Paglililok ng maikling mensahe ng ika-18 siglo at nakuha ang pinakamahusay na sagot

Sagot mula sa Orbital Group [guru]
Paglililok noong ika-18 siglo
Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, nagsisimula ang isang matatag na pamumulaklak
domestic plastik. Ang pag-ikot ng eskultura ay mabagal na binuo bago, C
masipag na pag-overtake ng walong daang taong gulang na mga tradisyon ng Russia na may kaugnayan sa
paganong "idiot". Hindi siya nagbigay ng kahit isang dakilang Russian master
ang unang kalahati ng ika-18 siglo , ngunit ang higit na napakatalino ay ang kanyang paglabas sa susunod
panahon Ang klasismo ng Russia bilang nangungunang artistikong direksyon ng oras na ito
ay ang pinakadakilang pampasigla para sa pagbuo ng sining ng magagaling na ideya ng sibiko,
na humantong sa interes sa paglilok sa panahong ito. F.I.Shubin, F.G. Gordeev,
M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin, I. P. Prokofiev, I. P. Martos - bawat isa
ang kanyang sarili ay ang pinakamaliwanag na sariling katangian, iniwan niya ang kanyang sarili
bakas sa sining. Ngunit lahat sila ay pinag-isa ng mga karaniwang prinsipyo ng malikhaing iyon
natutunan nila habang nasa Academy pa rin sa sculpture class ni Propesor Nicolas Gillet.
Ang mga artista ng Russia ay pinag-isa din ng mga karaniwang ideya ng civicism at
pagkamakabayan, mataas na ideyal ng unang panahon.
Ang interes sa "heroic antiquity" ay nakakaimpluwensya sa pagpili ng mga diyos at bayani:
ang paborito noong panahon ni Peter, Neptune at Bacchus, ay pinalitan ni Prometheus,
Polycrates, Marsyas, Hercules, Alexander the Great, mga bayani sa Homeric
epiko Nagsusumikap ang mga sculptor ng Russia na maglagay ng mga tampok sa isang imaheng lalaki
kabayanihan pagkatao, at sa babae - perpektong maganda, maayos
malinaw, perpektong pagsisimula. Maaari itong masubaybayan tulad ng sa isang monumental,
arkitektura, pandekorasyon, at mga plastik ng kuda.
Sa kaibahan sa Baroque, arkitektura at pandekorasyon na plastik sa panahon
ang klasismo ay may isang mahigpit na sistema ng lokasyon sa harapan ng gusali: pangunahin
sa gitnang bahagi, ang pangunahing portico at sa mga gilid na prosyon, o mga korona
gusali na binabasa laban sa kalangitan.
Paglililok ng Russia ng ikalawang kalahati ng ika-18 siglo
Sa tabi ng pambihirang pigura ni Shubin ay nakatayo sa isang kalawakan ng kanyang natitirang mga kapanahon, tulad niya, na nag-ambag sa makinang na pag-usbong ng iskultura ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo.
Kasama ang mga masters ng Russia, ang katanyagan ng pag-iskultura ng Russia ay lubos na na-promosyon ng iskultor na si Etienne-Maurice Falcone (1716__1791, sa Russia - mula 1766 hanggang 1778), ang may-akda ng isa sa mga pinakamahusay na monumento ng ika-18 siglo - ang bantayog ni Peter I sa Senate Square sa St. Petersburg (Larawan 161). Ang laki ng mga gawain, ang taas ng pamantayan ng ideolohiya at Aesthetic, ang pag-igting ng malikhaing kapaligiran sa sining ng Russia sa mga taong iyon ay pinapayagan ang iskultor na likhain ang pinaka perpekto ng kanyang mga gawa, na hindi maipaliwanag na naiugnay sa bansa kung saan ito ipinanganak.
Ang paunang sketch ay handa na noong 1765. Pagdating sa St. Petersburg, ang Falcone ay nagtakda upang gumana at sa pamamagitan ng 1770 nakumpleto ang isang modelo ng laki ng buhay. Ang isang bato na bato ay naihatid sa lugar ng monumento, na pagkatapos ng bahagyang paggupit nito ay tumimbang ng halos 275 tonelada. Noong 1775-1777, ang rebulto ay itinapon mula sa tanso, ang pagbubukas ng monumento ay naganap noong 1782. Ang katulong ni Falcone sa gawain sa monumento ay ang kanyang estudyante na si Marie-Anne Collot (1748-1821), na kinulit ang ulo ni Peter. Matapos ang pag-alis ni Falconet, pinangasiwaan ng iskultor na si FG Gordeev ang pag-install ng bantayog.
Si Falcone ay isang dayuhan, ngunit nagawa niyang maunawaan ang personalidad ni Peter at ang kanyang papel sa pag-unlad ng kasaysayan ng Russia sa paraang ang monumento na nilikha niya ay dapat isaalang-alang sa loob ng balangkas ng kultura ng Russia, na tinukoy nang una ang masulubhang pagbibigay kahulugan ng imahe ni Pedro na ibinigay ng iskultor.

Sagot mula kay 3 sagot[guru]

Hoy! Narito ang isang pagpipilian ng mga paksa na may mga sagot sa iyong katanungan: Paglililok ng maikling mensahe ng 18th

Paglililok ng Russia noong ika-18 siglo

Sa sinaunang Russia, ang iskultura, naiiba sa pagpipinta, ay natagpuan medyo maliit na paggamit, pangunahin bilang isang dekorasyon para sa mga istruktura ng arkitektura. Sa unang kalahati XVIIIunti-unting pinagkadalubhasaan ng daang siglo ang lahat ng mga genre ng kuda ng maliit at monumentong eskultura. Una sa lahat, ang mga monumental at pandekorasyon na plastik, na malapit na nauugnay sa arkitektura, ay nagsimulang umunlad. Sa ilalim ng pamumuno ng arkitekto na si I.P Zarudny, ang mga larawang inukit na puting bato ay nilikha para sa Church of the Archangel Gabriel sa Moscow (Menshikova Tower). Ang mga mayamang tradisyon ng Old sculpture ng Russia ay hindi nakalimutan - larawang inukit sa kahoy at buto, pandekorasyon na plastik ng mga iconostase.

Ang mga kakaibang katangian ng monumental at pandekorasyon na iskultura ng panahon ng Petrine ay malinaw na ipinakita sa paglikha ng Peterhof ensemble, na, gayunpaman, ay sumailalim sa matinding pagbabago sa paglipas ng daang siglo.

Ang unang isang-kapat ng ika-18 siglo ay minarkahan hindi lamang ng paglikha ng mga bagong orihinal na akda, kundi pati na rin ng pagpapakita ng interes sa mga klasikong eskultura. Halimbawa, ang sikat na marmol na antigong estatwa na "Venus ng Tauride" ay binili sa Italya noong panahong iyon. Ang mga unang halimbawa ng sekular na iskultura ay dinala mula sa mga bansa sa Europa, higit sa lahat ay gumagana ng mga masters ng Italian Baroque.

