Ang mga kompositor ng Pransya ay mga harpsichordist ng ika-18 siglo. Mga kompositor ng Pransya

Panimula

Kabanata I. Mga kinakailangan para sa pamumulaklak ng musika ng mga French harpsichordist

1 Mga instrumentong pangmusika sa keyboard noong ika-18 siglo

2 Mga tampok sa istilong Rococo sa musika at iba pang mga uri ng pagkamalikhain

Kabanata II. Mga larawang pangmusika ng mga French harpsichordist

1 Harpsichord na musika ni J.F. Ramo

2 Harpsichord na musika ni F. Couperin

Konklusyon

Listahan ng bibliograpiya

Panimula

Ang paaralan ng harpsichord ng Pransya ay umabot sa tuktok sa gawain ng dalawang henyo - si Francois Couperin at ang kanyang nakababatang kontemporaryong si Jean Philippe Rameau.

Si Francois Couperin ay isang kompositor ng Pransya, harpsichordist, organista. Mula sa isang dinastiyang maihahalintulad sa German Bach dynasty, dahil maraming mga henerasyon ng mga musikero sa kanyang pamilya. Ang Couperin ay binansagan na "ang dakilang Couperin" na bahagyang dahil sa kanyang pagkamapagpatawa, bahagyang dahil sa kanyang pagkatao. Ang kanyang trabaho ay ang rurok ng French harpsichord art. Ang musika ni Couperin ay nakikilala sa pamamagitan ng malambing na talino sa paglikha, biyaya, pagpipino ng mga detalye.

Si Jean Philippe Rameau ay isang kompositor ng Pransya at teoristang musika. Gamit ang mga nagawa ng mga kulturang musikal ng Pransya at Italyano, makabuluhang binago niya ang istilo ng klasikong opera, naghanda ng isang reporma sa opera ni K.V Gluck. Sinulat niya ang mga trahedyang liriko na Hippolyte at Arisia, Castor at Pollux, ang opera-ballet na Gallant India, mga piraso ng harpsichord at marami pa. Ang kanyang mga gawaing panteorya ay isang makabuluhang yugto sa pagbuo ng doktrina ng pagkakaisa.

Ang layunin ng gawaing ito sa kurso ay pag-aralan ang mga materyales tungkol sa buhay at gawain ng dalawang mahusay na mga harpsichordist at kilalanin ang mga tampok ng kanilang trabaho.

) pag-aralan ang panitikan sa paksang ito;

) isaalang-alang ang pangunahing mga tampok ng estilo ng Rococo;

) upang ibunyag ang mga tampok ng gawain ng mahusay na French harpsichordists - F. Couperin at J.F. Ramo.

Ang gawaing ito ay nauugnay sa ating panahon, dahil ang Rameau at Couperin ay isang espesyal na kontribusyon sa musikang klasiko sa buong mundo.

1.1 Mga Instrumentong Pangmusika sa Keyboard noong ika-18 Siglo

Pagsapit ng ika-17 siglo, ang mga mekanismo ng mga instrumento sa keyboard tulad ng clavichord at harpsichord ay kilalang kilala. Sa clavichord, ang tunog ay ginawa gamit ang isang flat metal pin (tangent), at sa harpsichord, gamit ang feather ng isang uwak (plectrum).

Ang clavichord ay masyadong tahimik para sa malalaking pagganap. At ang mga harpsichords ay gumawa ng isang medyo malakas na tunog, ngunit hindi inihayag nang magkahiwalay ang bawat tala.

Ang pinaka-makabuluhang gumawa ng mga harpsichords noong ika-18 siglo ay ang Shudi at ang pamilya Kirkman. Ang kanilang mga instrumento ay mayroong isang katawan ng oak plywood at isang malakas na tunog na may isang mayamang timbre. Noong ika-18 siglo Alemanya, ang Hamburg ang pangunahing sentro para sa paggawa ng harpsichord. Kabilang sa mga instrumento na ginawa sa lungsod na ito ay ang mga instrumento na may dalawa at labing-anim na rehistro, pati na rin may tatlong mga manwal. Ang hindi karaniwang haba na modelo ng harpsichord ay dinisenyo ni J.D.Dulken, isang nangungunang Dutch master noong ika-18 siglo. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo<#"justify">Sa loob ng maraming taon ang harpsichord ay ang pinakatanyag na instrumento sa maraming mga bansa sa buong mundo. Mula ika-16 hanggang ika-18 siglo pinapanatili ng harpsichord ang katanyagan nito. Kahit na matapos ang pag-imbento ng piano, na kung saan ay mas madali at mas komportable na tumugtog, ang mga musikero ay nagpatuloy na gumamit ng harpsichord. Tumagal ng isang daang taon bago makalimutan ng mga musikero ang tungkol sa harpsichord at lumipat sa piano.

Mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang harpsichord ay nagsimulang mawalan ng katanyagan, at hindi nagtagal ay nawala mula sa mga yugto ng mga bulwagan ng konsyerto nang kabuuan. Sa kalagitnaan lamang ng ika-19 na siglo, naalala ng mga musikero ang tungkol sa kanya, at sa kasalukuyan, maraming mga institusyong pang-edukasyon sa musika ang nagsimulang maghanda ng mga tagapalabas na tumutugtog ng harpsichord.

2 Mga tampok sa istilong Rococo sa musika at iba pang mga uri ng pagkamalikhain

Rococo - isang istilo sa sining na nagmula sa Pransya<#"justify">Ang paglitaw ng istilong Rococo ay sanhi ng mga pagbabago sa pilosopiya, panlasa at buhay sa korte. Ang ideological na batayan ng estilo ay walang hanggan kabataan at kagandahan, galante at melancholic biyaya, makatakas mula sa katotohanan, ang pagnanais na itago mula sa katotohanan sa idyll ng isang pastol at mga kagalakan sa kanayunan. Ang istilong Rococo ay nagmula sa Pransya at kumalat sa ibang mga bansa: Italya, Alemanya, Russia, Czech Republic at iba pa. Nalalapat din ito sa pagpipinta at iba pang mga anyo ng sining.

Ang pagpipinta ni Rococo ay malinaw na ipinamalas ang sarili sa Pransya at Italya. Sa halip na mga kaibahan at maliliwanag na kulay, isang iba't ibang mga kulay ng mga kulay ang lumitaw sa pagpipinta, mga ilaw na kulay ng pastel, rosas, asul, lila. Ang tema ay pinangungunahan ng mga pastor<#"justify">Kabanata II. Mga larawang musikal ng mga French harpsichordist

2.1 Harpsichord na musika ni J. Ramot

Si Rameau ay ipinanganak at lumaki sa mga propesyonal na musikero sa isa sa mga sinaunang sentro ng musikal ng Pransya - ang lungsod ng Dijon, sa pamilya ng isang organista. Ang kanyang kaarawan ay hindi alam, ngunit siya ay nabinyagan noong Setyembre 25, 1683. Ang kabisera ng Burgundy ay matagal nang sikat bilang isa sa pinakalumang sentro ng musikang Pransya. Ang ama ni Jean Rameau ay nagsilbi roon bilang organista sa Notre Dame de Dijon at tila ang kauna-unahang mentor ng musikal ng isa sa pinakadakilang kompositor ng Pransya. Sa malayong oras na iyon, ang edukasyon sa musika sa bahay ay nag-ugat halos saanman bilang isang uri ng hindi matitinag na tradisyon, at sa kabaligtaran, ang masining na pagpapabuti ng isang binata sa isang paaralan ng musika ay tila isang napakabihirang pagbubukod. Ang batang Rameau ay sumali sa humanities sa kolehiyo ng Heswita, na dinaluhan niya sa loob ng apat na taon. Ang impormasyong suportado ng mga materyal na dokumentaryo tungkol sa mga batang taon ni Jean Philippe ay mahirap makuha. Alam na tiyak na sa edad na labing walo, siya, sa pagkusa ng kanyang ama, ay nagtungo sa Italya para sa edukasyon sa musika, ngunit hindi lumayo kaysa sa Milan.

Sa oras na iyon, ang musikang Italyano ay nakakuha ng pangkalahatang pansin kapwa sanhi ng paglitaw ng isang bagong uri ng teatro musikal ng Pransya (ang Queen's Comic Ballet ay itinanghal sa paglahok ng mga Italyano), at dahil sa patakarang maka-Italyano na tinugis ng mga hari ng Dinastiyang Valois. Noong 1700, sumali ito sa isang teoretikal na kontrobersya tungkol sa Italyano at Pranses na musika sa pagitan ng Italyano na si Abbot Ragen at ng Galloman Lecerf de la Vieville. Pagkalipas ng ilang buwan, bumalik si Rameau sa Pransya, kung saan gumanap siya sa isang katamtamang papel bilang isang biyolinista na naglalaro sa mga tropa ng mga komedyante na naglalakbay - ang mga itinatanghal na may kamangha-manghang kawastuhan at tula sa mga gawa ni Antoine Watteau. Napakahalagang panahon na ito sa buhay ng artista: sumali siya sa katutubong teatro, opera, ballet. Marahil, sa mga taong iyon, ang mga melodic na imahe ng ilan sa kanyang mga piraso ng harpsichord ay lumitaw sa texture ng violin.

Mula noong 1702, gumanap ang Rameau sa isang bagong tungkulin - bilang isang organista ng simbahan sa ilang mga lungsod sa panlalawigan - Avignon, Clermont-Ferrand, kung saan nakasulat ang kanyang unang cantatas - "Medea" at "Kawalang-tiyaga." Noong 1705, siya ay unang lumitaw sa kabisera, kung saan siya naglaro sa dalawang maliliit na simbahan; noong 1706 - nai-publish ang unang kuwaderno ng kanyang mga piraso ng harpsichord. Natanggap ng Musical Paris ang bagong dating nang walang pakialam, kung hindi malamig, sa kabila ng hindi mabilang at kamangha-manghang mga kagandahan na literal na kumikislap at kumikislap sa unang suite sa Isang menor de edad ng kanyang mga piraso ng harpsichord (kasama ang tanyag na paunang salita nang walang bar).

Sa simula ng ikalawang panahon ng Paris, si Rameau ay nagsimula sa landas ng musikal na teatro. Lahat ng bagay sa buhay ay mahirap para sa kanya, at ang landas na ito ay naging matinik. Noong 1727, sa paghahanap ng isang libretto, paulit-ulit siyang lumingon sa tanyag na de la Motta. Ang isa sa mga liham ni Rameau sa librettist na ito ay isang tunay na klasikal na paglalahad ng kanyang teoryang pagpapatakbo ng aesthetic. Gayunpaman, ang paborito ng Royal Opera, na labis na nasisira ng mga mag-aaral ni Lully, ay hindi na isinasaalang-alang na kinakailangan upang tumugon sa mga mensaheng ito. Nagpatuloy si Rameau sa pag-compose. Ang pangalawa ay sinundan ng isang pangatlong libro ng mga piraso ng harpsichord at mga bagong cantatas - "Aquilon at Oritia" at "Faithful Shepherd". Noong 1732 - ang taon na ipinanganak si Joseph Haydn, noong si François Couperin ay nabubuhay sa kanyang huling mga araw, at isinulat ni Voltaire ang "Zaire" - sa mismong taon ay lumitaw si Rameau sa salon ng namumuno sa mga artista noon, pangkalahatang kolektor ng buwis, Alexander la Pouplinier. Natagpuan niya rito ang kanyang kauna-unahang librettist na si Abbot Pellegrain, at nakilala ang pinakadakilang makata at manunulat ng dula noon na Pransya, na nakakulong kahapon ng Bastille - si François Marie Arouet-Voltaire.

Ang kakilala na ito ay naging isang pakikipagtulungan sa pagitan ng dalawang natitirang mga artista, ito ay sa pinakamahalagang paggabay na kahalagahan para sa Rameau: sa kanya ang kompositor ay umutang sa karamihan ng kanyang pagbabago sa pinakadakilang musikal na pigura ng pre-rebolusyonaryong klasismo noong ika-18 siglo.

Ang pakikipagtulungan sa Voltaire ay may isang mapagpasyang impluwensya sa Rameau, nag-ambag ito sa pangwakas na pagbuo ng kanyang mga estetika, pananaw sa teatro, kanyang drama, mga genre, at, tulad ng maaaring ipalagay, ang kanyang istilo ng pagsasalita, ang hindi mapaglabanan na impluwensya na umaabot sa musikang Pransya ngayon

Ang elemento ni Rameau ay isang sayaw, kung saan siya, habang pinapanatili ang mga tampok na galante, nagpakilala ng ugali, talas, folk-genre na ritmo-intonasyon, na narinig sa kanyang kabataan sa mga patas na lugar. Sa una, pinapakinggan nila ang tart, kung minsan ay nagtatampo sa kanyang mga piraso ng harpsichord, at mula doon ay pumasok sa opera house, na lumalabas sa harap ng madla sa isang bago, orchestral na sangkap.

Ang kanyang mga piraso ng harpsichord ay ginampanan ng halos lahat ng mga kabutihan ng Europa, ang pinakaharang pamilya mula sa aristokrasya ng Pransya na pinagtatalunan sa kanilang sarili ng karapatang turuan ang kanilang mga anak sa kanya. Ito ay isang napakatalino karera.

Ang musika ng harpsichord ng Rameau ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malaking ugnay, salungat sa mga tradisyon ng kamara ng genre. Hindi siya madaling makagawa ng banayad na pagsulat ng mga detalye. Ang kanyang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng isang matingkad na katangian, dito maaaring maramdaman agad ang sulat-kamay ng isang ipinanganak na kompositor ng theatrical ("Manok", "Savages", "Cyclops").

Bilang karagdagan sa mga kamangha-manghang mga piraso ng harpsichord, sumulat si Rameau ng maraming "mga trahedyang liriko", pati na rin ang groundbreaking na Treatise on Harmony, na nakakuha sa kanya ng isang reputasyon bilang isang pangunahing teoristang musikal.

Kaakibat ng teatro mula sa isang murang edad, pagsusulat ng musika para sa patas na pagtatanghal, huli na ang Rameau, limampung taong gulang na, nagsimulang gumanap sa mga opera. Ang unang opus na "Samson" sa libretto ng Voltaire ay hindi nakita ang eksena dahil sa balangkas sa Bibliya.

Ang isang makabuluhang lugar ng trabaho ni Rameau ay ang musika ng harpsichord. Ang kompositor ay isang natitirang tagaganap na improvisational. Noong 1706, 1722 at humigit-kumulang noong 1728, 5 mga suite ang nai-publish, kung saan ang mga piraso ng sayaw (allemand, courante, minuet, sarabanda, gigue) ay pinalitan ng mga katangiang may mga pangalan na nagpapahayag: "Magiliw na Mga Reklamo", "Pag-uusap ng Mga Muse", "Savages", "Mga buhawi" at iba pang mga gawa.

Ang kanyang pinakamahusay na mga dula ay nakikilala sa pamamagitan ng mataas na kabanalan - "The Calling of Birds", "Peasant Woman", na-agit na galit - "Gypsy", "Princess", isang banayad na kombinasyon ng pagpapatawa at mapanglaw - "Chicken", "Lame". Ang obra maestra ni Rameau ay si Gavotte na may Mga Pagkakaiba-iba, kung saan ang isang sopistikadong tema sa sayaw ay unti-unting tumitipid. Ang dula na ito ay sumasalamin sa paggalaw ng espiritu ng panahon: mula sa pino na tula ng mga galak na kasiyahan sa mga pintura ni Watteau hanggang sa rebolusyonaryong klasismo ng mga kuwadro ni David. Bilang karagdagan sa mga solo suite, sumulat si Rameau ng 11 mga konsyerto ng harpsichord, na sinamahan ng mga silid ng ensemble.

Ang mga kapanahon ni Rameau ay unang nakilala bilang isang teoretista sa musika, at pagkatapos ay bilang isang kompositor. Bilang isang esthetician, ipinagtanggol niya ang advanced na teorya ng kanyang panahon - ang teorya ng sining bilang isang pekeng kalikasan. Sinisiyasat ang mga batas ng pagkakaisa, nagpatuloy siya, sa kakanyahan, mula sa isang materyalistikong pag-unawa sa mga tunog at tunog na sensasyon (natural na sukat ng tunog bilang isang kababalaghan ng pisikal na mundo). Hiniling niya na suriin at bigyang kahulugan ng musikero ang praktikal na karanasan sa pamamagitan ng pangangatuwiran at talino. Rameau teoretikal na binuo at napatunayan ang istraktura ng trinity, pagbabaliktad ng chord, ipinakilala ang konsepto ng "harmonic center" (tonic), nangingibabaw at lalo na ang mga subdominant function.

2 Harpsichord na musika ni F. Couperin

Si François Couperin ay isinilang noong Nobyembre 10, 1668 sa Paris sa isang namamana na pamilyang musikal ng organista ng simbahan na si Charles Couperin. Ang kanyang mga kakayahan ay nahayag nang maaga, ang kanyang unang guro ay ang kanyang ama; pagkatapos ay nagpatuloy ang mga pag-aaral sa musikal sa ilalim ng direksyon ng organista na si J. Tomlin. Noong 1685, kinuha ni François Couperin ang posisyon ng organista sa Church of Saint-Gervais, kung saan dati nang nagtatrabaho ang kanyang lolo na si Louis Couperin at ang kanyang ama. Mula noong 1693, nagsimula ring magtrabaho si François Couperin sa korte ng hari - bilang isang guro, pagkatapos ay organista ng chapel ng korte, musikero ng kamara (harpsichordist).

