Ang impormasyon tungkol sa mga artista ng Renaissance. Maagang mga pintor ng Renaissance

Ang mga mamamayan ng Europa ay naghahangad na buhayin muli ang mga kayamanan at tradisyon na nawala dahil sa walang katapusang giyera ng pagkawasak. Inalis ng mga giyera ang mga tao mula sa balat ng lupa, at ang mga dakilang bagay na nilikha ng mga tao. Ang ideya ng muling pagbuhay ng mataas na sibilisasyon ng sinaunang mundo ay nagbigay ng pilosopiya, panitikan, musika, pagtaas ng natural na agham at, higit sa lahat, ang yumayabong na sining. Ang panahon ay humihingi ng malakas, edukadong mga tao na hindi natatakot sa anumang trabaho. Nasa gitna nila na posible ang paglitaw ng ilang mga henyo na tinawag na "titans ng Renaissance". Ang mga tinawag lamang natin sa pangalan.

Pangunahing Italyano ang Renaissance. Samakatuwid, hindi nakakagulat na sa Italya na ang sining sa panahong ito ay umabot sa pinakamataas na pagtaas at yumayabong. Dito na mayroong dose-dosenang mga pangalan ng mga titans, henyo, mahusay at simpleng may talento na mga artista.

MUSIC LEONARDO.

Ang swerte naman ng tao! - maraming sasabihin tungkol sa kanya. Siya ay pinagkalooban ng bihirang kalusugan, gwapo, matangkad, asul ang mata. Sa kanyang kabataan, nagsuot siya ng mga blond curl, isang ipinagmamalaking artikulo na nakapagpapaalala kay St. George Donatella. Nagtataglay siya ng hindi naririnig at lakas ng loob na lakas, panlalaki na husay. Kamangha-mangha siyang kumanta, sa harap ng madla gumawa siya ng mga himig at tula. Tumugtog siya ng anumang instrumentong pangmusika, bukod dito, siya mismo ang lumikha ng mga ito.

Para sa sining ni Leonardo da Vinci, ang mga kapanahon at inapo ay hindi kailanman natagpuan ang iba pang mga kahulugan kaysa sa "henyo", "banal", "dakila". Ang magkatulad na mga salita ay tumutukoy sa kanyang mga pang-agham na paghahayag: inimbento niya ang isang tangke, isang maghuhukay, isang helikopter, isang submarino, isang parasyut, isang awtomatikong sandata, isang diving helmet, isang elebeytor, nalutas ang mga pinaka-kumplikadong problema ng acoustics, botany, gamot, cosmography , lumikha ng isang proyekto ng isang bilog na teatro, naimbento ng isang siglo nang mas maaga kaysa kay Galileo, ang pendulo ng orasan, pininturahan ang kasalukuyang water skiing, binuo ang teorya ng mekanika.

Ang swerte naman ng tao! - maraming sasabihin tungkol sa kanya at magsisimulang matandaan ang kanyang minamahal na mga prinsipe at hari, na naghahanap ng mga kakilala sa kanya, mga salamin sa mata at piyesta opisyal, na naimbento niya bilang isang artista, manunulat ng dula, artista, arkitekto, at masaya sa kanila tulad ng isang bata .

Gayunpaman, masaya ba ang hindi mapigilan na mahabang-atay na si Leonardo, kaninong araw-araw ay nagbigay sa mga tao at sa buong mundo ng pagbibigay at paliwanag? Nakita niya ang kahila-hilakbot na kapalaran ng kanyang mga nilikha: ang pagkasira ng Huling Hapunan, ang pagbaril ng bantayog kay Francesca Sforza, mababang kalakalan at ang karumal-dumal na pagnanakaw ng kanyang mga talaarawan at workbook. Labing-anim na mga kuwadro na lamang ang nakaligtas hanggang ngayon. Ilang mga iskultura. Ngunit maraming mga guhit, naka-code na mga guhit: tulad ng mga bayani ng modernong pantasya, binago niya ang isang detalye sa kanyang disenyo, na para bang hindi ito magagamit ng iba.

Nagtrabaho si Leonardo da Vinci sa iba't ibang uri at genre ng sining, ngunit ang pagpipinta ay nagdala sa kanya ng pinakadakilang katanyagan.

Ang isa sa mga pinakamaagang pinta ni Leonardo ay ang Madonna na may isang Flower o Madonna Benoit. Narito na ang artista ay kumikilos bilang isang tunay na nagpapabago. Tinatalo nito ang balangkas ng tradisyunal na balangkas at binibigyan ang imahe ng isang mas malawak, unibersal na kahulugan ng tao, na kung saan ay kagalakan at pag-ibig ng ina. Sa gawaing ito, maraming mga tampok ng sining ng artista ang malinaw na ipinakita: isang malinaw na komposisyon ng mga numero at mga three-dimensional form, isang pagsusumikap para sa laconicism at generalization, psychological expressiveness.

Ang pagpapatuloy ng sinimulan na tema ay ang pagpipinta na "Madonna Litta", kung saan ang isa pang tampok ng gawain ng artista ay malinaw na ipinakita - ang dula sa mga kaibahan. Ang tema ay nagtapos sa pagpipinta na "Madonna sa grotto", kung saan ang perpektong solusyon sa komposisyon ay nabanggit, dahil kung saan ang nakalarawan na mga pigura ng Madonna, Kristo at mga anghel ay nagsasama sa tanawin sa isang solong kabuuan, na pinagkalooban ng mahinahon na balanse at pagkakasundo .

Isa sa taas ng trabaho ni Leonardo ay ang fresco na "The Last Supper" sa refectory ng monasteryo ni Santa Maria Della Grazie. Ang gawaing ito ay humanga hindi lamang sa pangkalahatang komposisyon nito, kundi pati na rin sa kawastuhan nito. Si Leonardo ay hindi lamang naghahatid ng sikolohikal na estado ng mga apostol, ngunit ginagawa ito sa sandaling ito kapag umabot sa isang kritikal na punto, ay naging isang sikolohikal na pagsabog at hidwaan. Ang pagsabog na ito ay sanhi ng mga salita ni Cristo: "Isa sa inyo ang magtataksil sa akin." Sa gawaing ito, buong ginamit ni Leonardo ang pamamaraan ng kongkretong paghahambing ng mga numero, salamat kung saan lumilitaw ang bawat karakter bilang isang natatanging sariling katangian at personalidad.

Ang pangalawang rurok ng gawain ni Leonard ay ang bantog na larawan ni Mona Lisa, o "La Gioconda". Ang gawaing ito ay minarkahan ang simula ng genre ng sikolohikal na paglitrato sa European art. Kapag nilikha ito, ang dakilang panginoon ay may katalinuhan na ginamit ang buong arsenal ng mga paraan ng masining na ekspresyon: matalim na mga pagkakaiba at malambot na kalahating tono, nag-freeze na kadaliang kumilos at pangkalahatang likido at pagkakaiba-iba, ang pinakahuling sikolohikal na mga nuances at mga pagbabago. Ang buong henyo ni Leonardo ay namamalagi sa kamangha-manghang buhay na tingin ni Mona Lisa, ang kanyang misteryoso at nakaka-engganyang ngiti, mistiko na ulap na sumasaklaw sa tanawin. Ang gawaing ito ay isa sa mga pinaka-bihirang obra ng sining.

Ang bawat isa na nakakita ng La Gioconda na dinala mula sa Louvre sa Moscow ay maaalala ang mga minuto ng kanilang kumpletong pagkabingi malapit sa maliit na canvas na ito, ang pag-igting ng lahat na pinakamahusay sa sarili. Ang La Gioconda ay tila isang "Martian", isang kinatawan ng hindi kilalang - dapat ito ang hinaharap, hindi ang nakaraan ng tribo ng tao, ang sagisag ng pagkakaisa na ang mundo ay hindi pagod at hindi magsasawa mangarap.

Marami pang masasabi tungkol sa kanya. Nagtataka na hindi ito kathang-isip o pantasya. Halimbawa, maaari mong alalahanin kung paano niya iminungkahi na ilipat ang Cathedral ng San Giovanni - ang gawaing ito ay humanga sa atin, mga residente ng ikadalawampung siglo.

Sinabi ni Leonardo: "Ang isang mabuting artista ay dapat maipinta ang dalawang pangunahing bagay: ang isang tao at isang representasyon ng kanyang kaluluwa. O sinabi tungkol sa "Columbine" mula sa St. Petersburg Hermitage? Tinawag ito ng ilang mananaliksik na "La Gioconda", hindi ang Louvre canvas.