Ang mga unang proyekto ng mga monumentong monumento ay lumitaw sa panahon ni Pedro. Sa isa sa mga gitnang plaza ng St. Petersburg, binalak nitong itayo ang Triumphal Pillar bilang paggunita sa tagumpay sa Hilagang Digmaan, ayon sa plano ng B.-K. Rastrelli. B.-K. Rastrelli(1675? -1744) ay talagang ang unang master ng iskultura sa Russia. Isang Italyano sa pamamagitan ng kapanganakan, lumipat siya mula sa Pransya noong 1716 sa paanyaya ni Peter I at nakahanap ng bagong bahay sa Russia, dahil sa St. Petersburg lamang siya nakatanggap ng sapat na mga pagkakataon para sa pagkamalikhain. Bartolomeo-Carlo Rastrelli gumanap ng maraming mga gawa ng portrait, pandekorasyon at napakalaking plastik. Masisiyahan siya sa mahusay na katanyagan tanso na suso ni Peter I (1723-1730, may sakit. 40), na may kakayahang ihatid hindi lamang ang pagkakapareho, kundi pati na rin ang ugali ng hindi maganda at masiglang hari.

Ang kasanayan ni Rastrelli bilang isang pintor ng larawan ay nagpakita rin ng kanyang sarili sa dibdib ni A. D. Menshikov, ginanap noong 1716-1717, sa estatwa ni Anna Ioannovna na may isang maliit na arapchon (1741). Ang isang pakiramdam ng monumentality at isang mahusay na kaalaman sa tanso bilang isang materyal na makilala ang gawain ng iskultor na ito. Sa larawan ni Anna Ioannovna, dahan-dahang nagmamartsa sa isang mabibigat na damit na may burda ng mga mahahalagang bato, lumikha si Rastrelli ng isang makahulugan na imahe ng "nakakatakot na titig ng reyna," na tinawag sa kanya ng kanyang mga kasabay.

Ang pinaka-makabuluhang trabaho ni Rastrelli ay equestrian monument to Peter I. Sinasalamin nito ang mga impression ng iskultor ng mga monumento ng unang panahon, ang Renaissance at ang ika-17 siglo. Si Pedro ay itinatanghal bilang isang matagumpay, solemne na nakasakay sa isang kabayo sa kasuotan ng Roman emperor.

Kapansin-pansin ang kapalaran ng monumentong ito. Nag-cast noong 1745-1746 pagkatapos ng pagkamatay ng iskultor sa ilalim ng pamumuno ng kanyang anak na lalaki, ang arkitekto na si F.-B. Rastrelli, nakahiga siyang nakalimutan ng lahat sa kamalig nang higit sa kalahating siglo. Noong 1800 lamang, sa utos ni Paul I, naka-install ito sa harap ng Engineering Castle sa St. Petersburg, organiko na pumapasok sa arkitektura ng arkitektura.

Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. nagsisimula ang tunay na yumayabong na iskultura ng Russia. Dahan-dahan itong nabuo, ngunit ang pag-iisip ng pag-iilaw ng Russia at ang klasismo ng Russia ang pinakadakilang pampasigla para sa pagpapaunlad ng sining ng magagaling na mga ideya ng sibiko, mga malalaking problema, na humantong sa isang interes sa iskultura sa panahong ito. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos- bawat isa sa sarili nito ay ang pinakamaliwanag na indibidwal, naiwan ang kanyang marka sa sining. Ngunit lahat sila ay pinag-isa ng mga karaniwang prinsipyo ng malikhaing, na natutunan nila mula kay Propesor Nicolas Gillet, na mula 1758 hanggang 1777 na namuno sa klase ng eskultura sa Academy, pangkalahatang ideya ng pagkamamamayan at pagkamakabayan, mataas na ideals ng unang panahon. Pangunahin na nakabatay ang kanilang edukasyon sa pag-aaral ng sinaunang mitolohiya, cast at mga kopya mula sa mga gawa ng unang panahon at sa Renaissance, sa mga taon ng pagreretiro - ang mga orihinal na gawa ng mga panahong ito. Nagsusumikap silang isama ang mga ugali ng isang bayani na personalidad sa larawang lalaki, at sa imaheng babae - isang perpekto, maganda, maayos, perpektong simula. Ngunit ang mga sculptor ng Russia ay binibigyang kahulugan ang mga imaheng ito hindi sa isang abstract at abstract na eroplano, ngunit sa isang ganap na mahalagang paraan. Ang paghahanap para sa pangkalahatang kagandahan ay hindi ibinubukod ang buong lalim ng pag-unawa sa tauhan ng tao, ang pagnanais na iparating ang kanyang kagalingan sa maraming bagay. Ang pagsusumikap na ito ay kapansin-pansin sa napakaraming pandekorasyon na mga plastik at iskultura ng kuda ng ikalawang kalahati ng siglo, ngunit lalo na sa genre ng larawan.

Ang kanyang pinakamataas na nakamit ay pangunahing nauugnay sa pagkamalikhain. Fedot Ivanovich Shubin (1740-1805), isang kapwa kababayan ni Lomonosov, na nakarating sa St. Petersburg bilang isang artista na nakakuha ng mga intricacies ng pag-ukit ng buto. Matapos magtapos mula sa Academy sa klase ng Gillet na may malaking gintong medalya, umalis si Shubin para sa isang pensiyonadong paglalakbay, una sa Paris (1767-1770), at pagkatapos ay sa Roma (1770-1772), na mula noong kalagitnaan ng siglo, mula sa paghuhukay ng Herculaneum at Pompeii, ay muli ang sentro ng akit para sa mga artista mula sa buong Europa. Ang unang trabaho ni Shubin sa bahay - dibdib ng A.M. Golitsyn (1773, RM, dyipsum) ay nagpatotoo sa buong kapanahunan ng master. Ang lahat ng kagalingan sa maraming katangian ng modelo ay isiniwalat sa panahon ng paikot na pagsusuri, kahit na walang alinlangan na ang pangunahing punto ng view ng iskultura. Ang katalinuhan at pag-aalinlangan, espiritwal na biyaya at mga bakas ng pagod sa pag-iisip, pagiging eksklusibo sa klase at pagkutya ng kapanatawa - Naihatid ni Shubin ang pinaka-magkakaibang panig ng karakter sa imaheng ito ng isang aristokrat ng Russia. Ang hindi pangkaraniwang pagkakaiba-iba ng artistikong media ay tumutulong sa paglikha ng hindi siguradong paglalarawan. Ang kumplikadong balangkas at pagliko ng ulo at balikat, ang interpretasyon ng ibabaw ng iba't ibang mga pagkakayari (balabal, puntas, peluka), ang subtlest na pagmomodelo ng mukha (mayabang na mapupungay na mga mata, lubusan na linya ng ilong, malaswang pattern ng labi) at mas malaya larawan - mga damit - lahat ay kahawig ng mga pang-istilong aparato ng Baroque. Ngunit bilang isang anak ng kanyang panahon, binibigyang kahulugan niya ang kanyang mga modelo alinsunod sa mga ideya sa pang-edukasyon ng isang pangkalahatang perpektong bayani. Karaniwan ito para sa lahat ng kanyang mga gawa noong dekada 70, na nagpapahintulot sa amin na magsalita tungkol sa mga ito bilang mga gawa ng maagang klasismo. Kahit na tandaan namin na sa mga diskarte ng baguhang Shubin, ang mga ugali ng hindi lamang Baroque, ngunit kahit kay Rococo ay masusundan. Sa paglipas ng panahon, sa mga imahe ng Shubin, pagtaas ng pagkakakonkreto, sigla, at talamak na pagiging tiyak.

