang kumuha ng mga aralin sa tinig. Sa edad na 14, nagsimulang mag-aral si Maria sa Athens Conservatory sa ilalim ng patnubay ng dating mang-aawit na Espanyol na si Elvira de Hidalgo.

Noong Hulyo 1941, sa nasakop ng Aleman na Athens, si Maria Callas ay nag-debut sa Athens Opera bilang Tosca.

Noong 1945 si Maria Callas ay bumalik sa New York. Sumunod ang isang serye ng mga pagkabigo: hindi siya ipinakilala kay Toscanini, tumanggi siyang kantahin ang bahagi ng Cio-Cio-San sa Metropolitan Opera dahil sa kanyang mabibigat na timbang, inaasahan ang muling pagkabuhay ng Lyric Opera sa Chicago, kung saan nais niyang kumanta, gumuho.

Noong 1947, nag-debut si Callas sa entablado ng Arena di Verona sa La Gioconda ni Ponchielli sa ilalim ng batuta ni Tullio Serafin. Ang pagpupulong kay Seraphin ay, sa mga salita ni Callas mismo: "Ang totoong simula ng isang karera at ang pinakadakilang tagumpay sa aking buhay."

Ipinakikilala ni Tullio Seraphin ang Callas sa mundo ng mahusay na opera. Inaawit niya ang mga unang bahagi sa Verida's Aida at Bellini's Norma sa pagtatapos ng 1948. Noong unang bahagi ng 1949, sa loob ng isang linggo, ang mga tinig na hindi tugma sa mga tungkulin ng Brunhilde sa Wagner's Valkyrie at Elvira sa Bellini's The Puritans ay lumikha ng malikhaing kababalaghan ng mang-aawit na si Maria Callas. Kumanta siya ng mga liriko, dramatiko, at mga coloratura na bahagi, na isang himala sa pag-awit - "apat na tinig sa isang lalamunan". Noong 1949, si Callas ay naglibot sa Timog Amerika. Noong 1950, kumanta siya sa kauna-unahang pagkakataon sa La Scala at naging "Queen of Italian prima donnas".

Noong 1953, ang EMI ay naglabas ng kumpletong pagrekord ng mga opera kasama si Maria Callas sa kauna-unahang pagkakataon. Sa parehong taon, nawalan siya ng timbang ng 30 kilo. Ang nabago na Callas ay nakakaakit ng mga madla sa mga yugto ng opera sa Europa at Amerika sa mga opera na Lucia di Lammermoor ni Donizetti, Norma ni Bellini, Medea ni Cherubini, Verdi's Troubadour at Macbeth, at Tosca ni Puccini.

Noong Setyembre 1957, unang nakilala ni Maria Callas si Aristotle Onassis sa isang bola bilang parangal sa kaarawan ng mamamahayag na si Elsa Maxwell sa Venice. Noong tagsibol ng 1959, sa Venice, muli silang nagkita sa isang bola. Pagkatapos nito, nagpunta si Onassis sa London para sa isang konsiyerto ng Callas. Matapos ang konsyerto na ito, inimbitahan niya siya at ang kanyang asawa sa kanyang yate. Sa pagtatapos ng Nobyembre 1959, ang asawa ni Onassis na si Tina ay nag-file ng diborsyo, at sina Callas at Onassis sa oras na ito ay bukas na lumitaw sa lipunan na magkasama. Halos patuloy na nag-aaway ang mag-asawa, at noong 1968 nalaman ni Maria Callas mula sa mga pahayagan na ikinasal si Aristotle Onassis sa biyuda ng Pangulo ng Estados Unidos na si Jacqueline Kennedy.

Noong 1959, naganap ang isang pagbabago sa kanyang matagumpay na karera. Pinadali ito ng isang pagkawala ng boses, isang serye ng mga iskandalo, isang diborsyo, pahinga sa Metropolitan Opera, isang sapilitang pag-alis mula sa La Scala, isang hindi masayang pagmamahal para kay Aristotle Onassis, at pagkawala ng isang bata. Ang pagtatangkang bumalik sa entablado noong 1964 ay nagtapos sa isa pang kabiguan.

Sa Verona, nakilala ni Maria Callas ang lokal na industriyalista na si Giovanni Batista Meneghini. Dalawang edad ang edad niya at may hilig sa opera. Hindi nagtagal, ipinagtapat ni Giovanni ang kanyang pagmamahal kay Maria, buong ipinagbili ang kanyang negosyo at inialay ang sarili kay Callas.

Noong 1949 sina Maria Callas at Giovanni Meneghini ay ikinasal. Naging lahat siya para kay Maria: kapwa isang matapat na asawa, at isang mapagmahal na ama, at isang mapagmahal na tagapamahala, at isang mapagbigay na tagagawa.

Noong 1969, inanyayahan ng direktor ng Italyano na si Pi Paolo Pasolini si Maria Callas na bida sa papel na Medea sa pelikulang may parehong pangalan. Bagaman ang pelikula ay hindi isang tagumpay sa komersyo, malaki ang interes ng cinematic na ito, tulad ng iba pang mga akda ni Pasolini. Ang papel na ginagampanan ng Medea ay para kay Maria Callas na nag-iisang papel sa labas ng opera.

Ang mga huling taon ng kanyang buhay, si Maria Callas ay nanirahan sa Paris, halos hindi umaalis sa apartment, kung saan siya namatay noong 1977. Siya ay sinunog at inilibing sa sementeryo ng Pere Lachaise. Nang maglaon, ang kanyang mga abo ay nakalat sa Dagat ng Aegean. Ang mga phoniatrist na Italyano (mga doktor na nagdadalubhasa sa mga sakit ng mga tinig na tinig) sina Franco Fussi at Nico Paolillo ay nagtatag ng pinaka-posibleng sanhi ng pagkamatay ng opera diva na si Maria Callas, sumulat ng Italian La Stampa (salin ng artikulo sa Ingles na inilathala ng Parterre Box). Ayon sa kanilang pagsasaliksik, namatay si Callas sa dermatomyositis, isang bihirang karamdaman ng nag-uugnay na tisyu at makinis na kalamnan. Napagpasyahan nina Fussi at Paolillo matapos pag-aralan ang mga recording ni Callas na ginawa sa iba't ibang mga taon at pinag-aaralan ang unti-unting pagkasira ng kanyang boses. Ang pagsusuri ng Spectrographic ng mga recording ng studio at live na pagganap ay ipinakita na sa pagtatapos ng 1960s, nang maging maliwanag ang pagkasira ng kanyang tinig, ang saklaw ng boses ni Callas ay talagang nagbago mula sa soprano hanggang sa mezzo-soprano, na nagpaliwanag ng pagbabago ng tunog ng matataas na tala sa kanyang pagganap .

Bilang karagdagan, isang maingat na pag-aaral ng mga video ng kanyang mga susunod na konsyerto ay nagsiwalat na ang kalamnan ng mang-aawit ay humina nang mahina: ang kanyang dibdib ay praktikal na hindi tumaas kapag humihinga, at kapag lumanghap, inangat ng mang-aawit ang kanyang balikat at pinilit ang kanyang mga kalamnan na deltoid, iyon ay, sa katotohanan, siya ang gumawa ng pinaka-karaniwang pagkakamali kapag sumusuporta sa tinig ng kalamnan.

Ang sanhi ng pagkamatay ni Maria Callas ay hindi alam para sa tiyak, ngunit pinaniniwalaan na ang mang-aawit ay namatay sa pag-aresto sa puso. Ayon kina Fussi at Paolillo, ang mga resulta ng kanilang trabaho ay direktang nagpapahiwatig na ang nagresultang myocardial infarction ay isang komplikasyon bilang resulta ng dermatomyositis. Kapansin-pansin na ang diagnosis na ito (dermatomyositis) ni Callas ay ginawa ilang sandali bago siya namatay ng kanyang doktor, na si Mario Jacovazzo (nalaman lamang ito noong 2002).

Mga tungkulin sa Opera ni Maria Callas
Santuzza - Rural Honor ni Mascagni (1938, Athens)
Tosca - "Tosca" ni Puccini (1941, Athens Opera)
La Gioconda - La Gioconda ni Ponchielli (1947, Arena di Verona)
Turandot - "Turandot" ni Puccini (1948,
Aida - Aida ni Verdi (1948, Metropolitan Opera, New York)
Norm - Bellini's Norm (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden, London; 1954, Lyric Opera, Chicago)
Brünnhilde - Wagner's Valkyrie (1949-1950, Metropolitan Opera)
Elvira - Bellini's Puritans (1949-1950, Metropolitan Opera)
Elena - Verdi's Sicilian Vespers (1951, La Scala, Milan)
Kundry - Wagner's Parsifal (La Scala)
Violetta - Verdi's La Scala (La Scala)
Medea - "Medea" Cherubini (1953, "La Scala")
Julia - "Vestal" Spontini (1954, "La Scala")
Gilda - Verdi's Rigoletto (1955, La Scala)
Madame Butterfly (Chio-Chio-san) - "Madame Butterfly" ni Puccini ("La Scala")
Lady Macbeth - "Macbeth" Verdi
Fedora - "Fedora" ni Giordano
Anne Boleyn - "Anne Boleyn" ni Donizetti
Lucia - "Lucia di Lammermoor" ni Donizetti
Amina - Somnambula ni Bellini
Carmen - "Carmen" Bizet

Si Joyce DiDonato ay isang tanyag na mang-aawit ng opera ng Amerika, si mezzo-soprano. Siya ay itinuturing na isa sa mga nangungunang mezzo-sopranos ng ating panahon at ang pinakamahusay na interpreter ng mga gawa ni Gioacchino Rossini. Si Joyce DiDonato (née Joyce Flaherty) ay isinilang noong Pebrero 13, 1969 sa Pryre Village, Kansas, USA sa isang pamilyang may mga ugat ng Ireland, ang pang-anim sa pitong anak. Ang kanyang ama ay pinuno ng lokal na koro ng simbahan, kumanta si Joyce dito at pinangarap na maging isang bituin sa Broadway. Noong 1988 ay pumasok siya sa Wichita State University, kung saan nag-aral ng tinig. Matapos ang Joyce University DiDonato ay nagpasya na ipagpatuloy ang kanyang edukasyon sa musika at noong 1992 ay pumasok sa Academy of Vocal Arts sa Philadelphia. Matapos ang akademya, sa loob ng maraming taon ay lumahok siya sa mga programa sa pagsasanay na "Young Artist" sa iba't ibang mga kumpanya ng opera: noong 1995 - sa "Santa Fe Opera", kung saan nakatanggap siya ng kasanayan sa musika at pinasimulan ang kanyang opera sa malaking entablado, ngunit malayo sa mga menor de edad na tungkulin sa opera na "The Marriage of Figaro" ni W.A. Mozart, "Salome" ni R. Strauss, "Countess Maritza" ni I. Kalman; mula 1996 hanggang 1998 - sa Houston Grand Opera at kinilala bilang pinakamahusay na "umuusbong na artista"; sa tag-araw ng 1997 - sa San Francisco Opera sa programa ng pagsasanay sa Merola Opera. Sa kanyang pag-aaral at paunang pagsasanay, si Joyce DiDonato ay nakilahok sa maraming kilalang kumpetisyon ng tinig. Noong 1996, pumangalawa siya sa Eleanor McCollum Competition sa Houston at nagwagi sa District Audition para sa Metropolitan Opera Competition. Noong 1997 nanalo siya ng William Sullivan Award. Noong 1998 nakuha niya ang pangalawang puwesto sa kumpetisyon ng Operalia ng Placido Domingo sa Hamburg at unang pwesto sa kumpetisyon ng George London. Sa mga sumunod na taon, nakatanggap siya ng maraming iba`t ibang mga parangal at premyo. Si Joyce DiDonato ay nagsimula ng kanyang propesyonal na karera noong 1998 sa mga pagtatanghal sa maraming mga rehiyonal na kumpanya ng opera sa Estados Unidos, lalo na sa Houston Grand Opera. At nakilala siya sa isang malawak na madla salamat sa hitsura sa premiere ng mundo ng telebisyon ng opera na "Little Woman" ni Mark Adamo. Sa panahon ng 2000-2001. Ginawa ni DiDonato ang kanyang pasinaya sa Europa, na nagsisimula kaagad kasama si La Scala bilang Angelina sa Cinderella ni Rossini. Sa sumunod na panahon, pinalawak niya ang kanyang pagkakakilala sa mga madla ng Europa, na lumitaw sa Netherlands Opera bilang Sesta Julius Caesar ng Handel, sa Paris Opera bilang Rosina sa Rossini's The Barber of Seville at sa Bavarian State Opera bilang Cherubino sa Pag-aasawa ni Figaro ng Mazart. at sa mga programang konsyerto na "Glory" ni Vivaldi kasama sina Ricardo Muti at La Scala Orchestra at "A Midsummer Night's Dream" ni F. Mendelssohn sa Paris. Sa parehong panahon sa Estados Unidos, nag-debut siya sa Washington State Opera bilang Dorabella sa Mozart na "This Is What All Women Do". Sa oras na ito, si Joyce DiDonato ay naging isang totoong opera star na may katanyagan sa buong mundo, minamahal ng madla at pinupuri ng pamamahayag. Ang karagdagang karera ay pinalawak lamang ang kanyang paglalakbay sa heograpiya at binuksan ang mga pintuan ng mga bagong opera house at festival - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Royal Theatre sa Madrid, New National Theatre sa Tokyo, Vienna State Opera et al. Si Joyce DiDonato ay nagtipon ng isang mayamang koleksyon ng iba't ibang mga parangal at premyo sa musikal. Tulad ng binanggit ng mga kritiko, marahil ito ay isa sa pinakamatagumpay at maayos na karera sa modernong mundo ng opera. At kahit na ang aksidente na naganap sa entablado ng Covent Garden noong Hulyo 7, 2009 sa panahon ng pagganap ng "The Barber of Seville", nang nadulas si Joyce DiDonato sa entablado at nabali ang kanyang binti, ay hindi nagambala sa pagganap na ito, na natapos sa mga saklay , ni ang kasunod na naka-iskedyul na mga pagtatanghal. na pinamunuan niya mula sa wheelchair, na ikinatuwa ng madla. Ang "maalamat" na kaganapan na ito ay nakunan sa DVD. Si Joyce DiDonato ay nagsimula noong nakaraang panahon ng 2010-2011 kasama ang Salzburg Festival at debut bilang Adalgiz sa Norma Belinni kasama si Edita Gruberova bilang Norma, pagkatapos ay may isang programang konsyerto sa Edinburgh Festival. Sa taglagas sa Berlin, gumanap siya ng papel na Rosina sa The Barber ng Seville at sa Madrid sa papel na ginagampanan ni Octavian sa The Knight of the Roses. Nagtapos ang taon ng maraming mga gantimpala, ang una mula sa German Academy of Recordings na "Echo Klassik", na pinangalanang Joyce DiDonato na "Best Female Singer 2010". Ang susunod na dalawang parangal nang sabay-sabay mula sa English classical music magazine na "Gramophone", na pinangalanan siyang "Best Artist of the Year" at pinili ang kanyang CD kasama ang arias ni Rossini bilang pinakamahusay na "Recital of the Year". Patuloy ang panahon sa Estados Unidos, nagtanghal siya sa Houston, at pagkatapos ay isang recital sa Carnegie Hall. Ang Metropolitan Opera ay tinanggap siya sa dalawang tungkulin - ang pahina na Isolier sa "Count Ori" ni Rossini at ang kompositor sa "Arinaan auf Naxos" ni R. Strauss. Tapos ang panahon sa Europa sa mga paglilibot sa Baden-Baden, Paris, London at Valencia. Ang website ng mang-aawit ay naglalaman ng isang abalang iskedyul ng kanyang hinaharap na pagtatanghal, sa listahang ito lamang sa unang kalahati ng 2012 mayroong humigit-kumulang na apatnapung pagganap sa Europa at Amerika. Si Joyce DiDonato ay ikinasal na sa konduktor ng Italyano na si Leonardo Vordoni, kung kanino sila nakatira sa Kansas City, Missouri, USA. Si Joyce ay patuloy na gumagamit ng apelyido ng kanyang unang asawa, na pinakasalan niya sa labas ng kolehiyo.

