Maagang mga Renaissance artist at ang kanilang mga kuwadro na gawa. Pagpipinta ng Renaissance

Ang Renaissance ay isang phenomenal phenomena sa kasaysayan ng tao. Hindi na muling nagkaroon ng isang napakatalino flash sa larangan ng sining. Ang mga eskultor, arkitekto at artist ng Renaissance (mayroong isang mahabang listahan ng mga ito, ngunit tatantanan namin ang mga pinakatanyag), na ang mga pangalan ay kilala sa lahat, ay nagbigay sa mundo ng hindi mabibili ng salapi Natatanging at pambihirang mga tao ay nagpakita ng kanilang sarili na hindi sa isang larangan , ngunit sa maraming nang sabay-sabay.

Maagang pagpipinta ng Renaissance

Ang Renaissance ay may isang kamag-anak na time frame. Ito ay unang nagsimula sa Italya - 1420-1500. Sa oras na ito, ang pagpipinta at lahat ng sining sa pangkalahatan ay hindi gaanong naiiba mula sa nagdaang nakaraan. Gayunpaman, ang mga elemento na hiniram mula sa klasikal na unang panahon ay nagsisimulang lumitaw sa unang pagkakataon. At sa mga susunod na taon lamang, ang mga iskultor, arkitekto at artista ng Renaissance (ang listahan nito ay napakalaki), sa ilalim ng impluwensya ng mga modernong kondisyon sa pamumuhay at mga progresibong uso, sa wakas ay inabandona ang mga pundasyong medyebal. Matapang nilang pinagtibay ang pinakamahusay na mga halimbawa ng sinaunang sining para sa kanilang mga gawa, kapwa sa pangkalahatan at sa mga indibidwal na detalye. Ang kanilang mga pangalan ay kilala ng marami, pag-isipan natin ang mga pinakamaliwanag na personalidad.

Masaccio - ang henyo ng pagpipinta sa Europa

Siya ang gumawa ng malaking kontribusyon sa pagpapaunlad ng pagpipinta, na naging isang mahusay na repormador. Ang master ng Florentine ay isinilang noong 1401 sa isang pamilya ng mga artistikong artesano, kaya't ang pakiramdam ng panlasa at pagnanais na lumikha ay nasa kanyang dugo. Sa edad na 16-17, lumipat siya sa Florence, kung saan siya nagtrabaho sa mga pagawaan. Si Donatello at Brunelleschi, mahusay na mga iskultor at arkitekto, ay nararapat na isinasaalang-alang bilang kanyang mga guro. Ang komunikasyon sa kanila at ang nakuha na mga kasanayan ay hindi maaaring makaapekto sa batang pintor. Mula sa una, nanghiram si Masaccio ng isang bagong pag-unawa sa personalidad ng tao, katangian ng iskultura. Ang pangalawang master - ang mga pundasyon Ang unang maaasahang gawain, isinasaalang-alang ng mga mananaliksik ang "Triptych ng San Giovenale" (sa unang larawan), na natuklasan sa isang maliit na simbahan malapit sa bayan kung saan ipinanganak ang Masaccio. Ang pangunahing gawain ay ang mga fresco na nakatuon sa kasaysayan ng buhay ni San Pedro. Ang artista ay lumahok sa paglikha ng anim sa kanila, katulad: "The Miracle with the Statue", "The Expulsion from Paradise", "The Baptism of the Neophytes", "The Distribution of Property and the Death of Ananias", "The Pagkabuhay na Mag-uli ng Anak ni Theophilus "," Pinagaling ni San Pedro ang Masakit sa Kanyang Anino "at" Si San Pedro sa pulpito ".

Ang mga Italyanong artista ng Renaissance ay mga taong ganap at kumpletong nakatuon sa kanilang sarili sa sining, na hindi nagbigay pansin sa mga ordinaryong pang-araw-araw na problema, na kung minsan ay humantong sa kanila sa isang mahinang pagkakaroon. Ang Masaccio ay walang kataliwasan: ang napakatalino na master ay namatay nang maaga, sa edad na 27-28, na nag-iiwan ng mahusay na mga gawa at maraming bilang ng mga utang.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Ito ay isang kinatawan ng paaralang Padua ng pintor. Natanggap niya ang mga pangunahing kaalaman sa kanyang mga kasanayan mula sa kanyang ama-ama. Ang istilo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga gawa ng Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello at Venetian painting. Natukoy nito ang medyo malupit at malupit na paraan ni Andrea Mantegna kumpara sa Florentines. Siya ay isang kolektor at tagataguyod ng mga gawaing pangkultura ng sinaunang panahon. Sa kanyang istilo na hindi katulad ng iba pa, sumikat siya bilang isang nagpapabago. Ang kanyang pinakatanyag na akda ay ang Dead Christ, The Triumph of Caesar, Judith, The Battle of the Sea Gods, Parnassus (nakalarawan), atbp. Mula 1460 hanggang sa kanyang kamatayan, nagtrabaho siya bilang isang pintor ng korte sa pamilya ng mga Dukes ng Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Ang Botticelli ay isang pseudonym, ang tunay na pangalan ay Philippei. Hindi niya pinili kaagad ang landas ng isang artista, ngunit sa una ay pinag-aralan ang sining ng alahas. Sa mga unang independiyenteng akda (maraming "Madonnas"), nadarama ang impluwensya ng Masaccio at Lopio. Sa hinaharap, niluwalhati din niya ang kanyang sarili bilang isang pintor ng larawan, ang karamihan sa mga order ay nagmula sa Florence. Ang pino at pino na likas na katangian ng kanyang mga obra na may mga sangkap na pang-istilo (paglalahat ng mga imahe gamit ang maginoo na mga diskarte - pagiging simple ng form, kulay, dami) na nagpapakilala sa kanya mula sa iba pang mga panginoon ng panahong iyon. Ang isang kapanahon nina Leonardo da Vinci at batang si Michelangelo ay nag-iwan ng maliwanag na marka sa sining sa mundo ("The Birth of Venus" (larawan), "Spring", "Adoration of the Magi", "Venus and Mars", "Christmas", atbp. ). Ang kanyang pagpipinta ay taos-puso at sensitibo, at ang kanyang buhay ay mahirap at trahedya. Ang pang-romantikong pang-unawa sa mundo sa murang edad ay napalitan ng mistisismo at pagtaas ng relihiyon sa karampatang gulang. Ang mga huling taon ng kanyang buhay, si Sandro Botticelli ay nabuhay sa kahirapan at limot.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Italyano na pintor at isa pang kinatawan ng maagang Renaissance, na nagmula sa Tuscany. Ang istilo ng may-akda ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng paaralang pintura ng Florentine. Bilang karagdagan sa talento ng artist, si Piero della Francesca ay may natitirang mga kakayahan sa larangan ng matematika, at inialay niya ang mga huling taon ng kanyang buhay sa kanya, sinusubukan na ikonekta siya sa mataas na sining. Ang resulta ay dalawang pang-agham na pakikitungo: "Sa Pananaw sa Pagpipinta" at "Ang Aklat ng Limang Tamang Lawas". Ang kanyang istilo ay nakikilala sa pamamagitan ng solemne, pagkakatugma at maharlika ng mga imahe, komposisyon katahimikan, tumpak na mga linya at konstruksiyon, isang malambot na hanay ng mga kulay. Si Piero della Francesca ay may kamangha-manghang kaalaman tungkol sa teknikal na bahagi ng pagpipinta at mga kakaibang pananaw para sa oras na iyon, na nakakuha sa kanya ng isang mataas na reputasyon sa kanyang mga kasabay. Ang pinakatanyag na akda: "History of the Queen of Sheba", "The Flagellation of Christ" (nakalarawan), "Altar of Montefeltro", atbp.