Si Shubin ay bihirang naging tanso, pangunahin siyang nagtrabaho sa marmol at laging ginagamit ang hugis ng isang suso. At sa materyal na ito na ipinakita ng master ang lahat ng pagkakaiba-iba ng parehong mga solusyon sa komposisyon at pamamaraan ng pagproseso ng masining. Gamit ang wika ng mga plastik, lumilikha siya ng mga imahe ng di-pangkaraniwang pagpapahayag, pambihirang lakas, hindi sa lahat ng pagsisikap para sa kanilang panlabas na luwalhati ( bust ng Field Marshal Z.G. Chernysheva, marmol, Tretyakov Gallery). Hindi siya natatakot na babaan, "ground" ang imahe ng Field Marshal P.A. Rumyantsev-Zadunaisky, na nagpapahiwatig ng katangian ng kanyang hindi sa lahat ng kabayanihang bilog na mukha na may isang nakakatawang paitaas na ilong (marmol, 1778, State Art Museum, Minsk). Wala siyang interes sa "panloob" lamang o sa "panlabas". Ang isang tao ay lilitaw sa kanya sa lahat ng pagkakaiba-iba ng kanyang buhay at pang-espiritwal na hitsura. Tulad nito ang masterly pinaandar na mga busts ng mga estadista, pinuno ng militar, opisyal.

Sa mga gawa noong dekada 90, ang pinaka-mabungang panahon sa gawain ni Shubin, nais kong tandaan ang inspirational, romantiko ang imahe ng P.V. Zavadovsky (ang bust ay napanatili lamang sa plaster, Tretyakov Gallery). Ang matalim na pagliko ng ulo, ang butas na titig, ang pagiging asetiko ng buong hitsura, ang malayang dumadaloy na damit - ang lahat ay nagsasalita ng isang espesyal na damdamin, nagpapakita ng isang madamdamin, pambihirang kalikasan. Ang pamamaraan ng pagbibigay kahulugan ng imahe ay nagpapahiwatig ng panahon ng romantikismo. Ibinigay ang isang kumplikadong maraming katangian na katangian sa dibdib ni Lomonosov, nilikha para sa Cameron Gallery, upang tumayo roon sa tabi ng mga busts ng mga sinaunang bayani. Samakatuwid isang bahagyang naiibang antas ng paglalahat at unang panahon kaysa sa iba pang mga gawa ng iskultor (tanso, 1793, Cameron Gallery, Pushkin; dyipsum, RM; marmol, Academy of Science; ang huling dalawa ay mas maaga). Pinagamot ni Shubin si Lomonosov nang may espesyal na paggalang. Ang henyo ng Ruso na siyentipikong nagtuturo sa sarili ay malapit sa iskultor hindi lamang bilang isang kapwa kababayan. Lumikha si Shubin ng isang imahe na wala ng anumang pormalidad at karangyaan. Ang isang buhay na isip, lakas, lakas ay nadarama sa kanyang hitsura. Ngunit ang iba't ibang mga anggulo ay nagbibigay ng iba't ibang mga accent. At sa isa pang pagliko, nabasa namin ang mukha ng modelo at kalungkutan, at pagkabigo, at kahit isang pagpapahayag ng pag-aalinlangan. Ito ay mas nakakagulat kung ipinapalagay natin na ang trabaho ay hindi buong-scale, namatay si Lomonosov 28 taon bago. Sa mga nagdaang pag-aaral, ang ideya ay ipinahayag tungkol sa posibilidad ng mga full-scale sketch na hindi bumaba sa amin.

Parehas na maraming nalalaman sa kagalingan sa maraming bagay na ito - magkasalungat na nilikha ng iskultor imahe ni Paul I (marmol, 1797, tanso, 1798. State Russian Museum; tanso, 1800, Tretyakov Gallery). Narito ang walang pag-ibig na magkakasama na may isang malupit, halos malupit na pagpapahayag, at pangit, halos nakakagulat na mga tampok ay hindi makakait sa imahe ng kadakilaan.

Si Shubin ay nagtrabaho hindi lamang bilang isang pintor ng larawan, ngunit din bilang isang dekorador. Siya naisagawa ang 58 hugis-itlog na marmol na makasaysayang mga larawan para sa Chesme Palace (Matatagpuan sa Armoryo), mga iskultura para sa Marble Palace at para kay Peterhof, isang rebulto ni Catherine II na mambabatas (1789-1790). Walang alinlangan, ang Shubin ay ang pinakamalaking kababalaghan sa artistikong kultura ng Russia noong ika-18 siglo.

Ang isang iskultor na Pranses ay nagtulungan kasama ang mga masters ng Russia sa Russia Etienne-Maurice Falcone(1716-1791; sa Russia - mula 1766 hanggang 1778), kung saan sa bantayog kay Peter I sa Senate Square sa St. Petersburg ipinahayag ang kanyang pag-unawa sa pagkatao ni Peter, ang kanyang makasaysayang papel sa kapalaran ng Russia. Si Falcone ay nagtrabaho sa bantayog sa loob ng 12 taon. Ang unang sketch ay naisagawa noong 1765, noong 1770 - isang modelo ng laki ng buhay, at noong 1775-1777. isang estatwa ng tanso ang itinapon at isang pedestal ay inihahanda mula sa isang bato na bato, na, pagkatapos ng pagputol, ay tumimbang ng humigit-kumulang na 275 tonelada. Si Marie-Anne Collot ay tumulong upang gumana sa ulo ni Peter Falcone. Ang pagbubukas ng monumento ay naganap noong 1782, nang wala na si Falcone sa Russia, at nakumpleto ang pag-install ng monumento sa Gordeev... Iniwan ni Falcone ang kanonisadong imahe ng nagwaging emperor, ang Roman Cesar, na napapalibutan ng mga alohikal na pigura ng Kabutihan at Kaluwalhatian. Pinagsikapan niyang isama ang imahe ng tagalikha, mambabatas, transpormer, tulad ng siya mismo ang sumulat sa isang liham kay Diderot. Ang eskultor ay kategoryang nagrebelde laban sa malamig na mga alegorya, na sinasabing "ito ay isang mahirap na kasaganaan, palaging tumutuligsa sa gawain at bihirang isang henyo." Nag-iwan lamang siya ng isang ahas, na kung saan ay may hindi lamang semantiko, ngunit mayroon ding pagbuong kahulugan. Ganito lumitaw ang simbolo ng imahe, kasama ang lahat ng pagiging natural ng paggalaw at pustura ng kabayo at mangangabayo. Naisasagawa sa isa sa pinakamagandang plasa ng kabisera, sa publikong forum, ang bantayog na ito ay naging isang plastik na imahe ng isang buong panahon. Ang isang nangangalaga ng kabayo ay pinapagpayapa ng matibay na kamay ng isang makapangyarihang mangangabayo. Ang pagkakaisa ng instant at walang hanggan, naka-embed sa pangkalahatang solusyon, ay nasusundan din sa pedestal, na itinayo sa isang maayos na pagtaas sa itaas at isang matalim na pagbagsak. Ang artistikong imahe ay binubuo ng isang hanay ng iba't ibang mga anggulo, aspeto, pananaw ng pigura. Ang "idolo sa isang tanso na kabayo" ay lilitaw sa lahat ng lakas nito bago tumingin ang isang tao sa kanyang mukha, tulad ng D.Ye. Si Arkin, kumilos kaagad siya gamit ang kanyang silweta, kilos, lakas ng masang plastik, at dito ipinakita ang hindi matitinag na mga batas ng monumental na sining. Samakatuwid ang libreng pagsasaayos sa damit ("Ito ay isang bayani na damit," isinulat ng iskultor), ang kawalan ng isang siyahan at mga stirrups, na nagpapahintulot sa isa na makilala ang sumakay at ang kabayo bilang isang solong silweta. "Ang bayani at ang kabayo ay nagsasama sa isang magandang centaur" (Diderot).