Sumi Cho (Jo Sumi) - Koreano na opera ng mang-aawit, coloratura soprano. Ang pinakatanyag na mang-aawit ng opera ay nagmula sa Timog-silangang Asya. Si Sumi Cho ay ipinanganak noong Nobyembre 22, 1962 sa Seoul, South Korea. Ang kanyang totoong pangalan ay Jo Sugyeong. Ang kanyang ina ay isang baguhang mang-aawit at piyanista, ngunit hindi nakakuha ng isang propesyonal na edukasyong musikal dahil sa sitwasyong pampulitika sa Korea noong 1950s. Determinado siyang bigyan ang kanyang anak ng magandang edukasyon sa musikal. Sinimulan ni Sumi Cho ang mga aralin sa piano sa 4 na taong gulang at vocal na pagsasanay sa edad na 6, kahit na bilang isang bata minsan ay gumugol siya ng hanggang walong oras sa mga aralin sa musika. Noong 1976, pumasok si Sumi Cho sa Seoul Art School (Pribadong Akademya) na "Sang Hwa", na nagtapos siya noong 1980 na may mga diploma sa bokal at piano. Noong 1981-1983, ipinagpatuloy niya ang kanyang edukasyon sa musika sa Seoul National University. Habang nasa unibersidad, ginawa ni Sumi Cho ang kanyang kauna-unahang propesyonal na pasinaya, gumanap sa maraming konsyerto na inayos ng telebisyon ng Korea, at kinanta ang papel ni Suzanne sa "Kasal ni Figaro" sa Seoul Opera. Noong 1983, nagpasya si Cho na umalis sa Seoul University at lumipat sa Italya upang mag-aral ng musika sa pinakamatandang institusyong musikal, ang National Academy of Saint Cecilia sa Roma, na nagtatapos nang may karangalan. Kasama sa mga guro niyang Italyano sina Carlo Bergonzi at Gianella Borelli. Sa kanyang pag-aaral sa akademya, madalas na maririnig si Cho sa mga konsyerto sa iba`t ibang mga lungsod sa Italya, pati na rin sa radyo at telebisyon. Sa oras na ito napagpasyahan ni Cho na gamitin ang pangalang "Sumi" bilang kanyang pangalan sa entablado upang mas maintindihan ang madla ng Europa. Noong 1985 nagtapos siya mula sa akademya na may dalubhasa sa piano at vocal. Matapos ang akademya, kumuha siya ng mga aralin sa tinig mula kay Elizabeth Schwarzkopf at nanalo ng maraming mga kumpetisyon ng tinig sa Seoul, Naples, Barcelona, \u200b\u200bPretoria at pinakamahalaga noong 1986, isang kumpetisyon sa internasyonal sa Verona, kung saan ang nagwagi lamang ng iba pang mga makabuluhang kumpetisyon sa internasyonal ay maaaring lumahok, kaya't upang magsalita, ang pinakamahusay sa pinakamahusay na mga batang mang-aawit. Sumi Cho ay gumawa ng kanyang European opera debut noong 1986 bilang Gilda sa Rigoletto sa Giuseppe Verdi Theatre sa Trieste. Ang pagganap na ito ay nakakuha ng pansin ni Herbert von Karajan, na nag-anyaya sa kanya na gampanan ang papel ni Oscar sa opera na "Masquerade Ball" kasama si Placido Domingo, na itinanghal sa Salzburg Festival noong 1987. Sa mga susunod na taon, si Sumi Cho ay patuloy na lumakad patungo sa opera Olympus, patuloy na pinalawak ang heograpiya ng kanyang mga pagtatanghal at binago ang kanyang repertoire mula sa maliliit na papel hanggang sa pangunahing mga papel. Noong 1988, si Sumi Cho ay nag-debut sa La Scala at sa Bavarian State Opera, noong 1989 sa Vienna State Opera at sa Metropolitan Opera, noong 1990 sa Chicago Lyric Opera at Covent Garden. Si Sumi Cho ay naging isa sa pinakahinahabol na sopranos ng ating panahon at nananatili sa katayuang ito hanggang ngayon. Gustung-gusto siya ng madla para sa kanyang maliwanag, maligamgam, kakayahang umangkop na boses, pati na rin para sa kanyang pagiging positibo at magaan na pagpapatawa sa entablado at sa buhay. Siya ay magaan at malaya sa entablado, na nagbibigay sa bawat isa sa kanyang mga pagganap ng banayad na oriental na mga pattern. Binisita ni Sumi Cho ang lahat ng mga bansa sa mundo kung saan gusto nila ang opera, kasama ang maraming beses sa Russia, ang huling pagbisita ay noong 2008, nang maglibot sila sa maraming mga bansa sa isang duet kasama si Dmitry Hvorostovsky bilang bahagi ng isang paglilibot. Siya ay abala sa iskedyul ng trabaho na may kasamang mga pagtatanghal ng opera, mga programa sa konsyerto, at pakikipagtulungan sa mga record company. Ang discography ni Sumi Cho ay kasalukuyang mayroong higit sa 50 mga pag-record, kabilang ang sampung solo na album at crossover CDs. Kilala ang kanyang dalawang album - noong 1992 iginawad sa kanya ang Grammy Award para sa Pinakamahusay na Pagrekord sa Opera para sa opera ng Wagner na Woman without a Shadow kasama sina Hildegard Behrens, Jose van Dam, Julia Varadi, Placido Domingo, conductor na si Georg Solti, at isang album na may opera "Masquerade Ball" ni G. Verdi, na nakatanggap ng premyo mula sa German Gramophone.

Si Salome Amvrosievna Krushelnytska ay isang tanyag na mang-aawit ng opera sa Ukraine (soprano), guro. Sa kanyang buhay, si Salome Krushelnitskaya ay kinilala bilang isang natitirang mang-aawit sa buong mundo. Mayroon siyang natitirang lakas at kagandahang boses ng isang malawak na saklaw (halos tatlong oktaba na may libreng gitnang rehistro), memorya ng musikal (maaari niyang malaman ang mga bahagi ng opera sa dalawa o tatlong araw), at isang maliwanag na dramatikong talent. Ang repertoire ng mang-aawit ay binubuo ng higit sa 60 bahagi ng iba't ibang mga character. Kabilang sa kanyang maraming mga parangal at pagkakaiba, sa partikular, ang pamagat na "Wagner's Diva ng ika-20 Siglo". Inilahad ng kompositor ng Italyano na si Giacomo Puccini ang mang-aawit ng kanyang larawan na may nakasulat na "maganda at kaakit-akit na Paruparo". Si Salome Krushelnytska ay ipinanganak noong Setyembre 23, 1872 sa nayon ng Belyavintsy, ngayon ay ang distrito ng Buchatsky ng rehiyon ng Ternopil, sa pamilya ng isang pari. Galing sa isang marangal at sinaunang pamilya ng Ukraine. Mula noong 1873, lumipat ang pamilya ng maraming beses, noong 1878 lumipat sila sa nayon ng Belaya na hindi kalayuan sa Ternopil, mula sa kung saan hindi sila umalis. Nagsimula siyang kumanta mula pagkabata. Bilang isang bata, alam ni Salome ang maraming mga katutubong kanta, na direktang natutunan niya mula sa mga magsasaka. Nakuha niya ang mga pangunahing kaalaman sa pagsasanay sa musika sa Ternopil gymnasium, kung saan siya nakapasa sa mga pagsusulit bilang isang panlabas na mag-aaral. Dito siya naging malapit sa lupon ng musika ng gymnasium, kung saan miyembro din si Denis Sichinsky - kalaunan ay isang tanyag na kompositor, ang unang propesyonal na musikero sa Western Ukraine. Noong 1883, sa konsiyerto ng Shevchenko sa Ternopil, naganap ang kauna-unahang pagtatanghal ng publiko ni Salome, na kumanta sa koro ng lipunang "pag-uusap" ng Russia. Sa Ternopil, unang nakilala ni Salome Krushelnytska ang teatro. Paminsan-minsan, gumanap dito ang Lviv teatro ng lipunang pag-uusap ng Russia. Noong 1891, pumasok si Salome sa Lviv Conservatory. Sa conservatory, ang kanyang guro ay ang bantog noon na propesor ng Lviv na si Valery Vysotsky, na nagdala ng buong kalawakan ng mga bantog na mang-aawit na taga-Ukraine at Poland. Sa kanyang pag-aaral sa conservatory, naganap ang kanyang unang pagganap ng solo, noong Abril 13, 1892, ginanap ng mang-aawit ang pangunahing bahagi sa oratorio na "Mesiyas" ni GF Handel. Ang unang pasinaya sa opera ng Salome Krushelnytska ay naganap noong Abril 15, 1893, gampanan niya ang papel ni Leonora sa dulang "Paboritong" ng kompositor ng Italyano na si G. Donizetti sa entablado ng Lviv City Theatre. Noong 1893, nagtapos si Krushelnytska mula sa Lviv Conservatory. Sa diploma ng pagtatapos ng Salome nakasulat ito: "Ang diploma na ito ay tinanggap ni Panna Salome Krushelnitskaya bilang katibayan ng kanyang artistikong edukasyon, na nakuha ng huwarang kasipagan at pambihirang tagumpay, lalo na sa isang kumpetisyon sa publiko noong Hunyo 24, 1893, kung saan siya iginawad isang pilak na medalya. "Habang nag-aaral sa Conservatory, si Salome Krushelnytska ay nakatanggap ng alok mula sa Lviv Opera House, ngunit nagpasya siyang ipagpatuloy ang kanyang edukasyon. Ang kanyang desisyon ay naiimpluwensyahan ng bantog na mang-aawit na Italyano na si Gemma Bellincioni, na naglilibot sa Lviv sa oras na iyon. ng 1893, umalis si Salome upang mag-aral sa Italya., kung saan ang kanyang guro ay si Propesor Fausta Crespi. Sa proseso ng pag-aaral, isang magandang paaralan para kay Salome ang mga pagtatanghal sa mga konsyerto kung saan kumanta siya ng opera arias. Sa ikalawang kalahati ng 1890, siya matagumpay na mga pagtatanghal ay nagsimula sa mga yugto ng mga sinehan sa buong mundo: Italya, Espanya, Pransya, Portugal, Russia, Poland, Austria, Egypt, Argentina, Chile sa mga opera na "Aida", "Troubadour" ni D. Verdi, "Faust" ni C. Gounod, "Terrible Yard" ni S. Monyushko, "Africa" \u200b\u200bni D. Meyerbeer, "Manon Lescaut" at "Cio-Cio-San" ni G. Puccini, "Carmen" ni J. Bizet, "Elektra" ni R. Strauss, "Eugene Onegin" at "The Queen of Spades" ni P. Tchaikovsky, atbp. Pebrero 17, 1904 sa Teatro alla Scala sa Milan, ipinakita ni Giacomo Puccini ang kanyang bagong opera Madame Butterfly. " Hindi pa kailanman natitiyak ng kompositor ang tagumpay ... ngunit pinalakas ng madla ang opera na may galit. Ang kilalang maestro ay nadama na durog. Kinumbinsi ng mga kaibigan si Puccini na muling gawing muli ang kanyang trabaho, at anyayahan si Salome Krushelnitskaya sa pangunahing papel. Noong Mayo 29, sa entablado ng Teatro Grande sa Brescia, naganap ang premiere ng pinabagong Madame Butterfly, sa oras na ito ay isang matagumpay. Pitong beses na ipinatawag ng madla ang mga artista at kompositor sa entablado. Matapos ang pagganap, lumipat at nagpapasalamat na ipinadala ni Puccini kay Krushelnitskaya ang kanyang larawan na may nakasulat na: "Ang pinakamaganda at kaakit-akit na Paruparo." Noong 1910 pinakasalan ni S. Krushelnitskaya ang alkalde ng lungsod ng Viareggio (Italya) at ang abugado na si Cesare Riccioni, na isang mahusay na tagapagsuri ng musika at isang walang katuturang aristokrata. Ikinasal sila sa isa sa mga templo sa Buenos Aires. Matapos ang kasal, nanirahan sina Cesare at Salome sa Viareggio, kung saan bumili si Salome ng isang villa, na pinangalanan niyang "Salome" at nagpatuloy na maglibot. Noong 1920, iniwan ni Krushelnitskaya ang yugto ng opera sa kasagsagan ng katanyagan, na gumaganap para sa huling pagkakataon sa Naples Theater sa kanyang mga paboritong opera Lorelei at Lohengrin. Inilaan niya ang kanyang karagdagang buhay sa mga aktibidad sa konsyerto ng silid, gumaganap ng mga kanta sa 8 wika. Naisagawa ang isang paglilibot sa Europa at Amerika. Sa lahat ng mga taon, hanggang sa 1923, siya ay patuloy na dumating sa kanyang tinubuang-bayan at gumanap sa Lvov, Ternopil at iba pang mga lungsod ng Galicia. Nakatali siya ng malakas na bono ng pagkakaibigan sa maraming mga pinuno sa Kanlurang Ukraine. Mga konsyerto na nakatuon sa memorya ng T. Shevchenko at I. Ya.Frank. Noong 1929, ang huling paglilibot sa S. Krushelnitskaya ay naganap sa Roma. Noong 1938, namatay ang asawa ni Krushelnitskaya na si Cesare Riccioni. Noong Agosto 1939, binisita ng mang-aawit ang Galicia at, dahil sa pagsiklab ng World War II, hindi na nakabalik sa Italya. Sa panahon ng pananakop ng Aleman sa Lvov, si S. Krushelnitskaya ay napakahirap, kaya't nagbigay siya ng mga pribadong aralin sa tinig. Sa panahon ng post-war, nagsimulang magtrabaho si S. Krushelnytska sa Lysenko Lviv State Conservatory. Gayunpaman, ang kanyang karera sa pagtuturo ay halos hindi nagsimula at halos natapos. Sa panahon ng "paglilinis ng mga kadre mula sa mga nasyonalistang elemento" siya ay sinisingil ng kakulangan ng isang konserbatoryong diploma. Nang maglaon, ang diploma ay natagpuan sa mga pondo ng museo ng kasaysayan ng lungsod. Ang pamumuhay at pagtuturo sa Unyong Sobyet, si Salome Amvrosievna, sa kabila ng maraming apela, sa mahabang panahon ay hindi nakakuha ng pagkamamamayan ng Soviet, na natitirang isang paksa ng Italya. Sa wakas, na nakasulat ng isang pahayag tungkol sa paglipat ng kanyang Italyano na villa at lahat ng pag-aari sa estado ng Soviet, si Krushelnitskaya ay naging isang mamamayan ng USSR. Ibinenta kaagad ang villa, na binabayaran ang may-ari para sa isang maliit na bahagi ng halaga nito. Noong 1951, iginawad kay Salome Krushelnitskaya ang titulong Pinarangal na Art Worker ng SSR ng Ukraine, at noong Oktubre 1952, isang buwan bago siya namatay, natanggap ni Krushelnitskaya ang titulong propesor. Noong Nobyembre 16, 1952, tumigil ang pintig ng puso ng dakilang mang-aawit. Siya ay inilibing sa Lviv sa sementeryo ng Lychakiv sa tabi ng libingan ng kanyang kaibigan at tagapagturo - si Ivan Franko. Noong 1993, sa Lviv, ang isang kalye ay pinangalanan pagkatapos ng S. Krushelnytska kung saan siya nanirahan sa mga huling taon ng kanyang buhay. Ang memorial museum ng Salome Krushelnitskaya ay binuksan sa apartment ng mang-aawit. Ngayon ang pangalan ng S. Krushelnytska ay ang Lviv Opera House, Lviv Music High School, Ternopil Music College (kung saan inilathala ang pahayagan Salome), 8-taong paaralan sa nayon ng Belaya, mga kalye sa Kiev, Lvov, Ternopil, Buchach ( tingnan ang Salome Krushelnytska Street). Sa Mirror Hall ng Lviv Opera at Ballet Theatre, mayroong isang tansong monumento kay Salome Krushelnytska. Maraming mga likhang sining, musikal at cinematographic ang nakatuon sa buhay at gawain ni Salome Krushelnitskaya. Noong 1982, sa A. Dovzhenko film studio, kinunan ng director na si O. Fialko ang isang makasaysayang at biograpikong pelikulang "The Return of the Butterfly" (batay sa nobela ng parehong pangalan ni V. Vrublevskaya), na nakatuon sa buhay at gawain ng Salome Krushelnitskaya. Ang larawan ay batay sa tunay na katotohanan ng buhay ng mang-aawit at binuo tulad ng kanyang mga alaala. Ang mga bahagi ng Salome ay ginanap ni Gisela Tsipola. Ang papel ni Salome sa pelikula ay gampanan ni Elena Safonova. Bilang karagdagan, nilikha ang mga dokumentaryo, lalo na, "Salome Krushelnitskaya" (idinirekta ni I. Mudrak, Lvov, "The Bridge", 1994) "Two Lives of Salome" (sa direksyon ni A. Frolov, Kiev, "Makipag-ugnay", 1997), ang ikot na "Mga Pangalan" (2004), ang dokumentaryong pelikulang "Solo-mea" mula sa siklo na "The Game of Fate" (idinirekta ni V. Obraz, studio VIATEL, 2008). Marso 18, 2006 sa entablado ng Lviv National Academic Opera at Ballet Theatre na pinangalanang S. Ang Krushelnytska ay nag-host ng premiere ng Miroslav Skorik's ballet Return of the Butterfly, batay sa mga katotohanan mula sa buhay ni Salome Krushelnytska. Gumagamit ang ballet ng musika ni Giacomo Puccini. Noong 1995, ang premiere ng dulang "Salome Krushelnitskaya" (may-akda B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) ay naganap sa Ternopil Regional Drama Theater (ngayon ay Academic Theatre). Mula noong 1987, ang Salome Krushelnytska Competition ay ginanap sa Ternopil. Ang isang kumpetisyon sa internasyonal na pinangalanang pagkatapos ng Krushelnytska ay gaganapin taun-taon sa Lviv; naging tradisyonal ang mga festival ng opera.