Si Boy Nardo, iyon ang kanyang pangalan sa Vinci: ang ilehitimong anak ng isang notaryo ng panitikan, na isinasaalang-alang ang mga ibon at kabayo na pinakamahusay na mga nilalang sa Daigdig. Minamahal ng lahat at nag-iisa, baluktot na mga bakal na espada at iginuhit ang binitay. Nag-imbento ng tulay sa Bosphorus at isang mainam na lungsod, mas maganda kaysa sa Corbusier at Niemeyer. Kumakanta sa isang malambot na baritone at nakangiti kay Mona Lisa. Sa isa sa kanyang huling kuwaderno, ang taong masuwerteng ito ay nagsulat: "Para sa akin na natututo akong mabuhay, ngunit natututo akong mamatay." Gayunpaman, pagkatapos ay nagbuod siya: "Ang buhay na mahusay na nabuhay ay isang mahabang buhay."

Maaari ba kayong hindi sumasang-ayon kay Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Si Sandro Botticelli ay ipinanganak sa Florence noong 1445 sa pamilya ng isang leather tanner.

Ang kauna-unahang pagkakataong likas na gawa ng Botticelli ay itinuturing na "The Adoration of the Magi" (mga 1740), kung saan ang pangunahing pag-aari ng kanyang orihinal na pamamaraan - walang katuturan at banayad na tula - ay ganap nang naipahayag. Nabigyan siya ng likas na kahulugan ng tula, ngunit isang malinaw na ugnayan ng malungkot na kalungkutan ang lumiwanag sa kanya nang literal sa lahat ng bagay. Kahit na si Saint Sebastian, pinahihirapan ng mga arrow ng mga nagpapahirap sa kanya, ay tumingin sa kanya ng may pag-iisip at hiwalay.

Noong huling bahagi ng 1470s, ang Botticelli ay naging malapit sa bilog ng aktwal na pinuno ng Florence, Lorenzo Medici, na binansagan ang Magnificent. Sa mga marangyang hardin ni Lorenzo ay nagtipon ng isang lipunan ng mga tao, marahil ang pinaka-naliwanagan at may talento sa Florence. Nagkaroon ng mga pilosopo, makata, musikero. Isang kapaligiran ng paghanga sa kagandahan ang naghari, at hindi lamang ang kagandahan ng sining ang pinahahalagahan, kundi pati na rin ang kagandahan ng buhay. Ang sinaunang tao ay isinasaalang-alang ang prototype ng perpektong sining at perpektong buhay, na kinilala, gayunpaman, sa pamamagitan ng prisma ng mga susunod na pilosopiko na layer. Nang walang pag-aalinlangan, sa ilalim ng impluwensya ng atmospera na ito ay nilikha ang unang malaking pagpipinta ni Botticelli "Primavera (Spring)". Ito ay isang parang panaginip, kaibig-ibig, kamangha-manghang magandang alegorya ng walang hanggang cycle, ang patuloy na pag-renew ng kalikasan. Ito ay natagpuan ng pinaka-kumplikado at kakatwa musikal na ritmo. Ang pigura ng Flora, na pinalamutian ng mga bulaklak, ng mga biyaya sa pagsayaw sa Hardin ng Eden ay kumakatawan sa mga imahe ng kagandahan na hindi pa nakikita sa oras na iyon at samakatuwid ay gumawa ng isang partikular na nakakaakit na impression. Ang batang Botticelli ay kaagad na kumuha ng isang natitirang lugar sa mga masters ng kanyang panahon.

Ito ay ang mataas na reputasyon ng mga batang pintor na nagsiguro sa kanya ng isang order para sa mga fresko sa Bibliya para sa Vatican Sistine Chapel, na nilikha niya noong unang bahagi ng 1480s sa Roma. Sumulat siya ng Mga Eksena mula sa Buhay ni Moises, Ang Parusa ng Korea, Dathan at Aviron, na nagpapakita ng kamangha-manghang kasanayan sa pagbubuo. Ang klasikal na kahinahunan ng mga sinaunang gusali, laban sa kung saan binuo ni Botticelli ang pagkilos, mahigpit na naiiba sa dramatikong ritmo ng inilalarawan na mga tauhan at hilig; ang paggalaw ng mga katawan ng tao ay kumplikado, nalilito, puspos ng paputok na lakas; ang impression ng alog pagkakasundo, defenselessness ng nakikitang mundo sa harap ng mabilis na presyon ng oras at kalooban ng tao ay nilikha. Ang mga fresco ng Sistine Chapel sa kauna-unahang pagkakataon ay nagpahayag ng matinding pagkabalisa na nanirahan sa kaluluwa ni Botticelli, na lumakas sa paglipas ng panahon. Ang mga parehong frescoes na ito ay sumasalamin ng kamangha-manghang talento ng Botticelli bilang isang pintor ng larawan: ang bawat isa sa maraming mga ipininta na mukha ay ganap na orihinal, natatangi at hindi malilimutan ...

Noong 1480s, na bumalik sa Florence, si Botticelli ay nagpatuloy na gumana nang walang pagod, ngunit ang pinayapaan na kalinawan ng "Mga Halimbawa" ay nasa likuran na. Sa kalagitnaan ng dekada, isinulat niya ang kanyang tanyag na The Birth of Venus. Sinabi ng mga mananaliksik na sa paglaon ay gumagana ng master ang isang dati nang hindi gaanong moralismo, kadakilaan sa relihiyon.

Marahil ay mas makabuluhan kaysa sa kalaunan sa pagpipinta, ang mga guhit ni Botticelli noong dekada 90 - mga guhit para sa Banal na Komedya ni Dante. Nagpinta siya nang may halata at hindi nakakubli na kasiyahan; ang mga pangitain ng dakilang makata ay mapagmahal at maingat na naihatid ng pagiging perpekto ng mga proporsyon ng maraming mga numero, ang maalalahanin na samahan ng kalawakan, hindi maubusan ng pagiging mapagkukunan sa paghahanap para sa mga visual na katumbas ng tulang patula ...

Sa kabila ng lahat ng mga emosyonal na bagyo at krisis, ang Botticelli hanggang sa wakas (namatay siya noong 1510) ay nanatiling isang mahusay na artista, ang master ng kanyang sining. Ito ay malinaw na pinatunayan ng marangal na paglilok ng mukha sa "Portrait of a Young Man", ang nagpapahiwatig na katangian ng modelo na hindi nag-iiwan ng pagdududa tungkol sa kanyang mataas na dignidad sa tao, solidong pagguhit ng master at kanyang mabait na hitsura.

Sandro Botticelli (Marso 1, 1445 - Mayo 17, 1510) - isang malalim na taong relihiyoso, nagtrabaho sa lahat ng pangunahing mga simbahan sa Florence at sa Sistine Chapel ng Vatican, gayunpaman, sa kasaysayan ng sining nanatili siyang pangunahin bilang may-akda ng malalaking format mga kuwadro na patula sa mga paksang inspirasyon ng klasikal na unang panahon, - "Spring" at "The Birth of Venus". ...

Sa loob ng mahabang panahon, si Botticelli ay nasa anino ng mga higanteng Renaissance na nagtrabaho matapos siya, hanggang sa siya ay muling natagpuan ng British Pre-Raphaelites sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, na igalang ang marupok na linearity at tagsibol ng pagiging bago ng kanyang mga hinog na pintura bilang ang pinakamataas na punto sa pag-unlad ng mundo art.

Ipinanganak sa pamilya ng isang mayamang naninirahan sa lungsod na si Mariano di Vanni Filipepi. Nakatanggap ng magandang edukasyon. Pinag-aralan niya ang pagpipinta kasama ang monghe na si Filippo Lhio at pinagtibay mula sa kanya ang pag-iibigan na naglalarawan ng mga nakakaantig na motibo na nakikilala ang mga kuwadro ng kasaysayan ni Lhio. Pagkatapos ay nagtrabaho siya para sa sikat na iskultor na si Verrocchio. Noong 1470 ay inayos niya ang sarili niyang pagawaan ..

Kinuha niya ang kahusayan at katumpakan ng mga linya mula sa kanyang pangalawang kapatid, na isang alahas. Para sa ilang oras siya ay nag-aral kasama si Leonardo da Vinci sa pagawaan ng Verrocchio. Ang orihinal na tampok ng sariling talento ng Botticelli ay ang kanyang pagkahilig patungo sa kamangha-manghang. Isa siya sa mga unang nagpakilala ng sinaunang alamat at alegorya sa sining ng kanyang panahon, at sa espesyal na pagmamahal ay nagtrabaho siya sa mga paksa ng mitolohiko. Lalo na kamangha-mangha ang kanyang Venus, na lumangoy na hubad sa dagat sa isang shell, at ang mga diyos ng hangin ay pinapaliguan siya ng isang ulan ng mga rosas, at hinihimok ang shell sa baybayin.