Iba't iba ang kanyang mga tungkulin: gumanap siya bilang isang harpsichordist at organista, binubuo ng musika para sa mga konsyerto at para sa simbahan, sinamahan ang mga mang-aawit at nagbigay ng mga aralin sa musika sa mga miyembro ng pamilya ng hari. Sa parehong oras, hindi siya umalis sa mga pribadong aralin at pinanatili ang posisyon ng organista sa Church of Saint-Gervais. Bagaman ang buhay at posthumous na kaluwalhatian ng Couperin ay pangunahing nauugnay sa kanyang mga katangian bilang isang kompositor - harpsichordist, nagsulat siya ng maraming mga gawa para sa silid ng grupo (mga konsyerto, trio sonatas), at kabilang sa kanyang mga banal na gawa ay mayroong dalawang organ ng masa, mga motet at iba pa -tinawag na "L eçons des Ténèbres "(" Mga pagbabasa sa gabi "). Halos lahat ng buhay ni Couperin ay ginugol sa kabisera ng Pransya o sa Versailles. Kakaunti ang mga detalyeng biograpiko tungkol sa kanya.

Pangunahin nang nabuo ang kanyang istilong pangmusika sa mga tradisyon ng paaralang Pranses ng mga harpsichordist, tulad ng buong pagkumpirma ng nilalaman ng kanyang lathalain na The Art of Playing the Harpsichord. Sa parehong oras, sa gawain ng Couperin, ang French harpsichordism ay umabot sa isang mataas na antas ng kapanahunan: dito, halos lahat ng mga artistikong posibilidad na nakabalangkas sa malikhaing paaralan na ito ay isiniwalat sa pinakamahusay na paraan. Kung si Jean-Philippe Rameau ay nagpunta nang higit pa sa ganitong kahulugan kaysa sa Couperin, pagkatapos ay nagsimula na siya ng isang uri ng bahagyang rebisyon ng mga tradisyon ng harpsichordism - parehong matalinhaga at komposisyon.

Sa kabuuan, sumulat si Couperin ng higit sa 250 mga piraso para sa harpsichord. Sa kaunting mga pagbubukod, isinama ang mga ito sa mga koleksyon ng 1713, 1717, 1722 at 1730. Ang mga dula na ito ay kapansin-pansin para sa kanilang kamangha-manghang pagkakaisa at integridad ng artistikong istilo. Mahirap pang maramdaman kung gaano eksakto ang mahabang malikhaing ebolusyon ng kompositor na ipinakita mismo sa kanila. Maliban kung ang estilo ng pagtatanghal ay naging isang mas mahigpit sa paglipas ng mga taon, ang mga linya ay naging maliit na mas malaki, ang pagpapakita ng galante ay hindi gaanong kapansin-pansin, at ang direktang pag-asa sa sayaw ay nabawasan.

Sa mga naunang gawa ng Couperin, ang ilang mga sayaw (na may mga pagtatalaga: allemand, courante, sarabanda, gigue, gavotte, minuet, canari, paspier, rigodon), kung minsan ay may mga subtitle na may programmatic, ay mas karaniwan. Sa paglipas ng panahon, mas kaunti ang mga ito, ngunit hanggang sa mga nagdaang taon na nakasalamuha ng kompositor ang allemanda, sarabanda, minuet, gavotte, hindi na banggitin ang mga paggalaw ng sayaw sa mga piraso ng programa nang walang pagtatalaga ng isa o ibang sayaw. Nang hindi nakikipaghiwalay sa sayaw (kabilang ang mga tradisyunal na sayaw ng suite), lalo na sa prinsipyo ng sayaw sa komposisyon ng kanyang maliliit na piraso, gayunpaman, ay hindi pinagsasama ng Couperin ang mga ito sa mga suite. Tinawag niya ang pagtugma ng maraming mga piraso (mula apat hanggang dalawampu't apat) na "ordre", iyon ay, isang sunud-sunod, isang serye. Hindi binibigyang diin nito ang anumang tipikal na pagbuo ng kabuuan, ngunit sa tuwing libre, walang matatag na pag-andar ng mga bahagi, ang paghahalili ng lima, anim, pitong, walo, siyam, sampung (mas madalas - higit pa) na mga piraso. Ang apat na koleksyon ay naglalaman ng 27 tulad ng "serye". Sa bawat isa sa kanila, sa prinsipyo, walang pangunahing o pangalawang bahagi, walang sapilitan paghahambing, ngunit ito mismo ang paghahalili ng mga miniature na lumilitaw, tulad nito, ang kanilang kuwintas na bulaklak, na maaaring mapalawak kapwa mas malawak at mas mahinhin , depende sa hangarin ng kompositor. Sa parehong oras, walang dapat makadala sa iyo sa magaan na serye ng kaaya-aya, nakakaakit, nakakatawa, nakakatawa, napakatalino, makulay, katangian, kahit na mga larawan ng larawan o genre. Samakatuwid, ang mga piraso sa bawat ordre ay napili nang walang kaguluhan sa kagalingan ng maraming bagay, ngunit nang hindi binabali ang pangkalahatang pagkakaisa ng masining na kinakailangan ng mabuting lasa (na pinahahalagahan ng Couperin na higit sa lahat). Siyempre, maraming mga indibidwal na solusyon ang posible dito, na sa huli ay bumubuo ng pangunahing prinsipyo ng naturang mga komposisyon.

Ang mga pag-play mismo, tulad ng dati sa mga harpsichordist, ay may pare-parehong katangian ng isang imahe, kung ito ay isang tumutukoy na tampok ng hitsura (mas madalas ng isang babae), kung ito ay isang portrait sketch ("nominal" na pag-play), isang pangkatang kababalaghan ng kalikasan, isang uri, pagpapahayag ng ilang mga emosyon, isang mitolohikal na tauhan, isang eksena o sitwasyon na malinaw na binigyang inspirasyon ng isang opera at ballet theatre. At saanman ang musika ni Couperin ay kaaya-aya, puspos ng gayak; ito ay ayon sa ritwal na kakatwa, nababago, o masasayaw; payat sa hugis; nagpapahayag, ngunit walang nakakaapekto; kung marilag, kung gayon walang mga espesyal na pathos, kung malambing, pagkatapos ay walang espesyal na pagkasensitibo, kung masayahin at pabago-bago, pagkatapos ay sa labas ng elemental na lakas, kung siya ay sumasalamin ng nakalulungkot o "madilim" na mga imahe, pagkatapos ay may marangal na pagpipigil.

Kinukumpirma ng kompositor na palagi niyang naisip ang kanyang musika na matalinhaga, kahit na sa isang larawan. Alinsunod sa mga Aesthetic norms ng oras at lalo na ang kapaligiran kung saan nagtrabaho si Couperin, ang kanyang mga imahe - "mga larawan" sa iba't ibang degree na pinagsama ang tunay na kawastuhan sa kombensiyon. At kung mas mataas ang posisyon ng lipunan ng "inilalarawan" ay, mas lalo na ang artist ay nakagapos dito.

Sa kasalukuyan, maraming mga tukoy na personalidad ang kilala, na ang mga pangalan ay lilitaw sa mga pamagat ng dula ni Couperin. Karamihan sila ay mga asawa o anak na babae ng mga marangal na tao o musikero (G. Garnier, A. Forcre, J. B. Mare) na nakipag-usap ang kompositor.

Ang pagsusulat ng musikal ng Couperin ay labis na detalyado sa lahat ng mga subtleties at nakakagulat na naka-istilong. Sa ilang mga paghihigpit at kombensyon sa aesthetic, nakakahanap siya ng magkakaibang, kahit matinding, mga pagkakataong maging makahulugan sa harpsichord. "Ang harpsichord mismo ay isang napakatalino na instrumento, perpekto sa saklaw nito, ngunit dahil ang harpsichord ay hindi maaaring madagdagan o mabawasan ang lakas ng tunog, palagi akong magiging nagpapasalamat sa mga taong, salamat sa kanilang walang katapusang perpektong sining at panlasa, ay makakaya upang maipahayag ito. Ito ang hinahangad ng aking mga hinalinhan, hindi na banggitin ang mahusay na komposisyon ng kanilang mga dula. Sinubukan kong pagbutihin ang kanilang mga natuklasan, "Sumulat si Couperin nang may magandang dahilan sa paunang salita sa unang koleksyon ng mga piraso ng harpsichord.

Sa paghahambing sa kanyang mga hinalinhan, ginagamit ni Couperin ang mga kakayahan ng harpsichord nang mas malawak, may higit na kalayaan na magtapon ng mga sonority sa buong saklaw nito, dalawang mga manwal ng isang malaking instrumento (ang mga piraso ng "crois ée ", iyon ay, sa mga tawiran), komprehensibong bubuo ng tekstong harpsichord, pinapagana ang nangungunang boses (na may tumutukoy na halaga ng homophonic warehouse), pinahuhusay ang pangkalahatang dynamics sa loob ng pag-play, at binibigyang pansin ang gayak. Bilang isang resulta, ang tela ng musikal ng kanyang mga gawa ay naging maganda at transparent sa parehong oras, na ngayon ay napakaganda ng gayak, napuno ng mga pinakamahusay na stroke ng intonation, na ngayon ay puno ng paggalaw ng ilaw na may kamag-anak na simple ng mga pangkalahatang linya. Ang pinakamahirap na bagay ay upang bawasan ang kanyang pagsulat ng harpsichord sa anumang uri o pamantayan. Dito ang pangunahing kagandahan ay sa kadaliang kumilos, sa paglitaw ng hindi mabilang na mga pagkakaiba-iba ng make-up ng musikal, na tinutukoy ng mga matalinhagang nuances. Ito ay nasa harpsichord, na walang likas na paraan ng hinaharap na piano (hindi nito pinayagan ang tunog na tumagal, upang makamit ang crescendo at diminuendo effects, upang malalim na pag-iba-ibahin ang kulay ng tunog), na ang pinaka-detalyadong, alahas , ang "lace" na pag-unlad ng pagkakayari ay lubos na mahalaga, na ginawa ng Couperin.

Ang isang espesyal na lugar sa gawain ng Couperin ay inookupahan ng Passacaglia h-moll, kasama sa ordre VIII, - marahil ang pinaka malalim at taos-pusong gawain kasama ng kanyang mga piraso para sa harpsichord. Malawak na bukas (174 na mga panukala), napakalinaw sa komposisyon, ito ay isang rondo na may walong talata. Ang tema ng rondo mismo ay maganda - mahigpit, pinipigilan, chordal, sa isang chromatically ascending bass: isang walong beat ng dalawang magkatulad na apat na sukat:

Ang dimensionality na ito, bigat, minorya ay lalo na may shade na maayos: ang makinis na humahantong sa boses ay nagbibigay-daan sa iyo upang mahinahon na makamit ang maharmonya ang talas at banayad na mga pagbabago sa kulay sa kanilang pagsasalamin sa himig, na babalik sa melodic menor de edad. Ang pangkalahatang karakter ng tunog ay pare-pareho - seryoso at magiging malubha, kung hindi para sa mga malambot na pag-apaw na maharmonya. Hindi inaalis ng mga couplet ang impression na ginawa ng napakalaking nangingibabaw na tema. Inihayag nila ang isang kamangha-manghang kayamanan ng imahinasyon ng kompositor - habang pinapanatili ang masining na integridad ng piraso.

Gamit ang banayad na pagiging sopistikado ng marami sa mga dula ni Couperin, sa kanilang sariling paraan naiiba ang iilan, ngunit kapansin-pansin pa rin sa kanyang matalinhagang sagisag ng pangunahing bayaning prinsipyo, ang parang digmaan na pagtaas, ang matagumpay na tagumpay. Sa mga dula na "Triumphal" at "Trophy" ang kabayanihan na ito ay ipinahayag hindi lamang sa isang simple at lapidary form, ngunit kahit na sa isang karaniwang istraktura ng intonation (fanfare, signal).

Ang kamangha-manghang kakayahan ng Couperin na kumuha ng magkakaibang mga artistikong resulta mula sa isang sistema ng katulad o kaugnay na mga pamamaraan ng pagtatanghal. Medyo kakaiba, halimbawa, ay ang kanyang ugali na pamunuan ang himig sa isang mababang, na parang ang pagrerehistro ng tenor sa buong buong (o halos buong) piraso, na nakatagpo na namin sa maliit na Maliit na Paglalamay, at gayun din, sa isang ganap na naiiba paraan, sa malaking rondo Ang Misteryosong mga hadlang ". Sa ibang mga kaso, ang mga naturang kulay ng rehistro kung minsan ay nagsisilbi sa kanya upang ipahayag ang likas na matapang na prinsipyo ("Syreroas"), pagkatapos ay ihatid ang dagundong ng mga alon, na ipakikilala sa kanya sa isang espesyal na himayang patula. ("Waves"), lumalabas na kinakailangan kahit na para sa sagisag ng ibang-ibang mga pambabae na imahe. Ang huli ay nakakagulat. Gayunpaman, kapwa malambot, malinis, medyo hiwalay mula sa mga hilig na imahe ng "Angelica", at ang kaakit-akit, kahit na mahina ang imahe ng "Mapang-akit", at ang kamangha-mangha, tulad ng ariotic lyrics ng "Touching" - kasama ang lahat ng mga pagkakaiba nagpapahiwatig na paraan - ay perpektong na-set off ng mas malalim kaysa sa karaniwan, kulay:

Ang kompositor ay nag-aalala sa pagtalima sa harpsichord, una sa lahat, ng mga diskarte sa pagtatanghal na kakaiba sa instrumentong ito. Bilang isang patakaran, kung ano ang posible sa violin, sa violin sonata, ay dapat na limitado sa musika ng harpsichord, natagpuan niya. "Kung ang harpsichord ay hindi maaaring palakasin ang tunog at kung ang mga pag-uulit ng parehong tunog ay hindi umaangkop dito nang maayos, mayroon itong mga kalamangan - kawastuhan, kalinawan, kinang, saklaw."

Ang mga kasabay ni Couperin ay ang mga kompositor ng French harpsichord na sina Louis Marchand, G. Le, J. F. Dandrieu at ilang iba pa. Ang kanilang sining ay binuo kasama ang parehong mga linya ng malikhaing paaralan, na may isang kagustuhan para sa mga programatic na piraso ng maliit na form, na may interes sa tradisyonal at bagong anyo na mga sayaw. At bagaman ang bawat isa sa kanila ay may kanya-kanyang mga nagawa sa landas na ito, walang alinlangan na ang gawain ni Couperin ay ipinahayag ang oras nito na may pinakadakilang pagkakumpleto, na magagamit sa harpsichordism sa partikular nitong French bias.

Listahan ng bibliograpiya

couperin rameau french harpsichordist

1.Livanova T. Kasaysayan ng musika sa Kanlurang Europa bago ang 1789. Tomo 1.Moscow, 1983.696 p.

2. Rosenschild K.K. Musika sa Pransya ng ika-17 - simula ng ika-18 siglo. Moscow, 1979.168 p.

Livanova T.N. Musika sa Kanlurang Europa noong ika-17 hanggang 18 siglo sa mga sining. Moscow, 1977, 528 p.

Odessa State Music Academy. A.V. Nezhdanova

Abstract sa paksa:

"French harpsichordists"

1st mag-aaral sa subcourse

vocal at choral faculty

pagdadalubhasang "solo na kumakanta"

Bessarab ng Antonina.

Guro: Polevoy O.G.

Odessa 2011

Balangkas ng abstract

• Panimula
• Tungkol sa harpsichord
• Jean-Philippe Ramey (fr.Jean- Si Philippe Rameau; 09/25/1683, Dijon - 09/12/1764, Paris)
• Konklusyon
• Listahan ng mga sanggunian

Panimula

Ang pagbuo ng estilo ng clavier na musika ay nagpapatuloy sa paglagom at unti-unting pag-overtake ng mga tradisyon ng organ at lute na musika. Ang paglitaw ng pinakasimpleng repertoire ng clavichord o harpsichord ay dapat maiugnay sa ika-13 hanggang ika-16 na siglo. Ngunit ang clavier na musika ay hindi pa nakakakuha ng isang independiyenteng kahalagahan; ang mga musikero ay hindi nag-isip tungkol sa mga espesyal na pamamaraan ng pagganap o komposisyon nito. Ang mga kapanahon ay hindi naramdaman ang estilo ng clavier na musika tulad ng hindi bababa sa hanggang sa huling isang-kapat ng ika-16 na siglo. Ang musikang Clavier ay nagwagi ng kalayaan nito bilang isang pulos sekular na larangan ng sining. Kung nagpakita ito ng mga bakas ng koneksyon sa mga genre ng organ, ipinahayag lamang ito sa paglilinang ng malalaking anyo (pantasya, toccata), na noong ika-17 siglo ay hindi naging batayan ng clavier repertoire. Ang repertoire ng musika ng lute ay mas direktang minana ng harpsichord, na sa isang bilang ng mga bansa ay unti-unting pinalitan ang lute mula sa paggamit ng sambahayan.

Clavier (German Klavier) - ang pangkalahatang pangalan ng mga may string na instrumentong pangmusika sa keyboard noong mga siglo XVII-XVIII. Ang mga pangunahing uri ng clavier, na kung saan nakitungo pa rin si Bach, ay kilala noong ika-16 na siglo: ang harpsichord (mula sa pagpindot sa susi, hinawakan ng string ang stylus) at ang clavichord (mula sa parehong dagok, ang metal tangent ay hinawakan ang string) . Ang mga tampok na ito ng paggawa ng tunog (kurot o suntok) ay tinukoy ang pangunahing pagkakaiba sa timbre, lakas at tagal ng tunog ng mga instrumentong ito. Ang harpsichord ay may isang malakas, ngunit biglang tunog at mas madalas na ginagamit para sa pagtugtog sa mga konsyerto, para sa saliw sa orkestra. Sa bahay, karaniwang ginagamit nila ang clavichord - isang maliit na instrumento na may mahina, ngunit pangmatagalang tunog pa rin.