Si Pauline Viardot, buong pangalan Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) ay isang nangungunang Pranses na mang-aawit, mezzo-soprano, ika-19 na siglo, guro ng vocal at kompositor na nagmula sa Espanya. Si Pauline Viardot ay ipinanganak noong Hulyo 18, 1821 sa Paris. Anak na babae at mag-aaral ng Espanyol na mang-aawit at guro na si Manuel Garcia, kapatid na babae ni Maria Malibran. Bilang isang bata, pinag-aralan niya ang sining ng pagtugtog ng piano kasama si Franz Liszt at magiging piano, ngunit ang kanyang kamangha-manghang mga kasanayan sa tinig ay tinukoy ang kanyang propesyon. Nagtanghal siya sa iba`t ibang mga sinehan sa Europa at nagbigay ng maraming konsyerto. Siya ay bantog sa mga tungkulin ng Fides ("The Propeta" ni Meyerbeer), Orpheus ("Orpheus at Eurydice" ni Gluck), Rosina ("The Barber of Seville" ni Rossini). Ang may-akda ng mga romansa at comic opera sa isang libretto ni Ivan Turgenev, ang kanyang malapit na kaibigan. Kasama ang kanyang asawa, na isinalin sa French ang mga gawa ni Turgenev, isinulong niya ang mga nagawa ng kultura ng Russia. Ang kanyang apelyido ay binabaybay sa iba't ibang anyo. Sa kanyang pangalang dalagang Garcia, nakamit niya ang katanyagan at katanyagan, pagkatapos ng kasal ay ginamit niya ang dobleng apelyido Garcia-Viardot nang ilang panahon at sa ilang mga punto ay isinuko niya ang kanyang pangalang dalaga at tinawag ang kanyang sarili na "Ginang Viardot". Noong 1837, ang 16-taong-gulang na si Pauline Garcia ay nagbigay ng kanyang unang konsyerto sa Brussels, at noong 1839 ay nag-debut siya bilang Desdemona sa Rossini's Othello sa London, na naging pinakatampok sa panahon. Sa kabila ng ilang mga pagkukulang, pinagsama ng tinig ng batang babae ang katangi-tanging pamamaraan na may kamangha-manghang pagkahilig. Noong 1840, ikinasal si Pauline kay Louis Viardot, kompositor at direktor ng Théatre Italien sa Paris. Dahil mas matanda sa 21 taon kaysa sa kanyang asawa, sinimulang itaguyod ng asawa ang kanyang karera. Noong 1844, sa kabisera ng Imperyo ng Russia, ang lungsod ng St. Petersburg, gumanap siya sa parehong yugto kasama sina Antonio Tamburini at Giovanni Batista Rubini. Maraming tagahanga si Viardot. Sa partikular, ang manunulat ng Russia na si Ivan Sergeevich Turgenev ay masigasig na umibig sa mang-aawit noong 1843 matapos marinig ang kanyang pagganap sa The Barber ng Seville. Noong 1845 ay iniwan niya ang Russia upang sundan si Pauline at kalaunan ay naging halos kasapi ng pamilya Viardot. Tratuhin ng manunulat ang apat na anak ni Polina bilang kanyang sariling anak, at sinamba siya hanggang sa kanyang kamatayan. Siya naman ay isang kritiko ng kanyang trabaho, at ang kanyang posisyon sa ilaw at koneksyon ay nagpakita ng manunulat sa pinakamagandang ilaw. Ang totoong katangian ng kanilang relasyon ay pinag-uusapan pa rin. Bilang karagdagan, nakipag-usap si Pauline Viardot sa iba pang mga dakilang tao, kasama sina Charles Gounod at Hector Berlioz. Sikat sa kanyang tinig at dramatikong kakayahan, pinasigla ni Viardot ang mga kompositor tulad nina Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns at Giacomo Meyerbeer, ang may-akda ng opera na The Propeta, kung saan siya ang naging unang tagaganap ng papel na Fidesz. Hindi niya kailanman itinuring ang kanyang sarili bilang isang kompositor, ngunit talagang bumubuo ng tatlong mga koleksyon ng musika, at tumulong din sa pagsusulat ng musika para sa mga tungkulin na nilikha lalo na para sa kanya. Nang maglaon, pagkatapos na umalis sa entablado, nagsulat siya ng isang opera na tinatawag na Le dernier sorcier. Marunong magsalita si Viardot ng Espanyol, Pranses, Italyano, Ingles, Aleman at Ruso at gumamit ng iba`t ibang mga pambansang diskarte sa kanyang trabaho. Salamat sa kanyang talento, gumanap siya sa pinakamahusay na bulwagan ng konsyerto sa Europa, kasama ang Opera House ng St. Petersburg (noong 1843-1846). Napakaganda ng kasikatan ni Viardot kaya't ginawang prototype siya ni Georges Sand para sa bida ng nobelang "Consuelo". Inawit ni Viardot ang bahagi ng mezzo-soprano sa Tuba Mirum (Mozart's Requiem) sa libing ni Chopin noong Oktubre 30, 1849. Ginampanan niya ang pangunahing papel sa opera ni Gluck na Orpheus at Eurydice. Noong 1863, umalis si Pauline Viardot-Garcia sa entablado, iniwan ang Pransya kasama ang kanyang pamilya (kalaban ng rehimeng Napoleon III ang kanyang asawa) at tumira sa Baden-Baden. Matapos ang pagbagsak ng Napoleon III, ang pamilya Viardot ay bumalik sa Pransya, kung saan nagturo si Pauline sa Paris Conservatory hanggang sa pagkamatay ng kanyang asawa noong 1883, at nag-iingat din ng isang music salon sa Boulevard Saint-Germain. Kabilang sa mga mag-aaral at mag-aaral ni Pauline Viardot ay ang tanyag na Desire Artaud-Padilla, Sophie Roer-Brainin, Bilodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant at iba pa. Nagkaroon siya ng mahusay na vocal school para sa maraming mga mang-aawit ng Russia, kasama ang F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. Noong Mayo 18, 1910, namatay si Pauline Viardot, napapaligiran ng mapagmahal na mga kamag-anak. Ibinaon sa sementeryo ng Montmartre sa Paris. Ang makatang Ruso na si Alexei Nikolaevich Pleshcheev ay inialay ang kanyang tula na "The Singer" (Viardot Garcia) sa kanya: Hindi! Hindi kita kinakalimutan, mapang-akit na tunog, Bilang unang matamis na luha ng pag-ibig, hindi ko nakakalimutan! Nang makinig ako sa iyo, ang paghihirap ay nagpakumbaba sa aking dibdib, At muli handa akong maniwala at magmahal! Hindi ko siya malilimutan ... Alinman sa isang inspiradong pari, na natatakpan ng isang malawak na korona, Nagpakita siya sa akin ... at kumanta ng isang sagradong himno, At ang kanyang paningin ay sinunog ng banal na apoy ... Pagkatapos ng isang maputlang imahe sa kanya Nakita ko si Desdemona, Nang siya, na yumuko sa gintong harpa, Siya ay umawit ng isang kanta tungkol sa willow ... at ang mga daing ay nagambala ng malungkot na pag-apaw ng lumang kanta. Gaano kalalim ang kanyang pagkaunawa, pag-aralan ang Isa na may alam sa mga tao at mga lihim ng kanilang mga puso; At kung ang isang dakila ay bumangon mula sa libingan, ilalagay Niya ang Kanyang korona sa noo. Minsan si Rosina ay lumitaw sa akin, bata at masigasig, tulad ng gabi ng kanyang katutubong bansa ... At, nakikinig sa kanyang mahika na tinig, Sa matabang lupain na pinagtagisan ko ang aking kaluluwa, Kung saan ang lahat ay nakakaakit sa tainga, lahat ay nakalulugod sa mga mata, Kung saan ang walang hanggang asul na kalangitan ay nagniningning, Kung saan ang mga nightingales ay sumisipol sa mga sanga ng punong sycamore At ang sipres ang anino ay nanginginig sa ibabaw ng tubig! At ang aking dibdib, puspos ng banal na kasiyahan, Purong Sarap, mataas ang taas, At ang mga nakakagambalang pagdududa ay lumipad, At ang aking kaluluwa ay kalmado at magaan. Bilang isang kaibigan pagkatapos ng mga araw ng masakit na paghihiwalay, handa akong yakapin ang buong mundo ... Ay! Hindi kita kinakalimutan, mapang-akit na tunog, Bilang unang matamis na luha ng pag-ibig ay hindi ko nakakalimutan!<1846>

Si Maria Nikolaevna Kuznetsova ay isang Russian opera singer (soprano) at dancer, isa sa pinakatanyag na mang-aawit ng pre-rebolusyonaryong Russia. Nangungunang soloist ng Mariinsky Theatre, kalahok ng Sergei Diaghilev's Russian Seasons. Nagtrabaho siya kasama sina N.A Rimsky-Korsakov, Richard Strauss, Jules Massenet, na sumabay sa pag-awit kasama sina Fyodor Chaliapin at Leonid Sobinov. Matapos iwanan ang Russia makalipas ang 1917, nagpatuloy siyang matagumpay na gumanap sa ibang bansa. Si Maria Nikolaevna Kuznetsova ay ipinanganak noong 1880 sa Odessa. Si Maria ay lumaki sa isang malikhaing at intelektwal na kapaligiran, ang kanyang ama na si Nikolai Kuznetsov ay isang artista, at ang kanyang ina ay nagmula sa pamilyang Mechnikov, ang mga tiyuhin ni Maria ay ang biyolohikal na Nobel na biyolohikal na si Ilya Mechnikov at sociologist na si Lev Mechnikov. Si Pyotr Ilyich Tchaikovsky ay bumisita sa bahay ng Kuznetsovs, na nakatuon sa talento ng hinaharap na mang-aawit at binubuo ng mga kanta ng mga bata para sa kanya, mula noong pagkabata ay pinangarap ni Maria na maging artista. Ipinadala siya ng kanyang mga magulang sa isang gymnasium sa Switzerland, bumalik sa Russia, nag-aral siya ng ballet sa St. Petersburg, ngunit sumuko sa pagsayaw at nagsimulang mag-aral ng vocal kasama ang Italyano na guro na si Marty, at kalaunan kasama ang baritone at ang kasosyo sa entablado na si I.V Tartakov. Pansin ng lahat ang kanyang malinis, magandang lyric soprano, ang kapansin-pansin na talento ng aktres at kagandahang babae. Inilarawan siya ni Igor Fyodorovich Stravinsky bilang "... isang dramatikong soprano na makikita at makikinig na may parehong gana." Noong 1904, si Maria Kuznetsova ay nag-debut sa entablado ng St. Petersburg Conservatory bilang Tatyana sa Tchaikovsky's Eugene Onegin, at sa Mariinsky Theatre noong 1905 bilang Margarita sa Faust ni Charles Gounod. Soloist ng Mariinsky Theatre, na may isang maikling pahinga, nanatili si Kuznetsova hanggang sa rebolusyon ng 1917. Noong 1905, dalawang record ng gramophone na may recording ng kanyang mga pagganap ang inilabas sa St. Petersburg, at sa kabuuan, sa panahon ng kanyang malikhaing karera, gumawa siya ng 36 na tala. Minsan, noong 1905, ilang sandali matapos ang debut ni Kuznetsova sa Mariinsky, sa kanyang pagtatanghal sa teatro, sumiklab ang away sa pagitan ng mga estudyante at opisyal, ang sitwasyon sa bansa ay rebolusyonaryo at nagsimula ang gulat sa teatro. Ginambala ni Maria Kuznetsova ang aria ni Elsa mula sa "Lohengrin" ni R. Wagner at mahinahon na inawit ang awiting Ruso na "God Save the Tsar", napilitan ang mga busters na itigil ang alitan at huminahon ang madla, nagpatuloy ang pagganap. Ang unang asawa ni Maria Kuznetsova ay si Albert Albertovich Benois, mula sa bantog na dinastiya ng mga arkitekto ng Russia, artista, istoryador na si Benois. Sa kalakasan ng kanyang karera, si Maria ay kilala sa ilalim ng dobleng apelyidong Kuznetsov-Benoit. Sa pangalawang kasal, si Maria Kuznetsova ay ikinasal sa gumagawa na si Bogdanov, sa pangatlo, sa banker at industriyalista na si Alfred Massenet, ang pamangkin ng sikat na kompositor na si Jules Massenet. Sa buong karera niya, ang Kuznetsova-Benoit ay lumahok sa maraming mga European opera premieres, kasama ang bahagi ng Fevronia sa The Legend of the Invisible City of Kitezh at the Maiden Fevronia ni N. Rimsky-Korsakov at Cleopatra mula sa opera ng parehong pangalan ni J Massenet, na espesyal na isinulat ng kompositor para sa kanya. At sa yugto din ng Russia ay ipinakita niya sa kauna-unahang pagkakataon ang mga tungkulin ng Vogdolina sa "The Rhine Gold" ni R. Wagner, Cio-Cio-san sa "Madame Butterfly" ni G. Puccini at marami pang iba. Naglibot kasama ang Mariinsky Opera Company sa mga lungsod sa Russia, France, Great Britain, Germany, Italy, USA at iba pang mga bansa. Kabilang sa kanyang pinakamahusay na tungkulin: Antonida ("Isang Buhay para sa Tsar" ni M. Glinka), Lyudmila ("Ruslan at Lyudmila" ni M. Glinka), Olga ("Rusalka" ni A. Dargomyzhsky), Masha ("Dubrovsky" ni E. Napravnik), Oksana ("Cherevichki" ni P. Tchaikovsky), Tatiana ("Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky), Kupava ("The Snow Maiden" ni N. Rimsky-Korsakov), Juliet ("Romeo at Juliet" ni C. Gounod), Carmen ("Carmen" Bizet), Manon Lescaut (Manon ni J. Massenet), Violetta (La Traviata ni G. Verdi), Elsa (Lohengrin ni R. Wagner), atbp. Noong 1914, pansamantalang Kuznetsova iniwan ang Mariinsky Theatre at kasama ang ballet ng Russia na "Sergei Diaghilev na ginanap sa Paris at London bilang isang ballerina, at bahagyang na-sponsor din ang kanilang pagganap. Sumayaw siya sa ballet na "The Legend of Joseph" ni Richard Strauss, ang ballet ay inihanda ng mga bituin ng kanyang oras - kompositor at konduktor na si Richard Strauss, direktor Sergei Diaghilev, choreographer na si Mikhail Fokin, mga costume at set na si Lev Bakst, lead dancer na si Leonid Myasin . Ito ay isang mahalagang papel at mabuting kumpanya, ngunit sa simula pa lamang ay tumakbo ang produksyon sa ilang mga paghihirap: walang gaanong oras para sa pag-eensayo, si Strauss ay nasa masamang kalagayan, dahil ang mga inanyayahang ballerinas na si Ida Rubinstein at Lydia Sokolova ay tumanggi na lumahok, Hindi rin gusto ni Strauss ang pakikipagtulungan sa mga musikero ng Pransya at patuloy na nakikipag-away sa orkestra, at nag-aalala pa rin si Diaghilev tungkol sa pag-alis ng mananayaw na si Vaslav Nijinsky mula sa tropa. Sa kabila ng mga problema sa likod ng mga eksena, matagumpay na nag-debut ang ballet sa London at Paris. Bilang karagdagan sa pagsubok sa kanyang kamay sa ballet, si Kuznetsova ay gumanap ng maraming mga pagtatanghal ng opera, kasama ang paggawa ni Borodin na Prince Igor sa London. Matapos ang rebolusyon noong 1918, iniwan ni Maria Kuznetsova ang Russia, bilang naaangkop sa isang artista, ginawa niya ito ng napakaganda - sa mga damit ng isang batang lalaking kabin na itinago niya sa ibabang kubyerta ng isang barkong patungong Sweden. Naging isang opera singer sa Stockholm Opera, pagkatapos ay sa Copenhagen, at pagkatapos ay sa Royal Opera House, Covent Garden, London. Sa lahat ng oras na ito ay patuloy siyang dumating sa Paris, at noong 1921 sa wakas ay nanirahan siya sa Paris, na naging kanyang pangalawang malikhaing tahanan. Noong 1920s, nagsagawa ng mga pribadong konsyerto si Kuznetsova kung saan kumanta siya ng mga kanta, romansa at opera ng Russia, French, Spanish at Gypsy. Sa mga konsyerto na ito, madalas siyang sumayaw ng mga katutubong sayaw ng Espanya at flamenco. Ang ilan sa kanyang mga konsyerto ay kawanggawa upang matulungan ang mga nangangailangan ng paglipat ng Russia. Naging bituin siya sa Parisian opera, ito ay itinuturing na isang malaking karangalan na matanggap sa kanyang salon. Ang "bulaklak ng lipunan", mga ministro at industriyalista ay nagsisiksik sa harap niya. Bilang karagdagan sa mga pribadong recital, madalas siyang nagtatrabaho bilang isang soloista sa maraming mga opera house sa Europa, kasama ang Covent Garden at ang Paris Opera at Opéra Comic. Noong 1927, sina Maria Kuznetsova kasama si Prince Alexei Tsereteli at ang baritone na si Mikhail Karakash ay nag-organisa ng isang pribadong kumpanya na "Russian Opera" sa Paris, kung saan inanyayahan nila ang maraming mga singer ng opera ng Russia na umalis sa Russia. Itinanghal ng Russian Opera ang Sadko, The Tale of Tsar Saltan, The Legend of the Invisible City of Kitezh at ang Maiden Fevronia, Sorochinskaya Fair at iba pang mga opera at ballet ng mga Russian kompositor at ginanap sa London, Paris, Barcelona, \u200b\u200bMadrid, Milan at sa malayong Buenos Aires. Ang Russian Opera ay tumagal hanggang 1933, at pagkatapos ay nagsimulang magbigay ng mas kaunting mga pagganap si Maria Kuznetsova. Si Maria Kuznetsova ay namatay noong Abril 25, 1966 sa Paris, Pransya.

Si Rita Streich (Disyembre 18, 1920 - Marso 20, 1987) ay isa sa pinakatakod at naitala ang mga Aleman na opera ng 40 hanggang 60 ng ika-20 siglo, ang soprano. Si Rita Streich ay ipinanganak sa Barnaul, Altai Krai, Russia. Ang kanyang ama na si Bruno Streich, isang corporal ng hukbong Aleman, ay nakuha sa harap ng Unang Digmaang Pandaigdig at nalason sa Barnaul, kung saan nakilala niya ang isang batang babae na Ruso, ang hinaharap na ina ng sikat na mang-aawit na si Vera Alekseeva. Noong Disyembre 18, 1920, isang anak na babae, si Margarita Streich, ay isinilang kina Vera at Bruno. Di-nagtagal ay pinayagan ng pamahalaang Sobyet ang mga bilanggo ng giyera ng Aleman na umuwi at sina Bruno, kasama sina Vera at Margarita, ay nagtungo sa Alemanya. Salamat sa kanyang ina na Ruso, nagsalita si Rita Streich at kumanta ng maayos sa wikang Ruso, na napaka kapaki-pakinabang para sa kanyang karera, nang sabay, dahil sa kanyang "hindi dalisay" na wikang Aleman, sa simula ay may ilang mga problema sa pasistang rehimen. Ang mga kakayahan sa boses ni Rita ay natuklasan nang maaga, simula sa mga marka sa elementarya siya ay nangungunang tagapalabas sa mga konsyerto sa paaralan, kung saan napansin siya ng mahusay na mang-aawit ng opera ng Aleman na si Erna Berger at dinala siya sa pag-aaral sa Berlin. Gayundin sa iba't ibang oras sa kanyang mga guro ay ang tanyag na tenor na si Willie Domgraf-Fasbender at soprano na si Maria Ifogun. Si Rita Streich ang nag-debut sa kanyang opera noong 1943 sa Ossig (Aussig, na ngayon ay Usti nad Labem, Czech Republic) na may papel na Zerbinetta sa operasyong Ariadne auf Naxos ni Richard Strauss. Noong 1946, nag-debut si Rita sa Berlin State Opera, sa pangunahing tropa, na may papel na Olympia sa "The Tales of Hoffmann" ni Jacques Offebach. Pagkatapos nito, nagsimula nang mag-take off ang kanyang career sa entablado, na tumagal hanggang 1974. Si Rita Streich ay nanatili sa Berlin Opera hanggang 1952, pagkatapos ay lumipat sa Austria at ginugol ng halos dalawampung taon sa entablado ng Vienna Opera. Dito siya nagpakasal at noong 1956 ay nanganak ng isang lalaki. Si Rita Streich ay nagtaglay ng isang maliwanag na coloratura soprano at madaling gampanan ang pinakamahirap na mga bahagi sa repertoire ng opera sa mundo, tinawag siyang "German nightingale" o "Viennese nightingale". Sa kanyang mahabang karera, gumanap si Rita Streich sa maraming sinehan sa buong mundo - nagkaroon siya ng mga kontrata sa La Scala at Bavarian radio sa Munich, kumanta sa Covent Garden, Paris Opera, pati na rin ang Roma, Venice, New York, Chicago, San Francisco ay naglakbay sa Japan, Australia at New Zealand, at gumanap sa Salzburg, Bayreuth at Glyndebourne Opera Festivals. Kasama sa kanyang repertoire ang halos lahat ng mga makabuluhang tungkulin sa pagpapatakbo para sa soprano - nakilala siya bilang pinakamahusay na gumaganap ng mga papel ng Queen of the Night sa Mozart's Magic Flute, Annchen sa Weber's Free Shooter at iba pa. Kasama ang kanyang repertoire, bukod sa iba pang mga bagay, gumagana ng mga kompositor ng Russia, na ginampanan niya sa Russian. Siya rin ay itinuturing na isang mahusay na interpreter ng operetta repertoire at mga katutubong kanta at pag-ibig. Nagtrabaho siya kasama ang pinakamahusay na mga orkestra at konduktor sa Europa, naitala ang 65 pangunahing tala ng gramophone. Matapos makumpleto ang kanyang karera, si Rita Streich mula pa noong 1974 ay isang propesor sa Academy of Music sa Vienna, nagturo sa isang music school sa Essen, nagbigay ng mga master class, at namuno sa Center for the Development of Lyric Art sa Nice. Si Rita Streich ay namatay noong Marso 20, 1987 sa Vienna at inilibing sa matandang sementeryo ng lungsod sa tabi ng kanyang ama na si Bruno Streich at ina na si Vera Alekseeva.