Ang pinakamahusay na paglikha ng Botticelli ay itinuturing na frescoes na sinimulan niya noong 1474 sa Sistema Chapel ng Vatican. Nakumpleto ang maraming mga kuwadro na kinomisyon ng Medici. Sa partikular, pininturahan niya ang banner ni Giuliano Medici, kapatid ni Lorenzo the Magnificent. Noong 1470s at 1480s, ang paglilitrato ay naging isang independiyenteng genre sa gawa ni Botticelli (Man with a Medal, c. 1474; Young Man, 1480s). Naging tanyag si Botticelli sa kanyang masarap na panlasa at kagaya ng mga gawa bilang "Anunsyo" (1489-1490), "Inabandunang" (1495-1500), atbp. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, tila nag-iwan si Botticelli ng pagpipinta ..

Si Sandro Botticelli ay inilibing sa libingan ng pamilya sa simbahan ng Onisanti sa Florence. Ayon sa kalooban, inilibing siya malapit sa libingan ni Simonetta Vespucci, na nagbigay inspirasyon sa pinakamagagandang mga imahe ng master.

Leonardo di ser Piero da Vinci (Abril 15, 1452, ang nayon ng Anchiano, malapit sa bayan ng Vinci, malapit sa Florence - Mayo 2, 1519, - ang dakilang Italyano na pintor (pintor, iskultor, arkitekto) at siyentista (anatomista, naturalista), imbentor, manunulat, isa ng pinakamalaking kinatawan ng sining ng Mataas na Renaissance, isang malinaw na halimbawa ng "unibersal na tao".

Sa aming mga kapanahon, si Leonardo ay pangunahing kilala bilang isang artista. Bilang karagdagan, posible na ang da Vinci ay maaaring maging isang iskultor: ang mga mananaliksik mula sa Unibersidad ng Perugia - Giancarlo Gentilini at Carlo Sisi - inaangkin na ang terracotta head na natagpuan nila noong 1990 ay ang nag-iisang gawa sa iskultura ni Leonardo da Vinci na bumaba para sa atin. Gayunpaman, si da Vinci mismo sa iba't ibang panahon ng kanyang buhay ay isinasaalang-alang ang kanyang sarili lalo na isang inhinyero o siyentista. Hindi siya nagtalaga ng maraming oras sa masarap na sining at nagtrabaho nang mas mabagal. Samakatuwid, ang masining na pamana ni Leonardo ay medyo hindi malaki, at ang bilang ng kanyang mga gawa ay nawala o malubhang napinsala. Gayunpaman, ang kanyang kontribusyon sa kulturang pansining sa mundo ay labis na mahalaga kahit na laban sa background ng cohort ng mga henyo na ibinigay ng Italian Renaissance. Salamat sa kanyang mga gawa, ang sining ng pagpipinta ay lumipat sa isang husay na bagong yugto sa pag-unlad nito. Ang mga pintor ng Renaissance na na nauna kay Leonardo ay matigas na inabandona ang marami sa mga kombensyon ng sining sa sining medyebal. Ito ay isang kilusan patungo sa pagiging totoo at marami na ang nakakamit sa pag-aaral ng pananaw, anatomya, mas malawak na kalayaan sa mga pagbuong pagbubuo. Ngunit sa mga tuntunin ng pagiging maganda, gumana sa pintura, ang mga artist ay pa rin maginoo at napipigilan. Ang linya sa larawan ay malinaw na nakabalangkas sa paksa, at ang imahe ay mukhang isang guhit na guhit. Ang pinaka-kundisyon ay ang tanawin, na gumaganap ng pangalawang papel. ...

Napagtanto at isinama ni Leonardo ang isang bagong pamamaraan sa pagpipinta. Ang kanyang linya ay may karapatang lumabo, sapagkat ito ang nakikita natin. Napagtanto niya ang kababalaghan ng ilaw na nagkalat sa hangin at ang hitsura ng sfumato - isang haze sa pagitan ng manonood at ng nakalarawan na bagay, na nagpapalambot ng mga pagkakaiba sa kulay at mga linya. Bilang isang resulta, ang pagiging totoo sa pagpipinta ay lumipat sa isang husay na bagong antas. ... Renaissance pagpipinta botticelli muling pagsilang

Raphael Santi (Marso 28, 1483 - Abril 6, 1520) - ang dakilang pintor ng Italyano, graphic artist at arkitekto, kinatawan ng paaralan ng Umbrian ..

Ang anak ng pintor na si Giovanni Santi ay sumailalim sa kanyang paunang masining na pagsasanay sa Urbino kasama ang kanyang ama na si Giovanni Santi, ngunit sa murang edad ay natagpuan niya ang kanyang sarili sa studio ng natitirang artist na si Pietro Perugino. Ito ang masining na wika at koleksyon ng imahe ng Perugino, na may gravitation patungo sa simetriko balanseng komposisyon, kalinawan ng spatial solution at lambot sa solusyon ng kulay at ilaw, na may pangunahing impluwensya sa istilo ng batang Raphael.

Kinakailangan din na itakda na ang malikhaing sulat-kamay ni Raphael ay nagsasama ng isang pagbubuo ng mga diskarte at mga nahanap ng iba pang mga panginoon. Sa una, si Raphael ay umasa sa karanasan ni Perugino, kalaunan naman - sa mga nahanap ni Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. ...

Ang mga maagang gawa (Madonna Conestabile 1502-1503) ay nilagyan ng biyaya, malambot na liriko. Niluwalhati niya ang makamundong pag-iral ng tao, ang pagkakasundo ng mga espiritwal at pisikal na puwersa sa mga kuwadro ng silid ng Vatican (1509-1517), na nakamit ang isang hindi nagkakamali na kahulugan ng proporsyon, ritmo, proporsyon, euphony ng kulay, pagkakaisa ng mga numero at kamangha-manghang mga background ng arkitektura ..

Sa Florence, nang makipag-ugnay sa mga nilikha nina Michelangelo at Leonardo, natutunan mula sa kanila ng Raphael ang tamang anatomikong paglalarawan ng katawan ng tao. Sa edad na 25, natagpuan ng artist ang kanyang sarili sa Roma, at mula sa sandaling iyon nagsimula ang panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng kanyang trabaho: nagsasagawa siya ng mga napakalaking mural sa Vatican Palace (1509-1511), kasama ang obra maestra ng master - ang Ang fresco "School of Athens", ay nagsusulat ng mga komposisyon ng dambana at mga kuwadro na gawa sa kuda, na nakikilala sa pagkakasundo ng disenyo at pagpapatupad, ay gumagana bilang isang arkitekto (sa ilang oras na pinangangasiwaan pa rin ni Raphael ang pagtatayo ng St. Peter's Cathedral). Sa walang pagod na paghahanap para sa kanyang ideyal, isinakatuparan para sa artist sa imahe ng Madonna, nilikha niya ang kanyang pinaka perpektong nilikha - "The Sistine Madonna" (1513), isang simbolo ng pagiging ina at pagtanggi sa sarili. Ang mga pintura at mural ni Raphael ay kinilala ng kanyang mga kasabay, at di nagtagal ay naging sentral na pigura si Santi sa masining na buhay ng Roma. Maraming marangal na tao ng Italya ang nais na maiugnay sa artist, kasama ang isang matalik na kaibigan ni Raphael, si Cardinal Bibbien. Ang artista ay namatay sa edad na tatlumpu't pito mula sa kabiguan sa puso. Ang hindi natapos na mga kuwadro na gawa ng Villa Farnesina, ang Vatican Loggias at iba pang mga gawa ay nakumpleto ng mga mag-aaral ni Raphael alinsunod sa kanyang mga sketch at guhit ..