Mataas na pagpipinta ng Renaissance

Kung ang Proto-Renaissance at ang maagang panahon ay tumagal ng halos isang siglo at kalahating at isang siglo, ayon sa pagkakabanggit, kung gayon ang panahong ito ay sumasaklaw lamang ng ilang dekada (sa Italya mula 1500 hanggang 1527). Ito ay isang maliwanag, nakasisilaw na flash na nagbigay sa buong mundo ng isang buong kalawakan ng mahusay, maraming nalalaman at napakatalino na mga tao. Ang lahat ng mga sangay ng sining ay magkasabay, napakaraming mga artesano din ang mga siyentista, iskultor, imbentor, at hindi lamang mga artista ng Renaissance. Mahaba ang listahan, ngunit ang tuktok ng Renaissance ay minarkahan ng mga gawa nina L. da Vinci, M. Buanarotti at R. Santi.

Ang pambihirang henyo ni Da Vinci

Marahil ito ang pinaka-pambihira at natitirang pagkatao sa kasaysayan ng kultura ng sining sa buong mundo. Siya ay isang unibersal na tao sa buong kahulugan ng salita at nagtaglay ng pinaka maraming nalalaman na kaalaman at talento. Isang artista, iskultor, art theorist, matematiko, arkitekto, anatomista, astronomo, pisiko at inhinyero - tungkol sa kanya ang lahat. Bukod dito, sa bawat rehiyon, si Leonardo da Vinci (1452-1519) ay napatunayan na isang nagbago. Sa ngayon, 15 lamang sa kanyang mga kuwadro na gawa ang nakaligtas, pati na rin maraming mga sketch. Nagtataglay ng napakalaking sigla at pagkauhaw sa kaalaman, siya ay walang pasensya, nadala siya ng mismong proseso ng kaalaman. Sa isang napakabatang edad (20 taon), natanggap niya ang kwalipikasyon ng isang Master of the Guild of Saint Luke. Ang kanyang pinakamahalagang gawa ay ang fresco "The Last Supper", mga kuwadro na "Mona Lisa", "Madonna Benoit" (nakalarawan sa itaas), "Lady with an Ermine", atbp.

Bihira ang mga larawan ng mga Renaissance artist. Mas ginusto nilang iwan ang kanilang mga imahe sa mga kuwadro na gawa na maraming mukha. Kaya, sa paligid ng sariling larawan ni da Vinci (nakalarawan), nagpapatuloy ang kontrobersya hanggang ngayon. Inilalahad ang mga teorya na ginawa niya ito sa edad na 60. Ayon sa biographer, artist at manunulat na si Vasari, ang dakilang master ay namamatay sa mga bisig ng kanyang matalik na kaibigan na si King Francis I sa kanyang kastilyo na Clos-Luce.

Raphael Santi (1483-1520)

Artista at arkitekto na nagmula sa Urbino. Ang kanyang pangalan sa sining ay palaging nauugnay sa ideya ng dakilang kagandahan at natural na pagkakasundo. Sa isang maikling buhay (37 taon), gumawa siya ng maraming tanyag na mga kuwadro na gawa, fresco at mga larawan. Ang mga plots na ipinakita niya ay magkakaiba-iba, ngunit palagi siyang naaakit ng imahe ng Ina ng Diyos. Tamang-tama na ang Raphael ay tinawag na "Master of Madonnas", lalo na ang mga isinulat niya sa Roma ay sikat. Nagtrabaho siya sa Vatican mula 1508 hanggang sa katapusan ng kanyang buhay bilang isang opisyal na artist sa korte ng papa.

Malawak na regalo, tulad ng maraming iba pang magagaling na pintor ng Renaissance, si Raphael ay isa ring arkitekto at kasangkot din sa mga arkeolohikong paghuhukay. Ayon sa isa sa mga bersyon, ang huling libangan ay sa direktang ugnayan sa napaaga na kamatayan. Marahil, nagkasakit siya ng Roman fever habang naghuhukay. Ang dakilang master ay inilibing sa Pantheon. Nasa larawan ang kanyang sariling larawan.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Ang mahabang 70 taong gulang ng lalaking ito ay maliwanag, iniwan niya sa mga supling ang hindi nabubulok na mga nilikha hindi lamang ng pagpipinta, kundi pati na rin ng iskultura. Tulad ng iba pang magagaling na pintor ng Renaissance, si Michelangelo ay nanirahan sa mga oras na puno ng mga kaganapan sa kasaysayan at kaguluhan. Ang kanyang sining ay ang perpektong pagtatapos ng touch sa buong Renaissance.

Inilagay ng master ang iskultura higit sa lahat ng iba pang mga sining, ngunit sa kalooban ng kapalaran siya ay naging isang natitirang pintor at arkitekto. Ang pinaka-ambisyoso at pambihirang gawain niya ay ang pagpipinta (nakalarawan) sa palasyo sa Vatican. Ang lugar ng fresco ay lumampas sa 600 square meter at naglalaman ng 300 na bilang ng mga tao. Ang pinaka-kahanga-hanga at pamilyar ay ang eksena ng Huling Paghuhukom.

Ang mga pintor ng Italian Renaissance ay nagtataglay ng maraming talento. Kaya, ilang tao ang nakakaalam na si Michelangelo ay isa ring mahusay na makata. Ang aspeto ng kanyang henyo na ito ay buong ipinakita sa pagtatapos ng kanyang buhay. Halos 300 na tula ang nakaligtas hanggang ngayon.

Huling pagpipinta ng Renaissance

Saklaw ng huling yugto ang tagal ng panahon mula 1530 hanggang 1590-1620. Ayon sa Encyclopedia Britannica, ang Renaissance bilang isang makasaysayang panahon ay natapos sa pagbagsak ng Roma noong 1527. Sa parehong oras, ang Counter-Reformation ay nagwagi sa katimugang Europa. Ang kilusang Katoliko ay tumingin nang may pag-aalala sa lahat ng malayang pag-iisip, kasama ang pagluwalhati ng kagandahan ng katawan ng tao at ang muling pagkabuhay ng sining ng sinaunang panahon - iyon ay, lahat ng mga haligi ng Renaissance. Nagresulta ito sa isang espesyal na kalakaran - Pamamaraan, nailalarawan sa pamamagitan ng pagkawala ng pagkakaisa sa pagitan ng ispiritwal at ng katawan, tao at kalikasan. Ngunit kahit sa mahirap na panahong ito, ang ilang kilalang mga artista ng Renaissance ay lumikha ng kanilang mga obra maestra. Kabilang sa mga ito ay sina Antonio da Correggio (isinasaalang-alang ang nagtatag ng Classicism at Palladianism) at Titian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Tama siyang isinasaalang-alang ang titan ng Renaissance, kasama sina Michelangelo, Raphael at da Vinci. Bago pa siya 30 taong gulang, si Titian ay sumikat bilang "hari ng mga pintor at pintor ng mga hari." Talaga, ang artist ay nagpinta ng mga larawan sa mga mitolohiko at biblikal na tema, bukod dito, siya ay sumikat bilang isang mahusay na pintor ng larawan. Naniniwala ang mga kapanahon na ang pagkabihag ng brush ng isang mahusay na master ay nangangahulugang pagkakaroon ng imortalidad. At totoo nga. Ang mga order kay Titian ay nagmula sa pinakamararangal at marangal na tao: mga papa, hari, kardinal at dukes. Narito ang ilan lamang, ang pinakatanyag, ng kanyang mga akda: "Venus of Urbino", "The Abduction of Europa" (nakalarawan), "Carrying the Cross", "Crowning with Thorns", "Madonna of Pesaro", "Woman may salamin ", atbp.