Bago lumaki ang isang malaki at mahabang maimpluwensyang malikhaing paaralan ng mga harpsichordist sa Pransya, ang katangian na hugis ng clavier na musika ay lumitaw sa kauna-unahang pagkakataon sa sining ng mga dalagang birhen ng Ingles noong huling bahagi ng ika-16 - maagang bahagi ng ika-17 siglo (William Bird, John Bull, Thomas Morley, Orlando Gibbons). Nangyari ito sa panahon ng Shakespeare, sa panahon ng kasikatan ng humanistikong panitikan sa Inglatera, sa oras ng mga tagumpay ng sekular na sining. Sa oras ng Purcell, ang Ingles na malikhaing paaralan ay nakikipag-ugnay sa iba pang mga malikhaing direksyon na nabuo sa mga bansa sa Kanlurang Europa.

Mula sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang kahalagahan ng paaralan ng mga French harpsichordist ay lumakas, na pagkatapos ay umunlad sa pag-unlad ng lugar na ito ng musikal na sining. Si Jacques Chambognière ay itinuturing na tagapagtatag nito. Ang kasaysayan nito ay sumasaklaw sa halos isang daang taon, na nagtatapos sa mga gawa ng J.F. Si Rameau at ang kanyang mga nakababatang kasabay. Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ang mga tagumpay ng mga kompositor ng harpsichord sa ilang ibang mga bansa sa Kanlurang Europa ay naging maliwanag.

Ang paaralan ng mga French harpsichordist ay kinakatawan ng mga pangalan ng L. Marchand, J.F. Dandrier, F. Dazhencourt, L. - K. Daken, Louis Couperin. Higit sa lahat, nagtagumpay ang mga kompositor na ito sa magagandang pastoral na mga imahe ("Cuckoo" at "Lunok" ni Daken; "Iyak ng Ibon" ni Dandrie). Ang paaralan ng harpsichord ng Pransya ay umabot sa rurok nito sa gawain ng dalawang henyo - sina François Couperin (1668-1733) at ang nakababatang kontemporaryong si Jean Philippe Rameau (1685-1764).

Sa mga unang yugto ng pag-unlad, ang musikang French harpsichord ay malapit na nakikipag-ugnay sa mga tradisyon ng mga manlalaro ng lute ng Pransya, na sa oras na iyon ay nakakamit ang mahusay na pagiging perpekto ng komposisyon, kahusayan, at pagiging sopistikado ng estilistika. Ang lute na musika sa gitna ng ika-17 siglo ay hindi nanatili sa Pransya lamang bilang isang katutubong sining. Ang pinakamalaking kompositor ng lute ng oras na iyon ay gumanap sa mga aristokratikong salon, nakaranas ng impluwensya ng musika ng ballet ng korte, ipinapaalam sa kanilang mga piraso ng sayaw hindi isang pang-araw-araw, ngunit isang inilarawan sa istilo ng character, at pinagsisikapang bigyan sila ng bagong emosyonal na pagpapahayag.

Tungkol sa harpsichord

Ang clavicembalo ay isang piano string-plucked na instrumentong pangmusika. Ang string sa mga ito twitches na may isang balahibo dila (ngayon ay gawa sa plastic). Ang pinakamaagang pagbanggit ng isang instrumento na uri ng harpsichord ay lilitaw sa Decameron ni Giovanni Boccaccio, na inilathala noong 1354, pati na rin sa isang mapagkukunan mula sa 1397 mula sa Padua (Italya), ang pinakamaagang kilalang imahen ay nasa dambana sa Minden (1425), ang Ang unang paglalarawan na may nakalarawang mga guhit ay ginawa ni Henri Arnaud de Zwolle noong 1436. Ang harpsichord ay ginamit bilang isang solo instrumento hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Para sa isang mas matagal na ito ay ginamit upang maisagawa ang digital bass, upang samahan recitatives sa opera. Sa paligid ng 1810 ito ay praktikal na nawala sa paggamit. Ang muling pagkabuhay ng kultura ng pagtugtog ng harpsichord ay nagsimula sa pagsisimula ng ika-19 at ika-20 siglo. Ang muling pagkabuhay ng instrumento ay pinasimulan ni A. Dolmech. Itinayo niya ang kanyang unang harpsichord noong 1896 sa London at maya-maya ay nagbukas ng mga workshop sa Boston, Paris at Heislmere.

Ang harpsichord ay may hugis ng isang pahaba na tatsulok. Ang mga string nito ay pahalang, parallel sa mga susi. Para sa pagpaparehistro, iyon ay, ang pagbabago ng lakas at timbre ng tunog, mga kamay at paa switch ay ginagamit. Hindi posible na maayos na madagdagan at mabawasan ang dami ng harpsichord. Noong ika-15 siglo, ang saklaw ng harpsichord ay 3 oktaba (ang ilang mga nota ng chromatic ay wala sa mas mababang oktaf); noong ika-16 na siglo ay lumawak ito sa 4 na oktaba (C - c "" "), noong ika-18 siglo - hanggang sa 5 oktaf (F" - f "" "). Ang harpsichord ay mayroong maraming mga pagkakaiba-iba sa iba't ibang mga bansa. Isang malaking pakpak- ang hugis na instrumento ay tinawag na eksaktong France, clavichembalo sa Italya, panahon ng panahon sa Alemanya Ang maliliit na mga hugis-parihaba na instrumento ay tinawag na epinet sa Pransya, spinet sa Italya, birhen sa Inglatera.

Ang mga harpsichord ng ika-15 siglo ay hindi nakaligtas. Sa paghusga sa mga imahe, ito ay maikling mga instrumento na may mabibigat na katawan. Karamihan sa mga nakaligtas na 16th siglo harpsichords ay ginawa sa Italya, kung saan ang Venice ang pangunahing sentro ng produksyon. Ang pag-atake sa mga harpsichord na ito ay mas naiiba at ang tunog ay mas bigla kaysa sa paglaon na mga instrumento ng Flemish. Ang harpsichord ay patuloy na napapabuti, at sinubukan na pag-iba-ibahin ang tunog nito sa bawat posibleng paraan. Noong ika-17 siglo, ang mga bantog na Dutch masters, ang Ruckers, ay gumawa ng mga concert harpsichord na may malakas na tunog. Ang kanilang mga harpsichord ay may mas mahahabang mga string at isang mas mabibigat na katawan kaysa sa mga instrumento sa Italya. Ang mga Harpsichord na may dalawang manwal ay madalas na nilikha. Nakamit nito ang iba't ibang lakas ng tunog (keyboard-forte at keyboard-piano) at isang mahusay na kakayahang ihatid ang tawiran ng mga boses. Ang mga epekto ng mga espesyal na "rehistro" sa harpsichord ay ginamit din: pagpindot sa isang pindutan o isang pingga na nakabukas sa mga string ng iba't ibang mga materyales o mga string na natatakpan ng pergamino. Minsan ang isang pangatlong manwal na may isang "lute" timbre ay idinagdag (upang makuha ito, ang mga string ay bahagyang muffled ng mga piraso ng katad o nadama gamit ang isang espesyal na mekanismo). Ang switch ng paa at tuhod ay ipinakilala noong huling bahagi ng 1750s. Sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng lahat ng mga pamamaraang ito, posible upang makamit ang mga gradation ng tunog, mga pagbabago sa timbre, ilang pagtaas ng sonority, ngunit ang mga epekto ng crescendo at diminuendo sa harpsichord ay ganap na hindi makamit.

Mga kompositor ng Harpsichord: François Couperin, Louis Couperin, Louis Marchand, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtehude, Girolamo Frescobaldi, Johann Jacob Froberger Gendmi, Georges-Fridossehud Bird, Henry Purcell, Johann Adam Reinecti, Dominador Alessandro Scarlatti, Mathias Weckmann, Dominico Zipoli, atbp.

Mga kilalang harpsichordist: Andrei Volkonsky, Gustav Leonhardt, Wanda Landowska, Robert Hill.

clavier ng musika ng French harpsichordist

Ang mga nagtatag ng paaralan ng Pransya ng mga harpsichordist

Jacques Ispya de Chambognière (Jacques Champion de Chambonnieres ; 1601 - sa harap 4 mayo 1672 )

Si Jacques Champion de Chambognière ay kilala bilang isang mahusay na harpsichord at tagaganap ng organ, isang may talento na kompositor at isang matagumpay na guro. Siya rin ay isang mahusay na mananayaw at nakilahok sa mga pagganap ng ballet. Ipinanganak sa Paris. Nagmula sa isang namamana na pamilya ng mga musikero. Ang pinakatanyag ay ang kanyang lolo na si Toma Champion (palayaw na Mitu). Ang kanyang ama, si Jacques Champion, organista at harpsichordist, ay nagsilbi bilang isang harpsichordist sa korte ng Louis XIII. Noong Setyembre 1611, ipinangako kay Chambognière ang hinaharap na posisyon sa korte ng kanyang ama. Mula noong 1640, nasa serbisyo siya sa korte (epinetist - sa pangalan ng maliit na harpsichord). Hindi niya matagal ang posisyon na ito, dahil namatay si Haring Louis XIII noong 1643, at ang kanyang asawang si Queen Maria de Medici, na naging rehente ng batang si Louis XIV, ay mayroong sariling musikero, ngunit siya ay naging guro ng batang hari. Gumawa siya ng napakatalino na karera sa korte ng Pransya, ngunit sa pagtatapos ng kanyang buhay ay nahulog sa pabor, nawala sa pwesto at namatay sa kahirapan.

Ang aktibidad ni Jacques Chambognière ay hindi limitado lamang sa mga tungkulin sa korte. Noong 1641 ay inayos niya ang isang serye ng mga bayad na konsyerto na tinawag na "Assemblee des Honnestes Curieux" (The Assembly of the True Curious), mga konsyerto na ginanap sa kanyang bahay, dalawang beses sa isang linggo, na may halos sampung permanenteng musikero at panauhing artista na lumahok. Marahil ito ang ilan sa mga kauna-unahang konsyerto ng ganitong uri, mula noon na ang lahat ng mga pagtatanghal ay nangangahulugang suporta ng hari, ng simbahan o ng mga pangunahing aristokrat.

Ang mga piraso ng harpsichord ng Chambognier ay lumitaw batay sa mga sayaw - mga chime (lalo na marami sa mga ito sa kompositor), allemande, sarabanda, gigi, pavane, galliard, canari, minuet. Sa mga taon lamang nang magsimula ang mga nagtatag ng paaralan ng harpsichordists ng Pransya na si Jacques Champion de Chambognière at ang kanyang tagasunod na si Louis Couperin, ang pinakadakilang manlalaro ng lute na si Denis Gaultier (mga 1600-1672) ay nasisiyahan sa katanyagan sa Paris, na lumilikha ng maraming piraso para sa kanyang instrumento. Ang paghahambing ng musika ng lute ni Gaultier sa mga piraso ng harpsichord ni Chambognier ay naghahayag ng pagkakapareho sa sining ng pareho: mga pundasyon ng genre, pagpili ng mga sayaw, pagkahilig sa program, ang likas na katangian ng mga umuusbong na imahe, estilistik. Ang austere at marangal na istilo ng Chambognière ay nabuo batay sa mga tradisyon ng French lute music, kung saan kinatawan din sina Germain Pinel at Ennemond.

Ito ay mula sa isang repertoire na, sa paglipas ng panahon, nabuo ang isang tiyak na uri ng suite, katangian ng ilang mga paaralan, at pangunahin para sa mga kompositor ng Aleman. Ang pagpili ng allemande, chimes, sarabande at gigue bilang pangunahing mga bahagi ng suite ay bahagyang inihanda ng gawain ng mga kompositor ng Pransya sa mga sayaw na ito, ang kanilang pagpili ay isinasagawa ng Froberger, pagkatapos ay ni Pachelbel, at, sa wakas, ng malikhaing kasanayan ng AY Bach (mga French suite). Ang mga piraso ng Chambognière ay hindi bumubuo ng anumang uri ng suite, na hindi tipikal ng mga French harpsichordist. Chambognière inilarawan sa pangkinaugalian ang pagtatanghal ng sayaw. Ito ay higit na kapansin-pansin sa kanyang mga allemandes, na malayo na sa sayaw, medyo polyphonic at maliliit na piraso ng isang nakararami kalmado, maalalahanin na character. Pinananatili ng mga chime ang kanilang hitsura ng ballet. Ang Sarabandes ay paminsan-minsan ay medyo napagnilay, kung minsan ay mas liriko, na may pamamayani ng melodic expressiveness (na kalaunan ay magiging tradisyon para sa Sarabande kapwa sa entablado at sa instrumental na musika). Ang mga subtitle ng programa sa isang bilang ng mga sayaw ni Chambognier ay hinihikayat ang mga asosasyon sa entablado, lalo na, mga asosasyon ng ballet: pavana "Pag-uusap ng Mga Bot", Saraband "Mga Batang Zephyr", "Solemne Sarabande". Ang pagiging pare-pareho ng isang naibigay na paggalaw at ritmo ay katangian. Ang kompositor ay kusang-loob na lumiliko sa pagkakaiba-iba, na lumilikha ng kanyang tumatagal pagkatapos ng sayaw.

Sa kanilang pangkalahatang disposisyon sa musikal, ang mga dula ni Chambognier ay may posibilidad na homoponya. Ang kadaliang mapakilos ng lahat ng mga tinig ay hindi nakakubli sa maharmonya na batayan ng kabuuan. Ang pagkakayari ay mananatiling magaan at transparent. Ang Chambognière ay isa sa mga unang harpsichordist na nagpakilala ng melody ornamentation - mga trills, Grace note, mordentes, gruppetto. Ang isa sa mga tumutukoy na katangian ng kanyang musika ay isang malawak at malinaw na linya ng melodic, ngunit sa ilalim ng kaaya-aya na ibabaw ng melodiko mayroong malaking polyphonic kumplikadong at counterpoint. Ang kompositor sa kanyang trabaho ay binabalangkas ang likas na dekorasyon, na malapit nang makakuha ng unibersal na kapangyarihan mula sa French harpsichordists at bumubuo ng isa sa mga nangingibabaw na tampok ng kanilang istilo. Totoo, sa paghahambing, halimbawa, sa musika ni François Couperin, ang gayak na gayak ni Chambognier ay hindi gaanong pino at hindi gaanong sagana: walang masyadong maraming dekorasyon, at nakatuon ang mga ito sa pinakamataas na tinig. Sa maraming mga diskarte sa dekorasyon, pipiliin ng kompositor ang mga nakabalot sa isang tunog na maayos (tala ng grasya, gruppetto, trill) bilang suporta ng himig. Dahil dito, ang katangian ng paggalaw ng sayaw ay para sa karamihan ng bahagi na napapansin sa mga chime at sarabands nito.

Bilang karagdagan sa kanyang pagkamalikhain sa musika, si Jacques Champion de Chambognière ay nakikibahagi sa pagtuturo at ang kanyang makinang na istilo ay may mahalagang impluwensya sa paglaon na pag-unlad ng paaralan ng French harpsichord, pati na rin sa mga banyagang kompositor tulad ni Johann Jacob Froberger. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral sina Jacques Ardel, Nicolas Lebesgue at Jean-Henri d'Anglebert, ngunit ang kanyang ambag sa paglikha ng dinastiyang Couperin ay lalong mahalaga. Noong 1650/51, ang magkakapatid na Couperin - sina Charles, François at Louis ay nagbigay ng isang maliit na pribadong konsyerto sa lupain ng Chambognière, sa araw ng pangalan ng host, ang kanilang pagtugtog at musika (ang kompositor ay si Louis, ang kanyang hinaharap na mag-aaral at ang unang kilalang kinatawan ng dinastiyang Couperin) ay napahanga si Chambognière kaya't nagsimula siyang suportahan sila at hindi nagtagal ay nagsimula na ang lahat isang aktibong karera sa Paris.

Noong unang bahagi ng 1650s, ang kanyang karera ay nasa pagtaas - siya ay sumulat ng musika, patuloy na sumayaw sa ballet, nagpunta sa paglilibot, nagturo sa mga mag-aaral, na kabilang ang batang si King Louis XIV. Ang unang malubhang pagkalugi ay naganap noong 1657 bilang isang resulta ng isang demanda kasama ang kanyang asawa, ang kanyang estate at lupa ay nabili. Sa parehong taon, ang hari, bilang isang resulta ng mga intriga sa palasyo, inalis siya mula sa posisyon ng kanyang guro ng pagtugtog ng harpsichord. Ang kanyang mga kalaban, na tinawag niyang "isang mababa at demonyo na pangkat", ay sinubukang ilagay sa kanyang lugar si Louis Couperin, ngunit tumanggi ang mag-aaral na kunin ang posisyon sa katapatan ng kanyang kaibigan at tagapag-aliw. Ang kanyang posisyon sa korte ay lalong naging walang katiyakan, tumanggi ang kanyang suweldo, hanggang noong 1662 ay tuluyan na siyang umalis sa kanyang posisyon. Marami sa mga kapalpakan ni Chambognière ay sanhi ng paghirang kay Jean-Baptiste Lully bilang direktor ng mga musikero ng korte. Sa prinsipyo, ang kanyang pagbibitiw ay layunin - Chambognière lamang ay hindi maaaring matugunan ang mga bagong kinakailangan at gumanap ng musika ng isang bagong estilo na may bass Continuo. Matapos magretiro, si Chambognière ay nagpatuloy na tumutugtog ng musika at sumulat, noong 1670 nai-publish niya ang tanging dami ng mga gawa para sa harpsichord, ang natitirang mga gawa niya ay nanatili sa mga manuskrito.