Isa sa pinakamalaking kinatawan ng sining ng Mataas na Renaissance, na ang mga kuwadro na gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng binibigyang diin na balanse at pagkakasundo ng kabuuan, ang pagiging maayos ng komposisyon, ang sinusukat na ritmo at ang maselan na paggamit ng mga posibilidad ng kulay. Hindi nagkakamali na karunungan ng linya at ang kakayahang ibuod at mai-highlight ang pangunahing bagay, ginawang isa si Raphael sa isang pinakahusay na master ng pagguhit sa lahat ng oras. Ang pamana ni Raphael ay nagsilbing isa sa mga haligi sa pagbuo ng akademikong akademiko ng Europa. Ang mga tagasunod ng klasismo - magkakapatid na Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov at marami pang ibang mga artista - ay pinuri ang pamana ni Raphael bilang pinaka perpektong hindi pangkaraniwang bagay sa art ng mundo ..

Titian Vecellio (1476/1477 o 1480s - 1576) - Italyano na pintor ng Renaissance. Ang pangalan ni Titian ay kapareho ng naturang mga Renaissance artist tulad nina Michelangelo, Leonardo da Vinci at Raphael. Nagpinta si Titian ng mga larawan sa mga paksang biblikal at mitolohiko, siya ay sumikat bilang isang pintor ng larawan. Nakatanggap siya ng mga order mula sa mga hari at papa, kardinal, dukes at prinsipe. Si Titian ay hindi kahit tatlumpung taong gulang nang siya ay kinilala bilang pinakamahusay na pintor ng Venice ..

Matapos ang kanyang lugar ng kapanganakan (Pieve di Cadore sa lalawigan ng Belluno), kung minsan ay tinatawag siyang da Cadore; kilala rin bilang Titian the Divine ..

Si Titian ay isinilang sa pamilya ni Gregorio Vecellio, isang estadista at pinuno ng militar. Sa edad na sampu, ipinadala siya kasama ang kanyang kapatid sa Venice upang mag-aral kasama ang tanyag na mosaicist na si Sebastian Zuccato. Makalipas ang ilang taon, pumasok siya sa pagawaan ng Giovanni Bellini bilang isang baguhan. Nag-aral siya kasama sina Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) at maraming iba pang mga artista na kalaunan ay sumikat.

Noong 1518 ipininta ni Titian ang pagpipinta na "The Ascension of Our Lady", noong 1515 - Si Salome na may ulo ni John the Baptist. Mula 1519 hanggang 1526 nagpinta siya ng maraming mga dambana, kasama na ang dambana ng pamilyang Pesaro ..

Mahaba ang buhay ni Titian. Hanggang sa mga huling araw, hindi siya tumigil sa pagtatrabaho. Pininturahan ni Titian ang kanyang huling pagpipinta, ang Lamentation of Christ, para sa kanyang sariling lapida. Ang artista ay namatay sa salot sa Venice noong Agosto 27, 1576, na nagkasakit ng impeksyon mula sa kanyang anak, na nag-aalaga sa kanya ..

Pinatawag ni Emperor Charles V si Titian sa kanya at pinalibutan siya ng karangalan at respeto at sinabi nang higit sa isang beses: "Maaari akong lumikha ng isang duke, ngunit saan ko kukunin ang pangalawang Titian?" Nang isang araw ay hinulog ng artist ang kanyang brush, itinaas ito ni Charles V at sinabi: "Ang paglilingkod kay Titian ay isang karangalan kahit para sa emperor." Parehong inanyayahan ng mga hari ng Espanya at Pransya si Titian sa kanilang lugar, upang manirahan sa korte, ngunit ang artista, na nakumpleto ang mga utos, ay palaging bumalik sa kanyang katutubong Venice. ...

Para sa mga Europeo, natapos ang panahon ng madilim na Middle Ages, na sinundan ng Renaissance. Pinayagan niyang buhayin ang halos nawala na pamana ng Antiquity at lumikha ng mahusay na mga likhang sining. Ang mga siyentipiko ng Renaissance ay may mahalagang papel din sa pag-unlad ng sangkatauhan.

Paradigm

Ang krisis at pagkasira ng Byzantium ay humantong sa paglitaw sa Europa ng libu-libong mga Christian emigrants na nagdala ng mga libro. Sa mga manuskrito na ito, nakolekta ang kaalaman tungkol sa sinaunang panahon, kalahating nakalimutan sa kanluran ng kontinente. Naging batayan sila ng humanismo, na naglalagay sa tao ng tao, kanyang mga ideya at pagnanasa para sa kalayaan. Sa paglipas ng panahon, sa mga lungsod kung saan tumaas ang papel ng mga banker, artesano, negosyante at artesano, nagsimulang lumitaw ang mga sekular na sentro ng agham at edukasyon, na hindi lamang nasa ilalim ng awtoridad ng Simbahang Katoliko, ngunit madalas na laban laban sa dikta nito.

Pagpinta ni Giotto (Renaissance)

Ang mga artista sa Middle Ages ay lumikha ng mga gawa ng nakararaming relihiyosong nilalaman. Sa partikular, ang pagpipinta ng icon ay ang pangunahing genre ng pagpipinta sa mahabang panahon. Ang una na nagpasya na ipakita ang ordinaryong tao sa kanyang mga canvases, pati na rin ang talikuran ang canonical na paraan ng pagsulat na likas sa paaralang Byzantine, ay si Giotto di Bondone, na itinuturing na tagapanguna ng Proto-Renaissance. Sa mga fresco ng Church of San Francesco, na matatagpuan sa lungsod ng Assisi, ginamit niya ang dula ng chiaroscuro at umalis mula sa pangkalahatang tinatanggap na istrakturang pagbubuo. Gayunpaman, ang pangunahing obra maestra ni Giotto ay ang pagpipinta ng Chapel del Arena sa Padua. Kapansin-pansin, kaagad pagkatapos ng order na ito, inanyayahan ang artist na palamutihan ang city hall. Habang nagtatrabaho sa isa sa mga kuwadro na gawa, upang makamit ang pinakadakilang pagiging maaasahan sa paglalarawan ng "makalangit na tanda", kumunsulta si Giotto sa astronomong Pietro d'Abano. Kaya, salamat sa artist na ito, ang pagpipinta ay tumigil sa paglalarawan ng mga tao, mga bagay at natural na phenomena ayon sa ilang mga canon at naging mas makatotohanang.

Leonardo da Vinci

Maraming mga numero ng Renaissance ang may maraming nalalaman talento. Gayunpaman, wala sa kanila ang maihahambing sa kanyang kagalingan sa maraming kaalaman kay Leonardo da Vinci. Pinatunayan niyang siya ay isang natitirang pintor, arkitekto, iskultor, anatomista, naturalista at inhinyero.

Noong 1466, si Leonardo da Vinci ay nagpunta sa pag-aaral sa Florence, kung saan, bilang karagdagan sa pagpipinta, nag-aral siya ng kimika at pagguhit, at nakakuha rin ng mga kasanayan sa pagtatrabaho sa metal, katad at plaster.

Na ang mga unang canvases ng artist na nakikilala sa kanya sa kanyang mga kapwa manggagawa. Sa kanyang haba, sa oras na iyon, 68-taong buhay, nilikha ni Leonardo da Vinci ang mga obra maestra tulad ng "Mona Lisa", "John the Baptist", "Lady with an Ermine", "Last Supper", atbp.

Tulad ng ibang kilalang pigura ng Renaissance, ang artista ay interesado sa agham at inhinyeriya. Sa partikular, alam na ang wheel pistol lock na naimbento niya ay ginamit hanggang ika-19 na siglo. Bilang karagdagan, lumikha si Leonardo da Vinci ng mga guhit ng isang parachute, isang lumilipad na makina, isang searchlight, isang teleskopyo na may dalawang lente, atbp.

Michelangelo

Kapag tinalakay ang tanong kung ano ang ibinigay ng mga numero ng Renaissance sa mundo, ang listahan ng kanilang mga nagawa ay kinakailangang naglalaman ng mga gawa ng natitirang arkitekto, artist at iskultor na ito.

Kabilang sa mga pinakatanyag na nilikha ng Michelangelo Buonarroti ay ang mga fresco ng kisame ng Sistine Chapel, ang estatwa ni David, ang iskultura ni Bacchus, ang marmol na estatwa ng Madonna ng Bruges, ang pagpipinta na "The Torment of St. Anthony" at marami iba pang mga obra ng sining sa mundo.

Raphael Santi

Ang artista ay ipinanganak noong 1483 at nabuhay lamang ng 37 taon. Gayunpaman, ang mahusay na pamana ng Raphael Santi ay inilalagay siya sa mga unang linya ng anumang simbolikong rating na "Natitirang Mga Larawan ng Renaissance".

Kabilang sa mga obra maestra ng artista ay ang "The Crowning of Mary" para sa altar ng Oddi, "Portrait of Pietro Bembo", "Lady with the Unicorn", maraming mga fresco ang nag-order para kay Stanza della Senyatura, atbp.