Wala nang inuulit ng dalawang beses. Ang panahon ng Renaissance ay nagbigay sa sangkatauhan ng makinang, pambihirang mga personalidad. Ang kanilang mga pangalan ay nakasulat sa kasaysayan ng sining ng mundo sa mga gintong titik. Ang mga arkitekto ng Renaissance at iskultor, manunulat at pintor - napakahaba ng listahan. Ang mga titans lamang ang hinawakan namin na gumawa ng kasaysayan, nagdala ng mga ideya ng kaliwanagan at humanismo sa mundo.

Ang mga pangalan ng mga Renaissance artist ay matagal nang napapaligiran ng unibersal na pagkilala. Maraming mga paghuhusga at pagtatasa tungkol sa mga ito ang naging mga axioms. Gayunpaman hindi lamang ito isang karapatan, ngunit isang tungkulin din ng kasaysayan ng sining na maging kritikal sa kanila. Pagkatapos lamang mapanatili ng kanilang sining ang tunay na kahulugan nito para sa salin-salin.

Piero della Francesca

Si Piero della Francesca ay, hanggang kamakailan lamang, ang hindi gaanong kilala at kinikilala. Ang impluwensiya ng mga panginoon ng Florentine noong unang bahagi ng ika-15 siglo kay Piero della Froncesca, pati na rin ang kanyang katumbasan na impluwensya sa kanyang mga kasabayan at kahalili, lalo na sa paaralan ng Venetian, ay wastong nabanggit. Gayunpaman, ang pambihirang, kilalang posisyon ni Piero della Francesca sa pagpipinta ng Italyano ay hindi pa nauunawaan nang sapat. Siguro, sa paglipas ng panahon, lalago lamang ang kanyang pagkilala.

Piero della Francesca (c. 1420-1492) pintor at teorama ng Italyano, kinatawan ng Maagang Renaissance

Ang kanyang pinakamalaki at pinakamagandang gawain ay ang pag-ikot ng mga fresko sa temang "History of the Cross" sa Arezzo (1452-1466). Ang gawain ay natupad ayon sa panunudyo ng lokal na mangangalakal na Bachchi. Marahil ang isang klerigo, isang tagapagpatupad ng kalooban ng namatay, ay lumahok sa pagbuo ng programa. Si Piero della Francesca ay umasa sa tinaguriang "Golden Legend" ni J. da Vorajina. Mayroon din siyang mga hinalinhan sa mga artista. Ngunit ang pangunahing ideya, malinaw naman, ay pagmamay-ari niya. Malinaw na ipinapakita nito ang karunungan, kapanahunan at pagiging matula ng artista.

Halos ang nag-iisang sikretong nakalarawan sa Italya noong panahong iyon na "The History of the Cross" ay may dobleng kahulugan. Sa isang banda, ang lahat ng sinabi sa alamat tungkol sa kung paano lumaki ang puno mula sa pagmamada ng krus ng Kalbaryo ay ipinakita dito, kung paano ipinakita ang milagrosong kapangyarihan nito. Ngunit dahil ang mga indibidwal na larawan ay wala sa pagkakasunud-sunod ng pagkakasunud-sunod, ang literal na kahulugan na ito ay tila tatalikod sa likuran. Inayos ng artista ang mga kuwadro na gawa sa paraan na nagbibigay sila ng ideya tungkol sa iba't ibang anyo ng buhay ng tao: tungkol sa patriarkal - sa pinangyarihan ng kamatayan ni Adan at sa paglipat ng krus ni Heraclius, tungkol sa sekular, korte, lungsod - sa mga eksena ng Queen of Sheba at ang Finding of the Cross, at sa wakas tungkol sa militar, labanan - sa "Victory of Constantine" at sa "Victory of Heraclius". Sa katunayan, niyakap ni Piero della Francesca ang halos lahat ng aspeto ng buhay. Kasama sa kanyang ikot: kasaysayan, alamat, pang-araw-araw na buhay, paggawa, larawan ng kalikasan at mga larawan ng kanyang mga kapanahon. Sa lungsod ng Arezzo, sa simbahan ng San Francesco, na pampulitikang nasasakop ng Florence, ay natagpuan ang pinaka-kapansin-pansin na siklo ng fresco ng Italian Renaissance.

Ang sining ni Piero della Francesca ay totoo sa halip na perpekto. Isang makatuwirang prinsipyo ang naghahari sa kanya, ngunit hindi makatuwiran, na may kakayahang malunod ang tinig ng puso. At sa paggalang na ito ipinakatao ni Piero della Francesca ang pinakamaliwanag, pinaka-mabungang puwersa ng Renaissance.

Andrea Mantegna

Ang pangalan ng Mantegna ay nauugnay sa ideya ng isang humanist na artista na umiibig sa sinaunang Romano, armado ng malawak na kaalaman sa sinaunang arkeolohiya. Sa buong buhay niya ay pinaglingkuran niya ang Mantuan dukes d'Este, ay ang pintor ng kanilang korte, natupad ang kanilang mga utos, pinaglingkuran sila (kahit na hindi nila palaging binibigyan siya ng nararapat). Ngunit malalim sa kanyang kaluluwa at sa sining siya ay malaya, nakatuon sa kanyang mataas Ang sining ng Mantegna ay malupit, minsan malupit sa punto ng walang awa, at dito naiiba ito sa sining ni Piero della Francesca at papalapit sa Donatello.

Andrea Mantegna. Potograpiya sa sarili sa Ovetari Chapel

Kumakanta siya ng Roman valor, halos mas mahusay kaysa sa mga Romano mismo ang gumawa nito. Ang kanyang mga bayani ay nakasuot ng baluti at estatwa. Ang kanyang mabatong bundok ay tiyak na inukit ng pait ng iskultor. Kahit na ang mga ulap na lumulutang sa langit ay tila itinapon mula sa metal. Kabilang sa mga fossil at cast na ito ang mga bayani na matigas sa laban, matapang, matigas, masigasig, nakatuon sa isang pakiramdam ng tungkulin, hustisya, handa na para sa pagsasakripisyo sa sarili. Malayang gumagalaw ang mga tao sa kalawakan, ngunit, paglinya sa isang hilera, bumubuo ng isang uri ng mga kaluwagan sa bato. Ang mundong ito ng Mantegna ay hindi nakakaakit ng mata, pinapalamig nito ang puso. Ngunit ang isa ay hindi maaaring tanggapin na ito ay nilikha ng espiritwal na salpok ng artist. At samakatuwid, ang humanistic erudition ng artista, hindi ang payo ng kanyang mga natutunang kaibigan, ngunit ang kanyang makapangyarihang imahinasyon, ang kanyang pagkahilig na pinipigilan ng kalooban at tiwala na kasanayan, ay napagpasyang kahalagahan dito.

Bago sa amin ay isa sa mga pinaka-makabuluhang phenomena sa kasaysayan ng sining: mahusay na masters, sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanilang intuwisyon, tumayo sa linya kasama ang kanilang malayong mga ninuno at gawin kung ano ang hindi nagawa ng mga artista na pinag-aralan ang nakaraan, ngunit hindi nakakapantay nito.

Sandro Botticelli

Ang Botticelli ay natuklasan ng English Pre-Raphaelites. Gayunpaman, kahit na sa simula ng ika-20 siglo, sa lahat ng paghanga sa kanyang talento, hindi siya "pinatawad" para sa mga paglihis mula sa karaniwang tinatanggap na mga patakaran - pananaw, chiaroscuro, anatomya. Kasunod, napagpasyahan na ang Botticelli ay bumalik sa Gothic. Ang kabuuan ng sosyolohiyang Vulgar ay nagbuod ng paliwanag na ito: "pyudal na reaksyon" sa Florence. Ang mga interpretasyong pang-ilolohiko ay nagtatag ng mga koneksyon ni Botticelli sa isang bilog ng mga Florentine Neoplatonist, lalo na maliwanag sa kanyang mga tanyag na kuwadro na "Spring" at "The Birth of Venus".