Si Angela Gheorghiu (Romanian Angela Gheorghiu) ay isang Romanian opera singer, soprano. Isa sa pinakatanyag na mang-aawit ng opera ng ating panahon. Si Angela Gheorghiu (Burlacu) ay ipinanganak noong Setyembre 7, 1965 sa maliit na bayan ng Adjud, Romania. Mula sa maagang pagkabata ay malinaw na siya ay magiging isang mang-aawit, ang kanyang patutunguhan ay musika. Nag-aral siya sa Music School sa Bucharest at nagtapos mula sa National University of Music of Bucharest. Ang kanyang propesyonal na debut sa pagpapatakbo ay naganap noong 1990 bilang Mimi sa Puccini na La Boheme sa Cluj, sa parehong taon ay nanalo siya sa Hans Gabor International Vocal Competition Belvedere sa Vienna. Ang apelyidong Georgiou ay nanatili sa kanya mula sa kanyang unang asawa. Ang international debut ni Angela Georgiu ay naganap noong 1992 sa Royal Opera House, Covent Garden sa La Boheme. Sa parehong taon ay nag-debut siya sa Metropolitan Opera sa New York at sa Vienna State Opera. Noong 1994, sa Royal Opera House, Covent Garden, una niyang gampanan ang papel na Violetta sa La Traviata, sa sandaling ito naganap ang "pagsilang ng isang bituin," sinimulang tamasahin ni Angela Georgiu ang patuloy na tagumpay sa mga opera house at bulwagan ng konsyerto sa paligid ang mundo: sa New York, London, Paris, Salzburg, Berlin, Tokyo, Roma, Seoul, Venice, Athens, Monte Carlo, Chicago, Philadelphia, Sao Paulo, Los Angeles, Lisbon, Valencia, Palermo, Amsterdam, Kuala Lumpur, Zurich , Vienna, Salzburg, Madrid, Barcelona, \u200b\u200bPrague, Montreal, Moscow, Taipei, San Juan, Ljubljana. Noong 1994, nakilala niya si tenor Roberto Alagna, na pinakasalan niya noong 1996. Ang seremonya ng kasal ay naganap sa Metropolitan Opera sa New York. Sa loob ng mahabang panahon, ang mag-asawang Alanya-Georgiou ang pinaka-kapansin-pansin na unyon ng malikhaing pamilya sa yugto ng opera, ngayon ay hiwalayan na sila. Ang kanyang unang eksklusibong kontrata sa isang kumpanya ng rekord ay nilagdaan noong 1995 kasama ang Decca, at pagkatapos ay naglabas siya ng maraming mga album sa isang taon, ngayon ay mayroon siyang halos 50 mga album, kapwa itinanghal na mga opera at solo na konsyerto. Ang lahat ng kanyang mga CD ay nakatanggap ng magagandang pagsusuri mula sa mga kritiko at iginawad sa maraming mga pang-internasyonal na premyo, kabilang ang mga parangal mula sa magazine na Gramophone, ang German Echo award, ang French Diapason d'Or at Choc du Monde de la Musique, at marami pang iba. Dalawang beses noong 2001 at 2010 pinangalanan siyang "Pinakamahusay na Babae na Mang-aawit ng Taon" ng British na "Classical BRIT Awards". Ang saklaw ng mga tungkulin ng Angela Gheorghiu ay napakalawak, lalo na ang kanyang mga paboritong opera nina Verdi at Puccini. Ang repertoire ng Italyano, marahil dahil sa kamag-anak na pagkakapareho ng mga Romanian at Italyano na wika, mahusay ang kanyang ginagawa, sinabi ng ilang mga kritiko na ang mga opera ng Pransya, Aleman, Ruso at Ingles ay ginawang mas mahina. Ang pinakamahalagang tungkulin ng Angela Gheorghiu: Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Chilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Don Lucrezia Borgia inumin Adinaet "Faust" - Margarita Gounod "Romeo and Juliet" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Swallow" - Magda Puccini "Bohemia" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonor Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Louise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu ay patuloy na gumaganap ng aktibo at matatagpuan sa tuktok ng opera Olympus. Kasama sa mga pangako sa hinaharap ang iba't ibang mga konsyerto sa Europa, Amerika at Asya, Tosca at Faust sa Royal Opera House, Covent Garden.

Anna Yurievna Netrebko - Russian opera singer, soprano. Si Anna Netrebko ay ipinanganak noong Setyembre 18, 1971 sa Krasnodar. Ama - Netrebko Yuri Nikolaevich (1934), nagtapos mula sa Leningrad Mining Institute, geological engineer. Nakatira sa Krasnodar. Ina - Netrebko Larisa Ivanovna (1944-2002), engineer ng komunikasyon. Ang nakatatandang kapatid na babae ni Anna, si Natalia (1968), ay nakatira kasama ang kanyang pamilya sa Denmark. Si Anna Netrebko ay nagsusumikap upang makakuha ng sa entablado mula pagkabata. Habang nasa paaralan, siya ay soloista ng Kuban Pioneer ensemble sa Krasnodar Palace of Pioneers. Noong 1988, pagkatapos magtapos sa paaralan, nagpasya si Anna na pumunta sa Leningrad - upang pumasok sa isang paaralan ng musika, sa departamento ng operetta, upang sa paglaon ay makalipat siya sa isang unibersidad sa teatro. Gayunpaman, ang kanyang mga kakayahan sa musika ay hindi napansin ng komite ng pagpasok ng paaralan - Si Anna ay pinasok sa vocal department, kung saan siya nag-aral kasama si Tatyana Borisovna Lebed. Makalipas ang dalawang taon, nang hindi natapos ang pag-aaral, matagumpay niyang naipasa ang kumpetisyon at pumasok sa St Petersburg State Rimsky-Korsakov Conservatory, kung saan nag-aral siya ng tinig kasama si Propesor Tamara Dmitrievna Novichenko. Sa oras na iyon, seryosong interesado si Anna sa opera, at ang Mariinsky Theatre, na matatagpuan hindi kalayuan sa conservatory, ay naging kanyang pangalawang tahanan. Upang regular na bisitahin ang teatro at mapanood ang lahat ng mga pagtatanghal sa entablado nito, nakakuha ng trabaho si Anna bilang isang mas malinis at sa loob ng dalawang taon, kasama ang kanyang pag-aaral sa conservatory, ay naghugas ng sahig sa foyer ng teatro. Noong 1993, ang All-Russian Competition ng Vocalists na pinangalanang pagkatapos ng V.I. M.I. Glinka. Ang hurado ng kumpetisyon ay pinamunuan ng People's Artist ng USSR na si Irina Arkhipova. Bilang isang mag-aaral sa ika-4 na taon sa Conservatory, si Anna Netrebko ay hindi lamang lumahok sa kumpetisyon, ngunit naging tagumpay din nito, na natanggap ang 1st premyo. Matapos manalo sa kumpetisyon, nag-audition si Anna sa Mariinsky Theatre. Ang artistikong director ng teatro na si Valery Gergiev, na naroroon sa audition, ay agad na binigyan siya ng papel na Barbarina sa darating na paggawa ng opera ng Mozart na "Kasal ni Figaro". Biglang, sa isa sa mga pag-eensayo, iminungkahi ng direktor na si Yuri Alexandrov na subukan ni Anna na kantahin ang bahagi ng Suzanne, na ginawa doon ni Anna nang walang isang pagkakamali, at pagkatapos ay naaprubahan siya para sa pangunahing papel. Kaya't noong 1994 ay gumawa si Anna Netrebko ng kanyang pasinaya sa Mariinsky Theatre. Matapos ang kanyang pasinaya, si Anna Netrebko ay naging isa sa mga nangungunang soloista ng Mariinsky Theatre. Sa kanyang pagtatrabaho dito, kumanta siya sa maraming mga pagtatanghal. Kabilang sa mga tungkulin sa entablado ng Mariinsky ay: Lyudmila (Ruslan at Lyudmila), Ksenia (Boris Godunov), Martha (The Tsar's Bride), Louise (Betrothal in a Monastery), Natasha Rostova (Digmaan at Kapayapaan), Rosina (" The Barber of Seville "), Amina (" Somnambula "), Lucia (" Lucia di Dammermoor "), Gilda (" Rigoletto "), Violetta Valeri (" La Traviata "), Musetta, Mimi (" La Boheme "), Antonia ("The Tales of Hoffmann"), Donna Anna, Zerlina ("Don Juan") at iba pa. Noong 1994, sinimulan ni Anna Netrebko ang paglibot sa ibang bansa kasama ang tropa ng Mariinsky Theatre. Ang mang-aawit ay gumanap sa Finland (Mikkeli festival), Germany (Schleswig-Holstein festival), Israel, Latvia. Ang una sa nakamamatay na pagganap ng dayuhan ni Anna Netrebko ay naganap noong 1995 sa USA, sa entablado ng San Francisco Opera. Ayon kay Anna mismo, si Placido Domingo ay may malaking papel sa dulang Amerikano. Siyam na pagtatanghal ng "Ruslana at Lyudmila", kung saan kinanta ni Anna ang pangunahing papel ni Lyudmila, nagdala sa kanya ng unang malakas na tagumpay sa kanyang karera sa ibang bansa. Mula noon, si Anna Netrebko ay gumanap sa pinakatanyag na mga opera house sa buong mundo. Ang isang espesyal na lugar sa karera ni Anna ay sinakop ng taong 2002, nang mula sa isang sikat na mang-aawit siya ay naging isang prima ng opera sa mundo. Noong unang bahagi ng 2002, si Anna Netrebko, kasama ang Mariinsky Theatre, ay lumitaw sa Metropolitan Opera sa dulang Digmaan at Kapayapaan. Ang kanyang pagganap ng bahagi ng Natasha Rostova ay gumawa ng isang pang-amoy. "Audrey Hepburn na may boses" - tinawag itong Anna Netrebko sa press ng Amerika, na binabanggit ang kanyang tinig at dramatikong talento, kaakibat ng isang bihirang alindog. Sa tag-araw ng parehong taon, ginampanan ni Anna ang papel ni Donna Anna sa opera ng W.A. Mozart na Don Giovanni sa Salzburg Festival. Para sa papel na ito, naimbitahan siya ng sikat na konduktor na si Nikolaus Arnoncourt. Ang pagganap ni Anna sa Salzburg ay gumawa ng isang splash. Ganito binigyan ni Salzburg ang mundo ng isang bagong superstar. Pagkatapos ng Salzburg, ang katanyagan ni Anna Netrebko ay mabilis na lumalaki mula sa pagganap hanggang sa pagganap. Ngayon ang mga nangungunang opera house ng mundo ay sinusubukan na makilahok si Anna sa mga pagtatanghal. Simula noon, ang buhay ng opera diva na si Anna Netrebko ay nagmamadali sa mga gulong ng mga tren, lumilipad sa mga pakpak ng mga airliner. Ang mga lungsod at bansa, sinehan at bulwagan ng konsyerto ay flash ng. Pagkatapos ng Salzburg - London, Washington, St. Petersburg, New York, Vienna ... Noong Hulyo 2003, sa Bavarian Opera sa La Traviata, si Anna ay kumakanta sa kauna-unahang pagkakataon kasama ang tenor ng Mexico na si Rolando Villazon. Ang pagganap na ito ay nagbunga ng pinakatanyag at hiniling na opera duet ngayon, o, tulad ng tawag dito, "managinip na pangarap" - isang duet ng mga pangarap. Ang mga pagtatanghal at konsyerto kasama ang pakikilahok nina Anna at Rolando ay naka-iskedyul para sa maraming taon na hinaharap. Nag-flash muli ang mga bansa at lungsod. New York, Vienna, Munich, Salzburg, London, Los Angeles, Berlin, San Francisco ... Ngunit ang pinakamahalaga, tunay na matagumpay na tagumpay ay dumating kay Anna noong 2005 sa parehong Salzburg, nang gumanap siya sa makasaysayang produksyon ni Willie Decker, sa opera ng Verdi na La Traviata. Ang tagumpay na ito ay binuhat siya hindi lamang sa tuktok - binuhat niya siya sa Olympus ng mundo ng opera! Gumaganap si Anna Netrebko kasama ang pinakamalaking konduktor sa buong mundo, kasama sina Valery Gergiev, James Levine, Seiji Ozawa, Nikolaus Arnoncourt, Zubin Meta, Colin Davis, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Emmanuel Villum, Bertrand de Buyy, Marco Armiliato. Noong 2003, ang sikat na kumpanya ng Deutsche Gramophone ay lumagda ng isang eksklusibong kontrata kay Anna Netrebko. Noong Setyembre 2003, ang unang album ni Anna Netrebko na "Opera Arias", ay inilabas. Inirekord ito ng mang-aawit sa Vienna Philharmonic Orchestra (konduktor Janandrea Noseda). Kasama sa album ang mga tanyag na arias mula sa iba`t ibang mga opera - "Mermaids", "Faust", "Bohemians", "Don Giovanni", "Somnambula". Ang isang hindi kapani-paniwala na tagumpay ay ang pelikulang "The women - the voice", kung saan si Anna ay naglalagay ng star sa limang mga opera clip na nilikha ng direktor ng Hollywood na si Vincent Patterson, na dating nagtrabaho kasama sina Michael Jackson at Madonna. Noong Agosto 2004, ang pangalawang solo album ng mang-aawit na "Semper Libera" ay pinakawalan, na naitala kasama ng Mahler Orchestra at Claudio Abbado. Ang pangatlong solo album na naitala kasama ang Mariinsky Theatre Orchestra at Valery Gergiev, Russian Album, ay inilabas noong 2006. Ang lahat ng tatlong mga album ay nagpunta platinum sa Alemanya at Austria, at "Russian Album" ay hinirang para sa isang Grammy. Noong 2008 ay pinakawalan ng Deutsche Gramophone ang ika-apat na solo disc ni Anna, ang Souvenirs, na naitala sa Prague Symphony Orchestra at Emmanuel Willum. Malaking tagumpay ang naghintay ng isa pang CD - "Duets", na naitala ni Anna kasama ang kanyang permanenteng kasosyo na si Rolando Villazon. Sa simula ng 2009, isang CD ang pinakawalan kasama ang pagrekord ng pagganap ng Viennese noong 2008 na "Capuleti at Montagues", kung saan kumanta si Anna kasama ang isa pang superstar - ang Latvian mezzo-soprano na si Elina Garanca. Dalawang natitirang mang-aawit ng opera at magagandang kababaihan - sina Anna Netrebko at Elina Garanchu - kamakailan ay tinawag na mga babaeng pangarap na kababaihan - ang babaeng "pangarap na duet". Ang Deutsche Gramophone, pati na rin ang maraming iba pang mga kumpanya, ay naglabas ng mga video ng maraming mga pagtatanghal ng opera kasama ang pakikilahok ni Anna Netrebko. Kabilang sa mga ito - "Ruslan and Lyudmila" (1995), "Betrothal in a monastery" (1998), "Love Drink" (Vienna, 2005), "Traviata" (Salzburg, 2005), "Puritans" (MET, 2007), "Manon" (Vienna, 2007), "Manon" (Berlin, 2007). Noong unang bahagi ng 2008, ang direktor na si Robert Dornholm ay kinunan ng pelikula - ang opera na La Boheme, na pinagbibidahan nina Anna Netrebko at Rolando Villazon. Ang pelikula ay nag-premiere sa Austria at Alemanya noong taglagas noong 2008. Maraming mga bansa sa mundo ang may karapatang ipakita ang pelikula. Noong Marso 2009, nagsimulang ibenta ng Axiom Films ang pelikula sa DVD. Si Anna Netrebko ay nagbida rin sa isang cameo role sa Hollywood film na Princess Diary 2 (Walt Disney Studios, sa direksyon ni Harry Marshall). Ang mga pagtatanghal ng konsyerto ni Anna Netrebko ay nakakuha ng pambihirang kasikatan. Kabilang sa pinakatanyag ay ang konsyerto sa Carnegie Hall kasama si Dmitry Hvorostovsky noong 2007, sa Royal Albert Hall sa London (Prom BBC concert, 2007), pati na rin ang maalamat na magkasamang konsyerto nina Anna Netrebko, Placido Domingo at Rolando Villazon (Berlin 2006 , Vienna 2008). Ang mga pag-broadcast sa TV, pati na rin ang mga pagrekord ng mga konsyerto sa Berlin at Vienna sa DVD, ay isang matagumpay. Matapos manalo sa kompetisyon. Glinka noong 1993 si Anna Netrebko ay paulit-ulit na iginawad sa iba't ibang mga premyo, pamagat, parangal. Kabilang sa kanyang mga nagawa: - manureate ng II International Competition para sa Young Opera Singers na pinangalanan pagkatapos NA Rimsky-Korsakova (St. Petersburg, 1996) - nakakuha ng premyo na "Baltika" (1997) - nakakuha ng award sa musika sa Russia na "Casta Diva" (1998) - nakakuha ng pinakamataas na premyo sa teatro ng St. Petersburg na "Golden Soffit "(1999, 2005, 2009). Ang iba pang mga nakamit ni Anna Netrebko ay kasama ang prestihiyosong German Bambi Award, ang Austrian Amadeus Awards, ang Singer of the Year at Woman Musician of the Year na mga titulong natanggap sa Great Britain (Classical BRIT Awards), siyam na mga parangal ng Echo Klassik sa Alemanya. At din dalawang nominasyon ng Grammy (para sa mga disk na "Violetta" at "Russian Album"). Noong 2005, sa Kremlin, iniharap ng Pangulo ng Russia na si Vladimir Putin kay Anna Netrebko ang State Prize ng Russian Federation, na iginawad sa kanya "para sa kanyang natitirang kontribusyon sa kulturang musikal ng Russia." Noong 2006, ang Gobernador ng Teritoryo ng Krasnodar A. Tkachev ay iginawad kay Anna Netrebko ng "Bayani ng Paggawa ng Kuban" medalya para sa kanyang mataas na kontribusyon sa mundo ng opera art. Noong 2007, kasama sa magazine ng Time si Anna Netrebko sa listahan ng 100 pinaka-maimpluwensyang tao sa buong mundo. Ito ang kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan na ang isang mang-aawit ng opera ay naitampok sa listahan ng Oras, na kinabibilangan ng "mga kalalakihan at kababaihan na ang kapangyarihan, talento at halimbawa ng moralidad ay binabago ang mundo." Natanggap ni Anna Netrebko ang pinaka makabuluhang pamagat sa kanyang karera noong 2008, nang ang may awtoridad na magasing Amerikanong "Musical America" \u200b\u200bna nagngangalang Anna Netrebko na "Musician of the Year". Ang gantimpala na ito ay hindi tugma sa Oscar, ngunit sa Nobel Prize. Taon-taon, mula noong 1960, pinangalanan ng magazine ang pangunahing tao sa musika sa buong mundo. Sa buong kasaysayan, limang singers lamang ng opera ang pinarangalan ng naturang karangalan - Leontine Price, Beverly Sills, Marilyn Horn, Placido Domingo, Carita Mattila. Si Anna Netrebko ay naging ikaanim sa napiling hilera ng pinakahuhusay na artista sa opera. Ang Netrebko ay nakatuon ng malalaking artikulo sa maraming magazine na "glossy" - kabilang ang Vogue, Vanity Fair, Town & Country, Harper's Bazaar, Elle, W Magazine, Enquire, Playboy. Siya ay naging panauhin at pangunahing tauhang ng sikat na mga programa sa TV tulad ng Good Morning America sa NBC (Night Show kasama si Jay Lino "sa NBC), 60 minuto sa CBS at German Wetten, dass ..? Ang mga dokumentaryong pelikula tungkol kay Anna ay ipinakita sa mga channel sa TV sa Austria, Alemanya, Russia. Dalawa sa kanyang talambuhay ay nai-publish sa Alemanya. Ayon sa pahayagang pandaigdigan, sa pagtatapos ng 2007, si Anna Netrebko ay naging kasosyo sa isang kasamahan sa entablado ng opera - ang baruto ng Uruguayan na si Erwin Schrott. Noong unang bahagi ng Pebrero 2008, ang ang mundo at Russian media ay iniulat tungkol sa isang pang-amoy: Inaasahan ni Anna Netrebko ang isang sanggol! Ang huling pagganap ni Anna bago ang pahinga na nauugnay sa panganganak ay naganap noong Hunyo 27, 2008 sa Vienna, sa Schönnbrunn Palace. Nagtanghal si Anna sa isang konsyerto kasama ang kanyang bantog na kasosyo na Placido Domingo at Rolando Villazon. Dalawang buwan at isang linggo, noong Setyembre 5, 2008 ay nagkaroon ng isang anak na lalaki si Anna, na pinangalanan ng masasayang magulang na may pangalan na Latin American - Thiago Arua. Nasa Enero 14, 2009, ipinagpatuloy ni Anna Netrebko ang kanyang mga aktibidad sa entablado ika, lumitaw sa dulaang Mariinsky Theatre na "Lucia di Lammermoor". Noong huling bahagi ng Enero - unang bahagi ng Pebrero, inawit ni Anna ang bahagi ng Lucia sa Metropolitan Opera. Ang huli, pang-apat na pagganap, na naganap noong Pebrero 7, ay na-broadcast nang live sa ilalim ng programang "The MET Live in HD" sa mga screen ng sinehan sa Amerika at Europa. Ang broadcast ay napanood ng mga manonood sa 850 na sinehan sa 31 mga bansa. Natanggap ni Anna Netrebko ang karangalang ito sa pangatlong pagkakataon. Dati, ang mga pagtatanghal ng Metropolitan Opera - Romeo at Juliet at The Puritans - ay na-broadcast nang live sa mga sinehan sa buong mundo. Noong 2006, natanggap ni Anna Netrebko ang pagkamamamayan ng Austrian, habang pinapanatili ang pagkamamamayan ng Russia. Habang patuloy na gumagalaw sa buong mundo, mula sa isang bansa patungo sa isa pa, si Anna ay gayunpaman laging masaya na bumalik sa kanyang sariling tahanan. Kung saan eksaktong Si Anna ay may mga apartment sa St. Petersburg, Vienna at New York. Ayon kay Anna mismo, "hindi siya nahuhumaling sa opera at entablado." Malinaw na sa pagsilang ng isang bata, inilaan ni Anna ang lahat ng kanyang bihirang mga libreng araw at oras sa kanyang anak na lalaki, na patuloy na sinasamahan si Anna sa lahat ng kanyang paglalakbay at paglalakbay. Ngunit bago maging isang ina, nasiyahan si Anna sa pagguhit sa kanyang libreng oras, pamimili at pagpunta sa mga pelikula, pakikinig sa sikat na musika. Paboritong manunulat - Akunin, mga paboritong artista sa pelikula - Brad Pitt at Vivien Leigh. Kabilang sa mga tanyag na mang-aawit, pinili ni Anna sina Justin Timberlake, Robbie Williams at ang grupong "Greenday", at mas kamakailan - sina Amy Winehouse at Duffy. Si Anna Netrebko ay nakikibahagi sa mga charity program at kaganapan kapwa sa Russia at sa ibang bansa. Kabilang sa mga pinakaseryoso ay ang proyekto ng SOS-KinderDorf, na nagpapatakbo sa 104 na mga bansa sa buong mundo. Bilang karagdagan, ang mang-aawit ay lumahok sa proyekto na "Anna" (isang programa upang matulungan ang mga orphanage sa Kaliningrad at ang rehiyon ng Kaliningrad), tumutulong sa internasyonal na pundasyon ng kawanggawa na "Roerich Heritage", pati na rin ang orthopaedic institute ng mga bata na matatagpuan sa Pushkin. G.I. Turner. Pinagmulan: http://annanetrebko-megastar.ru/

Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya - mang-aawit ng opera ng Soviet at Russian, soprano. Doctor ng Mga Agham sa Musika, Propesor. Si Lyubov Yurievna Kazarnovskaya ay ipinanganak noong Mayo 18, 1956 sa Moscow, ina, Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - philologist, guro ng wikang Russian at panitikan, ama, Kazarnovsky Yuri Ignatievich - pangkalahatang reserba, nakatatandang kapatid na babae - Bokadorova Natalya Yurievna - philologist, propesor ng wikang Pranses at panitikan. Palaging kumakanta si Lyuba, pagkatapos ng pag-aaral ay nanganganib siyang mag-apply sa Gnessin Institute - ang guro ng mga artista sa teatro ng musikal, bagaman naghahanda siyang maging isang mag-aaral sa guro ng mga banyagang wika. Ang mga taon ng mag-aaral ay nagbigay kay Lyuba ng maraming bilang isang artista, ngunit ang mapagpasyang pagpupulong ay kay Nadezhda Matveyevna Malysheva-Vinogradova, isang kahanga-hangang guro, bokalista, kasama ng Chaliapin, isang mag-aaral mismo ni Stanislavsky. Bilang karagdagan sa napakahalagang aral sa pag-awit, si Nadezhda Matveevna, ang balo ng kritiko sa panitikan at iskolar ng Pushkin na dalubhasa na si V.V. Vinogradov, ay nagsiwalat kay Lyuba ng lahat ng kapangyarihan at kagandahan ng mga klasikong Ruso, tinuruan siya na maunawaan ang pagkakaisa ng musika at mga salitang nakatago sa kanya. Ang pagpupulong kasama si Nadezhda Matveyevna sa wakas ay natukoy ang kapalaran ng batang mang-aawit. Noong 1981, sa edad na 21, habang mag-aaral pa rin sa Moscow Conservatory, ginawa ni Lyubov Kazarnovskaya ang kanyang pasinaya sa papel na Tatiana (Eugene Onegin ni Tchaikovsky) sa entablado ng Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko Musical Theatre. Laureate ng All-Union Glinka Competition (II premyo). Mula noon, si Lyubov Kazarnovskaya ay nasa gitna ng buhay musikal ng Russia. Noong 1982 nagtapos siya mula sa Moscow State Conservatory, noong 1985 - nagtapos na paaralan sa klase ng associate professor na si Shumilova Elena Ivanovna. 1981-1986 - Soloista ng Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko Musical Academic Theatre, sa repertoire na "Eugene Onegin" ni Tchaikovsky, "Iolanta", "May Night" ni Rimsky-Korsakov, "Pagliacci" ni Leoncavallo, "La Boheme" ni Puccini. 1984 - sa paanyaya ni Svetlanov ay inawit ang bahagi ng Fevronia sa bagong paggawa ng "The Legend of the Invisible City of Kitezh" ni Rimsky-Korsakov, at pagkatapos ay noong 1985 - ang bahagi ng Tatiana (Eugene Onegin ni Tchaikovsky) at Nedda (" Pagliacci "ni Leoncavallo) sa State Academic Theatre ng Russia. 1984 - Grand Prix ng UNESCO Young Performers Competition (Bratislava). Laureate of the Competition Miriam Hellin (Helsinki) - III premyo at isang honorary diploma para sa pagganap ng Italian aria - personal mula sa chairman ng kumpetisyon at ang maalamat na Sweden opera singer na si Birgit Nilsson. 1986 - Nagtapos sa Lenin Komsomol Prize. 1986 -1989 - Nangungunang soloist ng State Academic Theater. Kirov: Leonora ("The Force of Destiny" ni Verdi), Margarita ("Faust" ni Gounod), Donna Anna at Donna Elvira ("Don Juan" ni Mozart), Leonora ("Troubadour" ni Verdi), Violetta ("Traviatta ”Ni Verdi), Tatiana (“ Eugene Onegin ”ni Tchaikovsky), Liza (“ The Queen of Spades ”ni Tchaikovsky), Soprano (“ Requiem ”ni Verdi). Isara ang pakikipagtulungan sa mga conductor tulad ng Jansson, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. Ang unang tagumpay sa dayuhan - sa Covent Garden Theatre (London), bilang Tatiana sa opera ni Tchaikovsky na "Eugene Onegin" (1988) 1989. - "Maestro of the World" Inanyayahan ni Herbert von Karajan ang batang mang-aawit sa "kanyang sariling" piyesta - ang piyesta sa tag-init sa Salzburg. Noong Agosto 1989 - isang debut ng tagumpay sa Salzburg (Verdi's Requiem, conductor Ricardo Muti). Ang buong mundo ng musikal ay nabanggit at pinahahalagahan ang pagganap ng isang batang soprano mula sa Russia. Ang kagila-gilalas na pagganap na ito ay minarkahan ang simula ng isang nakakahilo na karera, na kalaunan ay humantong sa kanya sa mga opera house tulad ng Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. Ang kanyang mga kasosyo ay sina Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Capucciilli, Cossotto, von Stade, Baltza. Setyembre 1989 - ang pakikilahok sa world gala concert sa entablado ng State Academic Bolshoi Theatre ng Russia bilang suporta sa mga biktima ng lindol sa Armenia kasama sina Kraus, Bergonzi, Prey, Arkhipova. Oktubre 1989 - nakilahok sa paglilibot sa Milan Opera House na "La Scala" sa Moscow (G. Verdi "Requiem"). 1991 - Salzburg. 1992-1998 - malapit na kooperasyon sa Metropolitan Opera. 1994-1997 - malapit na kooperasyon sa Mariinsky Theatre at Valery Gergiev. Noong 1996, matagumpay na nag-debut si Lyubov Kazarnovskaya sa Teatro alla Scala sa opera ng Prokofiev na The Gambler, at noong Pebrero 1997 ay umawit siya nang may tagumpay sa papel ni Salome sa Santa Cecilia Theatre sa Roma. Ang mga nangungunang opera masters ng aming oras ay nagtatrabaho sa kanya - tulad ng mga conductor tulad ng Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, mga director - Dzefirelli, Egoyan, Vikk, Taymor, Dew ... "La Kazarnovskaya", dahil dito ay tinawag ng Italian press at mayroong higit sa limampung bahagi sa repertoire nito. Tinatawag siyang pinakamahusay na Salome sa aming mga araw, ang pinakamahusay na tagapalabas ng opera nina Verdi at Verists, hindi pa mailalahad ang papel ni Tatyana mula kay Eugene Onegin, ang kanyang calling card. Lalo siyang naging matagumpay sa pagganap ng pangunahing mga tungkulin sa opera Salome nina Richard Strauss, Eugene Onegin ni Tchaikovsky, Manon Lescaut at Tosca ni Puccini, The Force of Destiny at Traviatta ni Verdi. 1997 - Lumikha si Lyubov Kazarnovskaya ng kanyang sariling samahan sa Russia - "The Lyubov Kazarnovskaya Foundation", upang suportahan ang opera art ng Russia: inaanyayahan ang mga nangungunang masters ng vocal art sa Russia sa mga konsyerto at master class, tulad ng Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , Jose Cura et al. , nagtatatag ng mga iskolarship upang matulungan ang mga batang mang-aawit ng Russia. * 1998-2000 - malapit na kooperasyon sa Bolshoi Theatre ng Russia. Noong 2000 - tinaguyod ng mang-aawit ang nag-iisang Children's Opera Theatre sa buong mundo na pinangalanang Lyubovy Kazarnovskaya (Dubna). Sa teatro na ito, nagplano si Lyubov Kazarnovskaya ng mga kagiliw-giliw na proyekto sa Russia at sa ibang bansa. 2000 - Pinuno ng Creative Coordination Council ng Cultural Center na "Union of Cities", na nagsasagawa ng isang malaking gawaing pangkultura at pang-edukasyon sa mga lungsod at rehiyon ng Russia. 12/25/2000 - isa pang premiere ang naganap sa Rossiya Concert Hall - ang makinang na opera show na "Mga Mukha ng Pag-ibig", na na-broadcast nang live sa buong mundo. Ang tatlong oras na aksyong musikal, na ipinakita sa kauna-unahang pagkakataon sa buong mundo ng isang nangungunang mang-aawit ng opera, ay naging kaganapan ng huling taon ng papalabas na siglo at gumuhit ng mga masigasig na tugon sa Russia at sa ibang bansa. 2002 - Si Lyubov Kazarnovskaya ay nasa gitna ng mga aktibong aktibidad sa lipunan, nahalal na Tagapangulo ng Komisyon para sa Kooperasyong Pangkultura at Makatao sa mga munisipalidad ng Russian Federation, ang Tagapangulo ng Lupon ng Russian Musical Educational Society. Si Lyubov Kazarnovskaya ay iginawad sa isang diploma mula sa isang prestihiyosong sentro sa Cambridge (Inglatera) bilang isa sa 2000 na pinakahuhusay na musikero ng ika-20 siglo. Ang malikhaing buhay ni Lyubov Kazarnovskaya ay isang serye ng hindi mapusok at hindi mapipigilan na mga tagumpay, mga tuklas, mga nakamit, na may kaugnayan sa kung anong epithet na "una" ay naaangkop sa maraming aspeto: * Grand Prix sa UNESCO vocal competition. * Ang Kazarnovskaya ay ang unang Russian soprano na inimbitahan sa Salzburg ni Herbert von Karajan. * Ang nag-iisang Russian na mang-aawit na gumanap ng mga bahagi ni Mozart sa sariling bayan ng kompositor sa Salzburg sa kanyang ika-200 kaarawan. * Ang una at hanggang ngayon ang nag-iisa na mang-aawit ng Rusya na gumanap ng pinakamahirap na bahagi ng Salome ("Salome" ni Richard Strauss) sa pinakamalaking yugto ng opera sa buong mundo na may napakalaking tagumpay. Ang L. Kazarnovskaya ay itinuturing na pinakamahusay na Salome sa ating mga araw. * Ang unang mang-aawit na naitala (sa CD) ang lahat ng 103 ng mga romansa ni Tchaikovsky. * Sa mga disc na ito at sa kanyang maraming konsyerto sa lahat ng mga sentro ng musikal sa buong mundo, binubuksan ni Lyubov Kazarnovskaya ang pagkamalikhain ng musikal ng mga kompositor ng Russia sa publiko sa Kanluran. * Ang unang mang-aawit ng opera sa isang pang-internasyonal na sukat, na gumawa ng isang walang uliran na palabas sa saklaw nito - opera, operetta, romance, chanson ... * Ang una at nag-iisang mang-aawit na gumanap ng dalawang papel sa isang gabi (sa operasyong "Manon Lescaut" ni Puccini) sa dulang “Portrait of Manon” Sa entablado ng Bolshoi Theatre ng Russia. Kamakailan lamang, si Lyubov Kazarnovskaya, bilang karagdagan sa kanyang mga aktibidad sa internasyonal, ay nagbigay ng maraming lakas at oras sa pag-unlad ng buhay musikal sa mga rehiyon ng Russia. Nang walang pag-aalinlangan, siya ang pinaka-kapansin-pansin na kababalaghan sa tinig at musikal na buhay ng Russia, at ang pamamahayag na nakatuon sa kanya ay walang uliran sa genre at dami. Ang kanyang repertoire ay may kasamang higit sa 50 mga operat na papel at isang malaking repertoire ng silid ng musika. Ang kanyang mga paboritong tungkulin ay sina Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("The Force of Destiny"), Amelia ("Masquerade Ball"). Pagpili ng isang programa para sa solo gabi, iniiwasan ni Kazarnovskaya ang isang kalat na seleksyon ng kahit na nanalo, mga kaakit-akit na bagay, na nagbibigay ng kagustuhan sa mga kakaibang siklo na kumakatawan sa gawain ng iba't ibang mga may-akda. Ang pagiging natatangi ng mang-aawit, ningning ng interpretasyon, banayad na pakiramdam ng istilo, indibidwal na diskarte sa sagisag ng mga kumplikadong imahe sa mga gawa ng iba't ibang mga panahon na ginagawang tunay na mga kaganapan sa buhay kultura. Maraming audio at video recording ang binibigyang diin ang napakalaking kakayahan sa tinig, mataas na istilo at ang pinakadakilang talento sa musika ng makinang na mang-aawit na ito, na aktibong ipinakita ang totoong antas ng kultura ng Russia sa buong mundo. Ang kumpanya ng Amerika na VAI (Video Artists International) ay naglabas ng isang serye ng mga teyp ng video kasama ang paglahok ng Russian diva, kasama ang "Great Singers of Russia 1901-1999" (dalawang tape), "Gypsy Love" (video recording ng konsyerto ni Lyubov Kazarnovskaya sa Great Hall ng Moscow Conservatory). Ang discography ni Lyubov Kazarnovskaya ay may kasamang mga recording para sa DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia. Sa kasalukuyan, si Lyubov Kazarnovskaya ay naghahanda ng mga bagong programa para sa mga solo na konsyerto, mga bagong papel sa pagpapatakbo (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), ay nagpaplano ng maraming mga paglilibot sa ibang bansa at sa buong Russia, at naka-star sa mga pelikula. Siya ay ikinasal kay Robert Rostsik mula pa noong 1989, noong 1993 ipinanganak ang kanyang anak na si Andrey. Ang ilang mga quote na ito ay isang maliit na bahagi lamang ng masigasig na mga tugon na sinamahan ng mga pagtatanghal ni Lyubov Kazarnovskaya: "Ang kanyang tinig ay malalim at mapang-akit na insinuating ... Ang pagpindot, magagandang pagpapatakbo ng mga eksena mula sa liham ni Tatyana at ang kanyang huling pagpupulong kay Onegin ay nag-iiwan ng walang duda tungkol sa pinakamataas ng mang-aawit kasanayan (Metropolitan Opera, "New York Times") "Napakalakas, malalim, napakahusay na kinokontrol na soprano, nagpapahayag sa buong saklaw ... Ang saklaw at ningning ng mga katangian ng tinig ay lalong kahanga-hanga" (Lincoln Center, recital, New York Times) "Ang tinig ni Kazarnovskaya ay nakatuon, delikadong malalim sa gitnang rehistro at ilaw sa itaas ... Siya ay isang nagliliwanag na Desdemona" (Pransya, "Le Monde de la Musique") "... Si Lyuba Kazarnovskaya ay nagpayuma sa madla sa kanyang senswal, mahiwagang tunog ng soprano sa lahat ng mga rehistro "(" Muenchner Merkur ")" Russian Diva na masikat sa papel ni Salome, - ang yelo ay nagsimulang matunaw sa mga kalye nang kumanta si Lyuba Kazarnovskaya ng huling eksena ni Salome ... "(" Cincinnati Enquirer ") Infor mation at mga larawan mula sa opisyal na site: http://www.kazarnovskaya.com Bagong site tungkol sa magagandang bulaklak. Ang mundo ng mga iris. Pag-aanak, pag-iwan, paglipat ng irises.