Ang ulo ng mangangabayo ay isa ring ganap na bagong imahe sa iconograpiya ni Peter, naiiba mula sa makinang na larawan ni Rastrelli at mula sa medyo ordinaryong dibdib na ginawa ni Collot. Sa imahe ni Falcone, hindi ang pilosopiko na pagmumuni-muni at pag-iisip ni Marcus Aurelius ang nangingibabaw, hindi ang nakakasakit na puwersa ng Condottiere Colleoni, ngunit ang tagumpay ng malinaw na dahilan at mabisang kalooban.

Ang pangunahing prinsipyo ng Aesthetic ng ika-18 siglo na kaliwanagan natagpuan expression sa paggamit ng isang natural na bato bilang isang pedestal. - katapatan sa kalikasan.

"Ang gawaing ito ng monumental sculpture ay batay sa matayog na ideya ng Russia, ang lakas ng kabataan nito, ang tagumpay nitong pag-akyat sa mga kalsada at matarik na kasaysayan. Iyon ang dahilan kung bakit bumubuo ang monumento sa manonood ng maraming damdamin at saloobin, malapit at malalayong samahan, maraming mga bagong imahe, bukod dito ang dakilang imahe ng magiting na tao at mga taong bayani, ang imahe ng inang bayan, ang kapangyarihan nito, ang kaluwalhatian, mahusay ang bokasyong pangkasaysayan ay laging nangingibabaw "(Arkin D. E.E.-M. Falcone // History of Russian Art. M., 1961. T. VI. P. 38).

Noong dekada 70, ang isang bilang ng mga batang nagtapos ng Academy ay nagtatrabaho kasama sina Shubin at Falcone. Pagkalipas ng isang taon, nagtapos si Shubin dito at dumaan sa pagreretiro kasama niya. Fedor Gordeevich Gordeev (1744-1810), na ang malikhaing landas ay malapit na naiugnay sa Academy (kahit siya ay ang rektor nito nang medyo matagal). Si Gordeev ay isang master ng monumental at pandekorasyon na iskultura. Sa kanyang maagang pagtatrabaho, ang mga gravestones ng N.M. Golitsyna, makikita kung paano nagawang malalim ng mga masters ng Russia ang mga ideyal ng antigong, partikular na Greek, plastic art. Tulad ng sa panahon ng medieval malikhaing kanilang pinagtibay ang mga tradisyon ng Byzantine art, kaya sa panahon ng klasismo ay naintindihan nila ang mga prinsipyo ng Hellenistic sculpture. Mahalaga na para sa karamihan sa kanila ang pamamahala ng mga prinsipyong ito at ang paglikha ng kanilang sariling pambansang istilo ng klasismo ay hindi maayos, at ang gawain ng halos bawat isa sa kanila ay maaaring matingnan bilang isang "arena ng pakikibaka" sa pagitan ng baroque, kung minsan rocaille, at bago, mga tendensyang klasiko. Bukod dito, ang ebolusyon ng pagkamalikhain ay hindi kinakailangang ipahiwatig ang tagumpay ng huli. Kaya, ang unang gawain ni Gordeev "Prometheus" (1769, plaster, RM, tanso - Ostankino Museum) at dalawang gravestones ng Golitsyns (patlang marshal A.M. Golitsyn, bayani Khotin, 1788, GMGS, St. Petersburg, at D.M Golitsyn, ang nagtatag ng sikat na ospital na itinayo ni Kazakov, 1799, GNIMA, Moscow) ay may mga tampok na nauugnay sa tradisyon ng baroque: pagiging kumplikado ng silweta, ekspresyon at dinamika ("Prometheus"), pagiging maganda ng pangkalahatang disenyo ng komposisyon, kalunos-lunos na kilos ng mga pigura na albularyo (Hiyas sa Digmaan at Digmaan sa isang lapida. Kalungkutan at Aliw sa isa pa).

Ang lapida ng N.M. Ang Golitsyna ay kahawig ng isang sinaunang Greek stele. Ang bas-relief figure ng mourner, na kinuha nang mas mababa sa likas na katangian, ay ibinigay sa profile, inilagay laban sa isang walang kinikilingan na background at nakasulat sa isang hugis-itlog. Ang kamahalan at solemne ng malungkot na damdamin ay nagdadala ng mabagal na pagkatiklop ng kanyang balabal. Ang isang pagpapahayag ng marangal na pagpipigil ay nagmula sa lapida na ito. Mayroong ganap na walang mga baroque pathos dito. Ngunit wala rin ito ng sagisag na sagisag na madalas na naroroon sa mga gawa ng klasikong istilo. Ang kalungkutan ay tahimik dito, at ang kalungkutan ay nakakaantig ng tao. Ang lirisismo ng imahe, ang nakatagong, malalim na nakatago na kalungkutan at samakatuwid ang pagiging malapit, ang pagiging matapat ay naging mga tampok na katangian ng klasismo ng Russia. Ang mga prinsipyo ng klasismo ay nagpakita ng kanilang sarili ng mas malinaw sa mga bas-relief sa mga antigong paksa para sa mga harapan at interyor ng Ostankino Palace (Moscow, 80-90s).

Sa gawain ng isang kapansin-pansin na Russian sculptor ng isang bihirang iba't ibang mga interes Mikhail Ivanovich Kozlovsky (1753-1802) maaari ding subaybayan ang patuloy na "pakikibaka" na ito, isang kombinasyon ng mga tampok ng baroque at klasismo, na may preponderance ng ilang mga aparato na pang-istilo kaysa sa iba pa sa bawat indibidwal na gawain. Ang kanyang gawa ay isang malinaw na katibayan kung paano muling binago ng mga masters ng Russia ang mga sinaunang tradisyon, kung paano nahubog ang klasismo ng Russia. Hindi tulad nina Shubin at Gordeev, ang pagretiro ni Kozlovsky ay nagsimula mula mismo sa Roma, at pagkatapos ay lumipat siya sa Paris. Sa kanyang pag-uwi sa kanyang bayan, ang una niyang gawa ay dalawa kaluwagan para sa Marble Palace, ang mismong mga pangalan ng kung saan: "Pamamaalam ni Regulus sa mga Mamamayan ng Roma" at "Camille Delivering Rome from the Gauls" - pinag-uusapan ang malaking interes ng master sa sinaunang kasaysayan (unang bahagi ng 80s).