Potograpiya ng sarili ni Sandro Botticelli, fragment ng altar ng dambana na "Adoration of the Magi" (mga 1475)

Nagbabasa ng mga modernong scholarly na komentaryo sa larawang ito, mahirap paniwalaan na ang artist mismo ay maaaring napunta nang malalim sa mitolohiko na balangkas upang makabuo ng lahat ng uri ng mga subtleties sa interpretasyon ng mga numero, na kahit ngayon ay hindi maintindihan ng isang sulyap , at sa mga lumang araw, tila, naiintindihan lamang nila ang tabo ng Medici. Ito ay mas malamang na iminungkahi ang mga ito sa artist ng isang walang katuturan, at nagawa niyang makamit na ang artist ay nagsimulang interlinear isalin ang pandiwang serye sa visual na isa. Ang pinaka-kagiliw-giliw na bagay tungkol sa pagpipinta ni Botticelli ay ang mga indibidwal na numero at grupo, lalo na ang pangkat ng tatlong biyaya. Sa kabila ng katotohanang ito ay muling ginawa ng isang walang katapusang bilang ng mga beses, hindi nawala ang alindog nito hanggang ngayon. Sa tuwing nakikita mo siya, nakakaranas ka ng isang bagong atake ng paghanga. Tunay, pinamamahalaang ibigay ng Botticelli ang walang hanggang kabataan sa kanyang mga nilikha. Ang isa sa mga pantas na komentaryo sa pagpipinta ay iminungkahi na ang sayaw ng mga biyaya ay nagpapahiwatig ng ideya ng pagkakasundo at hindi pagkakasundo, na madalas na binanggit ng mga Florentine Neoplatonist.

Ang Botticelli ay kabilang sa mga hindi maihahambing na mga guhit sa "Banal na Komedya". Ang mga nakakita sa kanyang mga sheet ay hindi maaalala ang mga ito kapag binabasa ang Dante. Siya, tulad ng walang iba, ay napuno ng diwa ng tula ni Dante. Ang ilan sa mga guhit ni Dante ay likas na katangian ng isang tumpak na linya ng grapiko para sa tula. Ngunit ang pinakamaganda ay ang kung saan ang artista ay nag-iisip at bumubuo sa diwa ni Dante. Ito ang higit sa lahat sa mga ilustrasyon para sa paraiso. Tila ang pagpipinta paraiso ay ang pinaka mahirap na bagay para sa mga artista ng Renaissance, na gustung-gusto ang mabangong lupa, lahat ng tao. Hindi tinatanggihan ng Botticelli ang pananaw sa Renaissance, ang mga spatial na impression na nakasalalay sa anggulo ng pagtingin ng manonood. Ngunit sa paraiso, tumaas siya sa paglipat ng di-pananaw na kakanyahan ng mga bagay mismo. Ang kanyang mga numero ay walang timbang, ang mga anino ay nawawala. Tumagos sa kanila ang ilaw, umiiral ang puwang sa labas ng mga coordinate sa lupa. Ang mga katawan ay umaangkop sa isang bilog, tulad ng sa simbolo ng celestial sphere.

Leonardo da Vinci

Si Leonardo ay isa sa mga kinikilalang henyo ng Renaissance. Marami ang itinuturing na siya ang unang artista ng panahong iyon, sa anumang kaso, una sa lahat ang kanyang isipan pagdating sa mga kamangha-manghang tao ng Renaissance. Iyon ang dahilan kung bakit napakahirap lumihis mula sa karaniwang mga opinyon at isaalang-alang ang kanyang masining na pamana na may bukas na isip.

Sariling larawan kung saan inilarawan ni Leonardo ang kanyang sarili bilang isang matandang pantas. Ang pagguhit ay itinatago sa Royal Library of Turin. 1512 g.

Si Leonardo ay isang mahusay na siyentista, isang matalinong nag-iisip, manunulat, may-akda ng "Treatise", isang imbentibong inhinyero. Ang kanyang kagalingan sa kaalaman ay itinaas siya sa itaas ng antas ng karamihan sa mga artista ng oras na iyon at sa parehong oras ay nagdudulot ng isang mahirap na gawain para sa kanya - upang pagsamahin ang isang pang-agham na pamamaraang pang-agham na may kakayahang makita ang mundo at direktang sumuko sa pakiramdam. Ang gawaing ito ay sumunod na sinakop ang maraming mga artista at manunulat. Kasama ni Leonardo, nakuha nito ang karakter ng isang hindi malulutas na problema.

Kalimutan natin nang ilang sandali ang lahat ng ibinulong sa atin ng magandang mitolohiya tungkol sa artist-siyentista, at hahatulan natin ang kanyang pagpipinta sa paraang hinuhusgahan natin ang pagpipinta ng iba pang mga panginoon ng kanyang panahon. Ano ang nakakaiba sa kanyang trabaho sa kanila? Una sa lahat, ang pagbabantay sa paningin at mataas na kasiningan ng pagganap. Nagtataglay sila ng marka ng magandang-maganda ang pagkamagaling at ang pinakamagandang panlasa. Sa pagpipinta ng kanyang guro na si Verrocchio, "The Baptism", ang batang si Leonardo ay nagpinta ng isang anghel na napakataas at sopistikado na sa tabi niya ang magandang anghel na si Verrocchio ay tila simple at base. Sa paglipas ng mga taon, sa sining ni Leonardo, ang "aesthetic aristocracy" ay naging mas malakas pa. Hindi ito nangangahulugan na sa mga korte ng mga soberano ang kanyang sining ay naging magalang, magalang. Sa anumang kaso, hindi mo kailanman matatawagan ang mga babaeng magsasaka ng Madonna.

Siya ay kabilang sa parehong henerasyon bilang Botticelli, ngunit pinag-uusapan niya ang tungkol sa kanya na hindi pumapayag, kahit na nakakainis, isinasaalang-alang na siya ay nasa likod ng mga panahon. Si Leonardo mismo ang nagsikap na ipagpatuloy ang paghahanap para sa mga nauna sa sining. Hindi nililimitahan ang kanyang sarili sa kalawakan at lakas ng tunog, itinakda niya sa kanyang sarili ang gawain ng mastering ang pa rin light-air na kapaligiran na bumabalot sa mga bagay. Nangangahulugan ito ng susunod na hakbang sa artistikong pag-unawa sa totoong mundo, sa isang tiyak na lawak binuksan ang paraan para sa pagkulay ng mga Venice.

Maling sasabihin na ang pagka-akit sa agham ay nakagambala sa gawaing sining ni Leonardo. Ang henyo ng lalaking ito ay napakalaking, ang kanyang kasanayan ay napakataas na kahit na ang isang pagtatangka na "kunin ang lalamunan ng kanyang kanta" ay hindi mapatay ang kanyang pagkamalikhain. Ang kanyang regalo bilang isang artista ay patuloy na sinira ang lahat ng mga paghihigpit. Sa kanyang mga nilikha, ang hindi maiiwasang katapatan ng mata, ang kalinawan ng kamalayan, ang pagsunod ng brush, kinukuha ng diskarteng virtuoso. Sakupin nila kami sa kanilang mga charms, tulad ng isang kinahuhumalingan. Sinumang nakakita sa "La Gioconda" ay naaalala kung gaano kahirap humiwalay dito. Sa isa sa mga bulwagan ng Louvre, kung saan natagpuan niya ang kanyang sarili sa tabi ng mga pinakamahusay na obra maestra ng Italyano na paaralan, nanalo siya at buong kapurihan na naghahari sa lahat ng bagay na nakabitin sa paligid niya.