Ang tuktok ng pagkamalikhain ni Raphael ay itinuturing na "Sistine Madonna", na nilikha para sa dambana ng simbahan ng monasteryo ng St. Sixtus sa Piacenza. Ang larawang ito ay gumagawa ng isang hindi malilimutang impression sa sinumang makakakita nito, dahil ang Maria na nakalarawan dito sa hindi maunawaan na paraan ay pinagsasama ang makalupang at makalangit na kakanyahan ng Ina ng Diyos.

Albrecht Durer

Ang mga bantog na pigura ng Renaissance ay hindi lamang mga Italyano. Kabilang sa mga ito ay ang pintor ng Aleman at master ng mga nakaukit na Albrecht Durer, na ipinanganak sa Nuremberg noong 1471. Ang kanyang pinaka-makabuluhang mga gawa ay ang Landauer's Altar, isang self-portrait (1500), ang pagpipinta na The Feast of Rose Wreaths, at tatlong Engraving Workshops. Ang huli ay itinuturing na obra maestra ng graphic art ng lahat ng mga oras at mga tao.

Titian

Ang magagaling na pigura ng Renaissance sa larangan ng pagpipinta ay iniwan sa amin ng mga imahe ng kanilang pinakatanyag na mga kapanahon. Ang isa sa mga natitirang pintor ng larawan ng panahong ito ng sining sa Europa ay si Titian, na nagmula sa sikat na pamilyang Vecellio. Nag-immortal siya sa canvas Federico Gonzaga, Charles V, Clarissa Strozzi, Pietro Aretino, arkitekto Giulio Romano at marami pang iba. Bilang karagdagan, ang kanyang mga brush ay nabibilang sa mga canvases sa mga paksa mula sa sinaunang mitolohiya. Gaano katindi ang pagpapahalaga ng artista sa kanyang mga kapanahon ay pinatunayan ng katotohanan na sa sandaling ang brush na nahulog mula sa mga kamay ni Titian ay minadali upang kunin ni Emperor Charles V. Ipinaliwanag ng monarch ang kanyang kilos sa pagsasabing ang paglilingkod sa gayong master ay isang karangalan para sa sinuman.

Sandro Botticelli

Ang artista ay ipinanganak noong 1445. Sa una, siya ay magiging isang alahas, ngunit pagkatapos ay nagtapos siya sa pagawaan ng Andrea Verrocchio, na pinag-aralan ni Leonardo da Vinci nang sabay-sabay. Kasabay ng mga gawa ng mga relihiyosong tema, lumikha ang artist ng maraming mga kuwadro na gawa ng sekular na nilalaman. Kasama sa mga obra ni Botticelli ang mga kuwadro na gawa ng The Birth of Venus, Spring, Pallas at the Centaur at marami pang iba.

Dante Alighieri

Ang magagaling na pigura ng Renaissance ay nag-iwan ng kanilang hindi matanggal na marka sa panitikan sa mundo. Ang isa sa mga pinakatanyag na makata ng panahong ito ay si Dante Alighieri, ipinanganak noong 1265 sa Florence. Sa edad na 37, siya ay pinatalsik mula sa kanyang bayan dahil sa kanyang pananaw sa politika at gumala hanggang sa huling taon ng kanyang buhay.

Bilang isang bata, si Dante ay umibig sa kanyang kaedad na si Beatrice Portinari. Lumalaki, ang batang babae ay nagpakasal sa isa pa at namatay sa edad na 24. Si Beatrice ay naging muse ng makata, at sa kanya inialay ang kanyang mga gawa, kasama na ang kuwentong "Bagong Buhay". Noong 1306 nagsimulang lumikha si Dante ng kanyang "Banal na Komedya", kung saan siya ay nagtatrabaho nang halos 15 taon. Sa loob nito, inilalantad niya ang mga bisyo ng lipunang Italyano, ang mga krimen ng mga papa at kardinal, at sa "paraiso" inilalagay niya ang kanyang Beatrice.

William Shakespeare

Bagaman ang mga ideya ng Renaissance ay nakarating sa British Isles na may ilang pagkaantala, ang natitirang mga likhang sining ay nilikha din doon.

Sa partikular, ang isa sa pinakatanyag na mga manunulat ng dula sa kasaysayan ng sangkatauhan, si William Shakespeare, ay nagtrabaho sa Inglatera. Sa loob ng higit sa 500 taon, ang kanyang mga dula ay nasa yugto ng dula-dulaan sa lahat ng sulok ng planeta. Sinulat niya ang mga trahedya na "Othello", "Romeo at Juliet", "Hamlet", "Macbeth", pati na rin ang mga komedya na "Twelfth Night", "Many Ado About Nothing" at marami pang iba. Bilang karagdagan, si Shakespeare ay kilala para sa kanyang mga sonnets na nakatuon sa mahiwagang Swarthy Lady.

Leon Battista Alberti

Ang Renaissance ay nag-ambag din sa isang pagbabago sa hitsura ng mga lunsod sa Europa. Sa panahong ito, nilikha ang magagaling na obra maestra ng arkitektura, kabilang ang Roman Cathedral ng St. Si Peter, ang hagdanan ni Laurenziana, ang Florence Cathedral, atbp Kasabay ni Michelangelo, ang bantog na siyentista na si Leon Battista Alberti ay kabilang sa mga bantog na arkitekto ng Renaissance. Malaki ang naging ambag niya sa arkitektura, teorya ng sining at panitikan. Ang kanyang lugar ng interes ay nagsama rin ng mga problema ng pedagogy at etika, matematika at kartograpiya. Siya ang may-akda ng isa sa mga unang akdang pang-agham sa arkitektura, na pinamagatang "Sampung Mga Libro sa Arkitektura." Ang trabahong ito ay may napakalaking epekto sa mga susunod na henerasyon ng kanyang mga kasamahan.

Ngayon alam mo ang pinakatanyag na mga kulturang pigura ng Renaissance, salamat sa kanino ng sibilisasyong tao ay pumasok sa isang bagong pag-unlad nito.

Agosto 7, 2014

Ang mga mag-aaral ng sining at mga taong interesado sa kasaysayan ng sining ay alam na sa pagsisimula ng ika-14 at ika-15 na siglo isang matinding pagbabago ang naganap sa pagpipinta - ang Renaissance. Mga 1420s, lahat ay biglang naging mas mahusay sa pagguhit. Bakit biglang naging makatotohanang at detalyado ang mga imahe, at ang ilaw at lakas ng tunog ay lumitaw sa mga kuwadro na gawa? Walang nag-isip tungkol dito sa mahabang panahon. Hanggang sa kinuha ni David Hockney ang isang magnifying glass.

Alamin natin kung ano ang nalaman niya ...

Kapag siya ay tumitingin sa mga guhit ni Jean Auguste Dominique Ingres, ang pinuno ng ika-19 na siglo Pranses na paaralan sa akademiko. Naging interesado si Hockney na makita ang kanyang maliit na mga guhit sa isang mas malaking sukat, at pinalaki niya ito sa isang photocopier. Ito ay kung paano siya nadapa sa isang lihim na panig sa kasaysayan ng pagpipinta mula noong Renaissance.

Ang pagkakaroon ng paggawa ng mga photocopy ng maliliit (mga 30 sentimetro) na mga guhit ni Hogrney, namangha si Hockney sa pagiging makatotohanan nila. At parang sa kanya din na ang mga linya ng Ingres ay bagay sa kanya
paalalahanan Ito ay naka-alala sa kanya ng trabaho ni Warhol. At ginawa ito ni Warhol - naglabas siya ng larawan sa isang canvas at binalangkas ito.

Kaliwa: Detalye ng isang guhit ni Ingres. Kanan: Pagguhit ni Mao Zedong Warhol

Kagiliw-giliw na mga kaso, sabi ni Hockney. Maliwanag na ginamit ni Ingres ang Camera Lucida - isang aparato na isang istraktura na may isang prisma na nakakabit, halimbawa, sa isang stand sa isang tablet. Sa gayon, ang artist, na tinitingnan ang kanyang pagguhit gamit ang isang mata, nakikita ang totoong imahe, at sa isa pa - ang pagguhit mismo at ang kanyang kamay. Ito ay naging isang ilusyon na optikal na nagbibigay-daan sa iyo upang tumpak na ilipat ang mga proporsyon ng totoong buhay sa papel. At ito mismo ang "garantiya" ng pagiging makatotohanan ng imahe.