Si Elina Garanca ay isang mang-aawit na taga-Latvia (mezzo-soprano), isa sa mga nangungunang mang-aawit ng opera sa ating panahon. Si Elina Garanca ay ipinanganak noong Setyembre 16, 1976 sa Riga sa isang pamilya ng mga musikero, ang kanyang ama ay isang choral director, at ang kanyang ina, si Anita Garanca, ay isang propesor sa Latvian Academy of Music, isang associate professor sa Latvian Academy of Culture , isang guro ng tinig sa Latvian National Opera. Noong 1996, pumasok si Elina Garanca sa Latvian Academy of Music sa Riga, kung saan nag-aral siya ng vocal kasama si Sergei Martynov, at mula noong 1998 ay ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral kasama si Irina Gavrilovich sa Vienna, at pagkatapos ay kasama si Virginia Zeani sa USA. Isa sa pinakahimpluwensyang pangyayari kay Elina sa kanyang pag-aaral ay ang pagganap noong 1998 ng papel ni Jane Seymour mula sa opera na "Anne Boleyn" ni Gaetano Donizetti - Natutuhan ni Garancha ang papel sa sampung araw at natuklasan ang isang malalim na pakikiramay sa bel canto repertoire. Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral, ginawa ni Garanca ang kanyang propesyonal na opera debut sa State Theater ng South Thuringia sa Meiningen, Alemanya, na may papel na ginagampanan ng Octavian sa Der Rosenkavalier. Noong 1999 siya ay nagwagi sa Miriam Helin Vocal Competition sa Helsinki, Finland. Noong 2000 nagwagi si Elina Garanca ng pangunahing gantimpala sa Latvian National Performer Competition, at pagkatapos ay tinanggap siya sa tropa at nagtrabaho sa Frankfurt Opera, kung saan kinanta niya ang mga papel na ginagampanan ng Second Lady sa The Magic Flute, Hansel sa opera ni Humperdink na Hansel at Gretel at Rosina sa Seville barber ". Noong 2001 siya ay naging isang finalist ng prestihiyosong internasyonal na kumpetisyon ng mga opera singers sa Cardiff at pinakawalan ang kanyang debut solo album na may isang programa ng opera arias. Ang pambihirang tagumpay sa internasyonal ng batang mang-aawit ay dumating noong 2003 sa Salzburg Festival, nang kantahin niya ang bahagi ni Annio sa isang paggawa ng opera ng Mozart na Titus 'Mercy sa ilalim ng batuta ni Nicolaus Arnoncourt. Ang pagganap na ito ay sinundan ng tagumpay at maraming mga pakikipag-ugnayan. Ang pangunahing lugar ng trabaho ay ang Vienna State Opera, kung saan Garanca gumanap ng mga tungkulin ng Charlotte sa Werther at Dorabella sa Everybody's So Do noong 2003-2004. Sa France, siya ay unang lumitaw sa Théâtre des Champs-Elysees (Angelina sa Rossini's Cinderella), at pagkatapos ay sa Paris Opera (Opera Garnier) bilang Octavian. Noong 2007, gumanap si Elina Garanca sa kauna-unahang pagkakataon sa pangunahing yugto ng opera ng kanyang bayan sa Riga sa Latvian National Opera na may papel na Carmen. Sa parehong taon ay nag-debut siya sa Berlin State Opera (Sextus) at sa Royal Theatre "Covent Garden" sa London (Dorabella), at noong 2008 - sa "Metropolitan Opera" sa New York na may papel na Rosina sa "Barber of Seville" at sa Bavarian Opera sa Munich (Adalgiza). Sa kasalukuyan, si Elina Garancha ay gumaganap sa yugto ng mga nangungunang opera house at venue ng konsyerto sa buong mundo bilang isa sa pinakamaliwanag na mga bituin sa musikal salamat sa kanyang magandang boses, pagiging musikal at nakakumbinsi na talento ng dramatiko. Ang mga kritiko ay nagkomento sa kadalian, bilis at lubos na ginhawa kung saan kinokontrol ni Garancha ang kanyang tinig, at ang tagumpay na inilapat niya ang modernong diskarteng pambigkas sa komplikadong repertoire ng Rossini noong unang bahagi ng ika-19 na siglo. Si Elina Garanca ay mayroong isang matibay na koleksyon ng mga recording ng audio at video, kasama na ang isang recording na nagwagi sa Grammy ng "Bayazet" ni Antonio Vivaldi na idinirekta ni Fabio Biondi, kung saan kinanta ni Elina ang bahagi ng Andronicus. Si Elina Garanca ay ikinasal sa konduktor ng Ingles na si Karel Mark Chichon at inaasahan ng mag-asawa ang kanilang unang anak sa pagtatapos ng Oktubre 2011.

Ang Teatro Massimo (Italyano Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) ay isang opera house sa Palermo, Italya. Ang teatro ay ipinangalan kay Haring Victor Emmanuel II. Isinalin mula sa Italyano, ang Massimo ay nangangahulugang ang pinakamalaki, ang pinakamalaki - ang arkitekturang kumplikado ng teatro ang pinakamalaki sa mga gusali ng mga opera house sa Italya at isa sa pinakamalaki sa Europa. Sa Palermo, ang pangalawang pinakamalaking lungsod sa southern Italy, matagal nang pinag-uusapan ang pangangailangan para sa isang opera house sa lungsod. Noong 1864, isang kumpetisyon sa internasyonal ang inihayag ng Alkalde ng Palermo, Antonio Rudini, para sa isang proyekto na magtatayo ng isang pangunahing opera house na dapat pagandahin ang hitsura ng lungsod at itaas ang imahe ng lungsod sa ilaw ng pambansang pagkakaisa ng Italya. Noong 1968, bilang isang resulta ng isang kumpetisyon, ang tanyag na arkitekto sa Sicily, Giovanni Battista Filippo Basile, ay napili. Para sa bagong teatro, isang lugar ang kinilala kung saan matatagpuan ang simbahan at monasteryo ng San Giuliano, na, sa kabila ng mga protesta ng mga madre na Franciscan, ay nawasak. Ayon sa alamat, "Ang huling abbess ng monasteryo" ay gumagala pa rin sa mga bulwagan ng teatro, at ang mga hindi naniniwala sa kanya ay laging nadapa sa isang hakbang ("hakbang ng madre") sa pasukan ng teatro. Ang konstruksyon ay nagsimula sa isang solemne na seremonya ng paglalagay ng unang bato noong Enero 12, 1875, ngunit ito ay dahan-dahang sumulong, na may patuloy na kakulangan ng pondo at mga iskandalo, noong 1882 ito ay nagyelo sa loob ng walong taon at ipinagpatuloy lamang noong 1890 Noong 1891, namatay ang arkitekto na si Giovanni Basile bago buksan ang kanyang proyekto, ang gawain ay ipinagpatuloy ng kanyang anak na si Ernesto Basile. Noong Mayo 16, 1897, 22 taon pagkatapos magsimula ang konstruksyon, binuksan ng teatro ang mga pintuan nito sa mga mahilig sa opera, ang unang opera na itinanghal sa entablado nito ay ang "Falstaff" ni Giuseppe Verdi sa ilalim ng direksyon ni Leopoldo Munone. Si Giovani Basile ay binigyang inspirasyon ng arkitekturang sinaunang Sicilian at sa gayon ang teatro ay itinayo sa isang neoclassical austere na istilo na may mga elemento ng mga sinaunang Greek templo. Ang monumental staircase na humahantong sa teatro ay pinalamutian ng mga tansong leon na nagdadala ng mga estatwa ng mga kababaihan sa kanilang likuran - ang patulad na "Opera" at "Tragada". Ang gusali ay nakoronahan ng isang malaking kalahating bilog na simboryo. Si Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortejani, Luigi di Giovanni ay nagtrabaho sa panloob na dekorasyon ng teatro, na pinapanatili sa istilo ng huli na Renaissance. Ang isang maluwang na lobby ay humahantong sa awditoryum, ang bulwagan mismo ay nasa hugis ng isang kabayo, dating ito ay 7-tiered at dinisenyo para sa higit sa 3,000 mga manonood, na ngayon ay may limang mga baitang ng mga kahon at isang gallery na maaaring tumanggap ng 1,381 na mga puwesto. Ang mga unang panahon ay matagumpay. Salamat sa pinakamalaking negosyante at Senador Ignazio Florio, na nag-sponsor ng teatro at hinahangad na gawing kapital ng opera ang Palermo, naakit ng lungsod ang maraming panauhin, kasama na ang mga nakoronahang ulo, na regular na bumibisita sa teatro. Ang mga nangungunang conductor at mang-aawit ay gumanap sa teatro, nagsisimula kina Enrico Caruso, Giacomo Puccini, Renata Tebaldi, at marami pang iba. Noong 1974, ang Massimo Theater ay sarado para sa isang kumpletong pagpapanumbalik, ngunit dahil sa mga iskandalo sa katiwalian at kawalang-tatag ng politika, naantala ang pagpapanumbalik sa loob ng 23 taon. Noong Mayo 12, 1997, apat na araw bago ang sentenaryo nito, muling binuksan ang teatro na may pagtatanghal ng Ikalawang Symphony ni G. Mahler, ngunit ang pagpapanumbalik ay hindi pa kumpleto na natatapos at ang unang produksyon ng opera ay naganap noong 1998 - Verdi's Aida, at ang regular na opera nagsimula ang panahon noong 1999 taon.

Si Teatro Carlo Felice ang pangunahing opera house sa Genoa, Italya. Ang teatro ay matatagpuan sa sentro ng lungsod, malapit sa Ferrari Square at ang simbolo ng lungsod; sa harap ng teatro mayroong isang equestrian monument kay Giuseppe Garibaldi. Ang desisyon na magtayo ng isang bagong opera house sa Genoa ay kinuha noong 1824 nang malinaw na ang mga umiiral na teatro sa lungsod ay hindi natutugunan ang mga pangangailangan ng lungsod. Ang bagong teatro ay dapat na tumayo sa isang hilera at makipagkumpitensya sa pinakamahusay na mga opera house sa Europa. Inihayag ang isang kumpetisyon sa arkitektura, kung saan pinili nila ang disenyo ng pagtatayo ng opera house ng lokal na arkitekto na si Carlo Barbarino, ilang sandali pa ay ang tanyag na Milanese Luigi Canonica ay idinagdag pa rin na itayo ang entablado at bulwagan, kung kaninong account siya ay nakilahok sa maraming pangunahing proyekto - ang pagpapanumbalik ng La Scala, ang pagtatayo ng mga sinehan sa Milan, Cremona, Brescia at iba pa. Para sa teatro, isang lugar ang napili kung saan matatagpuan ang dating Dominican monastery at ang Simbahan ng San Domenico. Ang kumplikadong monasteryo na ito, na nagsimula pa sa ikalabintatlong siglo, ay bantog sa kadakilaan sa arkitektura at mahahalagang gawa ng sining ng panloob na dekorasyon. Ang ilan ay nagtatalo na ang monasteryo ay isinakripisyo sa teatro, ngunit hindi ito totoo. Bumalik sa mga araw ng "Kaharian ng Italya" ni Napoleon, ang monasteryo ay nakalagay ang baraks at bodega ng kanyang hukbo. Masira ang sira ng complex at noong 1821, alinsunod sa plano ng muling pagtatayo ng lungsod, ganap na itong nawasak, at ang desisyon na magtayo ng isang teatro ay ginawa noong 1824. Ang unang bato ng bagong gusali ay inilatag noong Marso 19, 1826. Ang engrandeng pagbubukas ay naganap noong Abril 7, 1828, kahit na ang konstruksyon at dekorasyon ay hindi pa nakumpleto. Ang kauna-unahang opera sa entablado ng teatro ay ang "Bianca at Fernando" ni Vincenzo Belinni. Ang teatro ay ipinangalan kay Duke Carlo Felice ng Savoy, pinuno ng Genoa. Tumatanggap ang limang antas na bulwagan ng halos 2,500 manonood. Sa mga sumunod na taon, ang teatro ay naibalik nang maraming beses, noong 1852 naka-install ang ilaw ng gas, noong 1892 - ilaw ng elektrisidad. Sa loob ng halos apatnapung taon, mula noong 1853, si Giuseppe Verdi ay gumugol ng mga taglamig sa Genoa at paulit-ulit na itinanghal ang kanyang mga opera sa Teatro Carlo Felice. Noong 1892, matapos ang pagbabagong-tatag upang ipagdiwang ang ika-400 anibersaryo ng pagtuklas ng America ni Christopher Columbus (pinagtatalunan ng Genoa ang karapatang maituring na maliit na tinubuang bayan ng Columbus), hiniling kay Verdi na bumuo ng isang angkop na opera para sa kaganapang ito at ilagay ito sa teatro , ngunit tumanggi siya, na binabanggit ang kanyang katandaan. Ang Teatro Carlo Felice ay patuloy na naayos at nanatili sa mabuting kalagayan hanggang sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ang unang pinsala ay naidulot noong 1941, nang ang bubong ng gusali ay nawasak mula sa pagbaril ng mga Allied tropa at ang natatanging pagpipinta ng kisame ng awditoryum ay malubhang napinsala. Pagkatapos, noong Agosto 1943, pagkatapos ng isang sunog na bomba ay tumama, ang mga silid sa likuran ay nasunog, ang mga dekorasyon at mga dressing room ay nawasak, ngunit ang apoy ay hindi nakakaapekto sa pangunahing bulwagan, sa kasamaang palad, sa oras na iyon ang teatro ay higit na nagdusa mula sa mga magnanakaw na nagnanakaw ng maraming mahalaga mga bagay Sa wakas, noong Setyembre 1944, pagkatapos ng pagsalakay sa himpapawid, ang mga dingding lamang ang nanatili mula sa teatro. Ang teatro, na nagmamadali na nag-ayos, nagpatuloy sa aktibidad nito sa lahat ng oras na ito, at maging si Maria Callas ay gumanap dito. Ang mga plano para sa pagpapanumbalik ng kabisera ng gusali ng teatro ay nagsimula noong 1946. Noong 1951, isang proyekto ang napili batay sa isang kumpetisyon, ngunit hindi ito nagbunga. Ang teatro ay sarado noong unang bahagi ng 1960 dahil sa isang pang-emergency na kondisyon. Noong 1963, ang bantog na arkitekto na si Carlo Scarpa ay ipinagkatiwala upang paunlarin ang proyekto ng muling pagtatayo, ngunit naantala niya ang trabaho at ang proyekto ay handa lamang noong 1977, subalit, dahil sa hindi inaasahang pagkamatay ng arkitekto noong 1978, pinahinto ang proyekto. Ang susunod na plano ay pinagtibay noong 1984, si Aldo Rossi ay napili bilang punong arkitekto ng bagong teatro, si Carlo Felice. Ang pangunahing leitmotif ng mga developer ay ang kombinasyon ng kasaysayan at modernidad. Ang mga dingding ng lumang teatro at harapan na may mga bas-relief, pati na rin ang ilang mga elemento ng panloob na dekorasyon, na naidagdag sa bagong panloob, ay naiwan, subalit, ang karamihan sa teatro ay itinayong muli mula sa simula. Noong Abril 7, 1987, ang batong batayan ng bagong teatro ay inilatag. Ang isang bagong gusaling mataas na gusali ay naidagdag sa likod ng lumang teatro, mga yugto ng pabahay, mga kontrol sa platform ng mobile, mga silid ng pag-eensayo at mga dressing room. Ang awditoryum mismo ay matatagpuan sa "matandang" teatro, ang layunin ng mga arkitekto ay upang likhain muli ang kapaligiran ng lumang teatro square, nang ang mga pagtatanghal ay gaganapin sa isang kalye sa sentro ng lungsod. Samakatuwid, ang mga bintana at balkonahe ay ginawa sa mga dingding ng bulwagan, na ginagaya ang mga panlabas na pader ng mga gusali, at ang kisame ay may tuldok na may "mabituing kalangitan". Noong Oktubre 18, 1991, ang kurtina ng Carlo Felice Theatre ay tuluyang tumaas, ang unang kaganapan sa pagbubukas ng panahon ay ang opera na "Troubadour" ni Giuseppe Verdi. Ang Teatro Carlo Felice ay isa sa pinakamalaking bahay ng opera sa Europa, na may pangunahing kapasidad sa hall na 2,000.