Ang mga kuwadro na gawa ni Leonardo ay hindi bumubuo ng mga tanikala tulad ng sa iba pang mga artista sa Renaissance. Sa kanyang mga unang gawa, tulad ng "Benois Madonna", mayroong higit na init at kusang-loob, ngunit sa kanya ang eksperimento ay nagpapadama din sa sarili. Ang "pagsamba" sa Uffizi ay isang mahusay na underpainting, isang mapag-uusapan, masigla na paglalarawan ng mga taong gumagalang na nakikipag-usap sa isang kaaya-aya na babae na may isang sanggol sa kanyang kandungan. Sa "Madonna of the Rocks" mayroong isang kaakit-akit na anghel, isang batang may buhok na kulot na buhok, na nakatingin sa labas ng larawan, ngunit napapatawad siya ng kakaibang ideya na ilipat ang idyll sa kadiliman ng yungib. Ang niluwalhating "Huling Hapunan" ay palaging nalulugod sa mahusay na marka ng pagkatao ng mga tauhan: banayad na si John, mabangis na Pedro, ang kontrabida na si Judas. Gayunpaman, ang katotohanang ang ganoong buhay at gulo ng mga numero ay matatagpuan sa tatlong hilera, sa isang gilid ng talahanayan, ay mukhang isang hindi makatarungang kombensiyon, karahasan laban sa pamumuhay na kalikasan. Gayunpaman, ito ang dakilang Leonardo da Vinci, at dahil ipininta niya ang larawan sa ganitong paraan, nangangahulugan ito na naisip niya ito sa ganoong paraan, at ang sakramento na ito ay mananatili sa loob ng daang siglo.

Ang pagmamasid at pagbabantay, kung saan tinawag ni Leonardo ang mga artista sa kanyang "Treatise", ay hindi nililimitahan ang kanyang malikhaing posibilidad. Kusa niyang sinubukan na itulak ang kanyang imahinasyon sa pamamagitan ng pagtingin sa mga pader na basag mula sa pagtanda, kung saan maaaring maisip ng manonood ang anumang balangkas. Sa sikat na pagguhit ng Windsor ng sangunay na "Thunderstorm" ni Leonardo, kung ano ang isiniwalat sa kanyang mga mata mula sa ilang tuktok ng bundok. Ang isang serye ng mga guhit na Windsor sa tema ng Baha ay katibayan ng isang tunay na napakatalino na pananaw ng artist-thinker. Lumilikha ang artist ng mga palatandaan na walang bakas, ngunit pinupukaw ang isang pakiramdam ng paghanga na may halong sindak. Ang mga guhit ay nilikha ng dakilang panginoon sa ilang uri ng pagkabunyag sa hula. Ang lahat ay sinabi sa kanila sa madilim na wika ng mga pangitain ni Juan.

Ang panloob na hindi pagkakasundo ni Leonardo sa mga bumababang araw ay naramdaman sa dalawa sa kanyang mga gawa: ang Louvre na "John the Baptist", ang Turin na sariling larawan. Sa isang huli na potograpiya ng Turin, ang artist, na umabot na sa katandaan, ay lantarang nakatingin sa kanyang sarili sa salamin dahil sa nakakunot na mga kilay - nakikita niya ang mga tampok na pamumula sa kanyang mukha, ngunit nakikita rin niya ang karunungan, isang tanda ng "taglagas ng buhay ".

Ang Renaissance ay natanto na may klasikal na pagkakumpleto sa Italya, kung saan ang mga panahon ng kultura ng Renaissance ay nakikilala: Proto-Renaissance o mga oras ng pre-Renaissance phenomena, ("ang panahon nina Dante at Giotto", mga 1260-1320), na bahagyang sumabay sa panahon ng Duchento (13th siglo), pati na rin ang Trecento (14 siglo), Quattrocento (15th siglo) at Cinquecento (ika-16 na siglo). Ang mas pangkalahatang mga panahon ay ang Maagang Renaissance (14-15 siglo), kung ang mga bagong kalakaran ay aktibong nakikipag-ugnay sa Gothic, naigapi at malikhaing binabago ito.

Pati na rin ang Mataas at Huling Renaissance, isang espesyal na yugto na kung saan ay ang Pamamaraan. Sa panahon ng Quattrocento, ang paaralan ng Florentine, mga arkitekto (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino at iba pa), mga iskultor (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio), pintor, Filippo Lopio, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli) na lumikha ng isang plastik na integral na konsepto ng mundo na may panloob na pagkakaisa, na unti-unting kumalat sa buong Italya (ang gawain ni Piero della Francesca sa Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa sa Ferrara Mantegna sa Mantua, Antonello da Messina at mga kapatid na Gentile at Giovanni Bellini sa Venice).

Likas na ang oras, na nag-ugnay ng pangunahing kahalagahan sa "pantay-pantay na Diyos" na pagkamalikhain ng tao, na inilagay sa mga indibidwal na sining na - kasama ng maraming kasaganaan noon - ay naging personipikasyon ng buong panahon ng pambansang kultura ("titan" na personalidad, habang romantiko silang tinawag sa paglaon). Si Giotto ay naging katauhan ng Proto-Renaissance, ang kabaligtaran ng mga aspeto ng Quattrocento - nakabubuti ang pagiging mahigpit at may kaluluwang lyricism - ayon sa pagkakasunod ay ipinahayag nina Masaccio at Angelico at Botticelli. Ang "Titans" ng Gitnang (o "Mataas") na si Renaissance Leonardo da Vinci, Raphael at Michelangelo ay mga artista - mga simbolo ng mahusay na hangganan ng Bagong Panahon tulad nito. Ang pinakamahalagang yugto ng arkitekturang Italyano na Renaissance - maaga, gitna at huli - ay binubuo ng mga gawa nina F. Brunelleschi, D. Bramante at A. Palladio.

Sa panahon ng Renaissance, ang pagiging hindi nagpapakilala ng medieval ay pinalitan ng indibidwal, pagkamalikhain ng may-akda. Ang teorya ng linear at aerial na pananaw, mga sukat, mga problema ng anatomya at cut-off na pagmomodelo ay may malaking praktikal na kahalagahan. Ang gitna ng mga makabagong likha sa Renaissance, isang masining na "salamin ng panahon" ay isang likas na likas na likas sa pagpipinta, sa relihiyosong sining ay pinapalitan nito ang icon, at sa sekular na sining ay nagbibigay ng malayang mga genre ng tanawin, pang-araw-araw na pagpipinta, larawan ( ang huli ay gampanan ang pangunahing papel sa visual na pagkumpirma ng mga ideyal ng makataong birtud). Ang sining ng naka-print na woodcut at metal na ukit, na naging tunay na laganap sa panahon ng Repormasyon, ay nakakakuha ng huling intrinsic na halaga. Ang pagguhit mula sa isang gumaganang sketch ay nagiging isang hiwalay na uri ng pagkamalikhain; ang indibidwal na estilo ng stroke, stroke, pati na rin ang pagkakayari at epekto ng hindi pagkumpleto (non-finito) ay nagsisimulang pahalagahan bilang independiyenteng mga artistikong epekto. Ang kamangha-manghang pagpipinta ay nagiging kaakit-akit din, ilusyonaryo ng tatlong-dimensional, nakakakuha ng higit at higit na malayang paningin mula sa maraming pader. Ang lahat ng mga uri ng visual arts ngayon, sa isang paraan o sa iba pa, ay lumalabag sa monolithic medieval synthesis (kung saan nanaig ang arkitektura), na nakakuha ng paghahambing ng kalayaan. Ang mga uri ng ganap na bilog na estatwa, isang monumentong pang-equestrian, isang portrait bust (na sa maraming aspeto ay muling binubuhay ang sinaunang tradisyon) ay nabuo, at isang ganap na bagong uri ng solemne na eskulturang eskultura at arkitektura ay nabuo.