Pagguhit ng isang larawan gamit ang isang camera lucida, 1807

Pagkatapos Hockney ay naging seryosong interesado sa ganitong "optikong" uri ng mga guhit at kuwadro na gawa. Sa kanyang studio, siya at ang kanyang koponan ay nag-hang ng daan-daang mga kopya ng mga kuwadro na gawa na nilikha sa paglipas ng mga siglo sa mga dingding. Mga gawa na mukhang "totoo" at mga hindi. Ang pag-aayos ayon sa oras ng paglikha, at ng mga rehiyon - hilaga sa tuktok, timog sa ilalim, nakita ni Hockney at ng kanyang koponan ang isang matalim na pagbabago sa pagpipinta sa pagsisimula ng 14-15 siglo. Sa pangkalahatan, lahat ng nakakaalam kahit kaunti tungkol sa kasaysayan ng sining ay alam - ang Renaissance.

Siguro nagamit nila ang parehong lucid camera? Nakapag-patente ito noong 1807 ni William Hyde Wollaston. Bagaman, sa katunayan, ang ganoong aparato ay inilarawan ni Johannes Kepler noong 1611 sa kanyang trabaho na Dioptrice. Kung gayon marahil ay gumamit sila ng isa pang optical device - isang camera obscura? Pagkatapos ng lahat, ito ay kilala mula pa sa oras ng Aristotle at ito ay isang madilim na silid na kung saan ang ilaw ay pumapasok sa pamamagitan ng isang maliit na butas at sa gayon sa isang madilim na silid isang projection ng kung ano ang nasa harap ng butas ay nakuha, ngunit baligtad. Ang lahat ay magiging maayos, ngunit ang imahe na nakuha kapag inaasahang ng isang pinhole camera na walang lens, upang ilagay ito nang banayad, ay hindi mataas ang kalidad, hindi malinaw, nangangailangan ito ng maraming maliwanag na ilaw, hindi banggitin ang laki ng projection. Ngunit ang mga de-kalidad na lente ay halos imposibleng magawa hanggang sa ika-16 na siglo, dahil walang paraan upang makakuha ng gayong kalidad ng baso sa panahong iyon. Ang mga bagay na dapat gawin, naisip Hockney, sa oras na iyon na nakikipaglaban sa problema sa pisisista na si Charles Falco.

Gayunpaman, mayroong isang pagpipinta ni Jan Van Eyck, isang pintor na nakabase sa Bruges at pinturang Flemish ng maagang Renaissance, kung saan nakatago ang isang pahiwatig. Ang pagpipinta ay tinawag na "Portrait of the Arnolfini Couple".

Jan Van Eyck "Larawan ng Mag-asawang Arnolfini" 1434

Ang pagpipinta ay nagniningning lamang na may maraming mga detalye, na kung saan ay medyo kawili-wili, dahil ito ay ipininta noong 1434 lamang. At ang salamin ay nagsisilbing isang pahiwatig kung paano nagawa ng may-akda na gumawa ng isang malaking hakbang pasulong sa pagiging makatotohanan ng imahe. At ang kandelero din ay hindi kapani-paniwalang masalimuot at makatotohanang.

Si Hockney ay sumabog sa kuryusidad. Kumuha siya ng isang kopya ng naturang chandelier at sinubukang iguhit ito. Nahaharap ang artist sa katotohanang ang gayong isang kumplikadong bagay ay mahirap iguhit sa pananaw. Ang isa pang mahalagang punto ay ang pagiging materyal ng imahe ng bagay na metal na ito. Kapag naglalarawan ng isang bakal na bagay, napakahalaga na iposisyon ang mga highlight nang makatotohanang hangga't maaari, dahil nagbibigay ito ng isang malaking halaga ng pagiging makatotohanan. Ngunit ang problema sa mga pagsasalamin na ito ay lumilipat sila kapag ang mga mata ng manonood o artista ay gumalaw, na nangangahulugang hindi madali upang makuha ang lahat sa kanila. At ang makatotohanang imahe ng metal at silaw ay isang natatanging tampok din ng mga kuwadro na Renaissance, bago ang mga artista ay hindi man lang sinubukan na gawin ito.

Sa pamamagitan ng muling paggawa ng isang tumpak na tatlong-dimensional na modelo ng chandelier, tiniyak ng koponan ng Hockney na ang chandelier sa The Portrait of the Arnolfini Couple ay nakuha mula sa isang tumpak na pananaw na may isang solong nawawalang punto. Ngunit ang problema ay ang naturang eksaktong tumpak na mga instrumento ng salamin sa mata bilang isang camera obscura na may isang lens ay hindi umiiral sa loob ng halos isang siglo pagkatapos malikha ang pagpipinta.

Fragment ng pagpipinta ni Jan Van Eyck na "Portrait of the Arnolfini Couple" 1434

Ang pinalaki na fragment ay nagpapakita na ang salamin sa pagpipinta na "Portrait of the Arnolfini Couple" ay matambok. Kaya't may mga salamin sa kabaligtaran - malukong. Bukod dito, sa mga panahong iyon, ang mga nasabing salamin ay ginawa sa ganitong paraan - isang baso na globo ang kinuha, at ang ilalim nito ay natatakpan ng pilak, pagkatapos ang lahat maliban sa ilalim ay naputol. Ang likod na bahagi ng salamin ay hindi naitim. Nangangahulugan ito na ang concave mirror ni Jan Van Eyck ay maaaring pareho ng salamin na nakalarawan sa larawan, mula sa likurang bahagi lamang. At ang sinumang pisiko ay alam kung ano ang isang salamin, kapag nakalarawan, naglalabas ng isang larawan ng nakalarawan. Dito na ang kanyang kakilala na pisiko na si Charles Falco ay tumulong kay David Hockney sa mga kalkulasyon at pagsasaliksik.

Ang isang concave mirror ay naglalabas ng isang imahe ng isang tower sa labas ng bintana papunta sa canvas.

Ang malinaw, nakatuon na bahagi ng projection ay humigit-kumulang na 30 square centimeter, na eksaktong sukat ng mga ulo sa maraming mga larawan ng Renaissance.

Binabalangkas ni Hockney ang paglabas ng isang tao sa canvas

Ito ang laki, halimbawa, ng larawan ng "Doge Leonardo Loredana" ni Giovanni Bellini (1501), ang larawan ng isang lalaki ni Robert Campen (1430), ang aktwal na larawan ni Jan Van Eyck "ang lalaking nasa pulang turban "at marami pang ibang mga unang larawan sa Dutch.

Mga larawan ng Renaissance

Ang pagpipinta ay isang mataas na suweldong trabaho, at natural, lahat ng mga lihim sa negosyo ay itinatago sa mahigpit na kumpiyansa. Ito ay kapaki-pakinabang para sa artista na ang lahat ng hindi pa nababatid na mga tao ay naniniwala na ang mga lihim ay nasa kamay ng master at hindi sila maaaring magnakaw. Ang negosyo ay sarado sa mga tagalabas - ang mga artista ay nasa guild, at ang pinaka-magkakaibang mga manggagawa ay naroon - mula sa mga gumawa ng mga saddle hanggang sa mga gumawa ng salamin. At sa Guild of Saint Luke, itinatag sa Antwerp at unang nabanggit noong 1382 (pagkatapos ay ang mga katulad na guild ay binuksan sa maraming mga hilagang lungsod, at ang isa sa pinakamalaki ay ang guild sa Bruges - ang lungsod kung saan nakatira si Van Eyck) ay mayroon ding masters. salamin.

Kaya't muling likha ni Hockney kung paano ka makakaguhit ng isang kumplikadong chandelier mula sa isang pagpipinta ni Van Eyck. Hindi naman nakakagulat na ang laki ng chandelier na inaasahang ni Hockney ay eksaktong tumutugma sa laki ng chandelier sa pagpipinta na "Portrait of the Arnolfini Couple". At, syempre, nakasisilaw sa metal - sa projection, tumayo sila at hindi nagbabago kapag nagbago ang posisyon ng artist.

Ngunit ang problema ay hindi pa rin ganap na malulutas, dahil bago ang paglitaw ng mga de-kalidad na optika, na kinakailangan upang magamit ang isang camera ng pinhole, may natitirang 100 taon, at ang laki ng projection na nakuha sa tulong ng isang salamin ay napakaliit . Paano magpinta ng mga larawan na mas malaki sa 30 square centimeter? Nilikha ang mga ito tulad ng isang collage - mula sa iba't ibang mga punto ng view, ito ay naging isang uri ng spherical vision na may maraming mga nawawalang puntos. Napagtanto ito ni Hockney sapagkat siya mismo ay nakikibahagi sa gayong mga larawan - gumawa siya ng maraming mga collage ng larawan kung saan eksaktong eksaktong epekto ang nakakamit.