Noong 1788, muling nagtungo si Kozlovsky sa Paris, ngunit bilang isang tagapagturo sa mga pensiyonado, at nasumpungan ang kanyang sarili sa gitna ng mga rebolusyonaryong kaganapan. Noong 1790 siya gumanap ang estatwa ng Polycrates (RM, cast ng plaster), kung saan nakalulungkot ang tema ng pagdurusa at salpok sa pagpapalaya. Sa parehong oras, sa mapang-akit na paggalaw ng Polycrates, ang pagsusumikap ng kanyang nakakadena na kamay, ang mortal-martir na ekspresyon sa kanyang mukha, mayroong ilang mga tampok ng naturalismo.

Sa kalagitnaan ng 90, sa pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan, nagsisimula ang pinaka-mabungang panahon sa gawain ng Kozlovsky. Ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa sa kuda (at nagtrabaho siya pangunahin sa iskultura ng kuda) ay mula sa unang panahon. Ang kanyang "Shepherd boy na may liebre" (1789, marmol. Pavlovsk Palace Museum), " Natutulog na kupido " (1792, marmol, RM), "Kupido na may isang arrow" (1797, marmol, Tretyakov Gallery) at iba pa ay nagsasalita ng isang banayad at hindi karaniwang malalim na pagtagos sa kulturang Hellenistic, ngunit sa parehong oras ay wala silang anumang panggagaya sa panlabas. Ito ay isang iskultura ng ika-18 siglo, at ito ay Kozlovsky na, na may masarap na lasa at sopistikado, ay pinuri ang kagandahan ng katawan ng kabataan. Ang kanyang "Pagbantay ni Alexander the Great" (ikalawang kalahati ng dekada 80, marmol, RM) ay niluluwalhati ang bayani na personalidad, ang sibil na ideyal na tumutugma sa mga moralidad na hilig ng klasismo: sinusubukan ng kumander ang kanyang kalooban, lumalaban sa pagtulog; ang Iliad scroll sa tabi niya ay katibayan ng kanyang edukasyon. Ngunit ang unang panahon para sa master ng Russia ay hindi lamang ang tanging bagay ng pag-aaral. Sa paraan ng estado ng kalahating pagkaantok, ang pamamanhid sa kalahating tulog ay natural na naihatid, mayroong isang buhay na buhay na matinding pagmamasid, sa lahat ng bagay ay maaaring makita ang isang maingat na pag-aaral ng kalikasan. At ang pinakamahalaga, walang lahat ng pag-ubos na pangingibabaw ng dahilan sa sobrang pakiramdam, tuyong katuwiran, at ito, sa aming palagay, ay isa sa mahahalagang pagkakaiba ng klasismo ng Russia.

Si Kozlovsky na klasista, natural, ay nadala ng tema ng bayani, at gumaganap siya maraming mga terracottas batay sa Iliad (Ajax na may katawan ni Patroclus, 1796, RM). Nagbibigay ang iskultor ng kanyang sariling interpretasyon ng isang yugto mula sa kasaysayan ni Peter sa estatwa ni Yakov Dolgoruky, isang tinatayang ng hari, galit sa kawalan ng katarungan ng isang atas ng emperor (1797, marmol, RM). Sa rebulto ng Dolgoruky, malawak na ginagamit ng iskultor ang tradisyunal na mga katangian: isang nasusunog na sulo at kaliskis (isang simbolo ng katotohanan at hustisya), isang natalo na maskara (panloloko) at isang ahas (kabastusan, kasamaan). Ang pagbuo ng isang tema ng kabayanihan, ang mga address ni Kozlovsky sa imahe ni Suvorov: una, lumilikha ang master ng isang palagay na imahe ni Hercules na nakasakay sa kabayo (1799, tanso, RM), at pagkatapos ay isang bantayog kay Suvorov, na ipinaglihi bilang isang buhay na rebulto (1799-1801, St. Petersburg). Ang monumento ay walang direktang pagkakahawig ng larawan. Ito ay isang pangkalahatang imahe ng isang mandirigma, isang bayani, sa isang suit ng militar kung saan ang mga elemento ng sandata ng sinaunang Roman at ang kabalyerong medieval ay pinagsama (at ayon sa pinakabagong impormasyon - at ang mga elemento ng form na Paul nais, ngunit hindi pinamamahalaang upang ipakilala). Ang lakas, tapang, maharlika ay nagmula sa buong hitsura ng kumander, mula sa kanyang pagmamalaki ng ulo, ang kaaya-ayang kilos na binubuhat niya ang tabak. Ang isang light figure sa isang cylindrical pedestal ay lumilikha ng isang solong dami ng plastik dito. Ang pagsasama-sama ng pagkalalaki at biyaya, ang imahe ng Suvorov ay nakakatugon sa parehong klasikong pamantayan ng kabayanihan at ang pangkalahatang pag-unawa sa maganda bilang isang kategorya ng aesthetic, katangian ng ika-18 siglo. Lumikha ito ng isang pangkalahatang imahe ng isang pambansang bayani, at ang mga mananaliksik ay wastong ipinatungkol sa kanya sa pinaka perpektong mga likha ng klasismo ng Russia, kasama ang "Bronze Horseman" ni Falconet at ang bantayog kina Minin at Pozharsky Martos.

Sa mga taong ito Kozlovsky gumagana sa itaas ng rebulto ni Samson - gitna sa Grand Cascade ng Peterhof (1800-1802). Kasama ang pinakamahusay na mga iskultor - Shubin, Shchedrin, Martos, Prokofiev - Si Kozlovsky ay nakilahok sa pagpapalit ng mga estatwa ng mga fountain ng Peterhof, na kinumpleto ang isa sa pinakamahalagang mga order. Sa "Samson", tulad ng ayon sa kaugalian na tinatawag na, ang lakas ng mga sinaunang Hercules (ayon sa ilang mga kamakailang pag-aaral, ito ang Hercules) at ang ekspresyon ng mga imahe ni Michelangelo ay pinagsama. Ang imahe ng isang higanteng pinunit ang bibig ng isang leon (ang imahe ng isang leon ay kasama sa amerikana ng Sweden) na naging katauhan ng Russia.

Sa panahon ng Great Patriotic War, ang monumento ay ninakaw ng mga Nazi. Noong 1947 ang iskultor na si V.L. Muling nilikha ito ni Simonov batay sa mga nakaligtas na dokumentong pangkuha.