Sa panahon ng Mataas na Renaissance, nang ang pakikibaka para sa humanistic Renaissance na mga ideyal ay tumagal ng isang panahunan at kabayanihan na tauhan, ang arkitektura at visual arts ay minarkahan ng lawak ng resonance ng lipunan, synthetic generalization at ang kapangyarihan ng mga imaheng puno ng pang-espiritwal at pisikal na aktibidad. Sa mga gusali ng Donato Bramante, Raphael, Antonio da Sangallo, ang perpektong pagkakasundo, monumentality at malinaw na proporsyon naabot ang kanilang apogee; pagiging buo ng makatao, matapang na paglipad ng artistikong imahinasyon, lawak ng katotohanan ay katangian ng mga gawa ng pinakadakilang masters ng visual arts ng panahong ito - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian. Mula sa ikalawang isang-kapat ng ika-16 na siglo, nang pumasok ang Italya sa isang oras ng krisis pampulitika at pagkadismaya sa mga ideya ng humanismo, ang gawain ng maraming mga masters ay nakakuha ng isang kumplikado at dramatikong tauhan. Sa arkitektura ng Late Renaissance (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi), ang interes sa spatial development ng komposisyon, ang pagpapailalim ng gusali sa isang malawak na konsepto sa pagpaplano ng lunsod, nadagdagan; sa mayaman at kumplikadong pagpapaunlad ng mga pampublikong gusali, templo, villa, palazzo malinaw na tektonik ng Maagang Renaissance ay pinalitan ng matinding salungatan ng mga puwersang tectonic (mga gusali ni Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Ang pagpipinta at iskultura ng Huling Renaissance ay napayaman ng pag-unawa sa magkasalungat na likas na katangian ng mundo, isang interes na naglalarawan ng dramatikong aksyon ng masa, sa spatial dynamics (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); ang sikolohikal na mga katangian ng mga imahe sa mga susunod na gawa nina Michelangelo at Titian ay umabot sa isang walang uliran lalim, pagiging kumplikado, panloob na trahedya.

Paaralan ng Venetian

Ang Venetian School, isa sa mga pangunahing paaralan ng pagpipinta sa Italya na may sentro nito sa lungsod ng Venice (bahagyang nasa mga maliit na bayan din ng Terraferma - mga lugar ng mainland na katabi ng Venice). Ang paaralan ng Venetian ay nailalarawan sa pamamagitan ng pamamayani ng simula ng larawan, espesyal na pansin sa mga problema ng kulay, ang pagnanais na maisakatuparan ang senswal na pagiging kumpleto at kinang ng pagiging. Malapit na konektado sa mga bansa sa Kanlurang Europa at Silangan, inilabas ng Venice mula sa dayuhang kultura ang lahat na maaaring magsilbing dekorasyon nito: ang kagandahan at ginintuang ningning ng mga mosaic ng Byzantine, ang bato na paligid ng mga istrukturang Moorish, ang kamangha-manghang kalikasan ng mga templo ng Gothic. Sa parehong oras, ang sarili nitong orihinal na istilo sa sining ay binuo dito, na may kaugaliang seremonyal na ningning. Ang paaralan ng Venetian ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang sekular, nakapagpapatibay ng buhay na simula, makatang pananaw sa mundo, tao at kalikasan, banayad na kulay.

Ang paaralan ng Venetian ay umabot sa pinakadakilang kasaganaan nito sa panahon ng Maaga at Mataas na Renaissance, sa gawain ni Antonello da Messina, na nagbukas para sa kanyang mga kasabayan ng mga makahulugan na posibilidad ng pagpipinta ng langis, ang mga tagalikha ng perpektong magkatugma na mga imahe nina Giovanni Bellini at Giorgione, ang pinakadakilang makulay na Titian, na sumasalamin sa kanyang mga canvases ng makulay na kasayahan na likas sa Venetian painting at plethora. Sa mga gawa ng mga master ng Venetian na paaralan ng ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo, ang kagandahang-loob sa paghahatid ng maraming kulay ng mundo, pag-ibig para sa maligaya na mga salamin sa mata at isang maraming tao na karamihan ng tao, kasama ng malinaw at nakatago na drama, isang nakakaalarma na pakiramdam ng mga dinamika at kawalang-hanggan ng sansinukob (mga kuwadro na gawa nina Paolo Veronese at Jacopo Tintoretto). Noong ika-17 siglo, ang tradisyonal na interes ng paaralang Venetian sa interes ng mga problema sa kulay sa mga gawa nina Domenico Fetti, Bernardo Strozzi at iba pang mga artista ay sumabay sa mga pamamaraan ng pagpipinta ng baroque, pati na rin ang makatotohanang pagkahilig sa diwa ng caravaggism. Ang pagpipinta ng Venetian ng ika-18 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagyabong ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta (Giovanni Battista Tiepolo), genre ng genre (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), dokumentaryo na tumpak na arkitekturang tanawin - tingga (Giovanni Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) at araw-araw buhay ng Venice cityscape (Francesco Guardi).

Paaralan ng Florentine

Ang paaralan ng Florence, isa sa mga nangungunang Italyano na paaralan ng sining ng Renaissance, na nakasentro sa lungsod ng Florence. Ang pagbuo ng paaralang Florentine, na sa wakas ay nabuo noong ika-15 siglo, ay pinadali ng pagyayabong ng kaisipang pantao (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola, atbp.), Na bumaling sa pamana ng unang panahon. Ang nagtatag ng paaralang Florentine sa panahon ng Proto-Renaissance ay si Giotto, na nagbigay sa kanyang mga komposisyon ng plastik na pagkumbinse at pagiging tunay ng buhay.
Noong ika-15 siglo, ang mga nagtatag ng Renaissance art sa Florence ay ang arkitekto na si Filippo Brunelleschi, ang iskulturang si Donatello, ang pintor na si Masaccio, na sinundan ng arkitekto na si Leon Battista Alberti, ang mga iskultor na sina Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano at iba pang mga panginoon. Sa arkitektura ng paaralang Florentine noong ika-15 siglo, isang bagong uri ng Renaissance palazzo ang nilikha, nagsimula ang paghahanap para sa isang mainam na uri ng pagtatayo ng templo na makakamit sa mga makatao na ideyal ng panahon.

Ang pinong sining ng paaralang Florentine ng ika-15 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagkaakit sa mga problema sa pananaw, ang pagnanais para sa isang malinaw na malinaw na konstruksyon ng katauhan ng tao (gawa ni Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno), at para sa marami sa mga masters nito - isang espesyal na kabanalan at intimate lyrical contemplation (pagpipinta ni Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lhio,). Noong ika-17 siglo, ang paaralan ng Florentine ay nabulok.

Ang sanggunian at biograpikong data ng "Maliit na Bay Planet Art Gallery" ay inihanda batay sa mga materyales mula sa "History of Foreign Art" (ed. Ni MT Kuzmina, NL Maltseva), "Art Encyclopedia of Foreign Classical Art", "Great Russian Encyclopedia ".

Ang pagpipinta ng Renaissance ay ang gintong pondo ng hindi lamang European, kundi pati na rin ang sining sa mundo. Pinalitan ng panahon ng Renaissance ang madilim na Middle Ages, sumailalim sa utak ng mga canon ng simbahan, at naunahan ang kasunod na Enlightenment at New Age.

Ito ay nagkakahalaga ng pagkalkula ng haba ng panahon depende sa bansa. Ang panahon ng yumayabong na kultura, tulad ng karaniwang tawag dito, ay nagsimula sa Italya noong ika-14 na siglo, at pagkatapos lamang kumalat sa buong Europa at umabot sa rurok nito sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Hinahati ng mga istoryador ang panahong ito sa sining sa apat na yugto: Protorenessan, maaga, mataas at huli na Renaissance. Ang partikular na halaga at interes ay, siyempre, pagpipinta ng Italyano ng Renaissance, ngunit hindi dapat pansinin ng isa ang mga panginoong Pranses, Aleman, Olandes. Ito ay tungkol sa mga ito sa konteksto ng mga tagal ng panahon ng Renaissance na ang artikulo ay tatalakayin pa.