Halos isang siglo ang lumipas, noong 1500s, sa wakas ay naging posible upang makakuha at maproseso ng maayos ang salamin - lumitaw ang malalaking lente. At sa wakas ay maipapasok sila sa camera obscura, na ang alituntunin nito ay kilala mula pa noong sinaunang panahon. Ang lens camera obscura ay isang hindi kapani-paniwala na rebolusyon sa mga visual arts dahil ang projection ay maaari na ngayong maging ng anumang laki. At isa pa, ngayon ang imahe ay hindi "malapad na anggulo", ngunit humigit-kumulang na normal na aspeto - iyon ay, humigit-kumulang pareho sa ngayon kapag kumukuha ng litrato gamit ang isang lens na may focal haba na 35-50mm.

Gayunpaman, ang problema sa paggamit ng isang pinhole camera na may isang lens ay ang pangunahin na projection mula sa lens ay nakasalamin. Humantong ito sa isang malaking bilang ng mga kaliwang tao sa pagpipinta sa maagang yugto ng paggamit ng optika. Tulad ng pagpipinta na ito mula noong 1600 mula sa museo ng Frans Hals, kung saan sumasayaw ang isang pares ng mga left-hander, binabantalaan sila ng isang kaliwang matandang lalaki gamit ang isang daliri, at isang kaliwang unggoy na kapantay sa ilalim ng damit ng babae.

Sa larawang ito, lahat ay kaliwa.

Ang problema ay nalulutas sa pamamagitan ng pag-install ng isang salamin kung saan nakadirekta ang lens, sa gayon makuha ang tamang projection. Ngunit tila, ang isang mahusay, pantay at malaking salamin ay nagkakahalaga ng maraming pera, kaya't hindi lahat ay mayroon ito.

Ang pagtuon ay isa pang problema. Ang katotohanan ay ang ilang mga bahagi ng larawan sa isang posisyon ng canvas sa ilalim ng mga projection ray ay hindi nakatuon, hindi malinaw. Sa mga gawa ni Jan Vermeer, kung saan malinaw na nakikita ang paggamit ng optika, ang kanyang trabaho sa pangkalahatan ay parang mga litrato, maaari mo ring mapansin ang mga lugar na hindi nakatuon. Maaari mo ring makita ang pagguhit na ibinibigay ng lens - ang kilalang "bokeh". Tulad ng halimbawa dito, sa pagpipinta na "The Milkmaid" (1658), ang basket, ang tinapay sa loob nito at ang asul na vase ay hindi nakatuon. Ngunit ang mata ng tao ay hindi makakakita ng "out of focus".

Ang ilang mga detalye ng pagpipinta ay wala sa pagtuon

At sa ilaw ng lahat ng ito, hindi nakakagulat na ang isang mabuting kaibigan ni Jan Vermeer ay si Anthony Phillips van Leeuwenhoek, isang siyentista at microbiologist, pati na rin ang isang natatanging master na lumikha ng kanyang sariling mga mikroskopyo at lente. Ang syentista ay naging posthumous manager ng artist. At pinapayagan kaming ipalagay na eksaktong inilalarawan ni Vermeer ang kanyang kaibigan sa dalawang canvases - "Geographer" at "Astronomer".

Upang makita ang anumang bahagi sa pagtuon, kailangan mong baguhin ang posisyon ng canvas sa ilalim ng mga projection ray. Ngunit sa kasong ito, lumitaw ang mga pagkakamali sa mga sukat. Tulad ng makikita dito: ang malaking balikat ng "Anthea" Parmigianino (mga 1537), ang maliit na pinuno ng "Lady Genovese" Anthony Van Dyck (1626), ang malaking paa ng magsasaka sa pagpipinta ni Georges de La Tour.

Mga error sa aspeto ng ratio

Siyempre, lahat ng mga artista ay gumagamit ng mga lente nang magkakaiba. Ang isang tao para sa mga sketch, isang tao na binubuo ng iba't ibang mga bahagi - pagkatapos ng lahat, ngayon posible na gumawa ng isang larawan, at tapusin ang natitira sa isa pang modelo o sa isang mannequin sa pangkalahatan.

Si Velazquez ay halos wala ring mga guhit. Gayunpaman, nanatili ang kanyang obra maestra - isang larawan ni Pope Innocent noong ika-10 (1650). Ang mga robe ng papa - halatang sutla - ay may magandang paglalaro ng ilaw. Blikov. At upang isulat ang lahat ng ito mula sa isang pananaw, kinakailangang subukan nang husto. Ngunit kung gumawa ka ng isang projection, kung gayon ang lahat ng kagandahang ito ay hindi tatakas - ang ilaw ay hindi na gumagalaw, maaari kang sumulat nang eksakto sa mga malalawak at mabilis na stroke tulad ni Velazquez.

Nag-aanak si Hockney ng pagpipinta ni Velazquez

Kasunod nito, maraming mga artista ang nakakuha ng isang camera obscura, at tumigil ito upang maging isang malaking lihim. Aktibong ginamit ni Canaletto ang camera upang likhain ang kanyang pananaw sa Venice at hindi ito itinago. Ang mga larawang ito, dahil sa kanilang katumpakan, ginagawang posible na magsalita tungkol sa Canaletto bilang isang dokumentaryo sa paggawa ng pelikula. Salamat sa Canaletto, makikita mo hindi lamang ang isang magandang larawan, kundi pati na rin ang kasaysayan mismo. Maaari mong makita kung ano ang unang Westminster Bridge sa London noong 1746.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Ang British artist na si Sir Joshua Reynolds ay nagmamay-ari ng isang camera obscura at tila hindi sinabi sa sinuman ang tungkol dito, dahil ang kanyang camera ay natitiklop at mukhang isang libro. Ngayon ay nakalagay ito sa London Science Museum.

Ang camera obscura ay nagkubli bilang isang libro

Sa wakas, sa simula ng ika-19 na siglo, si William Henry Fox Talbot, na gumagamit ng isang camera-lucida - ang isa kung saan kailangan mong tumingin ng isang mata at iguhit gamit ang iyong mga kamay, isinumpa, na nagpapasya na ang gayong abala ay dapat na mawala na sa isang beses at para sa lahat, at naging isa sa mga nag-imbento ng potograpiyang kemikal, at kalaunan ay isang popularidad na gumawa ng napakalaking ito.

Sa pag-imbento ng potograpiya, ang monopolyo ng pagpipinta sa realismo ng larawan ay nawala, ngayon ang larawan ay naging isang monopolyo. At dito, sa wakas, ang pagpipinta ay napalaya mula sa lens, na ipinagpatuloy ang landas na kung saan ito lumipas noong 1400s, at si Van Gogh ay naging tagapagpauna ng lahat ng sining ng ika-20 siglo.

Kaliwa: Ika-12 siglo Byzantine mosaics. Kanan: Vincent Van Gogh, Portrait ng Monsieur Trabuch, 1889

Ang pag-imbento ng potograpiya ay ang pinakamahusay na bagay na nangyari sa pagpipinta sa buong kasaysayan nito. Hindi na kinakailangan upang lumikha ng mga eksklusibong totoong mga imahe, ang artista ay naging malaya. Siyempre, inabot ng publiko ang isang siglo upang makahabol sa mga artista sa kanilang pag-unawa sa biswal na musika at ihinto ang pagsasaalang-alang sa mga taong tulad ni Van Gogh na "baliw". Sa parehong oras, ang mga artista ay nagsimulang aktibong gumamit ng mga litrato bilang isang "sanggunian materyal". Pagkatapos ang mga taong tulad ni Wassily Kandinsky, ang Russian avant-garde, Mark Rothko, Jackson Pollock ay lumitaw. Ang pagsunod sa pagpipinta, arkitektura, iskultura at musika ay napalaya rin. Totoo, ang Russian akademikong paaralan ng pagpipinta ay natigil sa oras, at ngayon ay nakakahiya pa rin sa mga akademya at paaralan na gumamit ng litrato upang matulungan, at ang pinakamataas na gawa ay itinuturing na isang pulos panteknikal na kakayahang gumuhit ng makatotohanang hangga't maaari sa mga walang kamay.