Dahil sa kakulangan ng mga mapagkukunan, napakakaunting nalalaman tungkol sa musikang French harpsichord ng unang kalahati ng ika-17 siglo at lilitaw si Jacques Chambognière bilang nag-iisang pangunahing kompositor ng oras na ito na may maraming mga nakaligtas na gawa. Sa kabuuan, mayroong higit sa 150 mga gawa sa kanyang pamana, halos lahat sa kanila ay mga sayaw (allemandes, chime, sarabands, gigues, chacon, pavans, galliards at iba pa). Halos pitumpung mga akda ang nai-publish mismo ng kompositor noong 1670 sa dalawang dami ng Les piraso de clavessin, ang natitirang mga akda ay nakaligtas sa mga mapagkukunan ng manuskrito, na ang karamihan ay natuklasan lamang sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Mayroon ding isang bilang ng mga pag-play, ang may-akda na maaaring kabilang sa Chambognière.

Louis Couperin (French Louis Couperin; mga 1626, Chaum-en-Brie - Agosto 29, 1661, Paris)

Si Louis Couperin ay ang panganay na anak ni Charles Couperin, organista ng isang simbahan sa Brie; ang kanyang dalawang nakababatang kapatid na lalaki - sina Charles at François - ay naging musikero din. Mga 1650 na si Jacques Chambognière na dumadaan sa Brie. Ang Young Couperins ay nagbigay ng isang konsyerto bilang parangal sa isang mahalagang panauhin, gumaganap ng mga gawa na isinulat ni Louis; Si Chambognière ay labis na humanga kaya't di nagtagal ay dinala niya ang binata sa Paris at ibinigay ang kanyang pagtangkilik. Noong 1651, si Louis ay nakatira na sa Paris, at sinundan siya ng kanyang mga kapatid. Noong 1653, natanggap ni Louis ang posisyon ng organista ng Church of Saint-Gervais, at kalaunan ay ang posisyon ng sugarol sa korte. Ang karera ng batang kompositor ay lubos na matagumpay. Noong kalagitnaan ng 1650s, hiniling sa kanya na palitan si Chambognière at maging harpsichordist ng hari, ngunit tumanggi si Louis bilang paggalang sa kanyang kaibigan at dating guro. Nagpatuloy siyang nagtatrabaho sa Saint Gervais at sa korte ng Louis XIV, at maaaring nagtrabaho para sa mga maharlika pamilya sa Meudon. Noong 1661, sa edad na 35, namatay si Louis Couperin; ang dahilan ng pagkamatay ay hindi alam.

Si Louis Couperin ay isang maraming gamit na musikero: harpsichordist, organist, violin at viola performer. Bilang organista, naglaro rin siya sa orkestra sa mga ballet na ginawa ni Lully. Sumulat siya ng mga piraso para sa organ, para sa instrumentong ensemble, at para sa violin, ngunit ang napakaraming mga gawa niya, na siyang nagdala sa kanya ng katanyagan, ay nilikha para sa harpsichord. Hindi tulad ng iba pang mga kompositor ng ika-17 siglo, na sa istilo ng kanilang mga gawa alinman sa pagpapatuloy mula sa tradisyon ng organ, o pinapagbinhi ito ng mga ugnayan sa sining ng clavier, si Louis Couperin ay nanatiling isang harpsichordist.

Hindi namamahala si Couperin upang mai-publish ang kanyang mga gawa. Ang kanyang musika ay nakaligtas lamang sa mga manuskrito. Karamihan sa kanyang mga komposisyon ng harpsichord ay mga sayaw, kapwa karaniwan para sa oras na iyon (allemandes, sarabands, chimes, gigi) at mas bihirang mga form (branle, volta, atbp.). Ang mga gawaing ito ay kumakatawan sa susunod na yugto sa pagbuo ng istilong inilahad ni Chambognier. Ang kanyang mga chacone at passacagllas ay magkakahiwalay sa musika ng harpsichord ni Couperin, at, sa partikular, ang walang taktika na mga pasiya, kung saan naimbento ni Couperin ang isang orihinal na paraan ng notasyon (lahat o halos lahat ng mga tala ay naitala bilang kabuuan, at ang pagbigkas ng mga salita at iba pang mga aspeto ng pagganap ay naihatid. sa maraming mga kaaya-aya na linya). Sa kabutihan, ang Couperin ay nag-gravitate patungo sa mga hindi gaanong solusyon, at naimpluwensyahan din ni Johann Jacob Froberger. Ang Louis Couperin ay nagpapatuloy higit sa lahat mula sa parehong mga katangian na sayaw na nabuo ang batayan ng mga gawa ng Chambognière at Gaultier. Ngunit sa parehong oras, hinahangad niyang ipakilala ang ilang pag-iisa o espesyal na lasa sa sayaw ("Minuet from Poitou", "Basque Branle"), upang maunahan ang isang serye ng mga sayaw na may malaya, na hindi nangangahulugang prelude ng sayaw (karaniwang walang pahiwatig ng metro at ritmo), kahit na ihambing nang husto sa mga sayaw na magkakaiba ng dula - ang tinaguriang "Tombeau", iyon ay, isang epitaph, isang "lapida" (na na-modelo sa mga manlalaro ng bobo). Kaya't sa konteksto ng hindi nabibigatan ng mga emosyon, higit sa lahat ang musika sa sayaw, mayroong isang ganap na naiiba - halos nakalulungkot na simula. Lumilikha din si Louis Couperin ng iba pang mga hindi sayaw na piraso, na itinalaga sila bilang "Pasturel", "In the Piedmont spirit". Ang nakakainteres sa kanya ay ang mga sikat na chacon (o chacone - sa paraan ng Pransya), kung saan ang kanilang tradisyonal na pagkakaiba-iba sa pinigilan na bass ay pinagsama sa mga tampok ng rondo.

Ang musika ng organ ng Couperin ay nanatiling hindi kilala sa loob ng ilang daang taon at natuklasan lamang noong 1950s, at ang paglalathala nito ay naantala ng maraming mga dekada. Ang pamana ng organ ng kompositor ay halos 70 piraso, karamihan ay mga fugue (madalas na tinatawag na "pantasya") at pag-aayos ng mga himno ng simbahan. Kabilang sa mga pangunahing tampok ay ang mga pagtatangka upang lumayo mula sa polyphonic higpit ng naunang mga organista ng Pransya (Titelusa, Cancer, atbp.) At ang pagpaparehistro na nakasulat sa sheet music. Ang parehong mga tampok sa paglaon ay naging katangian ng buong French organ school. Ang pareho ay maaaring sinabi tungkol sa isang bilang ng mga melodic liko sa organ music ng Couperin, lalo na ang oktave leaps sa bass.

Ang karagdagang landas ng paaralang Pranses ng mga harpsichordist

Ang karagdagang landas ng paaralang Pranses ng mga harpsichordist (na humantong kay François Couperin the Great) ay nauugnay sa mga pangalan ng pinangalanang d 'Anglebert at Lebesgue, pati na rin si Louis Marchand, Gaspard le Roux at maraming iba pang mga kompositor na humakbang mula ika-17 hanggang ika-18 siglo. kung saan, gayunpaman, at ngayon ay hindi nakakakuha ng matatag na mga form. Kahit na ang mga paunang bahagi nito ay nasa d "Anglebert at Lebesgue ng allemand at chime, kung gayon halos lahat ng mga sayaw ay maaaring sundin, at ang buong nagtatapos sa isang gavotte at isang minuet (bago, naka-istilong sayaw), pagkatapos ay ang sinaunang galliard at passacaglia na sumusunod sa gigue. Ang gravitates ng paaralang Pranses ay higit pa sa libreng hilera ng mga miniature bilang isang uri ng programa sa konsyerto kaysa sa pagkikristal ng isang tiyak na uri ng suite kasama ang mga sumusuporta sa mga sayaw. Gayunpaman, sa isang scale ng Europa, ang clavier na musika ay nananatiling nauugnay sa ika-17 siglo higit sa lahat sa uri ng suite, hindi mahalaga kung paano ito naiintindihan sa iba't ibang mga bansa at ng iba't ibang mga kompositor. Nangangahulugan ito na ang bawat piraso, bilang panuntunan, ay mananatiling maliit, napapanatili sa isang paggalaw, katangian sa sarili nitong pamamaraan (hindi bababa sa ayon sa mga palatandaan ng isang kilusang sayaw), at sa arte ng musikal ang pagnanasa sa pagkakaiba-iba, para sa paghahambing, kahit na isang posibleng kaibahan ng mga imahe, nagdaragdag. pores na ipinahayag hindi bababa sa kanilang paghahalili sa suite.

Jean Henri d "Anglebert ( d "Anglebert ; malamang, 1628, Paris - 23 IV 1691, doon pareho ) - kompanyang Pranses, harpsichordist, organista. Mag-aaral ni J. Chambognière. Noong 1664-1674 ang manlalaro ng harpsichord ng korte ni Louis XIV (ang posisyon na ito ay sinundan ng kanyang panganay na anak - si Jean Baptiste Henri d "Anglebert). Si Henri ay nagmamay-ari ng mga gawa para sa harpsichord at organ, na nakikilala ng perpektong diskarteng polyphonic. Ang sikat na koleksyon ng mga piraso para sa ang harpsichord ("60 Pièces de clavecin", P., 1689) ay nagsasama ng kanyang orihinal na mga komposisyon (kasama ang 22 pagkakaiba-iba sa himig ng Espanyol na "Folia"), maraming mga salin ng arias at mga sayaw mula sa mga opera ni JB Lully, pati na rin ang teoretikal mga pagpapaunlad ("Mga Prinsipyo ng saliw", mga burloloy ng talahanayan ng transcript).

Lebesgue ( Lebègue ) Nikola Antoine - ( 1631, Lyon - 06 .0 7 .1 702, Paris ) - kompositor at organista ng Pransya. Nagsilbi siya bilang isang organista ng simbahan sa Paris. Siya ang may-akda ng mga harpsichord (2 mga koleksyon ng 1677) at mga organ (3 mga koleksyon) na suite, kung saan, ginaya si F. Couperin, malawak na ginamit niya ang musika ng sayaw noong panahong iyon: gavotte, minuet, burré, rondo, passacaglia, atbp. sumulat ng maraming mga notebook ng dula para sa organ at para sa php. at 2-3-glsn. "Airs" kasama ang pagpapatuloy.

Louis Marchand ( Louis Marchand ; 02 .0 2 .1 669, Lyon - 17 .0 2 .1 732, Paris ) - pranses na harpsichordist, organista at kompositor (kinatawan ng paaralan ng Versailles). Ipinanganak sa pamilya ng isang organista. Mula noong 1684 nagsilbi siya bilang isang catologist organist sa Nevers, at mula 1698 - sa Paris. Organista siya ng mga katedral sa iba`t ibang lungsod ng Pransya, kasama na ang simbahan ng Paris ng Franciscan Cordeliers. Noong 1689, nanirahan siya sa Paris, nagsilbi bilang organista ng korte noong 1708-14. sa royal chapel ng Versailles. Siya ay isa sa pinakamahusay na mga organista ng Pransya noong panahon niya. Sikat siya bilang isang virtuoso harpsichordist at guro. Gumawa siya ng isang tatlong taong paglalakbay sa konsyerto sa buong Alemanya (1713-1717), noong 1717 ay iniwasan niyang makipagkumpitensya sa I.S. Bach, na dapat ay gaganapin sa Dresden. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral - Louis-Claude Daken (1694 - 1772). May-akda ng mga gawa para sa harpsichord, organ, harpsichord, harpsichord, musika ng simbahan. Ang pinakamahalagang bahagi ng pamana ng kompositor ng Marchand ay ang kanyang mga bahagi ng maagang bahagi ng organ at mga clavier suite. May-akda ng dalawang dami ng mga gawa para sa harpsichord at isang koleksyon ng mga piraso ng organ. Sinulat din niya ang opera na "Pyramas at Tisba", maraming cantatas (cantata "Alcyon"), tinig na miniature, at isang pakikitungo sa komposisyon. Noong 1702-1703, dalawang koleksyon ng mga piraso ng musika ni Marchand ang nai-publish sa Paris. Sa pagsulat, inaasahan niya ang ilan sa mga diskarte (maliwanag na pagsasabay sa wika, malinaw na ritmo, naka-bold na melodic turn), na binuo ni J.F. Ramo. 6

Ang tuktok ng paaralan ng harpsichord ng Pransya

François Couperin ( fr . François Couperin ; 10 nobyembre 1668, Paris - 11 september 1733, doon pareho )

Ang paaralan ng harpsichord ng Pransya ay naabot ang rurok sa gawain ng dalawang henyo - Francois Couperin) at ang nakababatang kapanahon na si Jean Philippe Rameau ).

Si François Couperin ang pinakatanyag at pinakadakilang kompositor ng harpsichord ng paaralang Pranses. Ipinanganak sa isang namamana na pamilyang musikal ng organista ng simbahan na si Charles Couperin. Ang kanyang unang guro ay ang kanyang ama; pagkatapos ay nagpatuloy ang mga pag-aaral sa musikal sa ilalim ng direksyon ng organista na si J. Tomlen. Noong 1685, kinuha ni François Couperin ang posisyon ng organista sa Church of Saint-Gervais, kung saan dati nang nagtatrabaho ang kanyang lolo na si Louis Couperin at ang kanyang ama. Mula noong 1693, nagsimula ring magtrabaho si François Couperin sa korte ng hari - bilang isang guro, pagkatapos ay organista ng chapel ng korte, musikero ng kamara (harpsichordist). Ang kanyang katanyagan bilang isang organista ay hindi mas mababa kaysa sa kanyang katanyagan bilang isang harpsichordist. Ang mga tungkulin ni Couperin sa korte ay magkakaiba-iba - gumanap siya bilang soloista, binubuo ng musika para sa mga konsyerto sa korte at para sa mga piyesta opisyal sa simbahan, sinamahan ang mga mang-aawit at nagbigay ng mga aralin sa harpsichord sa Dauphin at iba pang mga miyembro ng pamilya ng hari. Sa parehong oras, hindi siya umalis sa mga pribadong aralin at pinanatili ang posisyon ng organista sa simbahan ng Paris sa Saint-Gervais (St. Gervasius) - ang post na ito na hinawakan niya hanggang sa kanyang kamatayan. Ang posisyon ng maharlikang musikero ay nagpapataw ng ilang mga paghihigpit - at, bilang isang resulta, halos lahat ng buhay ni Couperin ay ginugol sa Paris o sa Versailles, at malinaw na hindi siya mayaman sa panlabas na mga kaganapan. Noong 1730 nagretiro siya, inililipat ang kanyang puwesto sa kanyang anak na si Marguerite-Antoinette.

Ang mga pangunahing gawa ng Couperin ay isinulat para sa harpsichord - higit sa 250 mga piraso ng iba't ibang kalikasan, kung saan ang may-akda ay nagbigay ng mga pamagat ng programa: "Mga Paru-paro", "Mga Mag-aani", "Loyalty", "Windmills", atbp Ang istilo ng mga komposisyon na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kagaanan, biyaya at pagpapahayag, at mabilis silang nakakuha ng napakalawak na katanyagan hindi lamang sa Pransya, kundi pati na rin sa ibang bansa. Bilang isang hindi maunahan na master ng pagtugtog ng harpsichord, iginawad sa kanya ang titulong "Le Grand" - "Mahusay" mula sa kanyang mga kasabay.

Sa kabuuan, ang Couperin ay binubuo ng higit sa 250 mga piraso para sa harpsichord, na pinagsama sa 27 na mga suite. Pinagsama, binubuo ito ng apat na malalaking koleksyon, na inilathala noong 1713, 1716 (1717?), 1722 at 1730, ayon sa pagkakabanggit. Ang mga suite ng Couperin ay tinawag na "Les Ordres", na nangangahulugang "mga hilera, pagkakasunud-sunod". Ang mga pag-play ng pinaka-magkakaibang character na kahalili sa kanila. Karamihan sa mga miniature ay may mga subtitle ng programa, may mga eksena na nakalarawan sa genre, at mga sketch ng kalikasan, at mga eksenang satirikal; ang pagnanais na iparating sa mga tunog ng imahe ang isang imaheng imahe, mga katangian ng character o kondisyong pisikal.

Kahit na ang katanyagan ni Couperin ay pangunahing nauugnay sa kanyang mga merito bilang isang kompositor ng harpsichord, nagsulat siya ng maraming mga gawa para sa isang silid ng grupo (mga konsyerto, trio sonatas), at kabilang sa kanyang mga banal na gawa ay mayroong dalawang organ ng masa, mga gawa para sa organ, mga moteta at mga tinatawag na "Lecons des Tenebres" ("Mga Pagbasa sa Gabi").

Ang Couperin din ang may-akda ng isang bilang ng mga gawaing panteorya at ang risise na "The Art of Playing the Harpsichord". Naglalaman ang tratado ng isang bilang ng pinakamahalagang mga tagubiling pang-pamamaraan hinggil sa mga nagpapahiwatig na mga diskarte ng paglalaro, palasingsingan, at binibigyang diin din ang espesyal na papel ng melismatic burloloy.