Proto-renaissance

Ang panahon ng Proto-Renaissance ay tumagal mula sa ikalawang kalahati ng ika-13 na siglo. hanggang sa XIV siglo. Ito ay malapit na nauugnay sa Middle Ages, sa huling yugto kung saan ito ipinanganak. Ang Proto-Renaissance ay ang nangunguna sa Renaissance at pinagsasama ang mga tradisyong Byzantine, Romanesque at Gothic. Una sa lahat, ang mga kalakaran ng bagong panahon ay ipinamalas ang kanilang mga sarili sa iskultura, at pagkatapos lamang sa pagpipinta. Ang huli ay kinatawan ng dalawang paaralan ng Siena at Florence.

Ang pangunahing pigura ng panahon ay ang pintor at arkitekto na si Giotto di Bondone. Ang kinatawan ng paaralan ng pagpipinta sa Florentine ay naging isang repormador. Inilahad niya ang landas sa kung saan higit na binuo niya. Ang mga tampok ng pagpipinta ng Renaissance ay eksaktong nagmula sa panahong ito. Tanggap na pangkalahatan na nagawa ni Giotto na mapagtagumpayan sa kanyang mga obra ang istilo ng pagpipinta ng icon na karaniwan sa Byzantium at Italya. Ginawa niya ang puwang na hindi dalawang-dimensional, ngunit tatlong-dimensional, gamit ang chiaroscuro upang lumikha ng ilusyon ng lalim. Nasa larawan ang pagpipinta na "Halik ni Judas".

Ang mga kinatawan ng paaralang Florentine ay tumayo sa pinanggalingan ng Renaissance at ginawa ang lahat upang mailabas ang pagpipinta mula sa matagal na pagwawalang-kilalang medieval.

Ang panahon ng Proto-Renaissance ay nahahati sa dalawang bahagi: bago at pagkatapos ng kanyang kamatayan. Hanggang 1337, ang pinakamaliwanag na mga artesano ay nagtrabaho at ang pinakamahalagang mga tuklas ay naganap. Matapos ang Italya ay sakop ng isang epidemya ng salot.

Pagpipinta ng Renaissance: isang maikling pangkalahatang ideya ng maagang panahon

Saklaw ng Maagang Renaissance ang isang panahon ng 80 taon: mula 1420 hanggang 1500. Sa oras na ito hindi pa ito tuluyang umalis mula sa mga nakaraang tradisyon at nauugnay pa rin sa sining ng Middle Ages. Gayunpaman, naramdaman na ang paghinga ng mga bagong kalakaran, ang mga panginoon ay nagsisimulang mas madalas na lumipat sa mga elemento ng klasikal na unang panahon. Sa huli, ganap na inabandona ng mga artista ang istilong medieval at nagsimulang matapang na gamitin ang pinakamahusay na mga halimbawa ng sinaunang kultura. Tandaan na ang proseso ay nagpatuloy nang medyo mabagal, hakbang-hakbang.

Maliwanag na mga kinatawan ng maagang Renaissance

Ang gawain ng Italyano na artist na si Piero de la Francesca ay buong pagmamay-ari sa unang bahagi ng panahon ng Renaissance. Ang kanyang mga gawa ay nakikilala ng maharlika, marilag na kagandahan at pagkakaisa, tumpak na pananaw, malambot na kulay, puno ng ilaw. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, bilang karagdagan sa pagpipinta, nag-aral siya ng matematika nang malalim at nagsulat pa ng dalawa sa kanyang sariling mga treatise. Ang kanyang mag-aaral ay isa pang sikat na pintor, si Luca Signorelli, at ang istilo ay makikita sa mga gawa ng maraming mga panginoong Umbrian. Sa larawan sa itaas ay isang piraso ng fresco sa Church of San Francesco sa Arezzo na "History of the Queen of Sheba".

Si Domenico Ghirlandaio ay isa pang kilalang kinatawan ng paaralang Florentine ng maagang pagpipinta ng Renaissance. Siya ang nagtatag ng isang tanyag na artistikong dinastiya at pinuno ng pagawaan kung saan nagsimula ang batang si Michelangelo. Si Ghirlandaio ay isang sikat at matagumpay na master na nakikibahagi hindi lamang sa pagpipinta ng fresco (Tornabuoni Chapel, Sistine), kundi pati na rin sa pagpipinta ng makina (Adoration of the Magi, Christmas, Old Man with Grandson, Portrait of Giovanna Tornabuoni - nakalarawan sa ibaba).

Mataas na Renaissance

Ang panahong ito, kung saan mayroong isang nakamamanghang pag-unlad ng estilo, ay nahuhulog sa mga taon ng 1500-1527. Sa oras na ito, ang sentro ng sining ng Italyano ay inilipat sa Roma mula sa Florence. Ito ay dahil sa pag-akyat sa trono ng papa ng ambisyoso, mapanlikha na si Julius II, na umakit ng pinakamahusay na mga Italyanong artista sa kanyang korte. Ang Roma ay naging isang bagay ng Athens sa panahon ng Pericles at nakaranas ng isang hindi kapani-paniwalang pagtaas at pagbuo ng konstruksyon. Sa parehong oras, mayroong isang pagkakaisa sa pagitan ng mga sangay ng sining: iskultura, arkitektura at pagpipinta. Pinagsama sila ng panahon ng Renaissance. Tila magkasabay sila, magkakadagdag at magkakaugnay.

Pinag-aralan ang kalikasan nang mas mabuti sa panahon ng Mataas na Renaissance at kopyahin na may pinakamataas na kawastuhan, higpit at pagkakapare-pareho. Ang dangal at katahimikan ay pumapalit sa malandi na kagandahan, at ang mga tradisyon ng medieval ay ganap na nakalimutan. Ang tuktok ng Renaissance ay minarkahan ng gawain ng tatlo sa pinakadakilang mga masters ng Italyano: sina Raphael Santi (larawan na "Donna Velata" sa itaas), Michelangelo at Leonardo da Vinci ("Mona Lisa" - sa unang larawan).

Huling Renaissance

Ang huli na Renaissance sa Italya ay sumasaklaw sa panahon mula 1530 hanggang 1590-1620s. Ang mga kritiko ng sining at istoryador ng sining ay binabawasan ang mga gawa ng oras na ito sa isang pangkaraniwang denominador na may maraming kasunduan. Ang Timog Europa ay nasa ilalim ng impluwensya ng Counter-Reformation na nagtagumpay dito, na kung saan sa dakilang pangamba ay napansin ang anumang malayang pag-iisip, kasama na ang muling pagkabuhay ng mga ideyal ng unang panahon.

Sa Florence, nagkaroon ng isang pangingibabaw ng pag-uugali, nailalarawan sa pamamagitan ng artipisyal na mga kulay at sirang mga linya. Gayunpaman, sa Parma, kung saan nagtrabaho si Correggio, naabot lamang niya pagkamatay ng master. Ang pagpipinta ng Venetian ng Renaissance ng huling yugto ay may sariling paraan ng pag-unlad. Sina Palladio at Titian, na nagtrabaho doon hanggang 1570s, ang pinakamaliwanag na kinatawan nito. Ang kanilang trabaho ay walang kinalaman sa mga bagong kalakaran sa Roma at Florence.