Ang Metropolitan Opera ay isang musikal na teatro sa Lincoln Center sa New York, New York, USA. Ang pinakamalaking bahay opera sa buong mundo. Ito ay madalas na tinatawag na "Met" sa pinaikling form. Ang teatro ay kabilang sa pinakatanyag na yugto ng opera sa buong mundo. Ang artistikong direktor ng teatro ay si James Levine. CEO - Peter Gelb. Nilikha gamit ang mga pondo mula sa Metropolitan Opera House Company. Subsidized ng mga mayayamang firm, indibidwal. Ang Metropolitan Opera ay binuksan na may pagganap ng Faust ni Charles Gounod noong Oktubre 22, 1883, kasama ang Suweko na soprano na si Christina Nilsson bilang babaeng nanguna. Ang teatro ay bukas pitong buwan sa isang taon: mula Setyembre hanggang Abril. Mga 27 na opera ang itinanghal bawat panahon. Ang mga pagtatanghal ay gaganapin araw-araw, halos 220 mga pagtatanghal sa kabuuan. Ang teatro ay naglilibot mula Mayo hanggang Hunyo. Bilang karagdagan, noong Hulyo, ang teatro ay nagbibigay ng mga libreng palabas sa mga parke ng New York, na nakakaakit ng maraming manonood. Mayroong mga regular na pag-broadcast ng radyo at TV. Ang orkestra at koro ng teatro ay gumagana nang permanente, at ang mga soloista at conductor ay inaanyayahan sa isang batayan ng kontrata para sa isang panahon o para sa ilang mga palabas. Tradisyonal na ginaganap ang Opera sa orihinal na wika. Ang repertoire ay batay sa mga classics sa mundo, kabilang ang mga kompositor ng Russia. Ang unang Metropolitan Opera, na dinisenyo ni J. Cleveland Cady, ay matatagpuan sa Broadway, sa pagitan ng 39 at 40 na kalye. Noong 1966, lumipat ang teatro sa bagong Lincoln Center sa Manhattan at may isang pangunahing yugto at tatlong yugto ng pantulong. Ang pangunahing pinuno ng awditoryum ay 3,800 at sa kabila ng laki nito ay kilalang-kilala para sa mahusay na mga acoustics.

Ang Teatro dell "Opera di Roma" (Teatro dell "Opera di Roma) ay isang opera at ballet theatre sa Roma, Italya. Minsan tinawag itong Teatro Costanzi, pagkatapos ng tagalikha nito na Domenico Costanzi (1810-1898). Ang Roman opera house ay itinayo ng isang pribadong kontratista at financier. Domenico Costanzi (1810-1898), ang arkitekto ng proyekto ay ang Milanese Achille Sfondrini (1836-1900). Ang teatro ay itinayo sa labing walong buwan at binuksan noong Nobyembre 27, 1880 na may paggawa ng opera "Semiramis" ni Gioachino Rossini. Ang isa sa mga tampok sa teatro ay ang kalapitan nito sa hotel, na pag-aari din ng Costanzi, mayroong isang underground na daanan sa pagitan ng hotel at teatro, at mga panauhin, kabilang ang mga artista, kung ayaw nila na makikita sa kalye, maaaring makapasok sa teatro incognito sa daanan na ito. Orihinal, ang teatro ng Costanzi na may kapasidad na higit sa 2,200 na manonood ay mayroong isang ampiteatro, tatlong mga baitang ng mga kahon, dalawang magkakahiwalay na mga gallery. Ang simboryo ay pinalamutian ng mga fresko ni Anibale Brugnoli. Ang pamilyang Costanzi ay nakapag-iisa na namamahala ng teatro, unang si Domenico mismo, pagkatapos ay ang kanyang anak na si Enrico at gayon pa man Sa kabila ng katotohanang lumitaw ang maraming paghihirap sa pananalapi, ang teatro ay isa sa nangunguna sa Italya at nag-host ng maraming mga premiere ng mundo, kabilang ang "Rural Honor" ni Pietro Mascagni at "Tosca" ni Giacomo Puccini. Noong 1907, ang teatro ay nakuha ng "Internasyonal at Pambansang Teatro ng Kompanya", si Emma Carell ay hinirang bilang tagapamahala ng teatro, sa labing-apat na taon ng kanyang pamamahala sa teatro ay nanatiling isa rin sa nangungunang sa Italya. Nag-host ito ng maraming premiere ng mundo, Europa at Italyano ng mga opera at ballet, kasama ang Boris Godunov ng Mussorgsky at The Firebird ni Stravinsky, na itinanghal ng Diaghilev's Russian Ballet. Noong Nobyembre 1926, ang "Teatro Costanzi" ay binili ng Roman City Council. Ang teatro ay sumailalim sa isang makabuluhang muling pagsasaayos ayon sa plano ng arkitekto na si Marcello Piacentini: ang harapan ay itinayong muli, ang gitnang pasukan ay inilipat sa kabilang panig, ang ampiteatro ay tinanggal sa loob ng teatro at isa pang baitang ay idinagdag, ang interior ay pinalamutian ng bagong stucco moldings at pandekorasyon elemento, kasangkapan ay pinalitan at isang nakamamanghang bagong 6 na metro ng chandelier ay nasuspinde. sa diameter na may 27,000 piraso ng kristal. Natanggap ng teatro ang pangalang "Royal Opera House" at binuksan ulit ang mga pintuan nito noong Pebrero 27, 1928 kasama ang opera na "Nero" ni Arrigo Boito. Mula 1946 hanggang sa kasalukuyan, ang teatro ay tinawag na Rome Opera House. Noong 1958, ang gusali ay muling itinayo at modernisahin muli at nakuha ang kasalukuyang hitsura. Ang parehong arkitekto na si Marcello Piacentini ay gumuhit ng isang proyekto na kinasasangkutan ng pagbabago sa harapan, gitnang pasukan at foyer, ang bulwagan ay nilagyan ng aircon at isang pangunahing pagsasaayos ang ginawa. Sa kasalukuyan, ang kapasidad ng bulwagan ay halos 1600 na mga upuan. Ang Roman Opera House ay mayroon ding sariling mga opera at ballet na kumpanya at isang paaralan ng klasikal na sayaw, ang ballet sa Roma ay hindi gaanong popular kaysa sa opera. Mula noong 1937, sa tag-araw, ang opera house ay nagbibigay ng mga pagtatanghal sa bukas na hangin sa Paliguan ng Caracalla, laban sa likuran ng isang arkitektura monumento ng mga sinaunang panahon.

Ang La Scala (Italyano na Teatro alla Scala o La Scala) ay isang tanyag na opera house sa Milan (Italya). Ang lahat ng mga nangungunang mga bituin sa opera ay isinasaalang-alang na isang karangalan na gumanap sa La Scala sa nagdaang dalawa't kalahating siglo. Ang Teatro alla Scala ay tahanan ng opera troupe, koro, ballet at symphony orchestra ng parehong pangalan. Kaakibat din ito ng Teatro alla Scala Academy, na nag-aalok ng propesyonal na pagsasanay sa pamamahala ng musika, sayaw at yugto. Sa foyer ng teatro mayroong isang museo, na nagpapakita ng mga kuwadro na gawa, iskultura, kasuotan at iba pang mga dokumento na nauugnay sa kasaysayan ng opera at teatro. Ang gusali ng teatro ay itinayo ng pagkakasunud-sunod ng Emperador ng Austria na si Maria Teresa ayon sa proyekto ng arkitekto na si Giuseppe Piermarini noong 1776-1778. sa site ng Church of Santa Maria della Scala, kung saan nagmula ang pangalan ng teatro mismo. Ang simbahan naman ay tumanggap ng pangalan nito noong 1381 mula sa patroness - ang kinatawan ng pamilya ng mga pinuno ng Verona na may pangalang Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Ang teatro ay binuksan noong Agosto 3, 1778 kasama ang isang paggawa ng opera na "Kinikilala ang Europa" ni Antonio Salieri. Noong huling bahagi ng ika-18 - maagang bahagi ng ika-19 na siglo, lumitaw sa repertoire ng teatro ang mga opera ng mga kompositor ng Italyano na sina P. Anfossi, P. Guglielmi, D. Cimarosa, L. Cherubini, G. Paisiello, S. Mayra. Sa entablado ng teatro, ang mga premiere ng mga opera ni G. Rossini "Touchstone" (1812), "Aurelian in Palmyra" (1813), "Isang Turko sa Italya" (1814), "The Thief Magpie" (1817) at iba pa (sa isa sa mga ito Siya ang nag-debut sa Italya ni Caroline Unger), pati na rin ang mga opera ni J. Meyerbeer "Margaret ng Anjou" (1820), "The Exile from Grenada" (1822) at isang bilang ng mga gawa ng Saverio Mercadante. Mula noong 1830s, ang mga gawa ni G. Donizetti, V. Bellini, G. Verdi, G. Puccini ay lumitaw sa repertoire ng teatro, at sa kauna-unahang pagkakataon ang "Pirate" (1827) at "Norma" (1831) ni Bellini, " Lucretius Borgia ”(1833) Donizetti, Oberto (1839), Nabucco (1842), Othello (1887) at Falstaff (1893) nina Verdi, Madame Butterfly (1904) at Turandot ni Puccini. Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, nawasak ang teatro. Matapos maibalik ang orihinal na hitsura nito ng engineer na si L. Secchi, ang teatro ay muling binuksan noong 1946. Ang gusali ng teatro ay naibalik nang higit sa isang beses. Ang huling pagpapanumbalik ay tumagal ng tatlong taon, at higit sa 61 milyong euro ang ginugol dito. Ang unang piraso ng musika na ginanap sa na-update na yugto noong Disyembre 7, 2004 ay ang opera ni Antonio Salieri na "Kinikilala ang Europa". Ang bilang ng mga upuan ay 2030, na kung saan ay mas mababa kaysa sa bago ang huling pagpapanumbalik, ang bilang ng mga upuan ay nabawasan para sa layunin ng kaligtasan ng sunog at nadagdagan ang ginhawa. Ayon sa kaugalian, ang bagong panahon sa La Scala ay nagsisimula sa taglamig - Disyembre 7 (na hindi pangkaraniwang kumpara sa iba pang mga sinehan sa mundo) sa Araw ng St. Ambrose, ang patron ng Milan, at magtatapos sa Nobyembre. At ang bawat pagganap ay dapat magtapos bago maghatinggabi, kung ang opera ay masyadong mahaba, pagkatapos ay magsisimula ito nang maaga.

Ang Samara Academic Opera at Ballet Theatre ay isang musikal na teatro sa Samara, Russia. Ang Samara Academic Opera at Ballet Theatre ay isa sa pinakamalaking sinehan sa musika sa Russia. Ang pagbubukas ng teatro ay naganap noong Hunyo 1, 1931 kasama ang opera ni Mussorgsky na Boris Godunov. Ang mga pinagmulan nito ay natitirang mga musikero ng Russia - isang mag-aaral ng Taneyev at Rimsky-Korsakov, konduktor at kompositor na si Anton Eichenwald, konduktor ng Bolshoi Theatre Ariy Pazovsky, sikat na konduktor ng Russia na si Isidor Zak, direktor ng Bolshoi Theatre na si Joseph Lapitsky. Ang nasabing mga masters tulad ng conductors na sina Savely Bergolts, Lev Ossovsky, director Boris Ryabikin, singers Alexander Dolsky, People's Artist ng Ukrainian SSR Nikolai Poludenny, People's Artist ng Russia Viktor Chernomortsev, People's Artist ng RSFSR, hinaharap na soloista ng Bolshoi Theatre Natalia Shpiller, Lorey at marami pang iba. Ang tropa ng ballet ay pinamunuan ng soloista ng Mariinsky Theatre, isang kalahok sa maalamat na mga panahon ng Diaghilev sa Paris, Yevgenia Lopukhova. Binuksan niya ang isang serye ng mga makikinang na choreographer ng Petersburg, na sa iba't ibang mga taon ay tumayo sa pinuno ng Samara ballet. Ang mga koreograpo ng Samara Theatre ay ang may talento na koreograpo na si Natalya Danilova, isang mag-aaral ni Agrippina Vaganova, ang maalamat na ballerina ng Petersburg na si Alla Shelest, ang soloista ng Mariinsky Theatre na si Igor Chernyshev, People's Artist ng USSR na si Nikita Dolgushin. Ang teatro ay mabilis na nakakakuha ng isang repertoire. Kasama sa mga produksyon noong 1930 ang mga classics ng opera at ballet: mga opera ni Tchaikovsky, Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodin, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, ballet ni Tchaikovsky, Minkus, Adam. Ayon sa mga kinakailangan ng oras, ang teatro ay nagbigay ng malaking pansin sa modernong repertoire. Sa panahon bago ang giyera, ang opera na The Steppe ni A. Eichenwald, Tanya ni Kreitner, The Taming of the Shrew ni Shebalin at iba pa ay itinanghal sa kauna-unahang pagkakataon sa bansa. Isang matapang na eksperimento sa malikhaing, isang apela sa hindi kilala o hindi nararapat. nakalimutan obra maestra, ay likas sa teatro sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Naglalaman ang mga poster nito ng dose-dosenang mga pamagat, mula sa mga klasiko noong ika-18 siglo. ("Medea" ni Cherubini, "The Secret Marriage" ni Cimarosa) at maliit na ginampanan ng mga gawa ng mga kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo. ("Servilia" ni Rimsky-Korsakov, "The Enchantress" ni Tchaikovsky, "Elka" ni Rebikov) sa European avant-garde ng ika-20 siglo. ("The Dwarf" ni von Zemlinsky, "Les Noces" ni Stravinsky, "Arlecchino" ni Busoni). Ang isang espesyal na pahina sa buhay ng teatro ay co-paglikha sa mga kontemporaryong may-akda ng Russia. Ang mga natatanging kompositor ng Russia na sina Sergei Slonimsky at Andrei Eshpai, Tikhon Khrennikov at Andrei Petrov ay ipinagkatiwala sa kanilang entablado. Ang pinaka-makabuluhang kaganapan, higit pa sa buhay sa kultura ng Samara, ay ang premiere ng mundo ng opera ng Slonim na The Vision of Ivan the Terrible, na ginanap ng mahusay na musikero ng 20 siglo na si Mstislav Rostropovich sa pakikipagtulungan ng natitirang mga masters ng entablado, direktor na Robert Sturua at artist na si Georgy Alexi- Meskhishvili. Sa pagsisimula ng Great Patriotic War, ang sitwasyon ng kultura sa lungsod ay nagbago nang malaki. Noong Oktubre 1941, ang State Bolshoi Theatre ng USSR ay inilikas sa Kuibyshev / Samara (ang "reserve capital"). Ang artistikong inisyatiba ay napupunta sa pinakadakilang mga masters ng Soviet opera at ballet scene. Para sa 1941 - 1943. Nagpakita ang Bolshoi Theatre ng 14 na mga opera at ballet sa Samara. Ang mga bantog na mang-aawit sa mundo na si Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalia Shpiller, ballerina na si Olga Lepeshinskaya ay ginanap sa entablado ng Samara, isinasagawa ni Samosud, Fayer, Melik-Pashaev. Hanggang sa tag-init ng 1943, ang kolektibong Bolshoi Theatre ay nanirahan at nagtrabaho sa Kuibyshev. Bilang pasasalamat sa tulong ng mga lokal na residente sa mahirap na panahong ito, ang kanyang mga artista ay dumating sa Volga nang higit pa isang beses pagkatapos ng giyera kasama ang kanilang mga bagong gawa, pati na rin ang makasaysayang repertoire ng giyera. Noong 2005, bilang paggunita sa ika-60 anibersaryo ng Tagumpay sa Malaking Digmaang Patriotic, ang kolektibo ng Bolshoi Theatre ng Russia ay nagpakita sa madla ng Samara ng isang bagong pagpupulong kasama ang kanilang sining. Mga pagganap sa paglalakbay at konsyerto (ballet ni Shostakovich na The Bright Stream, opera ni Mussorgsky na Boris Godunov, ang dakilang Victory Symphony - Seventh Symphony ng Shostakovich, isang konseryang band ng tanso at soloista ng opera) ay isang matagumpay na tagumpay. Tulad ng Pangkalahatang Direktor ng Bolshoi Theatre ng Russia A. Iksanov ay nabanggit, "Para sa buong tauhan ng Bolshoi Theatre, ang mga paglilibot na ito ay isa pang pagkakataon na ipahayag ang matinding pasasalamat sa mga residente ng Samara sa katotohanang ang Bolshoi Theatre ay nakakita ng pangalawang tahanan dito sa pinakamahirap na oras ng giyera. " Ang tuktok ng buhay musikal ng Samara noong ikadalawampu siglo, isang tunay na makasaysayang kaganapan ay ang pagganap ng Seventh ("Leningrad") Symphony ni Dmitry Shostakovich sa entablado ng Samara Opera House. Ang dakilang gawain, na sumasalamin sa mga nakalulungkot na kaganapan sa panahon ng digmaan, na naghahatid ng lahat ng kadakilaan ng gawa ng mga sundalong Soviet, ay nakumpleto ng kompositor noong Disyembre 1941 sa paglisan sa Samara at ginanap ng Bolshoi Theatre Orchestra sa ilalim ng direksyon ni Samuil Samosud noong Marso 5 , 1942. Ang teatro ay nabubuhay ng isang matinding buhay. Ang muling pagtatayo ay magtatapos, ang mga bagong pangalan ay lilitaw sa poster, ang mga mang-aawit at mananayaw ay nanalo ng prestihiyosong kumpetisyon ng internasyonal at ng lahat ng Ruso, ang mga bagong pwersang malikhaing bumubuhos sa tropa. Ang kawani ng teatro ay maaaring ipagmalaki ang konsentrasyon ng mga may talento, maliwanag na malikhaing mga indibidwal. Ang Pinarangalan na Artista ng Russia na sina Mikhail Gubsky at Vasily Svyatkin ay soloista hindi lamang ng Samara Theatre, kundi pati na rin ng Bolshoi Theatre ng Russia at ang Moscow Novaya Opera Theater. Ang Anatoly Nevdakh ay nakikilahok sa mga pagtatanghal ng Bolshoi Theatre, matagumpay na gumanap si Andrey Antonov sa mga yugto ng mga teatro ng Russia at banyaga. Ang lebel ng kumpanya ng opera ay pinatunayan din ng pagkakaroon ng isang malaking bilang ng mga "may pamagat" na mga mang-aawit dito: 5 mga artista ng tao, 8 pinarangalan na artista, 10 mga laureate ng international at all-Russian na kumpetisyon. Maraming mga kabataan na may talento sa tropa, kung kanino ang mas matandang henerasyon ng mga artista ay kusang nagbabahagi ng mga lihim ng kanilang mga kasanayan. Mula noong 2008, ang tropa ng ballet ng teatro ay itinaas nang malaki ang bar. Ang kolektibong teatro ay pinamunuan ng Honored Artist ng Russia na si Kirill Shmorgoner, na sa mahabang panahon ay pinalamutian ang tropa ng ballet ng Perm Theatre. Inimbitahan ni K. Shmorgoner sa teatro ang isang malaking pangkat ng kanyang mga mag-aaral, nagtapos ng isa sa pinakamahusay na mga institusyong pang-edukasyon sa bansa - ang Perm Choreographic School. Ang mga batang mananayaw ng ballet na sina Yekaterina Pervushina at Viktor Malygin ay naging mga tagahanga ng prestihiyosong internasyonal na kompetisyon na Arabesque, isang buong pangkat ng mga mananayaw ng Samara na matagumpay na ginanap sa buong-Russian festival na Delphic Games. Sa mga nagdaang taon, nag-host ang teatro ng ilang mga premiere na nakatanggap ng mahusay na tugon ng madla: ang opera Mozart at Salieri ni Rimsky-Korsakov, Mavra ni Stravinsky, The Maid-Lady ni Pergolesi, Eugene Onegin ni Tchaikovsky, Rigoletto ni Verdi, Madame Butterfly ”Ni Puccini, choreographic cantata na“ Les Noces ”ni Stravinsky, ballet ni Hertel“ A Vain Precaution ”. Ang teatro ay aktibong nakikipagtulungan sa mga produksyon na ito kasama ang mga masters ng Moscow mula sa Bolshoi Theatre, Novaya Opera, at iba pang mga sinehan ng Russia. Ang pansin ay binabayaran sa pagtatanghal ng mga kwentong engkantentong pangmusika para sa mga bata. Nagtanghal din sa yugto ng konsyerto ang mga Opera at ballet dancer. Ang mga ruta sa paglalakbay sa teatro ay kinabibilangan ng Bulgaria, Alemanya, Italya, Espanya, Tsina, at mga lungsod ng Russia. Ang masigasig na pagsasanay sa paglalakbay sa teatro ay pinapayagan ang mga residente ng rehiyon ng Samara na pamilyar sa pinakabagong mga gawa. Ang mga pagdiriwang ay isang maliwanag na pahina sa buhay ng teatro. Kabilang sa mga ito ay ang Alla Shelest classical ballet festival, ang international festival na "Basses of the XXI siglo", "Limang gabi sa Togliatti", ang festival ng opera art na "Samara spring". Salamat sa mga pagkukusa sa pagdiriwang ng teatro, ang mga manonood ng Samara ay maaaring maging pamilyar sa sining ng dose-dosenang mga pinakadakilang master ng Russian at foreign opera at ballet art. Ang mga malikhaing plano ng teatro ay may kasamang pagtatanghal ng opera na "Prince Igor", mga ballet na "Don Quixote", "The Sleeping Beauty". Pagsapit ng ika-80 anibersaryo, plano ng teatro na ipakita ang opera ni Mussorgsky na Boris Godunov, sa gayon ay bumalik sa mga pinagmulan nito sa isang bagong yugto sa pag-unlad ng kasaysayan. Ang isang napakalaking kulay-abong gusali ay tumataas sa gitnang parisukat ng lungsod - ayon sa mga kritiko ng sining, "isang engrande na bantayog ng huli na" pylonade style "kung saan naidagdag ang mga brutal na klasiko", "isang kapansin-pansin na halimbawa ng arkitektura ng 30s". Ang mga may-akda ng proyekto ay ang mga arkitekto ng Leningrad na N.A. Trotsky at N. D. Si Katselenegbogen, na nagwaging kumpetisyon para sa paglikha ng Palace of Culture noong 1935. Ang teatro ay matatagpuan sa gitnang bahagi ng gusali. Sa kaliwang pakpak ay mayroong isang panrehiyong silid-aklatan nang matagal, sa kanang pakpak ay mayroong isang eskuwelahan sa palakasan at isang museo ng sining. Noong 2006, nagsimula ang muling pagtatayo ng gusali, na nangangailangan ng pagpapaalis sa paaralan ng palakasan at museo. Pagsapit ng 2010, panahon ng jubilee ng teatro, nakumpleto ang muling pagtatayo. Pinagmulan: ang opisyal na website ng Samara Opera at Ballet Theatre