Sa kanyang trabaho, makinang na pinagsama ni Couperin ang impluwensya ng Pransya at Italyano, at isinasaalang-alang sina Jean Baptiste Lully at Arcangelo Corelli bilang mga hinalinhan niyang guro. Si Couperin ay nagbigay ng kakaibang pagkilala sa mga ito lalo na mga kinikilalang musikero sa maraming bahagi na 7 instrumental na konsiyerto na "Parnassus, o Apotheosis of Corelli" ("Le Parnasse ou l" apotheose de Corelli ", (1724) at" Apotheosis of Lully "(buong pangalan - "Instrumental na konsyerto- isang apotheosis na nakatuon sa walang kamatayang memorya ng walang kapantay na Monsieur de Lully" ("Concert instrumental sous le titre d" apothose na komposisyon ng isang mmoire immortelle de l "hindi maikakayang Monsieur de Lully", 1725)).

Sumulat si Couperin ng maraming mga kanta at sagradong gawa (kapwa tinig at para sa organ), ngunit ang mga sekular na instrumental na gawa, lalo na ang mga piraso para sa harpsichord at trio sonata (isang genre na naging tanyag sa France salamat kay Couperin), nagdala sa kanya ng katanyagan. Kabilang sa mga komposisyon ng mga genre ng instrumental na kamara, ang Royal Concertos, na isinulat noong 1714-1715 para kay Louis XIV (na inilathala noong 1722) at ang Trio Sonatas ng Nation, na lumitaw noong 1726, ay tumayo. Sa pamamagitan ng paraan, si Couperin ay bumaling sa komposisyon ng trio sonatas sa ilalim ng impluwensya ng musika ni Corelli. Sa modelo ng dakilang Italyano, binubuo ni Couperin ang isang sonata, at, sa pagsulat niya, "alam ang kasakiman ng Pranses para sa lahat ng mga novelty na dayuhan," ipinasa niya ito bilang isang akda ng "Italyano na may-akdang Couperino." Nagustuhan ng mga tagapakinig ang sonata. Nagbigay ito ng kumpiyansa sa kompositor, at nagpatuloy siyang gumana sa trio sonatas, isang bagong uri sa France, na naging tanyag dito tiyak na salamat kay Couperin.

Ang tanyag na Instrumental Apotheosis Concerto na nakatuon sa walang kamatayang memorya ng walang kapantay na Monsieur de Lully (1725) ay nagpapahiwatig sa dalawang aspeto. Dito ipinakilala ng Couperin ang kanyang ideya ng pagsasama-sama ng istilo ng A. Corelli, na ang mga gawa ay hinahangaan niya at kanino niya inilaan ang malaking trio sonata na Parnassus, o Apotheosis of Corelli (1724), na may istilong J. B. Lully. Sa madaling salita, hinahangad ni Couperin, sa isang banda, na pagsamahin ang himig na likas sa istilong Italyano sa istilong Pranses (ang dalawang istilong ito ay nakikipagkumpitensya sa bawat isa sa oras na iyon), at sa kabilang banda, upang mabigyan ng pagsasalaysay ang kanyang mga komposisyon , programmatic character. Ang parehong mga ugali na ito ay naroroon sa pinakamahusay na mga gawa ng Couperin - harpsichord suite, na tinawag ng kompositor na Les Ordres ("row", "sequences") at na-publish sa apat na notebook (1713, 1717, 1722 at 1730). Stylistically, ang mga piraso na ito, tulad ng lahat ng gawaing silid ni Couperin, ay nagpapakita ng isang kombinasyon ng contrapuntal at homophonic (maharmonya) na pagsulat; sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan ng ornamentation, ang kasaganaan ng melismas.

Ang kompositor ay nagtrabaho sa maraming mga genre (maliban sa theatrical). Ang pinakamahalagang bahagi ng kanyang masining na pamana ay binubuo ng 27 mga suite ng harpsichord (mga 250 piraso sa apat na koleksyon). Si Couperin ang nagtaguyod ng uri ng suite ng Pransya, na naiiba sa mga modelo ng Aleman, at pangunahing binubuo ng mga piraso ng programatic. Kabilang sa mga ito ay mga sketch ng kalikasan ("Mga Paru-paro", "Mga Bees", "Mga Reed"), at mga eksena ng genre - mga larawan ng buhay sa bukid ("Reapers", "Grape Pickers", "Knitters"); ngunit lalo na ang maraming mga potret sa musika. Ito ang mga larawan ng mga sekular na kababaihan at simpleng mga batang babae - walang pangalan ("Minamahal", "The Only"), o na-concretize sa mga pamagat ng mga dula ("Princess Mary", "Manon", "Sister Monica"). Kadalasan ang pintura ng Couperin ay hindi isang tukoy na mukha, ngunit isang tauhang pantao ("Masipag", "Rezvushka", "Anemone", "Walang pasensya"), o kahit na sinusubukan na ipahayag ang iba't ibang mga pambansang tauhan ("Spanish Woman", "Frenchwoman"). Marami sa mga miniature ni Couperin ay malapit sa mga tanyag na sayaw ng oras na iyon, halimbawa, courante, minuet. Ang Rondo ay ang paboritong anyo ng mga miniature ni Couperin.

Sa parehong oras, si Couperin ay naging isa sa ilang mga kompositor ng panahong iyon na hindi lumingon sa genre ng opera at hindi sumulat ng mga gawa para sa koro. Ang mga motet ng kompositor, naiiba sa mga motetong pang-choral ng ika-17 siglo, ay mga espirituwal na awit para sa isang boses na may kasamang instrumental.

Mga Harpsichordist - kasabay ni F. Couperin

Ang mga kapanahon ni F. Couperin ay ang mga kompositor ng French harpsichord na si Louis Marchand (1669-1732), G. Le Roux (1660-1717), J.F. Dandrieu (1682-1738) at ilang iba pa. Ang kanilang sining ay binuo sa parehong ugat ng malikhaing paaralan, na may isang kagustuhan para sa mga programatic na piraso ng maliit na form, na may interes sa tradisyonal at bagong anyo na mga sayaw. At bagaman ang bawat isa sa kanila ay may kanya-kanyang mga nagawa sa landas na ito, walang alinlangan na ang gawain ni Couperin ay ipinahayag ang oras nito na may pinakadakilang pagkakumpleto, na magagamit sa harpsichordism sa partikular nitong French bias.

Dandrieu ( Dandrieu, d "Andrieu ) Jean François ( 1682, Paris - 17 Ako 1738, doon pareho ) - pranses harpsichordist, organista at kompositor. Marahil ay isang mag-aaral ng Zh.B. Moreau. Nagsilbi siyang organista sa mga simbahan sa Paris na Saint-Merry at Saint-Barthélemy, mula 1721 - nasa parokya din. kapilya Kabilang sa kanyang mga gawa ay: "Book of Trio Sonatas" (1705), 3 koleksyon ng mga piraso para sa harpsichord (1724, 1728 at 1734), "Book of Pieces for Organ" (ed. 1739), 2 koleksyon ng trio sonatas at sonatas para sa byolin kasama ang basso Continuo, offertoria at iba pa D. sumulat ng A Guide to Harpsichord Accompaniment (1716).

Daken ( Daquin, d "Aquin ) Louis Claude ( 4 Vii 1694, Paris - 15 VI 1772, doon pareho ) - pranses kompositor, organista, harpsichordist, Kaliwat ni F. Rabelais. Maagang ipinakita ang muses. talent (sa edad na 6 ay tumugtog siya ng harpsichord bago si Louis XIV). Nag-aral sa ilalim ng N. Vernier (komposisyon) at Louis Marchand (organ at harpsichord). Mula sa edad na 12, organista ng Petit-Saint-Antoine chapel. Mula noong 1715 ang simbahan ay nagsilbi. organista Matapos ang isang kumpetisyon sa paglalaro ng organ sa Church of Saint-Paul noong 1727, tinalo ang J.F. Rameau, natanggap ang posisyon ng organista ng simbahang ito. Mula 1739 siya ay organista ng Royal Chapel, mula 1755 - ng Cathedral ng Notre Dame sa Paris. Ang mga gawa ni Daken ay nakasulat pangunahin sa istilong Rococo, na may mga tampok na pino na galantry na likas sa istilong ito, at isang kasaganaan ng mga burloloy. Ang pangunahing bagay sa kanyang musika ay ang pagpapahiwatig ng himig; ang kanyang pinakamahusay na mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng paglalarawan ng genre at liriko psychologism. Daken - ang may-akda ng mga piraso para sa harpsichord (sa unang koleksyon - "Premier livre de pièces de clavecin", 1735, - kasama ang tanyag na maliit na "The Cuckoo", na napanatili sa repertoire ng mga modernong pianist), mga kanta sa Pasko para sa organ at harpsichord (1757), kung saan nililinang niya ang mga diskarte ng matalinhagang pagkakaiba-iba, transparent na pagsulat ng homophonic, pati na rin ang pagpipinta ng timbre-register ng mga tema. Sumulat siya ng cantatas (nai-publish lamang na "Rose", 1762); ang manuskrito ay naglalaman ng cantata na may symphony orchestra na "Circe" sa mga salita ni J.J. Rousseau, motets, divertissement, fugues at trios, 2 masa, Te Deum at maraming iba pang mga gawa ng iba't ibang mga genre.

Jean-Philippe Rameau; 25.09.1683, Dijon - 12.09.1764, Paris)

Jean-Philippe Ram - ang kompositor ng Pransya at teorama ng musika ng panahon ng Baroque. Anak ng isang organista. Nag-aral siya sa paaralan ng Heswita. Sa edad na 18 siya ay ipinadala ng kanyang ama sa Italya upang mapabuti ang kanyang edukasyon sa musika sa Milan. Nang siya ay bumalik, gumanap siya bilang isang biyolinista sa Montpellier Orchestra. Noong 1702-1706 at 1716-1723 nagsilbi siya bilang organista sa Clermont-Ferrand Cathedral; noong 1706-1716 nagtrabaho siya sa Paris at Lyon. Mula 1723 hanggang sa pagtatapos ng kanyang mga araw, si Rameau ay nanirahan sa Paris, nagsilbi bilang organista sa kolehiyo ng Heswita at sa simbahan ng Saint-Croix-de-la-Bretonry (hanggang 1740). Sumulat siya para sa mga teatro sa Paris, binubuo ng sagrado at sekular na musika, at mula 1745 ay naging isang kompositor ng korte.

Ang Rameau ay may-akda ng tatlong koleksyon ng mga piraso ng harpsichord (1706, 1724, 1727) at limang konsyerto para sa harpsichord, violin at viola da gamba (1741). Kabilang sa mga ito, ang pinakatanyag ay ang "Tambourine", "Chicken", "Dauphin", "Hammers", "Call of the Birds". Ang musika ng harpsichord ng Rameau ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malaking ugnay, salungat sa mga tradisyon ng kamara ng genre. Hindi siya madaling makagawa ng banayad na pagsulat ng mga detalye. Ang kanyang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng isang matingkad na katangian, maaaring madama ang sulat-kamay ng isang ipinanganak na kompositor ng dula-dulaan dito. Ang mga piraso para sa Harpsichord Rameau ay isang lugar para sa mga eksperimento sa larangan ng pagkakaisa, ritmo, pagkakayari. Halimbawa, ang mga piraso ng "Savages" at "Cyclops" ay labis na imbento sa mga tuntunin ng pagbuo ng tonal scale, at ang piraso na "Enharmonic" ay isa sa mga unang halimbawa ng enharmonic modulation na kilala sa kasaysayan ng musika.

Kung ang gawain ng Couperin ay ang rurok ng eskuwelahan ng harpsichord ng Pransya, kung gayon ang Rameau ay naging bunsod nito. Ang kanyang pamana sa genre na ito ay binubuo lamang ng animnapu't dalawang dula, sa maraming mga paraan na nakapagpapaalala sa kanilang mga hinalinhan: ang parehong paglalarawan ng tula - "Chirping Birds", "Mahinahong Mga Reklamo", "Venetian" (musikal na larawan), "Mga pag-uusap ng Muses "; ang magkatulad na dalawang-bahaging mga form, maliit na pagkakaiba-iba, rondo, at ang karaniwang dalawang-tatlong-bahagi, at ang puntas ng melismas. Ngunit ang pagkamalikhain ng harpsichord ni Rameau ay naiiba sa maraming aspeto mula sa pamana ng Couperin. Si François Couperin ay isang kompositor na pangunahing nag-iisip sa mga imahe ng harpsichord. Samantala, mula pa noong 30s, ang teatro na musikal ay naging elemento ni Rameau: ang kanyang pagtugtog ng harpsichord ay nagdala ng isang pagsasalamin ng teatro (Cyclops, Savages, Egypt, Tambourine, Solonskie simpletons). Ang mga gig at minuet mula sa ikalawang suite, na inayos ng may-akda, ay kasama sa mga marka nina Castor at Pollux at Margarita ng Navarre. Ang tamborin mula sa parehong suite ay paulit-ulit sa musika ng ballet na "Celebrations of Hebe". Lumilitaw ang "Solonsky simpletons" sa pangatlong kilos ng "Dardanus".

Ang harpsichord suite ni Rameau ay isang bagay na husay na naiiba mula sa ordenansa ni François Couperin. Ang dating orden, na maaaring walang katapusang nakaunat sa oras, ay nakapaloob sa isang bilog ng maliit na mga paligid na maliit na miniature na naka-frame sa gitnang piraso ng medalyon, ang pinaka-makasagisag na makabuluhan, malawak, mayaman sa pagkakayari, komposisyon, pag-unlad at tematismo (kung minsan isinusulat ito ng Rameau. sa parehong susi, din mas maliwanag na pagtatabing "medalyon"). Naghahanap din si Rameau at nahahanap ang istrakturang pagsasama-sama ng mga elemento ng ikot, ang core nito, lumilikha ng mahusay na proporsyon.

Ang tematikismo ni Rameau - sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng musikang Pranses - ay minarkahan ng isang kahanga-hangang pagkakaiba sa loob. Ang kanyang mga imahe ay nagpapakita ng mahusay na pagiging malapit, tumutugon sa mga phenomena ng totoong katutubong buhay. Ang pampakay na pag-unlad nito ay higit na maraming katangian at mas mayaman kaysa sa ibang mga musikero ng Pransya noong unang bahagi at kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ito ay si Rameau, kasama si Couperin, na isa sa mga nagtatag ng sonata ng Pransya at maging ang rondo sonata (Cyclops mula sa suite d-moll). Ang bago, katangian ng Rameau at siya lamang, ay ang magkakaibang mga pampakay na pampakay sa sonata form, na una niyang nahanap, kahit na sa Pransya. Sa wakas, ang pagkakayari ng Rameau, malayo sa biyaya ng alahas ng pagkakayari ng Couperin, ay mas mababa sa harpsichord at may kaugaliang piano sonority, dynamics at range. Ang mga tawag sa darating na piano at pagrereserba ni Rameau, ang kanyang halos percussive na pamamaraan ng keyboard at pagpoposisyon ng kamay na nauugnay sa pagpapabuti ng diskarteng paglalagay ng hinlalaki at paggamit nito sa mga itim na key. Sa pangalawang kuwaderno ng mga piraso ng harpsichord ay nakakabit na "Ang Bagong Pamamaraan ng Mga Mekanika ng Daliri". Dito kumikilos ang Rameau bilang isang tunay na tagasunod ng isang mekanistikong pagtingin sa sining ng paglalaro ng harpsichord. Ang lihim ng kabutihan ay nakasalalay sa mekanismo ng daliri. Ang pag-unlad at pagpapabuti nito sa pamamagitan ng ehersisyo ng muscular system ay ang tanging tunay na landas ng pag-arte. Gaano kalayo mula sa mga prinsipyo ni Couperin, ang kanyang perpekto ng madali at magkakaugnay, likido at hindi nakaka-play.

Ang Rameau ay tumutukoy sa katangian ng mga konsyerto nang mas tiyak, sa gayon binibigyang diin ang kanilang pagkakaiba pareho sa "Concerts royaux" ni Couperin at mula sa mga konsyerto ng paaralang Italyano (Corelli, Vivaldi, Tartini): "Mga piraso ng clavecin en concert" ("Mga piraso para sa isang konsyerto harpsichord ") ... Ipinapahiwatig ng pangalang ito ang komposisyon ng ensemble na gumaganap ng gawain: isang trio ng harpsichord, violin at flute (ad libitum viola, o pangalawang byolin, o viola). Ang papel na ginagampanan ng harpsichord ay makabago, na lumilitaw dito hindi bilang tagaganap ng basso Continuo o counterpoint polyphonic na mga tinig, ngunit bilang isang solo instrumento na may malawak na binuo, masterly na bahagi ng konsyerto, katulad ng kung ano ang isinasagawa dalawampung taon nang mas maaga ng I.S. Bach sa 5th Brandenburg Concerto at sa anim na sonata para sa obligadong clavier at violin. Sa mga tuntunin ng matalinhagang nilalaman, pampakay at pamamaraan, ang "Mga Konsiyerto" ay binubuo pangunahin sa mga airs danses, na nakikilala sa pamamagitan ng isang partikular na kawalan ng tunog ng malambing na tunog, malambot na liriko ng pagpapahayag at, sa karamihan ng bahagi, isang katamtamang pagiging malapit sa tunog. Ang brio ng konsyerto ay hindi katangian ng mga piraso na ito. Ang "Konsiyerto" ay malamang na maiugnay sa aktibidad ng lahat ng nakatutulong mga tinig na nakikilahok sa maayos na mayaman at pinong pag-unlad ng materyal na pampakay. Kung binibigyan namin ng kahulugan ang buong serye ng mga pag-play bilang isang malaking ikot, kung gayon hindi kami nakikipag-usap sa ordinansa ni Couperin, ngunit ang suite ni Rameau na may isang katangian na arkitektura ng isang simetriko na uri. Sa kabuuan, ang "Mga Konsiyerto" ni Rameau ay ang pinakamaliit na konsyerto, bukod dito, ang pinakamatalik at malapit sa lahat ng kanyang nilikha.