Ang kapantay ni Kozlovsky ay Fedos Fedorovich Shchedrin(1751-1825). Dumaan siya sa parehong yugto ng pagsasanay sa Academy at pagreretiro sa Italya at Pransya. Isinagawa niya noong 1776 "Marsyas" (gypsum, NIMAKH), \u200b\u200btulad ng "Prometheus" at "Polycrates" ni Gordeev ni Kozlovsky, ay puno ng magulong paggalaw at isang nakalulungkot na ugali. Tulad ng lahat ng mga iskultor ng panahon ng klasismo, si Shchedrin ay nabighani ng mga antigong imahe ( Sleeping Endymion1779, tanso, RM; "Venus", 1792, marmol, RM), habang ipinapakita ang isang partikular na makataong pagtagos sa kanilang mundo. Kasali rin siya sa paglikha ng mga iskultura. para sa Peter fountains ("Neva", 1804). Ngunit ang pinakamahalagang mga gawa ng Shchedrin ay nabibilang na sa panahon ng huli na klasismo. Noong 1811-1813. Gumagana siya sa ibabaw ng eskulturang kumplikado ng Zakharov Admiralty. Natupad niya tatlong-pigura na pangkat ng "Sea Nymphs" na nagdadala ng isang globo, - marilag at monumental, ngunit din kaaya-aya sa parehong oras; mga estatwa ng apat na magagaling na sinaunang mandirigma: Achilles, Ajax, Pyrrhus at Alexander the Great - sa mga sulok ng attic ng gitnang tower. Sa admiralty complex, pinamamahalaang ibagsak ni Shchedrin ang prinsipyong pandekorasyon sa monumental synthesis, na nagpapakita ng mahusay na pakiramdam ng arkitektura. Ang mga pangkat ng iskultura ng mga nymph ay malinaw na nakikita sa kanilang dami laban sa background ng makinis na mga dingding, at mga pigura ng mga mandirigma na organikong kumpletuhin ang arkitektura ng gitnang tower. Mula 1807 hanggang 1811 nagtrabaho rin si Shchedrin sa itaas ng malaking frieze na "Carrying the Cross" para sa conch ng southern apse ng Kazan Cathedral.

Ang kanyang kapanahon Ivan Prokofievich Prokofiev(1758-1828) noong 1806-1807 ... lumilikha ng frieze sa Kazan Cathedral sa attic ng kanlurang daanan ng colonnade sa paksang "The Brazen Serpent". Ang Prokofiev ay isang kinatawan ng ikalawang henerasyon ng mga akademikong iskultor; sa mga nagdaang taon ay nag-aral siya kasama si Gordeev, noong 1780-1784. nag-aral sa Paris, pagkatapos ay umalis patungo sa Alemanya, kung saan nasiyahan siya sa tagumpay bilang isang pintor ng larawan (dalawang larawan lamang ng Prokofiev ang nakaligtas ang Labzins, 1802, parehong terracotta, RM). Isa sa kanyang maagang gawa - "Actaeon" (1784, RM) nagpatotoo sa kasanayan ng isang ganap na napaunlad na artista, na may kasanayan sa paghahatid ng isang malakas, kakayahang umangkop na kilusan, isang nababanat na pagpapatakbo ng isang binata na hinabol ng mga aso ni Diana. Ang Prokofiev ay nakararami ng isang master ng kaluwagan, na nagpapatuloy sa pinakamahusay na mga tradisyon ng antigong pag-iskultura ng lunas (isang serye ng mga plaster relief sa harap at cast-iron na hagdan ng Academy of Arts; ang bahay ng I.I. biennium). Ito ay isang idyllic na linya sa gawain ng Prokofiev. Ngunit pamilyar din ang panginoon sa mataas na dramatikong tala (ang nabanggit na frieze ng Kazan Cathedral na "The Copper Serpent"). Para kay Peterhof Ginanap si Prokofiev kasabay ng "Neva" ni Shchedrin ang estatwa ng "Volkhov" at ang pangkat na "Tritons".

Ivan Petrovich Martos (1754-1835) namuhay ng napakahabang buhay na malikhaing, at ang pinaka-makabuluhang likha niya ay nilikha noong ika-19 na siglo. Ngunit ang mga gravestones ng Martos, ang kanyang memorial sculpture ng 80s-90s, sa kanilang kalooban at. ang plastik na solusyon ay nabibilang sa ika-18 siglo. Si Martos ay nakalikha ng mga imaheng napaliwanagan, pinasadahan ng tahimik na kalungkutan, mataas na lirikal na damdamin, matalinong pagtanggap sa kamatayan, ginanap, bilang karagdagan, na may bihirang pagiging artistikong perpekto ( lapida ng M.P. Sobakina, 1782, GNIMA; lapida ng E.S. Kurakina, 1792, GMGS).

Matapos ang 1720s-1730s, ang "oras ng mga coup ng palasyo" at ang panahon ng "Bironovism," isang bagong pagtaas ng pambansang kamalayan, pinalala ng pakikibaka laban sa pangingibabaw ng dayuhan. Ang pagpasok ni Elizabeth Petrovna, anak na babae ni Peter I, ay napansin ng lipunang Russia bilang simula ng muling pagkabuhay ng Russia at pagpapatuloy ng mga tradisyon ni Pedro. Sa ilalim niya, ang University of Moscow at ang Academy ng tatlong pinaka kilalang sining ay itinatag, na sa hinaharap ay gampanan ang isang malaking papel sa pagsasanay ng mga domestic person sa larangan ng agham at sining.

Ang isa sa mga unang propesor ng bagong bukas na Academy of Arts ay ang iskulturang Pranses na si Nicolas François Gillet, isang kinatawan ng yumaong Baroque, na nagturo sa mga mag-aaral ng propesyonal na karunungan sa iba't ibang uri ng plastik na sining, isang guro ng maraming kilalang mga panginoon sa paglaon.

Andreas Schlüter (1660 / 1665-1714)

Konrad Osner (1669-1747)

Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675-1744)

Ang pinaka-makabuluhang master ng iskultura ng Russia sa unang kalahati ng ika-18 siglo ay si Count Bartolomeo Carlo Rastrelli, isang pinagmulan ng Italyano. Nang walang nagawa na makabuluhang bagay sa Italya at Pransya, nakarating siya sa St. Petersburg noong 1716, kung saan nagsimula siyang magsagawa ng mga malalaking order ng estado, una para kay Peter I, pagkatapos kay Anna Ioannovna at Elizaveta Petrovna.

Nagtatrabaho sa Russia hanggang sa kanyang kamatayan, ang iskultor ay lumikha ng isang bilang ng mga natitirang mga gawa ng monumental, pandekorasyon at kuda-manong iskultura.

Ang mga unang nilikha ng mga kamay ng tao na maaaring tawaging iskultur ay lumitaw noong sinaunang panahon at kinatawan ang mga idolo na sinamba ng ating mga ninuno. Sa nagdaang daang libu-libong taon, ang sining ng pag-iskultura ay umabot sa walang katulad na taas, at ngayon sa mga museo at sa mga lansangan ng maraming lungsod sa buong mundo maaari mong makita ang mga totoong obra maestra na palaging sanhi ng paghanga sa mga bisita at daanan. Kaya alin sa mga bantog na Ruso at dayuhang panginoon ng iba't ibang panahon ang maaaring mag-angkin na inuri ang kanyang pangalan bilang "bantog na mga iskultor", at anong mga gawa nila ang isinama sa ginintuang pondo ng arte sa mundo?