Salamat sa isang artikulo ng mamamahayag na si Lawrence Weschler, na naroroon sa pananaliksik nina David Hockney at Falco, isa pang nakawiwiling katotohanan ang isiniwalat: ang larawan ng mag-asawang Arnolfini ni Van Eyck ay isang larawan ng isang mangangalakal na Italyano sa Bruges. Si G. Arnolfini ay isang Florentine at bukod dito, siya ay isang kinatawan ng Medici bank (halos ang mga may-ari ng Florence sa panahon ng Renaissance, ay itinuturing na mga parokyano ng sining ng panahong iyon sa Italya). At sinasabi nito kung ano? Ang katotohanan na madali niyang nakuha ang lihim ng guild ng St. Luke - ang salamin - kasama niya, kay Florence, kung saan, ayon sa tradisyunal na kasaysayan, nagsimula ang Renaissance, at ang mga artista mula sa Bruges (at, nang naaayon, iba pang mga masters) ay itinuturing na "primitivists".

Mayroong maraming kontrobersya sa paligid ng teyorya ng Hockney-Falco. Ngunit tiyak na mayroong butil ng katotohanan dito. Tulad ng para sa mga mananalaysay ng sining, kritiko at istoryador, mahirap ding isipin kung gaano karaming mga gawaing pang-agham sa kasaysayan at sining ang naging kumpletong kalokohan, binabago din nito ang buong kasaysayan ng sining, lahat ng kanilang mga teorya at teksto.

Ang paggamit ng optika ay hindi nakakabawas ng mga talento ng mga artista - kung tutuusin, ang pamamaraan ay isang paraan ng paghahatid ng nais ng artist. At sa kabaligtaran, ang katunayan na mayroong isang tunay na katotohanan sa mga kuwadro na ito ay nagdaragdag lamang ng timbang sa kanila - kung tutuusin, ganito ang hitsura ng mga tao sa panahong iyon, mga bagay, lugar, lungsod. Ito ay totoong mga dokumento.

Ang Renaissance, o Renaissance, ay isang makasaysayang milyahe sa kultura ng Europa. Ito ay isang nakamamatay na yugto sa pag-unlad ng sibilisasyong pandaigdigan, na pumalit sa siksik at obscurantism ng Middle Ages at naunahan ang paglitaw ng mga pagpapahalagang pangkulturang ng Bagong Oras. Ang Anthropocentrism ay likas sa pamana ng Renaissance - sa madaling salita, isang oryentasyon patungo sa Tao, ang kanyang buhay at trabaho. Ang paglayo ng sarili mula sa mga dogma ng simbahan at balangkas, ang sining ay nakakakuha ng isang sekular na karakter, at ang pangalan ng panahon ay tumutukoy sa muling pagkabuhay ng mga antigong motif sa sining.

Ang Renaissance, na nagmula sa Italya, ay karaniwang nahahati sa tatlong yugto: maaga ("quattrocento"), mataas at huli. Isaalang-alang ang mga tampok ng gawain ng mga dakilang master na nagtrabaho sa mga sinaunang, ngunit makabuluhang oras.

Una sa lahat, dapat pansinin na ang mga tagalikha ng Renaissance ay hindi lamang nakikibahagi sa "dalisay" na pinong sining, ngunit ipinakita din ang kanilang sarili bilang may talento na mga mananaliksik at mga taga-tuklas. Halimbawa, ang isang hanay ng mga patakaran para sa pagbuo ng isang linear na pananaw ay inilarawan ng isang arkitekto mula sa Florence na nagngangalang Filippo Brunelleschi. Ang mga batas na binuo niya ay ginawang posible na tumpak na mailarawan ang isang tatlong-dimensional na mundo sa canvas. Kasabay ng sagisag ng mga progresibong ideya sa pagpipinta, ang mismong ideolohikal na nilalaman nito ay nagbago rin - ang mga bayani ng mga kuwadro na gawa ay naging mas "makalupang", na may binibigkas na mga personal na katangian at karakter. Inilapat pa ito sa mga gawa sa mga paksang nauugnay sa relihiyon.

Natitirang mga pangalan ng panahon ng Quattrocento (ikalawang kalahati ng ika-15 siglo) - Ang Botticelli, Masaccio, Mazolino, Gozzoli at iba pa - naaangkop na nakakuha ng isang lugar ng karangalan sa kaban ng yaman ng kultura ng mundo.

Sa panahon ng Mataas na Renaissance (unang kalahati ng ika-16 na siglo), ang buong ideolohikal at malikhaing potensyal ng mga artista ay buong isiniwalat. Ang isang tampok na katangian ng oras na ito ay ang sanggunian ng sining sa panahon ng unang panahon. Gayunpaman, ang mga artista ay hindi bulag na kinokopya ang mga sinaunang paksa, ngunit sa halip ay gamitin ang mga ito upang lumikha at bumuo ng kanilang sariling natatanging mga estilo. Salamat dito, nakakakuha ang visual art ng pagkakapare-pareho at kalubhaan, na nagbubunga sa isang tiyak na kabastusan ng nakaraang panahon. Ang arkitektura, iskultura at pagpipinta ng oras na ito ay magkatugma sa bawat isa. Ang mga gusali, fresko, kuwadro na gawa na nilikha sa panahon ng Mataas na Renaissance ay totoong mga obra maestra. Ang mga pangalan ng kinikilalang henyo ay kumikinang: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarotti.

Ang pagkatao ni Leonardo da Vinci ay nararapat na espesyal na pansin. Sinabi nila tungkol sa kanya na ito ay isang tao na mas nauna sa kanyang oras. Isang artista, arkitekto, inhinyero, imbentor - hindi ito isang kumpletong listahan ng mga hypostase ng maraming katangian na pagkatao na ito.

Si Leonardo da Vinci ay kilala sa modernong tao sa kalye lalo na bilang isang pintor. Ang pinakatanyag niyang akda ay si Mona Lisa. Gamit ang kanyang halimbawa, maaaring pahalagahan ng manonood ang pagbabago ng pamamaraan ng may-akda: salamat sa natatanging lakas ng loob at nakakarelaks na pag-iisip, nakabuo si Leonardo ng panimulang mga bagong paraan upang "muling buhayin" ang imahe.

Gamit ang kababalaghan ng pagsabog ng ilaw, nakamit niya ang pagbawas sa kaibahan ng mga pangalawang detalye, na tinaasan ang pagiging totoo ng imahe sa isang bagong antas. Ang master ay nagbigay ng espesyal na pansin sa anatomical na katumpakan ng sagisag ng katawan sa pagpipinta at graphics - ang mga proporsyon ng "perpektong" pigura ay naayos sa "Vitruvian Man".

Ang ikalawang kalahati ng ika-16 at unang kalahati ng ika-17 siglo ay karaniwang tinatawag na Late Renaissance. Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng magkakaibang kultura at malikhaing pagkahilig, kaya't mahirap husgahan ito nang hindi maliwanag. Ang mga relihiyosong kalakaran sa timog ng Europa, na isinama sa Counter-Reformation, ay humantong sa isang abstraction mula sa pagluwalhati ng kagandahan ng tao at mga sinaunang mithiin. Ang pagkakasalungatan ng mga nasabing sentimyento sa mahusay na matatag na ideolohiya ng Renaissance ay humantong sa paglitaw ng pamamahayag ng Florentine. Ang pagpipinta sa istilong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mabuong paleta ng kulay at mga sirang linya. Ang mga Venetian masters noong panahong iyon - si Titian at Palladio - ay bumuo ng kanilang sariling mga direksyon sa pag-unlad, na may ilang mga punto ng pakikipag-ugnay sa mga manifestations ng krisis sa sining.

Bilang karagdagan sa Italian Renaissance, dapat bigyan ng pansin ang Hilagang Renaissance. Ang mga artista na nanirahan sa hilaga ng Alps ay hindi gaanong naiimpluwensyahan ng sinaunang sining. Sa kanilang trabaho, ang impluwensya ng Gothic ay natunton, na nakaligtas hanggang sa pagsisimula ng panahon ng Baroque. Ang magagaling na pigura ng Hilagang Renaissance ay sina Albrecht Durer, Lucas Cranach the Elder, Pieter Bruegel the Elder.

Ang pamana ng kultura ng mga dakilang artista ng Renaissance ay hindi mabibili ng salapi. Ang pangalan ng bawat isa sa kanila ay nababahala at maingat na napanatili sa memorya ng sangkatauhan, dahil ang nagsusuot nito ay isang natatanging brilyante na may maraming mga mukha.