Ang pamana ni Rameau ay binubuo din ng maraming dosenang mga libro at isang bilang ng mga artikulo sa teorya ng musika at acoustics, ang groundbreaking na Treatise on Harmony (1722), na nakakuha sa kanya ng isang reputasyon bilang isang pangunahing teorama ng musika; maraming mga motet at solo cantatas; 29 na mga komposisyon sa yugto - mga opera, opera-ballet at pastoral. Ngayon, ang kanyang mga clavier na piraso ay pinakatanyag, ngunit ang pangunahing larangan ng aktibidad ng kompositor ay ang opera. Lumikha si Rameau ng isang bagong istilo ng opera, ang obra maestra na kung saan ay ang kanyang mga trahedyang liriko na Hippolytus at Arisia (1733), Castor at Pollux (1737). Ang opera-ballet na "Gallant of India" ay kinikilala bilang tuktok ng pagkamalikhain at yugto ng pagkamalikhain ni Rameau. Ang uri ng opera ni Rameau ay Pranses, hindi Italyano: ang pag-unlad ng musikal ay hindi nagambala, ang paglipat mula sa mga natapos na mga numero ng tinig hanggang sa pag-usig ay pinapayuhan. Sa mga opera ni Rameau, ang vocal virtuosity ay hindi sinasakop ang pangunahing lugar; marami silang mga interludes ng orkestra, binibigyang pansin ang bahagi ng orkestra; ang mga koro at pinalawig na mga eksenang ballet ay mahalaga din. Sinusundan ng Melodic Rameau ang teksto sa lahat ng oras; ang linya ng tinig sa kanyang mga opera ay, sa prinsipyo, mas malapit sa recitative kaysa sa cantilena. Ang pangunahing paraan ng pagpapahayag ay hindi ang himig, ngunit ang mayaman at nagpapahiwatig na paggamit ng pagkakaisa - ito ang pagka-orihinal ng istilo ng opera ni Rameau.

Matapos ang pagkamatay ni Rameau, ang kanyang pamana ay matagal nang natabunan ng katanyagan ni Gluck bilang isang repormador ng eksenang operatiba. Sa buong ika-19 na siglo, ang Rameau ay nakalimutan at halos hindi gumanap (kahit na ang kanyang musika ay maingat na pinag-aralan nina Hector Berlioz at Richard Wagner). Sa pagsisimula lamang ng mga siglo na XIX-XX. ang kahalagahan ng Rameau at ang kanyang musika ay nagsimulang lumago. Ngayon ay kinilala siya bilang pinakamalaking kompositor ng Pransya, ang pinakaprominenteng pigura sa panahon ng musikal sa pagitan nina François Couperin at Hector Berlioz.

Konklusyon

Ang ika-17 at unang bahagi ng ika-18 siglo ay isa sa pinakamahalaga at napakatalino na panahon sa kasaysayan ng musikang Pransya. Ang isang buong panahon sa pagbuo ng musikal na sining na nauugnay sa "lumang rehimen" ay naging isang bagay ng nakaraan; ang siglo ng huling Louis, ang siglo ng klasismo at rococo ay nasa huli. Ang liwayway ng Kaliwanagan ay sumiklab. Ang mga istilo, sa isang banda, ay nalimitahan; sa isa pa, sila ay layered, nagsama sa bawat isa. Ang intonation at matalinhagang istraktura ng musikang Pransya ay nabago at iba-iba. Ngunit ang nangungunang kalakaran, na tumakbo sa direksyon ng paparating na rebolusyon, ay naging maliwanag na may hindi maipaliwanag na kalinawan. Ang "Gallant India" ni Rameau ay walang iba kundi isang "karagdagan sa musikal" sa Bougainville's Journey, at ang "Old Seniors" ni Couperin ay sumayaw na ng kanilang saraband sa ilalim ng motto ni Ronsard: "Lahat ay pumasa at lahat ay umalis, upang hindi na bumalik!" Ang takipsilim ay nahuhulog sa France ng Bourbons. Ang awtoridad ng maharlika sa lupa, ang mga pribilehiyo ng kanyang estate, ang estado at batas nito ay kapansin-pansin na inalog, marahas nitong nilabanan ang pagsulong ng kaisipan at ang aksyon ng mga progresibo at rebolusyonaryong pwersa at indibidwal na higit na malinaw na kumatawan sa mga puwersang ito. Ang katotohanan ay napahanga, ngunit ang kaalaman at pagpapalaganap nito ay kakaunti at malupit na sinusukat ng kapangyarihan ng hari at ng mga institusyon. Si Rousseau ay nasa pagkatapon, alam ni Voltaire ang mga katatakutan ng Bastille, napilitan si Helvetius na mag-publish sa ibang bansa. Ang materyalismo ay nanaig sa maunlad na kaisipan ng lipunan, ngunit ang agham ay napakalayo mula sa maunlad, sapagkat dala nito ang pasanin ng parusang kanang kamay ng estado at ng simbahan. Ang Katolisismo ay hindi umiiral sa mga "labi", ngunit bilang isang maimpluwensyang at reaksyunaryong puwersang ideolohikal. Kahit na ang mga natitirang rebolusyonaryo ay hindi nakatakas sa impluwensya nito: Si Robespierre, Saint-Just, Couton ay mga deista, kinondena ang materyalismo, at ang dibdib ni Helvetius ay publikong ibinagsak at sinira sa isang pulong ng Jacobin club, bilang isang regalo kung saan ipinakita ito ng ang asawa ni Louis David.

Ang mga manunulat at kompositor ng kathang-isip, pintor at dramatikong aktor, harpsichordist at makatang liriko - lahat ay nadama ang paparating na bagyo, pinaghiwalay ang kanilang mga sarili, at ang pinakamaganda sa kanila ay natagpuan ang lakas ng loob, budhi at lakas upang mailantad ang mga nakanganga na ulser ng "lumang kaayusan" at malugod na tinatanggap ang darating na rebolusyon. Ang "Rascals of Scapin" ni Moliere, Fables at "Epitaph to the Lazy" ni La Fontaine, Couperin's Passacaglia sa B menor de edad, "Nabat" ni Gaultier at "Tomb" ni Leclerc, kasama ang "Social Contract" ni Rousseau at "Confession", na may mga kuwadro na gawa nina Watteau at David - ito ay sining na nakuha hindi lamang ang trahedya ng pagkamatay ng royal France, kundi pati na rin ng bukang-liwayway ng isang bagong panahon. Kung wala si François Couperin ay wala si Johann Sebastian, Bach. Kung wala ang Rameau, walang Gluck, Mozart at Beethoven.

Ang malikhaing paaralan ng Pransya ng mga harpsichordist ay nakikilala sa pamamagitan ng integridad ng bagong istilo nito, ang pagpipino ng pagsulat, at ang pagkakasunud-sunod ng ebolusyon. Ang musikang Harpsichord ay nagmula sa maharlikaong milieu at inilaan para sa kanya. Ito ay kasuwato ng diwa ng aristokratikong kultura, samakatuwid ang panlabas na biyaya sa disenyo ng pampakay na materyal, ang kasaganaan ng gayak, na kung saan ay ang pinaka-katangian na elemento ng aristokratikong istilo. Ang pagkakaiba-iba ng mga dekorasyon ay hindi mapaghihiwalay mula sa mga komposisyon ng harpsichord hanggang sa maagang Beethoven. Sa musika, ang kaaya-aya sa pagiging sopistikado, pagiging sopistikado, gaan, wit ay pinahahalagahan. Sa parehong oras, ginampanan ang mga pag-play ng isang maliit na sukat - mga miniature. Ang mga French harpsichordist ay bihirang lumingon sa malalaking anyo, mga pagkakaiba-iba ng siklo - nag-gravitate sila patungo sa isang suite na binubuo ng sayaw at mga miniature ng programa.

Ang mga suite ng mga French harpsichordist, taliwas sa mga German suite, na eksklusibong binubuo ng mga numero ng sayaw, ay mas malayang itinayo. Medyo bihira silang umasa sa mahigpit na pagkakasunod-sunod ng alemand - courant - sarabanda - gigue. Ang kanilang komposisyon ay maaaring maging alinman, kung minsan ay hindi inaasahan, at ang karamihan sa mga dula ay may pamagat na patula na nagsisiwalat sa hangarin ng may akda.

Listahan ng mga sanggunian

1.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Harpsichord

2.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Francois_Couperin

3.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Jean-Philippe_Ramo

4.http: //musike.ru/index. php? id \u003d 4

5. T. Livanova "Kasaysayan ng musika sa Kanlurang Europa bago ang 1789: Teksbuk" sa 2 vols. Vol.1 M., Musika, 1983

6.http: //www.clasmusic.ru/index. php / Zhak-Shampion-de-Shambonyer.html

7.http: // ru. wikipedia.org/wiki/%D8%E0%EC%E1%EE%ED%FC%E5%F0,_%C6%E0%EA

8.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Louis_Couperin

9. Musika encyclopedia. - M.: Encyclopedia ng Soviet, kompositor ng Soviet. Ed. Yu.V. Keldysh. 1973-1982.

10. Isang Maikling Biograpikong Diksyonaryo ng mga Foreign Composer, na naipon ng M.Yu. Mirkin, M.: Soviet Composer, 1968

11. Druskin M., Clavier na musika, L., I960

12.http: //www.tonnel.ru/? l \u003d gzl & uid \u003d 800

13.http: //www.classic-music.ru/couperin.html

14.http: //belcanto.ru/couperin.html

15.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Jean-Philippe_Rameau

16. Bryantseva V.N. Jean Philippe Rameau at French Musical Theatre. M., 1981

Katulad na mga dokumento

Background ng kasagsagan ng panahon ng musika ng French harpsichordists. Mga instrumentong pangmusika ng keyboard noong ika-18 siglo. Mga tampok na istilo ng Rococo sa musika at iba pang mga anyo ng pagkamalikhain. Mga larawang musikal ng French harpsichordists, harpsichord music ni J.F. Rameau at F. Couperin.

term paper, idinagdag 06/12/2012


Pangkalahatang katangian ng pagganap, kahulugan ng musikang clavier ng Pransya. Metro ritmo, melismatics, dynamics. Ang mga pagtutukoy ng pagganap ng French clavier na musika sa akordyon. Artikulasyon, mekanika at intonasyon, pamamaraan ng melism.

abstract, idinagdag 02/08/2011


Ang konsepto at kasaysayan ng pinagmulan ng musika, ang mga yugto ng pag-unlad nito. Mga genre at istilo ng musika. Teoryang "Linggwistiko" na pinagmulan ng musika. Pagbuo ng paaralan ng komposisyon ng Russia. Ang ugnayan ng mga musikero sa estado noong panahon ng Sobyet. Ang pag-unlad ng musika sa Russia.

abstract, idinagdag 09/21/2010


Ang pinagmulan ng musikang tinig. Bagong antas ng paglikha ng musika. Ang kakanyahan ng pagpapakilala sa opera. Paghahalo ng mga aral na musika sa Europa sa mga ritmo ng Africa. Ang pangunahing direksyon ng jazz. Paggamit ng mga kagamitang elektroniko. Pinagkakahirapan sa pagtukoy ng istilo ng musika.

idinagdag ang abstract noong 04/08/2014


Paaralang kompositor ng Russia. "Pagkopya" kay Vivaldi sa Bortnyansky. Ang nagtatag ng Ruso na propesyonal na musika ay si Mikhail Glinka. Isang apela sa mga paganong ninuno ni Igor Stravinsky. Ang epekto ng musika ni Dmitry Shostakovich. Pagkamalikhain ni Frederic Chopin.

abstract, idinagdag 11/07/2009


Mga pundasyong teoretikal ng pag-oorganisa ng pagbuo ng panlasa ng musikal sa mga batang mag-aaral. Ang pananaw ng mga siyentista sa problema ng pagbuo ng panlasa sa musika. Ang pagka-orihinal ng mga istilo ng musika at mga uso. Ang kasaysayan ng paglitaw ng techno - musika. Maikling Kursong House Music.

thesis, idinagdag noong 04/21/2005


Mga kompositor ng dayuhan at Ruso. Ang impluwensya ng musika sa isang tao. Ang impluwensya ng napapanahong musika ng kabataan sa mga kabataan, sa kanilang emosyonal, pisikal at espiritwal na kalagayan. Ano ang nangyayari sa lugar ng puwang ng schizophonic. Mga uso sa modernong kabataan.

pagsubok, idinagdag 01/04/2014


Sining na sumasalamin ng katotohanan sa mga tunog ng masining na imahe. Ang ugnayan sa pagitan ng musika at edad. Natutukoy ang ugnayan sa pagitan ng tauhan at musika. Ang pangunahing mga genre ng musika. Ang kagalingan ng maraming bagay ng musika at ang kahalagahan nito sa modernong buhay ng tao.

idinagdag ang pagtatanghal noong 03/16/2017


Mga katangian ng edad ng mga mas matatandang bata sa preschool mula sa pananaw ng kanilang mga katangian ng pang-unawa at pag-unawa sa musika. Mga pamamaraan at diskarte na nagbibigay ng kontribusyon sa pagbuo ng kakayahan ng mga preschooler na makinig ng musika. Mga sangkap ng istruktura ng pang-unawa sa musikal.

term paper, idinagdag noong 04/28/2013


Ang musikang Tatar bilang isang katutubong, higit sa lahat ang vocal art, na kinakatawan ng mga monophonic song ng oral na tradisyon. Ang batayan at sukat ng musikang katutubong Tatar. Mga Kompositor ng Ter Teritoryo. Ang kontribusyon ng kompositor na Chuganaev sa pag-unlad ng mga katutubong awit.

CLAVESIN [Pranses. clavecin, mula sa huli na lat. clavicymbalum, mula sa lat. clavis - key (kaya't ang susi) at cymbalum - cymbals] - kumuha ng instrumentong pangmusika sa keyboard. Kilala mula pa noong ika-16 na siglo. (nagsimula itong itayo noong ika-14 na siglo), ang unang impormasyon tungkol sa harpsichord ay nagsimula pa noong 1511; ang pinakalumang nakaligtas na instrumento ng trabahong Italyano ay nagsimula pa noong 1521.

Ang harpsichord ay nagmula sa salterium (bilang isang resulta ng muling pagtatayo at pagkakabit ng mekanismo ng keyboard).

Sa una, ang harpsichord ay may isang quadrangular na hugis at kahawig ng isang "libre" na clavichord sa hitsura, na kaibahan kung saan mayroon itong mga string ng magkakaibang haba (ang bawat key ay may isang espesyal na string na naka-tono sa isang tiyak na tono) at isang mas kumplikadong mekanismo ng keyboard. Ang mga kuwerdas ng harpsichord ay itinakda sa panginginig ng isang pluck sa tulong ng balahibo ng isang ibon, naayos sa isang pamalo - isang pusher. Kapag pinindot ang susi, ang pusher na matatagpuan sa likurang dulo ay tumaas at ang balahibo ay nahuli sa string (kalaunan, sa halip na balahibo ng isang ibon, isang leather plectrum ang ginamit).

Ang aparato ng itaas na bahagi ng pusher: 1 - string, 2 - ang axis ng mekanismo ng paglabas, 3 - langette (mula sa French languette), 4 - plectrum (dila), 5 - damper.

Ang tunog ng harpsichord ay napakatalino, ngunit hindi malambing (biglang), na nangangahulugang hindi ito nagpapahiram sa mga pabago-bagong pagbabago (ito ay mas malakas, ngunit hindi gaanong nagpapahiwatig kaysa sa), ang pagbabago ng lakas at timbre ng tunog ay hindi nakasalalay sa likas na katangian ng welga sa mga susi. Upang mapagbuti ang sonority ng harpsichord, ginamit ang doble, triple at kahit quadruple string (para sa bawat tono), na na-tono nang magkakasabay, oktaba, at kung minsan iba pang mga agwat.

Ebolusyon

Mula noong simula ng ika-17 siglo, sa halip na mga ugat ng ugat, ginamit ang mga string ng metal, na tumataas ang haba (mula sa tatlong beses hanggang sa bass). Ang instrumento ay nakakuha ng isang tatsulok na mala-pakpak na hugis na may isang paayon (parallel sa mga key) pag-aayos ng mga string.

Noong ika-17 at ika-18 siglo. upang bigyan ang harpsichord ng isang mas maraming iba't ibang tunog, ang mga instrumento ay ginawa gamit ang 2 (minsan 3) mga keyboard ng kamay (mga manwal), na kung saan matatagpuan ang terraced isa sa itaas ng isa pa (karaniwang ang pang-itaas na manwal ay na-tune ng isang oktaba na mas mataas), pati na rin sa pagrehistro mga switch para sa pagpapalawak ng treble, pag-doble ng bass ng oktave, at mga pagbabago sa pangkulay ng timbre (rehistro sa lute, rehistro ng bassoon, atbp.).

Ang mga rehistro ay pinamamahalaan ng mga pingga na matatagpuan sa mga gilid ng keyboard, o sa pamamagitan ng mga pindutan na matatagpuan sa ilalim ng keyboard, o ng mga pedal. Sa ilang mga harpsichord, para sa higit na pagkakaiba-iba ng timbre, isang pangatlong keyboard ang inayos kasama ang ilang katangian na pangkulay ng timbre, na mas madalas na kahawig ng isang lute (ang tinaguriang keyboard ng lute).