Mga sikat na iskultor ng sinaunang mundo

Tulad ng nabanggit na, ang sining ng iskultura ay nagmula maraming millennia na ang nakakaraan, na pinatunayan ng maraming mga bato at luwad na volumetric na imahe ng mga tao, hayop at gawa-gawa na mga nilalang na natagpuan sa panahon ng paghukay sa mga arkeolohiko. Siyempre, walang nakakaalam kung sino ang kanilang mga may-akda, ngunit ang kasaysayan ay napanatili ang mga pangalan ng ilan sa magagaling na iskultor na nagtrabaho mula noong ika-14 na siglo BC. e. at hanggang sa ika-1 siglo AD. e.

Halimbawa, kapag tinanong kung sino ang pinakatanyag na iskultor ng sinaunang mundo, ang dakilang sinaunang iskulturang taga-Egypt na si Thutmose the Younger ay kinakailangang nabanggit bukod sa iba pa. Nagtatrabaho siya sa korte ng Paraon Akhenaten at nilikha ang isa sa pinakatanyag na likhang sining ng panahon ng Amarna - ang dibdib ni Queen Nefertiti. Mayroong higit pang impormasyon tungkol sa kung sino ang pinakatanyag na mga iskultor ng Greece at Roma ng unang panahon. Sa partikular, ang mga master Kritias at Nesiot ay nilikha noong ika-5 siglo BC. e. ang kamangha-manghang komposisyon ng Harmodius at Aristogiton, na kung saan ay higit pa sa isang beses na nagbigay inspirasyon sa mga iskultor ng mga huling panahon. Kahit na ang higit na mataas na kasanayan sa pag-iskultura ay nakamit ng dakilang Phidias, na may-akda ng ginto at garing, na kinikilala bilang isa sa mga kababalaghan ng sinaunang mundo. Ang isang tao ay hindi maaaring mabigo na tandaan ang napakalaking kontribusyon sa pag-unlad ng sinaunang sining na ginawa ng mga sikat na sculptor tulad ng Scopas, Praxiteles at Lysippos, na lumikha ng tinaguriang quadriga ni St. Tulad ng para sa mga Roman sculptors, ang karamihan sa kanilang mga nilikha, halimbawa ang sikat na Apollo ng Belvedere, ay mga kopya mula sa mga orihinal na Griyego.

Mga tanyag na iskultor ng mundo: ang Middle Ages

Tulad ng alam mo, ang simula ng makasaysayang panahon na sumunod sa pagbagsak ng Western Roman Empire ay hindi ang pinakamahusay na oras para sa pag-unlad ng sining. Iyon ang dahilan kung bakit walang partikular na makabuluhang mga obra ng sining na itinayo noong ika-5 hanggang ika-12 siglo ang kilala ngayon. Sa kabutihang palad, sa paglipas ng panahon, ang diktadura ng simbahan ay nagsimulang humina, at lumitaw ang mga eskultura ng mga santo at pinuno, na pinayagan ng mga may akda na lumihis mula sa mahigpit na mga canon ng relihiyosong sining at gawing mas makatotohanan ang kanilang mga nilikha. Bilang isang halimbawa, maaari mong banggitin ang gayong mga panginoon tulad ng ama at anak ni Pisano, na nagtrabaho noong huling bahagi ng ika-13 at unang bahagi ng ika-14 na siglo. At, syempre, pagdating sa kung sino ang pinakatanyag na mga iskultor ng panahon ng Gothic, hindi masasabi ng isa si Adam Kraft, na lumikha ng kamangha-manghang altarpiece ng Tetzel Chapel.

Paglililok ng Renaissance

Marahil, halos hindi isang tao na hindi alam kung sino ang pinakatanyag na mga iskultor at kanilang mga gawa ng panahon ng Renaissance. Kung sabagay, ang mga obra maestra tulad ng rebulto ni David at mga kopya kung saan pinalamutian ang mga simbahang Katoliko sa buong mundo, pati na rin ang bantayog kay Gattamelata Donatello at "Perseus" ni Benvenuto Cellini, nabibilang sa panahong ito. Sa mga panginoon ng Pransya, mahalagang tandaan sina Jean Goujon at Germain Pilon, na nagtrabaho sa ilalim ng impluwensya ng kanilang mga kasamahan sa Italyano.

Kapansin-pansin na mga masters ng iskultura noong ika-18 siglo

Ang tanyag na Trevi Fountain sa Palazzo Poli sa Roma, na itinuturing na isa sa mga simbolo ng kabisera ng Italya, ay isang napakagandang halimbawa ng sining ng modernong paglililok. Ang mga may-akda nito ay sina Nicolo Salvi at Pietro Bracci, na nagpatakbo ng pigura ng Neptune at tritons. Noong ika-18 siglo, nagtrabaho din sina Edmond Bouchardon at Jean Baptiste Pigall, sikat na mga iskultor mula sa Pransya, na sikat sa kanyang mga libingan. Tulad ng para sa mga English masters, kasama ng mga ito ang isang kakaibang trio ay maaaring makilala, na binubuo nina John Flaxman, Joseph Nollekens at Thomas Banks.

Iskulturang European noong ika-19 na siglo

Ang simula ng ika-19 na siglo ay minarkahan ng paglitaw ng isang maliwanag na bituin ng iskultura sa mundo - si Bertel Thorvaldsen, na noong 1803 ipinakita ang kanyang "Jason" sa publiko. Matapos ang isang matunog na pasinaya sa mundo, siya ay naging isang tanyag na master sa mga kilalang mga customer mula sa iba`t ibang mga bansa, at sa panahon ng kanyang mahabang mahabang buhay malikhaing ay nililok niya ang maraming magagaling na mga komposisyon at larawan ng mga sikat na tao. Sa partikular, sulit na banggitin ang isang malaking frieze na naglalarawan sa mga pagsasamantala ni Alexander the Great, na nilikha niya noong 1812 upang palamutihan ang Quirinal Palace.

Kapag isinasaalang-alang kung sino ang pinakatanyag na mga iskultor at ang kanilang mga gawa noong ika-19 na siglo, ang isa sa mga unang pangalan na napag-isipan ay si Auguste Rodin. At ito ay hindi nakakagulat, dahil ang kanyang mga akdang "The Thinker" at "The Kiss" ay kinikilala bilang pinakadakilang obra maestra ng sining sa mundo. Tulad ng para sa mga Aleman na iskultor, si L. Schwanthaler ay nararapat na isang espesyal na banggitin, na lumikha ng maraming mga kamangha-manghang gawa na pinalamutian ang mga palasyo at iba pang mga makabuluhang gusali sa Munich.

Mga iskultor ng ika-20 - ika-21 siglo

Sa huling siglo, ang mga tradisyon ng mga dakilang Italyano masters ay ipinagpatuloy ni Giacomo Manza, na naging tanyag sa kanyang nilikha na "The Gate of Death", na ginawa para sa Roma. Bilang karagdagan, sulit na banggitin ang mga naturang masters tulad nina Jacques Lipschitz at Osip Zadkin, na nagtrabaho sa sureal na istilo. Kasama rin sa kategoryang "Ang pinakatanyag na mga iskultor ng mundo" ng gawaing "The Walking Man", na lumikha noong 1961, na tinantya sa auction ng Sotheby na 104.3 milyong dolyar ng US. Kabilang sa mga iskultor ng huling bahagi ng ika-20 siglo, sina Lynn Chadwick at Barry Flanagan ay nagkakahalaga ring banggitin.