Ang Mariinsky Theatre ay isang opera at ballet theatre sa St. Petersburg, Russia. Binuksan noong 1860, isang natitirang teatro ng musikal sa Russia. Sa entablado nito mayroong mga premiere ng obra maestra nina Tchaikovsky, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov at maraming iba pang mga kompositor. Ang Mariinsky Theatre ay tahanan ng mga kumpanya ng opera at ballet at ang Mariinsky Theatre Symphony Orchestra. Artistikong director at punong konduktor na si Valery Gergiev. Mahigit sa dalawang dantaon ng kasaysayan nito, ang Mariinsky Theatre ay nagpakita sa buong mundo ng maraming magagaling na artista: ang natitirang bass, ang nagtatag ng Russian na gumaganap na opera school na si Osip Petrov ay nagsilbi dito, tulad ng magagaling na mang-aawit tulad ng Fedor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea at Kinilala ni Nikolai Figner ang kanilang mga kasanayan at naabot ang taas ng katanyagan., Sophia Preobrazhenskaya. Ang mga mananayaw ng Ballet ay sumikat sa entablado: Si Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vaclav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, sinimulan ni George Balanchine ang kanyang karera sa sining. Nasaksihan ng teatro ang pamumulaklak ng talento ng mga makikinang na dekorador tulad nina Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fyodor Fedorovsky. At marami, marami pang iba. Matagal nang isang tradisyon na ang Mariinsky Theatre ay nagpapanatili ng isang talaangkanan, na binibilang ang isang siglo mula 1783, nang noong Hulyo 12 isang kautusan ang inilabas na aprubahan ang komite ng teatro na "pamahalaan ang mga palabas at musika", at noong Oktubre 5 ang Bolshoi Kamenny Theatre ay solemne binuksan sa Carousel Square. Ang teatro ay nagbigay ng isang bagong pangalan sa parisukat - nakaligtas ito hanggang ngayon bilang Teatralnaya. Dinisenyo ni Antonio Rinaldi, ang Bolshoi Theatre ay namangha sa imahinasyon ng laki nito, kamangha-manghang arkitektura, entablado, nilagyan ng pinakabagong teknolohiya ng theatrical ng panahong iyon. Sa pagbubukas nito, ibinigay ang opera ng Giovanni Paisiello na Il Mondo della luna ("Lunar World"). Ang tropa ng Russia ay gumanap dito na kahalili kasama ang Italyano at Pranses, may mga dramatikong palabas, itinanghal din ang mga konsiyerto ng vocal at instrumental. Ang Petersburg ay nasa ilalim ng konstruksiyon, ang hitsura nito ay patuloy na nagbabago. Noong 1802-1803, si Thomas de Thomon, isang makinang na arkitekto at draftsman, ay nagsagawa ng isang pangunahing pagsasaayos ng panloob na layout at dekorasyon ng teatro, kapansin-pansin na binabago ang hitsura at sukat nito. Ang bago, seremonyal at maligaya na hitsura, ang Bolshoi Theatre ay naging isa sa mga arkitekturang landmark ng kapital ng Neva, kasama ang Admiralty, Stock Exchange, at ang Kazan Cathedral. Gayunpaman, noong gabi ng Enero 1, 1811, isang napakalaking sunog ang sumiklab sa Bolshoi Theatre. Sa loob ng dalawang araw, ang mayamang panloob na dekorasyon ng teatro ay nawasak sa apoy, at ang harapan nito ay seryosong napinsala. Si Thomas de Thomon, na gumuhit ng isang proyekto upang maibalik ang kanyang minamahal na ideya, ay hindi nabuhay upang makita ang pagpapatupad nito. Noong Pebrero 3, 1818, ang muling pagbukas ng Bolshoi Theatre ay muling binuksan kasama ang prologue na Apollo at Pallas sa North at ballet ni Charles Didlot na Zephyr at Flora sa musika ng kompositor na si Catharino Cavos. Papalapit na kami sa "ginintuang panahon" ng Bolshoi Theatre. Kasama sa repertoire ng "post-fire" na panahon ang "The Magic Flute", "Abduction from the Seraglio", "Mercy of Titus" ni Mozart. Ang publiko ng Russia ay nabihag ng Cinderella ni Rossini, Semiramis, Magpie the Thief, at The Barber ng Seville. Noong Mayo 1824, nag-premiere ang Free Shooter ng Weber, isang gawaing lubos na nangangahulugang pagsilang ng romantikong opera ng Russia. Ang Vaudeville ay gumaganap nina Alyabyev at Verstovsky; Ang isa sa mga minamahal at repertoire opera ay ang Cavos na si Ivan Susanin, na tumakbo hanggang sa ang hitsura ng opera ni Glinka sa parehong paksa. Ang pagsilang ng katanyagan sa mundo ng ballet ng Russia ay konektado sa maalamat na pigura ni Charles Didlot. Ito ay sa mga taong ito na si Pushkin ay isang regular sa St. Petersburg Bolshoi, na naglalarawan ng teatro sa walang kamatayang tula. Noong 1836, upang mapagbuti ang acoustics ng arkitekto na Alberto Cavos, ang anak ng kompositor at ang bandmaster, ang naka-dominyo na kisame ng hall ng teatro ay pinalitan ng isang patag, at sa itaas nito ay mayroong isang art workshop, isang bulwagan para sa mga dekorasyon sa pagpipinta. Tinanggal ng Alberto Cavos ang mga haligi sa awditoryum na humadlang sa paningin at baluktot na mga acoustics, binibigyan ang auditoryo ng pamilyar na hugis ng kabayo, pinatataas ang haba at taas nito, na nagdadala sa bilang ng mga manonood sa dalawang libo. Noong Nobyembre 27, 1836, ang unang pagganap ng opera ni Glinka na A Life for the Tsar ay nagpatuloy sa mga pagtatanghal ng itinayong muli na teatro. Sa pamamagitan ng pagkakataon, o marahil ay walang mabuting balak, ang premiere nina Ruslan at Lyudmila, ang ikalawang opera ni Glinka, ay naganap eksaktong anim na taon na ang lumipas, noong Nobyembre 27, 1842. Ang dalawang mga petsa na ito ay sapat na para sa St. Petersburg Bolshoi Theatre upang ipasok ang kasaysayan ng kultura ng Russia magpakailanman. Ngunit, syempre, mayroon ding mga obra maestra ng musika sa Europa: mga opera ni Mozart, Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer, Gounod, Aubert, Thom ... Sa paglipas ng panahon, ang mga pagtatanghal ng tropa ng opera ng Russia ay inilipat sa entablado ng Alexandrinsky Theatre at ang tinaguriang Circus Theatre na matatagpuan sa tapat ng Bolshoi (kung saan nagpatuloy ang mga pagtatanghal ng ballet troupe at ng operasyong Italyano). Nang sumunog ang Circus Theatre noong 1859, isang bagong teatro ang itinayo sa lugar nito ng parehong arkitekto na si Alberto Cavos. Siya ang tumanggap ng pangalang Mariinsky bilang parangal sa naghaharing Emperador Maria Alexandrovna, asawa ni Alexander II. Ang kauna-unahang panahon ng dula-dulaan sa bagong gusali ay binuksan noong Oktubre 2, 1860 kasama ang opera Life for the Tsar ni Glinka na isinagawa ng punong konduktor ng Russian Opera Konstantin Lyadov, ama ng hinaharap na tanyag na kompositor na si Anatoly Lyadov. Ang Mariinsky Theatre ay pinagsama at binuo ang mahusay na mga tradisyon ng unang eksena sa musika ng Russia. Sa pagdating noong 1863 ni Eduard Napravnik, na pumalit kay Konstantin Lyadov bilang punong konduktor, nagsimula ang pinaka-maluwalhating panahon sa kasaysayan ng teatro. Ang kalahating daang siglo na ibinigay ni Napravnik sa Mariinsky Theatre ay minarkahan ng mga premiere ng pinakamahalagang opera sa kasaysayan ng musikang Ruso. Pangalanan lamang natin ang ilan sa mga ito - "Boris Godunov" ni Mussorgsky, "The Pskovite Woman", "May Night", "The Snow Maiden" ni Rimsky-Korsakov, "Prince Igor" ni Borodin, "The Maid of Orleans", "The Enchantress", "The Queen of Spades", "Iolanta" Tchaikovsky, "The Demon" ni Rubinstein, "Oresteya" ni Taneev. Sa simula ng ika-20 siglo, kasama sa repertoire ng teatro ang opera ni Wagner (kabilang sa mga ito ang tetralogy Der Ring des Nibelungen), Elektra ni Richard Strauss, The Legend of the Invisible City of Kitezh ni Rimsky-Korsakov, at Khovanshchina ni Mussorgsky. Ang pinuno ng ballet troupe ng teatro noong 1869, ipinagpatuloy ni Marius Petipa ang mga tradisyon ng mga hinalinhan na sina Jules Perrot at Arthur Saint-Léon. Masigasig na napanatili ng Petipa ang mga klasikal na pagganap tulad ng Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, na pinapailalim lamang sa maingat na pag-edit. Ang "La Bayadere" na itinanghal niya sa kauna-unahang pagkakataon na dinala sa yugto ng ballet ang hininga ng isang malaking komposisyon ng koreograpik, kung saan "ang sayaw ay naging katulad ng musika." Ang masayang pakikipagtagpo ni Petipa kay Tchaikovsky, na inangkin na "ang ballet ay parehong symphony," na humantong sa pagsilang ng The Sleeping Beauty, isang tunay na tulang musikal at koreograpiko. Ang koreograpia ng The Nutcracker ay nilikha sa pakikipagtulungan nina Petipa at Lev Ivanov. Matapos ang pagkamatay ni Tchaikovsky, natagpuan ng Swan Lake ang pangalawang buhay sa entablado ng Mariinsky Theatre - at muli sa pinagsamang choreography nina Petipa at Ivanov. Pinatibay ni Petipa ang kanyang reputasyon bilang isang choreographer-symphonist sa paggawa ng ballet ni Glazunov na si Raymonda. Ang kanyang makabagong ideya ay kinuha ng batang Mikhail Fokin, na itinanghal sa Mariinsky Theatre Cherepnin's Pavilion of the Armida, Saint-Saens's The Swan, Chopin's Chopin, pati na rin ang mga ballet na nilikha ni Scheherazade sa Paris sa musika ng Rimsky-Korsakov. "The Firebird" at "Petrushka" ni Stravinsky. Ang Mariinsky Theatre ay muling naitayo ng maraming beses. Noong 1885, nang ang karamihan sa mga pagtatanghal ay inilipat sa yugto ng Mariinsky bago ang pagsara ng Bolshoi Theatre, ang punong arkitekto ng mga sinehan ng imperyal na si Viktor Shreter, ay nagdagdag ng isang tatlong palapag na gusali sa kaliwang pakpak ng gusali para sa mga workshop sa teatro, mga silid ng ensayo, isang planta ng kuryente at isang silid ng boiler. Noong 1894, sa pamumuno ni Schroeter, ang mga kahoy na rafter ay pinalitan ng bakal at pinalakas na kongkreto, itinayo ang mga pakpak sa gilid, at pinalawak ang mga lobbies ng manonood. Ang pangunahing harapan ay sumailalim din sa muling pagtatayo, na kung saan ay nakakuha ng mga napakalaking anyo. Noong 1886, ang mga pagtatanghal ng ballet, na nagpatuloy na tumakbo sa entablado ng Bolshoi Stone Theatre, ay inilipat sa Mariinsky Theatre. At sa lugar ng Bolshoi Kamenny, itinayo ang gusali ng St. Petersburg Conservatory. Sa pamamagitan ng isang atas ng pamahalaan noong Nobyembre 9, 1917, ang Mariinsky Theatre ay idineklarang Estado at inilipat sa hurisdiksyon ng People's Commissariat for Education. Noong 1920 nagsimula itong tawaging State Academic Opera and Ballet Theatre (GATOB), at noong 1935 pinangalanan ito pagkatapos ng S.M. Kirov. Kasabay ng mga classics ng huling siglo, lumitaw ang mga modernong opera sa entablado ng teatro noong 1920s at unang bahagi ng 1930s - The Love for Three Oranges ni Sergei Prokofiev, Wozzeck ni Alban Berg, Salome at Der Rosenkavalier ni Richard Strauss; ipinanganak ang mga ballet na nagpapatunay ng isang bagong direksyon sa koreograpikong sikat sa loob ng maraming dekada, ang tinaguriang ballet ng drama - "Red Poppy" ni Reingold Glier, "The Flame of Paris" at "Fountain of Bakhchisarai" ni Boris Asafiev, "Laurencia" ni Alexander Crane , "Romeo at Juliet" ni Sergei Prokofiev, atbp. Ang huling premiere ng opera bago ang giyera ng Kirov Theatre ay si Wagner's Lohengrin, ang pangalawang pagganap na nagtapos sa huli na gabi ng Hunyo 21, 1941, ngunit ang mga pagtatanghal na nakaiskedyul sa Hunyo 24 at 27 ang pinalitan ni Ivan Susanin. Sa panahon ng Great Patriotic War, ang teatro ay lumikas sa Perm, kung saan naganap ang mga premiere ng maraming mga pagtatanghal, kasama na ang premiere ng ballet ni Aram Khachaturian na si Gayane. Pagbalik sa Leningrad, binuksan ng teatro ang panahon noong Setyembre 1, 1944 kasama ang opera ni Glinka na si Ivan Susanin. Noong 50-70s. itinanghal ng teatro ang mga sikat na ballet tulad ng Shurale ni Farid Yarullin, Spartacus ni Aram Khachaturian at Labindalawa ni Boris Tishchenko, choreographed ni Leonid Yakobson, The Stone Flower ni Sergei Prokofiev at The Legend of Love ni Arif Melikov, choreographed ni Yuri Grigorovich The Leningrad Symphony ni Si Dmitry Shostakovich ay nag-choreograp ni Igor Belsky, habang ang mga bagong ballet ay itinanghal, ang mga classics ng ballet ay maingat na napanatili sa repertoire ng teatro. Sa operatiba na repertoire, kasama sina Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Verdi, Bizet, mga opera ni Prokofiev, Dzerzhinsky, Shaporin, Khrennikov ay lumitaw. Noong 1968-1970. ang isang pangkalahatang pagbabagong-tatag ng teatro ay natupad ayon sa proyekto ni Salome Gelfer, bilang isang resulta kung saan ang kaliwang pakpak ng gusali ay "pinahaba" at nakuha ang kasalukuyang hitsura nito. Isang mahalagang yugto sa kasaysayan ng teatro noong 1980s ay ang pagtatanghal ng opera ng Tchaikovsky na Eugene Onegin at The Queen of Spades, itinanghal ni Yuri Temirkanov, na namuno sa teatro noong 1976. Sa mga produksyong ito, na napanatili pa rin sa repertoire ng teatro, isang bagong henerasyon ng mga artista ang nagpahayag ng kanilang sarili. Noong 1988 si Valery Gergiev ay naging punong konduktor ng teatro. Noong Enero 16, 1992, ang teatro ay ibinalik sa pangalang pangkasaysayan nito - Mariinsky. At noong 2006, ang tropa at orkestra ng teatro na natanggap sa kanilang pagtatapon ng Concert Hall sa 37 Dekabristov Street, na itinayo sa inisyatiba ng artistic director at director ng Mariinsky Theatre na si Valery Gergiev.