Hitsura

Panlabas, ang mga harpsichord ay karaniwang natapos nang napaka kaaya-aya (ang katawan ay pinalamutian ng mga guhit, inlay, larawang inukit). Ang pagtatapos ng instrumento ay tumutugma sa naka-istilong kasangkapan sa bahay noong Louis XV. Noong 16-17 siglo. Ang mga harpsichord ng Antwerp masters ng Ruckers ay tumayo para sa kalidad ng tunog at kanilang dekorasyon.

Harpsichord sa iba't ibang mga bansa

Ang pangalang "harpsichord" (sa Pransya; arpsichord - sa Inglatera, kilflugel - sa Alemanya, clavicembalo o dinaglat na chembalo - sa Italya) ay napanatili para sa malalaking instrumento na hugis pakpak na may saklaw na hanggang sa 5 oktaba. Mayroon ding mga mas maliit na instrumento, karaniwang hugis-parihaba sa hugis, na may solong mga string at isang saklaw ng hanggang sa 4 na oktaba, na tinatawag na: epinet (sa Pransya), spinet (sa Italya), virginel (sa Inglatera).

Vertical Harpsichord -. Ang harpsichord ay ginamit bilang solo, ensemble ng kamara at instrumento ng orkestra.

Ang tagalikha ng virtuoso harpsichord style ay ang Italyano na kompositor at harpsichordist na D. Scarlatti (nagmamay-ari siya ng maraming mga gawa para sa harpsichord); ang nagtatag ng Pranses na paaralan ng mga harpsichordists - si J. Chambognière (ang kanyang "Harpsichord Pieces", 2 mga libro, 1670 ang sikat).

Kabilang sa mga French harpsichordist ng huling bahagi ng ika-17 at ika-18 na siglo. -, J. F. Rameau, L. Daken, F. Daedrieu. Ang musikang French harpsichord ay isang sining ng pino na panlasa, pino ang asal, malinaw na malinaw, napapailalim sa maharlikang pag-uugali. Ang maselan at malamig na tunog ng harpsichord ay kasuwato ng "mabuting tono" ng napiling lipunan.

Ang estilo ng galante (rococo) ay natagpuan ang malinaw nitong sagisag sa mga French harpsichordist. Ang mga paboritong tema ng mga miniature ng harpsichord (ang maliit na katangian ay isang katangian na anyo ng sining ng Rococo) ay mga imaheng babae ("Kamangha-manghang", "Coquettish", "Malungkot", "Mahiyain", "Sister Monica", "Florentine" ni Couperin), mga galaw na sayaw minuet, gavotte, atbp.), mga idyllic na larawan ng buhay ng mga magsasaka ("The Reapers", "Grape Pickers" ni Couperin), onomatopoeic miniature ("Chicken", "Clock", "Chirping" ni Couperin, "Cuckoo" ni Daken, at iba pa). Ang isang tipikal na tampok ng musika ng harpsichord ay ang kasaganaan ng mga melodic na dekorasyon.

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo. ang mga gawa ng French harpsichordists ay nagsimulang mawala mula sa repertoire ng mga tagaganap. Bilang isang resulta, ang instrumento, na mayroong isang mahabang kasaysayan at tulad ng isang mayamang artistikong pamana, ay pinatalsik mula sa kasanayan sa musika at pinalitan ng piano. At hindi lamang nahalili, ngunit ganap na nakalimutan noong ika-19 na siglo.

Ito ay nangyari bilang isang resulta ng isang radikal na pagbabago sa mga kagustuhan sa aesthetic. Ang mga aesthetics ng Baroque, na batay sa alinman sa isang malinaw na formulated o malinaw na pinaghihinalaang konsepto ng teorya ng nakakaapekto (sa maikling salita, ang tunay na kakanyahan: isang kalagayan, nakakaapekto - isang tunog pintura), kung saan ang harpsichord ay ang perpektong paraan ng expression, binigyan muna ang pakiramdam ng sentimentalism, pagkatapos ay sa isang mas malakas na direksyon - klasismo at, sa wakas, romantismo. Sa lahat ng mga istilong ito, sa kabaligtaran, ang pinaka-kaakit-akit at nilinang ay ang ideya ng kakayahang baguhin - damdamin, imahe, kundisyon. At maaaring ipahayag ito ng piano. Ang lahat ng ito ay hindi maaaring gawin ng harpsichord sa prinsipyo - dahil sa mga kakaibang disenyo nito.

Ang mga kapanahon ni F. Couperin ay ang mga kompositor ng French harpsichord na si Louis Marchand (1669-1732), G. Le Roux (1660-1717), J.F. Dandrieu (1682-1738) at ilang iba pa. Ang kanilang sining ay binuo sa parehong ugat ng malikhaing paaralan, na may isang kagustuhan para sa mga programatic na piraso ng maliit na form, na may interes sa tradisyonal at bagong anyo na mga sayaw. At bagaman ang bawat isa sa kanila ay may kanya-kanyang mga nagawa sa landas na ito, walang alinlangan na ang gawain ni Couperin ay ipinahayag ang oras nito na may pinakadakilang pagkakumpleto, na magagamit sa harpsichordism sa partikular nitong French bias.

Dandrieu (d "Andrieu) Jean Francois (1682, Paris - 17 I 1738, ibid.) - pranses harpsichordist, organista at kompositor. Marahil ay isang mag-aaral ng Zh.B. Moreau. Nagsilbi siyang organista sa mga simbahan sa Paris na Saint-Merry at Saint-Barthélemy, mula 1721 - nasa parokya din. kapilya Kabilang sa kanyang mga gawa ay: "Book of Trio Sonatas" (1705), 3 koleksyon ng mga piraso para sa harpsichord (1724, 1728 at 1734), "Book of Pieces for Organ" (ed. 1739), 2 koleksyon ng trio sonatas at sonatas para sa byolin kasama ang basso Continuo, offertoria at iba pa D. sumulat ng A Guide to Harpsichord Accompaniment (1716).

Daken (Daquin, d "Aquin) Louis Claude (4 VII 1694, Paris - 15 VI 1772, ibid.) - pranses kompositor, organista, harpsichordist, Kaliwat ni F. Rabelais. Maagang ipinakita ang muses. talent (sa edad na 6 ay tumugtog siya ng harpsichord bago si Louis XIV). Nag-aral sa ilalim ng N. Vernier (komposisyon) at Louis Marchand (organ at harpsichord). Mula sa edad na 12, organista ng Petit-Saint-Antoine chapel. Mula noong 1715 ang simbahan ay nagsilbi. organista Matapos ang isang kumpetisyon sa paglalaro ng organ sa Church of Saint-Paul noong 1727, tinalo ang J.F. Rameau, natanggap ang posisyon ng organista ng simbahang ito. Mula 1739 siya ay organista ng Royal Chapel, mula 1755 - ng Cathedral ng Notre Dame sa Paris. Ang mga gawa ni Daken ay nakasulat pangunahin sa istilong Rococo, na may mga tampok na pino na galantry na likas sa istilong ito, at isang kasaganaan ng mga burloloy. Ang pangunahing bagay sa kanyang musika ay ang pagpapahiwatig ng himig; ang kanyang pinakamahusay na mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng paglalarawan ng genre at liriko psychologism. Daken - ang may-akda ng mga piraso para sa harpsichord (sa unang koleksyon - "Premier livre de pièces de clavecin", 1735, - kasama ang tanyag na maliit na "The Cuckoo", na napanatili sa repertoire ng mga modernong pianist), mga kanta sa Pasko para sa organ at harpsichord (1757), kung saan nililinang niya ang mga diskarte ng matalinhagang pagkakaiba-iba, transparent na pagsulat ng homophonic, pati na rin ang pagpipinta ng timbre-register ng mga tema. Sumulat siya ng cantatas (nai-publish lamang na "Rose", 1762); ang manuskrito ay naglalaman ng cantata na may symphony orchestra na "Circe" sa mga salita ni J.J. Rousseau, motets, divertissement, fugues at trios, 2 masa, Te Deum at maraming iba pang mga gawa ng iba't ibang mga genre.

Jean-Philippe Rameau; 25.09.1683, Dijon - 12.09.1764, Paris)

Si Jean-Philimppe Ramom ay isang kompositor ng Pransya at teoretiko ng musikang Baroque. Anak ng isang organista. Nag-aral siya sa isang eskwelahan ng Heswita. Sa edad na 18 ipinadala siya ng kanyang ama sa Italya upang mapagbuti ang kanyang edukasyong musikal sa Milan. Nang siya ay bumalik, gumanap siya bilang isang biyolinista sa Montpellier Orchestra. Noong 1702-1706 at 1716-1723 nagsilbi siya bilang organista sa Clermont-Ferrand Cathedral; noong 1706-1716 nagtrabaho siya sa Paris at Lyon. Mula 1723 hanggang sa pagtatapos ng kanyang mga araw, si Rameau ay nanirahan sa Paris, nagsilbi bilang organista sa kolehiyo ng Heswita at sa simbahan ng Saint-Croix-de-la-Bretonry (hanggang 1740). Sumulat siya para sa mga teatro sa Paris, binubuo ng sagrado at sekular na musika, at mula 1745 ay naging isang kompositor ng korte.

Ang Rameau ay may-akda ng tatlong koleksyon ng mga piraso ng harpsichord (1706, 1724, 1727) at limang konsyerto para sa harpsichord, violin at viola da gamba (1741). Kabilang sa mga ito, ang pinakatanyag ay ang "Tambourine", "Chicken", "Dauphin", "Hammers", "Call of the Birds". Ang musika ng harpsichord ng Rameau ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malaking ugnay, salungat sa mga tradisyon ng kamara ng genre. Hindi siya madaling makagawa ng banayad na pagsulat ng mga detalye. Ang kanyang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng isang matingkad na katangian, maaaring madama ang sulat-kamay ng isang ipinanganak na kompositor ng dula-dulaan dito. Ang mga piraso para sa Harpsichord Rameau ay isang lugar para sa mga eksperimento sa larangan ng pagkakaisa, ritmo, pagkakayari. Halimbawa, ang mga piraso ng "Savages" at "Cyclops" ay labis na imbento sa mga tuntunin ng pagbuo ng tonal scale, at ang piraso na "Enharmonic" ay isa sa mga unang halimbawa ng enharmonic modulation na kilala sa kasaysayan ng musika.

Kung ang gawain ng Couperin ay ang rurok ng eskuwelahan ng harpsichord ng Pransya, kung gayon ang Rameau ay naging bunsod nito. Ang kanyang pamana sa genre na ito ay binubuo lamang ng animnapu't dalawang dula, sa maraming mga paraan na nakapagpapaalala sa kanilang mga hinalinhan: ang parehong paglalarawan ng tula - "Chirping Birds", "Mahinahong Mga Reklamo", "Venetian" (musikal na larawan), "Mga pag-uusap ng Muses "; ang magkatulad na dalawang-bahaging mga form, maliit na pagkakaiba-iba, rondo, at ang karaniwang dalawang-tatlong-bahagi, at ang puntas ng melismas. Ngunit ang pagkamalikhain ng harpsichord ni Rameau ay naiiba sa maraming aspeto mula sa pamana ng Couperin. Si François Couperin ay isang kompositor na pangunahing nag-iisip sa mga imahe ng harpsichord. Samantala, mula pa noong 30s, ang teatro na musikal ay naging elemento ni Rameau: ang kanyang pagtugtog ng harpsichord ay nagdala ng isang pagsasalamin ng teatro (Cyclops, Savages, Egypt, Tambourine, Solonskie simpletons). Ang mga gig at minuet mula sa ikalawang suite, na inayos ng may-akda, ay kasama sa mga marka nina Castor at Pollux at Margarita ng Navarre. Ang tamborin mula sa parehong suite ay paulit-ulit sa musika ng ballet na "Celebrations of Hebe". Lumilitaw ang "Solonsky simpletons" sa pangatlong kilos ng "Dardanus".

Ang harpsichord suite ni Rameau ay isang bagay na husay na naiiba mula sa ordenansa ni François Couperin. Ang dating orden, na maaaring walang katapusang nakaunat sa oras, ay nakapaloob sa isang bilog ng maliit na mga paligid na maliit na miniature na naka-frame sa gitnang piraso ng medalyon, ang pinaka-makasagisag na makabuluhan, malawak, mayaman sa pagkakayari, komposisyon, pag-unlad at tematismo (kung minsan isinusulat ito ng Rameau. sa parehong susi, din mas maliwanag na pagtatabing "medalyon"). Naghahanap din si Rameau at nahahanap ang istrakturang pagsasama-sama ng mga elemento ng ikot, ang core nito, lumilikha ng mahusay na proporsyon.

Ang tematikismo ni Rameau - sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng musikang Pranses - ay minarkahan ng isang kahanga-hangang pagkakaiba sa loob. Ang kanyang mga imahe ay nagpapakita ng mahusay na pagiging malapit, tumutugon sa mga phenomena ng totoong katutubong buhay. Ang pampakay na pag-unlad nito ay higit na maraming katangian at mas mayaman kaysa sa ibang mga musikero ng Pransya noong unang bahagi at kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ito ay si Rameau, kasama si Couperin, na isa sa mga nagtatag ng sonata ng Pransya at maging ang rondo sonata (Cyclops mula sa suite d-moll). Ang bago, katangian ng Rameau at siya lamang, ay ang magkakaibang mga pampakay na pampakay sa sonata form, na una niyang nahanap, kahit na sa Pransya. Sa wakas, ang pagkakayari ng Rameau, malayo sa biyaya ng alahas ng pagkakayari ng Couperin, ay mas mababa sa harpsichord at may kaugaliang piano sonority, dynamics at range. Ang mga tawag sa darating na piano at pagrereserba ni Rameau, ang kanyang halos percussive na pamamaraan ng keyboard at pagpoposisyon ng kamay na nauugnay sa pagpapabuti ng diskarteng paglalagay ng hinlalaki at paggamit nito sa mga itim na key. Sa pangalawang kuwaderno ng mga piraso ng harpsichord ay nakakabit na "Ang Bagong Pamamaraan ng Mga Mekanika ng Daliri". Dito kumikilos ang Rameau bilang isang tunay na tagasunod ng isang mekanistikong pagtingin sa sining ng paglalaro ng harpsichord. Ang lihim ng kabutihan ay nakasalalay sa mekanismo ng daliri. Ang pag-unlad at pagpapabuti nito sa pamamagitan ng ehersisyo ng muscular system ay ang tanging tunay na landas ng pag-arte. Gaano kalayo mula sa mga prinsipyo ni Couperin, ang kanyang perpekto ng madali at magkakaugnay, likido at hindi nakaka-play.

Ang Rameau ay tumutukoy sa katangian ng mga konsyerto nang mas tiyak, sa gayon binibigyang diin ang kanilang pagkakaiba pareho sa "Concerts royaux" ni Couperin at mula sa mga konsyerto ng paaralang Italyano (Corelli, Vivaldi, Tartini): "Mga piraso ng clavecin en concert" ("Mga piraso para sa isang konsyerto harpsichord ") ... Ipinapahiwatig ng pangalang ito ang komposisyon ng ensemble na gumaganap ng gawain: isang trio ng harpsichord, violin at flute (ad libitum viola, o pangalawang byolin, o viola). Ang papel na ginagampanan ng harpsichord ay makabago, na lumilitaw dito hindi bilang tagaganap ng basso Continuo o counterpoint polyphonic na mga tinig, ngunit bilang isang solo instrumento na may malawak na binuo, masterly na bahagi ng konsyerto, katulad ng kung ano ang isinasagawa dalawampung taon nang mas maaga ng I.S. Bach sa 5th Brandenburg Concerto at sa anim na sonata para sa obligadong clavier at violin. Sa mga tuntunin ng matalinhagang nilalaman, pampakay at pamamaraan, ang "Mga Konsiyerto" ay binubuo pangunahin sa mga airs danses, na nakikilala sa pamamagitan ng isang partikular na kawalan ng tunog ng malambing na tunog, malambot na liriko ng pagpapahayag at, sa karamihan ng bahagi, isang katamtamang pagiging malapit sa tunog. Ang brio ng konsyerto ay hindi katangian ng mga piraso na ito. Ang "Konsiyerto" ay malamang na maiugnay sa aktibidad ng lahat ng nakatutulong mga tinig na nakikilahok sa maayos na mayaman at pinong pag-unlad ng materyal na pampakay. Kung binibigyan namin ng kahulugan ang buong serye ng mga pag-play bilang isang malaking ikot, kung gayon hindi kami nakikipag-usap sa ordinansa ni Couperin, ngunit ang suite ni Rameau na may isang katangian na arkitektura ng isang simetriko na uri. Sa kabuuan, ang "Mga Konsiyerto" ni Rameau ay ang pinakamaliit na konsyerto, bukod dito, ang pinakamatalik at malapit sa lahat ng kanyang nilikha.