Hilagang Renaissance

Ang katagang ito ay ginagamit upang makilala ang Renaissance sa buong Europa, sa labas ng Italya sa pangkalahatan, at partikular sa mga bansang nagsasalita ng Aleman. Mayroon itong bilang ng mga tampok. Ang Hilagang Renaissance ay hindi homogenous at nailalarawan sa pamamagitan ng mga tiyak na tampok sa bawat bansa. Hinati ito ng mga kritiko sa sining sa maraming direksyon: Pranses, Aleman, Olandes, Espanyol, Polako, Ingles, atbp.

Ang paggising ng Europa ay nagpatuloy sa dalawang paraan: ang pag-unlad at pagkalat ng isang makataong sekular na pananaw sa mundo, at ang pagbuo ng mga ideya para sa pag-bago ng mga tradisyon ng relihiyon. Parehas silang nagalaw, minsan nagsasama, ngunit sa parehong oras ay mga antagonista. Pinili ng Italya ang unang landas, at ang Hilagang Europa ang pangalawa.

Ang Renaissance ay halos walang impluwensya sa sining ng hilaga, kasama na ang pagpipinta, hanggang 1450. Mula 1500 ay kumalat ito sa buong kontinente, ngunit sa ilang mga lugar ang impluwensiya ng huli na Gothic ay nanatili hanggang sa pagsisimula ng Baroque.

Ang Hilagang Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng makabuluhang impluwensya ng istilong Gothic, hindi gaanong malapit ang pansin sa pag-aaral ng unang panahon at anatomya ng tao, detalyado at maingat na pamamaraan ng pagsulat. Ang Repormasyon ay may mahalagang impluwensyang ideolohikal sa kanya.

French Northern Renaissance

Ang pinakamalapit sa pagpipinta ng Italyano ay pagpipinta ng Pransya. Ang Renaissance ay isang mahalagang yugto para sa kultura ng Pransya. Sa oras na ito, ang relasyon ng monarkiya at burgesya ay aktibong nagpapalakas, ang mga relihiyosong ideya ng Middle Ages ay nawala sa likuran, na nagbibigay daan sa mga tendensyang humanistik. Mga Kinatawan: Francois Quesnel, Jean Fouquet (sa larawan isang piraso ng Melen diptych ng master), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, François Clouet.

German at Dutch Northern Renaissance

Ang natitirang mga gawa ng Hilagang Renaissance ay nilikha ng mga master ng Aleman at Flemish-Dutch. Ang relihiyon ay nagpatuloy na may mahalagang papel sa mga bansang ito, at malakas na naimpluwensyahan ang pagpipinta. Ang Renaissance ay kumuha ng ibang landas sa Netherlands at Germany. Hindi tulad ng mga gawa ng mga Italyano masters, ang mga artista ng mga bansang ito ay hindi naglagay ng isang tao sa gitna ng uniberso. Sa buong halos buong siglo ng XV. inilarawan nila siya sa istilong Gothic: magaan at ethereal. Ang pinakatanyag na kinatawan ng Dutch Renaissance ay sina Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Kampen, Hugo van der Goes, German - Albert Durer, Lucas Cranach Sr., Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Sa larawan, ang autoporter ni A. Dürer noong 1498.

Sa kabila ng katotohanang ang mga gawa ng hilagang masters ay naiiba nang malaki sa mga gawa ng mga pintor ng Italyano, sa anumang kaso kinikilala sila bilang hindi mabibili ng salapi exhibit ng pinong sining.

Ang pagpipinta ng Renaissance, tulad ng buong kultura sa kabuuan, ay nailalarawan sa isang sekular na tauhan, humanismo at ang tinatawag na anthropocentrism, o, sa madaling salita, isang pangunahing interes sa tao at sa kanyang mga gawain. Sa panahong ito, nagkaroon ng isang tunay na kasikatan ng interes sa sinaunang sining, at ang muling pagbuhay ay naganap. Ang panahon ay nagbigay sa buong mundo ng isang buong kalawakan ng mga makikinang na iskultor, arkitekto, manunulat, makata at artista. Hindi kailanman bago at pagkatapos ay ang pag-unlad ng kultura ay napakalaganap.

Ang Renaissance ay isang oras ng pag-unlad ng intelektwal sa Italya, na nakaimpluwensya sa pag-unlad ng sangkatauhan. Ang kamangha-manghang oras na ito ay nagsimula noong XIV siglo at nagsimulang tumanggi sa siglong XVI. Imposibleng makahanap ng isang solong lugar ng aktibidad ng tao na hindi maaapektuhan ng Renaissance. Ang yumayabong na kultura ng tao, pagkamalikhain, sining, agham. Pulitika, pilosopiya, panitikan, arkitektura, pagpipinta - lahat ng ito ay huminga nang bago at nagsimulang umunlad sa isang hindi karaniwang bilis. Karamihan sa mga pinakamagaling na artista, na nag-iwan ng walang hanggang memorya ng kanilang sarili sa kanilang mga gawa at binuo ang karamihan ng mga prinsipyo at batas ng pagpipinta, nabuhay at nagtrabaho sa partikular na oras na ito. Ang panahon ng Renaissance ay naging isang hininga ng sariwang hangin para sa mga tao at ang simula ng isang bagong buhay, isang tunay na rebolusyong pangkultura. Ang mga prinsipyo ng buhay ng Middle Ages ay gumuho at ang tao ay nagsimulang magsikap para sa mas mataas, na parang napagtanto ang kanyang totoong kapalaran sa Lupa - upang lumikha at bumuo.

Ang muling pagkabuhay ay walang ibang kahulugan, ngunit isang pagbabalik sa mga halaga ng nakaraan. Ang mga pagpapahalaga sa nakaraan, kabilang ang tulad ng pananampalataya at taos-puso na pag-ibig para sa sining, pagkamalikhain, paglikha, ay muling naisip. Kamalayan ng tao sa sansinukob: ang tao bilang korona ng kalikasan, ang korona ng banal na nilikha, ang kanyang sarili na tagalikha.

Ang pinakatanyag na pinturang Renaissance ay sina Alberti, Michelangelo, Raphael, Albrecht Durer at marami pang iba. Sa kanilang gawain, ipinahayag nila ang pangkalahatang konsepto ng uniberso, ang konsepto ng pinagmulan ng tao, na batay sa relihiyon at mga alamat. Maaari nating sabihin na noon ay ang pagnanasa ng mga artista ay lumitaw upang malaman kung paano lumikha ng isang makatotohanang imahe ng isang tao, kalikasan, mga bagay, pati na rin ang hindi madaling unawain na mga phenomena - damdamin, damdamin, kalagayan, atbp. Sa una, ang Florence ay itinuturing na sentro ng Renaissance, ngunit noong ika-16 na siglo ay nasakop na nito ang Venice. Nasa Venice na matatagpuan ang pinakamahalagang benefactors o patron ng Renaissance, tulad ng Medici, mga papa at iba pa.

Walang duda na ang panahon ng Renaissance ay naiimpluwensyahan ang kurso ng pag-unlad ng lahat ng sangkatauhan sa bawat kahulugan ng salita. Ang mga likhang sining ng panahong iyon ay kabilang pa rin sa pinakamahal, at ang kanilang mga may-akda ay naiwan ang kanilang mga pangalan sa kasaysayan magpakailanman. Ang mga kuwadro na Renaissance at iskultura ay itinuturing na hindi mabibili ng obra ng obra at gabay pa rin at halimbawa para sa sinumang artista. Ang natatanging sining ay kapansin-pansin sa kagandahan at lalim ng disenyo nito. Ang bawat tao ay obligadong malaman ang tungkol sa pambihirang oras na ito, na nasa kasaysayan ng ating nakaraan, nang walang pamana na kung saan imposibleng maiisip ang ating kasalukuyan at hinaharap.

Leonardo da Vinci - Mona Lisa (La Gioconda)

Raphael Santi - Madonna