Mga sikat na iskultor ng Russia mula ika-18 hanggang ika-19 na siglo

Hindi na kailangang pag-usapan ang tungkol sa sining ng paglilok sa Russia sa panahong pre-Petrine, dahil wala lamang ito. Ang pagtatatag ng St. Petersburg ay nag-isip sa mga tao tungkol sa dekorasyon ng mga palasyo at mga parisukat na may mga komposisyon ng eskultura, tulad ng kaugalian sa mga bansa sa Europa, kaya nagsimula silang mag-imbita ng mga dayuhang panginoon sa korte. Kaya, ang unang kilalang mga iskultor na "Ruso" ay mga dayuhan. Halimbawa, maraming voluminous na larawan ang bumaba sa amin, na itinapon ng ama ng hinaharap na mahusay na arkitekto - KB Rastrelli.

Matapos ang pagkakatatag ng Academy of Arts ni Catherine II, nagsimulang mag-aral doon ang mga Ruso. Sa partikular, sa mga taon ng kanyang paghahari, nakikilala ang kanilang mga tagapanguna ng domestic art ng iskultura na sina F. Shubin, M. Kozlovsky at F. Gordeev, na lumikha ng sikat na Samson. Lalo na maraming mga likas na matalino na artista ang lumitaw noong ika-19 na siglo. Sa partikular, sa panahong ito gumana ang mga sikat na iskultor ng Russia bilang M.M. Antokolsky, ang may-akda ng bantayog kay Peter the Great sa Peterhof, A.M. Opekushin, P. Velionsky, at sa I.N. Nagtrabaho rin si Shroder.

Ang isa sa mga pinakakilalang gawa ng iskultura ng unang kalahati ng ika-20 siglo, syempre, ay ang bantog na bantayog kay Vera Mukhina na "Manggagawa at Pinagsamang Babae sa Bukid" - isang kinikilalang obra maestorya ng pagiging makatotohanan ng sosyalista. Hindi gaanong kawili-wili ang mga gawa ni E. Vutechich, na lumikha ng "Sundalong-Liberator" para sa Berlin Treptower Park at ang bantog na estatwa na "Motherland", at M. Anikushin - ang may-akda ng mga monumento sa AP Chekhov at A. Pushkin , na na-install sa Leningrad noong 1957.

Tungkol sa kung sino ang pinakatanyag na Russian sculptors ng post-Soviet period, pagkatapos ay marahil si Ernst Neizvestny, na, nang magsimula ang kanyang trabaho pabalik sa panahon ng Soviet, ay pinilit na lumipat sa USA, at ang kanyang pinaka-makabuluhang gawain - "Mask of Kalungkutan "para sa alaala ng Magadan sa mga biktima ng panunupil ng Stalinista - nilikha noong 1996. Ang isa pang iskultor na nakatanggap ng malawak na pagkilala sa mga nagdaang dekada ay si M. Semyakin, kabilang sa kaninong mga gawa na may multi-figured na komposisyon na "Mga Anak - Biktima ng Mga Vise ng Pang-adulto" na nararapat na espesyal na banggitin.

Mga listahan ng mga iconic at maimpluwensyang sculptor

Mga sinaunang iskultor ng Egypt

Ang makabago at nag-imbento na mga iskultor at carvers ng Egypt, pati na rin ang mga manggagawang Mediteraneo mula sa mga kalapit na bansa, ay nanatiling halos hindi nagpapakilala.

Sinaunang Greek sculptors (500-100 BC)

Ang iskulturang Greek ay pinaniniwalaang isang halo ng mga ideya at diskarte mula sa kulturang Egypt, Mycenaean at Persian. Pinag-aralan ng mga Greek sculptor ang parehong gawa sa bato at larawang tanso. Nakakagulat, sa kabila ng hindi kapani-paniwalang kontribusyon ng Greece sa pagpapaunlad ng iskultura, ilang mga pangalan ng mga bantog na panginoon ang nakaligtas hanggang ngayon.

Fragment ng frieze ng Mausoleum ng Halicarnassus. Scopas.

• Phidias (circa 488-431 BC). Pinakamalaking iskultor ng klasikal na panahon;
• Myron ng Eleuther (mga 480–444 BC). Master ng iskultura na tanso;
• Lysippos (circa 395-305 BC). Kilalang iskultor sa ilalim ng patronage ni Alexander the Great;
• Polycletus (ika-5 siglo BC);
• Callimachus (ika-5 siglo BC);
• Scopas (circa 395-350 BC);
• Praxiteles (mga 395-350 BC);
• Leochares (circa 350 BC).

• Honore Daumier (1808-1879);
• George Frederick Watts (1817-1904)
• Jean-Baptiste Carpeau (1827-1875)
• Frederick Leighton (1830-1896)
• Constantin Meunier (1831-1905);
• Frederic-Auguste Bartholdi (1834-1904)
• Edgar Degas (1834-1917);
• Georges Minne (1866-1941).

Ugolino at ang kanyang mga anak. Jean-Baptiste Carpeau.

Mga kontemporaryong iskultor: ika-20 siglo

Ang mga unang taon ng ika-20 siglo ay naging rebolusyonaryo sa iskultura, salamat sa malaking bahagi sa mga artista tulad ng Picasso, Boccioni at Naum Gabo, pati na rin ang mga bagong kilusang modernista (Cubism, Surrealism, Dadaism, atbp.). Lumilitaw ang mga bagong abstract form at bagay ng iskultura.

Nakaupo Ernst Barlach. Paglililok sa harap ng Unibersidad ng Madrid. Hyatt Huntington.

Ika-20 siglo: mga modernong iskultor

Ang paglipat mula sa modernismo patungo sa postmodernism ay lubos na nagkakaiba-iba ng iskultura. Lumilitaw ang mga bagong materyales (halimbawa, kongkreto), mga bagong form (superrealism, abstract works) at mga teknolohiya. Gayunpaman, ang mga tradisyonal na akda ay nauugnay pa rin, sa kabila ng maraming pagkakaiba sa mga modernong gawa.

• Louise Bourgeois (1911–2010);
• Joseph Beuys (1921-1986);
• Cesar Baldachini (1921-1998);
• Eduardo Paolozzi (1924-2005);
• Donald Judd (1928-1994)
• Saul Levitt (1928-2007);
• Niki de Saint Phalle (1930-2002).

Ang ipinakita na listahan ng mga iskultor ay hindi kumpleto at hindi naglalaman ng isang bilang ng mga tanyag na pangalan, subalit, nagbibigay ito ng isang pangkalahatang ideya ng mga panginoon, istilo at ideya ng iba't ibang mga panahon.

Ang pinakamahusay na sculptors ng lahat ng oras na-update: Setyembre 23, 2017 ng may-akda: Gleb