Ang pamana ni Rameau ay binubuo din ng maraming dosenang mga libro at isang bilang ng mga artikulo sa teorya ng musika at acoustics, ang groundbreaking na Treatise on Harmony (1722), na nakakuha sa kanya ng isang reputasyon bilang isang pangunahing teorama ng musika; maraming mga motet at solo cantatas; 29 na mga komposisyon sa yugto - mga opera, opera-ballet at pastoral. Ngayon, ang kanyang mga clavier na piraso ay pinakatanyag, ngunit ang pangunahing larangan ng aktibidad ng kompositor ay ang opera. Lumikha si Rameau ng isang bagong istilo ng opera, ang obra maestra na kung saan ay ang kanyang mga trahedyang liriko na Hippolytus at Arisia (1733), Castor at Pollux (1737). Ang opera-ballet na "Gallant of India" ay kinikilala bilang tuktok ng pagkamalikhain at yugto ng pagkamalikhain ni Rameau. Ang uri ng opera ni Rameau ay Pranses, hindi Italyano: ang pag-unlad ng musikal ay hindi nagambala, ang paglipat mula sa mga natapos na mga numero ng tinig hanggang sa pag-usig ay pinapayuhan. Sa mga opera ni Rameau, ang vocal virtuosity ay hindi sinasakop ang pangunahing lugar; marami silang mga interludes ng orkestra, binibigyang pansin ang bahagi ng orkestra; ang mga koro at pinalawig na mga eksenang ballet ay mahalaga din. Sinusundan ng Melodic Rameau ang teksto sa lahat ng oras; ang linya ng tinig sa kanyang mga opera ay, sa prinsipyo, mas malapit sa recitative kaysa sa cantilena. Ang pangunahing paraan ng pagpapahayag ay hindi ang himig, ngunit ang mayaman at nagpapahiwatig na paggamit ng pagkakaisa - ito ang pagka-orihinal ng istilo ng opera ni Rameau.

Matapos ang pagkamatay ni Rameau, ang kanyang pamana ay matagal nang natabunan ng katanyagan ni Gluck bilang isang repormador ng eksenang operatiba. Sa buong ika-19 na siglo, ang Rameau ay nakalimutan at halos hindi gumanap (kahit na ang kanyang musika ay maingat na pinag-aralan nina Hector Berlioz at Richard Wagner). Sa pagsisimula lamang ng mga siglo na XIX-XX. ang kahalagahan ng Rameau at ang kanyang musika ay nagsimulang lumago. Ngayon ay kinilala siya bilang pinakamalaking kompositor ng Pransya, ang pinakaprominenteng pigura sa panahon ng musikal sa pagitan nina François Couperin at Hector Berlioz.

Mula sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang pangunahing kaalaman sa pag-unlad ng clavier na musika ay ipinasa mula sa mga virginalist ng Ingles hanggang sa French harpsichordists. Sa loob ng mahabang panahon, halos isang siglo, ang paaralang ito ang pinaka-maimpluwensyang sa Kanlurang Europa. Ang ninuno nito ay isinasaalang-alang Jacques Chambognière, na kilala bilang isang mahusay na gumaganap ng organ at harpsichord, isang may talento na guro at kompositor.

Ang mga konsyerto ng Harpsichord sa Pransya ay karaniwang gaganapin sa mga aristokratikong salon at palasyo, pagkatapos ng magaan na maliit na usapan o pagsayaw. Ang nasabing setting ay hindi ginusto ang malalim at seryosong sining. Sa musika, ang kaaya-aya sa pagiging sopistikado, pagiging sopistikado, gaan, wit ay pinahahalagahan. Sa parehong oras, ginampanan ang mga pag-play ng isang maliit na sukat - mga miniature. "Walang mahaba, nakakapagod, masyadong seryoso." - ito ang hindi nakasulat na batas na dapat na gabayan ng mga kompositor ng korte ng Pransya. Hindi nakakagulat na ang mga French harpsichordist ay bihirang lumingon sa malalaking anyo, mga ikot ng pagkakaiba-iba - nakaganyak sila sa suitena binubuo ng mga maliit na sayaw at programa.

Ang mga suite ng mga French harpsichordist, taliwas sa mga German suite, na eksklusibong binubuo ng mga numero ng sayaw, ay mas malayang itinayo. Medyo bihira silang umasa sa mahigpit na pagkakasunud-sunod ng alemand - courant - sarabanda - gigue. Ang kanilang komposisyon ay maaaring maging alinman, kung minsan ay hindi inaasahan, at ang karamihan sa mga dula ay may pamagat na patula na naghahayag ng hangarin ng may akda.

Ang paaralan ng mga French harpsichordist ay kinakatawan ng mga pangalan ng L. Marchand, J.F. Dandrie, F. Dazhencourt, L.-K. Daken, Louis Couperin. Higit sa lahat, nagtagumpay ang mga kompositor na ito sa mga elegante na pastoral na imahe ("Cuckoo" at "Swallow" ni Daken; "Iyak ng Ibon" ni Dandrieu).

Ang paaralan ng French harpsichord ay umabot sa rurok nito sa gawain ng dalawang henyo - Francois Couperin(1668-1733) at ang kanyang nakababatang kapanahon Jean Philippe Rameau (1685–1764).

Tinawag ng mga kapanahon si François Couperin na "François the Great". Wala sa kanilang mga harpsichordist ang maaaring karibal sa kanya sa katanyagan. Ipinanganak siya sa isang pamilya ng mga namamana na musikero at ginugol ang halos buong buhay niya sa Paris at Versailles bilang isang organista ng korte at guro ng musika para sa mga maharlikang anak. Ang kompositor ay nagtrabaho sa maraming mga genre (maliban sa theatrical). Ang pinakamahalagang bahagi ng kanyang masining na pamana ay binubuo ng 27 mga suite ng harpsichord (mga 250 piraso sa apat na koleksyon). Si Couperin ang nagtaguyod ng uri ng suite ng Pransya, na naiiba sa mga modelo ng Aleman, at pangunahing binubuo ng mga piraso ng programatic. Kabilang sa mga ito ay mga sketch ng kalikasan ("Mga Paru-paro", "Mga Bees", "Mga Reed"), at mga eksena ng genre - mga larawan ng buhay sa bukid ("Reapers", "Grape Pickers", "Knitters"); ngunit lalo na ang maraming mga potret sa musika. Ito ang mga larawan ng mga sekular na kababaihan at simpleng mga batang babae - walang pangalan ("Minamahal", "The Only"), o na-concretize sa mga pamagat ng mga dula ("Princess Mary", "Manon", "Sister Monica"). Kadalasan ang pintura ng Couperin ay hindi isang tukoy na mukha, ngunit isang tauhang pantao ("Masipag", "Rezvushka", "Anemone", "Walang pasensya"), o kahit na sinusubukan na ipahayag ang iba't ibang mga pambansang tauhan ("Spanish Woman", "Frenchwoman"). Marami sa mga miniature ni Couperin ay malapit sa mga tanyag na sayaw ng oras na iyon, halimbawa, courante, minuet.

Ang paboritong anyo ng mga maliit na maliit na Cooperin ay rondo.

Tulad ng nabanggit na, ang musika ng mga harpsichordist ay nagmula sa aristokratikong kapaligiran at inilaan para sa kanya. Ito ay kasuwato ng diwa ng aristokratikong kultura, samakatuwid ang panlabas na biyaya sa disenyo ng pampakay na materyal, ang kasaganaan ng gayak, na kung saan ay ang pinaka-katangian na elemento ng aristokratikong estilo. Ang pagkakaiba-iba ng mga dekorasyon ay hindi mapaghihiwalay mula sa mga komposisyon ng harpsichord hanggang sa maagang Beethoven.

Musika ng Harpsichord Ramo katangian, salungat sa mga tradisyon ng kamara ng genre, isang malaking stroke. Hindi siya madaling makagawa ng banayad na pagsulat ng mga detalye. Ang kanyang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng isang matingkad na katangian, dito maaaring maramdaman agad ang sulat-kamay ng isang ipinanganak na kompositor ng theatrical ("Manok", "Savages", "Cyclops").

Bilang karagdagan sa mga kamangha-manghang mga piraso ng harpsichord, nagsulat si Rameau ng maraming "mga trahedyang liriko", pati na rin ang groundbreaking na Treatise on Harmony (1722), na nakakuha sa kanya ng isang reputasyon bilang isang pangunahing teoristang musikal.

Ang pag-unlad ng Italyano na clavier na musika ay nauugnay sa pangalan Domenico Scarlatti.

Ang mga gawa ay itinuturing na programmatic kung mayroon silang isang tiyak na balangkas - isang "programa", na madalas na limitado sa isang pamagat, ngunit maaaring maglaman ng isang detalyadong paliwanag.

Marahil, ang hitsura ng mga dekorasyon ay nauugnay sa hindi perpekto ng harpsichord, ang tunog na agad na nabubulok, at ang trill o gruppetto ay maaaring bahagyang magbayad para sa kakulangan na ito, na nagpapahaba ng tunog ng sangguniang tunog.

Sa Kanlurang Europa. (lalo na ang Italo-Espanyol.) polygonal. wok musika ng huli na Middle Ages at ng Renaissance (mga motor, madrigal, atbp.) bilang isang improvisation. ang elemento ay papatupad. ang diskarte sa pagbawas ay nakatanggap ng mahusay na pag-unlad. Ginawa rin niya ang isa sa mga komposisyon na may texture. ang mga pundasyon ng naturang mga sinaunang kagamitan. mga genre tulad ng prelude, richercar, toccata, pantasya. Dept. maliit na formula na unti-unting lumitaw mula sa iba`t ibang mga pagpapakita ng malayang O. mga konstruksyon (sa mga sugnay). Mga kalagitnaan. Ika-15 siglo Sa kanya. org ang mga tablature ay lumitaw ang unang graphic. mga badge para sa pagsusulat ng mga dekorasyon. K ser. Ika-16 na siglo naging malawak na ginamit - sa pagkabulok. mga variant at koneksyon - ang mordent, trill, gruppetto, to-rye ay kabilang pa rin sa mga pangunahing. instr. burloloy. Maliwanag, nabuo sila sa pagsasanay ng instr. pagganap

Mula sa ika-2 palapag. Ika-16 na siglo malayang O. binuo ni hl. arr. sa Italya, pangunahin sa ibang melodic. ang yaman ng solo wok. musika, pati na rin ang biyolinista na may kaugaliang kabutihan. musika Habang nasa biyolinista. ang musika ay hindi pa natagpuan ang malawakang paggamit ng vibrato, na nagbibigay ng ekspresyon sa pinalawig na mga tunog, at ang mayamang gayak ng himig ay nagsilbing kapalit nito. Melismatic. ang mga adornment (ornement, agréments) ay nakatanggap ng espesyal na kaunlaran sa sining ng Pranses. lute at harpsichordists ng ika-17 at ika-18 siglo, kung kanino ang katangian ng pag-asa sa sayaw. mga genre na napailalim sa sopistikadong istilo. Sa Pranses. musika, mayroong isang malapit na koneksyon sa pagitan ng mga instrumento. mga pagsasama sa isang sekular na wok. lyrics (ang tinaguriang airs de cour), mga gilid ng sayaw mismo ay tumagos. plastik. Ingles. Ang mga virginalist (huli ng ika-16 na siglo), na may hilig sa mga tema ng kanta at mga pagkakaiba-iba nito. ang pag-unlad, sa lugar ng O. na higit na nag-gravitate patungo sa diminutionary na teknolohiya. Ilang melismatic. ang mga icon na ginamit ng mga birhen ay hindi maaaring tumpak na ma-decipher. Sa Austro-German. clavier art, na nagsimulang umunlad nang masinsin mula sa gitna. Ika-17 siglo, hanggang sa J.SBach kasama, ang gravitation patungo sa Italyano ay nagbanggaan sa iba't ibang paraan. diminutionary at French. melismatic. mga istilo. Ang Pranses. mga musikero ng ika-17-18 siglo naging kaugalian na samahan ang mga koleksyon ng dula na may mga mesa ng dekorasyon. Ang pinaka-napakalaking talahanayan (na may 29 na pagkakaiba-iba ng melisma) ay naunahan ng koleksyon ng harpsichord ng J.A. d'Angleber (1689); kahit na ang mga naturang talahanayan ay naglalantad ng hindi gaanong pagkakaiba-iba, sila ay naging isang uri ng karaniwang ginagamit na mga katalogo ng alahas. "Keyboard Book for Wilhelm ni Bach Friedemann Bach "(1720), maraming hiniram mula sa d" Angleber.

Pag-alis mula sa libreng O. sa direksyon ng kinokontrol na alahas mula sa Pranses. ang harpsichordist ay itinalaga sa orc. musika ni J. B. Lully. Gayunpaman, ang Pranses. ang regulasyon ng alahas ay hindi ganap na mahigpit, dahil kahit na ang pinaka detalyadong talahanayan ay nagpapahiwatig ng kanilang eksaktong pag-decode para lamang sa mga tipikal na aplikasyon. Pinapayagan ang maliliit na paglihis, naaayon sa mga tukoy na katangian ng mga kalamnan. tela. Nakasalalay sila sa sining at panlasa ng tagapalabas, at sa mga publikasyon na may nakasulat na mga transcript - sa estilistiko. kaalaman, prinsipyo at panlasa ng mga editor. Ang mga nasabing paglihis ay hindi maiiwasan sa pagganap ng mga dula ng luminary French. harpsichordism P. Couperin, mapilit na hiniling ang eksaktong pagpapatupad ng kanyang mga patakaran para sa pag-decode ng alahas. Si Franz. Karaniwan din para sa mga harpsichordist na kumuha ng diminutionary ornamentation sa ilalim ng kontrol ng may-akda, na partikular nilang isinulat, sa variaz. tumatagal

Hanggang sa wakas Ika-17 siglo, nang ang Pranses. Ang mga harpsichordist ay naging mga trendetter sa kanilang larangan, mga dekorasyon tulad ng mga tala ng trill at grasya, kasama ang melodic. pag-andar, nagsimula silang magsagawa ng isang bagong maayos. pag-andar, paglikha at paghasa ng dissonance sa malakas na beat. Si JS Bach, tulad ni D. Scarlatti, ay karaniwang nagsusulat ng hindi magkakasundo na alahas sa pangunahin. musikal na teksto (tingnan, halimbawa, Bahagi II ng Italian Concerto). Pinapayagan itong maniwala sa I.A.Sheibe na, sa pag-arte sa paraang, tinatanggihan ni Bach ang kanyang produksyon. "ang mga kagandahan ng pagkakaisa", dahil ginugusto ng mga kompositor nang panahong iyon na isulat ang lahat ng mga dekorasyon na may mga icon o maliliit na tala, upang magmukha silang graphic. malinaw na maayos ang recording. euphony DOS. chords.

Si F. Couperin ay may pino na Pranses. ang estilo ng harpsichord ay umabot sa rurok nito. Sa mga mature na dula ng J.F. Rameau, ang pagnanais na lampasan ang mga limitasyon ng pagmumuni-muni ng silid ay isiniwalat, upang palakasin ang mabisang dinamika ng pag-unlad, upang mailapat sa mga kalamnan. pagsulat ng mas malawak na mga pandekorasyon na stroke, sa partikular, sa anyo ng mga background na harmonika. pagbuo. Samakatuwid ang ugali patungo sa isang mas katamtamang paggamit ng alahas sa Rameau, pati na rin sa paglaon na Pranses. halimbawa, ang mga harpsichordist. sa J. Dufli. Gayunpaman, sa ika-3 Huwebes. Ika-18 siglo Naabot ni O. ang isang bagong kasikatan sa mga gawaing nauugnay sa sentimental na mga trend. Isang kilalang kinatawan ng sining na ito. Si F. E. Bach, ang may-akda ng pamamahayag na "Karanasan ng tamang paraan ng paglalaro ng clavier," ay gumawa ng isang talumpati sa musika, kung saan binigyan niya ng pansin ang mga katanungan ng O.

Ang kasunod na mataas na pamumulaklak ng klasiko ng Viennese, na naaayon sa mga bagong aesthetics. ang mga ideyal, na humantong sa isang mas mahigpit at mas katamtamang aplikasyon ng O. Gayon pa man, nagpatuloy siyang gampanan ang isang kilalang papel sa gawain ni J. Haydn, W. A. \u200b\u200bMozart at ng batang L. Beethoven. Ang Libreng O. ay napanatili sa Europa. pangunahin ng musika sa larangan ng pagkakaiba-iba, virtuoso conc. cadenza at wok. coloratura. Ang huli ay makikita sa romantikong. php. musika ika-1 palapag. Ika-19 na siglo (lalo na ang mga orihinal na porma ni F. Chopin). Sa parehong oras, ang hindi nag-iisa na tunog ng melismas ay nagbigay daan sa isang tunog ng katinig; sa partikular, ang trill ay nagsimulang magsimula preim. hindi sa auxiliary, ngunit may pangunahing. tunog, madalas na may pagbuo ng isang off-beat. Napakasuway. at ritmo. Ang paglambot ng O. ay taliwas sa tumaas na dissonance ng mga chords mismo. Ang walang uliran pag-unlad ng mga harmonies ay naging katangian ng mga romantikong kompositor. matalinhagang background sa FP. musika na may malawak na pangkulay. gamit ang pedal, pati na rin ang mga timbre-makukulay na pigurin. mga texture sa orc. mga marka Sa 2nd floor. Ika-19 na siglo nabawasan ang halaga ng O. Noong ika-20 siglo. ang papel na ginagampanan ng malayang O. ay tumaas muli na may kaugnayan sa pagpapalakas ng improvisation. nagsimula sa ilang mga larangan ng kalamnan. pagkamalikhain, halimbawa. sa jazz music. Mayroong isang malaking teoretikal at pamamaraan. panitikan tungkol sa mga problema ng O. Ito ay nabuo ng walang pagod na mga pagtatangka upang linawin ang mga phenomena O., "tutol" dito sa kanilang improvisation. kalikasan Karamihan sa naroroon ng mga may-akda ng mga gawa bilang mahigpit na labis na mga patakaran para sa pag-decode, sa katunayan, ay naging mga pribadong rekomendasyon lamang.